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La Fundación: la saga clásica en la que se basará la nueva serie de Apple

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La saga de La Fundación, de Isaac Asimov, es una de las mejores series literarias de ciencia ficción de todos los tiempos y, sobre todo, una de las más influyentes. También podría ser el puñetazo sobre la mesa que Apple TV+, el inminente servicio de vídeo bajo demanda que la compañía de Tim Cook presentó en marzo de este año, necesita para triunfar. El proyecto de adaptación en forma de serie de diez episodios está al caer, y podría ser la próxima gran superproducción de la pequeña pantalla digital.

Las grandes plataformas de visualización de series son más baratas que ir al cine, pero hay tantas competidoras que precisan de un distintivo que atraiga a una base sólida de clientes. Disney Plus contará con las series de Marvel, Netflix llamó la atención con House of Cards en el 2013, HBO tenía la gran baza de Juego de Tronos y ahora pretende sustituirla con otros éxitos como Chernóbil o Westworld… y, en cuanto a la más discreta Amazon Prime Video, no le viene mal estar incluida junto a otros servicios de esta enorme compañía. Además de esta circunstancia, como veremos, La Fundación es una saga muy actual y atractiva a la que Apple podría sacarle mucho partido, y cuya mirada al futuro se identifica a la perfección con la imagen de marca de la popular empresa tecnológica.

Una historia del futuro

Cabe aclarar que el prolífico Asimov, autor fundamental a la hora de entender la cultura del siglo XX, desarrolló el universo de la Fundación a través de sagas más o menos tangenciales, relacionándolo con sus relatos sobre robots, además de escribir dos precuelas y dos secuelas a partir de los años ochenta por sugerencia de sus editores. Sin embargo, la saga que revolucionó la ciencia ficción apareció en tres recopilaciones de historias durante los años cincuenta… y, en ellas, el escritor nos cuenta lo que sucederá con nosotros después de viajar más allá de nuestro planeta.

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El eje sobre el que orbita la trama de estas tres novelas, situadas miles de años en el futuro, se centra en el descubrimiento del científico Hari Seldon: la psicohistoria. Esta nueva disciplina le permite estudiar el comportamiento humano a gran escala, y predecir los movimientos de las masas. Seldon sostiene que, si bien el individuo es impredecible, las sociedades siguen unas dinámicas muy concretas que resultan fáciles de calcular con los datos adecuados… y sus conclusiones son escalofriantes.

El Imperio Galáctico, que se ha extendido por gran parte la galaxia a partir del casi olvidado planeta Tierra, está condenado a desintegrarse para dar paso a una etapa de barbarie que culminará con el resurgimiento de la civilización. Como solución para reducir este período intermedio, Seldon pone en marcha un ambicioso proyecto: enviará a una gran cantidad de estudiosos al planeta Términus, para que redacten una Enciclopedia Galáctica en la que recojan el conocimiento que conserva la raza humana. Como un padre protector, un holograma de este viejo científico se les aparecerá a sus habitantes durante las distintas crisis que atraviese esta nueva civilización, en las que descubrirán secretos que ignoraban sobre el plan que este sabio tenía reservado para ellos. Y, en el otro extremo de la galaxia, se sitúa una Segunda Fundación…

Una historia del pasado

Hay que tener en cuenta que, aunque Asimov publicó La Fundación en forma de novela a principios de los años cincuenta, el primero de los relatos que la conforman se publicó en el año 1942. Se trata de la época de desarrollo de los sondeos, en la que empresarios como Gallup o Roper comenzaron a idear técnicas para predecir el comportamiento de los votantes a través de una muestra relativamente pequeña de población. Sus aciertos a la hora de deducir que Roosevelt sería el ganador de las elecciones les granjearon un gran prestigio social y hasta contratos con la Casa Blanca: los americanos comprendieron, más pronto que tarde, una gran verdad. El que sabe qué sucede en el futuro tiene un control mucho mayor sobre el presente.

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Con esta premisa, Asimov demuestra no solo sus conocimientos teóricos de ciencias puras, sino también su comprensión acerca de las denostadas ciencias sociales, una distinción que se hará fundamental en el desarrollo de la trama. A pesar de que la primera novela comenzó a escribirse en tiempo de guerra, los héroes de este escritor no son generales ni guerreros: son intelectuales, tanto políticos como científicos. Las guerras nunca se ganan por la fuerza bruta, sino gracias a una inteligente gestión de recursos y oportunidades por parte de los herederos del visionario Seldon, entre los que destacan figuras como Salvor Hardin y Toran Darell. Estos protagonistas algo idealizados utilizan su cerebro para manipular a sus adversarios y preservar el sueño de este genio a través de los siglos. La Fundación es una oda a la capacidad humana de innovar y superar a la adversidad, incluso en momentos tan difíciles como la caída de un imperio.

Sin embargo, sin entrar en spoilers, Asimov nos advierte: las predicciones del futuro pueden ser engañosas, y cualquier plan se encuentra con obstáculos que hacen de la improvisación una necesidad. El creador de la psicohistoria deja claro desde el principio que sus cálculos son una estimación sujeta a una probabilidad que, aunque extremadamente alta, no es infalible. Esto no solo le aporta cierto realismo sino que, desde el punto de vista literario, ¿qué gracia tendría que sus vaticinios fueran perfectos? Gracias a este componente caótico, los libros acaban convirtiéndose en excelentes novelas de aventuras que han recibido varapalos por un estilo muy simple de narración… pero, precisamente, eso hace que las ideas que Asimov sean comprensibles para todos sus lectores. No olvidemos que parte de su obra estuvo dedicada a la divulgación científica, que no solo exige corrección: también demanda una pulcra sencillez.

Una historia del presente

¿Sigue manteniendo la vigencia La Fundación? Déjame reformular la pregunta. ¿Cuántas veces has oído hablar este año de encuestas del CIS, del Big Data, de Cambridge Analytica y su utilización de datos personales con fines políticos? Los mismos medios digitales, para escoger la hora a la que se publicarán sus entradas, utilizan las analíticas que WordPress y otros soportes proporcionan sobre el comportamiento de sus lectores. Si bien La Fundación es una hipérbole, y muchos de sus elementos son fantasiosos, no podemos decir que carezca de base: en la actualidad existe un modelo de negocio bastante rentable que se basa en predecir el futuro para poder manipularlo.

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Esta relevancia, más de sesenta años después de su publicación, garantiza un éxito casi seguro si Apple invierte el dinero suficiente. El uso de talentos de primera división como el showrunner David S. Goyer garantiza que la compañía confía en el proyecto. Por ello, a pesar de baches como el abandono del cocreador de la serie este abril, no resulta arriesgado predecir que una serie como esta puede convertirse en un nuevo acontecimiento televisivo si sus responsables consiguen adaptarla con fidelidad. Para ser sinceros, lo más probable es que Apple haya dedicado más recursos a garantizar este futuro que los que Hari Seldon pudo soñar para su preciada Fundación.

P.D: Más allá de la trilogía

Para los interesados en devorar la historia completa del futuro que predijo Asimov, aquí está el orden de lectura de los libros más o menos relacionados con la saga:

Ciclo de la Tierra

  1. Yo, Robot (1950)
  2. Las bóvedas de acero (1954)
  3. El sol desnudo (1957)
  4. Los robots del amanecer (1983)
  5. Robots e Imperio (1985)

Trilogía del Imperio Galáctico

  1. En la arena estelar (1951)
  2. Las corrientes del espacio (1952)
  3. Un guijarro en el cielo (1950)

Ciclo de la Fundación

  1. Preludio a la Fundación (1988)
  2. Hacia la Fundación (1993)
  3. Fundación (1951)
  4. Fundación e Imperio (1952)
  5. Segunda Fundación (1953)
  6. Los límites de la Fundación (1982)
  7. Fundación y Tierra (1983)

Los personajes de terror más icónicos del mundo del cómic

Hay muchos personajes de los que nos acordamos cuando hablamos de las obras de ficción que más nos han aterrorizado. La literatura tiene a Drácula, a Frankenstein y a Cthulhu. El cine tiene a Michael Myers, Jason Voorhees y Freddy Krueger. Los videojuegos tienen a Némesis, a Pyramid Head y a los necromorfos de Dead Space. Pero… ¿y los cómics? ¿Qué personajes han llenado las pesadillas de los aficionados a una forma de entretenimiento que, en sus mejores momentos, llegó a vender millones de ejemplares? Quédate con nosotros para hacer un repaso por la historia del horror en los tebeos.

Os dejamos el artículo en formato vídeo. Si te gusta no olvides suscribirte al canal. 

 

 

El Guardián de la cripta

Durante los años cincuenta, en plena decadencia del género de superhéroes, un nuevo tipo de cómic empezó a imponerse en una sociedad menos inocente que había experimentado la Segunda Guerra Mundial. Exacto, lo habéis adivinado: estamos hablando del cómic de terror. Las habitaciones de niños y no tan niños se llenaron de imágenes escabrosas, de historias truculentas y de unas portadas tan escalofriantes que provocaron la reacción exacerbada de la sociedad puritana de aquel entonces. Por culpa del boicot de las asociaciones de padres y de la instauración del código de censura llamado Comics Code Authority, que limitó las posibilidades creativas del medio, las colecciones de terror acabaron cerrando. De entre ellas destacaban las publicadas por EC Comics, no solo por el uso de la violencia, sino por la participación de estrellas del cómic como Wally Wood, Jack Davis o Graham Ingels.

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Una de las novedades que introdujeron fue la existencia de un narrador en sus antologías, que aparecería al principio y al final de sus pequeños relatos de terror. El anfitrión de La cámara de los horrores era otro guardián, la anfitriona de La guarida del miedo era una bruja… pero hoy en día recordamos a la socarrona figura encapuchada que aparecía en la popular Historias de la cripta. Aunque su creador gráfico fue Al Feldstein, Jack Davis le acabó convirtiendo en una caricatura más acusada todavía, en un cachondo que siempre tenía una broma bajo su enorme manga para aligerar las historias que contaba. Esta colección no duró mucho: la mayor parte de sus autores acabó emigrando a la revista MAD tras su cierre, y el Guardián de la cripta no recuperaría su popularidad hasta aparecer como protagonista en la adaptación de la HBO. Su influencia es enorme, y va desde la revista Creepy hasta la clásica cinta de George Romero Creepshow, pasando por la anfitriona de terror Vampirella.

El Hombre Cosa y la Cosa del Pantano

El Comics Code fue relajándose con el paso de los años, llegando a permitir la existencia de historias que trataban el tema de las drogas o los disturbios raciales. Esto hizo que las dos grandes editoriales, Marvel y DC, vieran un filón de oro a explotar: los tebeos de terror. Esto propició la llegada de personajes como el Motorista Fantasma, Etrigan o el retorno al cómic del propio Drácula. Sin embargo, los personajes más destacados serían dos: el Hombre Cosa de Marvel y la Cosa del Pantano de DC, creados con dos meses de diferencia por dos compañeros de piso: Gerry Conway y Len Wein respectivamente, con Gray Morrow y Bernie Wrightson a los dibujos. Saquen sus propias conclusiones.

Independientemente de nuestras conjeturas, los dos personajes son muy similares. Ambos son dos científicos que, al sufrir un accidente en su laboratorio dentro de un pantano, acabarán convertidos en una horrible criatura de color verde. Aunque sus creadores realizaron meritorios tebeos sobre ellos, fueron otros autores los que los diferenciaron. En el caso del Hombre Cosa, el enfant terrible Steve Gerber le convirtió en el salvador del Multiverso y le dio excéntricos aliados como el bárbaro Korrek o Howard el Pato, además de tratar temas sociales en sus viñetas.

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Sin embargo, fue la Cosa del Pantano la que acabó erigiéndose como el personaje con una etapa más interesante: la de Alan Moore. Este autor británico no solo recogería el testigo de Gerber para hacer crítica social, sino que cambiaría retroactivamente el origen del héroe para diferenciarlo de su competidor marvelita y le metería de lleno en una historia épica de horror cósmico digna del mismísimo Lovecraft. Además, creó al investigador de lo oculto John Constantine, que acabaría convirtiéndose en el protagonista de su propia serie y en uno de los personajes para adultos más representativos de DC. Cualquier aficionado al cómic, sobre todo al de terror, debería leer esta magnífica etapa que pronto será adaptada a la televisión.

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Spawn

Muchos factores confluyeron para dar vida a Spawn: en primer lugar, el estrellato de su creador Todd McFarlane en un período donde los dibujantes empezaban a ser más apreciados que los guionistas. También influyó el boom del cómic adulto, con Sandman destacando en el sello Vértigo de DC y tebeos como Cerebus o Love and rockets en el mercado independiente. McFarlane fue uno de los autores que, descontentos con el contrato que tenían con Marvel, crearon su propia editorial donde tendrían los derechos completos, incluyendo los de adaptaciones cinematográficas, de todas sus creaciones. Aunque los primeros tebeos publicados por Image Comics son de una calidad más que dudosa, supuso una iniciativa necesaria que hoy permite la publicación de grandes obras que se escapan al control de las dos grandes.

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Spawn es el personaje más popular de esta primera hornada de series, y no es difícil ver el porqué. Su aspecto es muy impactante y espectacular, además de oscuro, y su historia no es original pero sí atractiva: un marine que, al ser asesinado por su superior, acaba volviendo al mundo bajo las órdenes de un demonio. Sin embargo, el no contar con un buen guionista hizo que sus historias se convirtieran en un conjunto de escenas violentas sin sentido y sin la profundidad que solo pueden aportar autores realmente adultos como Alan Moore o Neil Gaiman. Ha tenido numerosas adaptaciones a lo largo de los años y su creador está trabajando en una nueva película. Quizás volvamos a saber de este soldado del infierno.

Hellboy

Este personaje, que surgió en la editorial Dark Horse, aprovechó mejor que Spawn las posibilidades que le ofrecía el cómic independiente. También es cierto que su creador, Mike Mignola, no solo era un dibujante excepcional que ya había trabajado en Marvel y DC, sino un guionista más que adecuado para este personaje, dada su fascinación con las historias de terror.

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Hellboy es un demonio (cuyo origen se va descubriendo poco a poco en el cómic) que fue invocado por el monje loco Rasputín, con ayuda del Tercer Reich. Sin embargo, un grupo de soldados estadounidenses logró recuperarlo, y criarlo en la sede de la Unidad de Defensa e Investigación Paranormal, donde el profesor Trevor Bruttenholm se convertirá en su padrastro. Ya adulto, este infante del infierno se dedicará a acabar con las distintas amenazas sobrenaturales que van apareciendo, con la ayuda de aliados como Abe Sapien. Las historias de Hellboy no solo tienen influencia de Lovecraft, sino de diversas mitologías que conforman un rico universo.

Este mundo funciona ahora como franquicia independientemente de su personaje principal, con Abe Sapien o el héroe pulp Lobster Johnson protagonizando sus propias miniseries. Además de ello, este demonio protagonizó dos películas dirigidas por Guillermo del Toro, de las que pronto habrá un remake.

Rick Grimes

Una de las criaturas más célebres del terror es el zombi o, mejor dicho, los zombis: nunca suelen actuar solos. Que se lo digan al bueno de Rick Grimes, un agente de policía que despierta en un mundo dominado por ellos tras estar en coma. Protagonista de The Walking Dead, historieta guionizada por Robert Kirkman para Image Comics, pronto se convertirá en el líder de un grupo de supervivientes y tratará de restablecer cierto orden en este mundo caótico.

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Aunque este cómic no podría calificarse estrictamente como una obra de terror, el uso de los muertos vivientes y su innegable importancia dentro del panorama independiente le hacen merecedor de estar en esta lista. A lo largo de sus casi doscientos números de andadura, este héroe no solo tendrá que hacer frente a las hordas de caminantes, sino a las miserias humanas que salen a la luz en esta situación extrema. Esto acabará provocando numerosas heridas, tanto físicas como emocionales, con las que tendrá que lidiar para sacar adelante a su comunidad.

The Walking Dead ha sido adaptado con mucho éxito a la televisión por parte de la cadena AMC, en una serie que lleva nueve temporadas en antena. Si te interesa profundizar en los últimos capítulos, los estamos analizando en esta página. Pincha en este enlace si quieres saber más.

Conclusión

Existen muchos más personajes de terror dentro del cómic que nos hemos dejado en el tintero, pero considero que estos son los más significativos e influyentes. Son los que han tenido más imitadores y los que protagonizan las aventuras en las que muchos pensamos cuando rememoramos las pesadillas que nos ha suscitado una viñeta.

¿Qué opinas? ¿Te parece una buena lista? ¿Tienes a algún favorito que no hayamos mencionado? Cuéntanoslo en los comentarios, si te atreves.

Jason Statham vs Dwayne Johnson: Filmografías de ambos actores

Bienvenidos a este divertido combate entre los dos grandes pesos pesados del cine de acción actual Jason “The trasporter” Statham y Dwayne “The Rock” Johnson antes de la salida de su buddy movie y spin-off de The fast and the furious llamada Hobbs & Shaw. En este artículo nos hemos propuesto enfrentar a ambos intérpretes durante estos últimos años para ver quien ha cosechado más éxitos en el cine y decidir quién se alza con el título de campeón.

Round 1: 2001

En este año se estrenó la secuela de La Momia con Dwyane Johnson en el papel de El Rey Escorpión y el público enloqueció con este personaje. Tanto fue así que tuvo su propio spin-off un año más tarde (de ese bodrio mejor no hablar). Con su interpretación de este villano fue donde comenzó la carrera de este luchador convertido en actor y lo hizo con un gran éxito que lo catapultó.

Por su parte el señor Statham participó en tres filmes: El Único, Jugar duro y Fantasmas de marte. Ninguno de ellos pasará a la historia como una obra maestra, eso seguro. Ni los asesinos del multiverso, ni el futbol, ni el terror de John Carpenter pudieron salvar este año regulero del actor.

Así que creo que este primer round es para el señor Johnson por su papel como Rey Escorpión.

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Round 2: 2003

Aquí La Roca se fue al Amazonas para compartir pantalla con Sean William Scott y Christopher Walken en una comedia de acción en la que mostró su vis cómica y que resultó entretenida sin más pretensiones. Por su parte Jason Statham se marchó al cine europeo para hacer famoso a un hombre que transporta cosas o personas de A a B. Esta cinta de acción fue todo un éxito y a este gran año sumó su presencia en The Italian Job. Esta Heist movie (remake con un elenco brillante) fue del agrado de crítica y público y fue otro acierto para el actor británico.

Este round es para Jason Statham.

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Round 3: 2004 a 2010

Juntamos tantos años ya que el señor Johnson (durante ese periodo) actuó en películas de segunda fila que tampoco merecen casi mención de forma independiente: Pisando fuerte, Doom, Papá por sorpresa o Superagente 86 entre otras. Nada reseñable para la carrera de La Roca más allá de comedias para blanquear su imagen y acción para demostrar su lado de tipo duro.

Jason Statham tampoco es que se prodigara en películas muy aclamadas, pero participó en algunas que sí merecen la pena mencionar: Las secuelas de Transporter, Revolver, Los mercenarios y hasta nos regaló un cameo en Collateral de Tom Cruise. Básicamente su mayor éxito fue la reunión de actores de acción de los 80 y 90 que encabezó Stallone. Su tributo a aquellas películas de tipos duros que no tenían tiempo para sangrar se convirtió en un taquillazo y dio lugar a dos secuelas más.

Este Tercer round es también para el señor Statham.

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Round 4: 2011 a 2015

Aquí ya cada uno de los actores participó en tantas películas como días tiene el año. Dwayne apareció por primera vez en la saga The Fast and the Furious 5 como némesis de los protagonistas y ya ha seguido en ella hasta el presente. Ha participado en San Andreas, Gi-Joe, Viaje al centro de la tierra 2, Fast and furious 6 y 7, Hercules y en la serie The Ballers, entre otras muchas cosas. ¡Vamos que no ha parado ni para almorzar!

Statham tampoco es que haya aminorado el ritmo con respecto a su contrincante: The mechanic, Safe, Mercenarios 2 y 3, Fast and furious 6 y 7 (en la primera de ellas únicamente en la escena post-créditos).

Como podéis ver cada uno ha estrenado grandes taquillazos en cine y la cosa está muy reñida entre ambos, pero creo que este round se lo doy a The Rock por haber sido más versátil que Statham en los personajes que ha interpretado.

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Round 5: 2016 a 2019

No vamos a mencionar la saga de Fast and Furious ya que ambos actores están participando en ella y eso no decanta la balanza. The Rock se ha centrado en estos años más en la acción (siempre con parte de comedia) y nos ha dejado una secuela de Jumanji (que a mí personalmente me gustó mucho), El rascacielos, El proyecto Rampage, Un espía y medio, más temporadas de The Ballers y el remake de Los vigilantes de la playa (que también me gustó bastante… teniendo en cuenta que no es una película para tomársela en serio y que en ocasiones se ríe de sí misma).

El actor británico ha sido menos prolífico en esta última etapa. Nos ha dejado la secuela de The Mechanic y Megalodón… Sí, esta última lo ha petado en cines pese a que el argumento es de risa y se basa en la premisa de Statham vs Tiburon gigante, pero a veces nos gusta ver este tipo de cine. ¿Quién no ha disfrutado con Sharknado, Lavalántula, Ghost Shark y demás? Pues eso es Mgealodón pero con mucho presupuesto.

Visto lo visto creo que este último round será para Dwayne Johnson por la variedad de títulos y por la calidad media de ellos.

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Y el campeón (bajo mi punto de vista) es La Roca aunque la victoria ha sido muy ajustada ya que Statham es otro de los pesos pesados dentro del cine de acción de estos últimos 20 años.

Y con este rápido repaso a parte de la filmografía de ambos actores ya podemos ir a ver Hobbs and Shaw sabiendo que trabajos han llevado a ambos a estar en lo más alto del escalafón de actores de acción actualmente.

Sin más, me despido animándoos a que disfrutéis de las cosas que nos hacen felices por que eso nos hace la vida más llevadera.

Saludos desde el sótano de la batcueva.

Análisis de Predicador. Temporada 4. Capítulo 1

¡Alabado sea el Dios Perro! El buen dios canino nos ha permitido que, por cuarta temporada, nosotros sus fieles podamos disfrutar del Predicador Jesse Custer, y sus aventuras en busca del bien supremo, sea cual sea el mal que deba dejar por el camino. No me voy a liar, y os recuerdo que os podéis encontrar mis análisis de temporadas anteriores en este típico enlace, y nos vamos directamente a Masada.

Un buen comienzo

Cassidy y Tulip tontean en una habitación, demasiado impersonal para no ser la de un hotel. Entre bromas sobre cerveza y cigarrillos, el vampiro y la asesina echan una canita al aire; mientras Jesse Custer se estrella contra el suelo en Australia. Por supuesto, se trata de un sutil recurso narrativo, en el que debemos conocer antes como hemos llegado a este punto.

El plan y el rescate

Hace unos meses, nuestro amado Cass se pudria junto a un ángel en una de las celdas de la malvada organización que lidera nuestro amado Herr Starr. En Masada, el Grial tiene su sede, y su lugar de iniciación a… Bueno, en general, a la tortura. Por suerte, Cass sabe un rato de eso, y va a ser el invitado especial de la clase de tortura avanzada. Y os aseguro que Frankie es un tío con una innumerable cantidad de recursos cuando de infligir dolor se trata. No por nada es el profesor de la materia avanzada. He de decir que circuncidarlo cerca de unas 150 veces es una tortura muy imaginativa.

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Han vuelto… Y ya era hora, joder

Y mientras Cassidy grita, los fieles servidores del Grial cantan. He de decir que echaba de menos a Génesis en nuestra vida. Todo es mucho más divertido cuando Jesse ordena, y el mundo obedece. Sobre todo si usa ese poder para hacer de Tulip la jefa suprema de un ejercito de fascistas cantores. En serio ¿No os encanta esta serie? Lo importante es que, como es habitual, Herr Starr cree estar preparado para el Predicador. Incluso ha puesto un control de aeropuerto en la entrada, y ha traído a una anciana sorda para extremar las precauciones. Por supuesto, nada funciona, y Jesse se sale con la suya.  Una escena de pelea, en la que vemos de nueva esa cara oscura de Jesse, que precisamente es la que recibe más iluminación, y el Predicador y el vampiro acercan posturas. Aunque hay lago raro en Cass, según le parece a Jesse.

Reconozcamoslo, ¿Quién no estaría un pelín resentido en la situación de Cassidy? Ha sido vejado, torturado, vejado de nuevo y vuelto a torturar, con brillante ironía, en lo que Jesse Custer tardaba en darse cuenta de que tal vez su amigo vampiro podría llegar a ser importante para él. Nada que una tensa y cínica conversación de ascensor y una catártica pelea no solucionen.

Mientras, Tulip lleva su propia marcha, acompañada por su ejercito de ovejas. Por desgracia, las ovejas bajo control mental no son buenas en aquello de ser silenciosas y astutas, por lo que a la primera de cambio, el plan de Tulip se va al garete, y un montón de ovejas fascistas muertas, una de ella, medio muerta, aplastada por una puerta. Pero, por supuesto, Tulip siempre encuentra la manera de llevar a cabo su parte del plan. Arriba de la montaña, la zorra que una fuera su mejor amiga la espera sentada. Son tal para cual. Y tras una pelea en las altura, Tulip cree que por fin puede acabar con la zorra pesada, pero… la muy h d p casi tiene alas. Aunque por una parte es hasta risible, por otra te alegras un huevo de que este romance maníaco no termine. Conmovedor.

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Ahí vuelven. Ellos. Héroes de mercadillo

Pero, por supuesto, las cosas no acaban así. Cassidy decide quedarse encerrado porque «Lo tiene controlado», y Jesse y Tulip charlan en un bar, y deciden volver a por él. Pero por la noche, las voces de su padre, del futuro y de él mismo, advierten a Jesse sobre algo, aunque no entendemos sobre qué. Pero, una vez más, Jesse se larga.

La santísima trinidad

Klaus Starr es, posiblemente, el villano más chapucero de la historia, y precisamente por eso, el mejor. Pero es esa chapucería lo que lo mantiene con vida. Y es que, si ya te has traído a una anciana sorda a la función, ¿Por qué no darle todo el uso posible? Usando a la vieja como parapeto, Herr Starr vuelve a salir con vida de un encuentro con Genésis, aunque, de nuevo, este le deja un recuerdo. Herr Starr pierde una oreja, y empieza a parecerse demasiado a Padilla. Pero Herr Starr tiene muy buenos amigos, y Dios mediante, que él y su altísimo van a hacer sufrir a Jesse Custer… a cualquier precio.

Cosas Felices Predicador 4
Dios, el gran villano. Que fantasía

Mientras, el pistolero y Eugene, el nuevo duo cómico del momento, se deja car por Lousiana para visitar la vieja plantación de los L’Angelle. Por supuesto, Jesse no ha dejado mucho por allí para rastrear.

La opinión de Sofía

Pues me ha encantado, la verdad. Es un pedazo de inicio de temporada. He de decir que me preocupa un poco volver a separar las historias de Jesse y de Tulip y Cassidy. No obstante, la idea de mi villano favorito y el mismo Dios como némesis de la temporada, y de la evolución de la relación entre Tulip y Cass me hacen tener muchas esperanzas en esta temporada.

En cualquier caso, aún es pronto para valoraciones. Poco a poco iremos dilucidando si las cosas se aclaran esta temporada, y se desenredan los enredos creados en las temporadas anteriores. Si mantiene el nivel de la cuarta temporada, iremos bien. Más en el próximo capítulo. Hasta entonces… sed felices.

Reseña de Ms. Marvel: Fuera de lo normal, el inicio de Kamala Khan

Una de las grandes novedades de julio de Panini Comics es sin duda este magnífico omnibus de tapa dura que recopila en 272 páginas Ms. Marvel Vol. 3, #1-11 USA y All-New Marvel Now! Point One One shot a un precio de 28,5 euros. Si estás interesado en comprarlo pulsa en este enlace.

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Kamala Khan es una adolescente musulmana nacida y criada en Nueva Jersey. A los problemas propios de la adolescencia debe añadir el vivir en un lugar que la mira con recelo por su origen paquistaní y unos padres algo más estrictos que los de algunos de sus amigos. Una noche en la que se escapa a una fiesta, su vida cambia para siempre. Debido a una misteriosa niebla, obtiene nuevos y maravillosos poderes que la transforman en…¡Ms. Marvel!

La adolescencia es una época importante en la vida de toda persona, en estos años forjamos nuestra identidad y las características que nos definirán el adulto en el que nos convertiremos. Marvel ha tenido multitud de personajes adolescente de gran importancia: Spiderman, Los Nuevos Mutantes, Generación-X, los Runaways…todos ellos han ayudado a introducir a los jóvenes lectores en este mundo, con personajes con los que compartían temores, aficiones y podían sentirse identificados.

En la segunda mitad de los años 60 se creó al Capitán Marvel, un alienígena Kree que defendía a La Tierra, siendo un personaje tan importante que llevaba el nombre de la editorial. Poco después, en plena ebullición de versiones femeninas, llegaba Ms. Marvel, siendo una mujer independiente, profesional y que reflejaba los cambios sociales que estaban ocurriendo en los años 70. Después de altibajos y cancelaciones tanto del Capitán Marvel como de Ms. Marvel, pasan varios años hasta que después de Dinastía de M y Los Nuevos Vengadores volvía a resurgir Carol Danvers y Ms. Marvel, hasta después de la guerra entre Los Vengadores y La patrulla-X, cuando Carol toma el nombre de Capitana Marvel y deja libre el de Ms. Marvel. Es entonces cuando surge Kamala Khan, una nueva superheroína musulmana de ascendencia paquistaní y que más allá de estereotipos raciales es una adolescente normal con poderes y los típicos problemas de las chicas de su edad. La Casa de las Ideas se tomó muy en serio la representación religiosa y cultural de este personaje, dejándola en manos de personas conocedoras de su cultura -algo lógico, pero que no siempre se cumple- como la editora paquistaní Sana Amanat y a G. Willow Wilson, novelista y guionista conversa al Islam. Estas dos mujeres musulmanas formaban equipo junto al dibujante Adrian Alphona, conocido por su trabajo en el cómic adolescente Runaways.

una ms marvel diferente

Sin los mutantes, cuyos derechos pertenecían en ese momento a Fox, se intentó buscar unos sustitutos de ellos para explotar en el medio audiovisual, siendo Los inhumanos los elegidos. En el evento Infinito, su líder Rayo Negro por medio de una Bomba Terrígena liberó por todo el planeta las Nieblas Terrígenas, que convertían a personas en Inhumanos, hecho que sirvió como punto de origen a Kamala Khan, dándoles poderes polimorfos que más allá de ser espectaculares o vistosos, son muy divertidos. Y así surge la intención de reflejar la vida de una chica normal musulmana en Estados Unidos, que de repente tiene unos poderes que no puede comprender. La religión es una parte importante de ella, pero no la define, siendo además su vida social tan importante como su vida superheróica. Creo que lo más interesante del cómic es su representación como modelo estadounidense-paquistaní y la visión del islam como una religión flexible y que depende de la persona que la práctica, alejándose de la islamofobia e ignorancia que hemos podido ver en la última década, sirviendo un verdadero ejercicio de honestidad del lector con esta religión, sin que esto repercuta en el ritmo rápido y divertido del cómic. Esto no significa que Kamala no tenga conflictos intergeneracionales, como su padre, más tradicional y protector con kamala, así como su hermano, siendo el más religioso. A pesar de esto, en todo momento el entorno familiar está lleno de unión y amor. Aunque Kamala no siempre está de acuerdo con su familia, tampoco rechaza su origen. El Cómic no es una crítica despiadada a la cultura musulmana ni tampoco es propaganda política ni religiosa, es simplemente un reflejo de lo que es la vida de una adolescente estadounidense-paquistaní, alejada de la caricatura que hemos podido ver en multitud de obras.

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En las primeras páginas del cómic vemos una presentación de los personajes, y en apenas unas viñetas conocemos a Nakia, chica turca amiga de Kamala y a Bruno, que trabaja en el Circle, una tienda de ultramarinos. Pronto aparecen una chica y un chico que con estereotipos e ignorancia se burlan de los tres amigos. Kamala es una chica inocente y que sueña con ser como una de las heroínas que escribe en su fanfic de Los Vengadores. Pronto conocemos a la familia de Kamala, cuyo padre la prohíbe asistir a una fiesta con sus amigos, algo que nos habrá ocurrido a todos con 16 años. Kamala sueña con ser «normal», ser popular e integrarse con los demás jóvenes, por lo que se escapa y asiste a la fiesta sin el permiso de sus padres. Una vez allí ve como se equivocaba, y aunque haya asistido a la fiesta, no evita que Zoe y los demás chicos se burlen de ella. Pronto, una niebla llega a la zona, lo que hace tener a Kamala alucinaciones con Capitana Marvel y demás superhéroes, después de una conversación con ellos, despierta con su sueño cumplido: ahora tiene el aspecto de Ms. Marvel. Pronto descubrirá que ser otra persona no es liberador, que la valentía no proviene de un traje y que su mayor poder es aceptarse a sí mismo.

kamala khan fuera de lo normal

Conclusión

La Ms. Marvel de Kamala Khan es un divertido soplo de aire fresca a los super héroes de Marvel, siendo una perfecta entrada para todos aquellos jóvenes que quieren introducirse en el mundo super heroico con multitud de referencias a elementos culturales actuales. Alphona al dibujo hace un gran trabajo, con multitud de detalles divertidos de fondo y unos diseños de personajes que encajan perfectamente con el tono del cómic. Aun así aclarar que este cómic no trata sobre superhéroes endiosados salvando al universo semana tras semana y viviendo en el anonimato. No es un cómic con un dibujo hiperrealista, no tiene giros de guion sorprendentes ni villanos ultra poderosos. Kamala no es una gran líder ni siempre sabe qué decir y qué hacer en cada momento como muchos súperheroes. El tratamiento que tiene de la vida adolescente es maduro e inspirador. Por todo ello, esta Ms. Marvel merece la pena.

El Pionero (HBO). O los problemas de la HBO con la realidad.

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Nos gustan los monstruos. Verlos por la televisión o en los videojuegos, digo. Nos podríamos ir por las ramas sobre el porqué es así, pero como somos gente poco moral y por madurar que sigue leyendo cómics ya siendo adulta recurriremos a las viñetas. En Ultimate Spiderman lo contaba muy bien nuestro odiado Bendis. Allí Kingpin, el señor del crimen, le decía a Spider-Man que al héroe arácnido le odiaba mucha gente por sus actos heroicos. Haciendo el bien Spider-Man estaba haciendo sentir a los demás que no hacían nada por los demás como hacía él. Y por eso muchos le odiaban. En cambio saber que existía Kingpin a mucha gente le reconfortaba. Bueno, a casi nadie le gusta que existan los jefes mafiosos, pero si hay un monstruo así cometiendo fechorías tú, estimado lector gris, anónimo y solitario, realmente no eres tan malo.  Los ejemplos morales a veces nos molestan, los monstruos a veces nos alivian.

Pero hasta aquí hemos hablado de los monstruos o villanos de la ficción. A veces hay películas o documentales sobre monstruos o villanos que han existido en la realidad. Como pasa con “El pionero”, la serie de cuatro capítulos que ha hecho la HBO sobre Jesús Gil.  Aquí pasamos a otro capítulo: el del reflejo de la realidad en una película o documental.  En hacerlo transmitiendo fielmente la realidad y hacerlo de manera certera, usando el lenguaje del cine para incidir en las claves del porqué lo que se cuenta es importante. Si no se transmite bien la realidad estamos ante un acto de propaganda ideológicamente sesgado. Si no se acierta con el uso del lenguaje cinematográfico estamos simplemente ante un mal producto.

https://www.youtube.com/watch?v=ubWbdBx38SQ

Aquí ya comentamos cómo Netflix hizo un documental sobre las niñas de Alcasser técnicamente correcto pero ideológicamente cobarde, por aquello de intentar tapar que ese periodismo es el realmente existente desde aquel asesinato y no la excepción como se nos quiere hacer creer. Eso sin comentar la última parte del último capítulo que cae exactamente en todos los vicios que se cargaron casi en exclusiva en Nieves Herrero. Es complicado hacer un documental realmente bueno de algo trascendente o representativo. Netflix no lo consiguió.

HBO se ha acercado a la figura de Jesús Gil, con una intención similar: retratar algo significativo de la reciente historia del país. La idea está realmente bien pensada, pero me temo que la ejecución cae en el desastre en cuanto a lo puramente técnico. Es decir: todo comienza con las muertes en la urbanización estrella de Gil fruto en gran parte de sus ganas de hacer dinero rápido saltándose todo lo saltable.  El documental avanza a partir de ahí, da grandes saltos en el tiempo y luego, no sabemos la razón, dedica muchos minutos al pasado anterior al principio. No es necesario que las cosas se relaten por orden, claro, pero el montaje cae en la confusión. Los saltos en el tiempo están desastrosamente mal planteados y la narración no es nada ágil, lo cual teniendo en cuenta lo histriónico y gritón del protagonista, que casi con ponerle en pantalla entra por los ojos, tiene especial delito.

No podemos decir que sea propaganda clara a su favor ya que no se esconde su forma de ser de empresario del tardofranquismo con modales mafiosos que no entiende la separación de lo público de lo privado, pero sí que entiende que todo debe basarse en hacer amistades y tener testiculina (siempre viniendo de familias ricas o como mucho de clase media, por supuesto, ideológicamente afines al régimen franquista). No faltan las opiniones de afines que, sin negar del todo nada de esto o directamente reconociéndolo, proclamen su carácter visionario, su energía y su ambición. Es posible que ambas visiones ocupen poco más o menos en el documental, no está claro.

El problema, otra vez, es la realidad. HBO intenta, sacando opiniones de opositores a los planes de Gil y de familiares suyos, a gente que le tiene manía y a gente le idolatra, inundarnos con controversia. Ah, hay división de opiniones entre quienes dicen que se saltaban las leyes y allí donde iba se lo tomaba como su cortijo privado y quienes decían que todo lo hacía por amor a su club o su municipio. Qué complejo todo, todos tienen parte de razón, cuántos grises que hay, etcétera. Y sí, en la vida hay muchos grises, pero, vamos a decirlo, esta postura de plantar a gente opinando en distintos sentidos para alcanzar algo de la realidad es muy estadounidense. Es, vamos a decirlo, la posición fácil y cobarde. Claro que las opiniones de Jose María García, la oposición a Gil en Marbella o el administrador judicial que se hizo cargo del Atlético de Madrid son importantes. En este caso último más que debería serlo, apenas habla en el documental, cuando en más de una entrevista ha dejado claro que el descenso del Atlético de Madrid fue obra de Jesús Gil para presionar a la Justicia para que le devolvieran el control del club. Pero más importante aún es todo lo que es simplemente opinión. Es decir, la realidad fuera de la pelea de opiniones y de un La Sexta Noche o El Chiringuito más.

A decir verdad esto se puede conseguir incluso tratando solo con los afines a Gil. A otro nivel, por supuesto, Joshua Oppenheimer consiguió retratar las matanzas en Indonesia de casi medio millón de personas en los años 60 tratando directamente con los genocidas y haciéndoles caer en una trampa maravillosa hecha documental en The Act of Killing (2012). Y lo consiguió incidiendo en las claves de aquellas espantosas matanzas, en los elementos centrales psicológicos y sociológicos del porqué sucedió aquella barbaridad. Prescindió de todo lo accesorio para mostrarnos con representaciones que podían parecer accesorias lo más terrible del ser humano. Por eso The Act of Killing es una obra maestra del documental.

En contraste, El Pionero tiene toneladas de anécdotas, paja, viajes absurdos atrás en el tiempo, baboseo de los afines y declaraciones poco finas de muchos de sus críticos, especialmente la muy limitada política opositora de Marbella. Es más anecdotario que otra cosa, y no precisamente bien contado. ¿Alguien sabría viendo el documental entender cómo alguien así tenía tanto éxito popular? Por el montaje uno puede llegar a pensar que Gil pasa de trabajar de mecánico a tener centenares de millones de pesetas y poder montar urbanizaciones gigantescas, así como si nada. O que su pobre madre no era nadie y que le mandó cartas a Franco con un poder mágico que hizo que el dictador le indultara de la cárcel tras los muertos en la urbanización de Gil.  Y así otras tantas. Se salva la parte en la cuentan más o menos la gestión económica del Atlético de Madrid y de cómo se quedaron con el club sin poner nada de dinero, que sí está explicada de modo sencillo y entendible por todos.

Como decimos, la serie hubiera ganado con menos anécdotas y testimonios que por muy personales que sean aportan poco a entender el éxito popular del personaje. Y hubiera ganado más poniéndole más en contexto. Es decir, explicando aunque fuera brevemente que Jesús Gil, al final, no era ningún monstruo. Es el modo de ser de Gil el que predominaría en el empresariado del mundo franquista. Es decir, gente ideológicamente afín, por supuesto, pero también que consideraba que su negocio era como su cortijo, en el que no hay ni huelgas, ni gente reclamando nada, ni quejas, en el que tiene un poder absolutísimo aunque no sea experto en muchas facetas del negocio o aunque se lleve por delante las leyes que sean y por supuesto un talento para o trabar relaciones de complicidad con alcaldes, jueces o policía. Y cuando no, directamente capacidad para castigarles por terceros. Promotores como Gil, cercanos a amigos metidos en política, casposos, machistas, autoritarios e incluso que se metan en clubs de fútbol y demás hubo muchos: Nuñez, el Pocero, Francisco Roig, Jose Manuel Ruiz de Lopera, Jose María del Nido, Lorenzo Sanz y etc.  Eran hijos pródigos del franquismo y luego del franquismo sociológico que tardó en remitir. Gente que confundía sin pudor lo público con lo privado. Hijos pródigos que muchas veces la pifiaban, se arruinaban o pasaban por la cárcel, pero que o eran indultados o encontraban montañas de dinero para pagar fianzas de la aparente nada. Hijos pródigos que, siempre, se presentaban como víctimas, perseguidos por el sistema, cuando eran sus mejores hijos.

Y podría pensarse que todo podría acabar ahí, pero no: la Transición Española, además de ser inmensamente violenta, trajo consigo muchas cosas pero una esencial. ¿Cuál? Que la confusión entre lo público y lo privado, el “me hago aquí un piso, pago una multa y ya es mío” no desapareció de la noche a la mañana. Jesús Gil sale de la cárcel y la España del despertar de la democracia es, visto con perspectiva, una competición entre los partidos gobernantes en las Comunidades Autónomas por ver quien saca más de lo público, que se extendería hasta los años 90. Es sencillamente bochornoso leer y recordar qué hacía Jordi Pujol en Cataluña, Eduardo Zaplana en Valencia o Juan Guerra en Andalucía. Era algo estructural de cómo estaba montada la economía y la política en España. Jesús Gil sale de la cárcel en un país que años después oiría de un ministro que España es el país donde uno se hace rico más rápidamente de Europa. En definitiva, el documental de HBO podría habernos mostrado a Jesús Gil como un producto lógico aunque retorcido y un poco estéticamente más desagradable de cara a la galería de la realidad sociológica que ya existía. Una en la que de los 70 a los 90 fueron una carrera de compadreo entre constructores y políticos, de corrupción a niveles cósmicos, con traficantes de droga cargando fardos a plena luz del día en Galicia y en el que el país era una verbena de ricos listos con amigachos políticos saqueando a tontos pobres sin amigachos metidos a la política.

Es decir, que no sólo Jesús Gil no es un rebelde antisistema. Es que era un hijo del sistema económico y social. La gente le aclamaba a él y no a Boyer. Claro. Porque el franquismo y el terror que implantó en varias generaciones no se fue de la noche a la mañana por decreto: existían muchos que eso de que Jesús Gil echara a hostias a los politoxicómanos o chantajeara a periodistas les daba igual, ellos con tener trabajo y seguir sobreviviendo les valía. Eran buenos chicos, muy obedientes, que pensar en algo más que eso eran chorradas de flipaos. Aplaudían al que “hacía cosas”, como si las leyes fueran un impedimento puesto por seres malvados para fastidiar a la gente corriente. Barreras de las que nos salva uno de los nuestros, aunque el 95% de lo ingresado se lo lleva él. Pero qué bueno es el amo que nos da un 5%. Al que se queja le amenazan y le hace la vida imposible el populacho, pero qué bueno es. Muchas risas, sí, pero no nos engañemos: hay un porcentaje sorprendentemente alto de personas en cualquier país del mundo, en cualquier época, que siguen esta lógica. Bienvenidos al mundo, vaya.

Así, con cuatro horas de documental algo nos podían haber puesto en contexto de la subida de Jesús Gil al estrellato en Marbella y el Atlético de Madrid con el paso de los últimos años del franquismo  al despiporre constructor-corrupto de los años 80-90, sin el cual no hubiera tenido el protagonista el dinero para fichar a doscientos jugadores al año para el Atlético de Madrid ni para poder hacerse el salvador del club tantas veces. Podían haber incidido en de donde le salían a Gil los millones que se le caían por los bolsillos, que en la serie parece que tiene un bolsillo de Doraemon pero de billetes. También podrían haber hablado, claro, de que además era alguien carismático, con su habilidad para hacerse pasar por representante legítimo del Pueblo frente a los poderes que maltratan al pobre con sus leyes y sus trabas absurdas. O en su innegable ambición, por supuesto. Pero se han limitado a contarnos una parcela muy reducida de la realidad, como si todo lo que le pasó dependiera nada más de sus características psicológicas. Como si casi no contara la época y país en las que creció y prosperó. Como le pasaba a Netflix es posible que HBO tenga, también un problema con la realidad.

Sed felices.

Cómics. La lista de la compra del mes de agosto 2019

 Igual que ya, por desgracia, no nos falta el calor, nosotros tampoco faltamos a nuestra cita mensual contigo con la sección La lista de la compra. Te digo lo de siempre, cualquier sugerencia, aportación, crítica o valoración a comentarios. ¡Muchas Gracias y un abrazo!


Sofía Ricarte

1) 100% Marvel HC. Capitán América: El hombre sin patria. Panini Cómics. 20,00 euros. No os voy a mentir, yo y el Capitán América no somos los mejores amigos del mundo. Siempre he sido muy crítica con el tono moralista del personaje y me ha provocado cierto rechazo. Pero la idea de un Steve Rogers acusado por el sistema que siempre ha defendido, y un poco antisistema, me atrae muchísimo. Para mí, uno de los imprescindibles del mes de agosto.

Capitán América

2) Stormwatch: Preludio a Authority. ECC Cómics. 31,00 euros. Antes de uno de los grupos más antiheróicos del Universo Wildstrom, estuvo Stormwatch. Violentos, voraces y decididos, los superhéroes creados por Warren Ellis son mi tipo preferido de héroes: Los que apenas lo son. El hombre del Tiempo lidera a un grupo auspiciado (pero algo repudiado) por las Naciones Unidas, que se enfrentan a todo aquel que quiera atentar contra la paz mundial. ¡Compradlo, leche!

Stormwatch


Adrián De La Fuente

1) Las crónicas de Corum 2: La reina de las espadas. Yermo Ediciones. 22,00 eurosEn este mes de agosto parece que hay menos novedades a destacar, por lo que ha sido una sorpresa encontrar que Yermo Ediciones presenta un segundo tomo de la adaptación al cómic de uno de los personajes más característicos del escritor británico Michael Moorcock. Te hablo de Corum. En este nuevo arco argumental repiten los autores del primer tomo, Mike Baron y Mike Mignola, así que la calidad está asegurada. Recomendable tanto para los seguidores de Moorcock en particular como para quien le guste leer un buen cómic de fantasía heroica. Una pena que Yermo se pliegue a la moda de las otras editoriales de crear un sello, Biblioteca Michael Moorcock, para empezar a sacar colecciones relacionadas con el mismo sin terminar ninguna. Lo comento por Elric de Melniboné. Imagino que esto responderá a una estrategia para enganchar al mayor número de personas posibles con material variado pero se agradecería que los títulos que ofrecen fueran avanzando y terminando para dar cabida a otros. Supongo que las ventas tienen mucho que ver en esa forma de proceder.

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2) Transformers Marvel UK 03 /08. Planeta Cómics. 30,00 euros. Tomo especialmente recomendable para quienes sean entusiastas de la película de animación The Transformers: The Movie (1986) ya que en él se recogen las historias de Transformers UK que sirvieron tanto de preludio a la misma como las que desarrollaron los conceptos y personajes presentados en la cinta, integrándolos, a su vez, con las tramas de la colección USA. Una oportunidad de leer algunas de las mejores historias de un Simon Furman que ya iba dando muestras del estilo que iba a imprimir a la colección americana.

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3) Los Terrifics Núm.02. ECC Cómics. 14,95 euros. Con el cruce entre el Universo DC y el Universo de Watchmen ocupando el centro de atención es comprensible que este tomo pasará desapercibido. Pero ocurre que la importancia histórica del mismo está fuera de duda, ya que la saga que en él tiene lugar supone el encuentro del Universo DC, representado por Los Terrifics, con el personaje de Tom Strong y su entorno, perteneciente a la línea ABC, el universo superhéroico de Alan Moore, dentro del sello Wildstorm de DC Comics. Si a eso le añadimos el equipo creativo de este tomo, con nombres como Jeff Lemire, Dale Eaglesham, Evan Shaner o Joe Bennett, pues chica o chico yo me olvidaría de Los 4 Fantásticos y compararía este tebeo si o si.

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Mario Losada

1) Black Magick 1. El Despertar. Norma Editorial. 17,00 euros. Después de su maravillosa Lazarus, Greg Rucka nos sorprende ahora con Black Magick, donde el autor mezcla lo que mejor sabe hacer, historias detectivescas con toques sobrenaturales. De nuevo el sello Image se sale de convencionalismos superheróicos y vuelve a apostar por autores de renombre y series donde lo que impera es el buen gusto por las buenas historias.

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2) Green Lantern vol.01 Renacimiento. ECC Cómics. 24,00 euros. Comienza una nueva colección donde se recopilan todas las aventuras de Green Lantern bajo los guiones de Geoff Johns, en una de las mejores etapas del personaje. En este primer tomo veremos como magistralmente el escritor americano resucita a Hal Jordan haciéndole un ente diferente a Parallax. Sin duda uno de los cómics recomendados del mes.
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3) Batman: Detective Comics vol. 02: El sindicato de víctimas. ECC Cómics. 19,95 euros. La etapa, ya finalizada de James Tynion IV en Detective comics ha sido una de las mejores recientes de esta cabecera. Este es el volumen 2 en tapa dura, que engloba los números 943 a 949 de la edición americana. Si queréis ver a Batman interactuar con otros personajes de su misma cuña con Red Robin,Catwoman, la huérfana, Spoiler… este cómic no te lo puedes perder.
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Jose Carlos García

1) Batman: Caballero Maldito. Edición DC – Black Label. ECC Cómics. 21,50 euros. Halloween y Batman, Batman y Halloween, una relación que podréis disfrutar en este tomo de Jeph Loeb y Tim Sale a través de tres historias que tendrán lugar durante la celebración de tan conocido evento americano. Es una lectura donde podréis seguir a Batman a través de sus diferentes aventuras para intentar que la noche de Halloween sea lo más segura posible en Gotham, si es que eso se puede conseguir. Si os han gustado El Largo Halloween, Victoria Oscura, o Catwoman si vas a Roma, es más que posible que os guste este tomo del mismo dúo creativo.

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2) Los Defensores: La mejor defensa. Panini Cómics. 16,50 euros. Vuelven Los Defensores, el mejor “no” equipo de superhéroes marvelitas. Conformado por el Doctor Extraño, Estela Plateada, Hulk y Namor, tenemos una nueva oportunidad de disfrutar de una nueva aventura de este peculiar cuarteto. En esta ocasión, distintos sucesos aislados e inexplicables, que no guardan conexión alguna, requerirán la atención de estos personajes, que deberán volver a formar equipo.

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3) Unholy Grail. Planeta Cómic. 14,95 euros. ¿Creéis saber todo sobre el ascenso del mítico Arturo al trono de Camelot? ¿En serio conocéis lo que ocurrió realmente en la vida de Arturo para que llegara a ser la leyenda que es a día de hoy? En este cómic, escrito por Cullen Bunn, se nos presenta la auténtica verdad sobre el sangriento ascenso de Arturo al poder, y es que, en un camino que no ha sido de vino y rosas, ha habido mucho lugar para actos oscuros, así que… ¿será capaz el personaje de realizar algún acto noble?

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Juanjo Avilés

1) Black Magick 1. El Despertar. Norma Editorial. 17,00 euros. Greg Rucka es un guionista que destaca en su tratamiento de las mujeres. Así que la salida en España de Black Magick es una gran noticia ya que trata de una historia protagoniza por una detective de policía que también es la heredera de linaje de brujas wiccanas. Nuestra protagonista tendrá que investigar unos crímenes sobrenaturales mientras intenta compaginar las dos caras de su vida. Una mujer de carácter en un historia negra con tintes sobrenaturales y que además tiene los estupendos dibujos de una inspirada Nicola Scott. Compra obligada para aquellos que busquen algo más que superhéroes.

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2) Stormwatch: Preludio a Authority. ECC Cómics. 31,00 euros. Antes de Authority, Warren Ellis y Bryan Hitch dejaron muestra de su enorme talento en la colección de Stormwatch, serie donde presentaron conceptos y personajes que luego serían protagonista de Authority. Ya solo por eso y por ver la evolución de los lápices de Hitch (en este caso con una ayuda ocasional de Óscar Jiménez y Michael Ryan) merece la pena comprar este volumen unitario en el que ECC recopila toda la etapa de Warren Ellis al frente del segundo volumen de Stormwatch.

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3) Pantera Negra 2. El significado de mi nombre. Panini Cómics. 14,00 euros. Después de haber recomendado el primer volumen de esta nueva etapa de Pantera Negra con los guiones de Ta-Nehisi Coates, es lógico hacer lo mismo con su continuación. En este nuevo tomo asistiremos a la conclusión del primer arco argumental de la saga del Imperio Intergaláctico de Wakanda. T’Challa y su grupo se verán obligados a dar un paso al frente a la vez que conocemos más a fondo a su gran enemigo. Kev Walker toma el relevo de Daniel Acuña en los lápices, lo que supone un paso atrás ya que aunque el aspecto gráfico sigue siendo bueno, queda alejado de las espectaculares planchas del español. A pesar de todo, la epopeya galáctica de Pantera Negra sigue siendo un cómic divertido en el que nunca se sabe que es lo que puede pasar.

pantera negra

Un saludo y sed felices.

Crítica de Midsommar: promesas incumplidas

Puede que el recuerdo de la recepción de Hereditary sea difuso pero inclinado convencido una buena acogida: la marea de opiniones exultantemente positivas arrastró por completo a todos aquellos comentarios más o menos rigurosos sobre los múltiples errores de la cinta. Ahora, la segunda película de Ari Aster ha llegado a los cines y la historia se repite.

Márketing desde Hollywood, contra Hollywood

midsommar critica análisis reseña Ari after las cosas felices

Para entender el fenómeno Aster que explica la euforia por Midsommar es necesario hacer ciertas puntualizaciones sobre su debut en el largo, Hereditary (o El legado del diablo, traducción de dudoso gusto y evidente spoiler con que se comercializó en gran parte de Latinoamérica). Su capacidad de llegar a un público amplio, especialmente en el mercado doméstico, radica esencialmente en la utilización uniforme del formato popularizado por James Wan y la consiguiente ola de terror americano moderno capitaneada por sí mismo y ciertos sucedáneos. En este formato encontramos elementos repetidos hasta la saciedad y el desgaste, siendo el primero y más evidente de ellos una considerable variedad y exceso de medios que eliminan el carácter sucio o incluso low-cost asociado durante décadas a la estética del terror, acercándose a una limpieza y nitidez impropias –siempre acompañadas de una parafernalia sin significado en la operación de cámara que facilita la atención de espectadores alérgicos al estatismo. El cine de Wan despoja de sentido ciertas convenciones para unificar estéticamente un género que se pueda integrar plenamente en todo el Blockbuster americano; para sustituir la anterior suciedad y carácter, se ve obligado a repartir por la película elementos que mantengan a la audiencia en un constante estado de tensión artificial. Los ya famosos e infames jumpscares –golpe de sonido e imagen mediante– reciben así un tratamiento especial, al ser el susto directo el mecanismo más eficaz para que la audiencia reciba suficientes estímulos de los que espera a la hora de acudir al cine para ver una película de terror, si bien podríamos renombrar el formato a película de sustos. El guión pasa a ser mera rutina: ya no es el medio necesario para construir las condiciones propicias para el terror, psicológico y creciente, sino la excusa para sostener en el tiempo sucesivos sustos de usar y tirar: el cine de terror nunca había estado tan cerca de la estructura narrativa del porno. ¿Qué trajo, por tanto, Hereditary en este contexto? Aster se sirvió del uso de un excelente aunque en extremo insistente diseño de sonido para camuflar con variaciones sonoras ciertas convenciones del cine de terror marca Wan. Utilizando de forma asombrosamente efectiva los conflictos emocionales familiares, construyó la tensión de forma doble para evitar la sensación de que la narración servía al susto, y no al revés; esto no significa necesariamente que la narrativa fuera demasiado diferente a aquella de las crónicas variaciones de Insidious o Expediente Warren, pero como mínimo alteraba el acercamiento al conjunto. Acompañado de ciertas secuencias potentes, Aster consiguió vender como novedosa y revolucionaria una película que, en lo más hondo, era la enésima versión del mismo formato.

Midsommar nació precisamente del planteamiento que la recepción de Hereditary dejó plantado: sustituyendo una historia de médiums, espíritus y casas encantadas por una aventura de acercamiento casi documental a la vida de una secta, Aster prometía dar el paso definitivo a cercenar las convenciones del terror estadounidense de una vez por todas. El problema viene precisamente cuando acaba por incumplir o no desarrollar en lo más mínimo las únicas ideas interesantes presentadas en sus tráilers: todo aquello que se nos plantea en el primer acto de la película se estanca, reacio a avanzar, reiterándose en las mismas y manidas ideas hasta el hartazgo y la decepción. La forma, que prometía un eufórico atrevimiento a la hora de plantear una película de terror a plena luz del día, acaba por confirmarse como la más convencional de sus herramientas: errática, aleatoria y conformista, la narrativa de Midsommar merodea sin rumbo fijo entre perspectivas de personajes, ángulos, ideas reiterativas y conclusiones de todo menos atrevidas. No hay ninguna exploración de la enfermedad mental a través de la forma del terror, tal y como se nos había planteado desde un inicio: la analogía es tan burda y superficial que las ideas planteadas con cierto atino en el primer acto desembocan en una caricatura que sostiene un festival incesante de gore explícito pero breve, perversión de mirada apartada ahora y explícita después sin criterio alguno –todo diseñado para volver a ella cuando el gusto estético lo requiera– y yuxtaposiciones vacías, vehículo para mayor gloria del lucimiento técnico del equipo de maquillaje y cámara. Midsommar es cine de terror de Hollywood que pretende ir contracorriente: una forma rentable de vender como innovador lo que en realidad tiene poco siquiera de novedoso. Y es una pena. Es una pena porque promete mucho varios niveles, y cumple más bien poco. Es una pena porque dispone de una cantidad de medios y talento que habrían permitido, en las manos adecuadas o con más refinamiento, una película de terror realmente rompedora. Pero se queda en intento fallido de proyecto interesante, siempre con la incesante necesidad de recordarnos sus intenciones en vez de demostrarse efectivo en su consecución.

Todavía no

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Para quien busque escuela de El hombre de mimbre, no es Midsommar la mejor elección. Para quien busque terror contenido, elegante, coherente y distanciado de las convenciones al estilo de La Bruja, It Follows o Déjame Entrar, más vale prestar infinita atención a The Lighthouse, el nuevo y prometedor proyecto de Eggers con Robert Pattinson y Willem Dafoe. Para quien desee entretenerse con una película de terror poco exigente que como mínimo haga menos uso del jumpscare, puede que Midsommar sea una buena elección: en todo su metraje encontramos menos sustos que construcción de posibles sustos, en una curiosa manera de adoptar los patrones más convencionales de su género sustituyendo el culmen al que estamos habituados por anticlímax. A Midsommar no le sobra ambición, le sobra metraje; no le falta talento, le falta cuidado. Sigue habiendo demasiada unidimensionalidad útil como para apreciar totalmente el resultado. Quizás, si la indulgente recepción no lo impide, lleguemos a ver en el próximo proyecto de Aster el tipo de cine que lleva tiempo prometiéndonos.

Reseña de Marvel Rising. 100% Marvel

Bienvenidos, amantes de los héroes correctos del cómic. Hoy, os traigo la reseña de los uno de los cómics más entretenidos que he leído en mucho tiempo. Basada en la película para TV, Marvel Rising sigue las aventuras de mi superheroina favorita de todos los tiempos, La Chica Ardilla, y Ms Marvel. Con sus pros y sus contras, se trata de un cómic ligero y divertido, pensado para todos los públicos, y que pretende llevar al mundo del cómic el nuevo nicho que ya abriera la película. Vamos allá

La trama

Doreen Green, quien en sus ratos libres es la Imbatible Chica Ardilla, tiene un interesante trabajo voluntario enseñando a chavalines el amor a la programación. Entre sus ávidos alumnos, se encuentra una muchachita llamada Kamala Khan, que combina sus estudios con una importante labor social como Ms. Marvel. Ambas heroinas van a tener que convivir, y salvar a la humanidad una y otra vez, tratando a su vez de no revelar su identidad secreta.

Por supuesto, para cualquiera que conozca a Doreen Green sabe que este super secreto no va a durar como tal más de un par de páginas. Ambas se van a tener que enfrentar a Emulator, una supervillana milenial, que por supuesto está controlada por una desconocida y controladora entidad superior. Por suerte, nuestras chicas contarán con la ayuda de algunos buenos amigos, como América Chavez, Carol Danvers o Inferno.

Cosas Felices 1

Aquí no vamos a engañar a nadie, no va a ser la historia más novedosa que habréis leído nunca, pero lo cierto es que Devin Grayson ha creado una historia consistente, que no decae en su ritmo y que te mantiene pegado a las páginas, soltando carcajadas. No es una historia para amantes consagrados de cómics, pero es un gran primer paso para crearlos, sin duda. La historia es encantadora, optimista y divertida; quizá no memorable, pero desde luego, absolutamente imprescindible para una tarde de verano.

El arte

Dentro de la edición Marvel 100% se incluyen diversos artistas. Helen Chen firma el primer número: «Marvel Rising #0» y he de decir que, en lo personal, el dibujo es mi favorito con diferencia. Lo cierto es que la riqueza de detalles de Chen, y su cariño en las expresiones nos traen a una Doreen y una Kamala algo más adultas de lo que dice el guión, creando un contaste que puede parecer confuso, pero que funciona, y dota a la primera parte del tomo de una profundidad que engancha.

La segunda parte incluyen los números «Marvel Rising: Alpha», «Marvel Rising: Squirrel Girl & Ms. Marvel»,  «Marvel Rising: Ms. Marvel & Squirrel Girl» y «Marvel Rising: Omega» todos dibujados por Gurihiru, un estudio japonés que cuenta con Chifuyu Sasaki al lápiz y tintas, y Naoko Kawano al color. Aunque para mi gusto, un trabajo menos adulto que el de Chen, pero mucho más adecuado al tema, trama y público objetivo del cómic. Desde la forma y las expresiones, hasta el color, están mucho más adaptados a ese rollo gamer que quiere transmitir el cómic.

Cosas Felices 2

Si bien, Gurihiru se adapta mucho mejor al tema, sobre todo en los tres primeros números de los mencionados, personalmente me parece algo menos logrado. En el último de los números, sin embargo, el dibujo, aún de Gurihiru, cambia, pasando a un entintando más fino y a colores más brillantes, que intentan asemejarse más al de Chen, consiguiendo un efecto bastante confuso.

La opinión de Sofía

Recopilando la sabiduría que he intentado inculcaros durante este pequeño recopilatorio, os diré que me ha gustado mucho este tomo. Es ágil, divertido y el guión es adecuado a sus pretensiones. En cuanto al dibujo, los dos dibujantes han sabido adaptar, de distinta manera, la esencia juvenil y novedosa del tomo, atrapando al lector.

Cosas Felices 4

Creo sinceramente, que es uno de esos tomos que enganchan a nuevos lectores, y crean nuevos amantes del cómic. Pero no solo lo disfrutaran los nuevos, ya que constituye un verdadero entretenimiento para todos los públicos, y se puede disfrutar aunque te guste Garth Ennis o Bendis… o ninguno de ellos.

En resumen, deberíais estar todos, raudos y veloces, corriendo a comprarlo. El tomo es una edición con solapas, de 176 páginas, que podéis encontrar en la web de Panini, por 16,15 euros. Así que corred insensatos. Yo os espero por aquí, lista para descubriros nuevas maravillas en futuras ocasiones. Hasta entonces… sed felices.

El cómic de la semana: La era quantum

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos La era quantum. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Un nuevo spinoff de Black Hammer

Todo lo que gira entorno a Black Hammer mola, y como mola, Jeff Lemire se encarga de alargar su leyenda. Pero lo más interesante, lo que realmente mola es que es el propio autor, es el propio Lemire es el que lo hace todo, quien se encarga de moldear ese mundo que parece un filón. Un mundo bien hilado ganador de un Eisner (el Oscar de los cómics) donde los spin-off abundan más que los capítulos de la serie principal.

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Este spin-off es el tercero publicado en España por la editorial Astiberri, a la espera del cuarto y eso sin contar con el crossover con la Liga de la Justicia y otros tres más que el propio Lemire ya ha dicho que hará en un futuro próximo. Total, que si te enganchas a la serie principal tienes mucho material para leer.

Evidentemente si alargo el chicle pierde sabor, y lo pierde porque la fórmula se agota, pero en este caso, al menos el sabor, si no en toda su esencia perdura, y os comento porqué.

En primer lugar os tengo que recordar que como el propio autor se encarga de hacerlo todo estamos en buenas manos puesto que el producto no se pervierte. Todo pasa por sus manos y no por ajenas, que vete tú a saber que pasaría con este universo. Pero también, como parte negativa podemos caer en el cansancio del lector y del autor en repeticiones o falta de imaginación, cosa que sería menos pronunciada en manos de otra persona. Como veis todo es cuestionable y todo subyace según la calidad del producto. Estoy convencido de que mientras no se queme, será Lemire quien lleve las riendas de Black Hammer hasta sus últimas consecuencias, pero como he escrito con anterioridad esto puede llevar a una especie de canibalismo y devorarte a ti mismo. Según lo veas de una manera o de otra siempre se gana o siempre se pierde. Para bien o para mal, podemos afirmar que Black Hammer es el universo de Jeff Lemire y mientras tenga un mínimo de calidad aplaudiremos la obra, pero si decae le enterraremos.

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Voy a dar un parte negativo de La era quantum, y es que prefiero seguir las aventuras de la serie original en vez de tanto spin-off, ya que muchas veces me parece que no avanzo en la historia principal ¿Pero sabéis qué? yo sigo tropezando y cayendo en la misma piedra dentro de este rico universo porque realmente las series son muy divertidas y me parecen por encima de la media, muy superior a todo lo que se publica actualmente. Y aunque me gustaría seguir con la serie principal, reconozco que me cuesta hablar mal de La era quantum ya que es un cómic con un buen guión y un buen dibujo, pero al estar dentro de un universo propio nos podemos perder la perspectiva y por tanto exigir un poco más al autor. Quizás pueda parecer injusto, pero yo lo veo así.

Evidentemente hay peores y mejores series asociadas a Black Hammer, y La era quantum no es la más destacable de todas ellas, y si nos has leído nada con anterioridad se puede quedar un poco coja, como una silla con una pata más corta, no os voy a engañar. Sin embargo, si en otras obras me quedaba a medio camino en el apartado gráfico tengo que decir, que por el contrario, me gusta el dibujo de Wilfredo Torres y eso le confiere que mayor énfasis visual a la obra en su conjunto.

El otro punto a favor (al menos para mi) es que la acción se sitúa en el futuro, 100 años para ser más exactos. Si te gusta la ciencia ficción y el mundo creado por Lemire es un gustazo ver como sus acciones repercuten dentro de tantos años. Por tanto os puedo afirmar que si te gusta el universo de Black Hammer, La era quantum es un complemento enriquecedor y muy entretenido aún no siendo el mejor de sus derivados.

Os dejo el enlace al cómic y la portada de la edición de Astiberri debajo de estas líneas.

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Un saludo y sed felices.

El guión de Juego de Tronos trae luz sobre la escena más controvertida

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Las hordas enfurecidas se desataron con la última temporada de Juego de Tronos. Innumerables seguidores, entre los que no me incluyo, renegaron de ella afirmando que era una sarta de incoherencias y situaciones rodadas sin ningún sentido. Pero la verdad es que los episodios finales de esta gran serie fueron nominados hasta un total de 32 premios Emmy y ahora el guión ha sido expuesto online por lo que los fanáticos desatados podrán saciar su ansia de respuesta.

Concretamente, la escena que todos se han apresurado a leer es aquella en la que Drogon derrite el Trono de Hierro y que fue duramente criticada en todos los países ya que le confería una conciencia del mundo a los dragones mucho más avanzada de lo que se le suponía a los reptiles. Que Drogon fuera consciente de lo que simbolizaba el Trono y que éste había acabado con Daenerys era algo que sobrepasaba con creces las capacidades intelectuales mostradas hasta entonces por los dragones. Una vez que se tiene acceso al guión, parece ser que éste no era el objetivo de tal escena ni lo que querían hacer llegar a los espectadores. Según se explica, Drogon tan sólo está lleno de ira por la muerte de Daenerys y así mismo la imposibilidad de matar a Jon por lo que descarga toda su rabia contra la pared del palacio arrastrando por el camino al Trono de Hierro que tan sólo es un daño colateral de esa ráfaga de fuego y furia. El Trono derretido es una consecuencia pero nunca fue un objetivo.

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Parece ser que esta aclaración en las notas del guión tampoco ha dejado satisfecho a nadie así como las de otras escenas controvertidas de la última temporada. Es posible que la idea no fuera tan mala pero que no llegaran a reflejarla en escena como se esperaba y sin duda el ambiente ya caldeado de los fanáticos tampoco ayudó a comprenderla.

Cierto es que la escena no transmite como debiera y puede ser un buen ejemplo de cómo un concepto plasmado en el papel no acaba de reflejarse en la pantalla y pierde su espíritu original. Pero sin duda lo más revelador de esta escena es que la destrucción del Trono de Hierro no cambió nada en absoluto pues tan sólo era un símbolo, acabado todo se eligió un nuevo Rey y continuamos con la monarquía.

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He realizado las críticas de las temporadas de esta serie durante los últimos años y hacerlo también en la definitiva me dejó totalmente agotado. De todos es sabido que mi filosofía es la de intentar disfrutar con este tipo de cosas y guardarme la indignación y el enfado para cosas que de verdad lo merezcan. Capítulo tras capítulo los haters pusieron a caldo la temporada y en cierta parte ensombrecieron mis ganas de disfrutar durante un par de meses con una de las historias que más me ha cautivado en la televisión. Ahora tenemos a mano el guión que tanta indignación suscitó y tal vez aclare ciertas cosas y escurra el barro hacia los responsables visuales de la serie. No obstante no se espera que muchos aplaquen su ira tras leerlo. Está todo demasiado enquistado. Ahora sabemos que Drogon no quiso derretir el Trono y lo que significaba si no simplemente llevárselo todo por delante. Algo mucho más lógico y una reacción puramente animal que a fin de cuentas es lo que es. Y el mensaje que seguramente se quería dar es que los símbolos a fin de cuentas no tienen una gran importancia. El día que se pierden se acuñan unos nuevos y se continúa hacia delante pues hay algo mucho más grande detrás de ellos. En este caso las personas. Los que luchan no por esos símbolos si no por lo que representan. La idea que no hay que perder aunque nos derritan el sustento donde reposa. Todo lo demás tan sólo es un amasijo de hierros opulentos que tarde o temprano puede quedar arrasado por los imponderables. Y éstos siempre acaban llegando. Pero las nobles ideas, si se saben proteger y luchar por ellas, trascenderán al tiempo, el papel, los tronos y las personas. Los dragones me entienden.

Un abrazo a todos.

Reseña de House of X # 1. Relanzamiento mutante al estilo Hickman

Ya he comentado alguna ocasión que Marvel lleva muchos años sin saber que hacer que los mutantes. No se ve una dirección clara más allá del gusto eterno por los años gloriosos de la franquicia. Hasta ahora. La Casa de las Ideas por fin parece que se ha decido a dar un golpe en la mesa y poner a los X-Men donde se merecen, en el centro del escenario. Y el encargado de esta titánica tarea será Jonathan Hickman, arquitecto del relanzamiento de los Hijos del Átomo. 

Pincha aquí para leer todos los análisis de House of X / Powers of X

Orden de lectura:

  1. House of X #1
  2. Powers of X #1
  3. House of X #2
  4. Powers of X #2
  5. Powers of X #3
  6. House of X #3
  7. House of X #4
  8. Powers of X #4
  9. House of X #5
  10. Powers of X #5
  11. House of X #6
  12. Powers of X #6

Este relanzamiento comienza con el primer número de House of X, en el que el Hickman sienta las bases del nuevo cosmos mutante. Lo primero que hay que señalar es que es un cómic que entra por los ojos. Desde Marvel han sido muy listo y han elegido un gran dibujante para acompañar a su guionista estrella y este no es otro que el español Pepe Larraz, instalado desde ya mismo en lo más alto dentro del elenco de artistas de la editorial. El dibujo de House of X es limpio, dinámico y espectacular, con un gran trabajo de diseño de las nuevas localizaciones en las que se va a desarrollar la trama. Nada que reprochar en este aspecto, todo lo contrario.

¿Y qué nos vamos a encontrar en este nuevo punto de partida mutante? Pues una historia de presentación con elementos que nos serán conocidos, algunas cosas originales y el estilo narrativo propio de Hickman, tanto en las ideas como en la forma de presentarlas.

En House of X vemos que Krakoa, la isla mutante, ha creado distintos hábitats a lo largo del mundo interconectados entre ellos a través de portales que van a servir de hogar a los mutantes. Es la vieja idea de la nación propia que ya habíamos visto en GenoshaUtopía pero a lo grande. Para que los humanos acepten este nuevo status-quo Xavier les ofrece tres drogas cultivadas en la isla que sirven para aumentar la esperanza de vida humana en cinco años, para curar las enfermedades mentales humanas y otra que es un potente antibiótico universal.

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Krakoa o el paraíso mutante

En una visita de representantes de gobiernos humanos a uno de esos hábitats, Magneto deja claro que los mutantes son plenamente conscientes de que ellos son los verdaderos dueños del planeta pero que han decido quedarse con solo una pequeña parte del planeta y dar regalos a la humanidad para que haya una coexistencia pacífica. Pero hay que dejar clara una cosa, la humanidad tiene nuevos dioses. Y en su nuevo hogar los humanos no son bienvenidos y todos los mutantes, incluidos los “villanos”, tengan refugio seguro.

Los gobiernos humanos no van a tener más remedio que tragarse la amarga píldora de la nación mutante ante el incentivo de esas drogas, pero eso no significa que lo hagan de buen grado. Conocemos una nueva organización, Orchis, formada por miembros de todas las agencias de inteligencia del mundo (Shield, IMA, Hydra, Alpha Flight, etc…) y que ha venido monitorizando la actividad mutante para vigilar si se producía su establecimiento como especie dominante. Algo que parece que ha acabado sucediendo. Está claro que en el futuro veremos las acciones que toma Orchis al respecto.

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La base en el espacio de Orchis

Hickman es el guionista que por fin ha asumido el papel de del homo superior como próximo paso evolutivo, algo que lleva en el aire desde la gloriosa etapa de Claremont. Parece que el nuevo escritor de los X-Men quiere ir un paso más allá, algo que venía siendo necesario desde hace muchos años. Lo bueno es que lo hace reutilizando ideas antiguas (como la nación mutante o la misteriosa organización que se les va a oponer) pero llevándolas más lejos. En todo el cómic se respira un aroma que recuerda a la etapa de Grant Morrison, sobre todo por la idea de intentar dar un aire moderno y sofisticado a la narración y a las ideas de Hickman.

Lo malo del cómic es que los X-Men como personajes apenas aparecen y cuando lo hacen son apariciones meramente puntuales. Destaca el papel de Xavier como ideólogo de la nueva visión del homo superior y presunto creador (junto a Krakoa) de la nueva nación mutante y las drogas que regalan a la humanidad. Pero en ningún momento vemos su rostro, siempre tapado por un ominoso casco y siempre alejado de los demás. ¿Tendrá algo que ocultar? ¿Es realmente el Xavier que todos conocemos?

El nuevo aspecto de Charles Xavier

Además de Xavier sólo destaca el papel de Magneto como nuevo embajador, un papel que le queda como un guante (sobre todo a la hora de dejar las cosas claras a los humanos) y otra pequeña aparición de Cíclope estableciendo que los mutantes son ahora un todo conjunto. Y esa es la idea que subyace en la historia, más que un cómic de los X-Men, es un cómic de mutantes, tratados como raza y siendo el personaje principal de la trama.

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Magneto, embajador de la raza mutantes

Lo que no se puede negar es que estamos ante un cómic de Hickman. Su manera de contar la historia, deliberadamente distante e incluso criptica, ese aire de modernidad y sofisticación (impostada dirian algunos) y el uso de los diagramas para mostrarnos información relevante (no olvidemos que también es diseñador gráfico) son sus señas de identidad.

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Un ejemplo del gusto de Hickman por los diagramas

El guionista siempre ha querido contar historias de ciencia ficción más que de superhéroes. En este caso tiene la ocasión de narrar que podría ocurrir si una nueva especie más poderosa que la humanidad surgiera en nuestro planeta colocándose en una situación de poder y eso es lo que parece que nos va contar. Hickman no engaña a nadie y el lector sabe de sobra a qué atenerse. Lo tomas o lo dejas. 

Big Little Lies y la pérdida del objetivo

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Big Little Lies irrumpió en 2017 en nuestras pantallas, reivindicándose como lo que más tarde sería considerada una de las mejores series del año. Una propuesta que brillaba en múltiples apartados y sorprendió a más de uno –incluyéndome a mí–. Tal fue el éxito que tuvo, que lo que inicialmente surgió planteado como una miniserie, terminó extendiéndose a una segunda temporada. Pero, y citando a Groucho Marx, segundas partes nunca fueron buenas y, aunque no es que sea mala, sí apreciamos una decaída del nivel que antaño presentó. Es por eso por lo que pretendo desgranar en este artículo la esencia de la serie y su problemática actual, tratando de comprender su reciente deriva.

Concepción y esencia

Big Little Lies nos cuenta la historia de un grupo de mujeres de clase alta y del traumático suceso que las termina uniendo. Es una serie que busca poner en evidencia los conocidos como «White People Problems», o en este caso problemas de gente rica, pero no lo hace desde una lente sensacionalista que busca caricaturizar, sino que lo hace desde dentro, humanizando y analizando el perfil de sus personajes, porqué la serie va más allá. Lejos de ser un retrato de la burguesía moderna, Big Little Lies nos habla de nosotros mismos y de nuestras angustias, y pocos ambientes hay mejores para hacerlo que en un barrio lujoso en el que las apariencias lo son todo y las puñaladas por la espalda son tónica.big little lies 1560328947134

Uno de sus grandes atractivos es por supuesto su reparto, y es que es una serie de personajes y las actuaciones deben estar a la altura –cosa que se cumple–, pero eso es tan solo un aliciente. Si Big Little Lies destacó por algo, fue por su guión y tratamiento del thriller. A primera vista, la serie puede parecer un drama, una historia de marujas incluso –tremendo error del cual me confieso culpable–, pero en realidad es mucho más. Big Little Lies, consciente del mundo que pretende plantear y las temáticas que busca abordar, encontró la respuesta sustentando todo el drama en una ligera y liviana trama de thriller. Con una clara contrarreloj, objetivo y gran pregunta a responder en su lugar, la serie pudo entonces indagar en todos los recovecos de la psique de sus personajes que creyera conveniente, ya que nunca se perdía esa sensación progresión y de avance hacia un fin común. Y eso es lo que, en gran parte, hizo de Big Little Lies lo que es, un drama amparado en la expresión más liviana del suspense.

La importancia del objetivo

Y llegamos ya a la segunda temporada. Una que nos llega particularmente cargada de expectación, tanto por el éxito de la primera como por la presencia de nombres como el de Meryl Streep. Una temporada que, a pesar de mantener el increíble nivel de las actuaciones y puesta en escena, está dejando bastante que desear. Como bien he recalcado antes, no es que esté siendo mala, con el talento detrás y delante de las cámaras que hay, es difícil hacer algo malo. Pero sin embargo, la serie se siente menos interesante y sin tanta cohesión, y creo que esto se debe precisamente a la falta de un objetivo claro. Si bien en la primera temporada teníamos desde los primeros minutos la investigación policial sobre el asesinato presente, en esta segunda no tenemos esa gran pregunta a responder o ése gran qué que lo aúne todo.big little lies la razon por la que meryl streep protagoniza la segunda temporada

Lo que pretenden con esta temporada está claro: buscan explorar las secuelas emocionales y psicológicas de las protagonistas tras los acontecimientos de la primera temporada. El problema aquí se haya en que, al ser estos tan individuales, se pierde la sensación de colectividad que había en la primera y en consecuencia, todas estas tramas personales quedan reducidas a lo anecdótico y pierden potencia al no haber un dilema central en torno al que puedan orbitar. Algo que sobre el papel promete ser interesante, al no tener una clara unidad temática, queda reducido a poco más que una consecución de historias desperdigadas, buenas y con potencial, pero que se sienten perdidas y faltas de ese algo que las arrope a todas y le dé al espectador una clara sensación de progreso o urgencia. Una urgencia que llega tarde, al final del 5 con el juicio de Celeste, y es a partir de ahí que la serie cobra potencia y fluye mejor, un claro de ejemplo de lo que pudo ser y no fue.

Big Little Lies es una gran serie que rebosa talento y potencial, y es justamente por eso por lo que me duele haber perdido interés en esta segunda temporada. Esto no pretende ser ningún ataque a la serie ni a aquella gente que le guste, al contrario, es una llamada de un espectador decepcionado con un producto que en su día disfrutó en gran medida y lo siente decaer, y creo que analizando el porqué de este acontecimiento podemos aprender mucho de las series que tanto disfrutamos. big littlelies t

Reseña de Unholy Grail, el mito artúrico de Aftershock

Aftershock nos vuelve a traer otra interesante más, y ya estamos perdiendo la cuenta. Para este mes os recomendamos Unholy Grail, un repaso de las aventuras de Camelot con tintes sobrenaturales. Planeta Cómic nos trae este volumen que contiene los cinco números de la obra en una edición cartoné de 144 páginas. Para su compra pulsa en este enlace.

Arturo Pendragón era el rey de los bretones. Su historia es legendaria. Merlín. La dama del lago. Excalibur. Camelot. Los caballeros de la mesa redonda. Sin embargo, estas historias no son sino mentiras bonitas que esconden la verdad. En estas páginas te presentamos el sangriento ascenso al poder de Arturo y su impío reinado. La leyenda del rey Arturo no es un bonito cuento de hadas… sino el combustible de las peores pesadillas. Ahora que desciende hacia la oscuridad, ¿alguien alberga la esperanza de que Arturo sea capaz de realizar algún otro acto de bondad?

El Rey Arturo es un personaje importante dentro de la literatura europea, y numerosas han sido las adaptaciones y leyendas sobre su figura y su entorno: El mago Merlin, Lanzarote, el santo grial, excalibur y Los Caballeros de la Mesa Redonda son solo algunos personajes y elementos relacionados con las aventuras de este monarca idílico. Afthershock nos trae esta versión demoníaca del mito del Rey Arturo que trata de narrar estas aventuras con un toque de horror y lovecraftiano. En el guión tenemos a Cullen Bunn, conocido por su gran trabajo en Deadpool y por su paso por Lobezno y La Patrulla-X azul. En Unholy Grail logra un guión rápido y directo, con poco trasfondo, pero creando una historia interesante y sobre todo a un mago Merlín que sorprenderá. Al dibujo tenemos a Mirko Colak (Spider-Man, Punisher y Green Lantern) logrando un apartado gráfico que sin duda es lo más interesante del cómic, con viñetas grandes que ayudan al desarrollo tan directo del guión junto un trabajo de tintas de gran nivel. Por otro lado tenemos a la malagueña María Santaolalla que hace un gran trabajo recreando el mundo horripilante que vemos en el cómic.

El demonio…que no tenía nombre en su propia lengua infernal pero al que los seres humanos llamarían Merlín…se escondía entre las sombras.

El cómic comienza con el Rey Uther en su lecho de muerte, rodeado de familiares y amigos, todos esperan el desenlace del soberano y sobre quien recaería la corona cuando este, por fin, cayera en el eterno descanso. La reina Igraine está a su lado y siente que su hijo haya partido y no se encuentre para decirle el último adiós a su padre, el Rey Uther. En la escena entra en acción el mago Merlín, consejero del Rey y según afirma él, hijo del diablo. Merlín le dice a la reine y al resto de la salga que no se puede hacer nada por el Rey Uther, y que el próximo rey será el entonces pequeño Rey Arturo, quien se encuentra en paradero desconocido. Para probar que sus palabras son ciertas, Merlín introduce uno de sus dedos en el cráneo del Rey Uther y el monarca justo antes de morir da sus bendiciones a su hijo Arturo para que le suceda en el trono. El resto de señores no comparten esta idea y se niegan a obedecer a un niño, por lo que pronto comienza un particular juego de tronos en el que el vencedor será el nuevo Rey.

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Poco después, Merlín encuentra a Arturo y le educa para que sea el próximo Rey, a su vez que hacen una ofrenda a la dama del lago para que Camelot vuelva a renacer. Merlín prohíbe a todos -salvo Arturo- sentarse en el trono o será condenado. Con Arturo en el trono llega la reconstrucción de la ciudadela del Rey y Camelot, aunque parece que la intención del poderoso Merlín sea otra. Hasta aquí se puede decir que la historia no varía demasiado respecto al mito artúrico original. Vemos como el cómic continúa con Perceval, que consigue el Santo Grial a cambio de ser condenado por una terrible maldición. Esto hará que el trono se tambalee y al cómic prosigan traiciones, sangre y batallas por conseguir el poder.

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Conclusión

Recomiendo este cómic a todos aquellos que sean seguidores de la épica medieval y la fantasía. El trabajo en equipo ha logrado un cómic interesante y artísticamente redondo, lleno de detalles que mezcla el mito artúrico con lo sobrenatural y el horror. Esto no hace que se pierdan los elementos típicos de la historia original como Excalibur, el Mago Merlín, el Santo Grial y los Caballeros de la Mesa Redonda entre otros. El ritmo rápido del cómic consigue que la trama avance sin descanso, logrando una obra realmente entretenida. Cullen Bunn es un experto en este tipo de historias y se está convirtiendo un especialista en este género que entiende a las mil maravillas y al que podemos notar muy cómodo. Otra obra más para Aftershock que sigue creciendo a pasos agigantados.