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Camino a la Sentencia final: Análisis de Misión Imposible 2 (2000)

Tras veintinueve años y siete películas, la saga Misión Imposible terminará este 2025 con Sentencia final, dando por cerrada una de las sagas más consistentes del cine comercial americano de las últimas décadas. Es más, no sería descabellado afirmar que, tal vez, Misión Imposible sea la mejor saga de la historia del cine. Al fin y al cabo, si nos fijamos en alguna que otra franquicia, veremos que hay películas de toda clase. Le pasa a Star Wars, a El señor de los anillos (ay, esa trilogía de El Hobbit), a Indiana Jones, James Bond o Jason Bourne. Ninguna de estas cuenta con la consistencia de una saga que, incluso cuando ha buscado el riesgo, ha acertado de pleno.

Nuestro retroanálisis de Misión Imposible (1996).

Nuestro retroanálisis de Misión Imposible 2 (2000).

Las películas de Misión imposible ordenadas de peor a mejor

Camino a la Sentencia Final: Análisis de Misión Imposible (1996)

Por ello, en Las cosas que nos hacen felices, voy a repasar, paso a paso, el camino que nos lleva hasta la última gran misión de un Tom Cruise que, a sus 63 años, se sigue atreviendo a todo con su personaje más icónico. Y en este viaje nos daremos cuenta de los vaivenes de la saga, adaptándose a los distintos modelos del cine de acción de los últimos 30 años.

Comenzamos.

El camino a la Sentencia final: análisis de todas las películas de Misión Imposible

LA OVEJA NEGRA DE LA SAGA

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Comúnmente situamos a Misión Imposible 2 como la oveja negra. Como una película diferente a todo lo que habíamos visto antes y después en la saga. Y, encima, mala. Hablamos de una película que tiene un 4,8 en Filmaffinity, por poner un ejemplo.

Y no puedo estar más en desacuerdo.

Así que este segundo paso en el camino hacia Misión imposible: Sentencia final no será una crítica, sino una defensa, una oda a una película extremadamente infravalorada y que, en muchos aspectos, es incluso superior a la primera entrega de la saga. Pero vayamos por partes en este intento de defender, pero también de comprender por qué se critica Misión Imposible 2.

Tras el éxito de la primera entrega, era segura la producción de una secuela. Se eligió a Oliver Stone (otro director prestigioso y con un estilo definido) para escribir un borrador del guion porque, de forma oficial, Tom Cruise quería que cada película tuviera un director y, por tanto, un sello autoral distinto. De forma extraoficial, Cruise no congenió con Brian De Palma y no quiso repetir con él.

Sin embargo, Stone abandonó el proyecto cuando Cruise aceptó la propuesta irrechazable de Stanley Kubrick y su Eyes Wide Shut, que mantendría al actor apartado de la secuela dos años más de lo previsto.

Finalmente, el director escogido para suceder a De Palma fue John Woo, artífice del cine de acción hongkonés de los años 80 y principios de los 90 que había aterrizado en Hollywood con gran éxito. Era la época en la que triunfaba el cine de artes marciales, con rostros como Jackie Chan o Jet Li. Y Cruise quiso incorporar ese tono a una franquicia, la de Misión Imposible, que todavía no tenía ninguna seña de identidad asentada.

Crítica de Noche de paz, la última película de John Woo

El resultado, tan dicotómico como el hecho de que Misión Imposible 2 es una película a la que se odia o se ama. Fue destrozada por crítica y público, pero se convirtió en la película más taquillera del 2000. Vamos, que recaudó más que todo un mito fílmico como Gladiator o que la pionera X-men.

Aún así, por poco se carga la saga y frenó la progresión de Dougray Scott, al que Hugh Jackman siempre le dará las gracias por rechazar el papel de Lobezno para ser el villano de esta película, y la de Thandiwe Newton, que tuvo que esperar más de 15 años, hasta el estreno de Westworld, para volver a la primera línea cinematográfica.

En definitiva, veinticinco años después, Misión Imposible 2 sigue siendo la película más polémica de la saga y esto tiene que ver tanto en lo que supuso a la misma como al sello autoral de John Woo.

MISIÓN IMPOSIBLE 2: LA MÁS JOHN WOO

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Si algo no se le puede achacar al director hongkonés es no ser fiel a su estilo. De hecho, Misión Imposible 2 es la película más Woo de toda su etapa americana.

Es decir, si a algo se parece la película es a las obras más icónicas del cineasta en su etapa hongkonesa. Tanto The killer como Una bala en la cabeza o Hard Boiled destacan por su combinación entre el género del melodrama (con sus relaciones, pasiones y reacciones desproporcionadas) y la violenta acción coreografiada a cámara lenta. En este sentido, sus americanas Blanco humano y Cara a cara atenúan algo esa parte melodramática sin perder lo desquiciado de sus argumentos ni lo increíble de las coreografías de sus escenas de acción.

Llegamos a Misión Imposible 2, donde Woo recibió el beneplácito de Tom Cruise para hacer lo que quisiese, lo que supuso una mezcla descontrolada de melodrama y acción.

En lo que respecta al melodrama, esa historia contada como si fuera la más grande de la vida, jamás hemos visto en la saga una historia de amor más intensa (y olvidada) que la de Tom Cruise y Thandiwe Newton en esta película. Un enamoramiento que se instaura en una mirada fijada mientras dos coches chocan como si fuera un baile de flamenco. Que prosigue con una entrega al mayor enemigo y, a la vez, interés amoroso de la figura femenina y que continúa en un mar de pasiones que se sangran por los poros. Pocas veces hemos visto a Tom Cruise más sobreactuado, pero su personaje (de hecho, todos los personajes) lo requiere.

Y llegamos a la acción. Aquí Ethan Hunt no es un espía inteligente que hace lo que puede por sobrevivir. Aquí es un invulnerable James Bond que jamás se equivoca y cuyas habilidades para el combate son tan superheroicas como imposibles. A nadie se le ocurre noquear a un guardia con una patada en voltereta, pero que bien queda en esta película. Tanto como que las palomas anuncien la llegada del protagonista. Menos mal que no necesitaba mucho sigilo en esta película.

En todo caso, por muy distintas e imposibles que sean, estamos ante las secuencias de acción más estilizadas y coreografiadas de toda la saga. Solo hay que ver la persecución a base de duelos de motos del final de la película.

MISIÓN IMPOSIBLE 2: LA MENOS MISIÓN IMPOSIBLE

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Ahora puede costar entenderlo, pero en el año 2000 no se sabía cuáles iban a ser las señas de identidad de la saga. En este sentido, Misión Imposible 2 cambia las reglas del juego con respecto a la anterior. No solo por el cambio de estilo, sino por las diferencias narrativas probablemente impuestas por un Tom Cruise en su época vital más endiosada.

Lo más llamativo es que esta es la película de la saga en la que se diluye la importancia del equipo. Aquí repite Ving Rhames en un papel mucho menor al de la primera película y un actor del que nadie se acuerda como el que pilota el helicóptero.

Vamos, que todo lo que no sea el triángulo amoroso entre protagonista, villano y figura femenina son meras comparsas para mayor gloria de Tom Cruise.

Hasta el jefe de la FMI aparece poquito, con el rostro de un Anthony Hopkins que se quedó a gusto entre su crítica a las costumbres españolas, representada en una mezcla entre Semana Santa y Fallas, y su comentario sobre las mujeres y su capacidad innata para engañar y acostarse con otros hombres. Se nota que eran otros tiempos.

LA ESCENA

Podría referirme al impactante inicio de la escalada sin seguridad o la persecución final, pero me quedo con un Ethan Hunt infiltrándose para buscar a Nyah y decirle que se tiene que quedar más tiempo junto al villano para luego revelarse que es el propio villano en la enésima vez en la película en la que se hacen juego de máscaras. Dado el carácter extremo e imprevisible del villano Dougray Scott, esta es de las escenas más sorprendentes, por aterradora, de la saga.

EN DEFINITIVA

Misión Imposible 2 no es perfecta y ha sido superada por otras películas de la saga. Pero no es una mala película. De hecho, es la reformulación perfecta del cine de acción hongkonés de los años 80 al cine comercial americano de finales de los 90. Es poco creíble, fantástica y reniega de las bases de la primera película, pero también debería premiarse ese riesgo. Es cierto que las siguientes películas de la saga aciertan al apostar por una continuidad, por un insistir en lo que funciona bien y eliminar lo que mal, pero valoro la pasión de Misión Imposible 2, lo extremo de los sentimientos que se muestran y lo espectacular de sus escenas de acción.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

 

¡Mazinger! ¡Puños Fuera! Jesús Romero y Dolmen Editorial nos presentan un interesante libro a través de Verkami. Fecha límite: 1 de junio de 2025.

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Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos una nueva iniciativa de Dolmen Editorial, que nos presenta su proyecto a través de Verkami: ¡Mazinger! ¡Puños Fuera!

¡Mazinger! ¡Puños Fuera! Dolmen Editorial y Verkami

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Mazinger Z es uno de los personajes más importantes de la cultura pop, a nivel mundial. Tenemos camisetas, imágenes en tazas de desayuno, mochilas y estuches, figuras de acción y diferentes tipos de merchandising.

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Este libro ha sido escrito por Jesús Romero y explora la adaptación del manga de Go Nagai a la serie de animación que nos cautivó cuando éramos niños.

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La serie de animación de Mazinger Z, se estrenó en España en 1978. Posteriormente, hubo varias reposiciones en las televisiones autonómicas.

Este libro de Jesús Romero, nos presenta la historia del anime, de los cambios que se realizaron con respecto a la serie manga original y de las modificaciones que sufrió la serie, antes de su comercialización a nivel internacional.

El autor nos descubre escenas censuradas, diferentes versiones de la serie, merchandising original proveniente de Japón …

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Es importante recordaros que tenemos hasta el próximo 1 de junio de 2025, para poder colaborar en la consecución de este interesantísimo proyecto.

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Un acercamiento a los hechos y circunstancias del momento de la conversión del manga en serie de animación.
Una mirada sobre el impacto de su llegada a Occidente, a través de un recorrido por múltiples documentos de todo tipo de la época de su estreno en TVE.
Un recorrido por la multiplicidad artística, con imágenes e ilustraciones inéditas.
Un repaso a la evolución del personaje, desde su concepción hasta sus reinvenciones modernas»

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Os invito a adentraros en el proyecto, disfrutadlo, adquirirlo y sobre todo os deseo una cosa …

¡Sed Felices!

Camino a la Sentencia final: Análisis de Misión Imposible (1996)

Tras veintinueve años y siete películas, la saga Misión Imposible terminará este 2025 con Sentencia final, dando por cerrada una de las sagas más consistentes del cine comercial americano de las últimas décadas. Es más, no sería descabellado afirmar que, tal vez, Misión Imposible sea la mejor saga de la historia del cine. Al menos en lo que a regularidad se refiere.

Al fin y al cabo, si nos fijamos en alguna que otra franquicia, veremos que casi todas cuentan con películas fallidas. Le pasa a Star Wars, a El señor de los anillos (si incluimos la trilogía del Hobbit), a Indiana Jones, James Bond o Jason Bourne. Ninguna de estas cuenta con la consistencia de una saga que, incluso cuando ha buscado el riesgo, ha acertado de pleno.


EN CF: LAS PELÍCULAS DE MISIÓN IMPOSIBLE ORDENADAS DE PEOR A MEJOR


Por ello, en Las cosas que nos hacen felices, voy a repasar, paso a paso, el camino que nos lleva hasta la última gran misión de un Tom Cruise que, a sus 63 años, se sigue atreviendo a todo con su personaje más icónico. Y en este viaje nos daremos cuenta de los vaivenes de la saga, adaptándose a los distintos modelos del cine de acción de los últimos 30 años.

Comenzamos.

El camino a la Sentencia final: análisis de todas las películas de Misión Imposible

HACER POSIBLE LA MISIÓN IMPOSIBLE

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A fecha de 2025, Tom Cruise es la mayor estrella del cine comercial hollywoodiense y máximo baluarte de la defensa de la pantalla grande por encima del streaming. Y, para sorpresa de nadie, también lo era en los años 90, cuando formaba con Nicole Kidman una de las parejas de moda en Hollywood y rodaba éxitos como Algunos hombres buenos o La tapadera. Incluso salió más que airoso con su papel de villano en Entrevista con el vampiro, pese a que los fanáticos de la novela original no aprobaban su escaso parecido físico con el vampiro Lestat.

En la cima de su éxito y diez años después de Top Gun, la película que le encumbró a un estrellato del que no se ha vuelto bajar, Cruise decide montar una productora y, para su primera película, se fija en una serie de televisión que idolatraba en su infancia: Misión imposible.

Aunque costó encontrar una historia que contentara a todos, la película salió adelante bajo la dirección de Brian de Palma (director de El precio del poder o Atrapado por su pasado, entre otras) y el guión de David Koepp (Parque Jurásico, las Spiderman de Sam Raimi) y Robert Towne, autor del considerado por muchos como el mejor guión de la historia, el de Chinatown, el noir de Roman Polanski.

UNA ENREVESADA TRAMA DE ESPIONAJE.

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EN CF: AQUI TENÉIS EL RETRO-ANÁLISIS DE ESTA ENTREGA DE MISIÓN IMPOSIBLE


Si algo le ha caracterizado a Brian de Palma, más allá de sus películas de mafiosos, es su predilección por Alfred Hitchcock, que queda palpable en esta Misión Imposible, una película llena de enredos desde su primera escena.

Y es que, a diferencia de futuras entregas de la saga, la primera película de Misión Imposible es la que tiene menos acción de ellas, separada en tres set pieces (la misión en Praga, la infiltración en la sede de la CIA y el tren bala) y con mucho suspense de por medio.

De hecho, tal vez demasiado suspense, porque hay momentos en la película en el que es fácil perderse entre tanto agente doble y tanta maniobra de distracción por parte del Ethan Hunt más espía de la saga.

Los 21 mejores espías de la historia del cine

Porque, aunque Cruise ya hacía sus escenas de riesgo sin dobles, no tiene la entrega física que veremos en películas posteriores. Eran otros tiempos. 

Eso no impidió que buscara el mayor realismo posible en la escena del tren bala (la más impersonal y peor de las set pieces de la película), exponiéndose a una máquina que creaba viento a 140 millas por hora, pese a que toda la escena se rodó en estudio.

Como buena película de Cruise, y más siendo la primera, él es el principal protagonista y vehículo de la trama, aunque otorga cierto peso a algunos sus compañeros de equipo, destacando un veterano Jon Voight como mentor, Emmanuelle Beart como un desdibujado interés amoroso, Jean Reno post León el profesional y un Ving Rhames que se convirtió en seña de identidad de la saga, siendo el único actor, junto a Cruise, que aparece en todas las películas.

Todos ellos aportan su granito de arena y mantienen parcialmente la esencia de la serie en la que se basa: espías que trabajan juntos para conseguir algo que, de otro modo, no se podría conseguir. Ocurre en la fallida misión en Praga, en una escena que muestra el buen manejo de Brian de Palma con el suspense, y, por supuesto, en la que sigue siendo la escena más conocida de la saga, la obtención de la lista NOC en la sede de la CIA en Langley.

LA ESCENA

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La infiltración del nuevo equipo de Hunt en la sede de la CIA es la cumbre narrativa de la película y la muestra de que, por mucho realismo que se imprima a una escena, no hay nada como una buena planificación de cámara para crear una tensión extrema.

Prueba de ello es que, por muchas e impresionantes escenas de acción (que ya comentaremos) que cuenta la saga, ninguna tiene la mítica de ver a Cruise colgado boca abajo y evitando que una gota de sudor alcance el suelo.

EN RESUMEN

Misión Imposible es una de las mejores muestras del cine comercial de los 90. Un entretenimiento increíble (para bien y para mal) que se veía algo lastrado por la búsqueda de continuos giros de guión y por un clímax que se alargaba demasiado y terminaba por agotar. Por suerte o por desgracia, la película es demasiado deudora de la tensión que genera su escena intermedia y eso es muy difícil de remontar. Ni aún siendo el Madrid, aunque ahora mismo no estamos para tirar cohetes.

La película fue un taquillazo, la tercera que más recaudó en 1996, solo por detrás de Independence Day y Twisters. Además, es una de las películas más conocidas de su actor y cuenta con una de las escenas más famosas de la historia del cine.  Todo un éxito que conduciría a proyectar una secuela, pero eso es asunto del próximo artículo de este camino a la Sentencia final.

Mision Imposible

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‘The Last of Us’ | Temporada 2. Episodio 6: De padres e hijos

Este sexto capítulo de ‘The Last of Us’ nos va a hacer regresar al pasado, a esos años perdidos entre Joel y Ellie antes de la muerte del primero.  Una cosa tengo muy clara de este penúltimo episodio y es que va a dividir a los fans y jugadores del videojuego ya que se enfrenta a ciertos momentos del título de Naughty Dog que todos los que lo hemos jugado amamos.

Esta serie no es ‘Los Serrano’ así que lo que vimos al final del capítulo anterior no invalida nada de lo sucedido: Joel está muerto y hay que decirlo sin paños calientes para quienes se aproximen a esta ficción sin conocimiento sobre el videojuego.

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Aquí se va a sufrir, como lo hicimos quienes sostuvimos el mando de la PS4, con recuerdos de la vida de Ellie y Joel antes del arranque de la trama de esta segunda temporada. Si es duro, como espectador, continuar la historia sin Joel, más doloroso es recordarlo y ver esos momentos tan especiales que pasó junto al personaje de Bella Ramsey.

La ficción de HBO ha realizado cambios con respecto al título original, eso era algo que nos podíamos imaginar, aunque lo está haciendo de una manera muy inteligente y cariñosa. La controversia va a estar con la duración de la escena del museo.

En el videojuego, (como jugador) tienes todo el tiempo de mundo para llegar hasta el museo, un tiempo en el que disfrutas de la relación paternofilial entre ambos. Disfrutando cada fósil de dinosaurio, haciendo bromas con un sombrero fedora que nos recordará a cierto arqueólogo cinematográfico y el clímax con la cápsula espacial.

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EN CF: AQUI TENÉIS TODOS LOS CAPÍTULOS ANTERIORES RESEÑADOS EN NUESTRA WEB


Como el capítulo de ‘The Last of Us’ no puede tener una duración de tres horas, pues se ha reducido drásticamente esa escena para centrarse en ese momento dentro de la cápsula con la cinta de cassette del Apollo 11 y que toda la carga emocional recaiga ahí.

Aquí es donde estará ‘la madre del cordero’ ya que habrá muchos a los que les parezca insuficiente el tiempo que se le ha dedicado (y lo entiendo) y me he sentido así, pero creo que era necesario acortar para poder introducir el resto de escenas igual de importantes.

Necesitaba hace tiempo ver como Joel, con todo su cariño, modificaba la guitarra de Ellie, que viésemos ese momento entre ella y Kat del que se habló en el videojuego y el origen del tatuaje.

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Además, la ficción ha introducido dos escenas que no se encontraban en el videojuego, que harán que el espectador conozca aún más al personaje de Pedro Pascal.  Y quiero hablar de ellas porque son muy importantes (bajo mi punto de vista)

La primera es una conversación entre Joel y su padre en 1983, cuando solo era un adolescente, una charla que nos planta la semilla del carácter, la relación entre él y Tommy y lo que harían el uno por el otro. Aunque es cierto que puede parecer que es una escena para exculpar a Joel y que la culpa recaiga sobre una niñez difícil con un padre muy estricto.

Todos hemos escuchado hablar de Eugene, de su amor por el cultivo de hierbas de la risa y su muerte y aquí, por fin, lo conocemos en carne y hueso. Lo que ocurre en ese bosque es el punto que quiebre de la relación entre Ellie y Joel y lo que desencadena las desavenencias entre ambos.

Pero lo más importante de esa escena es ver las contradicciones por las que navega Joel, ya que puso su amor por Ellie por delante del bien mundial, pero no permite que Eugene vea a su esposa antes de convertirse por no poner en peligro a la comunidad.  Ese egoísmo y ese secreto es lo que ha matado la relación con ella.

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Por ello es comprensible, cuando descubre (por lo ojos) que Joel le ha mentido, que estalle cuando el personaje de Pascal cuenta una versión diferente de lo ocurrido con Eugene.

Todos estos recuerdos (y más que aparecen en el videojuego) son la base para que el espectador sepa cómo se ha ido rompiendo esa relación por culpa de una mentira y cómo eso va a carcomer por dentro de a Ellie.

Conclusión

‘The Last of Us’ sigue siendo una serie espectacular y una adaptación casi perfecta que le ha sabido tomar el pulso al título de Naughty Dog para expandirlo y entregarnos algo de lo que se hablará mucho tiempo.

El mayor reproche que se le puede echar a este sexto episodio es la duración del recuerdo del museo que es un momento que todo fan ama y al que se le tiene un cariño muy especial.

Pedro Pascal está de ’10’ y su interpretación es memorable, tanto en ese momento en el porche como en el bosque, el actor ha demostrado que está donde está por méritos propios. ¡Que Joel más espectacular no ha dejado!

No sé cómo acabará la temporada, ya que dudo que lo haga igual que la etapa de Ellie en el videojuego, no hay tiempo en el último capítulo para lo que falta por contar, pero ya lo descubriremos el lunes que viene.

Aquí os dejo la promo del séptimo episodio de ‘The Last of Us’.

Si estás perdido en la oscuridad, busca la luz.

Misión Imposible: Sentencia final (2025) El final de una leyenda

Después de dos años de espera, finalmente llega la conclusión de una de las sagas de acción más importantes de la historia, poniendo fin a la participación de Tom Cruise en el papel de Ethan Hunt junto al director Christopher McQuarrie, quien, en un último intento desesperado, tratará de salvar el mundo, incluso si eso significa arriesgar su propia vida y la de todos aquellos que ama.

La historia nos sitúa unos meses después del final de la última entrega. Aunque Ethan logró hacerse con la llave que permite acceder al código de la Entidad, aún desconoce la ubicación exacta del submarino que lo contiene. Mientras tanto, la Entidad ha tomado el control de la red global, sumiendo a todos los países en el caos y amenazando con acceder al arsenal nuclear mundial. Esto obliga a Ethan Hunt y su equipo a embarcarse en una carrera contrarreloj para evitar el estallido de una guerra nuclear y salvar el mundo.

Lo que no funciona

El punto más débil de la cinta se encuentra, principalmente, en su inicio, ya que puede percibirse como demasiado apresurado. Se presentan numerosas tramas de forma rápida, mostrando sus comienzos de manera casi atropellada. Además, el arranque se ve lastrado por su propia sobreexplicación, ya que incluye múltiples flashbacks de películas anteriores de la saga. Si bien esto podría ser útil al tratarse de una franquicia de casi 30 años, llega un momento en que se vuelve excesivamente repetitivo.

A esto se suma otro aspecto negativo: el uso del fan service. Se recuperan tramas y personajes de películas anteriores únicamente para evocar la nostalgia del espectador. Muchos de estos momentos se extienden más de lo necesario y, aunque resulta agradable recordar ciertos pasajes de la franquicia, algunos parecen fuera de lugar y no contribuyen al desarrollo de la historia, generando la sensación de ser tiempo desperdiciado.

Misión Imposible: Sentencia final ya tiene su veredicto en Rotten Tomatoes, por debajo de su predecesora

La historia

La historia es uno de los grandes aciertos de la película. Aunque mantiene la misma estructura que las entregas anteriores donde Ethan debe recuperar algo para evitar la destrucción de un lugar o del mundo, se siente fresca. Al centrarse en los peligros de la inteligencia artificial, se convierte en una carrera contrarreloj en la que absolutamente todos están en peligro. Esta vez, no se trata solo de Ethan, su equipo o Estados Unidos, sino que el mundo entero está en riesgo y parece no haber forma de detener la amenaza, dejando toda la responsabilidad en manos de Ethan.

La película también presenta nuevas tramas relacionadas con los compañeros de Ethan. Aunque ya conocemos a la mayoría, se introducen nuevos integrantes, y aquellos que ya son familiares se desarrollan aún más, permitiendo comprender mejor su relación con Ethan y el motivo por el que son su apoyo constante. Esto añade un peso emotivo mayor a la historia.

Otro acierto es la reintroducción de ciertos elementos de entregas anteriores, lo que otorga un mayor impacto a las acciones de Ethan. Vemos las consecuencias de sus decisiones y cómo, cada vez que ha puesto en riesgo al mundo, esas acciones han dejado huella, afectando lugares y personas que jamás imaginó.

El punto más fuerte de la historia es la constante sensación de peligro. En esta ocasión, Ethan no cuenta con el respaldo de nadie más que su equipo, y está siendo perseguido por todos los gobiernos del mundo, ya que es el único capaz de encontrar el submarino. Esto crea una atmósfera de amenaza continua, donde la misión podría fracasar en cualquier momento, ya sea por Ethan o por sus amigos, como Benji (Simon Pegg), Luther (Ving Rhames) o Grace (Hayley Atwell) .

La película también muestra las perspectivas de diversos mandatarios de Estados Unidos, dejándonos ver su desesperación ante la posible amenaza nuclear. No solo se menciona el miedo, sino que lo experimentamos directamente.

Aunque el villano Gabriel(Esai Morales) queda algo opacado, pues la historia misma lo sobrepasa, esto no disminuye la tensión por la posible destrucción del mundo. La prioridad se centra en La Entidad, una amenaza omnipresente que convierte cada lugar en un posible peligro, haciendo que nunca se pueda estar realmente a salvo.

Tom Cruise comparte un angustioso vídeo de la escena de 'Misión imposible: Sentencia final' en la que casi muere asfixiado - Vandal Random

Ethan Hunt es una leyenda 

A lo largo de la saga, hemos visto a Ethan salvar al mundo en innumerables ocasiones, y en cada una de ellas descubrimos qué es lo que realmente lo hace único. No es el mejor espía ni el mejor tirador; su verdadera fortaleza radica en su humanidad. A lo largo de las películas, entendemos que el valor de Ethan no se mide por sus habilidades, sino por su moralidad: siempre intenta salvar a todos y siempre pone por delante a quienes ama. Esto se enfatiza aún más en esta entrega, donde comprendemos por qué Ethan es el único que puede salvar al mundo y por qué sus amigos lo siguen de manera incondicional.

Ethan no es solo un agente secreto. No posee la elegancia ni la astucia de James Bond, ni es un súper agente invencible. Es un punto intermedio: sabemos que es de lo mejor en su campo, pero también que es vulnerable. En esta película, arriesga la vida de millones por el simple hecho de seguir sus ideales. Y eso es lo que nos atrapa de él: su tenacidad, su lucha constante por lo que considera justo y el hecho de que nunca pierde su humanidad.

Miembro de audiencia de prueba casi sufre un paro por una secuencia de acción de 'Misión Imposible 8'

La acción y el suspenso

Sin duda alguna, lo que convierte a esta saga en un referente icónico es su acción, y esta película no es una excepción. De hecho, podría ser una de las mejores en cuanto a escenas de acción se refiere. Cada secuencia está increíblemente bien coordinada: se siente cada golpe, cada disparo. No están ahí solo para emocionar, sino para destacar la maestría de las coreografías, la decisión de evitar efectos especiales digitales y el compromiso de poner la vida de los actores en riesgo en favor de un mejor resultado.

Tom Cruise ha hecho de todo en esta saga: se ha colgado de un avión en pleno vuelo, ha escalado las ventanas del edificio más alto del mundo, ha saltado desde un precipicio en motocicleta para luego lanzarse en paracaídas. Y, aun así, esta película no decepciona.

Cuenta con dos grandes secuencias que destacan por encima del resto. La primera ocurre bajo el mar, una escena que mantiene al espectador en constante tensión. El suspenso está perfectamente logrado, ya que vemos todo lo que está en riesgo y las posibles consecuencias si no se cumple el objetivo. Esta secuencia es una maravilla: nunca se vuelve aburrida, aumenta su intensidad de forma progresiva y mantiene al espectador al borde del asiento. Además, está magníficamente rodada y cuenta con una fotografía impresionante.

La segunda gran secuencia tiene lugar en el aire, la misma que se ha utilizado para promocionar la película, y es simplemente espectacular. La combinación de epicidad y tensión se percibe en todo momento, lo que permite disfrutarla plenamente. Se siente como la última gran hazaña de nuestro agente, y el esfuerzo de Tom Cruise es evidente, ya que él mismo realizó la escena sin recurrir a dobles de acción.

Misión imposible: Sentencia final hace que el mundo tema a Tom Cruise con su último tráiler

El final de Misión imposible 

Misión Imposible pasará a la historia como una de las mejores sagas de acción de todos los tiempos. Es una serie que, de principio a fin, resulta emocionante y nunca se siente repetitiva. A lo largo de sus ocho películas, ha logrado mantener un estándar de calidad constante. Salvo la segunda entrega, todas las demás destacan por su capacidad para mantener al espectador al filo del asiento, transmitiendo una sensación de tensión constante y una acción que se vive como si ocurriera en carne propia.

Misión Imposible representa aquello a lo que toda película de acción debería aspirar. Si el objetivo no es la excelencia técnica, sino ofrecer un espectáculo inolvidable, entonces debe dar lo mejor de lo mejor. Aunque la saga no se caracteriza por una técnica cinematográfica revolucionaria, su verdadero mérito radica en la espectacularidad de sus escenas y en su capacidad para superarse en cada entrega. Es el ejemplo perfecto de lo que debe ser una megaproducción.

Pom Klementieff revela detalles de Misión: Imposible Sentencia Mortal Parte 2

En conclusión, Misión Imposible: Sentencia Final es una gran película. Aunque no sea la mejor de la saga, sigue siendo una experiencia impresionante, especialmente en una sala de cine. Verla en la gran pantalla realza su impacto y convierte cada secuencia en una experiencia envolvente. La película, con sus altos y bajos, encapsula lo mejor del cine de acción y cierra una saga que, durante casi 30 años, ha sido un referente en el género. Con esta entrega, Tom Cruise se despide de su icónico personaje de Ethan Hunt, quien llega al final de su camino como una verdadera leyenda.

Pueden encontrar nuestras opiniones de otras peliculas de la saga:

Crítica de Misión Imposible: Sentencia Mortal – parte 1

Retro-Análisis | Misión Imposible (1996): Espionaje, traiciones y escenas míticas

Retro-Análisis | Misión Imposible 2 (2000): Quimeras, palomas y cámara lenta

Crítica de Misión Imposible Fallout, cumbre de acción del año

Las películas de Misión Imposible ordenadas de peor a mejor

Retro-Análisis: El Hombre Elefante (1980), de David Lynch. Lo que nos hace humanos

Hoy hacemos repaso de El Hombre Elefante, segundo largometraje dirigido por David Lynch y con John Hurt y Anthony Hopkins en los papeles estelares.

Cuando acabamos de visionar esta película de inicios de los años 80, no podemos dejar de preguntarnos (al menos yo lo hago): ¿Qué cosas nos definen como humanos? ¿Qué cosas nos hacen ser humanos? No creo que la respuesta  se pueda simplemente explicar desde el punto de vista de la biología, sino que es más compleja de responder. Así es El Hombre Elefante, de David Lynch, una obra maestra de inicios de la década de los 80.

De dónde viene la historia aquí contada por David Lynch

La historia relatada por el director estadounidense viene como muchas otras veces de la realidad e incluso había inspirado antes una obra teatral escrita por Bernard Pomerance . El caso de Joseph Merrick, una persona con una deformidad causada por una enfermedad llamada neurofibromatosis que le causaba ser rechazado por la sociedad de su tiempo, la Inglaterra victoriana del siglo XIX. Posiblemente también sufría el síndrome de Proteus.

La película explora temas como la dignidad humana, la compasión (encarnada por el personaje de Anthony Hopkins) o la crueldad de una sociedad que no acepta la diferencia y que de hecho la teme y rechaza.

Aspectos que la convierten en una película de culto

Actuaciones

No se puede hablar en este apartado de alguien por encima de John Hurt. Él encarna de manera magistral al personaje central de la historia, John Merrick, con un gran sentido de la humanidad. Su enfoque del mismo hace que su actuación brille de manera mágica, incluso sin poder verle físicamente dado el inmenso maquillaje que usa y que le ayudó seguramente a confeccionar una actuación digna de premio. Eso sí, las siete horas que debía «sufrir» cada día para su transformación en Merrick mellaron su animo en más de una ocasión.

Anthony Hopkins representa la bondad y generosidad de las que somos capaces los humanos. Su personaje, Frederick Treves, es el doctor que trata por todos los medios de mejorar la vida de su paciente, incluso al principio en contra de la opinión de la institución en la que trabaja. El propio doctor (por informes que aún existen en la actualidad ) tenía la dualidad del interés de su profesión en un paciente, unido a la de una persona que intenta dar un trato humano a una persona que raramente en su vida fue tratado como tal.

Otras actuaciones a destacar son las de Anne Bancroft como Mrs.Kendal, una artista que sabrá ver los dones que Merrick esconde bajo su físico, y de John Gielgud como Carr Gomm, director del hospital donde John pasa sus últimos años de vida.

Joseph Merrick

Los temas que la película nos presenta

Una de las cosas más importantes que nos da esta película de David Lynch es la oportunidad de hacernos preguntas. Nos permite incluso cuestionarnos si en caso de encontrarnos con un caso parecido a nuestro alrededor en nuestro día a día, optaríamos por parecernos al doctor Treves, tratando de ayudar, o si por el contrario seríamos más como varios personajes que nos son presentados a lo largo del filme y que tratan a nuestro protagonista con burla, desprecio, temor e indiferencia . O, quién sabe, quizás estaríamos en un término a medio camino de todo.

La frase que el propio Merrick dice en una escena del filme, «No soy un elefante, no soy un animal. ¡¡Soy un ser humano!!» , nos da el primer tema a debatir: la dignidad frente a la deformidad. El saber qué es más importante, si lo que nos define como seres humanos o la superficialidad de nuestro aspecto exterior. Otro tema importante es la compasión, centrada a mi parecer en el personaje de Anthony Hopkins.

El doctor Treves comienza su historia con Merrick teniendo interés en su caso por temas médicos (¿notoriedad?, ¿curiosidad?) y acaba siendo una persona con la cual tendrá una relación de amistad próxima. Será una de las piezas más importantes para que el paciente tenga unos años de felicidad después de sufrir lo indecible a lo largo de su vida.

Otro de los temas aquí destacables es el viaje vital de Merrick para que los demás le acepten tal como es. Desde el inicio, donde le vemos siendo poca cosa más que una atracción de circo ambulante a manos de un despiadado propietario del show con las facciones de un maravilloso Freddie Jones (Dune, Krull, Firefox: El arma definitiva) hasta llegar, hacia el final de la película, al momento en que es aplaudido en el teatro por los espectadores que le dan el trato humano que tanto ansía. Camino identitario y en cierta manera de redención.

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Y para terminar este apartado, podríamos nombrar el tema de la explotación de un ser humano por parte, en este caso, tanto de la gente corriente que lo mantiene como un espectáculo y como algo grotesco, como de la alta sociedad de la época que trata de ayudarle para sentirse mejor ellos mismos . Unos que lo explotan por dinero (el propietario del circo) y otros que esconden su curiosidad detrás de una supuesta caridad. Realmente, y aún siendo otra época, seguimos más de un siglo después maniatados por ese tipo de debate entre los sentimientos de empatía y la curiosidad morbosa.

Aspectos técnicos para destacar

El uso del blanco y negro para resaltar ciertos aspectos de la historia, la tristeza que vive el personaje central, el retrato de la época en que transcurre la película y los contrastes entre luz y sombra, belleza y fealdad, humanidad y crueldad.  Vemos en la parte visual trazos del cine impresionista alemán como sombras alargadas y calles húmedas que dan sensación de suciedad.

Todo eso nos ayuda a una sensación de melancolía y opresión. Tiene un ritmo lento y contemplativo (por parte nuestra como espectadores), cosa que ayuda en diferentes escenas a poder sentir incomodidad, empatía o lástima por lo que vemos en pantalla. A veces un silencio nos cuenta más que un diálogo.

La fotografía que utiliza David Lynch en esta película busca captar las emociones de los personajes en cuanto ven a Merrick de cerca. Juega con muchos primeros planos, ya no del protagonista, sino de quienes le rodean, especialmente en momentos en que el protagonista interactúa con personas (la escena donde toma té con una pareja de clase alta) o, por ejemplo, cuando recita (recordemos cuando Treves le presenta a Carr Gomm en la buhardilla en la cual le colocan en el hospital).

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Para acabar con los aspectos que la hacen especial, no podíamos dejarnos sin nombrar el apartado musical, en manos aquí de John Morris, quien compone una partitura delicada, triste, y elegante. Se usa el silencio y el sonido ambiental (los engranajes del reloj por nombrar uno) para acentuar el aislamiento en el que se encuentra Merrick.

Pero si algo destaca en este apartado es la pieza «Adagio for strings» de Samuel Barber, llena de melancolía y que aquí Lynch utiliza de manera más que magistral, siendo inevitable el nudo en la garganta que provoca la mezcla de esa música con la escena que se representa en pantalla.

A quién le podemos recomendar El hombre elefante

Podemos recomendar esta película a quien quiera descubrir los inicios de David Lynch, a quien le pueda interesar un cine del director menos surrealista que el que nos tiene acostumbrados. También a las generaciones actuales para que reflexionen con los temas que el filme toca y aprendan que existen muchas buenas cualidades como la empatía y que vale la pena reflexionar sobre los valores que nuestro protagonista exhibe.  Asimismo, la podemos recomendar a todos los fans de David Lynch o de alguno de los actores protagonistas, como John Hurt o Anthony Hopkins. En general, para todos los que amamos el cine en mayúsculas.

La cinta, por otra parte, fue nominada por la Academia de Hollywood a ocho premios Oscar (misma cantidad que ese año tuviera Toro Salvaje, de Martin Scorsese), incluyendo los de mejor película, mejor director y mejor actor, pero no consiguió llevarse ninguno.

A lo largo del artículo os hemos dejado enlaces a los diferentes protagonistas de esta historia para que os intereséis  por ellos y aquí abajo os dejo de igual modo enlaces a distintos artículos de nuestra página referidos a otras películas de David Lynch.

Dune

Terciopelo Azul

Mulholland Drive 

 

 

 

El cómic de la semana: Los Sacrificadores 2

Bienvenidos a la sección de los amantes del cómic, aunque hoy sea lunes. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Los Sacrificadores 2.

Ya está disponible en España de la mano de Norma el segundo volumen de Los Sacrificadores, la epopeya fantástica en la que Rick Remender y Max Fiumara crean un maravilloso mundo en el que los dioses garantizan a sus súbditos el bienestar previo pago de unos sacrificios de los que nadie sabe muy bien cual es destino.

Reseña de Los Sacrificadores. Fantasía y crítica social de la mano del mejor Rick Remender

Los Sacrificadores 2

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El resumen de la editorial es el siguiente: El trauma de Paloma, generado por los abusos sufridos en su infancia, se convierte en ira descontrolada contra un mundo que nunca lo protegió, y ahora cuenta con la fuerza para expresar su rabia de un modo que no puede ser ignorada. La riqueza y el amor con los que creció Soluna no la prepararon para su caída en desgracia y la pérdida de control sobre su vida. De estas dos historias vitales divergentes un nuevo mundo tomará forma, y nacerá un nuevo dios.

El primer volumen de la serie sirvió a los autores para presentar un universo fantástico maravilloso e imaginativo, en el que la idea de que los mortales deben estar sometidos a los dioses era el centro de la historia. Una vez que las piezas ya están puestas en su lugar toca ir avanzando en la trama. Paloma, el sacrificio protagonista de la historia, ha logrado sobrevivir a su cruel destino a la vez que se ha encontrado sin comerlo ni beberlo con un enorme poder que le eleva más allá de su posición mortal. Por otro lado tenemos a la pobre Soluna, hija de los dioses más grandes del panteón de este universo, que ha caído en desgracia perdiendo sus dones.

Sin olvidar el hecho importante de que Luna ha abandonado sus obligaciones, haciendo que el caos se apodere del mundo sin su presencia, lo que que las mareas se descontrolen causando una enorme destrucción.

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A lo largo de las páginas vamos a ir viendo cómo evolucionan estos dos personajes, pasando Paloma de ser un donnadie, a un poderosísimo ser que no puede dejar atrás su pasado y cuyos traumas van a hacer que su destino sea el de poner fin al reinado de los dioses. El primero en encontrarse con él será Aquatica, dios de los mares y al que Paloma considera responsable de la muerte de su familia. El enfrentamiento entre dios y sacrificio es espectacular, lleno de sangre y violencia, y permite conocer el enorme poder que Paloma tiene a su disposición. Y lo que está dispuesto a hacer con él dando rienda suelta a la rabia acumulada por una vida de sufrimiento.

Mientras, Soluna toma consciencia de lo privilegiada que era su vida en palacio y lo dura que puede ser cuando queda perdida en el mundo sin sus poderes. Como decía su madre, es a través del dolor, tomando constancia de todo lo que ha perdido, cuando podrá darse cuenta del tipo de persona que es. Menos mal que encuentra una familiar ayuda por el camino, aunque también es cierto que la oscuridad acecha en su interior de una forma de la que ella misma ni es consciente.

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Remender logra equilibrar estas dos historias de manera perfecta a la vez que profundiza en el rico universo que está creando. La narración no es tan lenta como en el primer volumen, después de todo ya conocemos el escenario y los personajes. Se deja un tanto de lado la intriga palaciega que tan bien casa con la idea de este gran panteón de dioses. Hay pequeños apuntes que nos indican las tensiones que hay entre las deidades, pero en esta ocasión el guionista está mucho más interesado en hacer crecer a los protagonistas. El único pequeño lunar que se le puede poder es que hay muy poca mención al “traidor” a los dioses cuyas acciones acabaron dando los poderes a Paloma. Solo aparece al final y queda un tanto desdibujado. Esperemos que esta trama cobre más importancia en el siguiente volumen.

La crítica social a la que Remender nos tiene acostumbrados tiene aquí menor incidencia una vez que el escritor se despachó a gusto contra la religión en el primer libro. Pero no deja de estar presente, por ejemplo, a la hora de presentar la situación de los refugiados por el desastre de las mareas.

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En el apartado gráfico, Max Fiumara se ocupa de los tres primeros capítulos y sigue en la línea del libro anterior. Su dibujo es magnífico, grandilocuente y con una imaginación desbordante a la hora de diseñar personajes y escenarios. Aunque como le pasaba en el primer volumen, su narrativa en las escenas de acción sigue siendo confusa, como podemos ver en este caso en el combate entre Paloma y Aquatica. Los otros dos capítulos corren a cargo de André Lima Araújo, que elige un estilo similar al de Fiumara, no tan espectacular, pero ganando en claridad narrativa. El color de Dave McCaig sirve a la vez para hacer que el dibujo brille aun más y para dar homogeneidad al apartado artístico.

En cuanto a la edición de Norma, tenemos un libro en tapa blanda de 125 páginas que recoge los números 7-11 de la serie original que corresponden al segundo arco argumental de la misma. Los únicos extras que incluyen son una pequeña galería de portadas y algunos diseños de personajes, además de una breve semblanza de los autores. El precio de venta es de 21 euros.

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En resumen, este segundo volumen de Los Sacrificadores certifica que estamos ante una de las mejores series del momento. El universo tan rico y maravillo que Remender presentó en el primer libro crece de manera orgánica gracias a la evolución de los dos protagonistas de la historia, llevando la trama por un camino que se torna más y más emocionante a cada página y que deja al lector con ganas de más.

Crítica de Cuando nadie nos ve. Un thriller que mezcla con acierto el sabor americano y el español

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Ya están disponibles en Max los ocho episodios de los que consta Cuando nadie nos ve, thriller que es una adaptación de la novela homónima de Sergio Sarria. El creador de la serie es Daniel Corpas, mientras que el encargado de su dirección es Enrique Urbizu, responsable de títulos tan interesantes como No habrá paz para los malvados o Gigantes.

Cuando nadie nos ve

La serie trascurre con la Semana Santa como telón de fondo, en el pequeño pueblo de Morón de la Frontera, situado en el interior de Andalucía, junto a la base aérea del ejército de Estados Unidos. La sargento de la Guardia Civil, Lucía Gutiérrez (Maribel Verdú) trabaja en la investigación del extraño suicidio de uno de los vecinos de la localidad y busca una posible relación con una serie de sucesos ocurridos durante la primera procesión de Semana Santa. Por otro lado, la agente especial de la policía militar del ejército de Estados Unidos, Magaly Castillo (Mariela Garriga) llega a la base para investigar la misteriosa desaparición de un solado americano, aunque también tiene un encargo secreto que no puede comentar con nadie. Pronto las dos mujeres empiezan a colaborar al sospechar que ambos casos podrían estar relacionados. Mientras, en el pueblo ha empezado a circular una nueva droga que está poniendo patas arriba la vida de sus vecinos.

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La sargento de la Lucía Gutiérrez y la agente Magaly Castillo

Cuando nadie nos ve sigue las reglas clásicas de los thrillers modernos en los que sus protagonistas soportan estoicamente la dureza de su trabajo como investigadores con una dura vida personal. El personaje interpretado por Maribel Verdú recuerda mucho al de Kate Winslet de otro gran éxito HBO, Mare of Easttown. Ambas son mujeres duras que sacan adelante solas a sus familias y que cargan con un pasado traumático que, aunque lo intentan no logran dejar atrás. Esto sirve para dotar de mayor profundidad a los personajes a la vez que permite a los responsables ahondar en temas que van más allá de la típica investigación criminal.

La gracia de la serie que nos ocupa es tanto su marco temporal, la Semana Santa, como su escenario, donde se mezclan de manera muy acertada la Andalucía más profunda con el genuino sabor americano de la base militar. Sin olvidar el toque exótico que le confiere que la víctima del suicidio que investiga la Sargento Gutiérrez era un fanático de la cultura japonesa (de hecho, se mata haciéndose un seppuku, un suicidio ritual nipón). La mezcla de todos estos elementos funciona muy bien y da un sabor especial a la historia, logrando los responsables ir equilibrando todos los elementos de una manera orgánica.

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La Semana Santa es una obligación para los altos cargos

La serie va presentando varias tramas a lo largo de sus ocho capítulos haciendo que las cosas se compliquen poco a poco al añadirse la desaparición de un joven que parecía tener alguna relación con el hombre que se suicidó, la investigación real de la agente Castillo y una trama de corrupción entre personas importantes de la localidad que puede estar relacionada tanto con la droga nueva que hay en Morón como con lo que sucede en la base entre bastidores.

El problema es que al final es muy complicado unir todo de una manera coherente y hacer que todo acabe formando parte de una historia conjunta sin fisuras. La investigación del asunto de drogas que llevan un par de agentes de la guardia civil (uno de ellos interpretado por un Dani Rovira muy alejado de sus papeles cómicos de siempre) queda un poco desligada de la trama general que es la que da fuerza a la serie, sobre todo cuando la investigación de las dos protagonistas acabe confluyendo de la manera menos esperada.

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Dani Rovira en el rodaje de la serie

La labor de los actores es muy encomiable y todos están a buen nivel, aunque la estrella de la función no es otra que Maribel Verdú. La actriz brilla cada vez que aparece en pantalla, luciéndose con un personaje que tiene muchas aristas y al que logra dar un carisma que ayuda mucho a mantener el interés de la serie.

En cuanto al apartado técnico, se nota que Max ha mimado esta producción ya que luce de maravilla. Además, rodar en exteriores en Morón de la Frontera da una autenticidad a la serie que es de agradecer, sobre todo en las escenas que tienen como marco las procesiones de Semana Santa.

En resumen, Cuando nadie nos ve es un thriller que gustará a los aficionados al género. Aunque a veces abarca demasiadas cosas, el guion funciona y la investigación del crimen principal va de menos a más logrando mantener el interés del espectador. Por otro lado, la mezcla entre lo español y lo americano que los responsables logran trasmitir da un sabor especial a la serie y hacen que sea mucho más interesante, presentando una propuesta original sin olvidar las reglas básicas del thriller.

Análisis de Andor. Temporada 2. Segunda parte y final de temporada (capítulos 7 a 12)

Bienvenidos, una vez más, a Andor. Su primera temporada fue un éxito que no se esperaba casi nadie. Un spin off de un personaje secundario de Rogue One y, por tanto, una historia con final conocido.

Nuestro análisis de todos los capítulos de Andor.

Crítica de Rogue One positiva y negativa. 

Sin embargo, la primera temporada ha sido lo mejor que ha parido Disney desde la adquisición de Lucas Arts, seguido muy de cerca por las dos primeras temporadas de The Mandalorian.

Análisis de la miniserie Obi Wan Kenobi

Análisis de la primera temporada de Ahsoka

Análisis de la primera temporada de The Acolyte

Análisis de Tripulación perdida

Ahora es el turno de saber si la segunda temporada estará a la altura de lo que vimos en la primera. Comenzamos.

TERCER ARCO: SÍ, STAR WARS PUEDE SER POLÍTICA.

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Arrancamos con una primigenia Alianza Rebelde asentada en Yavin, procurando crecer poco a poco sin llamar la atención del Imperio Galáctico. Allí encontramos a Cassian y Bix, pero Luthen Rael, ajeno a la Alianza y empeñado en seguir prendiendo la llama de la rebelión por toda la Galaxia, vuelve a requerir los servicios de Andor para acabar con Deedra, la única funcionaria del Imperio que ha perseguido con determinación al Eje desde el principio de la serie.

Esta se encuentra en Ghorman, el planeta donde el Imperio está extrayendo sus recursos y, para justificarlo, ha modificado la opinión pública sobre el planeta, convirtiéndoles en desencantados con el régimen galáctico. Incluso han estado detrás del mismísimo movimiento de revolución ghormano.

Aunque se ha alabado la metáfora política que encierra Andor, no es la primera vez que Star Wars se pone política. Ahí tenemos la manipulación de Palpatine en la siempre infravalorada La venganza de los Sith. Crear un enemigo común contra el que solo se puede luchar con control. Como bien dice Padme Amidala:

“Así muerte la libertad. Con un estruendoso aplauso”.

Star Wars: una historia de amor, dinero y odio

Así, en una galaxia muy, muy lejana vemos como el poder manipula a las masas a través de los medios de comunicación y como son capaces de eliminar cualquier obstáculo con tal de conseguir los recursos de un territorio.

Aunque ese obstáculo sean seres humanos inocentes.

La escena de la manifestación de Ghorman es una de las más devastadoras no ya de la serie, sino de todo Star Wars. El imperio se inventa un conflicto que justifique la matanza. Incluso Syril, un fanático del Imperio, se horroriza ante la iniciativa del régimen al que pertenece. Acabará muerto por la mano del líder ghormano al que él mismo traicionó.

La masacre de Ghorman desata un terremoto político que lleva a Mon Mothma, hasta entonces inmersa en conflictos familiares que no han aportado nada a la serie, a tomar la iniciativa y hablar en el Senado contra Palpatine. Andor se encargará de sacarla de Coruscant, nuevamente gracias a la ayuda de Luthen.

CUARTO ARCO: SE PREPARA EL TERRENO PARA ROGUE ONE.

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Al contrario de lo que se pudiera pensar, el final de Andor está alejado de estridencias propias de otras series de Star Wars. Lo que, por otro lado, comulga con el espíritu de Rogue One, aquella atípica película bélica que pregonaba que el universo creado por George Lucas podía dar cabida a cualquier género.

No esperéis apariciones especiales o fan service. No aparece Palpatine o Darth Vader. Como mucho, algunos de los personajes de Rogue One. Sobre todo, el villano y el androide.

Aquí, el guionista y creador Gilroy tiende puentes hacia la película.

Es el mal de toda precuela, el que la evolución de un personaje dependa de lo que va a ocurrir en una obra previa. Por eso, en estos últimos tres capítulos se centra en dar un final a aquellos que no vimos en Rogue One.

La excusa argumental de este arco es que, finalmente, Deedra ha descubierto a Luthen. Su aprendiz, con la que el falso comerciante prendió la chispa de lo que ahora es la Alianza rebelde, le deja morir a la vez que contacta con Yavin para informar de que el Plan energético del Imperio galáctico realmente esconde la construcción de la Estrella de la muerte, un arma capaz de destruir planetas y que supondría el dominio definitivo del Imperio Galáctico.

EN DEFINITIVA

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La primera temporada de Andor fue la mejor sorpresa de este nuevo universo de Star Wars. La mejor serie de cuantas se han realizado y un ejemplo modélico de thriller de espionaje con el inicio de la rebelión contra el Imperio como telón de fondo.

Desgraciadamente, aunque notable, la segunda temporada no alcanza el nivel de la primera por varios motivos.

El primero es que, aunque se ha mantenido la estructura de dividir la temporada en cuatro subtramas, estas mantienen unidad temática pero no diferencia de tono. Ni rastro de las distintas misiones de Andor con carismáticos personajes secundarios. Aquí nos centramos más en tender un puente claro con la mayor losa de la serie: Rogue One. Una película que gustó a muchos (no me incluyo entre ellos) y que lastra a la serie en su intento de tener que centrarse en dar un digno final a aquellos que no aparecen en la película y una continuidad a los que sí.

El segundo es que, al querer dividir cada subtrama en años distintos previos a la rebelión, nos perdemos gran cantidad de información que debemos creer porque, sencillamente, ha pasado el tiempo. Apenas sabemos cómo ha llegado a desarrollarse la Alianza Rebelde en Yavin o cómo se ha cerrado el círculo sobre Luthen en Coruscant.

No obstante, Andor es la prueba de que, cuando Star Wars se olvida de la nostalgia y se centra en narrar historias independientes, estas pueden ser notables.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Drácula El Librojuego. Porque cazar vampiros siempre es mejor con estaca en mano y decisión propia

A ver, si eres de los que alguna vez pensó “Ojalá pudiera meterme dentro de la novela de Drácula y darle un par de tortas bien dadas al Conde”, enhorabuena: Drácula El Librojuego está aquí para cumplir tu capricho literario. Gracias a Celaeno Books (que están últimamente más prolíficos que un vampiro en una hemoteca) tenemos entre manos una obra que mezcla el terror clásico con decisiones interactivas y una buena dosis de tensión.

El crowdfunding en Verkami de Drácula El Librojuego se ha financiado en 15 horas. Puedes reservar tu librojuego antes que acabe el plazo.

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Un clásico que te muerde a tu manera

Olvídate de leer pasivamente. Aquí te toca decidir si entras por la puerta principal del castillo o te cuelas por la ventana como si fueras ladrón de medianoche. Cada página puede llevarte al éxito, al susto del siglo o directamente a ser la cena de un conde con colmillos de importación. Porque además, una de las opciones es jugar con el propio Conde Drácula.

Drácula El Librojuego

Este librojuego no es una simple adaptación: es una reimaginación. Conserva el alma de la novela de Bram Stoker, pero la retuerce (como buen vampiro al cuello de una doncella) para ofrecer múltiples caminos, finales alternativos y situaciones que ni en tus peores pesadillas góticas. ¿Creías que Jonathan Harker lo tenía chungo? Prepárate tú.

Tapa dura, sangre fresca y una edición que da gusto

La edición financiada en Verkami es una delicia para los sentidos. Papel de calidad, portada que te mira como si te conociera de vidas pasadas (de esas donde eras víctima número 4 del conde), e ilustraciones que parecen sacadas de una pesadilla en sepia. Además, como ya es costumbre en Celaeno Books, han incluido mejoras desbloqueadas en la campaña: desde mapas hasta escenas adicionales que amplían la experiencia y te sumergen más aún en este Londres victorianamente tenebroso.

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Decisiones, dilemas y estacas afiladas

Este librojuego no es solo estética y ambientación. Tiene un sistema de juego muy bien equilibrado, con mecánicas intuitivas que favorecen el ritmo narrativo. No hay tiradas que corten la historia ni sistemas tan complejos que necesites un máster en matemáticas victorianas. Se trata de vivir, decidir… y, con suerte, sobrevivir.

¿Para quién es este librojuego?

Para ti. Sí, tú. El que leyó Drácula a los 16 y se obsesionó con los castillos de Transilvania. O para ti, que nunca leíste la novela pero siempre quisiste explorar una historia de horror gótico donde tú llevas las riendas. Este librojuego es perfecto tanto para fans del terror clásico como para los que buscan una lectura interactiva con más mordida que una cena en Nochevieja.

Drácula El Librojuego es una puerta abierta (o más bien un ataúd entreabierto) a un universo literario donde tú mandas. No dejes que el conde tome las decisiones por ti. Afila tu mente, prepara tu estaca, y lánzate a esta historia como si la vida (literalmente) te fuera en ello.

Un saludo y sed felices.

Critica de ‘El Contable 2’, el dinámico viaje de dos hermanos unidos por la violencia

Se ha estrenado la segunda parte de El Contable, una cinta de acción que tuvo cierto éxito en su paso por los cines. Una mezcla entretenida entre thriller policial y acción militar que no se olvidaba de contarnos una historia a través de sus personajes.

¿Es el ‘El Contable 2’ una película para recordar?

No exactamente, pero sí que es capaz de elevarse sobre las cintas de acción genéricas que nos ofrecen las diferentes plataformas. Gracias a los apuntes interesantes de su trama se convierte en una de esas películas disfrutables que puedes ver un par de veces sin la sensación de que sea un producto desechable. Unos apuntes de guion que quedan en simples deslices que la película no sabe aprovechar. (Algo que sí consigue hacer una de las mejores cintas de lo que va de año: Los Pecadores).

Un film que intenta sacarle brillo al mundo creado para el personaje de Affleck, con un guion que maneja algunas pautas atrayentes para que el espectador no bostece y siga la historia con interés. Una trama que intenta hacerte sentir confortable ante lo que estás viendo, como una cálida tarde de primavera cuando los rayos de sol acarician tu piel. Esa sensación de calor agradable que no intenta dejar huella, sino el goce de unas horas placenteras mientras te distraen las imágenes de la pantalla. Eso sí, con los detalles suficientes para no sentir que estás ante una de esas pelis comerciales que intentan ir a la última moda.

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Créditos y argumento 

‘El Contable 2’ está dirigida por Gavin O’Connor y escrita por Bill Dubuque. En esta secuela repiten sus papeles Ben Affleck, Jon Bernthal, Cynthia Addai-Robinson y J. K. Simmons, incorporándose al nuevo elenco de la cinta las actrices Daniella Pineda y Allison Robertson. La música está compuesta por Bryce Dessner, mientras que la fotografía corre a cargo de Seamus McGarvey.  Está producida por Amazon MGM Studios y Warner Bros. Pictures.

En esta ocasión, nuestro querido contable interpretado por Ben Affleck tendrá que ayudar a resolver un caso de rapto de niños en el que está involucrada la agente del Tesoro, Marybeth. Necesitará la ayuda de su hermano para resolver el misterio, estableciéndose una buddymovie de carretera en que se explorará la relación extraña entre estos hermanos diferentes y especiales, pero extremadamente letales. A medida que se acercan a la verdad, llamarán la atención de los asesinos más despiadados del mundo, que intentarán poner fin a su búsqueda.

Crítica de ‘El Contable 2’

Como decía unos párrafos arriba, no es una película para recordar, ni que destaque por sus acompasadas y violentas escenas de acción (como sí tenía su primera parte); su trama flojea en algunas decisiones de guion poco afortunadas y termina por resultar algo confusa. Un guion que peca de perezoso, algo que se nota a la hora de darle profundidad a los personajes, en concreto la agente del tesoro, cuyo afán por la rectitud de la justicia raya el despropósito. Sin embargo, gracias a la química de sus actores, la película logra reconectar con las emociones del espectador a través de su divertida mezcla de personalidades.   

‘El Contable 2’ intenta profundizar en la mitología que rodea al personaje principal con trazos de ingenio y algunas escenas asépticas de buena acción. Aunque el tratamiento sea superficial y los detalles se conviertan en adornos decorativos para resultar vistosos, la película logra despertar el interés gracias a su ritmo ameno, las pesquisas detectivescas, el mimo en la planificación de los tiroteos y el magnetismo dinámico que desprenden sus dos protagonistas, Ben Affleck y Jon Bernthal.

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‘El Contable 2’ es una buddymovie de conceptos clásicos, actualizada por el matiz instintivo de la personalidad autista del protagonista, interpretada con respeto, sobriedad y de manera lacónica, por Ben Affleck. En esta ocasión, en vez de ser colegas, son hermanos que se embarcan en un liviano viaje de autodescubrimiento en el que estrecharán lazos, un elemento decorativo pero que funciona lo suficientemente bien como para darle interés a la historia.   

Conclusiones

En definitiva, ‘El Contable 2’ es una película que intenta explorar nuevas vías para el cine de acción moderno gracias a un reparto correcto, unas aseadas secuencias de acción, momentos divertidos y algún chispazo de creatividad.  Una cinta sobria y digna que merece la pena disfrutar en el cine (antes que el enésimo simulacro de Marvel como la reciente Capitán América). Un thriller clásico envuelto en una bocanada de ligera y fresca actualidad, que tiene una historia competente y una fisicidad contundente en la ejecución de las peleas.

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Tiene un final abierto que deja entrever que no es el final del camino para estos hermanos tan peculiares.  No hay nada confirmado al respecto, pero si ‘El contable 2’ tiene el mismo éxito que la primera parte, lo más probable es que tengamos una trilogía.

Una cinta que no engaña ni decepciona, de esas en que te dejas llevar por la inercia de las imágenes porque no exigen más que el interés desprendido y placentero del espectador.  Aun así, se convierte en un espectáculo que califica por encima de la media de cualquier otra película de su género.

Doom: The Dark Ages. Cuando el Infierno se viste de armadura

Hay juegos que te hacen sudar. Otros te hacen gritar. Y luego está Doom: The Dark Ages, que logra hacerte ambas cosas y, además, te hace cuestionar si realmente eres bueno en esto de los videojuegos.

Desde que lo comencé, supe que este no es un Doom cualquiera. Aquí no hay escopetas futuristas ni demonios del espacio. Hay acero, sangre y una oscuridad que no se va con cien antorchas. Es como si el infierno se hubiera vestido de época medieval, y la mezcla es tan aterradora como adictiva.

La ambientación es brutal. Castillos en ruinas, bosques que parecen susurrar tu nombre y mazmorras que huelen a muerte. Cada rincón te hace sentir pequeño y vulnerable, pero aun así te lanzas a la aventura, ¿no es eso lo que hace un Slayer?

Doom: The Dark Ages

Las mecánicas han cambiado. Ahora, además de disparar, tienes que pensar. El combate cuerpo a cuerpo se siente más estratégico y el nuevo sistema de parry con escudo te obliga a medir cada movimiento. No se trata solo de reflejos; es entender a tu enemigo y anticiparte, convirtiendo cada pelea en una danza mortal.

Y los enemigos… madre mía. Si creías que ya habías visto todo tipo de demonios, prepárate para sus versiones medievales. Más feos, más grandes y, sobre todo, más astutos. No atacan al azar; te rodean, te acorralan y te estudian. Y tú, con el corazón en la garganta, intentas no fallar ese parry que puede ser la diferencia entre la vida y la muerte.

Pero no todo es oscuridad. Doom: The Dark Ages también tiene sus momentos de belleza. Una puesta de sol tras una batalla épica, el sonido del viento entre las hojas, la satisfacción de haber sobrevivido otro día en este mundo cruel. Son esos pequeños detalles los que te mantienen en marcha, los que te recuerdan por qué empezaste esta aventura.

En resumen, Doom: The Dark Ages no es solo un juego; es una experiencia. Te desafía, te emociona y, sobre todo, te hace sentir vivo. Así que, si te atreves, ponte la armadura, afila tu espada y prepárate para enfrentarte al infierno como nunca antes.

Un saludo y sed felices.

Maratón de películas de One Piece en Sevilla y Madrid el sábado 17 de mayo

Los fans de One Piece tienen una cita ineludible este 17 de mayo en Madrid y Sevilla. Las salas mk2 Palacio de Hielo y mk2 Nervión Plaza acogen una maratón especial dedicada al icónico anime creado por Eiichiro Oda. Esta iniciativa forma parte del recién estrenado sello animek2, una apuesta firme de la cadena mk2 por el cine de animación japonesa en pantalla grande, con programación continuada durante todo el año.

Toda la informarción sobre el ciclo animek2 (pinchando aquí).

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La velada estará marcada por la acción, la emoción y el espectáculo, con la proyección de dos de las películas más impactantes de la franquicia: One Piece: Estampida (2019) y One Piece: Red (2022).

El evento arrancará a las 18:00h con Estampida, una explosiva aventura coral que reúne a los personajes más queridos de la saga en una carrera por un tesoro legendario. A las 20:00h será el turno de Red, centrada en la misteriosa cantante Uta, cuyo pasado conecta directamente con Luffy y el carismático Shanks.

Ambas sesiones contarán con presentaciones en directo. En Madrid, los encargados de animar al público serán Juan Pérez y José Arce del equipo de Impact Store, mientras que en Sevilla hará lo propio el colectivo Viva Er Manga. Además, los asistentes podrán participar en sorteos de merchandising exclusivo, haciendo de esta maratón una auténtica fiesta para los seguidores del Sombrero de Paja.

Además, el ciclo animek2 no se limita a esta maratón. Durante todo el mes de mayo, mk2 ha preparado una programación que hará las delicias tanto de los aficionados al anime clásico como de quienes buscan descubrir nuevas joyas. Desde retrospectivas de autores de culto como Satoshi Kon, con proyecciones de Tokyo Godfathers, Paprika y Perfect Blue, hasta estrenos esperados como Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento o la entrañable comedia Anzu, gato fantasma.

Y para quienes disfrutan del anime más bizarro y kitsch, también hay propuestas como Robot Taekwon V (1976), una cinta surcoreana de culto que parodia a Mazinger Z, proyectada en colaboración con el festival CutreCon.

Las entradas para todas las sesiones del ciclo ya están disponibles en las webs de mk2 Palacio de Hielo, mk2 Nervión Plaza y mk2 Cine Paz. Además, se ofrecen abonos especiales para los más apasionados que no quieran perderse ni una proyección.

Con esta programación, mk2 demuestra su compromiso con el anime en pantalla grande, brinando a los fans la oportunidad de disfrutar de sus títulos favoritos en condiciones óptimas. Un evento ideal para vivir One Piece como nunca antes, en compañía de otros fans y en una sala de cine repleta de energía.

Muchas gracias por leerme e ¡id al cine!

animek2 cosas felices

Tráiler de Ironheart. El futuro late fuerte (y con armadura nueva)

¿Escuchaste eso? No, no es tu móvil vibrando. Es el corazón de Marvel que vuelve a latir con fuerza… ¡y lo hace con armadura nueva! Hoy por fin ha caído del cielo (bueno, de YouTube, pero no vamos a estropear la magia) el primer tráiler de Ironheart.

El tráiler, que ha salido hoy mismo, el 14 de mayo (por si lees este artículo otro día) como si Marvel supiera que algunos necesitábamos una alegría urgente entre tanta serie oscura, como Daredevil Born Again.

Pero no todo es ciencia y sudor. Aquí aparece The Hood, interpretado por Anthony Ramos, para traer el caos y la magia negra a la ecuación. Y tú dices: ¿Magia contra tecnología? ¡Sí, por favor! Es como ver a Tesla contra un hechicero del siglo XV. Y adivina quién tiene más estilo. (Spoiler: los dos).

Tráiler de Ironheart

La serie, que llega a Disney+ el próximo 24 de junio, arranca con una tripleta de episodios. Riri, con la voz de una generación joven que no quiere pedir permiso para existir, se convierte en el reflejo más moderno del legado de Iron Man. No lo imita, lo reinterpreta. Y eso, en un universo donde los trajes se heredan como si fueran abrigos viejos, es una revolución.

Por cierto, la estética… Hay planos en el tráiler que parecen sacados de una portada de cómic cyberpunk con esteroides. Y ese nuevo diseño de armadura, mitad Gundam, mitad coche deportivo de lujo, me ha hecho babear más que viendo una vitrina de cómics firmados.

¿Y qué pasa con el resto del UCM? Bueno, Ironheart no solo lanza su propia historia, sino que insinúa conexiones con Armor Wars, Doctor Strange (por aquello de la magia), y quién sabe si hasta con alguna versión alternativa de Tony. Marvel no da puntada sin hilo… y cada puntada lleva vibranium.

En resumen: si esperabas que Marvel aflojara el paso, te aviso que Ironheart no pisa el freno. Pisa el acelerador con tacones propulsores.

Y te aseguro una cosa: vas a sentir cómo te late el pecho cuando la veas encender su reactor.

Un saludo y sed felices.