Inicio Blog Página 655

Análisis de Knightfall. Temporada 1. Episodio 6

Volvemos a la Francia medieval para ver qué pasa con los templarios y el Grial. ¿Dónde está? Pues tras un episodio donde no se le mencionó lo más mínimi, y que agradezco, volvemos a tener en este sexto a la copa de Jesús como arco principal. Y no, no es interesante.

Aquí os dejo el análisis al resto de episodios de la temporada

El fisgón

knightfall temporada 1 capitulo 6

Después de que en el episodio anterior la dulce Isabel, princesa de Francia, demostrase que tiene las suficientes narices como para matar a su prometido aun sabiendas de que se aproxima una guerra y dejándonos con la boca abierta ante lo mal que evolucionan los personajes en esta serie, se arrepiente. Ver colgar por traición a los soldados del emisario inglés que no es por nada, pero el mismo rey de Inglaterra debería discernir sobre su futuro, Isabel decide contárselo a su madre.

Quizá por el miedo a las reprimendas, pero la joven Isabel no suelta prenda delante de su madre. Sigue confianzo en De Nogaret y así lo demuestra con esas palabras de afecto, abrazos y promesas. Mientras tanto, el fisgón de De Nogaret sigue con su, que ahora no se sabe muy bien cuál es, y teniendo a Isabel bajo su mano todo irá bien.

knightfall temporada 1 capitulo 6 1

Sin embargo, regla número 1 del fisgón: cubre tus huellas. Isabel se cerciora de una puerta secreta en el despacho de De Nogaret que lleva a diferentes lugares del palacio con agujeros estratégicamente colocados para observar lo que pasa. Y como sabemos, uno de esos agujeros da a parar a su habitación.

Con eso, Isabel hila las pruebas y acusa a De Nogaret de traición y asesinato, poniéndose ella también en el punto de mira, pero ya sabéis lo que pasa con los altos nombres, De Nogaret a la horca y ella de rositas.

knightfall temporada 1 capitulo 6 2

Los sarracenos y el Grial

Y aquí tenemos el grueso del episodio, un arco argumental que salpicará los demás excepto el de De Nogaret y que es sumamente aburrido.

knightfall temporada 1 capitulo 6 3

Landry es secuestrado por Rashid y los suyos. La Hermandad de la Luz retiene a Landry y lo tortura repetidas veces. Recordáis la escena en Call of Duty Black Ops donde se repetía una y otra vez «los números Mason, ¿cuáles son los números?», pues aquí igual pero con el nombre de la madre de Landry.

Los de la Hermandad no se cortan a la hora de torturar al pobre hombre, pero de la nada uno de ellos le ayuda a escapar. ¿Es uno de la Hermandad que querrá ganarse la confianza de Landry para que así suelte prenda y se descubra que esa traición a Rashid era mentira? Gente de Canal Historia, que hemos visto Juego de Tronos. Lo mismo que ocurre con Ramsay Bolton y Theon Greyjoy pasa aquí, excepto porque Theon lo hace por el puro afán de jugar.

knightfall temporada 1 capitulo 6 4

Los sarracenos no consiguen sonsacar a Landry el nombre de su madre ni el lugar donde nació, datos clave para encontrar el Grial porque según ellos, está escondido allí. O eso dicen porque la localización al final cambia de lugar. Estos dan a Landry una oportunidad, entregar al asesino del joven sarraceno y ellos le dirán dónde se encuentra la copa.

El traídor al credo

knightfall temporada 1 capitulo 6 5

Tancrede es un asesino. Él mató al sarraceno porque tras años y años protegiendo el Grial y jurando lealtad a Dios, llega un chaval que te cuenta una historia apocalíptica y cede ante él.

Landry es liberado esa misma madrugada y comienzan las dudas sobre si entregar a su hermano. Para no hacerlo, decide expulsarlo del temple sin sus armas ni su ropa, nada distintivo de la orden. Con eso, Landry evita que Tancrede, hermano torturado por su propia orden, sea torturado por otros. Aquí los personajes son de cartón piedra.

knightfall temporada 1 capitulo 6 6

Sin embargo, su valeroso acto ante su hermano no le salva de recibir el castigo de los sarracenos. Castigo impedido por Tancrede, quien se olía algo de todo esto y aparece en el momento oportuno para salvar a Landry y condenarse a sí mismo. ¿El plan? Pues… En principio Tancrede no quería que se descubriera el Grial y ahora sí, con la condición de que no se lo entregue a nadie.

De Nogaret y su plan de planes

De Nogaret está preso y sentenciado a muerte. Su plan de reunir un ejército junto a su tío por temor a las centenares de bases templarias en Europa se ha visto frustrada. Su tío, del cual no sabemos nada y nos lo presentan como si fuéramos a reconocerlo, desaparece cuando su sobrino es apresado.

knightfall temporada 1 capitulo 6 8
Sí Isabel, así nos quedamos todos con esa absurda escena

De Nogaret intenta apelar a la compasión de Isabel con bonitas palabras, pero Isabel no es una niña ya, es una mujer hecha y derecha y con la cabeza por amueblar. De hecho, es cierto que da repelús la reprimenda que ella da a su queridísimo De Nogaret sobre si se daba placer mirándola cuando era una niña. Asqueroso.

Nada puede salvar a De Nogaret, ¿o sí? Cuando es preparado para la horca, su tío se encuentra al lado «ahorcado» (en realidad estaba colgado del pecho, que es hasta más triste) con un guante con uñas de acero muy similar al del asesino que atacó a Landry y Godofredo muchos años atrás. Sin la mayor difícultad se suelta y consigue matar no a uno ni dos, sino a 3 personas entre ellos dos guardias y el verdugo ante la mirada impasible de nada más y nada menos que la corte y toda la guardia real. Pero no vaya a ser que se tuerzan un tobillo, así que deciden todos quedarse quietos mientras De Nogaret escapa junto a su tío y a unos cuantos mercenarios.

knightfall temporada 1 capitulo 6 9
No 3 sino 4 personas son las que mata este buen hombre

Perdonad que os diga, pero el nivel de esta serie está cayendo con cada episodio. Tras el primero las esperanzas se habían truncado levemente, pero esto ya detona la serie y si no fuera porque Canal Historia la ha renovado, supondría su muerte. Pero no, va a haber templarios para rato.

Hollywood y el Cine de Terror: ¿Bombona de oxígeno para una fórmula agotada?

¡Saludos a todos! Acorde a los últimos tiempos de opinión que surcan en Las Cosas Que Nos Hacen Felices, hemos aprovechado la ocasión para hablar de un tema que, si bien se ha tratado en diferentes medios web, no habíamos tenido la oportunidad de exponerlo aquí y, sobre todo, de esta forma. Hablamos de Hollywood y el Cine de Terror. 

jane levy in evil dead 2013 movie image 2 span

Tradicionalmente, el género de Terror ha sido el objeto referencia por la crítica para soltar palos a diestro y siniestro. Es por ello que en los últimos años hemos tenido cintas interesantes con unos malos resultados en los portales especializados, como el remake de Evil Dead -que si bien no terminó de convencer a los fans más acérrimos de la saga de Sam Raimi, es un más que correcto filme-, la excelente Llega de Noche o la fantástica La Bruja, que si a los críticos convenció no hizo lo propio con el grueso de espectadores que llenaron las salas.

Paralelamente a esto, el Terror ha sido uno de los géneros cinematográficos más utilizados en Serie B, Serie Z o cintas que pueblan los festivales, como el Festival de Cine de Sitges o el Festival de Cine Nocturna Madrid, ambos dedicados exclusivamente a Terror, Fantástico y Ciencia Ficción. En ellos, y muchos otros, se tiene la posibilidad de ver auténticas rarezas -normalmente hechas con un presupuesto escaso- que serían prácticamente imposibles de llevar a todos los públicos en salas comerciales, bien porque no atraerían a la suficiente masa de espectadores o bien, simplemente, porque ninguna productora/distribuidora estaría interesada en financiar algo así. Y de esto, precisamente, es algo de lo que quiero hablar.

Hacer cine es caro, muy caro, laborioso, muy laborioso y, salvo si eres uno de los grandes estudios, normalmente poco rentable en salas; por lo que los estudios se suelen financiar de las ayudas que brindan Estados o de diferentes encargos de otras empresas/estamentos. Esto es así y es difícil hacerlo revertir. Es por ello que los principales productores, los mandamases, suelan tomar «pocas precauciones» a la hora de hacer cine y beban directamente de códigos ya establecidos en los que, generalmente, hay un porcentaje que asegura que «todo va a salir bien». Evidentemente también hay otras productoras que huyen de esto y que se mueven por circuitos alternos o festivales dedicados, como los expuestos más arriba, pero no suelen tener mucha voz y voto. Hablo de las productoras que producen cine para ganar dinero y para llevarlo a salas comerciales, que suelen ser las que llevan las películas más conocidas o de directores de renombre. Estas, como he dicho, suelen utilizar códigos narrativos establecidos y anteponen normalmente lo que ya funcionó en anteriores producciones. En el género de aventuras suele ser El Viaje del Héroe, en el suspense/thriller el McGuffin y en el género de Terror los JumpScares.

la bruja the witch 2016 critica analisis review reseña explicacion final
-¿Qué te pasa, hija? +Me da miedo el JumpScare

Un JumpScare es, como su propio nombre indica, un «salto» y un «susto»; es decir, una técnica que busca asustar al espectador sorprendiéndolo mediante un cambio abrupto en la imagen o evento, que suele coincidir con un golpe de sonido aterrador. Está considerado como una de las técnicas más elementales para causar terror pero, paradójicamente, es de las más (o la más) usadas. Probablemente casi todas las cintas del género que veamos lo utilicen, unas más que otras, pero en los últimos tiempos destacan las que hacen un uso excesivo de la técnica. Estas son las películas de la saga The Conjuring Insidious -ambas creadas por James Wan, el también director de Silencio Desde el Mal o Saw o la reciente It, entre muchas otras, que además se ha convertido en la cinta de Terror más taquillera de la historia.

Vosotros os preguntaréis, ¿por qué cambiar lo que funcione? y yo os responderé: Obvio, ¿por qué cambiar lo que funcione? Pero desde que entró el Siglo XXI, Hollywood ha vivido una crisis de ideas que le han hecho caer en el terreno de sagas sobre-explotadas, remakes y precuelas o cintas que beben directamente de glorias pasadas. En el caso del género de Terror ha sido una mezcla de ambas, ya que sagas como Paranormal Activity -de lo poco novedoso que se ha visto- se han repetido hasta la extenuación, Blair Witch no gustó a casi nadie y Rings…en fin, todos sabemos cómo era Rings. Se empezaba a respirar aires de cambio en la industria con el éxito de It Follows, una notable película muy arriesgada que daría para hablar un artículo dadas sus novedades en la forma de plantear Terror, el abrazo de la crítica a La Bruja o el éxito de Verónica en territorio español hasta que….¡PLAS! It, un título tremendamente efectista y plagado de los criticados JumpScares, arrasa en taquilla.

RIngs
‘Rings’: Recomendable verla cuando se desee perder el amor en el cine

Siempre lo he dicho y siempre lo diré, que nosotros como espectadores tenemos la responsabilidad de: 1.- decirles a los estudios lo que queremos que hagan. 2.- decirles a los estudios lo que nos gusta y 3.- educarnos a nosotros como consumidores de cine. Y al igual que el exceso de Blockbuster solo conduce a una taquilla repleta de blockbusters, el exceso de películas cargadas de JumpScares solo lleva a una taquilla repleta de JumpScares. ¿Quién va a ser el productor que financie la nueva película de Robert Eggers, director de La Bruja, si los espectadores echaron PESTES sobre ella? ¿Quién va a ser el productor que le diga que no se exceda (que tampoco lo iba a hacer) con JumpScares si ahí tenemos a It arrasando o a Insidious 4 funcionando la mar de bien? Es simple: les estamos diciendo que queremos JumpScares, que queremos cintas de Terror que beban directamente de los códigos ya establecidos y, básicamente, que queremos disfrutar de lo mismo. Y oye, mientras eso dé de comer a cientos de técnicos y profesionales, fenomenal. Pero espero que entonemos el Mea Culpa cuando leamos el próximo artículo de: ¿ESTÁ HOLLYWOOD SIN IDEAS? Sed felices. 

John Carpenter
Hollywood necesita otro como él. Necesita otro HÉROE

Lo que sabemos y esperamos de la tercera temporada de True Detective

True Detective, la serie que dejó con la boca abierta a todo el mundo en 2014. Nic Pizzolatto dirigía a Matthew McConaughey en probablemente uno de los mejores y más queridos personajes de la historia de la televisión, el enigmático Rust Cohle, y a Woody Harrelson en un algo eclipsado aunque igualmente magnífico Martin Hart. Esta maravillosa sorpresa tuvo un año después su segunda temporada, la cual se alejaba completamente de lo que habíamos visto anteriormente y nos presentaba a cuatro personajes protagonistas, interpretados por Colin Farrell (increíble Ray Velcoro), Rachel McAdams, Vince Vaughn y Taylor Kitsch. Desgraciadamente esta segunda parte no cosechó el éxito obtenido por predecesora, por tanto, decidió no continuarse con una tercera temporada y True Detective quedó estancada durante dos años. Para alegría de muchos, hace unos meses se confirmó que Pizzolatto había estado dándole vueltas a una idea, que estaba puliéndola y que llevaría el nombre de True Detective 3. Ahora conocemos más detalles y a partir de ellos daré una idea de lo que podría ser la nueva temporada.

LOS PROTAGONISTAS

Hace una semana se nos confirmó la pareja de detectives, compuesta por Mahershala Ali y por Stephen Dorff, lo cual es un punto a destacar, puesto que debido a las quejas de que cuatro protagonistas eran demasiados y que nunca llegaban a tener un desarrollo profundo y convincente, parece que Pizzolatto tomó nota y nos trae, como en la primera temporada, únicamente dos personajes principales.

TRUE DETECTIVE 3 las cosas que nos hacen felices

Si habéis visto Moonlight os podréis hacer una buena idea de lo que es capaz de hacer Mahershala Ali delante de una cámara, algo que me da grandes esperanzas. En la primera temporada fue McConaughey, en la segunda Farrell, creo que en está ocasión mi debilidad será Ali. Por otra parte tenemos a Dorff, que inevitablemente me recuerda a una mezcla entre Rust Cole y John Constantine (personaje de DC Cómics). Sí, habéis leído bien, Rust Cole, aunque salvando muchas, muchas diferencias. No sé si será solo a mí, pero es un asunto que me da algo de miedo, me asusta pensar que Pizzolatto quiera volver a probar suerte con un personaje de la talla de Cole, o mejor dicho, una copia barata. Esperemos que se acerque más a la chulería de Constantine…

Por cierto, sus personajes son Wayne HaysRoland West respectivamente.

HISTORIA

La próxima entrega de ‘True Detective’ contará la historia de un crimen macabro en el corazón de los Ozarks, un misterio que se hará cada vez más profundo y que tendrá lugar en tres periodos de tiempo diferentes.

Si la elección de Dorff me hacía pensar en True Detective 1, leyendo esa pequeña síntesis del argumento no puedo evitar creer que Pizzolatto quiere otra primera temporada. Para empezar, la historia se desenvolverá en tres períodos de tiempo diferentes, algo que ya ocurría en aquella (1995, 2002 y 2012 si no me equivoco). Fue uno de los puntos que generalmente gustó al público y parece que repetirá intentando conseguir el éxito de nuevo. Sin embargo, no es este el parecido que más me llama la atención, sino la elección de Ozarks como escenario. Pongámonos en situación: uno de los grandes alicientes que hizo que True Detective triunfara en 2014 fue su ambientación en los siniestros bosques y planicies de Luisiana, que junto con la filosofía pesimista de Cole marcó un antes y un después en la ficción televisiva. Para la secuela decidieron alejarse completamente de lo que había sido su predecesora, donde se nos presenta un pueblo de California llamado Vinci, en el que se desarrolla parte de la acción. Tanto este pueblo (espantoso, contaminado, decadente,…) como la elevada utilización de interiores (el casino sobre todo) no acabaron de gustar entre el público, que recordaba con cariño aquellos bosques luisianos. De nuevo, Pizzolatto ha tomado nota y ha escogido Ozarks. Os dejo un par de fotos para que saquéis vuestras propias conclusiones.

800px Finley River in Ozark panoramio

Arkansas Outdoor Paradise 2

2 rivers 2 1

INTRO

Quería terminar haciendo especial mención a los openings de True Detective, que son en mi opinión un par de bellezas visuales acompañadas de dos magníficas y perfectamente escogidas canciones (transmiten la esencia de la serie). Hagan sus apuestas, pero yo creo que escogerán algo del estilo de Far from any road de The Handsome Family debido al enorme éxito que tuvo.

En definitiva, será una temporada más próxima a lo que fue la primera, por obvias razones; pero esperemos que no intenten repetir la fórmula que la hizo famosa. Si alejarse tanto en su segunda parte supuso un lastre, acercarse de tal manera y caer en efecto remake encubierto, además de ser nefasto, puede llegar a ser la sentencia de muerte definitiva para True Detective.

La fecha de estreno no ha sido confirmada todavía, pero desde HBO se ha dado la noticia de que será en algún momento de 2019.

En en ínterin, sed felices.

¿Héroe o villano? Así sería el alter ego de nuestros colaboradores en la ficción

Los personajes de la ciencia ficción nacen a partir de una combinación de rasgos de personas reales. Se puede decir que cualquiera de nosotros puede tener características similares a las de su personaje favorito, esto hace que nos identifiquemos con algún héroe o villano de la ficción en tareas cotidianas.

4728107 640px 1

Seguramente en algún momento al leer una viñeta, ver una serie o película de ciencia ficción pensaste:

“Vaya, suena como algo que yo hubiese dicho o hecho”

Ya sea por las situaciones en las que se ve envuelto, o por las frases que suelta en una momento dado, todos tenemos un alter ego en la ficción que refleja nuestra personalidad. En este sacrosanto blog no somos la excepción, queremos compartir con ustedes esos personajes que nos identifican y que seguramente exteriorizamos en nuestros artículos. Algunos son más ocurrentes que otros, pero todos muy comprometidos con su labor en la web.

fotos figuras accion superheroes juguete hrjoe 22

Los que se atrevieron a compartir con nosotros, siendo parte del artículo son los siguientes.

Sofía Ricarte:

Conocida por compartir con nosotros el extraño mundo de las peores películas jamás hechas (según nuestra apreciación), porque ella las  ve como una maravilla a través de sus Reseñas Basura, también pueden seguir sus análisis de American Gods. Sofía En la ficción se define con el siguiente personaje:

“Yo sería la chica ardilla, sin duda. Es tocapelotas, nadie sabe muy bien que hace ni que cojones pinta en el mundo, pero se cargó a Thanos

chica ardilla sofia

Es una mujer que no debe subestimarse y le hace mucho honor a su personaje en la vida diaria, considerada a puerta cerrada indispensable en este sacrosanto blog.

Fernando Vilchez

Fernando se encarga de administrar los contenidos a subir semanalmente en la web. Eventualmente comparte con nosotros su opinión acerca de las películas, cómics y series que son de su agrado. Esto fue lo que compartió con nosotros:

“Ufff , Complicado eh? Porque yo veo complicado definirme a mí mismo jajaja
A mí me gustaría ser Batman jajaja pero por carácter me da a mí que sería alguien tipo Flash»

Batman and the Flash Watchmen fernado

Al leer lo anterior me vino a la mente esta imagen que bien podría definir entonces la personalidad de Fernando.

Pedro Pérez

Uno de los más leídos de este sacrosanto blog (Casi una celebridad), padre de los análisis de The Flash y Prision Break entre otras labores, se identifica a si mismo de una manera que a simple vista es difícil de imaginarse.

“Mido 1,67, tengo mucho pelo, tengo mala hostia y soy feo así que solo puedo ser Lobezno”

wolverine pedro

Pues al parecer las apariencias engañan, esa persona que tanto nos hace reír con las ocurrencias de sus análisis se define a sí mismo como alguien de mala hostia. Me quedo con esta imagen mental de pedro.

Adrián de la fuente

Otro de los legendarios de la web quien reseña Legends of Tomorrow y comparte con nosotros su opinión acerca de los comics y las adaptaciones que sigue, con lo bueno y lo malo de ellas, se queda con el anillo de uno de los más famosos de Dc Comics.

“Yo sería un Green Lantern. Creo que de lo único que puedo presumir es de fuerza de voluntad. A mi me escogía el anillo fijo.”

Adrian green

Para Adrián la clave es la voluntad, muchas cosas se pueden lograr con fuerza de voluntad y no necesitas de un anillo para saberlo.

Raúl Sánchez

El sensei que sirve de guía a los auténticos creyentes de La tapa del obseso, comparte con nosotros su peculiar manera de ver al mundo y filosofía de vida, dijo acerca del:

“Seria Shocker, el supervillano que robaba bancos para vivir sin dar golpe. Ni conquistar el mundo ni cosas así de complicadas.”

shocker Raul

No esperaba menos de Raúl, si te das una vuelta por sus artículos veras que es fiel a sus motivaciones.

Kitayu

Nuestra versada en manga se identifica con dos personajes bastante radicales y peculiares

“A mí me gusta Hannibal Lecter, pero soy más como Gimli, pequeña, le gusta mucho comer (ambos lo comparten), tengo mala hostia, es entrañable, soy competitiva y odio a los elfos”

gimli kitayu

Esperemos a ver qué tanto de eso se refleja en sus artículos.

Jaime padilla

También de la generación 2017 tenemos a Jaime puedes leer sus publicaciones aquí, esto fue su colaboración al post.

“Creo que no estoy tan ido como Deadpool, pero también soy el graciosillo que no puede parar jajaja
Nadie saldría cuerdo del todo después de una experiencia similar jajaja
Además, ser inmortal es muy goloso
Y te permite romper la barrera de la prudencia
Pero remarca que no estoy tan ido de la cabeza jajaja
Es simplemente, bocazas de toda la vida jajaja
Pero vamos que en el fondo soy un ser racional con mi filtro y todo”

deadpool jaime

Me pareció tan acertado que lo imagine de esta manera.

Carlos María Porras

Carlos es uno de esos héroes sin capa que hacen posible el funcionamiento de este blog. Labor que muy poco se ve del otro lado del ordenador pero que implica una gran responsabilidad, nos cuenta:

“Yo seria, Hulk, historiador (no científico), optimista buena parte del tiempo y también busco una cura en este caso no para los rayos gamma sino por esos kilos de más. Y soy Hulk porque reconozco que algunas veces me sacan de mis casillas y me pongo verde esmeralda y arraso con todo, Pero suelo ser Banner, no preocuparos.”

carlos hulk

A lo que Sofía y Jaime haciendo honor a sus irreverentes personalidades agregaron:

“No mientas! La única razón por la que quieres ser Hulk es por sus monísimos pantalones morados”- Sofía

Irrompibles que eso es un plus, puedes enfadarte lo que quieras sin perder nada de glamour”- Jaime

Carlos como buen tío que es, pidió agregar dichos comentarios, porque enriquecían su personaje.

Gabriel A. Escobar S.

Este servidor se siente muy identificado con Clint Barton (Ojo de Halcón) sobre todo con la versión cinematográfica. Físicamente podría llevar la indumentaria, compartimos un poco de humor irreverente y falsa modestia al creer que le es imposible fallar y me gusta mantener mi vida privada en secreto. Sobre todo, no me creo el centro del mundo ni me gusta ser el foco de atención, pero si mis habilidades son necesarias puedes contar conmigo. Me quedo con esta frase motivacional de Clint:

“La ciudad está volando, estamos peleando con robots armados y yo tengo un arco y flechas, nada de esto tiene sentido. Pero volveré ahí porque este es mi trabajo y debo salir a cumplir mi parte. No importa lo que hiciste o lo que fuiste. Si sales, tienes que pelear; pelear y ganar. Si quieres quédate aquí, luego enviaré a tu hermano, pero si sales por esa puerta, serás una vengadora. ”

Gabriel barton

Mientras pertenezcamos a este mundo a todos nos toca hacer nuestra parte.

Mario Losada

La figura de autoridad de la web, para referirse al jefe las opciones son variadas desde Profesor X, Kylo ren, Nagato, fan número #1 del episodio VII y de Druidas. Difícil de definir con un solo personaje de ficción.

Mario theboss

Mover los hilos de la web no es tarea fácil y mantener las publicaciones implica mucho trabajo y dedicación para dirigir al grupo creativo por el buen camino. No todos los Héroes llevan Capa es una frase que ronda mucho en internet y Las Cosas Que Nos Hacen Felices tiene muchos héroes anónimos.

Esperamos que los demás decidan unirse al artículo por lo menos en los comentarios.

Un saludo y sed felices.

Mambo, cuando Malviviendo se hizo musical

David Sainz es muy conocido en internet por su (extinto) canal de Vine, por sus hilarantes canciones parodia, por su canal de Youtube y sobre todo por haber dirigido, escrito y protagonizado Malviviendo, la que fue con toda seguridad la primera gran web-serie que triunfó en España, en la cual demostró ser una talento a tener muy en cuenta en el futuro. Las dos películas que ha estrenado hasta ahora han pasado muy desapercibidas (Fogueo y la muy recomendable Obra 67), pero al menos se puede decir que sigue atrayendo la atención del gran público con su nueva web-serie: Mambo.

Como no podía ser de otra manera tratándose de David Sainz, Mambo se desarrolla en un entorno claramente barriobajero, lleno de personajes muy peculiares que hablan raro y lo «macarra» o «quinqui» está siempre de fondo. Aunque de primeras se le pueda criticar que se parece demasiado a Malviviendo en la forma, hay un elemento clave que distancia una serie de la otra: el musical.

DQ8lQ7mXUAMD4a1

Julio Mambo es un niño que triunfa con su música, pero resulta ser flor de un día. Lejos de asumir su condición de estrella estrellada, Julio Mambo se aferra a la fama, o al menos, lo que él cree que es la fama. La serie explota muy bien los momentos vergonzosos de los protagonistas, sin caer en la comedia por la comedia. Más que conseguir una carcajada, consigue más una sonrisa mental (nuevo término que acuño). Sin tener un trabajo muy intenso de profundidad argumental, es de alabar la tridimensionalidad de los personajes y como crean una mitología propia con los tronchantes diálogos y sobre todo, con las canciones.

Sí, Mambo es un musical, de esos donde de pronto la gente se pone a bailar por la calle y dicen en voz alta sus más profundos sentimientos. Lejos de resultar empalagoso y cutre, funciona como factor comédico y como construcción de personajes de forma ejemplar: cada canción está enfocada en un género distinto, sin parecerse ninguna a otra, y las letras enfocan temas tan familiares y tangibles como que un amigo se eche novia, las rupturas sentimentales, la convivencia entre familiares o como los espectadores pasan de leer los nombres que aparecen en los créditos finales.

La mezcla de comedia y musical es algo muy visto, pero no con este enfoque. Los musicales comédicos suelen hacen gala de la cutrez para meter coreografías más cutres todavía, conscientes de que el espectador sabe que está viendo ficción.

1512405908469

Pero David Sainz usa su particular forma de rodar para mostrar una filosofía que está presente en todas sus obras: no somos más que un amasijo de sentimientos que no sabemos muy bien como gestionar. Nunca seremos felices del todo, pero si somos fieles a nosotros mismos, alcanzaremos algo muy cercano a la felicidad. No siempre me gusta todo lo que hace este autor, pero comulgo tanto con su forma de ver el mundo y pone tanto (evidente) esfuerzo en cada una de sus obras, que no me cuesta nada perdonarle sus (escasos) errores.

Si le tengo que criticar algo a Mambo es su escasa originalidad, sobre todo en el guión: el entorno criminal recuerda a Malviviendo, el sentido del humor recuerda a Malviviendo, su desarrollo coral recuerda a Malviviendo… para colmo, muchos de los actores que aparecían en la susodicha serie también repiten en Mambo. No deja de ser una queja menor, se le puede achacar a Quentin Tarantino el mismo error, y es uno de los cineastas más personales y reconocibles que hay ahora mismo en Hollywood. Sí, estoy comparando a David Sainz con Tarantino.

Mambo no tiene las mejores actuaciones, ni la mejor factura técnica, ni el mayor presupuesto. Pero si que tiene algo que pocas series pueden presumir tener: corazón y valentía. Y tiene mérito que diga esto de una obra donde hay una clara nostalgia por la música de los Back Street Boys.

Se puede ver gratuitamente y con total comodidad en el canal de Youtube de PlayZ, lo plataforma online de Televisión Española. Además, también hay diversas entrevistas y making-off muy interesantes. Concluiré este texto con el primer capítulo de la serie para que no tengas ninguna excusa para no haberlo visto.

El futuro de Black Mirror en Netflix. ¿Pueden otras producciones dejarla atrás?

¡Saludos a todos! Como ya os habréis podido enterar, la Cuarta Temporada de Black Mirror se encuentra entre nosotros y desde Las Cosas Que Nos Hacen Felices no hemos podido dejar pasar la oportunidad de dedicar una serie de artículos a la ficción ideada por Charlie Brooker allá por 2011 –como 7 películas que bien podrían ser un episodio de la serie o los análisis de episodios-, cuando ni siquiera la plataforma de contenidos era conocida por entre la multitud de cinéfilos y seriéfilos que hoy en día y, afortunadamente, tienen contratada.

Sin embargo, pese a la expectación levantada, las críticas vertidas sobre estos nuevos 6 episodios –USS Callister, Arkángel, Cocodrilo, Hang The DJ, Cabeza de Metal y Black Museum- coinciden en un punto en común: que, pese a que los hay mejores y peores, la fórmula empieza a tener síntomas de agotamiento. Lo cierto es que todos esperábamos que, tras 12 capítulos donde se repartió cera a diestro y siniestro, la ficción fuese más allá y ofreciera determinadas pinceladas de cosas que aún no hubiéramos visto; ya que lo que innovó en 2011 cansó en 2017, algo plausible. Pero no hemos tenido nada de ello, con unos episodios «continuistas» en su planteamiento e incluso tomando cosas prestadas de los anteriores, y es que la cabeza de Brooker no es fuente inagotable de recursos, como es lógico.

El propio realizador ya aseguró en el pasado que Black Mirror no giraba en torno a un Universo Compartido y que cada capítulo era completamente independiente a los demás. No obstante, debido al agotamiento de la fórmula y la escasez de ideas que quedan en el tintero, Brooker ha dado marcha atrás y ha revelado que sí, que la serie forma parte de un único Universo Compartido y que muestra lo que sería una visión personal del futuro según él mismo, en el que la humanidad se refleja en la pantalla de un móvil de última generación -o en cualquier otra- y destapa su pobredumbre. Algo de lo que, probablemente, dedique un artículo independiente.

black mirror lascosasfelices 1
USS Callister, primer episodio de la Cuarta Temporada de ‘Black Mirror’

Cuando Netflix compró la serie y empezó a producir la Tercera Temporada, el acuerdo incluía una Cuarta que contendría el mismo número de capítulos que la tanda anterior, por lo que es completamente lógico que se hayan hecho efectivos debido a la buena acogida que tuvieron algunos como San Junipero Caída en Picado. Pero, como buenos listos que fueron los colegas de la plataforma, se mantuvieron recelosos a renovar la serie por algo más y dejaron en el aire un futuro que, tras esta Cuarta Temporada, se antoja indeciso debido a la tibia recepción y, como ya se ha mencionado, el agotamiento de la fórmula. Pero, ¿qué agentes pueden contribuir a que podamos tener nuevos episodios de Black Mirror? Pues no todo es tan fácil como si sí o si no.

En primer lugar, Netflix estipuló un presupuesto de 8.000 millones de dólares para invertir en ficción durante 2018, un tercio más que en 2017. Pero no todo es tan fácil como parece, ya que la plataforma aseguró que de todo ese presupuesto, produciría alrededor de 30 animes y 80 películas originales, en las que muy probablemente habrá algún blockbuster -véase Bright 2, por ejemplo- y títulos de un moderado presupuesto. A todo esto debe sumarse la producción de algunas series de éxito como The Crown, Stranger Things, The OA, Dark, finiquitar House of Cards y, sobre todo, crear la serie que, si se hace como debiere, podría llevar las cotas de calidad de la cadena a un nuevo nivel: The Witcher. 

The Witcher 3
Geralt de Rivia, protagonista de ‘The Witcher’, haciendo lo que más le gusta

La saga de novelas escritas por Andrzej Sapkowski y protagonizada por el formidable brujo Geralt de Rivia es muy querida por todos los fans del género fantástico y medieval, por lo que una mala adaptación podría ser un bochorno total para la cadena -sumando además la EXCELENTE trilogía de vídeojuegos de CD Projekt Red-. Y ellos lo saben. Además, se planteó como el rival directo para competir con la última temporada de Juego de Tronos, los spin-offs venideros de esta y, sobre todo, la nueva serie sobre El Señor de los Anillos que está entre manos de Amazon Prime, por lo que llevarse la gran parte del roscón que tanto gusta a los espectadores puede ser un motivo de peso para que la plataforma gane mucho dinero, y bien. ¿Qué tiene que ver Black Mirror en todo esto? Fácil: en una era donde Netflix ha apostado por prescindir de algunas ficciones que, bien por su elevado presupuesto o, bien porque su temática no ha cuajado entre los televidentes, Black Mirror tiene muchas papeletas para cerrar la puerta y despedirse en lo más alto. La Cuarta Temporada ha sonado repetitiva y echar por tierra una de las series más emblemáticas solo por estirar la Gallina de los Huevos de Oro (que tampoco Black Mirror sea la que más ponga, a diferencia de otras como Stranger Things) podría enfurecer soberanamente al sector cinéfilo. Y ya sabemos que cinéfilo contento está muy bien, pero cinéfilo enfadadado tiene una mente para crear memes ridiculizantes más que estupenda. Tampoco ayuda el hecho de que Netflix asegurase que cancelaría más series.

Dead Set
‘Dead Set’, la serie que precedió a ‘Black Mirror’

Sin embargo, por otra parte, no todo es negro en el manantial de series que el canal tiene pensado lanzar. Netflix ha apostado por la cantidad en lugar de la calidad, y solo hay que ver sus estrenos diarios para verlo; por lo que: ¿qué más da una Quinta Temporada de Black Mirror? En una plataforma donde el gran porcentaje de lanzamientos son obras de bajo presupuesto y títulos de dudosa calidad, una quinta temporada de la ficción ideada por Charlie Brooker es mejor que la media. Pero claro, la broma no está como para bromear con ella. Charlie Brooker ya ha demostrado su versatilidad como guionista con Dead Set, por ejemplo -os recomiendo EN-CA-RE-CI-DA-MEN-TE que la veáis- y lo más sensato es darle las riendas para tomar una producción nueva, con ideas frescas y unos códigos narrativos diferentes. En cualquier caso, seguiremos expectantes y, sobre todo, felices. ¿Qué opináis? ¡Nos vemos en los comentarios!

Reseña de My Hero Academia 8 de Planeta Cómic

¡Oklahoma Smash! Bienvenidos, estudiantes de literatura súper heroica de la UA. Esta semana vamos a analizar el tomo 8 de My Hero Academia, que ha salido este diciembre en el mercado español por cortesía de Planeta Cómic. Si no sabéis de que manga estamos hablando podéis echarle un ojo a este artículo donde os intento convencer para que le deis una oportunidad. No os arrepentiréis, os lo aseguro.

Venimos del tomo 7 de My Hero Academia que es el más importante de la serie hasta el momento. Tenemos la resolución de la saga de Stain el matahéroes, un villano diferente a lo que estamos acostumbrados ya que, aunque sus métodos son inaceptables, sus motivos son poderosos y basados en unos ideales con los que el lector puede sentirse identificado. Al final Stain salva a nuestro héroe Midoriya por lo que se vislumbra un giro del personaje en un futuro próximo (aunque con esta serie nunca se sabe ya que el jugar con las expectativas es uno de los fuertes del autor Kohei Horikoshi). Y más importante aún, se nos revela quién es la némesis de All Might y maestro de Shigaraki Tomura, All for One (que es el nombre también de su “don”, en contraste con One for All, que es el “don” que All Might ha traspasado a nuestro protagonista). El climax del tomo 7 es la inquietante imagen del villano aún recuperándose de las heridas que All Might le provocó en su anterior encuentro. Y aquí es donde empezamos este tomo 8 que vamos a reseñar.

DDE6BF54 9FBC 4D89 8493 EE2EE770B3AE
Los alumnos vs los maestros

Este tomo es de transición, lo que no quita que sea excelente. Venimos de estar muy arriba y se necesita volver a colocar las piezas en el tablero y volver a construir. La estructura de intercalar entrenamientos con enfrentamiento con villanos se repite y después de que nuestros alumnos vencieran a Stain, en la escuela se organizan unos enfrentamientos de una pareja de alumnos contra un profesor, donde se examinarán las aptitudes de cada alumno individualmente y su capacidad para trabajar en equipo.

Este tomo 8 se llama «Yaoyorozu: en alza” y yo esperaba un desarrollo del personaje a lo largo de la tomo, pero en realidad solo aparece en el primer capítulo. Esto no quita que se le defina muy bien. Es la primera de la clase en los exámenes teóricos, y estamos hablando de que nuestro protagonista es una de las que mejor controlan su «don», pero tiene un complejo de inferioridad a la hora de pasar a la práctica que la bloquea en los momentos de acción. Gracias a su estrategia consigue junto a Todoroki vencer a Eraserhead (su tutor) y veremos si esta evolución se nota en el futuro, cuando sus enfrentamientos con villanos sean reales.

Es un buen capítulo pero totalmente olvidable si tenemos en cuenta que a continuación tenemos el enfrentamiento de los dos protagonistas del manga (o más bien el protagonista y su rival) contra el todopoderoso All Might. Katsuki Bakugo es todo rabia y envidia y no soporta a Deku, por lo que el trabajo de equipo deja bastante que desear hasta que el deseo de ganar de Bakugo es más fuerte que el odio y deciden colaborar. Aún así, parece que las cosas no están resueltas entre estos dos y el conflicto continuará en el futuro.

2D805AE5 AEB7 44ED 88BC 5D4B3FA6D350
Mineta, eres oro puro

Vemos, en mayor o menor número de páginas, como el resto de los alumnos se enfrentan a los profesores, desarrollando muy bien tanto los «dones» de ellos como sus puntos fuertes y débiles. A destacar en lo negativo la evolución del personaje femenino protagonista de la historia, Ochako, que se deja influenciar por sus sentimientos hacia Deku y la hace parecer tonta de remate y más débil de lo que realmente es. Esta involución se deja entrever tambien más adelante en el tomo y es lo que menos me está gustando de la serie. En lo positivo, otros alumnos como Jiro y Tsuyu demuestran que están entre los primeros de la clase en cuanto a la acción se refiere. Y en lo pervertido, ahí tenemos a Mineta, el gran alivio cómico de la serie y obsesionado con las mujeres y con algunas partes concretas de su cuerpo. Un salido en toda regla, vamos. Aún así es uno de los personajes más carismáticos aunque no sea para todo el mundo.

D4CD09B7 A79F 4F40 B172 CFFA90DB2048
Hay tensión en el ambiente

Mientras tanto, vemos como la filosofía de Stain el matahéroes está influenciando a muchos delincuentes que desean unirse a la Alianza de Villanos con lo que la gente relaciona al asesino. Esto no gusta nada al líder de la Alianza, Shigaraki Tomura, que odia a Stain y en uno de sus berrinches casi mata a sus futuros colaboradores. Al final, como un niño cabreado se marcha a pensar y es donde se encuentra con nuestro protagonista Midoriya, que estaba de compras con el resto de sus compañeros. Este es el mejor momento del tomo, no solo por la tensión del momento sino porque se explican las motivaciones de los villanos. Si Stain consideraba que los héroes de ahora eran unos vendidos y por eso decidió eliminarlos, Shigaraki se da cuenta que él lo que lo odia es la falsa sensación de seguridad que tiene la gente debido a la figura de All Might, y decide que acabar con el héroe es el objetivo a seguir por su organización.

A108FB1D 06B7 49E0 9117 D503AF713D12
Shigaraki sin manos en la cara

Después de esto ya pasamos a lo que sería el próximo arco que empieza en este tomo como una presentación. Los alumno de primera de la UA van a pasar el campamento de verano en una localización secreta (por el miedo a un nuevo ataque de la Alianza de Villanos) y donde conocemos personajes como los Pussycats o Kota, un crío que odia a los héroes. Pero esto ya es materia del próximo tomo que analizaremos tan pronto salga en nuestro país.

Mientras tanto, no dudeis en comentar que os ha parecido este tomo o la serie en general y si os ha gustado la reseña compartirla por redes sociales. Y nada más, larga vida a los héroes y Plus Ultra.

Análisis de Star Trek Discovery. Temporada 1. Capítulo 10

Bienvenidos a la segunda tanda de episodios de Star Trek. Tras el parón de casi dos meses volvemos con nuestra Flota Estelar. Dos meses que han servido para que el espectador se decida si seguir con la serie o dejarla y es que hablamos de una de las series más controvertidas del año. Solo diré una cosa del capítulo de hoy en este preámbulo, si has decidido dejar la serie pero estás leyendo esto para, la serie ha venido fuerte; dejándonos al menos para el que os escribe el mejor capítulo de la temporada con diferencia con un arco argumental que puede durar varios episodios.

despite yourself review 1
La tripulación del Discovery en apuros

Os dejo con los análisis de anteriores capítulos por si os hace falta un repaso tras el largo parón antes de ponernos con el capítulo de esta semana que lleva por título, «A pesar de ti mismo».

Análisis de los capítulos anteriores de Star Trek Discovery

Donde nos quedamos

Acabamos en el noveno capítulo con la ansiada victoria ante los klingons, aunque la forma de hacerlo, todo hay que decirlo, resultó bastante cutre, pero como ya lo comentamos en el análisis anterior no vamos hacer más sangre al respecto. La cosa es que la forma de vencer ha tenido un sacrificio, el de Stamets que se ha visto obligado a realizar 133 microsaltos. Ello ha dejado a Stamets muy debilitado a punto de morir. Recuperado, recibe las alabanzas del Capitán Lorca que reconoce que ha sido pieza clave en la victoria. No obstante asistimos a otra incongruencia y es que a la hora de regresar a la Base Estelar 46. Stamets le dice a Lorca que en vez de volver a velocidad de curvatura, va a hacer un último salto. Y es aquí cuando se lía. Stamets en pleno salto sufre un ataque entrando en coma y mandando a la nave a un lugar que los sistemas desconocen. Así fue como dejamos a nuestros protagonistas, “Perdidos en el Espacio”.

El Universo Espejo a lo largo de las otras series

Pronto salimos de dudas. Nuestra tripulación ha caído en lo que llaman universo espejo o lo que conocemos de tantas otras series una dimensión paralela. Como curiosidad para los fans de las anteriores series nos tenemos que retrotraer a la serie original para ver la primera vez que se utilizó el universo espejo. Exactamente en el cuarto episodio de la segunda temporada de Star Trek: La serie original de 1967 con el título de Espejo, espejito. Posteriormente saldrá en otras series; así en Star Trek La Nueva Generación en Paralelos que es el episodio 11 de la séptima temporada que se emitió en 1993. En Star Trek, Espacio Profundo 9 se explorará en varias ocasiones así tenemos que ir al capítulo 23 de la segunda temporada emitido en 1994 titulado Crossover. En Through the Looking Glass, capítulo 19 de la tercera temporada de 1995 vuelve a aparecer.  En la cuarta temporada en el decimonoveno capítulo vuelve hacer acto de presencia, con el título de Shattered Mirror en 1996. Vemos que Espacio Profundo 9 es la que más utiliza el universo espejo, así lo hará dos veces más; en Resurrection que es el capítulo octavo de la sexta temporada que se emitió en 1997 y por último The Emperor’s New Cloak que fue el episodio número 12 de la séptima temporada. Será en Star Trek Enterprise con In a mirror, darkly donde se hace uso del universo espejo. Fue en los capítulos dieciocho y diecinueva de la cuarta temporada con emisión en 2005.

Bienvenidos al Universo Espejo

Pues ahí han caído. Para explicarlo brevemente esto del universo espejo es como un espejo invertido. Así nuestros personajes están desvirtuados, algunos son villanos y prófugos. Además la Federación Unida de Planetas  tampoco es de fiar. Un recurso este de los universos paralelos que hemos visto muchas veces en series y televisión pero desde luego Star Trek puede presumir de ser pionero en su momento cuando llevó al Capitán Kirk a conocer el lado tenebroso de un Spock barbudo en el capítulo Espejo, espejito emitido allá por 1967.

Kirk and Spock mirror
El Spock del lado oscuro

En este universo espejo casi todos los personajes tienen su contrapartida, destacando la de los tres protagonistas: Burnham como capitana dada por desaparecida, el capitán Lorca como un prófugo traidor y Tilly que contra todo pronóstico es la malvada y bella capitana de la ISS Discovery. Nuestros intrépidos capitanes se visten como sus iguales del universo espejo, hasta pintan la nave y le cambian el nombre. ¿No es un poco raro que tengan esas vestimentas e insignias? En fin… Vemos en este capítulo a Lorca adaptarse y dejar de comportarse como un capullo. Así idea junto a Burnham un plan, introducirse en la  Shenzou como sus homólogos, junto a Tyler.

tilly
La capitana Tilly del Universo Espejo

Pero la llegada de nuestros protagonistas a la nave no es fácil. Burnham lucha a muerte con Connor, segundo oficial que se resiste a ceder el mando. Y es que se percibe de lejos que no va a ser fácil hacerse pasar por tripulantes de este universo. Lorca es «hecho prisionero» por Burnham, en ese plan al que aludíamos antes, que da la orden de que sea encerrado pero no metido en las cápsulas de tortura. Poco dura su orden, tras cerrar la puerta Lorca es sometido en esa cápsula.

El caso Ash Tyler

Prisionero de guerra fue rescatado por la Discovery. Pronto Tyler hizo que Burnham dejara de ser témpano de hielo y sucumbió al amor. Sin embargo en este capítulo hemos visto con gran asombro que todo ha sido una estratagema. Tyler es visto nuevamente por el médico jefe de la Discovery que descubre un terrible secreto; Tyler es víctima de laboratorio, un espécimen. Esto le costará la vida al médico. Descubrimos por fin la verdadera identidad de Tyler que es nada más y nada menos que un Klingon ¿Cómo os quedáis? De hecho Tyler es el Klingon Voq disfrazado como un ser humano; sin embargo hay un problema y es que cuando L’Rell, la Klinglon prisionera en la Discovery, intenta despertar al Klinglon durmiente, Tyler se resiste.

voq
He aquí Voq

¿Luchará Tyler contra su otra y verdadera identidad? ¿No os recuerda esto un poco a  los Cylon de Battlestar Galactica?  ¿Qué os está pareciendo la serie? Yo creo que ha ganado muchos enteros con este capítulo. Nos vemos en los comentarios.

¡¡Larga vida e Imperio!!

Análisis de Junji Ito Collection. Temporada 1. Episodio 1

Nunca me había decidido a leer nada de la famosa obra de Junji Ito, pues no soy especialmente aficionado a las historias de terror ni del manga, pero con el reciente estreno del anime Junji Ito Collection, que adaptará historias cortas en episodios autoconclusivos, pensé que este era un momento tan bueno como cualquier otro para lanzarme con la obra del artista japonés.

Como por ahora solo se ha visto un capítulo, es muy pronto como para saber el formato exacto que seguirán, pero al parecer el esquema será el siguiente: una primera historia que consumirá buena parte de los 23 minutos que dura el episodio, y una segunda historia mucho más corta. Como idea no está mal, pero debo decir que no podrían haber elegido peor una de las dos historias con las que dar el pistoletazo de salida.

La primera historia, llamada “Las maldiciones egoístas de Soichi”, cuenta como un adolescente que tiene un concepto exageradamente bueno de si mismo, desarrolla un poder relacionado con el vudú y lo utiliza para hacer lo que él considera justicia. La idea de base está bien, el problema es que Soichi es un personaje extremadamente irritante e insoportable.

01

Se cree el más fuerte, el más majo, el más gracioso, el más carismático y el más inteligente, y en realidad es todo lo contrario. El objetivo es que veamos el punto de vista del villano y sentamos verdadera lástima por las víctimas, y en ese punto está logrado, pero con un protagonista tan odioso, más bien agradezco que sea una historia corta. No puedo evitar compararlo con Vincent, el cortometraje de Tim Burton, pues también trataba sobre un niño que el mismo se excluía de la sociedad, pero en este caso no es tan efectivo y entrañable.

Aún así, debo reconocer lo que hace bien este anime, que son varias cosas. La secuencia tanto de opening como de ending funcionan a las mil maravillas, metiéndonos con música estridente e imágenes perturbadoras en el ambiente insano de Junji Ito, Además, parece que estarán personalizadas para cada episodio, lo cual puede estar verdaderamente bien.

En lo que más destaca, y de manera notable además, es en el apartado sonoro. Los efectos de sonido suenan alargados y estridentes, haciendo que algo tan normal como un martillo y un clavo suenen a algo verdaderamente infernal. El doblaje también es bueno, aunque también es cierto que en Japón el nivel del doblaje es muy alto. Y la banda sonora también mete excelentemente en situación, acompañando el patetismo del personaje cuando hace falta o metiendo terror extremo en otros momentos.

Crítica de Junji Ito Collection 01 soichi con araña el palomitron

Pero si por algo me ha gustado de verdad este episodio piloto, que me ha hecho tener esperanzas de que puede ser una serie a tener en cuenta e incluso animarme a escribir reseñas semanales, ha sido la segunda historia que adapta, “El crematorio infernal de una muñeca”. En tan solo dos minutos, con la música, con la ambientación, con las imágenes, con su juego de sombras y con su elección de planos, han logrado que me entre una tensión en el cuerpo que hacía mucho tiempo que no experimentaba.

Con herramientas tan antiguas pero efectivas como mostrar muy poco a la muñeca y su evolución o contar mediante voces en off los pensamientos de los padres, logran transportarnos a un ambiente enfermizo e infernal. Desconozco si seguirán la estructura de “historia de 20 minutos+mini-historia de dos minutos” en siguientes episodios, pero si es con resultados tan magníficos como éste (al menos con la segunda historia), bienvenidos sean. No deja de ser una pieza que podría haber funcionado con la misma efectividad como cortometraje individual, eso si.

Al final, las sensaciones que tengo están muy encontradas. Por un lado, la parte minoritaria del episodio me ha encantado, pero el mayor porcentaje de minutaje se me hacía cuesta arriba. Es lo que tiene estas series de historias autoconclusivas: irregularidad, y ya desde el piloto lo han dejado claro.

17

Futuros distópicos, el arte de la crítica social (I)

Bienvenidos. Antes de entrar en la materia que nos concierne me gustaría explicar brevemente el termino distopía, de dónde surge y cual es su evolución a lo largo del tiempo. Podríamos considerar a la distopía como todo lo contrario a una utopía (que es un futuro deseable pero poco factible), un futuro que nadie desea pero que puede darse si los diversos factores contemporáneos al ideólogo de la misma lo provocan a la larga. Es una crítica preventiva a una realidad futura, un aviso funesto de lo que nos espera si seguimos por el mismo camino, un intento de concienciación, puede ser muchas cosas pero sobre todo son relatos tan reales en algunos casos que da miedo el solo pensar que lo que se nos está contando pudiera hacerse realidad. Para conocer el origen del término nos tenemos que remontar al siglo XIX, más concretamente al año 1868. El filósofo y político inglés John Stuart Mill pronunciaba un vigoroso discurso ante la Cámara de los Comunes, durante el transcurso del mismo aparece el término en varias ocasiones dejando bien patente lo mucho que había calado la obra de Tomás Moro en su discurso.

“Es, quizás, también de cortesía que les llame utópicos, aunque deberían más bien ser llamado distópicos o cacotópicos. Lo que se llama comúnmente utópico es algo demasiado bueno para ser practicable; pero lo que parecen favorecer es demasiado malo para ser viable”

Años después el término irrumpiría con fuerza en el mundo de la literatura utilizando como impulsor al convulso siglo XX. En este artículo (y en su segunda parte) voy a hablar sobre los diversos autores que se han aventurado con mayor calado en el subgénero y sobre las distintas adaptaciones que han recibido las susodichas obras.

Para Futuros distópicos, el arte de la crítica social (parte II) pinchar aquí.

Para otros artículos relacionados con subgéneros literarios:

Sin más dilación, empezamos.

George Orwell

Empezamos este repaso con mi favorito de la lista tanto por su calidad literaria como por su constante crítica a los totalitarismos. El autor británico siempre destacó en su carrera como literato por su mordacidad, por sus sátiras tan efectivas que aún hoy día siguen sacando las vergüenzas de aquellos que criticaban. Un maestro de la palabra escrita tan influyente que incluso se utiliza el adjetivo orwelliano para referirse a aquellos obras distópicas que critican sistemas políticos totalitarios.

george orwell

Eric Arthur Blair (nombre real del escritor) siempre había sido un periodista comprometido con la causa social.  Criticaba a todo sistema opresivo que se le pusiera por delante, desde el ansia imperialista inglés (sus primeros años de vida los pasó en una colonia británica situada en la India así que sabía de lo que hablaba) hasta el totalitarismo estanilista. Todo sistema opresor de su tiempo tiene a Orwell como principal opositor. Tras una gran cantidad de artículos centrados en los problemas políticos de su tiempo llegaría la hora de que realizara una de sus mayores hazañas como escritor, crear el concepto distópico del Gran Hermano. Concepto que aplicó en su laureado libro 1984 (1949) con el que criticaba el exceso de vigilancia sufrido por el pueblo y la falta de libertad de opinión dentro de una sociedad hermética (algo que el autor temía por encima de todo).

1984

Ateniéndonos al género encontramos la premiada obra 1984 que es utilizada por la mayoría como ejemplo paradigmático de lo que es una distopía. La novela nos sitúa en un futuro distópico en el cual encontramos un mundo regido por un solo líder que responde al seudónimo de Gran Hermano. El líder no estará solo pues cuenta con un cuerpo de funcionarios de los que se valdrá para controlar al pueblo con mayor facilidad. Encontramos así, un Partido único sin oposición, un Gran Hermano que lo lidera, funcionarios encargados de facilitar la labor del Partido y los «proles», el grueso de la población que vive en la más absoluta miseria y acata las ordenes del líder sin rechistar. En esta sociedad, como podréis comprobar, el sujeto no puede hacer otra cosa que no sea formar parte de un rebaño.

1984 movie 1487710995418 9029259 ver1.0 1280 720

El Líder es bueno, el Líder es genial

El autor se vale de esta premisa para criticar con bastante acierto a los lideres de su tiempo (y a los sistemas políticos que iban a acabar creando). El Gran Hermano es una clara parodia al culto a la personalidad del líder que se daba en la Rusia de Stalin, por otro lado también tenemos la figura del Enemigo del Pueblo (aquel que se opuso al régimen) que está claramente inspirado en Lev Trotsky. Y como éstas, muchas más referencias que nos iremos encontrando a lo largo de la novela. Desde referencias a ciertos sucesos ocurridos durante la II Guerra Mundial a aspectos póliticos que Orwell no miraba con especial simpatía, todo esto tratado con un tono satírico que no deja indiferente a nadie. Un libro rompedor que se puede considerar un imperdible dentro del mundo de la literatura.

Adaptaciones en otros medios

La maravillosa novela también ha tenido presencia en el mundo del cine en dos ocasiones y, también, ha servido como inspiración para otras que la adaptan de forma libre (como podría ser Brazil de Terry Gillian). Es la versión de 1984 (año en el que se estrena la película, bastante bien calculado) la que, para mi, merece especial mención por ser la adaptación que mejor sabe transmitir los puntos claves de la novela. Protagonizada por John Hurt y dirigida por Michael Radford, la película se convierte en el perfecto complemento de la novela centrando su atención en mostrar con fidelidad aquellos aspectos psicológicos de la misma que, a priori, eran difíciles de transmitir en pantalla.

Aldous Huxley

Otro escritor de origen británico y otra obra clave dentro del género. Aldous Huxley fue un novelista y filósofo de origen británico que, como el anterior, siempre se preocupó por la inestabilidad social y política que le rodeaba centrando su crítica sobre todo en los roles preestablecidos, convenciones e ideales de la sociedad de su tiempo.

maxresdefault 2

Un genio en su campo que además también tuvo una prolífica carrera como escritor dejándonos numerosos ensayos y novelas, algunas de obligada lectura. De entre todas ellas voy a destacar una: Un mundo feliz (1932). Esta novela es una de las mejores dentro del subgénero y bien merece que le dediquemos un punto completo. Ya sabéis lo que nos gusta a nosotros todo lo que tenga que ver con la felicidad (aunque esta felicidad que se nos presenta tenga connotaciones irónicas debido a la temática de la novela).

Un mundo feliz

Como en todas las distopias, se nos muestra un mundo diferente, uno fabricado por unos sujetos que se imponen como lideres del mismo. El mundo era un lugar oscuro antes de su llegada, ahora está purificado. Hemos eliminado la desdicha, gracias a nosotros sois todos felices. ¿Qué es la felicidad pues? Algo impuesto por estos lideres que, aprovechándose de la situación, han tejido una nueva dimensión donde la palabra felicidad adquiere nuevo significado. Esta nueva felicidad es peor que la anterior desdicha pero si no sabes su anterior significado y te dicen que es bueno sentirse así, no rechistarás.

Estos lideres consideran que la sociedad debe de fabricarse pues si controlas la producción de la misma, controlas el mundo. La población empieza a fabricarse en laboratorios. Se crean especímenes a los que se les ha asignado, antes de «nacer», su clase social. Si deciden que seas Alfa, lo serás (vivirás como parte de la élite) no te cuestionarás ninguna decisión que tomes durante tu vida, serás feliz, pero en cambio si deciden que seas Épsilon (las capas más bajas de esta sociedad prefabricada) tendrás que aguantar la dura carga sin rechistar pues está en tu código genético ser inferior. No te preocupes, en ambos casos serás feliz. Así, tu estatus en vida es decidido de forma arbitraria por unos sujetos que juegan a ser Dios (en este caso, juegan a ser Henry Ford).

Bernard Max (nuestro protagonista) pertenece a la clase social de los Alfa pero no es feliz. La felicidad se le escapa, le inquieta lo que le rodea, no ve ético mucho de lo que pasa en su sociedad. ¿Un privilegiado infeliz? Un sujeto defectuoso dentro de una sociedad prefabricada empieza a darse cuenta de la mentira que le rodea. Así empieza la historia de esta novela que se ha convertido en todo un referente en el mundo de la literatura distópica.

Adaptaciones en otro medios

Un mundo feliz ha sido adaptada en dos ocasiones para televisión y en ambas ocasiones lo único que han conseguido es despertar la indiferencia del espectador pues, a diferencia de la novela, son bastante olvidables. Un mundo feliz (1998) es la peor de las dos, solo hay que ver como destroza la novela para caer en la cuenta. Lo único que comparte con su homónimo literario es el nombre (su sociedad es ligeramente parecida pero no lo suficiente), su estética es distinta, sus diálogos están muchísimo menos inspirados y la historia está completamente cambiada. Por estas cosas anteriormente citadas es por lo que es una adaptación a evitar. A la primera le faltaba presupuesto y a ésta le falta talento. Un desastre que no consigue salvar ni el bueno de Leonard Nimoy. Los fans de la novela aún estamos a la espera de una buena adaptación, adaptación que en manos de un director como Villeneuve sería carne de premios. Hollywood, te lo dejo caer.

Brave New World

Con solo ver un fotograma ya te das cuenta de lo que no funciona en el filme

Si tras leer la novela os habéis quedado con ganas tenéis dos más del mismo autor que os puede ser de interés. La isla (esta vez nos presenta un mundo útopico que se muestra como la contraparte de su mundo feliz) y Nueva visita a un mundo feliz (recopilación de ensayos sobre la novela que ayudan a comprender mejor la visión del autor).

Conclusión

Hemos llegado al final de esta primera parte de nuestro recorrido por las distopias que han marcado un antes y un después dentro de su subgénero. Nos vemos en la segunda parte, una segunda parte en la que repasaremos obras como El cuento de la criada de Margaret Atwood o Fahrenheit 451 de Ray Bradbury. Nos vemos en la próxima, que seáis muy felices.

Crítica de The end of the F***ing World. Emotiva historia de amor y locura de dos adolescentes inadaptados

Otra vez acudo a una serie vendida erróneamente. The end of the F***ing World presentó su primer tráiler oficial hace escasas semanas y me sorprendió muy gratamente. Me esperaba una comedia negra alocada donde el humor absurdo y malhablado y la sangre impregnaran cada uno de sus 8 episodios de duración, pero nuevamente caí en la trampa. Comprendo lo difícil que tiene que ser vender una historia así. No es la típica comedia, ni son los típicos adolescentes, ni siquiera su historia de amor es la más cursi.  The end of the F***ing World es una serie que, aun gastando el tiempo innecesariamente en algunos episodios, se degusta sin complicaciones y se sigue con ganas. Cuenta con 8 episodios de unos 20 minutos de duración que puede que no os enganche del todo y estéis muy perdidos en esta peculiar propuesta, pero si le dais un voto de confianza la serie os atrapará y acabaréis enamorados de los personajes, y mira que es difícil.

Dos adolescentes sumamente peculiares

https://www.youtube.com/watch?v=WCc6K995oAk&t=20s

The end of the F***ing World es una serie que adapta la novela gráfica The end of the Fucking World (Netflix puso los asteriscos para hacerla más llamativa para el espectador) de Charles S. Forsman. En ella seguimos a dos adolescentes de 17 años, desconocidos el uno para el otro, hartos de su vida actual y que deciden fugarse juntos y recorrerse Inglaterra. James es un chaval un tanto peculiar. Su sentido del humor brilla por su ausencia, es reservado, serio y lo más importante, un psicópata. Sí, como habéis oído. Él mismo se considera un psicópata y así nos cuenta como pasó de tener pensamientos asesinos a matar a su primer animal con poco más de 10 años en los primeros minutos, a querer sentir lo que supone matar a una persona, alguien con nombre, con su vida, y esa persona será Alyssa.

Ella es otra adolescente que no encaja en el mundo de los demás, pero sí en el suyo propio. Su familia está desestructurada y ella no pinta nada ahí. Su madre, al divorciarse de su padre, se casó con un hombre con el que ha tenido dos gemelos, y ella es el 0 a la izquierda. Odia todo lo que le rodea y está cansada de aguantar las gili****eces (si Netflix puede, yo también) de los demás y su vía de escape será James.

The End of the Fucking World critica serie 1

Ambos, emprenderán un viaje para huir de ese pueblo inglés donde están «cautivos» a vivir la experiencia de una libertad adulta que les superará conforme avancen. «Probablemente debería haber tenido miedo», así acaba el episodio, con uno de los tantos  cliffhanger que tiene la serie y que anima a seguir viéndola. El viaje de ambos se torcerá hasta límites inimaginables y todo perfectamente conducido gracias a las voces en off de ambos personajes, actuando en ocasiones como narradores de la historia.

La simpleza técnica de la novela de Forsman le llevó a usar a sus personajes como propios narradores de su historia y es algo que Charlie Covell, el propio Forsman y Jonathan Entwistle, director de esta ficción y que además ya llevó a cabo en 2014 un cortometraje sobre esta historia, han querido llevar a la serie. Constantemente vamos a escuchar los pensamientos de Alyssa y James. Estos, entretejidos en la trama, suponen en ocasiones un desahogo cómico ante la dureza de algunas secuencias y, sobre todo, una ventana abierta a sus sentimientos.

the end of the fucking world critica serie netflix 1

En The end of the F***ing World hay muy poco de comedia. La hay sí, pero está camuflada y sirve como desahogo. La serie es una historia de amor con tintes dramáticos entre dos personas que ven como el mundo en el que viven se les queda pequeño y que quieran o no, se necesitan. James es un psicópata, pero esa categorización no se queda ahí. Según avanzan los episodios descubrimos que, como él nos y se hacía creer en el primer episodio, no es un psicópata porque haya nacido así, han sido las situaciones que ha vivido. Al igual que Alyssa, interpretada muy notablemente por la joven Jessica Barden y que con perdón de Alex Lawther, pero se roba completamente las escenas en que aparece, su situación es fruto de una vida atormentada.

Acabé de lo más sorprendido al ver como esa historia de amor que se perfilaba en el primer episodio, no traicionaba ese estilo desenfadado, políticamente incorrecto y exagerado del resto de situaciones. James y Alyssa se necesitan. Para él ella es quien consigue esbozar una sonrisa en su cara seria, y él es quien pone los pies en el suelo a Alyssa. Ambos evolucionan de una manera sobresaliente en esos 8 episodios, ya no sólo físicamente teniendo en cuenta las perrerías que tienen que sufrir, sino psicológicamente. The end of the F***ing World no es solo el título de esta historia sino el de sus vidas. Ambos renuncian al mundo que conocen, a pesar de ser unos críos y que saben poco del mundo que les rodean, y cuando la serie comienza a preparar sus últimos minutos, con ellos dos en la playa mirando al infinito, Alyssa comenta «parece que estamos al borde del mundo». Ellos dos se tienen pase lo que pase, pero el mundo no se lo pone fácil.

the end of the fucking world critica serie netflix

La serie cuenta con ellos dos como pilares fundamentales, pero no deja de lado otros personajes. Todos están bien desarrollados y no he tenido la sensación de que sobre ninguno. Quizá lo que muchos verán como negativo es la escasa introducción que tienen algunos, en especial las dos detectives de policía, pero, y a pesar de ser cruciales para el final de la historia (final abierto eso sí y que deja con cierto mal sabor de boca), no se sienten como extrañas.

The end of the F***ing World toma prestadas muchos elementos y estilos de otras cintas, pero los usa de una manera muy inteligente para trasladarnos a la Inglaterra de la que huyen esta pareja. Es una road movie sobresaliente donde la banda sonora del alemán Graham Coxon, quien usa canciones licenciadas y las sitúa en el momento y lugar correctos, juega otro papel fundamental en esta historia. A excepción de su pasable fotografía que en ocasiones cumple notablemente y en otras dista de hacerlo, la nueva serie de Netflix es excepcional, tierna, mordaz y valiente.

La Heroes Comic Con de Valencia sigue sumando artistas invitados

A poco más de mes y medio del evento Heroes Comic Con en Valencia, la realización está haciendo todo lo posible por llevar lo mejor del mundo del cómic y de las series a la ciudad levantina. Hace un mes os comentábamos la espectacular noticia de la incorporación de Gaten Matarazzo al evento como estrella invitada, quien además ha subido un divertido vídeo a sus redes sociales donde se le ve ansioso por asistir. Esta semana la realización ha confirmado a 4 artistas del cómic nacional que asistirán, presumiblemente, los 3 días que dure el evento.

https://www.facebook.com/HeroesComicConSpain/videos/1434969906626301/

Antes de hablar de los artistas, una mala noticia. ¿Qué hay mejor que hacerse una foto con el gran Dustin de Stranger Things mientras enseña sus perlitas? Pues las miles de personas que acudirán el sábado 24 al evento han pensado lo mismo y es que el evento ha tenido que confirmar que las entradas para la sesión de fotos con el actor se han agotado en cuestión de semanas. Actualmente están trabajando para tener otra sesión de fotos a otra hora para que nadie se quede sin ver al bueno de Gaten.

Pero vamos con las buenas noticias y es que el evento está intentando dar mayor visibilidad a los artistas patrios y no escatima en invitar a tantos cuanto pueda:

  • Juan Carlos Cervera. Este joven autor de 25 años ha trabajado en una saga de cómics de terrro llamados Tu última noche en la tierra. Es una colección de relatos de terror al más puro estilo de las historias cortas de terror noventero como Historias desde la cripta, Pesadillas o Creepshow. También es guionista de Very horrible stories, otra línea de cómics centradas en el terror y la violencia.
  • Nacho Fito. Colabora con Juan Carlos Cervera en sus dos líneas de cómics como dibujante. Además, para los que os guste el Marca, Nacho es ilustrado del cómic deportivo Baskethood.
  • Álvaro Aparicio. Autor del libro Señora de los Caídos. En esta novela un peregrino caído en desgracia tropieza con una niña misteriosa que lo enrola en su causa: llegar a la Parroquia, un respiradero a lo más profundo del abismo, más allá de bosques, fuegos y marismas.
  • Jaume Vicent. Otro joven autor aficionado a las historias de terror desde niño y que nos deleita con historias en formato cómic en la actualidad. Blackwood: Piel y Huesos, La Carne y la Sangre y El Clan de la Montaña son algunos de los cómics donde él ha participado.

A la Heroes Comic Con no solo acuden fanáticos del cómic sino gente de todo tipo, amante de los videojuegos, los mangas, series y… Cosplays. A falta de confirmar la presencia de más cosplayers, la Heroes Comic Con contará con dos patrios como son Tobi & Ari B-Rabbit.

Tobi Ari B Rabbit
Tobi & Ari B-Rabbit en el Salón del Manga de Barcelona

Sin embargo, los chicos de Heroes Comic Con no se olvidan de los artistas internacionales:

  • Chris Sprouse, que ha participado en la etapa 2016-2017 de Pantera Negra en Marvel, la Liga de la Justicia y Batman en los 90, y en la línea de cómics de Tom Strong desde 1999 a 2006, cocreada por Alan Moore.
  • Marie Javins. Editora de grupo en DC Entertainment. Ha trabajado junto a Marvel como colorista y editora de Tierra X de Alex Ross, en DC con DC Super Hero Girls y como editora del famoso manga de Katsuhiro Otomo, Akira.
  • Yanick Paquette, otro peso pesado de Marvel y DC que ha trabajado en las líneas de Wonder Woman, Superman, Batman, Vengadores, Liga de la Justicia, X-Men, Lobezno Arma X o La Cosa del Pantano. Actualmente está trabajando junto a Grant Morrison en Wonder Woman: Tierra Uno.
  • Carmen Carnero, artista española pero con mucha presencia en el extranjero. Carmen empezó trabajando en Marvel en X-Factor, en su último arco argumental. Sus primeros trabajos para DC Comics serían en dos de los especiales del Villains’ Month, JL: Deadshot, y DIAL E for Evil, y un Annual de La Cosa del Pantano. Después de crear el arte para algunos números del Astro City de Kurt Busiek, últimamente Carmen ha trabajado en Batgirl ad the Birds of Prey, Wonder Woman, Detective Comics y, más recientemente, en Gotham City Garage, todo ello para DC Comics.
  • Rubén Pellejero. Artista español que como Carmen ha tenido mucha presencia en el extranjero trabajando en Corto Maltés y El largo y tortuoso camino para Astiberri, y en DC en la línea de cómics Batman: Black & White.

La Heroes Comic Con de Valencia se celebrará los días 23, 24 y 25 de febrero y ya podéis comprar las entradas y consultar cualquier información en su web.

Un saludo, sed felices y nos vemos en Valencia.

Reseña de Maximum Berserk 4, el fin de la Edad Dorada

4

La serie de Maximum Berserk me está encantando. Será por eso por lo que cada dos meses (que se hacen eternos) estoy aquí, en la sacrosanta web hablando sobre este manga. Tengo la suerte o la desgracia de no haber leído Berserk cuando tocaba, o lo que es lo mismo, dentro del macro temporal de la época. Yo no lo leí en los 90 o incluso en la primera década del siglo actual. Y visto lo visto quizás he tenido suerte ya que todavía la obra permanece incompleta. Kentauro Miura parece, por fin, dispuesto a terminarla, pero a su ritmo, no vaya a darle un chungo en el proceso. Mientras, Berserk ha adquirido la fama de manga de culto, manga que por ese motivo está editando ahora Panini Manga en dos formatos. La versión «normal» que ya va por el tomo 39 y la versión Maximum, que es la que estamos comentando en la web desde hace meses, que empieza desde el principio de los tiempos y dentro de cada publicación engloba dos tomos de los llamados normales. Por eso este cuaderno número 4 de Maximum engloba los tomos 7 y 8 de la edición original.

berserk 7
El tomo 7 de la edición original, que se incluye en el 4 de Maximum Berserk

Lo primero de todo es que mi mayor ventaja (y a la vez debilidad) contra los lectores veteranos de la serie es que no se que va a pasar a continuación. Vaya, parece que me he metido demasiado en el papel de Berserk. A lo que iba… no tengo ni idea de lo que vendrá después, no se que pasará en futuros números de la colección lo cual me confiere mayor interés ya que adolezco de referencias futuras y lo intento disfrutar como si fuera una publicación actual. Lo mismo hay preguntas que me planteo y que incluso plasmo aquí que a los lectores veteranos les parecen más que explicadas, pero como estoy siguiendo el ritmo de la publicación de Maximum, me centro y me baso en el formato actual.

Creo que la idea de Panini Manga de publicar esta obra tan longeva (en el tiempo) en dos formatos es muy inteligente, para ellos y para el lector. De esta manera los veteranos de la serie pudieron retomar la leyenda de Bersek desde el tomo 37, el siguiente que se publicó en España y los noveles (ya sabéis que soy de esos) podemos deleitarnos con el manga desde el principio. Y además para que sea una edición diferente y de lujo han modificado el título y el tamaño. Maximum Bersek además de aglutinar dentro de sus tapas dos tomos normales es de mayor tamaño, tipo Kanzenban. 

berserk 8
El tomo 8 de la edición original, que se incluye en el 4 de Maximum Berserk y cuya portada se adaptó a la de lujo española

No se sobre que derroteros derivará la vida de Guts, el protagonista de esta epopeya, pero en este tomo 4 acabamos con la Edad Dorada y con el Griffith y la banda del Halcón que hemos aprendido a querer (y un poquito a odiar por partes iguales) Recordad en que se convierte Griffith cuando le vimos en el tomo 1 de la saga. Y sinceramente, me da mucha lástima perder de vista toda esta época en la que nuestro protagonista pudo convivir con este grupo de gente que tanto parece haberle influido posteriormente. Creo que gran parte de la personalidad actual de Guts proviene de esta etapa, del grupo y de su dependencia (de la que se escapa o libera) de Griffith. Creo que en este tomo comprobamos como Guts finalmente se da cuenta que su sueño, su misión en la vida no está claro, pero lo que si que tiene entre ceja y ceja que no es el de Griffith. Es muy fácil dejarse llevar por los tejemanejes de su líder, pero el antihéroe de Berserk es tan obstinado mentalmente que puede salir de ese influjo, de ese sueño tan idílico que parece imbuir el líder de la banda del Halcón.

Magnífico tomo y magnífica manera de Kentauro Miura de llevar a sus personajes. Y por cierto, el duelo final entre Guts y Griffith es maravilloso, visto desde la perspectiva de ambos héroes y finalizado de manera tan drástica como rápida. ¿Y ahora qué? ¿Qué será de Guts una vez que se ha liberado del sueño de otra persona? ¿La serie seguirá siendo tan estupenda o pegará un bajonazo? ¿Cómo pierde Guts su pierna y su mano?

A continuación os dejo la portada del tomo 4 de Maximum Berserk editado por Panini Manga en España.maximum berserk 4

Un saludo y sed felices.

Análisis de Black Mirror. Temporada 4. Episodios 4, 5 y 6

A dos días de terminar el 2017, Netflix emitió la cuarta temporada de Black Mirror con seis nuevos episodios, que tocan temas que ya hemos visto en la serie con anterioridad. Iniciando el año hablé de los episodios que menos me gustan, que se corresponden con la primera mitad de la temporada. Ahora comentaremos la segunda mitad y los episodios que más me gustaron, de menos a más. Así que entremos en detalles y posibles SPOILERS.

Análisis de Black Mirror. Temporada 4. Episodios 1, 2 y 3

3. Metalhead (Episodio 5)

Esta historia no tiene absolutamente nada que ver con intervenciones en la conciencia, convirtiéndose en el hermano raro de esta tanda de episodios. Entiendo porqué a los seguidores más fieles podría no gustarles, se aleja de los conceptos que la serie ha establecido anteriormente, siendo muy diferente a todo lo que hemos visto durante las cuatro temporadas, además no aclara demasiado el contexto social en que se desarrolla el relato. Sin embargo, yo agradezco el haber podido disfrutarlo, y está entre mis tres favoritos porque fue el único de los seis que quise ver nuevamente tan pronto como lo terminé.

blackmirror lascosasfelices3

Metalhead fue toda una experiencia para mí, tiene una historia muy sencilla, pero se vive intensamente. Es la búsqueda de un poco de humanidad en un mundo desolado. Empaticé inmediatamente con el personaje de Maxine Peake, ella se lució en cada minuto y los acercamientos a su rostro no hicieron más que favorecerle; sufrí por ella y con ella, esa violencia gráfica en blanco y negro consiguió perturbarme, y el perro robot me causó verdadero temor. En el momento en que lo vi no puse demasiada atención a los créditos, no me enteré que David Slade estaba a cargo de la dirección hasta más tarde, y fue muy satisfactorio saber que es el productor y director de algunos episodios de Hannibal, una de mis series favoritas. Nuevamente demostró la calidad de su trabajo.

2.Hang the dj (Episodio 4)

Muchos dicen que este episodio es el San Junipero de este año, y yo no podría estar más de acuerdo. Netflix y Charlie Brooker saben lo que funciona y no es extraño que quieran replicarlo; afortunadamente lo hacen muy bien, y nos conquistan con una historia de amor una vez más. A lo largo del episodio no entiendes muy bien lo que está sucediendo ni por qué alguien se prestaría para este tipo de situación; de lo único que tienes certeza es de que quieres que los protagonistas acaben juntos porque son adorables y su química es incuestionable.blackmirror lascosasfelices2

Al verlos subir por esa escalera, saliendo de ese pequeño mundo construido a su alrededor, no pude evitar recordar The Truman Show.  La sorpresa que nos espera al final es más que grata, las tácticas para ligar llegan a otro nivel, dejas de pensar que el sistema es aterrador y si estás algo desesperado puede que incluso quieras descargarlo en tu teléfono.

1.  Black Museum (Episodio 6)

Este último episodio no habría podido tener un mejor título, un museo dedicado a los crímenes escabrosos que han sucedido durante esta y las temporadas pasadas; hay tantas auto referencias que podrían alcanzar para un post entero. Black Museum recuerda un poco a White Christmas, al introducir unas cuantas historias dentro de una gran historia, todas ellas bastante escabrosas, volviendo al estilo de Black Mirror que tanto nos gusta. Pienso que la subtrama del médico adicto al dolor, basada en una historia corta de Penn Jillette que hasta el momento no ha llegado a imprimirse, habría sido perfecta para un episodio entero; tanto Arkangel como Crocodile pudieron tomar su lugar en las narraciones de Rolo Haynes sin quitarle mucho mérito al resultado final, ya que el poco tiempo que se emplearía en desarrollarlas ayudarían a darles la potencia e impacto que la del doctor tiene de sobra.

blackmirror lascosasfelices

Las historias que le siguen no se quedan atrás, cuestionan la moralidad tanto de las tecnologías usadas como la de los personajes. La idea de ser propietario de la mente de otro ser humano y condenarlo al silencio, al dolor o al encierro eterno, es francamente perturbadora. Este es mi episodio favorito debido a que podría ser un final digno para la serie. De hecho, me gustaría que así fuera, porque no sé cuánto más podrá exprimir sus ideas el guionista británico.

Como dije en el anterior post, esta fue una buena temporada, pero ningún capítulo llegó al nivel de los mejores de la temporada pasada y, mucho menos, al del primer episodio de la serie. En este punto repite las mismas ideas. Sacarse de tres a seis distopías del bolsillo, por año, no es cualquier cosa. Sobre todo con el nivel que el público espera de ella. Ya va siendo hora de que Netflix piense en darle un fin,  pero esto es un negocio y mientras sea rentable es muy poco probable que suceda.