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Análisis de Westworld. Temporada 1. Capítulo 4

Bienvenido una semana más a Westworld. Para los no iniciados en los placeres violentos que nos ofrece el parque, aquí tenéis los enlaces a los capítulos anteriores de la serie. 

Capítulo de transición. Se asientan posiciones y conocemos más al misterioso Pistolero de negro. La serie sigue dejando teorías y tramas en el aire. Una muestra más del nivel de profundidad de su guión.

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EL PISTOLERO DE NEGRO

Por fin conocemos algo más de uno de los personajes más misteriosos de la serie. Se ha especulado con la posibilidad de que el pistolero de negro sea William, el joven del sombrero blanco. Aunque es un apunte interesante, dudo que sea cierta, ya que el encuentro entre Dolores y William al final del tercer capítulo echa por tierra la teoría de que la serie se desarrolle en dos líneas temporales distintas.

El pistolero de negro es un huésped que lleva viniendo al parque desde sus inicios. Conoce y ha completado todas y cada una de las tramas. Vamos, como un experto jugador de rol que busca completar el 100% del juego. En este caso, todavía no sabemos por qué, el pistolero de negro conoce a Arnold, el cofundador de Westworld. Intuye que, pese a que Arnold murió, dejó una trama en lo más profundo del parque, una historia en la que si haya algo real que jugarse.

Siguiendo la pista de la serpiente, encuentra a la secuaz del bandido Héctor Escaton, una chica rubia con un tatuaje de una serpiente que le recubre todo el cuerpo. Quiere conocer la historia de ese tatuaje. A cambio, como en cualquier juego de rol, deberá cumplir una tarea para la chica.

Hay una escena que llama la atención. Uno de los miembros de la banda de la chica es un huésped que reconoce al Pistolero como el jefe de una fundación que ha salvado la vida de un familiar. Acude a darle las gracias, pero el pistolero no quiere saber nada de él. Son sus vacaciones. Cada vez conocemos un poquito más de este obsesionado jugador.

Finalmente, tras rescatar al bandido Escaton de una prisión, la muchacha le cuenta la historia de la serpiente: el tatuaje está hecho de la sangre de aquellos que mataron a su familia. El pistolero le pregunta por la cabeza, que aún está sin tatuar. La cabeza es para el líder de aquellos hombres, el único que la chica no ha podido matar: Wyatt.

Como recordaréis, Wyatt es el misterioso villano que diseñó Ford para su nueva trama en la que iba a involucrar a Teddy. Un loco que proclamaba que el mundo no era de los humanos ni de los animales, si no de otros que manejaban los hilos a su antojo… ¿Es Wyatt un reflejo de Arnold? El hecho está en que, actualmente, Wyatt es considerado un mosntruo. El pistolero de negro marcha en su búsqueda junto con el bandido Lawrence, un anfitrión al que, misteriosamente, el hombre de negro no quiere matar. Queda por averiguar cuánto sabe Lawrence al respecto y el papel de su hija, la que le dijo al pistolero a dónde ir buscando el Laberinto.

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EN LAS INDUSTRIAS DE WESTWORLD

 El suicidio, si es que se puede llamar así (se trata de un robot), del anfitrión al que perseguían la chica de programación y el jefe de control de calidad ha alterado a muchos en Westworld. A partir de ahora, será control de calidad los que se encarguen de las actualizaciones de los anfitriones. Bernard intenta tranquilizar a la chica diciéndole que lo que dibujó aquel anfitrión no era Orión, pero todos sabemos que Bernard es el más preocupado por el nuevo rumbo de los anfitriones. Más cuando en una charla con Dolores observa su tendencia cada vez más marcada en ser libre y desatarse de las cadenas que le oprimen.

Por otro lado, Theresa, la directora de Westworld, viaja al parque para ver los avances de Ford en su nueva trama. Parece estar construyendo algo gigantesco. Theresa come con Ford en un sitio en el que ella misma recuerda haber estado de pequeña. El anciano, que hasta daba sensación de senil en el primer capítulo, sigue mostrando nuevas capas de su compleja personalidad. Ante la amenaza de Theresa de que los accionistas aparten a Ford por no entregar la trama a tiempo, el creador de Westworld le recuerda que tanto Arnold como él veían a todos como huéspedes en el parque, incluidos los mismos miembros de la empresa. Theresa se percata de que está sentada en la misma mesa y silla en la que estuvo con sus padres cuando era pequeña. Ford lo sabe, dándole a entender que no sólo tiene el control de los anfitriones, sino también de los trabajadores de Westworld. Le pide que no se interponga en su camino y que deje en paz a Bernard, con quien tiene una relación. Aunque Ford sigue haciendo distinción entre Arnold y él, sigo sin ver esa delimitación. Sigue siendo el personaje que más secretos esconde.

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ENTRE TANTO, LOS ANFITRIONES…

Siguen haciéndose preguntas. Ya no sólo se preguntan a sí mismos qué es lo que le están ocurriendo, si no que su “conciencia” comienza a jugarle malas pasadas.

Dolores se ha unido a William y Logan en la búsqueda de un forajido. William parece enamorado de ella. Sin embargo, la anfitriona está más pendiente de sus propios recuerdos, que la teletransportan a cuando estaba muerta y los miembros del parque la recogían para lavarla.

Los de control de calidad no tienen en cuenta su huida debido a que se encuentra con dos huéspedes. Aún así, durante su estancia en un pueblo, un agente del sheriff (un anfitrión mandado para llevarla de vuelta a casa) le pide que vaya con ella, que su padre le busca. Una voz le dice que recuerde, y ella responde que su padre está muerto. Los actos de rebelión al sistema son cada vez más claros. Al final del capítulo, Dolores acompaña a William y Logan a una de la misiones más importantes de Westworld: un lugar llamado Pariah y un hombre apodado el Lazo. Curiosamente, Pariah es el lugar de donde procede la banda de Lawrence, el forajido que acompaña al Pistolero de negro. ¿Acaso William y Logan se dirigen inconscientemente hacia la misma trama que el Pistolero?

Por otra parte, Maeve sigue muy afectada por su despertar en la industria de Westworld. Al igual que Dolores, comienza a recordar veces anteriores en las que ha muerto. Hace un dibujo de uno de los cirujanos, una especie de astronauta. Al esconderlo debajo de unas tablas, encuentra muchos dibujos como ese. No es la primera vez que lo hace. No es la primera vez que recuerda. Tampoco es la primera vez que se ha olvidado de lo anterior.

Aprovechando la llegada de Hector Escaton al pueblo y tras ver que una niña india llevaba un juguete de aspecto similar al de su dibujo, decide darle la combinación de la caja fuerte al bandido a cambio de preguntas. Escaton le dice que es una leyenda de los nativos, un ser venido del infierno para vigilar el mundo. Sorprendentemente, mientras las fuerzas del orden invaden el burdel para matar a Escaton, Maeve se clava un cuchillo donde cree que fue disparada. Escaton mete la mano en la herida y encuentra la bala. La que se dejaron los cirujanos. El bandido le pregunta qué significa y Maeve, con una rotundidad nunca vista en la serie, le responde que significa que todo es mentira. El capítulo termina con un apasionado beso entre ambos mientras son tiroteados.

Un saludo y sed felices!

Sherlock: tráiler y fecha de estreno de la cuarta temporada

¡Es oficial! La BBC ha anunciado el día que todos los fans de Sherlock tendrán que apuntar en rojo en su calendario. La ficción británica protagonizada por Benedict Cumberbatch como Holmes y Martin Freeman como Watson regresará a la pequeña pantalla el 1 de enero de 2017.

https://www.youtube.com/watch?v=lNAJbyjYfZI

Sin duda estamos ante una serie de una altísima calidad, que muchos estábamos esperando que volviese pero por motivos profesionales de ambos protagonistas tuvo que ser retrasada. Como recordaréis tuvimos un aperitivo a modo de especial navideño en enero de este año, un capítulo titulado La novia abominable que analizamos aquí en la web.

Un saludo a todos y sed felices.

Análisis de Gotham. Temporada 3. Capítulo 6

Bienvenidos Gothamaníacos, llegamos a la sexta semana consecutiva de la tercera temporada (Ciudad loca), después de unos capítulos iniciales algo flojos en su desarrollo y construcción, la semana pasada tuvimos un capítulo emocionante que nos recordó por qué seguimos Gotham. Ya tenéis el análisis, como siempre puntual, del sexto episodio (Sigue al Conejo Blanco), en las líneas que continúan a este saludo.

El Sombrerero Loco

Después de un único capítulo de parón en la trama de Jarvis Tetch, en este ha vuelto y con unas ansias enormes de poner a James Gordon contra las cuerdas, volverlo loco y hacer que pierda a la mujer que ama realmente, como le pasó a él mismo. Los algo más de cuarenta minutos han girado entorno a esto, dejando de lado otras tramas como la de Bruce Wayne. A pesar de esto me ha parecido un acierto, Jimbo empezaba a quedar desdibujado dentro de los límites de la serie (siendo el protagonista…) y aunque ha sido derrotado, al menos durante esta semana, el personaje de Benjamin McKenzie estaba necesitado de más minutos y de calidad en pantalla. Algo hemos avanzado.

El Sombrerero lo ha puesto varias veces en la tesitura de salvar a los ciudadanos de Gotham y siempre con un mismo resultado, él no puede salvarlos a todos. Todo héroe tiene un lado de villano. Derrota.  En cuanto al personaje que da nombre el capítulo que hoy nos ocupa os tengo que decir que en el cómic es sustancialmente distinto:

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Conejo Blanco en los cómics, nombre real Jaina Hudson, apareció por primera vez en 2011 en Batman: The Dark Knight Vol. 2 escrito por David Finch y Paul Jenkins. Es hija de un diplomático asignado a la India, donde conoció y se casó con su madre, una actriz de Bollywood. Se ha educado en Gotham, en escuelas privadas desde que ella tenía nueve años. Un día se encuentra con Bruce Wayne en una función benéfica para recaudar fondos para la ayuda en Pakistán más tarde los dos empiezan a salir. Jaina y Conejo Blanco son la misma persona pero Jaina puede separarse a White Rabbit, por lo que puede estar en dos lugares a la vez. Realmente no se si viene a colación mencionar a este personaje secundario (siendo amable) pero es para que veáis diferencias.

El Pingüino y nuestras sospechas… hechas realidad

Si la semana pasada todos los que dejáis comentario más abajo (¡mil gracias!) y yo tuvimos la sensación de que el flamante alcalde de Gotham besaría a su jefe de personal, sintiéndonos aliviados en última instancia ya que esto no ocurrió, supongo que estaréis en shock, al igual que yo, al dejarse bien claro esta semana que Oswald verdaderamente está enamorado de Nygma. Y no parece ser un amor fraternal o el que se pueda producir entre dos grandes amigos. Sinceramente no se qué camino tomara esta subtrama entre ambos villanos. Me he quedado a cuadros, acepto ideas.

Pero vamos a comentar el segundo punto desconcertante del capítulo, la reaparición de la actriz Chelsea Spack que daba vida a la secretaria del GCPD, la señorita Kringle. A priori he pensuado buah ya se le está yendo la oya (más aún… claro) pero como pasa a veces las primeras impresiones nos llevan a equivoco. Tenemos nuevo personaje: Isabella y con un acertijo como carta de presentación. En muchas historias en el papel, Enigma tiene dos asistentes femeninas inseparables Query y Echo (Consulta y Eco, si lo traducimos al español). Todavía es pronto para saber si estamos ante alguno de estos dos personajes femeninos, la primera idea es que así es. Si se llega a confirmar hablaremos más largo y tendido de ellas. En cualquier caso tenemos un más que probable segundo triángulo amoroso en la serie. ¿Que pensará Oswald de la nueva amiga de Edward?

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En definitiva otro buen capítulo, ya van dos seguidos, pero en esta ocasión todo el peso de la trama recae sobre quien supuestamente debe llevarlo a lo largo de toda la serie. Y lo que realmente es bueno es el final, un Jim destrozado y sembrando en nuestra cabeza la duda de si sabía que diciendo «dispara a Lee» la salvaría o realmente dijo la verdad. Me decanto más por la primera opción, dudo que haya olvidado a la doctora. Sigue al Conejo Blanco no cierra en absoluto la trama del Sombrero que volverá la semana próxima para intentar consumar su equivocada venganza, algo que pedía en anteriores análisis, que las tramas vayan más allá de lo que dura un capítulo y se pospongan las soluciones una o varias semanas para despertar en los espectadores el ansia por saber qué pasará. Las grandes series hacen eso.

Pues nada más por mi parte amigos, espero que hayáis disfrutado de este capítulo y que me dejéis vuestras impresiones. Para cerrar, como siempre, aquí tenéis la promo y sinopsis de la entrega de la semana que viene: Reina roja.

Después de entrar en contacto con una sustancia por culpa del Sombrerero Loco, Jim Gordon se ve embarcado en un viaje psicodélico y debe enfrentarse a su pasado, presente y futuro. Mientras tanto, el Pingüino lucha con la nueva relación con Nygma.

Un saludo a todos y sed felices, a menos que podáis ser Batman. Es mejor ser Batman.

Hooten & The Lady, entretenida serie de aventuras y cazatesoros

Hay premisas que siempre funcionan, como las que juntan cazatesoros, viajes y aventuras. Si a esto le sumamos dos protagonistas de sexo opuesto con claras diferencias de personalidad ya tenemos casi todos los ingredientes necesarios para tener una serie entretenida. En esto se basa Hooten & The Lady, la nueva propuesta de Sky.

Para los que disfrutaron de la serie Relic Hunter (Cazatesoros en español) entre los años 1999 y 2002 ahora tienen un sucesor espiritual. Hooten & The Lady lleva también a los protagonistas a cazar viejas reliquias y a descubrir leyendas en territorios desconocidos, todo ello mientras se encargan de lidiar con numerosas dificultades. ¿Y quién es la pareja principal? Se trata de Lady Alex Spencer-Parker (Ophelia Lovibond), una noble inglesa que trabaja para el Museo Británico, y Hooten, un atractivo cazarrecompensas interpretado por Michael Landes.

La pareja protagonista
La pareja protagonista

La gracia de la serie radica, además de los conflictos que tienen que superar, en las diferencias entre los dos protagonistas, que tienen personalidades contrapuestas así como un estilo de vida radicalmente diferente. Una tiene una imagen idealizada de las aventuras, la historia y el patrimonio cultural, y otro es más práctico. Aunque, como suele pasar, no todo es lo que parece y el que parece más superficial realmente tiene mucho más trasfondo. Y gracias a eso surge una tensión amorosa entre los dos que funciona para ser un más que digno entretenimiento para los fans de las aventuras.

¿Os acordáis de parejas como las de La Momia, Seis días y siete noches o, también con Harrison Ford, algunos de los amoríos Indiana Jones? Es la misma premisa. Aunque, por suerte, no cae en el tópico de “caballero rescata princesa” pues Hooten a veces resulta torpe, un poco bobo y, en definitiva, divertido. Esto se puede ver desde el capítulo primero, cuando ambos quedan colgados en una rama de un árbol en la jungla o en la segunda entrega cuando visitan Roma y se están colando en la Capilla Sixtina. Luego, como es de esperar, también tendrán que viajar a otros sitios famosos del mundo para descubrir secretos ocultos y, seguramente, cumplan con el tópico de encontrarse organizaciones milenarias, ricos que se pueden permitir hordas de malos para conseguir un artefacto que otorga un gran poder –o eso creen-, aliados que resultan ser enemigos avariciosos…

https://www.youtube.com/watch?v=9TQe-zz9DyY

Es una serie que funciona por lo sencillo así que tampoco hay que esperar aventuras a lo grande, como una superproducción a lo Piratas del Caribe, ni una profundidad en los planteamientos excesiva. Es romance, es comedia, es aventura, y por lo tanto cumple perfectamente con la idea de entretener.

Pasqual Ferry presenta Alice, un proyecto de crowdfunding a través de Spaceman Project

¡Pasqual Ferry presenta un proyecto en Spaceman Project! ¿No sabéis qué es Spaceman Project? ¿No sabéis quién es Pasqual Ferry? Lo primero es posible. Lo segundo me cuesta creerlo. Por si acaso, vamos a hablar un poco tanto de Spaceman Project como de Pasqual Ferry.

Spaceman Project

Según podemos leer en su web:

Spaceman Project es una plataforma de crowdfunding especializada en el mundo del cómic. Sumamos a nuestra editorial la herramienta del crowdfunding y la llevamos más allá para convertirla en un mecanismo completo de recaudación, edición, producción y distribución de cómics. Con Spaceman Project los autores pueden centrarse en la creación y los lectores pueden disfrutar de obras de calidad y productos exclusivos, mientras nosotros nos ocupamos de la edición, distribución y logística. Nuestro objetivo es crear un conexión directa entre lectores, autores y libreros.

Más claro imposible. A través de esta plataforma podemos aportar diversas cantidades a la realización de un proyecto, obteniendo diferentes «recompensas» (no se si llamarlo así aunque es la denominación que usan ellos), desde un ejemplar del cómic impreso a una lámina firmada, incluso podemos encontrar una comission del autor. No nos costará más de lo que podría costarnos en una librería. Si el proyecto no llega a buen puerto y no se consigue la financiación necesaria no se hace ningún cargo en nuestra cuenta.

Imagen de Chica y Lobo, proyecto de Roc Spinet finalizado con éxito
Imagen de Chica y Lobo, proyecto de Roc Spinet finalizado con éxito

Todo esto hace que el cómic sea una proyecto único e irrepetible. Pocas veces, por no decir ninguna, podemos encontrar un cómic financiado mediante un proyecto de crowdfunding en una librería, aunque algún que otro caso se ha dado. Otro aliciente en este tipo de proyectos es que los autores, al ser ellos mismos quienes aportan la historia y se implican directamente en su realización, no están sujetos a ningún tipo de imposición editorial. En otras palabras, en este tipo de proyectos predomina la libertad creativa: los autores pueden contar lo que quieran y cómo quieran.

Quien piense que un cómic patrocinado por crowdfunding es algo reservado a amateurs o a autores que no encuentran editorial por la baja calidad de sus proyectos no puede estar más equivocado. Los proyectos de crowdfunding tienen, por lo general, una calidad altísima. No podía ser de otro modo ya que hay que atraer a los «inversores» al proyecto, hacerlo atractivo. Nadie paga por un simple garabato. A modo de ejemplo podemos mencionar a dos autores que han recurrido al crowdfunding para llevar adelante un proyecto que no encontraba acomodo en las grandes editoriales, dos autores a los que creo que no les falta trabajo: Paul Jenkins (Lobezno: Origen) y Humberto Ramos (Spiderman, X-Men), quienes financian su obra Fairy Quest a través de una plataforma de crowdfunding. Hay que decir que Fairy Quest si se puede adquirir en librerías o a través de la web de la editorial que tiene los derechos en España pero es un caso raro que seguramente es posible por ser Jenkins y Ramos quienes son.

Fairy Quest, de Paul Jenkins y Humberto Ramos
Fairy Quest, de Paul Jenkins y Humberto Ramos

 Pasqual Ferry

El último nombre en sumarse a la lista de autores que buscan publicar sin sacrificar su libertad creativa es el de Pasqual Ferry. Si sois aficionados a los cómics no hace falta explicar quién es pero para aquello que no lo sepan hay que decir que Ferry es uno de los mejores dibujantes que tenemos en nuestro país. Empezó su carrera en míticas revistas de los 80 como Cimoc, Cairo o Zona 84, pasando por El Jueves, donde coincidió con autores de Das Pastoras y Miguelanxo Prado. Posteriormente y durante 25 años trabajó para Marvel y DC, ocupándose de personajes tan significativos como Superman, Los 4 fantásticos o Thor. Suya es también la adaptación al cómic de El juego de Ender. Personalmente, de su trabajo en el mercado americano me quedo con dos obras suyas que quizás son menos conocidas pero de una calidad incustionable: la mini-serie Adam Strange, con guión de Andy Diggle, editada por Planeta Cómic en su momento y que significó un punto de inflexión en la carrera de Ferry por el uso que hizo del color; la segunda obra es Warlock, con guión de Louise Simonson, una obra que no tiene que ver con el personaje cósmico de Marvel sino con el mutante creado por la propia Simonson y Claremont en The New Mutants, un trabajo que desborda imaginación gráfica en cada viñeta, recopilada en un tomo por Panini.

Warlock, de Pasqual Ferry y Louise Simonson
Warlock, de Pasqual Ferry y Louise Simonson

Ahora, en medio de un descanso en su carrera americana, Pasqual Ferry entra en Spaceman Project con Alice, una de esas obras personales e inacabadas que todos los dibujantes guardan en un cajón a la espera de un momento para poder finalizarlas. Según cuenta el propio Ferry en el vídeo que os dejamos más abajo, no se trata de una revisión de la obra de Lewis Carroll, aunque si usa los mismos personajes. En todo caso, si entráis en la web del proyecto podréis apreciar la calidad del mismo, aportar lo que creáis conveniente e ilusionaros con el proyecto tal y como se ilusiona Ferry en el vídeo. Yo simplemente me hago eco del mismo porque estoy convencido de que precisamente para cosas como estas es para lo que tiene sentido usar Internet.

Alice, de Pasqual Ferry
Alice, de Pasqual Ferry

Audun y el anillo del rey

Sería injusto no mencionar otro proyecto que está en marcha en Spaceman Project. Se trata de Audun y el anillo del rey, un cómic realizado por Jorge García y Gustavo Rico, autores de Los dientes de la eternidad, editado por Norma Editorial. Ambos autores se inspiran de nuevo en una saga nórdica para narrarnos el viaje del protagonista desde la Noruega del s.XI hasta Roma. Se trata de otra obra que también desprende calidad en cada viñeta y para la que quedan pocos días de financiación, por lo que os animamos a contribuir. Esperemos que Jorge y Gustavo puedan llevarla a buen puerto. Un saludo. Sed felices.

Analisis The Walking Dead. Temporada 7. Episodio 1: ¿Quien es la victima de Negan? (Spoilers)

Mas de medio año nos ha hecho esperar AMC para desvelar finalmente la incógnita que todos teníamos: ¿a quién mata Negan? Todos nos enfadamos cuando vimos el cliffhanger, que es una forma arriesgada y un poco rastrera de crearnos hype respecto al tema de una muerte importante. ¿Ha valido la pena esta espera?

Recordad que si queréis refrescar qué pasó en el capítulo anterior aquí os dejamos con un enlace al análisis de la anterior temporada. 

The Walking Dead ha vuelto con un piloto de temporada entretenido y sorprendente. Internet ha explotado con la cantidad de novedades que tenemos. Ya lo hizo en su tiempo después del episodio 06×16, un episodio que queda completamente olvidado después de este ultimo. El episodio esta estructurado de forma que vemos la mayoría en forma de flashbacks de Rick, lo que hace que sea interesante de ver pero a lo mejor un poco innecesario. De todos modos, este primer episodio de temporada es un gran inicio, el inicio de una nueva era en la serie. A continuación hay grandes SPOILERS.

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                                                                                Negan con Lucille

¿Quien muere?

El episodio empieza con Rick ensangrentado amenazando a Negan, haciendo que el mismo arrastre al líder del grupo a la camioneta, tal y como vimos en los avances. Negan decide dar una vuelta en camioneta con Rick  y es entonces cuando empiezan los flashbacks de lo que acababa de ocurrir, algo horrendo y terrorífico. No nos vamos a engañar, si por algo hemos esperado tanto este episodio es por saber quien es la víctima de Negan. Y es que no es quién, sino quiénes. Sí, en los mismos flashbacks de Rick descubrimos que ha matado a dos personas.

Estos recientes recuerdos empiezan con el final del episodio 16 de la sexta temporada, donde Negan cantaba el famoso «Eeny meeny miny moe«, mientras sorteaba la muerte de alguien del grupo. Finalmente, nos desvelan el resultado de este juego. No es un personaje que esperásemos mucho, aunque muchas teorías apostaban por él debido a su chulería y firmeza ante Negan. Sí, Abraham es la primera victima. Si bien no se opone mucho ante el, si que consigue decir sus ultimas palabras, que le caracterizan perfectamente: «Suck my balls», en español «Chúpame las bolas». Tiene sentido teniendo en cuenta que en el cómic a estas alturas este personaje ya estaba muerto. (¿Recuerda la enfermera que murió de un flechazo en la pasada temporada? Esa flecha no era para ella).

Después de una primera muerte Daryl se alza y golpea a Negan como acto de enfado. Ese es un punto muy interesante y triste a la vez ya que este ataque de Daryl hace que Negan se enfade aun más, y decida matar a otro miembro. Es entonces cuando nos preparamos para otro de los devastadores «Eeny meeny miny moe» pero… ¡sorpresa! Negan gira bruscamente y golpea al miembro del grupo que tiene detrás: Glenn. Lo más fuerte y impactante de esta segunda muerte es la inocencia de él, un personaje que ha estado desde el primer capitulo con nosotros, ayudando al grupo en lo que fuera y creando su propia familia con Maggie. También esta el hecho de que esa muerte es culpa de Daryl, que cae destrozado después de ver lo ocurrido.

Más allá del apartado sentimental, podemos ver una muerte extremadamente gore y fuerte, que puede herir tus sentimientos y afectarte dependiendo del tipo de espectador que seas. El primer golpe deja a Glenn con la cara completamente desfigurada, con el ojo izquierdo salido, igual que los cómics, una escena que se te queda en la retina. Más tarde su cabeza queda solo en órganos desechos en el suelo. Desde luego, una muerte muy fuerte para un personaje tan importante como él.

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                                                                           Eeny, meeny, miny, moe…

Negan es Dios

Después de los flashbacks de Rick nos situamos al presente, donde él y Negan vuelven a la base donde ocurrían todos los hechos contados. Pero Negan sigue creyendo que Rick aun lo amenaza, ahora con su mirada provocadora, así que decide jugar a un último juego. Manda  apuntar con la pistola a todos lo miembros, menos a Carl, al que obliga a exponer su brazo con una raya marcada con rotulador, marcando el sitio donde cortar. Negan pide a Rick algo horroroso: cortar el brazo a su propio hijo o de lo contrario matara a todos los del grupo. Rick pide que se lo haga a él, tal y como ocurre en los cómics, pero Negan lo rechaza. Entonces el líder del grupo, entre lágrimas, se ve obligado a hacerlo, así que levanta el hacha mientras sus lágrimas caen por su cara pero, justo antes del impacto, Negan lo detiene igual que Dios detuvo la mano de Abraham en el último segundo. Negan demuestra quién manda. Ya tiene lo que quería, el respeto de Rick. En un mundo como en el de The Walking Dead, tener seres queridos es todo un problema, un problema que Negan no tiene.

Tras este acto, Rick y su grupo se ven obligados a someterse a las normas de Negan, mientras Daryl es llevado por Dwight a un sitio que desconocemos aún. Maggie, completamente destrozada, decide llevarse a Glenn a Hilltop, donde podrá enterrarlo, al igual que Sasha y Rosita con Abraham.

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                                                                         Rick después de las muertes

Una familia

La última escena del capitulo es esencial y increíblemente emotiva. Rick y su grupo entran a la furgoneta, mientras el observa un zombie andando. Después de este escena, vemos a todo el grupo en una mesa, bien vestidos y dividiéndose, simulando un futuro imposible. En la escena vemos a Glenn con su hijo y al lado Abraham, algo muy emotivo y triste, que llega al corazón de todos los fans.

Si algo nos dice el episodio en general es que ha empezado una nueva etapa, una etapa de horror y guerra. Rick y su grupo se veían solos en un mundo donde el único peligro eran los zombies pero nunca se habían fijado que quererse tanto es peligroso. Maggie y Glenn creían en formar una familia y tener un hijo pero en el mundo donde viven es imposible y así es como nos lo representan.  ¿Cómo se tomará Maggie el arrebato de Daryl que finalizó con Negan matando a su marido? También tenemos un personaje consumido por el horror y la dureza del apocalipsis, un personaje que solo se basa en tener el control y sobrevivir y así es como lo demuestra. En The Walking Dead no se puede querer y amar, un mundo basado en el horror.

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                                                                              La familia imposible

 

George Lucas no estará involucrado en Indiana Jones 5

La quinta entrega de Indiana Jones no contará con las ideas de George Lucas como venía ocurriendo en los anteriores largometrajes del famoso arqueólogo. Así lo ha comunicado en una entrevista a Collider el guionista David Koepp, responsable también del guión de la controvertida secuela Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal.

Una noticia que parece ser ha sido del agrado de un amplio sector del público que no dudó en mostrar su descontento con la última película de la franquicia ideada por el propio Lucas. Koepp explica que uno de los títulos que se barajó para aquel filme fue el de Indiana Jones y los hombres del espacio de Marte, claramente indicativo de la tremenda influencia del género de la ciencia-ficción durante la década de los años 50 :

«Creo que en El Reino de la Calavera de Cristal había un deseo consciente de decir que si las primeras películas, ambientadas en los años 30 y principios de los 40, eran películas sobre la II Guerra Mundial, esta, ambientada en 1957, debía estar influenciada por la ciencia-ficción de la época. Tal vez no era la idea más apropiada para una película de Indiana Jones, pero eso fue lo que hicimos».

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En lo que se refiere a la participación de Lucas en este nuevo episodio de la saga, Koepp explica:

«Que yo sepa, él no está. Yo no he tenido ningún contacto con él».

En cuanto a la elaboración del guión, Koepp afirma que se encuentra inmerso en la elaboración del mismo,  y se atreve a bromear afirmando que «hay un montón de aliens e Indy muere al final».

Preguntado sobre fechas concretas, el guionista es consciente de la difícil tarea que supone buscar un hueco en la apretada agenda de Steven Spielberg pero confía en que el guión esté listo en octubre del 2017 con intenciones de estrenarlo a tiempo para el 19 de Julio de 2019, fecha oficial prevista y confirmada por Disney.

Personalmente creo que, al igual que muchos fans, George Lucas se ha convertido en el peor enemigo de sus propias franquicias. Tal y como ocurrió con Star Wars, su idea para la última película de Indy fue bastante poco acertada y no logró encajar con el espíritu o ambientación del resto de la saga. Lucas parece estar perdido en la industria cinematográfica entre tantos efectos digitales de última generación y venta de merchandising, y es más que probable que apartarlo del proyecto haga más bien que mal a esta secuela. Sólo el tiempo dirá si nos encontramos ante una continuación digna de un personaje épico o una nueva decepción Hollywoodiense.

Falling Water. Temporada 1. Capítulo 2

Tenía muchas ganas de ver como empezaba el siguiente capítulo de Falling Waters, una serie bastante desconocida cuyo piloto me dejó con muy buen sabor de boca. La trama tiene momentos muy interesantes y estoy ansioso por saber como evolucionaran los personas y resolver incógnitas.

AVISO: El siguiente análisis contiene spoilers.

Capítulo 2: Llamando a las vastas profundidades

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El episodio empieza con un grupo de personas destruyendo carteles con la cara del  hijo de Tess. El grupo de personas está destruyendo pruebas de algo que aun no sabemos. Una voz en off cita una frase de Shakespeare: Puedo evocar los espíritus del fondo del abismo. También puedo yo y cualquier hombre puede hacerlo. Falta saber si vienen cuando los llamas

La casa es la misma que explotó en el capítulo anterior cuando vemos a la anciana hablar con Taka en la puerta. La supuesta Ann-Marie Bowen está entre ellos y el grupo antes de marcharse dejan una bomba, que es lo que provoca la explosión en el capítulo anterior. Esta escena me ha gustado especialmente y creo que la han hilado perfectamente con el anterior capítulo.

Volvemos a la escena de Burton en el restaurante con su compañera que recordamos, secuestraron un grupo de personas después de atropellar a Burton. Después de tener una conversación con el camarero, Burton aparece solo en el restaurante. De repente poco a poco se ve entrando agua en la sala y es cuando por fín Burton despierta del que suponíamos era un sueño.

Encontramos a Tess, que está en una sala de espera del hospital donde supuestamente había dado a luz, descubriendo que la deuda de la epidural sigue apareciendo pero no hay ningún archivo de paciente ni signos de que haya dado a luz en ese hospital. Algo extraño está ocurriendo, parece que alguien no quiere que Tess no encuentre a su hijo.

Taka, que está en comisaría sujetando el cartel del niño una semana después de la muerte de las 12 personas que Taka encontró en la casa y explotara la casa de enfrente. Taka se sorprende al saber que han cerrado el caso de la Ann-Marie Bowen caucásicaque murió en el consulado y después descubrió que no era la verdadera.

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Burton está en un reunión con sus jefes después de la muerte de Jones, quien descubren que no hay ninguna anomalía en su ordenador ni archivos. Burton piensa que alguien borró datos que pueden explicar por qué Jones se suicidó y que están relacionados con actividades delictivas en la empresa.

Tess se ve con Bill y este ya sabía que no había registros de ella en el hospital. En una sala la interrogan y sabemos que Tess ha estado ingresada en un hospital de salud mental.

Taka está en el consulado en una reunión con la embajadora intentando descubrir algo sobre el asesinato de la mujer que murió en el consulado. También descubre que en la habitación hay un boceto del niño que ve en sus sueños y que creemos que es el hijo de Tess. Este boceto fue dibujado por un músico cuya tienda se llama curiosamente Toneka City Blues, ¿Descubriremos algo más de Toneka?

Burton se encuentra en la casa del recien fallecido Jones buscando pruebas y tiene una conversación de la mujer que mandó unos mensajes sexuales a Woody Hammend  por error al teléfono de la empresa, que le servirá para chantajearla.

Tess vuelve a tener otra de sus sesiones para interaccionar con otras personas mientras duerme, pero esta vez con un grupo mucho más numeroso que la otra vez. En el sueño está en una habitación con la pared repleta de bocetos con la cara del que suponemos es su hijo. Llega a una sala donde se encuentra con varias personas que están durmiendo a su lado, por lo tanto está volviendo a interactuar con los conectados en la misma sala, sus sueños se conectan y forman una parte de uno solo

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Tess, en el sueño escucha unos llantos que  encuentra a su hijo dentro de una máquina y se abrazan, aunque pronto tendrán que salir corriendo al verse perseguidos por dos hombres vestidos con traje negro con pinta de no tener buenas intenciones. En este momento Tess se despierta y se da cuenta que es la última que queda en la sala.

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Taka va a la tienda de música donde se encuentra el que dibujó el boceto del niño que ve en sueños, pero el hombre que lo dibujó murió hace varios años. Descubre que hay un vinilo con el boceto del niño y en la portada aparece su madre de joven entre un grupo numerosos de personas. 

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Burton encuentra en la casa de Jones unos documentos con el nombre de Topeka que contiene unos dibujos bastante extraños.

Mientras tanto Taka pone a reproducir el vinilo que contiene el boceto del niño y duerme. En el sueño va hacía una habitación que emite una luz donde ve al niño huyendo de los mismo hombres  de traje que perseguía a tess. Aquí podemos ver claramente como sus sueños tienen continuaciones entre los protagonistas. Los hombres de traje lanzan una pelota el niño y  este se va con ellos. De repente Taka se fija en una especie de obra abstracta en la que aparece su madre de joven y esta empieza a golpear la obra con un martillo.

En la siguiente escena vemos como Tess se encuentra en la cama con el chico del experimento después de haber pasado la noche juntos. Parece que se han hecho muy «amigos».

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Burton tiene una conversación con la mujer que le mandó los mensajes sexuales a woody y es esposa de un hombre de negocios importante para la empresa. Ella le cuenta que todas las noches tiene un sueño con Woody en el que tienen una aventura, un sueño que se repite y la hace feliz.

Tess descubre que en la habitación del chico con quien ha pasado la noche hay un boceto de su hijo, Tess se enfurece y el chico le dice que se lo dieron en el metro, pero sus explicaciones no sirve para nada ya que sale de la habitación. En ese momento se encuentra a Bill que la he encontrado gracias al teléfono que le dio. Parece que el experimento en el que está metido Tess con Bill ha causado problemas a otras personas.

Taka le enseña a su madre enferma la portada del disco donde aparece ella de joven, pero ella al estar mentalmente enferma no puede hablar. Entonces en el pasillo ve a una chica con los mismos zapatos verdes que vio él en su sueño. La sigue a  una habitación donde hay un grupo de personas en una sesión del hospital.

 Bill echó del grupo de experimento al chico por haber pasado la noche con Tess, entonces este va enfadado a casa de tess y violentamente golpea la puerta de Tess, pero cuando esta abre la puerta no hay nadie detrás.

En la última escena podemos ver a Burton soñando que esté en el restaurante donde se encuentra con su compañera que secuestraron. El episodio termina como empezó, con la cita de Shakespeare: Puedo evocar los espíritos del fondo del abismo. También puedo yo y cualquier hombre puede hacerlo. Falta saber si vienen cuando los llamas”»

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Conclusión

Este episodio me ha resultado más lento y menos interesante que el capítulo piloto, esperaba que usaran más la trama de los sueños y sus interacciones pero creo que han ocurrido pocas cosas y tampoco nos hemos acercado a resolver ninguna duda que tenía al finalizar el primer capítulo. Sigo pensando que es una serie interesante y merece la pena verla. Espero que siga evolucionando y pronto veamos más interacciones entre los protagonistas.

Reseña de X-Statix: De entre los muertos

Me encantan los cómics de X-Statix de Peter Milligan y Mike Allred. Este es el tercer tomo a la espera del cuarto y último que según entiendo estará disponible en 2017. ¿Qué no conocéis estos maravillosos cómics publicados a principios de siglo? Los mutantes más diferentes, los más especiales, los X-Statix.

Cuando la moda mutante languidecía a finales de los 90, (en concreto a principios de siglo, en 2001) Marvel hizo un lavado de cara de todas sus colecciones. Quizás la más llamativa fue la de X-Force, con un grupo nuevo, revolucionario y con autores de renombre y respetados en el mundillo comiquero, los mencionados anteriormente Peter Milligan y Mike Allred. Y así empezó todo este batiburrillo de cómics de excelente cuño como fueron los últimos números de X-Force y el posterior renombramiento a X-Statix. Os dejo los enlaces que hemos realizado en el blog a lo largo de estos años.

Por tanto este tomo de X-Statix: De entre los muertos, engloba el tercer tomo de sus aventuras a falta de un cuarto y último número. ¿Son cómics buenos? Son excelentes y aunque creo que las historias de esta entrega son más histriónicas, sigue caminando por el mismo rumbo, el marcado por los autores lejos de la editorial. Quizás el ser personajes creados por ellos mismos y sin repercusión editorial tenía sus ventajas, hacer con los caracteres lo que quisieran. En esta aventura hay más de lo mismo: acción, escenas rocambolescas y muertes de héroes y personajes principales. Evidentemente ni voy a decir quien muere y quien vive para no hacer spoilers pero solo puedo decir que sigue la misma tónica que los tomos precedentes.

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Así hubiera sido la portada con Lady Di

La trama principal de este tomo es la saga que da título al mismo que es De entre los muertos. Aquí una resucitada Lady Di cantante pop se convierte en la nueva estrella mediática del grupo y la que se arma dentro del seno de X-Statix es importante. Lo que más llama la atención es que la verdadera protagonista de la historia iba a ser la desaparecida Princesa de Gales, pero finalmente Marvel tuvo que recular por presión popular. En lugar de la princesa del pueblo se introdujo en su lugar una cantante inventada del pop. Pero si nos basamos en que la idea primigenia era Lady Di, podemos discernir que su muerte fue un complot de altos cargos europeos que la querían bajo tierra. Como es un cómic y como su repercusión fue menor al ser otro personaje la estrella invitada, quizás este resultado final pasó desapercibido, pero si entendemos que la historia se basaba en la Princesa de Gales, podemos echarnos a temblar. ¿Realmente la querían muerta desde altas instancias de la aristocracia europea?

Creo que el dibujo de Mike Allred es estupendo para un cómic como este puesto que aunque es realista se aleja mucho de ser un cómic real. Quiero decir que los personajes están proporcionados, las escenas están bien narradas, pero son personajes de cómic y así se quedan. No hay posibilidad de realismo con el mundo fuera de las viñetas ni se pretende. Solo así es como podemos ver muertes y desmenbramientos sin llevarnos las manos a la cabeza. Creo realmente que esta colección de X-Statix (precedido por X-Force) no tiene, ni tuvo, el reconocimiento que debería haber tenido. Las ventas fueron bajando hasta que se tuvo que cancelar, una colección que incluso hoy en día es fresca y energética. Una colección que podría haber entrado en el Olimpo de los grandes cómics de superhéroes pero que simplemente se quedó como algo residual, destinado a gourmets del género, muy alejado de nuevos lectores o de seguidores de continuidad ya que poca implicación tiene con el resto del universo Marvel.

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Contiene X-Statix 11-20 USA

Una celebridad tristemente fallecida vuelve a la vida con el objetivo de transmitir su mensaje de amor y paz, pero los asesinos que acabaron con ella están dispuestos a volverlo a hacer por segunda vez. ¿Serán capaces los miembros de X-Statix de protegerla?

Autores: Peter Milligan, Mike Allred y Nick Dragotta

Enlace directo al cómic de la editorial Panini.

Un tomo que creo que es lectura obligada para los amantes del buen cómic aunque alejado de los superhéroes convencionales. Por cierto, creo que pierde algo de fuelle respecto a las dos entregas anteriores pero aún así mantiene un equilibrio con la narrativa que ya le gustaría a la inmensa mayoría de los tebeos actuales.

Un saludo y sed felices.

Análisis de American Horror Story: Roanoke. Capítulo 6

Bienvenidos una vez más a un análisis de American Horror Story. Roanoke está haciendo méritos para convertirse en una de las mejores temporadas de esta serie antológica, el giro que ha dado la trama en este sexto episodio ha sido genial, aunque seamos sinceros, no fue una sorpresa impactante que pusiera a tambalear nuestro entendimiento de la serie. Es cierto que no sabíamos exactamente lo que sucedería, pero era claro por qué camino iba. Además, las declaraciones de Ryan Murphy a AW fueron un poco exageradas,  en la entrevista dice «la serie tiene un enorme giro; lo que creías que estabas viendo, no es lo que ves». Si, Murphy, eres un genio, pero los espectadores no somos tontos, solo con ver a Lily Rabe hablando frente a la cámara podíamos sospechar que en algún punto veríamos más que su rostro, desperdiciarla de esa manera habría sido un pecado.

Sin más dilación, entremos en materia y en territorio de SPOILERS, porque hay mucha tela por cortar.

1. Giro argumental

Los primeros cinco episodios nos presentaba un documental ficcional dentro de la serie, pero a partir de este punto estamos viendo un documental sobre el reality fallido que a su vez era la secuela de un documental ficcional dentro de la serie. Si, algo confuso.

ahs_lascosasfelicesEste giro argumental cambia el tono de la historia, sigue habiendo tensión y sustos, pero tambien se burla de sí misma y recuerda al argumento de Unreal, mostrándonos el lado oscuro de los shows televisivos y la manipulación detrás del entretenimiento. Tenemos al carismático Cheyenne Jackson interpretando a Sydney Aaron James quien es el productor de My Roanoke Nightmare. Ahora, el ambicioso Sydney quiere aprovechar el éxito del programa para grabar una secuela en forma de reality llamado Return to Roanoke: Three Days in Hell (Retorno a Roanoke: Tres días en el infierno) en el que los que vivieron la historia y los actores que los interpretaron volverán paraahs convivir unos días en la casa. En el proceso de planificación del programa vemos que el productor aunque muy divertido (no sé ustedes pero a mi se me escapó una carcajada al ver su imitación de Cricket)  carece bastante de moral y escrúpulos, planificando artimañas legales para evitarse líos en caso de que las cosas se salgan de control, valiéndose de engaños para juntar al reparto, casi que hostigandolos en las entrevistas para lograr sacarles las respuestas que buscaba, e ignorando una muerte para no retrasar el rodaje.


ahs_lascosasfelices5El mundo  que nos presentan a partir de este episodio se asemeja mucho nuestra realidad, así que el tema de los fantasmas son para Sydney una fantasía de los verdaderos Miller, por lo que da la orden de instalar trucos para asustar al reparto y hacer más emocionante el programa. Pero las cosas se le saldrán de las manos, y al mismo tiempo logrará un éxito que jamás habría imaginado, porque en medio del episodio se anuncia que estamos viendo las grabaciones rescatadas después de que todo el reparto con excepción de una persona, muriera en extrañas circunstancias durante el rodaje.

ahs_lascosasfelices2Personalmente, el recurso de cámara en mano es algo que me resulta incómodo de ver en películas o series porque me saca de la historia, sin embargo aquí funciona a la perfección, las supuestas tomas desde los celulares, las cámaras que siguen a Sydney  y las escondidas en diferentes puntos de la casa se complementan muy bien, no habría una mejor manera de narrar visualmente la historia. y ni que decir de los detalles como el vídeo en el paseo de la fama, los paparazzi siguiendo a Shelby y Dominic, el detrás de cámaras de My Roanoke Nightmare y las audiciones para La Carnicera, simplemente geniales

2. Personajes

ahs_lascosasfelices1Este capítulo es de los personajes, con actores mediocres esto no habría sido posible, todos lo hacen increíble, sobre todo Kathy Bates pero de ella hablaremos más tarde. Los únicos que quizá pasan un poco desapercibidos son Andre Holland y Cuba Gooding Jr., pero habrá que esperar que juego dan más adelante. A Cheyenne Jackson le queda perfecto el papel de showrunner inescrupuloso y amarillista, y Lily Rabe lo hace muy bien, la similitud entre su interpretación y la de Sarah Paulson en episodios anteriores es reconfortante.

ahs_lascosasfelices28Es genial ver a Sarah Paulson interpretando a la actriz británica Audrey Tindall, es muy divertido como su personaje y los demás actores a pesar de haber interpretado la historia creen que es una mentira de los verdaderos Miller y no se limitan en sus comentarios burlones, y es que tienen razón, es incoherente que alguien que pasara por lo que supuestamente pasaron Matt, Shelby y Lee se atrevan a  volver a esa casa, por más matrimonio o reputación que esté en riesgo. El momento en que Audrey se burla de Shelby diciendo “Ardiente y patética, justo así la representé” , ademas de gracioso, es una descripción perfecta de mi opinión sobre el personaje, creo no ser la única cansada de verla gritar todo el tiempo el nombre de su esposo y esperando ser rescatada por él.

ahs_lascosasfelices19Fue sin duda una sorpresa ver el cambio de Evan Peters, quien después de tanta espera recién había hecho su aparición en la temporada el episodio pasado representando a un aristócrata déspota, berrinchudo y con fobia social. Al dejar a un lado el documental ficcional interpreta (por muy poco tiempo) a Rory Monahan, un actor que podría definirse como un idiota adorable que curiosamente forma una también adorable pareja con Audrey Tindall, con quien contrajo matrimonio después de que el romance surgiera tras el rodaje de My Roanoke Nightmare.

ahs_lascosasfelices33Por otro lado tenemos a Lee “real”  (Adina Porter) que es incluso más molesta que su versión televisiva, y por su puesto, a la actriz que la representaba Monet Tumissee interpretada por la talentosísima Angela Bassett a quien no le bastó con actuar y se lanzó a dirigir este fabuloso episodio. Lee y Monet se enfrentan debido a que la mayor de los Miller culpa a la actriz de su mala reputación argumentando que el público cree que ella realmente asesinó a su ex esposo debido a la forma en que Monet la interpretó. Y Monet que ahora es alcohólica, atribuye su adicción a haber pasado meses preparando el personaje y prácticamente viviendo en la cabeza de Lee.  A Adina Porter y Angela Bassett les salió estupendo su papel de mujer insoportable con este personaje.

3. La carnicera

ahs_lascosasfelices9 Por favor denle un Emmy a Kathy Bates. El personaje de La Carnicera era excelente, pero el personaje de la actriz Agnes Mary Winstead obsesionada con La Carnicera es perfecto, podría decir que es el que más me ha impresionado en esta serie. La interpretación de Kathy Bates en este episodio se roba el show, va
desde la calma absoluta mostrándose como una mujer mayor alegre y apacible hasta convertirse en una total maniática ahs_lascosasfelices12 andando por el paseo de la fama de Hollywood con hacha en mano, apareciendo en casa de su compañera Audrey Tindall reclamando un galardón que cree debió ser suyo, amenazando a Sydney desde un balcón e irrumpiendo en el el set de grabación a pesar de tener una orden de restricción. Espero que Agnes no salga del panorama y siga dando de qué hablar, porque de lo contrario sería un total desperdicio.

4. De vuelta en casa

Las muertes empiezan aún antes de que el reparto llegue a la casa, la primera víctima es un miembro del equipo de producción que sufre un supuesto accidente con una sierra eléctrica, tras esto, la mano derecha de Sydney, Diana Cross interpretada por Shannon Lucio, abandona la casa mostrando ser la única persona razonable de la serie, sin embargo no llega lejos porque en medio de la carretera se topa con la que parece ser la verdadera Priscilla y luego la vemos morir a manos del Hombre Cerdo.

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Los Miller reales y falsos comienzan a llegar, y los sustos se mezclan con el drama marital. Vemos a Shelby tratando de ganarse el perdón de su esposo después de haber tenido una aventura con el actor Dominic, quien fue su doble en My Roanoke Nightmare; Agnes irrumpe en el set, más adelante vemos el fantasma del verdadero Mason; Matt y Dominic se van a los golpes, el Hombre Cerdo se le aparece a Audrey, y por último la triste muerte de Rory bajo los cuchillos de las verdaderas enfermeras asesinas que son aún más espeluznantes que sus representaciones. El capítulo finaliza cuando Matt (Andre Holland) se percata de que la palabra “murder” escrita con sangre en la pared está completa, asume que la R es por Rory y se lo comunica al resto del grupo.

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Este ha sido un episodio muy ágil y divertido, sin dejar a un lado la tensión, los sustos y la sangre. Ya se nos advirtió que solo uno saldrá con vida, pero me queda la duda de cómo van a justificar que las muertes se estén grabando y los de producción lo permitan sin hacer nada. Tampoco sabemos si volveremos a ver a Lady Gaga, Wes Bentley, Denis O’Hare y demás actores que participaron como representación en la primera mitad de la temporada, pero estaría increíble ver los fantasmas “reales” de La Carnicera,  Scathach o Cricket.

Yuri!!! On Ice, una historia de sueños sobre el hielo

Yuri!!! On Ice es uno de los animes que vieron la luz por primera vez esta temporada de otoño en Japón. La historia se centra en Yuri Katsuki, un joven patinador artístico de Japón, cuyos malos resultados en el último año lo dejan en una encrucijada: abandonar por una buena vez la disciplina o seguir su sueño pese a los resultados obtenidos.

Dirigido por Sayo Yamamoto, Yuri!!! On Ice sigue el camino de los animes deportivos exitosos marcado por Kuroko No Basuke, Free! y Haikyu!!. No obstante, difiere en dos aspectos: primero, no está basado en un manga, videojuego o novela ligera; es una historia original. Segundo, es una historia madura, con personajes mayores. Atrás quedaron los protagonistas adolescentes que deben pelear con fiereza en su especialidad durante el último año de colegio mientras intentan encontrar un sueño por alcanzar. Por el contrario, Yuri!! On Ice nos presenta un mundo más real y humano, uno donde tener sueños no es suficiente y la juventud no es eterna.

A continuación, un abre bocas de la serie, así que alerta de SPOILERS.

La Historia

Esta inicia con Yuri Katsuki, un joven patinador artístico japonés de 23 años, considerado como uno de los mejores de su país. Sin embargo, terminó en el último lugar en su primera participación en la Final del Grand Prix de Patinaje Artístico. Allí mismo conocemos brevemente a Victor Nikiforov, ganador del certamen por quinta vez consecutiva y quien a sus 27 años es una leyenda viviente del patinaje e ídolo de nuestro protagonista.

Luego, un chibi Yuri nos explica qué ha sido de su vida últimamente: está decepcionado de sí mismo, muchos hablan de su posible retiro, ha tenido problemas con la comida y su perro falleció. Esta figura será recurrente a lo largo del capítulo y aportará grandes dosis de humor en medio del drama creciente.yuri1

Mientras Yuri llora desconsoladamente en el baño, es abordado de manera agresiva por Yuri Plisetsky, un patinador ruso de 15 años y ganador de la Final del Grand Prix Junior. El ruso le dice que el próximo año pasará a la categoría senior y no habrá necesidad de dos Yuris en la pista. Directo y contundente. Y, por supuesto, esto solo deprime aún más a nuestro Yuri japonés. Tan avergonzado está que evade a su ídolo, Victor, cuando este le pregunta si quiere sacarse una foto con él.

Un año más tarde, Yuri regresa a su hogar en Hasetsu tras cinco largos años de ausencia. En este tiempo su desempeño no ha mejorado y su condición física ha empeorado. Sin embargo, es recibido con alegría por Hiroko y Toshiya, sus padres y dueños del último hotel termal de Hasetsu; Mari, su hermana; y la profesora Minako, una muy preocupada y enérgica admiradora de Yuri.

Después de tomar un relajante baño en las aguas termales, Yuri decide ir a entrenar un poco. Allí se encuentra con Yuko, su amor de infancia y con quien solía patinar cuando ambos eran pequeños. Aquí tenemos una serie de flashbacks de la infancia y adolescencia de Yuri, donde queda plasmada la gran admiración que siente hacia Victor Nikiforov: imita sus coreografías, compra un poddle idéntico al de Victor e incluso lo nombra Vicchan, en su honor.

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De vuelta al presente, Yuri sorprende a Yuko realizando a la perfección la última rutina ganadora de Victor, pese a encontrarse deprimido y fuera de forma. “Quería que volviese a gustarme el patinaje” dice Yuri, es su motivación para seguir adelante. Sin saberlo, todo esto fue grabado y difundido en las redes sociales por las trillizas Axel, Lutz y Loop, las hijas de Yuko con Takeshi Nishigori, otro amigo de la infancia. La respuesta no se hace esperar: todo el mundo está fascinado con el talento de ese joven patinador a quien muchos daban por retirado, incluyendo a Victor Nikiforov.

Saliendo de su casa, Yuri se topa con un poddle enorme, uno muy parecido al de cierto ídolo ruso. Además, cuando su padre le informa que llegó un huésped extranjero bastante apuesto  y está en las aguas termales, nuestro protagonista no lo piensa dos veces y sale corriendo por todo el hotel en busca del hombre.

yuri8“Yuri, a partir de ahora seré tu entrenador. Y haré que ganes el Gran Prix Final” dice un muy desnudo Victor para sorpresa (¿y deleite?) de Yuri y de los espectadores.

Pero, ¿por qué hacer esto? Se debe recordar que Victor tiene 27 años y en mundo del patinaje artístico la edad promedio de retiro varía entre los 25 y 27 años, y muchos se convierten en entrenadores y coreográfos de nuevas promesas. De hecho, hay quienes han abandonado la disciplina antes de los 23 años, lo cual también explica la preocupación de Yuri respecto al rumbo de carrera profesional. En el caso puntual de Victor, la edad y un bloqueo artístico lo llevan a tomar esta decisión.

Si bien Yuri, el ruso, no tiene mayor participación en el primer episodio,  jugará un papel importante a lo largo de la serie. Seguramente tendrá espacio para brillar y desarrollarse, pero no olvidemos que el Yuri sobre hielo del que tanto nos habla el anime no este. Por lo tanto, podríamos decir desde ya dos cosas: primero, esa actitud beligerante y adversa frente a Yuri Katsuki pasará; terminarán siendo amigos y llevándose bien aunque el más joven no lo admita en voz alta. Segundo, Yuri, el japonés, dejará sus miedos de lado y ganará el Gran Prix y mucho más. ¿Por qué? Es un anime deportivo y todos quieren ver al protagonista ganar, no importa si antes deba sufrir.

Los personajes

Como ya mencioné, estamos frente a una historia madura con personajes mayores. Lo que todos buscan es la grandeza en el patinaje artístico profesional y dejar en alto su nombre y el de su país. Son personajes disímiles entre sí, pero sin caer en los grandes estereotipos de abundan la caracterización de los protagonistas en el anime. Por el contrario, el equipo tras Yuri!!! On Ice decidió inspirarse en verdades estrellas del patinaje artístico, incluyendo sus experiencias, triunfos y rutinas.todos

Concretamente, tenemos a Yuri Katsuki, un patinador de 23 años que pese a ser muy talentoso, se deja llevar por los nervios y la presión, obteniendo malos resultados en las competiciones. Es inseguro y le cuesta mantener un estado físico óptimo pero está dispuesto a seguir su carrera profesional y ganar el Grand Prix. Su talento, pasión en la pista y apariencia están inspirados en el actual número 1 del patinaje, Yuzuru Hanyu, quien sí ha ganado todo las competiciones que Yuri ha perdido. Esta racha de derrotas y gran talento, combinando con los sacrificios para terminar su educación universitaria nos recuerdan a Tatsuki Machida.

Victor Nikiforov es la leyenda viva del patinaje artístico. A sus 27 años ha ganado cinco veces consecutivas el Gran Prix, a pesar que muchos lo daban aportas del retiro debido a su edad. Sin embargo, él siempre sorprende a su público regresando cada vez con más fuerza. Talentoso y carismático, está basado en el ídolo mundial Evgeni Plushenko, quien siguió actuando hasta sus 33 años y es el mayor ganador de Grand Prix masculinos. Y así como Yuri Katsuki es su gran admirador, Yuzuru Hanyu es un gran admirador de Evgeni Plushenko.

Yuri Plisetsky es quizá la única nota de inmadurez de los personajes principales. Tiene 15 años y es una estrella del patinaje junior, quien busca dar el gran salto a la categoría senior y competir con los más grandes, incluyendo a Victor, su ídolo. Tiene mal carácter y es propenso a hacer pataletas, en especial cuando las cosas no marchan según su deseo. Sin embargo, su juventud no hace sus sueños menos válidos ni sus esfuerzos menos serios. Es una versión masculina de la joven Yúlia Lipnítskaya, quien entre otros premios, cuenta con dos medallas de oro de los Juegos Olímpicos en Sochi. Una de estas la ganó en la competición por equipos junto a Evgeni Plushenko.

Diseño y animación

yuri5Los personajes son únicos. No importa si son familia o tienen el mismo origen étnico; ningún personaje se parece a otro. Y este elemento dota de vida y realismo a la serie misma, pues no se trata de un simple cambio de colores sino que es mucho más que eso. Por ejemplo, Yuri Katsuki comparte la misma contextura y el uso de gafas de su madre, pero la altura y el color de piel de su padre. Las trillizas Axel, Lutz y Loop son idénticas pero distinguibles entre sí; con el cabello caoba de la madre y con las mejillas grandes del padre.

Además, hay mayor semejanza entre entre la vida real y los personajes de la serie. Todos los japoneses tienen cabello y ojos que van desde los tonos castaños hasta el negro, mientras que los rusos tiene ojos claros y cabellos con mayor variación: del rubio platinado al negro. Nada de los colores extravagantes a los que el anime nos tiene acostumbrados.

Y, por supuesto, son hermosos.

yuri2Otra particularidad del diseño es la precisión y detalle de cada uno de los elementos que vemos. Bien sean mostrando un perfecto modelo del Iphone 5, de los mensajes de texto vía Line, las llamadas de Whatsapp o el vestuario, el detalle es sorprendente.

Por su parte, la animación es magistral. El patinaje artístico sobre hielo es exigente con las formas y figuras, con los movimientos, con el vestuario… y Yuri!!! On Ice no decepciona. Lastimosamente, esto no es muy frecuente en los animes actuales pero, gratamente, esta serie parece ser una excepción. De hecho, el equipo de animación basó los movimientos en las coreografías del reconocido ex-patinador japonés Kenji Miyamoto.

La música

A diferencia de muchos animes actuales, Yuri!!! On Ice mostró su opening desde el primer capítulo. Titulado History Maker e interpretado por Dean Fujioka, sencillamente muestra con maestría la belleza, el talento y la fluidez de los movimientos de los protagonistas y, por supuesto, del equipo de animación. Una canción que habla del futuro, de los sueños y de la importancia de creer en ellos es la melodía perfecta para este anime, pues resume la esencia de la historia y de sus personajes: todos anhelan la grandeza en la pista y darán lo mejor de sí mismo para alcanzarla.yuri1

Por su parte, el ending, You Only Live Once de Wataru Hatano, es un melodía moderna que insta al espectador y los protagonistas a aprovechar cada momento de la vida y vivirlo sin preocupaciones. La canción está acompañada de un secuencia de fotos de varios personajes del anime en diferentes situaciones de su cotidianidad, como si estas fueran presentadas desde sus perfiles en Instagram.

El fanservice

Yuri!!! On Ice tiene fanservice dirigido a un público femenino. Por esta razón, tenemos hombres hermosos y situaciones homoeróticas. Hombres que se sonrojan al ver otros hombres; admiración hacia una figura masculina rayando en lo romántico; hombres desnudos, cómodamente hablando con otros hombres; hombres afirmando lo apuesto que otros hombres son y hombres a punto de besar a otros hombres, son algunos ejemplos.

yuri9Pareciera que la lista es muy larga y que la serie está plagada de fanservice, pero no es así. Este es un elemento más de la trama y no el foco de esta; está ahí para hacer la historia más entretenida y atrayente, y no para desviarla hacia un vacío lleno de hombres lindos en situaciones que rayan lo vulgar (como sí sucede con el fanservice para hombres). Por el contrario, hay un historia coherente y atractiva, acompañada de un hermoso diseño y una excelente animación.

Personalmente, este es un elemento interesante y que me gusta, especialmente porque le da humanismo a la historia y no la centra únicamente en la competencia, sino que también hay espacio para las relaciones personales. Sé que a muchos esto no les agrada, especialmente a los hombres, pero tienen dos opciones al respecto: aceptar Yuri!!! On Ice tal como es, o buscar algo más que ver.

Conclusiones

Yuri!!! On Ice es una historia original, madura y realista (con su porción de imaginación, claro) del mundo profesional del patinaje artístico sobre hielo. Acompañado de un hermoso diseño, excelente animación, canciones inspiracionales y pegadizas, y una ración de  homoerotismo para las mujeres, este anime está pavimentando su camino al éxito y tiene el potencial de ser de los mejores de esta temporada, e incluso de los años venideros.

Análisis sobre Luke Cage (Netflix). Temporada 1. Capítulos 5 y 6

luke_-cage_cosas_felices«No puedes controlar lo que dice la gente. Simplemente sé lo mejor que puedas«.

Bobby Fish (Ron Cephas Jones)

«Yo no creo en Harlem. Yo creo en la gente que hace de Harlem lo que es«. Luke Cage

«Aún podrías hacer mucho bien«. Claire Temple (Rosario Dawson)

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Los hombres de negro: Just to Get a Rep

cage_pop_tribute_cosas_felices   El capítulo quinto, Just to Get a Rep, podríamos traducirlo como El representante adecuado, quién nos representa en el momento justo. Que eso es lo que pasa aquí.

   El funeral de Pop se convierte en un campo de combate dialéctico entre Luke CageCornell Stokes, acerca de quién es el sucesor espiritual de «tío Ben» Pop, quien encarna las aspiraciones de un Harlem mejor, que Pop ejemplarizada con su manera de ser.

   Cage entra en el terreno de Stokes, vestido para la ocasión, con chaqueta y corbata, y parece que es quien gana el combate pese a los intentos de Stokes de volver a Harlem en su contra por medio del miedo y la extorsión.

   Viendo que Cage le está hundiendo, poco a poco, Cottonmouth está buscando la manera de acabar con él con algo fuera de los métodos convencionales, dada la invulnerabilidad física de Luke. Lo que le hace aceptar, a regañadientes, los consejos de Mariah Dillard y Shades, quien, por fin, reconoce a Luke Cage, de su estancia en Seagate y admite que él también sufrió, en su momento, las palizas de Rackman.

   Asimismo, como en los capítulos anteriores, los títulos de los episodios quinto y sexto,  Just to Get a Rep Suckas Need Bodyguards son títulos de los álbumes, Step In the Arena Hard to Earn respectivamente, del dúo de Hip HopGang Starr. Cuyas letras suelen acompañar al momento y/o estado de ánimo de los personajes en ese momento. Un punto a favor de esta serie que le da un sello de identidad.

El nexo de unión: Claire Temple

claire_temple_cosas_felices   Uno de los nexos de unión entre el capítulo quinto y el sexto es Claire Temple (Rosario Dawson), la enfermera de sobra conocida para quienes hemos seguido las series de Jessica Jones y Daredevil (primera temporada de Jessica Jones; primera y segunda temporada de Daredevil). Por lo que Claire es el nexo entre tres series. Ella lleva en escena desde el segundo capítulo de la primera temporada de Daredevil.

   En él os comenté que en Claire se combinan dos personajes de los tebeos. Una es la doctora del mismo nombre, creada por  Archie Goodwin y George Tuska en Hero for Hire #2 (72), donde era una enfermera que trabajaba en Harlem. En concreto en la clínica del Doctor Burstein, la persona responsable de la transformación de Luke Cage, como ya os conté en Análisis sobre Luke Cage (Netflix). Temporada 1. Capítulos 3 y 4. Otra es la Enfermera de NocheLinda Carter, creada por Jean ThomasAl Hartley y Stan Lee. Su primera aparición, como Linda Carter, fue en Linda Carter, Student Nurse#1 (61) y como Enfermera de Noche en Night Nurse # 1 (72). Era una enfermera salvada por un vigilante enmascarado. Tras lo cuál decidió ayudar a los mismos, en una clínica privada de Chinatown, con el nombre de Enfermera de Noche.

   Como podemos ver, y nos recuerda Claire a través de una conversación con su madre, las circunstancias de la Enfermera de Noche son muy parecidas a las suyas. Se ha visto implicada en asuntos de superhéroes y todo parece indicar que quiere dedicarse a tiempo completo a ayudarlos.

   Si a eso le sumamos que, el otro personaje en que se basa, la doctora, antes enfermera, Claire Temple, fue amante de Luke Cage, es más que probable que, además de colaboradora, tengamos un posible interés romántico para nuestro héroe. Más si tenemos en cuenta que al final del quinto capítulo CageMisty Knight, rompen, de manera figurada, cualquier posible relación, por discrepancias en la manera en que creen que se debe ayudar a la gente de Harlem.

La caída de Mariah Dillard Cornell Stokes

suckas_needs_bodyguards_cosas_felices   El sexto episodio se cierra con la caída de quienes han sido dos de los principales enemigos de Luke desde el comienzo de esta serie Mariah Dillard Cornell Stokes. Todo comienza en el quinto capítulo, con el corrupto detective Rafael Scarfe, negándose a devolverle a Cornell sus armas incautadas mientras no le dé un aumento por sus servicios. Cottonmouth se niega, forcejean y deja a Scarfe herido de gravedad. Este, consigue llegar a la barbería de Pop, donde, después, lo encontrarán Claire y Luke. Claire hace todo lo que puede para mantenerlo vivo, aunque acabará muriendo. No sin antes, en un último acto de arrepentimiento, contarles toda la verdad y proporcionarles las pruebas para hundir a Dillard Stokes. Decir que de ambos se muestran detalles de su pasado, de su relación con la mafiosa Mama Mabel.

mariah_-dillard_cosas_felices   También caen otros corruptos del departamento de policía como el Teniente Pérez (Manny Pérez), quién intenta matar a Misty Knight, cuando ésta descubre la verdad sobre él.

   Cierro este post con una curiosidad al respecto del inicio del capítulo seis, donde se debate, por la radio, el papel que Luke Cage está desempeñando en Harlem. La locutora es Patricia «Trish» Walker (Rachael Taylor), secundaria de la serie Jessica Jones desde su primer episodio, la cual esta inspirada en el personaje Patricia Walker, creada por David Michelinie y  Mike Harris en Miss America Magazine #2 (44), la cual acabaría convirtiéndose en la heroína conocida como Gata Infernal y formará parte de Los Defensores. Por lo que existe la posibilidad de que, aunque no forma parte de la alineación de la futura serie de estos, al menos aparezca como secundaria.

   Nos leemos en otros posts de Las cosas que nos hacen felices.

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Análisis de Frequency. Temporada 1. Capítulo 2

El episodio arranca exactamente donde nos quedamos en el final del primer capítulo y ocurre más o menos lo que esperábamos que sucediera. Raimy contacta nuevamente a su padre en el pasado mientras éste sigue en el hospital después de haber escapado de la emboscada y le dice que Julie morirá dentro de 11 semanas. Raimy continúa con la investigación del asesino de Nightingale en el presente y cree que ha encontrado al asesino en el presente trazando algunas conexiones algo dudosas. Mientras tanto, vemos los problemas del matrimonio de Frank y Julie en 1996 y la interacción de Frank con su hija de 8 años. Pese a que está de nuevo en casa, Julie no lo quiere allí porque se siente incómoda, quiere que se vaya porque tuvo que hacer todo sola durante los últimos dos años ya que él las abandonó. Esto vuelve más complicada la misión de Frank: advertir a Julie de que será asesinada, e incluso vuelve más difícil protegerla.

Frequency -- "Signal and Noise" -- Image Number: FRG102b_0047.jpg -- Pictured: Devin Kelley as Julie -- Photo: Diyah Pera/The CW -- © 2016 The CW Network, LLC. All rights reserved.

Esta trama es la que nos esperábamos (aunque yo esperaba que la desarrollaran un poco mejor), pero tenemos una segunda trama que no acaba de cuajar, la de Frank y Stan, el policía corrupto que le puso una trampa en el capítulo anterior y lo vendió. Todos alaban a Frank como a un héroe después de salir del hospital pero la felicidad para él no dura dado que, en medio de su declaración sobre lo sucedido, le informan que Stan y los otros dos policías con los que trabaja encubierto no dijeron nada acerca de una operación ese día. Esto, claro, porque era una trampa, como vimos en el primer episodio. Frank sabe que Stan lo está vigilando y por tanto tiene que cuidarse las espaldas. Intenta convencer a Little Jack, con quien había estado «trabajando» mientras estaba encubierto, y pese a que el tal Jack podría matarlo en ese instante, decide no hacerlo pues lo persigue la policía y la idea de hacer pagar a Stan parece agradarle. Obviamente Jack es asesinado antes de ponerse de nuevo en contacto con Frank, no sabemos quién es el autor ya que Stan estaba con Frank en ese momento, pero seguro es alguien que trabaja para o con él.

Pero por si fuera poco tenemos una tercera trama que es la más floja y sinceramente no sé porqué han decidido incluirla en este episodio. Hablo, por supuesto, de la subtrama de los recuerdos de Raimy, en los cuales hacen aparición su madre y Daniel. Entiendo que aparezca su madre que ya están investigando su asesinato y de esta forma pueden desarrollar un poco al personaje de Julie Sullivan y también intentar hacernos llorar un poco por la reacción de Raimy ante todo lo que le pasa y comparar el pasado con el presente. Lo que no entiendo es que se esfuercen tanto por incluir al personaje de Daniel siendo que, exceptuando estas escenas, no aparece en todo el episodio y no vemos a Raimy lidiar con la «pérdida» de su novio de ninguna manera. Lo único que queda más que claro en este episodio (y que de todas formas podía intuirse por el episodio anterior) es que Raimy jamás conoce a Daniel en la nueva línea temporal porque fue su madre quien los presentó, pero al morir ésta jamás pudo haberlos presentado. Por cierto, el acento de Daniel era sudafricano, no inglés (de hecho el actor es sudafricano), como creí yo en el primer episodio, eso fue completamente mi error.

Dirección

Este episodio creo que es un paso atrás en todo sentido. No un gigantesco paso atrás, pero sí me esperaba que se mantuviera la calidad del episodio anterior. El ritmo es más lento porque el guión es un desastre y la sucesión de escenas no es para nada fluida. Además tenemos un cambio de director que creo le resta un par de puntos al capítulo, porque no tenemos siquiera un plano «innovador» o en el que parezca que el director realmente dejó su sello, como sí había en el episodio anterior. Todo está filmado de la forma más estándar posible, sigue habiendo planos muy cerrados y no hay ningún plano abierto en exteriores, excepto que sea en un bosque o algún lugar descampado. Siento que la cámara siempre está demasiado cerca de los personajes y nunca nos muestran en dónde están parados, lo cual me parece curioso, como mínimo. Por cierto, las escenas en 1996 son exactamente iguales a las de 2016, si no fuera porque nos dicen en qué año nos encontramos prácticamente no nos daríamos cuenta de la diferencia más allá de algún televisor viejo.

Frequency -- "Signal and Noise" -- Image Number: FRG102a_0176.jpg -- Pictured: Peyton List as Raimy -- Photo: Bettina Strauss/The CW -- © 2016 The CW Network, LLC. All rights reserved.

El filtro utilizado en las escenas de los recuerdos de Raimy resulta feo a la vista. Entiendo que quieran darle otro «color» a estas escenas para diferenciarlas de las escenas en el pasado y las escenas en el presente, pero creo que no había ninguna necesidad de poner ese tono gris/celeste que da la sensación de estar viendo el episodio a través de una ventana empañada.

Guión y subtramas

El problema principal de este capítulo es el guión y la cantidad de subtramas que se desarrollan al mismo tiempo. En un momento me hizo acordar a The Amazing Spiderman 2 porque al igual que en esa película, la trama no fluye, sino que parece que estuviéramos viendo una serie de escenas inconexas. No pude evitar sentirme un poco decepcionado porque el ritmo y la forma de contar la historia fueron las cosas que más me gustaron en el primer episodio. Mientras que el primer capítulo era, por sobre todas las cosas, centrado, este no lo es porque suceden demasiadas cosas al mismo tiempo. Tenemos la investigación de Nightingale en 1996 y 2016, los policías corruptos en 1996, las discusiones entre Frank y Julie en 1996, las conversaciones por radio entre Raimy y Frank y los recuerdos de Raimy en los que aparecen su madre y Daniel.

Frequency -- "Signal and Noise" -- Image Number: FRG102b_0186.jpg -- Pictured (L-R): Riley Smith as Frank and Mekhi Phifer as Stan -- Photo: Diyah Pera/The CW -- © 2016 The CW Network, LLC. All rights reserved.

Vemos más de la Raimy de 8 años que no añade prácticamente nada a la serie y vemos mucho más de la Julie joven, que me decepcionó bastante no sólo por su actuación (que es apenas aceptable) sino porque me esperaba que su personaje tuviera mejor desarrollo, que estuviera mejor escrito. Julie tiene malas líneas, la mayor parte del tiempo resulta irritante.

Esto es estrictamente culpa del guión y no de los actores, porque no puede ser que los protagonistas que tanto me gustaron en el primer episodio ahora son aceptables como mucho. Raimy repite la misma línea una y otra vez, «díselo a mamá, ¿se lo dijiste a mamá?» hasta el hartazgo. Es entendible que presione a su padre para salvar a su madre porque, como ella misma dice, todo su mundo se ha ido al infierno, pero en este episodio resulta bastante antipática, no tiene química con ninguno de los personajes y la mayor parte del tiempo resulta tozuda e irritante igual que su madre. Sin embargo, lo peor no esto. Lo peor es la escena en la cual Raimy tiene que hablar con su madre por la radio y, después de haberle escupido a su padre un discurso sobre cómo debe decirle la verdad a su madre (tres veces, por cierto, tres), se queda callada, no dice nada. Raimy (o en realidad los guionistas) intentan justificar esto diciendo que no sabe cómo eso afectará la línea temporal y que quizás todo sea para mal… pero Raimy ya sabía esto por lo que había pasado en el primer episodio, que por cierto había sido mucho más grave que Nightingale cambiando de casa.

Conclusión

Interesantes algunos elementos «temporales» como que Satch le diga a Raimy que estuvieron en la casa de Thomas Goff justo cuando su versión pasada está haciendo eso mismo en 1996, o que la foto en el collar de Raimy desaparezca porque su madre jamás tomó la foto. Interesantes y, por ahora, todo lo relacionado a los cambios temporales tiene bastante sentido y es coherente con lo que nos presenta la serie, aunque algunas decisiones no me han acabado de convencer, principalmente la forma en que afecta la línea temporal el hecho de que Raimy no le conteste a su madre por la radio. Lamentablemente esto no es suficiente para compensar el hecho de que el guión y la dirección han dado un paso atrás.

Dado que no es un gran paso, espero que puedan mejorar en el próximo episodio y entregarnos un capítulo mucho más centrado, como lo fue el primero. Le deseo lo mejor a esta serie porque tiene mucho potencial. Saludos y sean felices.

Mr. Robot, Stranger Things y el Cine

Stranger Things y Mr. Robot son indiscutiblemente dos de las series del momento. Los hermanos Duffer y Sam Raimi, respectivos creadores de estas producciones, han sabido unir elementos pasados y presentes para captar el interés de miles de espectadores y mantenerlo durante su emisión (o atracón televisivo frente a Netflix en el primer caso). ¿Cuáles son las claves de su éxito y qué tienen en común estos cineastas entre sí y con el cine contemporáneo? Y además, ¿qué tiene que ver todo esto con Prisioneros, la película del canadiense Denis Villeneuve que triunfó ante público y crítica en 2013? Iré por partes:

Benditos homenajes, malditos déjà vu

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Stranger Things es una serie que se maneja muy bien en el terreno del homenaje. La clave para crear ficciones con este componente es saber poner un límite, y ese límite es el plagio. Crear algo original que nos saque una sonrisa con referencias a un clásico contra hacer una escena que nos haga pensar “esto ya lo he visto antes”; es decir, saber cómo presentarlo sabiendo que el público ya conoce el original y ha visto mil referencias. Por eso es muy difícil encontrar la mesura. Debo decir que estamos muy lejos de un consenso sobre dónde sacamos el rotulador y marcamos la línea. Por ejemplo, el público de Malditos Bastardos debate si la primera secuencia actúa como brillante homenaje a la apertura de cierto western del gran Sergio Leone o si, al contrario, es una vergonzosa copia formal de cómo este abordaba una situación similar temáticamente y separada sólo contextualmente de la que construye Tarantino al comienzo de su film en 2009.

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El caso es que Stranger Things es un cúmulo de referencias pero no cae en ser puro fan service para melancólicos amantes de los 80, sino que es efectiva por sí sola. Es decir, es una serie bien construida que funciona aún ante un público que no conozca las cintas que homenajea, porque están ahí para sumar atractivo pero los cimientos de la serie son independientes. Y es muy divertido que, cuando la comunidad de fans pensaba haber encontrado todas las inspiraciones de la serie, sus creadores rompieron los esquemas hablando de qué película les había hecho dar el paso para gestarla. ¿Carpenter? ¿Spielberg? Villeneuve. Y en pleno siglo XXI. Ocurría en verano:

(…) pensamos, ¿no sería todavía mejor esta película [Prisioneros] si durara 8h en HBO o Netflix? Así que empezamos a hablar sobre una historia con la desaparición de una persona como trama principal.

Esto hace aún más completo el cúmulo de influencias que maneja la serie. Y en el equilibrio de todas ellas reside su fortaleza; no dejar al espectador con sabor de haber perdido el tiempo con algo ya visto/homenajeado mil veces antes. Porque lo que de forma muy inteligente maneja Stranger Things es crear desde cero, demostrar que tiene una base cinematográfica amplia (la serie no escatima recursos narrativos, lo que evita que sea plana o superficial y la hace más compleja) y sumar capas que remiten (y que no señalan de forma anticlimática) a aquello que homenajea. Algo que me lleva a hablar de la otra serie que nos ocupa…pero sin salir tan bien parada.

Supervivencia tutelada y perderse en solitario

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Y es que Mr. Robot lleva dos temporadas que son dos mundos. Una primera fresca, viva y con identidad que camufla seguir punto por punto los elementos que popularizaron estética y narrativamente a David Fincher en su día (y quien haya visto la serie sabrá a qué me refiero cuando lo menciono vagamente para evitar spoilers…) y una segunda que se va de casa de sus padres para enfrentarse al panorama seriéfilo intentando revalidarse como propuesta innovadora, y decide aferrarse al método Perdidos para no ser devorada. El método Perdidos, o Damon Lindelof (Abrams salió antes de que se convirtiera en el Recurso Único para gobernarlos a  todos, los episodios) consiste en formular preguntas. Preguntas y más preguntas. Y cuando los espectadores pasan de interesarse por el enigma que plantea la serie a cansarse de no encontrar las respuestas, se plantean aún más preguntas.

Sam Esmail abusa del cliffhanger desesperado. Adora utilizar personajes llamando a puertas justo antes de acabar un episodio, caras de sorpresa antes del corte a negro, expresiones de confusión antes de los créditos. Alargar eternamente situaciones que llevan a ninguna parte (Joanna Wellick tarda tres episodios en llegar de una parte de la ciudad a otra, en lo que fácilmente es el uso más vergonzoso de un personaje en la serie, siendo un mero gancho del qué será). Si es que hasta crea giros gratuitos para suplir esa necesidad que dos episodios de la primera temporada habían creado; fans sedientos del giro argumental, el “¿qué acaba de pasar?”. Y al final parece que la temporada entera deja a los personajes casi igual que al principio, y sólo hemos presenciado un (técnicamente impoluto) espectáculo de feria.

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La primera temporada no necesitaba de los giros por dos razones: primero, porque no había sentado un precedente (no es hasta el tramo final cuando se presentan) y segundo, porque contaba algo. La trama de la segunda temporada habría funcionado con la mitad de episodios o menos. Además, ese contar algo me lleva a hablar del siguiente punto: la estética frente a la narrativa.

Modas estéticas, narrativa contemporánea

Mr. Robot gesta en la primera temporada una estética hábil: representa bien el mundo de sus personajes, de contrastes y ambientes grises, y utiliza planos que dejan muchísimo espacio a los actores. Remarca así la soledad en la que están sumidos irremisiblemente Elliot y todos quienes le rodean. Hay un episodio de la primera temporada que define visualmente la relación que Elliot tiene con su jefe en sólo dos planos:

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El director les aísla con un espacio enorme de vacío difuminado, les empequeñece. No les muestra siquiera en el mismo plano; como estamos viendo todo en el mundo de Elliot, la escasa conexión con el resto de personas que le rodean se formaliza en estar literalmente en un plano distinto. No deja que entren en el suyo. De hecho, vemos en el siguiente que cuando Gideon abraza a Elliot seguimos en su plano y no en uno común: Gideon está ocupando su espacio personal, violando su norma de no contacto, haciéndole sentir incómodo:

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Esto es aprovechar la narración visual. Pero la serie va perdiendo este aprovechamiento y al final mantiene el mismo recurso estético hasta el hartazgo, sea o no conveniente. Al final, parece que deja la adecuación y se queda con que el plano sea atractivo visualmente. Se convierte en un videoclip. Y este cambio narrativo, que no visual, acompaña a la propia dejadez del guión de la segunda temporada (a excepción de momentos interesantes). Ambientes forzadamente luminosos en contraposición a exageradamente oscuros, colores contrastados y uso de las sombras creaban antes una atmósfera y ahora están ahí como adorno. Un adorno que resulta atractivo solamente porque está adecuado a la moda estética del momento.

Para hablar de estética y narrativa, vuelven a unirse las tres ficciones que dan nombre a esta entrada. Tenemos Stranger Things, que se suma a la moda de la estética retro pero que aprovecha cada plano: el único punto negativo que podría decir es un abuso del cambio de plano, casi desconcertante, en las escenas cotidianas del primer episodio (imagino que por una tendencia del espectador a perder la atención con facilidad prefieren asegurar que la mantenga). Porque Stranger Things se molesta en que la cámara nos cuente algo y en que la música y la fotografía creen un ambiente y una estética, que a la vez generan un mundo reconocible que es al mismo tiempo una vuelta a los 80 y su cine y una forma de meternos de lleno en la ficción y separarnos de la realidad. Por cierto, esto lo lograba también la estupenda It Follows en 2014, con un uso muy calculado del color como elemento para crear atmósferas de terror.

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Tenemos Prisioneros, que decide crear una atmósfera opresiva y angustiosa y contar la historia con su propio tempo, dejando a los actores mostrar las emociones mientras el director mantiene su perspectiva moral alejada pero retrata los hechos. Nada hace esto más evidente que la tensión que Villeneuve crea solamente con hacer un travelling hacia un árbol; esto evidencia la solidez formal de la cinta al saber qué recursos usar en cada momento en función del ambiente. Porque si tomamos ese plano y lo introducimos en otra película, seguramente nos crearía indiferencia. O hasta sería ridículo.  Y el ambiente es lluvioso (se7en no inventó nada, pero es la referencia que siempre se utiliza porque la lluvia dura casi todo el metraje. La lluvia tiene momentos brillantes en clásicos del Noir), y es oscuro y deprimente. Está muy logrado gracias al manejo de Villeneuve sobre el proceso creativo. Stranger Things tiene ciertas reminiscencias de este tono, aún siendo mucho más ligero. Así que las referencias que veíamos al principio no son solamente temáticas sino que también son atmosféricas y narrativas.

 Conclusiones

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Las modas estéticas condicionan el cine y la televisión. Depende de sus creadores aprovechar las que imperan en el momento para crear algo efectivo, o dejarse llevar y crear algo que a la larga dé la sensación de no haber visto nada nuevo. Lo mismo ocurre con los homenajes: un buen homenaje no grita lo mucho que le marcó el original sino que integra en su idea elementos de este, demostrando así un verdadero cariño y respeto hacia la obra que referencia— algo similar ocurría con lo que os comentaba hace unas semanas sobre los remakes mal entendidos. Y la narrativa imaginativa une estos dos elementos para hacer que la producción sea efectiva y no se quede sólo en ser un guiño, sino que cuente algo nuevo. Tenemos por delante muchas ficciones que se sumarán al carro. Ya veremos qué tal se desenvuelven.