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Análisis de Black Sails: Temporada 3. Capítulo 4

Ups. Pues esto no me lo esperaba. Y eso significa que Black Sails, en este capítulo 4 de esta temporada 3 está tan emocionante como siempre. ¿Por qué? Porque ha habido giros inesperados. Cambios de esos que te dejan boquiabierto y que hace que la trama esté muy interesante.

Recordad que estamos haciendo un seguimiento de la serie en Las cosas que nos hacen felices y que, si estás interesado por la historia real de estos personajes, puedes saber aquí cómo fueron sus vidas.

Empezamos.

La tripulación de Flint está prisionera con una tribu anti-inglesa de refugiados y, casualidades de la vida, son los parientes ocultos de Mr. Scott (que por cierto, el actor que lo interpreta también fue pirata en Piratas del Caribe 3). El caso es que esta banda selvática está ahí porque no quieren que los esclavicen, y para evitar esto tienen la política de cargarse a todos los que aparecen por ahí. Lo que pasa es que eso lo descubrimos al final y mientras tanto el capítulo gira en torno a un debate sobre si escapar o no luchando. Parece que el diálogo va a triunfar y de paso vemos a un Flint y a un Silver más cómodos y con más confianza. Parece que las diatribas del primer tercio de esta temporada han llegado casi a su fin aunque habrá algún coletazo y dudas. ¿Qué harán para salir de ahí juntos como un equipo? Yo creo que saldrán de ahí con sus captores como aliados. Creo eso por lo acontecido al final del capítulo ya que Mr. Scott nos ha acompañado tres temporadas y merece que su muerte, aunque estúpida, tenga consecuencias. En cualquier caso es posible que me equivoque ya creía que iba a haber una merienda de cadáveres en algún momento y no ha pasado (pero sí se han cargado a unos cuantos tripulantes).

Silver, con las ideas más claras
Silver, con las ideas más claras

Por otra parte por fin hemos visto a Barbanegra en acción. Había ganas y cumple con el rigor histórico de que iba con muchas pistolas disparando gente mientras se abre camino a mandoblazos. ¡Y todo para salvar a Vane! Se nota que le tiene cariño, como también lo tiene Rackham. ¿Por cuál de los dos amigos siente más afinidad? En cualquier caso necesitaban escapar y para ello se sirven de una estratagema genial y espectacular. ¿Volverán para ayudar a los habitantes de Nassau?

Eleanor sigue igual: quiere recuperar su imperio comercial. Y para ello le vale el aval de su nuevo amigo. ¿Tendrá alguna jugada oculta en mente? Está claro que Vane va a buscar venganza y que en algún momento se cruzará con ella. ¿Ocurrirá en la batalla definitiva por Nassau?

El barco señuelo luce espectacular
El barco señuelo luce espectacular

Lo interesante es saber qué pasará próximamente. Es posible que varios acepten el indulto masivo, el mismo en el que Flint trabajó tiempo atrás. Pero también veo muy probable es que muchos de los que admitan ser perdonados vuelvan antes o después a la vida de piratería. Ya hemos visto el giro en la trama con una tribu que no esperábamos. Los periplos de nuestros favoritos en la selva han sido tan inesperados como bienvenidos. Y, desde luego, lo más sorprendente es que uno de los personajes que lleva desde la temporada 1 ha muerto. ¿Qué eventos inesperados veremos en el capítulo 5?

Entrevista a Alberto Jiménez Alburquerque, dibujante de La Carta 44

En Las cosas que nos hacen felices somos grandes fans de La Carta 44, el cómic de Charles Soule y Alberto Jiménez Alburquerque, editado en Estados Unidos por Oni Press y en España por Norma Editorial. Hemos reseñado tanto el primer tomo, Velocidad de Escape, como el segundo, Desplazamiento al rojo. Por eso, porque nos encanta este cómic y creemos que es uno de los mejores que se publicaron en España en 2015, hemos querido aprovechar que Alberto es compatriota y hemos hablado con él para realizar una pequeña entrevista. Alberto Jiménez Alburquerque, a pesar del trabajo que le supone trabajar en un mercado tan exigente como el americano, se ha prestado a ello y hemos charlado un rato. Deciros que ha sido un auténtico placer, se ha mostrado como una persona afable y cercana, un auténtico fan de los tebeos y un gran profesional. Esperamos que disfrutéis con la entrevista, en la que dice cosas muy interesante.

LCF: Hola Alberto, en primer lugar gracias por concedernos esta entrevista.

AJA: Encantado, con mucho gusto. Siempre estoy encantado de atender a todos los que estén interesados en los cómics.

LCF: ¿Cómo surgió la posibilidad de trabajar en La carta 44? ¿Cómo entraste en contacto con la editorial?

AJA: Bueno, la verdad es que la historia es un poco larga. Conocí, en un festival en Argelia, al dibujante de Whiteout, Steve Lieber, quien me invitó a pasar un tiempo en su casa, en Portland (Oregon), allí conocí a gente de su estudio, pudimos hacer un festival en Seatlle y conocí a la gente de Oni Press, les enseñé mi carpeta y a la editora, que en aquella época era Jill Beaton, le gustó mi trabajo. Me dijo que me mandaría un mail con una propuesta. La propuesta era La carta 44 y en aquella época yo andaba buscando trabajo. Acababa de terminar la serie Elle para Edicions Soleil, en Francia y me surgió la oportunidad y aquí estoy.

LCF: ¿Qué supone para ti, a nivel profesional, trabajar en este cómic, ahora mismo?  ¿Ha gustado el cómic en Estados Unidos?

AJA: Hombre, Oni Press es una editorial modesta, una editorial pequeña pero siempre saca proyectos muy personales, muy cuidados y suelen tener títulos más o menos importantes, como por ejemplo los cómics de Scott Pilgrim. Tiene una repercusión pequeña pero los fans que tenemos, por lo que me llega de la editorial, son un número más o menos establecido, gente a la que les gusta mucho el tebeo. Esta claro que no es un éxito de ventas, no puedes decir que está en el top diez. Eso es muy complicado si no eres Star Wars o Los muertos vivientes pero dentro de los números de una editorial como la nuestra estamos todos muy contentos con la serie. Mientras las ventas sean buenas y a la gente le siga gustando el cómic, nuestra idea es terminarlo.

LCF: ¿Tiene La carta 44 un final ya establecido o es una serie abierta?

AJA: La serie la planteó Charles (Soule) como una serie con un final. Él conoce ese final desde hace mucho pero yo no. La serie termina en el número 35, van a ser 5 arcos argumentales de seis números, como los que van apareciendo ahora mismo en España (en España llevamos dos) y luego habrá un arco argumental, que seguramente sea el penúltimo, en el que se cuenta el origen de los personajes. Ahora mismo estoy trabajando en el número 24 de la serie, más o menos la mitad del cuarto arco y se lo que pasa hasta el final del mismo. El siguiente sería el último para mi ya que los orígenes de los personajes no los dibujo. Los orígenes salen en formato grapa, entre arco y arco en Estados Unidos y eso me permite descansar, que no me pillen las fechas de entrega. Hasta el momento han aparecido tres, con dibujantes de la casa, de Oni Press: Joél Jones, Gabo,…

LCF: ¿Tíenes total libertad para el diseño de los personajes o trabajas a partir de un guión con indicaciones muy detalladas?

AJA: A nivel de diseño, los guiones de Charles son bastantes claros, es una persona con las cosas muy claras en su cabeza.  Te describe hasta cierto punto la situación y cómo la ve él. No es Alan Moore en cuanto a la descripción, que prácticamente te escribe una novela para describirte tres viñetas. Siempre deja un poco de margen para que yo pueda aportar mi visión, tanto en lo referente a los diseños como a la hora de estructurar la página. Si veo una viñeta que me parece que no funciona y pienso que de otra manera funcionará mejor pues no hay problema en cambiarla, siempre bajo supervisión, claro. Si tengo una idea que creo que puede funcionar entonces la comento con Charles y con los editores y al revés, en ocasiones me dicen que si veo algo que creo que puede funcionar mejor, lo puedo hacer sin problemas. Es una relación bastante orgánica, ya llevamos mas de 3 años trabajando en el proyecto y hay bastante confianza.

LCF: Creo que con Charles Soule os habéis visto sólo un par de veces. Soule comentaba en su twitter que viajaba a Francia, al festival de Angouleme, a reunirse contigo y que era la segunda vez que coincidíais.

AJA: Si, eso es. La primera vez que nos vimos fue con motivo de la salida del número 1 de la serie, en la Comic-con de Nueva York del 2013, donde estuve firmando ejemplares. Ahora en Angouleme, la editorial Glenat, que edita La carta 44 en Francia, nos invitó a los dos para promocionar la serie. El primer volumen salió en Francia más o menos cuando salió aquí, en junio de 2015, y estaba nominado dentro de la selección oficial del festival y al premio Cultura, un premio otorgado por una asociación de tiendas y grandes centros comerciales asociados al mundo de la cultura.

LCF: En la web hemos hecho un par de reseñas, del primer tomo y del segundo. Mi compañero Mario Losada afirmaba que lo que menos le gustaba era el dibujo. Sin embargo yo creo que el dibujo es muy adecuado para la historia, que igual con otro estilo de dibujo esta historia no funcionaría. No se si tu lo ves igual.

AJA: No lo se. Cada dibujante es un mundo. Entiendo que hay gente a la que no le guste mi dibujo y que piense que hay dibujantes mejores. La verdad es que yo también lo pienso pero mi objetivo es mejorar con cada número. También hay que tener en cuenta las condiciones del trabajo. Muchas veces la gente piensa que te dedicas a esto en exclusiva cuando yo, por ejemplo, tengo otros proyectos en paralelo. A veces no estás en una situación cien por cien ideal sino que tienes que hacer el lápiz, la tinta, el story-board, etc y trabajar en el mercado americano es un trabajo a destajo, a veces vas bien de tiempo y a veces vas mal. El editor, cuando empiezas, te da un tiempo, de cinco a seis semanas por número y a veces te sobra y a veces te falta. Pero al final lo que cuenta es el resultado.

LCF: A mi personalmente me gusta, creo que guión y dibujo se complementan perfectamente.

AJA: Te lo agradezco pero también es lo que comentas. Otro dibujante le da otro aire a la historia, seguro. Cada dibujante tiene un estilo, una visión. Le das la misma historia a cien dibujantes y tienes cien historias diferentes.

Página 8 en lápiz azul del número 2 de La carta 44
Página 8 en lápiz azul del número 2 de La carta 44

LCF: ¿Cuáles consideras que son tus influencias en cuanto a dibujo?

AJA: Buff, me gustan muchos tipos de dibujo, todos muy diferentes. Si tengo que elegir siempre se me va a olvidar alguno. Las películas de Disney siempre me han influenciado mucho a la hora de intentar dar vida a los personajes, a la hora de intentar que sean muy expresivos, que se entienda bien lo que quieren decir en cada momento. Si el personaje está triste que no parezca que esté contento o inexpresivo. Muchas veces ves un tebeo y no sabes lo que están pensando los personajes en cada momento.

Dentro de los cómics hay muchos dibujantes que me han influenciado. Carlos Pacheco ha sido una influencia muy grande. Es un dibujante muy bueno y me pilló en una época en la que él empezaba a trabajar en Marvel, era un dibujante español que rompía en Marvel y yo soy también español y también quería trabajar en Marvel. ¿Cómo hay que hacer las cosas para llegar ahí? Pues él es el ejemplo, como Salvador Larroca. También la época en la que se publicaba Cliffhanger tuvo mucha influencia en mi dibujo, Madureira, Humberto Ramos,…

LCF: ¿Te ves trabajando en una editorial como Marvel o DC en otros proyectos, con personajes más conocidos?

AJA: A mi me encantaría. He crecido leyendo superhéroes, leyendo Conan y a partir de ahí empecé a descubrir el manga, el cómic europeo,… Yo quería dibujar tebeos porque yo leía superhéroes y los sigo leyendo. Me encantaría Marvel porque sus cómics siempre han sido los más asequibles en España, los que han tenido más difusión, hasta cierto punto; pero si, me encantaría dibujar personajes como Batman, Superman, Lobezno, La Patrulla X,…

LCF: ¿Hay algún guionista con el que te gustaría trabajar, aparte de Soule?

AJA: Hay muchos: Bendis, Mark Waid,… dentro de lo que es el mundo de los superhéroes. Aparte hay otros dentro del cómic europeo pero conseguir cuadrar tiempos y proyectos es muy difícil.

LCF: ¿Te ves guionizando tus propias historias? (típica pregunta de manual)

AJA: De momento, te diría que no. No me da la vida ya para más (risas). Supongo que en el futuro si que tendré más ganas de dedicarme a guionizar un cómic pero hasta el momento sólo lo he hecho una vez, en una historia corta de siete páginas y me llevó más tiempo el guion que el dibujo. Después de aquella experiencia dije que, de momento, me iba a dedicar a lo mio y más adelante ya veremos si puedo aprender a escribir con un mínimo de decencia. Es un trabajo muy diferente. De momento, que lo haga un profesional que lo hará mejor que yo, seguro.

LCF: Charles Soule es uno de los mejores guionistas actuales. ¿Qué tal es trabajar con él?

AJA: Charles es una persona que trabaja mucho y trabaja bien. A mi me ha gustado todo lo que he leído suyo y la repercusión que tiene lo demuestra. Ha tenido una carrera bastante meteórica. Su primer trabajo profesional se publicó hace unos seis años, en editoriales pequeñas y desde ese tiempo se ha convertido en uno de los guionistas clave en Marvel. Me parece una persona que se lo ha currado y que además tiene talento.

LCF: ¿Su trabajo en Marvel puede impedir, en cierta forma, que no se acabe La carta 44? ¿No hay posibilidad de que su carga de trabajo en Marvel impida continuar con vuestra serie?

AJA: No, no. De hecho, su trabajo principal es ser abogado, tiene su despacho de abogado y aparte están los guiones que realiza y nunca ha tenido un problema de fechas de entrega, por lo menos conmigo. Él tiene un contrato en exclusiva con Marvel pero su contrato no le impide hacer proyectos de creación propia. La Carta 44 es como su hijo, su proyecto más personal. Al final, lo que hagas para Marvel siempre lo haces con personajes que no son tuyos. Aunque te gusten mucho no son personajes que hayas parido tu. La Carta 44 la enfoca de otra manera diferente a sus proyectos en Marvel, que para nada hace que se retrase en las entregas. De hecho es el único guionista que me ha enviado seis guiones seguidos, con los arcos argumentales completos. Es un gusto trabajar así. Sabes que tienes seis meses de guión sin tener que ir detrás del guionista para que te envie los guiones, que a veces pasa.

Página 4 a tinta del número 11 de La Carta 44
Página 4 a tinta del número 11 de La Carta 44

LCF: ¿Que te parece la edición que Norma Editorial ha hecho en España hasta ahora de La Carta 44? ¿Te gusta o habrías preferido una edición de otro tipo, en grapa por ejemplo?

AJA: No lo se. A mi me gusta porque es muy, muy fiel a la edición americana de las recopilaciones. Si tendría que haber salido primero en grapa y luego en tomo… pues no lo se. Eso son decisiones que dejo a los editores, que son los que saben como funciona el mercado. No me meto en eso. Si hubiese salido en grapa y luego en integral tampoco habría sido mala cosa pero los editores son los que saben como vender el producto.

LCF: ¿Qué es lo que más te ha costado dibujar de La Carta 44 hasta ahora?

AJA: Uff, hay muchas cosas que me cuestan mucho (risas). Cada cosa tiene su propio reto pero probablemente lo que más me cuesta es dibujar a la bebé, a Astra. Dibujar bebés es muy difícil, muy complicado (risas) y fuera de eso, las escenas de conversaciones largas son muy complejas en cuanto a su planteamiento porque siempre intentas que no se hagan aburridas. Una escena de esas, de cuatro o cinco páginas, aunque esté dividida en saltos, que transcurre en una habitación, con cinco personajes hablando, es muy complicado para no aburrir al lector.

LCF: No me ha dado nunca esa sensación, la verdad.

AJA: Gracias. Te aseguro que lo intento de veras. Si lo consigo, es un reto superado.

LCF: Pues nada más. Si quieres te dejamos añadir lo que quieras a la entrevista.

AJA: Pues nada. Sólo deciros que hasta el día 20 habrá en Madrid una exposición con mis originales en una tienda de cómics, en Viñetas Cómic, en la calle Luna 16, donde habrá una sesión de firmas el día 20. Si queréis pasaros, allí estaré firmando ejemplares.

LCF: Alberto, muchas gracias por atendernos.

AJA: Gracias a vosotros, encantado de que os guste el cómic y aquí me tenéis para lo que necesitéis.

 

Portada a tinta del número 6 de La Carta 44
Portada a tinta del número 6 de La Carta 44

P.S.: Quiero agradecer una vez más la amabilidad que ha tenido Alberto Jiménez Alburquerque a la hora de concedernos esta entrevista y las fotos e imágenes que nos ha cedido para ilustrarla. Ojala todos los profesionales del mundo del cómic fuesen como él.

Alberto Jiménez Alburquerque (izq.) y Charles Soule (der.) en el Festival del Cómic de Angouleme, en Francia
Alberto Jiménez Alburquerque (izq.) y Charles Soule (der.) en el Festival del Cómic de Angouleme, en Francia

 

Ya tenemos ganadores del tomo Marvel 75º aniversario cortesía Comic Stores de Fuengirola

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Quisiéramos dar las gracias a todos por participar y a los ganadores darles nuestra enhorabuena.

Este tomo es cortesía de Comic Stores de Fuengirola, la tienda a la que nuestro editor Enrique Ortega hizo una entrevista en fechas pasadas. La verdad es que nos trataron muy bien y se ofrecieron a regalar un super tomo entre todos los seguidores de Las cosas que nos hacen felices. Para los que no conozcan la tienda os dejamos el enlace con la entrevista y su dirección por si queréis ir a visitarla: Camino de Coín 41, Fuengirola (Málaga), email: fuengirola@comicstoresgroup.es y sus teléfonos son 951 514366 y 638 528304.

*El ganador del tomo Marvel 75º aniversario es:

Samuel Férnandez © (Twitter)

*El finalista:

Raul Solis Perez (Facebook)

Intentaremos contactar con el ganador para que nos facilite su .

MUCHAS GRACIAS A TODOS POR PARTICIPAR.

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Primer avance de Star Wars Episodio VIII

Ya tenemos aquí el avance del Episodio VIII con un vídeo dando el pistoletazo de salida a la producción con el nuevo director Rian Johnson. Algunos darán palmas y otros menos, pero J.J.Abrams sigue en la saga y más en concreto como productor. Aún no hay título oficial para esta cinta pero ya se encargarán Disney y Lucasfilm de darle bombo y platillo cuando lo hagan público.

¿Os acordáis de como acabó El despertar de la fuerza? Pues justo aquí se retoma la trama con Luke y Rey cara a cara. Sin duda un aperitivo para lo que vendrá los próximos meses.

Mark Hamill, Carrie Fisher, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Lupita Nyong’o, Domhnall Gleeson, Anthony Daniels, Gwendoline Christie y Andy Serkis volverán a la saga pero ahora contamos con la incorporación de dos pesos pesados de la industria del cine como son Guillermo del Toro y Laura Dern.

Os dejamos con el primer avance promocional del Episodio VIII. Esperamos que os guste.

Reseña de Tomas falsas de José Fonollosa

Hola amigos, hoy os presentamos la reseña de Tomas falsas, el desternillante libro que nuestros amigos de Planeta Cómic nos han traído de la mano de José Fonollosa.

En la portada del libro, que continúa en la contraportada, nos encontramos un homenaje a la mítica foto de los obreros sentados en la viga flotante del Rockefeller Center solo que sustituidos por algunos de los personajes más queridos de la ciencia ficción. Entre ellos tenemos a Freddy Kruger (de Pesadilla en Elm Street), los marcianitos del Pizza Planet (de Toy Story), Gizmo (de los Gremlins), Darth Vader (de Star Wars), Gandalf (de El Señor de los anillos), E.T., Jack Skellington (de Pesadilla antes de Navidad), Batman, Frodo (también de El señor de los anillos), Micke Wazowski (de Monstruos S.A.), Anonymous (V de vendetta), un xenomorfo (de Alien) y un Minion y tras ellos, el skyline de Nueva York poblado por Superman, Spiderman, Moquete (de Los cazafantasmas), un T-rex (de Jurassic Park), un robot gigante (de Pacific rim),  la casita voladora de Up,  la nave Enterprise (de Star Trek), a Mary popins con su paraguas volador y a Jar Jar Binks (de Star Wars) tomando la instantánea en un batiburrillo de nostalgia encantador.

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José Fonollosa, historietista nacido en Castellón, España y conocido por otras publicaciones cómo Los Muertos Revivientes, Miau Sex o no sex, nos trae este cómic, cargado de risas, cimentado en mini-historietas independientes cada una de la siguiente, con un target bastante específico: los fans de la ciencia ficción de los 70, 80 y 90. Así, sus páginas quedan repletas de divertidos crossovers entre E.T, Star Wars, Men in black, Alien, Marvel, El señor de los anillos y muchos más.

Este breve cómic comienza yendo directamente al grano, sin introducción ni medias tintas. Desde un primer momento nos presenta, en un tono humorístico-satírico, curiosas escenas que, en algún momento de nuestro desarrollo como frikis, se nos han podido ocurrir y otras que nos sorprenderán por su originalidad.

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De entrada nos encontramos a Gandalf haciendo de vientre y gritando a Bilbo, que intenta entrar al baño: «¡¡No puedes pasar!!». Así comienza un volumen, en formato gift book, en el que el autor hace chistes y tiras de una página con motivos cinematográficos variados.

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Pasando de Forrest Gump huyendo de un tyrannosaurus rex a grito de «¡¡Corre Forrest, corre por tu vida!!» a hacernos preguntas del tipo: ¿Qué pasaría si los Men in black se encontraran a Eliot con E.T? ¿Cómo se tomaría Casper una visita de los Cazafantasmas a su mansión? ¿Cómo sería la competencia entre Freddy Kruger y los de Monstruos S.A. por las horas de sueño de los niños? O plasmarnos un choque espacio-temporal entre el DeLorean de Doc Emmet Brown y la navecita verde de Súper sónico y todo tipo de mezclas con estrambótico resultado.

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Del mismo modo nos encontramos la discusión entre uno de los ya olvidados marcianitos del Pizza Planet de Toy story y un Minión a cerca de cuál es el original y cual es una copia del otro, pasando por la desaprobación de Batman, Simba y Harry Potter ante la falta de originalidad por parte de Íñigo Montoya al decir su mítico «Soy Íñigo Montoya, tú mataste a mi padre ¡Prepárate a morir». También veremos a todos los juguetes de Toy Story aterrorizados con que Andy se ha hecho cuenta en Twitter y jamás volverá a jugar con ellos; Gandalf haciendo de GPS de la compañía del anillo camino a las puertas de Moria; Un facehugger (arañita de Alien) explicándole a un xenomorfo por qué no pueden reproducirse juntos sin un huésped de por medio; un Rocky envejecido haciendo mención a la cantidad de efectos especiales que tendrán que ponerle en postproducción para que su próximo combate sea creíble; una actualizadísima referencia a la teoría de que Jar Jar Binks es un sith supremo; la hermana de Lilo (de Lilo y Stich) diciéndole a ésta que deje de encariñarse con todos los bichos que se encuentra, mientras abraza a un bebé de PredatorHan Solo regañando a un Chewbacca «mascotizado» por quejarse de tener que llevar un cono para perros para no lamerse las heridas; el tiburón de Spielberg saltándose la dieta y picoteando bañistas entre horas y la imposible historia de amor entre R2-D2, de Star Wars, EVA, de Wall-e, entre muchas otras.

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En conclusión, se trata de cómic del tipo Darth Vader y su princesita que, a pesar de ser sencillito de leer, nos aportará risas, entretenimiento, nostalgia y la necesidad de sacarle alguna foto para enviar a nuestros compañeros de fatigas cinéfilas.

Espero que os divierta tanto como me ha divertido a mí.

¡Disfrutad de las cosas que os hacen felices!

Ore monogatari el manga para los que fueron el gordo de la clase

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Ore monogatari es un manga anime muy atípico, no por su temática shojo sino por su personaje principal. El personaje principal es el que suele ser el secundario en todos los mangas, y eso lo hace una historia increible. Es el manga que hemos querido protagonizar todos en la adolescencia, porque ninguno de nosotros era el más popular ni el más guapo ni el mejor en nada.

Sí, es un shojo muy romanticón contado por un chico que en absoluto es romanticón. Es adorable. Me ha calado hondo este manga o el anime, que de manga solo ha salido un número por el momento.

ore monogatariLa historia de Ore Monogatari

Es una historia de amor completamente atípica, el personaje principal es un chico torpe con las chicas, malo en los estudios y con un mejor amigo que es el chico popular aunque no lo quiera. Pensamos que va a ser un manga típico de amor a tres bandas, pero estamos muy equivocados. El chico popular no está interesado en la chica, nada de nada. Y la chica curiosamente sí que está interesada en el protagonista, a pesar de que él si siquiera se dé cuenta de ello.

Todo empieza cuando a una chica muy linda le intentan meter mano en el metro y Takeo agarra al tipejo del tren y lo saca a empujones del vagón. Después lo entrega a la policía de la estación. La chica queda muy agradecida y le lleva unos pastelitos a su casa directamente. Curiosamente se le queda el movil en casa de Takeo y tiene que volver a quedar con él para recogerlo. ¿curioso?¿casualidad? esta chica es genial, sutil como ella sola. De echo es tan sutil que el pobre Takeo no se entera de que en realidad es él el fruto de su interés y piensa que es su mejor amigo Suna. No le culpamos, porque eso nos ha pasado a todos ¿verdad?

Y aquí empieza una historia de amor que no tiene muchos pies ni cabeza, pero así es la vida misma. Todas las tonterías que hacíamos con 15 años están ahí reflejadas! Pedir consejo al amigo, no saber como decir las cosas, estar indeciso, no saber cómo besar, …. qué tiernos recuerdos! Ya me acuerdo yo que a esa edad esperaba que mi primer beso fuera como fuegos artificiales. ¡Qué tonta! pues creo que así todos

Un shojo que les gusta hasta a los chicos porque se sienten identificados, y además les hubiera gustado vivir eso. Sí, las chicas tendrían que ser un poco más como Rinko y fijarse en las cosas guays de los chicos.

ore monogatariLa historia está llena de escenas en las que Takeo hace algo completamente extraordinario y Suna se lleva los agradecimientos y el mérito. Pero no importa, no importa nada desde que Takeo y Rinko se gustan. Ojo, no estoy desvelando nada, eso lo sabemos desde el primer momento en que Rinko se planta en casa de Takeo y todos los días le lleva galletas o pastelitos.
Pero desconocemos los verdaderos sentimientos de Suna. Solo sabemos que es un buen amigo porque es lo que nos cuenta Takeo, que han crecido juntos y son muy distintos. Takeo siempre hace el mono, como todos los chicos y Suna es como muy maduro desde muy pequeño. Pero Takeo es el único que sabe hacer reir a Suna, y no a posta. Lo bueno de este manga, no es solo la historia de amor, sino la apología de la amistad. De que los hombres ya solo por crecer juntos son amigos, no importa que no tengan nada en común. Pero nosotras las chicas no somos así. Qué lástima, no sabemos aceptarnos como somos. O igual nosotras evolucionamos de otra forma. Quien sabe. Lo mejor es que aunque Suna siempre se parte de risa a causa de Takeo, siempre, siempre, siempre le saca del apuro. Cuenta la historia que un día Takeo se hizo pis encima cuando era pequeño, y Suna se partió de risa, pero luego le echó un cubo de agua a Takeo y otro a él mismo para que no se diera nadie cuenta de lo sucedido.ore monogatari

Es un mix de personajes muy distinto a lo que he visto, y he leído mucho. Y eso lo hace tan especial. Aunque la chica sea así timidilla, es la que hace por acercarse a Takeo, y la que tiene pensamientos impuros…

La realidad nos dice que el personaje de Takeo suele tardar mucho en tener novia, pero que cuando la tiene (porque méritos no le faltan, faltan chicas que venzan los estereotipos) las chicas siempre siempre se pelean por él.

Los personajes de Ore Monogatari

  • Takeo. Qué os voy a contar! Todos los chicos quieren ser como él, es increíble. Mide dos metros, pesa 120 kilos y tiene unos labios muy carnosos. Es luchador de judo, es corredor de maratón y muy buen nadador. Me recuerda mucho a mi marido, jejejeje. Es defensor de los débiles y las nobles causas, por ejemplo, le cuentan que hay un tipo raro que está rondando el colegio. Y él se planta allí a hacer guardia. Lo malo que con la pinta que tiene la policía sospecha de él y le pide que se marche. Las pocas cosas que se le dan mal son los estudios, el baloncesto y el baile. Ah, y coger de la mano a Rinko. JAJAJAJAJA póbrecita es como tres veces ella.
  • ore monogatariRinko. Es una chica muy linda y atenta con Takeo. Se le da muy bien la pastelería y siempre le lleva tantos pasteles a Takeo que si se despista se va a meter a jugador de sumo profesional. Es una chica que a pesar de ser tímida lleva la iniciativa en muchas ocasiones. Es una novia genial, al menos cuando tienes 15 años. Y gracias a ella se juntan los grupos de chicas con los de los chicos. Es lo que tiene el primer noviete, que se hacen pandillas mixtas donde antes había solo un género.
  • Suna. Todas las chicas están locas por él. Es el mejor amigo de Takeo porque viven en el mismo edificio y las madres son amigas. Es lo normal. No se han planteado nunca porqué son amigos, simplemente lo son y punto. Suna no está interesado en las chicas y siempre las planta, además así sin consideración. Pero sobretodo porque son malas con Takeo y hablan mal de él a sus espaldas. Hace de ceslestina entre Rinko y Takeo y es muy divertido. Al final cuando una amistad es de tanto tiempo las novias también entran en la amistad.

El primer capítulo de Ore monogatari en youtube

Se han puesto muy duros en general con el copyrigth y es difícil encontrar anime subtitulado tal cual (a mí me daría miedito publicarlo, ojo) así que se ha puesto de moda el «live reaction» que es básicamente que te grabas mientras ves el capítulo y eso lo subes a youtube. Sí, es una mierda, y te toca ver el capítulo en pequeñito mientras otra persona en primera plana te lo va comentando, pero es lo que hay. Y los últimos capítulos ya ni siquiera los ponen en pequeño y tampoco se pueden oir, por lo mismo: los copyrigths. Justo lo estaba discutiendo esta mañana, que es cuestión de apreciación el denunciar por no pagar derechos de autor si te grabas un video y en tu casa aparece en la tele un programa o la marca de una bebida o algo. ¿Hasta donde empieza una cosa y acaba otra? ¿Si lo estuvieran echando por la tele sería denunciable de igual forma? Como el objeto de la grabación eres tú, en principio no, pero está claro que algo habrá pasado para que a partir del capítulo 11 ya este chico no enseñe el anime ni en pequeño.

https://youtu.be/bCPCl-7Y31g

Otras reseñas de Ore Monogatari

Reseña de Ore Monogatari desde hyouka von

Reseña de Ore Monogatari desde optimisticanimesmile

Reseña de Ore Monogatari desde el rincón de pepi

Reseña de Ore Monogatari desde osake anime

Reseña de Ore Monogatari desde mundo distorsión

Mi reseña de youtube para Ore Monogatari

https://youtu.be/Q3ehcPsi6ZE

Análisis de Legends of Tomorrow. Temporada 1. Capítulo 3

RipHunterwhitecanary   Rip Hunter: Todo lo que veo es a alguien torturado por un ansia que no puede controlar.

   Canario Blanco: No hay ninguna cura milagrosa para lo que me pasa.

   Rip Hunter: Claro que la hay. Se llama mejorar. Cuando mi familia fue asesinada, pensé que no podría seguir adelante, pero lo hice. La verdad sobre nuestra existencia es que todos estamos bendecidos y malditos con el instinto de seguir adelante. Vivir el día siguiente. Mejorar. Y tú lo harás también, Sara.

   Enlaces a los análisis de los capítulos anteriores de Legends of Tomorrow:

   En este tercer episodio de Legends of Tomorrow, Blood Ties, la acción se desarrollará en tres frentes diferentes, aunque, al final, todas conducirán a un mismo sitio. Por un lado, Rip Hunter y Canario Blanco tratarán de debilitar el poder de Vándalo Salvaje en el futuro, arrebatándole sus ganancias en la época en la que están ahora, los años 70 del siglo XX, de forma que, a la larga, sea más fácil derrotarlo. Por otro, la parte científica del grupo, Martin Stein y Ray Palmer, tratarán de salvar a Kendra Saunders, herida de gravedad en el capítulo anterior. El tercer frente es el de Leonard Snart que arrastrará a su compañero de fechorías, Mick Rory, y a Jefferson Jackson en una misión personal en esta era.

legends-of-tomorrow-captain-cold   La misión personal de Snart, Capitán Frío, nos permite conocer detalles de su infancia y le dará una dolorosa lección con respecto a la naturaleza del tiempo. Tratar de cambiar el pasado puede dar lugar a una realidad alternativa donde, pese a tus intentos, pasa aquello que quieres evitar, aunque de forma distinta, con lo que no alteras tu pasado. Aunque, como ya ocurriera en la primera temporada de The Flash, en esto la serie juega como quiere.

   La infancia de frío ya se había explorado en los cómics de Flash, en concreto en Flash Vol 2 #182 (2002), titulado Absolute Zero, guionizado por Geoff Johns y dibujado por Scott Kolins. Este villano fue creado por John Broome y Carmine Infantino en el cómic Showcase #8 (1957), donde se empezaron a contar las historias del Flash de la Edad de Plata, Barry Allen. Desde entonces Frío se convirtió en uno de los principales antagonistas del velocista escarlata, ya fuera en solitario o formando parte de grupos como La Liga de la Injusticia, La Sociedad Secreta de Supervillanos o de Los Renegados, de los cuales os hablé en Mis opiniones de The Flash: La serie (Episodios 10-12). También ha participado en misiones con el Escuadrón Suicida, un grupo secreto del gobierno estadounidense que emplea a supervillanos convictos en operaciones encubiertas, con la promesa de la conmutación de sus penas si aceptan llevarlas a cabo.

vandalsavagelegendooftomorrow   Las investigaciones de Rip y Sara, Canario Blanco, sobre las posesiones de Salvaje les conducirán a un macabro ritual de este último con el cuerpo de Carter Hall, Hawkman, lo que nos trae a la mente la naturaleza caníbal del personaje. Lex Luthor llegó a afirmar que podría haber evidencias de que Salvaje fue el primer caníbal de la historia. Vandal Savage fue creado por Alfred BesterMartin Nodell en Green Lantern #10 (1944). Originariamente era Vandar Adg, líder de una tribu cromañona, que tras ser irradiado por un meteorito misterioso adquirió la inmortalidad así como un intelecto superior. En los cómics afirma haber gobernado civilizaciones junto a o con la identidad de personas de gran relevancia histórica como Kefrén, Alejandro Magno o Julio César, entre otros. Hay quién considera que él era Jack el Destripador, aunque en este capítulo de Legends más bien afirma que aprendió de él.

whitecanarylegendoftomorrow

   Un ser de gran inteligencia y talento que cede a su lado más salvaje, en contraste con Canario Blanco que está en lucha permanente con su naturaleza asesina y salvaje, resultado de haber sido miembro de la Liga de Asesinos de Ra’s al Ghul y, sobre todo, de haber sido devuelta a la vida a través del Pozo Lázaro, que mantiene joven a aquel. Aunque los efectos secundarios del pozo, ansia de sangre y deseos de matar, son transitorios, parece que en Sara están latentes, esperando el primer instante de furia para emerger. Gracias a las palabras de Hunter, Sara parece estar sobreponiéndose a su ira, la serie lo dirá. De hecho, estamos ante el personaje que prácticamente se está haciendo en las series de televisión en las que aparece dado que el equivalente de Canario Blanco en los cómics es una villana de su hermana, Canario Negro, creada por Gail SimoneEd Benes en Birds of Prey Vol 2 #1 (2010), que no tiene nada que ver con Sara.

raypalmerlegendoftomorrow   Lo que si tiene que ver con los cómics es la forma en que Ray salva a Hawkgirl. A saber, reduciéndose con su exo-traje de Atom para entrar el cuerpo de Kendra y destruir los fragmentos del arma con la que Savage la hirió en el capítulo anterior, y que amenazan con matarla. En los cómics ha utilizado sus poderes en varias ocasiones para ayudar a sus compañeros, Superman entre ellos, en el arco argumental Superman: Critical Condition (2003). Ray sufre una crisis de confianza resultado de lo que pasó en el capítulo anterior con su traje, que falla también al principio en esta misión, lo que hace que el personaje rememore una tragedia de su pasado, que le paraliza para actuar. Gracias al Profesor Stein, Atom se sobrepone y lleva a cabo su tarea. Como curiosidad de esta situación, decir que Stein compara el tamaño de uno de los fragmentos con un iceberg, lo que hace que Ray menciona el Titanic y da la casualidad de que el actor que interpreta a Martin Stein, Victor Garber, realizó también el papel de un personaje, Thomas Andrews, de la película de 1997 sobre el Titanic dirigida por James Cameron.

   Cerramos este post con otra curiosidad en una frase de Rip Hunter. Este dice «He visto hombres de acero morir y caballeros oscuros caer«. Lo que parece un doble homenaje. Por un lado a Superman y a Batman que, como todos sabemos, son conocidos como el hombre de acero y el caballero oscuro respectivamente y, por otro, a dos sagas muy famosas de cada uno en las que parecía que morían o quedaban fuera de combate un tiempo. Hablamos de The death of Superman (1992) y Batman: Knightfall (1993-1994).

http://https://www.youtube.com/watch?v=fMZla0tEs04

   Nos leemos en otros posts de Las cosas que nos hacen felices.

lascosasfelicerlogo

Top 10 de películas románticas para ver en San Valentín

El día de San Valentín es la fecha ideal para compartir momentos especiales con nuestras parejas o seres queridos. También es una oportunidad idónea para recurrir al Séptimo Arte y volver a reencontrarnos con aquellas películas que más nos llegaron al corazón. Tanto si estás soltero como si te apetece compartir una buena tarde de cine acurrucado junto a tu pareja, aquí va mi top 10 de películas románticas para que disfrutes en el día de los enamorados de una sesión intensa llena de historias que apelan directamente a los sentimientos y las emociones.

Serendipity (2001)

Esta película es perfecta para los más supersticiosos. Aquellos que creen firmemente que el destino juega un papel definitivo en el amor y las almas gemelas disfrutarán sin lugar a dudas de esta tierna película protagonizada por Kate Beckinsale y John Cusack.

Momento memorable: El primer encuentro casual entre Jonathan y Sara en plena navidad en Nueva York.

Ghost, más allá del amor (1990)

https://www.youtube.com/watch?v=Ggt4BCkT760

Si existe una película que mezcle a la perfección la comedia, el romanticismo, y el género fantástico esa es sin duda alguna Ghost. Un filme que no sólo nos hizo creer en el más allá sino que consagró a Patrick Swayze y Demi Moore en la industria de Hollywood. Y por supuesto no debemos olvidar la oscarizada interpretación de la inolvidable Whoopi Goldberg.

Momento memorable: La mítica escena de alfarería entre Sam y Molly con la canción Unchained Melody sonando de fondo en un disco de vinilo.

Pretty Woman (1990)

https://www.youtube.com/watch?v=vs1FJiwLGY8

En un ranking de películas románticas no podía faltar la que es sin duda una de las mejores comedias románticas de la historia del cine. Dirigida por Garry Marshall, esta moderna historia de Cenicienta convirtió a Julia Roberts en la novia de América y a Richard Gere en el galán de moda. La química de la pareja protagonista es algo palpable desde el primer momento en que sus personajes entrecruzan sus vidas.

Momento memorable: Demasiados para nombrarlos todos aquí, pero el beso entre Vivian y Richard en la escalera de incendios es uno de los más icónicos.

El Chico Ideal (1998)

https://www.youtube.com/watch?v=_bhU3NsCIDs

La primera colaboración de la pareja cinematográfica formada por Drew Barrymore y Adam Sandler fue sin duda la más destacable hasta la fecha. Esta comedia romántica situada en la década de los años ochenta sobre un cantante de bodas es a la par divertida y emotiva. Los constantes guiños a su época, su sensacional banda sonora y el ingenioso sentido del humor harán las delicias de los más exigentes.

Momento memorable: Robbie cantándole en un avión Grow old with you a Julia, una canción compuesta especialmente para ella.

La casa del lago (2006)

El reencuentro entre Sandra Bullock y Keanu Reeves 12 años después de que protagonizarán Speed no decepcionó a sus seguidores. Esta película es ideal para aquellos románticos que buscan una historia de amor narrada desde un prisma diferente y con un toque fantástico. La película cuenta con una fotografía y puesta en escena excelentes.

Momento memorable: Alex plantando un árbol para Kate en el pasado que aparecerá mágicamente más tarde en su línea temporal en el futuro.

Un paseo para recordar (2002)

El nombre de Nicholas Sparks está intrínsecamente asociado al género romántico, pero mucho antes de que su popularidad se disparase con El Diario de Noah, el autor cautivó nuestros corazones con esta historia de amor y drama adolescente. Esta película enternecerá al espectador que crea en los amores imposibles y la capacidad de ver más allá del aspecto exterior de un ser humano. Verla sin dejar escapar una lágrima se convierte en todo un reto.

Momento memorable: Jamie cantando en la obra de teatro del instituto mientras mira a un Landon atónito.

Sólo los tontos se enamoran (1996)

En pleno auge de la serie Friends, Matthew Perry protagonizó junto a Salma Hayek una de las comedias románticas más divertidas y entretenidas de los 90. Dirigida por Andy Tennant, este filme destaca por su magnífico tratamiento de un amor que no entiende de diferencia de culturas y costumbres.

Momento memorable: Alex e Isabel hablando de sus tradiciones culturales frente al Gran Cañón del Colorado.

The Holiday (Vacaciones, 2006)

https://www.youtube.com/watch?v=AyI7WFlPAS0

La guionista y directora Nancy Meyers se ha convertido en toda una experta a la hora de contarnos historias de amor que involucran a varios personajes al mismo tiempo. Esta cinta cuenta con un cuarteto protagonista excelente con un Jude Law encantador, una Cameron Diaz en su elemento, una dulce Kate Winslet y un Jack Black sorprendentemente digerible.

Momento memorable: Iris explicándole a Miles el doloroso proceso para superar la ruptura con un amor equivocado.

La boda de mi mejor amigo (1997)

No es de extrañar que Julia Roberts, la reina de las comedias románticas, aparezca dos veces en este particular ranking. Su regreso al género supuso todo un éxito de taquilla con esta estupenda película dirigida por P.J. Hogan. Ideal para aquellas personas que alguna vez han sentido celos de la nueva pareja de un ex que va a casarse.

Momento memorable: George (interpretado por un magnífico Rupert Everett) y su desternillante versión de la canción I Say a Little Prayer en el restaurante.

Mejor Imposible (1997)

De vez en cuando surge una comedia romántica diferente y con personajes mucho más consistentes y ricos en diversidad. Mejor Imposible es sin lugar a dudas un buen ejemplo de como un género algo trillado como este puede producir largometrajes algo más profundos escapando de los clásicos clichés. Ideal para un público más adulto interesado en personajes algo más tridimensionales. Muy destacables las interpretaciones de Jack Nicholson y Helen Hunt.

Momento memorable: El excéntrico y antipático Melvin elogiando a Carol por primera vez con un cumplido que abre su corazón a la experiencia de enamorarse.

Hasta aquí mi recomendación personal para que paséis un rato inolvidable en compañía de Cupido este San Valentín. Por suerte para todos el catálogo cinematográfico es muy amplio y existen muchas otras películas románticas que podríamos disfrutar el 14 de febrero. ¿Cual es la tuya?

Análisis de Arrow. Temporada 4. Episodio 13: Pecados del padre

Bienvenidos al análisis de la única serie donde su protagonista demuestra ser tonto de remate, bienvenidos a Arrow. ¿Qué me he pasado? Que va. Para nada. Lo entenderéis mejor cuando hayais llegado al final del artículo.

Enlaces a los anteriores análisis de Arrow

ALERTA DE SPOILERS A PARTIR DE ESTE PUNTO

Nyssa Al Ghul, esposa de Oliver Queen y cuñada de Thea, le planteó en el último episodio un dilema a nuestro protagonista: la cura de Thea a cambio de matar a Malcolm Merlyn. Cualquier otro lo tendría claro pero nuestro tonto protagonista se embarca en un dilema moral y existencial acerca de lo correcto e incorrecto, de si la gente cambia o no, de las posibilidades y de las elecciones; un dilema que nos sirve para matar el tiempo durante gran parte de episodio. Eso si, resulta muy entretenido. Por primera vez en esta temporada vemos como se lucha de verdad en las calles de Star City, como mueren civiles y hay daños colaterales y no como hasta ahora, donde siempre se peleaba en tejados y almacenes desiertos a lo largo y ancho de la ciudad. Star City debe ser la ciudad con mayor número de almacenes vacíos por metro cuadrado. Además, todo el mundo tiene uno propio.

Siempre hay un almacén donde luchar
Siempre hay un almacén donde luchar

Ya que hablamos de lucha, alguien debería decirle a Black Canary que si, que el grito sónico es muy guay y que Cisco Ramón hizo un gran trabajo al adaptar el dispositivo para que se lo pusiese como collar  pero que no hace falta que adopte una postura de ir a sentarse en la taza del water cada vez que grita, que en los cómics queda bien pero en televisión queda feo.

Esa pose queda fea
Esa pose queda fea

En otro orden de cosas, ha resultado que los padres de Felicity son más interesantes que la propia Felicity. El calculador, villano que conocimos la semana pasada, ha mostrado sus cartas y se ha acercado a su hija: lo hice por ti, quería manteneros a salvo, lo mio no es vida, etc. Pero la madre de Felicity ha demostrado no ser tan tonta como parece y ha puesto las cosas claras. Tanto que Felicity ha terminado por entregar a su propio padre. No esperaba menos de ella. Ya sabíamos que aplica su moralidad y sus lecciones de ética a quien le viene en gana y cuando le viene en gana. ¿Qué fue de aquello de que la gente cambia y de que debe haber segundas oportunidades? Pues se te aplica si estás macizo como Stephen Amell. Si no, que te den. Y que nadie me diga que su padre le dejó no se qué chisme en su laboratorio que ni siquiera le dio tiempo a explicarse, es más, en la escena en la que ambos visitan Palmer Technologies, en ningún momento se ve al padre de Felicity dejar nada. ¿No es posible que no sea él quien lo dejó ahí? ¿No es posible que Felicity haya errado en su juicio?

El padre, más interesante que la hija
El padre, más interesante que la hija

En el pasado: Oliver y Taiana han hecho las paces o por lo menos algo parecido. A pesar de que ella le traicionó y le entregó al Barón Reiter una piedra que, por arte de magia, había aparecido en las manos de Oliver, al final ha visto la lucha que mantiene en su interior y como intenta librarse de la oscuridad que le corroe. Cuidará de él para que acabe con Reiter y les libere.

Por qué Oliver Queen es tonto de remate

Oliver tiene una manera sorprendente de complicarse la vida. Con lo fácil que habría sido matar a Malcolm y quedarse con el anillo de Ra’s Al Ghul para darselo a su mujer y no se le ocurre otra cosa que marear la perdiz hasta que, al final, monta un juicio por combate entre Malcolm y Nyssa. Cuando ya están a punto de luchar, Oliver declara que es el marido de Nyssa (atención a la cara de Felicity, que es un poema) y que luchará por ella. En dos patadas se carga a Malcolm y en lugar de matarlo… le corta la mano izquierda, le coge el anillo y se lo da a Nyssa a cambio de la cura para Thea. Posteriormente, Nyssa se reúne con su esposo, con Laurel y con Malcom, tira el anillo al fuego y declara que a disuelto la Liga de Asesinos. Malcolm, al que Oliver ha dejado vivir, jura venganza eterna.

A Oliver se ve que se le olvidó que Malcolm Merlyn lo sabe todo acerca de él, incluso lo de su hijo en Central City, y lo sabe porque, como él dice: «¡Soy Ra’s Al Ghul!». ¡Toma ya! Brillante explicación al nivel de las de Felicity. Por supuesto, a Malcolm le falta tiempo para reunirse con Damien Darkh y contárselo, con lo que el pobre chaval adquiere de golpe un gran número de boletos para la lotería de la tumba. Por no hablar de que Malcolm conoce su identidad secreta y dónde está su Flecha-Cueva.

Oliver, Oliver. De verdad, ¿en qué narices estabas pensando? ¿Qué creías que haría Malcolm Merlyn? ¿Irse llorando a su casa y aquí no ha pasado nada? Te mereces lo que te pase a partir de ahora, por tonto.

Oliver, que no te pase nada
Oliver, que no te pase nada

Bromas aparte, se ve que no quedan muchos episodios porque van cerrando tramas, aunque sea de forma más bien chapucera. Sólo en este episodio han curado la sed de sangre de Thea, han disuelto la Liga de Asesinos (de manera más bien tonta, eso si) y le han dado un nuevo estatus al personaje que encarna John Barrowman. En realidad ese ha sido siempre un problema. Tienen un gran actor y lo saben pero no saben que hacer con su personaje y elevarlo a Ra’s Al Ghul fue un error como un castillo. ¿Cómo lo reincorporas a la trama? ¿Lo haces aparecer de entre las sombras como un pájaro de mal agüero, como señaló mi compañero Ismael Manjón en un comentario? El status quo de Malcom Merlyn ha sido un lastre desde principios de temporada. Ahora se ha liberado y resulta mucho más interesante y con más posibilidades.

Y es que estas cosas pasan cuando no tienes una brújula, cuando improvisas sobre la marcha y no sabes bien que hacer. ¿Sabíais que cuando se planteó la escena de la tumba del primer episodio no se sabía quién estaría en ella? La verdad, dudo que a estas alturas lo sepan. Nos leemos en el próximo episodio, Código de silencio. Un saludo y sed felices.

Spiderman vs Darth Maul: Final alternativo

El pasado mes de diciembre, nuestros amigos de Bat in the sun nos dejaron la espectacular batalla de lo que podría haber sido uno de los cómics de Marvel de «What if Spider-man fought Darth Maul?», es decir, ¿Y si Spider-man se enfrentara a Darth Maul?

En el canal de Bat in the sun, la votación sobre quien debería ganar estuvo muy reñida, así que ayer nos trajeron el final alternativo.

¡Aquí lo tenéis, disfrutad!

Y aquí tenéis el post original de mi compañero Mario Losada.

¡Disfrutad de las cosas que os hacen felices!

El cómic de la semana. Batman: La muerte de la familia

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic, bienvenidos a el cómic recomendado de la semana.

En esta ocasión, mi amigo y compañero Mario Losada me cede su sección para hablaros de La muerte de la familia, el segundo arco argumental de la actual pareja creativa, Scott Snyder y Greg Capullo, que estará encargada de la cabecera principal de Batman hasta junio de este mismo año, momento en el que darán por terminada su brillante carrera a cargo de uno de los personajes más icónicos de DC Comics.

Como ya digo, el cómic que nos ocupa hoy es la segunda historia elaborada por la brillante pareja de artistas, antes sería conveniente la lectura del primer, extenso y aclamado arco argumental titulado El Tribunal de los Búhos, reseñado con anterioridad por Mario para la web.

Pues bien, si en el primer arco argumental Snyder optó por la introducción de un grupo de villanos nuevos, que pondrían al Hombre Murciélago en sus límites físicos y sobre todo mentales, en este segundo acto decidió traer de vuelta al Joker y apostando por él fuertemente. Eso queda palpable en las hojas que forman este recopilatorio ya que nos encontramos ante el Príncipe Payaso del Crimen más desquiciado y temible de las últimas décadas. Contando con una caracterización física totalmente nueva, llevando su propia cara a modo de máscara, consigue transmitir verdadero terror. Estoy tirando piedras sobre mi tejado si digo que con la foto que he elegido para la portada os estoy haciendo un resumen perfecto de este arco argumental.

El título de esta historia es un pequeño guiño, en homenaje a la conocida historia de Jim Starlin y Jim Aparo, Una muerte en la familia. Historia en la que el Joker acaba con la vida de Jason Todd, sucesor de Dick Grayson en portar el manto de Robin, y que posteriormente se convertiría en el enloquecido personaje conocido como Capucha Roja, resucitado gracias a los poderes de la Fosa de Lázaro.

la muerte de la familia las cosas que nos hacen felices 1

Como anécdota, tengo que comentar que la última aparición del Joker fue precisamente en el mes que nació el nuevo Universo DC, en Detective Comics #1. En las páginas finales de este número nuestro querido villano vio la piel de su cara arrancada a manos del Muñequero, de manera consensuada entre ambos, eso si. Este punto en el guión fue ideado por Tony Daniel, de común acuerdo con Scott Snyder, quien quería al maléfico personaje para una historia donde fuese total protagonista, pero desde las oficinas centrales quisieron dejar al personaje fuera durante un año, para que los autores trabajasen en ideas propias y originales. Pero, claro, antes o después tenía que volver y fue en este punto.

Como he dejado claro al principio de esta reseña, estamos en una historia bajo la cabecera Batman, pero quizá nuestro justiciero encapuchado queda, de algún modo, relegado a un segundo plano, casi eclipsado por completo por el Joker. esto me recuerda a la trilogía de Nolan, concretamente a la segunda película, El Caballero Oscuro. ¿A qué me refiero? Pues a la parte en la que el villano, el antagonista de la historia, convence, atrae y crea en el lector-espectador un fanatismo (ciertamente extraño). En pocas palabras: un gran villano confiere a la historia un nivel que roza la perfección. En este cómic pasa exactamente lo mismo, al menos esa ha sido mi impresión, que con el Joker de Heath Ledger.

Vamos con el apartado artístico. Greg Capullo es sin duda uno de los dibujantes que mejor han sabido captar la esencia de Batman (y todo aquello que le rodea) y plasmarlo en el papel de una manera magnífica. Todas las páginas, repito, todas, son dignas de admiración, es muy fácil que se os pase rápidamente el tiempo simplemente observando los dibujos. Es mucho más que notable el cariño puesto por el estadounidense en los personajes y entornos. Os encontraréis con páginas llenas de un detallismo casi demencial, hecho que denota un esfuerzo titánico y un trabajo a sus espaldas, brutal. En este tomo hay una serie de números complementarios, que narran cómo el Joker ha confeccionado, paso por paso, su mayor plan hasta la fecha, de los que está encargado Jock. Cuyo estilo sucio y descuidado no merece, a mi parecer, estar entre viñetas dibujadas por Capullo.

En definitiva, estamos ante un cómic de obligada lectura y que merece un lugar en nuestra estantería, un must have en toda regla. Solo por el arte de Greg Capullo ya es compra obligada. En cuanto a la historia, Scott Snyder nos trae de vuelta al archienemigo de Batman de una manera brillante y arrolladora que dejará su huella marcada en la bat-familia durante mucho tiempo, pero quizás pecando de ser poco atrevido. Podría haber tirado por otros derroteros, habernos ofrecido un verdadero drama con un final que nos dejase completamente helados y, por desgracia, no es así. En cuanto a la edición, ECC vuelve a hacerlo, nos presenta un tomo a un precio asequible si tenemos en cuenta que es una gran historia excelentemente dibujada.

batman_muerte_familia las cosas que nos hacen felices 2

Tras Batman: El tribunal de los búhos, seguimos recuperando la etapa de Scott Snyder y Greg Capullo al frente del Hombre Murciélago a través de tomos encuadernados en cartoné. ¡Y por fin ha llegado el momento de rememorar la saga con la que el exitoso equipo creativo trajo de vuelta al Joker!

Análisis de The Flash. Temporada 2. Capítulo 13

Con el Flash Team en Tierra-2 nos hemos encontrado esta semana. Recapitulamos y al lío que hay mucho que comentar.

Análisis de la Serie The Flash

Tras varios episodios en los que parecía que la cosa nunca arrancaba, el Flash Team decidió al final del capítulo anterior que era hora de pasar al ataque e ir a Tierra-2 a derrotar a Zoom y rescatar a la hija de Harrison Wells, Jesse. El equipo lo forman Allen, Cisco y el propio Wells, quedando en retaguardia, o sea en Tierra-1 Joe West, Caitlin Snow y Jay Garrick.

Un Arrow distinto en Tierra-2
Un Arrow distinto en Tierra-2
Supergirl en Tierra-2
Supergirl en Tierra-2

La aparición de Supergirl en el universo de Tierra-2 no hace si no confirmar el comentado crossover entre ambas series, quedando claro que tendrá lugar en Tierra-2.

Llegados a este universo, asistimos quizás a los mejores minutos de la serie donde no paran de suceder cosas a lo largo del capítulo. Así se encuentran por ejemplo a Henry Hewitt, aquel a quien quisieron poner en el cuerpo de Firestorm y acabó convirtiéndose en Tokamak en el cuarto capítulo de la presente temporada. Aquí es un reputado científico de STAR Labs. El plan de Barry es suplantar a su otro yo e indagar en este universo. Así descubre que aquí está casado con Iris y que su relación con Joe no es todo lo bueno que cabría esperar. Una Iris que es policía y un Joe que es cantante en un local. Las vueltas que dan los universos.  Para rematar la faena la madre de Barry sigue viva en este mundo. Demasiadas buenas sensaciones para acabar de llegar.  El punto cómico lo pone Deadshot, villano en Arrow, aquí en Tierra-2 es un policía algo torpe y que tiene una puntería nefasta. El personaje tendrá un trágico final en el episodio.

Y como malo de la semana tenemos en este episodio doble ración, por un lado en Tierra-1 Joe, la Doctora Snow y Garrick se enfrentarán a un metahumano, Geomancer, capaz de crear terrremotos. Será aquí cuando nos enteramos que Jay Garrick está enfermo por haber experimentado con sus poderes y es que con el afan de ser más rápido se dopa con Velocity 6, una sustancia que a la postre le está matando. Para combatir a Geomancer, Caitlin le inyecta Velocity 7. En Tierra-2 los villanos son Killer Frost y Deathstorm, o Caitlin y Roonie, respectivamente. Aquí siguen siendo pareja y están bajo el mando de Reverb, el Cisco de Tierra-2. Curioso como casi todos son malos en el Flash Team, excepto Barry Allen.

Como si no tuvieramos bastante con un Cisco...
Como si no tuvieramos bastante con un Cisco…

Mal desenlace tiene el combate y es que acaba con la llegada de Zoom, el cual mata a Deathstorm y Reverb por faltar a sus ordenes. Killer Frost sigue en nómina, de momento. Además Flash es capturado por Zoom y llevado a las mismas mazmorras donde está la hija de Harrison Wells, la pobre Jesse, que desde que la conocemos es prisionera de Zoom. Mal ha empezado la travesía del Flash Team por Tierra-2 y es que tienen que volver en 48 horas o podrían quedar atrapados en este universo para siempre. Da la impresión que una buena temporada si van a pasar de momento.

Por lo demás hemos visto como se desenvuelven en nuestra Tierra el resto del grupo sin el velocista escarlata para vencer a un metahumano. Y hemos despedido, o al menos eso parece, al Joe West de Tierra-1.

Y a vosotros ¿Qué os ha parecido el capítulo?  ¿Qué referencia os ha llamado más la atención? Se habla de un viaje a Atlantis. ¿Veremos a cierto superheroe en la serie? Con un adelanto del siguiente capítulo catorce os dejo y nos leemos en los comentarios. Como siempre serán bienvenidos los comentarios de los conocedores de la historia de los comics que puedan aportar sobre la multitud de referencias que la serie va dejando capítulo a capítulo.

Hablemos sobre quién es Deadpool (Masacre)

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Dentro de poco estrenarán la película de Deadpool (Masacre) (aunque nosotros ya la hemos visto, cuánta gloria). Hasta hace dos días nadie lo conocía, y es normal: es un personaje muy muy secundario de Marvel, conocido por la gente que lee cómics de superhéroes (es decir, dos y el del tambor). Su más o menos reciente videojuego también ha hecho por hacerle algo más conocido, pero vamos, poco más.

A pesar de todas las reivindicaciones del cómic o el videojuego como formas de cultura alternativas a la televisión o el cine (medios identificados con los abuelos, con el debate de Nixon y Kennedy, etc) la verdad es que los videojuegos más exitosos aspiran a ser películas. La última revolución del cómic de superhéroes fue con Authority, cuya premisa principal fue…que el cómic de superhéroes debían funcionar narrativamente como una superproducción de Hollywood. El cine y en concreto Hollywood son invencibles a día de hoy. Y va a ser así un tiempo. Los que han hecho publicidad para la película de la que hablamos lo han entendido bien: hay muchos anuncios del protagonista parodiando cosas, riéndose de ellas, ridiculizando todo. La gente que no le conoce del cómic ve que es un gamberro, grosero y que hace chistes de miembros viriles (o aspirantes de viriles). Con eso más o menos tenemos público asegurado, pero como aquí aspiramos a la erudición de lo friki vamos a repasar de donde se han sacado a Deadpool (Masacre) los de Hollywood.

Alguno diréis: «vaya introducciones más largas haces, Raúl«. «Raúl, eres un brasas«. «Deja de intentar abrazar a todo el mundo con cara de necesitar cariño, Raúl«. A las dos primeras diré que puede que el próximo artículo todo sea introducción. A la tercera que sí, que más abrazos. Ya estoy mejor. Sigamos.

Los chicos de Akira Comic lo han resumido muy bien en cuatro viñetas que han puesto en su muro de Facebook. Esto está bien para la gente que lee esto en el bus, esperando a alguien o quiere dejar de leer rápido. La vida es mucho más que leer, pervertidos:

Con esto ya da para ir dando lecciones a los compañeros de trabajo/amigos que no han leído un cómic (o general, cualquier cosa) en su vida. Pero vamos a desarrollar un poco los conceptos.

Después de la que suele decirse la mejor década de superhéroes, la de los años 80, vinieron los 90. El relato habitual suele ser que los 90 fueron un montón de cosas terribles una detrás de otra, lo cual no es cierto. Pero fue malo. Muy malo. El post sobre qué pasó en los 80 y si los 90 superheróicos fueron tan malos da para un libro. Pero de momento lo dejaremos resumido: los famosos Watchmen, V de Vendetta y, en general, los cómics de Frank Miller o se interpretaron mal o quizás demasiado bien (es otro tema para otro día). La cuestión es que todo el mundo quería copiar los golpes que rompían huesos, la suciedad, la falta de luz (ríete tú de la llamada «pobreza energética» en la España del siglo XXI…¡ya la vivían los cómics de EEUU en los 90!), la ausencia total de humor, los personajes acartonados que no reían así los amenazases con tener que cenar con Bustamente y Paula Echevarría. Casi todos los cómics de superhéroes se llenaron de macarras, gente ultraviolenta y dibujos sacados del sueño de un mono loco. Y de historias espantosas, a las que no se dedicaba ni el más pequeño mimo.

En ese contexto de ultraviolencia por ultraviolencia nació Masacre. En principio era un personaje algo soso, simplemente un mercenario que hablaba mucho, mucho, mucho mientras peleaba y contaba chistes malísimos. Era claramente una mezcla, como bien aparece arriba en la tira, de Spiderman (los chistes malos al pelear, su patetismo personal), Lobezno (su poder de curación, su rudeza) y Deathstroke de DC (la estética general, el ser un mercenario).

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Su conversión en otra cosa, en un personaje al que querer, se da con su propia miniserie. En España fue publicada por Panini y todavía se puede encontrar. Es lo mejor que uno puede leer si no conoce al personaje y quiere echarle un ojo. No hace falta leer nada antes: yo empecé por aquí y me enteré bien. Aunque, bueno, no hay mucho de lo que enterarse. Aquí la tenéis:

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Joe Kelly y Ed McGuinness hacen un cómic en el que el protagonista no es superhéroe. Es un mercenario que, claro, mata a sus objetivos, disfruta machacando culos, le encanta cortar cosas y emborracharse. Es soez, maleducado y hace chistes hirientes hasta el delirio. No para de hablar. Su objetivo es ganar mucho dinero y molar mucho. No para de hablar. Su único poder es un poder de regeneración parecido al de Lobezno. No para de hablar. ¿Hemos comentado que no deja de hablar en ningún momento?

La gran gracia del personaje, un tipo amoral con amigos como Bullseye (sí, el psicópata enemigo de Daredevil), es el descacharrante sentido del humor y el absurdo de esta primera etapa que recopiló Panini (y que vuelve a salir a la venta este mes). Constantes pullas a todo el mundo casi viñeta a viñeta, ridiculizaciones a superhéroes, a películas, a iconos pop. Más de una y más de dos «rupturas de la cuarta pared», que es ni más ni menos que Masacre aparece como consciente de ser un personaje de cómic y actúa en consecuencia. La pareja Joe Kelly y Ed McGuinness consigue sacarnos casi una sonrisa en cada página con su humor chusco, maleducado y terriblemente incorrecto más de una vez. Algo así como South Park, pero en el Universo Marvel. Todo eso hizo que algunas de sus viñetas se convirtieran en memes interneteros.

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¿Era todo esto una crítica a la situación del resto de cómics de superhéroes? Nunca lo he tenido claro. Masacre era, como Lobo en DC, la exageración hasta el límite de lo que estaba pasando: armas grandes, tramas surrealistas, músculos dibujados en sitios que no deberían existir, violencia por la violencia, diálogos lapidarios para tapar la poca imaginación y trabajo que se daba a los guiones…Lobo era todo eso hecho a propósito, como cachondeo de lo que pasaba. Chiste, por cierto, que demasiados no pillaron y se lo compraban tomándoselo en serio. Es triste cuando la ironía no funciona y consigue el efecto opuesto al que uno pretende.

En el primer tomo del que hablamos, Masacre se las ve con Hulk, con Daredevil, con algún personaje patético que se han inventado como supervillano (aquí casi todo lo inventado para el personaje es ridículo o hace mofa de algo) para acabar con el mejor cómic de Masacre: un viaje al pasado en el que sustituye a Spiderman en uno de sus cómics clásicos de Stan Lee. El dibujo, normalmente casi caricaturesco sacado de los dibujos de la Warner, aquí parece volver a los años 60-70.

deadpool batman

Es impagable cuando se hace pasar por Peter Parker y conoce a Gwen, a Harry Osborn o a su padre, el que será el Duende Verde. Pero la guinda es su pelea contra Kraven, al que no deja de insultar de modo retorcidamente ingenioso en cada viñeta. Es la mejor etapa del personaje, la verdad.

Aunque ha tenido momentos aislados de gloria y momentos graciosos (todas las imágenes de este post son de otros cómics que no están en el tomo), lo mejor lo tenéis en estos primeros números del tomo que comento arriba. Hay demasiado cómic regulero del personaje, sobre todo cuando tratan de darle tramas trascendentes o serias, resultando en churros que apenas tienen algo potable. Hay que decir que es muy difícil hacer reír, y hacer reír muchas veces es complicadísimo. Un personaje de esta naturaleza burlona y bestia siempre tendrá problemas de continuidad en la calidad. Yo me reí en otra historia posterior en la que se encuentra con Lobezno y el cómic empieza siendo una parodia de la manera de narrar de Claremont, aprovechando para reírnos un poco de Lobezno (que nunca está mal).

Pero en fin, que nadie espere el cómic de su vida, ni siquiera uno bueno. Masacre no suele tener buenos cómics, aunque nos regale alguna página divertida de vez en cuando.  Y no es un superhéroe. Y ni falta que le hace.

Sed felices.

Análisis de Deus Ex: Human Revolution

Argumento: Detroit, año 2027. Adam Jensen es jefe de seguridad de industrias Sarif, una empresa pionera en la creación de implantes biotecnológicos para el cuerpo humano, lo que supone un avance tremendo para la calidad de vida humana y la cura de diversas enfermedades como la ceguera, por citar una. Sin embargo, la empresa sufre un ataque terrorista por parte de un grupo radical que defiende la naturaleza original del cuerpo humano. En este ataque, Jensen sufre heridas mortales y la empresa decide colocarle multitud de implantes biotecnológicos, convirtiéndose en un aumentado. Jensen deberá averiguar quién estaba detrás del ataque a Industrias Sarif.

Deus Ex: Human Revolution (2011) es la tercera entrega de una aclamada serie de ambientación futurista, deudora de películas como Blade Runner o Metrópolis. No he jugado a los dos anteriores, pero tampoco supone ningún problema. Al fin y al cabo, Human revolution actúa como una precuela.

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Lo mejor del juego es el argumento, uno de los más maduros y mejor llevados de los últimos años, salpicado de momentos impactantes, elecciones morales y personajes de dudosa moralidad. Todo ello envuelto en un mundo indeciso ante la aparición de los implantes biotecnológicos. De hecho, el trabajo de Eidos en la recreación de ese ambiente, a través de libros electrónicos y del desarrollo del propio argumento, es muy realista y espectacular. No cabe duda de que el mundo en el que vivimos podría reaccionar de la misma forma que en el videojuego. Hay partidarios absolutos de los aumentos, un Frente por la Humanidad que busca la regulación de estos y terroristas anti-aumentos, que defienden el curso de la naturaleza. En medio de todo este fregado encontramos a nuestro personaje, que puede actuar como nosotros queramos. ¿Qué quiere decir esto?

Deus Ex es una mezcla perfecta entre FPS, rol y sigilo. El argumento está plagado de conversaciones en los que podemos responder de la forma que queramos y, gracias a uno de los aumentos que tenemos, influir en la gente. Además, a la hora de cumplir nuestros objetivos, podremos hacer absolutamente lo que queramos, desde actuar a tiro limpio a infiltrarse utilizando los variados escenarios. Además, tenemos unos 21 tipos de aumentos para ir desarrollando con puntos de experiencias. Estos aumentos van desde saltar más alto, aguantar los gases venenosos o piratear aparatos electrónicos. De esta forma, para acceder a la comisaria de Detroit, por ejemplo, podemos intentar entrar por vía directa, infiltrarse por la parte de atrás, para lo cual tenemos que acceder a un callejón saltando una valla muy alta y luego piratear; o persuadir a un viejo amigo policía para que nos deje pasar, pero esto puede acarrear su despido como policía. Nosotros decidimos y asumimos las consecuencias de lo que ocurra.

Al haber tantos aumentos, es complicado tenerlos todos, por lo que habrá lugares a los que no podremos acceder por no tener tal o cual mejora. De la misma forma, algunas conversaciones a lo largo del juego tienen como objetivo convencer al interlocutor con maniobras más complejas como rebatir argumentos, apelar a los sentimientos o desviar el tema. El éxito de estas conversaciones nos facilita las cosas y también influye en el argumento.

También se nota el aspecto rolero en las misiones secundarias, muy variadas, que hacen alargar la experiencia de juego  hasta las 25-30 horas. Además, no es un juego fácil. De acuerdo, no es Dark Souls, pero con 3 disparos puedes estar mordiendo el polvo, así que mucho ojo a la hora de enfocar las misiones.

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En cuanto a los gráficos, el juego no se caracteriza por un gran modelado de personajes, pero los escenarios si están muy bien realizados. Tanto Detroit como Hengsha tienen un diseño espectacular, deudora del cyberpunk propio de Blade Runner, mencionado antes.

La banda sonora, compuesta por Michael McCann, es muy buena y apropiada para la historia que vivimos y, además, viene doblado al español por actores de doblaje como Claudio Serrano (voz de Christian Bale).

Si tuviera que ponerle alguna pega al juego, esta es la inclusión de jefes finales cuya estrategia es vaciar cargadores, ya que es un juego en el que el personaje no suele disponer de tanta munición como en otros FPS. De hecho, quien pretenda ser un Rambo de la vida, se pasará gran parte del juego comprando munición en los suburbios de las ciudades. Además, el uso de determinados aumentos en detrimento de otros pueden afectarnos a la hora de enfrentarnos a ellos, haciendo más complicado el combate.

En definitiva, Deus Ex es un gran videojuego, una mezcla perfecta del rol de Mass Effect, la acción de Call of Duty ,el sigilo de Metal Gear Solid y un argumento a la altura de las mejores películas de ciencia ficción.