En 1958, año de su estreno, la película Vértigo no tuvo apoyo del público (no fue un éxito comercial) ni de los críticos, que la definían como lenta, compleja y demasiado larga. Durante la década de los 70, debido al interés por la figura del director, tuvo un resurgimiento, ayudado en los años 80 por su vuelta a los cines para alegría de los espectadores. Esa fue la razón por la que hoy en día Vértigo ha pasado de ser una incomprendida a icono de su director, Sir Alfred Hitchcock. En este artículo analizaremos la importancia de una de las mejores películas de la historia del cine.
Qué nos cuenta Vértigo
La película sigue la figura de John «Scottie» Ferguson (James Stewart), un detective retirado de la policía de San Francisco al que un amigo, Gavin Elster (Tom Helmore) contrata para que siga a su mujer Madeleine (Kim Novak), de quien le cuenta que tiene tendencias suicidas. Scottie la sigue por toda la ciudad e incluso la salva cuando cae a la bahía de San Francisco. Pero lo que comienza como un simple trabajo derivará en obsesión de Scottie por Madeleine.
Razones para recomendaros Vértigo
Son varios los aspectos que podemos destacar de esta producción. Comenzando por el guion de Alec Coppel y Samuel A. Taylor basado en la obra literaria de Pierre Boileau y Thomas Narcejac de nombre D’entre les morts (De entre los muertos), siguiendo por la banda sonora de Bernard Herrmann (habitual colaborador del director), la fotografía de Robert Burks o la propia dirección del director británico, Vértigo fue, es y será algo especial. Seguramente como la mayoría de productos salidos del talento excepcional que su director atesoraba.
Estamos ante un thriller psicológico que ahonda en las obsesiones de nuestro personaje protagonista, Scottie, mientras gracias a los planos que construye Hitchcock nos obliga a convertirnos en cómplices de todo. Abundan los enfoques subjetivos desde la perspectiva del personaje del detective. En la siguiente sección vamos a desgranar los diferentes aspectos que la hacen especial.
Fotografía, música, guion, interpretaciones, y demás virtudes de Vértigo
El guion sería una de las armas más útiles para convencer al público de que estamos ante un muy buen trabajo cinematográfico. Ese giro argumental que tenemos en el momento en que desaparece de la trama Madeleine para luego emerger Judy nos da más información de la que en principio creíamos. De hecho, uno de los temas más determinantes de la película no es la obsesión de Scottie por la figura (no física inicialmente) de Madeleine, sino más bien por la imagen tan inalcanzable que representa al principio. Luego trata de reproducir esa obsesión en Judy con el resultado ya sabido para quien la haya visto con anterioridad.
La parte visual tiene mucha relevancia en esta película y el trabajo de Burks lo pone de manifiesto. El uso del efecto «Dolly Zoom» en las escenas donde tenemos que mostrar el problema del vértigo en el personaje de Scottie es simplemente brillante, por no nombrar el uso de los colores para reflejar los distintos estados de ánimo. Ese verde para plasmar la escena en que Scottie ve a Judy transformada en Madeleine al salir del baño, como si un espectro fuera, es de una brillantez sin parangón. El verde conecta la vida y la muerte.
Luego tenemos la espiral, la cual aparece en diferentes momentos del filme: en los créditos del inicio, en el moño de la propia Madeleine, en el tronco del árbol, en la escalera del campanario. Ese efecto está colocado en esos momentos para plasmar la obsesión y el estado físico del protagonista, a la vez que del propio espectador que se convierte en cómplice de los acontecimientos. El efecto «Dolly Zoom» que se utiliza en varias de las escenas de esta película nos permiten ver el estado mental del protagonista y sus problemas con la altura.
El hecho de que Hitchcock nos muestre la historia a través de la mirada de Scottie (Stewart) y nos convierta en cómplices de sus obsesiones y traumas por Madeleine/Judy ayuda mucho a la comprensión de hasta qué punto su situación personal nos sirve de motor para el filme. La música de Bernard Herrmann es otro de los puntos destacables y nos tendríamos que hacer la pregunta de cuándo algo por él compuesto no lo haya sido en una producción del maestro del suspense.
Los leitmotivs que Herrmann usa para los distintos personajes son magníficos, mostrándonos incluso sus estados anímicos, en tanto que análisis hechos por especialistas nos avanzan que la estructura tonal de la música sigue la evolución psicológica del protagonista. El montaje de la propia película nos lleva por los distintos estados mentales del personaje de Scottie, desde una cierta fluidez en escenas como cuando sigue a Madeleine por la ciudad, a cortes más abruptos que demuestran su estado mental quebrado, por ejemplo en la escena de su pesadilla.
Cómo fue recibida y a quién se la recomendamos
En la época en que fue estrenada, 1958, algunos críticos la encontraron demasiado compleja, lenta, lo que resultó en reseñas mixtas. Tampoco fue un gran éxito de taquilla por lo que en ese tiempo fue vista como una obra menor del director ya que recaudó mucho menos que el presupuesto de la producción. Es un ejemplo claro de película adelantada a su tiempo, no comprendida por muchos en ese momento, pero que pasados los años, gracias a gente como Cahiers du Cinema y proyecciones en los años 80 la han llevado al lugar que le corresponde, a ser considerada como una de las mejores películas de la historia del séptimo arte.
¿A quién se la podemos recomendar? Primeramente a quien quiera revivir la película si ya la hubiera visto hace tiempo porque es una experiencia extraordinaria cada vez que la puedes visionar. Cómo no, a quien no la haya visto nunca y quiera descubrir una película que se adelantó a su tiempo y sigue siendo una influencia viva para muchos directores. Y claro, a los fans del maestro del suspense como quien os escribe estas líneas, incondicional del director británico desde mi juventud. Descubrir su cine ha sido una de las mejores cosas que me han pasado como amante del séptimo arte.
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