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La Peste de Movistar+ Luces (de velas) y sombras en la esplendorosa Sevilla del XVI

No es agradable de ver. Lo digo desde ya. La tele huele hasta mal. Alberto Rodriguez y Rafael Cobos nos han traído una Sevilla que quería ser grande y lo era al gozar de los favores de la Casa de la Contratación pero a la vez es una Sevilla sucia, podrida, con la venida de la Peste.  Movistar+ se suma al carro de las producciones propias de los canales de pago al estilo de HBO en Estados Unidos y lo hace a lo grande. Hace dos meses estrenó la otra ambiciosa serie, La Zona, con mas blancos que grises, aunque lo suyo le costó. Para comprobarlo aquí teneis nuestros analisis. Pero el plato fuerte era La Peste, ambiciosa superproducción de 10 millones de euros que se ven invertidos en pantalla y es que la Sevilla de la peste de finales del siglo XVI no desmerece de otras ciudades fantásticas con mucho más presupuesto como por ejemplo Desembarco del Rey de Juego de Tronos.

La sevilla del sigloXVI
Imagen de Sevilla en el siglo XVI

Quienes comandan La Peste

Alberto Rodríguez, director de Grupo 7 y La isla mínima, es el principal reclamo para acercarnos a la serie de Movistar+. El director sevillano ha ganado multitud de alabanzas y premios por sendos filmes. Este director forma parte de la nueva generación cinematográfica andaluza, en la que también se incluyen nombres como Paco R. Baños (Ali) o Alfonso Sánchez (El mundo es nuestro). Precisamente Paco R. Baños ha dirigido dos episodios de la serie. Otro baluarte importante es Rafael Cobos, guionista habitual de ambos directores. Y el tercero y no menos importante Julio de la Rosa, compositor habitual del cineasta. Los tres se reúnen en La peste porque Movistar+ buscaba para su primera superproducción propia a un director de renombre.

primeras imagenes del rodaje de la peste movistar
¡¡Acción!!

Epidemias, conspiraciones, asesinatos y religiones en la Sevilla de las Indias

Luces y sombras. Ese es el resultado de esta ambiciosa producción española que ha contado con 10 millones de presupuesto. Si aludíamos anteriormente a la búsqueda de Alberto Rodríguez por parte de Movistar+ para producir su primera superproducción, La peste es el resultado. Una miniserie de 6 horas que al igual que La zona tiene sus blancos y sus grises. En esta primera experiencia en televisión Alberto Rodriguez y Rafael Cobos han optado por una historia original ambientada en la Sevilla como ciudad metrópoli que era puerto del comercio con América. En este contexto nos introducen la peste (que se dio cincuenta años antes pero ellos se han tomado esta licencia histórica para dotar a la historia de mayor dramatismo). ¿Y qué tramas hay en esta sucia, deprimente y epidémica Sevilla? Sobre todo un asunto de honor que hará a nuestro protagonista Mateo, un exmilitar regresar a la ciudad, en honor a su palabra, para encontrar y sacar de la ciudad al hijo bastardo de un amigo fallecido. Hecho prisionero por la Inquisición, Mateo se verá obligado resolver una serie de crímenes a cambio de su vida. A lo largo de los episodios conoceremos a multitud de personajes, demasiados; que harán que la trama sea enrevesada no solo para el investigador sino también para el espectador. De toda la amalgama de personajes tenemos al hijo bastardo, Valerio Huertas, el más rico en detalles y evolución (Suyo es el primer capítulo, con los luceros, con la audacia de entrar en las casas de los apestosos, etc. ). Es un truhán, ha aprendido a vivir en esa sucia, oscura y peligrosa Sevilla. Teresa Pinelo es la viuda de Germán, quien encomendó la orden a Mateo. Ella y mateo estuvieron enamorados secretamente pero la lealtad a Germán imperó. Es fuerte y tenaz al vivir en un mundo de hombres. Luis de Zúñiga es un antiguo amigo de Mateo, leal. Un hombre misterioso hecho a si mismo. Su ambición de generar fortuna con el comercio de las Américas le hará ocultar la peste, con el peligro que conlleva para la ciudad. Celso de Guevara, es el gran Inquisidor, el que encarga a Mateo la tarea de investigar los crímenes.

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Paco León interpreta a Luis de Zúñiga

¿Y cómo funciona toda esta amalgama de personajes y situaciones? Pues para un servidor, de forma muy irregular, A Cobos y Rodríguez el cambio de formato les ha pasado factura, hablamos de 350 minutos que consta la miniserie frente a los 90 a 120 minutos de los largometrajes. De las 90 a 100 páginas de una película a las 500 de una serie de estas características. Desde luego el presupuesto se ve bien invertido, gran factura técnica y artística, buen plantel de actores, aunque en algunas ocasiones he tenido ciertos problemas con la dicción y el sonido. El mayor problema radica en la historia y en la cantidad de información que se nos quiere mostrar a cada momento. Una historia cuyo eje principal es la investigación de unos crímenes diabólicos con la Inquisición de por medio se torna demasiado simple para lo confuso de la trama en ocasiones. El resultado final es un producto muy recomendable pero mejorable. Con la segunda temporada en proceso de escritura de la historia solo podemos esperarla con ansías porque pese a sus sombras que las tiene hay muchas luces en este camino que Movistar+ ha emprendido.

Virtudes de la producción

Es impresionante la iluminación o lo escasa de la misma en la serie. Aquí tiene mucho que ver el director de fotografía, Pau Esteve Birba, con una fotografía basada en la pintura sevillana del barroco. Paco León se refería en una entrevista a esto:

«No había luz eléctrica, se vivía con las velas,  quien las tuviese. La luz, la oscuridad y su contraste sirven para hacer creíble el viaje en el tiempo».

Por otro lado tenemos la recreación de la ciudad tanto en interiores, sean en Palacios, o las casas de los más desfavorecidos, a los exteriores. Las localizaciones son variadas, además de Sevilla y Carmona la serie se fue a Huelva y Extremadura para recrear la Casa de Pilatos, donde encontramos a Zúñiga. Tambíen encontramos las célebres Atarazanas utilizadas ya por Juego de Tronos,  los jardines del Real Alcázar de Sevilla, etc. El uso del croma ha sido muy limitado para la recreación de la ciudad, sobre todo para la vista de la ciudad en general.

Captura de pantalla 3

Aciago fin de semana de estreno

No ha sido todo felicidad en el fin de semana de estreno. Al parecer la serie ha sido muy visionada y los medios han sido más generosos en las críticas que nosotros. Pero a la miniserie le han salido manchas en axilas y cuellos. Por un lado el domingo por la mañana amaneció con la sombra del plagio. Twitter ese arma de antaño 140 caracteres ha sido el que encendió la chispa. Los tuiteros se alarmaban de ciertos parecidos razonables con una novela, La leyenda del ladrón.

https://twitter.com/JuanGomezJurado/status/952189443489845249

Dudo que haya habido mala fe por parte de los creadores de la serie.  Y por otra parte ha habido otros problemas en cuanto a la emisión de la serie. Alertaban de la excesiva compresión que había sufrido la serie.

https://twitter.com/guillermodorado/status/952330103551352834

https://twitter.com/lopezdeayala_/status/952887197975433218

Esperemos que para los que aun no hayan visto la serie se solucione el tema de la compresión, es una lástima que con el trabajo que hay detrás quede deslucido por el VOD.

En definitiva una serie de estas características no está exenta tanto de virtudes como de problemas. Movistar+ está apostando fuerte por las series de producción propia. ¿El resultado? Bueno, ¿pero para qué conformarse con bueno si tienes los medios para hacerlo sobresaliente?

Un saludo y sed felices.

Nuevo vídeo en YouTube: Errores y gazapos en Star Wars: Rogue One

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Aunque parece que ya ha pasado la fiebre de Star Wars lo cierto es que esta saga nunca pasa de moda. Nosotros, que ya hemos cubierto el último estreno con un par de vídeos, analizándo cuáles son los peores personajes de todas las películas o las curiosidades más extrañas con respecto a los estrenos, tenemos una afición por ver esos pequeños fallos de montaje. Lo hemos hecho con el Episodio VII y ahora, por supuesto, toca Rogue One.

Con esto, aclaramos, no queremos posicionarnos ni a favor ni en contra, ni queremos decir que estas cosas estropean la película, para nada. De hecho, probablemente ninguna película se libre de estos pequeños errores.

Recuerda que si quieres más contenido interesante, como el anterior vídeo en el que contamos los peores y más odiados personajes de Star Wars…  SUCRIBETE A NUESTRO CANAL DE YOUTUBE

Esperamos que disfrutéis con el vídeo tanto como nosotros haciéndolo:

Recordad que nos gusta saber qué pensáis de nuestros vídeos y, sobre todo, que aportéis. Así que si conocéis más fallos, más cositas pequeñas que te llamaron la atención, puedes comentarlo en el propio vídeo de YouTube o bien aquí mismo.

Dragon Ball FighterZ: Impresiones de la Beta abierta

Este pasado fin de semana los amigos de Bandai Namco nos dieron una especial alegría, a los que somos gamers y fieles seguidores de Dragon Ball desde la niñez, liberando la versión beta del nuevo videojuego basado en los personajes creados por Akira Toriyama: Dragon Ball FighterZ.

El objetivo de esta versión de prueba estaba claro, probar el juego. Y eso hemos hecho. Tras un dia y medio de gravísimos problemas con el servidor, ayer lunes pudimos acceder de forma óptima a esta demo y probar todo lo que nos ofrencía. Una vez pasado este mal trago, lo primero que hemos tenido que hacer ha sido una breve configuración del territorio (en nuestro caso España) y elegir uno de los avatares opcionales para que nos representara visualmente en el lobby. Estos avatares son versiones chibi, cabezones o cabezudos, de los personajes del juego con los que podremos recorrer una plaza en la que veremos al resto de miembros de nuestra sala y los diferentes modos de juego disponibles. Antes de salir del lobby podremos mostrar mensajes, llamados Sellos Z, al resto de usuarios con los que compartimos espacio virtual y, por si la primera elección no fue la idónea, cambiar de avatar y sus colores.

Dragon Ball FighterZ

Jugabilidad

Una vez nos metemos de lleno en una batalla, Dragon Ball FighterZ da la sensación de puro espectáculo. El sistema de combate, para que los sepáis aquellos que aun no habéis probado el juego, es bastante similar a la saga Guilty Gear, aunque también guarda semejanzas con el clásico Street Fighter. Tenemos tres botones para atacar de manera débil, normal y fuerte, respectivamente, y un cuarto para ataques especiales (de carácter enérgico). Con diferentes combinaciones de estos principales botonos lograremos ejecutar la mayoría de ataques especiales de cada uno de los personajes (como el más que conocido Kamehameha de Goku). Con el encadenamiento continuado de golpes o pulsando al mismo tiempo ataque débil y enérgico podremos cargar la energía, pilar fundamental para poder llevar a cabo esa serie de golpes especiales.

Los gatillos del mando también darán mucho juego suponiendo un punto estratégico, con ellos podremos lanzarnos a por el rival pillándolo por sorpresa, evitando así que las batallas caigan en una monótona defensa constante. Con los otros gatillos podremos llamar a uno de los personajes de nuestro equipo para que realice una ataque sorpresivo para apoyarnos o directamente intercambiar su posición en el ring. Este sistema de relevo será vital para poder salir victorioso en cada una de las luchas en las que participemos. Todo esto hace que la dinámica de lucha sea en todo momento frenética, y no podemos olvidar que cada personaje tiene unas peculiaridades y no nos encontraremos dos iguales dentro del plantel que nos propone Namco.

Estos son los personajes confirmados hasta la fecha: Androide 16, Androide 18, Androide 21, Beerus, Célula, Freezer, Ginyu, Gohan adulto, Gohan niño, Goku, Goku Black, Goku SSGSS, Gotenks, Hit, Kid Buu, Krilin, Majin Buu, Nappa, Piccolo, Tenshinhan, Trunks del Futuro, Vegeta, Vegeta SSGSS, Yamcha.

Por el momento nosotros nos hemos quedado con mono y ganas de mucho más. El juego y, especialmente, las batallas es un constante frenesí de referencias al anime, explosiones y combos imposibles que se ejecutan con una comodidad y facilidad digna de elogio.

Dragon Ball fighterZ es un videojuego de peleas arcade en 2D desarrollado por el estudio Arc System Works y distribuido por Namco Bandai para las plataformas de PC, PlayStation 4 y Xbox One. El juego ofrecerá combates con sabor clásico pero muy espectaculares, ya que incluye elementos en 3D como los ataques finales, movimientos especiales y distintas animaciones para imitar al máximo posible el estilo de animación del anime. Entre sus novedades, incluirá un sistema de combate de 3 vs 3 personajes en pantalla muy similar al visto en Marvel vs Capcom 3. Dragon Ball FighterZ saldrá a la venta en todo el mundo el 26 de enero.

Un saludo y sed felices

Crítica de El instante más oscuro, larga vida a Gary Oldman

Enero no solo nos trae una cuesta monetaria o una dura época de exámenes. Es también una de las mejores épocas para los cinéfilos. La temporada de premios está en su máximo auge y las productoras aprovechan estos primeros meses del año para los estrenos destinados a acaparar todas las críticas positivas.

El instante más oscuro viene avalada por la sorprendente caracterización de Gary Oldman como Winston Churchill. Tras el Globo de Oro que ha recibido el veterano actor (aquí podéis ver nuestra opinión sobre lo mejor y lo peor de los Globos de Oro de 2018), veamos que ofrece la película destinada a ser el retrato definitivo de una de las figuras políticas más importantes del siglo XX. Ya os lo adelanto: no lo es, pero eso no quita que sea una película disfrutable.

UNA PELÍCULA PARA GANAR PREMIOS, PARA UNIRLOS A TODOS.

Lo tiene todo. Una historia basada en uno de los episodios más importantes de la guerra más descomunal que ha visto el ser humano. Un plantel de actores consolidados y un excelente protagonista con una transformación física inverosímil. Sin embargo, al igual que otras películas británicas como Descifrando a enigma o La teoría del todo, El instante más oscuro aqueja el academicismo y la excesiva corrección propia del cine procedente del Reino Unido.

Joe Wright suele caracterizarse por romper con el clasicismo y la teatralización en películas como Anna Kanerina o Expiación, más allá de la pasión. Esos intentos se notan en contadas escenas de El instante más oscuro (el arrasado campo de batalla en el ojo de un soldado muerto), pero no las suficientes como para desviar la película del clasicismo más puro. ¿Es esto malo? No necesariamente, pero en una película que basa su mensaje en la fuerza de los diálogos y en lo que implican las palabras, se echa en falta un poco más de dinamismo en la dirección.

Además, si bien la película es entretenida, posee cierto exceso de metraje que se hace pesado en el tercer acto, cuando muchos de los motivos que llevaron a Churchill a defender la lucha a toda costa se repiten una y otra vez. Parece que toda película que aspira a la trascendencia tiene que durar más de dos horas.

GARY OLDMAN, PRIMER MINISTRO.

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Lo que no dejaría ser una correcta película histórica sobre Churchill se engrandece por la magnífica interpretación de Oldman. Tiene mejores películas, pero merece todos los premios por este papel. Sobre todo porque, en una película cuyo principal reclamo es su transformación, se te olvida tras un par de escenas que el actor que interpreta al Primer Ministro británico es el mismo que Drácula, James Gordon o George Smiley. No me ocurrió lo mismo, por citar un caso reciente, con el Lincoln de Daniel Day Lewis, donde no dejaba de ver al fenomenal actor inglés en la piel del presidente norteamericano.

Oldman es el rey absoluto de la función, tanto en su vertiente puramente política como en la personal, ambas bien reflejadas en las relaciones con las mujeres de la película. Por un lado, la joven secretaria interpretada por Lily James, que acapara más protagonismo del que muchos pensarían. Por el otro, una algo desaprovechada Kristin Scott Thomas como Clementine Churchill. Una lástima ver todo lo que ofrece en su papel y lo mucho que podía dar de sí.

El actor consigue que durante gran parte del nudo de la película notemos su soledad ante sus rivales políticos y el pueblo. Muchos se han rasgado las vestiduras ante la escena del metro pero, sabiendo de antemano que este tipo de películas se toman muchas licencias, es una secuencia bien insertada y con mensaje de rigurosa actualidad: la necesidad de dar un verdadero protagonismo al pueblo en la democracia.

Mención especial merece la fotografía de Bruno Dennobel, repleta de magníficos claroscuros y algunas imágenes para el recuerdo, como la presentación del protagonista o el plano final.

En definitiva, El instante más oscuro es una entretenida película histórica que cuenta con el plus de una extraordinaria interpretación y alguna que otra reflexión política interesante. Desde luego, no contamos con figuras tan capaces como la del citado Churchill en la actualidad.

Un saludo y sed felices!

Reseña El Arte de la Trilogía Batman: Arkham

La reacción inmediata cuando recibimos la noticia de que teníamos la oportunidad de trabajar en el juego de Batman fue de entusiasmos absoluto […]. Crear un juego basado en un mundo y unos personajes que amábamos fue un enorme privilegio. No había expectativa alguna acerca de que consiguiera un gran éxito. Nos motivaba una combinación de pasión, ansia y una especie de ingenuidad acerca de todas las posibilidades que teníamos por delante.

Sefton Hill

Presentación

En diciembre de 2018 Planeta publicó la que podría considerarse la guía visual definitiva del aclamado videojuego Batman: Arkham. Trilogía del videojuego Batman: Arkham, para ser más exactos. ¿Por qué la considero la guía definitiva? Te lo comentaré al final, una vez te cuente el origen de este proyecto.

Batman Arkham: Todo comenzó en 2009

Todo comenzó cuando la distribuidora Eidos Interactive, propietaria de los derechos para realizar un videojuego de Batman, contactó con Rocksteady Studios para llevar adelante tal proyecto.

Pienso que, a estas alturas, este icono de la cultura pop que es Batman no necesita presentación. De todos modos, si quieres asomarte a los orígenes e influencias del Caballero Oscuro, puedes leer mi post FRANK MILLER NO ES EL CREADOR DE BATMAN. ¿CONOCES EL ORIGEN DEL CABALLERO OSCURO?

Si bien Batman era y es sobradamente conocido, no lo era tanto Rocksteady Studios. Rocksteady Studios era una pequeña empresa británica desarrolladora de videojuegos, ubicada en Londres. Había sido fundada en 2004 y hasta el momento sólo había lanzado al mercado Urban Chaos: Riot Response, con una gran acogida de crítica y público.

Si bien no tenían mucha experiencia en el sector, lo que si poseía el equipo de Sefton Hill era una gran pasión por el personaje y su entorno. Eso ya es mucho y, unido a la incorporación de Paul Dini -cocreador de Batman: The Animated Series, ganadadora de un Emmy-, auguraba un buen resultado. Lo que tuvo ocasión de constatarse en el 2009, año en el que se lanzaría Batman: Arkham Asylum. Todo comenzó en el 2009.

Breves comentarios la trilogía Batman Arkham

Batman: Arkham Asylum era distinto a cualquier otro videojuego previo del personaje. La inmersión en la forma de ser y en el ambiente del personaje era total. Casi se podría decir que rozaba la perfección. Era puro Batman y, por ello, fue un éxito inmediato. Un éxito que justificó dos videojuegos más, Batman: Arkham City Batman: Arkham Knight. Esta trilogía, Batman: Arkham, se convertiría así en un nuevo enfoque de este gran personaje.

Con el primer juego, Batman: Arkham Asylum, se buscaba que el jugador captara la esencia de Batman y su entorno. La mejor forma de hacerlo fue que la trama girara en torno al Asilo Arkham, el hospital psiquiátrico de Gotham City donde Batman manda al grueso de sus villanos. Allí, la némesis del murciélago, el Joker, actuaría  de maestro de ceremonias. Lo que recuerda a la novela gráfica del mismo nombre, obra de Grant Morrison y Dave McKean.

El éxito de Arkham Asylum daría lugar a una secuela, Batman: Arkham City. El universo Batman de este videojuego se va expandiendo. De los muros del Asilo Arkham pasamos a Gotham City. Los villanos han huido del asilo a la ciudad que Batman ha jurado proteger y han formado sus ejércitos particulares para hacerse con el control total de la misma. Mientras Batman trata de impedir eso, disfrutamos de esta versión única de Gotham City y de los villanos interactuando en la misma. Historia que a mi me parece una hábil combinación de dos eventos de Batman: La caída del Murciélago y Tierrra de Nadie. En el primero se produce una fuga masiva de reclusos de Arkham. En la segunda, Gotham City queda aislada del resto del país por un terremoto y los villanos del señor de la noche se hacen dueños de diferentes zonas de la ciudad, disputándose el dominio de la misma.

La trilogía se cerrará con la grandiosa Batman: Arkham Knight. Una muerte será el detonante para que los villanos de Batman hagan causa común. Si ya era complicado irlos atrapando uno a uno, imagínate ahora aliándose contra su odiado enemigo. En esta ocasión irán a por todas. Pero Batman también pondrá toda la carne en el asador. Como muestra este tráiler, que pone los pelos de punta de punta y emociona. ¡Esto es Batman!

¿Por qué la considero la guía definitiva?

Ahora si respondo a la pregunta ¿por qué considero «El Arte de la Trilogía Batman: Arkham» la guía definitiva? Porque todo esto que te he expuesto, a modo de presentación, aparece desarrollado en 300 páginas en esta guía.  300 páginas llenas de valoraciones y comentarios de los responsables del proyecto, junto con imágenes de gráficos, bocetos y esquemas, que nos muestran el proceso creativo de cada uno de los juegos que componen esta trilogía. «El Arte de la Trilogía Batman: Arkham» es una guía que te muestra todos los entresijos de Batman: Arkham. Con ella disfrutarán a tope sus jugadores y será todo un estímulo para aquellos que aún no se han animado a probar estos juegos. Ni que decir tiene que si eres aficionado del murciélago en todos los soportes, «El Arte de la Trilogía Batman: Arkham» es una compra obligada.

Sinopsis de El Arte de la Trilogía Batman: Arkham

batman arkham cosas felices

En el año 2009, se lanzó un nuevo videojuego de Batman, un juego que no se parecía a nada de lo visto hasta entonces en el mundo. ¿Su nombre? Batman: Arkham Asylum. Lo que seguiría a lo largo de los siguientes seis años fue una trilogía de videojuegos que cambiaría para siempre tanto la franquicia de Batman como el concepto de juego.

La franquicia Batman por Rocksteady: Arkham es un reinicio fresco y oscuro de una de las mayores historias de superhéroes de todos los tiempos. Todo un superventas.

Incluye ilustraciones conceptuales, bocetos y piezas de diseños ya finalizadas de los tres juegos; se completa con entrevistas a desarrolladores del juego y detallados pies de foto que comentan la atmósfera y el rol jugado por cada ilustración mientras atravesaba fases desde su concepción hasta su conclusión.

Nos leemos en otros posts de Las cosas que nos hacen felices.

Reseña Basura: Payasos Asesinos del Espacio Exterior

Bienvenidos, amantes de los lodosos fondos del séptimo arte. Hay una sorprendente cantidad de películas englobadas en esta sección por las que siento cierta predilección o incluso cariño. Hoy os traigo un caso especial, ya que esta película me trae buenos recuerdos, pero de verdad. Es, quizá, una de las pocas películas de mi sección que he visto acompañada. Fue en los albores de mi afición, cuando aún eran pocos los amigos y conocidos que sabían de mi afecto por la basura de la gran pantalla, y aun había algún incauto que caía cautivo en noches de pizza sin piña, demasiadas cervezas y esto. Os diría que hay spoilers, pero el que le puso el título a la película se me adelantó. Con todos vosotros, la reseña de Payasos Asesinos del Espacio Exterior.

Pasen y vean

Si habéis soportado el trailer, no hace falta que añada nada más. Pero como me pagan por palabra (o al menos, eso me gustaría), y no creo que hayáis sido capaces de verlo entero, voy a destriparos el engendro. Han pasado diez años desde que estrenara Tomates Asesinos (cuya reseña podéis ver aquí), pero John de Bello (Cuando me preguntaban que a quien quería más, si a papá o mamá, yo decía a John de Bello. Esto me viene de lejos) aún no está satisfecho. John de Bello, el padre de toda la mugre de la gran pantalla, quiere más. Así que John de Bello, una lluviosa tarde de abril, espeta a su mujer que no deje que nadie le moleste, y se encierra en su despacho acompañado únicamente de una humeante taza de café y un paquete de cigarrillos a medio terminar. Veinte minutos después, con el paquete sin abrir y el café igual de humeante, surge victorioso. Abraza a su mujer, llama a su agente y le confirma la evidencia: habemus obra de arte.

Cosas Felices 2

El argumento es como sigue: Un jocoso y algo violento grupo de extraterrestres con aspecto de payaso, aterrizan en un apacible pueblo de Estados Unidos, y empiezan a matar gente. Realmente me hubiera gustado expandir un poco esta sinopsis, pero me temo que es del todo imposible, porque en la hora y veinte que dura la película no pasa absolutamente nada más que esto que os he contado.

Un resumen del espectáculo

Mike y Debbie son dos jóvenes enamorados, que se encuentran haciendo cosas sucias en esos típicos descampados que los estadounidenses tienen solo para magrearse. Mientras están a la suyo, una estrella fugaz cae del cielo. Hay dos opciones, o bien la estrella fugaz no es tal, o bien Mike y Debbie son un par de anormales que pidieron como deseo una oleada de crímenes estelares en su pueblo. Me decanto por lo segundo. Como en cualquier buena peli de miedo, Mike y Debbie acuden prestos al encuentro del peligro, y se encuentran, ni mas ni menos, que con el mal. Es decir: Los Payasos.

Los Payasos llegan al pueblo de Debbie y Mike como podían haber llegado a Villar del Arzobispo, o al Carrefour de al lado de tu casa. Vamos, que más que llegar, es que pasaban por aquí. Porque mucho sentido, su visita, no es que tenga. Pero bueno, Mike y Debbie van a la policía, que no les cree (vaya usted a saber por qué). Tenemos a John Allen Nelson, que un año después entraría a formar parte de Los Vigilantes de la Playa, en el papel del poli que sospecha que tienen razón y comienza a investigar.

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¡No reniegues de tu pasado!

Tras mogollón de muertes ridículas, provocadas por pistolas de palomitas, globos en forma de animales, y juguetes varios, el poli que sospecha descubre una terrible verdad. Los payasos meten a la gente en capullos de algodón de azúcar que les corroe la piel y les deja líquidos, para que los extraterrestres puedan bebérselos con pajitas. Tras un heroico rescate de Debbie, que había caido en manos, perdón, en guantes enemigos, el poli descubre que el punto débil de los payasos es su nariz (evidentemente), y acaban destruyendo a los aliens… ¿O no?

La maravillosa lectura filosófica de esta epopeya

John de Bello es, posiblemente, lo más cercano a un Einstein cinematográfico que va a vivir nuestra generación. Sabe, a través de entretenidas epopeyas, hablar de los problemas de nuestra generación. Y ¿Que puede significar esta película? de Bello se estaba adelantando a su tiempo (como buen genio) y nos hablaba del peligro que las nostalgia en el séptimo arte. Algunos de mis compañeros (Carlos, Pedro, y algunos otros compis, por ejemplo) han comentado el peligro que la nostalgia supone para la creatividad en el cine y la televisión. Ellos no sabían, que ya en el 88, John de Bello era consciente de que los 80 iban a traer cola.

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La nostalgia, en forma de caricaturescos payasos de circo (eso que ya en los 80 estaban desfasados), nos envuelve el algodón de azúcar de la comodidad, y absorbe nuestra mente crítica, buscando nuevos productos originales y de calidad. John de Bello, allá donde quiera que estés, las almas de tus verdaderos creyentes elevamos al cielo una súplica, porque tus sabias revelaciones vuelvan a nosotros, en forma de cine basura. Amén.

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John de Bello, que estás en los cielos…

Si lo hacen, os las traeré bien desmigaditas. Hasta entonces… sed felices.

Regalamos 3 entradas dobles para el Heroes Comic Con de Valencia 2018

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Celebra con Las Cosas que nos hacen felices el Heroes Comic Con de Valencia 2018 que se celebrará los días 23, 24 y 25 de febrero.

Regalamos 3 entradas dobles para los días 23 o 25 de febrero (el día que queráis) para que vayas con tu pareja o tu mejor amigo.

 

¿Cómo participar?

En Facebook: Síguenos en Facebook y dale a compartir en nuestro concurso

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¡Suerte y sed felices!

 

Más sencillo es imposible.

Los ganadores y finalistas se darían a conocer el 23 de enero de 2018 través de la  y de las RRSS.

Venimos aquí a ser Felices

Dicen que la sombra del tilo relaja mientras que las de otros árboles enervan. Desde que participo activamente de este querido mundo de súper héroes, cómics, series y películas frikis, no hago más que encontrarme y leer opiniones subidas de tono y personas que se rasgan las vestiduras porque la nueva temporada de su serie favorita o el último estreno de cine no ha sido lo que ellos esperaban. Una ofensa difícil de aceptar por lo que se ve. Aunque ya se adivina mi opinión sobre esta situación pasemos a desarrollarla un poco más.

Venimos aquí a ser felices. Y con este aquí me refiero a ese entorno donde refugiarnos del duro día y el yugo de la existencia. Este círculo de felicidad donde disfrutar con las cosas que nos evaden y distraen, en definitiva, que nos hacen felices, como bien reza el nombre de esta web. Desde este prisma, mi disposición cada vez que leo un cómic, veo una película o un capítulo de una serie que me interesa es la de disfrutar. Y como mi disposición es esa, mi consciencia está predispuesta a ello y se aferrará a los pequeños y básicos detalles para proporcionarme ese disfrute si es que el peso específico del producto que se me presenta no es lo bastante consistente. Esto no quita para que mi espíritu crítico esté presente pero siempre me tomo estas vivencias como una oportunidad de pasarlo bien, hecho del que pienso que también depende de mí y no sólo de lo que veo. Así, no puedo comulgar con las personas que se enfurecen por el giro argumental que ha tomado su serie favorita o por esa película donde han matado a un personaje relevante. Leo opiniones que hablan de indignación, enfado de proporciones bíblicas, expresiones como ¨esto pasa porque tragamos ¨ y otros exabruptos totalmente desproporcionados en mi opinión. Me pregunto cuál será la reacción de esas personas entonces cuando vean en el telediario la noticia de una matanza de inocentes o la de un desastre natural que ha dejado a cientos de familias sin hogar.

Venimos aquí para ser feliz Las cosas que nos hacen felices

Hace algunos meses realicé los análisis de la temporada de Juego de Tronos para la web. Creo que era el tercer año que me encargaba de ellos. Recibí bastantes comentarios donde se me penalizaba por no atacar a la serie y no decir que la temporada era una vergüenza. Pero yo no lo veía así. Como dije en uno de los capítulos, ¿ Es la temporada más floja ? Sí ¿ He disfrutado con ella ? También. Y en mi opinión no hay más. Este tipo de productos están en nuestro mundo para entretenernos. Hacernos sonreír. Terapia de gran poder y que muchos han olvidado. ¿ Que no es lo que esperabas ? Pues adecua tu propia disposición y disfruta con lo que tienes delante. Si aún así no lo consigues, tienes en la bandeja de ofertas un surtido tan extenso que no tienes más que saltar hacia otro objetivo. La vida tiene demasiadas aristas dispuestas a rasgarnos la piel como para que nosotros nos tomemos tan a pecho estas cosas. No hay nada de malo en decepcionarnos con una película o una serie. Lo mismo con un cómic. Y además es muy posible que lo que a ti te decepciona a tu vecino le guste. En la variedad está la belleza.

Venimos aquí para ser felices Las cosas que nos hacen felices

Dicen que la sombra del tilo relaja y la de otros árboles enerva. Y en el mundo ya hay demasiadas personas bajo la sombra de esos otros árboles. Así que por qué no probáis a pasar vuestras tardes libres bajo la sombra del tilo. Disfrutemos de Spiderman volviendo a casa, de Tyrion y su dominio del diálogo, del Capi y su sentido del deber, de las batallas en el espacio, el poder de la Fuerza, de los comentarios ingeniosos de Deadpool y la aventuras de Geralt de Rivia. Y cuando además lo que veamos se ajuste a nuestra expectativa entonces tengamos un sobre disfrute. Pero no echemos por tierra un tiempo invertido en evadirnos de lo que nos subyuga. Los días no vuelven. Ni los momentos de asueto. Ni las oportunidades de ser feliz. Y venimos aquí a eso. Ese frondoso tilo nos está esperando para que nos resguardemos en su sombra. Está en nosotros aceptar la invitación.

Un abrazo a todos.

Fase Extra: Nintendo Direct Mini, Cyberpunk 2077 da señales de vida y Quantic Dream bajo investigación

Bienvenid@s amigos y amigas una vez más a nuestra cita semanal con Fase Extra, nuestra sección de videojuegos donde hablamos de lo más candente de la industria… ¿qué?, ¿Que últimamente las noticias no son muy interesantes? Pues es verdad, estamos en la ‘cuesta de enero’ del mundo del entretenimiento en general y los juegos, como todo, ahora se resienten. Aun así no desesperéis amigos/as ya que esta semana seguimos teniendo noticias interesantes.

Ha habido mojama otra vez con Destiny 2 y las cajas de botín, intenciones de futuro de Bungie, patentes de EA etc. pero ya os lo detallaré más adelante, hoy lo que tenemos es un Nintendo Direct Mini bastante potente, unos muy breves y tenues latidos de Cyberpunk 2077 que se sigue gestando y una noticia de industria interesante: acusaciones contra Quantic Dream de trabajadores y extrabajadores que hablan de racismo, sexismo y ambiente toxico. El tema de las condiciones de trabajo en la industria tiene tela y ya lo hablaremos por aquí, pero esta noticia que ha saltado a la prensa tradicional creo que tiene interés para todos los aficionados.

En fin, vamos allá ¿preparados? Podéis leer el resto de artículos de Fase Extra pinchando aquí.

LO MEJOR DE NINTENDO DIRECT MINI

Este pasado 11 de enero, Nintendo lanzó un Mini-Nintendo Direct sorpresa tras varias semanas de especulación por parte de los fans que esperaban anuncios bastante estratosféricos tipo Pokémon o Smash Bros. Si bien no pudimos ver anuncios de tal calibre, si que tuvimos bastantes sorpresas que harán las delicias de los usuario de Switch. Aquí o detallamos los más jugosos:

PORTS DE WII U

Puede que la ya difunta Wii U no fuese la mejor consola de todos lo tiempos, pero sigue viva en espíritu gracias a Switch y ahora muchos de sus grandes éxitos pasan a su hermana mayor para que todos los podamos disfrutar. Tenemos una versión definitiva de Hyrule Warriors con contenido especial de Breath of the Wild, un Donkey Kong Country: Tropical Freeze mejorado y contenido extra para Pokkén Tournamente DX. Eso es todo de momento, pero se perfilan más en el horizonte.

DARK SOULS LLEGA A NINTENDO

Tras mucha especulación, la versión resmasterizada del Dark Souls original de From Software, que saldrá a la venta este 25 de mayo, llegará también a Nintendo Switch. Alguno se sorprenderá de que esta brutal saga ponga lo pies en la casa de Mario, pero es un signo muy saludable  del apoyo de las third parties a la nueva y exitosa consola de Nintendo. El juego nos llegará además con el DLC Artorias of the Abyss incluido, así que no hay excusa para no probarlo (o rejugarlo, si eres fan) en Switch o cualquier otra plataforma.

THE WORLD ENDS WITH YOU: FINAL MIX

La fantasía urbana es un nicho raro dentro del mundo del RPG. A parte de la saga Persona, poco hemos visto y puede que sea por eso por lo que lo fans han estado clamando por más ‘The World Ends with You’, el ya clásico de Nintendo DS que nos ponía en los zapatos de un chaval llamado Neku en pleno distrito de Shibuya, Tokio. Esta versión de Switch: TWEWY: Final Mix no es una secuela sino un remaster, pero nos indica que Square Enix no se ha olvidado del título y nos da una oportunidad de redescubrirlo en sobremesa si no lo jugamos en su día en portátil.

VUELVE MARIO TENIS

Vuelve uno de los juegos de deportes de Mario más míticos de todos los tiempos mezclando el potencial gráfico de sobremesa con un nuevo y flamante modo historia al más puro estilo de su anterior versión para Game Boy Color.  Mario Tenis Aces es el nombre de esta nueva entrega que nos promete horas y horas de diversión, veremos si esta mezcla de deportes con elementos RPG acaba siendo la combinación ganadora que nos promete.

LUIGI LLEGA A SUPER MARIO ODISSEY

El laureado nuevo juego del (ex)fontanero italiano va a recibir un montón de contenido descargable gratuito, trajes para Mario, filtros para las fotos y un nuevo modo llamado Balloon World en el que podremos o bien esconder o intentar encontrar globos a lo largo y ancho de diferentes mundos, lo interesante del asunto e que se trata de un modo competitivo en el que bucamos los globos colocados por otros jugadores y ellos buscan los que escondemos nosotros, con rankings online incluidos.

CYBERPUNK 2077 RESUCITA EN TWITTER

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La cuenta de Cyberpunk 2077, el próximo y esperadísimo RPG de acción de los creadores de The Witcher III, ha dado esta semana sus primeros visos de vida desde 2013 (que se dice pronto). A parte de unas supuestas filtraciones y rumores de toda índole, no sabemos nada del título desde hace años. La mayoría de fans han interpretado ese pitido como un metafórico encendido de la maquinaria de marketing y esperan (servidor incluido) que a partir de ahora comencemos a tener información a intervalos regulares sobre como se va desarrollando el que es, sin duda alguna, uno de lo grandes exponentes y esperanzas del género.

QUANTIC DREAM ACUSADO EN PRENSA DE ‘AMBIENTE DE TRABAJO TÓXICO’

El estudio francés del prolífico David Cage, que nos ha traído título como Heavy Rain o Beyond: Two Souls y que está en el candelero con su nuevo Detroit: Become Human ha saltado al candelero de diferentes medios digitales franceses como Canard PC o Le Monde y con grandes webs como Kotaku o Eurogamer difundiendo el asunto.

La cosa empezó con la denuncia en 2017 de cinco exempleados de la compañía que se quejaban de la difusión en el estudio de más de 600 imágenes degradantes, homófobas y sexistas modificadas por Photoshop. Las imágenes llevaban circulando desde hacía años y algunas llegaban a incluir símbolos fascistas, mientras que los cabezas de estudio negaban todo conocimiento de las más ofensivas. Si queréis verlas, podéis pinchar en el link que os he puesto más arriba de Canard, pero tened cuidado si estáis en el trabajo porque incluyen imágenes transfóbicas, consoladores y demás.

Sin embargo, la cuestión no son las fotos en si, sino que estas han propiciado de parte de desarrolladores de dentro y fuera del estudio una conversación sobre la toxicidad, transfobia, homofobia, racismo y sexismo que, según ellos, imperan en su interior y lo convierten en un lugar de trabajo ‘toxico’. Según declaraciones, el propio David Cage suelta chascarrillos racistas cuando le viene en gana y en director ejecutivo Gillaume de Foundamière se toma libertades más que cuestionables con las empleadas del sexo opuesto.

Según los datos actuales, más de 50 empleados han dejado el estudio entre 2015 y 2016, muchos de ellos presuntamente con diagnósticos de cansancio mental y depresión. Y esta no es la única historia actual sobre el tema, a finales del año pasado ya tuvimos polémica sobre las supuestas duras condiciones laborales en CDProjekt Red, pero si todo esto es verdad eso sería una simple nota a pie de página en comparación.

En fin, yo os doy los datos, vosotros formad vuestra opinión. En el ínterin, Quantic Dream ha lanzado un comunicado que podéis leer aquí en el que deniegan toda responsabilidad y en el que profesan van a defender su honor, lo podéis leer pinchando aquí.

Y hasta aquí la Fase Extra de esta semana. Espero que os haya gustado y si es así, compartid y comentad, que nos ayudaría muchísmo. La seman que viene más, nos leemos y hasta entonces y como siempre, sed muy felices jugadores.

Las cosas que nos hacen temblar: slashers y la innovación

Bienvenidos una vez más a este tétrico rincón de Las cosas que nos hacen felices. Esta vez he querido dedicarle este espacio a el subgénero dentro del cine de terror que más me gusta (aunque suele pecar de repetitivo) por su encanto y por su capacidad de, con la misma repetida formula, mantenerte entretenido durante los 90 minutos de media que suelen durar estos productos fílmicos. Mi intención no es hacer un repaso preciso y completo sobre el subgénero, pues me llevaría varías entregas de la sección debido a la cantidad de filmes con los que cuenta, así que solo me centraré en esas películas que han revolucionado el mundo de los slasher, dándole otro enfoque y despertando el interés de los no asiduos al mismo. Tened cuidado con el asesino del cuchillo que empezamos.

Para más artículos de esta sección consulte el siguiente enlace: Las cosas que nos hacen temblar.

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El capitán Kirk te saluda

Slasher

Por norma general, el cine slasher suele caracterizarse por tener unos elementos comunes que sirven para definir a la mayoría de sagas que han hecho famoso al subgénero. Las suelen protagonizar un grupo de adolescentes que, movidos por sus hormonas, se retiran a un lugar apartado de la mano de Dios para dar rienda suelta a sus instintos más primitivos. También hay por ahí un asesino (perturbado por diversos traumas) con preferencia por la caza indiscriminada de pubertos con aspecto de treintañeros (entre ellos, un tal Mike al que le encantan los sótanos), lo que suele acabar en un festival de casquería del que solo saldrá viva una persona, la virgen inocente que plantará cara al carnicero. El asesino suele sucumbir de la manera mas random posible dejando vía libre para escapar a la virginal protagonista que, cojeando, hace lo posible por sobrevivir. El asesino ha muerto y la pesadilla se ha ido junto a él. Error. El asesino sigue vivito y coleando listo para seguir matando a más viejóvenes durante nueve secuelas más.

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¿Es aquí el casting para la próxima entrega de Viernes 13?

Bueno, tras este breve paréntesis, empecemos a entrar en materia.

Scream (1996)

Empezamos esta breve lista con el que es, para mi, el rey de los slasher. También es que quizás peque de nostálgico pero es que no solo se convirtió en un filme revolucionario dentro de su género (cogiendo los mismos elementos que  habían hecho famoso al mismo pero con bastante «elegancia») sino que también lo revitalizó. Gracias Wes Craven por revitalizar un subgénero en declive como era el slasher por aquel entonces.

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Ghostface ha muerto, larga vida a Ghostface

¿Qué es lo que lo hace revolucionaria? Pues, su forma de contarnos la historia, mismos elementos, diferente ejecución. A diferencia del resto de slashers, más preocupados por la casquería que por el argumento, Scream intenta sorprendernos con diferentes giros en la trama y lo consigue. Sus secuelas a pesar de ser buenas películas de terror (exceptuando la cuarta, donde el desgaste ya era más que evidente) no consiguen golpear con la misma contundencia al espectador. También demuestra lo importante que es para un slasher que su asesino esté envuelto en un halo de misterio. El asesino en Scream puede ser cualquiera, no hace falta medir dos metros y blandir un machete para dar miedo, la incertidumbre es su mejor arma (bueno, y un cuchillo). Una saga cuasi imprescindible para todo fan del terror (que se sepa que ese cuasi es por culpa de la cuarta entrega).

Las últimas supervivientes (2015)

https://www.youtube.com/watch?v=wArJEMjnXs8

No os dejéis engañar por su premisa cómica y descabellada que estamos ante una película slasher al uso. Ya en Scream sus protagonistas eran conscientes de que podían estar viviendo dentro de una película del subgénero slasher o al menos los eventos que se originaban a su alrededor los hacían dudar de que así fuera, con Las últimas supervivientes vamos aún más lejos. Los personajes principales acaban, por accidente, dentro de una película llena de personajes genéricos, con un asesino gigante cabreado, en bucle constante y con todos sus elementos restantes bien caracterizados. Por lo tanto, el filme resulta tan paródico como fiel a los cánones del subgénero. De lo mejor de su año en lo que a cine de terror y comedia se refiere (tampoco es que sea una mezcla muy extendida) e imponiéndose como toda una deconstrucción del slasher.

Feliz día de tu muerte (2017)

https://www.youtube.com/watch?v=QzMX83gWxxA

La más reciente de todas las películas que hoy os expongo aquí y otro intento de revitalizar un subgénero que se ha visto colmado de entregas genéricas. En esta ocasión nos encontramos con una especie de Perdido en el tiempo meets Halloween en el que el enésimo serial killer acecha a los protagonistas en bucle constante. El asesino no tiene que esperar hasta el final de la película para volver a acosar a estos viejóvenes tan recurrentes en el cine slasher, un punto para ellos. La película consigue entretener lo suficiente como para que se nos pase volando, gracias a su tono desenfadado, con pizcas de humor negro (como es usual en este tipo de producciones) que nos recordará todos y cada uno de los tópicos del género. Aunque, por otra parte, la casquería brilla por su ausencia (o al menos, no aparece tal y como estamos acostumbrados los seguidores de este tipo de producciones) y eso le puede restar puntos. Como sea, un divertimento bastante original (aunque no deja de ser lo que es) con el que echar un buen rato de risas. Recomendable.

La cabaña en el bosque (2012)

Estamos ante una de las mejores películas dentro del género de terror y una de las más inteligentes que he tenido el placer de ver dentro del mismo, visualmente es fantástica y cada escena, cada decisión que toman los guionistas no hace más que confirmar que manejan el género con absoluta perfección. ¿Y por qué me gustó tanto? Porque el cine de terror está tan manido que es difícil encontrar un filme que realmente te sorprenda y, sin duda, estamos ante uno de ellos. Me veo en la obligación de explicar ligeramente su argumento (con dificultad pues, debido a la naturaleza del filme, se hace complicado sin destripar nada). Un grupo de cinco jóvenes universitarios se disponen a pasar una noche en una cabaña situada en un remoto bosque (chupito) y paro de contar, pero os daré una pista: si Feliz día de tu muerte era el Atrapado en el tiempo de su género esta sería El show de Truman. Una de las mejores películas de su año y de los últimos años si hablamos de cine de terror. Mi consejo, dejaos llevar por Drew Goddard y Joss Whedon, esos dos saben lo que hacen.

Destino Final (2000)

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Oda al asesino sin rostro

Destino Final es una saga, que a pesar de su simplicidad, resulta difícil de catalogar, ya sea por su asesino invisible, por los sueños premonitorios de su protagonista o por su galería de personajes que de típicos que son se hacen insoportables. Seamos sinceros, no es una buena saga pero si que se convirtió en una garante de lo diferente en su momento. Lo que si podemos alabar de la película es que consigue sorprender mostrándonos un asesino que no estábamos acostumbrados a ver como personaje dentro de una película del género (pero muy presente como concepto), la muerte. Ésta se molesta bastante por las habilidades del protagonista y empezará a matar a cada uno de sus amigos de formas bastante gráficas. Lastima que los personajes te importen un bledo (que no sé de que me quejo pues todos los futuros cadáveres o protagonistas de un slasher son así de odiosos siempre) y no sean más que futura carnaza. La dirección, el guión, la música, nada destaca en este filme y tampoco se lo pedíamos, entretiene y con eso me basta. Para ver cine complejo me pongo una de Tarkovsky.

Hasta la próxima

Aprovecho estas últimas líneas para despedirme de ustedes por ahora, nos veremos en la siguiente entrega de Las cosas que nos hacen temblar y, para lo que se preguntáis la ausencia de sagas como Saw, solo me queda decir que hay ciertos películas susceptibles de parecer pertenecer al género pero que por ejecución pierden los elementos que me harían considerarlas como tales. Saw es un thriller gore no un slasher, pero todo esto bajo mi punto de vista claro está. Bueno, que seáis muy felices y hasta la próxima.

Crítica de El extranjero, los viejos rockeros nunca mueren.

Como reza la leyenda: Los viejos rockeros nunca mueren. Y para demostrarlo Pierce Brosnan y Jackie Chan interpretan los papales protagonistas en El extranjero, un thriller de acción ambientado en Londres e Irlanda del Norte. Es una adaptación de la novela The Chineman de Stephen Leather en la que el terrorismo del IRA reaparece tras 19 años de inactividad.

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El film arranca con un atentado terrorista en Londres en el que se ven involucrados  Quan Ngoc Minh (Jackie Chan) y su joven hija Fan. Fan fallece y así Quan pierde al último miembro de su familia. Quan es un hombre al que le ha perseguido la tragedia a lo largo de su vida y siente que ya lo ha perdido todo. Esto despertará un ansia de venganza en él y no se detendrá hasta conseguirla.

Hasta este momento parece que nos encontramos en ante un remake de «Yo soy la justicia» o cualquiera de películas de Steven Seagal en las que ya ha superado los 120 kg de peso. Por suerte para el espectador, la trama se complicará. Paralelamente a la historia de Quan, iremos conociendo al viceministro principal de Irlanda del Norte Liam Hennessy (Pierce Brosnan). El personaje está basado en la figura de Martin McGuiness, fallecido en 2017. A través de este personaje se nos mostrará lo que ocurre detrás de los focos de la política británica. La relación con el gobierno de Londres y con los líderes de la extinta IRA.

En mi opinión esta es la parte realmente interesante de la película, pues como ya he dicho, la trama de la venganza es tan simple como trillada. Sin embargo, la venganza resulta un complemento perfecto a la película, ya que, aporta acción en su justa medida.

La trama política, sin ser muy rebuscada, está repleta de giros de guión que nos hacen desconfiar de todos y de todo constantemente.

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Si nos centramos en las interpretaciones, destacaría a los dos protagonistas.

El actor de Hong Kong creo que cumple con la mejor interpretación de su carrera cinematográfica. Reconozco que no es poner el listón muy alto, pero por fin lo vemos como un actor dramático. No hay ni una sola de sus típicas muecas cómicas durante toda la película, lo cual le da veracidad al personaje. Y en su punto fuerte, las escenas de acción está perfecto. Parece mentira que a sus 63 años de edad siga en ese estado de forma. Continua interpretando sin dobles todas las escenas, y esto, en un universo cinematográfico donde el cgi lo invade todo. Particularmente, sigo disfrutando mucho más las escenas de acción real, que los videojuegos filmados en los que todo explota sin remisión.

Pierce Brosnan está simplemente espectacular. La verdad es que el papel que le ha tocado interpretar es un regalo para cualquier actor y él lo ha sabido aprovechar. Se trata de un personaje con muchas caras, y en cada escena nos irá mostrando una de ellas. ¿Quién es Liam Hennessy? Ese será un misterio que tendremos que ir descubriendo a lo largo de la historia. Acostumbrado a verle interpretar personajes blancos como James Bond, Remington Steele o Harry Dalton, ha sido un verdadero placer verle metido en la piel de este ex dirigente del IRA.

Los actores de reparto son el complemento perfecto (sobre para  Pierce Brosnan), ya que, la interpretación de Jackie Chan es más introspectiva y aislada. Desde el primero hasta el último cumplen de forma solvente con su papel. Pero por destacar uno, a mi me a encantado la actuación de Michael McElhatton.

Sin título

Como la película entra de lleno en el momento actual, si no estás un poco al corriente de la problemática social de Irlanda del Norte puede que te pierdas algunos detalles de la trama, o simplemente, que no entiendas de que diantres están hablando. La película no da ningún tipo de explicaciones respecto a los antecedentes históricos, así que hay que ir con los deberes hechos de casa. Si vas a ir a verla y, tal vez, por tu juventud no sepas nada, no está de más leer un poco sobre lo que ocurrió por allí durante los años 70 y 80.

Conclusión:

El extranjero atrajo mi atención por su reparto. Aunque se trate de dos actores que no están en el momento más álgido de su carrera, son siempre fiables. Los personajes están muy bien trabajados, son creíbles y atrayentes. La historia es entretenida y cargada de emoción. Las escenas de acción son más que aceptables. No pasará a la historia del cine como una obra maestra. Pero los 113 minutos de metraje se me pasaron volando.

Lo mejor de la semana en cine y tv. Lindsay Lohan a DC, el bronceado en Agrabah, Blade Runner 2000 y algo, el odio al #MeToo y el bueno de Wiseau

Bienvenidos de nuevo una semana más a Lo mejor de la semana, la sección donde destacamos los acontecimientos más importantes del mundo del cine y de la televisión. Esta segunda semana del año ha tenido un componente totalmente cinéfilo, pero recordad que si hay alguna noticia que nos hemos saltado la encontraréis en nuestro Twitter, donde publicamos al día todas las noticias relevantes. Sin más dilación, empezamos.

DE HERBIE A GOTHAM

Comenzamos con una de esas noticias que de tan curiosas, parecen mentira pues resulta que la adorable (hace años) Lindsay Lohan se ha propuesto como Batgirl para el Universo DC.

Que se proponga no es lo mismo que la cojan, pero visto lo visto con algunas decisiones de Warner, esperemos que las pruebas para ser la aprendiz de Batman sean lo suficientemente estrictas.

https://twitter.com/lindsaylohan/status/949637009454305281

MEJOR MÁS BRONCEADOS

Vamos con una noticia de sobra importante e interesante, lo de antes era para abrir apetito. Disney está reviviendo sus clásicos pasados de animación y convirtiéndolos en cintas de acción real. Sea por falta de ideas o por amor a estas obras que así no desaparecen en el olvido (más bien lo primero), pero Disney ha optado por llevar a cabo la cinta de la famosa Aladdin, y no está exenta de polémica.

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No sabemos cuándo saldrá ni cómo, pero Disney ya tiene a la gente en su contra debido a su decisión de «broncear» a los extras para hacerlos más similares a los ciudadanos de la ficticia Agrabah. Esta polémica sale de boca de Kaushal Odedra, un intérprete que trabaja como doble de luces de Mena Massoud (Aladdin en la cinta).

“Me dijo que le parecía mal, pero que así es como funciona la industria y que, como la cosa no va a cambiar, es inútil quejarse. No protesté en el plató porque hablar del tema con “un equipo compuesto casi exclusivamente por blancos” me parecía “intimidante”.

Ya tenemos el primer caso de whitewashing de 2018, pero en este caso, ¿blackwashing? No se, pero lo cierto es que según la representante de Casting Collective, quien provee a la cinta de extras, es una práctica muy habitual en esta cinta y en muchas otras.

¿Por qué no coger a actores que de por sí den el pego? Vete tú a saber, pero Aladdin no va a ser la primera ni la última cinta que tenga alguna que otra polémica en cuanto a etnias se refiere.

RIDLEY AMIGO, SI POR PEDIR PIDE LO QUE QUIERAS

Después de que la primera semana del año os trajera cómo Ridley Scott se había convertido en una especie de Hulk, pero con 80 años, esta semana parece que el realizador británico está más calmado, pero no ha dejado de hablar. Esta vez las fichas van en dirección a una saga que él mismo comenzó y que ya criticó por su excesiva duración. Sí amigos, es Blade Runner.

Scott en una entrevista para Digital Spy ha confesado que no estaría nada mal una tercera parte de Blade Runner:

«Espero que la haya. Creo que hay otra historia. Ya la tengo, y está lista para evolucionar y desarrollarse, así que está claro que nos queda otra película que hacer, seguro”.

Recordemos que Blade Runner no es la única saga que ha estirado demasiado, antes ya tenemos el caso de Alien con Prometheus y Alien: Covenant que si bien no eran del todo malas, no satisficieron al gran público ni a la prensa.

EL CASO WEINSTEIN A ESTE LADO DEL CHARCO

Harvey Weinstein no está en prisión, pero tiene vetado su acceso a Hollywood de por vida. La gran mayoría de las estrellas le odian y ya hay un gran número de mujeres que no se han callado sus acosos y tampoco el de otros grandes nombres de Hollywood. En Europa también han habido casos de la misma índole, pero ¿dónde estaban las actrices europeas mientras tanto? Muchas han hablado sobre casos de acoso, pero esta semana hemos despertado con una noticia de sobra peculiar para el mundo del cine y de todo en general, un colectivo que no defiende a Harvey Weinstein, pero que tampoco acepta el famoso #MeToo.

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Este colectivo incluye a escritoras como Catherine Robbe-Grillet y Catherine Millet o la cantante Ingrid Caven, pero también a una estrella del séptimo arte como Catherine Deneuve.

“La violación es un crimen. Pero el flirteo insistente o torpe no es un delito, ni la galantería una agresión machista. Después del escándalo Weinstein ha habido una legítima toma de conciencia de la violencia sexual ejercida sobre las mujeres, especialmente en el entorno profesional donde ciertos hombres abusan de su poder. Era necesaria. Pero hoy esa liberación de la palabra se torna en su contra: se nos ordena hablar como es debido y callar lo que molesta. Quienes se niegan a plegarse a esas órdenes son vistas como traidoras, ¡cómplices!”.

Así comienza el texto que ha redactado la escritora y psicoanalista Sarha Chiche y que pone voz a este colectivo. El texto está publicado en el medio francés Le Monde y como es obvio ha generado una ola de críticas y reacciones en contra en las redes sociales.

TODO EL DINERO DEL MUNDO PERO PARA ÉL, ELLA NO

Y volvemos a Estados Unidos con la contrapartida de la noticia anterior. Sí, no es un caso de acoso, aunque viene de un caso de acoso sexual, y es que el equipo de Todo el dinero del mundo tuvo que volver al set de rodaje para borrar las escenas donde el actor Kevin Spacey aparecía para ser sustituido por Christopher Plummer.

Como es obvio en estos casos, los rerodajes no son baratos, pero Ridley Scott los ha preferido antes de que su cinta sea «mancillada» con la presencia de Spacey, pero la polémica ha saltado por sus otros dos protagonistas y es que Michelle Williams habría cobrado un salario de 80 dólares por repetir sus escenas en la cinta.

“He oído que ella [Michelle Williams] cobró 80 dólares al día, comparados con los MILLONES de él [Wahlberg]. ¿Alguien podría explicármelo? Espero que los datos salgan a la luz y ella se llevara un salario justo”.

Ha sido la actriz Jessica Chastain la que ha puesto el grito en el cielo ante el desorbitado cheque que ha recibido el Wahlberg y la insignificante cifra que ha obtenido Michelle Williams. No creo si quiera que por muchas escenas que Wahlberg tuviera que rodar justifiquen los millones de diferencia entre ambos.

MICHAEL DOUGLAS SE MARCA UN SPACEY, PERO SIN SER GAY

La carrera de Kevin Spacey está acabada definitivamente. No hay nada que pueda salvar al actor tras los constantes momentos donde se ha excedido con sus tocamientos, pero se ve que la artimaña de declarar que es gay para mitigar la polémica ha calado en otros.

michael douglas

En este caso Michael Douglas y no, no es que sea gay, pero ha decidido que lo mejor para mitigar una polémica que no existía aún era negarla.

“Mi abogado me dijo que THR quería hacer una historia sobre una empleada que trabajó para mí hace aproximadamente 32 años. Ella afirma que usé lenguaje colorido delante de ella, no dirigido hacia ella; también que tuve conversaciones telefónicas delante de ella en las que empleé términos obscenos o subidos de tono con amigos míos, en conversaciones privadas. Acabé despidiéndola por motivos relacionados con su trabajo, pero también afirma que torpedeé su carrera en la industria e impedí que consiguiera otro trabajo. Y, por último, afirma que me masturbé delante de ella”.

El texto sigue y podéis leerlo en la página de Deadline, pero saltar antes de que la polémica te salpique es curioso y en cierta forma rastrero.

¿LO HIZO WISEAU?

Gracias universo por poder escribir una noticia de Tommy Wiseau.

tommy wiseau

Tommy Wiseau ya triunfó, aunque no de la manera que querría, con The Room hace más de 15 años. El actor estado… europ… Del mundo vio como su sueño de llevar a cabo una película se cumplía con esa hilarante cinta, y ahora es portada en todos los medios gracias a James Franco.

Franco, como sabéis, ha dirigido y protagonizado la cinta The Disaster Artist donde relata, según el libro de Greg Sestero, cómo fue el tortuoso camino para llevar a cabo The Room. Pero, ¿es Tommy Wiseau el director de la famosa, odiada y alabada a partes iguales, cinta?

“Yo dirigí toda la película salvo por las escenas de amor y los trabajos de segunda unidad en San Francisco. Todos los momentos de The Disaster Artist en los que se ve a Tommy dirigiendo no ocurrieron jamás. La idea era mantener la locura, llevarla al límite y dejar claro el hecho de que todo el mundo, salvo una persona, sabía que estábamos haciendo una comedia.

Estas han sido las palabras de Sandy Schklair (Seth Rogen en la cinta) quien ha publicado esta semana el libro Yes, I directed ‘The Room’, un libro de memorias en el que se autoproclama director de la cinta. ¿Verdad? ¿Mentira? No lo sabemos. Lo cierto es que si The Disaster Artist es tan verídica como el propio Franco y Sestero admiten, el papel de Wiseau como director podría pasar a segundo plano por la lógica de sus argumentos.

tommy wiseau

Sin embargo señor Schklair, nadie va a dejar que este bomboncito pierda su lugar honorífico en el plantel de peores directores de la historia.

RADCLIFFE 1 – DEPP 0

El caso de Johnny Depp en Animales Fantásticos no se va a olvidar. Después de que la mismísima J. K. Rowling defendiera la inclusión del actor en la secuela como el antagonista principal, muchas han sido las voces que han clamado por un boicot a la película. Esta vez el que ha hablado ha sido el «niño que sobrevivió», que aún está dispuesto a enfrentarse a las fuerzas oscuras, en este caso del abuso.

«Es algo muy difícil para mí. Pero veo el motivo por el que la gente está frustrada. No estoy diciendo nada que otros no hayan dicho antes –y esta es una extraña analogía- pero en la NFL [Liga Nacional de Fútbol Americano] hay muchos jugadores que son arrestados por fumar hierba y el comportamiento de otra gente va más allá de eso pero es tolerado porque son jugadores famosos. Supongo que lo que me impactó es que nosotros tuvimos a un tipo que fue reprendido por esto en la película, así que obviamente de lo que ha sido acusado Johnny es mucho más grave que eso».

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Así, Daniel Radcliffe se pone de parte de los fans aunque de una manera ciertamente ambigua y que muchos habrían preferido que corriera la sangre, pero es todo un caballero y se le respeta.

Y con esto acabamos la sección semanal. Ya sabéis, si os gusta estaremos aquí con otra sección el próximo domingo. Un saludo y sed felices.

El cómic de la semana: Monstress, de Marjorie Liu y Sana Takeda. La fantasía épica steampunk en los tiempos del feminismo

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana, y también quiero dar la bienvenida a los auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez. Otra semana más tenemos un especial de La Tapa del Obseso con el cómic de la semana.

Un feliz lector de esta sacrosanta página, Juan Antonio Recuero, venía hablando de un cómic que, decía, era de lo mejor dibujado el año pasado. Era «Monstress», que en España lo sacó Norma Editorial en octubre del año pasado. Recomendado por el mismísimo Neil Gaiman, como podemos ver en la portada del tomo. Como nos debemos a nuestro público y al Pueblo, el Alto Mando del blog me encomendó la importante misión de leerme el cómic y, en caso de descubrir gloria, difundir la buena nueva para aquellos que aún andan despistados sin conocer dicha alegría.

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El tomo nos habla de la protagonista, Maika, un ser con apariencia de mujer humana de pelo negro que tiene dentro de sí una entidad divina sospechosamente lovecraftiana. Su búsqueda es la búsqueda de respuestas sobre su pasado. Todo ello en un mundo del género fantástico con unas cuantas particularidades. En primer lugar, estamos en un mundo clásicamente steampunk, con sus armas de fuego, sus elementos mágicos, sus vestidos, sus noches aterradoras y sus ropajes extrañamente decimonónicos pero con un punto de Art-Déco. Incluso algún diseño de página recuerda a las cosas de H.R. Gigger. El cómic tiene un tono generalmente oscuro con matices ocres, dándole a la narración gráfica un toque tan elegante como inquietante. Porque tanto el dibujo como la narración se hacen uno para contarnos un relato de un mundo fantástico, con sus razas, las relaciones y conflictos entre ellas, su historia y mitología, en una sintonía estupenda y en la que en ningún momento chirría.

Es un gran mérito de las dos creadoras del cómic, que como recuerda acertadamente la contraportada, han conseguido una mezcla fantástica entre dibujo y narración oriental y occidental. La estadounidense Marjorie Liu ha escrito varios best-sellers, además de haber pasado por Marvel (Lobezno Oscuro, Viuda Negra, Astonishing X-Men), además de dar clases de guión de cómic en el Instituto Tecnológico de Massachusetts. Por su parte, la japonesa Sana Takeda ha sido artista digital en SEGA, ha pasado a ilustrar en Marvel cosas como X-23 o Ms. Marvel. Podéis echar un vistazo a sus dibujos aquí: me parece que tiene un estilo que fusiona estilos occidentales y orientales de manera plástica y bellísima, la verdad.

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Pero además de uno de los tomitos más bellos en cuanto a dibujo del año pasado, luciendo especialmente bien cuando hay edificios de por medio o cuando aparece lo mágico o sobrenatural, es una historia de épica fantástica en tiempos del feminismo. Más allá de nuestras opiniones respecto al tema creo que debemos estar de acuerdo que el feminismo ha venido para quedarse y es un tema absolutamente central en el escenario público de los países occidentales. El cómic es, vaya, aventuras, guerras, conflictos entre razas fantásticas, gatos que hablan, una protagonista con un monstruo lovecraftiano dentro de sí, hechizos, momentos que parece casi un cómic de miedo…todo ello muy disfrutable con un ritmo estupendo, además de lo que ya hemos hablado de lo espectacular del dibujo, pero está claro que es más que eso. Al fin y al cabo, en la historia los personajes que ostentan poder son prácticamente todos mujeres. Hay un hombre poderoso por ahí, otro por allá…pero el grueso de la historia son mujeres aliándose, traicionándose, matándose, haciéndose amigas y demás por sus intereses personales o políticos. No les guía otro hombre o su interés en ellos. Los hombres aparecen, sí, pero en el papel que históricamente aparecen las mujeres en la ficción: uno es una especie de esclavo de una de ellas, un par de mercaderes por ahí…casi al final podemos ver un ser fantástico masculino con poder de verdad. Prácticamente todos los seres poderosos y protagonistas son mujeres. Es raro, claro: es una clara inversión de la importancia histórica de cada género en la historia. Todo ello sería, vamos a decirlo, algo que no salvaría un cómic por sí mismo si lo demás fuera malo, que no lo es. Esa inversión de roles hace aumentar lo bellamente extraño de lo visual del cómic, dándole una apariencia muy original y un carácter único.

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Hay también toda una exposición de los horrores de la guerra y de la dificultad de mantener la inocencia en tiempos de conflictos. A esto ayuda todo el tono tanto argumental como narrativo como la elección de colores, que nos están transmitiendo permanentemente que algo oscuro y terrible hay detrás de todo lo que está pasando, haciendo así un paralelismo con la situación de la protagonista y el terriblemente poderoso monstruo que está dentro de ella y que tan peligroso resulta para la situación política de ese mundo de gatos parlantes, humanos, seres ancianos con grandes poderes mágicos, monstruos lovecraftianos y mestizos. Hay un claro juego de confusión entre el negrísimo cabello de la protagonista y el cuerpo negro del monstruo, aumentando el tono por momentos de cómic de miedo en uno que es, también, de fantasía.

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Si algo le podemos achacar al cómic es, quizás, un poco de confusión al final de este primer tomo. No tanto en lo que se cuenta sino en algunas viñetas en las que no se ha acertado del todo para contar lo que estaba pasando. Quizás ahí la dibujante no ha acertado tanto o no tuvo el tiempo necesario para hacerlo, pero en todo caso no estropea el resto de la historia y del, insistiré hasta hartar al Pueblo, maravilloso y muy característico dibujo que tiene. Hay que tener cuidado con quién lo lee: algunas imágenes son muy turbadoras para menores por exhibir caras grotescas y salidas de pesadilla o por escenas de una oscuridad que pueden impresionar a gente impresionable. En fin, que hay que agradecer a Juan Antonio Recuero que nos descubriera esta pequeña gran maravilla. A la espera estamos del segundo tomo en España, que parece que ya está por los Estados Unidos.

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Sed felices.

Novedades ECC Marzo 2018

Ya tenemos las novedades de marzo de Ediciones ECC. Os dejamos a continuación la nota de prensa:

Son muchos los títulos interesantes que componen este comunicado, pero nos centraremos especialmente en uno de ellos: el primer volumen de He-Man y los Masters del Universo: Colección de minicómics, una colección en la que recopilaremos los minicómics que acompañaban a los Masters de Universo en los años ochenta, cuando estas míticas y exitosas figuras de acción hicieron historia en las industrias del juguete y el entretenimiento.

Pero esta no es la única novedad que os ofreceremos en el mes de marzo. Descubridlas todas con tan solo un clic en el enlace

AQUI EL PDF:

En este enlace podéis ver las novedades de febrero de ECC

Un saludo y sed felices