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Análisis de El Instituto. Temporada 1. Episodio 8. Final de Temporada

Y llegamos al cierre de la primera temporada de El Instituto con un capítulo final que cierra unos cuantos interrogantes, pero deja abiertos otros para la ya confirmada segunda temporada. La serie, creada por Benjamin Cavell y basada en la novela homónima de Stephen King, es emitida por MGM+.

Bienvenidos a nuestro último encuentro del año con El Instituto, cuyo octavo episodio titulado Lucha da cierre a la primera temporada con la noticia de que tenemos confirmada segunda, lo cual nos produce por un lado alegría pero por otro algo de preocupación al no haber un libro de Stephen King continuando la historia. ¿Estarán pues los escritores a la altura del desafío? Un capítulo, por otra parte, que nos revela que el instituto pareciera ser algo más grande de lo que a primera vista vemos, pues estamos ante una organización de alcance mundial y el de Maine no es el único.

Pero pasemos ya a ver qué nos ha dejado este episodio que vuelve a contar (como el anterior y los dos primeros) con la dirección de Jack Bender. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Noche de Bengalas

Retomamos donde habíamos quedado, con Sigsby esposada en la seccional de policía mientras Luke le recrimina el usar a los niños para cometer crímenes y ella se vuelve a justificar en la necesidad de salvar el mundo, para lo cual se requiere que los mismos sean capaces de desarrollar la mayor habilidad de todas, que es la precognición.

En el instituto, y apurando las cosas, Stackhouse ha decidido que Avery sea quien dirija la función de “cine” en la noche de las bengalas. Hendricks, como durante toda la temporada, está muerto de miedo: lo ve demasiado prematuro y más cuando el niño viene de pasar por la prueba del tanque, a la cual tampoco estuvo de acuerdo en someterle. Dice que su poder es demasiado fuerte y no sabe cómo podría acabar la cosa pero, a la larga (y también como durante toda la temporada), lo que se hace no es lo que él dice…

Mientras oímos los pensamientos del niño decir que no habrá más funciones después de esa, Hendricks le anuncia como conductor ante el resto, a quienes les destaca que pronto estará en su casa, lo cual ya largamente sabemos que no es cierto.

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En la pantalla vemos un auto por un peligroso camino de montaña desde la perspectiva de su conductor. En el asiento trasero viaja una mujer que será seguramente la próxima víctima y piden a Luke que se concentre en el comando del vehículo. Apenas lo hace, Luke comienza en la seccional a retorcerse y convulsionar ante la preocupada mirada de Tim y Wendy. Claramente, está conectado con Avery…

Tim urge a largarse para llevar el caso de Luke a la justicia, pero este objeta que no podrá ayudar al resto si se aleja y quiere regresar al instituto. Wendy no está de acuerdo y tampoco Tim, que duda de que la conexión con Avery sea real o solo alucinación postraumática de Luke. Sin embargo, termina por creerle…

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Gas Cloro

En la sala de proyección y como es costumbre, todos mantienen sus ojos cerrados a excepción de Avery en su rol de conductor, tanto del auto en pantalla como de la función. De pronto algo cambia y se establece entre todos una conexión que les hace tomarse las manos mientras suenan voces mentales mezcladas, algunas de ellas en otros idiomas, lo cual evidencia que no hay un único instituto y Avery ha logrado establecer contacto con internos de otras partes del mundo.

Viendo la escena, un desesperado Stackhouse ve el reloj correr y sabe que el tiempo para cometer el crimen programado se agota. Tony recurre a su aturdidor eléctrico y Nicky le pregunta si alguna vez sintió curiosidad de saber qué sabor tiene. De repente, Tony no puede controlar su mano, que sube hacia su rostro hasta introducirle en la boca el aturdidor y provocarle una violenta descarga que lo acaba dejando inerte. Ya era hora: nos gustó…

La sala se sacude y los niños tienen ahora el control de la misma. Kalisha insta a Avery a salir, pero este le dice que necesitan más poder, por lo que se dirigen a la sala de recuperación, en la cual los niños gorkeados han despertado y no solo asesinado sino también desmembrado a su cuidadora (tampoco estuvo mal), a la que así encuentran al entrar Avery y el resto.

Unidos ambos grupos, escapan por los túneles, por lo que Stackhouse da orden de cortar la energía para que no puedan abrir la última puerta, así como a sus matones de rociar el lugar con gas cloro, el cual, al entrar en contacto con el agua, provocará sobre los niños una fatal lluvia de ácido. En ese momento, suena el teléfono de Stackhouse y él cree que se trata de Sigsby pero, para su sorpresa, es Luke desde el móvil de esta…

Stackhouse intenta convencerlo de que se entregue y, para convencerlo, le anoticia de que están por gasear al resto de los niños. Luke replica que ha visto las chimeneas y sabe que los matarán de todas formas, a lo que Stackhouse repone que no necesariamente tiene que ser así, pues no es ese el destino de los PC y él tiene altas posibilidades de serlo. Luke pregunta entonces qué pasará con el resto y Stackhouse responde que se puede negociar si se presenta voluntariamente. El muchacho acepta y corta la comunicación mientras Tim y Wendy le advierten desesperados que es una trampa. Él ya lo sabe…

Condenados

El punto de encuentro es el puente de entrada al instituto. Tim se baja del vehículo y exige a Stackhouse la liberación de los niños antes que nada, pero este no ha ido a negociar sino a atrapar al muchacho, por lo que los guardias apresan a Tim y van al auto por el joven. Sin embargo, al quitarle la capucha, descubren que no es él sino Wendy.

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Sigsby, ahora liberada, les anoticia a viva voz de que el joven se bajó del auto y debe estar en las cercanías, tras lo cual va a hablar con Hendricks y, furiosa, se entera de este que no solo cedió estúpidamente ante Stackhouse para llevar a Avery al tanque (lo cual al parecer potenció sus poderes), sino que además dio aviso a sus superiores, lo cual se condice con que momentos antes viéramos al misterioso “hombre del teléfono” observando por los monitores el encuentro del puente.

Le espeta que Stackhouse, con tal de salvarse, lo terminará entregando como responsable del desastre, a lo que Hendricks replica, con poca convicción, que es importante para el proyecto y lo necesitan. Sigsby, contrariamente, sabe que ya todos están condenados y su cabeza acabará también rodando.  Instantes después, de hecho, envía en privado un mensaje a la cuidadora de su anciano padre para que le dé a el mensaje de que no volverá por un tiempo…

Sacrificio Final

Luke llega hasta la valla del instituto y, repitiendo método canino, pasa por debajo. Consigue llegar a los túneles y encontrarse con Avery y los niños, tras lo cual, sumándoles ahora su telequinesis, logran doblar y hacer ceder la puerta.

Cuando llega el momento de huir, sin embargo, Avery dice que se quedará allí con los ex gorkeados, pues no pueden salir y él solo es útil quedándose con ellos. Quiere acabar con el instituto de una vez por todas y siente que solo puede hacerlo desde adentro…

Su decisión, desde luego, mortifica a Luke, pero termina aceptándola con resignación y, junto a Kalisha y Nicky, pasan a buscar a George (que nunca se enteró de nada) y salen fuera del instituto mientras la mampostería comienzan a resquebrajarse ante la aterrada mirada de Stackhouse, que termina muriendo aplastado… y está bien. Destino semejante cabe a Hendricks… y también está bien.

Desde afuera, Luke y los demás se suman al concierto telequinético y la estructura completa del instituto se eleva por los aires y permanece suspendida como en una pintura de Magritte para luego desplomarse pesadamente y destruirse por completo.

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El “hombre del teléfono” ve la escena mientras bebe y llama a alguien para ordenar que limpien todo y no dejen rastro. Por primera vez vemos su rostro, que termina siendo el del veterano actor Jeff Fahey (Silverado, Machete, Perdidos). Como desentendiéndose del asunto, este sale al patio a jugar con sus nietos en imagen escalofriante de tan contradictoria…

A todo esto, vemos a Sigsby haciendo autostop en la carretera, lo cual nos pone al tanto de que logró escapar al desastre. Una camioneta se detiene a recogerla y, cuando se sube a la misma, notamos que lleva consigo aquella memoria USB que Maureen entregara en su momento a Luke y de la que después perdiéramos el rastro.

En las cercanías del derrumbado instituto, Luke y el resto se encuentran con Tim y Wendy, quienes lograron liberarse de sus guardias en medio del desmadre. Tras las debidas presentaciones del caso, les ponen al corriente del triste final de Avery y los demás. Apesadumbrado, pero a la vez urgido, Tim dice que deben salir pronto de allí, aunque no hacia dónde. Consultado al respecto por Luke, manifiesta tener un plan, peo este le replica que es así. Tim lo mira con fastidio y le ordena que salga de su cabeza…

Balance de Temporada

Y se nos fue la primera temporada de El Instituto. Debo admitir que de los últimos cuatro capítulos, el de cierre fue el que menos me gustó, lo cual no es lo mismo que decir que no me haya gustado ni tan siquiera que haya sido el más flojo de la temporada; algunos de los primeros se quedaron a mi juicio por debajo. Pero, en líneas generales, la serie ha ido de menor a mayor y, de hecho, me llevó a leer el libro, casi lo mejor que puede pasarle a una adaptación.

Y el comenzar a leerlo con el visionado de la serie ya iniciado me hizo advertir algunas diferencias clave que ahora veo que van muy ligadas a mis primeras impresiones de la misma. Yo comentaba en mi primer análisis, por ejemplo, que no terminaba de ver a Luke como un genio que justificase su reclutamiento por parte del instituto. Finalizar una evaluación mucho antes que sus compañeros es algo que hacen unos cuantos de mis alumnos y (por suerte) nadie los ha venido a reclutar: que así siga siendo…

Pero, claro, en la novela el protagonista tiene doce años y supera en las pruebas a estudiantes universitarios que lo doblan en edad: allí tiene sentido. En la serie, se supone que Luke tiene catorce y si además le sumamos que está interpretado por Joe Freeman (19), todo queda trastocado y no produce el mismo impacto.

Más aún: me fue imposible quitar de mi mente el rostro del joven actor cuando leía la novela y, por más que quería imaginar un niño de doce años, ya no podía. Supongo que a muchos les habrá pasado lo mismo con su padre (Martin Freeman), cuyo rostro hayan probablemente ligado al de Bilbo Bolsón si leyeron El Hobbit con las películas de Peter Jackson ya vistas.

También hay en el libro un tono más violento: el secuestro y asesinato de los padres de Luke es allí un momento terrible y traumático, además de ocurrir ambos hechos a un mismo tiempo, mientras que aquí nos enteramos de la muerte de estos bastante después y en off. Supongo que habrán considerado que de la otra forma era demasiado oscuro, pero también que si convertían en asesina a Michelle, no nos daría después ninguna lástima su arrepentimiento ni mucho menos su muerte a manos de la traicionera Kate.

El instituto, por otra parte, es en la novela un concepto bastante más amplio que el que se puede apreciar en la serie. Se me ocurre que, al estar la misma producida por una plataforma nueva y con los temores que ello implica, los presupuestos no habrán estado a la altura de lo que la adaptación requería, lo cual se notó especialmente en este último capítulo: creo que allí está en parte la razón de que me haya gustado menos que los tres anteriores, que no requirieron tanta pompa en efectos.

Pero ojo: la serie tiene sus virtudes, comenzando por el gran trío actoral al frente. Joe Freeman me hizo olvidar por momentos la diferencia de edad con el personaje original y Ben Barnes ha estado magnífico como el policía honesto que carga con un estigma del pasado y que, citando a Pete Townshend, “se compromete con un coraje que no está seguro de poseer”. En cuanto a Mary-Louise Parker, no necesita ya para esta altura demostrar su talento interpretativo y la aparición de Jeff Fahey sobre el final es una grata sorpresa que agrega un condimento extra a la segunda temporada.

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A propósito de los dos últimos, uno de los méritos de este capítulo final ha sido mostrar a los personajes en sus contradicciones, lo que no los hace buenos ni mucho menos, pero sí interesantes.  La misma que asesina sin culpa a niños en el instituto es quien deja un sentido mensaje de despedida para su anciano padre. Y el mismo que da telefónicamente la orden de asesinarlos (aunque todavía no sabemos quién o qué está detrás, ni qué tan grande pueda ser) es el querible abuelo que juega luego con sus nietos. Me vino la imagen de Don Corleone acariciando a su gatito o jugando con su nieto en el huerto de tomates

En ese sentido, la serie ha terminado por dar más matices a algunos de sus villanos que a los buenos. Ya he hablado varias veces, por cierto, de la excesiva corrección de Tim, a quien no estaría mál ver algo más podrido en la próxima temporada. En cuanto a Wendy, acaba siendo un personaje casi innecesario e igual de anodino que la actuación de Hannah Galway. Creo que lo único bueno que hizo fue echarse encima la capucha de Luke…

Y nos rompe el corazón, por supuesto, el sacrificio de Avery. También el de los demás niños, desde ya, pero no les conocimos tanto y de algún modo ya les dábamos por muertos: lo suyo fue más bien un plus de vida que les vino de obsequio para terminar de ajustar cuentas, aunque no entendí por qué no pueden salir del instituto o por qué no podían hacer eso mismo que hicieron desde afuera. Claramente, este capítulo final no ha respondido todas las preguntas

También aparece todavía difusa la organización internacional que nuclea a los distintos institutos a lo largo del mundo. Un concepto que, por cierto, hace helar la sangre y ya hemos hablado de cuán corrosiva nos es la simple idea de asesinar niños en pos de un supuesto bien mayor. Remueve nuestra moral y lleva a dilemas éticos, siendo bueno que la serie no haya buscado evadir ese tono incómodo y provocador al adaptar la novela.

¿Y qué esperar de la segunda temporada? Bueno, el primer problema, como hemos dicho, es que no tenemos libro. Se nota, eso sí, que han buscado dejar al final de la serie más puntas abiertas que a la novela, lo cual puede ser otra de las razones de que el capítulo de cierre no haya tenido tanta fuerza.

¿Hacia dónde irán Luke y el resto? ¿Cuál es el siguiente paso? ¿Qué ocurrirá con Sigsby, quien se ha fugado con la memoria USB? ¿Irá contra el instituto ahora que se sabe prácticamente condenada? Se hace raro pensar en una alianza con Luke y Tim, idea hasta aquí repulsiva. Pero ya se sabe que en la guerra el enemigo de nuestro enemigo es nuestro amigo, así que puede terminar ocurriendo que acaben colaborando en la medida en que ella les sea útil a los demás y viceversa…

Todas preguntas y cuestiones que, esperamos, una segunda temporada pueda resolver, pero que, por sobre todo, sea capaz de contarnos una historia tan atractiva y llena de intriga como lo hizo la primera. Suena difícil al no haber libro, pero ojalá el maestro King esté lo suficientemente cerca de los responsables para hacerles de guía. Mientras tanto, El Instituto nos ha dado una primera temporada que ha cumplido con creces y nos deja expectantes, más allá de que el cierre no haya sido perfecto

Les espero aquí para analizar la segunda cuando sea que llegue. Hasta entonces y sean felices…

El coche fantástico vuelve a lo grande. Los cerebros de Cobra Kai al volante del reboot

¿Recuerdas la serie ochentera titulada en España, El coche fantástico (Knight Rider en inglés)? Pues flipa, porque decenas de webs se han hecho eco de que Universal Pictures ha fichado a los creadores de Cobra Kai para resucitar a El coche fantástico o Knight Rider y llevarlo al cine. Sí, esos mismos que hicieron uan serie magistral de las películas de los ochenta. Y ojo: no solo van a escribir y producir… sino que dos del grupo podrían pasar a dirigir. Si no te emocionas mucho con esta noticia, puede que tengas bajo nivel de adrenalina… o esperas que sea una mierda. Sea como sea, el coche fantástico vuelve.

Josh Heald, Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg (los chefs de Cobra Kai, una serie para mi palomitera pero de alta calidad) están en conversaciones tempranas para armar un guion con su sello. Kevin Burrows y Matt Mider escribieron el primer esbozo, cosa que suena bien. Veremos en que acaba todo esto.


Análisis de todos los capítulos de Cobra Kai


El coche fantástico

Puede funcionar… o puede hundirse

Estos tíos saben de reboot, eso ha quedado claro, pero El coche fantástico es otro nivel y otro tipo de público. Ya no basta con chistes entre puñetazos y patadas: necesitas que nos creamos a los personajes, tecnología creíble y una relación con el coche que no dé cringe en dos horas de película. Aquí no tenemos una serie para desarrollar todo.

¿Puede KITT ser más que un GPS de último generación?

¿Puede Michael Knight tener trayectoria emocional real y no solo pelo al viento, y pecho al descubierto?

Si lo hacen bien, esto no será nostalgia plástica, será adrenalina bien montada. Pero hay que montarlo bien.

También hay nombres detrás: Kelly McCormick y David Leitch desde 87North, junto a Barber y Stone desde Spyglass, todos con Universal supervisando. El engranaje se va afilado.

¿Y Hasselhoff?

Si te preguntas si el «hombre» volverá, lo que puedo decir es que todavía no hay confirmación. Él mismo dejó claro hace unos años que solo volvería si la peli respeta a la serie original, porque sin ese cariño, no sería El coche fantástico, sino una copia con su nombre. Veremos si Universal se atreve a llamarle.

El riesgo que remonta… o se despista

Estrenar una serie ochentera en 2026 (o cuando sea) es de un riego muy alto, y más si el presupuesto se dispara. La misión no es sencilla: innovar sin cargarte lo que hizo mágica la serie, hacer que KITT no parezca un Alexa con frenos, y darle humanidad al héroe montado en las cuatro ruedas. Pero si lo clavan, puede ser un reseteo cromado maravilloso.

Conclusión Losada-style

Que los guionistas de Cobra Kai lideren el regreso de El coche fantástico es tan inesperado que todavía estoy en shock. No se si esto puede ser la mayor mierda del mundo o que de aquí salga algo digno de mención. En principio aunque me emocione, tengo más miedo que expectación. Veremos por donde van los tiros.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Sin City 1. El Duro Adiós. Cuando el noir se baña en sangre.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Seguramente, el noveno arte no necesita una nueva reseña de Sin City, pero tenemos una nueva edición y es una buena ocasión para hablar de esta obra maestra.

El mundo no necesita otra reseña de Sin City.

Hay cómics que te abrazan. Otros te golpean. El Duro Adiós, el primer volumen de Sin City creado por Frank Miller, es de los segundos.

Publicado originalmente en 1991 y reeditado en una edición de lujo por Norma Editorial en 2025, esta obra inaugura uno de los universos más impactantes del cómic moderno: Basin City, donde la violencia es ley y la redención, un lujo efímero.

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El protagonista, Marv, despierta junto al cadáver de Goldie, la mujer que le dio una noche de humanidad.

A partir de ahí, se lanza en una cruzada desquiciada por venganza. Lo que sigue es un descenso a los infiernos entre asesinos silenciosos, sacerdotes corruptos y calles que devoran a los inocentes.

Frank Miller se despoja del color para que la luz y la sombra hablen por él. El blanco y negro es tan extremo que parece cincelado. En cada viñeta hay un encuadre cinematográfico y una textura emocional.

Leyendo las páginas de este primer tomo, no puedo dejar de recordar las palabras del maestro Alberto Breccia, en las que reflejaba la importancia del «uso del blanco», como elemento fundamental en la historieta en blanco y negro.

Pero volvamos a Sin City, donde hay sangre. Mucha. Pero también hay filosofía. Marv no busca salvar el mundo; busca justicia en medio de un ecosistema podrido.

En ese gesto hay una belleza extraña: la de hacer lo correcto cuando no hay nada que ganar.

El Duro Adiós no es solo un relato pulp. Es un tratado sobre el límite entre el bien y el mal, contado desde la perspectiva de un hombre que lo perdió todo menos su ética.

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Las dos excelentes ediciones de Norma Editorial.

1.- Edición en cartoné:

  • Un nuevo formato en tapa dura y a gran tamaño para disfrutar aún más del increíble arte de Frank Miller.
  • Una sección de bocetos inéditos hasta ahora
  • Una galería de ilustraciones de Joyce Chin, Amanda Conner, Klaus Janson, Paul Pope, Philip Tan y Gerardo Zaffino.
  • Nueva traducción, de Hernán Migoya, y nueva rotulación.
  • Esta edición cuenta con un P.V.P. de 39,50€.
  • Pinchad aquí para acceder a la información de esta edición.

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2.- Edición de lujo:

  • Un nuevo formato a gran tamaño para disfrutar aún más del increíble arte de Frank Miller.
  • Encuadernación en tapa duracinta marcapáginas y cantos de página tintados de rojo metálico
  • Una sección de bocetos inéditos hasta ahora
  • Una galería de ilustraciones de Joyce Chin, Amanda Conner, Klaus Janson, Paul Pope, Philip Tan y Gerardo Zaffino.
  • Un portafolio con una lámina de la nueva ilustración de cubierta dibujada por Frank Miller.
  • Un cofre forrado en tela impresa con un nuevo diseño y el logo estampado.
  • Esta edición cuenta con un P.V.P. de 75€.
  • Pinchad aquí para acceder a la información de esta edición.
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La Edición de Lujo de Sin City. El Duro Adiós.

Ambas ediciones cuentan con 224 páginas, con un tamaño de 22×29,5cm.

Frank Miller …

Nació en Olney, Maryland (EEUU), el 27 de enero de 1957. Es uno de los autores más influyentes en la historia del cómic estadounidense.

Guionista, dibujante y cineasta, su estilo oscuro, provocador y cinematográfico ha redefinido el género superheroico y el noir gráfico desde finales de los años 70.

Miller comenzó su carrera en los años 70 trabajando para editoriales como Gold Key y DC Comics, pero fue en Marvel donde se consolidó.

Su trabajo en Daredevil revolucionó la serie, introduciendo elementos de artes marciales, crimen urbano y una narrativa más adulta.

Allí creó a Elektra, personaje que se convirtió en icono del cómic y protagonista de varias obras posteriores.

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Frank Miller

En DC Comics, Miller firmó dos obras maestras:

  • Batman: The Dark Knight Returns (1986): una visión distópica y brutal de un Bruce Wayne envejecido que regresa para imponer justicia.
  • Batman: Year One (1987): junto a David Mazzucchelli, reimaginó los orígenes del Caballero Oscuro con un enfoque realista y sobrio.

Ambas redefinieron al personaje y marcaron el tono de los cómics modernos.

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Sin City, la película de 2005.

«¿Es posible llevar un cómic al cine manteniendo por completo su esencia? Robert Rodríguez, Quentin Tarantino y Frank Miller han demostrado que sí».

Estas palabras fueron escritas por mi querido compañero Rodolfo Del Bene, cuando realizó su artículo en nuestra sección «El Retro-Análisis«. Podéis acceder a su análisis sobre Sin City, pinchando aquí.

Valoración final de la obra.

Sin City 1 no solo abrió la puerta a una saga revolucionaria, sino que sigue siendo hoy una obra de referencia. Crudo, violento, elegante y lírico.

Pocos cómics han logrado con tanta fuerza darle voz al silencio y peso a la sombra.

Sin City 1: El Duro Adiós es una obra que no envejece, porque sus temas —corrupción, venganza, amor fugaz— son eternos.

Frank Miller no solo creó un cómic: construyó un universo donde cada sombra tiene peso, y cada golpe, una razón.

El noveno arte no necesita otra reseña de Sin City, pero a tenor de las dos imponentes nuevas ediciones de esta grandiosa serie, es una oportunidad perfecta para redescubrir una historia que sigue golpeando con fuerza.

Os invito a adentraros en este sórdido universo.

Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Brad Pitt y Tom Cruise juntos (otra vez) sobre ruedas. El cruce soñado que (quizá) no veremos

Imagínate esto: estás en una entrevista, todo tranquilo, y de repente el director de la peli de F1: La película dice: “¿Sabéis lo que molaría? Que Sonny Hayes (Brad Pitt) se reencontrase con Cole Trickle (Tom Cruise), su viejo rival de Días de trueno”. ¿Brad Pitt y Tom Cruise juntos?

Vete preparando y  porque sí, José Kosinski, después de Top Gun: Maverick y su pelotazo F1: La película, fantasea con una secuela que reúna a dos jinetes de carreras legendarios.

Señores y señoras, aquí no hay multiverso barato: es pura ambición Hollywood, de esas que arranca gritos de “¡¿pero cómo no se ha hecho ya?!”. Desde que Brad y Tom compartieron planos en Entrevista con el vampiro no han vuelto a estar juntos en la gran pantalla. Bueno casi se juntaron en Le Mans ’66 pero el cheque era tan gordo que el estudio prefirió bajarse del tren.

Brad Pitt y Tom Cruise


Crítica de F1: la película (2025). Cuanto más acelera, mejor se pone


Retro-Análisis: Días de Trueno (1990), como Top Gun pero con autos… y me gusta más


 

¿Dónde colocamos este comentario de José Kosinski convertido en rumor?

Primero, declara Kosinski en GQ que fantasea con el duelo entre Hayes y Trickle como si fuera un campeonato interestelar. Además, añade sin pudor y acercándose más a la verdad que sería “muy complicado de producir” por las millonadas que cobran ambos actores. Realmente es más un sueño que otra cosa. Y remata diciendo que sueña (por eso antes hablaba de sueños) con esa reunión porque ambos son estrellas… y él ha sido muy suertudo de trabajar con ellos, aunque sea de manera separada.


Crítica de Le Mans ’66 (Ford v. Ferrari): Un espectáculo de altas revoluciones


 

¿Y qué pinta esto ahora?

F1: La película ha tenido en taquilla un éxito moderado (603 millones en taquilla mundial, nada mal para Apple Studios) y dejando la puerta abierta a un capítulo 2. Ojo, hacer más de 600 millones en taquilla es una pasada, pero digo éxito moderado porque la cinta costo una fortuna y no es fácil de rentabilizar. Sólo pasando de los 700 millones ya sería un éxito total, por tanto al haberse quedado con los 600 millones hablando de rentabilidad moderada.

Sin embargo Kosinski ya tiene ideas, y la ambición no se le nubla. Pero juntar a Pitt y Cruise es una quimera a día de hoy.


Crítica de Top Gun: Maverick, una secuela que supera al original y se convierte en una de las películas del año


 

¿Misión imposible?

¿Sueño imposible? Sí, y precisamente por eso es emocionante: dos presencias míticas del cine de velocidad reencarando esa rivalidad clásica. ¿Se hará? No lo sabemos. Pero si se hace, podría ser la secuela más cara de la historia. ¿Quién lo sostiene? Kosinski y si lo dice es porque alguna posibilidad existe, y eso pasa por convencer a los dos actores para que se bajen el sueldo para esa película, como algo excepcional.

Un saludo y sed felices.

Análisis de Fundación. Temporada 3. Episodio 7

Continuamos analizando la tercera temporada de Fundación, hoy con su séptimo episodio titulado muy apropiadamente El Fin de la Fundación. Creada por David S. Goyer y basada en la exitosa e icónica saga de novelas de ciencia ficción de Isaac Asimov, la serie puede ser vista en Apple TV+.

Bienvenidos nuevamente, psicohistoriadores, a un nuevo análisis de Fundación. El séptimo episodio de esta tercera temporada es uno de los más enigmáticos y abiertos que hasta aquí nos ha dado la serie, a la vez que paradójicamente nos explica el origen del Mulo.

Tanto para el Imperio como para la Fundación, la cosa se complica en una trama que conjuga soledad, amor, libertad, traición, resentimiento y fuga, todo con el excelente apartado visual que, episodio a episodio, caracteriza a esta gran serie.

Pasemos pues a ver qué nos ha dejado el que nos ocupa, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Solo un Hijo

Comenzamos con un flashback que nos lleva al planeta Rossem, en el Borde Exterior, donde nos encontramos con una pareja campesina que vive allí con sus dos hijos, de los cuales el parecido físico del mayor (Toby Dixon) con Pilou Asbæk, no deja dudas de que es la versión infantil del Mulo.

Alarmados ante la visita mensual de los recolectores de la Fundación, y sabiendo que está prohibido tener más de uno, ocultan al menor, aún bebé, y la jugada casi sale bien de no ser porque el llanto del niño les delata. La pareja se ampara en que no es suyo, sino que se lo están cuidando a sus vecinos Barton, pero los hombres de la Fundación dejan en claro que deberá haber un solo hijo cuando regresen en un mes…

Primer Ciudadano

De vuelta a la actualidad, el caos de las naves de la Fundación atacándose entre sí se abate sobre Nueva Términus y Toran carga por la calles a la inconsciente Bayta entre llamas y explosiones sin que haya rastros de Magnifico, al que perdieron apenas comenzar el ataque.

Han Pritcher ve el dantesco espectáculo desde su sitio de reclusión y ruega a su amiga Sephone que le libere, pero esta, dolida, se niega. Desesperado y sin saber qué hacer, se termina infligiendo una violenta mordedura en el brazo y aúlla de dolor para atraer al guardia.

La nave del Mulo se ubica sobre el palacio de la alcaldía y este ingresa triunfalmente acompañado por su séquito y la ya inseparable Skirlet, para esta altura su hija adoptiva. El acomodaticio Indbur le da la bienvenida arrodillado y su servil genuflexión genera no solo nuestro disgusto, sino también el de uno de sus hombres que, al intentar sublevarse, recibe desde atrás un disparo por parte de la guardiana Greer (Krista Kosonen).

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Confirmando que es un traidor, el Mulo le pregunta por el regalo que le prometió y los ojos se le encienden cuando Indbur le menciona a Han Pritcher, pues sabe que esa es su puerta para llegar a Gaal Dornick. En su celda, sin embargo, creen por un momento encontrarle yaciendo sin vida en el piso, pero en realidad es su guardia, lo que significa que Pritcher, tan mentálico como el Mulo, ha logrado engañarlo. Intenta dispararle, pero el arma sustraída al guardia no le reconoce al escaneo y se ve obligado a huir a la carrera.

Consigue llegar a la nave de Indbur y escapar, siendo anoticiado el Mulo de que se ha dirigido hacia el otro lado del planeta, desde donde Sephone da por descontado que iniciará una rebelión por no estar en su naturaleza huir o esconderse…

Irguiéndose orgullosamente como vencedor, el Mulo arenga a los locales instándoles a no lamentar su suerte, sino a verla por el contrario como liberación, además de exigir ser tratado de aquí en más con el título de Primer Ciudadano.

¿Primer Ciudadano de qué?…” ironiza la pequeña Skirlet ante lo poco que de la Fundación ha quedado y mientras el doble eclipse llega a su fin y el sol de Nueva Términus ilumina la sonrisa triunfal del Mulo…

Camellos y Hurones

En Trántor, las noticias llegadas desde Nueva Términus acorralan a un perdido Dusk que, viendo pasar como un fantasma al camello de Day, da orden de quitar de en medio a todos los animales de este que anden todavía por allí sueltos y dando vueltas.

Su primera reacción es ir en busca de la embajadora Quent, obviamente devastada por la caída de la Fundación, un destino que se avizora también inminente para el Imperio de un momento a otro. Además, a él le quedan solo tres días para su ascenso y lo único que quiere es estar junto a ella y asegurarle su protección, por lo cual le pide que se quede. Quent le dice que, dadas las nuevas circunstancias, no tiene él por qué someterse a su predeterminado final, pero para Dusk su destino es tan inevitable como el del Imperio.

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Hay cena compartida mientras el hurón de Day ronda todo el tiempo por la mesa y, tras el beso contenido que ella dice haber esperado por treinta años, acaban en la cama. Levantándose en la noche, Dusk se cruza nuevamente con el hurón al que, en acto simbólico, pisotea con furia hasta dar muerte…

Lisergia

En Mycogen, y mientras Day se recupera de la descarga que le propinara Oceanglass, esta y Song le interpelan acerca de Demerzel, pues ambas pertenecen a la secta conocida como La Herencia y no puede menos que interesarles sobremanera la aparente presencia de un robot en Trántor.

Él muestra, como prueba, la herramienta de Demerzel con sus marcas identificatorias de la Tierra, pero para terminar de comprobar que dice la verdad, se le somete a un vino de esporas que le hace entrar en un trance alucinatorio bien lisérgico que nos lleva quizás al momento más psicodélico de la temporada (además de magníficamente filmado).

Todo se le curva y se le cruzan imágenes de los otros Cleon y de Demerzel, quien le recrimina por odiarla y él a su vez ella por haberle obligado a cometer equivocaciones. Llamándolo “hombre pequeño”, Demerzel objeta que su plan ya estaba escrito desde antes de nacer, a lo que él replica que nunca nació, sino que fue creado.

El desfile de imágenes continúa y vemos a Dawn, de niño, preguntando a Demerzel si alguna vez se iría. Ella dice que ha tenido varios nombres: Chetter, Eto, Daneel (todos muy conocidos para los lectores de Asimov y, especialmente, de la saga), pero que siempre su función ha sido estar allí para velar por la dinastía y así seguirá siendo, llegando incluso a comparar su suerte con la de una prisionera.

Pero el niño insiste y quiere saber qué haría si pudiera dejar de serlo, a lo ella que responde que, probablemente, crear más robots. Y cuando le pregunta si les abandonaría, su críptica respuesta es que no se puede comparar el amor con la libertad, de lo cual el Day adulto interpreta que, entre ambos, elegiría la libertad.

Terminado el momento alucinatorio, las chicas (qué simpático llamarlas así) quieren saber qué tan posible es sacar a Demerzel de Trántor, lo cual Day no ve posible y además, dice, ella misma no dejaría su lugar. Le incriminan haberla esclavizado, acusación que él rehúye por ser ajeno a su voluntad todo lo relacionado con Demerzel.

Derivando el asunto en autoridad superior, ellas hacen venir a su líder Sunmaster-18 (Blake Ritson) que, analizando minuciosamente la herramienta, le dice a Day que la decisión final sobre él recaerá en el cráneo que corona la misma, lo cual se oye bastante intimidante o, por lo menos, a mí no me gustaría que mi destino dependiese de una calaverita…

Tío y Sobrino

Toran, siempre cargando a Bayta, consigue llegar hasta la Encanto, pero detrás de él lo hace su tío Randu que, cooptado por el Mulo, intenta convencerle de no escapar. Dice que no es tan malo como lo pintan y estarán mejor con él que bajo el yugo del Imperio o la Fundación, pero Toran no cede, así que Randu dispara a los controles de la nave dejándola inútil mientras sus hombres ingresan y capturan a la inconsciente Bayta.

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Sin escapatoria, Toran se mete en una cápsula y la eyecta. Antes de despegar, pide disculpas a su tío por abandonarle, pues bien sabe que no es dueño de sus actos y, al momento de ser la cápsula disparada hacia las alturas, llega a ver tristemente cómo un disparo de los guardias, quizás accidental por estar dirigido hacia él, termina con su vida…

El Origen

El Mulo está muy decepcionado con Indbur y afirma que debe recibir un castigo. Valiéndose de la telepatía, le obliga a ahogarse mientras un nuevo flasbhack nos devuelve a sus días de infancia en Rossem, haciéndonos testigos de cómo sus padres, finalmente, habían optado justamente por ahogarlo para mostrar así un solo hijo a la próxima visita de los recolectores.

Fue entonces cuando el niño manifestó por primera vez su poder e hizo que su padre acabara suicidándose justamente ahogado para luego hacer lo propio con su madre y terminar dejando el niño a los Burton…

Vueltos al presente, le vemos adulto al pie de la Bóveda y encontrándose sonriente, por fin, con el holograma de Hari Seldon

Balance del Episodio

Sin la intensidad ni el carácter de quiebre del anterior, ha sido un capítulo estéticamente interesante que ha hecho avanzar la trama, a la vez que uno de los más abiertos a interpretación al proporcionar más preguntas que respuestas. De estas últimas, la que menos me ha convencido, contrariamente a la buena recepción general que sé que ha tenido, es el origen del Mulo, por más bueno que haya sido el trabajo del niño Billy Dixon y sorprendente la puesta visual del arco, con esas ciclópeas maquinarias agrícolas que, contrapuestas al ambiente que les hace de marco, remiten muchísimo a las ilustraciones del gran Simon Stålenhag.

Pero no me termina de convencer que le hayan dado al Mulo un origen tan prosaico y mecanicista: un “simple” trauma familiar que, devenido en su primera manifestación psíquica, explicaría su odio por la Fundación.

Aclaremos que en los libros no ha nacido en Rossem, sino en Gaia, planeta que tendrá importancia clave bastante más avanzada la saga. Salvo que así sea también aquí y haya sido adoptado, lo cual podría en parte explicar por qué su padre prefirió salvar a su hijo biológico por encima suyo (y su interés por Skirlet como hija adoptiva). Solo estoy especulando, desde luego, o quizás queriendo ver lo que me gustaría. Habrá que ver si futuros flashbacks ilustran más…

Pero, volviendo a los logros visuales del capítulo, ha sido asimismo impresionante la secuencia psicodélica, cargada de surrealismo, pero también de grandes diálogos e imágenes tan magníficas como sobrecogedoras. Gran detalle que Day vea gigante a Demerzel (la imagen en que se planta desnudo frente al mural podría haber sido portada de algún disco de rock progresivo en los setenta), pues así la habrá visto a lo largo de su vida y, no por nada, ella le llama “hombre pequeño”.

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Las conversaciones entre Demerzel y el niño Dawn, otro de los puntos del capítulo, han sido lo suficientemente crípticas como para no darnos respuestas certeras y ya masticadas, sino dejarnos rumiando las palabras de Demerzel. Emoción muy grande, por cierto y como ferviente lector de Asimov, el que esta mencionase entre sus nombres anteriores a Daneel: un guiño que adelanta bastante la resolución final que llega recién en Fundación y Tierra, último libro de la saga, por lo que no quiero decir nada y ojalá tengamos por delante las suficientes temporadas para llegar al mismo (de momento, la serie sigue primera en la plataforma, lo cual da esperanzas).

La mayor acción ha tenido sin duda lugar en Nueva Términus, con la caída de la Fundación, dos fugas épicas y Bayta siendo hecha prisionera sin siquiera saberlo: a propósito, no recuerdo que en ningún momento de Fundación e Imperio los esposos quedaran en escenarios separados, pero apelo a la memoria de ustedes para saber si estoy equivocado.

Y si Bayta había comenzado en episodios previos a parecerse más a la de los libros, este ha sido el turno de Toran, con una actuación de Cody Fern como hasta aquí no había tenido. Y así como la temporada se empeña en mostrar a Lee Pace exhibiendo pectorales o literalmente desnudo (como en la mayor parte de su arco en este capítulo), también la producción se ha encargado aquí de proveer al actor de una camiseta estratégicamente abierta en el pecho que la mayoría de nosotros no luciríamos igual de bien.

Lo bueno es que ambos son hombres, porque si se tratara de personajes femeninos tendríamos extensos y enérgicos manifiestos en contra de la cosificación y la sexualización. Por si se malentiende: no me genera molestia la exposición, sino risa el absurdo de la contradicción.

El arco de Dusk y Quent ha sido el de ritmo más pausado, pero también el más enigmático, dejando a nuestra interpretación el rechazo visceral que el primero de ambos siente por la presencia de los animales de Day. Tal como lo entiendo, su rechazo es hacia todo aquello que lo ligue a la dinastía o le traiga al recuerdo a los compañeros que le han abandonado.

La soledad ha sido, de hecho, un tema recurrente del episodio y diría en la temporada. Dawn se sintió solo y escapó con Gaal; Day se sintió solo y fue en busca de Song; Dusk se sintió solo y fue por Quent; Demerzel se “siente” sola y dice que, de poder hacerlo, crearía más robots.

En fin, de los cuatro arcos que han compuesto el capítulo, tres me han gustado mucho y el de Rossem me ha parecido el más flojo, no obstante lo cual y como antes he manifestado, merecen destacarse el impresionante apartado visual y la labor del niño que, con gran parecido físico, encarna al Mulo en su versión infantil. Y no solo eso, sino que además muestra bien cómo la Fundación (al igual que en su momento la revolución francesa o la rusa) ha terminado degenerando hacia la burocracia y el autoritarismo. Copiar la historia, decía el bueno de Asimov…

A ver qué nos trae el próximo capítulo, en el que seguramente volveremos a tener noticias de Gaal y de Magnífico, cuya ausencia en este ha sido sugerente.  Les esperamos aquí para analizar. Hasta entonces y sean felices…

Análisis de Outlander: Sangre de mi Sangre. Temporada 1. Episodio 4

Nos acercamos a mitad de temporada y analizamos el cuarto episodio de Outlander: Sangre de mi Sangre, cuyo título es El Corazón de un Soldado. Creada por Matthew Roberts y basada en los personajes creados por la escritora Diana Gabaldon para su exitosa saga Outlander, la serie de Starz, a la vez precuela y spin-off, es emitida por Movistar+ para España y Disney+ para América Latina.

Bienvenidos, forasteros y viajeros del tiempo, a analizar una nueva entrega de Outlander: Sangre de mi Sangre. El episodio que hoy analizamos es el cuarto, lo que significa que el próximo ya nos deja en mitad de temporada. Una vez más, ha pasado de todo en una triple y hasta cuádruple trama que ha seguido esta vez más decididamente a los padres de Claire, aunque sin descuidar a los de Jamie, pues el reencuentro entre Brian y Ellen, aunque breve, se destaca como esperado punto nodal del capítulo.

Vemos además que no hemos abandonado del todo el siglo XX, pues los flashbacks (o flashforwards, según como se los vea, porque el pasado de los personajes es a la vez el futuro) nos siguen ilustrando sobre las historias personales de Julia y de Henry, ayudándonos particularmente a entender los traumas de este último. Y me gustaron mucho las referencias a las hadas, pero ya hablaremos de ello…

Pasemos mejor a ver qué ha ocurrido en el episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí los análisis previos de la serie y aquí los de Outlander, su serie madre.

Cuento de Hadas

Comenzamos con Julia haciendo sus labores en el castillo Leoch y cuajándosele la leche, lo que la señora Porter adjudica a no haber agradecido debidamente a las hadas, torpeza según ella imperdonable que ya es tarde para subsanar. El relato en off de la propia Julia nos pone al tanto de que a partir de ello y a pesar de su formación cristiana, entendió el lugar de las hadas en la cultura de esa gente que, uniendo tradiciones paganas y cristianas (lo que en antropología suele llamarse sincretismo), no encuentran conflicto en creer en ellas a la par que en Dios.

Por otra parte, Porter la anoticia de que el señor Simon está regresando de Edimburgo, lo cual la sorprende por ocurrir antes de lo pensado y sabe que vendrá dispuesto a satisfacer sus deseos carnales. Habiendo ya conseguido lo que quería al acostarse con él para endilgarle un hijo como suyo, no tiene interés en seguir haciéndolo y se produce a sí misma un falso sarpullido para mantenerlo lejos, lo cual consigue.

Una nota del vocero de los Grant (es decir Henry) hace levantar temperatura a Simon, pues dice que no han encontrado prueba de que los Mackenzie conspiren contra ellos, obvia respuesta al intento del viejo por enfrentar a los clanes y evitar el matrimonio entre Ellen y Malcolm. Habida cuenta de ello, y para preocupación de Brian, vuelve a sacar a relucir su plan de arruinar la reputación de Ellen, algo que según él no debería ser muy difícil pues alguna razón habrá habido para que en su momento levantara sospechosas de haberse ido con uno de los Grant.

Bancarrota

En Leathers, Colum pretende que Ellen asista en Inverness al tradicional festival Beltane para entretener y complacer a Malcolm Grant, que estará allí. Ella no solo se niega, sino que dice que no se casará con él e incluso objeta que el matrimonio ya ni siquiera cumple función política ahora que la sucesión del clan está asegurada.

 

Pero Colum objeta que ese no es el único motivo y le enseña el estado en que Jacobo ha dejado las finanzas con sus frívolos despilfarros, arrojándoles prácticamente a la miseria con las cuentas en rojo. El apoyo de los Grant es, por lo tanto, una necesidad económica más que política.

Outlander

Dolida por ser simple moneda de cambio a la vez que acusando recibo del cuadro de situación, Ellen se cruza con Dougal y le echa en cara su drástico cambio de postura acerca de la boda cuando siempre estuvo en contra de los Grant y quería, de hecho, casarla con un MacRannoch. Él aduce que, en virtud de su juramento como señor de guerra, su obligación es apoyar a Colum y secundarle en sus decisiones aun cuando no esté de acuerdo.

 

Cobranza

Henry sigue a la búsqueda de Julia. La madama de Inverness a quen recurriera cree haber dado finalmente con la “inglesa de ojos cálidos” que busca pero, para su decepción, la prostituta que le presentan no es Julia. No sabe si entristecerse por seguir sin encontrarla o alegrarse de que no esté metida en un oficio como ese.

Isaac Grant (Brian McCardie) en tanto, ha regresado tras una larga ausencia y, enterado de los reiterados viajes de Henry a Inverness, le recuerda que su principal lealtad es para con ellos y no debe descuidarla. En correspondencia y ante la proximidad de la recogida de rentas entre los campesinos de sus tierras, le confiere el trabajo que antes hiciera su predecesor: nada halagüeño, por cierto, porque recordemos que la última vez nos miraba desde una pica…

Además le encarga que aumente a los campesinos su cuota quincenal a dos chelines sin darle argumento alguno para esgrimir, sino solo porque lo ha decidido. A su pesar, Henry no tiene más remedio que aceptar y, acompañado por Bug (Terence Rae), dirige la recogida que, ya desde un primer momento, plantea problemas. Una mujer que ha enviudado y tiene cuatro hijos ofrece miel en lugar de dinero y Henry acepta, generándole ello no solo la amonestación de Bug, que lo acusa de tragarse “cuentos de mujerzuelas”, sino también el descontento de quienes sí pagaron con dinero…

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Encuentro Nocturno

Habiendo obligado Simon a Julia a ir a ver a un boticario por su supuesto sarpullido, Brian se ofrece a llevarla en carro y, de camino, tienen una charla de pescante. Él le pregunta al respecto de dicha afección y ella no quiere hablar demasiado, lo cual evidencia que miente y Brian bien lo sabe, pero no va a delatarla. Julia le pregunta por qué sigue en Leathers y él responde que nadie querría unirse en pareja a un hijo bastardo, además de que se fue en algún momento y acabó volviendo, aunque no explica por qué.

De pronto se detienen y él la pone al tanto de que están en el límite de las tierras de los Mackenzie y la razón de que la haya llevado allí es que la necesita de mensajera con Ellen, a quien podría llegar recurriendo a la buena voluntad de Glenda Fizgibbons por ser tía de Murtagh.

Julia acepta, pero pide a cambio que la ayude a escapar, a lo que él se compromete. Le habla acerca de su esposo y su deseo de encontrarlo, pero cuando él pregunta las circunstancias de la separación, dice que es complicado.

Ya con las sombras, Julia se llega al castillo Loech y encuentra a Glenda. Mintiendo, dice haberse perdido buscando hierbas medicinales y sido sorprendida por la noche, por lo que necesita algún lugar donde pasarla. Una vez que le es concedido, se entera de cuáles son los aposentos de Julia y va a su encuentro.

Ellen se emociona al enterarse que Brian está en las cercanías y ha arriesgado su vida para contactarla, pero se lamenta de que que su destino esté sellado y en pocos días deba ir al Beltane para encontrarse con Malcolm. Teme además que las hadas le dejen encerrada en la danza de los cien años, un ritual que según ella las mismas celebran en las colinas cercanas a Inverness y que hacen a uno dormirse y despertarse luego de un siglo. Julia no puede evitar preguntar si en el lugar hay una formación de piedras verticales y Ellen dictamina que, obviamente, ya lo conoce…

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Pero Julia sabe que el motivo de su presencia allí es Brian, Al preguntarle a Ellen si lo ama, esta responde que más que a nada en el mundo y acepta salir a verle fuera del castillo, produciéndose así en los bosques el feliz reencuentro en el que vuelven a tomarse las manos como antes en el puente…

Ella le promete a él que logrará deshacer su compromiso matrimonial de alguna forma, pero la conversación es interrumpida porque alguien ronda y Brian debe ocultarse. Se trata de Dougal, a quien llama intriga ver a Ellen allí a tan altas horas y ella dice que salió a rezar, a lo que él, mientras otea la oscuridad sin ver nada, replica que Dios también la escucha en su habitación. Hasta deja deslizar la posibilidad de castigarla a latigazos (nuestro clásico fetichista de cada episodio), pero finalmente se marcha…

Con las luces del alba, Julia y Brian emprenden el regreso a Leathers. Dos cosas están claras para él: que deberá cumplir ahora su parte de ayudar a Julia a escapar y que tendrá que asistir al Beltane si no quiere dejar a Malcolm Grant el terreno libre con Ellen…

Heridas de Guerra

A Henry se le complica la cobranza. Llamándole despectivamente sassenach, uno de los campesinos lo golpea, ante lo cual, súbitamente desencajado y desconocido, se le arroja encima y lo muele a golpes con furia animal hasta dejarlo maltrecho e inconsciente mientras se ve a sí mismo golpeando a un soldado en el frente de combate. Solo la visión en el suelo de su caída medalla de San Antonio le devuelve a la realidad…

Un flashback-forward nos lleva entonces a los días inmediatamente posteriores a la guerra, en que vemos a Henry compartir con Julia una vida de armonía cada tanto interrumpida por sus pesadillas y episodios de crisis que le retrotraen al campo de batalla. Siente que algo se ha roto en él y le manifiesa a Julia no merecerla, pero ella replica no haberse enamorado de ninguna versión suya previa sino del que es y conoció.

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Le regala entonces la medalla de San Antonio (protector de enamorados, matrimonios y viajeros) y le anima a que el bebé próximo a nacer sea su luz-guía, por lo que, de ser mujer, sugiere llamarle Claire, que en francés puede ser tanto clara como brillante.

Enterado Henry por el periódico de que el gobierno relanza la lotería nacional para ayudar a víctimas de la guerra, maldice y se queja de que usarán el dinero solo para comprar más armas. Julia, sin embargo, dice que comprará boletos, lo cual que sorprende a Henry por ser ella defensora de la meritocracia y, a pesar de defender la meritocracia. Julia afirma, no obstante, que hay que dejar siempre algún margen al azar…

De vuelta en el siglo XVIII, esa experiencia le da una idea: ofrecer a los campesinos boletos de lotería a dos chelines con el premio de no pagar la renta por un año, consiguiendo así que quienes tengan algún dinero extra y muestren interés compensen a quienes no puedan pagar con moneda. El resultado es el doble de recaudación, lo cual por un lado gratifica a Isaac, pero también le molesta que Henry haga tantas concesiones y no está dispuesto a permitir que alguien en sus dominios esté un año sin pagar la renta.

Henry se ofrece para que la misma sea descontada de su propia paga, lo cual Isaac acepta. En privado, Bug pregunta después a este si debería matarlo e Isaac responde que de momento solo lo vigile de cerca…

Dulce Espera

En Leathers, un azorado Colum recibe de parte de Ellen su lista de invitados, lo cual pareciera implicar un cambio de postura con respecto a su boda con Malcolm, aunque lo más probable, claro, es que ella esté maquinando algún plan en relación con el Beltane y un eventual encuentro con Fraser.

Henry, por su parte, sigue jugando con fuego y decide ir a hacer una visita a la muchacha cuyos servicios antes rechazara tras sufrir la decepción de que no fuera Ellen. Otro clásico de la franquicia: cuando están tristes por extrañar a la pareja que aman con todo su ser, se consuelan con quien más tienen a mano. Raro, pero esto es Outlander, donde ocurren cosas difíciles de imaginar en la realidad. La cuestión es que Henry acaba en la cama con la joven mientras la orden recibida por Bug de vigilarle de cerca no puede menos que inquietarnos…

Julia, en tanto, ya no puede seguir manteniendo la farsa del sarpullido porque se supone que fue al boticario por ello. Viéndola recuperada, Simon vuelve pues a reclamar dominio sobre su “rosa inglesa” pero ella, jugando la carta que desde el episodio anterior se veía venir, le muestra su vientre y le anoticia de que espera un hijo suyo…

Balance del Episodio

Voy a comenzar por lo que podría de primeras verse como lo menos importante: las hadas. Las referencias a las mismas me han parecido de lo más acertadas y la reflexión de Julia muy aguda desde lo antropológico. Recuerdo una frase sobre el inicio de la maravillosa novela El Unicornio, del gran Manuel Mujica Láinez: “Para leer este libro, o para poder creer en lo que en él se cuenta, es necesario haber creído en las hadas”.

Pues bien, la cultura escocesa y, en general, celta, es muy rica en hadas y la aceptación de ello es lo que lleva a Julia a entenderles mejor, pues como decía otro grande, como el eminente antropólogo Claude Lévi-Strauss, el mito está tan imbricado en las sociedades que carece de relevancia si es verdadero o falso. La cuestión es que esas sociedades lo creen y, para entenderlas, por lo tanto, hay que verlos como si fueran verdaderos: lo que Émile Durkheim llamaría “hechos sociales”.

Perdón por toda esta disgresión introductoria en la que he mezclado literatura, antropología y sociología, pero me pareció digno de mención y le ha dado al capítulo un toque especial, siendo incluso las hadas referenciadas por Ellen en relación al círculo de piedras que permite los viajes en el tiempo.

Por lo demás, ha sido una entrega atrapante y entretenida (diría que más que las últimas temporadas de Outlander), no pudiendo negarse a los guionistas la habilidad de mantenernos prendidos a la trama aun cuando no haya en este caso libros que adaptar, pues Outlander: Sangre de mi Sangre es una historia basada en los personajes de Diana Gabaldon, pero no en particular en alguna novela por ella escrita, sino que en todo caso rellena los huecos e intersticios de las que sí ha escrito y recordemos que la propia autora oficia como asesora y productora ejecutiva de la serie.

Ya he hablado de que la premisa inicial me pareció algo disparatada, pero debo reconocer que la historia a partir de ella está bien llevada y volvemos nuevamente a lo dicho con respecto a los mitos: no importa que te los creas, pero si quieres entender a la sociedad debes tomarlos como tales. Analogía: no importa que la premisa de la serie sea poco creíble; para entender y disfrutar la misma debes aceptarla como válida y no sé ustedes pero yo, por lo menos hasta aquí, lo vengo pasando bien y, como ya he dicho, mejor que en el último tiempo con la serie principal.

La sociedad Julia-Brian pinta para dar buenos frutos desde lo narrativo y no deja de tener su encanto y también su morbo que ambos sean… ¿qué? ¿Consuegros? ¿Cuál sería el parentesco exacto? Los vínculos familiares y sus designaciones (otra cuestión muy ligada a la antropología) son algo con lo que siempre me pierdo un poco, pero la química entre ambos es muy buena y no puede menos que generarnos intriga hasta dónde pueda llegar…

No hay que olvidar que Outlander, como hemos dicho, es un universo en el cual los protagonistas consuelan con amantes la ausencia de sus amadas parejas: lo hizo Jamie, lo hizo Claire y aquí Henry. No sería pues de extrañar que, en la medida en que Brian siga sin poder concretar su relación con Ellen y Julia sin encontrar a Henry, acaben consolándose recíprocamente en brazos (o en la cama) del otro. Y el parentesco antes mencionado y que no supe designar agregaría un toque deliciosamente perverso. ¿Suena loco? Pues no veo por qué y repito: esto es Outlander.

El encuentro nocturno entre Brian y Ellen ha sido claramente el punto nodal del capítulo al remitir a aquella escena del puente. En lo personal, sigo pensando que el enamoramiento entre ambos, para ser tan intenso, se dio demasiado rápido y hubiera requerido quizás algo más de proceso (el de Julia y Henry lo tuvo, aunque más no fuera de manera epistolar)…

Pero lo poco que pueden verse no dejó lugar a ello y lo cierto es que ese encuentro puntual en los bosques fue la versión Outlander de Romeo en el balcón de Julieta. Y ya que hablamos de balcones, eso es precisamente lo que deberíamos ir reservando para presenciar ese festival en Inverness que pinta de lo más jugoso…

El bombazo de Julia al querer endilgarle su hijo a Simon se veía claramente venir y lo habíamos adelantado en el episodio anterior. Necesita salvar a su bebé, desde luego, pero las consecuencias podrían ser tan complicadas como escabrosas y llevar no solo al choque con Henry llegado el momento, sino también a un enfrentamiento a muerte entre este y Simon, que no se anda con minucias para hacer valer su voluntad y seguimos temblando con su anunciado plan de arruinar la reputación de Ellen. Más aún si lo expone cagando: hasta me vino a la cabeza Tywin Lannister en (valga la redundancia) Juego de Tronos

Y si hablamos de Ellen, nos genera también intriga su cambio de planes con respecto a la boda, pues habrá que ver qué se trae entre manos por debajo de la fachada que le presenta a Colum. A propósito de este último, el episodio ha mostrado un gran trabajo de Séamus McLean Ross, que ya claramente se va convirtiendo en el destacado del elenco. Sus diálogos con Ellen, de hecho, han dejado claras las limitaciones de Harriet Slater, no tan evidentes cuando esta interactúa con otros.

En fin, la serie va bien en la medida en que la multiplicidad de personajes de los primeros episodios va quedando atrás y, siempre y cuando, como ya he dicho y a riesgo ser reiterativo, se acepte (como con la existencia de las hadas) que juega con las reglas del culebrón y así hay que tomarla. Si vas a discutir esas reglas, esta no es tu serie. Tengo ansiedad por ver el próximo episodio y eso, al menos de momento, habla bien de la misma

Hasta entonces y sean felices…

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 3. Episodio 5

Llegamos a la mitad de la tercera temporada de Star Trek: Strange New Worlds con un quinto episodio de lo más oscuro y siniestro que haya dado la franquicia. La serie, creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, puede ser vista por Skyshowtime para España y por Paramount+ para América Latina.

Hola nuevamente, trekkies y no tan trekkies. Aquí estamos para analizar un nuevo capítulo de Star Trek: Strange New Worlds, en este caso el quinto de la tercera temporada, cuyo título es A través de la Lente del Tiempo y que, respetando la alternancia que este último tiempo viene siendo regla, se caracteriza por un tono oscuro, intenso e incluso agregaría angustiante.

Hay mucho que contar porque ocurre de todo, así que lo mejor es comenzar ya mismo a repasarlo para ver qué nos ha dejado. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA, así como en recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Cenizas de Pasión

Para nuestra sorpresa, la lectura inicial de bitácora la hace el alférez Gamble, convertido desde hace un tiempo en médico subalterno de M´Benga, función que se suponía que iba a desempeñar como sustituto de Chapel hasta que ella volviera. Pero permaneció en la Enterprise después de su regreso y, según manifiesta, se siente bien allí y no tiene demasiado interés en ser destinado a la medicina arqueológica. Lejos estamos de suponer en ese momento que será la primera y última vez que le oigamos recitar una bitácora…

Chapel, en tanto, sigue con Roger, pero los celos nunca mueren y, como quien no quiere la cosa, le pregunta a La’an sobre el carácter de su relación con Spock, a lo que esta responde que no le ponen etiquetas. Quiere además saber cómo se siente Spock con que Roger esté a bordo de la nave y La’an le sugiere preguntárselo ella misma.

Momentos después, Chapel se cruza justamente con el vulcano en el ascensor y hay un silencio recíproco que ella interrumpe para preguntar por qué tiene que ser así cada vez que se encuentran en algún lado. Spock replica que no hay nada de qué hablar y cuando ella pretende indagar en su relación con La’an, él simplemente responde que es una gran instructora de danza, un diálogo que acaba en cuanto Gamble aborda también el ascensor…

Los Inmortales

La Enterprise se está acercando a Valia 9 con el fin de acompañar a Roger en una excavación arqueológica relacionada con tecnología antigua e inmortalidad. Lo de excavación es relativo porque en realidad piensan usar los rayos deflectores de la nave para despejar el terreno.

Roger muestra preocupación por cómo pueda comportarse la tripulación, sobre todo considerando que los M’Kroom, especie local que habita el planeta, no son muy sociables y jamás aceptaron, de hecho, unirse a la Federación. Pike le dice que no tiene por qué preocuparse.

La razón del interés arqueológico es la presencia de señales de tecnología avanzada bajo la superficie, pero dada la poca sociabilidad de los M´Kroom, estos solo han autorizado a descender sobre el planeta a un destacamento de pocas personas, haciéndoles de guía y supervisor un tal N´Jal.

El grupo está integrado por Roger, Chapel, Spock y Uhura, más un Gamble muy emocionado por haber sido designado para la misión y un Beto Ortegas autorizado a acompañar como documentalista a pesar de lo molesto que últimamente viene siendo para la tripulación por filmar todo el tiempo de manera insufrible. La única feliz con su presencia es desde luego Uhura, con quien viene haciendo buenas migas desde aquella fiesta de aniversario de la Federación que casi acabara en una de bodas.

Al exponer el sitio arqueológico a la acción de los deflectores, se revela una gran construcción con aspecto de templo y a cuya aparente entrada hay una inscripción en símbolos no identificables, pero que Roger reconocen por ser los mismos de un anillo que encontró a cientos de años luz de distancia.

Cotejando también con símbolos con de otras culturas, Uhura hace de Champolion y determina que la inscripción reza: “El camino a la absolución, solo con sangre dada libremente”. Suena inquietante y algunos piensan en un altar de sacrificios, pero al ser el panel de ingreso explorado por Chapel, esta se pincha accidentalmente con una aguja cual bella durmiente y la sangre, al caer, abre la entrada. Gamble revisa a Chapel y confirma que nada extraño ha ingresado en su cuerpo…

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Roger está emocionado, pues el hallazgo podría confirmar su teoría de que los M´Kroom son descendientes de una especie presuntamente inmortal que habría alguna vez plantado allí esa estructura. En un guiño a la cultura pop, a Gamble se le enciende el rostro y exclama: “¡Alienígenas ancestrales!”…

Inestabilidad Cuántica

Al entrar, las comunicaciones con la Enterprise se interrumpen y una vasta sala se extiende ante ellos. Por el piso hay diseminados objetos bellos y luminosos, pero también esqueletos: alguien comenta que al parecer quienes construyeron todo eso no eran tan inmortales, pero también quien presume que los restos podrían corresponder a ladrones de tumbas. Al alzar Gamble con extasiada curiosidad un orbe, el mismo estalla y le deja aullando de dolor y con las cuencas de sus ojos vacías. Llevado afuera, es transportado a la Enterprise, donde M´Benga le colocará nuevos ojos.

El orbe explosivo y los cadáveres son para Spock suficiente señal de peligro y prefiere volver, pero Roger, obnubilado, solo piensa en seguir adelante. Para evitar conflictos con los M´Kroom, se pide a N´Jal su parecer y este,en su lengua, responde que nada ansía más su pueblo que conocer más sobre sus orígenes y llegar al centro de su existencia. Siguen adelante, pues…

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Con una cámara-dron, Ortegas explora una sala contigua en cuyo centro hay una extraña escultura azulada que hace que N´Jal lance aterrado una expresión que Uhura traduce como “maligno” y eche a correr hacia la puerta de entrada. Nunca llega: la misma se cierra y rayos azules lo desintegran en plena carrera…

Incomunicados y sin posiblidad de transportarse, los integrantes del grupo debaten si seguir adelante o quedarse allí. La’an dice que la mejor opción es siempre mantenerse activos, así que, para alegría de Roger, eligen el segundo camino.

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Gracias al ADN de Chapel (su firma de entrada) logran pasar a la sala de la escultura, pero cuando La´an y Chapel se acercan a la misma, descubren al girarse que se hallan solas. Debido a que las comunicaciones entre ellos siguen funcionando, consiguen contactar a Spock para enterarse que este y Roger también se hallan solos y lo mismo Uhura y Beto. Las tres duplas parecen hallarse en realidades cuánticas diferentes…

El Despertar del Mal

A bordo de la Enterprise, M´Benga se encarga de atender a Gamble, por el cual siente pesar al haber él avalado su partida en la fallida misión. Pero hay más: por alguna razón, sus ojos no se regeneran y, un escaneo del cerebro lo diagnostica como si estuviera muerto. Al saberlo, el joven alférez entra en pánico y hay que sedarlo.

Pike, en tanto, se reúne con Pelia, Scotty y Samuel Kirk para hablar la situación, especialmente lo referente a la falta de comunicación con el grupo enviado a Valia 9 y la imposibilidad de enviar un grupo a rescatarles al haber los K´Room autorizado solo un pequeño destacamento. Además, se analizó el orbe que dejó ciego a Gamble y la conclusión es que contenía algo desconocido y ancestral que ha sido liberado.

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El rostro de Pelia se llena de aflicción al decir que no se había topado jamás con un objeto tan antiguo, pero que además le quedó la sensación de que lo que fuera que hubiera allí dentro le provocó un miedo indefinible.

En la enfermería, Gamble despierta, pero claramente no es él. Le menciona a M´Benga a su hija Rukiya, que jamás le nombró ni conoció, y le pregunta si está seguro de haberse despedido de ella o de alguna otra entidad que lucía como tal.

Batel, a quien hacíamos recuperada, entra abruptamente desencajada y, comportándose bestialmente, entablando con el poseído Gamble un diálogo claramente agresivo en alguna lengua extraña y lo llama Vezda, en aparente alusión a su especie. Se le lanza encima en feroz lucha, pero llega Pike y su presencia activa en ella algo que le hace salir de su estado mientras Gamble o, mejor dicho, el Vezda, se da a la fuga.

Creyendo que todavía queda algo del joven alférez en la criatura y sintiéndose aún responsable por él, M´Benga sale a perseguirle y le encuentra en los corredores tomando como rehén a un oficial mientras ve con tristeza yacer en el piso a otro al que claramente ha asesinado. Al verlo, algo parece también activarse en Gamble, que claramente lucha en su interior con lo que sea que le ha poseído y se termina entregando mientras manifiesta al médico su deseo de volver a ser quien era. Consultado M´Benga sobre si llevarlo a la enfermería o al calabozo, la respuesta es obvia…

Realidad Invertida

En el templo, Chapel y La’an descubren una serie de símbolos en la base de la estatua que parecen de muy diversas culturas, pero algunos se reconocen como chinos. Eso no es lo más sorprendente: Chapel descubre además que hay señales vitales en la escultura, aunque pareciera estar viva y a la vez no. Una cierta inestabilidad cuántica la envuelve y hace que sus moléculas cambien todo el tiempo.

Spock, en un plano diferente junto a Roger, descubre más orbes luminosos como los de la sala anterior. Uno de ellos se eleva y al llegar a la altura de su vista, alcanza a ver fugazmente en su interior un indefinible y horrendo rostro de pronunciados dientes que le hace gritar aterrado…

Más cosas extrañas: Uhura descubre que en la cámara de Beto siguen viéndose los seis juntos, de lo cual Spock, tras llamarle la atención un corte en su mano que no recuerda haberse hecho, interpreta que se hallan en una dimensión fragmentada, lo que lleva a pensar que, más que un templo, aquello podría haber sido en el pasado un laboratorio de experimentos cuánticos en el que, sin querer, hubieran traído de otra dimensión a las enigmáticas entidades que debieron después encerrar en los orbes. O quizás podría haber sido también una cárcel, agrega La’an yendo algo más allá…

Chapel, a quien su ADN pareciera hacer sentirse más local allí dentro, conjetura que el problema cuántico podría resolverse uniendo los objetos hallados en diferentes planetas y, en efecto, al unir tableta y anillo, todo vuelve a la normalidad y los seis habitan un mismo plano dimensional. Spock ya no tiene su herida en la mano a la vez que, extrañamente, ha desaparecido el camino que conducía a la puerta de la sala, separada ahora de ellos por el vacío.

En ese momento, Spock se corta la mano con la base de la estatua y descubre entonces que están habitando una realidad invertida en la cual los efectos preceden a las causas. El camino hacia la puerta, por lo tanto, debería aparecer bajo sus pies al caminar sobre el vacío, lo cual implica una auténtica pueba de fe. En efecto, así ocurre y Chapel logra abrir la puerta con su ADN, lo cual les permite salir del lugar y restablecer contacto con la Enterprise para ser transportados. Roger, en tanto, lamenta lo que han debido dejar atrás sin siquiera llevarse alguna reliquia…

El Mal existe…

Mientras tanto, en la Enterprise, el Vezda ha vuelto a poseer a Gamble, quien atrae a su guardia y lo estrangula atravesando el campo de fuerza que los separa como si no existiese. Escapado del calabozo, se encuentra con Scotty, Pelia y Kirk, a quienes exige los códigos de control de la nave.

M´Benga aparece en escena y lo apunta con un faser, pero nunca podría dispararle a Gamble y el Vezda bien lo sabe. Menos complejos tiene Pelia, que lo liquida desde atrás provocando que la entidad escape del cuerpo y, cual luciérnaga, sea atrapada al vuelo por Kirk y encerrada nuevamente en el orbe. Deciden de manera conjunta almacenarla en el búfer de transporte, que es prácticamente la nada misma…

Pelia pide disculpas al apesadumbrado M´Benga por haber tenido que matar a Gamble, pero intenta consolarle con que el muchacho ya no habitaba ese cuerpo. Algo similar dice Batel a Pike, quien, ya recuperada, afirma haber sentido dentro de ella algún ente diferente al que poseía a Gamble, posible remanente de las crías gorn que su cuerpo reabsorbió.

Cuando Beto pregunta si las entidades eran malvadas, Spock dice que el bien y el mal son relativos, pero Pelia replica que el mal existe y ha estado allí con ellos. M´Benga envía un mensaje de condolencias a la familia del alférez fallecido y, al irse, la pantalla comienza a parpadear. ¿Sigue entonces la entidad activa en el búfer?…

Balance del Episodio

Uno y uno. Esa parece ser la regular solución de continuidad en esta temporada de Star Trek: Strange New Worlds, ya que, por lo menos hasta aquí, a cada episodio intenso le sucede uno ligero y viceversa. El quinto, por lo tanto, debía ser intenso y no solo lo fue, sino también complejo en su trama (quizás el más complejo hasta ahora) y, por sobre todo, oscurísimo, al punto de, por momentos, parecer más El Exorcista que Star Trek.

Y no es una comparación al azar: hemos tenido un hallazgo arqueológico, un Mal del pasado que fue liberado (sí, me sale escribirlo con mayúscula porque así lo he percibido) y gente poseída hablando lenguas extrañas. Eso sí: me dio pena Gamble, pues le había tomado cariño apenas llegar y pensé que le veríamos algún tiempo más. Por cierto, me pregunto y les pregunto: ¿me engaña la memoria o es la primera vez que en la franquicia la bitácora es recitada por alguien que muere en el capítulo? Apelo a ustedes…

star trek

En algún momento, Spock dice que el mito de la inmortalidad es común a muchas culturas y yo agregaría que también el del Diablo, pues prácticamente todas tienen, con diferente nombre, alguna versión personificada del Mal mismo. ¿Es aquí el mismo concepto? No lo sabemos, pero más que una criatura de otra dimensión, pareció que estábamos ante el propio Lucifer o quizás el infierno, después de todo, no sea más que otra dimensión…

Los caracteres chinos en la estatua son bastante significativos y quizás nuestro concepto del Mal hunda su raíces muy en el pasado y no provenga de este planeta o, al menos, eso sugiere el capítulo que hemos visto. No sé ustedes, pero no pude evitar sobrecogerme ante la expresión con que Pelia (qué enorme actriz Carol Kane) le replicaba a Spock que el Mal sí existe, algo que, desde luego, no se condice con la lógica del vulcano ni con lo que está dispuesto a aceptar. Y, sin embargo, nada respondió pues, claro, bien sabe lo que vio en ese orbe…

¿Y cómo entra Batel en todo esto? Salta a la vista que el remanente gorn está lejos de dejarla en paz. De acuerdo a ello, ¿a qué se debió su reacción tan primitiva ante la presencia del Vezda? ¿Es posible que los gorn y los Vezda hayan sido enemigos mortales en el pasado?

De ser así, los reptiloides siguen dándonos sorpresas y cada vez descubrimos más cosas detrás de lo que había sido solo una escena de lucha libre en un planeta de alta gravedad, pues más allá de lo icónico y, a su modo, sublime de aquel capítulo de la serie original (Arena, 1×18), el gorn nos caía dentro de todo simpático y, si yo fuera Ben Stiller, me replantearía ahora mismo lo de tener sobre algún mueble de mi casa la máscara original que el actor compró en una subasta.

En definitiva, SNW nos ha entregado otro gran episodio, como viene siendo habitual. Lo paradójico es que no me he sentido bien al terminar de verlo, sino invadido por una terrible angustia rayana en el terror, algo que muy pocas veces me pasó en la franquicia.

Y allí reside justamente una de las grandes virtudes de esta serie: la capacidad de generarnos sensaciones contrapuestas sin perder coherencia ni continuidad, pues no tengo duda de que volveremos a saber de los Vezda y ese parpadeo en la pantalla no es un mero problema técnico. ¿Y por qué mencionó específicamente a Rukiya? Ella también ha estado en el búfer, ¿lo recuerdan…?

Pero bueno, ya sabemos que las tramas de SNW no se continúan necesariamente al episodio siguiente, así que probablemente volvamos a saber de todo eso más adelante. Ahora quiero que el próximo episodio me vuelva a hacer reír porque lo necesito.

Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…

Los animes más premiados de la historia (y cómo nos rompieron el kokoro sin pedir permiso)

Hay animes que ves. Y hay animes que se te meten en la médula, te arman un campamento en el alma y luego, cuando menos lo esperas, te apuñalan con una frase bonita y una mirada de ojos enormes y brillantes. Los animes más premiados de la historia.

Hoy no venimos a hablar de animes “buenos”. No.

Venimos a hablar de los más premiados, más reconocidos y, en muchos casos, más emocionalmente destructivos de la historia. Vamos a celebrar la élite del arte japonés con forma de serie animada. Y si no lloras en algún momento de este artículo, revisa si no eres un maldito cyborg de los que salen en Ghost in the Shell.


Libros de ciencia ficción más premiados de la historia: cuando las palabras colonizan planetas


Fullmetal Alchemist: Brotherhood

Los animes más premiados de la historia El dios de los rankings.

No hay lista de “mejores animes de todos los tiempos” que no tenga a esta maravilla en el top 3, y la mayoría lo ponen primero porque NO HAY DERECHO a ser tan perfecto. Argumento brutal, personajes que respiran humanidad, traumas para aburrir y un final que te reconcilia con la existencia.

Premios por doquier: Tokyo Anime Awards, Animation Kobe, MyAnimeList Awards… ¡¡y más corazones rotos que finales felices!!

Attack on Titan (Shingeki no Kyojin)

ataque a los titanes

O cómo pasamos de ver a unos colosos en pelotas comiéndose gente a preguntarnos qué demonios es la libertad y cuántas veces se puede traicionar a un personaje antes de que lo amemos aún más.

Ha barrido con premios internacionales (Crunchyroll Awards a casco porro, incluyendo Mejor Serie, Mejor Animación, Mejor Prota…), ha sido fenómeno social y cultural.

Y lo mejor: cada temporada era una patada en el estómago más fuerte que la anterior.

Your Name (Kimi no Na wa)

your name

Makoto Shinkai nos dijo “esto es solo una historia de amor con intercambio de cuerpos” y nos tiró una bomba nuclear en el pecho.

Ganadora de medio planeta en festivales de animación: Sitges, Annecy, Japón Academy Prize

Y sí, la gente salió del cine con mocos colgando y con la necesidad urgente de encontrar a alguien a quien no conocía pero sentía que era su alma gemela.

Toma eso, Hollywood.

Demon Slayer (Kimetsu no Yaiba)

demon slayer

Premios, récords de taquilla, y una animación que parece hecha por dioses japoneses con pinceles de fuego y lágrimas de unicornio.

Si viste el episodio 19 de la primera temporada y no te levantaste a aplaudir en tu casa, lo siento, no mereces ver anime.

Ganó todo: desde Anime of the Year en los Crunchyroll Awards hasta Premios en festivales de cine por su película “Mugen Train”.

Spirited Away (El Viaje de Chihiro)

El viaje de Chihiro

¿El anime más premiado del universo? Seguramente sí.

Óscar a Mejor Película de Animación (sí, compitiendo con Pixar), Oso de Oro en Berlín, más premios en Japón que días tiene el año.

Miyazaki no hizo una película: hizo una experiencia espiritual que deberías recetar en terapias.

Estos animes no solo ganaron premios. Se ganaron nuestros recuerdos, nuestras playlists, nuestros fondos de pantalla y, en muchos casos, nuestras decisiones de vida.

Porque no se trata de si un anime tiene 10 estatuillas o 27 galardones. Se trata de si, cuando cierras los ojos, te sigue vibrando el alma con una frase, una mirada, o esa música que empieza suave y termina destrozándote por dentro.

Así que, sí, estos son los animes más premiados… pero lo importante es que tú los viviste como si fueran tuyos.

Un saludo y sed felices.

Novedades de Dolmen Editorial de septiembre de 2025. Vienen con fuerza después del verano.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de septiembre. Y qué pedazo de novedades. Tenemos que verlo todo.

Novedades de Dolmen Editorial de septiembre de 2025.

Ya sabéis que nos gusta seleccionar los títulos que más nos llaman la atención de entre todas las novedades del mes que entra. Este mes de septiembre, lo tendremos muy, muy difícil. Pero vamos a intentarlo.

En primer lugar, debo decir que los packs promocionales que está haciendo Dolmen Editorial, con algunas de sus series, no deberíamos dejarlo pasar. Tanto para picotear alguna de las series y conocerlas, como para aprovechar la oportunidad de hacernos con cómics de gran calidad a un precio imbatible.

Pack Black Max.

Dolmen

En la Línea Albión, tenemos historias trepidantes, realizadas con un ritmo vertiginoso y con un dibujo realmente bueno, por parte de los autores que en esos títulos nos encontraremos. En esta ocasión, con Black Max, tenemos a los lápices a nuestro maestro Alfonso Font.

Tenemos reseña de Black Max en la web, pinchando aquí.

Pack Sammy.

Dolmen

Este pack, lo recomiendo porque soy un fan absoluto de Raoul Cauvin, del que podéis echar un ojo a su biografía pinchando aquí.

Además, tenemos disponibles todos los tomos de Sammy en la web de Dolmen, pinchando aquí.

Pack Mandrake el Mago.

Dolmen

Mandrake el Mago es una de mis asignaturas pendientes. La Colección Sin Fronteras es una de las estrellas de Dolmen Editorial y esta es una magnífica forma de adentrarse en esta línea editorial.

Pinchad aquí para acceder a todos los volúmenes publicados de esta magnífica serie.

Y las dos recomendaciones estrella de este mes de septiembre serán …

1.- Juez Anderson: Satán.

Dolmen

«La oportunidad de una vida eterna a cambio de perder su mente y su identidad para siempre, la investigación de un culto religioso y el enfrentamiento contra el más formidable de los enemigos: el mismísimo Satán.
Estas nuevas amenazas pondrán a la Juez Cassandra Anderson al borde del colapso mental y físico, colisionando de frente con un rígido sistema totalitario.
Alan Grant y Arthur Ranson mantienen el nivel de Shamballa con estas nuevas aventuras de la Juez Anderson. 
Inéditas hasta la fecha en España, este volumen incluye algunas de las mejores historias jamás publicadas bajo el sello 2000 AD.
Crítica social, humor negro de regusto irónico y pesimista, imágenes crudas, tintes sobrenaturales y un espectacular dibujo de Arthur Ranson».

Y la segunda de nuestras recomendaciones es …

2.- Cabezones de las Galaxias. Integral.

Dolmen

«En 2005, Enrique V. Vegas se lanzaba a parodiar la saga galáctica por excelencia. Los tres títulos, Los Cabezones de las GalaxiasEl retorno del Cabezón y El Cabezón Contraataca se convirtieron rápidamente en los favoritos del público.
Desde entonces, muchas han sido las películas y series que han pasado por el tamiz de Enrique y su particular estilo, desde la trilogía de precuelas hasta las series más recientes: El Cabezoniano Asako.
En el 20º aniversario de su publicación, este volumen integral a todo color recopila la trilogía original, homenaje tanto a los seguidores del universo cabezón como a su propio autor».

Enrique Vegas es amigo de Las cosas felices y nos encanta. Podéis pinchar aquí para acceder a todas sus obras, disponibles en la web de Dolmen.

Debo deciros que tenemos varias reseñas de sus obras en la web:

  • Reseña de Leinad (Pinchad aquí).
  • Reseña de Jarripoter: El mago cabezón (Pinchad aquí).
  • Reseña de Takashi (Pinchad aquí).
  • Reseña de Kobe (Pinchad aquí).
  • También podéis echar un vistazo a una entrevista que hicimos a Enrique V. Vegas (Pinchad aquí).

Y hasta aquí las recomendaciones de Dolmen Editorial, previstas para este mes. Un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de la editorial mallorquina.

Echad un ojo, disfrutad, resguardaos del calor y sobre todo …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: Fahrenheit 451 (1966). Bradbury adelantó la actualidad

Basada en una obra de Ray Bradbury datada en 1953, Fahrenheit 451 nos traslada a una sociedad censurada donde la cultura de los libros está prohibida (y con ello el acceso a pensar por uno mismo) para volverla más controlada, dócil y libre de conflictos sociales. Podemos decir que Bradbury adelantó la actualidad de la sociedad en las páginas de su libro.

Cuando la ficción retrata la realidad décadas antes

En 1953 los televisores estaban comenzando su andadura por las casas en países como Inglaterra, pero el autor de la obra en que se basa esta película del siempre brillante François Truffaut, adelantó la dependencia de nuestra sociedad actual a los aparatos tecnológicos. Smartphones, redes sociales, televisores inteligentes, realidad virtual. En ese mundo que nos muestra Bradbury, existen lo que podemos llamar «paredes parlantes» que son lo que hoy conocemos como las SmartTV.

En esos aparatos, el personaje que interpreta de manera convincente una gran Julie Christie (hace dos papeles en la película) de nombre Linda, para sus ratos de ocio viendo lo que emiten a través de ese muro parlante. Noticias, salseo social, etc. Pareciera que Bradbury adelantara la televisión basura y sectaria, el entretenimiento vacío de valores culturales, algo cotidiano en nuestros tiempos.

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Puntos que nos hacen recomendaros esta película

El mundo que rodea a los protagonistas. Truffaut utiliza una estética minimalista y surreal, con elementos despersonalizados. Interesante como detalle el hecho de que los créditos iniciales son narrados por una voz en off en lugar de verlos escritos, lo que refuerza el hecho de que lo escrito está prohibido. Retrata una sociedad sin palabras ni profundidad.

Los lugares donde se rodaron las escenas incluyen barrios modernos británicos donde abunda el estilo brutalista, cosa que ayudó a implementar una ambientación impersonal. Eso retrata la intención de la sociedad de eliminar todo lo que pueda resultar individual y diferente. Todas las casas parecen la misma.

Evidentemente estamos hablando de una película confeccionada en los años 60 del siglo pasado, por lo que los efectos visuales y de todo tipo están limitados. Así y todo, el uso de las pantallas colgadas de la pared a modo de televisores o las cámaras de vigilancia que «brindan» seguridad al ciudadano son reflejos de cosas que tenemos normalizadas hoy en día. A destacar también la banda sonora de un gran compositor colaborador habitual de Alfred Hitchcock, Bernan Herrmann el cual realizó una composición que fue inspiración para otros músicos.

La tecnología retrofututista es otro punto a destacar, el diseño de todo lo que tiene que ver con el equipo de bomberos como ejemplo. Esos uniformes, el vehículo en el que se trasladan de un sitio a otro, la manguera que en lugar de tirar agua para apagar incendios utiliza combustible para causarlos y, para llevar a cabo las purgas ideológicas (quemando libros), nos presenta un mundo donde el libre albedrío no existe.

En la categoría de actuaciones podemos destacar aparte del protagonista Guy Montag en la piel del sobrio Oskar Werner, a la siempre bella y convincente Julie Christie en dos papeles. El de la mujer de Montag, Linda, una persona sumisa, pasiva, conformista con la sociedad en la que vive, y por otro lado, Clarisse, la razón por la que Montag se hará las preguntas pertinentes para su propio desarrollo personal.

Es una libre pensadora, es curiosa, despierta, sensible. Todo lo que no es Linda. Aparte podemos destacar en este apartado al jefe de bomberos, el Capitán Beatty, interpretado de manera convincente por Cyril Cusak.

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Sobre qué temas trata Fahrenheit 451

Aislamiento social. Con el detalle de las llamadas «paredes parlantes» (pantallas de TV) y auriculares, Bradbury nos muestra en su libro, y luego Truffaut en la película, cómo la sociedad puede llegar a aislarse de la realidad. Igual que Linda, que prefiere la alineación a saber realmente qué pasa en el mundo en el que vive, hoy en día mucha gente vive conectada a la tecnología de manera parecida y deshumanizándose en el proceso.

El uso de la tecnología como adoctrinamiento. A través de la prohibición de consumir literatura de cualquier tipo (quemando los libros y deteniendo a sus propietarios), el sistema controla el pensamiento de las personas. Eso sumado a los medios de evasión e «información» (televisores, megafonía, etc) comporta una sensación en la sociedad de control, sumisión y relajación virtual que limita el sentimiento crítico del ser humano. Pareciera que Bradbury hubiera viajado a través del tiempo hasta la actualidad por la gran similitud que su idea tiene con lo que son hoy en día las llamadas «redes sociales».

Pérdida del sentimiento crítico vs resistencia a través del conocimiento. La novela, y la película nos muestran cómo la sociedad que presenta Bradbury prefiere la distracción constante y la comodidad de un ámbito sin convivir con preguntas incomodas y sin la más mínima reflexión. En nuestros días, por ejemplo, la educación se enfrenta al reto de fomentar el pensamiento crítico en contraposición a la sobreinformación superficial de las redes sociales.

La resistencia del conocimiento nos viene plasmado en la película por los llamados «hombres-libro» que representan quizás a lo que hoy en día podrían ser movimientos culturales, bibliotecas, espacios de pensamiento libre. Gente que se rebela en contra de que la sociedad se convierta en un lugar gris, donde todo pueda ser manipulado.

La película, y mucho más la obra literaria, representa muy bien la lucha de la cultura por sobrevivir al avance imparable de la tecnología y a los inputs negativos que tiene (también los tiene positivos evidentemente).

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A quién le recomendamos Fahrenheit 451

A todos los que os guste la ciencia ficción con un presupuesto ajustado, a los que (como me pasa a mí) seáis fans del cine del director de origen francés François Truffaut y, cómo no, a quien quiera descubrir joyas del cine contemporáneo que quizás le hayan pasado desapercibidas. Como decimos más de una vez en esta sección, la mejor forma de aproximarse a este tipo de cine (y en general a todo el llamado «cine clásico») es de manera generosa y con «open mind». Tenemos que tener en cuenta siempre, que se trata de cine hecho más de 50 años atrás (en 2026 cumplirá 60 años), con lo que eso conlleva.

Os dejamos un par de enlaces a artículos relacionados con Ray Bradbury. Sobre tres de sus obras. Crónicas MarcianasCementerio para Lunáticos y Zen en el Arte de escribir.

 

El cómic de la semana: Clase Letal Edición de lujo 4

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Clase Letal Edición de lujo 4. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Al grano: hace poco más de un mes Norma Editorial sacó Clase Letal Edición de lujo 4, esa saga que es como Hogwarts, pero con asesinos y metralletas en lugar de varitas. Este integral es el cierre: 424 páginas de cartón duro con sobrecubierta, como me gusta a mí, con cuerpo físico que exige respeto… y que pone fin a la saga original. Acción brutal, secretos que se revientan y un Marcus Arguello cargado de cicatrices físicas y emocionales.

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Tensión terminal en Clase Letal Edición de lujo 4

Rick Remender y Wes Craig (acompañados por la belleza del color de Lee Loughridge) no se andan con tonterías. Este volumen deja claro que la esperanza no sobrevive al choque frontal con la traición. Los niños (los aspirantes a asesinos de Kings Dominion) se enfrentan al examen final, ese que no es de teoría, es de “sobrevive o te borramos”. Aquí los jurados no reparten sobresalientes sino muerte y decepción. Y Remender lo clava.

La descripción oficial lo deja crudo: ¿se entenderán los estudiantes en un mundo que los desprecia? Viejos rencores resurgen y el adelantamiento no es opcional.

Lo visual (y emocional) lo respalda todo

Wes Craig vuelve a dejar la alarma activada: sudor en las mejillas, viñetas que explotan sin cesar, rostros que dicen más que un discurso. El color continuo de Loughridge hace que hasta el silencio meta presión al lector. Dios. Llega un momento en estas 424 páginas en que piensas “quiero una mascota… pero no si va a intentar matarme”. Ese nivel de inmersión enfermiza solo lo provocan cómics como este. En serio, Clase Letal es para mí lo mejor de Rick Remender.

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Una saga que merecía este final

Que Clase Letal Edición de lujo acabe con este tomo no es sorpresa; estamos ante un final de escándalo, un final digno de una gran serie, de las mejores de los últimos años. Aunque la serie televisiva canceló en SYFY, el tebeo sigue ahí, cabalgando en estanterías con orgullo.

Qué se siente al cerrar

Cierra un ciclo. Cierra la adolescencia malcriada de Marcus, de Saya, de María, de todos. Cierra un mundo donde la violencia es la lección diaria y el trauma el idioma oficial. Y lo hace con rabia. No es un final feliz: es un “hasta aquí hemos llegado, y vaya viaje, chaval”. Te deja exhausto, estremecido, con resaca visual.

¿A quién le va a atravesar esto?

Si ya te faltaban dedos en la mano para contar libros que te incendian el cerebro, este es otro. Si te flipó la serie antes, este cierre es tu explosión de nostalgia y crudeza. Si eres nuevo, esta Edición de lujo es una manera perfecta de llegar al final, pero un final con filo y aristas.

En resumen Losada-style

Clase Letal Edición de lujo 4 es una víctima… de muchos kilates: apuñala, sacude y al mismo tiempo te deja agradecido por continuar vivo después de haber leído esta brutalidad. Tapa dura, páginas de calidad salpicadas de sangre, realismo adolescente y una capa de melancolía brutal como postdata. Si te lo cruzas en la librería, no lo duces, cógelo: esta edición es una pasada narrativa y gráfica. Yo ya tengo una necesidad imperiosa de volver a leerlo.

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¿PODRÁN LOS NIÑOS PERDIDOS DE LA GENERACIÓN X ENCONTRAR SU LUGAR EN UN MUNDO QUE NO LES COMPRENDE O SE PERDERÁN EN UN FUTURO LLENO DE INCERTIDUMBRE?

Rick Remender y Wes Craig cierran la historia de los aprendices de asesino llevándolos a una nueva era. Sin embargo, por mucho tiempo que pase, es difícil que las personas cambien y el rencor es aún más difícil de olvidar. Rivalidades llegan a su punto álgido, oscuros secretos son revelados y antiguas injurias deben ser reparadas para los antiguos estudiantes de Kings Dominion.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Norma editorial.

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Un saludo y sed felices.

Análisis de Alien: Planeta Tierra. Temporada 1. Episodio 3

Tras los dos episodios iniciales subidos de un tirón la semana anterior, analizamos lo que nos ha dejado el tercero de esta primera temporada de Alien: Planeta Tierra (Alien: Earth), cuyo título es Metamorfosis. Creada por Noah Hawley para FX y basada en la popular franquicia de Alien, la serie puede ser vista en Disney+.

Bienvenidos, queridos humanos, sintéticos y xenomorfos, a un nuevo análisis de Alien: Planeta Tierra. No sé qué les habrá parecido a ustedes, pero mi sensación es que la serie ha tomado más forma en este episodio, haciéndose más interesante la trama y acentuándose los rasgos que le dan una personalidad propia dentro de la franquicia, sin perjuicio de que siga habiendo cuestiones que no cierren del todo o no terminemos de hacerlas cuajar con la misma.

Pero basta de preámbulo y veamos qué ha ocurrido en este episodio que cuenta con la dirección de Dana Gonzales, de probada experiencia junto a Noah Hawley por haber dirigido episodios de Fargo y Legion, series ambas de las cuales pueden leer nuestros análisis pinchando en los respectivos links. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordar que pueden leer aquí nuestro análisis de los dos anteriores capítulos.

Combate

Habíamos dejado a Wendy siendo separada de Joe por el xenomorfo y saliendo tras ambos mientras dejaba a Slightly al cuidado de los huevos. Oyendo a su hermano gritar, lo encuentra adherido a un muro por una sustancia viscosa en lo que parece el interior de una cámara frigorífica mientras a su alrededor cuelga carne de manera alegórica.

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Él le advierte que es una trampa, pero ella le libera de todos modos y en ese momento aparece el xenomorfo a sus espaldas. Se vuelve para enfrentarlo pero la criatura ha desaparecido súbitamente de la vista de ambos y le oyen caminar pesadamente sobre sus cabezas. Con una cuchilla de desembalar, ella lo ensarta desde abajo y cae un líquido verde que Joe identifica como ácido…

Wendy vuelve a perder a su hermano, empalado desde atrás por la cola del xenomorfo. Acude en su ayuda y logra clavarle un gancho de carnicero y ponerla a dar vueltas.

Mientras combaten, Joe baja la compuerta de la cámara para dejar aislado al alien, pero con tan poca fortuna que también su hermana queda al otro lado, desde donde se oyen forcejeos, golpes y gritos. Desesperado, busca volver a levantar la compuerta y cuando finalmente lo consigue, el xenomorfo yace decapitado en el piso y Wendy se sostiene a duras penas como una muñeca sin baterías, analogía coronada por las notas de una campanilleante melodía reminiscente de cajita musical mientras el clásico fluido blanco de los sintéticos comienza a chorrearle.

Desplomándose, la muchacha pierde el sentido en tanto que él, no menos maltrecho e incluso vomitando, se deja caer a su lado y, antes de quedar igual de inconsciente, promete sacarla de allí…

Niños Perdidos

Kirsh, mientras tanto, pone al corriente a Kavalier de los especímenes alienígenas encontrados en la nave, los cuales pasan a ser para este el principal motivo de interés por los beneficios que podrían reportar. Cuando el billonario pregunta por los híbridos, Kirsh informa que tres están con él y Wendy ha ido por su hermano.

Disgustado, Kavalier pregunta si la ha dejado ir sola y Kirsh responde que se halla en compañía de Slightly, lo cual es para el primero aun peor. Enrostrándole en definitiva ser igual a los humanos y poner solo excusas, le ordena ir por ellos de inmediato…

A todo esto, Nibs (Lily Newmark) una de las niñas híbridas, mira con aprensión a la criatura alienígena que estuvo a punto de sofocarla (un cefalópodo con cabeza de globo ocular y varias pupilas) mientras se pregunta el porqué de que no les hayan permitido retener sus nombres originales y les hayan puesto nuevos en relación con Peter Pan.

Su compañera Curly (Erana James), más conformista y agradecida de que le hayan dado una nueva vida cuando estaba condenada a muerte, lo relaciona con “niños perdidos” que ya no crecen (como adelantáramos en el análisis anterior), pero solo consigue aumentar en Nibs el desasosiego y sobre el final del capítulo veremos a esta última mirándose angustiada al espejo y preguntándose probablemente quién es en verdad o si quedó algo de la que fue antes…

Lo Peor del Ser Humano

Slightly, en tanto, sigue cuidando los huevos como le encomendara Wendy. Un súbito terror se apodera de él al escuchar ruidos, pero termina siendo su compañero Smee (Jonathan Ajayi). Intercambian por igual insultos y bromas mientras se comportan claramente como niños, en definitiva lo que son. Y se ríen mutuamente de que uno haya dicho “cagar” y el otro “mierda”.

En eso están cuando se les aparece Morrow, el cyborg sobreviviente de la nave siniestrada. Los apunta con su arma, pero se relaja al notar el comportamiento infantil de ambos y se conecta a un ordenador para transferirse datos. Ellos le preguntan si es un robot y él dice ser algo todavía peor por llevar consigo, justamente, lo peor del ser humano.

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Al oírles hacer referencia a sus padres, Morrow les espeta que solo son seres sintéticos a los cuales les han hecho creer que los tienen, lo cual enfurece a Slighty y Smee, que bien saben que no es así. Por un momento, casi revelan su verdadera naturaleza y ese desliz pone en alerta a Morrow, quien, extendiendo de su brazo una espada, vuelve a amenazarles y exige que digan qué son realmente, a la vez que instala algo en el cuello de Slightly.

En ese momento llega Kirsh y los híbridos se esconden tras él. Al presentarse en nombre de Prodigy, Morrow le dice que no habla con mandaderos y Kirsh, en forma de ironía, le pregunta de qué país es rey. En clara referencia a Yutani, Morrow dice que ella invirtió mucho dinero e hizo muchos sacrificios por el contenido de esa nave, por lo cual él no permitirá que se queden con lo que es suyo, pero Kirsh le anoticia de que el sacrificado será él si sigue parado junto a un huevo a punto de hacer eclosión. Presa de pánico, Morrow salta al vacío y ya no vuelven a verle…

La Favorita

Finalmente, y con Wendy maltrechos e inconscientes, el grupo regresa a la base de Prodigy y Kavalier ve pasar con ojos extasiados al alien decapitado. Han traído también varios huevos y cuando, en el laboratorio, el “niño prodigio” se acerca incautamente a uno que comienza a latir y abrirse, Kirsh le impele a salir fuera porque esas criaturas buscan huéspedes orgánicos y los huevos se activan ante la presencia de uno.

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Atom Eins (Adrian Edmondson), principal colaborador de Kavalier, interroga a Slightly y Bee poniéndoles al tanto de que sus ojos son cámaras y en la corporación ven todo lo que ellos ven. Pregunta a Slightly por algo que le dijo Morrow antes de saltar y este recuerda que fue una pregunta: “¿Cuándo una máquina deja de ser una máquina?”. Los niños no saben qué significa, pero temen ser encontrados y muertos por el cyborg, tranquilizándoles Eins con que están protegidos en la isla y encontrarán a Morrow antes que él a ellos.

Wendy, en tanto, yace postrada y sin volver en sí, lo cual genera preocupación en Kavalier y cierto cruce con Sylvia, que en su momento le había recriminado por enviar a niños en tan peligrosa misión. Acercándose al primero, Curly lo acusa de tener preferencia por Wendy, lo que él justifica con que fue la primera. No obstante ello, y lejos de matarle esperanzas, le dice que puede considerarse en carrera para ser su favorita…

Todos necesitan Amigos

Mientras tanto, en Nuevo Siam, isla donde se estrelló la nave, el prófugo Morrow se pone en contacto desde un club nocturno con Yutani (Sandra Yi Sencindiver) y, con pesar, la anoticia de que las criaturas alienígenas se hallan en poder de Prodigy. Ella le pide que regrese, pero él objeta que no volverá sin las mismas…

Momentos después, se mete en la mente de un asustado Slightly para ponerle al tanto de que ya sabe qué es lo que él y Smee son. Apelando a una frase que el propio Slightly pronunciara antes, le dice que “todos necesitan amigos” y, antes de dar por finalizada la comunicación, se ofrece a ser el suyo.

En los laboratorios de Prodigy, Kirsh y su equipo trabajan sobre el alien decapitado y logran extraer viva un cría de un huevo. Mientras ello ocurre y como si algo súbitamente se le activara en consecuencia, Wendy despierta y se dirige por su cuenta al lugar sin que Sylvia, profundamente dormida, se dé cuenta.

Al llegar al laboratorio, y aún sin ser vista por nadie, Wendy ve cómo pasan la cría a otro tanque mientras un sonido penetrante le hace perder el equilibrio y termina cayendo al piso, nuevamente sin sentido…

Balance del Episodio

Insisto en algo que dije en el análisis anterior: nunca me convenció ni me pareció atractiva la idea de que los xenomorfos hubieran pasado por la Tierra antes de los hechos de la Nostromo. Pero más allá de que la premisa no sea la que a uno más convenza o guste, de lo que se trata es de determinar si la historia que se desarrolla a partir de la misma está bien contada (en lógica, siempre se dice que un razonamiento puede ser válido aun cuando esté hecho a partir de premisas falsas o equivocadas), así como también, y sobre todo, si la serie tiene algo nuevo para decir…

Creo que este tercer episodio avanza mejor en ambos aspectos, no de forma vertiginosa, pero sí decidida. Las tramas se van poco a poco articulando y generándonos intriga, al mismo tiempo que el tono existencialista, tan distinto del resto de la franquicia, da a la serie un toque propio y personal que se impone como necesario, por no decir obligatorio.

¿Imaginan acaso una serie basada únicamente en xenomorfos persiguiendo a humanos y a estos buscando ingeniárselas para zafarse? ¿Toda una serie así, como si a lo largo de los episodios proyectáramos ocho veces la primera película de Alien con los carretes cada vez más gastados? Por más genial que aquella inolvidable joya de Ridley Scott pueda haber sido (aquí retro-análisis), hay que admitir que su base chocaba con limitaciones al quererla llevar a franquicia, algo para lo cual no había sido concebida: por algo las dos primeras películas no fueron superadas…

Es interesante el planteo de los niños-adultos y las distintas formas de asumirlo, quedando ello perfectamente sintetizado (palabra pertinente) en el contrapunto que sostienen Nibs y Curly. Mientras que una se hunde en la depresión de habitar un cuerpo que no le es propio y sentir que ha perdido su identidad, la otra entiende que recibir un cuerpo y una identidad nueva fue lo mejor que pudo haberle pasado ante la inevitabilidad de un destino que la condenaba a muerte.

Y si hablamos de “niños grandes”, genial la escena en que Slightly y Smee se comportan de modo infantil al ser sorprendidos por Morrow. Me he reído mucho viéndoles actuar en tan abierta contradicción con su aspecto adulto y digno de destacar, en tal sentido, el buen desempeño de Adarsh Gourav y Jonathan Ayaji.

Siguiendo con los actores, reclamábamos un mayor peso de Timothy Olyphant y ya lo tenemos, lo cual se ha visto potenciado por el cruce con otro gran actor como Babou Ceesay y secundado detrás (literal) por los antes mencionados. En esa escena se hallan involucrados quizás los cuatro actores más interesantes de la serie hasta aquí (aunque también se empieza a perfilar un gran trabajo de Lily Newmark) y es ello es lo que la hace impagable, diría lo mejor del episodio.

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Ojo, también hemos tenido un buen momento épico con la batalla entre Wendy y el xenomorfo. Y el hecho de que su definición haya ocurrido en off no le ha quitado intensidad sino contribuido al suspenso y la intriga por lo que viene, pues los problemas que le vemos padecer a Wendy hacia el final del episodio son indicativos de que durante el combate entre ambos aconteció algo que no vimos y que, de alguna manera, les ha dejado unidos.

Como ese, hay otros interrogantes aún por resolver y que, de momento, son lo que más nos hacen chirriar. Los principales tienen que ver con los seres sintéticos (ya sea completos o a medias) y su interrelación con los aliens. La idea pareciera hasta aquí ser que los primeros no son de interés para los segundos, por lo que los huevos solo comienzan a eclosionar en presencia de seres orgánicos. Pero eso no condice del todo con algunas cosas que hemos visto antes en la franquicia, por lo cual habrá que aguardar futura explicación y esperemos que llegue.

Por otra parte, en este tercer capítulo se acentúa el carácter cyberpunk que ayuda a que la serie tenga esa personalidad propia de que antes habláramos y retrocede, por fortuna, cierto toque Disney que habían evidenciado los dos primeros episodios, con decir que Morrow hace su llamado a Yutani desde un club masoquista. Continúan, sí, las referencias a Peter Pan, pero esa es una historia ya universal y previa a Disney, además de riquísima en simbolismos.

Y, una vez más, acertada la banda sonora. Me encantó el momento “floydiano” que acompañó el camino del grupo en su regreso a la base de Prodigy y, una vez más, los créditos finales fueron acompañados por una pieza de rock bien poderosa, en este caso Wherever I may roam, de Metallica, cuya letra, como ocurriera con las canciones anteriormente utilizadas de otras bandas, va en consonancia con el episodio que acabamos de ver, como también con lo que se ve venir:

…And the Earth becomes my throne, i adapt to the unknown, under wandering stars i´ve grown.. by miself, but not alone…” (y la Tierra se convierte en mi trono, me adapto a lo desconocido, bajo errantes estrellas he crecido, por mí mismo pero no solo…”

En conclusión, no es que la serie me esté todavía volando la cabeza, pero me ha gustado este episodio y siento que va mejorando en hacer avanzar la trama y dejar pendientes preguntas cuyas respuestas nos generan ansiedad y curiosidad. En lo personal, puedo tener siempre mis conflictos con la premisa inicial pero bueno, para ponerlo en términos marvelianos, busco tomar a la serie como un “what if”: algo así como qué hubiera pasado si los aliens llegaran a la Tierra. Ok, perdón, es cosa mía, ya lo sé…

Los espero para analizar el cuarto episodio; hasta entonces y sean felices…

Superhéroes con resaca, o cómo el cine de leotardos con capa no pasa la barrera de los 700 millones por primera vez desde 2011

A ver, ¿te acuerdas de cuando los blockbusters de superhéroes pasaban los 700 millones de dólares en taquilla como si les sobrara el papel higiénico?  Pues ese desfile épico ha hecho una parada este año. Sí, 2025 ha sido, no contando el 2020 del apocalipsis pandémico, el primer año desde 2011 en el que ninguna película de superhéroes haya llegado a ese tope legendario. Pero ojo, vamos tirando, al menos siguen generando dinero, pero muy justitos. Superhéroes con resaca.

Superman porta la bandera y la capa

La que ha ganado la carrera (pero sin despegar del todo) ha sido Superman de James Gunn. Acabará en torno a los 625 millones, nivel “sobrevivimos, pero sin fiesta”. Se espera que acabe algo por encima, pero tanta magia digital y estrenos en las plataformas de streaming se quedará lejos del club de los 700 millones.


Crítica sin spoilers de Superman. Una versión luminosa y fiel al cómic en una divertida película familiar


‘Superman’ (2025) de James Gunn: ¿Un Nuevo Icono o Un Paso en Falso? (Análisis Detallado con Spoilers)


 

Superhéroes con resaca

El resto del batallón: más cuesta abajo que cuesta arriba

Los 4 fantásticos: Primeros pasos se quedará en unos 525 millones estimados. Eso sí, se llevó 118 millones solo en el estreno, pero luego se agotó más rápido que tu paciencia con los spoilers.

Captain America: Brave New World logró 415 millones. Firme, pero sin más. Y Thunderbolts, que estaba vendida como la sorpresa del año, sólo sumó unos 383 millones, lo que no llega a cubrir ni el café de mitad de rodaje.


‘Los 4 Fantásticos’: Primeros pasos (2025) | Funciona como Blockbuster espectacular y da algo de esperanza al UCM. Sin más.


 

¿Y por qué esta debilidad súbita?

Es la fatiga del friki, amigo lector de Las Cosas que nos hacen felices, y si la generosa taquilla tuviera un botón de “ahí lo dejo”, ya estaría presionado. Pero ojo: Superman sí ha roto una racha, y ha superado los 600 millones. Creo que Superman, en el contexto en el que nos encontramos, ha realizado una digna taquilla.

La taquilla Internacional tiene alergia al héroe

James Gunn ya se despachó: “Superman no es Batman”, al menos en el extranjero. Y hay cierto cansancio anti-americano que no ayuda. Así que el héroe patrio arrasa en EE.UU., pero afuera lo reciben con tibieza. Eso sí, Brasil y Reino Unido están entre los que se rinden con ánimo.

El veredicto Losada-style

Mirando el panorama: los superhéroes ya no rompen ningún récord fuera de EE.UU. como antes. ¿Culpa de qué? Quizá del exceso de estrenos, o del público que ahora prefiere quedarse en casa maratoneando. Pero no todo está perdido: Superman resiste. Es como ese amigo-vampiro que aún se reconcilia contigo en bares oscuros después de que dijiste que ya no saldrías más.

Y si este año no se alcanzan los 700 millones pues será señal de que los nostálgicos ya estamos hartos de tanto CGI y queremos ver más historias humanas, más risas por debajo de la capa y menos explosiones por minuto.

¿Tú qué piensas? ¿Se acabó la era de las taquillas blockbuster, o solo se está reescribiendo con otro tipo de éxitos?

Un saludo y sed felices.

‘Peacemaker’. Temporada 2. Capítulo 1 | Un cautivador y prometedor comienzo de temporada

‘Peacemaker’ (El pacificador) ha vuelto y lo ha hecho de una manera contundente y sin perder ni un ápice de fuerza. Esta segunda temporada arranca quemando rueda y demuestra de nuevo lo grandísimo contador de historias que es James Gunn.

El primer episodio, no solo retoma la trama donde la dejó la temporada anterior, sino que ya te lanza lo que va a ser el leitmotiv de la temporada desde el comienzo: ¿Puede un hombre que ha cometido actos atroces realmente redimirse y convertirse en un héroe?

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EN CF: TODOS LOS EPISODIOS ANTERIORES DE ‘PEACEMAKER’


Desde los primeros minutos, la dirección de James Gunn es tan irreverente como siempre, no penséis que ‘Superman’ lo ha ablandado, esta ficción sigue los pasos que marcó la primera temporada o su ‘Escuadrón Suicida’. Incluso la icónica y absurda secuencia de baile de los títulos de crédito, cambiada para esta segunda temporada, se mantiene, como un recordatorio de que, a pesar de la gravedad de los temas, el humor absurdo sigue teniendo mucho hueco en esta obra. Todos sabemos que el Co-CEO de DC Studios sabe sacar la emotividad, bajo esa capa de sátira y violencia, y ya vimos atisbos de su exploración de los sentimientos de Peacemaker. Aquí no va a ser diferente.

Solo hemos visto el primer capítulo y solo podemos hacernos una leve idea de lo que está por venir, pero creo que estamos ante una temporada que va a ahondar mucho más en Chris. El guion ha dejado a un lado su faceta más imbécil y macarra para mostrar su vulnerabilidad y como se ve obligado a afrontar su pasado y que sería de su presente si no hubiese acabado con la vida de su hermano.

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Como buen primer episodio, nos sirve para ponernos en contexto de donde se encuentran actualmente los personajes principales de la temporada anterior sin dejar a un lado el avance de la trama. Harcourt está más rota que nunca y se ha lanzado a un camino de autodestrucción que no es capaz de frenar. Economos parece haber sido el que ha salido mejor parado de todo. Vigilante continúa con su vida ‘normal’, mientras que Adebayo está lidiando con las consecuencias de haber expuesto a su madre y a A.R.G.U.S. Este repaso nos sitúa rápidamente en el mapa, recordándonos lo ocurrido, pero con un dinamismo que conseguirá colarnos esa actualización de esta familia disfuncional sin que quede forzado ni sobre explicativo.

El hilo conductor de este episodio es la lucha interna de Chris por ser un héroe, no solo a ojos de los demás, sino a los suyos propios y creo que eso será lo que conduzca toda la temporada. Los sucesos de la anterior lo dejaron destrozado, no solo por las bajas físicas, sino por la traición. Ahora, en este nuevo capítulo, lo vemos intentando desesperadamente reconstruirse, con ese momento que vimos en el tráiler en el que intenta formar parte de la ‘Justice Gang’ pero el peso de su pasado es omnipresente, no solo en los flashbacks.

El guion de Gunn brilla al integrar el pasado de forma orgánica en el presente. Cada decisión que toma nuestro protagonista, en cada interacción con su equipo, vemos como afloran esas experiencias traumáticas que vivió.

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Y sí, esta temporada, continúa con el humor que caracteriza al cineasta y guionista, como algo más de corazón y emotividad (que tan bien se le dan de escándalo), pero tengamos en cuenta que esto podría estar más cerca de ‘The Boys’ que de ‘Superman’ y este episodio nos lo recuerda con una escena explicita en casa de Chris con drogas y sexo que no va a esconder nada. Y me alegro que su paso por el hijo de Krypton no haya afectado a su forma de escribir ‘Peacemaker’

Siempre ha habido una queja hacia Gunn y es como ha realizado un ‘reboot’ manteniendo lo que a él le ha convenido y aquí de un plumazo lo ‘soluciona’ con la secuencia «Anteriormente en el DCU». Lo que inicialmente parece un resumen de los eventos de la primera temporada, se convierte en un truco para reescribir el final.

Conclusión

Este primer episodio de la segunda temporada de ‘Peacemaker’ es un regreso triunfal con un giro final que nos hace prever hacia donde irá esta ficción de HBO.

Es un recordatorio de que las mejores historias de superhéroes no son sobre quién tiene el poder más grande, sino sobre la lucha interna por superar los baches y las dudas morales.

‘Peacemaker’ habla sobre la redención y el legado del pasado, todo ello envuelto en una capa de humor negro y acción explosiva. Ya vimos algo parecido en ‘Superman’ como todo lo que tiene que ver con Jor-El, Lara y el mensaje. Como el pasado no debería condicionar quienes somos.

Resumiendo, un comienzo impecable que nos deja ansiosos por ver el siguiente episodio y ver si Peacemaker, al final, logrará ser el héroe que desea ser.

Aquí os dejo la secuencia de los títulos de crédito de esta segunda temporada de ‘Peacemaker’:

Un saludo y sed felices.