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Análisis sobre Luke Cage (Netflix). Temporada 1. Capítulo 2

lukecage-1x02   «Sabes siquiera quién era Crispus Attucks? Un negro libre. El primer hombre que murió por lo que después serían los Estados Unidos. Pudo asustarse cuando los británicos alzaron las armas. Mezclarse con la multitud. ¡Pero les plantó cara! Pagó con su vida. Pero inició algo. Es lo que hizo Pop … no yo. ¡Yo estuve de brazos cruzados hasta que él les plantó cara! Y también a él le costó la vida. ¡Se acabó el estar de brazos cruzados!

Luke Cage

   Posts anteriores: Análisis sobre Luke Cage (Netflix). Temporada 1. Capítulo 1.

Enemigos de Cage

   Con este y el capítulo anterior, ya está claro quienes, por el momento, son los enemigos de Luke Cage.

Cottonmouth (Mahershala Ali).
Cottonmouth (Mahershala Ali).

   Primero tenemos al mafioso del Harlem,  Cottonmouth. Este señor de las drogas, creado por Len Wein y George Tuska en  Power Man #18 (74), es conocido en los tebeos como Cornell Cottonmouth. Si bien en la serie lo llaman Cornell Stokes y no soporta ser llamado Cottonmouth, probablemente por las circunstancias que le llevaron a adquirir ese apodo. Circunstancias que lo relacionan con Henry ‘Pop’ Hunter. En este episodio se descubre que ambos eran amigos de niños y participaban juntos en peleas callejeras. De hecho el apodo ‘Pop’ parece que se debía al ruido que hacían sus puños contra sus adversarios.

Power Man #19 (74). Por Ron Wilson.
Power Man #19 (74). Por Ron Wilson.

   En los cómics Cottonmouth era presentado como un capo de New York al servicio de Kingpin y rival de Willis Stryker, amigo de la niñez de Luke. Willis fue responsable de que su amigo fuera a parar a la cárcel, tal y como os conté en el post dedicado primer capítulo de esta serie. De ahí que cuando Cage escapa de prisión, ya convertido en Power Man, fuera primero a por Stryker y luego a por el resto de capos, entre ellos Cottonmouth.

   Por cierto, en el episodio anterior de esta serie, Cottonmouth menciona a un competidor, Diamondback, con el que Shades Alvarez parece estar asociado. Pues, en los tebeos, Diamondback era la identidad que adoptó Willis Stryker tal y como pudo verse en Luke Cage, Hero for Hire#1 (72).

   El tópico de dar a los villanos de los cómics nombres, apariencias y habilidades relacionadas con reptiles estaba en consonancia con las connotaciones negativas que, en nuestra tradición occidental, se les suele dar a las serpientes. De manera que los malos, parecían aún más malos. Ese simbolismo tradicional esta algo fuera de lugar en una serie  contemporánea como esta, que pretende ser lo más creíble posible, en un contexto superheróico urbano. De ahí que el nombre Cottonmouth sea un mote, resultado de una pelea, en la que Cornell perdió varios dientes. Dejaremos a Diamondback para más adelante.

Shades Alvarez (Theo Rossi).
Shades Alvarez (Theo Rossi).

   De quien si voy a hablar un poquito es de Shades Alvarez, tercer villano de lo que llevamos de serie. Tanto él como Cage fueron prisioneros en Seagate, en las historietas y en la serie. En la serie Luke lo reconoce al momento, pero Shades parece no recordar a Cage. En los cómics ambos pertenecían a la misma banda, junto a Stryker y Comanche y ambos habían sido maltratados en la cárcel por el guardia Albert «Billy Bob» Rackman. Posteriormente, Shades será contratado por el empresario Ward Meachum, quien le proporcionará un visor con el que disparar rayos. El que en esta serie Shades aparezca, continuamente, con gafas de sol parece un guiño a eso.

Mariah Dillard (Alfre Woodard)
Mariah Dillard (Alfre Woodard)

   Vamos con el cuarto villano, o más bien villana, en lo que llevamos de serie. Se trata de Mariah Dillard (Alfre Woodard), concejal de Harlem que aspirar a ascender políticamente vendiendo a sus vecinos un proyecto urbanístico. El problema es que quiere conseguirlo por medio de la demagogia y la extorsión. Extorsión facilitada por su primo, Cornell Stokes, quien, además, financió su campaña política.

   En los tebeos, su físicio y su estatus social es bien diferente. Mariah Dillard o Black Mariah, creada por Billy Graham, George Tuska y Steve Englehart en Luke Cage, Hero for Hire #5 (73), era la absurdamente voluminosa jefa de una banda de criminales de New York, the Rat Pack. Podemos decir que tenía una apariencia tipo Kingpin, pero en mujer afroamericana.

   Tanto Dillard como Stokes dicen ser nietos de la mafiosa de Harlem, Mama Mabel Stokes, la cual sólo se ha mencionado e imagino que irá apareciendo conforme se vaya indagando en el pasada de estos dos elementos. Decir que no hay equivalente en los cómics de este personaje, al menos yo no lo he encontrado.

Tone (Warner Miller).
Tone (Warner Miller).

   Dejando a subordinados aparte, el último indeseable que vamos a mencionar es Turk Barrett. Si Turk ese delincuente de tres al cuarto del que ya os hablé en Daredevil. Claramente su aparición está pensada para ir conectando las series de Netflix. Pero no es para nada arbitraria ya que sus acciones desencadenaran la muerte tanto de ‘Pop’ como de la mano derecha de Cottonmouth, Tone (Warner Miller).

Aliados de Cage

   Por el momento tenemos dos. Los detectives Misty Knight (Simone Missick) y Rafael Scarfe (Frank Whaley).

   Misty Knight era una policía afroamericana, creada por Tony Isabella y Arvell Jones en Marvel Premiere #20 (75). Tras un incidente con una bomba su brazo derecho acabó en un estado grave, por lo que Tony Stark (Iron Man) se lo reemplazó por uno biónico que le permitió incrementar su fuerza a niveles sobrehumanos. Posteriormente, con su amiga Colleen Wing, crearía una agencia privada de detectives llamada Nightwing Restorations Ltd. con la que ayudaría a Luke Cage y a Puño de Hierro antes de que ambos se establecieran independientemente como Héroes de Alquiler. Además, Misty mantendrá una relación con uno de ellos, con Puño de Hierro.

Misty Knight (Simone Missick).
Misty Knight (Simone Missick).

   En esta serie Misty es detective de policía en Harlem y, como en este episodio descubre Cage, -recordemos que los dos se acostaron en El momento de la Verdad tras conocerse en Harlem’s Paradise– no es auditora. Además, por el momento, mantiene su brazo derecho intacto.

   El que se haya acostado con Cage parece algo anecdótico si tenemos en cuenta que lo más probable es que este acabe con Jessica Jones y Misty con Puño de Hierro, en su próxima serie.

Rafael Scarfe (Frank Whaley).
Rafael Scarfe (Frank Whaley).

   Probablemente, el que Jones no salga, en parte responde a tener libertad para poner a Luke en estas situaciones de tensión sexual. Aunque queda un poco forzado el que no veamos a Jessica tratando de buscarle.

   El colega de Misty, el detective Rafael Scarfe, está basado en el personaje del mismo nombre, creado por Chris Claremont y Pat Broderick en Marvel Premiere #23 (75). Fue compañero de Misty en su época de policía.

Henry ‘Pop’ Hunter: ¿El tío Ben de Luke Cage?

luke_cage_pop_cosas_felices    Si, podía haber añadido al bueno de Pop en la sección anterior, la de aliados de Cage, pero quería dedicarle un apartado independiente, dada la relevancia que tiene en este capítulo.

   Podríamos decir que Pop es como el ángel guardián de las almas perdidas de Harlem, lo que, como podemos ver en este episodio, acabará por costarle caro, al tratar de proteger a Wilfredo ‘Chico’ Diaz (Brian ‘Sene’ Marc) quien, junto con Shameek Smith (Jermel Howard), se habían apropiado de dinero perteneciente a Cottonmouth.

   En Code of the Streets, Código de las calles, conocemos el pasado de Pop que, curiosamente, es muy parecido al de Luke Cage, al menos en los cómics, porque en lo que se refiere a la serie han cambiado el lugar de procedencia de nuestro protagonista. No entiendo muy bien por qué, así que voy a esperar a que profundicen en el origen del amigo Lucas, en capítulos posteriores, para tratar el tema.

   El título bien podría hacer referencia a una especie de código de honor al que intenta apelar Pop con Cornell en recuerdo de su vieja amistad y buscando el bienestar de los residentes de Harlem. Por desgracia los tiempos cambian y las circunstancias van a dictaminar que cualquier posible entendimiento entre ambos se rompa bruscamente.

   Pop, se revela como la voz de la conciencia de Luke, de ahí que lo equipare al Tío Ben de Peter Parker (Spider-Man). Es un Tío Ben hecho a la medida de Cage, afroamericano del Harlem con un pasado problemático que le pasó factura, le hizo cambiar de actitud y desarrollar un código. Lo que acabo de decir en el párrafo anterior.

¿Necesitaba Luke Cage un personaje como este?

   La pregunta es ¿necesita Luke Cage un personaje como este? Un personaje, además, creado para esta serie. Para un propósito, y una vez cumplido, se quita de en medio.

Heroes for Hire #17 (98). Por Pascual Ferry.
Heroes for Hire #17 (98). Por Pascual Ferry.

   La respuesta a la pregunta sería no. No si tenemos en mente el primer Luke Cage, el concebido por Archie GoodwinJohn Romita Sr. en los setenta, en un momento en que interesaba reivindicar los derechos de una determinada población víctima de continuos abusos. De ahí que Cage, una vez fuera de Seagate y cumplida su venganza, tuviera claro lo que quería hacer.

   Pero claro, en la serie se ha dado un salto a un Luke más reflexivo, más culto, más en la línea en que lo enfocaron John Ostrander y Pascual Ferry en la colección Heroes for Hire de finales de los noventa. Rompiendo así el estereotipo de macarra inculto, violento y problemático. En mi opinión lo prefiero así.

   Aún así pienso que este episodio, Code of the Streets, ha sido innecesario. Lo que se ha contado aquí podía haberse contado en el anterior, Moment of Truth. Me da la impresión de que se ha mareado la perdíz. La diferencia del segundo episodio con el primero son unas muertes que podían haber tenido lugar en el primero, el cual se alargó demasiado para mi gusto.

   Nos leemos en otrs posts de Las cosas que nos hacen felices.

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Un monstruo viene a verme, el conmovedor cuento de Bayona

J.A. Bayona comenzó su particular trilogía sobre las relaciones familiares en el año 2007 con El orfanato, una película producida por Guillermo del Toro -bayona le considera su mentor- y protagonizada por Belen rueda. En su debut pudimos ver el talento de este director que con una gran sensibilidad y una obsesión por el detalle nos cuenta la historia de una madre que pierde a su hijo en una historia repleta de detalles fantásticos y paranormales. Esta película le sirvió como un gran impulso a su carrera, lo que le permitió rodar en el año 2012 Lo imposible, protagonizada por Ewan McGregor y Naomi Watts, que fue un éxito en taquilla -récord mejor estreno internacional de una producción español- y tuvo críticas positivas, además de numerosos premios como  nominaciones a los Óscar, Globos de Oro y premios Goya.

En el año 2007 fallecía prematuramente la novelista juvenil Siobhan Down con 47 años debido a un cáncer de mama dejando una historia medio acabada llamada Un monstruo viene a verme. Esto llevó que en el año 2014, la editorial  Walter Book contratara a un novelista llamado Patrick Ness para que desarrollara la idea comenzada por Siobhan a modo de homenaje. El libro fue un éxito de crítica y era cuestión de tiempo que llegara una adaptación a la gran pantalla, una historia perfecta para el talentoso director español Jose Antonio Bayona.

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Bayona cierra su trilogía de manera brillante con la versión cinematográfica de esta novela -cuyo guión está a cargo de Patrick Ness, el autor del libro– con una conmovedora película que se ha ganado el título de “película lacrimógena”. Pero es más que eso, es una película que llega a emocionarte como un cuento, pero de manera adulta. Una historia sobre la superación, el dolor familiar y la aceptación.

https://www.youtube.com/watch?v=EfMaNwtUmXY

La película cuenta la vida de Connor O’Malley (Lewis MacDougall), un niño de 12 años que tiene que cuidar de su madre (Felicity Jones) enferma de cáncer, si bien esto no te parece suficiente drama, el chico tiene que soportar las agresiones y burlas de sus compañeros de escuela, la testarudez y frialdad de su abuela (la teniente Ripley Sigourney Weaver) así como la separación de sus padres, lo que ha llevado que su padre (Toby Kebbell) viva en los Estados Unidos con una nueva familia. Quizás me haya parecido excesivo tanto melodrama, pero la verdad es que la película refleja de manera muy acertada y metafórica como intentamos aliviar el sufrimiento. Todos hemos pasado por algún momento en el que necesitamos refugiarnos del dolor, y en el caso de Connor este se ve reflejado con un monstruoso árbol (voz de Liam Neeson) -bastante parecido a los Ent de Tolkien– que le ayudará a superar su mal momento con unos relatos pintados a acuarela y poniendo tintes fantásticos a la película muy al estilo de Guillermo Del toro. Este monstruo que va a verle es una metáfora sobre la fuerza de aceptar el dolor y la tragedia.

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Las interpretaciones son muy buenas, desde un inmenso Lewis MacDougall (Pan: viaje a nunca jamás) quien superó un casting de 1000 niños, hasta una Felicity Jones (La teoría del todo) en un papel bastante complicado y demostrando que es una de las mejores actrices de su generación. Pienso que el resto del reparto está poco aprovechado, así como las tramas de la abuela y el padre de Connor. Si bien Sigourney Weaver tiene un personaje tan interesante como obvio en algunos momentos, tiene momentos para lucirse y lo hace sobradamente demostrando que por algo es un icono del cine, al final de la cinta me quedé con ganas de verla más.

Otra de las claves de la película es el apartado técnico que corre a cargo del estudio de animación Headles consiguiendo un gran trabajo construyendo un monstruo imponente pero que resulta predecible en la trama y no engaña en su intento por parecer aterrador, ya que se intuye  de un principio que no es tan monstruo. La ambientación tan oscura y lúgubre de la cinta me ha encantado y adornada con la fantástica banda sonora creada por el compositor español Fernando velázquez, que ha sido grabada con la Orquesta Sinfónica de Euskadi y el Orfeón Donostiarra.

Conclusión

Recomiendo esta película por el gran trabajo de dirección al crear una historia adulta con detalles fantásticos sin perder la sensibilidad.

 

Regalamos el cómic Universo DC: Renacimiento cortesía ECC Ediciones

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Gracias a ECC Ediciones regalamos entre todos los seguidores de la web el cómic que redefine el los cómics de superhéroes de DC. Hablamos del primer ejemplar de UNIVERSO DC: RENACIMIENTO.

 El ganador se llevará el cómic que le llegará directamente a su casa.

 

¿Cómo participar?

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Más sencillo es imposible.

El ganador y finalista del Universo DC: Renacimiento se darán a conocer el 27 de octubre de 2016 a través de la y de las RRSS.

Análisis de Killjoys. Temporada 2. Capítulo 4

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Previously on Killjoys (de verdad que quiero empezar con otra frase pero no me puedo resistir … muchos años viendo Buffy tienen su efecto).

killjoys-temporada-2-capitulo-4-cosas-felices-00Empezamos el capítulo con una escena que bien podría ser sexual

El moreno y Dutch están entrenando duro en la nave espacial y mientras tienen una conversación donde mas o menos él le dice que no le importa que se acueste conel monje. Como si necesitara de su permiso. Pero bueno. Lo guay de la serie es que a pesar de la tensión sexual que quieren mantener entre ellos, y las terceras personas son un equipo. Y se nota. Al principio parecía una Dutchcracia, pero ha ido evolucionando y realmente la serie se llama Killjoys porque son un equipazo.

Les interrumpe el jefecillo de la RAC para contarles que ha detectado el destino del mensaje encriptado que envió Klhyeen. Es un planeta escuela donde llevan a los niños superdotados de Westerly, así que van a escoltar a un niño en esta ocasión. La orden lo es todo.

Ya en el bar de nuestro encantador amigo el moreno se hace el simpático con una rubia que hay allí contratada. JAJAJAJA en verdad somos todos así ¿eh que si?

killjoys-temporada-2-capitulo-4-cosas-felices-01

Lucy le dice a Johnny dónde cree que está la doctora Pawter y éste va a rescatarla

Lo mejor es la personalidad que le dan a la nave. Se me asemeja mucho a Dark Matter en algunos de estos aspectos, es lo bueno de la inteligencia artificial, siempre esperamos que tenga sentido del humor y sentimientos.

Pero Pawter parece que no necesita de su ayuda y se está ganando su libertad con un pulso. Increible! derrota a Montaña Fugi (si, de pequeña yo veía presing catch en verano, y el de las mujeres era muy chungo) como si fuera su primita pequeña.

Y uh uh   uh uh (el nuevo opening ese popero)

Se monta la de Dios! empiezan una buena pelea en un bar, y ¿a quien no le gustan las peleas de bares? a mí me encantan. Así consiguen salir y regresar a Westerly.

Nos resumen en un par de frases el sentido del equipo

Ducth lidera, el moreno dispara y el rubio se preocupa. Cierto. Si, exuda ese sentimiento de serie de chicas por todos los costados.

Así que Pawter se quedará en la nave con ellos hasta que sepa qué hacer con los planos que le robó a Jelco.

Van a reclamar al niño superdotadokilljoys-temporada-2-capitulo-4-cosas-felices-02

Pero el padre del niño no lo quiere dejar marchar y no me extraña. Este capítulo no me gusta nada, nos deja a los padres como los malos cuando desafiamos a que no vengan a quitarnos a nuestros hijos. El padre tiene toda la razón, y éstos killjoys no deberían llevarse al chico. Menos mal que pasan esto por alto y justo después el moreno tiene una charla muy simpática con el enano. Sí, los hermanos siempre te cubren las espaldas, por mucho que te apuñalen en ellas.

Y llega la pregunta desde la boca de Dutch. ¿Cuanto tiempo se quedará la doctora? Pues lo que le dé la gana, como el monje ¿no? curioso que cuando era el monje a ella no le importara y ahora resulta que el rubio tiene que estar superconcentrado. Un poquito egoista esto ¿no?

Llegan a la escuelakilljoys-temporada-2-capitulo-4-cosas-felices-03

Superexcitados por ser unos pocos elegidos. Pero algo raro está pasando. No hay nadie para dar la bienvenida.

Hasta que se activa un mensaje automático y reconocemos a la enemigo-amiga de Dutch que domina toda una gran casta: Della Seyah

El rubio y yo hemos pensado lo mismo: cuando las cosas se ponen raras siempre aparecen zombies. Qué buenos los guionistas!

Y aquí aparece Della Seyah reclamando a los niños también. Resulta que los niños que estaban «estudiando» en cápsulas de criogenización han desaparecido, y todos tienen que encontrarlos.

También nos enteramos de que Pawter y Della crecieron juntas. Claro! siendo hijas de la realeza no me extraña, pero nunca lo había pensado. Johnny y Pawter intentan saber qué ha pasado con los niños de forma conjunta. Y llegan a la conclusión de que fueron derretidos por las cápsulas de criogenización. PUAG! de verdad, se han lucido con este capítulo.

La cuidadora ha frito a los niñoskilljoys-temporada-2-capitulo-4-cosas-felices-05

Y ahora quiere que Della Seyah pague por sus crímenes. Así que reclama que vaya sola al nivel nueve. Y la van a usar de cebo. Como ésta no quiere, y se va muy digna ella. Pues Dutch acaba disparándole en la pierna. Toma, que esa no te la esperabas.

Mientras Della va hacia una trampa habla con Dutch y le pregunta sobre Khlyeen. Y nos enteramos de que él y Della se comunican de vez en cuando. Mmmmm interesante, ahora resulta que son aliados. ¿Qué será lo próximo?

 Resulta que la cuidadora les ha tendido una trampa a ellos. Y la verdad que un poco tonta. Ha utilizado un holograma y me sorprende que les haya colado a los Killjoys semejante gol. Para que veamos que no son perfectos. Y ahora viene lo emocionante del capítulo.

La cuidadora se frió con los niñoskilljoys-temporada-2-capitulo-4-cosas-felices-07

Así que alguien queda por ahí que les está haciendo una mala pasada. El hermano mayor del niño sigue vivo y és el que ha tramado toda la historia para poder escapar. Les ha quitado el soporte vital hasta que le permitan escapar con Lucy.

Todos sabemos que eso no va a pasar, pero no sabemos cómo lo van a hacer.

Y a las damas les da por jugar a dos verdades y una mentira mientras se quedan sin oxígeno. Bonito que Ducth también flirtee con esta chica. Lo hace todo más divertido.

El pequeño deja entrar a Johnny a la nave y éste intenta razonar con un alienado hermano mayor. Resulta que la última transmisión de Klhyeen se dirigió a los niños y los dejó fritos. Y la cuidadora sacó al último como pudo. Pero como estaba confundido éste la metió en la cápsula y ya sabemos lo que pasó después.

Della Seyah le planta un besazo a Dutchkilljoys-temporada-2-capitulo-4-cosas-felices-09

En toda la boca. La excusa es que hay un escaner biométrico para parar restaurar el aire de la nave. Si si, nosotros nos lo creemos.

El hermano mayor, que parece que esté jugando con dos mangueras de la gasolinera es convencido por un espectacular Johnny que nos cuenta cómo su hermano mayor lo abandonó.

Y así se convierten en aliados de Della Seyah y ponen a salvo a los niños.

Como colofón

Vemos que Klhyeen queda libre gracias al otro killjoy y ponen rumbo al planeta natal de los hermanos Jacobi.

Va a ser divertido.

Primer tráiler de Puño de Hierro y Sigourney Weaver será la villana en Los Defensores

El panel de Marvel Studios en la Comic-Con de Nueva York ha tenido tres importantes noticias en lo que se refiere a sus series de Netflix, por un lado tenemos el primer tráiler de Puño de Hierro (Iron Fist) que promete y mucho, la confirmación de casting de Sigourney Weaver para interpretar a la villana principal (que aun no sabemos de quién se trata) en la reunión de los superhéroes de Netflix en Los Defensores y, por último, la confirmación de que Deborah Ann Woll se une oficialmente a la primera temporada de Marvel’s The Punisher como Karen Page. No os entretengo más, aquí tenéis el esperado tráiler:

El actor Fin Jones será el actor principal de la serie actuando como Iron Fist/Danny Rand, un millonario budista experto en artes marciales. Jessica Henwick, David Wenham, Jessica Stroup y Tom Pelphrey también aparecen como actores principales. Tendremos que esperar hasta el 17 de marzo de 2017 para poder ver las aventuras de este gran personaje.

Un saludo a todos

Animación adulta II: Análisis de Archer

Continúo con los análisis de series de animación adulta que os traigo cada dos semanas. En la primera entrega hablé de Rick and Morty y de su habilidad para unir elementos a primera vista incompatibles en un conjunto sólido. Hoy comentaré por qué Archer, aparentemente más simple, es otra de las grandes series de animación del momento dentro de sus limitaciones.

¿Qué ofrece la serie?

Archer cuenta las aventuras en formato de comedia animada con duración de 20 minutos— de Sterling Archer, un agente “secreto” (y lo escribo entre comillas por su afición a contárselo a todo el mundo) que trabaja en una agencia de seguridad llamada ISIS, dirigida por su madre y en la que Sterling convive con su exnovia, un científico loco que resulta ser una copia genética de Hitler, un contable acomplejado, una adicta al pegamento y a la violencia emocional que tiene un ocelote por mascota, una directora de RRHH que no puede dejar de comer y tiene un pasado con la Yakuza, un agente de campo que pierde la movilidad cada dos por tres y otros cuantos personajes en la misma línea. Fue creada por Adam Reed en 2009 y acaba de renovar por su octava temporada, anunciando que los planes son llegar a 10 temporadas .

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Archer y la enésima deconstrucción de la familia americana

Archer sienta sus bases temáticas en el género de espías y en el elemento que estructura la mayor parte de las series cómicas (especialmente de animación) americanas: el núcleo familiar. Esta base se hace obvia en las series de Matt Groening (directamente en Los Simpson e indirectamente en Futurama) y de forma más simple en las de Seth MacFarlane. De hecho, Padre de Familia supone a menudo una ridiculización ácida del concepto de familia americana como recurso casi impulsivo, hasta el punto de perderse en su propio concepto y tirar por la borda toda función crítica que pudiera tener al principio para ser sólo un recurso humorístico recurrente y vacío.

Volviendo a Archer, esta serie comparte con Rick and Morty utilizar el núcleo familiar como un elemento muy reiterado pero sin basarse totalmente en él; así, la relación de Archer con su madre (y el desconocimiento de quién es su padre) es un elemento que aparece en todos los episodios porque marca muchas de las acciones del protagonista; pero esto lo sabemos por las alusiones sutiles que salpican el guión (sobre todo aquellas al pasado que comentaré más adelante) y que hacen que seamos nosotros quienes lo relacionemos. La serie alude a los malos padres como elemento vertebrador del desarrollo de personajes: quiénes son por lo que su infancia fue.

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A esto se le suma el concepto de la agencia como una gran familia disfuncional que deja entrever la serie. Al fin y al cabo, la profesionalidad se diluye en la relación tan cercana de los personajes (a pesar de sus conflictos).Y así es precisamente como Archer marca la diferencia: la serie funciona como comedia de espías pero, consciente de la sobreexplotación cómica del spy fiction, le da una vuelta de tuerca presentándola casi como una sitcom.

 Humor sin complejos

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El humor de Archer es retorcido, rapidísimo, paródico y ágil. La serie no se corta y recurre a las referencias sexuales, el humor negro y la incorrección política tanto como a alusiones a todos los elementos imaginables: en las afiladas y a menudo difíciles de seguir conversaciones que mantienen a toda velocidad sus personajes, encontramos juegos de palabras constantes, homenajes y comentarios de series (algunas contemporáneas), cine, cómics (Sterling Archer tiene predilección por los X-Men), literatura de todas las épocas, personajes famosos,  política, Historia y sociedad.

Uno de los puntos fuertes es que no hay situación temporal clara; es una ficción anacrónica con elementos de sociedad actuales, mezclados con la URSS aún en pie y tecnología noventera y post 2000 al mismo tiempo. También juegan con el uso de los silencios incómodos y alargados hasta el extremo de forma muy efectiva. Acompañan esto con revisiones de clichés, metahumor y un elemento concreto que hace que la serie tarde en arrancar toda su maquinaria: Archer es autorreferencial.

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Así, se construye un entramado de chistes y alusiones entre los personajes a los que aluden constantemente en todo tipo de situaciones, y que basan el golpe cómico precisamente en colocarlas en el lugar y momento adecuado. La serie sale fortalecida con este elemento al elaborar su propia base cómica. Sólo por poner un ejemplo, Sterling alude constantemente a la canción de Kenny Loggins Danger Zone, llevando la broma al extremo con un cameo del propio Loggins. Y no es el único en aparecer en la serie: por Archer se dejan caer varios iconos del cine en cameos que van más allá de una simple aparición y que sacan el máximo partido cómico.

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El conjunto de estos elementos hace de Archer una serie que parte de una idea convencional para convertirse en una frenética originalidad en la que las tramas siguen esquemas similares pero nunca se nos hacen repetitivas.

Archer y el desarrollo de personajes en la comedia

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Que la serie no dé descanso a sus personajes no significa que no les dé la importancia que necesitan. Más de una vez hemos visto series y películas que se olvidan de los personajes y los utilizan como marionetas para que “ocurran cosas”, haciendo que el resultado sea artificial u olvidable. Es uno de los problemas que acusa el cine de terror de los últimos años (y la sucesión de sustos mecanizados y vagamente repartidos que exige el tan en boga método James Wan tiene algo que ver) salvando honrosas excepciones. Y hablando de cine de terror no me estoy saliendo del tema: comedia y terror son los dos géneros que más se olvidan de desarrollar personajes últimamente, y supongo que ocurre por una tendencia al artificio y a quedarse en la superficie (el sketch y el susto, respectivamente) de sus propuestas.

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Al final, que una serie o película funcione del todo requiere que sus personajes sean alguien. La llamada factoría Apatow fue un giro influyente en la tendencia general del cine de humor que no todos los creadores han podido, querido o necesitado entender (y el fenómeno SuperBad parece haber llamado más la atención por la superficie, el humor facilón, que por su núcleo, la relación entre los protagonistas como retrato de una edad y un momento en Estados Unidos y su sociedad). Y es que es un problema de modas que justifican la falta de interés de los creadores, porque no es tan difícil.

No se exige una película de Mel Brooks, solamente atención a los personajes. Y Archer se la da. Al final, estamos viendo a personas y sus relaciones. Muchos de ellos con frustraciones vitales, si no todos, que sólo dejan ver lo que les ha llevado a ese punto muy de vez en cuando. La serie es tan reticente a mostrar su pasado como los propios personajes; y cuando lo hace, es desde la tragicomedia descarnada y sin juicios (lo que no quita cierta divertida crueldad de los guionistas).

ARCHER: Episode 6, Season 6 "Sitting" (Airing Thursday, February 12, 10:00 PM e/p) Archer's first weekend alone with baby AJ is soiled by a Pakistani intelligence officer. Pictured: (L-R) Sterling Archer (voice of H. Jon Benjamin), baby AJ, Lana Kane (voice of Aisha Tyler). CR: FX

Conscientes de que un exceso del componente dramático podría estropear el carácter humorístico del conjunto, este elemento aparece cuidadosamente medido. Sin embargo, la serie está siempre impregnada de este pasado caótico que hace que la confusión lleve a los personajes a una (intencionadamente) artificial imagen de control sobre sí mismos. De hecho, la rigidez de los personajes está formalizada en la animación: no es cuestión de avances técnicos que hayan escogido ese formato. No se cortan en hacer alardes de animación 3D en las escenas puramente de acción para demostrarlo. 

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¿Puede un conjunto así no cansar al espectador?

Sí…hasta cierto punto. Tenemos humor afilado, acción, personajes con desarrollo y tramas ágiles y variadas. Pero pese a la variedad de las tramas, conocer el esquema que van a seguir puede hacer  a la serie repetitiva si se ven varios episodios seguidos; defecto que consigue salvar, una vez más, por los detalles que consigue introducir poco a poco sobre los personajes. Con todo, esta fórmula no es igualmente efectiva a lo largo de toda la serie: la sexta y séptima temporada combinan inventiva que reaviva el ingenio de los guiones con una acumulación de las bromas de siempre que empiezan a ser molestas una vez sabemos exactamente qué camino seguirán las conversaciones. Las situaciones se hacen demasiado similares a pesar de esforzarse en cambiar el escenario en el que se desarrollan. Para depende de qué espectador, esto puede o no ser perdonable; para muchos la pérdida de frescura en cada capítulo puede acabar con una serie esencialmente cómica. Pese a esto, muchos espectadores seguirán encontrando detalles que sigan haciendo de la serie una opción divertida.

Una de ellas es lo vivo que mantiene su uso de la animación como recurso cómico y narrativo. En la mayoría de series de animación no se usan personajes tan humanos debajo de la exagerada inverosimilitud que siguen las tramas (el spy fiction nunca ha tenido problema en usar imagen real, pero a menudo evitando profundizar en los personajes… para que el conjunto no tenga altibajos de realidad que permitan que caiga en el ridículo). Archer usa su formato para tomarse ciertas licencias que justifican la decisión. Licencias como las constantes lesiones físicas de Sterling Archer olvidadas enseguida sin resultar un recurso molesto y poder cambiar de tema con facilidad.

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Otra es su adaptabilidad a situaciones absurdas, elemento que exprimen reinventándose en una quinta temporada que aprovecha que sus personajes siguen estando definidos fuera de la situación original de la serie para sacarles de su zona cómoda (spoiler: haciendo que dejen la agencia para vender una tonelada de cocaína en una temporada que renombran como Archer Vice). La temporada dividió a la audiencia. Para mí, es posiblemente la mejor en conjunto, en parte por prescindir de los episodios de tramas autoconclusivas para tener una base argumental que se desarrolla a lo largo de 13 episodios. Ya habían mostrado antes, con los episodios dobles y el triple con que arranca la tercera temporada, que cuando no tienen limitaciones de tiempo la serie se desarrolla de forma más fluida.

Al final, el conjunto no puede ser más sólido si pensamos en las limitaciones que tiene a nivel temático, al menos si quiere ser coherente (un gag de South Park no necesita estar contextualizado para ser efectivo, por ejemplo. Funciona como sketch independiente). Es verdad que la serie tiene bajones (el personaje de Barry se hace totalmente esquemático y predecible, y sus apariciones acaban siendo casi tediosas; esto sirve de ejemplo a lo dicho antes), pero ha sabido conseguir que no importen demasiado.

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Dónde seguirla

Netflix España tiene los derechos de la serie mientras que la séptima temporada está en Movistar+. Esto lleva a pensar que tienen los derechos de la primera ventana de emisión. En la próxima entrega de esta sección hablaré de una serie de animación (injustamente) poco conocida en España; mientras tanto, podéis leer la anterior aquí. Os dejo también un clip de la serie que sirve como spin-off con Bob´s Burguers.

https://www.youtube.com/watch?v=GFobb7n7AzE

Primer tráiler de Power Rangers

Espero que todos estéis disfrutando de un buen fin de semana, pero tenéis que hacer un stop para ver el primer tráiler de los Power Rangers:

https://youtu.be/zxXbqDrelOg

El estreno de Power Rangers está fijado para el 24 de marzo de 2017 bajo la dirección de Dean IsraeliteZack Stentz y Ashley Miller (X-Men: Primera Generación, Thor) han escrito esta reinvención moderna de la franquicia.

El reparto principal lo conforman Dacre Montgomery como el Ranger Rojo, Naomi Scott como la Ranger Rosa, Ludi Lin como el Ranger Negro, RJ Cyler como el Ranger Azul, Becky Gomez como la Ranger Amarilla, Elizabeth Banks como la villana Rita Repulsa y Bryan Cranston como Zordon.

Un saludo a todos y sed felices.

Análisis de iZombie. Temporada 2. Capítulo 6

Tras el bajón que supuso el capítulo anterior con respecto a la tónica de la temporada, asistimos con ilusión a este nuevo capítulo. Confío en que volverá ser lo que fueron esos cuatro primeros capítulos. Si no sabéis de que hablo, podéis leer los análisis de todos los capítulos anteriores aquí. Y ahora, vamos a empezar con este análisis de el sexto capítulo de iZombie: temporada dos. 

La relación (siempre) incipiente

Antes unos atónitos Ravi y Peyton (que están muy cómodos en su mutua presencia a pesar de su incómoda situación), Maxi se levanta feliz. Y acompañado. Por Oli. Y tengo que decir que esta escena tan feliz me da una mala espina del carajo. Y no soy la única. El zombilismo no es SIDA, pero quien sabe si se transmite igual. Ravi le pide a Oli precaución y celibato, pero no estoy segura de que ella pueda aguantar.

Tras almorzar una ostras con cerebro de jugador compulsivo, Oli no las tiene todas consigo en su renovada relación con Maxi. Aún así, en una especie de apuestas al desnudo a través de Internet, parecen estar recuperando la chispa. De una manera algo macabra, eso si. Ravi recibe malas noticias de su investigación sobre la ETS zombie, y eso son malas noticias para la nueva relación de Oli y Maxi, que vemos irse a pique poco a poco mientras ellos tratan, sonrientes y desesperados, de salvarla de lo inevitable. 

Y es más dificl de salvar, si tenemos en cuenta que Maxi aún tiene otro secretito, aún peor que el Utopium: sigue haciendo trabajos nocturnos para Max Rager. Y no solo eso. Maxi tiene los cuerpos almacenados en un congelador. Que mal rollo.

En la comisaría

Si bien el caso de la semana pasada estuvo tan mal aprovechado que no recuerdo ni quien era el muerto, parece ser que los guionistas han decidido darle una segunda oportunidad. Uno de los que fuera sospechosos (que además reconoció tener deudas de juego y haberse «librado» de sus acreedores mediante un «amigo») se topa con Clive después de que lo exculpen. Y por si no fuera lo suficiente para que Clive tuviera un mal día, dos personas en cuero (chupas de cuero, malpensados), tratan de matarles. Y aunque Clive sobrevive, el estúpido exculpado no tiene la misma suerte.

Por cierto, parece ser que la definición de Ravi de un héroe es aquella persona que no se caga encima. No esta mal. Oli y Clive van a interrogar al «amigo» que solucionaba problemas en la empresa de Harry (el difunto de esta semana). Harry iba a venderlo para que ele exculparan, pero ahora está muerto. La nueva y apostadora Oli descubre a quien le debía dinero Harry. A un tipo llamado «El Barbero», por que además de corredor de apuestas es barbero. Top 10 de la originalidad. Pero a parte de ser un gran tío (a mi me cae bien), le da a Clive su sospechosa favorita: la mujer. Esto empieza a ser repetitivo. La mujer no fue, pero un ex-jugador de baloncesto le negó ayuda (pasta) a Harry .

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Oli y Clive haciendo trabajo de campo

Y resulta que era un pequeño tramposillo que amañaba partidos. Como Harry le estaba chantajeando, llamo a un viejo amigo serbio para que se lo cargara. Gracias a Peyton el tío confiesa. 

Las tramas (no tan) secundarias

La amiga de Clive, la del FBI, parece muy maja al intentar ayudar a Clive con el tema del cerebro en el congelador del señor Suzuku. Pero, la verdad, a mi me parece que esconde algo y que se relaciona con los zombies. Maravilloso el momento en el Clive le resume a la del FBI toda la serie: «El tipo relacionado con la explosión del MeatCube no paraba de hablar de cerebros, y viene de la mano de la vidente que soluciona casos conmigo». Ay Clive… estás tan cerca.

Blaine ha vuelto. Y gracias a Dios por que este personaje es sencillamente maravilloso. Y aún mas cuando se encuentra con su amado padre, y le este le hace una OPA hostil. A pesar de su gran interpretación, el padre de Blaine se ha dado cuenta de que a su hijo le han curado, y le hace una propuesta que no puede rechazar. Si pensábamos que Blaine era manipulador, cruel y astuto; su padre le supera con creces. Pero ¿Aguantará Blaine volver a estar a la sombra de su padre? ¿Podrán más los placeres de la vida humana que tanto ama, al poder que le otorgaba ser un no muerto?

En un momento dado, Oli, que aún necesita a Blaine para el tema del Utopium, acude a avisarle de la cercanía de Clive. Lo que encontramos es a un Blaine algo alicaído, dándose un banquete y preparándose para su regreso al zombie-mundo. Y además, hace a Oli reflexionar sobre ser una zombie. Ser, o no ser (zombie), esa es la cuestión. 

Blaine hace algo raro. Va a ver a su abuelo, al que adora, y lo mata; para llevarle el cerebro a su padre. Y entonces hace algo más raro aún: romper a llorar. Y cuando está apunto de derrumbarse, recibe una buena noticia: Alguien (que resulta ser Maxi), se ha cargado a su papi.

Oli va a ver el barbero por temas personales y acaba hablando con tío que describe su crimen perfecto… demasiado detalladamente. El rarito resulta ser Stacey Boss, el jefe del crimen organizado de Seattle, al que Peyton intenta cazar, y que se pasa por el despacho de esta a hacerle una visita, y una propuesta.

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¿Será él otra de esas tramas abandonadas?

Y como siempre, una pequeña opinión personal. Esta vez han vuelto a conseguir, de alguna manera, enlazar todas las tramas del capítulo. Incluso el obligatorio crimen de cada capítulo parece enlazar con el resto de tramas, que se van a poyando unas en otras. Si bien no han conseguido llegar al nivel anterior, si que han mejorado mucho respecto al anterior episodio.

Las fortalezas de este capítulo son principalmente dos: Blaine y Peyton. Ambos personajes tuvieron la suerte de ser, junto con Ravi, los mejor perfilados de la serie. Son coherentes, consigo mismos y con los demás, y aunque son capaces de sorprender (Como cuando Blaine mata a su abuelo), es una sorpresa que no resulta extraña. De la misma manera Ravi, cuya protagonismo en menor, tiene una actitud similar. La historia de Blaine y su padre es un filón aún por explotar, que espero que no caiga en el olvido como parece haber pasado con el rollito entre el y Peyton.

Las debilidades son, precisamente, los personajes principales. Con la excusa de sus poderes zombies, Oli parece cambiar de personalidad más que de bragas y decisiones y actos que, imagino, están causados para ser impactantes, tienen el efecto contrario. Resultan aburridos y confusos. De la misma manera, todo el interés que generaron en Maxi a principio de la temporada, parece haberse esfumado de golpe. El personaje ha vuelto a ser borroso y sus actos resultan extraños e incomprensibles. ¿Por que no habla con Oli? Aún asi, he de reconocer que me pica la curiosidad con el tema del congelador.

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En definitiva, parece que vamos otra vez hacia arriba. Espero que el siguiente sea aún mejor. Hasta entonces, sed felices.

El cómic de la semana: MPH

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic, bienvenidos al cómic recomendado de la semana, bienvenidos a la supervelocidad según Mark Millar.

Editorial Panini ha publicado MPH, título perteneciente a Millarworld, guionizado por Mark Millar y dibujado por Duncan Fegredo. ¿Qué pasaría si la supervelocidad existiese en el mundo real? ¿Y si estuviese a nuestro alcance con sólo tomar unas píldoras? ¿Y si esas píldoras cayesen en manos de unos jóvenes delincuentes? Estos son los planteamientos que mueven MPH, uno de los mejores cómics que podemos encontrar ahora mismo en las librerías.

Mark Millar empieza a construir la historia en base a esas tres preguntas que hemos enunciado y a partir de aquí lleva la historia a su terreno, con un sorprendente giro al final del tercer número y un desenlace inesperado cuando empiezas a leer el cómic. O quizás no. Quizás lo que hemos leído ya lo habíamos visto anteriormente. Y es que no es la primera vez que Mark Millar se acerca al tema de la supervelocidad.

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En la década de los noventa el escritor Mark Waid lleva a cabo una brillante etapa en The Flash, asentando a Wally West como el mejor Flash en años, con una personalidad y un universo propio que llegan a superar a los de Barry Allen. Barry Allen un personaje cuya historia se remonta a los años 60 y 70 pero del que todo el mundo tiene una imagen mítica por morir en Crisis en las Tierra Infinitas y salvar el universo, cuando la realidad es que su propia serie llevaba un tiempo cancelada por falta de ventas y a casi nadie le importaba el personaje antes de que Marv Wolfman decidiese ponerlo a criar malvas. Waid decidió tomarse un año sabático en The Flash para ocuparse de escribir JLA Año Uno y un año exactamente fue lo duraron sus sustitutos, unos jóvenes Grant Morrison y Mark Millar, que escribieron la serie a cuatro manos. Así que lo que sería más correcto es decir que Millar regresa a la supervelocidad.

En MPH vemos la supervelocidad como ya lo hemos visto en The Flash: el tiempo se congela, las percepciones aumentan y se ralentizan y otros aspectos que no desvelaremos para no causar un spoiler de los gordos. Incluso en una de las viñetas, uno de los personajes amenaza con hacer vibrar su mano a través de la cabeza de una anciana, como si el Flash Reverso o Zoom le hubiesen poseído. Con esto llegamos a una de las características de Millar en Millarworld: empezamos muy bien, de forma muy original y derivamos a terrenos ya conocidos, perdiendo por el camino la capacidad de sorpresa. Incluso el final se ve venir de lejos.

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Que no se entienda esto como una crítica negativa. Es un aspecto del cómic que está ahí, que resulta muy evidente tras años y años de leer cómics. Esto no quita que la historia sea muy buena, que sea sólida, con un planteamiento y un desarrollo a prueba de bombas. Que no le quepa ninguna duda a nadie: Mark Millar sabe escribir, conoce su oficio y es uno de los mejores guionistas del medio, quizás el más revolucionario en sus planteamientos y el más arriesgado en sus proyectos y sin duda es el más inteligente. MPH funciona como un perfecto mecanismo, tal cual estuviéramos viendo una película. Si llega a la gran pantalla, lo mejor sería que no tocasen ni una coma, ni un solo aspecto de la historia porque seguro que lo iban a estropear.

Un gran acierto de Millar es ambientar la historia en Detroit, una ciudad que, al igual que Keystone City en el Flash de Waid, fue el centro del motor estadounidense, donde se asentaban compañías como General Motors, Ford y Chrysler y que tras una larga y dura crisis que llevó a la ciudad a la bancarrota en el año 2013, vio como pasaba a ser una de las ciudades más abandonadas de EE.UU. con todo los que implica: viviendas vacías, aumento de la delincuencia, jóvenes marginados sin futuro, etc. Es en este ambiente de crisis perpetua y de abandono donde han crecido y donde viven los protagonistas de MPH. 

Aprovecha Mark Millar para mostrarnos sus inquietudes personales acerca de los problemas de la economía global y las grandes corporaciones. Si seguís al autor en su twitter personal, veréis que se define a sí mismo como un «euro-escéptico de izquierdas» y quizás aún resuenen las contestaciones que le dio a Frank Miller (al que sin embargo Millar califica como uno de sus maestros en el arte de escribir cómics) acerca de sus declaraciones cuando grupos radicales tomaron Wall Street. De ahí que no se corte en convertir a sus rápidos protagonistas en abanderados del movimiento contra las grandes corporaciones y empresas que dejaron Detroit a su suerte y les haga leer a Marx y Engels mientras esperan a que salga el café de la cafetera.

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En el apartado gráfico tenemos a Duncan Fegredo, que se incorpora al staff de Millarworld con este cómic. Su dibujo realista, sin ser espectacular, se adapta perfectamente al ambiente urbano del cómic, pasando de los suburbios de Detroit a las mansiones de California. Hay que reconocerle el buen ojo a Mark Millar a la hora de fichar a los co-creadores de sus obras. Fegredo es un buen ejemplo de como se piensa en un autor para un determinado tipo de historia.

MPH es de los cómics menos violentos y duros que le leído a Mark Millar. Hay violencia, hay acción pero predominan los diálogos frente a las secuencias de movimiento, lo que no deja de ser un contrasentido en un cómic dedicado a la supervelocidad. MPH es más de lo que parece a simple vista. No dejéis pasar la oportunidad de leer una buena historia, una más de Mark Millar, un autor que pese a todo y con todo, es uno de los mejores que tenemos en la actualidad. Un saludo. Sed felices.

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Crítica de Code Geass, Death Note con mechas

La historia

El 10 de Agosto de 2010 según el calendario imperial, el Sacro Imperio de Brittania conquista Japón, convirtiéndose en uno de sus numerosos estados, en concreto el nº 11. Por ese motivo, desde ese momento a Japón fue llamado Área 11. Sus ciudadanos, desde ahora elevens, son obligados a vivir en guetos. Las pocas resistencias que hay resisten como pueden. Mientras tanto, uno de los príncipes de Brittania, Lelouch, deja su sucesión al trono al ver que su padre, el emperador Charles, no ha hecho nada por investigar la muerte de su madre en manos de unos terroristas, lo que ha supuesto la invalidez de su hermana, que ha quedado paralítica y ciega. Lelouch escapa a Japón con su hermana jurando que algún día hará pagar a su padre. Años después, Lelouch es un adolescente como otro cualquiera; ha dejado atrás su pasado aristocrático para ser un joven normal. Un día, se ve envuelto en un conflicto entre la policía imperial y la resistencia japonesa. En medio del revuelo conoce a una misteriosa chica llamada C.C., que le otorga un misterioso poder, el Geass, que hace que cualquiera que le mire a los ojos cumpla una orden suya. Con ese poder, Lelouch se convertirá en Zero, líder de la resistencia, e intentará eliminar a su padre por todo lo que le hizo. Y lo más importante, destruir Britannia.

En un principio, la historia parece poco novedosa. El príncipe exiliado que busca derrotar a su padre. ¿Ya he mencionado que es un aristócrata? ¿Y que es un príncipe? ¿Zuko, de Avatar, les suena? Por suerte el argumento del anime se las arregla para aproximarse mucho más a Death Note. Hay muchas batallas con mechas y explosiones y guerras multitudinarias, pero también un gran componente psicológico y de drama que, creo yo, mejorar infinitamente la nota de esta serie.

57444¿El fin justifica los medios?

Algo que destaco del anime es un elemento que ya teníamos en Death Note, la pregunta de si el fin justifica los medios. Esto se reitera una y otra y otra y otra vez durante el anime, quizás hasta el punto de cansar un poco. Me gustó cómo en los primeros capítulos mezclaban el asunto, mostrándonos que no todo era blanco y negro, y que la realidad es gris. Sin embargo, todo esto a mi juicio acaba derrumbándose como un castillo de naipes en la conclusión. El anime intenta darnos una respuesta, mientras que en Death Note nosotros éramos quienes decidíamos qué era o no correcto, aquí no nos dan esa opción… o nos hacen creer que sí, más o menos hasta el final de la serie, donde resulta que ya no podemos elegir. Por supuesto, me explayaré más sobre esto en mi próximo análisis.

Los personajes

Los personajes principales están muy bien, de hecho los considero uno de los puntos fuertes de este anime. O el mejor. Tanto Lelouch como Suzaku están muy bien definidos. En todo momento tenemos bien claras sus motivaciones y sus acciones son coherentes con éstas, cada uno tiene una forma de ver la realidad y cree que lo que está haciendo está bien y lo que hace el otro, mal, pero es totalmente entendible por la historia que tienen detrás, la cual también está muy bien explicada sin necesidad de hacerla extremadamente enrevesada. Hay muchas comparaciones entre Lelouch y Kira, pero en realidad no son tan parecidos. Se los compara porque hay pocos protagonistas así (o sea, que no sea el típico buenazo). Lelouch siente, le importa al menos una persona que no sea él, se arrepiente de sus actos, sufre. Light Yagami nunca experimentó esto en toda la serie, excepto quizás en el final. Pero así como los personajes principales están muy bien, algunos secundarios dan pena. No sólo porque parezcan caricaturas (cito el ejemplo de Nina), sino porque algunos tienen mucho más protagonismo del que deberían. Especialmente en la segunda temporada, donde hay más huecos argumentales. Un ejemplo claro es Xingke, quien tose/escupe sangre más de cinco veces a lo largo de varios capítulos, obviamente por algún tipo de enfermedad que parece ser letal. Esto nunca se explica ni tiene relevancia en la historia.

634069Algo en lo que todos están de acuerdo es en la falta de un antagonista que represente un rival intelectual para Lelouch. No lo hay. En todo momento Lelouch es superior, siempre es el más inteligente, y excepto en una ocasión, gana siempre. Lo siento, he soltado un spoiler. Si nos ponemos serios, este antagonista que a mi parecer la serie tanto necesita sí aparece, pero demasiado tarde, prácticamente en el final de la segunda temporada, y ya es muy tarde. No está a la altura, probablemente porque no le alcanza el tiempo para presentarse ante nosotros como alguien a quien temer o simplemente porque su personaje no tuvo el desarrollo que se necesitaba. Podríamos contar a Suzaku como antagonista, pero su relación con Lelouch es otra, además, es claro que Suzaku es un rival más «físico», encargado así de luchar con Kallen la mayor parte del tiempo, pero no psicológicamente con Lelouch. Charles tampoco cuenta pues su función es la de ser el malo maloso y aparece muy poco, incluso menos que Ozai en Avatar (a que no adivinan, sí, también son personajes muy parecidos).

Lo no tan bueno

Uno de los principales problemas de la serie es la obsesión del guionista por conformar a todos. Al más joven, al más romántico, al más violento, al más psicológico y al más calentón (porque sí, este anime tiene fanservice, pero de eso hablaré más adelante). Por eso mismo, el anime salta de momentos realmente extraordinarios (que podríamos coronar como algunos de los mejores momentos de la historia del anime) a otros que parecen meramente relleno. Pero espera, no es que parecen relleno, es que lo son. El capítulo «Ataque de amor» es un claro ejemplo de esto, vamos, si se veía venir hasta por el título. Ese capítulo tiene una escena relevante, que dura menos de un minuto y es la última escena antes del ending. Es la única escena en la que ocurre algo, los otros 20 minutos son puro relleno, podrías saltártelo y no te darías cuenta de que te perdiste algo. Alguno podrá decir que en realidad este tipo de capítulos sirven para desarrollar a los personajes secundarios, pero… ¿acaso no podían hacer eso en un capítulo que influyera en la historia? Yo creo que sí. A esto, claro, hay que sumarle varios cambios de bando (sin hilar tan fino puedo contar tres, de los cuales hablaré en mi análisis con spoilers) que no tienen ningún sentido. No sólo son super forzados, sino que salen directamente de la nada. Y todos son hacia el mismo lado, además.

73228La animación

Hablemos un poco de la animación. El estilo de dibujo tiene un gran nivel, aunque no intenta ser realista en ningún momento. Claro, no es el primer anime en utilizar ese estilo de cuerpos sacado del mundo de Jack, donde los personajes son delgados y atléticos, con peinados imposibles, y las mujeres tienen un cuerpazo y unas tremendas tetas glándulas mamarias. Cada vez que tiene la oportunidad, el camarógrafo enfocará a las chicas de la serie en una posición comprometida mientras está manejando un Knightmare. Los enfrentamientos entre mechas están muy bien logrados y son los que tienen mayor calidad, claro que no por eso el resto de la serie está mal. Las conversaciones y escenas en la escuela no tienen la calidad de las mejores series de hoy, pero no por eso están mal. No hay bajones de calidad tampoco en los capítulos que parecen de relleno, ni parece que se hubieran quedado sin presupuesto en algún momento, como pasó con Evangelion y que se notó. Aquí eso no pasa, todos los episodios tienen la misma calidad.

¿La mejor banda sonora de la historia del anime?

La banda sonora no es buena. Es buenísima. Los temas, pese a que son muy cortos (la mayoría ni llega a los dos minutos), son espectaculares. Hablo que de son tan buenos que vas a tener que escucharlos por separado después de ver la serie. E irás por la calle cantando «All hail Britannia» y cantando ese tema que pronuncia mal todas las palabras en inglés pero es súper épico de todas formas. Los openings y endings no se quedan atrás.

634757Conclusión

Terminemos, que me he ido por las ramas. Resumamos un poco. Cosas que han quedado muy flojas: la doble vida que lleva Lelouch. Al principio nos plantean que Lelouch tiene grandes amistades con los demás miembros del consejo estudiantil y por tanto deberían tener algún tipo de importancia esos capítulos completos dedicados a su vida en el colegio (nótese el sarcasmo), pero a medida que avanza la serie, en especial en el tramo final, esto se desintegra. Es decir, perdimos el tiempo ver esas amistades desarrollándose, pues no fueron a parar a ningún lado. Podríamos decir que fue relleno. En especial Milly y Rivalz. Y en general la segunda temporada se va por las ramas y comienzan a disparar hacia todos lados con temas del espacio tiempo y demás flipadas que hasta el momento no existían, robots invencibles que sólo pueden ser derrotados con un robot más invencible y unos cuantos cambios de bando y giros argumentales forzadísimos que no se los cree nadie. Aún así, esto se compensa con todo lo bueno mencionado anteriormente. Algo que explicaré en mi análisis con spoilers y que más de uno seguro pensará «¿cómo es que no ha hablado de esto?» es el final. Que no me ha convencido, no digo que no haya sido triste, sino que no pudo pasar lo que pasó por lo que pasó en ese momento que ellos querían que pasase.

Code Geass es un gran anime pese a que no sea perfecto. Tiene una animación espectacular, personajes principales muy bien desarrollados y con los que uno puede identificarse, una banda sonora que es de las mejores de la historia del anime y un guión muy inteligente que nos brinda conversaciones bien hiladas y giros muy interesantes la mayoría de las veces. Sí, tiene fanservice, huecos argumentales, clichés, relleno y algunos personajes insoportables, pero eso creo que es debido a la cantidad de capítulos de la serie. Si el anime hubiera sido más corto, sin dudas sería mejor. Aún así, por todo lo mencionado anteriormente, es uno de los animes que más he disfrutado. Es lo más parecido a Death Note que podrás encontrar en este ámbito, pero tiene suficientes puntos originales como para atraer a gente a la que no le haya gustado el anime de Kira y L. Incluso podríamos considerarlo el Game of Thrones del anime. Imperdible para todo aquel a quien le guste un buen guión, buenos personajes y los mechas. Saludos y sean felices.

Análisis de Arrow. Temporada 5. Capítulo 1

Bienvenidos al análisis del primer episodio de la quinta temporada de Arrow y a la vez, bienvenidos a mi debut como analista de los capítulos de la serie del arquero esmeralda. Hoy, como lo hacía Oliver Queen / Green Arrow en su quinta temporada, me estreno en esta labor de analista sustituyendo a Pedro Pérez. Espero que mi análisis os guste y al menos os ilusione en parte como a mi me lo ha hecho éste episodio. Sin más preámbulos, empezamos, no sin antes recordar a los lectores que si quieren pueden acceder a los análisis de los episodios anteriores, comentados por Pedro en el siguiente link.

Análisis de los episodios anteriores

En el capítulo que lleva por título “Legado”, hemos iniciado la quinta temporada de “Arrow” y empezamos donde lo dejó la temporada anterior: con un Equipo Arrow dividido, en el que tan solo Oliver y Felicity se mantienen a bordo, con Laurel muerta pero como un mito para la ciudad, con Diggle en el ejército para volver a encontrarse consigo mismo y con Thea queriendo una vida normal y alejada del arco, las flechas y su traje de cuero rojo. Precisamente con Thea empieza el episodio para mostrarnos como ella ha asumido un cargo de responsabilidad en el Ayuntamiento de Star City, en donde no olvidemos, su hermano Oliver fue nombrado alcalde al final de la anterior temporada. Con ello vemos que Oliver está siendo realmente un pésimo alcalde de cara a la opinión pública ya que debido a su otro trabajo como justiciero, no puede centrarse tanto como seria necesario al cargo y por ello acude tarde por ejemplo a una celebración del Departamento de Policía de la ciudad. El motivo: Green Arrow hacia frente al villano Anarchy, omnipresente en la temporada 4. Se agradece que solo se haya utilizado a Anarchy como recurso de acción y no se hayan centrado en él como el villano del episodio o un villano secundario del mismo, como sucedió varias veces en la temporada anterior. Eso ha permitido dos cosas: la primera, ver una gran secuencia de acción en “Arrow” como hacía tiempo que no se veía; la segunda, entrelazar la amenaza de bomba de Anarchy (solucionada por Felicity mediante una flecha de Oliver) con la presencia de otros justicieros enmascarados en la ciudad que pretenden seguir el ejemplo de Green Arrow y Black Canary, en este caso Wild Dog. Éste quiere ayudar al arquero esmeralda a luchar contra el crimen de la ciudad, y a pesar de la insistencia de Felicity en que Oliver necesita nuevos compañeros de equipo, Oliver se resiste y no quiere aficionados porque cree que Thea y Diggle van a volver en un momento u otro. El hecho de como Oliver le dispara una flecha en la pierna a Wild Dog para que no vuelva a verle me recuerda mucho a como en la temporada 2 hizo lo mismo con Roy Harper.

El capítulo en cuestión gira alrededor de tres temas, los cuales los guionistas esta vez han sabido relacionar a la perfección. Estos tres temas son: la corrupción en el Departamento de Policía de Star City, a la cual Oliver Queen quiere combatir y tiene como principal reto como alcalde; la construcción de un nuevo Equipo Arrow que Felicity reclama y Oliver rechaza; y por último la promesa que Oliver le hizo a Laurel justo antes de morir y que nos dejaron con la incógnita la temporada pasada, la cual es que ella no sea la última Black Canary y Oliver se cuide de pasar el legado.

Oliver tratará de mejorar las cosas en la ciudad tratando de inspirar a la gente por medio del ejemplo de Laurel Lance / Black Canary y por eso inaugura su estatua, reconociendo que podría haber destinado estos recursos en otras áreas, pero que honrar a Laurel era importante y con esto puede servir para unir a la gente en su lucha contra el crimen y la construcción de una ciudad mejor. Eso también debe servir de inspiración para un Quentin Lance que lo ha dejado con Donna y ha caído nuevamente en la bebida. “Un alcohólico necesita una razón para estar sobrio” dice él, y es que cree que ya no tiene nada por lo que luchar. Su hija está muerta, le ha dejado su pareja y no puede ejercer su trabajo en la policía. Sin embargo las palabras de Oliver servirán para inspirarle. En éstas es cuando los hombres de Tobias Church, uno de los nuevos grandes villanos de la temporada, aparecen en escena, disparan a policías y público de la inauguración de la estatua de Laurel y secuestran a Oliver con el motivo de alarmar a Green Arrow y éste acuda a rescatar al alcalde.

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La estatua de Laurel para inspirar a la gente

La verdad es que éste primer episodio de la temporada cinco ha sido una grata sorpresa para mi. Durante el verano, los guionistas y productores de la serie nos anunciaron que regresarían a la esencia de la serie, o sea a sus inicios, a las dos primeras temporadas de “Arrow”, donde la serie bebía mucho del Batman de la trilogía de Nolan y su visión realista. Unas dos primeras temporadas en donde aunque se empezó a introducir elementos de cómic como la superfuerza generada por el mirakuru o el accidente a Barry Allen que lo convertiría en Flash, se había construido de una forma bastante plausible y con un tono muy acertado para la serie, la cual podía no ser una gran adaptación del cómic del arquero pero sí era un buen producto de acción y de hecho sirvió de impulso para muchas otras series del género, incluidas las magníficas series de Netflix/Marvel. Como decía, los showrunners de la serie nos habían prometido un regreso y aunque los primeros trailers eran prometedores, yo era bastante escéptico por el hecho de introducir a un nuevo equipo de justicieros. Creo precisamente que esta fue una de las lacras de la temporada anterior, y es que a parte de que las coreografías de lucha dejaban mucho que desear, casi siempre mostraban a un Green Arrow derrotado en las peleas o que necesitaba la ayuda de sus compañeros, algo que resultaba sorprendente teniendo en cuenta que Oliver Queen había sido capaz de vencer a villanos como Malcolm Merlyn, Deathstroke o Ra’s Al Ghul entre otros, además de haber combatido a metahumanos como Flash o el Reverse Flash y haber demostrado que podía vencerlos. Eso a parte de que Oliver empezó su andadura como El Justiciero en la temporada 1 totalmente solo, con lo que aunque Diggle y Felicity acabaron siendo decisivos, no era tan dependiente de un equipo en el campo de batalla. El caso es que esto se ha solucionado ésta temporada y no han necesitado varios capítulos para remediarlo, han tenido suficiente con uno para lograrlo.

Han sido varias cosas las que nos han hecho recordar las raíces de la serie en este primer episodio de la quinta temporada y todo eso lo han logrado con un episodio repleto de acción, brutalidad, oscuridad, nuevos stunts, nuevos juegos de cámara, historias bien construidas, personajes renovados e incluso guiños al cómic con una trama “nolanizada”. Una de las cosas que nos lo ha hecho recordar ha sido precisamente la trama del secuestro. A todos nos ha recordado ese secuestro del piloto, que Moira Queen, la madre de Oliver orquestó para saber si Robert le había contado algo de la Iniciativa a su hijo. En aquella ocasión vimos un Oliver atado que estaba siendo torturado y que por sorpresa de los secuestradores, se liberaba y los asesinaba rompiéndoles el cuello manifestando aquello de “lo siento, nadie puede conocer mi secreto”. Pues exactamente esto sucedió en este episodio, cuando uno de los policías corruptos, a las órdenes de Church le estaba pegando. Oliver le avisó de que si volvía a pegarlo lo mataría, el otro se burló de cómo lo haría si estaba atado a una silla, Oliver le mostraría las manos desatadas y luego le rompería el cuello para que nadie conociera su secreto. En éstas aparece de nuevo Thea con el traje de Speedy para ayudarle a escapar, y ve como su hermano mata a sangre fría algunos de los hombres de Church para escapar.

El hecho de volver a ver a Oliver matando lleva a un debate moral con su hermana Thea, la cual le replicará a su hermano que haya retrocedido otra vez a matar, lo cual resulta un poco curioso ya que precisamente éste debate se dio en la temporada anterior pero con las tornas cambiadas. Oliver le contestará a Thea que hay ocasiones en las que matar es necesario y que lo hace por Laurel, porque el año anterior tuvo varias ocasiones para matar a Damien Darhk y no lo hizo, y con ello acabó permitiendo que Darhk asesinara a Laurel. Thea en cambio, cree que honrar a Laurel es precisamente no matar, de hecho por esa misma razón ella no quiere volver a ser Speedy y le dice a su hermano que ahora que tiene el cargo de alcalde lo aproveche para cambiar las cosas, ahora tiene el poder de hacer las cosas distintas y no es necesario matar. Sin embargo Oliver le contesta que ha topado con la realidad, y si bien no puede ejercer como alcalde como él querría, le responde que el cargo le da una información privilegiada que puede utilizar mejor como Green Arrow y debe aprovecharlo. Aunque este pueda parecer un debate de la temporada anterior entre los dos hermanos, la realidad es que se sitúa más entre las dos primeras temporadas que no en la cuarta, y es que si Oliver dejó de matar fue por honrar a su amigo Tommy, quien murió al final de la primera temporada. Oliver quiso cambiar su forma de actuar porque su amigo le había llamado asesino, algo que también había hecho Diggle en su momento y Oliver empezó a cambiar. Sin embargo Oliver ahora es más experimentado y sabe que no todo se basa en luz o oscuridad, sino en tonos grises. El Oliver Queen que mató al primer Conde Vértigo para salvar a Felicity en la temporada 2, cuando ya había dejado de matar es un ejemplo de esto. Cuando la vida de alguien está en peligro, no hay nada que decidir, si hay que matar a alguien por ello lo hará, y en mi opinión, eso es lo que hacía que Arrow como justiciero fuese más eficaz que el Green Arrow de la temporada anterior. Siempre provoca mucho más temor al criminal un justiciero que si es necesario mata, que aquél que solo pega palizas, e incluso en el caso de la temporada anterior, que ni siquiera torturaba para obtener información. En este sentido, el nuevo Green Arrow me recuerda mucho al Batman de Ben Affleck en «Batman v Superman».

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El mejor Arrow/Green Arrow ha regresado

Otro detalle a destacar que se puede comparar con la primera temporada es el villano Tobias Church y es que él procede de otra ciudad, con un modus operando que se basa en el uso del puño americano y explica que lo primero que se debe hacer tanto en una ciudad como en una cárcel es ganar al pez más gordo para así ganarse el respeto de los demás. En ese caso, el pez gordo de Star City es Green Arrow, de ahí su interés en orquestar el secuestro del alcalde y otra gente. Eso me recuerda al episodio 13 de la primera temporada, titulado Betrayal (Traición) en donde un criminal llamado Cyrus Vanch secuestró a Laurel Lance con el motivo de provocar a El Justiciero para asesinarlo y así afianzar su posición como el líder del inframundo de la ciudad. Sin lugar a dudas, el ejemplo es similar.

Posteriormente, Oliver necesitará rescatar a los otros secuestrados por Tobias Church y sí, necesitará un equipo, pero otra vez rechaza los candidatos de Felicity y en cambio apuesta por los policías que le recomienda Quentin Lance, gente de su total confianza, que para nada son corruptos. La elección me pareció fenomenal y la verdad es que nos dieron una buena secuencia de acción, mucho mejor con ellos que no con todo un equipo de vigilantes y justicieros. No resultaba creíble el año pasado ver a HIVE disparando al Equipo Arrow y fallando todos los disparos contra tíos que usaban los puños, una porra y arco y flechas para pelear. En este caso hemos visto algo mucho más realista, al estilo de un equipo SWAT y la verdad, a Green Arrow le pega mucho más un equipo de ese estilo, una ayuda policial cuando la necesita, como en la temporada 1, que no con todo un séquito de justicieros. En esa secuencia es cuando tuvimos algunas de las mejores escenas de acción, que muy acertadamente en algunos casos pasaron a cámara lenta, mostrando entre otros momentos, a Oliver usando flechas con truco para atarse a un helicóptero o una flecha con paracaídas. Eso son momentos sacados directamente de las viñetas que como aficionado a los comics se agradecen. Me encantó ver elementos de cómic en una historia tan nolanizada. También hay que destacar que en el universo de “Arrow” no es la primera vez que Oliver usa esa flecha, ya que en el cómic de la temporada 2.5 (canon del tiempo entre temporadas 2 y 3) también la usó para rescatar a Roy Harper en sus primeros momentos como Arsenal, sin embargo sí es la primera ocasión que se le ve usarla en TV y espero que no sea la última vez. Con todo, Church consigue escapar y convoca a todas las organizaciones mafiosas de la ciudad, diciéndoles que a partir de ahora deberán trabajar para él, entre ellas incluso hay el clan Bertinelli, la familia de Helena, la Cazadora, quien se ha rumoreado que podría regresar esta temporada.

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Prometheus promete en su primera aparición

Para acabar el episodio, vemos a Oliver hablando con Diggle por webcam, pidiéndole consejo acerca de si debería o no formar un nuevo equipo. Oliver necesita a su John Diggle, sin embargo Dig afirma que el Equipo Arrow necesita nuevos miembros pero no cree que él deba regresar. Finalmente Oliver acepta que debe ingresar a nuevos jugadores en su equipo, y entre ellos estará Curtis Holt. En los segundos finales, aparece Prometheus, el gran villano de la temporada, quien con un parecido tremendo a Green Arrow, salvo por su máscara que le oculta totalmente el rostro, asesina brutalmente a uno de los policías recomendados por Quentin Lance a Oliver Queen. Tiene buena pinta este villano. Comentan los showrunners que ese villano es el legado de las acciones de Oliver Queen en la primera temporada. Me encanta la primera impresión de él. Parece que va a ser alguien muy parecido a lo que en su momento fue Malcolm Merlyn en la primera temporada y lo que desgraciadamente no aprovecharon con Komodo. Ahí hay dos candidatos para ser tal villano: Tommy Merlyn, resucitado ya sea debido a Flashpoint o por su padre con alguna artimaña, quizá cuando era Ra’s Al Ghul, lo cual tendría su gracia ya que Oliver dejó de matar por él y ahora ha vuelto a hacerlo tras la muerte de Laurel; o bien Kyle Reston, un personaje que ya apareció en la primera temporada en el episodio 6, cuyo título Legacies (Legados) precisamente podría darnos relación con él. Se trata del hijo de un antiguo empleado de Industrias Queen que atracaba bancos y murió a brazos de un Oliver Queen que se quitó la capucha y le mostró su rostro antes de que muriera.

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Kyle Reston podría ser Prometheus

Para acabar mi análisis tengo que hacer referencia sí o sí a los flashbacks. En estos también se regresa a las primeras dos temporadas, en especial a la primera y de dos formas magníficas. La primera es que desde hacía mucho tiempo no habíamos visto un episodio en el que la trama de los flashbacks fuese tan atractiva, y es que la Bratva tira y mucho. Oliver se reencuentra con su amigo Anatoly y le explica que ha viajado a Rusia para cumplir una promesa y matar a Kovak. Anatoly lo conoce y sabe que no será sencillo, por eso decide introducirlo a la Bratva y allí también hemos visto buenas secuencias de acción; como un miembro de la Bratva le preguntaba acerca del librito de Oliver con los nombres de la Iniciativa, entre ellos Adam Hunt, Daniel Brickwell etc; así como hemos descubierto como aprendió Oliver a desatarse de una silla a la que lo hayan maniatado (gracias a una dolorosa aportación de Anatoly). En las dos primeras temporadas había momentos en los que los flashbacks eran incluso más atractivos que la historia del presente. Éste año tiene toda la pinta que va a ser así e incluso estoy seguro que habrá episodios como en las dos primeras temporadas, en los cuales la trama principal giren en los hechos de los flashbacks.

Ya por acabar, ahora sí, y es que estoy eufórico por un gran episodio de “Arrow”, que me pareció él solo mejor que toda la temporada 4 al conjunto, se agradeció mucho que Felicity recuperara el papel de sus primeras temporadas, un papel secundario y agradable, en el que ella no sea la protagonista absoluta del show. Por cierto, ella ha iniciado una relación amorosa con el nuevo inspector de policía. Veremos lo que dura y si realmente los showrunners tienen la intención de volver a relacionarla sentimentalmente con Oliver. Los Olicity así lo desean. Yo por mi parte, espero que independientemente de si lo hacen o no, Felicity siga siendo el personaje de éste primer episodio y de las dos primeras temporadas.

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Recuperamos la Felicity que nos gusta a todos

Eso es todo, espero que les haya gustado mi análisis. Nos vemos la semana que viene con el segundo episodio.

La evolución del traje de Batman en el cine y televisión. 1943-2017

Batman es sin duda uno de los personajes más influyentes y famosos en la cultura popular y por tanto ha tenido numerosas incursiones en diferentes medios ajenos al cómic. A través del Séptimo Arte o lo que es lo mismo el cine, es donde su leyenda ha adquirido más fuerza al poder llegar a millones de fans en todo el mundo. Tampoco nos debemos olvidar de los seriales de televisión ya que aquí se creó la semilla de la posterior leyenda.

Hemos recopilado una muestra de sus apariciones en la pequeña y gran pantalla para ver la evolución del traje del caballero oscuro desde sus comienzos a blanco y negro hasta la película de La liga de la justicia ya con Ben Affleck en el papel del hombre murciélago.

1943: Lewis Wilson (Batman)

Aquí empezó todo. Lewis Wilson protagonizó un serial de Batman con Douglas Croft como Robin contra el Dr. Dako durante la Segunda Guerra Mundial. La serie duró 15 episodios. El traje era muy modesto pero al menos ya llevaba el Batcinturón. El símbolo porta pequeño en el pecho y el traje es negro y gris.

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1949: Robert Lowery (Batman y Robin)

Después de la guerra se produjo otra serie también de 15 episodios donde el nuevo Batman sería Robert Lowery con Johnny Duncan haciendo de Robin. El símbolo era más grande y ojo a la capucha que no la llevaba puesta en muchas ocasiones puesto que le quedaba grande y algo ridícula.

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1966: Adam West (Batman: La película)

Adam West fue el Batman pre era moderna más famoso de todos… y con diferencia. Tuvo una serie de televisión entre 1966 y 1968 y una película después de la primera temporada. Cabe destacar el logo de Batman casi a la altura del estómago para la película. Toda una referencia para años posteriores.

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1989 – 1992: Michael Keaton (Batman / Batman vuelve)

Bajo las órdenes de Tim Burton, Michael Keaton protagonizó las dos primeras películas del Batman actual, moderno, oscuro. Un traje acorde a lo que es el verdadero Batman del siglo XXI a finales del pasado. El logo destacaba demasiado en el traje negro y el cinturón multiusos le daba un toque más ochentero.

Podemos decir que aquí empezó la verdadera leyenda del hombre murciélago. Lo anterior era una parodia del mito que se ha construido en los últimos años.

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1993: Kevin Conroy (Batman La máscara del fantasma)

Poco después de las películas de Tim Burton salió la película de animación de La máscara del fantasma. En esta ocasión el Batman de dibujos lucía un traje muy similar al de Adam West aunque el logo del pecho estaba basado en el de Michael Keaton.

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1995: Val Kilmer (Batman Forever)

Este traje de Val Kilmer es el último decente en la década de los 90. Mantiene el tono del de Michael Keaton y oscurece el logo amarillo para ser menos «diana» para los villanos de Gotham. El logo tan amarillo restalba en demasía. Eso si, tenemos la primera aparición de los pezones en el traje. Un detalle potenciado en la siguiente película.

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1997: George Clooney (Batman & Robin)

Además de ser una infame película, podemos ver el peor traje de la historia del caballero oscuro. El primero es espantoso con los pezones marcados, todo oscuro y el cinturón se convierte en uno de esos que sujetan el pantalón. El segundo traje me parece insuperable pero de lo malo que es. Lleva rebordes plateados por todas partes, el símbolo ocupa todo el pecho y el cinturón ni existe. A George Clooney le metieron en un embolado.

Para mí el peor Batman posible tanto en diseño de personaje, en actuación y de la película mejor no hablar: aburrida y además de mala no representa realmente el concepto del caballero oscuro. Una lástima por George Clooney que no consigue transmitir la esencia del héroe.

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2005: Christian Bale (Batman Begins)

Nolan quería un héroes realista y un traje realista y lo consiguió. El logo ya es negro, el cinturón es un verdadero multiusos para defenderse de los villanos y ojo a la capa que por primera vez es más oscura que el resto del traje. Christian Bale se convierte en el mejor Batman de la historia.

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2008-2012: Christian Bale (El caballero oscuro / El caballero oscuro La leyenda renace)

Con la excusa de querer tener un traje menos resultón y mas funcional, Bale luce uno nuevo para pelear contra el Joker y Bane. El símbolo casi desaparece en el traje camuflado del mismo color que el traje que en esta ocasión es más ligero y menos armadura. Tenemos un héroe menos espectacular que en Batman Begins pero más real.

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2015: Will Arnett (LEGO La película)

Este Batman sacado de la película de Lego mantiene el color oscuro muy similar al de Batman Begins. Incluso el cinturón multiusos tan famoso del personaje luce en amarillo. La diferencia es que el símbolo amarillo sigue presente en el pecho, mantenido así la estética ochentera del Batman de Tim Burton.

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2016: Ben Affleck (Batman v Superman: El amanecer de la justicia)

Ben Affleck luce tres trajes en la película que le enfrenta a Superman. El convencional es un traje gris oscuro con el símbolo gigante en el pecho y los guantes y la capa negros. El cinturón vuelve a ser más oscuro dejando de lado los colores más llamativos. Un buen concepto al Batman moderno. El traje que viste en su sueño contra los Pandemonios es rústico, poco elegante y poco ágil para meterse en peleas. Por cierto, acaba perdiendo. La tercera armadura (traje) es el que utiliza en su pelea contra Superman. Ni símbolo ni nada que le identifique como Batman excepto las dos orejas que se le salen del casco. Alucinante concepto de traje basado en los cómics de Frank Miller. Por ser malo me pregunto ¿que pinta la capa en este traje?

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2017: Ben Affleck (La liga de la justicia)

¿Es Batman o el Búho nocturno de la película Watchmen? La verdad es que este nuevo Batman no me convence en absoluto. El traje está a medio camino de ser una armadura, los ojos cambian, las orejas del caso van muy atrás y en conjunto pierde esa idiosincrasia del personaje. Esperemos que mejoren lo visto.

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Un saludo y sed felices

Análisis de The Flash. Temporada 3. Capítulo 1: Flashpoint

«Solamente se una cosa sobre la vida. Sé que algunas cosas pasan por casualidad y algunas cosas pasan porque hacemos que pasen.»

Con estas palabras empezaba el cómic Flashpoint de Geoff Johns (guión) y Andy Kubert (dibujo) y con esas mismas palabras empieza el primer episodio de la tercera temporada de Flash: Flashpoint. Bienvenidos a los análisis de The Flash. Tras los análisis de las anteriores temporadas, realizadas por Adrian de la Fuente (temporada 1) y Carlos María Porras (temporada 2; gracias compañeros), me ha tocado en suerte hacerme con las riendas de la serie que mejor adapta un superhéroe DC a la pequeña pantalla. ¡Por fin he podido dejar la serie de la hacker rubia que salva el mundo ayudada por su novio lanza flechas! A partir de aquí, vamos en serio y vamos al lío, que diría Carlos María.

Barry Allen la lía parda

No se si hace falta decirlo pero a partir de este punto tenéis spoilers como la copa de un pino, así que seguid por vuestra cuenta y riesgo.

Ya vimos en el final de la temporada anterior que Barry, roto de pena por la muerte de su padre, decide volver atrás en el tiempo e impedir la muerte de su madre a manos del Flash Reverso. Tras detenerlo, ambos regresan a su época, donde Barry mantiene prisionero a Eobard Thawne en una jaula como la que usaba Zoom y vive su nueva vida durante tres meses antes de descubrir que las cosas han empeorado.

Thawne, enjaulado
Thawne, enjaulado

Sí, sus padres están vivos, tiene su trabajo de CSI y ha reunido fuerzas para invitar a Iris a salir. Atención a la escena, al más puro estilo American Pie, donde los padres se alegran de que su hijo reúna el valor para pedir a una chica si quiere tomar un café con él. Parecía que en cualquier momento saldría Eugene Levy a darle consejos sobre como consumar el acto. Ah, y Barry sigue viviendo con sus padres en el sótano de su casa, tal cual un español de hoy en día. Así que ya veis, su situación no ha mejorado mucho.

Hijo, a ver si espabilas y dejas de ser virgen
Hijo, a ver si espabilas y dejas de ser virgen

Muchas otras cosas han cambiado. Evidentemente, al vivir con sus padres, su relación con Joe West no es la que era. Hay un nuevo capitán en la policía de Central City y también hay un nuevo Flash, quien se enfrenta a un nuevo velocista rival que se llama… Rival. Ese nuevo Flash es Wally West, que asume el papel que ha tenido siempre en los cómics. Menos mal que han tenido el detalle de hacerlo vibrar para ocultar su rostro. Otros que han cambiado son Cisco Ramón, convertido en multimillonario, y Kaitlin Snow, a la que han transformado en oftalmóloga pediatra. Por cierto, el personaje del Capitán Méndez (o Mendes según la traducción que elijáis) es un homenaje a la antigua serie de Flash, donde teníamos a Julio Mendes, una suerte de Cisco Ramón que ayudaba a John Weslley Shipp con sus poderes. En este caso, lo interpreta el mismo actor.

Mendes y Méndez
Mendes y Méndez

Todos estos cambios no tendrían mayor transcendencia si no fuera porque Barry nota que sus recuerdos están empezando a desvanecerse. Tal y como le explica Thawne, al impedir la muerte de su madre, Barry ha creado una nueva realidad y esa nueva realidad está sobre-escribiendo sus recuerdos y llegará un punto en el que olvidará su antigua vida, incluso olvidará que fue Flash. Barry intenta que su antiguo equipo le ayude y se descubre ante ellos, ayudandoles a detener a Rival pero Wally resulta gravemente herido y Barry se da cuenta de que otros han pagado por su felicidad.

Flash y Kid Flash
Flash y Kid Flash

Decidido a poner las cosas en su sitio, Barry reconoce que la única forma de restaurar el orden es dejar que el Flash Reverso mate a su madre. No queda otra. Así que ambos retroceden en el tiempo, Eobard Thawne mata a Nora Allen y Barry regresa a su realidad, que a pesar de todo ha sufrido algún que otro cambio. Ya lo decían en el Ministerio del Tiempo: el tiempo es el que es y si juegas con él, la lías parda. Más o menos.

Galería de villanos

El nuevo villano de la temporada, que no sabemos lo que va a durar, es Edward Clariss, The Rival. De momento ya ha ganado el premio al peor disfraz de supervillano de todas la series de DC.

The Rival  fue en los cómics un enemigo del primer Flash, es decir Jay Garrick, el Flash de la Edad de Plata en los cómics y el Flash de Tierra 2 en la serie. Su debut se produjo en Flash Comics #104 (enero 1949). Edward Clariss, profesor de química, recreó en parte el accidente que dio los poderes a Jay y se enfrentó a él, formando una banda de criminales hasta que se fundió con la Fuerza de la Velocidad. En el cómic JSA, en 1999, Geoff Johns lo recupera como parte de la Sociedad de la Injusticia, convertido en un ser de velocidad pura.

Premio al disfraz más horroroso de todos los tiempos
Premio al disfraz más horroroso de todos los tiempos

Mucho más interesante es la escena final. Edward Clariss despierta porque una voz le llama y ve como en un espejo se forma la palabra «alquimia». Ese detalle señala a dos de los villanos de Flash en los cómics: El Doctor Alquimia y El amo de los espejos. Estaremos atentos a su próxima aparición en la serie.

La Fuerza de la Velocidad

En la temporada anterior ya se introdujo este concepto en la serie. En los cómics, el concepto de Fuerza de la Velocidad (Speed Force) se debe al escritor Mark Waid. Waid estableció que el poder de los velocistas provenía de la Fuerza de la Velocidad, una dimensión de pura energía que actuaba como un ente con consciencia y que daba su poder a unos pocos elegidos. Al correr más allá de la velocidad de la luz, los velocistas pasaban a formar parte de esa dimensión, desde la que podían regresar en ocasiones.

Siguiendo el planteamiento de Mark Waid, la Fuerza de la Velocidad no puede dejar que Central City se quede sin protector por lo que, en esta nueva realidad creada por Barry, habría elegido a Wally West, quien recibe el don de la velocidad a través del rayo y asume el papel de Flash / Kid Flash, con un uniforme muy similar al que lucía en los cómics. Precisamente Wally West fue Flash en los cómics desde finales de la década de los 80 hasta hace unos pocos años, en la etapa de Waid y posteriormente en la de Geoff Johns, hasta que Barry Allen regresó de la Fuerza de la Velocidad al mundo de los vivos. ¿Complicado? Pensad en la Speed Force como El cielo de los velocistas, con una puerta giratoria a conveniencia del guionista de turno.

Corriendo hacia la fuerza de la velocidad
Corriendo hacia la fuerza de la velocidad

Todo lo que conoces cambiará en un flash

Con esa frase se promocionaba el evento y la serie conocida como Flashpoint, con guión del sumo sacerdote de DC Geoff Johns y el dibujante para todos los eventos Andy Kubert. La serie narraba como Barry Allen despierta en un mundo en el que Flash no existe, su madre está viva y todo lo que conocía se ha visto alterado: la nave de Superman no se estrelló en Kansas sino en Metrópolis, causando más de 35.000 muertes; en el callejón del crimen, en Gotham City, murió Bruce Wayne y su padre Thomas se convirtió en Batman; Wonder Woman y Aquaman están enfrentados en una guerra que ha destruido Europa; todos los héroes han sufrido cambios. El único que recuerda las cosas tal cual fueron es Barry Allen, quien está empezando a olvidar, siendo sus recuerdos reemplazados por el del nuevo mundo.

Todo cambió en un flash
Todo cambió en un flash

¿Quién es el culpable? Esa incógnita se mantiene durante 4 números. En el quinto se revela que fue Barry, quien cegado por la rabia tras descubrir que Eobard Thawne, el Flash Reverso, fue quien mató a su madre cuando era niño, decide volver atrás en el tiempo e impedir el asesinato de Nora Allen, provocando grietas en el espacio tiempo que afectaron a todos sus conocidos. La única forma de arreglar las cosas es recuperar sus poderes, para lo cual tiene que caerle otro rayo encima, y detenerse a si mismo en el instante en que retrocede en el tiempo. Ayudado por Batman / Thomas Wayne, que ve la oportunidad de evitar la muerte de Bruce, Barry consigue sus objetivos pero al mismo tiempo provoca pequeños /grandes cambios en la continuidad de la historia de los héroes, que propiciaron un relanzamiento de sus colecciones por parte de la editorial en lo que se conoció como Los Nuevos 52. Pero esa es otra historia.

Diferentes Flashpoints

Como vemos, en la serie han recreado Flashpoint con ciertas diferencias. Barry regresa atrás en el tiempo no tras conocer la verdad sobre el asesinato de Nora sino tras la muerte de Henry Allen a manos de Zoom. Al regresar a su época, Barry conserva sus poderes, además de sus recuerdos, mientras que en los cómics no conserva su poderes y debe recuperarlos para arreglar las cosas.

Es importante señalar que en los cómics, Flash no viaja nunca al pasado, por lo menos en las etapas de Mark Waid y Geoff Johns. Tan sólo en Flashpoint se produce ese hecho. Se establece que el único capaz de alterar el pasado es Eobard Thawne, el Flash Reverso. Cuando Barry lo intenta, se producen nefastas consecuencias, con cambios en todo el continuo espacio-tiempo que afectan a todos sus conocidos.

Otra diferencia importante entre los cómics y la serie es que, en los cómics, Barry viaja atrás en el tiempo para detenerse a si mismo antes de retroceder e impedir la muerte de Nora; en la serie se ve obligado a liberar al Flash Reverso y dejar que mate a Nora, lo que supone una vuelta de tuerca más trágica a la historia.

Muerta, otra vez
Muerta, otra vez

Ojala pudiera matarte

Esa frase se la suelta Eobard Thawne a Barry Allen y merece que nos fijemos en ella. El Flash Reverso nunca podrá matar a Barry Allen ya que le debe su propia existencia. Sin Flash, no habría Flash Reverso por lo que su única opción es hacerle daño a través de sus seres queridos. Este detalle es importante ya que, en los cómics, al impedir la muerte de su madre, Flash convirtió al Flash Reverso en una paradoja temporal que ya no necesita de la existencia de Barry Allen para existir. Y el próximo episodio de la serie se titula precisamente Paradoja. Estaremos atentos.

En mi opinión, Flashpoint ha llegado a la serie demasiado pronto. Que hayan recurrido a ello tras tan sólo dos temporadas, dejando por el camino otras historias, no me parece muy buena señal porque demuestra que no confías demasiado en el potencial del personaje. Flashpoint es impactante pero el jugar tan pronto con los viajes en el tiempo acaba por provocar una sensación de que ese recurso, el de viajar en el tiempo y arreglar lo que se ha estropeado, es un deux ex machina al que se puede recurrir cuando te viene en gana, con lo que la sensación de peligro y de tensión se esfuma. ¿Para que vamos a preocuparnos por lo que pase? Total, si es muy grave ya retrocederá Barry al pasado e impedirá que suceda. Eso lo entendió muy bien Geoff Johns. Mientras el anterior guionista, Mark Waid, centró su etapa en desarrollar los poderes de Flash, la Fuerza de la Velocidad, su relación con su novia y los viajes en el tiempo (siempre al futuro), Johns entendió que la cosa no daba más de si y se centró en los villanos y en convertir la ciudad donde opera Flash en un escenario con personalidad, al estilo de Metrópolis o Gotham. Tan sólo con Flashpoint recurrió al viaje en el tiempo, convirtiéndolo en algo excepcional y trascendente y no en un paseo por el campo.

¿He sido el único que ha echado de menos a Eddie Thawne y a Harrison Wells? Nos leemos en el siguiente episodio: Paradoja. Un saludo. Sed felices.

¡Ah, por cierto! Mirad quien sale en el avance del próximo episodio. ¡Por Dios! No puedo escapar de ella.

Last Hero Inuyashiki. Primeras impresiones

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Last hero Inuyashiki es un manga super original. No tenía ni idea de qué iba a leer cuando lo abrí y ha sido extraordinario descubrir la historia que nos viene a contar el autor. Empieza muy triste, donde un padre de familia se siente un extraño ser en su propia familia: el apestado del que nadie quiere saber nada y que solo sirve para llevar dinero a casa. Su hija mayor no le quiere cerca, su hijo no camina con él, y su mujer casi no le dirige la palabra. Supongo que son muchos los hombres que llegan a los 50 y ven que su vida se reduce al valor que ingresan mensualmente. Es la depresión de los 50. Pues bien, un día va y adopta a un perro de la perrera y empieza a notar que alguien lo quiere. Sí, al menos el perro lo quiere. Os parecerá una tontería, pero todavía no he superado la muerte de mi perro, y ver a un personaje así con un perro que le ladre me hace identificarme al 100% en él. Cosa rara, pero bueno, me gusta meterme en los personajes y vivirlos, luego vuelvo a mi mundo. Pues un día saca de paseo al perro, se sienta en una colina y le cae una nave espacial encima. TOMA YA!!! JAJAJAJA es brutal

Y como los extraterrestres no tienen ni idea de cómo son los humanos lo reconstruyen como pueden para que «parezca» que no le ha pasado nada, pero ahora él es un robot.

¿Cómo te has quedao? Lo que te digo: una historia increíble con un inicio fantástico. Ahora el listón está tan alto que es cuando hay que dejar de leer, como dijo Michael Bublé en un concierto al que fuí: el resto es mierda, me lo he gastado todo en hacer una entrada espectacular.

Lo mejor de Last Hero Inuyashiki

Es la trama, el personaje principal, el argumento. Desde Assassination Classroom no me sorprendía tanto un manga.

Lo peor de Last Hero Inuyashiki

¿De verdad tiene algo malo este manga? bueno, los mechas, que no me molan.

Mi video reseña de Last Hero Inuyashiki

https://youtu.be/JL8T6AK2tT4

Mas reseñas de Last Hero Inuyashiki

https://youtu.be/MGe2LveiIyM