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Retro-análisis: Alien Resurrección

Queridos lectores, en el Retro-análisis de hoy, analizaré la cuarta y, de momento, última entrega de la saga Alien (queda pendiente Promtheus) Alien: Resurrección.

Cerrado el círculo en Alien 3, cinco años después, en 1997, la Fox quiere más pasta y decide poner en marcha la cuarta entrega de la saga de los monstruos espaciales más exitosa de todos los tiempos.

En mi opinión personal, sigue sin estar ni a la altura de la suela del zapato de El octavo pasajero, pero es mucho más digna y llevadera que la tercera, lo que no quita que el filme tuviera sus propios problemas.

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Después de que directores como Peter Jackson y Bryan Singer rechazaran la propuesta de dirigir la película, ésta se volvió poco seria desde antes de empezar a rodarse, con lo que pusieron a manejar el cotarro a nada menos que Jean Pierre Jeunet, director de Amelie y otras películas que nada tienen que ver con el género. Jeunet, que no tiene ni papa de inglés y tuvo durante todo el rodaje a un intérprete a mano, tenía una idea muy clara, convertir la película en una especie de comic viviente mediante caricaturizaciones, toques de humor, acción, ciencia imposible y mucho color.

Siguiendo esa línea, el guionista elegido desde un principio por la Fox fue Joss Whedon, guionista de comics y de películas como Los Vengadores (que también dirigió) o Buffy cazavampiros. Marc Caro, dibujante de cómic y director de cine, que ya había trabajado antes con Jeunet fue el encargado de hacer el storyboard de la película. Un conjunto de artistas con gustos, ideas y dotes similares trabajando juntos en un universo en el que están cómodos. La película se planteaba mucho mejor que su predecesora en la que cada uno tenía una ideología y unos intereses diferentes, lo que facilitó mucho que fuera un desastre total.

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Por no acabar con la maldición de los guionistas de Alien, Whedon tuvo problemas con la distribuidora y tuvo que reescribir el guión hasta 5 veces. En el primero, imaginó a una Newt clonada que desarrollaba su historia en la Tierra, pero los peces gordos dijeron que Weaver debería volver como protagonista de la cinta. ¿Cómo solucionar, entonces, su pequeño suicidio en Alien 3? O bien hacemos que todo sea un sueño de Resines, digo de Ripley, y empezamos donde acabó Aliens o bien la clonamos y ya empezamos con los disparates. Escogieron la segunda.

Sigourney Weaver, que se negaba a volver a participar en la saga, se sorprendió con el guión de Whedon, que daba a su personaje unas nuevas características y habilidades en los que quería indagar. El hecho de ser productora de la película y los 11 millones y medio que se echó al bolsillo ayudaron a que su interés aumentara.

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Con este plantel y un presupuesto de 70 millones, infinitamente mayor que en las anteriores, comienza a tomar forma una nueva perspectiva de la saga, que poco tiene que hacer para superar a la anterior. El toque comiquero que lo llena todo de color y aporta una pizca de humor, sin destruir la magia de las primeras entregas, es fantástico.

Yendo al grano, el planteamiento de la cinta es muy pobre en detalles y explicaciones, por lo que, si solo has visto la película una vez, no te enteras de nada. Faltan unos 20 minutos iniciales donde se explique bien a fondo que la compañía, Weyland-Yutani se ha transformado de pleno en una corporación militar, que sigue empeñada en usar xenomorfos como armas y que con una ciencia imposible consiguen rescatar ADN de Ripley del  Fury 161 para clonarla, 200 años después de lo sucedido en Alien 3.

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Como partimos de la idea de ciencia ficción y comic, todo vale. Consiguen clonar a Ripley con el chestbruster de alien reina dentro. De forma inexplicable, se produce algún fallo en la clonación, que resulta en una Ripley un poquito alien y en una reina alien un poquito humana.

Vamos conociendo al resto de la plantilla: Winona Ryder, Ron Perlman, J.E. Freeman, Dan Hedaya, Leland Orser, Brad Dourif, Michael Wincott, Dominique Pinon, Raymond Cruz y Gary Dourdan. Todos ellos con personajes bastante planos, excluyendo a Ron Perlman y a Sigourney, que sigue interpretando a esta nueva Super-Ripley de maravilla.

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La reina pone huevos, infecta a unos huéspedes que traían de contrabando, los aliens resultantes escapan y los superviventes de la nave luchan por sobrevivir. Es evidente la inspiración de Jeunet en Cameron, contando con un grupo de mercenarios armados y muchos aliens en un espacio reducido. Del mismo modo, se trata de una película con acción en estado puro con disparos, muertos y mucho gore, del que destaca la escena de la persecución de los xenos bajo el agua, para mí, una de las mejores de la saga.

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Finalmente, en la ida de olla más intensa de la saga, la reina alien muestra un sistema reproductor autofecundable “humano” del que resulta un híbrido alien-humano muy repugnante de ver (y que tiene una vagina gigante en la parte anterior) conocido como newborn, que establece una relación muy sensual con Ripley.

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Los humanos que quedan, consiguen llegar a la capsula de escape y huyen de la nave principal. ¿A qué no os imagináis quién se ha colado? Para ser originales (…) el newborn está con ellos, pero consiguen expulsarlo de la nave y llegan a la tierra.

Así se cierra esta gran saga, que ahora prolonga con precuelas y secuelas, pero que lleva cerrada muchos años. No es una gran película, pero tampoco pretende serlo. Es bastantes llevadera y entretenida de ver, añade conceptos a la biología alienígena y se desarrolla de forma correcta aunque con poco detalle. En mi opinión, es una película que por sí sola no vale mucho pero como cierre de saga, cumple.

Seguiré analizando sagas de este calibre muy pronto. ¡Disfrutad de las cosas que os hacen felices!

Análisis sobre Daredevil (Netflix). Temporada 2. Episodio 6

The-Best-Of-Marvels-Daredevil-2x06-Regrets-Only-500x281   Foggy: ¿Debemos arriesgar todo, nuestro bufete, nuestra reputación y, seamos francos, nuestra seguridad? ¿Arriesgarlo todo para ayudarlo?

    Matt: Más o menos, sí.

   Foggy: ¿Se trata de salvar a un hombre o a un justiciero?

   Matt:Es una persona. Como tú Foggy, como yo. Y no debería tener que morir.

poster segunda temporada daredevil   Enlaces a episodios anteriores:

   En el episodio 6 de la segunda temporada de Daredevil, Regrets only, vamos viendo como se va configurando el panorama para nuestro abogado ciego. ¡Muy crudo! Los complicados contextos que rodean tanto al Punisher como a Elektra lo van a arrastrar y a mantener bastante ocupado en lo que queda de temporada. Eso si no vemos más sorpresas.

Elektra  Vamos con el capítulo que nos ocupa. En el anterior observamos como la Mafia Japonesa iba tras Elektra y Matt tenía que decidir si la ayudaba a no como Daredevil. Al final opta por hacerlo y juntos los derrotan, sin excesiva dificultad.

   Después ambos se van a comer. Matt le pide explicaciones acerca de los motivos de la Yakuza para ir tras ella. Pero Elektra juega al despiste con él y no le cuenta nada claro. Matt le pide entonces que abandone New York si ya ha conseguido lo que quería. A lo que Elektra le responde que sólo abandonará Hell´s Kitchen tras atrapar a la Yakuza. Para ello, necesitará su ayuda. Da a entender que para acabar más rápido aunque a nadie se le escapa que lo que busca es estar con Matt. Este lo sabe pero acepta el trato para perderla de vista lo antes posible. Parece tener claros sus sentimientos por Karen y no quiere tener a antiguos amores problemáticos rondando por su vida.

daredevil-regrets-team   Pero, como hemos dicho al principio, este es sólo uno de los problemas en la vida de Murdock. Luego está el Punisher. Tras descubrir que la Fiscal Reyes está moviendo fichas para que Frank Castle sea extraditado a un estado donde haya pena de muerte, con el fin de eliminarlo y ascender en su carrera política, Nelson y Murdock proponen a Castle ser su defensa. Decisión reforzada por las investigaciones de Karen, que apuntan a que la fiscalía oculta, a propósito, información sobre Punisher para presentarlo a la oponión pública únicamente  como un monstruo, olvidando que fue un héroe de guerra. Nuestros protagonistas, quieren averiguar la verdad.

   En el hospital, su amigo, el Sargento Mahoney, ahora ascendido a detective, imaginamos que por la detención del Castigador, les avisa que enfrentarse a Reyes sería algo así como un suicidio profesional, pero ellos están decididos a no dejar morir a Castle. Éste, tras ver una foto que Karen tiene de su familia, acepta que Nelson y Murdock le representen, pese a la irrupción de Reyes en la habitación, lo que termina en un careo entre ésta y Murdock, que nuestro abogado ciego gana.

daredevil-s02-e06   Mientras están preparando el caso, el chófer de Elektra aparece buscando a Matt. Este le deja el caso a Foggy con la excusa de que es el misterioso cliente del que les ha hablado en otras ocasiones, y al que no puede dejar de lado porque les está pagando muy bien.

   Elektra le explica que la razón para contactar con él es para invitarle a una fiesta organizada por la Mafia Japonesa esa noche, con el propósito de robarles su libro de cuentas, donde aparecen anotadas todas sus actividades criminales. Su forzosa -aunque a ratos parece disfrutar con ella- alianza con Elektra hace que no tenga más remedio que colaborar con ella. Tras peripecias varias, consiguen el mencionado libro, dejando dos misterios en el aire: Uno que parte de la información contenida en el libro está cifrada y otro que el pez gordo de la fiesta no representa a la Yakuza. Entonces …. ¿a quién?

Karen_y_Frank   Mientras tanto, Foggy prepara la defensa de Frank. Pero éste sólo quiere hablar con Karen. De la conversación entre ambos Karen descubre que Frank esconde más humanidad de la que a simple vista parece y Frank consigue enterarse de que la intrépida secretaria de Nelson y Murdock estuvo en su casa así como que ella sabe las circunstancias que le llevaron a convertirse en el Punisher.

   A continuación Foggy le comunica el acuerdo que ha llegado con Reyes: Se anula la Pena de Muerte y se ofrece la posibilidad de Cadena Perpetua Revisable con posibilidad de Libertad Condicional, siempre que se declare culpable. La trampa en el trato es que no estaría alejado de los presos comunes, lo que deja abierta la posibilidad de que lo ataquen y lo maten, haciéndole el trabajo a Reyes. Aún así es un buen trato, pero, contra todo pronóstico, Frank decide declararse inocente, en presencia de la juez y de Reyes, amenazando a esta última con hundirla. Esta decisión les llevará irremediablemente a juicio, lo que podría destapar el juego sucio de Reyes.

   Podemos decir que este es un episodio de transición, donde se ha profundizado en las motivaciones y sentimiento de sus principales personajes (Matt, Karen, Elektra, Foggy y Frank), presentando nuevas incógnitas y preparando el terreno de lo que ha de venir.

   Nos leemos en otros posts de Las cosas que nos hacen felices.

Crítica de Capitán América Civil War. La esencia de los cómics en la pantalla grande

Durante la semana pasada subimos la crítica de Manuel Palacios de Capitán América Civil War y la verdad es que sólo con el título ya describía lo que realmente es la película: Marvel en estado puro. Y es que Civil War es eso, es la Marvel de los cómics pero trasladada al cine. La historia en si no tiene nada que ver con la original de los tebeos pero la esencia Marvel está más que presente. Para mi Capitán América Civil War es la mejor película de La Casa de las Ideas por detrás de El soldado de Invierno.

NO HAY SPOILERS.

Marvel en estado puro

Como bien rezaba Manuel Palacios en el título de su artículo, Civil War es Marvel en estado puro. Civil War es quizás la película Marvel que más define lo que es la editorial trasladada al celuloide. Nos proporciona la sensación que los veteranos lectores tenemos de Marvel cuando leíamos sus tebeos entre 1975 y 1991, la edad dorada moderna de la editorial. Cuando Claremont estaba en La Patrulla-X (X-Men), Byrne en los 4 Fantásticos, Miller en Daredevil, Simonson en Thor, Stern en Spiderman... ¡Que feliz era leyendo esas aventuras y que feliz soy al volver a leerlas hoy en día! Gloriosos. Nuestro amigo Pedro Pérez hizo una crítica comparando el Marvel actual con el glorioso de los años 80 en este artículo que es educativo y divertido. Y es que Civil War, con sus fallos nos proporciona divertimento a raudales. ¡Que bien me lo pasé en el cine! Como película El soldado de Invierno quizás sigue siendo la mejor película Marvel, pero Civil War nos proporciona algún que otro lapsus paro luego incidir en batallas y peleas inolvidables. No es tan épica como la primera parte de los Vengadores pero me parece mas constante, sin altibajos. Sigo recordando que la primera hora de los Vengadores me pareció muy lenta y aburrida.

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Para mí este es el bando de los malos. Viva el Capi

El bueno contra el bueno

Aquí los malos pintan bien poco. Es cierto que dan un empuje a los héroes para que se den de ostias pero realmente no pintan nada. La diversión y todos los flashes se lo llevan los grandes héroes de la editorial. Y bueno, puedo decir que las peleas están «justificadas». No rezuman naturalidad por los 4 costados pero si retoman el «made in Marvel» de los años 80. Mediante un guión sólido pero mirado con lupa simple, la excusa para darse puñetazos empieza por alguna razón plausible. La cabezonería de los dos antagonistas hace que te vendan la moto desde el principio para que la batalla entre ellos y sus aliados sea creíble. El bando del Capitán América está formado por amigos y por la lealtad que Steve Rogers infunde sobre el resto y el bando de Iron Man por la lógica y la razón sobre el corazón.

Invitados especiales

En Civil War aparecen personajes nuevos que veremos próximamente en películas independientes y personajes que ya han gozado de películas propias. Podría empezar por el más importante de La Casa de las Ideas que no es otro que el genuino Spiderman. Y además sale mucho más tiempo del que nos suponíamos. Un acierto meterle en Civil War. Este Spiderman es el verdadero Spiderman que hemos leído en los cómics. Tiene narices que Marvel metiéndole con calzador haya conseguido llegar más a la gente que Sony con sus cinco películas anteriores. Si, cinco. Tres de Tobey Maguire y dos de Andrew Garfield. Pantera negra o Black Panther es otra nueva incorporación a este elenco de estrellas en la cual se le intenta dar mucho protagonismo y parece que al menos no cae en el ostracismo. El problema es que no llega a destacar sobremanera aún teniendo mucho metraje. Y me dejo para el final a nuestro amigo Ant Man, ya con película propia y anunciada una secuela. Paul Rudd se sale en su breve intervención tanto en el plano humorístico y en el de acción. Un acierto en todo.

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El principio de la Fase III…

Y parece que el fin de la era Marvel que todos conocemos. La inclusión de nuevos personajes es fundamental y desde La Casa de las Ideas lo saben para ir renovando un elenco de actores que se van quedando algo viejos para jugar a esto de los superhéroes. La incorporación de sangre nueva tiene que ir haciéndose poco a poco y hacerlo desde ya parece buena idea. La separación del bando pro Capi frente a los pro Iron Man es la tónica que marcará a los héroes hasta el final de la Fase III en la que todo el Universo Marvel tendrá que unirse frente a la amenaza exterior de Thanos y el Guantelete del Infinito. La ruptura será momentánea pero será el punto de inflexión para esta «época oscura» cinematográfica. A mi me parece una nota discordante y quizás necesaria para cambiar la cantinela de La Casa de las Ideas donde todo era bonito y de los mundos de Yupi. Una película notable, recomendada.

Id a verla al cine, os gustará.

Arrow. Temporada 4. Capítulo 19: El grito del canario

Bienvenidos a Arrow, una serie 100% Marvel, más Marvel que Daredevil, Jessica Jones y Agents of SHIELD juntas. Ya estoy oyendo los comentarios: ¡pero qué dice este hater! ¡maldito anti-DC, ya se está cachondeando de nosotros! Tranquilos, que todo tiene explicación pero antes hay que enlazar a los análisis anteriores y comentar el argumento.

Análisis de los episodios anteriores de Arrow

El episodio se inicia con un prólogo que es también un flashback, el funeral del añorado Tommy Merly, donde vemos a Laurel pronunciar unas palabras y a Oliver ausentarse. Este flashback se repetirá en el episodio, sustituyendo a la trama de Liam Yu, por lo que veremos como Laurel y Oliver afrontaron la pérdida de su amigo, terminando en la huida de Oliver a la isla purgatorio.

Tras el flashback-prólogo, enganchamos directamente con el final del episodio anterior. Quentin Lance está destrozado y se enfrenta a la muerte de su hija sin poder asumir la realidad. Toda la Arrow-Familia lo lleva como puede. John a puesto a salvo a Lyla y a su hija en previsión de que su hermano vaya a por ellas. Mientras, en la calle, una nueva Black Canary roba un alijo de armas y usa un grito sónico que deja el de Laurel como un simple trino. ¿El cadaver de Laurel no está frio y Felicity ya se ha puesto el traje de cuero? Empezamos a temblar y no precisamente de emoción.

No se yo si es Felicity, con la máscara no la reconozco
No se yo si es Felicity, con la máscara no la reconozco

Mientras Thea  toma café con Alex Davis, quien ahora trabaja para Ruvé Adams, aparece la nueva Black Canary y le acusa de trabajar para «ellos». Oliver le sigue la pista y ella le suelta la famosa frase: le has fallado a esta ciudad. Black Cannary acusa a Green Arrow de haberlos abandonado en Reddington para morir. Pronto descubrimos que se refiere a Reddington Industrias, donde Darkh retuvo a Thea, John y Felicity y les metió en una cámara de gas. Parece ser que no todos eran voluntarios en esas instalaciones.

Tras una concienzuda investigación por parte de Felicity (si, ha regresado; era inevitable) descubrimos que la nueva Black Canary es Evelyn Sharp, una adolescente cuyos padres murieron a manos de HIVE y que ahora busca venganza. Sin embargo, el precio de esa venganza es arrastrar por el fango el legado de la genuina Black Canary y eso no se puede consentir, por lo que Green Arrow y compañía intentarán evitarlo a toda costa.

Tras el argumento hablemos del gran protagonista del episodio: Quentin Lance. Lo de este hombre es impresionante. Que un padre pierda a su hija es lo más terrible que le puede pasar a uno pero este hombre las pierde a pares y por partida doble. En esta situación y viendo lo que ha visto es normal que no acepte la muerte de Laurel, llegando a pedir ayuda a Nyssa Al Ghul. Por desgracia, los guionistas ya se ocuparon en los primeros episodios de cerrar el foso de Lázaro, por lo que a Lance no le queda más remedio que aceptar el duelo. Lance es, de calle, el mejor personaje del show, el más humano, el representante del espectador que asiste a todas las cosas inverosímiles que suceden en la serie. Cualquier pregunta que nos podamos hacer, Quentin Lance la hizo primero. Hemos echado a faltar a la madre de Felicity. Se ve que los funerales no son lo suyo.

Quentin Lance, soportando lo insoportable
Quentin Lance, soportando lo insoportable

Arrow, una serie Marvel

Y ahora vamos con lo bueno. ¿Qué caracteriza a Marvel, a los cómics y a sus personajes? Hay la creencia extendida de que Marvel es diversión intrascendente, luminosidad y superficialidad, chistes en cada viñeta o en cada escena, el cachondeo padre. Error. Esas características pueden formar parte de Marvel pero no es la característica principal de sus personajes. ¿Cuál es esa característica? Respuesta: la culpa, también conocida como Complejo de Peter Parker.

El buque insignia de la compañía, Peter Parker, Spiderman para los vecinos, nace en el Amazing Fantasy #15 con una gran culpa a sus espaldas: culpa por no haber detenido al ladrón, culpa por no impedir el asesinato de su tio Ben, culpa por ser un irresponsable. Peter Parker, a lo largo de su historia, continúa autocompadeciéndose por todo y echándose la culpa de todo lo que sucede a su alrededor: que si a tía May le da un ataque, que si El Duende Verde mata a Gwen Stacy, que si el Doctor Octopus mata al Capitán Stacy, que si su amigo Harry se vuelve loco, que si… es un no parar.

La culpa
La culpa

Pero Spiderman no es el único, que va. Observemos a Los 4 Fantásticos: ahí está Reed Richards para cargar con la culpa de todo. Culpable por no tener paciencia y largarse al espacio cuando llegan los rayos cósmicos, culpable de que sus amigos tengan superpoderes y sobretodo culpable de que Ben Grimm se convierta en una cosa rocosa.

Sigamos. Steve Rogers, el Capitán América, se tira dos décadas congelado martirizándose por la aparente muerte de Bucky Barnes. Cuando lo deshielan, no hay episodio en los Vengadores o en su propia serie en la que no se nos recuerde que la culpa lo martiriza.

¿Quedan dudas? Tranquilos que Stan Lee inventó al superhéroe culpable por excelencia: Matt Murdock, a.k.a. Daredevil, el más culpable de todos. Cuando no está en un juzgado o en las calles repartiendo mamporros, está en un confesionario confesándose. ¿Por qué? Pues porque se siente culpable. ¿De qué? No importa. Es católico practicante y sólo por eso ya se siente culpable. Es lo que tiene esa religión: Jesús murió por nuestros pecados y somos todos culpables de eso, así que toca confesarse por cualquier cosa.

Culpable eres tu
Culpable eres tu

Llegados a este punto, el que haya visto el episodio ya habrá pillado por qué digo que Arrow es una serie 100% Marvel. Todos, absolutamente todos, se pasan el episodio diciendo que son culpables y sintiéndose culpables, que no es lo mismo una cosa que otra. John Diggle se siente culpable por su hermano y pierde los papeles; Felicity Smoak, que siempre quiere ser el centro de atención, no podía ser menos y también se siente culpable por no estar allí y haber abandonado el grupo; y Oliver Queen es el gran culpable, el campeón del mundo de echarse la culpa de lo que sea. La diferencia está en que, mientras en Marvel entienden que tanta angustia no puede ser buena y por eso meten chascarrillos de tanto en tanto que alivian la tensión, en Arrow se han puesto tan serios y tan trascendentes que acaban por hacer el ridículo. Lo peor es que la culpabilidad se contagía de serie DC en serie DC y ahí está Barry Allen, que en su primera temporada era un tipo divertido y luminoso y a mitad de la segunda le corroe la culpa por cualquier cosa: que si la muerte de Ronnie, que si el abrir los portales a Tierra 2, que si no impedir la muerte de su madre, que si la muerte de Joe en Tierra 2, que si la muerte de Jay,… bueno, esto no está claro aun pero por si acaso que se eche la culpa también, que un superhéroe debe sufrir y estar angustiado o si no no es un superhéroe como Dios manda.

¡Yo soy culpable! ¡No, el culpable soy yo! ¡Yo soy más culpable que tu! ¡Imposible, yo soy culpable de que seas culpable!
¡Yo soy culpable! ¡No, el culpable soy yo! ¡Yo soy más culpable que tu! ¡Imposible, yo soy culpable de que seas culpable!

En este episodio hemos descubierto que no estamos viendo Arrow sino Las aventuras de Peter Parker pero sin humor: Oliver Queen es Peter Parker, culpa va, culpa viene; Tommy Merlin fue Harry Osborn y su padre… bueno, ya imagináis quién es; Laurel Lance es Gwen Stacy; Felicity Smoak es Mary Jane Watson; el padre de Oliver fue el Tio Ben; y suma y sigue. ¿No os convenzo? Pues atención al final del episodio, en el funeral y en el coche, cuando Oliver dice que sabe que no fue su culpa pero que es su… ¡responsabilidad! Parece que estoy oyendo las palabras del mismísimo Stan Lee, el evangelio según Marvel: todo gran poder, conlleva una gran responsabilidad. Hemos tardado 3 temporadas completas y 19 episodios en llegar a una conclusión para la que Stan Lee tardó unas 14 páginas. Nuff said! Nos leemos en el próximo episodio, Génesis y atención a Andy con la motosierra. ¿Es el espíritu de Tony Montana reeencarnado?. Un saludo y sed felices

https://youtu.be/IA4VK0RNYcI

Reseña de Star Wars (tomo recopilatorio) 1, Skywalker ataca

Cuando salió el primer número en grapa de esta nueva colección, las ventas se dispararon. Hablamos de 2015, antes del estreno de El despertar de la fuerza y de Star Wars. Si no recuerdo mal se vendieron más de 1.000.000 de copias, datos que no se veían desde hacía mucho tiempo en el mundo del cómic. Y es que el universo Star Wars es actualmente el que más dinero mueve en en el mercado del ocio y entretenimiento por encima del de los superhéroes. ¿Pero realmente merece la pena comprar el cómic de Star Wars o es mero marketing?
No voy a esperar mucho para responder que si, que el cómic de Star Wars publicado por Planeta Cómic merece y mucho la pena. Hay fans que lo compran en grapa y otros que se esperan unos meses y lo coleccionan en tomos recopilatorios, como es mi caso. El poder leer los seis primeros números de golpe me ha transportado una vez más a las historias de antaño, las historias de la trilogía clásica, la original, la buena. Los cómics de Star Wars se sitúan después del Episodio IV (1977), o lo que es lo mismo a continuación de la primera película de la Guerra de las galaxias ahora rebautizada como Una nueva esperanza y tienen ese regustillo de antaño, de que realmente complementan lo rodado por George Lucas décadas atrás. Los personajes principales no han envejecido y gracias a los lápices de John Cassaday parecen ellos de verdad. En vez de verlos en la gran pantalla los estoy leyendo en mi tebeo de casa.
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Lo más importante lo han logrado. No me estoy leyendo refritos de Star Wars en los que aparece Luke o Han Solo haciendo cucamonadas con espadas láser o con cazas espaciales. No me estoy leyendo historias de relleno o precuelas. La verdad es que tengo la sensación de estar disfrutando de una continuación real de la saga galáctica, como si se hubiera escrito entre 1977 y 1980. Creo que estamos ante la mejor ocasión para disfrutar de Star Wars dejando de lado las secuelas cinematográficas actuales de las que no estoy en absoluto muy contento. Yo soy de esos raritos que piensan que lejos de ser buena película El despertar de la fuerza le parece del montón. El cómic es estupendo y está muy bien cuidado por Marvel, que ahora retoman la publicación de la franquicia de Lucas Film tras la compra de Disney. Y además de Cassaday a los lápices, que será sustituido por Immonen en el segundo arco argumental (habrá que esperar al tomo 2) me tengo que quitar el sombrero ante Jason Aaron, uno de esos magníficos guionistas que sin ser estrellas rutilantes de un par de obras se ha ganado el respeto y admiración de crítica y público por ser capaz de hacer excelentes guiones en todo lo que toca. Lo descubrí en Scalped y le he seguido por casi todo lo que ha hecho para La Casa de las Ideas y la verdad es que el tío es muy bueno. Creo que Marvel no da las riendas de un cómic top ventas a un cualquiera y si se lo han dado a Aaron será porque su talento es innato.
Tengo claro que quizás gran parte del argumento global esté encorsetado debido a las limitaciones del plan general como no matar a un personaje principal, no salirse de las directrices de la saga o no hacer algo que deje secuelas para futuras entregas rodadas décadas atrás. Deben ceñirse a lo que tienen sin desvirtuar lo acontecido en El Imperio contraataca (1980) que sería lo completamente posterior a lo mostrado en el cómic. Pero al menos puedo decir que en este primer tomo, que engloba el primer argumento las ideas ruedan y fluyen como un torbellino multicolor. Para mí, un gran cómic que hará las delicias de los fans de la saga y de todo aquel amante de los cómics americanos. Un cómic totalmente recomendado
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Luke Skywalker y la variada banda de rebeldes que lucha contra el Imperio acaban de salir de su mayor victoria hasta la fecha (la destrucción de la estación estelar conocida como La Estrella de la Muerte). Pero el Imperio aún no ha sido derrocado…

Luke, Leia, Han Solo, Chewbacca, C-3PO, R2-D2 y el resto de la Alianza Rebelde siguen luchando por la libertad contra las fuerzas oscuras de Darth Vader y su amo, el Emperador.

Una de las series superventas de 2015.

Recopilatorio en cartoné de las grapas 1 a 6.

Civil War, cómics y política (II): El Escuadrón Supremo o el precursor de Watchmen en Marvel

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

En el anterior post hablamos de cómo Marvel empezó a introducir el tema de la intromisión del gobierno en los asuntos superheroicos, sobre todo en Los Vengadores y La Patrulla X a finales de los años 70-mediados de los 80 del pasado siglo.

Todos sabemos que aparecían dos cómics en DC destinados a cambiar todo, los dos tocando el tema de la intromisión del gobierno en lo superheroico: Watchmen (1986) y El Regreso del Caballero Oscuro (1986). Se ha escrito mucho sobre ellos, hasta el punto de ser un lugar común incluso entre gente que no ha leído mucho cómic. Quiero decir, que cuando sale el tema de que uno lee cómics lo primero que te dicen es «qué bueno es Watchmen». Parece que con soltar eso o con decir «qué bueno es Frank Miller» (lo es) uno ya convalida horas de lecturas o algo así. En resumen: Alan Moore y Frank Miller rompieron las paredes del mundillo de los superhéroes e incluso del cómic para ser conocidos a nivel popular.

Pero un año antes de eso, en 1985, Marvel ya sacó una historia que adelantó lo que pudo leerse en las dos obras maestras de DC. No era sólo una historia: eran 12 números de una colección menor de Marvel que fue, hasta ese momento, la más valiente apuesta por hablar de las implicaciones políticas de la existencia de superhéroes. No sólo en una historia aislada, sino durante todo un año de cómics. Eso lo hicieron el fantástico guionista Gruenwald y el mítico dibujante John Buscema en los doce números de El Escuadrón Supremo de 1985-1986.

Todo empieza con unos adversarios muy peculiares de Los Vengadores: el Escuadrón Supremo. Es un supergrupo creado por Marvel a imagen y semejanza de los miembros de la Liga de la Justicia de DC. Sí, era una artimaña de Marvel en los años 70 para hacer pegarse a Thor con «Superman», al Capitán América con «Batman» y no tener que pagar nada a DC. Hiperión era la versión de Superman, Halcón Nocturno era Batman, Dr Espectro era Green Lantern, la Princesa Poder era Wonder Woman, etcétera.

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Era una trampa-homenaje, claro. Se pegaban con Los Vengadores una y otra vez, engañados/controlados mentalmente. En el cómic JLA/Vengadores (2003) el vengador Ojo de Halcón hace incluso un chiste con esto al ver a Superman o Batman, viniendo a decir que les recuerda al Escuadrón Supremo. Era un grupo de personajes muy secundario de Marvel, la verdad. Y cayó en manos de uno de los más grandes artesanos del guión de superhéroes que ha existido: Mark Gruenwald. Aquella serie no era Spiderman, La Patrulla X o demás, sujetas a una continuidad, presiones editoriales o demás. Aquella serie de superhéroes, de hecho, existía en un mundo paralelo al oficial de Marvel. No tenía una base de fans ni de fundamentalistas detrás. Él y el mítico dibujante de Conan, John Buscema, podían hacer lo que quisieran.

Y decidieron ir a por todas. Decidieron que la JLA de Marvel no se limitaría a pegarse con supervillanos o perseguir a capos de la droga. Eran la fuerza más poderosa de su planeta…y ante el caos de su mundo no esperarían con los brazos cruzados. Asumen como supergrupo el liderazgo de unos Estados Unidos hechos trizas, imponen sus leyes amparados por el bien común e intentan llevar a Estados Unidos a una teórica utopía. Lo harían en un año y luego abandonarían el poder, firmando el acto quitándose las máscaras. Todos están de acuerdo en el grupo…menos el «Batman de Marvel», Halcón Nocturno. Según él, no tiene sentido una utopía si es regalada y conseguida sin esfuezo…por no hablar de qué hacer con los que no quieran dichas políticas.

Escuadrón Supremo Gruenwald

Por supuesto, el supergrupo pone todo su poder en marcha. El científico del grupo se propone curar el Cáncer, otros se dedican a retirar todas las armas de las calles, pretenden acabar con los problemas económicos, desmantelar el Ejército, buscar curar todas las enfermedades e incluso descubrir cómo salvarnos a todos de la muerte…hasta crean una máquina de Modificación Conductual, que se pone sobre la cabeza de un criminal e instantáneamente elimina todo pensamiento y tendencia delictiva. Tienen incluso un proyecto de fabricar en masa esta máquina, que sustituiría a las cárceles, caras e inútiles.

Pero en este grupo las cosas son distintas. Son superhéroes, pero es posible que sea de las primeras veces que veamos celos en toda su extensión. Hay miserias y sentimientos ruines, muy normales entre gente normal pero pocas veces mostrados así en superhéroes. Uno de ellos, el Green Arrow marvelita, deprimido y enfadado por que otra superheroína del grupo le ha dado calabazas, usa la máquina para cambiar la mente de ella y hacer que se enamore de él. Ella se muestra obsesisivamente enamorada de él, no dejándole ni a sol ni a sombra. El tono humorístico de la situación encubre algo terrible: la negación de la libre elección por parte de la otra persona. Es, vamos a decirlo, el equivalente a una violación. No hablamos de un cambio de personalidad de un criminal: es una mujer que te ha rechazado como pareja. Esto tan terrible lo hace alguien que, teóricamente, forma parte del supergrupo que maneja noblemente los destinos de los Estados Unidos. Un superhéroe. Aquí entra la tentadora posibilidad de cambiarlo todo…cuando realmente tu poder te permite cambiar todo de verdad.

Escuadrón Supremo Gruenwald 2

No todo acaba ahí, por supuesto. Hay asesinatos y engaños para conseguir acercarse a la persona amada, aún más conflictos por la Máquina de Modificación Conductual, muertes desgarradoras y definitivas (aquí no hay resurrecciones y todo es para siempre), una lucha del Batman marvelita contra lo que percibe como una tiranía de seres superpoderosos, aún más dilemas morales cuando el Escuadrón Supremo consigue encontrar una forma de engañar a la Muerte e integrar dicho sistema en el sistema sanitario de los EEUU y una batalla final en un aeródromo.

Diréis «buah, una batalla final en un aérodromo«. Y no. Aquí, por primera vez en mi vida, vi lo que uno esperaría entre seres que levantan montañas, van a la velocidad de la luz y demás: hay muertos. Muchos en muy pocas páginas. A todos los habíamos conocido poco a poco durante los números anteriores. No es el clásico «nos damos unos cuantos golpes y no ha pasado nada«. No. Es una constante del cómic: el nivel de poder es tal que es vergonzosamente fácil ver personajes lisiados por un combate o directamente muertos. La propia narración gráfica hace que la muerte de cualquier personaje sea algo vergonzosamente rápido, abrupto, terrible.

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Sí, el número 12 y final de la serie se llamaba…¡Civil War!

Quizás por primera vez vimos a un grupo de superseres no resignándose a perseguir carteristas u otros payasos disfrazados durante varios números de una serie. Tal y como le pasaría a Ozymandias en Watchmen, pensaron que el mundo no podía salvarse sólo. Gruenwald nos habla del conflicto que tiene siempre la persona en el poder con las libertades de los gobernados, nos habla de la legitimidad del poder para ejercer la fuerza, sobre el peligro que implica la puesta en práctica de toda utopía…temas que, vamos de decirlo, sí han sido muchas veces visitados por los cómics de superhéroes, prácticamente siempre en el mismo sentido: la libertad del individuo es la piedra fundacional de los Estados Unidos y del liberalismo que lo mueve. Toda limitación de ésta tendrá que tener justificaciones serias. Hasta tal punto es así que una entrega casi total de la libertad individual es, en cientos de cómics, algo perseguido por supervillanos. Lo original en este caso es que sea promovida por un grupo de superhéroes durante tanto tiempo.

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Seres superpoderosos y de alta moralidad, cuyo sistema político depende demasiado en el hecho de que ellos son buenas personas (aunque no todos, como hemos visto). Dicho sistema en gente menos poderosa o noble acabaría en un sistema tiránico y terrible. Aquí, el autor nos habla de que en el debate político no debemos fiarnos de los salvadores, los grandes personajes ni los héroes. El debate político siempre debe ir a mejorar las instituciones, las políticas, las reglas del juego, precisamente para no depender de la bondad o poder de los dirigentes. La limitación del poder, el diseño de cómo se lleva a cabo permitiendo a su vez gobernar, es una de las bases del liberalismo político que es sistemáticamente difundida en muchísimos cómics de superhéroes. Confianza en las reglas, en las leyes, no en los liderazgos carismáticos o en los salvapatrias. La ley está por encima de los individuos, por nobles, altruistas o maravillosos que estos sean.

Dentro de las curiosidades, el tiempo de la historia del cómic (transcurre un año desde que toman el poder hasta el final de la historia) coincide con su tiempo de publicación (12 números, es decir, un año). También es curioso que estos doce números no tienen mucho transfondo de la Guerra Fría de los años 80, cosa que sí podemos encontrar en Watchmen o El Regreso del Caballero Oscuro.

Evidentemente, hablamos de una obra que no está a la altura de las dos grandes obras ochenteras de DC. De hecho, no tuvo demasiado impacto en su época, seguramente eclipsada por aquellas dos que eran mucho mejores. Esto no quita que, en lo que estemos hablando, se adelantara a los dos colosos ochenteros al hablar del tema del gobierno político y los superhéroes, siendo un precursor claro de lo que veríamos muchos años después en el cómic destinado a cambiar el siglo XXI de los superhéroes: The Authority. Quizás también fue todo esto por ser en términos de guión y narración gráfica un cómic de superhéroes muy clásico, muy de los setenta, por más que la propuesta o el tono fueran originales.  Digamos que sin haber leído nunca cómic de superhéroes entra más por los ojos Dave Gibbons-Frank Miller o sus respectivos guiones.

plagiadores y plagiados 01

Ha sido con los años que estos doce números de El Escuadrón Supremo fueron sumando aplausos y reconocimiento. Se convirtió en un cómic de culto. Al fin y al cabo, sólo era leerse esos doce números y no hacía falta saber nada antes ni después. Es una más que recomendable incursión de Marvel en este terreno. Panini recopiló en 2009 los doce números de esta historia autoconclusiva en dos tomitos (1 y 2).

En el siguiente post ya nos plantaremos en pleno siglo XXI, con los antecedentes inmediatos a los cómics de la Civil War.

Sed felices.

Análisis de The Flash. Temporada 2. Capítulo 19

Bienvenidos una semana más a otro análisis muy particular de nuestro corredor escarlata, ya no tan preferido, y es que semana tras semana, vemos que lejos quedan las expectativas tras la excepcional primera temporada. Ya solo quedan tres capítulos para la final de temporada y pese a ser este un episodio entretenido no aporta apenas nada a la trama principal. Recapitulamos capítulos anteriores y nos ponemos al lío.

Análisis de la serie The Flash

Capítulo 19 que lleva por título “Back to normal”. Decía que me parecía que para estar cerca del final no tratar en este capítulo apenas la trama principal es un error. Está ahí, si, pero todo muy centrado en dos temas muy vistos ya en la serie y que la han lastrado en esta segunda temporada, como son el metahumano de turno de la semana y la culpabilidad del héroe, que cansa ya. Otro aspecto que quiero destacar es lo fácil que resulta vencer a un metahumano sin la presencia de Flash. Ya hace unos episodios con Flash en Tierra-2, el resto del equipo venció a un muy torpe metahumano, Geomancer, allá por el capítulo 13. En esta ocasión estaba Barry sin poderes pero no ha sido óbice para derrotar a todo un villano superfuerte.

Griffin Grey cosasfelicesflash.jpg

Tras esta retahíla pasamos al capítulo donde ha habido un componente que se ha acentuado a lo largo del mismo, la culpa. El Doctor Harrison Wells nada más comenzar el capítulo dice que todo lo ocurrido es culpa de Allen, y aquí gente, no podemos más que estar de acuerdo. Y es que lo hemos hablado ya en los comentarios varias veces, que Flash es culpable desde hace tiempo por sus acciones pero Harrison Wells también recibirá ración de culpabilidad y en su caso doble ración. Por una parte del metahumano de la semana, Griffin Grey, cuyo poder es una superfuerza, con el hándicap que al utilizarla demasiado le provoca un envejecimiento físico. Resulta que Grey hace responsable a Harrison de lo que le ha pasado por el accidente del acelerador de partículas, y razón lleva en casi todo, solo que no es el Wells al que hay que juzgar. Por otra parte tenemos a Jesse, la hija pródiga vuelve en este capítulo y también culpa a su padre, en este caso de ella haber tenido que esconderse de él. Para mi esto está injustificado después de los sacrificios del padre, la chavala a primeras de cambio se las pira. Me parece muy mal hilvanado por parte de los guionistas.

Barry de Flash pero sin poderes no mola...
Barry de Flash pero sin poderes no mola…

Y tras el malo de la semana y las culpas, tenemos una subtrama. La del secuestro de Caitlin Snow por parte de Zoom, que la trata lo mejor que puede, dejando que pulule a lo largo y ancho de la cueva, cosa que ella aprovecha para liberar a Killer Frost, en una alianza que todos imaginábamos que no iba a acabar bien. Como así ha sido y es que en cuanto la ha liberado Killer trata de matarla llegando Zoom para salvarla (¿pasó a través de Caitlin?) y asesinar a Killer Frost. Del pobre hombre de la máscara de hierro seguimos sin saber nada de su identidad. Esta trama finaliza con la amenaza de Zoom de conquistar nuestra Tierra. Menos mal, se pone la cosa interesante.

Y no iba a destacarlo, pero hemos tenido a Wally enamorado hoy de Flash. Tanto que le pide a su padre que le concerte una cita, a lo que Flash accede. Cita que dura nada. En fin, será que estoy muy quisquilloso con algunas tramas de la serie, pero me ha chirriado todo lo de Wally hoy. A ver si le dan más vidilla.

Y lo mejor el final con un Harrison Wells que anuncia que va a reconstruir el accidente del acelerador de partículas para que Barry recupere sus poderes. ¿Qué fácil, ¿eh?.

Un saludete y nos vemos en los comentarios.

https://www.youtube.com/watch?v=O1sJmWz_RkE

Gojira presenta Stranded, una muestra de su próximo trabajo

En Las cosas que nos hacen felices no solemos hablar mucho de música, cierto. Nos motivan más los cómics, las series y las películas principalmente, y en temas de música solemos hablar sobretodo de bandas sonoras y curiosidades en general. ¿Así que por qué no hacer una «mini review» sobre algo en concreto? La verdad es que me veo con la obligación de mostraros y hablaros un poco de Stranded, una muestra de Magma, el próximo álbum de Gojira.

Desde el año 2001 la banda francesa de Death Metal, anteriormente llamada «Godzilla«, tomó un rumbo distinto al sonido del Death Metal tradicional, concentrándose más en la complejidad musical, experimentando con ritmos y melodías más modernos y progresivos, que en la clásica agresividad de la misma. La temática ocultista y el clásico sonido de los años 90 que seguían (y aun siguen) muchas bandas de por aquel entonces, se ha quedado atrás; así que no esperéis las típicas leyendas urbanas como rituales satánicos en las letras o mensajes subliminales ocultos si ponéis algún disco al revés. Han evolucionado tanto desde entonces, no solo musicalmente como ya he dicho, si no también en la temática de las letras, que se podría decir incluso que han dejado de hacer Death Metal. Actualmente Gojira es una de las mejores bandas de Metal que existe.

Tras el sublime trabajo L’Enfant Sauvage, Gojira nos prepara el camino hacia Magma con un nuevo single: Stranded. El single, con videoclip incluido, fue subido a su canal de YouTube el 21 de Abril, pero hasta el 17 de Junio no podremos escuchar el álbum completo. Stranded presenta una composición quizás demasiado sencilla, posiblemente uno de los trabajos más sencillos de la banda hasta el momento. Mantienen su sonido tan característico, pero lo que a ritmos de batería y progresión de melodías se refiere puede ser bastante comercial. A diferencia de From MarsTo Sirius en el que la letra narraba una historia, la letra de Stranded no habla de nada en especial; otro tema más sobre la soledad, las emociones y posiblemente sobre la ansiedad y los dilemas internos más profundos. Fácil de escuchar, bastante pegadiza y con un estribillo épico como solo Gojira nos puede ofrecer claro está, pero si la comparamos con Backbone, Flying Whales, Explosia o Born in Winter por ejemplo, puede llegar a ser decepcionante. Por lo que nos han mostrado, es posible que Magma sea un trabajo más comercial que sus antecesores, algo más sencillo de escuchar y preparado para que llega a más gente, pero está claro que Stranded no habla por todo el disco, así que habrá que esperar hasta el 17 de Junio para juzgarlo como es debido. Que los disfrutéis:

Un saludo, gracias por leer y que sean felices.

Los gazapos en Star Wars Episodio VII: El despertar de la fuerza

En Las cosas que nos hacen felices hemos hablado mucho de Star Wars Episodio VII. A unos nos ha gustado y a otros no, pero hoy venimos a hablar de otra cosa. En este vídeo podemos ver los errores y errratas de la película. Son pequeños fallos que no hacen que la película sea mejor ni peor, simplemente nos enseñan curiosidades que nos dejan ver lo difícil que es hacer cine. Los fallos de raccord, o errores de continuidad, son muy difíciles de controlar y en la mayoría de producciones se cuela alguno. Por tanto no es criticar por criticar, es enseñar algo curioso.

Recordad que si os gusta esto de los gazapos los resaltamos también con Jurassic World y Los Vengadores. Y hay que decir que cada vez hay menos fallos de gente cruzándose por el medio sino de cambios de escena en los que uno levanta un brazo y con el cambio de cámara resulta que está levantando el otro. Son cosas pequeñas que no cambian la película pero que esperamos que os gusten os guste verlas reflejadas en este vídeo.

Vamos allá con los gazapos:

 

Reseña de El Nombre del Viento, primer volumen de Crónicas de un Asesino de Reyes

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Lionsgate ganó la lucha que el pasado julio se iniciara entre productoras para hacerse con los derechos de la novela de Patrick Rothfuss El Nombre del Viento, y ya ha empezado a mover ficha. No solo ha conseguido un gran productor como Robert Lawrence (Jungla de Cristal: La Venganza), si no que ya ha confirmado a Lindsey Beer (Transformers 5) como guionista.

Y mientras esperamos a que el producto audiovisual nos asombre, hemos preparado una pequeña de reseña de este primer volumen de Crónicas de un Asesino de Reyes: El Nombre del Viento.

Kvothe es una leyenda. Miles de historias y de rumores corren sobre él. Y aunque todo el mundo cree que ha muerto, Cronista lo reconoce en el viejo y cansado dueño de una taberna. Con este fortuito encuentro, Kvothe accede a contar su historia. Criado en una compañía de artistas ambulantes, Kvothe empieza a interesarse por la magia cuando ve a un viejo mago llamar al viento por su nombre. Desde entonces, su objetivo será ir a la universidad a aprender magia, hasta que un día, toda su compañía es asesinada….

La historia de Kvothe engancha, es casi adictiva. Dinámica y atrevida, Rothfuss bebe directamente de Tolkien y Ursula K. Le Guin. Rothfuss, serio y concienzudo, se toma su tiempo para que el lector entienda y disfrute del mundo de Kvothe. Sus descripciones pueden parecer densas, pero te hacen adentrarte aún más en la historia, que es amena y bien hilada.

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Patrick «NoheescritoJuegodeTronos» Rothfuss

Como puntos negativos, el inicio y la presentación de personajes son algo confusos; demasiado extenso para ser solo una primera parte, te deja pensando que deberían haber pasado más cosas, y deja demasiadas tramas abiertas; además hacia la mitad del libro puede parecer algo repetitivo, y algunos personajes parecen desdibujados, como si no les hubiera dedicado el mismo cariño que al resto.

Como puntos positivos, el maravilloso dominio de la lengua; la normalización del mundo con unas reglas muy definidas y un trato maravilloso de lo sobrenatural; el tratamiento del tiempo, alternando presente y pasado de forma magistral, sin liar al lector; y, por último, pero no menos importante, la capacidad de hacer empatizar al lector con casi todos los personajes, sin encasillar a ninguno en el rol de “bueno” o “malo”.

Mi puntuación sería un 7. Si bien es un libro maravilloso, y Rothfuss un gran escritor, no es tan novedoso como el autor pretende hacernos creer. Para todos aquellos que hayan leído a Le Guin la historia será más que familiar. Aun así, es algo refrescante en comparación con el estilo “Juego de Tronos” que tan de moda se está poniendo.

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¿Y para cuando el tercero?

Con respecto a que esperamos de la serie: pues no mucho. Más compleja que la obra de Martin (recordemos que las comparaciones son odiosas), y siendo Rothfuss mucho menos versado en el arte del guion y de la televisión, es mucho más difícil llevar a buen puerto una obra que es más tranquila, menos visual y cuyas escenas de verdadera acción están limitadas a un par. Aun así, esperemos que el trabajo de Beer nos dé a todos una alegría.

Análisis de El Ministerio del Tiempo. Temporada 2. Capítulo 1: Tiempo de leyenda

“Así trata España a sus héroes” Ambrosio Espínola

Bienvenidos otra semana más al análisis del noveno capítulo de El ministerio del tiempo, el primero de la segunda temporada. Un episodio en el que no sólo se mantienen las virtudes que atesora la serie española, si no que se potencian todavía más.

Por encima de la creación de un universo propio del que han sacado y todavía pueden sacar partido, el gran mérito de la serie es ser una perfecta mezcla entre el género épico, los viajes en el tiempo, el thriller, la aventura, los momentos cómicos y los guiños a los espectadores.

Aquí tenéis el análisis del resto de capítulos:

Capítulos de la primera temporada de El ministerio del tiempo

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Ambrosio Spinola, Amelia, Alonso y el Cid.

El capítulo comienza en Valencia, en el año 1079. Dos encapuchados graban con una cámara de vídeo antigua a un soldado cristiano que combate contra los moros. El combate, sangriento y repleto de cámara lenta, termina con el soldado rodeado de cadáveres. Sin embargo, este les descubre grabando, y es en ese momento de distracción cuando un lancero mata al soldado por la espalda. El guerrero era el Cid, y por culpa de aquellos que le estaban grabando, ha muerto veinte años antes de lo que dice la historia.

En el ministerio, Julián ha vuelto tras unos meses de tratamiento psicológico. Velázquez, el principal ejemplo de lo bien que tratan los guionistas a los personajes secundarios, le ha hecho un retrato que reproduce la portada de Terminator con el rostro de Julián. Velázquez y Alonso se van al Prado para escuchar una conferencia sobre el propio pintor.

Entre tanto, Salvador discute con la señora Torres, la misteriosa enlace del Ministerio con el gobierno. Torres le echa en cara todo lo ocurrido en la primera temporada y le amenaza con echarle del puesto si comete algún error más. El jefe del ministerio deduce que hay un topo que le está suministrando la información a Torres.

Amelia y Alonso tienen una misión. Julián todavía sigue apartado del servicio. Han aparecido nuevos huesos del Cid en Valencia. Deben viajar a la Valencia de 1099 para obtener ADN y confirmar si corresponden al héroe castellano. El sustituto de Julián es Ambrosio Espínola, un enorme acierto por la gran interpretación que hace Ramón Langa, más conocido como la voz de Bruce Willis.

Mientras que Alonso y Ambrosio hacen muy buenas migas por pertenecer casi a la misma época y ser soldados, Amelia tiene que aguantar las frases misóginas del segundo, pero no tarda en imponer su autoridad como jefa de la patrulla. A la mañana siguiente son encontrados por el Cid, con el rostro de uno de los que había grabado al verdadero Rodrigo Díaz de Vivar en el prólogo del capítulo. En medio de la reunión son emboscados por los moros.

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yipikayei, hideputas. La mejor frase del capítulo, todo un homenaje a la frase más conocida de la voz de Bruce Willis en castellano.

 Durante la cena, Amelia se da cuenta de que todo lo que cuenta el Cid aparece en el Cantar del Mío Cid, obra que apareció siglos después de la muerte de este. ¿Acaso es un impostor? Alonso y Ambrosio, por el contrario, lo admiran profundamente.

Al día siguiente, mientras los dos soldados salen a combatir junto al Cid, Amelia se infiltra en la tienda de este, donde encuentra un bolígrafo, el Cantar y unas fotos. Sin embargo, Jimena, la esposa del Cid, la estaba vigilando. A la vuelta de la batalla, Alonso ha conseguido sangre para obtener el ADN, elemento que, por otra parte, da mucho juego para las bromas durante todo el capítulo. Son apresados y llevados a los calabozos.

El falso Cid es Rogelio Buendía Ortiz, un agente del Ministerio durante los años 60. Por aquel entonces, Charlton Heston iba a ser el protagonista de una superproducción rodada en España sobre su vida. Tras la divertida escena de la conversación entre el actor y Menéndez Pidal, director de la RAE, en la que los guionistas se ríen del desconocimiento de los estadounidenses hacia toda historia que no sea la suya; el jefe del ministerio ordena a Rogelio grabar un documental sobre la vida del Cid, para que el Heston se familiarice con el personaje. Al morir veinte años antes, Rogelio decide ocupar su lugar, alejarse de su familia, y mantener la historia como está. Jimena también lo sabe, pero permanece a su lado porque le ama, a diferencia del verdadero Cid.

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Julián tratando a un agente del ministerio que le hará reflexionar sobre sus compañeros.

Rogelio va a mantenerlos presos hasta su muerte, que ocurrirá dentro de 30 días según la historia. Sin embargo, es herido de muerte el mismo día. Mientras agoniza, Alonso decide salir en su lugar a combatir. Ambrosio le acompaña. Los dos tienen éxito en su misión.

Mientras tanto, Salvador destina a Julián a la enfermería del ministerio. El jefe del ministerio ha cerrado la puerta que lleva a 2012. Sabe todos los secretos personales de otros, tanto los ligues de Irene, la visita de Amelia a su propia tumba o cómo salvó Alonso a su mujer. De hecho, piensa que el único que no se salta las normas es Ernesto. Él también perdió a su esposa. También iba a verla y tuvo la tentación de viajar al pasado para curarla de su enfermedad con medicinas modernas. Pero aprendió a superarlo.

Durante sus consultas conoce a Blas de Lezo, uno de los mejores marinos de la historia de España, conocido por ser tuerto, cojo y manco. También coincide con un agente que trabaja en la época de Viriato. Tiene que volver para no dejar tirados a sus amigos. Julián reflexiona sobre esto y, en el final del capítulo, dedica una carta a todos sus amigos y se marcha por una puerta que no conocemos a donde lleva.

En definitiva, un gran capítulo de introducción, con momentos épicos, cómicos y múltiples referencias históricas y guiños al espectador. La marcha de Julián nos lleva a otra pregunta: ¿Quién sustituirá al enfermero del SAMUR? Por mi parte, no me importaría que Ambrosio Espínola siguiera apareciendo esporádicamente. Un ejemplo más de lo bien tratados que están los personajes episódicos en esta serie, y no me cansaré de repetirlo. 

 

Análisis de Bates Motel. Temporada 4. Episodio 6

Bienvenidos sean al análisis del sexto capítulo de la cuarta temporada de Bates Motel. En este punto de la temporada empiezo a tener sentimientos encontrados con la serie. A partir del tercer episodio el nivel ha bajado un poco cada semana. Se invierten más minutos en las sub tramas y menos en lo que realmente nos interesa, porque si se centraran en lo que realmente le importa a los seguidores de la serie los  episodios podrían tener como mucho la mitad de duración. El dilema es que a pesar de no estar del todo bien tampoco está del todo mal, se encargan de darnos capítulo tras capítulo una pequeña ración de lo que todos queremos ver, que no es mucho pero es suficiente para mantenernos enganchados.

No está de más advertir que a partir de este punto el artículo estará colmado de SPOILERS y que es recomendable estar al día en la serie antes de leerlo.

Hechas las advertencias correspondientes, entremos en materia con el análisis de este capítulo titulado «La Bóveda».

1. Dylan atando cabos sueltos y desatando otros cuantos

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Dylan ha evolucionado bastante a lo largo de esta temporada debido en mayor parte a que su relación con Emma le ha hecho replantearse su presente y sobre todo su futuro y en este episodio lo vemos atando cabos sueltos antes de mudarse a Seattle con Emma y su padre.

Llevaba esperando la reacción de Norman a la relación de su hermano y su exnovia desde el final de la anterior temporada y contra todo pronóstico se lo ha tomado bastante bien, a la que seguramente no le va gustar demasiado es a la Norma que habita dentro de él. Por otro lado, Dylan le hace saber a Norma que va a mudarse en unos cuantosbm3 días y aunque ella no está muy contenta con la decisión de su hijo tampoco se interpone. El drama se ve venir en el momento en que Dylan encuentra el conejo de peluche y la carta  que la mamá de Emma llevaba cuando Norman la asesinó, seguramente todo se va a complicar a partir del próximo episodio para Emma y Dylan porque guardar en secreto que su hermano acabó con la vida de la madre de su novia no va a ser nada fácil.

2. Romero y una trama innecesaria

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En la tercera temporada la historia se complicó gracias a una memoria USB y en esta la memoria ha sido reemplazada por una llave. La verdad es que no entiendo la lógica de Romero, lo más sencillo sería botar la llave y olvidarse del asunto, pero no, él tiene que complicarse la existencia entregando la llave a Rebecca, pero como es tan bueno no exige nada a cambio. Esta sub trama no tiene sentido alguno, vamos viendo que los realizadores ocupan minutos innecesarios en historias que no son más que relleno.

3. La raíz de la psicosis

19Aquí entramos en lo que de verdad nos interesa: Norman, su locura y su relación con su madre. Desde que Norman fue ingresado al centro psiquiátrico ha tratado de convencer al Doctor Edwards de que su relación con Norma es normal, el problema es que Edwards ya se dio cuenta que Norman tiene un trastorno de identidad

 disociativa y está decidido a llegar a la raíz del problema intentando descubrir cuál fue el evento traumático que detonó las múltiples personalidades de Norman. Edwards lo somete a terapia de hipnosis en la que no consigue mayor cosa. El descubrimiento llega cuando la Norma que habita en el subconsciente de Norman se hace presente y le cuenta un incidente bastante perturbador de la infancia de su paciente. El alter ego desata un secuencia en la que vemos al padre alcohólico de Norman amenazando a Norma con un arma por intentar abandonarlo y posteriormente violándola mientras el pequeño Norman le sujeta la mano y le sirve de apoyo.

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No hace falta más que esa escena para entender todo lo que han tenido que pasar Norma y Norman, el por qué están tan unidos y el nivel de desesperación de Norma para permitir que su hijo presenciara ese horror. Pero el alter ego no piensa permitir que Norman sea consciente de ese evento traumático y amenaza a Edwards para que no se  lo cuente.

4. Chick Hogan contra el amor inquebrantable de Norma y Romero

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Aquí la trama de Chick Hogan se une a la de la relación entre Norma y Romero. Anteriormente vimos como Chick le pedía a Norma que ubicara a Caleb para así poder matarlo y en este episodio pasó de hacer una petición a realizar una amenaza diciendo que iba a hacer que todo el mundo se enterara que la nueva esposa del sheriff tuvo un hijo con su propio hermano.

Norma piensa en obedecer a Chick y se contacta con Caleb que es para mí uno de los personajes más insoportables que he visto. Yo disfruto de que los personajes tengan profundidad porque en la vida real la gente no es simplemente buena o mala y en todo el tiempo que llevo viendo series y películas he sentido empatía hacia ladrones, traficantes, torturadores, asesinos y en esta misma serie hacia un psicópata.  Pero con un violador no puedo, soy incapaz, y cada vez que intentan hacer ver que Caleb tiene profundidad y que no es tan malo como podría pensarse, yo me frustro y espero que a Chick se le presente la oportunidad de matarlo para que así los espectadores nos podamos librar de ese insoportable personaje.

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En fin, Norma se contacta con Caleb y se da cuenta que no es capaz de entregárselo a Chick, entonces decide que debe matar a Chick Hogan, pero tampoco puede, así que se resigna a que Hogan le cuente a todo el mundo que Caleb es el papá de Dylan, sabiendo que probablemente esa sea una causa para que Romero quiera divorciarse.

A pesar de que su inminente ruptura se avecine por culpa de Chick, Norma le dice a Romero que lo ama (cosa que llevábamos esperando cuatro temporadas), Romero algo sorprendido le dice que el sentimiento es recíproco (cosa bastante obvia) y luego entra en escena Chick Hogan con una actitud pasivo agresiva muy molesta al verse retado por Norma quien le dice básicamente que cuente lo que quiera porque despues de todo lo que ha atravesado no hay nada que la pueda hundir.

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Finalmente Chick se va sin decir nada y deja a Romero intrigado sin saber qué es lo que acaba de pasar. Norma decide contarle toda la historia entre Caleb y ella con la certeza de que su esposo se va a ir, pero Romero que es tan bueno escoge quedarse con su esposa, dándonos un momento de lo más dulce respondiendo «Vale ¿dónde vamos?» cuando Norma le dice que vaya a empacar las maletas.

Esperemos que la serie recobre la fuerza que tenía al inicio de la temporada porque si sigue bajando el nivel va a ser difícil seguirla.

http://https://www.youtube.com/watch?v=j2ZwviU_h_0

Reseña de Daredevil Born Again, el mejor cómic de Frank Miller para Marvel

Decir que Born Again de Frank Miller es el mejor cómic que este reputado autor ha hecho para Marvel es decir mucho y quizás penséis que estoy exagerando. Decir que es el mejor cómic que se ha hecho de Daredevil puede resultar para los neófitos algo fuera de contexto. Pero la verdad es que después de leer esta versión en formato de lujo editada por Panini, más de 30 años después de su primera publicación en Estados Unidos, me vuelvo a reafirmar en lo que llevo pensando desde hace lustros y en lo que reza el titular. La saga de Born Again de Daredevil es la mejor etapa de Matt Murdock, el mejor cómic de Frank Miller en Marvel y uno de los mejores de La Casa de las Ideas en su historia.

La nueva edición

Empecemos a decir que esta nueva edición de Panini es brutal. Con diferencia la mejor hasta la fecha. El tamaño es ligeramente más grande que el convencional en un comic-book y el gramaje del papel es de alta calidad. La encuadernación holandesa, parte en piel, le confiere una mayor durabilidad al tebeo. Los artículos de presentación y los extras me parece muy acertados y buen complemento a la historia. ¡Y menuda historia!

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He dejado claro en párrafos anteriores el nivel de Born Again y creo que hacer una sinópsis del mismo es un poco ridículo más cuando es una publicación de hace décadas. ¿Entonces porqué hablo de Born Again? Porque la publicación de Panini de la colección Frank Miller con este tomo (Born Again), con el Daredevil de Frank Miller y Klaus Janson y con el de Elektra Lives Again hacen que de nuevo la obra del autor americano esté en el candelabro como diría Mazagatos y porque también creo que recuperar las obras maestras nunca está de más.

¿Qué puedo decir a los lectores mas noveles?

Que serán los 25 euros en cómics mejor invertidos de su vida a no ser que saquen formato de lujo otra obra maestra de similares características. Y como esta no hay muchas. No se si hablar de la mejor obra de Marvel es aventurarse mucho, pero si puedo decir que es una de las mejores. Al menos Born Again redefinió parte del cómic americano en los 80 gracias a la una narrativa inteligente de Miller. No solamente moldea al héroe, en este caso Daredevil, sino que cuenta su historia definitiva porque después de Born Again no hay nada más. Si, ya se que han pasado muchos años y Daredevil ha tenido etapas buenas como la de Nocenti y John Romita Jr o la de Brubaker por poner dos claros ejemplos, pero aún así todo gira en torno a las consecuencias de una historia de hace 32 años. Y como pasa el tiempo para algunos pero no para las buenas historias.

La serie de televisión de Daredevil de Netflix, de la que Adrián está haciendo un seguimiento exhaustivo, es un reflejo, un eco de la etapa de Miller y eso que aún estamos en su segundo año. Born Again aún queda lejos porque después de la etapa definitiva que ¿podríamos contar?

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El lastre de continuar Born Again

Es como si gano todos los títulos posibles, dejo el equipo y me llevo a los mejores jugadores. El que venga por detrás nunca me podrá superar. La marca de la historia y la huella que dejó en los personajes, las heridas no cerradas y que nunca cicatrizarán, marcaron para siempre a Daredevil y todo su entorno, incluyendo Kingpin. Después de Born Again todo empezó de nuevo. No había vuelta de hoja. Daredevil sería un personaje diferente y la vida de Matt Murdock  nunca podría ser igual.

¿El mejor cómic de Miller?

Aún siendo el mejor de Miller para Marvel quizás no sea el mejor de Miller en su carrera. Tenemos otros dos tebeos que podrían entrar en esta terna. Hablamos de Batman El regreso del caballero oscuro o Sin City. Y es que Miller fue un genio y un innovador en su campo. Para mí Born Again es su obra más redonda, su historia mejor contada y narrada, una historia fundamental para la Marvel de los 80 y para Daredevil. Pero sin embargo no podemos olvidar la historia del Batman en el futuro que acabara desembocando en la mítica batalla contra Superman o la crudeza y el realismo, el contraste de blancos y negros, luces y sombras de Sin City. Cada obra es mítica y aunque parezca mentira son historias muy distintas. Hablamos de tres tebeos que son imprescindibles en cualquier comiteca. ¿Cual es mejor? Cada uno tendrá su opinión

Hoy toca hablar de Born Again y os aseguro que es una de las mejores historias que vais a leer en vuestra vida.

Un saludo y sed felices.

Crítica de Capitán América: Civil War. Marvel en estado puro

El Universo Marvel crece y se expande de forma imparable. Dos años después del lanzamiento de Capitán América: El Soldado de Invierno llega la tercera parte de la difusa trilogía basada en el personaje de las barras y estrellas. Difusa en el ámbito de que, técnicamente, una trilogía pretende contar una historia concreta, pero ésta forma parte de algo más grande, cosa que queda patente en éste film en todo momento.

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Para todo aquel que esté más desinformado, este nuevo episodio del capi nos traslada a unos eventos basados en la historia del cómic del año 2006 de Mark Millar y Steve McNiven, Civil War. En ella, la mayoría de los héroes del mundo marvelita se dividían en dos facciones dirigidas por Tony Stark y Steve Rogers, debido a la creación de un Acta de Registro de Superhumanos que promulgaba la identificación pública de cualquier metahumano conocido de forma que nadie pudiera actuar clandestinamente y quedar impune. Tony estaba a favor del acta, lo que suponía una medida de control evidente. Rogers en contra, ya que siempre ha defendido la libertad y justicia por encima de todos los valores.

Pero en primer lugar vamos a dejar las cosas claras: lo que muchos estaréis buscando al leer ésta crítica es si la fidelidad al cómic homónimo es alta o no lo es. Vamos a ir por partes, aunque en lineas generales el espíritu del mismo está ahí. Esta crítica tendrá menciones al film que revelaran ciertos aspectos del mismo, pero trataré de eliminar spoilers que puedan aguaros la fiesta para que la leáis sin problemas.

Tras los eventos de El Soldado de Invierno, los Vengadores se encuentran siguiéndole la pista a Crossbones (Frank Grillo), un terrorista internacional; y sus pasos les han llevado a Lagos, en Nigeria. Tras un grave incidente durante su captura que acaba con la vida de muchos inocentes, los gobiernos internacionales deciden tomar cartas en el asunto con respecto a la inmunidad de la que gozan las actividades de Los Vengadores. Se creará un acta cuyas líneas principales son la transferencia del equipo bajo el control de las Naciones Unidas, quedando sus actividades limitadas a las órdenes de éste organismo, y ésto generará eventualmente dicha confrontación entre Stark y Rogers.

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Sin embargo, la película se llama Capitán América por algo: entrelazada con bastante inteligencia y habilidad se encuentra una subtrama relacionada, por supuesto, con el desaparecido Soldado de Invierno y la lucha de Rogers por encontrarlo, y entre medias quedarán involucrados los nuevos personajes de la cinta.

Como se puede comprobar, la trama principal dista un poco de la del cómic. No hay aquí un Registro de Superhumanos, más bien un documento que ata particularmente a los Vengadores. Aunque pueda parecer algo flojo, os aseguro que todo lo relacionado con el acta en particular es lo mejor de la cinta, es lo que más interés vierte en la misma y en cierta forma permite a los hermanos Russo explotar mejores jugadas que seguro veremos en las próximas películas.

En este aspecto, la película funciona a las mil maravillas hasta casi el setenta y cinco por ciento de la misma. La trama es sólida y repleta de enigmas que se van desvelando; dinámica y divertida sin pecar del exceso de chascarrillos que gozan otras películas de la factoría, pero bastante más madura y con las escenas de combate más espectaculares e impresionantes que se hayan visto en una cinta de superhéroes. Nos lanza de un lado al otro de los personajes, nos hace empatizar y reflexionar acerca de la amistad, y sobretodo existe un buen equilibrio entre la forma en que se ha medido el desarrollo, cosa que nos mantiene pegados a la pantalla e interesados por los eventos desde el principio.

Sin embargo, la película peca de algo muy común en los últimos tiempos: excesiva longitud. El clímax de la cinta llega demasiado pronto, aunque hacia el final de la misma, en ese veinticinco por ciento restante del que hablaba, nos espere alguna que otra sorpresa sin que ésta nos impacte demasiado. Por suerte, el momento en que miramos nuestros relojes por la duración de la película coincide con el final de la misma. Al terminar se nos queda la sensación de que debería haber algo más que no hay, y de que la apoteosis pierde algo de fuerza así como su «enemigo final» algo de lustre. Personalmente achaco esta característica a la necesidad de Marvel de repartir la historia que quieren contar de forma extendida y a través de más películas. Para los que sabemos de que va el tema, por la disposición en que queda todo se preveen los eventos que nos dirigen inevitablemente a Los Vengadores: Guerra del Infinito.

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En cuanto a los personajes nuevos, tenemos la suerte de ver en pantalla a un espectacular Chadwich Boseman como Pantera Negra, que no decepcionará a nadie, y a un Spiderman adolescente calcado a la expectativa que todos tenemos de él. ¿Es importante en la trama? Lamentablemente no es lo que esperamos del cómic, y sin embargo goza de bastante más protagonismo (tanto él como su alter ego Peter Parker) del que podríamos imaginar, cosa que sirve claramente como entremés y presentación del personaje para la película que está por llegar. Unica pega para el arácnido: el CGI se nota demasiado.

En cuanto a los antiguos personajes, el espectador que esté al tanto de las aventuras de las anteriores películas no tendrá problema alguno en ponerse al día con este film, Marvel ya se ha encargado de que tanto los personajes como sus personalidades hayan quedado bien establecidas para el inicio de la misma. Mención especial a Viuda Negra y El Halcón, que toman un mayor protagonismo que sinceramente queda agradecido. Aquellos que lleguen de nuevas a ver esta cinta sin saber nada de ella (probablemente el menor público) puede que se queden más perdidos en este aspecto, aunque ésto no resulta trascendente para que cojan el ritmo del desarrollo de la historia, y mucho menos para que disfruten de ella.

Capitán América: Civil War es un verdadero espectáculo visual casi a la par que Vengadores, pero manteniendo las virtudes e intrigas que han hecho de Capitán América: El Soldado de Invierno una de las mejores películas de la factoría. Aunque en ninguno de éstos ámbitos alcanza realmente a sus predecesoras, Civil War se ha ganado un merecido lugar entre las películas que ocupan el podio de Marvel.