Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Sherlock Holmes contra Arsène Lupin 1.
Los cruces entre personajes de distintos universos es algo tan antiguo como querido por los lectores de cómics. Desde el mítico Alien vs Predator, pasando por el loco El Castigador conoce a Archie hasta llegar al no menos estrafalario Batman/Tortugas Ninja, todo vale con tal de saciar nuestra insana curiosidad. Ahora le llega el turno a Sherlock Holmes contra Arsène Lupin, serie abierta en la que a través de varios tomos iremos viendo como colaboran estos dos titanes de la literatura de la mano de Denis-Pierre Filippi y Roger Vidal. El primer libro, con el subtítulo Tras la eternidad ya esta disponible en las estanterías de nuestras tiendas de confianza gracias a nuestros amigos de Norma.
El resumen de la editorial es el siguiente:El mejor detective del mundo y el ladrón más audaz de todos los tiempos unen sus fuerzas en la búsqueda de un objeto cuyo interior podría albergar el secreto de la inmortalidad. Juntos se enfrentarán a una adversaria de categoría, la condesa de Cagliostro, cuya edad se cuenta en centurias y cuya astucia los pondrá a ambos contra las cuerdas.
Hay un placer casi infantil en ver enfrentarse y luego colaborar a dos mitos literarios que representan formas opuestas de entender la inteligencia. Holmes es método, obsesión, lógica llevada hasta el extremo; Lupin es estilo, intuición, el arte de improvisar con una sonrisa. Este tomo presenta el inicio de una colaboración que, como mandan los cánones, empieza por un ligero enfrentamiento, para luego pasar a una colaboración mano a mano, mente a mente, en busca de enfrentar el siempre socorrido enemigo común. Cualquier excusa es buena para ver juntos a Sherlock y Lupin, y más si además el guionista los laza a una aventura con aroma a folletín clásico, misterio victoriano y un punto esotérico que tan bien sienta a unos personajes como los que tenemos entre manos.
El planteamiento narrativo de Denis‑Pierre Filippi es muy inteligente. En lugar de forzar el esperado enfrentamiento del detective persiguiendo al ladrón, lo que hace es presentar en choque de inteligencias entre los dos protagonistas mostrando como se enfrentan con sus respectivas armas al desafío al que tienen que hacer frente. Asistimos a un duelo constante en el que Sherlock y Lupin se observan, se miden, viendo cómo cada uno intenta leer al otro como si fuera un enigma más mientras se embarcan en una tópica búsqueda del Santo Grial en pos de la inmortalidad. Una excusa argumental tan válida como otra cualquiera pero que sirve de motor eficaz para que Sherlock y Arsene se vayan retando hasta que descubran que sus métodos y personalidades son perfectamente complementarios para alegría de un lector entregado que se lo pasa de fabula viendo esa competición por ser el más listo.
En cuanto a los antagonistas, una vez que Moriarty esta muerto, no queda otra que buscar enemigos nuevos. Y con los tiempos que corren, nada mejor que enfrentar a estos dos maestros del ingenio con dos chicas jóvenes (o no tan jóvenes) que quieren tomar el relevo de Moriarty como grandes cerebros criminales. Es aquí donde destaca la condesa de Cagliostro, una antigua conocida de Arsene Lupin que se descubre como una amenaza de futuro de la que seguramente conoceremos más en tomos venideros.
A nivel de ritmo, Tras la eternidad no es un álbum que busque el impacto constante al que pueden estar acostumbradas las nuevas generaciones. Tiene una progresión continua, como esas novelas por entregas que te dejaban con ganas de la siguiente página, herencia pura de su semilla folletinesca. Filippi sabe dosificar la información y dejar pequeños cebos narrativos que apuntan claramente a que estamos ante el arranque de una serie, no ante una historia cerrada. Para algunos lectores eso puede resultar frustrante; para otros, es justo el aliciente que hace que el volumen funcione como primer acto de algo más grande.
Donde el cómic gana muchos enteros es en el apartado gráfico.Roger Vidal apuesta por un dibujo elegante, muy narrativo, que se lee con fluidez y que sabe recrear la atmósfera victoriana de finales del XIX. Sus personajes son expresivos, reconocibles y están llenos de pequeños gestos que refuerzan su carácter como por ejemplo la rigidez contenida que siempre luce Holmes frente a la pose relajada que muestra Lupin. El color, sobrio y bien modulado, acompaña ese tono entre lo aventurero y lo inquietante, y ayuda a que los escenarios —Londres, París, interiores cargados de sombra— respiren época y misterio.
La edición española, publicada por Norma Editorial, está a la altura del material. Se presenta en cartoné, con 96 páginas a color y un formato grande (23 x 30,2 cm) que permite disfrutar del dibujo de Vidal con comodidad. El papel es de buena calidad, la reproducción del color es correcta y el conjunto transmite sensación de cuidado editorial, aunque no hubiera estado de más incluir algunos extras como una breve semblanza de los autores. El precio de venta es de 24 euros.
En resumen, Sherlock Holmes contra Arsène Lupin. 1: Tras la eternidades un cruce muy disfrutón, consciente de su herencia folletinesca y respetuoso con sus personajes. No reinventa ni a Holmes ni a Lupin, porque ni lo necesita ni es lo que busca el lector. Lo que hace es colocarlos en una situación atractiva, los deja brillar y construye una aventura sólida y elegante en la que brilla ese constate enfrentamiento mental que tan bien sienta a los personajes. Estamos ante un cómic europeo de aventuras de la vieja escuela, del que cuesta no cerrar el álbum con una sonrisa… y con la mirada ya puesta en el siguiente volumen.
El cómic de superhéroes más vendido de todos los tiempos es el X-Men 1 de Chris Claremont y Jim Lee, cómic de 1991. Y justo en esa época, sin los medios actuales para hacer películas decentes de super-héroes, la industria optó por crear una serie de televisión animada muy exitosa, X-Men 92. Cinco temporadas contando lo más excelso del cómic que había cambiado el rumbo de los superhéroes para siempre. En 2024 Disney recuperó esa serie, esa joya, pero ya en 1997, porque habían pasado 5 temporadas y 5 años, claro está. Y es ahora cuando estamos a punto de ver cumplido un sueño y ver la temporada 2 de X-Men 97.
A continuación os dejo el enlace al artículo que hizo Pedro Pérez para Las Cosas que nos hacen felices en 2024 y luego, como no el tráiler de la temporada 2 de X-Men 97, cuyo estreno se espera para el 1 de julio de 2026. Además viene con subtítulos en español.
De un tiempo a esta parte existe una tendencia a reivindicar la figura de Nicolas Cage, un actor inmerso desde hace años en varios proyectos de medio pelo entre los que han emergido unas cuantas películas de culto. La última de ellas es Dream Scenario, película de 2023 que tenéis ahora en Filmin. Una joya que va mucho más allá de la figura de su protagonista.
Paul Matthews es una anodino y gris profesor de biología evolutiva en la universidad que convive con su mujer y sus dos hijas. De la noche a la mañana y sin explicación alguna, Matthews se convierte en una de las personas más conocidas del planeta al aparecer en los sueños de todo el mundo.
Dirige, escribe y monta el noruego Kristofer Borgli, autor que, gracias al éxito crítico de Dream Scenario, este año estrenará The drama, proyecto que cuenta con la dupla estelar de Robert Pattinson y Zendaya. Una película que espero con ansia tras la tan brutal como refrescante experiencia que supone dedicar hora y media de tu vida a ver esta lúcida sátira sobre el mundo en el que vivimos.
Porque no, lo más destacado de esta película no es Nicolas Cage, aunque haya sido el principal reclamo para acercarse a esta Dream Scenario. Cage es uno de los actores más peculiares de la historia del cine. Icono del cine independiente en los 80 y principios de los 90 (Birdy, Arizona Baby, Corazón salvaje), ganó el Oscar en 1995 por Leaving Las Vegas y, posteriormente, se convirtió en un héroe de acción con películas como La roca, Cara a cara, Con Air o 60 segundos. Tras un periodo con películas que buscaban (y conseguían) el respeto crítico (Adaptation, El señor de la guerra, Los impostores), su carrera cayó en una espiral de continuos proyectos hechos con dos duros de los que han emergido algunas de las principales películas de culto de los últimos años. Hablo de Pig, esa John Wick con cerdo trufero; de Longlegs, con su icónico y aterrador villano, y de Mandy, donde se convierte en un alucinado caballero andante que busca vengarse de los que mataron a su mujer motosierra en mano.
Personajes muy distintos a los que Cage siempre se entrega al 100%, ya sea con una expresividad extrema o, como en el caso de Dream Scenario, la contención que ofrece una persona sin nada que destacar.
Paul Matthews no es el típico perdedor de película hollywoodiense. Es un profesor de universidad y un experto en biología evolutiva. Está casado, tiene dos hijas y una bonita casa. Pero habla continuamente de un libro del que no ha escrito ni una sola palabra, la relación con su mujer carece de deseo y sus hijas no le hacen ni caso. Está calvo, fofo y no es que sea muy atractivo.
En definitiva, Paul Matthews es un hombre como cualquier otro. Con sus miserias, su gente que le quiere y sus deseos de ser alguien más de lo que es.
Y, en un mundo viral en el que cualquiera puede hacerse famoso por cualquier cosa, nuestro protagonista lo consigue sin pretenderlo, simplemente apareciendo en los sueños de todo el mundo.
Al contrario de lo que se pueda pensar, esta no es una película que aborde el mundo de los sueños al estilo del Origen de Christopher Nolan. Es una metáfora de como la fama le puede sobrevenir a cualquiera, para bien o para mal.
Porque el pobre Matthews se cree que su fama es merecida e incluso intenta aprovecharse para sacar adelante ese libro del que jamás ha escrito una sola palabra. Y asistimos a un curioso fenómeno fan y a una visión bastante rastrera de como las grandes empresas se aprovechan de esta situación.
Todo esto suponiendo que Matthews es famoso sin hacer prácticamente nada, pero ¿Qué ocurriría si hiciera algo malo?
Para responder esta pregunta, tendrías que ver esta inteligente película que incluso se atreve a diseñar una metáfora sobre la cancelación de un hombre blanco y heterosexual en Estados Unidos. Sorprende la frescura de una propuesta en la que es imposible adivinar los giros de guión que el director y guionista nos ofrece.
En definitiva, Dream Scenario es una brillante comedia negra que utiliza una premisa disparatada como metáfora sobre el mundo de hoy. Es entretenida, sorprendente y tan divertida como terrorífica. No os la perdáis.
Según un nuevo rumor, Marvel Studios está volviendo a trabajar en un spin-off de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos en forma de serie, que girará en torno a un grupo de personajes clave de la película de 2021.
Desde 2021 se ha hablado de un spin-off de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, y muchos creían que acabaría convirtiéndose en Wonder Man, una serie coprotagonizada por uno de los personajes más destacados de la película, Trevor Slattery interpretado por Ben Kingsley, pero parece que no ha sido así.
Llevamos tiempo oyendo rumores sobre una serie relacionada con los Diez Anillos que giraría en torno a la organización criminal de El Mandarín. Ahora, Daniel Richtman informa de que Marvel Studios tiene de nuevo un proyecto de los Diez Anillos en desarrollo.
La escena postcréditos de la película preparó el terreno para que Xialing, interpretada por Meng’er Zhang, retomara el relevo de su padre, Wenwu. Es difícil decir si ese grupo realmente necesita una serie completa dedicada a ellos, especialmente cuando podría decirse que serían mejores antagonistas en Shang-Chi 2. En cualquier caso, si esta serie sale adelante, esperamos que el propio Shang-Chi tenga un papel importante en ella.
Al igual que Eternals, Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos se estrenó en un momento en el que, debido a la COVID, los cinéfilos aún se mostraban reticentes a acudir a los cines. A pesar de ello, recaudó la impresionante cifra de 432,2 millones de dólares en 2021.
Casi cinco años después, seguimos esperando volver a ver a Shang-Chi en acción. Afortunadamente, Simu Liu figura entre los confirmados para Vengadores: Doomsday. Aun así, hubo un momento en el que parecía que el personaje sería el protagonista central de la Saga del Multiverso, pero los planes cambiaron, y es probable que actualmente los Diez Anillos de Shang-Chi ya no tengan vínculos con Kang.
Y para enredar todo aún más, no queda claro si este spin-off vendría en forma de serie, como se pretendía en un principio, o como secuela en forma de película, ya que el propio Simu Liu ha dicho esto sobre una futura segunda película:
«Diré esto. Definitivamente va a suceder, probablemente debería empezar por ahí»
«La gente, ya sea en línea o en persona, me pregunta todos los días y me dice todos los días lo mucho que disfrutaron de la primera película y lo especial que fue ese momento. Y creo que hay muchísima buena voluntad, y lo agradezco profundamente».
«Así que, por favor, sabed que si alguna vez me habéis enviado un mensaje, si alguna vez me habéis preguntado por una secuela o simplemente os habéis puesto en contacto conmigo de cualquier forma, me lo tomo muy en serio y os lo agradezco de verdad»
«Creo que hablo en mi nombre y en el de Destin [Daniel Cretton], nuestro director, cuando digo que estamos más que emocionados por volver a ponernos manos a la obra».
Después de una temporada llena de emoción y momentos de mucha tensión que construyeron un conflicto de una escala nunca antes vista en la serie, el final de temporada de Invencible logra ser el cierre perfecto para el conflicto que involucra a los seres más poderosos del universo, dejando a los personajes en una situación entre la espada y la pared que no podrán evadir.
La batalla emocional
Después de los primeros seis capítulos de Invencible, todo estaba llegando a un punto de no retorno donde el conflicto era más que inevitable, dejando todo preparado para una batalla colosal. Y si bien ello ocurre y es uno de los mejores momentos de toda la serie, lo que más destaca del capítulo y lo hace especial es cómo, a pesar de toda la acción, se toma el tiempo de desarrollar a sus personajes.
En el episodio 7, antes de la gran batalla, conocemos más a cada miembro de la Coalición de Planetas junto con los miedos y dificultades que enfrentan. Vemos que no son simples peones en un tablero, sino personas que tienen mucho que perder y cuya responsabilidad sobre sus hombros los supera enormemente.
Esto le da un giro a los momentos de acción. Conocemos las convicciones de todos, pero más que nada sus dudas: las de Mark (Steven Yeun) sobre si sobrevivirá, las de Omni-Man (J.K. Simmons ) sobre si todo ha valido la pena a pesar de haber traicionado a su raza entera, o las de Thadeus sobre si eliminar a todos los viltrumitas o existe aún salvación para ellos. Esto hace que la guerra no tenga solo un peso de poder, sino también uno sentimental. Y que cada golpe, muerte o momento de peligro se sienta mucho más importante. La serie se toma el tiempo de que entendamos y nos encariñemos con los personajes para lograr que, aunque todo sea a una escala gigantesca, puedan sentirse cercanos.
En el episodio final de la temporada esto se nota aún más. Si algo ha caracterizado a Invencible en sus finales de temporada es que todo conduce a una resolución con acción; todo se construye para tener el gran enfrentamiento contra el villano de la temporada. Pasó con Omni-Man, con Levy y con Conquest. Pero en esta ocasión se decidió tomar otro rumbo, uno donde se pone el foco a las consecuencias. Vemos a nuestros protagonistas perder y, a diferencia de la primera temporada, no queda ninguna gran esperanza de que la situación se revierta.
La serie hace un trabajo de guion excepcional. Pasamos del capítulo anterior, donde Mark logró hasta destruir un planeta, pero aun con eso y su demostración de fuerza, lo más interesante sigue siendo su parte humana. Lo vemos tener miedo. Durante todo el capítulo vemos su temor a que Thragg llegue a la Tierra y mate a todos sus seres queridos, y esto crea un final de temporada increíble, puesto que humaniza tanto al protagonista que es imposible no sentir su miedo y preocupación.
Todo esto conlleva a que las acciones de Invencible sean entendibles y cómo, aunque no sea lo normal dentro de las historias de superhéroes, acepta que perdió y que no tiene ninguna oportunidad, dejándolo en un punto donde no había estado antes, terminando de desarrollar su etapa más violenta y aprendiendo que puede controlarse y tomar decisiones inteligentes más allá de matar y resolver todo a los golpes.
El paso de la destrucción
La acción es una de las mejores partes no solo de la temporada, sino de la serie entera. En el capítulo 7 se da la confrontación definitiva entre la Coalición de Planetas y los viltrumitas. Todo se junta con los personajes más poderosos conocidos contra la raza más fuerte del universo.
Un problema constante de los enfrentamientos entre personajes tan poderosos es que se pierde un poco el valor sentimental de la escena, pero en este caso no es así. La batalla tiene el estilo característico de Invencible: visceral, crudo y con bastante gore, pero además construye la tensión desde un primer momento. Se establece cómo los protagonistas están en desventaja y cómo en cualquier momento podrían morir, haciendo la escena bastante tensa, más aún con la presencia de Thragg, el cual está presente pero no participa. Esto hace sentir aún más el peligro de su personaje, ya que aun sin él los protagonistas están perdiendo; con él en combate todo estaría completamente perdido.
A cada personaje se le da su momento de brillar y vemos interacciones muy interesantes, en especial entre Allen y Zoe, quienes han tenido una gran dinámica a lo largo de la temporada y verlos batallar juntos es bastante entretenido.
También vemos hasta qué punto Invencible ha evolucionado, siendo capaz de contener prácticamente a cualquiera de los viltrumitas que están en la batalla. Todos se complementan a la perfección, dando un dinamismo diferente en esta pelea, puesto que más que un enfrentamiento de uno contra uno, como normalmente sucede en Invencible, tenemos una batalla completa con varios combatientes, obligándolos a interactuar entre sí y siendo esto un gran añadido bastante refrescante para la acción de la serie.
En uno de los momentos más impactantes de la serie, la acción llega a un punto masivo de destrucción detonando en la destrucción de Viltrum, siendo un momento que impacta tanto por la escala como por su significado y funcionando como el clímax del desarrollo de los protagonistas hasta el momento, donde rechazan por completo su naturaleza.
Toda la escena lleva un ritmo magnífico y se da el tiempo de mostrar tanto la epicidad como las complicaciones del momento, siendo una de las escenas mejor escritas de toda la serie.
El mejor villano de la serie
Thragg (Lee Pace), a pesar de que a lo largo de toda la temporada no había tenido intervenciones muy marcadas, venía construyéndose poco a poco como una amenaza enorme y alguien cuya manera de mantenerse al margen de la batalla parecía más un tema de ego que de miedo.
En el episodio 7, todas las dudas sobre si podía llegar a ser uno de los mejores villanos de la serie quedaron completamente zanjadas. Se muestra como un villano al que los protagonistas no pueden enfrentar, no por alguna situación de la trama o porque no puedan llegar hasta él, sino simplemente porque no están a su nivel.
Desde la temporada uno hemos visto el poder de los viltrumitas empezando con Omni-Man, el cual causó una destrucción masiva en su pelea contra Invencible. Eso nos dio a entender que, si quisiera destruir la Tierra, lo lograría sin una oposición real.
Conocemos que Thadeus es el líder de la Coalición de Planetas y uno de los viltrumitas más viejos, quien logró matar al antiguo emperador. Durante cuatro temporadas vemos cómo Invencible creció y es capaz de plantarle cara a cualquier viltrumita e incluso eliminar a uno de los más fuertes como Conquest. Aun con todo eso, ninguno logró hacerle siquiera un rasguño a Thragg.
La amenaza de Thragg se siente porque es intocable. Tenemos personajes con la suficiente fuerza para destruir planetas y personajes con armas de energía infinita, y aun con eso ninguno logró sacarle aunque sea una gota de sangre. Y esto, lejos de hacerlo aburrido, lo vuelve aún más interesante, porque podría matarlos a todos fácilmente y destruir a la Coalición, pero cree que todos están por debajo de él y no necesita ensuciarse las manos, lo que lo convierte en un personaje sumamente soberbio y esa misma soberbia es justamente la causa de sus derrotas.
Thragg no es interesante solo por su nivel de poder, sino porque es imperfecto. Aunque logra derrotar a los cuatro viltrumitas de la Coalición, su imperio perdió aún más. Pudo detener fácilmente todo antes de que siquiera empezara, pero no lo hizo por soberbia, lo que deja ver que no es un buen líder y que en realidad no busca lo mejor para su pueblo, sino únicamente más poder y fuerza.
Eso hace que este sea su punto débil y la forma en la que puede ser derrotado, aunque no físicamente, siendo una dinámica muy interesante y que no solo se basa en el poder.
Al igual que en el episodio 8, vemos otra faceta de él, lejos de la batalla, donde tiene una faceta más calculadora y sabe que no puede ganar del todo, obligándose a tener que hacer un trato con Invencible y usando la manipulación y la estrategia para lograr sus objetivos, lo que lo hace un villano mucho más inteligente que el promedio, además de peligroso, ya que no solo causa destrucción aleatoria, sino calculada, convirtiéndole ello en un peligro constante.
Invencible, en su temporada 4, logra llegar a una catarsis tanto narrativa como emocional y sigue la ruta de no ser una historia centrada únicamente en la acción vacía, sino una donde lo principal es el desarrollo de los protagonistas y cómo estos se enfrentan incluso a dilemas existenciales alejados del heroísmo, centrándose más en su valor como personas.
Esa es una característica que eleva a la serie al siguiente nivel y que, a su vez, deja las bases para una continuación mucho más emocional y que no se guardará nada en la deconstrucción de sus personajes.
Sin duda, la temporada 4 de Invencible mantiene el nivel de sus antecesoras, posicionándose como uno de los mejores productos de superhéroes del momento.
Hablaremos Daredevil Born Again y podría haber posibles SPOILERS si no has visto las anteriores temporadas. Las últimas fotos de la temporada 3 de Daredevil: Born Again revelan un nuevo aspecto de Luke Cage e Iron Fist, junto a la joven Danielle Cage (que, en los cómics, crecerá hasta convertirse en Capitán América).
La tercera temporada de Daredevil: Born Again ha vuelto a rodarse al aire libre en Nueva York. Todavía no hay rastro del Matt Murdock de Charlie Cox, pero con el Hombre sin Miedo entre rejas, eso no es muy sorprendente.
Esperemos que Daredevil no se convierta en un personaje secundario en su propia serie. Por ahora, sin embargo, el foco de atención recae directamente en los Heroes de alquiler, Luke Cage y Danny Rand, alias Iron Fist.
A ellos se une una futura heroína, la joven Danielle Cage. En los cómics, la hija de Luke y Jessica Jones se convertirá en Capitán América, un giro argumental que aún tardará al menos un par de décadas en llegar al MCU, si es que Marvel Studios decide alguna vez ir en esa dirección.
Aunque esto parece un bonito momento entre el trío, otras fotos del rodaje han confirmado que Bullseye está cerca. ¿Le han enviado a matar a algunos de los justicieros de Nueva York a instancias de la directora de la CIA, Valentina Allegra de Fontaine, y del Sr. Charles? Tendremos que esperar para verlo.
La posibilidad de que Iron Fist se ponga el traje es otro misterio. Marvel Television debe saber lo mucho que los fans lo desean después de que la serie de Netflix le diera la espalda a Danny, pero aún no lo hemos visto con el traje.
Luke regresó al MCU en el final de la segunda temporada de Daredevil: Born Again, donde se reunió con Jessica tras verse obligado a luchar en el extranjero. Anteriormente, el showrunner Dario Scardapane había adelantado la importancia de ese momento.
«Hay una historia que desarrollamos en la sala de guionistas sobre lo que [el Sr.] Charles [Matthew Lillard] estaba haciendo con gente como Luke y Bullseye [Wilson Bethel], y pudimos integrar esa historia en este reencuentro entre Danielle, Luke y Jessica», explicó. «Es una escena breve, pero encierra todo un paquete de semillas para las temporadas venideras».
«Las preguntas y la historia que comienza ahí [con Jessica, Luke y su hija Danielle] tienen un papel fundamental en la temporada 3, sin duda»
Luke Cage, Danielle and uncle Danny Rand in ‘DAREDEVIL: BORN AGAIN’ Season 3!
Resumen de rumores de Vengadores: Doomsday y Vengadores: Secret Wars, que revelan más detalles sobre lo que podemos esperar del final de la saga del Multiverso, dividida en dos partes. Por tanto hay posibles SPOILERS. No sigas leyendo si no quieres saber más.
Para gran decepción de muchos fans, no hubo tráiler de Vengadores: Doomsday antes de las proyecciones de The Mandalorian y Grogu este fin de semana. En su lugar, parece que el teaser se está reservando para la Comic-Con de San Diego de julio.
Por ahora, seguimos esperando, pero gracias a The Cosmic Circus, hoy tenemos algunos rumores importantes que compartir tanto sobre la película de Vengadores de este diciembre como sobre Vengadores: Secret Wars del año que viene.
Mister Fantástico y Shuri compartirán escenas en Vengadores: Doomsday, aunque parece que varios personajes intentarán explicar a su manera lo que está sucediendo en el Multiverso.
Según este informe, «Reed, Sue, Shuri, Bestia, la TVA y Mónica tienen una explicación más basada en la ciencia. Thor y Loki tienen una basada en la magia. Steve Rogers tiene una basada en la experiencia. Pero Doctor Doom tiene una que incorpora todas ellas».
Parece que no deberíamos perder demasiado tiempo preocupándonos por cómo los X-Men que regresan encajan o no con las películas de 20th Century Fox. Como dice Pérez:
«Estamos, literalmente, al final del Universo Cinematográfico de Marvel, y la mayor parte del multiverso está muerto, salvo un puñado de universos, porque las leyes de la física y la estabilidad se están volviendo locas y se están yendo al traste. Que reine el caos».
Tras sugerir anteriormente que la Línea Temporal Sagrada es la interpretación de Aquel que Permanece de cómo debería ser la realidad, Pérez postula ahora que hay cuatro versiones canónicas del UCM.
«La primera era la que todos conocíamos hasta Endgame, antes de Loki; luego, la que viene después de Loki (digamos simplemente que no es una coincidencia que hayan ido apareciendo ciertas cosas tras Loki que realmente no tienen mucho sentido en el contexto del UCM, y dejémoslo ahí)», adelanta, «luego está la que tendremos con Doom, y después la que viene tras Doom».
Otras curiosidades incluyen la interacción de Magneto con personajes ajenos a los X-Men, la relevancia de la canción «What Could Have Been» de Sting para la trama de Peggy Carter, y la estrecha relación de The Sentry con Yelena Belova y Gambito. Al preguntarle si podemos esperar muertes definitivas, la fuente respondió:
«Sí… y luego no».
«hay al menos entre 8 y 9 miembros más del reparto que aún no se han confirmado y que, por lo que sé, han rodado escenas en el plató».
Vengadores: Secret Wars
Muchos de los protagonistas de Vengadores: Doomsday, en Vengadores: Secret Wars, serán «personajes no jugables hasta que se desbloqueen sus mentes». En cuanto al regreso de villanos, «cualquiera y todos son posibles».
Parece que los personajes que residen actualmente en Valhalla tendrán un papel en la película. Como recordatorio, eso incluye a Odín, Heimdall y, quizás la posibilidad más probable, la Poderosa Thor (Jane Foster).
Habrá espacio en Secret Wars para personajes que no aparecieron en Doomsday, pero Pérez se guarda la pista más intrigante, aunque frustrantemente vaga, para el final.
«Aunque no aparece en ninguna de las dos películas, El que permanece ganó»
Ya anunciada la quinta e incluso con probable spin-off en vista, hacemos un recorrido por lo que nos han dejado la tercera y cuarta temporada de la exitosa serie El Encargado que, creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, protagoniza el siempre eficaz Guillermo Francella y está disponible en Disney+.
La cuarta temporada de El Encargado ha sido estrenada y el carismático Guillermo Francella (recientemente galardonado por su trayectoria en los Premios Platino) vuelve a dar vida a Eliseo Basurto. Sin perjuicio de momentos divertidos y sólidas actuaciones, la propuesta muestra signos de agotamiento que los responsables buscan paliar a través de una grandilocuencia que no cuaja del todo bien con el tan logrado microcosmos de humor costumbrista que caracterizara a la serie desde sus inicios.
Les dejo abajo link con el artículo que en su momento hiciera mi compañera Lucía sobre la segunda temporada y les invito a ver qué ha pasado en la tercera y cuarta, previo a analizar si Cohn y Duprat han acertado con el rumbo de frente a la quinta o ya sería hora de dejar descansar a Eliseo, quizás definitivamente…
Tras haberse logrado sacar de encima a sus enemigos Matías Zambrano (Gabriel Goity) en la primera temporada y a la benefactora mediática Lucila Morris (María Abadi) en la segunda, Eliseo Basurto se ha convertido en casi dueño y señor del edificio, más aún a partir de que Beba (Pochi Ducasse) le legara su amplio departamento tras fallecer. Ya no deja, de hecho, mensajes en el contestador para sí mismo, sino que los diálogos con su conciencia se producen con el fantasma de Beba. Lo que no pierde es la costumbre de alimentar a su planta carnívora (toda una alegoría de sí mismo) ni de asustar a los transeúntes mientras barre…
El sindicato que agrupa a los encargados de edificio le invita a participar de un congreso en Brasil con todo pago, pero a él no le gustan los sindicatos ni la playa y le aburre escuchar oradores, por lo que acepta la invitación, pero cuando le toca disertar manda a todos de paseo acusándolos de llorones.
Eliseo, ya lo sabemos, es individualista y se maneja por su cuenta, por lo que, regresado de su poco estimulante experiencia brasileña, va por más y funda su propia empresa de management de encargados llamada Soluciones Integrales Basurto. Y emplea en la misma a su otrora ayudante de portería Miguel (Gastón Cocchiarale) y a Gabriel (Darío Barassi), aquel responsable de seguridad de un edificio vecino con el cual sostuviera tantas y tan largas charlas, monitor de por medio.
Pero no se conforma: quiere sumar a todos los encargados de edificios en la zona, lo cual implicaría que renuncien a sus trabajos (supuestamente para pasar a ganar más dinero) y permitiría a los consorcios ahorrar eliminando sus puestos y contratando a la empresa. Poco a poco, lo va consiguiendo merced a sus clásicos y poco éticos ardides. Y a medida que lo hace, coloca banderitas de su empresa en los edificios de una maqueta que ha montado.
Pero el hueso más duro de roer es Gómez (Manuel Vicente), el encargado del edificio vecino con el cual suele charlar en la medianera y que, precisamente por conocerle bien, se mantiene intransigente. Para torcerle el brazo, lo extorsiona montando en su contra una falsa acusación de violencia familiar contra su anciano padre, senil y en silla de ruedas.
El sindicato, ahora con Zambrano como abogado, se mete de por medio y realiza una manifestación en la entrada del edificio con inscripciones insultantes y objetos contundentes, lo que lleva a que intervengan las fuerzas de seguridad y el caso tome estado mediático, siendo Eliseo citado para comparecer ante una comisión bicameral del Congreso de la Nación.
Cuando Gómez y el sindicato dan por descontado que ya no tiene escapatoria, todo da un giro cuando, a partir de la resonancia del caso, son cada vez más los encargados de edificio que se están sumando a la empresa de Eliseo. Ello debilita al sindicato, por lo que, a instancias del mismo, la comisión acaba llegando a un acuerdo para que la firma siga funcionando, pero delineando un “coto de caza” en un área determinada. Una vez más, se ha salido con la suya…
Por otra parte, en esta temporada conocemos por fin a Clarita (Claudia Fontán), la ex de Eliseo a la cual tantas veces “mató” contando la historia de su supuesta viudez de las más variadas y extravagantes formas. Sorprendida ella como uno más de los transeúntes a los que él tanto gusta asustar, la incredulidad del reencuentro es mutua y cuando, café por medio, revisan el pasado, ella se le queja de su precoz desempeño sexual.
A fin pues de salvar su imagen después, Eliseo la invita a cenar y concretan encuentro nocturno, previas lecciones de sexo tántrico de parte de Nacho (Alan Sabbagh). Le da pues a Clarita una larga y apasionada noche, pero se desembaraza luego de ella diciendo que no habrá próxima vez: ya se ha redimido y ella se marcha entre insultos…
Lo último que vemos es que, tras la impresión causada por su discurso ante el Congreso, Eliseo es citado al despacho del propio presidente de la Nación…
Temporada 4
Eliseo tiene en efecto su encuentro en la Casa Rosada con el presidente (Arturo Puig), que lo quiere a su lado e incluso lo presenta a su gabinete, pero él prefiere no meterse en política y seguir su vida como encargado.
No es la única oferta que recibe. Un grupo llamado Surbank está interesado en su empresa y, siempre desconfiado de los bancos, él pide por la misma un millón de dólares, cifra que hace abrir grandes los ojos a los oferentes, pero terminan aceptando, incluso con la condición de mantener al personal.
Hay dos nuevos vecinos en el edificio. Uno no es tan nuevo porque es Matías Zambrano, que ha regresado tras reconciliarse con su esposa y sigue empecinado en destruir a Eliseo. El otro es Froilán (Daniel Aráoz), exencargado de un edificio cercano que arrastra con Eliseo una encarnizada enemistad y se ha mudado allí por estar en pareja con Susana (Miriam Odorico).
Los llamados de la Casa Rosada son permanentes, pero Eliseo no contesta y el propio presidente acaba por visitarlo para convencerlo personalmente de ser su asesor sin necesidad de que deje de ser encargado. Esta vez Eliseo acepta y tiene su momento de gloria al dictarle por pinganillo el discurso de apertura de las sesiones ordinarias.
Zambrano comienza a presionar una vez más al consorcio para echarlo, aduciendo que ha utilizado para fines comerciales el departamento que se le alquiló, lo cual está expresamente prohibido por estatuto y es suficiente motivo para expulsarlo del mismo. Prácticamente implica también la expulsión del edificio porque el departamento que Beba legó a Eliseo está ocupado por un inquilino. Sin embargo este, un conocido neurocientífico (Benjamín Vicuña), se apiada de su situación y se lo deja libre en agradecimiento por haberle ayudado con sus problemas de halitosis.
Pero Zambrano no se rinde: sabe que Eliseo ha vendido su empresa y debe tener el dinero en alguna parte del departamento, ya que no lo ha bancarizado. Junto a un grupo de abogados tan inescrupulosos como él, presenta una denuncia en su contra por las turbias operaciones del pasado y consigue no solo el allanamiento de su domicilio, sino también que se lo inhiba de ingresar al mismo.
En la calle y deprimido, Eliseo intenta en su desesperación contactar al presidente, pero este no le responde por haberle convencido su séquito de que la cercanía con él podría traerle mala imagen. Pasa la noche en una plaza junto al reaparecido Polaco (Luis Brandoni), el simpático vagabundo de la primera temporada, pero al día siguiente es invitado por su colega Garrido (Luis Gianneo) a instalarse en su modesta casa, lo que le implica tener que convivir con rezar antes de comer y con un hijo que se larga a rapear cuando menos lo espera.
El consorcio lo acaba citando a una reunión para comunicarle la decisión tomada. Él asiste de manera virtual y hay conmoción al verle sumamente desmejorado. En tono lastimero, les anoticia de que padece un síndrome por el cual le restan solo unos tres meses de vida, lo cual es avalado por la doctora Marina (Micaela Riera) que, presente en la reunión, dice haberlo así diagnosticado.
Hay malestar y se considera que no es el momento oportuno para despedirlo, por lo que no solo se le mantiene su puesto, sino que además se le permite volver a su departamento para que pase allí sus “últimos días”, mientras Zambrano muerde rabia por no haber podido entretanto dar con el dinero.
De regreso en el edificio, se muestra débil y desvalido mientras todos le miran con pena (a excepción de Froilán) y hasta le hacen una colecta. Llora sin consuelo al hallar su planta muerta y le prepara junto a Miguel una sepultura en el patio.
El propio presidente, enterado de su condición, se conmueve y le visita buscando restablecer el vínculo y explicando que su entorno le llenó la cabeza en su contra. Pero, de modo traicionero, se le presentan luego los miembros del gabinete a los fines de convencerlo de aprovechar su influencia para aconsejarle dar al presidente un paso al costado, pues ya no lo consideran idóneo: lo que se dice un “golpe de estado constitucional”.
Eliseo parece de acuerdo y queda en hablarlo con el mandatario pero, por el contrario, le envía una filmación con el registro de la conversación gracias a la cámara que tiene en su estatuilla del Papa Francisco. El gabinete queda en evidencia, el golpe ha sido frustrado, el presidente sigue en su cargo y la imagen de Eliseo sale impensadamente fortalecida.
No teniendo herederos legales, este se aboca a labrar su testamento y hay largas filas buscando tajada en la herencia, al punto de reaparecer incluso su sobrino Maxi (Martín Slipak) con el argumento de ser el único familiar vivo. En gesto sorpresivo, sin embargo, Eliseo decide dejarle todo a un incrédulo Gómez que lo abraza emocionado.
Ambos salen a recorrer cementerios y cuando finalmente Eliseo se decide por uno, acuerda minuciosamente los detalles de su funeral sin velorio ni catering, pero con un video que haga repaso de su vida. En realidad ya tiene todo arreglado con Marina (a quien ayudó a adoptar un niño haitiano) y con la propia empresa funeraria (a la cual sobornó) para que se le dé por muerto y se entierre un ataúd vacío mientras él desaparece en tren para llevar una vida apartada disfrutando de su dinero.
Acaecida su supuesta muerte, el funeral es llevado a cabo con discursos de lo más estrafalarios y el consabido número de rap por parte del hijo de Garrido. Algunos exaltan sus cualidades y otros aprovechan para denostarlo, además de arribar a rendirle “homenaje” personajes de otras temporadas, como su ex Clarita y Lucila Morris, que se despacha furiosa contra sobre el ataúd.
Pero cuando están ya prontos a darle sepultura y contra todos los pronósticos (incluso los nuestros), Eliseo se aparece silbando en el cementerio y, mientras todos comienzan a insultarlo por fingir su muerte, descubre su tórax cubierto de explosivos y ríe alocadamente ante la perspectiva de morir allí, pero llevándose a todos. Cunde entre los asistentes el terror y le ruegan que no lo haga, pero cuando llega el momento de la explosión, la misma solo es una lluvia de papeles coronada por la carcajada de Eliseo…
La temporada finaliza con este nuevamente en el edificio, cuyas ventanas lucen en su casi totalidad carteles de venta o alquiler, pues al parecer nadie ha querido quedarse a vivir con semejante demente. Nadie salvo Zambrano, que sigue por allí y cuya vida, para esta altura, solo cobra sentido en su antagonismo…
Una pareja desinformada llega en busca de departamento y una nueva historia parece comenzar en el edificio. Y la escena final muestra a Eliseo filmándose a sí mismo para una aplicación de citas mientras se nos anuncia quinta temporada…
Balance de las Dos Temporadas
Si algo no se puede negar es que El Encargado sigue siendo una propuesta sumamente entretenida ynos hace difícil no estar todo el tiempo pendientes de lo que venga. Pero tampoco que, después de una primera temporada brillante y una segunda bastante aceptable, la fórmula se ha ido agotando y los creadores y guionistas apostando por la desmesura y la exageración, privando paradójicamente a la serie de lo que en un principio la hacía grande.
No les debe ir mal, pues tanto las cifras de audiencia como la renovación para una quinta temporada hablan a las claras de un éxito. Pero la explicación, seguramente, no reside tanto en los descabellados y desconcertantes giros del guion, sino más bien en el innegable carisma de Guillermo Francella, sin duda uno de los mejores actores cómicos argentinos de hoy en día.
El edificio como microuniverso, ese que nos hacía recitar de memoria Granadero Arismendi 1630 como si fuera una dirección real, se ha ido diluyendo y dando lugar a una trama mucho más grandilocuente y dispersa, lo cual parece incluso ser mal de la época, pues lo mismo están haciendo con sus series reconocidas franquicias internacionales como Alien o It, que han decidido apostar a la megalomanía y dar por tierra con todo cuanto antes les daba encanto y singularidad, cuando una nave en el espacio profundo o una ficticia comunidad de Maine eran microcosmos en sí mismos.
Ello, entre otras cosas, hace que la sorpresa desaparezca y, a pesar de los innumerables y cansinos giros de la trama, ya sepamos cómo va a reaccionar Eliseo ante cada situación. A ello se suma que, al jugar la misma en improbables esferas cada vez más altas, se va haciendo también cada vez más disparatada. Y si bien es cierto que el disparate formaba parte de la propuesta inicial, funcionaba a partir de situaciones creíbles y reconocibles, como un encargado despedido o un proyecto para construir una piscina en una terraza.
Pero que un simple encargado (sin menospreciar) se convierta en figura cercana al presidente o arme su propio funeral sin ser siquiera sometido a juicio por ello carece de cualquier base en la realidad y roza el completo delirio: la parodia deja lugar al absurdo y este al surrealismo…
Profundizando el rumbo de la segunda temporada, la historia se vuelve mucho más oscura en la tercera y ya no es tan fácil simpatizar con Eliseo, quien antes era alguien a quien querían echar de su trabajo y tirar abajo su departamento. Era imposible no identificarse con él, aun cuando sus estratagemas y métodos nos generaran conflicto ético. Queríamos que ganara y le festejábamos cada logro por turbio que fuera el camino para llegar al mismo.
Pero a partir de la tercera, ya no hay conflicto: Eliseo es lo mismo que el resto y pasa sin prejuicio ni culpa por encima, incluso, de quienes están en su misma condición. Como Mr. Bean, podrán decir algunos en su defensa, pero a diferencia del tan detestable como genial personaje de Rowan Atkinson, aquí la cosa no está suficientemente matizada con la dosis de humor que la volvería, en buen sentido, absurda. Ese humor que sí estaba en la primera temporada y que, en fugaces destellos (como la falsa ceremonia fúnebre o el aviso de café, que me hicieron desternillar de risa), recupera la cuarta.
De hecho, pareciera que se ha buscado en esta última rescatar en parte aquella esencia inicial y volver a poner en el centro de la historia el antagonismo entre Eliseo y Zambrano, tanto que, según parece y como si siguiera el camino de Saul Goodman, el corrupto abogado tan brillantemente interpretado por Manuel Goity tendrá pronto su spin-off.
Hay además una línea más claramente política en estas dos temporadas pero, cuidado, que ese tema ha sido a mi juicio bastante banalizado en medios y redes sociales, donde se ha acusado a la serie de decantar hacia un discurso libertario demasiado evidente y consonante con la actualidad política argentina.
No estoy tan de acuerdo. Es cierto que Eliseo es individualista y rechaza toda forma de organización, lo cual podría acercarlo a un ideal anarcoliberal, pero si se pretendiera exaltar eso como virtud, se lo presentaría como sujeto correcto, legal y dechado de virtudes, en lugar de voraz, vividor e inescrupuloso.
Entiendo que la intención (especialmente en la tercera temporada) es subsumir en un edificio los conflictos sociales y políticos que hoy caracterizan a la Argentina y de allí que, de un lado o del otro, se puedan reconocer frases, cánticos o eslóganes que identifican a facciones hoy en pugna. Pero, más allá de que Duprat y Cohn tengan la ideología que tengan, la sátira está dirigida contra todo el sistema político y lo único para decir, al respecto, es que podría haber sido un poco menos obvia…
Detalle no menor y sumamente emotivo de la cuarta temporada es el episodio que incluye a Luis Brandoni volviendo a interpretar al entrañable Polaco y que se convierte en uno más de los homenajes póstumos que el celebrado y lamentablemente fallecido actor viene teniendo por estos días en pantalla. Hace poco hemos visto, de hecho, el filme Parque Lezama (aquí nuestra crítica) y tenido la noticia de que le veremos todavía una vez más en la segunda temporada de Nada (aquí nuestro análisis de la primera). Es como si no terminara de irse y bienvenido sea…
El Encargado, en definitiva, sigue siendo una serie entretenida que se sostiene sobre todo en un gran Francella capaz de hacer que su rostro pase de una expresión afable a una que da miedo con total naturalidad y sin solución de continuidad. Y en un Goity que nos hace querer verle en pantalla por mucho que le odiemos, lo cual es exactamente la definición de gran villano (a Froilán o a Morris prefiero verles lo menos posible, por ejemplo).
Pero la realidad es que la propuesta está agotada y los responsables estirándola con una trama cada vez más grandilocuente y disparatada, a la par que menos interesante. No sé con qué nos podamos encontrar en una quinta temporada que no parece necesaria. De hecho, partirá de la ridícula premisa de que, tras el montaje fúnebre de Eliseo, los vecinos han decidido largarse del edificio en lugar de, simplemente, despedirlo o denunciarlo penalmente. Sobre esa base tan endeble es difícil esperar mucho, pero estoy seguro de que la veremos de todos modos…
Acaban de salir a la luz las primeras previsiones de taquilla para Supergirl, y si la película del Universo Cinematográfico de DC se estrena en el extremo inferior de las previsiones, podría recaudar tan poco o menos a lo que hizo The Marvels en 2023.
Supergirl llega a los cines el mes que viene, y todas las miradas están puestas ahora en si la Mujer del Mañana podrá mantener el impulso de DC Studios después de que Superman recaudara más de 624 millones de dólares en todo el mundo el año pasado (convirtiéndose en la película de superhéroes más taquillera de 2025).
DC sigue siendo una marca mancillada, y James Gunn y Peter Safran sabían desde el principio que cambiar esa percepción sería un duro reto. Supergirl forma parte de la «Saga de Superman», con Milly Alock retomando su corta aparición en Superman en esta aventura en solitario antes de aparecer de nuevo en un papel secundario en Man of Tomorrow, el próximo verano.
A poco más de un mes del estreno, es difícil negar que Warner Bros. no ha logrado crear la misma expectación de «evento imprescindible» que generó con Superman el pasado mes de julio. Supergirl también llega en un mal momento, ya que se estrena en cines una semana después de Toy Story 5, cinco días antes de Minions & Monsters y dos semanas antes del remake en imagen real de Moana o Vaiana en Europa.
Según Box Office Theory, las previsiones actuales apuntan a que Supergirl recaudará entre 47 y 65 millones de dólares en Norteamérica en su estreno. Si se sitúa en el extremo inferior, equivaldría a los resultados de The Marvels en 2023, y eso sin contar la inflación. Recordemos que The Marvels fue un fracaso sin precedentes y acabó con 84 millones en Estados Unidos y 206,1 millones de dólares a nivel mundial. En el extremo superior, se acercaría más a Capitán América: El primer vengador y Thor, que recaudaron 370 millones y 449 millones de dólares a nivel mundial, respectivamente. Pero de nuevo tengo que recordar que son películas de 2011, y la inflación desde aquellos años es brutal.
Supergirl podría ser un éxito moderado para DC Studios o uno de los mayores fracasos del verano. Es demasiado pronto para saberlo, aunque pronto tendremos datos más concretos, ya que se espera que la preventa para Estados Unidos salga a la venta la próxima semana.
Las primeras reacciones en torno al título de DC han sido dispares, con los tráileres recibiendo muchos votos negativos debido a las similitudes con Guardianes de la Galaxia y a una paleta de colores desvaída que no hace justicia al cómic Supergirl: Mujer del mañana. Los recientes comentarios de Milly Alcock también han molestado a algunos fans, mientras que el debut de Jason Momoa como Lobo no está resultando ser el éxito rotundo que algunos esperaban.
Pixar ha compartido el tráiler final de Toy Story 5, junto con una nueva serie de carteles para empresas como IMAX, ScreenX y RealD 3D, que podrás ver más abajo en el artículo. Pero como dato curioso, y lo que reza el titular es enterarnos que el artista puertorriqueño se une a las voces de los personajes de la película. Bad Bunny hará el papel de Pizza with Sunglasses, una porción de pizza con gafas de sol. La traducción sería algo así como ‘Pizza con Gafas de Sol’, aunque habrá que esperar al estreno de la cinta. Pero lo que es seguro es que Bad Bunny estará en Toy Story 5.
Con un aire natural y misterioso, ‘Pizza con Gafas de Sol’ forma parte de una pequeña pero poderosa comunidad de juguetes olvidados que viven en un cobertizo abandonado del patio trasero. Veremos en que deriva todo todo.
Aunque en los tráileres se presenta a Lilypad (tablet) como la villana de Toy Story 5, la codirectora McKenna Harris revela por qué eso no es necesariamente así.
«Mucha gente del estudio quería que ella fuera la villana, y fue muy difícil encontrar el equilibrio porque creo que todos llegamos con emociones muy cargadas hacia los dispositivos. Al final, nunca tuvo sentido», declaró a la revista especializada. «No vamos a deshacernos de estos dispositivos, por mucho que lo intentemos».
«Siempre voy a tener mi teléfono. Probablemente voy a ser parcialmente adicta a él. Así que me pareció adecuado que los juguetes tuvieran que lidiar con ese matiz».
Los juguetes vuelven en Toy Story 5, de Disney y Pixar, y esta vez se trata de «Toy meets Tech». Los trabajos de Woody (Tom Hanks), Buzz Lightyear (Tim Allen), Jessie (Joan Cusack) y el resto de la pandilla se ven amenazados cuando se enfrentan a Lilypad (Greta Lee), una tablet nueva que llega con sus propias ideas revolucionarias sobre lo que es mejor para su niña, Bonnie. ¿Volverá a ser igual la hora de jugar?
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hay personajes que nacen en una viñeta y se quedan a vivir en la ciudad que los vio aparecer. Eso es lo que le ha pasado a Roger Rojas, el antihéroe toledano del noveno arte, que vuelve a la carga con Roger Rojas y el Secreto del Orbe Oscuro, su nueva aventura de la mano de mis queridos Salva del Viso y Jesús del Viso, publicada por Serendipia Editorial.
Y lo hace, además, con una puesta de largo que no puede ser más simbólica:
Este jueves 28 de mayo, a las 19:30 horas, en el Castillo de San Servando, con el Tajo de fondo y la ciudad preparándose para el Corpus.
Roger Rojas y el Secreto del Orbe Oscuro
La premisa de este nuevo álbum es tan sencilla de resumir como rica en matices: aventura, misterio y fantasía en un Toledo más mágico que nunca.
Roger y sus amigos se verán las caras con una organización secreta ligada a un poder ancestral capaz de alterar el destino del mundo mientras la ciudad vive de lleno la fiesta grande del Corpus Christi. Es decir, conspiraciones, rituales, callejones, procesiones, el bullicio en el Casco y esa sensación de que, en cualquier esquina, puede abrirse una puerta a algo que no entendemos del todo pero que nos fascina.
Si algo caracterizaba ya a Roger Rojas y la mesa del Rey Salomón, la anterior entrega de la serie, era esa mezcla de tebeo de aventuras clásico con cariño absoluto por Toledo, sus maravillosas leyendas y sus gentes.
En El Secreto del Orbe Oscuro, Salva y Jesús del Viso vuelven a jugar la misma partida, pero subiendo la apuesta: Más páginas, más desarrollo de personajes, más guiños al lector de aventuras fantásticas y por lo que adelanta la sinopsis, un Corpus convertido en escenario perfecto para que lo sobrenatural y lo cotidiano se den la mano.
Detrás de todo esto está Serendipia Editorial, un sello pequeño pero empeñado en hacer las cosas bien, que ya apostó por Roger Rojas en su primera aventura y que repite ahora con una edición cuidada, en tapa dura, 160 páginas y precio en torno a los 22,95 euros, moviéndose en los estándares del cómic europeo de este tipo.
Es el típico volumen que apetece tener en la estantería, que entra por los ojos y que, si conoces Toledo, te obliga a ir pasando las páginas con ese “esto me suena, creo que he pasado por aquí” que tanto nos gusta.
La presentación de este jueves 28 de mayo, a las 19:30, en el Castillo de San Servando y no es solo un acto más en la agenda cultural de la ciudad, sino casi una declaración de intenciones.
Hablar de un cómic que convierte Toledo en escenario de aventuras fantásticas dentro de un castillo que ya forma parte de nuestro imaginario colectivo es cerrar un círculo perfecto entre historia, mito y viñeta.
Que además estén allí Salva y Jesús del Viso, jugando en casa y arropados por su gente, convierte la cita en una de esas tardes que cualquier amante del cómic, de la fantasía y de la propia ciudad debería marcar en rojo.
Porque Roger Rojas y el Secreto del Orbe Oscuro está pensado, claro, para jóvenes lectores y para quienes se acerquen al cómic buscando acción, ritmo y personajes cercanos, pero también tiene esa capa extra que disfrutamos quienes llevamos años leyendo tebeos y viendo cómo el género fantástico se mezcla con la realidad cotidiana.
No todos los días uno puede decir que hay un héroe que se enfrenta a fuerzas arcanas en mitad del Corpus, con Toledo como tablero de juego y un tono que combina aventura, fantasía y humor.
Así que, si este jueves 28 de mayo a las 19:30 puedes acercarte al Castillo de San Servando, ya tienes plan. Presentación, autores, firmas, un entorno privilegiado y la excusa perfecta para descubrir (o reencontrarte con) un personaje que ha venido para quedarse en el mapa sentimental y fantástico de la ciudad.
Luego, si queréis, hablamos sobre si el Orbe es tan oscuro como promete su título… Pero eso ya será, como siempre, entre viñetas y con calma.
Venid este jueves a la presentación de Roger Rojas y el Secreto del Orbe Oscuro y por supuesto …
El mundo del cómic americano de ‘superhéroes’ ha estado tradicionalmente dominado por las dos grandes editoriales de siempre, pero a principios de los años noventa surgió una alternativa dispuesta a reclamar su parte del pastel. En ese caldo de cultivo nació Valiant Comicsy, ahora que vamos a tener en España la nueva etapa llamada Valiant Beyond, quiero aprovechar para hablar de esos personajes que marcaron a la editorial.
La idea principal es hacer un pequeño resumen de cada personaje antes de la llegada de sus nuevas series de la mano de Moztros. Así que vamos a empezar por Bloodshot, que verá la luz a principios de este mes de junio. Este personaje, que cabalga entre la acción visceral de finales del siglo pasado y cualidades que nos recordarán a Lobezno o a Punisher, se convirtió rápidamente en el gran estandarte de la editorial.
Su figura encarna a la perfección el concepto del antihéroe definitivo: un hombre transformado en el arma perfecta que debe luchar contra un ejército de enemigos y, al mismo tiempo, contra los fantasmas de su propia mente.
Antes de entrar en detalles de quién es Bloodshot, quiero hablar un poco de cómo ha sido, desde el punto de vista editorial, el periplo de Valiant en España, por cierto nada fácil.
Baile de editoriales
La andadura editorial de Bloodshot y de todo el universo Valiant en España ha sido un camino duro y turbulento, caracterizado por un constante baile de editoriales que han intentado asentar la franquicia en el mercado sin demasiada suerte. Tras los primeros intentos en la época de los noventa a través de sellos como Norma Editorial, el gran desembarco de la era moderna comenzó de la mano de Panini Cómics, que apostó por publicar los primeros compases del relanzamiento de 2012.
Poco después, el testigo pasó a manos de Aleta Ediciones, que continuó expandiendo el universo de estos héroes alternativos. Sin embargo, la época dorada de Valiant en España llegó con Medusa Cómics, un sello de la Editorial Hidra que realizó un trabajo encomiable de traducción, constancia y diseño en tomos recopilatorios que ganaron una base de lectores sumamente fiel en nuestro país.
Cuando Medusa abandonó la licencia y el panorama parecía desolador para los aficionados, la editorial Moztros acudió al rescate para evitar que este rico universo se perdiera en el olvido. La estrategia de Moztros ha sido muy inteligente, combinando la publicación de las series contemporáneas con líneas específicas diseñadas para nuevos lectores. Un ejemplo perfecto de esto fue el lanzamiento a mediados de 2025 del tomo recopilatorio titulado Valiant Orígenes: Bloodshot, un volumen accesible que recoge los primeros números de la aclamada etapa de Swierczynski para que cualquiera pueda engancharse.
El futuro del personaje en España se presenta emocionante gracias a la estrecha colaboración entre Moztros y Alien Books, cuyo próximo paso es el arranque de la esperada línea Valiant Beyond a principios de junio de este 2026. Con su mezcla inconfundible de ciencia ficción, conspiraciones y una irrefrenable búsqueda de humanidad, el hombre de los nanitos continúa demostrando que hay mucha calidad más allá de los superhéroes convencionales.
¿Quien es Bloodshot?
Los orígenes de Bloodshot se remontan a 1992, año en el que fue creado por los autores Kevin VanHook, Don Perlin y Bob Layton y como la mayor parte de los personajes de esta editorial, tuvo un origen que años después cambió.
Cuando fue creado, su identidad original era Angelo Mortalli, un despiadado e implacable sicario de la mafia de Nueva York (de la familia Carboni) que, tras cometer el error de serle infiel a su prometida, la hija de Gino Canelli, este se vengó tendiéndole una trampa por asesinato. Mortalli intentó acogerse a la protección de testigos del FBI delatando a la familia, pero la mafia tenía agentes comprados que lo secuestraron y lo vendieron a los laboratorios de Project Rising Spirit para experimentar con él. Le borraron la mente, le inyectaron los nanobots y lo convirtieron en Bloodshot.
Es cierto que ese origen ya quedó olvidado y el que ha perdurado es el que Acclaim construyó cuando se hizo con Valiant en 1997, una génesis que a muchos les recordará a ‘Soldado Universal’ de Jean-Claude Van Damme.
Bajo el nombre de Ray Garrison, nos encontramos ante un soldado de élite que cae en combate y es resucitado en secreto por el Proyecto Rising Spirit, un contratista de defensa clandestino y sin escrúpulos. Mediante un experimento de bioingeniería sin precedentes, los científicos inyectan en su torrente sanguíneo miles de millones de ordenadores microscópicos conocidos como nanobots.
Estas nanomáquinas sustituyen por completo su sangre y le otorgan habilidades sobrehumanas, tales como una fuerza asombrosa, la capacidad de comunicarse con dispositivos electrónicos y una regeneración celular casi instantánea que le permite sobrevivir a heridas mortales, disparos directos e incluso a la incineración total.
Sin embargo, el verdadero drama de Bloodshot no radica en su letalidad física, sino en el absoluto control que sus creadores ejercen sobre su psique. Para asegurar su total obediencia, el Proyecto Rising Spirit borra repetidamente la memoria de Garrison y le implanta recuerdos falsos antes de cada misión. En su mente, Ray cree tener una esposa y un hijo a los que debe salvar o vengar, lo que le impulsa a actuar con una motivación feroz y ciega. La verdadera historia del antihéroe comienza cuando logra romper su programación al darse cuenta de que toda su vida es una mentira de laboratorio.
A partir de ese momento, su cruzada se transforma en una búsqueda incansable de su verdadera identidad, un viaje sangriento por descubrir quién era antes de que lo convirtieran en una máquina de matar de piel pálida y un gran círculo rojo en el pecho.
Con el gran relanzamiento del Universo Valiant en el año 2012 (publicado en España por la editorial Medusa), el personaje recibió una profunda redefinición de la mano del guionista Duane Swierczynski y artistas como Manuel García o Arturo Lozzi. Esta etapa modernizó al héroe, potenciando la crudeza y el tono de thriller de acción conspiranoico, dotándolo de una violencia estética espectacular pero muy justificada por la carga emocional del protagonista.
Fue precisamente este enfoque el que terminó por consolidar a Bloodshot como un icono moderno, capaz de saltar incluso a la gran pantalla en una adaptación cinematográfica que no estuvo a la altura, pero que demostró el enorme potencial comercial de la franquicia fuera de las fronteras habituales de la industria de las viñetas.
El día 21 se estrenó ‘The Mandalorian y Grogu’ y Disney parece haber escuchado por fin lo que una gran parte del público general venía reclamando desde hacía tiempo en las salas de cine. Tras unos años en los que Star Wars parecía obligada a construir universos hiperconectados y tramas galácticas tan enrevesadas que a menudo terminaban con guiones torpes, la casa del ratón ha decidido apostar firmemente por la sencillez.
Con el estreno de esta nueva aventura cinematográfica, el estudio ha dejado de lado las pretensiones de trascendencia filosófica y las tramas grandilocuentes para entregar un blockbuster de evasión puro, directo y tremendamente disfrutón. Es una propuesta comercial que abraza su naturaleza de espectáculo ligero, sin ningún tipo de complejos y que no busca de ningún modo reinventar la rueda de la ciencia ficción, sino devolver el entretenimiento sin complicaciones.
Conviene dejar claro desde el primer momento que la película no pretende convertirse en una obra maestra imperecedera del séptimo arte, pero tampoco se sitúa, ni de lejos, en el cajón de las malas producciones. Se mueve con total comodidad en ese terreno intermedio tan necesario y a veces olvidado por la industria actual: el de esas películas que son, sencillamente, muy entretenidas y disfrutables de principio a fin.
En esencia, todo el metraje huele, se siente y se saborea como un gran episodio de la serie de televisión original, pero potenciado por las ventajas obvias que ofrece la gran pantalla. La escala se nota más grande, los escenarios son imponentes y el ritmo está medido al milímetro para que las casi dos horas de duración pasen volando, manteniendo al espectador pegado a la butaca sin necesidad de saturarlo con dramas artificiales.
El verdadero motor emocional de toda esta aventura espacial del universo de Star Wars, y lo que verdaderamente sostiene la función en cada plano, es la incombustible relación entre sus dos protagonistas principales. La química en pantalla entre Din Djarin y Grogu sigue siendo, de lejos, lo mejor de toda la película, demostrando que este vínculo paternofilial intergaláctico sigue siendo el alma indiscutible de la franquicia. Lo que me ha recordado mucho a ‘Pragmata’ de Capcom
No importa cuántos enemigos aparezcan es las escenas de acción, ni cuantas explosiones haya en pantalla, la atención del público siempre regresa de forma inevitable a ellos. El cazarrecompensas se mantiene muy fiel a su esencia, mostrándose en su salsa como ese protector eficaz, taciturno y directo que nos conquistó en la televisión, sirviendo como el contrapunto serio e inquebrantable ideal para las divertidas andanzas de su pequeño compañero.
Y es que, si hablamos de carisma, hay que rendirse ante la evidencia de que Grogu se roba el espectáculo de una manera absoluta. Cada vez que el pequeño ser asoma la cabeza por la pantalla, acapara todas y cada una de las miradas de la sala de cine, regalando los momentos más divertidos, tiernos y genuinamente memorables de la producción.
El director es plenamente consciente del imán que tienen entre manos y explota al máximo su expresividad, sus reacciones humorísticas y su inocencia, logrando que incluso las escenas menos recordables cobren una chispa especial gracias a su presencia. Su evolución aporta una frescura muy de agradecer, consolidándolo no solo como un alivio cómico de lujo, sino como el auténtico rey de la función cinematográfica.
En el terreno puramente técnico y visual, la producción saca todo el músculo imaginable para justificar con creces el precio de la entrada. Los efectos especiales son sencillamente impecables y funcionan en cada uno de los planos, la potencia visual nunca ha sido un punto débil de Disney.
La acción está rodada con una claridad fantástica, huyendo de los montajes caóticos tan habituales en el cine contemporáneo, lo que permite disfrutar de cada coreografía de combate y de cada explosión con una espectacularidad que verdaderamente se siente cinematográfica y eleva el listón respecto a lo visto anteriormente en la pequeña pantalla. Favreau no destaca en nada, pero tampoco comete errores en lo que a dirección se refiere, hace un buen trabajo de asalariado del estudio.
Sin embargo, no todo es perfecto en este viaje intergaláctico, y el único punto flaco destacable que se le puede achacar a la cinta reside en su apartado musical. Es innegable que la banda sonora funciona a nivel de ambientación, pero peca de conformista al tirar en exceso de la nostalgia y repetir machaconamente el icónico tema principal de la serie con distintos instrumentos y tonalidades.
Aunque la partitura original es brillante y evoca inmediatamente el espíritu del personaje, la película abusa de esta melodía en lugar de arriesgarse a introducir nuevos motivos musicales que aportaran frescura a la aventura. Y los nuevos temas los he notado demasiado genéricos. A pesar de este pequeño tropiezo sonoro, el film cumple con creces su objetivo primordial: ofrecer una fantástica propuesta de escapismo palomitero concebida para desconectar de la rutina y salir del cine con una gran sonrisa de oreja a oreja.
Conclusión
En definitiva, ‘The Mandalorian y Grogu’ se consolida como el recordatorio perfecto de que el cine de entretenimiento no necesita ser pretencioso para resultar verdaderamente memorable. Esta nueva cinta de Disney nos devuelve los blockbusters de verano, como se espera que sean ‘He-man y los Másters del Universo’ o ‘Supergirl’. Ambas se estrenan inminentemente.
Al renunciar a las complejidades narrativas innecesarias y centrarse en lo que siempre hizo grande a esta historia, una relación entrañable, acción espectacular y altas dosis de diversión, el estudio ha logrado dar en el clavo con un producto sumamente honesto. Ir a lo seguro y no tratar de innovar hay a veces que no funciona y cansa al público, pero esta vez se ha acertado.
‘The Mandalorian y Grogu’ no cambiará la historia del séptimo arte (ni la de Star Wars), pero tampoco lo busca; su única ambición es hacer disfrutar al espectador. Para los fieles seguidores de la saga y para cualquiera que busque un soplo de evasión pura en la gran pantalla, este viaje junto al cazarrecompensas y su carismático compañero es una cita ineludible que demuestra que, a veces, el camino más sencillo es también el más acertado.
Aquí os dejo el tráiler de ‘The Mandalorian y Grogu’:
Se edita en España Libro de esbozos, de Jack Kerouac, el miembro más representativo de la generación Beat. Personaje errante, buscavidas y superviviente, alcanzó el éxito con En el camino, obra que lo catapultó a la fama mundial y protagonizó una de las grandes revoluciones de la literatura contemporánea.
Jack Kerouac
Su Libro de esbozos es un poemario que recopila tres años de viajes por América. Se trata de una obra fragmentaria en la que se suceden descripciones de paisajes, personas y vidas que el propio Kerouac encontraba durante sus recorridos.
«Paul, veterano de Palau
& Okinawa, soldado
de infantería en las junglas insulares,
ahora victima de la usura y las putadas»
Libro inédito hasta la fecha, está compuesto por quince cuadernos de escritura en los que el autor anotó sus poemas realizando un trabajo en bruto, sin filtros de la industria literaria. Esa fuerza salvaje, escrita con rapidez y apenas corregida, constituye el verdadero valor de estos esbozos. La obra fue concebida como poesía pura nacida del instante y de la contemplación. No obstante, esa poesía también es fruto de un trabajo riguroso: hay recursos literarios, hay estructura dentro de lo aparentemente desestructurado. Kerouac crea desde el conocimiento, no desde la improvisación.
La romantización de este proceso creativo puede hacer pensar que se pierde la calidad que aportan las múltiples revisiones. Sin embargo, también permite apreciar una obra libre de censuras y cortes editoriales, cercana en cierto modo al art brut propuesto por Jean Dubuffet.
Poema de Jean Dubuffet
Kerouac consigue un equilibrio entre ambas perspectivas. Sus poemas poseen unidad y encierran, en muchos casos, el ritmo del jazz mediante descripciones vibrantes imposibles de abandonar, además de algunas de las reflexiones más brillantes del autor, ocultas entre sus líneas. Es tarea del lector descubrir que estos “esbozos” son mucho más que simples garabatos.
“Desperté: tenía dos moscas follando en mi frente”
En los poemas encontraremos personajes rotos, deshumanizados tras la guerra y convertidos en presas del peor de los enemigos: las deudas. También aparece la industrialización y la manera en que las personas son despojadas de aquello que las hace humanas.
Estos poemas son el germen de la poesía que posteriormente Charles Bukowski llevaría al extremo con un lenguaje descarnado. Encontraremos personajes arrojados a un mundo que nunca fue ni será suyo, así como reflexiones de perdedores conscientes de que ya no les quedan fichas en este juego.
Charles Bukowski
CÓMO ESCRIBE EL VIEJO JACK SUS ESBOZOS
Libro de esbozos se caracteriza por la ausencia de comas, el uso constante del símbolo “&” en sustitución de la conjunción “y”, las onomatopeyas y las separaciones abruptas mediante puntos y comas a mitad de línea. Todo ello genera un encabalgamiento continuo que alterna la brusquedad con momentos más suaves, desplazando las últimas palabras de un verso hacia el siguiente.
Con todos estos artificios, el autor construye el ritmo. Son recursos destinados a acelerar la lectura, interrumpirla constantemente y retomarla sin pausa.
La primera parte del libro contiene poemas más descriptivos y narrativos, donde aparecen historias de perdedores, vagabundos y ciudades metálicas que pretenden sustituir a la carne errante.
La crítica al sistema se destila a través de sus palabras y se mezcla con la intimidad sucia del poeta. Estos temas recuerdan al ya citado Bukowski y funcionan como un primer paso hacia el posterior realismo sucio. En esta obra de Kerouac, sin embargo, muchos de esos detalles permanecen todavía en estado de esbozo: ideas, finales abiertos y rupturas textuales que buscan golpear al lector en el desenlace.
La segunda parte del libro intercala poemas más breves y experimentales, presentando proyectos e ideas en los que aparecen cuestiones existencialistas, reflexiones sobre el bien y el mal, expresiones sentimentales intimistas y descripciones acumulativas de nombres y adjetivos.
Esta segunda parte carece casi por completo de comas y encadena palabras sin verbos en varios poemas, imponiendo un ritmo frenético y, en ocasiones, claramente vanguardista.
EN RESUMEN
Libro de esbozos es una auténtica cara B del autor más famoso de la generación Beat. Contiene fragmentos de enorme calidad, ideas potentes y mensajes sorprendentemente frescos. La lírica se construye mediante recursos y efectos muy bien trabajados que hacen pasar por poesía espontánea unos textos nacidos de un profundo conocimiento de las técnicas poéticas.
Es cierto que muchos de estos esbozos podrían haber sido más pulidos y enriquecidos, dejando en ocasiones la sensación de ideas desaprovechadas. Aun así, incluso en sus imperfecciones resulta interesante rebuscar pequeñas joyas sobre personajes derrotados y sentimientos profundamente desarraigados.
