El pasado miércoles 25 tuvo lugar en Kinépolis Ciudad de la Imagen la gala anual de los Premios Fugaz al cortometraje español, a la que tuve el placer de asistir como invitado de prensa.
La gala comenzó a las 20:00h y contó con invitados excepcionales de la talla de Eduard Fernández, Luisa Gavasa, Vanesa Romero o Nerea Barros. El ventrílocuo y actor Jaime Figueroa la condujo como excepcional presentador haciendo reír en más de una ocasión al público ante sus extravagantes números cómicos.
Arantxa Echevarría con el Fugaz de Honor en el photocall de los Premios Fugaz 2025
Un total de 21 premios fueron entregados en sus respectivas categorías a diferentes obras seleccionadas entre 600 candidatas por una comisión de más de 1600 profesionales del sector, y este año el galardón honorífico fue entregado a Arantxa Echevarría por su aportación al cine español. La directora de Carmen y Lola (2018), Chinas (2023) y La Infiltrada (2024), también comenzó en el cortometraje con obras como Panchito (2010) o De noche y de pronto (2012).
En esta nueva edición se incluyó la categoría de Mejor Cortometraje Hispanoamericano, decidido en colaboración con más de 20 festivales de América Latina, y Mejor Cortometraje de Escuela, elegido entre los principales centros de formación cinematográfica del país.
De partida, los cortos con más nominaciones eran: Una cabeza en la pared, con diez candidaturas; 893 kilómetros, con ocho; y Líbranos del mal, con cinco. Con cuatro nominaciones estaban: El Príncep, Cuando llega el frío, Violetas, El otro, Ne me quitte pas, Donde se quejan los pinos, Insalvable y Ángulo muerto. Muchos de los cortos presentes en los Fugaz son los que después destacan en los premios Goya, por lo que es importante seguirles la pista.
La frase más repetida durante los premios fue: «El corto es cine». Y es que esa es la labor fundamental de los Fugaz: reivindicar y dar visibilidad al cortometraje, un formato comúnmente denostado y acusado de ser «el hermano pobre» del largo. El cortometraje también es cine, el cortometraje es película, y los presentes lo tenían muy claro. Se habló de que quizá estaría bien ampliar el espectro de difusión del corto volviendo a proyectarlo previo a las películas en el cine, tal y como se hacía antaño. Ignasi Camós, director general del ICAA, mencionó que había mantenido alguna charla al respecto con exhibidores.
Los nominados Eduard Fernández y Javier Pereira en el photocall de los Fugaz 2025
Palmarés de los Fugaz 2025
Mejor Cortometraje – Una cabeza en la pared
Mejor Dirección – Cristian Beteta por Ángulo muerto
Mejor Dirección Novel – Jose Luis Lázaro por Cólera
Mejor Guion – Belén Sánchez-Arévalo y Javier Marco por Insalvable
Mejor Dirección de Producción – Jaume Subirós por Una cabeza en la pared
Mejor Dirección de Fotografía – Alejandro Buera por Una cabeza en la pared
Mejor Montaje – Bruno Martín por 893 kilómetros
Mejor Dirección de Arte – Helena Gallego por Una cabeza en la pared
Mejores Efectos Visuales – Heliodoro Carbonell por El otro
Mejor Vestuario – Héctor Loureiro por Una cabeza en la pared
Mejor Maquillaje y Peluquería – Raquel Vadillo por Líbranos del mal
Mejor Sonido – Pedro Iniesta por Donde se quejan los pinos
Mejor Banda Sonora – Alberto Torres por Una cabeza en la pared
Mejor Interpretación Masculina – Ramón Barea por 29 de febrero
Mejor Interpretación Femenina – Eva Llorach por Ángulo muerto
Mejor Cortometraje de Animación – Carmen y la cuchara de palo
Mejor Cortometraje Documental – Behind the wall
Mejor Cortometraje Breve – Origami
Mejor Cortometraje Hispanoamericano – Cuando todo arde (Argentina)
Mejor Cortometraje de Escuela – De Madrid al cielo
Mejor Largometraje – La estrella azul
Fugaz de Honor – Arantxa Echevarría
El equipo de Una cabeza en la pared, ganador del Mejor Cortometraje y seis premios más
Es muy probable que Arthur Conan Doyle no alcanzara a imaginar que sus relatos sobre Sherlock Holmes iban a tener un impacto tremendo en la cultura popular. Muestra de ello es el cómic Hereje, intriga renacentista que ha publicado Planeta.
Hereje se sitúa en la ciudad belga de Amberes en 1529, cuando el imperio español, católico, todavía gobernaba en los Países Bajos. Y, con ello, la Inquisición, que requiere de los servicios de Cornelius Agrippa, un conocido y excéntrico científico con dotes para la alquimia y la magia, para investigar una serie de macabros asesinatos que azotan a la ciudad.
Escribe y dibuja Charlie Adlard, que ha trabajado en obras como Judge Dredd, Marvel UK, X-files, Mars Attacks, X-Men, Hellfire Club, Batman, The Establishment, 2000AD o Warlock…En 2005, fue nominado a los prestigiosos premios Eisner en la categoría de mejor artista por Los muertos Vivientes (The Walking Dead cómic).
Adlard narra una historia clásica de detectives basada en el mencionado modelo de Sherlock Holmes. Esto es, el de una investigación llevada a cabo por una pareja compuesta de un detective ingenioso, peculiar y excéntrico junto con un ayudante fiel y, en el caso de Hereje, joven.
De hecho, el precedente más claro de Hereje es El nombre de la rosa, la inmortal novela (y película) con unos asesinatos en una abadía investigados por un veterano, inteligente y excéntrico monje franciscano acompañado de un joven bajo su tutela. Historia que, de por sí, es un claro homenaje a Sherlock Holmes.
¿Y quién es nuestro detective en este caso?
Cornelius Agrippa, una figura fundamental en el Renacimiento, un hombre experto en múltiples disciplinas, como el ocultismo, la filosofía, la cábala, la medicina y la nigromancia. Un adelantado a su tiempo que se libró del castigo de la Inquisición por su influencia en los hombres poderosos de la época.
Y su ayudante es un joven Johann Weyer, discípulo de Agrippa y, más tarde, uno de los primeros hombres que denunció la persecución a la que estaban sometidas las mujeres consideradas brujas.
Ambos se embarcan en una divertida investigación que hará las delicias de los fanáticos de la intriga histórica. Aquí tenemos a una cruel Inquisición, torturas, macabros asesinatos, distintos sopechosos y giros narrativos.
El dibujo es extraordinario y repleto de detalles históricos, aunque se hubiera agradecido, y esto es personal, el que Hereje se hubiera presentado a color. No creo que su historia se beneficie del blanco y negro, por muy oscura que sea la época en la que se sitúa.
En definitiva, Hereje es una divertida novela gráfica de intriga que se suma a la legión de historias derivadas del canon Holmesiano. Una historia de asesinatos con una pareja de detectives que se lee de un tirón.
Una novela gráfica original del extraordinario dibujante Charlie Adlard (The Walking Dead, Altamont)
Bélgica, 1529: una macabra serie de asesinatos conmociona la ciudad de Amberes. La todopoderosa Inquisición obliga a que el caballero, médico, abogado y reputado nigromante Cornelius Agrippa investigue para ellos. A medida que los asesinatos se intensifican, Agrippa, su hija Juliette y su alumno Johann Weyer se ven inmersos en una vorágine de asesinatos, locura y magia.
Una novela gráfica original del extraordinario dibujante Charlie Adlard (The Walking Dead, Altamont), distinguido durante dos años con el título honorífico de «»Comics Laureate»»; y del galardonado novelista y guionista de cómics Robbie Morrison (Edge of the Grave, Cast a Cold Eye).
«»¡Genial! Un relato sangriento e intrigante de unos narradores en el apogeo de su talento»». Frank Quitely»
Esta mañana SFFGazette.com ha lanzado un bombazo: TRON: Ares estrena dos portadas molonas en Empire Magazine, y por fin nos deja un vistazo oficial a cómo será esta vuelta… ¡junto a una sombra que ya tramamos con cautela!
1. Portadas que truenan
No son simples fotos promocionales: son una declaración de intenciones. Una nos muestra a Ares (Jared Leto, o al menos su traje) emergiendo del mundo digital hacia nuestra realidad, con fuerza y tensión visual. La otra, a la joven desarrolladora Eve Kim (Greta Lee), conectada con redes y código, con la ciudad al fondo, esperando que la IA pisando fuerte altere su vida.
2. “Filmado por un robot”: las palabras de Joachim Rønning
Joachim Rønning no anda con medias tintas: TRON: Ares busca recrear la sensación de que “el Grid filma al programa”. IMAX, cámaras controladas por motores mecánicos, movimientos que imitan programación pura. Porque si vamos a volver al mundo digital, que sea para sentirlo de verdad, sin filtros humanos.
3. Steven Lisberger recontextualiza la saga
El padre de TRON, Steven Lisberger, suelta una frase que retumba:
“Lo que sucede es demasiado vanguardista en su momento… luego el mundo lo asimila.”
Este Ares promete no ser una segunda oportunidad. Es una evolución: tecnología que ya avanza más rápido que nosotros, IA que atraviesa fronteras, y la osadía de repensar cuánto control tenemos realmente del código que nos rodea.
4. La ausencia de Leto en pantallas y polémicas
En las portadas de Empire y los stills publicados… no aparece Jared Leto. ¿Motivos? Netflix y Disney deben medir riesgos. Leto ha negado acusaciones de conducta sexual, que han rondado desde 2005, pero lo cierto es que la campaña parece evitarlo por ahora .
Resulta llamativo: ustedes muestran la visión, el vuelo, la acción… pero callan al actor. Sin que sepamos cómo será el montaje final, el mensaje es doble: el personaje cuenta más que la cara detrás del código.
5. Un reparto potente
Llegan refuerzos: Greta Lee, Evan Peters, Hasan Minhaj, Jodie Turner-Smith y (en un guiño histórico) Jeff Bridges regresando como Kevin Flynn. Esta mezcla promete tensión emocional, humor y epicidad digital .
6. ¿Qué podemos esperar con ganas?
Estética computacional y robótica: ese estilo visual “filmado por máquina” tiene músculo futuro.
Relectura de if/else emocional: IA y humanidad encontrándose, y venimos nosotros para ver el choque.
Juicio constante: el personaje titular puede eclipsar al actor por la forma en que Disney gestione el release.
Cógete fuerte porque esta noticia no es un rumor: Aaron Sorkin dirigirá una secuela de La red social, basada en la investigación de The Facebook Files del Wall Street Journal. Sí, el creador original vuelve, pero esta vez,… no para contar cómo nació Facebook, sino para desenmarañar los pelos alborotados del escándalo: desinformación, salud mental y el asalto al Capitolio de 2021. Porque Aaron Sorkin además de dirigir, también la escribirá.
¿Qué nos puede traer este nuevo guion?
Un guion de Aaron Sorkin es como un café doble: fuerte, cargado, lleno de diálogos que vibran en tu cabeza. Esta vez no es un regalo a emprendedores, sino una llamada de atención: “esto salió mal y tenemos que sentirlo”.
La investigación original contagió la idea de que Facebook sabía pero no actuó. Ahora, Sorkin lo borda: un relato que pasa de los bytes a los temblores sociales. Y como sabe hacerlo, “menos tecleo, más efecto en el mundo”.
¿Pero es cine realista… o decepcionante?
Sorkin no es un documentalista. Es un cuentacuentos que deja huella. Su desafío: convertir investigaciones periodísticas en personas, emociones y culpa. Si logra que sintamos el peso moral, esa punzada como de culpa colectiva, no sólo informará, también hará que se te remuevan las tripas.
En una industria sedienta de escapismo, ¿alguien nos dará algo tan crudo como el reflejo de nuestra propia responsabilidad digital?
¿Qué sabemos del proyecto?
Será con Sony Pictures, unido al respaldo que ya rueda en Hollywood.
Está en fase de guion y preproducción: así que aún no hay fechas, reparto ni boom mediático.
El título tentativo es The Social Network Part II… pero esperad, porque pueden retorcerlo en algo más mordaz, más Sorkin.
¿Qué actores podrían regresar?
Por ahora, silencio radio: no sabemos si Jesse Eisenberg volverá como Zuckerberg. Pero imagínate: volver a verle el tic nervioso, la sonrisa forzada… y ahora con café bajo el ojo por temporadas de insomnio informativo. Si regresa, será nostalgia y también advertencia.
Riesgos y desafíos
Puede quedar plano si cae en el sermón. Sorkin tiene que mantener ritmo y tensión.
Si Zynga no es Zuckerberg, puede estrellarse: necesitamos personajes, no recortes periodísticos.
Hollywood tiende a suavizar. Si suaviza esto, matará la esencia punk del original.
¿Qué puede sorprendernos más?
Ver a actores regresando frente a nuevas versiones de sí mismos: Zuckerberg comete errores, pero ya es dueño del imperio.
Música: tal vez Hans Zimmer vuelva a ayudar o alguien nuevo con otro golpe emocional.
Un cierre menos final y más advertencia: no es “la historia del pasado”, es “la historia que se repite cada mañana”.
En resumen
Esta secuela promete ser un hachazo cinematográfico hacia un espejo que nos vemos cada día. No solo porque Facebook dejó de ser el centro de nuestro mundo: lo sigue siendo, pero ya no solo es red social; es respiración, política, salud mental, poder e identidad.
Que Sorkin regrese como director podría significar que se siente con fuerza, no para recrear un recuerdo, sino para prender fuego a la memoria colectiva, con palabras, ritmo y verdad.
Y si lo consiguen… Porque no solo puede ser un blockbuster. Puede ser un aviso. Un refresh moral. Y quizás, solo quizás, algo que nos haga abrir los ojos.
Que se llevaba tiempo buscando a un director para la nueva etapa del agente secreto ingles no era un secreto. Denis Villeneuve, el director detrás de éxitos como La llegada, Blade Runner 2049 y las dos entregas de Dune, ha sido oficialmente anunciado por Amazon MGM Studios como el director de la próxima entrega de Bond, James Bond.
Tras la despedida de Daniel Craig y la reciente adquisición de Eon Productionspor parte de Amazon, parecía que nos habíamos quedado huérfanos y que esto iba a tardar en arrancar, pero (por suerte no ha sido así)
La elección de Villeneuve no es casual. El cineasta canadiense tiene un estilo visual muy potente y su habilidad para crear mundos atractivos y envolventes es más que evidente en sus trabajos anteriores. Su filmografía se cuenta por éxitos y es un testimonio de su talento para equilibrar la acción con personajes interesantes con dilemas morales. Estas cualidades podrían inyectar sangre fresca y una nueva dimensión al espía más famoso del mundo.
La noticia ya es oficial, aunque los detalles sobre la producción aún son nulos, sobre todo porque se espera que Villeneuve se embarque en este proyecto después de completar la tercera entrega de Dune. Esto nos hace suponer que tendremos que esperar un mínimo de tres años para ver a Bond bajo su dirección.
La era post-Craig ha abierto la puerta a un sinfín de posibilidades para James Bond, incluyendo la incógnita sobre quién será el próximo actor en pedir un Martini agitado no mezclado.
¿Será capaz de revitalizar la franquicia y llevarla a nuevas alturas creativas?¿Mantendrá la esencia clásica de Bond mientras le imprime su sello personal? Solo el tiempo lo dirá, pero lo que es seguro es que la próxima película de James Bond promete ser todo un evento cinematográfico.
¿Creías que estos temas musicales estaban especialmente compuestos para las películas en las que los recuerdas? Pues no: hacemos un repaso de composiciones que quedaron identificadas con filmes famosos a pesar de ser anteriores a los mismos.
La asociación entre sonido e imagen se ha hecho inevitable desde mediados del siglo XX. Mucho tuvieron que ver en ello la televisión y la cultura del video-clip, pero sin duda también el cine, pues las bandas sonoras suelen quedar en nuestro recuerdo y puede ocurrir que no logremos separar a ciertos temas musicales de las películas en que sonaban. La mayoría de las veces se trata de piezas compuestas especialmente para las mismas, pero hay casos en que no es así y la relación se hace, sin embargo y de todas formas, ineludible.
Repasamos pues un listado de temas que han quedado para siempre relacionados con las bandas sonoras de películas para las que sin embargo no habían sido compuestos. Y los categorizamos, justamente, desde el menos al más fuertemente identificado con cada película en cuestión.
#15 – Relax (Frankie goes to Hollywood) / Doble Cuerpo (Brian De Palma, 1984)
Frankie goes to Hollywoodfue una banda que, bajo los auspicios de Trevor Horn, causó muchísimo impacto en 1984 al saltar al mercado con la rareza de un álbum debut doble, pero más todavía con la canción Relax, que sonaba por esos días a rabiar en radios, discotecas y MTV, particularmente a partir de un video-clip promocional que levantó mucha polvareda por lo explícito de un erotismo que rozaba lo por-no (lo escribo así para que Google no me baje los algoritmos).
Seguramente fue por eso que a Brian De Palma se le ocurrió recurrir a la canción en el thriller Doble Cuerpo(Doble de Cuerpo para América Latina) para acompañar la escena en que Jake Scully (Craig Wasson) ingresaba al club nocturno (un microcosmos en sí mismo) en procura de hallar a la actriz y bailarina erótica Holly Body (Melanie Griffith).
El propio líder de la banda Holly Johnson aparecía en esa escena cantando la canción al tiempo que daba vida a una especie de anfitrión o presentador del club. Y al poco tiempo un nuevo video-clip circulaba por los canales de música incluyendo imágenes de la película. Casi imposible para el común del público no pensar que el tema había sido compuesto especialmente para la misma.
Esta es una de esas películas que sembraron confusión al tomar el nombre de una canción preexistente, pues Oh, Pretty Woman es un clasicazo de Roy Orbison de 1964 que tuvo incluso muchas otras versiones, siendo las de Al Green y Van Halen quizás las más populares.
Pero al estrenarse en 1990 la exitosa comedia románticaPretty Woman (Mujer Bonita), el director Garry Marshall decidió echar mano de la del propio Orbison en varias partes de la película, siendo posiblemente de las más recordadas la escena en que Vivian (Julia Roberts) se pasea por Rodeo Drive para tomarse venganza de los locales de ropa que en su momento la habían rechazado por su traza de “mujerzuela”.
#13 – You could be mine (Guns N´Roses) / Terminator 2: El Juicio Final (James Cameron, 1991)
Aunque muchos relacionen al tema con Terminator 2: El Juicio Final (aquí retro-análisis), el mismo ya había sido lanzado por los Guns N´Roses como single en junio de 1991 e incluido tres meses después en Use your Illusion II, álbum que formaba parte de un lanzamiento doble, aunque los discos, lanzados el mismo día, podían comprarse por separado (de hecho, y junto con Estranged y Civil War, fue uno de los temas que hizo que me comprara el segundo antes que el primero).
En la película es utilizado para musicalizar la fuga en moto del joven John Connor y vuelve a sonar con los créditos finales. El video-clip promocional alternaba imágenes de la banda en vivo con otras extraídas del filme mientras Arnold Schwarzenegger ingresaba al concierto y avanzaba amenazante entre la concurrencia. En el final y como si fueran objetivos, escaneaba uno a uno a los miembros de la banda al salir del estadio para luego desentenderse y seguir su camino.
#12 – Kiss from a Rose (Seal) / Batman Forever (Joel Schumacher, 1995)
Fina, delicada y sentida balada de Seal que saltó a los primeros puestos de las listas tras su inclusión en el filme Batman Forever (aquí retro-análisis), tercero de la saga del murciélago iniciada por Tim Burtony ahora continuada por Joel Schumacher. Pero no fue compuesta para la misma y, de hecho, Seal tenía esa canción ya desde 1987, es decir cuatro años antes de la publicación de su álbum debut de 1991 en el cual, sin embargo, no la incluyó, sino que esperó para hacerlo recién al segundo, de 1994.
El tema sería al otro año parte de la banda sonora del filme y hasta del álbum que salió a la venta (en versión algo abreviada al final, cosa que recuerdo que me molestó). Y para aumentar la confusión, fue acompañada por un video-clip que incluía imágenes de la película.
# 11 – The End (The Doors) / Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979)
Tengo un recuerdo muy poderoso de esta canción, pues a los trece años me encantaba acompañar a mi hermano mayor a buscar arena al puerto de San Fernando (Buenos Aires, Argentina) y a eso de las cuatro de la madrugada escuchábamos en la radio del camión un programa que se cerraba justamente con ese tema, que yo no sabía aún de quién era.
Después supe que The End es una increíble canción de The Doors incluida en su homónimo álbum debut de 1967, pero en la radio se oía con un helicóptero de fondo que no estaba en la grabación original y di por sentado que sería alguna edición de quienes musicalizaban el programa.
Hasta que vi Apocalypse Now (aquí retro-análisis) y entendí todo, pues así es justamente como se escucha el tema en la película en una lisérgica escena con un Martin Sheen desahuciado en un cuarto de mala muerte en Saigón y un ventilador cuyas aspas se van convirtiendo en las de un helicóptero. Inolvidable escena con el magistral sello de Francis Ford Coppola que por mucho tiempo produjo asociación inmediata entre película y canción a pesar de que hubiera doce años de diferencia entre ambas…
Es bueno aclarar que en la misma película y poco después de ese momento inicial suena la famosa Cabalgata de las Valquirias de Richard Wagner en la icónica escena de los helicópteros, pero no la incluyo en este listado porque allí hay una relación simbólica diferente: lo que Coppola busca (y logra) es que se asocie el accionar norteamericano en Vietnam y sudeste asiático con los nazis, a los cuales, acertada o equivocadamente, se suele relacionar con Wagner, y suelen ser la primera imagen que nos viene a la cabeza al escuchar esa pieza más allá de lo emblemático de la mencionada escena.
#10 – Stand by Me (Ben E. King) / Cuenta Conmigo (Rob Reiner, 1986)
Al igual que Mujer Bonita, este es uno de esos casos en los cuales la película adopta el nombre de una canción previa a ella, pero el éxito cinematográfico instala en el público la idea de que es al revés. Stand by Me (traducida al español como Cuenta Conmigo) es una película de Rob Reiner de 1986 que se basa en el relato El Cuerpo de Stephen King, pero nada tiene que ver con el terror, sino que es una entrañable historia sobre el valor de la amistad y con un elenco infantil de lujo.
Pero la canción de la cual el filme toma su título y que suena en el mismo es de 1962 y está compuesta y escrita por el artista soul Ben E. King. Y aunque tuvo muchísimas versiones (incluida una maravillosa de John Lennon), se recurrió a la original, que reingresó a los charts de ventas de singles veinticuatro años después de su lanzamiento.
# 9 – Unchained Melody (The Righteous Brothers) / Ghost: Más allá del Amor (Jerry Zucker, 1990)
Balada bien de los cincuenta que, inesperadamente, saltó a los primeros lugares en ventas treinta y cinco años después de ser editada por primera vez. De hecho, había tenido en el medio montones de versiones a cargo de artistas tan variados como Elvis Presley, Iva Zanicchio Liberace, pero el director Jerry Zucker decidió usar la de los Righteous Brothers, no exactamente la original de 1955 sino la que, con apoyo orquestal, ellos mismos habían regrabado como relanzamiento en 1965.
En la película Ghost: Más Allá del Amor (según países también Ghost: La Sombra del Amor o Ghost: El Fantasma del Amor), exitazo en taquilla que cuenta la romántica y sobrenatural historia de una relación que trasciende la misma muerte, el tema acompaña las escenas íntimas entre Patrick Swayze y Demi Moore. De pronto y para todo el mundo, era “el tema de Ghost”.
Caso particular, porque el tema no fue compuesto para la película pero sí grabado por primera vez para ella. El dúo folk Simon & Garfunkel era en los sesenta uno de los artistas predilectos del director Mike Nichols, quien por eso mismo les pidió que compusieran un par de canciones para la banda sonora de El Graduado, filme que estaba rodando. Paul Simon presentó entonces un par de canciones recién salidas del horno, pero no convencieron al director, que les preguntó si no tenían alguna otra.
Los miembros del dúo lo debatieron en privado y recordaron que tenían compuesta una canción aún sin título definitivo a la que provisoriamente habían denominado Mrs. Roosevelt, pero ese apellido no encajaba demasiado en la métrica. Decidieron entonces rebautizarla como Mrs. Robinson en clara referencia al personaje que interpreta Anne Bancroft en la película y cuando se lo mostraron a Nichols, este preguntó: “¿Tenían un tema llamado Mrs. Robinson y no me lo habían dicho?”.
Gracias a la película, la canción acabó siendo número uno en ventas de singles y, por cierto, no es la única del dúo incluida en la banda sonora, pues también suena The Sounds of Silence, otro clásico no compuesto especialmente, aunque menos asociado con el filme.
#7 – Another Brick in the Wall Part 2 (Pink Floyd) / Pink Floyd: The Wall (Alan Parker, 1982)
¿Quién no ha visto alguna vez a los niños del colegio marchando a ritmo marcial para terminar cayendo uno tras otro en una picadora de carne? Es, desde luego, la primera imagen que nos despierta Another Brick in the Wall – Part 2 con su crítica feroz al tradicionalista sistema educativo británico.
Pero la canción no fue compuesta para la película de Alan Parker de 1982, ya que el multivendedor álbum conceptual The Wall , lanzado en 1979 por la legendaria banda Pink Floyd, ya incluía tanto a esa como a la mayoría de las canciones que suenan en el filme. Y si bien Roger Waters tenía ya desde un principio la idea de acompañar al disco con una película, se barajaban opciones muy diferentes, hablándose por ejemplo de una mezcla de actuación en vivo con animaciones.
Fue Parker quien se apareció con la idea de construir una película basada en el álbum, pero más bien argumental y muy surrealista, así que se la propuso justamente a Waters para llevarla a cabo…
# 6 – Chi Mai (Ennio Morricone) / El Profesional (Georges Lautner, 1981)
Este es un caso especial, porque Chi Mai sí fue compuesta por Ennio Morricone para una película, pero no para la que la mayoría del público asocia inmediatamente al oírla. El gran compositor italiano había escrito esa canción para el filme italiano Maddalena (1971), pero decidió reutilizarla diez años después en la banda sonora de la película francesa El Profesional (aquí retro-análisis) que, dirigida por Georges Lautner, catapultó a Jean-Paul Belmondo como ícono del cine de acción.
Solo a un genio como Morricone se le podía ocurrir que una pieza tan melancólica y evocativa podía quedar bien en la propuesta y en efecto así fue. Para todo el mundo, Chi Mai es el tema de El Profesional, con excepción del Reino Unido, donde quedó ligado para siempre a alimento para mascotas debido a su inclusión en un famoso aviso publicitario.
# 5 – Born to be Wild (Steppenwolf) / Easy Rider: Buscando mi Destino (Dennis Hopper, 1969)
Para muchos, la canción fundacional del hard-rock, pero también, y más aún, sinónimo de motocicletas y rebeldía en la cultura popular a partir de su inclusión en la película Easy Rider, de Dennis Hopper (también conocida, según países, como Busco mi Destino o Busco mi Camino): un himno, casi.
El tema había sido lanzado por la banda canadiense Steppenwolf en 1968 e incluido ese mismo año en su icónico álbum debut, pero al rodarse la película al año siguiente fue utilizado como placeholder (es decir, como relleno temporal hasta que hubiera una banda sonora definitiva) y a Peter Fonda (uno de los actores principales del filme) se le ocurrió que no había que reemplazar nada porque era imposible que algo cuadrase mejor al espíritu rebelde de la cinta. Al día de hoy se hace difícil no pensar en carretera, motos y chaquetas de cuero apenas suena el riff inicial.
# 4 – You can leave your Hat on (Joe Cocker) / Nueve Semanas y Media (Adrian Lyne, 1986)
Después del strip-tease de Kim Basinger en Nueve Semanas y Media, esta canción ha quedado no solo indisolublemente ligada a ese filme, sino a cualquier momento de carácter festivo erótico, al punto de simplemente comenzar a sonar apenas alguien se quita un mínimo guante.
Lo curioso es que You can leave your Hat on (en cuya letra justamente alguien pide a su amante que se desvista lentamente y solo se deje, si quiere, el sombrero puesto) fue compuesta y grabada primeramente por Randy Newman en 1972. La versión incluida en la película, de todas formas, no es esa, sino un cover que Joe Cocker registró para su disco Cocker, de 1986 (es decir, tampoco fue grabada para el filme), pero después de ser incluida en la banda sonora de esta icónica película del cine erótico ya casi nadie aludiría a la misma por su título, sino llamándola simplemente “el tema de Nueve Semanas y Media”.
En un restaurante, una mujer maldice, se trepa a una mesa y amenaza a los clientes con un arma mientras grita a viva voz que es un asalto. Inmediatamente se dispara uno de los temas más icónicos en la historia del cine que, sin embargo, no fue tampoco compuesto para la película. Se trata, claro, del inicio de Pulp Fiction (aquí retro-análisis), obra capital de Quentin Tarantino que vino a reinventar el cine cuando se estaba volviendo aburrido de tan cuidado y prolijo.
Pero Tarantino no mandó componer música específica para el filme, sino que echó mano exclusivamente de su propia discoteca personal, siendo varias las canciones que han quedado asociadas al mismo, como You never can tell, del legendario Chuck Berry, que acompaña la famosa escena del baile entre John Travolta y Uma Thurman.
No obstante, la que más ha quedado claramente identificada es sin duda Misirlou, canción de 1962 interpretada por Dick Dale & the Del-Tones que, famosa por su guitarra frenética y el especial uso del reverb, es pieza fundamental del llamado surf- rock y la que acompaña los créditos iniciales tras la famosa escena antes mencionada.
Mike Oldfield acababa en 1973 de editar su álbum debut Tubular Bells, obra maestra musical en sí misma sobre la cual les invito a leer un excelente artículo que tenemos en nuestra web. Pero cuando William Friedkin lo escuchó por absoluta casualidad, quedó automáticamente prendido de esa hipnótica escala de notas del principio y dijo “quiero usar eso en la película”.
La película, claro, era El Exorcista (aquí retro-análisis) que, estrenada ese mismo año, se convertiría en referente ineludible del cine de terror. Bastaron unos pocos segundos de la partitura de Oldfield para que el público hiciera una relación ya indisociable, al punto que muchos creían que el álbum Tubular Bells era la banda sonora de El Exorcista. Y esos pocos segundos, además, llevaron al disco a número uno en ventas e impulsaron el ascenso de un sello discográfico hasta ese momento de segunda línea: Virgin Records.
# 1 – Also sprach Zarathustra (Richard Strauss) / 2001, Una Odisea Espacial (Stanley Kubrick, 1968)
Creo que no podía ser para otra el número uno. Cuando uno escucha las primeras notas de la introducción de Así habló Zaratustra (Also sprach Zarathustra), op. 30, de Richard Strauss (estrenada originalmente en 1896), es imposible que no acudan de inmediato a nuestra mente los primates y el monolito en esa increíble escena inicial (de las mejores de la historia del cine), casi una película en sí misma dentro de una obra maestra como lo es 2001, Una Odisea Espacial, deStanley Kubrick (aquí retro-análisis).
No pudo ser más oportuna ni genial la idea de utilizar esa pieza para musicalizar un momento que acabaría siendo tan icónico y memorable que, por cierto, el compositor jamás llegó a ver por haber fallecido casi dos décadas antes del estreno de la película. Además, no es el único Strauss en la banda sonora, pues Kubrick (muy afecto a incluir música clásica en sus filmes) echa también mano del famoso vals Danubio Azul, deJohann Strauss (quien no está emparentado con Richard) para musicalizar las no menos increíbles escenas espaciales que vienen después del salto temporal.
Al igual que ocurre con Tubular Bells y El Exorcista, la introducción de Así habló Zaratustra es para el común del público y al día de hoy “el tema de 2001”.
En fin, ¿qué les ha parecido el listado? ¿Sabían que todas estas piezas musicales no habían sido compuestas especialmente para las películas con que las identificaban? ¿Recuerdan algún otro ejemplo que se me haya escapado? Les leo y espero que el artículo les haya gustado.
Hoy ha sido revelado Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos Tráiler final con un elemento tan sorprendente que me ha pegado de lleno: ¡La Cosa (The Thing) con barba de roca! Sí, has leído bien. Ben Grimm no solo está rocoso… sino rocosamente barbudo, y eso marca una promesa clara: estamos ante una historia que respira su propia fortaleza cósmica.
La presencia poderosa de La Cosa
Es un momento breve, pero de esos que se clavan en el pecho. La Cosa contando un chiste, Johnny Storm insuflando energía… y esa barba pétrea que no solo aporta look, sino actitud. Se queda grabada como si fuera un símbolo de madurez, un paso adelante: este Ben Grimm no es el novato emocional de las primeras versiones. Este es un tipo que ha latido, ha crecido, y ahora se muestra preparado para partirla en cuarzo-granito .
Todo el mundo espera que diga la famosa frase: «Es la hora de las tortas», pero nos deja con un mal sabor de boca, porque quien la dice es un secundario que pasaba por la zona, y nunca el propio Ben Grimm.
No se trata solo de barba. En apenas segundos se entrelazan planos de aventura cósmica: Sue Storm con su hijo (Franklin Richards), Mr. Fantástico enfrentando remordimientos y Johnny vireando entre risas mientras la familia se junta. Todo esto desde un tono retro cuando aparece Galactus. La sombra colosal, ese enorme pie atravesando Manhattan… y el tráiler te deja saber que el verdadero enemigo no es local, sino galáctico.
¿Hay algo más 2025 que eso? Un grupo familiar, poderes, una humanidad fracturada… y una amenaza que puede comerse lo que sea.
Sue, Reed y un nuevo camino
El tráiler no es tímido en mostrar que Sue y Reed tienen un hijo. No es un gag: es un punto narrativo clave. Un niño que podría nacer con poderes… o ser catalizador del conflicto. Franklin Richards ya es una realidad. Si ese pequeño viene con habilidades del tamaño de un multiverso…
Lo que nos espera en julio
Este Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos se estrena el 25 de julio de 2025, dentro de la Fase Seis del UCM. El tráiler de hoy es una probada del tono: familia, humor, aventura pero también profundidad emocional… y un enfrentamiento con un villano al nivel de un devorador planetario.
Conclusiones
Este nuevo teaser no solo nos da status update. Nos dice: esto es épica familiar con piedra, carne y cosmos. Veo un equipo más maduro, arriesgando estética, apostando al corazón y abriendo una historia que no será solo batalla… será legado. Me emociona pensar que en julio iremos a la sala y encontraremos un Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos que hable de familia, miedo, poderes… y una barba que define un nuevo hito en su historia.
Se ha publicado una noticia que ha resonado como un cañonazo entre los fans del UCM: Pedro Pascal, que interpretará a Reed Richards/Mister Fantástico en Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos, reconoce que no todos están contentos con su elección.
Sí, leíste bien: uno de los actores más queridos del panorama televisivo, el Mandaloriano, Joel en The Last of Us, y más, está sintiendo ese “incomodo murmullo” popular que dice: “es muy mayor”, “no encaja con la imagen clásica”, “¿por qué no se tatuó el traje antes?”. Y Pascal no lo esquiva. Lo admite, con elegancia brutal.
“Soy consciente…”, reconoce Pascal
En su entrevista con Vanity Fair, Pascal no intentó maquillar la verdad. Hay voces online cuestionando su edad, su apariencia, su encaje con un personaje tan icónico y elástico. Él mismo dijo:
“Estoy más consciente del descontento respecto a mi casting que en cualquier otro papel que he hecho. ‘Es muy mayor. No es el adecuado. Se tiene que afeitar.’”
Y vaya si es un golpe directo: el Rey de Coruscant se está enfrentando al fandom con una sinceridad de impacto. No hay postureo, ni negar la duda: hay valentía. Y también algo más.
La esperanza nace de inesperadas alianzas
Cuando Pedro confiesa que se siente observado con lupa, entra en escena Robert Downey Jr., quien, más que invitar, acogió al nuevo líder de la familia Richards. Pascal lo describe así:
“Es generoso y acogedor… sientes que puedes tener miedo, hambre, ambivalencia.”
¿Y la ironía? Que Tony Stark (el héroe que reinventó el traje y rompió el molde) está siendo mentor de quien ahora lleva el símbolo de la mente maestra, el cuerpo elástico, la familia intrépida.
¿Por qué este debate sí importa?
Porque el UCM, a estas alturas, no es un parche argumental: es un reflejo cultural. Y Mr. Fantástico era el cerebro elástico de los Cuatro Fantásticos, un superhéroe de tire y afloja entre la familia y el infinito. Pascal llega con un aura humana, arrastrando pasado emocional, prejuicios… y eso siempre despierta preguntas poderosas: ¿puede dar vida a alguien tan alejado de la genética Marvel original?
A muchos, le cuesta imaginar un Richards con 50 años, barba visible y mirada de superviviente. Pero también es cierto que el UCM siempre triunfa cuando humaniza lo fantástico. Y Pascal es maestro en eso.
Pedro tiene un reto monumental
Adaptar la figura del genio familiar sin caer en la frialdad. Richards es brillante, pero también padre, esposo, líder.
Equilibrar edad con credibilidad física, y demostrar que puede usar un traje azul sin parecer disfrazado.
Sobreponerse al fandom escéptico, convirtiéndolo en apoyo cuando los trailers empiecen a rodar.
Se necesita carisma, inteligencia… y un poco de la chispa que trajo Downey a Stark.
Y el reparto, ¿cómo encaja?
En la misma entrevista, Pascal menciona que él y sus compañeros de reparto tuvieron una sesión de “deberes” en casa de Downey. Una especie de inicio de familia, brainstorming hogareño y conteo de fe juntos.
No suelta más detalles, pero esa atmósfera de equipo íntimo ya perfuma muy bien la fase de rodaje .
Expectativas y posibles giros
¿Puede Pascal reinventar a Reed Richards como un genio emocional? Si lo logra, puede convertirse en uno de los Cromwell de los suyos.
¿El reparto transmitirá química? Si se sienten cómodos entre ellos, esto puede ir mucho más allá de “otra peli de grupo”.
¿Cómo puede afectar este debate a la recepción? Si él lo acepta y responde con solidez, podría romper las barreras desde los primeros trailers.
En definitiva
Pedro Pascal está consciente del murmullo. No lo disimula ni lo exorciza: lo enfrenta. Eso te dice algo de valentía. Y también de fe en lo que viene.
Sí, el fandom tiene dudas: “¿Es mayor?”, “¿Es suficientemente elástico para un superhéroe de goma?”, “¿Encaja en ese traje azul?”. Pero Pascal ha encontrado a Downey como aliado y eso no es poca cosa.
Estos días marcarán el pulso: primeras clases de reparto, primeros posters oficiales, primeros teasers… y entonces veremos si el corazón vence a la programación.
Solo dos maratones de café me han separado del momento en que el mundo dio un salto y volvió a hacer bramar los motores: Mario Kart World ya está en el Switch 2. Lanzado justo el 5 de junio, esta nueva entrega retuerce la fórmula clásica de Nintendo hasta convertirla en un karting que se siente… absoluto. Como si Combate de Karts se juntara con open-world, solo que con la gracia y el color de una sonrisa que no se borra.
¿Qué lo hace especial?
No te va a valer solo el modo torneo con amigos pijama. Mario Kart World no juega a medio gas: se lanza a un mundo abierto lleno de caminos ocultos, pruebas piradas y rutas secretas. ¿No basta con ir de A a B? Aquí puedes rodar por la selva, chocar con lingotes, explorar ríos y saltar acantilados mientras el eco de la vuelta resuena en tus oídos. Y no es un DLC: está diseñado para jugarse así, desde el minuto uno.
Claves del mundo abierto
Mapas gigantes divididos en biomas: bosque, desiertos, ciudades flotantes… hasta 24 jugadores en locura simultánea.
Modo Elimination: una carrera donde tu peor enemigo eres tú mismo y tus tropiezos. Surrender? Nah.
Técnicas off-roading reales: la tierra sale volando bajo tus ruedas; Mario Kart ha dejado de ser una pista y se ha convertido en una jungla de emociones .
Formula clásica… mejorada
El espíritu Mario está intacto: personajes legendarios, karts personalizables y miles de skins desbloqueables. Pero ahora, esos personajes pueden explorar más allá de los muros de Peach o Bowser. Y el sistema de progresión no se limita al podio: **¿quieres un traje retro, una música nostálgica o un kart “retro-futurista”? Solo explícalo: lo encuentras en ruta.
Banda sonora y sensaciones
200 temas compuestos por un dream-team con Atsuko Asahi y Maasa Miyoshi liderando el setlist, remasterizando nostalgias y creando pistas nuevas que vibran en bucle. Si la música no te emociona mientras trompeas en la arena, deberías chequear tu pulso.
Recepción inicial
Críticas tempranas lo miran con cariño… aunque no sin sus críticas: algunos señalan que la cámara libre en mundo abierto puede generar pérdidas de referencias rápidas. Pero incluso ahí, la sensación general es clara: Nintendo ha pasado de pista a mundo sin perder velocidad.
El feeling: Karting de siempre, en una nueva dimensión. Y no es poco decir.
Reacciones del personal
En redes ya se escucha: “esto no es un Mario Kart… es una expansión del concepto” o “he corrido 3 horas sin repetir ruta, y siento hambre de más”. Y si eso lo refleja un tweet, imagina lo que sientes cuando sientas el viento bajo ese casco invisible.
¿Qué viene ahora?
Eventos mensuales: desafíos nuevos, mods de comunidad y pistas que cambiarán con cada temporada.
Modos extra: se rumorea un Co‑op en mundo abierto, para que coordines rutas épicas con amigos.
Expansión planeada: un DLC anunciado para otoño que añadirá circuito nocturno y bioma acuático estilo Mario Sunshine.
¿Quién debería jugarlo?
Fans de la saga que buscan algo más fresco sin renunciar a la esencia.
Nuevos jugadores: nadie te pide trofeos, solo ganas de explorar, reír y quemar llantas.
Exploradores de mundos: si te va pasear en moto por praderas, este kart es tu pasaporte.
Hay juegos de mesa, y luego están los que te hacen sentir que llevas un sombrero de paja mientras gritas “¡voy a ser el Rey de los Piratas!” con la seriedad de un opositor que no duerme hace dos semanas. Bienvenido a One Piece: Adventure Island, el juego que ha llegado este año como un cañonazo directo a la nostalgia, el vicio lúdico y los traumas de infancia relacionados con Nico Robin llorando.
Este juego es una carta de amor a los fans, pero también una trampa mortal para las amistades débiles. ¿Por qué? Porque aquí todos vais juntos, pero no tanto, todos buscáis tesoros, pero no los compartís, y cuando alguien grita “¡Luffy ha activado el Gear Second!”, sabes que lo que viene es una lluvia de hostias cartográficas que te va a dejar sin dados ni dignidad.
La estructura es sencilla y brutalmente divertida: el tablero representa una serie de islas interconectadas, plagadas de eventos, enemigos, objetos locos y decisiones morales que harían llorar a Sanji. Vas eligiendo rutas, explorando lugares, enfrentándote a Marines, a piratas rivales, y cómo no, a tus propios demonios en forma de una carta de evento llamada “Zoro se perdió otra vez”.
Cada jugador controla un personaje del universo One Piece: Luffy, Zoro, Nami, Usopp, Sanji, Robin, Chopper o Franky. Cada uno con sus habilidades únicas y su estilo de juego, lo que genera dinámicas que se sienten vivas, naturales, como si estuvieras viendo un capítulo del anime pero con dados, gritos y cerveza.
Y aquí es donde el juego brilla: la narrativa fluye sola. Una partida de Adventure Island no se juega, se vive. Te ves discutiendo por si ir a la isla volcánica o a la que tiene un bazar de armas. Te encuentras con un enemigo final antes de tiempo y gritas como Usopp en modo cobarde, solo para acabar haciéndole frente con una combinación absurda de cartas que no tenían sentido… pero funcionan. Porque así es One Piece. Caótico. Precioso. Familiar.
¿Y los componentes? Un festival visual. Miniaturas chulísimas, tokens para cada fruta del diablo, un manual que parece sacado de la biblioteca de Ohara, y unas ilustraciones que hacen que quieras enmarcar las cartas en lugar de jugarlas. Cada isla tiene detalles únicos, cada carta de evento huele a aventura… y cada partida, si la juegas con el corazón (y un par de roncitos), se convierte en un capítulo más de tu propia leyenda pirata.
¿Es competitivo? Sí. ¿Cooperativo? También. ¿Es una locura caótica llena de decisiones cuestionables, suerte injusta y momentos que dan ganas de morder la mesa? Por supuesto. Es One Piece, ¿qué esperabas? ¿Orden y lógica? Anda ya.
En resumen: One Piece: Adventure Island es el juego perfecto para perderse durante horas, cantar Binks no Sake al final de la partida, y mirar a tus amigos a los ojos sabiendo que, al menos por unas horas, todos fuisteis parte de la tripulación más loca del anime.
Aprovechando el estreno de la última entrega del universo de zombis-infectados de 28 días, creados por el dúo Alex Garland–Danny Boyle, vamos a hacer una pequeña lista con las mejores películas sobre zombis, para que puedas disfrutar de la sanguinaria persecución de los muertos vivientes. Este tipo de films se ha convertido en un subgénero dentro del terror, popular, querido y seguido por millones de fans.
Desde que la mítica ‘La noche de los muertos vivientes’ de George A. Romero, convirtió a estos seres en figuras imprescindibles del cine de terror, se han sucedido multitud de películas y series tratando de explotar la fascinación que despiertan estos no-muertos, capaces de mover a las masas para que acudan al cine a ver sangre, cerebros y extremidades arrancadas.
Estas películas nos ofrecen una variedad de experiencias, ya sea en forma de thriller, comedia, drama o una fantasía oscura… cualquier estilo puede funcionar siempre que haya zombis corriendo tratando de matar a gente. Es un género moldeable que tiene libertad frente a las reglas más rígidas del género del terror. Toda esta mezcla de géneros las puedes encontrar en este listado con las mejores películas de zombis.
‘Amanecer de los Muertos’ (2004)
La película que revitalizó el género zombi, una cinta llena de sobresaltos, violencia y un sentido retorcido del humor (para muestra el bebe zombi). La mejor película (del endiosado autor de Rebel Moon) Zack Snyder, cuenta con la mejor escena de apertura sobre una pandemia de la historia del cine. Fue el primero en hacer evolucionar a los zombis alejándolos de la típica y lenta torpeza habitual, para convertirlos en rápidos devoradores de carne. Una realización vistosa, que cuenta con una dirección vigorosa repleta de escenas ágiles y secuencias de acción-terror devastadoras, siendo un soplo de aire fresco para el estancamiento en el que vivían los muertos vivientes a principios de los años 2000.
Amanecer de los Muertos puede ser uno de los mejores films de este subgénero, sus ideas innovadoras, la violenta fisicidad de las innumerables muertes, la representación alegórica del encierro en un centro comercial, como una jaula en la que se espera la entrada al infierno, su capacidad para transmitir elementos narrativos a través del gore alejándose de los sustos fáciles y sobre todo, un guion bien definido que ofrece el espacio necesario a los personajes para crecer (un guion escrito por el arquitecto del nuevo universo DC, James Gunn). Una obra maestra que en la naturalidad de su violencia gamberra tiene su mejor arma.
‘Tren a Busan’ (2016)
El ultimo fenómeno cinematográfico sobre zombis, que logró captar incluso la atención de la crítica especializada para convertirse en un éxito mundial. Una película que consigue mezclar la excelencia del cine de acción coreano con el terror que generan los muertos vivientes. Su sobria puesta en escena logra crear la verosimilitud necesaria para que nos adentremos en su historia. Gracias unos personajes sólidos, que sienten, sufren, padecen y evolucionan.
La mayor virtud de la cinta es que consigue ser puro entretenimiento, no tiene bajones considerables, logrando enganchar al espectador y no soltarlo hasta su escena final. Un film que logra combinar con maestría el suspense, la muerte, el miedo, el gore… y los zombis claro. Todo ello, aderezado por unos correctos efectos visuales y una banda sonora a la altura de las circunstancias. La película perfecta para sentir como al aliento, le cuesta seguir el ritmo frenético de la persecución mortal.
‘Zombies Party’ (2004)
Una divertidísima gamberrada cinéfila con aroma a frikada, que se disfruta como una buena hamburguesa que sabes que no son buenas para el cuerpo, pero la devoras con ganas. Un film que parodia inteligentemente las películas de zombis, que se desgrana bajo una sátira amarga sobre el mundo que nos rodea y un aura pesimista sobre las personas que pululan en él.
Podríamos discutir si en realidad es una comedia, ya que está compuesta por sketches con el corrosivo humor británico, pero su potente crítica social en la que se representa a la humanidad como muertos vivientes depresivos, su homenaje descarado a Romero y otras cintas sobre zombis, sus gotas selectas de gore y su mezcla de drama, suspense y acción, hacen difícil asegurar que se pueda definir exclusivamente como una comedia. Lo que esta claro es que te divertirás con la mala baba que desprende todo su metraje.
‘Guerra Mundial Z’ (2013)
Una cinta algo denostada, que creo que no se merecía tan mala fama. Reconociendo que tiene el aroma de un blockbuster veraniego, con personajes superficiales, su porción de tópicos reconocibles y muchos militares gratuitos, la película se disfruta gracias a su elevado despliegue de medios visuales, que logran crear algunas intensas e interesantes escenas de acción y suspense.
Brad Pitt está correcto en su papel de agente perdido de la ONU, aunque los verdaderos protagonistas de la función son unos acertadamente caracterizados zombis, que corren, saltan y matan sin piedad. El resto, una trama liviana lo suficientemente hábil para mantener el interés, unos diálogos ligeros que no aburran al espectador, y una cantidad ingente de zombis atacando en masa a la humanidad. Un espectáculo pirotécnico de acción que se disfruta comiendo palomitas.
‘[•REC]’ (2007)
Una vertiginosa cinta de zombis que te atrapa y no te suelta hasta dejarte exhausto al finalizar su metraje. Lo mejor que tiene es su apuesta por un tensión creciente y estimulante que conduce al miedo. Sus fotogramas están impregnados de una realidad tan callejera, que logra que nos sumerjamos en su propuesta terrorífica con las manos agarradas a las butacas del cine. Una cinta española capaz de sorprender, ser irónicamente fascinante y mostrar una propuesta original sobre el horror zombi.
Aunque está rodada como un falso-documental, gracias a su guion sutil con el que hilvana las partes sugestivas del argumento, logra crear una atmósfera realista y una acción convincente, teniendo la habilidad de romper los esquemas que el espectador pudiera tener al principio. La película es un viaje adrenalínico por los rincones del infierno que se esconden tras las paredes de un viejo edificio, una experiencia desconcertante, eficaz y estremecedora, que es capaz de remover tus miedos e impresionar a tu corazón.
‘Re-Animator’ (1985)
Un clásico a la altura de La Noche de los Muertos Vivientes, que incluso en algunos aspectos es capaz de superarla. Una película que destaca por sus espeluznantes imágenes, que nos golpean con su retorcida imaginación. El miedo deambula a sus anchas por todo el metraje, mientras su atmósfera gore se convierte en un paraíso para los amantes de la sangre. Basada en una novela de H.P. Lovecraft, el film logra captar la esencia del terror profundo que imprimía en sus novelas el escritor.
Un festival gore sustentado en un guion eficaz que sabe encandilar con su propuesta de suspense, horror y comedia, gracias a su grotesco sentido del humor. Con el paso de los años consiguió convertirse en una pequeña joya de la serie B, una historia atrayente, basado en un buen guion, unos efectos especiales humildes y una premisa clara, sencilla y directa, con un único objetivo: entretener. Una película clave de los años 80 que sirve para entender el gore-horror moderno.
‘Bienvenidos a Zombieland’ (2009)
Una genial ‘slapstick’ convertida en una gamberrada que se goza de principio a fin. Un coctel explosivo que mezcla el terror, la comedia romántica y la road movie. Divertida, juguetona e irreverente, el film se convierte en una auténtica fiesta en la que los actores se lo pasan en grande con sus papeles. Eso sí, no creas que no tiene su buena ración de muertes y escenas sangrientas, porque las tiene, siendo una deliciosa y genuina carnicería de zombis.
La cinta tiene un guion inteligente que sabe utilizar con acierto su humor depravado, que lanza constantemente dardos envenenados a través de sus diálogos afilados. Sus imágenes se convierten en espontáneas explosiones de diversión y entretenimiento, que inundan la pantalla de una festividad escandalosa que contagia directamente al espectador. Una película de comedia con numerosos zombis, mucha sangre, humor gamberro, el mejor cameo de la historia y que tiene unas secuencias de acción y suspense que casi resultan… épicas.
Bonus Track: ‘Saga Posesión infernal’
La saga ‘Evil Dead’, puede considerarse como una de las franquicias más divertidas del género de terror fantástico, por lo que siempre es un buen momento para redescubrirlas. Todas tienen su buena dosis de diversión, sangre, muertes grotescas, tensión, suspense, gore, esperpénticos demonios y mucha… muchísima mala leche. Sam Raimi (director que también probó el western con Rápida y Mortal y que dirigió la primera saga de Spiderman y la segunda parte del Doctor extraño) logró con pocos recursos crear una extraordinaria comedia terrorífica, capaz de mostrar imágenes inquietantes, muertes brutales y un malsano ambiente claustrofóbico, aparte de regalarnos a Ash, el carismático cazador de demonios que se ha convertido en un mito del cine fantástico.
Una de las grandes virtudes de Posesión Infernal (podéis leer la critica pinchando aquí), es como Raimi logra elaborar inquietantes ángulos de cámara para mostrarnos las diferentes capas del mal, desde la presencia maligna intangible que amenaza en el bosque, hasta la salvaje fisicidad de los demonios. Gracias a su sabio manejo del tempo narrativo logra mantener vivo el suspense y el tono de pesadilla durante todo el metraje. Su humor negro ayuda a aliviar la descarga directa, malévola e infernal, que surge de los abismos del mal primigenio. Un mal que se convierte en un gran espectáculo de sangre, barbarie y descarnada violencia explícita.
A parte de su bien merecida fama, hay que destacar que sin los movimientos de cámara de Raimi, como las panorámicas circulares que logran crear una atmósfera de suspense y los travellings que envuelven al espectador para hacerle sentir perseguido, no podríamos entender la evolución de los vertiginosos zombis modernos.
Hasta aquí este repaso por algunas de las mejores películas de zombis de la historia del cine, un subgénero del terror que empezó con la visión del legendario George A. Romero y su obra maestra ‘La Noche de los Muertos Vivientes’ (que tiene varios remakes). Una película que redefinió las claves modernas del terror y estableció las pautas sobre los zombis que conocemos hoy en día. La importancia de Romero no solo se define por los muertos vivientes, sino porque fue capaz de introducir una visión crítica de la sociedad y la naturaleza humana en las películas de terror.
Jon Bernthal se ha sumado al elenco junto a Tom Holland en Spider-Man: Brand New Day, la próxima entrega del icónico superhéroe producida por Sony y Marvel. La dirección corre a cargo de Destin Daniel Cretton, y el rodaje está previsto para este verano en Inglaterra, con un estreno fijado para el 31 de julio de 2026.
Por ahora, gran parte de la trama sigue siendo un secreto. Diversos sitios especializados hablan de la posible aparición de más de una docena de villanos, que van desde mafiosos hasta simbiontes alienígenas, e incluso se especula con la presencia de varias versiones alternativas de Hulk.
Por el momento, lo único confirmado es que Zendaya y Jacob Batalon retomarán sus papeles como MJ y Ned aunque aún se desconoce el peso que tendrán en la trama. En cuanto a las novedades, la gran sorpresa es la inclusión de Sadie Sink, conocida por su papel en Stranger Things. La historia se sitúa después de los eventos de Spider-Man: Sin Camino a Casa, cuando el secreto de la identidad de Peter Parker como Spider-Man fue revelado al mundo, solo para ser borrado de la memoria de todos.
Sadie Sink
La incorporación de Bernthal como Punisher no me acaba de convencer en una película como Spiderman. Ya comenté en mi artículo de Daredevil, que veo a Bernthal desaprovechado hasta el momento y aunque soy fan de las películas de Holland, no me acaba de pegar Punisher en este film.
Jon Bernthal debutó como Punisher, en la serie Daredevil de Netflix y luego protagonizó su propia serie, que duró dos temporadas. Recientemente, volvió a interpretar al personaje en algunos episodios de Daredevil: Born Again. Marvel parece querer recuperar al actor y al personaje y se espera que regrese para la segunda temporada de la serie, además de una película independiente del personaje. Y es esto lo que me genera dudas. Traer de vuelta al icónico antihéroe para tenerlo de apariciones estelares y en una película especial de una hora me parece cobarde por parte de Disney. No se atreven a darle el show completo por la violencia que atesora el personaje.
Sea como fuere, nos tendremos que ir conformando con las migajas. Un saludo y sed felices.
A priori, sorprende el enorme fracaso, tanto a nivel crítico como comercial, de Here. Primero, por ser la adaptación de una audaz y premiada novela gráfica de Richard McGuire. Segundo, por la polémica inherente al uso de la tecnología de rejuvenecimiento facial. Y tercero, por ser el reencuentro de la mayor parte del elenco creativo de la mítica Forrest Gump: el director Robert Zemeckis, el guionista Eric Roth, el compositor Alan Silvestri y los actores Tom Hanks y Robin Wright. La pregunta es, ¿Merece Here su estrepitoso fracaso?
Here cuenta varias historias o, mejor dicho, varias vidas: desde nativos americanos a uno de los primeros pilotos de avión, pasando por el inventor del sillón reclinable, una familia que se muda durante la pandemia COVID-19. Pero la historia principal es la de Richard y Margaret, cuya relación abarca desde los años 60 hasta la actualidad.
¿Y qué tienen en común estas vidas cruzadas? Pues que realmente no están cruzadas, sino superpuestas en un mismo espacio.
Es decir, lo original de Here radica en que es una película rodada en cámara fija, en el mismo espacio y encuadre. Comienza siendo un terreno natural pisado por los dinosaurios hasta que se convierte en un salón donde se aglutinan distintas familias.
En este sentido, Here es la anti-Forrest Gump. Mientras que la mítica película que arrasó con seis Oscar en 1994 contaba la historia de unos pocos personajes en distintas situaciones y localizaciones, Here cuenta la historia de muchos personajes en la misma localización.
Y narrativamente es más arriesgada que Forrest Gump, con originales concatenados de encuadres que demuestran el enorme talento de Robert Zemeckis, un director que recuerda a James Cameron en su deriva actual.
Al fin y al cabo, Zemeckis deslumbró con su magistral sentido de la narrativa tradicional en películas como la saga Regreso al futuro, ¿Quién engañó a Robert Rabbit?, la ya mencionada Forrest Gump o Naúfrago. Desgraciadamente, se obsesionó con las posibilidades la tecnología y la animación real en las fallidas Polar Express, Beowulf o Cuento de Navidad.
Aquí apuesta por una tecnología de rejuvenecimiento facial para recrear las vidas completas de los protagonistas Hanks y Wright, a los que vemos con rostros adolescentes o más ancianos de lo que son realmente. Y el resultado es perturbador y horripilante. Ni siquiera entraré en la moralidad de dicha decisión estética, que daría para otro artículo. Simplemente, me saca continuamente de la película, igual que lo hizo ver a un Harrison Ford rejuvenecido en el inicio de Indiana Jones y el dial del destino. No hay gestualidad ni interpretación y, salvo en los momentos que cuadran con la edad real de los actores que la interpretan, no hay emoción.
Y esto es un gran problema, porque Here es una película que busca descaradamente la emoción fácil. La idea es excepcional: un espacio único como lugar de reunión, de nacimiento, de celebración, de violencia y de muerte.
Al fin y al cabo, en cualquier mudanza, ¿Cuántas veces uno se ha dado unos minutos en el espacio en el que ha vivido un tiempo determinado antes de abandonarlo? ¿Cuántas veces hemos reflexionado sobre las distintas vidas que han visitado tal o cual ciudad?
La idea de relativizar las vidas humanas, de lo extremadamente complejas que son hasta la más sencilla de todas ellas, es magnífica pero no funciona en Here porque tanto directorcomo guionista utilizan muy poco tiempo en la mayoría de las historias para centrarse en una trama aparentemente anodina en la que destaca tanto lo que se ha vivido como lo que se hubiera deseado vivir pero no se ha podido.
En este sentido, la simplificación de la trama no aporta nada bueno a una película que, más allá de su maestría visual, llega a aburrir por momentos. Y eso que hay historias realmente interesantes, como las ancladas en el pasado. Porque la que atañe a la etapa de la pandemia está tan mal estructurada que ni siquiera conectamos con ninguno de los personajes que participan en ella.
En definitiva, Here es un merecido fracaso tanto crítico como comercial. Fue un acierto alejarse del modelo Forrest Gump, pero originalidad no tiene porqué implicar calidad. La elección narrativa de apostar por una única historia difumina el maravilloso mensaje original de la obra. Y la apuesta tecnológica espanta a cualquier espectador.
A solo un episodio del final de la segunda temporada de The Walking Dead: Dead City, Maggie y Negan se mueven por caminos separados a la vez que paralelos en este séptimo capítulo que analizamos. La serie, creada por Eli Jorné, se emite por AMC+.
Bienvenidos una vez más, caminantes y sobrevivientes, a analizar un nuevo episodio de la segunda temporada de The Walking Dead: Dead City, en este caso séptimo y (esta vez sí) penúltimo de la misma, cuyo título es Novi Dan, Novi Početak, lo cual en croata significa Nuevo Día, Nuevo Comienzo. Y no porque lo sepa sino porque así lo dice el propio Croata…
Maggie y Negan emprenden por separado caminos que les llevan a salvar las respectivas vidas de Hershel y Ginny pero, al hacerlo, deben lidiar no solo con caminantes y trampas, sino también y especialmente con sus propios traumas, fantasmas y demonios, lo cual permite memorables actuaciones de Lauren Cohan y Jeffrey Dean Morgan.
Pasemos pues a ver qué nos ha dejado esta entrega no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en nuestra web los análisis previos de esta y demás series de la franquicia.
Tal como le fuera aconsejado por Negan, Maggie se dirige al teatro King Francis con la esperanza de hallar a Hershel pero, al llegar y más allá de un disco de Puccini girando, solo encuentra a la Dama carbonizada (o eso al menos es lo que de momento creemos) y al Croata cómodamente sentado, a quien apoya un cuchillo en la garganta amenazando con cortarle en pedacitos si no le dice dónde pueda estar su hijo.
Él la lleva entonces a la que fuera la habitación de reclusión del muchacho, donde Maggie acusa impacto al ver su cama, pero tampoco está allí. Imposible que no le venga a la memoria el corte del dedo pero, al echárselo en cara al Croata, este deriva culpas en la Dama y, para más dolor de Maggie, dice que Hershel se prestó gustoso a su propia mutilación al saber la finalidad.
Se hallan allí los dibujos que el muchacho hiciera durante su cautiverio y, al verlos, al Croata se le ocurre que pueda quizás haberse dirigido a un refugio que, justamente, coincide con los edificios unidos por un puente que él siempre dibujaba, así que guía a Maggie hasta el lugar.
El Pasado que vuelve
Negan cuida a una inconsciente Ginny mientras avanza la infección por su herida. Se le cruza la imagen de Lucille, al punto de creer que es ella quien ocupa la cama. En charla con Pierce, se culpa a sí mismo por haberle fallado tanto a ella como a Annie y se sorprende de que Dios le siga aún dando nuevas oportunidades, en este caso la de salvar a Ginny…
Al enterarse por el joven que en el lugar hay algunos medicamentos, hace averiguaciones al respecto entre sus nuevos seguidores y se entera que, negociados en el mercado negro (o como diablos se llame a los circuitos económicos marginales en un mundo postapocalíptico), podrían provenir de un hospital en el cual una leyenda urbana afirma que una enfermera estuvo almacenando medicamentos antes del apocalipsis. Aferrándose a la esperanza de que haya en ello algo de cierto y que pueda allí haber antibióticos, Negan parte hacia el lugar dejando a Ginny al cuidado de Pierce.
El camino no es fácil: el lugar está repleto de caminantes y, para colmo, debe atravesar el pabellón de pediatría, donde se topa con varios niños zombificados que reactivan su clásico trauma, pues ya sabemos que hay para él un freno cuando se trata de infantes. Sin embargo, solo uno lo ataca y se libra del mismo por milagro tras perder el sentido por un instante.
El resto, vaya a saber por qué, mantienen una actitud extrañamente pasiva. ¿Sufrirían de autismo o catatonia antes del apocalipsis? De ser así, creo que es la primera vez que nos enteramos de caminantes que sigan adoleciendo los males que sufrían antes de la zombificación. Sea como sea, logra a duras penas abrirse camino entre ellos y dar con los buscados antibióticos tras una intensa lucha consigo mismo.
Un misterioso sujeto enmascarado le acecha y, al atraparlo y quitarle la máscara, Negan descubre a Lucille, lo cual es desde luego una alucinación, como también la que tiene instantes después al encontrarse con Annie y Joshua. Quebrado y llorando como nunca antes, el momento está para él lleno de significación como forma de pedirles disculpas y despedirse. Y me sigo preguntando, ¿se está también despidiendo de nosotros?…
Vértigo
El camino para Maggie no es menos complicado, pues no hay otra forma de llegar al refugio que pasando de un edificio al otro a través del puente, que es puro vidrio y no luce muy seguro. Además, se siente aquejada por la falta de sueño y el lugar está atestado de caminantes y trampas que en su momento el Croata colocara allí pero no recuerda dónde: una en forma de péndulo casi acaba con ella, pero por supuesto él la salva a tiempo o la serie no podría continuar…
De repente, deus ex machina, resulta que ella teme a las alturas (¿estábamos al tanto de eso?), lo cual se le activa primero en la escalera de caracol y luego en el puente mismo, donde el terror la paraliza y sufre el ataque de los caminantes que por allí pululan mientras el vidrio comienza a resquebrajarse por debajo de ella…
No sé por qué el material esperó tantos años para hacerlo precisamente ahora ni por qué no cedió antes con el peso de tanto caminante, pero está inmovilizada por el pánico y el Croata, desde el otro extremo del puente, la auxilia con una escalera para sacarla (obvio) en el momento justo en que el piso cede. Ya son dos que le debe…
De todas formas, no hay nada en el refugio salvo algún recuerdo familiar del Croata que, encontrando allí un retrato de su madre, cuenta a Maggie que, abandonado por ella y sufriendo a un padre alcohólico, la anduvo buscando hasta encontrarla tristemente cuando ya llevaba dos días fallecida. Lo que quiere es que ella le arroje desde lo alto ya que no tiene por sí mismo el valor de hacerlo. No lo consigue y ahora es ella quien le salva…
Se genera una extraña conexión entre ambos, pues Maggie, como en este caso sí sabemos, también tiene su propia historia familiar con una madre a la que no conoció y un padre adicto a la bebida. Al despedirse se estrechan incluso la mano, lo cual significa que ella ya hizo las paces con quien mató a su esposo y también con quien le cortó un dedo a su hijo: ni la Madre Teresa se hubiera atrevido a tanto de haber tenido esposo e hijo…
Al regresar, Maggie se encuentra con Hershel y ello es obvio motivo de felicidad, más aún cuando el muchacho, en lo que constituye una novedad, parece estar igualmente alegre de verla. Yo no confiaría tanto pero bueno, la madre es la madre, dicen por allí. La cuestión es que en efecto, un instante después y saliendo no se sabe de dónde, una Dama de rostro desencajado y fea herida en el cuello le propina un golpe con un objeto contundente que, al parecer, la deja inconsciente.
Balance del Episodio
Otra vez luces y sombras, pero cada vez más sombras: resta un único capítulo para concluir la temporada y ciertas subtramas deberían unirse o por lo menos cobrar sentido. En lugar de eso, la historia está siendo llevada a pura casualidad y deus ex machina, lo cual ya sé que no es ajeno a la franquicia, pero la primera temporada había estado más libre de ello y es una lástima que tal virtud se haya perdido. Tras algún amago de que no sería así, la serie parece finalmente en su segunda temporada seguir un sino parecido al de The Walking Dead: Daryl Dixon.
No es que haya sido un capítulo desastroso. Lo de explorar los traumas de Negan y Maggie fue un recurso interesante y muy “hitchcockiano” al hacer enfrentar a los personajes con sus propios obstáculos internos además de los externos. El problema es que nunca supimos (acudo a ustedes por si en algún momento se mencionó y no lo recuerdo) que Maggie tuviera pánico a las alturas. El trauma de Negan nos es mucho más conocido y fue una gran idea lo de los niños zombies, pero no se entiende por qué no lo atacaron o, mejor dicho, solo lo hizo uno…
No obstante, el desarrollo de ambos por separado (paradójicamente uno de los grandes problemas de la temporada) ha permitido en este caso un gran lucimiento tanto de Jeffrey Dean Morgan como de Lauren Cohan, soberbios en sus interpretaciones sin desmedro de un Željko Ivanek que ha entregado su mejor episodio a la fecha.
Ese trío actoral, a través de sus respectivos arcos, salva al episodio de la debacle completa y más aún ante la ausencia absoluta de Kim Coates, de quien duele que quizás le quede en la serie un único episodio como Bruegel y no está siendo aprovechado en la medida de su potencial ni de todo lo bueno que mostró hasta ahora. Los guionistas parecen no ser conscientes del gran personaje que tienen…
Lo de las casualidades y deus ex machina es algo cada vez más reiterado, como la muy oportuna historia de la enfermera que acumulaba medicamentos en el hospital o el piso del puente (¿a quien se le ocurrió hacerlo de vidrio?) que, de manera adecuada al suspenso de la trama, se resquebraja precisamente cuando Maggie yace de bruces contra el mismo.
Y las redenciones de los personajes, si bien permiten, como hemos dicho, grandes momentos actorales, rozan lo no creíble con una Maggie capaz de sepultar en el pasado sus problemas con Negan y el Croata. Entiendo que la historia de esta segunda temporada apunta en parte a que deje en el pasado sus obsesiones, pero parece mucho...
Y en cuanto a Hershel, insisto en que Maggie debería olvidarse de que alguna vez tuvo un hijo: persiste en traicionándola cada vez que puede e incluso, según el Croata (y yo le creo) se dejó cortar un dedo con tal de que ello sirviera de señuelo para atraerla: no se puede ser tan ruin ni tan estúpido y estamos ante el clásico y detestable estereotipo del adolescente imbécil y facilmente manipulable. Y a propósito, ¿la Dama quedó viva? Eso sí que es novedad. ¿Quién era entonces ese carbón en el piso de su cubil?
Una última cuestión, que quizás sea solo cosa mía, pero el arco de Maggie y el Croata me hizo acordar mucho a ese gran manga que es Tenku Shinpan (aquí el análisis de un servidor) o bien a su versión anime, también conocida como Invasión en las Alturas (aquí artículo de mi compañero Juanjo), y no es la primera vez que me ocurre pues ya lo había mencionado al analizar el segundo episodio de la primera temporada. Los edificios, los puentes, la muerte que nos pisa los talones y la tentación de saltar al vacío: todo remite a esa gran obra de Tsuina Miura y Takahiro Oba.
En fin, queda un solo episodio y demasiadas cosas que recomponer en una temporada que, como venimos diciendo, se queda muy lejos de la primera. No perdamos las esperanzas y a ver si logran sorprendernos para bien en el próximo y último de la misma. Hasta entonces y sean felices…
