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¿Qué 10 cosas le pediríamos a Warcraft IV?

Llegará. No sabemos cuando pero llegará. Warcraft IV debería ser la próxima entrega de estrategia de Blizzard y, ya que para la Blizzcon de este año no parece que haya mucho que anunciar (más allá de los rumores de Diablo IV que os contamos aquí) nos gustaría pensar que, aunque sea, la idea está ahí.

También es cierto que teniendo el gigante World of Warcraft comenzar con una saga de estrategia que aborde la historia del mismo mundo es complicado. Y más porque parece que las cifras de WoW son tan poderosas que hacen que merezca la pena que Blizzard se espere todo lo necesario mientras siga recibiendo dinero. Mientras el mmorpg más grande de todos los tiempos siga siendo rentable no parece muy probable que dejen de sacar expansiones.

Recordemos que Starcraft salió a la venta en 1998 y su secuela, Starcraft II, llegó en el 2010. Doce años más tarde. Warcraft III salió a la venta en el 2003 por lo que ya han pasado los 12 años de rigor. No sabemos nada más que en el 2014 Tim Morten, uno de los responsables de Blizzard, afirmó que Warcraft IV «depende de los fans». Veremos. 

¿Y qué pediríamos a un Warcraft IV? Estas son nuestras ideas.

1. Que sea fiel a la premisa de Blizzard: fácil de jugar difícil de dominar

Todos los juegos de Blizzard se han distinguido por esa norma: pasarse el juego es fácil, ser bueno en él es muy complicado. En el Warcraft III sabías qué unidades eran buenas, cuánto costaban e incluso el tiempo que tardaban en salir… pero hacerlo más rápido que tu contrario al tiempo que estabas explorando el mapa, luchando en un combate y ampliando tu ciudad no era nada sencillo. Starcraft II se mantuvo en esa premisa y el resultado ha sido excelente. 

2. Una campaña que atrape

La opción fácil sería afirmar que todo lo acontecido en WoW nunca ha pasado. Que se trata de un universo paralelo con hechos posibles pero que realmente no han llegado a desarrollarse. Eso sería una cagada, hablando claro. A lo mejor alternar los hechos en WoW entre expansión y expansión y los hechos del juego de estrategia entre entrega y entrega, pero también es complicado. Si hubiese un nuevo Warcraft sería la oportunidad perfecta para añadir nuevos héroes (como lo fue Arthas, Illidan o Thrall en su día). Incluso nuevas razas (como hicieron con los no muertos) o la opción más factible: nuevos mundos que explorar, con nuevas amenazas, razas y héroes.

3. Mantener una historia utilizando diferentes facciones

Que Starcraft II fuese a estar dividido en tres juegos no gustó como idea, pero resultó ser un éxito comercial. Al tiempo que alargaban la vida del juego, y por tanto la expectación, disfrutábamos de campañas largas y trabajadas con grandes cinemáticas y muchas posibilidades.

4. Mínimo 4 facciones. ¿Y por qué no más?

El WoW se ha llenado de razas dividas en dos facciones, pero cada una tiene sus intereses e historia. En Warcraft III teníamos elfos, humanos (aliados con gnomos y enanos), no muertos y orcos (aliados con trols, goblins y taurens), pero también estaban diseñados los Altos Elfos, sus primos caídos en desgracia los Elfos de Sangre y las nagas. Ahora tenemos hombres lobo, draenei y los pandas que nunca debieron estar. Molaría por lo menos ver algo completamente nuevo. ¿Semiorcos?

5. Gráficos buenos

Starcraft II es una gozada visualmente, pero corresponde a un motor de 2010. Y aunque Blizzard siempre ha estado preocupado porque sus juegos puedan marchar en todos los ordenadores esperamos algo incluso mejor que Heroes of the Storm. Y desde luego mejor que World of Warcraft donde parece que se confunde estética «cómic» con calidad gráfica, cuando no tiene nada que ver.

Gráficos de Starcraft II recreando el universo Warcraft
Gráficos de Starcraft II recreando el universo Warcraft

6.  Mantener el sistema de héroe + tropas

Fue la gran novedad entonces y ayudó mucho a crear una historia así como una gran variedad en el multijugador. Nuevos héroes crearían nuevos personajes carismáticos, pero también tienen que tener un sentido en la batalla y poseer habilidades especiales.

7. Guiños a lo anterior

Ver un Rexxar, un Khadgar o una tumba de uno y otro siempre despierta cierta nostalgia. Como visitar la tumba de Uther, el maestro de Arthas, en el WoW. Está claro que en un mundo donde existe la necromancia y los viajes en el tiempo pueden traer una vez a los mismos protagonistas, pero igual es tiempo de dejar paso a nuevas y carismáticas caras.

8. Un buen balance entre las unidades

Blizzard se preocupa mucho porque esto sea así. Pero en WoW siempre ha habido una clase más poderosa que otra dependiendo del momento (algunos aseguran que es para que los jugadores pasen más tiempo subiendo diferentes personajes). En Starcraft II ha habido un buen balance en general pero los jugadores son hábiles y son capaces de sacar ventaja a unas décimas de daño superiores puestas aquí y allá.

9. Novedades inesperadas

Blizzard siempre ha arriesgado y ha propuesto buenas ideas. Los héroes y los monstruos solitarios que guardaban tesoros en Warcraft III, la fallida subasta con dinero real en Diablo III, nuevos sistemas de mapa y objetivos en los juegos tipo DOTA en Heroes of the Storm, pagar la suscripción con oro del WoW… cualquier cosa, ya sea dentro del juego o para administrar el mismo, es bienvenida. Eso sí, les toca pensarlo a ellos.

10. Que llegue este siglo

Blizzard siempre dice «pronto» y «cuando esté terminado», y eso significa «de aquí a 10 años por lo menos». Depende de World of Warcraft y lo que dure este, pero en cuanto lo anuncien el hype crecerá día tras día.

Un saludo y sed felices.

Guía de lectura definitiva de Batman (parte 3)

Continuamos con esta guía de lectura definitiva de Batman, la que debéis seguir si os interesa abordar la historia de uno de los personajes más longevos de la historia del cómic.

En esta tercera parte, las desgracias se ceban con el pobre Bruce Wayne: desde lesiones físicas hasta catástrofes biológicas y naturales que asolan Gotham.

44. Guerra contra el crimen (1999)

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  • Guión: Paul Dini.
  • Dibujo: Alex Ross

Ayudado por los impresionantes dibujos realistas de Alex Ross, Paul Dini realiza un cómic documental sobre una semana en la vida de Batman, analizando su lucha contra los delincuentes.

45. Justicia ciega (1989)

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  • Guión: Sam Hamm
  • Dibujo: Denys Cowan

El guionista del Batman de Tim Burton es el autor de este cómic precursor de La caída del Murciélago. Bruce Wayne sufre un atentado que le deja en silla de ruedas y es acusado de traición y espionaje, por lo que se lleva a cabo una investigación de sus viajes de juventud y su relación con criminales como Henri Ducard, uno de sus maestros durante su aprendizaje.

46. Rostros (1992)

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  • Guión y dibujo: Matt Wagner

Wagner es autor de varios de los cómics más destacados de Batman, y Rostros no es una excepción. Dos Caras reúne a personas deformadas físicamente para llevárselas a una isla privada que ha comprado. Mientras tanto, distrae a Batman con una serie de asesinatos relacionados con el número 2. Una gran historia de uno de los mejores villanos de Batman.

47. Año 3 (1989)

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  • Guión: Marv Wolfman
  • Dibujo: Pat Broderick

Al igual que Año 2, el título es un simple reclamo publicitario para una historia que no es tan buena como Año 1. Tras la muerte de Jason Todd, Batman está atormentado y sus actos son cada vez más desequilibrados. La liberación del asesino de los padres de Dick traerá al que fuera el primer Robin de nuevo a Gotham.

48. Un lugar solitario para morir (1989)

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  • Guión: Marv Wolfman
  • Dibujo: Jim Aparo

Durante la vuelta de Dick a Gotham, un joven llamado Tim Drake deduce las identidades de Nightwing y Batman. El niño insiste en que Batman debe tener un Robin, alguien que le ayude a recuperar el equilibrio perdido tras la muerte de Todd. Tim Drake será el tercer Chico maravilla.

49. Arkham Asylum (1989)

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  • Guión: Grant Morrison
  • Dibujo: Dave Mckean

Uno de los cómics más famosos de toda la historia de Batman. Aunque comparten título, nada tiene que ver con el gran videojuego de 2009. El Joker ha tomado Arkham y pide que Batman pase una noche junto a ellos en el manicomio. Es un cómic denso, con un dibujo casi expresionista que refleja la mente del Joker y, porque no decirlo, de Batman mismo. De hecho, se describe a un Bruce Wayne al límite de la cordura y repleto de dudas, mientras que el Joker, paradójicamente, es el más cuerdo de todos los personajes de la obra.

50. La novia del demonio (1990)

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  • Guión: Mike W. Barr
  • Dibujo: Tom Grindberg

Historia de menor calidad que El hijo del demonio. Una vez más, Batman debe detener los planes de Ra´Al Ghul, esta vez con la ayuda de Talia, que está en contra de su padre porque este ha elegido nueva esposa.

51. Amor loco (1994)

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  • Guión: Paul Dini
  • Dibujo: Bruce Timm

Obra maestra basada en la famosa serie animada de Batman de principios de los 90. Amor Loco cuenta el origen de Harley Quinn, una psiquiatra que se enamora perdidamente del Joker durante una de sus estancias en el asilo Arkham.

52. La espada de Azrael (1992)

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  • Guión: Dennis O´Neill
  • Dibujo: Joe Quesada

Entretenido arco que supone la aparición de Jean Paul Valley, alias Azrael, el último de una Orden milenaria de justicieros a los que no les importa asesinar a los villanos. Batman le ayudará a tomar el camino recto y a convertirse en su aliado.

53. La caída del murciélago (1993)

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  • Guión: Chuck Dixon y Doug Moench
  • Dibujo: Jim Aparo, Norm Breyfogle, Graham Nolan y Jim Balent

Todo un hito en la historia de Batman. Bane, un nuevo villano, libera a todos los enemigos de Batman con el fin de agotarle física y mentalmente y poder vencerle. La imagen más icónica de este cómic es la de Bane quebrando la espalda de Batman. Azrael le sustituirá mientras se recupera, pero los métodos expeditivos del nuevo Batman hará que Bruce tenga que volver para recuperar el trono de Gotham. Una historia entretenida pero inferior a las grandes obras del Hombre Murciélago.

54. Batman: Hijo pródigo (1996)

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  • Guión: Doug Moench, Chuck Dixon y Alan Grant
  • Dibujo: Mike Manley, Graham Nolan…

Aunque Batman ha derrotado a Azrael, Bruce todavía debe continuar su recuperación, por lo que cede el manto a Dick, el primer Robin. Durante todo este arco, Dick se da cuenta que, pese a todos sus años de entrenamiento y habilidades, jamás podrá ser Batman.

55. Batman: Contagio y Legado (1996)

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  • Guión: Alan Grant, Chuck Dixon, Dennis O´Neill, Doug Moench
  • Dibujo: Kelly Jones, Tommy Lee Edwards, Mike Wieringo…

Siguiendo con la tónica de los “desastres” en Gotham, la ciudad se ve afectada por una variedad del Ébola en una catástrofe sin control.

56. La liga de la Justicia: Torre de Babel (2000)

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  • Guión: Mark Waid
  • Dibujo: Howard Porter, Steve Scott

Una de las mejores historias de la Liga de la Justicia. Ra´s Al Ghul derrota a toda la Liga gracias a una serie de armas anti-Liga diseñadas por el propio Batman, para sorpresa de sus compañeros. El cómic termina con la expulsión de Batman de la Liga de la Justicia.

57. Batman: Cataclismo (1998)

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  • Guión: Chuck Dixon, Alan Grant, Doug Moench, Dennis O´Neill, Devin K. Grayson
  • Dibujo: Jim Aparo, Flint Henry, Scott McDaniel, Klaus Janson…

Después de la rotura de espalda de Batman y de la diseminación de un virus mortal en Gotham, ahora toca la aparición de un terremoto en plena ciudad de grado 7,6.

58. Tierra de nadie (2000)

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  • Guión: Greg Rucka y otros
  • Dibujo: Varios

Inmenso crossover en el que el gobierno, ante la cantidad de desastres que han asolado Gotham, decide no prestar ayuda a la ciudad. Bruce Wayne decide volver como Batman tras fracasar en la búsqueda de influencias. Allí encuentra una ciudad devastada y separada en distritos gobernados por criminales. Batman sabe que no puede hacerlo solo, por lo que decide reunir un nuevo equipo.

Un saludo y sed felices!

Spider-Man Homecoming: Filtración de cartel promocional y novedades arácnidas

Spider-Man Homecoming lleva unos días soltando bastante información, en forma de imágenes de rodajes, nuevas incorporaciones y el primer cartel de la película, aunque filtrado.

Recordemos que tras el desgaste del Spiderman de Raimi con esa patética tercera parte, el arácnido apenas descansó y se decidió hacer rebootear en el cine al personaje, con Marc Webb detrás de las cámaras. Si bien ambas películas no estaban mal, la verdad es que estaban lejos de la calidad de las cintas de Marvel. Valga el ejemplo de que la segunda de The Amazing Spiderman se estrenó el mismo verano de El soldado de invierno, siendo esta última muy superior en todo. Así pues se decidió volver a empezar de cero y meter al personaje en el universo Marvel, como hemos podido ver en la reciente y espectacular Civil War, donde Spider-Man tuvo algo más que un simple cameo.

Presentación de Spider-Man en Civil War
Presentación de Spider-Man en Civil War

Las bases pues, ya estaban asentadas y nos llega en España, el 7 de julio de 2017, Spider-Man Homecoming. Tom Holland interpreta al héroe, Marisa Tomei a una tía May, más joven que la de Raimi, Michael Keaton da vida al Buitre, personaje que con su traje tecnológico nos recuerda al Duende Verde de James Franco. Además recientemente hubo una nueva incorporación, Michael Chernus, que será el Chapucero, uno de los villanos de la época clásica de los cómics del trepamuros (The Amazing Spider-Man nº2). Phineas Mason, nombre real, es un especialista en crear gadgets de la nada. Completan de momento el reparto Zendaya como la chica protagonista; Angourie Rice, presumiblemente como una joven Gwen Stacy, Michael Barbieri y Tony Revolori. Además, está confirmada la presencia Robert Downey Jr. como Tony Stark/Iron Man. Dirige Jon Watts.

Seguro que os falta este número

Los lanzatelarañas

Gracias al Twitter de Atlanta Filming hemos visto de cerca el traje y una de sus características, los lanzarredes.

https://twitter.com/AtlantaFilming/status/762740667621793793

Concept Art del Buitre

El mes pasado con motivo de la Comic Con de San Diego se reveló un concept art de Spider-Man luchando contra El Buitre, personaje cuyo traje difiere del original del cómic.

Concept Art de la esperada Spider-Man Homecoming
Concept Art de la esperada Spider-Man Homecoming

Y acabamos este breve repaso por las novedades de nuestro vecino favorito con la filtración a baja calidad de un poster de la película que se ha podido ver estos días en  una convención, Magic Las Vegas.

Teaser poster
Teaser poster

Un saludo y sed felices.

La Liga de la Justicia: ¿Lucirá Superman un traje negro?

A finales del mes pasado, gracias a la Comic-Con que se celebra en San Diego, tuvimos la oportunidad de ver el primer tráiler de lo que será la primera película de acción real de La Liga de la Justicia, un primer vistazo centrado de manera especial en Flash, Aquaman y Cyborg, los nuevos personajes del DC Extended Universe, y que junto a Batman y Wonder Woman formarán equipo para enfrentarse a Steppenwolf, uno de los secuaces de Darkseid. Superman fue el único miembro de la JLA que no apareció, no os alarméis está confirmado que Henry Cavill forma parte del reparto de la cinta dirigida por Zack Snyder.

Si de todos los actores que forman parte del reparto principal hay uno muy activo en redes sociales ese es Cavill (cierto, Jason Momoa un poquito más). Ayer nos sorprendió a todos cuando subió una enigmática imagen de una pequeña parte del traje que, supuestamente, lucirá en la película que se estrenará el año que viene. El traje no es realmente lo importante, mas bien el color:

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Así es, un traje negro. Como bien sabréis (atención a spoiler potencial si no habéis visto Batman v Superman), el personaje interpretado por Cavill muere a manos de Doomsday al final de película, sacrificándose por la humanidad. Volver va a volver. Y ¿si lo hace como en los cómics? En 1992 se concibió uno de los cómics más importantes protagonizados por el último hijo de Krypton: La muerte de Superman. Después de que todos creyesen que había muerto Superman volvió luciendo una larga melena, un traje negro, con el escudo del pecho en color plata. Una nueva indumentaria que le ayudó a concentrar la energía emitida por el Sol para restaurar sus poderes por completo. Recientemente en 2012, en la línea de los New 52, volvieron a uniformar al Hombre de Acero con un traje negro, que nos hizo recordar este importante cómic. La excusa esta vez fue que Kal-El debía retroceder al pasado de Krypton donde se encontraba su padre Jor-El. Esta vez el traje negro era similar al cotidiano salvo por el color.

¿Es solo un filtro de grises de Instagram para jugar al despiste? ¿Es una pista de cómo será el regreso de Superman en el DCEU? ¿Qué pensáis vosotros?

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Un saludo a todos y sed felices.

Análisis de Mr. Robot. Temporada 2. Capítulo 6

Bienvenidos a un análisis más de Mr. Robot. Para algunos los últimos episodios de esta serie no han sido los mejores teniendo en cuenta el nivel al que nos tienen acostumbrados, sin embargo, los creadores de Mr. Robot se encargan de darnos grandes momentos en cada uno de ellos y logran que terminemos de verlos con la sensación de que hemos visto algo genial. Esta semana sí que hemos visto algo grandioso, un capítulo de esos que no se olvidan y se vuelven a ver una y otra vez. Lo digo por experiencia propia, ya he visto el primer cuarto de episodio unas cinco veces, y contando.

Seguro ya han notado mi emoción, así que les advierto que están a punto de entrar en un océano de SPOILERS. Sin más dilación, entremos en materia.

1. Despues de todo, estaba en una sitcom de los 80’s

mr. robot lascosasfelicesSi alguna vez dijeron o pensaron que esta serie es demasiado pesada, seria, oscura o dramática, adelante, ya pueden retractarse. Este sexto episodio ha sido sin duda el más divertido de toda la serie, nunca se nos habría ocurrido la posibilidad de tener a Elliot junto a Alf, pero Sam Esmail lo imaginó y lo llevó a la pantalla para nuestro deleite, lo cual le agradezco tremendamente. Se podrán decir muchas cosas de Mr. Robot, pero que carece de originalidad no es una de ellas.

Seguro muchos como yo, estuvieron los primeros diez y ocho minutos con la misma expresión de Elliot y sin saber qué diablos estaba ocurriendo. Nos dieron una versión de Mr. Robot en sitcom ochentera, con la estética, el formato, las risas montadas, una intro con una alegre canción en la que nos presentan a los personajes principales de la comedia y por supuesto, la aparición de una estrella invitada, en este caso Alf.

mr. robot lascosasfelices2En el episodio de la particular sitcom protagonizada por la familia Alderson, nuestro protagonista viaja en un convertible junto a Darlene, su padre, su madre y Tyrell, toda una aventura familiar. Elliot no tiene idea de por qué está allí, y su padre le dice que van a ir a un lugar donde él va a estar mejor. Durante el viaje se burlan de todos los dramas que vemos semana a semana en Mr. Robot. Se mofan de la locura de Elliot y del tratamiento que le han dado a su relación con Angela, del cáncer del papá de Elliot y de la violencia infringida por su madre. mr. robot lascosasfelices1Hicieron bromas sobre el trabajo de Angela en E-Corp y la muerte de su madre, de la paliza que recibió Elliot por parte de los matones de Ray y la muerte de Gideon, ya que para Sam Esmail no fue suficiente con un unico asesinato, y se le ocurrió que Alf lo atropellara. Y después de tantos episodios con la incertidumbre del paradero de Tyrell Wellick, resulta que estaba en una sitcom ochentera, encerrado en una cajuela, aunque termina siendo asesinado por el padre de Elliot.  No sé ustedes, pero yo creo que eso es una pista.

mr. robot lascosasfelices13Llegaron a la perfección incluyendo anuncios en los intermedios de la sitcom. Presentaron publicidad de E-Corp, de cerveza, y anuncios de una emisión de Masacre meticulosa de burgueses, la película gore de la que salieron las máscaras de F. Society. Este tipo de cosas no aportan nada a la historia, pero se disfrutan y de qué manera, convierten un capítulo que habría sido normal en algo memorable.

mr. robot lascosasfelices13Hacia al final del viaje Elliot empieza a creer que Mr. Robot ganó y tomó el control de su cuerpo y por eso está atrapado ahí, pero su padre le explica que no hubo un ganador, que no le gustaría estar vivo para ver su sufrimiento y que solo está intentando que él deje el pasado atras de la forma menos dolorosa posible. Finalmente le cuenta que Ray lo llevó al hospital después de todos los golpes. Cuando Elliot despierta nos damos cuenta que todo ha sido un sueño.

2. Consecuencias del atentado en China

mr. robot lascosasfelices6Volviendo a la realidad, recordemos que el episodio anterior la detective Dominique viajó a China con sus colegas del FBI y fueron atacados por hombres encapuchados en el vestíbulo del hotel, enviados seguramente por Dark Army. Ahora, de vuelta en New York, su jefe quiere darle una licencia para que se recupere del trauma mientras que ella dice no la necesitarla y argumenta que eso sería entorpecer la investigación y hacer lo que Dark Army desea, porque si ellos hubieran querido asesinarla lo habrían hecho sin problema, y en vez de eso se suicidaron dejándola ilesa.

mr. robot lascosasfelices11Después de la charla con su jefe vemos a Dom en la tienda local que suele visitar. DiPierro nota que el negocio está desabastecido, y así nos damos cuenta de las consecuencias que ha dejado el ataque a E-Corp por parte de F Society, ya que no solo ha perjudicado a la multinacional, tambien tiene en jaque a la economía de los ciudadanos de a pie.

mr. robot lascosasfelices9Por otro lado, tenemos a Philip Price, el manipulador manipulado. El director general de Evil Corp carga con toda la presión sobre sus hombros, cada día hay más ciudadanos protestando en las puertas de la empresa y él debe ser auxiliado por la policía para movilizarse, los altos mandos lo acosan constantemente para que solucione los problemas, y como si eso fuera poco, White Rose que antes parecía ser su aliado, ahora ni siquiera le contesta el teléfono. Se siente bien que las cosas le estén saliendo mal.

3. Hackeando al FBI

F Society es solo un peón para Dark Army, ellos no son solo un grupo de hackers, y poco tienen que ver con las intenciones de Elliot de salvar el mundo. Tras la decisión de Angela de ayudar a hackear el FBI, Darlene le pide un artefacto que necesitan a su novio que trabaja para Dark Army. Él le consigue la femtocelda , y quien se lo entrega es un miembro de la oscura organización. Cisco no es tonto y pide explicaciones porque sabe que han manipulado el artefacto y no quiere perjudicar a Darline, pero como es de esperarse la solicitud no le sienta bien al hombre de Dark Army y da la orden de atraparlo. Unos enmascarados lo sujetan, el hombre le inyecta alguna sustancia desconocida en un dedo, y lo dejan botado en el suelo con mucho dolor.

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Por otro lado tenemos a Angela, que tras aceptar colaborar debe aprender a hackear en un día, memorizando una cantidad absurda de comandos, Ni Trenton ni Mobley creen que pueda lograrlo, pero ella hace su mejor esfuerzo mientras repite frases de ánimo para sí misma. Cuando está lista para marcharse, llega Cisco a entregar la femtocelda, Angela lo reconoce porque fue él  quien entregó el disco que la ha metido en tantos problemas, lo observa detenidamente, pero por alguna razón que no entiendo se queda callada, es absurdo que se haya encontrado de frente con la persona que casi arruina su vida y no le diga absolutamente nada.

mr. robot lascosasfelices12La operación empieza, y no es tan sencilla como lo había planteado Darlene. Angela debe llegar al piso donde está instalado el FBI, mientras Darlene disfrazada entra a un hotel cercano al edificio de E-Corp y se cuela en una habitación desde donde realizará la operación. Al llegar al piso del FBI Angela entra al baño para arreglar los detalles en la computadora y se comunica con Darlene y Mobley por teléfono celular. Cuando sale del baño se topa con el agente Ross Thomas que empieza a coquetear con ella, mientras Mobley y Darlene se burlan por el manos libres y buscan información sobre él.  Por fin logra deshacerse del agente prometiendo almorzar con él, empieza a conectar la femtocelda a un computador, y al terminar Darlene le dice que limpie sus huellas, aunque podría apostar que no lo hizo bien  y eso la va a meter en graves problemas.

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Cuando parece que todo ha acabado falla el Wi-fi  y debe activarlo desde su cubículo. De mala gana y con mucho miedo sigue las órdenes de Darlene, digitando un comando tras otro, y cuando menos se lo espera aparece Dominique DiPierro preguntando por ella. Y así nos dejan, en tensión máxima.

4. Padre e hijo

mr. robot lascosasfelices3Hay una teoría rondando que argumenta que Elliot no ha estado en casa de su madre todo este tiempo, dicen que en realidad está en una cárcel, que Leon es su compañero, la cancha de baloncesto es el patio de la prisión, su madre un guardia, la sala de su casa el área de visitas y Ray un funcionario que tiene una de las pocas oficinas con computadora. Creo que es más posible que esté en un psiquiátrico que en prisión, pero lo cierto es que la teoría tiene cada vez más sentido, ya que lo tienen prácticamente secuestrado y nadie se pregunta su paradero, ni siquiera su madre que parece ser tan psicorrígida. En este capítulo Elliot despierta en una habitación de hospital, que fácilmente podría ser la enfermería de alguna institución, y después de ser amenazado por Ray lo encierran en un cuarto que si la teoría es cierta, sería un calabozo.

Los últimos minutos me recordaron el episodio de la primera temporada en la que Elliot tiene síndrome de abstinencia y debe encerrarse en un cuarto de motel. Al principio Romero y Mobley le hacen compañía, pero luego se marchan y lo dejan con Mr. Robot. Ese ha sido uno de los momentos más tristes para Elliot, aunque nosotros no supimos que en realidad estaba solo hasta después de varios capítulos. En cambio, en este ya tenemos certeza de que nuestro querido Elliot se encuentra enfrentando solo todo ese sufrimiento, e intenta compensar su soledad con la alucinación de su padre. Fue tremendamente conmovedor verlo abrazando y dando gracias a alguien que no puede ayudarlo porque en realidad no existe.

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En lo correspondiente a Elliot, este fue un episodio de reconciliación con su padre muerto, lo último que vemos es un flashback en el que nos muestran el momento en que el papá de Elliot le cuenta sobre su enfermedad, y le dice que lo han despedido de E-Corp y va a abrir una tienda de computadores. Su padre pide que piense en un nombre para la tienda y que lo diga cuando lleguen al local, y justo en el momento en que el pequeño Elliot va a abrir la boca para hablar, el episodio termina. Aunque poca falta nos hace escucharlo de él, ya que todos sabemos cual es el famoso nombre de la tienda.

Este episodio fue toda una montaña rusa de emociones. Tuvimos risas, tensión y lágrimas, uno de los mejores episodios de esta grandiosa serie, y eso es decir demasiado. Ya veremos que sorpresas nos traerá el siguiente capítulo.

¿Qué novedades tenemos de «Lobezno 3» (El viejo Logan)?

El estreno de la última película de Hugh Jackman como Lobezno sigue estando planificada para el 3 de marzo de 2017. Podéis ver todos los estrenos de las películas de superhéroes actualizada con novedades aquí. Pero aún no tenemos título oficial ni sinopsis definitiva. Como habéis visto el título de «Lobezno 3» lo ponemos entre comillas a falta de que la Warner nos de uno aunque todo pinta que versará sobre la vida del Viejo Logan.

¿Qué es el Viejo Logan?

Es la historia creada por Mark Millar y Steve McNiven donde en un futuro no muy lejano todos los héroes han muerto y los villanos dominan el mundo. Solo un viejo Logan junto con Ojo de Halcón recorrerán Estados Unidos en medio de una misión imposible. Si te gusta Mad Max y la película Sin Perdón estás de enhorabuena ya que esta historia es un cruce de ambas donde los héroes no son lo que parecen y donde Logan vive su última aventura.

Podríamos estar ante una gran película siempre que se obre con inteligencia y no se hagan tonterías para contentar a un perfil familiar. Se debería mirar a la trilogía de Batman de Nolan para entender lo que quiero decir. La última película de Hugh Jackman en el papel de Lobezno se merece la guinda del pastel. Después de 16 años en el mismo rol no se sabe que pasará con Logan pero no se prevé un remplazo del actor a corto plazo. Por tanto esta podría ser la última película del héroe canadiense en mucho tiempo.

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Lobezno como el Viejo Logan

X-23

En los cómics Logan ha sido sustituido por su versión femenina llamada en España Lobezna y con su propia colección regular. X-23 es el nuevo personaje que hace el papel de Lobezno, un clon de Logan llamada Laura Kinney y que surgió de los dibujos animados aunque rápidamente pasó al mundo del cómic. Se presume que la nueva niña que sale en el rodaje de Lobezno 3 podría ser la próxima Lobezna. Más abajo podéis ver las fotos.

Aquí os dejo la descripción del casting que circula por Internet acerca de este nuevo personaje. ¿Puede ser X-23? Tiene toda la pinta, pero no hay nada confirmado.

– Nombre en clave: Zoe.
– Niña de 12 a 15 años.
– Criada en cautividad en época de guerra sin una niñez normal.
– No tiene familia hasta ahora, nunca ha salido de las instalaciones en las que nació.
– Es muy intensa. Sus expresiones y lenguaje corporal hablan por sí solas.
– Una vez ha salido al mundo real, todo es nuevo, cada experiencia e imagen.
– Esto no significa que todo sea maravilloso. Algunas de las cosas que ve le pueden asustar o enfadar y cosas que nos parecen interesantes pueden aburrirla.
– No ha mantenido demasiados relaciones sociales. Puede comer como un animal. A veces estudia a las personas y su comportamiento corporal.
– Tiene un alto coeficiente intelectual, pero es muy temperamental, impulsiva y fiera. Puede provocar el caos.
– Nunca le han besado.
– Es preferible tener experiencia en artes marciales y gimnasia, pero no obligatorio. Sin embargo, la actriz debe ser extremadamente física y capaz de capaz de improvisar escena y no interpretar de manera «adorable».

Otro de los actores ilustres que estarán en la última aventura de Lobezno es Patrick Steward que hace del Profesor Xavier ya muy mayor y decrépito. Sin duda una imagen vale más que mil palabras y a continuación os dejo unas cuantas del set de rodaje con Hugh Jackman y el elenco de actores incluida la niña que podría ser X-23.

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Un saludo y sed felices.

Hablamos de Berserk, la obra maestra de Kentarou Miura

No suelo ver mucho anime, y leer manga menos todavía. Han habido muchos animes como One Piece o Naruto, que seguía desde pequeño, pero que me han dejado de interesar por su excesiva duración o por quedarse estancados en la misma y repetitiva trama. Han habido otros como Shingeki no Kyojin o One Punch Man que me han entretenido y que me han provocado curiosidad por sus mangas. Por el contrario también han habido algunas aberraciones como Mirai Nikki o Danganronpa que acentuaron mi ya poco interés por el anime. Luego están (por ahora) los dos únicos animes y mangas que realmente me apasionan. Uno de ellos es Neon Genesis: Evangelion, y el otro, por supuesto, es Berserk.

Curiosamente hasta hace seis meses ni sabía que existía, ni si quiera me sonaba el nombre. No fue como cuando ves a un dinosaurio gigante destruyendo edificios y lanzando rayos por la boca, que no tienes ni idea de lo que es, pero sabes que te suena de algo. Realmente no sabía nada en absoluto. Después de charlar largo y tendido sobre Dark Souls, (mi videojuego favorito) me contaron que muchos entornos, personajes, armas, e incluso el trasfondo, estaban muy inspirados en el manga. Me hablaron un poco sobre la historia, vi un par de imágenes y me picó la curiosidad. Y aquí estamos.

Para muchos puede servir como motivante para comenzar a leer el manga o como presentación si no lo conocían, así que me ahorraré destriparos la historia por completo. Por supuesto es inevitable que hable de los eventos más significativos, pero me limitaré a hablar principalmente de su escritor, Kentarou Miura, de la evolución de su guión y la evolución del propio manga. Que disfrutéis.

berserk las cosas felices 2

Kentarou Miura

Kentaro Miura las cosas felices

Kentarou Miura comenzó su carrera no oficial con con el manga Miuraranger a la temprana edad de diez años. Pensareis que fue un único trabajo para clase de plástica, pero lo cierto es que se extendió hasta cuarenta tomos. Gracias al manga Futanabi, consiguió entrar en la facultad de arte de Nihon University y fue nominado como Mejor Autor Debutante por la revista Shūkan Shōnen Magazine. Más adelante trabajó con Tetsuo Hara y Buronson, creadores de El Puño de la Estrella del Norte (Hokuto no Ken), manga en el que se inspiró para uno de sus primeros proyectos profesionales: King of Wolves. Dicho proyecto y su secuela, The Legend of the Wolf King, fueron publicados mensualmente en la revista Young Animal. En 1988, presentó un One Shot de 48 paginas llamado Berserk Prototype. Debido a su existo, en 1990 se publicó el primer número de Berserk en la misma revista de sus anteriores proyectos.

Debo añadir que Miura, a pesar de las largas pausas en algunos proyectos, es una persona extremadamente trabajadora. Trabaja cerca de 16 horas diarias sin vacaciones, desde el mediodía hasta la muy avanzada madrugada e incluso la mañana. De hecho hay un rumor sobre que es capaz de terminar un episodio entero en un día. Esta disciplina le ha llegado a traer un gran malestar físico. Es una persona extraña cuanto menos, apenas se muestra al publico y menos todavía se deja fotografiar. En sus entrevistas y cartas suele responder con brevedad, y en general es alguien poco sociable.

Al igual que muchos escritores japones, Miura tiene un estilo bastante indirecto. Obviando esos momentos en los que personajes secundarios narran preocupados toda la historia del próximo superpoderoso enemigo al que se enfrentará el protagonista, que no es más que una burla o critica a ese tipo de clichés, suele contarte el trasfondo de la historia a base de pequeños detalles. Si somos capaces de verlos y compararlos con los grandes eventos de la historia, veremos que muchas veces hay algo que no encaja. Nos hará formularnos preguntas y muchas veces elaborar hipótesis de como será el desenlace. Pero estas hipótesis suelen ser erróneas ya que normalmente las historias de Miura tienen tanta profundidad que son impredecibles. Es como si nos contara una historia principal y a la vez una historia oculta, comos si fuera un pasadizo detrás de una estantería falsa. En cierta forma te ayuda a desarrollar el pensamiento lateral y a estar más atento a todo lo que ocurre o se dice.

Dicho esto, os podéis imaginar más o menos como es su obra maestra. Una mente extraña crea cosas extrañas.

Berserk

berserk anime las cosas felices
En orden de izq. a dcha, los protagonistas: Rickert, Griffith, Guts, Caska, Pippin, Corkas y Judeau

Berserk posee una ambientación medieval ficticia de acción y aventuras. Durante toda la primera parte llamada «La Edad Dorada«, considerada por muchos como la mejor etapa del manga, predominan elementos propios del medievo y el feudalismo europeo. Al contrario que la mayoría de escritores del genero, Kentarou Miura le da un enfoque muy realista. En un entorno constante de guerra veremos no solo la barbarie de la misma, si no también las terribles consecuencias que tiene. La lucha por la supervivencia a causa de la enfermedad y el hambre nos mostrará que en Berserk no hay sitio para la inocencia o el honor, lo único que importa es vivir a cualquier coste. Esto se ve apoyado gracias a la evolución de Guts, el protagonista principal, desde literalmente el momento en el que «nace». No solo por su involucración en la guerra desde que tenía la capacidad para levantar un arma (levantar no significa usar), si no por su visión del mundo a causa de múltiples traumas y una cruda filosofía sobre la vida y la muerte. En este aspecto Miura trabaja muchísimo a sus personajes, y exceptuando secundarios, no hay ninguno plano.

Llegado a cierto punto en La Edad Dorada, Berserk se vuelve más agradable de ver. Los horrores de la guerra aun son constantes, pero no de una forma tan explicita como al principio. Se deja de lado tanto pesimismo y tanta soledad para dejar sitio a la camaradería y al amor. Esto se debe a que en esta etapa Kentarou Miura se concentra en desarrollar a todos los personajes importantes, sobre todo al futuro antagonista. También es el momento en el que surge la idea principal de Berserk: la búsqueda de un sueño.

Desde mi punto de vista un verdadero amigo no se encuentra atado a los sueños de otros. Una persona con el potencial para ser mi amigo debe ser capaz de encontrar su propia razón de vida sin mi ayuda, debe poner su corazón y su alma en proteger su sueño, nunca debe titubear en pelear por ello, incluso si es en mi contra. Para mí, un verdadero amigo es aquel que puede estar en igualdad frente mí en todos estos aspectos.

-Griffith

Con esta idea, Miura presenta un nuevo conflicto interno en el protagonista, ya que prácticamente el único mundo que ha visto ha sido la guerra y no tiene voluntad para hacer nada más allá, pero aún así sale a la búsqueda de su propio sueño para ganarse la amistad de Griffith. En general gracias a esta idea prepara las bases para un punto de inflexión en la historia, no solo porque la dota de un solido argumento o porque haya una gran evolución en los protagonistas, si no porque incluso la ambientación general de todo el manga comienza a cambiar. El realismo torna a fantasía. De una forma bastante sutil comienzan a verse criaturas místicas como trolls o hadas. Además Miura introduce un elemento original suyo: Los apóstoles. Seres humanos con rasgos faciales completamente inhumanos, que poseen una fuerza increíble y la capacidad de transformarse en una grotesca criatura.

Mano de Dios las cosas felices
El Eclipse

Pero esto no se verá con regularidad hasta después del primer gran punto de inflexión en los tomos 12 y 13. Estos números, sobretodo el 13, son gráficamente horribles. No por la calidad de dibujo por supuesto, a estas alturas Miura da un gran cambio como dibujante, si no por su brutalidad. Soy un fanático del gore, tanto en cine, como en música, como en los cómics. Más allá de Destino Final o Saw, he visto una gran cantidad de películas gratuitamente sangrientas, uno de mis grupos de música favoritos es Cannibal Corpse, y hasta he leído Crossed y Caligula, así que podéis confiar en mi criterio cuando digo que, sin exagerar, El Eclipse es la etapa más grotesca y repugnante que he leído jamás en un cómic. Esta etapa no solo dejará traumatizados a los protagonistas, si no que además dejará en shock al lector. A partir de este punto el lector se da cuenta de lo verdaderamente impredecible que puede llegar a ser Kentarou Miura, ya que hasta entonces la trama parecía bastante sencilla y fácil de entender, pero en ese momento cambia prácticamente todo. Se revela un trasfondo místico que deriva claramente de la filosofía del mundo de las ideas. Se muestran a los seres que están fuera de la influencia del destino y fuera del propio universo físico. Estos seres llamados «Mano de Dios» son realmente un misterio, ya que dentro de Berserk se conoce muy poco de ellos. Lo único que se sabe con certeza es que no pueden existir en la dimensión física durante mucho tiempo y cuando están ahí pueden manipularla a su antojo. El punto de vista que tiene Miura de Dios (siendo este la representación de mal y el odio) y la lucha contra un destino literalmente inevitable y contra los que están fuera de dicho destino será algo constante a partir de este punto. Comienza una historia de venganza y redención.

A partir de este momento la historia general se vuelve un poco plana. Directamente gira en torno al protagonista, pero los eventos principales que cambiaran el universo de Berserk giran entorno al antagonista. Toda la Saga del Castigo no tiene influencia directa en el universo, pero sirve para, como no, desarrollar aun más a los protagonistas. Veremos primero una historia muy pesimista sobre unos niños perdidos que se transforman en hadas en las profundidades del Valle Brumoso para luego morir. Esta historia presenta a un Guts con el juicio nublado por los deseos de venganza, que deja de lado por completo a los pocas personas importantes que le quedan. Al final de esta historia se da cuenta de su error e intenta redimirse. Entonces comienza el arco argumental de la Torre de la Condena/Torre del Renacimiento, una historia que muestra a un estereotipo de la Santa Inquisición triplicado en brutalidad. Aquí los deseos de venganza se sustituyen por un instinto de protección. Al igual que la historia anterior, la Torre de la Condena no tiene influencia directa sobre el manga. Por supuesto que la historia es de muy buena calidad; es profunda y entretenida a la vez, pero no posee ningún evento significativo a parte de la resurrección de un personaje clave para la historia.

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la armadura berserker

Después de la Saga del Castigo comienza mi etapa favorita: El Halcón Milenario. (Sí, es un guiño a Star Wars). En esta etapa Kentarou Miura hace de Berserk una lectura más ligera. Comienza a equilibrar la balanza entre la acción y la evolución de los personajes. Como ya hizo con El Eclipse, aquí prepara las bases para el segundo punto de inflexión, pero que en comparación no será un proceso tan corto. La ambientación deja casi por completo su lado realista. Miura introduce a ‘mansalva’ grandes y épicas batallas encabezadas literalmente por ejércitos de monstruos. Transforma a Guts en una fuerza de la naturaleza, su sola existencia se convierte en una paradoja y su furia en combate lo vuelve imparable. Sus emociones, la ira siega, la tristeza, el deseo… comienzan a personificarse. No solo como un concepto, también como una forma física. Incluso acaba obteniendo una armadura maldita. 

La épica historia tiene un desenlace increíble. El segundo punto de inflexión de Berserk volverá a cambiar por completo su ambientación, sacrificando el poco realismo que le quedaba a estas alturas. No puedo evitar ver un poco de influencia de  H.P. Lovecraft en lo que a monstruosidades capaces de ocultar el sol con sus cuerpos se refiere. Un desenlace que, en mi opinión, deja a El Eclipse a la altura de algo completamente natural. Kentarou Miura demuestra una vez más ser un escritor impredecible. De hecho dentro de la comunidad de lectores nadie es capaz de hacerse una idea del posible desenlace del manga.

Falconia las cosas felices

berserk falconia las cosas felices

Kentarou Miura acaba de retomar el manga, pero desgraciadamente la empresa que distribuía Berserk en España quebró. Ahora solo podemos continuar su lectura en ingles o japonés. A menos claro que confiéis en las traducciones hechas por parte de fans. También diré que si alguien quiere exponer sus hipótesis sobre cualquier cosa de Berserk, adelante, estoy encantado de leerlas.

Un saludo, gracias por leer y que seáis felices.

Reseña de Resident Evil Marhawa Desire

En 2012 Resident Evil Marhawa Desire inició su publicación en la revista Weekly Shönen Champion de la editorial Akita Shoten. Con dibujo a cargo de Naoki Serizawa, este título sirve de precuela al videojuego Resident Evil 6. Dicho manga finalizó el año 2013 y consta de un total de cinco tomos recopilatorios, el último de los cuales es el que ésta reseña tratará de analizar detalladamente. Con este volumen, la editorial finaliza la publicación del manga basado en el popular videojuego de Capcom.

Repasando un poco los tomos anteriores, como siempre hace el prólogo de cada tomo, la trama nos lleva a 2012, en una prestigiosa escuela llamada Academia Marhawa, en donde comenzaron a haber indicios de un brote viral muy similar al de Racoon City. Una estudiante había aparecido infectada por razones desconocidas y todo lo relacionado a dichos incidentes fue guardado en silencio por la directora de la academia, la Madre Gracia y sus subordinados. Ella no quería decir nada a sus estudiantes acerca de lo que estaba pasando para no desprestigiar la academia a la cual consideraba un santuario y no quería ver como ese brote causaba su destrucción. Por ésta razón, contactó con el Profesor Doug Wright para que investigara el suceso y éste viajó desde Singapur y llevó consigo a su sobrino Ricky Tozawa. Al poco tiempo, todo se convirtió en un caos absoluto, y la Madre Gracia no quería que la BSAA interviniera y aunque el Profesor Doug intentó contactar con Chris Redfield, no lo logró.

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La BSAA no tenía ningún conocimiento sobre lo que estaba pasando en la academia. Chris Redfield y sus dos compañeros intentaron contactar con Doug Wright en Singapur y gracias a las indagaciones de Merah Biji y Piers Nivans descubrieron que el bueno del profesor estaba en la Academia Marhawa. Como dicha academia está aislada, la única forma de poder contactar con él era visitando la propia academia. Sin embargo, al llegar allí se encontraron con un brote viral y que la academia ya había caído ante la horda de estudiantes convertidos en zombis y entre los cuales también había el Profesor Doug. Allí Chris logró encontrar a Ricky, quien tuvo que matar al zombi del profesor, en cuya cama había una carta de la Madre Gracia en la que ésta informaba de la existencia de un helicóptero destinado para usos de emergencia y le dejó la clave del acceso al heliopuerto.

La acción de este tomo transcurre cuando Chris se enfrenta a Nanan, una alumna convertida en arma biológica de tipo orgánico (BOW). Los tentáculos de Nanan y su gas virulento ponen a Chris en jaque puesto que se enfrenta a un tipo de combate totalmente nuevo. Además, en medio de tan cruento enfrentamiento hace su aparición la causante de la pandemia en la escuela: la mujer de la capucha. La prestigiosa Academia Marhawa es un infierno y solo quedan en ella cuatro supervivientes, Ricky, Chris, Piers y Merah, los cuales intentan escapar de ella en un intento de sobrevivir, tratando de llegar al helicóptero descrito en la carta de la Madre Gracia. Ricky y Chris luchan contra el BOW de Nanan desesperadamente mientras esperan que Piers y Merah acudan en su ayuda. Mientras tanto, la mujer de la capucha continua intentando cumplir su plan, que de momento, tan sólo ella sabe cual es y se interpondrá en el camino de Ricky en el intento desesperado de este de escapar.

Como suele ser usual en los juegos de la saga de Resident Evil, el final de ésta historia se centra en la lucha contra las poderosas BOW’s y la desesperación de los protagonistas por tratar de sobrevivir a situaciones imposibles. No destaca mucho la parte narrativa, sino el combate contra estas armas biológicas, dejando en un segundo plano a los zombies, que aunque son un buen número, ya no son una gran amenaza para los protagonistas. El último tomo de Resident Evil Marhawa Desire puede resultar menos atractivo para alguien no aficionado al tema, pero no obstante, atraerá y mucho a los fieles seguidores de la saga debido a los giros inesperados cerca del final y sobretodo por su epílogo. En éste, conectaremos directamente un poco antes de los acontecimientos de Resident Evil 6, lo cual hace que merezca mucho la pena su lectura y descubramos que la mujer de la capucha no es otra que Carla Radamés, la doble de Ada Wong y con esto entendamos un poco mejor su relación con Chris al principio de la sexta entrega del juego.

En conclusión, un muy buen final para una colección de survival horror que sirve de conexión con el juego y sirve para conocer un poco más no solo a Chris Redfield sino también a su compañero Piers Nivans y la relación que éste guarda con su capitán.

Os dejamos el enlace a la edición de Planeta Cómic

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El cómic de la semana: V de Vendetta

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic, bienvenidos al cómic recomendado de la semana.

No seré yo quien venga a decir algo nuevo sobre una obra del género atemporal como es V de Vendetta. Un clásico del cómic, totalmente imprescindible tanto para los que tenemos el gusto por las viñetas como lo es para aquellos que no comparten nuestros gustos. Nos encontramos en una Gran Bretaña ficticia bajo un régimen fascista, con este punto de partida nos sumergimos en un constante análisis de la sociedad en la que vivimos y como estamos ante una represión constante, de una forma o de otra.

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Su publicación original fue entre 1982 y 1988 (hace más de 30 años ya), primero de la mano de la ya extinta revista Warrior y posteriormente recogió el testigo Vertigo, uno de los sellos de la editorial norteamericana DC Comics. Guionizada por el genial Alan Moore y dibujada por el no menos brillante David Lloyd, estamos ante el que probablemente sea uno de los mejores cómics de la historia. Los que aun no habéis tenido el privilegio de disfrutar de esta lectura que no os eche atrás su edad, o su trazo nada ultimate (sería un grave error), pues estamos ante una novela gráfica completamente atemporal, que sigue representando problemas reales con los que tenemos que lidiar (y más en estos tiempos que corren…), por lo que no ha envecido ni un ápice.

reseña v de vendetta las cosas que nos hacen felices 1Hablamos de Alan Moore quien por méritos propios es una de las leyendas del cómic. Un narrador brillante con varios títulos creados que se han convetido en clásicos del noveno arte (Watchmen, La Broma Asesina…). V de Vendetta no es un cómic más, no es una historia más, en ella nos sumergimos en un mundo oscuro y en momentos claustrofóbico. Todo esto nos obligará, sin darnos cuenta, a una reflexión constante. Moore hace gala de su maestría para conducirnos hasta dónde él quiere. No esperéis de V, el protagonista, todo aquello a lo que estamos acostumbrados los lectores de historias superheróicas, V no es un héroe, al menos no en la forma en lo que cabría considerarlo, es un justiciero, un vigilante y más de uno se atrevería a calificarlo a él y a sus acciones de terrorismo, es probable. Un personaje que, a pesar de eso, en ningún momento nos parecerá el antagonsita de la historia porque siempre hará uso de la libertad y sus ideales como sus principales armas

Un genuino guión que nos hace pensar, creer y soñar que otro mundo es posible. Un mundo en el que las personas de a pie luchen por sus ideales y en el que esas mismas personas no dejarían que gobiernos corruptos los exprimiensen al máximo acumulando cada vez más poder, sin importarles el devenir de su pueblo. Esto lo vemos claramente reflejado en el personaje de Evey, convertida en una metáfora excelente de un pueblo con miedo al cambio, reprimido, por el poder corrompido, y sumisos sin la más mínima intención de levantarse y alzar la voz. V es la chispa que detona todo porque es ahí donde entra la importancia de nuestro enmascarado protagonista: V y sus ideales. Una idea no se puede matar, una idea no tiene rostro, es por eso que el personaje siempre aparece vestido de forma tan teatral y con la máscara de Guy Fawkes (más abajo contaré la historia de esta máscara), que tan popular se ha hecho desde que el grupo Anonymous la acogiera como propia para identificarse. El hombre puede morir, la idea nunca lo hará.

La obra está completamente ilustrada por David Lloyd, como he dicho al principio. Originalmente se concibió en blanco y negro y fue a posteriori cuando se le añadiría color. Es probable que a muchos os parezca que el dibujo es lo que peor ha aguantado el paso de los años, porque mientras que la historia está totalmente de actulidad el dibujo puede parecer de alguna forma desfasado. Pero, para mí, es un encanto más de V de Vendetta y ni por asomo el trazo tiene que suponer una condición a la hora de darle una oportunidad. No os equivoquéis. Lloyd es un maestro.reseña v de vendetta las cosas que nos hacen felices

Volviendo brevemente al tema de la máscara Guy Fawekes. Es un símbolo renovado de revolución, cuya historia se remonta 400 años atrás. Moore, antes de escribir la historia de V, buscó la referencia del conspirador de la pólvora conocido como Guy Fawkes. Este personaje de la historia inglesa intentó llevar a cabo un atentado, muy parecido al que se planea en el cómic, el día 5 de abril de 1605. Fawkes trató de volar la Cámara de los Lores de Londres por la falta de tolerancia religiosa por parte del gobierno inglés, pero fue detenido antes de que se completara su misión. De ahí, Lloyd creó un diseño que se ha convertido en universal. Moore afirmó lo siguiente sobre el poder narrativo de la máscara: «Podríamos mostrar una ilustración del personaje ahí de pie, en silencio y con una expresión que podría ser tanto agradable como despreocupada o incluso siniestra«. Este objeto se ha convertido en un algo icónico de la obra y es icónico de movimientos sociales actuales.

A modo de anecdota me gustaría mencionar la adaptación cinematográfica, que la gran mayoría conoceréis y que se estrenó en 2006, dirigida por James McTeigue, protagonizada por Hugo Weaving (si, si, Elrond o el Agente Smith es la cara que se esconde durante toda la cinta bajo la máscara) y Natalie Portman en el papel de Evey. Esta adaptación, y el trabajo de guión de los hermanos Wachowski fue una completa decepción para Alan Moore quien pidió expresamente que no se le incluyera en los créditos de la película. Como autor de la obra original, en los créditos de la película sólo se lee en nombre de David Lloyd, dibujante.

El cómic los podéis encontrar en el catálogo de la editorial catalana ECC Ediciones, una edición en rústica y bastante económica (que ya está en su sexta edición) y, para los más coleccionistas, una edición Deluxe en cartoné con un importante número de extras, que fue una de las novedades más importantes de este mes de agosto. Para terminar os dejo un resumen de la reseña:

Imprescindible (para cualquiera)

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Un saludo a todos y sed felices

Contra el fundamentalismo friki

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso.

Ha pasado. Otra vez. Una película de DC, ahora la de El Escuadrón Suicida, ha tenido malas críticas. Y ha pasado. Otra vez. Un montón de declarados fans se han lanzado a la yugular de los críticos. Que si hay una conspiración contra DC Comics. Que si los críticos deberían leer cómics. Que si los críticos sólo quieren películas de filósofos afganos jugando al ajedrez con cabras maoístas. Son cosas a las que yo no veo mucho sentido, pero yo qué sé. Pero lo que me ha dado miedo es esto de pedir que cierren páginas web que recogen puntuaciones de críticos que la han puesto realmente mal.

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Yo no he visto la película. Ni ésta ni la de Batman vs Superman. No tengo ni idea de cómo es. Pero, de verdad, da igual. Más que si estas películas son buenas o no, me parece más importante el miedo que da el fundamentalismo friki que veo que va a más.

Stephen King habló de esto mismo en su novela «Misery«, llevada al cine en 1990. Un escritor famoso por sus noveluchas románticas decide matar a la protagonista de dichas novelas, Misery, para ponerse a hacer una novela en condiciones. Cuando la acaba sufre un accidente de coche, pero es rescatado por Annie Wilkes, una fan de sus noveluchas románticas. Todo parece normal, hasta que la rescatadora fan de sus novelas le tiene en su casa preso, sin poder moverse en la cama, hasta que resucite de nuevo a su romántica heroína, llegando a lesionarle de nuevo las piernas si es necesario. La actriz que hacía de Annie Wilkes transmitía fanatismo y horror, esa sensación de que no tendría ningún problema para dormir si lo que hacía lo hacía en nombre de su causa. Ganó el Óscar de forma merecida. King trató en esta novela de terror un tema poco hablado pero clave: cómo el amor (en este caso a un personaje de ficción) puede ser el motor de muchas cosas terribles, entre ellas la destrucción de lo que uno ama. Cuando uno destruye lo que ama ya no puede cambiar de ningún modo. El amor obsesivo consigue su objetivo: lo amado quedará siempre inalterable, puro, sin posibilidad de cambio. Algo puramente de ocio se transforma en algo por lo que hacer daño real a personas.

Annie Wilkes Misery

Hay demasiado de Annie Wilkes en todo lo que se hace llamar «friki». Y no es nuevo. En el mundo del cómic ya lo vivimos. En los años 90 los cómics de Spiderman pasaron por algo llamado «la saga del Clon«. En resumen, se nos dijo que Peter Parker no había sido nunca Spiderman: era un clon del auténtico Spiderman. Era un tal Ben Reilly. Que aquello fue un pufo durante mucho tiempo es un hecho, quiero decir, que las críticas eran más que normales. Pero se fue de madre. Se mandaron amenazas a directivos de Marvel, amenazas de bomba y se mandaron no se sabe cuantas cartas para que un periódico prestigioso de economía, el Wall Street Journal, criticara al cómic (cosa que consiguieron).

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Volvamos al mundo real. Amenazar con bombas a gente que ha cambiado el guión de un personaje de cómic, que no existe en la realidad. Amenazar a gente del mundo real por algo que pasa nada más en unas páginas de papel.

Los tiempos son otros, pero ahora que miles de personas quieran cerrar una página web por que ésta recoge opiniones contrarias a sus gustos da miedo. Da miedo como Annie Wilkes, que no tolera cambios ni críticas de la ficción que ama, hasta el punto de romper piernas. Me da miedo que haya amenazas de bombas y de atentados a gente que simplemente hace crítica de videojuegos, nos guste o no, creamos que se inventa cosas o no.

Amenazas de bomba. Acabar con la libertad de expresión. No por que te mueras de hambre: por un cómic, una película o por que alguien los crítica cuando a ti te gustan mucho. Pensad qué tipo de imagen dan los aficionados a los superhéroes o los videojuegos cuando pasan a estas cosas. Sí, no son la mayoría, lo que queráis, pero hay que poner cordones sanitarios con esa gente rápido: la fama de esta gente se contagia al resto que sólo alabamos o criticamos películas, videojuegos o demás.

Misery momentos de cine

El fanático friki por desgracia no distingue entre dos cosas. Por un lado están las cosas que son buenas. Por otra, las que a uno le gustan. A veces coinciden. A veces no. A mi me encanta Cobra (1986) de Stallone, me la he visto mil veces y me la vería mil más. Pero es mala, amigos. Horrible. Espantosa. Almodóvar tiene películas grandiosas, de verdad, pero no me gusta nada de él. Y mirándolo pienso: qué planos, qué narrativa, qué original…pero no me gusta. Y no pasa nada.

Pero el fanático friki no distingue, porque cree que no hay una realidad objetiva. Cree que la opinión es igual a la realidad: tus gustos, los míos, etc. Y no. Hay películas bien y mal dirigidas, hay buenas y malas interpretaciones, hay argumentos bien hilados y otros que no. Hay una realidad fuera de tu cabeza. Y, luego, está lo que piensas tú de esa realidad. Así es posible disfrutar del fútbol sabiendo que es un mundo podrido, dar botes de alegría con yoyas de Statham sabiendo que cinematográficamente suele hacer ñordos y aburrirse hasta el vómito con «Los niños del coro«. La mayor parte de adultos lo entienden sin ir a ningún curso y sin que nadie se lo explique.

El fanático friki no. La opinión y la verdad es lo mismo. Cualquier opinión que critique a sus objetos amados atenta contra la verdad: que su película-personaje es la última Coca-Cola en el desierto. El fanático friki no disfruta de lo que juega o ve: se lo toma como una guía personal, como algo que le define como persona. Y cuando se critica a la película o al videojuego se le critica a él. Por absurdo que nos parezca defender a capa y espada a multimillonarios haciendo películas, dando patadas a un balón o creando videojuegos, el fanático friki se siente parte esencial de todo esto, porque forma parte de su identidad, de su ser. No lleva medallones de Juego de Tronos, camisetas de Batman o de Neil Gaiman porque le gusten. Lo lleva como símbolo religioso.

El hecho de que cosas frikis estén desde hace tiempo pasando a ser parte esencial de la personalidad de tanta gente está por explicar. Pero es un hecho: ya no es sólo ocio, diversión o fuente de bromas. Para cada vez más gente es una fuente de identificación personal, una en la que la separación entre lo que existe y lo que uno opina deja de existir.

A mi me da miedo. Este tipo de gente emponzoña lo que ama y, como hemos dicho, en el fondo sería feliz con su destrucción y adoración eterna.

Sed felices.

Análisis de iZombie. Temporada 1. Capítulo 12

A falta de un capítulo más para el cierre de la primera temporada, iZombie está más tenso que nunca. Por eso hoy os traemos el análisis del capítulo 12. Para los análisis anteriores, podéis pasaros por aquí.

¿Recordáis a aquel tío de Max Reager que intentó matar a Oli? Ha vuelto de la tumba un par de veces. Y tras un inicio a lo «Se lo que hicisteis el último verano» con adolescentes asesinos y todo, el zombie se carga a la rubia guapa (que siempre es la primera en morir), convirtiéndose así en el cadáver de la semana. Esta vez no hay reto.

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Se lo que hicisteis en el último capítulo

En la escena del crimen, Oli le cuenta a Ravi como Maxi ha descubierto la existencia de los zombies, mientras este se prepara para morir en su búsqueda del apocalipsis zombie. Ya en la morgue, Oli se bebe el cerebro de Kimber para adquirir sus recuerdos. Y tras ver morir a «Esperanza», la rata zombie que parecía curada, a Oli se le pega el espíritu Cheerleader.

Oli se pone en plan adolescente en un interrogatorio, y gracias a eso, Clive descubre donde estuvo Kimber antes que en el coche. Y descubren el grupo de los adolescentes del principio, cuya huida resulta cómica a la par que infructuosa. Oli tiene una visisón, y Maxi el papel de su vida, hacer de inspector de sanidad en el garito de Blaine.

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Noche de chicas

En una inesperada noche de chicas, Oli y Peyton reconectan. Y animada por el buen rollo de su mente animadora, Oli va con Clive a ver al grupo, pero alguien se les ha adelantado y se ha cargado a Nate (el guitarrista). Dos noticias: Esperanza esta viva, y Clive ahora come cerebros, por error, pero los come.

Clive sospecha que el resto del grupo mató a Nate, auqnue Oli tiene otras sospechas. Maxi, por otro lado, quiere saber como matar zombies. Y Blaine busca la remesa de cerebro de astronauta y se entera de que el «inspector de sanidad» no es tal; parece que Maxi está en problemas, y no solo por Blaine, si no también por la compra de armas ilegales en el maletero de uno.

Con el cerebro de Nate, la porrera Oli va a hablar con Clive. Y no es la única, por que la batería del grupo también se pasa por allí. La chica confiesa todo, pero Clive no se lo cree y Oli está muy fumada. Tras la visita del dibujante, la batería recbe un mensaje poco tranquilizador del último miembro que queda en el grupo.

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Atentos a esta…

Cuando a la morgue llega otro asesinato por zombie, Oli deja al porrero para volver a la animadora. Pero a pesar de la positividad, no puede evitar sentirse culpable por haber creado al zombie que la mató. No quiero pensar como se va a poner cuando se entere de que dicho zombie está rondando a Peyton.

Resulta que a Sebastian (el nuevo zombie del corral) no le ha sentado muy bien su conversión, menos aún después de verse obligado a comerse a su tía favorita. Tras un momento pelea zombie total, Peyton ve a Oli en su máximo zombilismo. A Peyton no le sienta bien la verdad.

Con el asesino en una bolsa camino del depósito, Ravi intenta arreglar la situación emocional de Oli. La guitarrista ha ido a encontrarse con el otro miembro del grupo en un hotel y suponemos que pasa algo malo… tan malo como que Blaine y su compinche tengan a Maxi encerrado en el congelador y justo en ese momento aparezca el hermano de Oli a empezar a trabajar…

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Pobrecillo

En este clima de tensión nos quedamos, nos veremos en el último capítulo de la temporada, hasta entonces, sed felices.

Joker y Harley Quinn: Los Bonnie and Clyde de la ficción

Con el reciente estreno de la película Escuadrón Suicida está en alza la relación amorosa y delictiva que mantienen los carismáticos y dementes personajes Joker y Harley Quinn. Joker no necesita ninguna presentación siendo para mí el villano más interesante del mundo de los cómics pero por si alguien no sabe el origen de su relación con Harley reseñar que se conocieron en uno de sus confinamientos en la cárcel de Arkham. Allí fue asignado a los cuidados de la psiquiatra Harleen Quinzel. Esta joven doctora, que destacara como brillante gimnasta en su época de estudiante, empezará a sentir una profunda admiración por el Joker, admiración que desembocará en un amor entregado que será la chispa para que Harlenn Quinzel quede enterrada para siempre y en su lugar aparezca Harley Quinn ( nombre compuesto mediante una combinación de la palabra Arlequín ). Juntos han delinquido por todo el universo DC no dejando títere con cabeza, cimentando su amor en la violencia y el crimen dirigiéndose inexorablemente hacia un final que todos aventuramos. Pero este dúo ya tuvo su reflejo en la vida real. Joker y Harley, como si de la imagen de un holograma proyectado se tratara a través de la cuarta pared, recuerdan nítidamente a la pareja de criminales Bonnie y Clyde que asolaran Estados Unidos en los años treinta.

Joker Las cosas que nos hacen felices

Bonnie Parker y Clyde Barrow fueron declarados enemigos públicos en Estados Unidos entre 1931 y 1934, años en los que se hicieron notablemente famosos tanto por sus crímenes como por el amor incondicional que se profesaban el uno al otro. Se les contabilizan hasta diez víctimas mortales a lo largo de su periplo por tierras americanas en la que no faltaron los atracos a Bancos y comercios menores bañados de numerosas fugas al volante con las balas de la policía silbando a su alrededor. En uno de sus escondites cayó en sus manos una cámara fotográfica que usaron para retratarse con sus armas de fuego y dando muestras del amor que los unía. Dichas imágenes serían divulgadas por todo el país haciendo a los criminales terriblemente famosos. Como veis el camino no puede ser más paralelo al del Joker y Harley. Incluso el nombre de la cárcel donde Clyde había estado confinado algún tiempo, Eastham,  guarda cierta similitud con el del asilo de  Arkham de Gotham.

Bonnie Las cosas que nos hacen felices

En mayo de 1934 en Louisiana no existía ningún Batman que vigilara las calles pero sí se contrató a un Ranger y Caza Recompensas retirado llamado Hamer que se lanzó tras su pista y no descansaría hasta lograr abatirlos. Contando con la traición de Methvin, un miembro de la banda, Hamer y sus hombres prepararon una emboscada a los dos enamorados cuando conducían por la carretera en su Ford V8. Se contaron 167 agujeros de bala en el coche propinados por Hamer y el batallón de policías que le acompañaban. De esta manera encontraron su final esta pareja de criminales cuyo amor sólo pudo ser separado por la muerte. ¿ Viviremos un desenlace similar en los cómics o en el cine con el Joker y Harley Quinn ? Si ocurre, al menos por un espacio de tiempo los héroes de DC bajarán un poco ya que ya sabéis lo que se dice: ¨Se nos mide por la envergadura de nuestros enemigo ¨ Y sin duda esta pareja agranda a Batman y compañía. Adoro sumergirme en el mundo de ficción que tanta buena gente ha creado para nosotros pero no dejéis de mirar de reojo a la realidad y a la Historia que nos saluda desde el retrovisor. Si entrelazáis estos dos universos el vuestro propio será cimentado con unos muros que os mantendrán firmes hasta el final de los tiempos.

Bonnie and Clyde Las cosas que nos hacen felices

Un abrazo a todos.

Reseña de Detective Conan

Muchos conocemos Detective Conan como aquellos dibujos de nuestra infancia, sobre todo los que nacimos en los años 90. Y es que es un manga que comenzó a publicarse en 1994 y que, aún hoy, sigue sin un final a la vista.

Para los que no lo conozcan, aquí va una breve explicación. Shinichi Kudo es un detective juvenil, el mejor de Japón. Durante la resolución de un caso, unos hombres vestidos de negro le envenenan y el joven se transforma en un niño. A partir de entonces, bajo el nombre de Conan Edogawa, seguirá resolviendo casos utilizando al inepto detective Kogoro Mouri, el padre de su novia Ran, que no sospecha que Conan es Shinichi.

Bajo este pretexto, la trama se mueve entre los casos procedimentales y la trama transversal, esa lucha entre Conan y la Sociedad de los Hombres de Negro.

Aunque Detective Conan homenajea especialmente a Sherlock Holmes (Conan viene de Arthur Conan Doyle, autor de las historias del famoso detective británico), la resolución de los casos recuerda más a la estructura whodunit: esto es, la presentación de varios sospechosos y múltiples pistas para que el lector pueda resolver el caso antes de que el propio detective lo haga. Esta variante de la novela policíaca no es propia de las historias de Conan Doyle, si no de autores como Agatha Christie (Asesinato en el Orient Express).

Planeta lleva un tiempo publicando las aventuras de detective Conan en volúmenes que contienen varios casos. Están dibujados y coloreados al estilo japonés: en blanco y negro. La estructura no es continuada: cada capítulo es un caso, salvo aquellos más importantes o más largos que se dividen en varios capítulos. Este formato facilita la lectura. Son tomos cómodos de llevar, ideales para una lectura rápida en cualquier momento.

Detective conan es un manga recomendable para todo aficionado al misterio, por su capacidad para sorprender al lector una y otra vez con los casos que se presentan y por la definición de sus personajes, especialmente el torpe detective Mouri. Además, cualquiera puede leerlo. Pese a tratarse de un cómic de intriga y asesinatos, el tono con el que está tratado los hace adecuados para cualquier edad. Los niños no solo lo disfrutarían, si no que también se mostrarían interesados por la novela policíaca clásica, que no está nada mal teniendo en  cuenta estos tiempos en los que todo el mundo coge el móvil y pocos son los que tienen a mano un libro.

Aquí tenéis el enlace de Planeta, donde podéis acceder a cualquiera de los volúmenes en venta actualmente:

Volúmenes de Detective Conan

 

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SINOPSIS DE PLANETA:

Shinichi Kudo está atrapado en el cuerpo de un niño de seis años, aunque su mente es la de un brillante adolescente. Para evitar ser descubierto, Shinichi mezcla el nombre de dos autores de novela negra popular (Ranpo Edogawa y Sir Arthur Conan Doyle) y adopta la personalidad de Conan Edogawa.

Bajo dicho álter ego destapará, uno tras otro, los casos más difíciles, dejando a sus contrapartidas adultas a la altura del betún.

Un saludo y sed felices

Análisis de Outcast. Temporada 1. Episodio 9

Llegamos a final de temporada la semana que viene con un final de capítulo estremecedor. Muchas ganas de ver como acaba la historia de Barnes y compañía en una serie donde ha imperado los altibajos. Aunque yo me quedo con un buen sabor de boca a la espera del episodio final. Como siempre, recapitulamos y al lío.

Análisis de la serie Outcast. Temporada 1

Por fin la trama de Megan se ha puesto interesante, aunque ella no lo hubiese querido así. Ha sido la protagonista final en una trama que marcará un antes y un después en el devenir de nuestros protagonistas.

Quien sigue en esa espiral de autodestrucción infinita es Anderson que no para de lanzarse al cuello de su enemigo. Es curioso como el Reverendo se ha labrado un Némesis en Sidney. Hoy le ha dicho a Kyle que le encantaría tener su “don”. Se ve que al Reverendo le va la marcha. Sería un buen Constantine y es que a pesar de que no me gusta como procede ya que va desbocado, creo en su lucha y en todos los sacrificios que está dispuesto a realizar por sus vecinos. Hoy sin ir más lejos ha perdido a Patricia al enfrentarse al hijo de ella, que está confraternizando con el mismísimo diablo.

El Sheriff Giles ha sido un personaje que poco a poco ha ido ganando protagonismo, si no le ocurre nada en el último episodio podremos tener aquí en este personaje un gran aliado en la lucha contra el mal. Hoy anteponiendo el deber a la amistad ha echado del pueblo, con buenas formas eso si, a su amigo Ogden y su mujer Kat, la cual como recordareis, está poseída. Ella no pone pega alguna a abandonar el pueblo, pero Sidney la abordará a la salida, en una gasolinera y la conmina a seguir con él, ofreciéndole una misión a la que Ogden enamoradito hasta los huesos se sumará. Mala pinta y es que afirman que si el Reverendo o el Sheriff se entrometen acabarán con ellos.

Cartel Promocional
Cartel Promocional

¿Y Allison? Desapareció tras dejar a Amber con su padre. Cogió las maletas y marchó en medio de la noche. Desde entonces Kyle anda buscándola y la encuentra. Ella se fue a un psiquiátrico por su propio pie y allí se encuentra bajo fuertes fármacos. Ha decidido sacrificar su vida en pos de la de su hija. Kyle va a visitarla pero desgraciadamente poco puede hacer y es que ella ya tiene claro que se va a quedar allí para salvar a Amber.

El pobre Kyle vuelve a casa pero no hay descanso y es que recibe la visita de Anderson, que acaba de pelearse con el hijo de Patricia. Solo le queda la lucha contra el mal por lo que recurre a Barnes. Y llega en el mejor momento, kyle recibe una llamada de Amber que aterrada por teléfono le cuenta a su padre que a Megan le acaba de ocurrir lo mismo que a mama. Lo hemos visto, Megan poseída ha matado a Mark y se dirige a la habitación de las pequeñas. ¿Llegarán el Reverendo y Kyle a tiempo de salvar a las niñas?

Mark descubre a Megan poseída en el comic
Mark descubre a Megan poseída en el comic

Finalmente el círculo se ha cerrado y todas las mujeres que están en el círculo de Kyle (a excepción de Amber, o eso creemos) han sido poseídas. La madre, Allison y Megan.  Aun nos quedan muchas incógnitas por resolver pero creo que el capítulo final de la primera temporada nos va a dejar con ganas de más. Un saludo y nos vemos en los comentarios.