En el mes de agosto tendremos uno de los platos fuertes que Netflix guardó para nosotros, se trata de Wu Assassins, una serie que dará que hablar, con mucha acción y un gran elenco. Esta nueva propuesta estará protagonizada por Iko Uwais (The Raid) y la bellísima Katheryn Winnick (Lagertha-Vikingos), y producida por John Wirth y Tony Krantz. Veremos un drama de artes marciales con mucha acción y algunos momentos de comedia.
Según la sinopsis oficial, Wu Assassins, trata la vida de Kai Jin, un joven chef de un barrio chino de San Francisco. Después de un encuentro con un místico espíritu, Kai se convierte en el Wu Assassins, una organización dedicada a combatir contra fuerzas sobrenaturales mejorando sus habilidades de artes marciales, con el objetivo de defender al mundo de cinco delincuentes muy poderosos, que también cuentan con poderes sobre naturales, y son una amenaza para el globo entero. Esta, es una tarea milenaria que viene de la Tríada China.
El rodaje de la primera temporada comenzó el 8 de agosto del 2018 y finalizó el 20 de noviembre del mismo año. Toda la filmación se llevó a cabo en Vancouver, Canadá que simulará ser un barrio chino de San Francisco. La primera temporada constará de 10 episodios y estará disponible en la plataforma streaming el próximo jueves 8 de agosto y tiene la particularidad que, Iko Uwais, además de ser el protagonista, es el productor y coreógrafo de la serie.
Nos espera mucha acción y, por supuesto, muchas artes marciales, un género que tal vez en Netflix no ha tenido un gran desarrollo aún. Iron Fist, es la única serie a que le podemos encontrar un paralelismo, por lo tanto, depende mucho de Wu Assassins la continuación y evolución de este tipo de formato en la plataforma. Esperamos mucho de esta serie.
Reparto
Iko Uwais como Kai Jin, un joven chef que se convierte en el Wu Assassins, obteniendo poderes sobrenaturales.
Katheryn Winnick como Christine “CG” Gavin, una policía encubierta atrapada en medio de una guerra de pandillas en Chinatown.
Tommy Flanagan como Alec McCullough, un jefe del crimen internacional con un misterioso interés en el barrio chino de San Francisco.
Mark Dacascos como un monje sin nombre.
Byron Mann como el tío Six.
JuJu Chan como Zan, un artista marcial de élite y teniente en las Tríadas, que es el guardaespaldas y el único confidente del Tío Six.
Lewis Tan como Lu Xin Lee, un líder inteligente y feroz que posee y opera su propio garaje personalizado en la Aduana de la Costa Oeste.
Bienvenidos a las Cosas que nos Hacen Felices y al estreno más esperado de 2019 en el streaming de Amazon, y no me estoy refiriendo a la reposición de El Príncipe de Bel-Air. Estoy hablando de la serie basada en los cómics homónimos del macarra Garth Ennis, estamos hablando de The Boys.
Estrenada el pasado día 26 de julio, ya he podido verla en su totalidad y voy a dar mi opinión sobre lo que nos ha parecido esta adaptación, dejando claro que soy un hereje y no he podido leer la obra original, así que mi opinión será únicamente sobre la adaptación audiovisual.
Adelantamos que no va a haber ningún tipo de spoiler en la “crítica” que tenéis a continuación, así que podéis leerla con total seguridad. Reconozco que ha sido un trabajo complicado hablar de The Boys sin destripar parte del argumento y he tenido que ser algo abstracto al hablar de la trama.
Sinopsis: La serie tiene lugar en un mundo en el que los superhéroes representan el lado oscuro de la celebridad y la fama. Un grupo de vigilantes que se hacen llamar «The Boys» decide hacer todo lo posible por frenar a los superhéroes que están perjudicando a la sociedad independientemente de los riesgos que ello conlleva. (FILMAFFINITY)
He decir que la propuesta es original (en parte) por ver como se corrompe lo que siempre suele ser representado como un dechado de virtudes (los superhéroes) y se les baja del pedestal en el que los hemos situado. Algo parecido (con matices y llevado un poco al extremo) pudimos leer en la trilogía de novelas de Steelheart de Brandon Sanderson, aunque en esa ocasión los superhéroes fueron convertidos en los villanos de la historia. Al igual que en la novela mencionada, aquí aparecerá un grupo de personas para enfrentarse y desenmascarar lo que consideran un fraude.
Sobre ese enfrentamiento girará la historia de los 8 capítulos que conforman la primera temporada de The Boys. No hay blanco y negro en este show de Amazon, sino múltiples tonalidades de grises de las que no están exentos los personajes denominados “buenos”.Hay una frase que resume a la mayor parte de los personajes principales y es la de que el fin justifica los medios y las motivaciones (aunque diferentes entre ambos bandos) van a dirigir todas las acciones que se lleven a cabo: venganza, egoísmo, justicia, fama o poder, entre otras. Moralidad dudosa y claroscuros van a salpicar esta sátira al universo superheróico y como nos van a tratar de vender a los “supers” como meros productos para vender merchandising o anunciar bebidas energéticas que bajo su fachada de virtud esconden muchos defectos. Incluso así, no nos puede extrañar que haya ocasiones en las que no sepamos quien es más villano, si los componentes de The Boys o sus némesis superheróicas.
El guion de esta serie es sólido aunque no pretende innovar ni sorprender en exceso y se ve muy enriquecido gracias a unos personajes excelentemente ensamblados que en diversas ocasiones elevan el producto final. Los actores escogidos son solventes defendiendo sus papeles, pero en mi opinión, creo que Karl Urban como Carnicero y Anthony Starr como Patriota sobresalen notablemente sobre el resto.
Ver en la pantalla esos divertidos y deformados trasuntos de la Liga de Justicia (por que no se puede negar que estos superhéroes son una parodia de los componentes de este famoso grupo de DC) llamados Los Siete nos da un plus de felicidad a los lectores de cómics. Lo que si he echado en falta en la serie ha sido un poco más de irreverencia y de macarrismo, esas virtudes que suelen tener las obras de Garth Ennis y que esta serie ha olvidado un poco para entregarnos un producto para la inmensa mayoría de público. Aunque me queje de su bajo nivel de insolencia, y que a veces se toma demasiado enserio a sí misma, no significa que estemos ante un producto casto y puro. The Boys arremete contra la cultura de los superhéroes, la religión, el mundo corporativo, los reality shows, la falsedad humana y el estilo de vida americano…Ahí es nada. Esta primera temporada me ha dejado con ganas de saber más sobre Carnicero, Patriota y el resto de fracasados que pueblan esta serie y ha conseguido que esté pensando en hacerme con el cómic para ver los parecidos y diferencias. Ya está confirmada la segunda temporada, así que no os asustéis, no os vais a quedar sin saber que ocurre tras el cliffhanger final.
A nivel de producción este show es increíble y no le podemos achacar nada… bueno, quizás le hubiera venido bien un poco más de hemoglobina (por ser quisquillosos). Los efectos especiales lucen de maravilla y a la altura de una gran producción de Hollywood, se nota que Amazon quiere competir con Netflix y HBO para ser la número uno del streaming mundial. La representación de los poderes de cada uno de Los Siete (sobre todo de El Patriota) ha sido muy cuidada y en ningún momento “da el cante”, me resultó espectacular la escena en la que La Reina Maeve destroza el furgón blindado.
Los trajes de los supers poseen una gran manufactura, y con las suficientes similitudes con el cómic y con los personajes reales a los que parodian, para ser reconocibles por los amantes del género. Todo esto nos lleva a pensar que Amazon ha puesto mucho mimo en esta producción para que esté a la altura de la obra que adapta y no defraudar a los fans y, además, entregar una serie que atraiga a propios y ajenos.
¿The Boys es la mejor serie de superhéroes? No, ese honor lo tiene (bajo mi punto de vista) Daredevil de Netflix y creo que va a pasar bastante tiempo hasta que sea destronada, pero es una excelente alternativa que hará las delicias de todos. Estamos ante una gran serie que me ha enganchado desde el comienzo y a la que le auguro un gran futuro si no decae su calidad. La recomiendo mucho ya que va a conseguir sacar más de una sonrisa y más de un fan va a jugar a descubrir a que superhéroe real pertenece cada uno de los que pueblan The Boys.
En Amazon ya podéis disfrutar de toda la primera temporada al completo para un buen maratón con las aventuras de Hughie, Luz Estelar y todas las confabulaciones que se trae entre manos la corporación Vought. Hay muchos secretos en la historia de The Boys que os van a dejar con ganas de más, os lo puedo asegurar.
De tapadillo, sin apenas promoción. Así llega la última película de Netflix. Y no será por nombres. El protagonista es Chris Evans, el Capitán América, ahora mismo un filón. Y caras conocidas de películas y series como Juego de Tronos o Gotham, Ben Kingsley, Alessandro Nivola, Alex Hassell, Michiel Huisman, Michael Kenneth Willliams. Chris Chalk y Haley Bennett. Y en la escritura del guion y la dirección está el israelí Gideon Raff, conocido sobre todo por ser el creador de Prisoners of War, serie de televisión israelí que el mercado americano convertiría en Remake con el título de Homeland.
La Historia.
Rescate en el Mar Rojo es una historia inspirada en hechos reales. Ambientada a finales de los 70 y principios de los 80, un Resort abandonado en Sudán servirá de tapadera para trasladar a miles de refugiados judíos etíopes a a la tierra prometida, Jerusalén, capital de Israel. Esta es la breve sinopsis que apenas es el principio de una historia a la que muchos se refieren como la nueva Argo, y no sin cierta razón.
Chris Evans interpreta a Ari Levinson, un inconformista agente del Mossad al que veremos hacer flexiones por aquí y dominadas por allá sin que tenga mucho sentido por la situación del momento. Es un personaje embadurnado en puro cliché, marca de Netflix, y es que su personaje no difiere mucho de uno que ha estado interpretando en la última decada. Un agente que no puede permitir la masacre a la que están siendo sometidos los judíos etipopes en Sudán y que antepondrá todo por esta misión.
«Si no hacemos algo, nadie lo hará».
Para ayudar a su amigo Kabede Bimro (Michael Kenneth Williams), un lugareño que representa el liderazgo y la esperanza para los refugiados, Ari urge un plan que necesitará de la confianza ciega de sus superiores. Y es que se fijará en un Resort, una ciudad de vacaciones construida por empresarios italianos en los años 70 a orillas del mar Rojo y abandonada al no tener acceso por carretera ni agua corriente. El Resort de Arous, en Sudán, serviría pues de tapadera para la liberación de miles de refugiados.
Para esta audaz misión Ari elige a su equipo. En este sentido llama la atención que los elige al más puro estilo Ocean´s Eleven en un tono que rompe con el dramatismo de lo que se nos está narrando. El equipo está compuesto de caras reconocidas para el espectador, actores secundarios que completan un interesante reparto, si bien es cierto que sus personajes tienen nulo desarrollo. Siendo aquí donde más flojea la película. El personaje de Evans tampoco es que tenga muchos esbozos, sabemos que tiene una mujer que lo ha abandonado porque para el es más importante su trabajo que su familia. Esto le resta mucha empatía en lo que se nos cuenta, todos son superbuenos, sin fisuras, están dispuestos a rescatar a los refugiados y llevarlos a Israel. Poca emoción tendremos en la cinta pese a lo arriesgado de las misiones. Van en camiones de noche y los llenan de refugiados hasta la orilla del Mar Rojo. Los camiones son inspeccionados en la película en un par de ocasiones sin que nada llegue a suceder. Y en una película que llega a los 120 minutos la falta de emoción, de riesgo, es un factor negativo a destacar.
Valoración Final.
Considero esta película una gran ocasión perdida para Netflix (una vez más). No quiero confundiros, su visionado en líneas generales no se me hizo pesado, pero la película tenía poca emoción para la historia trascendental que se nos estaba contando. El personaje de Chris Chalk, es lo que uno no quiere ver en este tipo de película, más cliché. Es el típico señor de la guerra, una lástima cuando en Netflix ya nos retrataron mucho mejor este tipo de personaje en la película Beasts of no nation. Después tenemos lo que comentaba con Argo, tiene paralelismos si, pero aquella tenía mucha más enjundia. Ésta para empezar tiene a un Chris Evans que no da el pego, es un actor que fuera del Capitán América está falto de talento y carisma. Después desaprovecha un elenco de actores interesantes por culpa de ese desarrollo plano de personajes: Deambulan por la película, Ben Kingsley, Alessandro Nivola, Alex Hassell, Michiel Huisman y Haley Bennett. Sus personajes están ahí, Ari los busca pero quitando a Nivola que sabemos que es médico, los demas no sabemos en que destacan.
En definitiva una entretenida película de Netflix, lejos de lo que se podía esperar. Esto empieza a ser una tara importante, y más con lo que está por venir.
De un tiempo a esta parte, Marvel orquesta eventos, macrosagas o crossovers periódicos para captar la atención del espectador con una reunión de diferentes superhéroes.
En 2010, la editorial decidió publicar un crossover que se centrara en los héroes callejeros, al margen de los grandes eventos de Marvel: El Caballero Luna, Puño de Hierro, Luke Cage, El Castigador…y Daredevil, un personaje con una trayectoria editorial envidiable a lo largo del siglo XXI, con dos grandes etapas a cargo de Brian Michael Bendis y Ed Brubaker.
A la hora de elegir al personaje central de este crossover, los ejecutivos se debatían entre Spiderman, El Castigador y Daredevil. El trepamuros quedaba descartado porque, pese a ser un justiciero urbano, su influencia abarcaba otras extensiones del Universo Marvel.
Lo cierto es que hubiera sido interesante ver a Frank Castle enfrentándose al resto de héroes Marvel, pero también lo era centrarse en un Daredevil líder de la Mano, sobrepasándose en sus deberes y luchando contra sus antaño compañeros.
Así llegamos a Shadowland, tierra de sombras, la Cocina del Infierno gobernada por un inmenso castillo de inspiración japonesa construido por Daredevil para vigilar el crimen.
Una de las escenas más memorables del cómic
Brubaker finalizó su laureada etapa, galardonada con premios Eisner, con Daredevil dirigiendo la Mano, organización criminal de origen japonesa a la que el Diablo de la Cocina del Infierno se había enfrentado en numerosas ocasiones. Era una premisa muy interesante que recogió Andy Diggle y que prácticamente comienza con este crossover que reúne a justicieros como Daredevil, Caballero Luna, Puño de Hierro o Luke Cage, combinados con Shang-Chi (del que ahora habla todo el mundo por su próxima película), El motorista fantasma, Spiderman o, incluso, Lobezno.
¿El resultado? Un crossover muy entretenido pero que no pasará a la historia. Se nota que no era lo que Diggle quería contar en primera instancia y varias decisiones argumentales lastran mucho la trama.
En primer lugar, el conflicto principal. Daredevil se convierte en líder de la Mano pero, en lugar de reconvertir la organización a la manera de sus ideales, el héroe se va tornando cada vez más oscuro, realizando acciones impensables e impropias de Matt Murdock. Ya desde la primera página nos aclaran que el ascenso de Daredevil al liderazgo de la mano es una artimaña para que “la bestia” le posea. Es decir, que queda claro que no es Daredevil. Por lo tanto, la premisa pierde mucho de su atractivo porque no reconocemos al personaje central como el que es.
Por otro lado, aunque aparecen varios héroes del Universo Marvel, la mayoría cuentan con una aparición prácticamente testimonial, más como un reclamo publicitario que como un personaje con un lugar adecuado en la historia. Esto es especialmente sangrante en los casos de Lobezno (que está ahí…porque sí), Spiderman, Shang-Chi, el Castigador o el Motorista Fantasma. Luke Cage y Puño de hierro, por su cercanía con el demonio de la cocina del infierno, salen mejor parados. Igual que Kingpin, que vuelve a tener su dosis de protagonismo (mejor dicho, antagonismo) a base de medrar a espaldas de los héroes.
Otro de los errores argumentales, o al menos en lo que respecta a la coherencia argumental, es el reducir a los súbditos de la Mano, ninjas expertos en las artes marciales, en poco menos que muñecos a los que los héroes atizan con facilidad. Asimismo, es de chiste lo fácil que se infiltran en el castillo una y otra vez. Incluso el trepamuros se burla en un momento del cómic.
La trama de tierra de sombras se alterna con la serie regular de Daredevil, donde se narra la trama desde el punto de vista de secundarios como el detective Kurtz, Foggy Nelson y la detective Dakota North, más intimista e interesante que la macrosaga.
Por el contrario, si algo destaca en este Marvel Saga 23 es el dibujo, especialmente el de Billy Tan, con estilizadas figuras que destacan y elevan por encima de la media una historia ella para juntar a héroes dándose mamporros con escasa justificación argumental.
En definitiva, Tierra de sombras es un ejemplo de como el dibujo puede paliar un guión simplón que únicamente busca el crossover por el crossover. Una pena desperdiciar a la parte más oscura y urbana de Marvel sin profundizar en ellos.
Aquí tenéis el enlace al cómic en la página web de la editorial Panini Cómics:
Ojo a esto. Tras publicarse las primeras imágenes, Netflix estrena el tráiler de The Irishman, el estreno cinematográfico del año en la plataforma.
Frank Sheeran fue un veterano de la Segunda Guerra Mundial, estafador y sicario que trabajó con algunas de las figuras más destacadas del s. XX. ‘El irlandés’ la crónica de uno de los grandes misterios sin resolver del país: la desaparición del legendario sindicalista Jimmy Hoffa; un gran viaje por los turbios entresijos del crimen organizado: sus mecanismos internos, rivalidades y su conexión con la política.
Son muchos los motivos para considerar The Irishman como la película del año.
En primer lugar, los nombres que reúne. Martin Scorsese, uno de los mejores directores de la historia del cine y abanderado de la generación del 70 junto con Spielberg, Coppola, Lucas y De Palma; Steven Zaillian, galardonado guionista autor de, entre otros libretos, La lista de Schindler o American Gangster; y un reparto formado por los míticos Robert de Niro, Al Pacino, Joe Pesci y Harvey Keitel.
En segundo lugar, porque este es un proyecto ansiado por Scorsese desde hace años, pero que ningún estudio quiso apoyar pese al prestigio del director. ¿Por qué? Porque Scorsese quería contar una historia a lo largo de varias décadas con el mismo actor utilizando la tecnología de rejuvenecimiento que ya ha usado Disney con Star Wars. Esta vez, sin embargo, no será para traer actores fallecidos a la vida (Peter Cushing en Rogue One), si no para rejuvenecer a actores que ya no están para tantos trotes.
Además, es curioso cómo, dada la cantidad de actores que desearían trabajar con Scorsese, el director italoamericano ha preferido reunirse de un cuarteto de actores casi octogenarios. Tres de ellos fundamentales a lo largo de su carrera y un debutante, Pacino. ¿Nos está diciendo el viejo Martin que no hay actores en la actualidad que puedan compararse al genio interpretativo de estos gigantes del cine?
De una forma u otra, Netflix es la única que ha aportado la financiación y la libertad creativa necesaria para que Scorsese vuelve a un género que se le da de miedo pero que no le habíamos visto desde la magistral Casino, en 1995: el de la crónica negra norteamericana a través de tipos de dudosa moral.
¿Estamos ante la nueva próxima ganadora del Oscar a mejor película? ¿Repetirá el éxito de Roma?
Hace unos meses, en esta santa casa, inaugurábamos nuestras secciones mensuales en las que os adelantábamos las novedades de las dos plataformas de streaming por excelencia: Netflix y HBO. Con el pasar de los meses, no he podido dejar de notar el considerable aumento del género documental en el amplio y variado catálogo de ambas compañías, que tiran de género foráneo o propio del terreno para contarnos la historia no tan lejana de nosotros mismos. Pero ¿Qué nos gusta tanto de los documentales? Demos unas cuantas razones, y algunas recomendaciones. Por aquí, por favor:
Una gran parte de los documentales que ofrecen la plataforma son reescrituras de viejos y llamativos crímenes. Asesinatos sin resolver, desapariciones, redes criminales, muertes por venganza. Las series y películas centradas en la investigación criminal y los misterios violentos han sido receta para el éxito desde hace eones. A todos nos gusta saber quién fue el asesino, unir las pistas, comprobar cuanto nos horrorizamos ante cada crimen o tragedia. Pero ¿Y si no es ficción? Los documentales sobre crímenes nos atraen, porque superan la barrera de la ficción, siendo más impactantes que cualquier historia, porque ocurrieron de verdad.
Si a la emoción de la investigación le añadimos ese extra de morbo, de saber que ha ocurrido… Netflix y HBO han hecho el agosto con los casos reales. Algunos de los más vistos son «The Keepers» (Netflix), una docu serie sobre el asesinato de la monja Catherine Cesnik, que se sospechaba que podía tener relación con un red de abusos en un colegio católico; «La desaparición de Madeleine McCann» (Netflix), otra docu serie, centrada en la desaparición, aun sin resolver, de la pequeña Maddie mientras se encontraba de vacaciones en Portugal; o el documental «Mommy Dead and Dearest» (HBO), que cuenta la historia de Gypsy Rose, y como asesinó a su madre después de que esta (diagnóstica con el síndrome de Münchausen por poder) le hiciera creer a Gypsy y al mundo, de que la pequeña padecía un gran número de enfermedades.
El efecto Darth Vader
Muy en relación con los crímenes, se encuentran las personas que los cometieron. Puede parecer que nos acercamos a estos documentales de forma similar a los anteriores, pero lo cierto es que, en este caso, vamos a otra cosa. Si de las docu series sobre crímenes sin resolver esperamos misterio, teorias y morbo; de los documentales sobre asesinos esperamos que alguien encienda nuestra llama interna. Queremos odiarlos, y queremos cuantos más datos mejor para esto.
Los psicópatas y asesinos en serie nos fascinan, no podemos evitarlo. Sentimos la imperiosa necesidad de entender por qué y como alguien es capaz de llegar a hacer esas cosas tan terribles, en especial a desconocidos. Gente que parece funcional, miembros sobresalientes de la comunidad, que se escabullen para matar, torturar o violar. Como sociedad, queremos saber como detectarlos, como pararlo. Como individuos, queremos que nos den motivos para odiar a ese ser humano, para encender nuestras antorchas.
Netflix y HBO han sabido llevar a buen puerto estos instintos con documentales como «The Jinx» (HBO), que nos trae al millonario Robert Durst, y su aburrimiento que llevaron a matar a su ex esposa, «CAPTIVATED: The Trials of Pamela Smart» (HBO), con la mismísima Pamela Smart, uno de los personajes más mediáticos del crimen estadounidense; «Josef Fritzl: Story of a Moster» (Netflix), que secuestró y abusó de su hija durante 24 años; y como no, el documental «Conversaciones con asesinos: Las cintas de Ted Bundy» (Netflix), docu serie que nos lleva a las entrevistas con el famoso asesino en serie.
Todos somos Iker Jimenez
Y es que la realidad a veces se os queda corta. Y necesitamos teorizar sobre que otros aspectos más allá de la normalidad se ocupan en este mundo. Las historias más cercanas a «Cuarto Milenio» nos llaman, la posibilidad de que otros entes nos guíen al mal, que hacen la vida se parezca un poco más a una película de terror. Rituales a dioses desconocidos, sucesos difíciles de creer, y fraudes manifiestos; encontramos de todo.
Nos gusta tanto entrever las sombras de la normalidad, que no podemos evitar la curiosidad antes esta pequeñas rarezas. Como por ejemplo, los asesinatos cometidas por dos jóvenes en nombre de la leyenda urbana de la época de Internet, Slenderman, en «Beware the Slenderman» (HBO); uno de los trastornos más misteriosos y terroríficos que existen, la parálisis del sueño y las sobrenaturales sensaciones de quien la han experimentado en «The Nightmare» (Netflix); exorcismos que salen mal, como el que podemos ver en el docureallity «Belief: The Possesion of Janet Moss» (Netflix); u oscuras sectas como el caso de «Going Clear: Scientology and the Prison of Belief» (Netflix)
No solo en América
Estamos acostumbrados a mirar con la nariz ligeramente arrugada a nuestros amigos americanos, sus incontables crímenes en serie, sus dramas, sus sectas y sus asesinos por todas partes. Pero España tiene su propia historia, repletas de crímenes, misterios sin resolver, grandes hitos y personajes fascinantes. Ambas plataformas han sabido aprovechar nuestra propia mitología criminal e histórica, y llevarlo al genero de moda.
Así, encontramos nuestra huella en todas las categorías anteriores. Crímenes mediáticos que siguen vigentes a día de hoy con «El caso Alcásser» (Netflix), que desmonta uno de los primeros crímenes en ser seguidos por toda España, lleno de incógnitas y misterio; o «El Caso Asunta (Operación Nenúfar)» (Netflix), que cuenta en cuatro episodios el caso que estremeció al país. Tenemos nuestros propios asesinos en «Muerte en León» (HBO), que nos narra la vida y muerte de Isabel Carrasco, y la historia de traición y poder que llevó a su asesinato. Tenemos también a nuestros propios mitos (heroicos o anti-heroicos, lo dejo al gusto de cada uno) que han llevado a la pantalla con «El Pionero» (HBO). Y como no, nuestros propios mitos de la infancia y sus truculentos ascensos al éxito, como «Parchís: El documental» (Netflix).
El pueblo que no conoce su historia, está condenado a repetirla. Supongo que por eso nos gusta tanto ahondar en nuestra propia historia, sobre todo aquella que sentimos tan cerca, para sentirnos así parte de ella, participantes de los grandes y terribles hechos que han sucedido a nuestro al rededor.
Espero que estas recomendaciones os sirvan de guía para adentraros en el sórdido, aunque interesante mundo, de las docu series y documentales de Netflix y HBO. No olvidéis pasar por nuestras reseñas, y dejarnos en los comentarios cuales son vuestros documentales favoritos, y añadir los que se me hayan pasado. Yo volveré pronto. Hasta entonces… sed felices.
Bienvenidos una semana más a Gilead, la distopía no tan distópica donde los hombres ostentan un cargo y las mujeres son monedas de cambio. Sin embargo, la revolución se está cociendo a fuego lento…
Al igual que June cuando vuelve a la casa Lawrence, parece que han pasado meses desde la última vez que vimos al misterioso matrimonio. Meses desde las intrigas políticas, de las dificultades de adaptación de los refugiados en Canadá, de la tensión matrimonial entre los Waterford.
En estos meses, el ascenso de Fred dentro del Gobierno de Gilead se ha hecho patente. June vuelve más fuerte que nunca, pero los valores de Gilead también se han endurecido, a la manera de Washington.
De hecho, el coronel Wilson, del que esta vez no tendremos detalles de interés homosexual en Fred, acude con los Waterford a Boston para observar los avances. Avances que no solo afectan a las criadas y esas conocidas anillas-burkas, si no también a las viviendas de los comandantes, que ya no podrán acoger libros ni obras de arte.
Sin embargo, Fred sigue siendo el hombre Fred, ese ser narcisista y necesitado de continuos signos de respeto y sumisión por parte de las mujeres. Por ello, al notar como June le desprecia cuando se refiere a Lawrence como aquel “que me respeta”, decide, llevado por un orgullo erróneo, machacar a June y, de paso, a Lawrence forzándole a realizar la Ceremonia.
Aunque esta tercera temporada no cuente con momentos escabrosos (probablemente en respuesta a las críticas en este aspecto de la segunda temporada) eso no quiere decir que no sea dura. Y la escena de la Ceremonia lo es. Por ver como un hombre respetado en Gilead y misterioso para nosotros se deshace como un terrón de azúcar. Por ver como una mujer con un trastorno bipolar sin tratamiento no puede evitar desatar su ira ante la situación que está viviendo. El duelo interpretativo entre Elisabeth Moss, Bradley Whitford y Elisabeth Reaser es magnífico.
La escena es dura y marcará para siempre a los tres personajes, pero también a Fred, que no consigue lo que quiere y además, se convierte en catalizador del inicio de la revolución en Gilead. Por fin, Lawrence se compromete a sacar a su mujer del país con un vehículo. Sin lugar a dudas, un aliado muy poderoso.
#PRAYFORSERENAPROTAGONISTA.
A la hora de valorar el alargamiento de una serie, sería muy valioso el intentar expandir los límites desde otro punto de vista. En mi opinión, aunque espero tener que retractarme, el punto de vista de June está más que agotado pero, al ser su personaje un símbolo, los guionistas son incapaces de retirarla del primer plano. Mucho más interesante, por poner un ejemplo, hubiera sido una tercera temporada con protagonismo de Serena, con lo que habríamos asistido a las tripas políticas de Gilead y a los demonios internos del personaje.
Queda claro en este episodio que Serena no solo perdió el dedo meñique en la segunda temporada, si no también la fe en el sistema que ayudó a construir. Aún así, hay una fuerza que le lleva a seguir insistiendo en su unión con Fred: el amor que siente por Hollycole.
La Serena que vemos en la tercera temporada no es la de la primera. Es una mujer que ya no cree en Ceremonias, que conoce la otra cara de las fachadas de Comandantes y Esposas. Que no quiere ver sufrir a June…salvo que sea necesario. No le interesan los avances de Gilead. Solo cumplir su destino como madre.
Eso le lleva a adquirir una posición de poder por encima de Fred (muy llamativa la penúltima escena del episodio) que incluso incomoda a Wilson, incapaz de entender como una mujer pregunta por cuestiones de estado. Serena le reprocha a Fred como está usando la reclamación de Hollycole para ascender en el escalafón del poder y, por ello, le coloca entre la espada y la pared.
Serena, con el teléfono del periodista de Canadá, da a elegir a Fred entre sus ansias de poder y el traicionar a su propio país con tal de recuperar a su hija. Una decisión para muchos fácil que, en manos de Fred, pienso que no va a dejar en buen lugar a Serena. ¿Nueva traición?
El décimo capítulo finaliza con una escena tan tranquila en forma como impactante en fondo. En una temporada caracterizada por el relleno, la revolución la simbolizan…unas magdalenas. Un momento dulce (nunca mejor dicho) que esperemos nos conduzca a un final de temporada trepidante.
Antes de dar por inaugurado el período vacacional, queremos presentar las novedades de ECC Ediciones preparadas para el próximo mes de octubre, que saldrán a la venta durante el mes de septiembre:
Como veis, tras el verano estaremos volcados en la celebración del 80 aniversario de Batman, que culminará el día 21 de septiembre con el Batman Day 2019, una edición que estará repleta de sorpresas, entre ellas la publicación de dos volúmenes conmemorativos muy especiales: Batman: Especial Detective Comics 1.000 y Detective Comics: 80 años de Batman.
En la línea DC Black Label, anunciamos la publicación de varias novedades de lo más interesantes, algunas de ellas tan esperadas como Superman: Año uno, la nueva obra de Frank Miller en la que profundiza en los orígenes de Superman tal como hiciera décadas atrás con el celebérrimo Batman: Año uno. Esta vez, Miller estará acompañado a los lápices por John Romita Jr., en una obra destinada desde ya a convertirse en todo un clásico del género.
Todo esto y muchísimo más, a tan solo un clic de distancia.
Bienvenidos, amantes de HBO, al artículo mensual donde repasamos las novedades que nos trae la plataforma de streaming. Agosto se presenta largo, ocioso y caluroso, por lo que la mejor forma de pasarlo es, sin duda, en casa, con el aire y pegados a la pantalla. Y ahora, al lío.
Series
Lambs of God
Se trata de una miniserie en tono gótico, sobre tres monjas de distintas generaciones que viven solas en una isla desierta, y que deben enfrentarse a un nuevo un joven párroco que llega a su monasterio en ruinas. Para mí, una de las recomendaciones de verano.
El 1 de Agosto llegarán las tétricas hermanas de Santa Inés.
Preacher
El Predicador ha vuelto. En esta santa casa amamos a Jesse Custer y los suyos, y llevamos siguiendo sus aventuras desde que decidieran emprender la búsqueda de Dios. El equipo Génesis volverá en breve a la parrilla de HBO, y desde mi humilde posición, os animo a que os la traguéis entera.
La temporada 4 de Predicador llega el 5 de Agosto
Pico Da Neblina
En un Brasil donde la marihuana es legal, un joven delincuente decide usar todos sus conocimientos para meter la cabeza en este nuevo negocio, soportando todas las presiones de ser emprendedor, con los temas que le acosan de su pasado, y sus propias tribulaciones vitales.
El 5 de agosto podremos disfrutar de esta serie.
Bofereigners
Un drama noruego, que nos recuerda ligeramente a la francesa Les Revenants, en la que unos destellos de luz por todo el mundo traen de vuelta a personas del pasado. Se presenta como una de las series revelación de la temporada de verano.
El pasado regresa a nosotros el 21 de agosto
Otras Series
Ligera como una pluma. Temporada 2 – 20 de Agosto
A Black Lady Sketch Show – 3 de Agosto
Succession. Temporada 2 – 12 de Agosto
Los Gemstones – 19 de agosto
Our Boys -13 de Agosto
Películas
My Favourite Shapes By Julio Torres
Se trata de una de las rarezas de la temporada. El comediante Julio Torres nos cuenta cuales son sus formas favoritas (cuadrados o esferas), y las delirantes historias que relaciona con cada una de ellas. Es, sin duda, uno de los grandes pelotazos.
Podréis conocer todas las formas favortias de Julio Torres el diez de Agosto.
Finales Alternativos: Nuevas maneras de morir en América
Se trata de un curioso documental sobre las nuevas formas en las que los estadounidenses eligen «celebrar» sus funerales, y como los babyboomers decidieron tomar el control, no solo de sus vidas, sino de también de sus muertes.
Todas las maneras de morir en américa en HBO, el 15 de agosto
Otras películas
La chica de oro – 23 de agosto
Morning Glory – 1 de agosto
Noche de fin de año- 1 de agosto
Pieles- 2 de agosto
Cold Mountain – 2 de agosto
Abuelos al poder – 3 de agosto
Palmeras en la nieve – 4 de agosto
La sonrisa de la Mona Lisa – 6 de agosto
La pareja del año – 9 de agosto
Rey Arturo: La leyenda de Excalibur – 10 de agosto
Por la cara – 15 de agosto
AI Inteligencia artificial – 16 de agosto
Las novias de mi novio – 16 de agosto
El discurso del Rey – 23 de agosto
Revolutionary Road – 23 de agosto
Los amos de la noticia – 23 de agosto
Bienvenidos al norte – 23 de agosto
El otro guardaespaldas – 24 de agosto
Tropic Thunder, ¡Una guerra muy perra! – 30 de agosto
Florence Foster Jenkins – 30 de agosto
Asesinos de Élite- 30 de agosto
Ahora que ya habéis cogido ideas, lo mejor es que os deis un chapuzón rápido y os encerréis a ver series como locos. Y, si para septiembre queréis volver a asomar la cabeza, os espero aquí con las novedades de HBO del mes que viene.
Ya sea por el inmenso número de producciones o por su consecuente aumento de calidad y estándares, que una serie trascienda la frontera camino hacia lo mainstream, es cada vez más complicado. Precisamente por esto, es cuanto menos curioso que una producción española de Atresmedia, sea una de las que lo ha conseguido, y ya no solo en España, sino a nivel mundial, ganando un Emmy.
Hace poco salió la primera mitad de lo que es su nueva entrega, la llamada Parte 3 –aunque realmente sea la 2a temporada– y, dado el tremendo éxito que tuvo, es inevitable preguntarse: ¿Mantendrá el nivel?
Para poder apreciar mejor lo que nos ha ofrecido esta primera mitad, creo que es necesario contemplar y analizar lo que la hizo destacar y triunfar en un inicio. La casa de papel, en esencia, no nos propone nada nuevo, –de hecho no oculta en ningún momento sus referentes como Ocean’s Eleven– ya que el concepto del atraco imposible contra el sistema lo hemos visto ya mil veces. Lo que le da ese factor de originalidad es el cómo nos situó en la acción, partiendo de un atraco prácticamente in media res a través de la en ocasiones forzada voz en off, poniéndonos en una situación de ironía dramática y sumiéndonos de lleno en una tesitura loca e imposible que, con el paso de los episodios, vamos desentrañando poco a poco y entendiendo el cómo se construyo todo y porqué.
Este concepto mezclado con un batiburrillo canalla de referencias rebuscadas, su ritmo incansable y gran talento a la hora de dejar cliffhangers y giros de guión, hizo de La casa de papel una serie distinta pero con la que ya estamos familiarizados. Precisamente por eso, Netflix vio en esta producción española una oportunidad de oro para añadirla a su catálogo, ya que por su misma concepción y estilo, encajaba con los estándares de la plataforma: amena, universal, estructurada para el binge-watching y sin el factor riesgo de ser un producto nuevo, ya que bebe de muchos elementos ya asentados en la cultura popular.
El regreso: Luces y sombras
Establecida ya su numerosa base de seguidores y éxito internacional, la expectación era alta, aún más si tenemos en cuenta que una continuación no era necesaria. Un matiz relevante, ya que una mala motivación puede ser la perdición de cualquier producto. En esta parte 3, la mano de Netflix se nota más si cabe, desde la condensada duración, pasando por los medios hasta la misma estructura de los episodios. Una condensación que ha obligado a los guionistas a ser todavía más directos si cabe, al menos en lo que a ritmo se refiere, y se ha notado en los malabares que muchas veces la serie ha estado haciendo entre personajes y acción, viéndose a sí misma con una cantidad de líneas abiertas que no estaban preparados para abordar de lleno en esta primera mitad. Consecuentemente, muchos de los integrantes han perdido complejidad y se han visto relegados a un rol más conveniente, casi de herramienta de guión, –como es el caso de Denver y Río– y algunos simplemente han dado saltos de carácter y comportamiento completamente injustificados como es el caso de la ahora conocida como Lisboa, que muestra más bien pocos recelos a la hora de convertirse en criminal; o la mujer de Denver, Estocolmo, que tampoco tiene reparos a la hora de meterse en un atraco sin ninguna clase de preparación criminal, ni parece preocuparse por el bienestar de su hijo Cincinnati en ningún momento, cosa que su marido sí expresa nada más plantearse la idea de reunir la banda.
Precisamente por tratarse de una continuación y ya estar familiarizados con gran parte de los personajes, era especialmente importante darles a estos nuevas dinámicas y desarrollo para evitar la monotonía, pero la compresión a la que se han visto sometidos les ha obligado a no poderlos trabajar del todo y quedarse en una extraña media tinta con la línea de acción, algo comprensible pero que pierde el sentido cuando llegamos al siguiente punto: la cuestionable presencia de Berlín.
Berlín y el fan service
Habiendo establecido que no era necesaria una continuación, otro de los principales problemas de esta temporada ha sido el personaje de Berlín. Si bien en su primera entrega fue de los mejores personajes, aquí ha sido incluido de manera forzosa. No me refiero a que algunos flasbacks explicando su pasado y relación con El Profesor no sean interesantes, pero el darle una trama que explique el golpe de esta tercera parte, no deja de ser reiterativo y gratuito, ya que ya existe otra trama en la misma serie en la que El Profesor explica el golpe a los integrantes del grupo. Si esta parte con Berlín tuviese un arco mejor desarrollado y con un propósito más claro, probablemente no sería un problema, pero en la mayoría de sus escenas, su aportación no parece ser otra que la de estar allí para el público por su talante y carisma, vamos, fan service. Algo que per se no debería tener demasiada importancia, termina quitando tiempo para el desarrollo de personajes más relevantes para la trama y hace que los estereotipos reluzcan en determinadas ocasiones como arma a la desesperada.
Adictiva como siempre
Todo sea dicho, a pesar de mis pedánticas quejas, debo admitir que La casa de papelmantiene gran parte de lo que la hizo destacar en su momento. Aunque los momentos que rozan el ridículo y malos diálogos se hayan multiplicado –sobretodo en los primeros capítulos– esta tercera entrega consigue mantener la esencia y mostrarse tan endiabladamente adictiva y con adiciones interesantes como la inspectora Alicia Sierra. Los guionistas han demostrado una vez más tener las mangas repletas de ases para hacer que nos mordamos las uñas una vez más con el incierto devenir de este grupo de atracadores. Esperemos que la ya confirmada parte 4 siga en la línea y solucione algunos de los problemas que, al menos para mí, ha evidenciado esta.
Bienvenidos un mes más a esta sección donde os mostramos los nuevos contenidos que llegan a Netflix a primeros de mes. Estamos en agosto, un mes a priori poco propicio para estrenar grandes cosas ya que el personal está en otros menesteres, playa, piscina, montaña, cerveza, etc. No obstante os digo ya que sorpresas. Sin más preámbulos nos ponemos al lío.
Series de contenido propio:
Olvidar lo que dije antes, para un servidor los estrenos de este mes son difícilmente superables en todo el año. Vamos a tener grandes series de estreno y el regreso de algunas de vuestras favoritas. Así el 2 de agosto vuelve Queridos Blancos con su tercera temporada. Es una dramedia que trata sin tapujos la cuestión racial.
El 8 de agosto uno de los estrenos que hay que apuntarse si o si. Wu Assassins. Muchas incógnitas con respecto a esta serie. Nos espera un derroche de fantasía y artes marciales. Una serie protagonizada por Iko Uwais, quizás la estrella absoluta del género, conocido sobre todo por su papel en la bilogía The Raid. La sinopis desde luego es curiosa, Kai Jin, un joven chef del barrio chino de San Francisco, tras el encuentro con un espíritu místico, obtiene los antiguos poderes mortales de la Tríada China conocida como «Wu Xing». Tendrá que utilizar sus nuevas habilidades para frenar los poderes sobrenaturales de sus enemigos. A Iko Uwais le acompañan en el reparto Byron Mann, Mark Dacascos y Tzi Ma.’Wu Assassins’ constará de diez episodios.
El 9 de agosto se estrena Las chicas del cable con su cuarta temporada junto a otro de los platos fuertes del mes GLOW, que estrena su tercera temporada. En esta ocasión las desventuras de la lucha de Ruth (Alison Brie) y Debbie (Betty Gilpin) por triunfar con su espectáculo de wrestling las llevará a la ciudad de Las Vegas. Allí se darán cuenta que las luces de neón no son para ellas.
https://www.youtube.com/watch?v=lNdHAnmfAP8
El 16 de agosto es otra fecha a señalar en el calendario. Estreno de la segunda temporada de Mindhunter, la mejor serie del 2017. Aquí tenéis mis aportaciones a la primera temporada:
¿Qué sabemos de la segunda temporada? Con Holden Ford en una situación aparentemente comprometida por lo que vimos al final de la primera temporada, en esta nueva temporada, Ford (Jonathan Groff) y Bill Tench (Holt McCallany) vuelven a formar equipo con la psicóloga Wendy Carr (Anna Torv) para resolver los crímenes ocurridos en Atlanta entre 1979 y 1981. 28 muertos, todos afroamericanos. En esta ocasión contaremos con la entrevista a Charles Manson, interpretado por Damon Herriman. Como se que sois muy listos ya sabéis que es el mismo actor que da vida al mismo personaje en el próximo estreno de Quentin Tarantino, ‘Érase una vez en Hollywood. David Fincher, Carl Franklin y Andrew Dominik son los directores de los nueve capítulos que forman la segunda entrega de Mindhunter. A falta de tráiler os dejo la caracterización de Damon Herriman como Charles Manson.
Y acabamos con el 30 de agosto, estreno de El cristal oscuro. Una película de mi más tierna infancia que ahora Netflix ha covertido en serie y que funciona a modo de precuela de la del año 1982 en la que Jim Henson y Frank Oz fueron los responsables. El director de películas como Transporter,El increible Hulk y Ahora me ves, Louis Leterrier, se encarga de la realización de la moderna adaptación.
Otras series:
Derry Girls: Temporada 2 – 2 de agosto
Patriota no deseado con Hasan Minhaj: Volumen 4 – 4 de agosto
El director desnudo – 8 de agosto
Sintonía – 9 de agosto de 2019
Apache: La vida de Carlos Tevez – 16 de agosto
45 revoluciones – 16 de agosto
La víctima número 8 – 16 de agosto
Frontera verde – 16 de agosto
Hyperdrive – 21 de agosto
El menú de los millonarios: Temporada 2 – 27 de agosto
Workin’ Moms: Temporada 3 – 29 de agosto
13 mandamientos – 30 de agosto
The A List – 30 de agosto
Casados con el diseño – 30 de agosto
Vis a vis: Temporada 3 – 30 de agosto
Estrenos de películas de producción propia.
A la espera de que no tenga que tirar este artículo al retrete, tenemos un mes tranquilo en cuanto a producción propia nos referimos. Destacamos el 2 de agosto el estreno de Otherhood (Más que madres). Carol (Angela Bassett), Gillian (Patricia Arquette) y Helen (Felicity Huffman), tres viejas amigas, se sienten olvidadas y abandonadas por sus hijos adultos. Así que deciden ir a Nueva York a verlos y, en su travesía, se proponen redefinir sus relaciones cuando descubren que las vidas de todos necesitan un cambio. Basada en la novela «Whatever makes you happy» de William Sutcliffe.
https://www.youtube.com/watch?v=LjKwoeqmYvg
Dos películas más (a priori) se estrenan con el sello A Netflix original film. El día 18 es el turno de Sextuplets (Sextillizos) Un futuro papá descubre que tiene cinco hermanos gemelos y se embarca en un alocado viaje para encontrar a sus compañeros de útero. Marlon Wayans los interpreta a todos. El acabóse. El 30 de agosto podremos ver La Grande Classe en la que dos mejores amigos vuelven a su ciudad natal para una reunión de la escuela secundaria, con la esperanza de ver a sus antiguos «bullies» y volver a conectar con los amores adolescentes. Nada del otro mundo a priori como podéis observar.
«RUMBLE convoca a lo noble, legendario y monstruoso de lo humilde y lo mundano».
Comicbook.com
Introducción
La editorial Astiberri nos obsequia en el mes de julio de 2019 con el cuarto tomo de la colección Rumble, que recopila el 2 volumen de la edición americana, con el arco argumental de 5 números, titulado Alma sin piedad. Además de una historia corta, a modo de preludio, de la mencionada saga, Rumble 4. Alma sin piedad incluye bocetos y otros extras sobre el proceso de trabajo del dibujante de esta historia, David Rubín, así como diversos pin – ups y portadas alternativas.
Valoración de Rumble 4. Alma sin piedad
El guionista John Arcudi vuelta a tomar a la deidad guerrera Rathraq, la cual creó junto con el dibujante James Harren para Image en 2015. Lo hace en un nuevo arco argumental con un nuevo compañero de viaje en el dibujo, se trata de David Rubín. Se puede decir entonces que la calidad en el apartado artístico de este dios, con la apariencia de un espantapájaros, no decae en absoluto.
La temática sigue siendo la misma. Una criatura, antaño de apariencia poderosa, ha de hacer frente, en nuestro tiempo, a aquellos demonios que ya combatió hace diez mil años a favor de la raza humana. Misión en la que va descubriendo que la humanidad está tan corrompida por dentro como lo está él por fuera. Una humanidad en la que lo que está bien y lo que está mal no está tan claro como lo estaba en El momento de esplendor de nuestro héroe. Puede que, precisamente por eso, y por las duras pruebas que ha tenido que pasar durante la lucha con sus eternos adversarios, nuestro personaje ha pasado de ser un defensor de los débiles a un salvaje sanguinario, que antepone su misión a todo lo demás, tratando con cierto desdén a los que eran sus aliados en este mundo: Bobby, Del y Timah.
Para complicar más las cosas la raza humana parece haberse cansado de ser el blanco de los ESU, los monstruos a los que combate Rathraq, y han decidido crear un especie de Frente de Liberación Humana contra los mismos. Algo que, indudablemente, molesta a estos últimos quienes tratarán de impedir dicha empresa.
La temática del cazador de monstruos o la de dioses y semidioses combatiendo a criaturas sobrenaturales para beneficio de la humanidad, que los venera, no es excesivamente original. Se puede decir que es una constante en las leyendas del ser humano desde El Poema de Gilgamesh, probablemente la obra literaria más antigua del mundo, pasando por las diferentes mitologías que conforman nuestra cultura. Lo novedoso de Rumble es la forma en que se recoge todo eso. Arcudi es consciente del legado que maneja y lo moldea para elaborar un atractivo relato que evita cargar de excesivas referencias para no aburrir al lector. Estamos pues ante un cómic que, aún pareciendo nuevo, atesora multitud de guiños a historias místicas y sobrenaturales de las que uno puede percatarse si sabe mirar.
Historias fundamentalmente trágicas en las que, sin embargo, hay espacio para el humor. Humor bien dosificado, humor en el momento oportuno, para no vulgarizar, simplificar o restar valor a lo que se está contando. Un historia de valor, amistad y honor pero también de rencor, venganza y miedo. Todas ellas cualidades que parecen darse tanto en los seres humanos como en las divinidades y en los seres sobrenaturales que combaten.
Y si James Harren era ideal para plasmar todo esto en viñetas, no lo es menos su sucesor en este volumen, David Rubín. Es conocido el gusto de este autor por llevar a las viñetas historias de corte heroico y mitológico. Ya lo hizo con El Héroe, novela gráfica en la que adaptaba Los Doce Trabajos de Heracles, o con Beowulf, junto con el guionista Santiago García. Por no hablar por su habilidad para mezclar contextos sobrenaturales con entornos de ciencia-ficción dando lugar a multitud de ingeniosas criaturas. Muestra de ello es su dibujo en Ether, con guión de Matt Kindt.
Por lo que no es de extrañar que en el tomo que nos ocupa el autor confiese su admiración por Rumble y su inmensa alegría cuando Arcudi contacto con él para ofrecerle ser el dibujante del segundo volumen de su obra. Algo que acepto inmediatamente. Leído Rumble 4. Alma sin piedad salta a la vista que Rubín disfruta con este título dado la épica y espectacularidad que transmite en sus páginas.
Así que los lectores habituales de Rumble pueden estar tranquilos, la calidad está asegurada. Y los que quieran engancharse ahora, que no se asusten. Aunque este es el volumen cuatro en la edición española, al ser el dos en la americana se pone al lector en situación de todo el pasado de Rathraq y de sus secundarios así como también se introducen nuevos personajes y situaciones que darán que hablar en el futuro. De manera que no hay excusa para no probar Rumble 4. Alma sin piedad.
Esto ha sido todo. Espero tus comentarios sobre este post. ¡Muchas Gracias y un abrazo!
¡Hola vaquer@s! Aquí os traigo una nueva entrega de la sección «En clave de western«. Como sabéis (en caso de no saberlo os lo refresco), esta sección se encuentra dando sus primeros pasos por la web, y la finalidad de la misma no es otra que darle al western la visibilidad que merece sea la época que sea y el año que sea. Y por eso me apetece hablaros hoy de uno de esos juegos de arcade que fue una auténtica revolución en su día, y que en la actualidad sigue gozando de prestigio entre quienes jugamos a él en su día. Hoy es el turno de hablaros del juego… ¡Sunset Riders! Aquí os dejo la encantadora intro del juego, muy llamativa en su día cuando pasabas por delante de la máquina recreativa.
Creado en 1991 por Konami, estamos ante uno de los mejores juegos de su época sobre el salvaje oeste. ¿Cuál era la historia tras Sunset Riders? Realmente no estamos ante un juego que siga una línea temporal o una serie de acontecimientos conectados en cada nivel del juego, sino que durante los 8 niveles jugables, el objetivo en todos y cada uno de ellos era llegar hasta el jefe final, que era un forajido buscado, para acabar con él y cobrar la recompensa. No obstante, la gracia de este juego se encuentra en varios factores: los personajes, la variedad de escenarios, y el inmenso carisma que desprende.
Empecemos por los personajes. Los protagonistas elegibles por el jugador son 4 cazarrecompensas llamados Steve, Billy, Bob y Cormano. Mientras que los dos primeros llevaban revólveres, Bob llevaba un rifle y Cormano una escopeta. No obstante, la posibilidad de encontrarse alguna recompensa durante los niveles permitía que las diferencias entre un arma y otra no importase mucho al conseguir temporalmente disparos especiales. Junto a estos personajes, los antagonistas también tienen su punto de interés, porque cada uno de los jefes finales tiene un aspecto distinto y unas habilidades diferentes entre sí, a pesar de que nos pueda parecer todo muy automático.
Por otra parte, la variedad de escenarios y la jugabilidad en cada uno de ellos era muy disfrutable. Podíamos encontrarnos niveles en los que íbamos a pie disparando a todos los pistoleros que apareciesen, pero también había fases en las que tocaba ir a caballo, o sobre un tren, e incluso… ¡correr sobre los animales de una estampida! En cada nivel se podía ir por arriba o por abajo, en un formato de juego muy similar a otro juego que conoceréis, como era el Contra. Y sobre los escenarios, había un extenso recorrido por las diferentes zonas tan vistas en el western: desde recorrer poblados indios a trenes en marcha, pasando por peleas en el interior de un saloon, pasajes en bosques, o el recorrido por algún pueblo lleno de pistoleros y obstáculos a sortear. En definitiva, estamos ante un juego que proporciona mucho disfrute en su recorrido, y que puede causar un efecto similar a los Metal Slug salvando las distancias claro está. La posibilidad de jugar de manera cooperativa entre varios jugadores es un aliciente más para poder pasarse el juego con mayor eficacia.
Sobre el carisma del juego… ¿es obvio no? Estamos ante un JUEGAZO del salvaje oeste, con unos personajes protagonistas bien diseñados y una mecánica de juego muy adecuada para el formato arcade, si bien hay que admitir que cuando se adaptó este juego a la Mega Drive y la Super Nintendo, en ninguno de los dos casos mantuvo la calidad de la versión original por distintas razones. Es por ello que el western se disfruta en toda su intensidad en un juego como éste, dinámico, sin dejar un segundo de descanso, y que además se puede disfrutar en compañía de otras personas, lo que ayuda a crear una atmósfera de lo más intensa.
Porque sí, el western es un género fantástico para disfrutar en cualesquiera que sean los formatos donde se presente. En este caso ha sido en formato de videojuego, pero estamos ante una oportunidad fantástica de rememorar las mejores cosas del género, de cabalgar junto a los protagonistas hacia un nuevo amanecer y atrapar los diferentes enemigos que se buscan durante el juego. Y además, a día de hoy no es nada difícil que podáis jugar al Sunset Riders en alguna página de internet, y descubrir un placer olvidado o uno completamente nuevo que puede comenzar a partir de la lectura de este artículo. Y esto es todo por hoy. ¡Hasta la próxima cabalgada!
Te doy la bienvenida, simpatizante del pantano, a un nuevo post de mis análisis de la que, hasta que se estrene la segunda temporada de Doom Patrol, es nuestra serie favorita. Hablo, como no, de Swamp Thing (La Cosa del Pantano). Sin contar el episodio que nos ocupa estamos a dos capítulos de que termine esta serie y parece que la dirección hacia la que se encamina tiene más similitudes con la historia «Una lección de anatomía» de Alan Moore y Steve Bissette para Swamp Thing Vol 2 #21 (84) que con la saga de La Podredumbre de Scott Snyder y Jeff Lemire. Mis predicciones han fallado.
Si más preámbulos pasamos a comentar el comienzo del largo camino a casa de nuestro héroe, que es, precisamente, el título de este capítulo, Long Walk Home, dirigido por E.L. Katz y escrito por Gary Dauberman y Mark Verheiden.
La Cosa del Pantano rescata a Avery y este lo captura
Como he dicho en la introducción, me equivoqué en mis predicciones. Avery no se convertirá en un avatar de La Podredumbre sino que será encontrado y curado por La Cosa del Pantano. En el proceso La Cosa del Pantano le explicará que han sido los abusos que del pantano han hecho gente como él lo que ha favorecido la expansión de La Podredumbre. Por ese motivo El Verde lo ha elegido a él como su campeón, buscando así equilibrar la situación.
En el transcurso de una tensa conversación entre ambos, Avery descubre que Swamp Thing es Alec Holland y que siente algo por Abby, así que, en agradecimiento por haberle salvado la vida, se compromete a proporcionarle la ayuda de Jason Woodrue para volver a la normalidad.
Por desgracia la codicia le puede tanto a él como a Woodrue, a quien no les interesa que Alec vuelva a ser humano para poder hacer negocio con sus células regenerativas. Así que los dos volverán al pantano pero con un equipo especial, probablemente proporcionado por El Cónclave, que consigue capturar a La Cosa del Pantano.
Abby, al darse cuenta en Atlanta de lo que pretende Ellery con Alec, vuelve a Marais para avisarle pero llega tarde.
Cierre
Pues lo comentado ya. Por lo que hemos podido ver en este episodio todo parece ir dirigido a una adaptación de la historia de Moore y Bissette titulada «Una lección de anatomía». El como se adapte es algo que veremos y comentaré más detalladamente en los dos episodios que quedan. Lo que si quería llamar la atención de este episodio es sobre algo un poco trillado y es el recurso de justificar la forma de ser del villano por la forma en que lo han educado sus padres o por lo que ha visto en su entorno, sintetizado en la frase «Yo soy así porque mis padres me han hecho así». Lo cual se ha aplicado al padre de Avery, quien fue castigado, asesinado, por El Verde, por maltratar a la naturaleza. Y, pese a que Avery presencia el asesinato de su padre, parece que reproduce, al llegar a ser adulto, la misma actitud. Dado que no hay nada contado acerca de la niñez de este personaje en las viñetas se puede aceptar esto como explicación de su forma de ser, aunque a mi no me acaba de convencer. Si bien, en parte, somos el entorno en que nos criamos y los padres que nos educan, eso no quiere decir que siempre nos condicione hasta el punto de no poder decidir, libremente, al ser adultos, cómo queremos ser. Me da la impresión que, al recurrir al «Yo soy así porque mis padres me han hecho así», se está buscando también que seamos capaces de empatizar con el personaje. Para mi gusto, de un tiempo a esta parte, hay demasiada insistencia en empatizar con todo y todos. A veces, en la ficción, parte del encanto de algunos personajes es que nunca lleguemos a identificarnos total o parcialmente con ellos. De la misma manera que, en la vida real, no simpatizamos con todo el mundo. Eso es muy humano.
Otro cosa que me ha chocado mucho en este episodio, también con Avery, el Avery adulto, es el momento en que observa que La Cosa del Pantano está venciendo al mencionado equipo especial. Es entonces cuando grita ¡Holland! y le dispara con lo que parece ser una escopeta, noqueandolo el tiempo suficiente para que lo congelen. ¿Un anciano con una escopeta consigue lo que no puede las armas especiales de un equipo de asalto? Me ha parecido algo forzado.
Esto es todo, habitante del pantano. Espero que leas los dos últimos posts dedicados a los dos últimos episodios de Swamp Thing y espero tus comentarios. ¡Muchas Gracias!
