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Escucha la «First Preview» de la banda sonora original de Batman v Superman: El amanecer de la Justicia

Para los fans de DC comics y sobre todo para lo de incondicionales del Murciélago y del Hombre de hierro nos acaban de anunciar por medio de WaterTowe Music que la banda sonora de la esperadísima ‘Batman v Superman: El amanecer de la justicia‘ llegara el 18 de marzo del 2016.

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Ademas de adelantarnos con la lista completa de las canciones que compondrán los 2 CDs de la película dirigida por Zack Snyder a la cual su fecha de estreno esta prevista que llegue en los cines el 25 de marzo de 2016.  Podremos disfrutar de un pequeño adelanto de la música compuesta por Hans Zimmer y Junkie XL para el enfrentamiento entre los personajes interpretado por Henry Cavill (Superman) y Ben Affleck (Batman).

La lista de canciones:

  • Beautiful Lie
  • Their War Here
  • The Red Capes Are Coming
  • Day of The Dead
  • Must There be a Superman?
  • New Rules
  • Do You Bleed?
  • Problems Up here
  • Black and Blue
  • Tuesday
  • Is She With You?
  • This Is My World?
  • Men Are Still Good (The Batman Suite)
  • Blood Of My Blood (Bonus Track) **
  • Vigilante (Bonus Track) **
  • May I Help You, Mr. Wayne? (Bonus Track) **
  • They Were Hunters (Bonus Track) **
  • Fight Night (Bonus Track) **

** Solo en las versiones Deluxe.

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Al escuchar la preview, solo nos entra ganas de que llegue ya el estreno de la película para disfrutarla y escuchar el resto de la banda sonora, porque como ya nos tiene acostumbrado Hans Zimmer no va a decepcionar. Para la gente que no sepan quien es Hans Zimmer o no sabe en que películas podemos escuchar su trabajo, os dejo una pequeña información sobre él. Hans Florian Zimmer (Frankfurt, Alemania, 12 de septiembre de 1957) es un compositor de bandas sonoras cinematográficas, pionero en la integración de música electrónica y arreglos orquestales tradicionales. Es ganador de premios cinematográficos como los Globos de oro, BAFTAEmmy, Saturn, Grammy, además de un Óscar de la Academia por su trabajo en El rey león.  Participo en películas como la trilogía de Batman dirigida por Nolan, también puso su granito en la saga de Piratas del Caribe, Terminator, Gladiador e Incepcion. Lo que demuestra que su trabajo se suele compensar con un exitazo y que no decepcione a los fans.

Saludos y Disfrutar de nuestros Hobbies.

Análisis de American Horror Story: Hotel. Temporada 5. Capítulos 11 y 12

Después de este laaargo parón con navidades incluidas volvemos una última semana más con American Horror Story: Hotel.

Pero antes de meternos de lleno en el análisis de los dos últimos capítulos, me gustaría comentar varias cositas que han pasado.

La primera es, que estáis de enhorabuena aquellos que prefieran ver la serie doblada al castellano pues empieza este viernes 5 de febrero a través de Fox España. ¿Tenéis ganas de alojaros en el Hotel Cortez?

La segunda es que mi amor por Denis O’Hare cada día es más grande y si hace cosas como ésta yo ya es que me enamoro. El día de la emisión del capítulo final en Estados Unidos, publicó un tweet diciendo lo siguiente:

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“Disfrutad el final. Con respeto para los que viven en la costa Oeste, en Europa y en cualquier otro lugar, no tuitearé nada hasta mañana.”

Es o no es el mejor, ¿eh?

Y, por último y más polémico, el triunfo de Lady Gaga en los Globos de Oro, con mirada de envidia de Leonardo DiCaprio incluida.

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Mi opinión personal es que ese premio ha sido puro postureo. En la serie hay actores como Denis O’Hare o Evan Peters que llevan en esta saga desde el inicio y sus actuaciones son sublimes, al igual que actrices de la talla de Sarah Paulson, Kathy Bates o la grandísima Jessica Lange que no sólo sus actuaciones son maravillosas sino que son capaces de llenar la serie de una manera que aunque la historia sea una mierda, hacen que sigamos viéndola por ellas y ellos.

Y ahora aparece una cantante de renombre que la mayoría de sus escenas son de índole sexual y que en la actuación está simplemente pasable (por ser generosa) y se lleva el Globo de Oro. ¿Alguien me lo explica?

Y, dicho esto, que bien a gusto me he quedado, os dejo los links a los análisis anteriores por si queréis echarle un vistacillo.

Sin más dilación, comenzamos…pero antes avisaros que estará cargadito de spoilers por si queréis parar de leer ahora que estáis a tiempo.

El episodio once titulado “Batalla real” (“Battle Royale”)  comienza minutos antes de dónde nos dejó el episodio anterior, en esa escena magistral de Liz e Iris, arma en mano, tomando la venganza por su propia mano contra la Condesa. ¿Unas simples balas normales acaban con la vida de un vampiro? Vaya cambio tan grande de la historia que conocemos, ¿no?

Hypodermic Sally salvándole la vida a la Condesa…no me parece bien pero eso nos permite conocer a Sally un poco más, se echaba de menos la historia de este personaje que tan poco juego ha dado durante la temporada y del que esperaba mucho.

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Las pérdidas en este capítulo son notables. Iris pierde a su hijo Donovan, la Condesa a sus pequeños, incluso cuando es para ganar, la venganza siempre trae consigo consecuencias devastadoras.

Sinceramente, me he reído cuando Iris y Liz están en el pasillo de los horrores buscando a Ramona, ese miedo irracional que todos alguna vez hemos sentido que hace que nuestro instinto nos diga ¡CORRE! Definitivamente, ese equipo Liz-Iris es de lo mejorcito de la serie, grandes momentos que nos dan y que son los que me enganchan a seguir viendo más.

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Esta temporada, está teniendo muchos momentos flojos, más que de costumbre, pero son algunos personajes los que hacen que no haya dejado de verla en el segundo episodio.

¡Sorpresa! Otro crossover, pero esta vez con la tercera temporada Coven, viene de la mano de Queenie.

Recordemos que esa tercera temporada se basaba en un grupo de jóvenes brujas guiadas por la Suprema para poder controlar sus poderes y no ser perseguidas por brujería.

En este caso, Queenie tenía el poder de ser una “muñeca vudú humana” capaz de transferir las heridas que se hacía a ella misma y el dolor que producía a otra persona.

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Llega al hotel para hospedarse durante tres noches porque va a participar en el precio justo, aunque me temo que eso no será posible ya que va a ser el plato principal de un menú muy especial para Ramona Royale.

¿Quién iba a decir que el último mandamiento “No matarás” iba a pertenecer a la Condesa? Quien, por cierto, no se ha salido con la suya. Tanto jugar con la muerte que al final ha sido esta misma quien ha jugado con ella. Aunque sigue sin convencerme eso de que un vampiro muera a balazos tal cual.

El final está marcado por la confesión de amor de Miss Evers al señor March, nada sorprendente por cierto.

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Ya nos encontramos ante el episodio final de la temporada, titulado “Be our guest” (“Sea nuestro huésped”).

El capítulo inicia con una frase de Liz que, quizás, defina bien mi pensamiento con respecto a esta temporada “Empezamos con unas expectativas tan altas…”

De la mano de los nuevos propietarios, el hotel se nos presenta con un cambio de imagen más que notable. Un cambio que es simplemente un lavado de cara, la esencia del Hotel Cortez permanece intacta. Así lo demuestra la aparición de Sally en la habitación de los nuevos huéspedes, como regalo de bienvenida.

Esa reunión de “fantasmas anónimos” con los nuevos jefes echándoles la bronca por matar a los huéspedes, me parece divertida. Aunque se echa en falta a algún que otro fantasmilla que no se ha presentado…

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“El fantasma en la máquina” la gran solución de Iris para que Sally no se sienta tan sola y amargada es abrirle la puerta al mundo virtual. ¡Cuidado! Sally anda suelta por aquí y es peligrosa. Así que ya sabéis, chicos, la solución al sufrimiento eterno son las redes sociales.

A veces, los peores problemas tienen las soluciones más sencillas. Un móvil, twitter, Facebook e Instagram y Sally (al igual que muchos otros en el mundo real) ya no se siente tan sola y desgraciada. ¡Bienvenida a la nueva droga virtual!

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El Hotel Cortez ha dado un paso adelante, un paso hacia el mundo real. En este último episodio los fantasmas empiezan a tener un propósito terrenal por el que luchar y sentirse “vivos”. Cuánta filosofía junta…

Me encantan los crossovers que nos estamos encontrando. Esta vez, Billie Dean Howard, la médium interpretada por Sarah Paulson que aparecía en la primera temporada Murder House, aparece en esta ocasión para ayudar a Liz a comunicarse con Tristan.

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El renacer de Liz, todos los fantasmas unidos para “salvar” a su cuidador dándole una muerte placentera. Cómo no, tenía que ser a manos de la Condesa. Aunque me cueste afirmarlo, estos dos personajes tienen un punto de unión bastante fuerte. Pero lo mejor de todo es que, por fin, Liz y Tristan vuelven a estar juntos para toda la eternidad.

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¡Vaya salto en el tiempo! Nos trasladan hasta el año 2022, concretamente el 30 de octubre,  y nos cuentan qué ha pasado con John Lowe, el detective que resultó ser el asesino de los diez mandamientos, durante todo este tiempo, gracias a una entrevista con la médium Billie Dean Howard.

John es uno más de esos fantasmas que habitan en el hotel y le ofrece a la médium una noche que jamás olvidará. “Devil’s Night” (La noche del diablo) en la cual las almas más crueles que habitaron una vez el mundo de los vivos se reúnen en una apacible fiesta presidida por James Patrick March.

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El capítulo en algunos puntos me ha gustado, pero ese final…ha sido incluso más flojo que los finales de los capítulos normales. Quizás esperaba algo mejor de Ryan Murphy pero, sinceramente, para hacer ese final que se hubiera estado quieto.

En fin, chicos, esto ha sido American Horror Story: Hotel. En general, la temporada, como ya he dicho antes, ha tenido sus altibajos pero sin duda me quedo con algunos personajes tan carismáticos que me ha encantado ir descubriendo su historia como por ejemplo, James Patrick March, Liz Taylor, Iris e incluso, Sally en algunos puntos, y por supuesto, esa última interpretación de Sarah Paulson como Billie Dean Howard.

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Los crossovers con las temporadas de Murder House  y  Coven me han gustado bastante, además, han sabido llevarlos a la perfección.

Temporada bastante floja y que la expectación por el debut como actriz de Lady Gaga no ha quedado al margen, pero que se ha sobrevalorado demasiado.

Demasiadas escenas de relleno aunque los planos siguen siendo increíbles, se nota la mano de Ryan Murphy, pero ese final me ha decepcionado bastante.

¿Qué os ha parecido a vosotros?

Gracias por seguir conmigo este camino por el Hotel Cortez. ¿Echaréis de menos esos pasillos?

Como siempre, un saludo y que la suerte esté siempre de vuestra parte.

Se prohibe el estreno de Deadpool en China por sus escenas de sexo, violencia y lenguaje soez

Todos sabemos que Deadpool (Masacre en los cómics) es una película muy bestia. Además te lo han mostrado en cada tráiler que han ido estrenando antes del estreno del día 12 de febrero de este mismo año. Pero según The Hollywood Reporter, Deadpool no se va a estrenar en la República Popular de China debido a que el film contiene escenas de violencia, sexo y lenguaje ofensivo. Estamos en 2016 pero parece que eso no es síntoma de avance. La película ya tiene calificación R que si miramos su significado nos sale esto:

R – Restringido

Menores de 17 años requiere de acompañamiento de padres o tutor adulto. Puede contener lenguaje fuerte, intensa énfasis sexual, desnudez explícita y fuerte, fuerte contenido de violencia, uso muy frecuente de armas, fuerte cantidad de sangre (los espectadores menores de 17 años pueden llegar a sufrir mareos y ocasionalmente náuseas), «gore» inquietante e intenso, imágenes muy intensas, fuerte contenido de drogas y de alcohol. La mayoría de las películas de esta clasificación son (normalmente) de los géneros horror y acción y en una sola ocasión es cine de animación (South Park Bigger Longer & Uncut).

Y me parece bien. La película es para mayores de 17 años (en España sería para mayores de 18 años) y punto. Para verla tienes que ser un adulto. Pero parece que en algunos países ni con esas vale y la taquilla mundial peligra para esta película de superhéroes puesto que China es actualmente el mejor mercado para el cine fuera de Estados Unidos, incluso en algún film como Transformers 4 o Fast and Furious 7 se hizo más taquilla en el país asiático que en los propios Estados Unidos.

Bien es cierto que sí, que es cierto que las escenas de Deadpool son muy fuertes pero el «encanto» del antihéroe y lo que le aleja de los demás héroes de Marvel también radica en eso. Si a Deadpool le quitas lo que es ¿que nos queda?

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Ya empezamos a pensar que un gafe persigue a Ryan Reynolds en sus películas de superhéroes. Primero fue la fallida y denostada en taquilla Green Lantern, luego fue X-Men Orígenes: Lobezno y ahora Deadpool pierde parte de su taquilla por la prohibición de su estreno en China.

Generalmente los grandes estudios llegan a acuerdos con las distribuidoras de diferentes países para su difusión en los mismos. En muchas ocasiones se quitan algunas escenas. Una especie de censura del país de alguna parte del metraje que consideren que no está regulado por la Administración. Total, que en China no han podido meter mato a la cinta porque estaba plagada de escenas no permitidas en el país y finalmente se ha optado por no aprobar la distribución en ninguna sala.

¿Qué opináis de todo esto? ¿Os parece una medida acorde en los tiempos que vivimos?

Un saludo y sed felices.

Análisis de The Expanse. Temporada 1. Capítulo 6

Bienvenidos de nuevo. Una semana más, una nueva reseña de The Expanse. En el capítulo de esta semana, titulado Rock Bottom, Miller sigue cabreando al personal y se enfrenta a una situación peliaguda mientras que la tripulación del Rocinante se preparara para partir hacia la estación Eros en una nueva misión. Recordad, a partir de aquí hay Spoilers.

Si el capítulo de la semana pasada se centraba en el desarrollo de los personajes, Rock Bottom continua por la misma línea, aunque se permite dar un paso adelante y ofrecernos algo de acción. El ritmo habitual sigue ahí y sin lugar a dudas este episodio nos brinda situaciones muy interesantes pero trastabilla un poco debido a las tramas que se solapan entre sí. En esta ocasión además de los tres puntos de vista típicos de la serie (Miller, Holden, Avasarala) tenemos la trágica historia de Diogo (el chaval al que Miller pilló en Ceres robando agua y dejó escapar) y su tío Mateo que añade un punto de interés al capítulo pero tampoco nos dice nada que no supiésemos ya.

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Parece que Miller se nos ha acercado demasiado a la verdad del caso Julie. Tras ser secuestrado le espera una amarga sorpresa, un vis-a-vis con Anderson Dawes. De la paliza no se libra pero gracias a su habilidad especial, cabrear a la gente, consigue conservar el chip de datos que consiguió el capítulo anterior. Dawes le recrimina lo que ya intuíamos: Miller se ha enamorado de Julie Mao y además le cuenta la trágica historia de cómo tuvo que matar a su hermana pequeña para que su familia pudiese sobrevivir. Como ya sabemos, las condiciones de vida en el cinturón justifican la existencia de la OPA, pero sus métodos dan que pensar, métodos como intentar tirar al detective por una de  las escotillas de la estación. Solo gracias a Muss, que deja fiambre a los matones, Miller vive para contarlo.

Muy lejos de Ceres, Holden y Fred Johnson se encuentran en pleno duelo de ingenio por el control del Rocinante. Johnson necesita la corbeta marciana para sus fines, pero Holden y Cía no están dispuestos a dejar que les arrebaten su nuevo hogar. Tras una serie de negociaciones, ambos llegan al acuerdo de que será Holden el que lleve el Rocinante (disfrazado como transporte de combustible) a la estación Eros para encontrar a “Lionel Polanski” el último superviviente del Scopulli y la única persona capaz de aclarar todo el meollo.

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Holden decide ir a Eros como agente de Johnson.

Cuando Holden desvela que fue él el que respondió a la señal de socorro del Scopulli y se siente responsable de todo lo ocurrido, el grupo se divide. Mientras Holden y Naomi estrechan lazos, Alex y Amos se van de copas y entre trago y trago nos desvelan algún atisbo de su pasado. Al final, todos deciden que lo mejor es seguir juntos y partir unidos hacia Eros. Dicen por ahí que las situaciones peligrosas unen a las personas, así que no es de extrañar que la tripulación del Rocinante se sienta ya como una pequeña “familia” y este capítulo nos lo demuestra de forma exquisita. Johnson por su parte sigue siendo una figura difícil de colocar, no sabemos si fiarse de él es una buena idea o no. Desde luego, el hecho de que descubre y se queda para si el disco de datos que el fallecido Lopez llevaba encima no es que inspire demasiada confianza.

En la tierra, Avasarala sigue moviendo los hilos para mantenerse al tanto de la situación. Amenazando de forma despiadada a uno de sus antiguos contactos, consigue que este le “preste” su espía en la estación Tycho para poder tener a Fred Johnson bajo su mira. Si Chrisjen nos parece un personaje de lo más despiadado es porque tiene razones para serlo, resulta que su hijo fue asesinado por la OPA, así que no es de extrañar que se tome el asunto como algo personal. Desde luego viendo lo visto, no es que ande para nada desencaminada.

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Miller es despedido por Shaddid, que está en el bolsillo de la OPA.

Como colofón final, de vuelta en Ceres Miller ha conseguido por fin desentrañar el puzle. Dawes envió a Julie y la tripulación del Scopulli en una misión para interceptar el cargamento de una nave que provenía de Phoebe, una de las lunas de Saturno. El cargamento parece ser un arma biológica de lo más peligroso, algo tan importante que ha hecho que alguien haya decidido provocar la mayor guerra de la historia solo para ocultarlo. Tras desvelarle esta información a su superior, la Capitana Shaddid, Miller es inmediatamente despedido y se da cuenta en ese mismo instante que es Dawes y por extensión la OPA quien realmente mueve los hilos en Ceres.

Nuestro sabueso ha metido la nariz en el asunto más peligroso de su vida, una conspiración que podría afectar al futuro de la humanidad.

Crítica de El renacido, una película que no debería ganar el Oscar

El Renacido (The Revenant para los puristas) no debería ganar El Oscar a la mejor película. ¿Por qué? Pues porque la lista de tonterías ganadoras del Oscar es más grande que la lista de grandes películas que si lo han ganado. Meter a El Renacido en el mismo saco que Paseando a Miss Daisy, Shakespeare in love o Chicago, por citar unas pocas, es hacerle un flaco favor a una de las mejores películas que veremos este año, una cinta que no necesita para nada que le pongan un oscar al lado.

El Renacido no nos cuenta nada nuevo, de hecho la historia la hemos visto ya varias veces pero sí destaca la forma en la que Alejandro González Iñarritu nos la ha contado. La fotografía y el diseño de producción son los puntos fuertes de una película con unos paisajes impresionantes que quitan el aliento. Parece que en Hollywood se han dado cuenta últimamente de lo bien que quedan los westerns con un paisaje nevado al fondo y es que el rojo de la sangre siempre destaca sobre el blanco.

Pero si sólo se quedase en una sucesión de postales bonitas no valdría la pena verla. Esas imágenes sirven de escenario pero no se apropian de la película, funcionando como marco para que nos cuenten la historia con un realismo impresionante en muchas de sus escenas, con unos personajes bien desarrollados, con un ritmo y un tono lentos pero intensos al mismo tiempo, totalmente alejados de los grandes blockbusters a los que Hollywood nos tiene acostumbrados.

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Hay muchas escenas en El Renacido que quitan el aliento. Impresionante es la escena inicial del ataque en el campamento y también la del enfrentamiento entre los personajes de Glass y Fitzgerald, rodadas (sobre todo la primera) mediante el uso de largos planos-secuencia que también abundan en el resto de la película. Pero destaca sin duda la tan comentada escena del ataque del oso al personaje de Leonardo DiCaprio, narrada de forma magistral y no escatimando realismo. Aprovecho aquí para comentar una cosa: la absurda y tonta polémica generada en las redes sociales con respecto a esta escena, donde algunos han creído ver una supuesta violación por parte del oso a DiCaprio, refleja perfectamente lo que en muchos casos es Facebook y la mayoría de redes sociales, un elemento tóxico que se fija únicamente en banalidades cuando debería servir para destacar aspectos más interesantes. Es triste sacarle punta a un detalle de forma malintencionada y obviar lo importante. No es la primera vez y me temo que tampoco será la última.

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Una escena brutal rodeada de una polémica absurda
Una escena brutal rodeada de una polémica absurda

¿Merece DiCaprio un oscar? Lo mismo da. Si no se lo dan, seguirá perteneciendo al club de grandes actores que jamás lo han ganado; si se lo dan, se unirá al grupo de grandes actores que si lo han ganado. En todo caso, yo no me puedo quitar de encima la sensación de estar viendo a Leonardo DiCaprio interpretando un personaje por muy bien que lo interprete. Los que si se merecen un reconocimiento son Tom Hardy, irreconocible en su papel, igual que Domhnall Gleeson. Por raro que suene, juro que empecé a ver la película sin saber quien intervenía en ella (al margen de DiCaprio) y no los reconocí. Si alguien me llega a decir que esos actores son también los que dieron vida a Mad Max y al merluzo pelirrojo de Star Wars no me lo hubiera creído. Al margen de que nos puedan gustar o no sus películas, son dos actores impresionantes capaces de dar vida a cualquier personaje que se les ponga por delante.

Tom Hardy, irreconocible y de lo mejor de la película
Tom Hardy, irreconocible y de lo mejor de la película

El Renacido nos cuenta una historia simple en su planteamiento pero de forma magistral, fascinante, intensa y brutal en muchas escenas. Quizás ese sea el mayor mérito de una película que ya hemos visto otras veces pero pocas de esta manera, esa capacidad de atrapar al espectador y arrastrarlo durante más de dos horas y medias hacia un final previsible pero que aun así esperamos con ansiedad. De momento El Renacido es para mi la película del año. El resto de lo que venga lo tiene muy difícil para ponerse a su altura. Un saludo y sed felices.

Star Wars Episodio VIII ¿Regresa Harrison Ford como Han Solo?

Si no habéis visto El despertar de la fuerza (¿queda alguien?) esta noticia contiene spoilers, y además de los gordos. La web www.moviecastingcall.org se dedica a la búsqueda de nuevos talentos y de extras para las películas de Disney, incluidas las películas Marvel y por supuesto Star Wars. Y han publicado la convocatoria para poder aparecer y actuar como extra en Star Wars Episodio VIII, la próxima película de la saga escrita y dirigida por Ryan Johnson.

Star Wars Episodio VIII, según aparece en dicha web, se rodará una vez más en los Estudios Pinewood de Londrés, así como en otras localizaciones del Reino Unido (suponemos que se refiere a la isla Skellig Michael en Irlanda donde se rodó la aparición de Luke Skywalker en el episodio VII ), usando el nombre en clave de «Space Bear», para que nadie asocie el rodaje con la famosa saga galáctica. Aparecen los enlaces a los documentos legales y como hacer para presentarse al casting, documentos a aportar, fotos, etc.

Lo interesante es constatar quién repite y quien no de los actores y personajes aparecidos en El despertar de la fuerza. Así, consta que repiten Oscar Isaac (Poe Dameron), John Boyega (Finn), Daisy Ridley (Rey), Carrie Fisher (Leia Organa), Mark Hamill (Luke Skywalker; suponemos que en un papel más largo) y Gwendoline Christie (Capitan Phasma, que suponemos que escapó del triturador de basura). No se menciona a Adam Driver (Kylo Ren) ni a Domhall Gleeson (El general Hux) y si a la actriz Gugu Mbatha-Raw en un papel por confirmar y a Benicio del Toro como villano.

Pero la sorpresa salta cuando dicen que repite su papel Harrison Ford como Han Solo. ¿Es un error o un spoiler de los gordos? En la web Imdb también aparece como parte del casting de la película. ¿Sobrevivió Han Solo a su muerte a manos de Kylo Ren o tendremos por primera vez un flashback en una película de Star Wars? ¿Acaso ha pasado a ser uno con la fuerza y se le aparecerá a Rey cual Obi-Wan fantasmal? La verdad es que no sabemos que pensar pero seguro que tendremos nuevas noticias al respecto en los próximos meses. Estamos ante rumores, no es nada anunciado de manera oficial.

Han Solo ante la idea de regresar en el episodio VIII
Han Solo ante la idea de regresar en el episodio VIII

El estreno de Star Wars Episodio VIII está previsto para el 26 de mayo de 2017. Sed felices y que la fuerza os acompañe.

Reseña de Batgirl La Chica Murciélago de Burnside

Antes de ponerme con este magnífico tebeo quisiera dejar unos cuantos detalles claros.

batgirl_chica_murcielago_burnside Primero, me considero un fan de Batman. Alguien que está enamorado el icono y todo su universo. He leído sus tebeos, visto sus películas, jugado a sus videojuegos y comprado su merchandising. Eso sí, nunca he seguido su colección regular de forma constante. Prometo ponerme al día con la excelente etapa que está viviendo el murciélago con Scott Snyder y Greg Capullo pero conste que conozco al mito y su entorno, no toda su bibliografía.

Segundo y no menos importante, ya he comentado que conozco a Batman y sus satélites, pero lo justo. Este comic centrado en Batgirl ha sido su carta de presentación para mis neófitos ojos. De Batgirl siempre supe que bajo la capucha se encontraba Barbara Gordon, hija del comisario. Una joven estudiante de matrícula, con memoria fotográfica y que, por la noche, se embutía en cuero para emular a Batman. Claro que un día llegó el Joker y le pegó un tiro (y algo más se por lo que parece…), dejándola anclada a una silla de ruedas en ese gran tebeo titulado La Broma Asesina. Sin embargo, la joven Babs no se dejó amedrentar por su situación y adoptó la identidad de Oraculo, empleando sus cualidades detectivescas e informáticas para ayudar a Batman y demás superhéroes. Pero llegó The New 52 y todo cambió, otra vez. Babs volvió a ser esa joven prometedora que se vestía de murciélago por las noches.

du2dc0cjd0kbjaiberdbY tercero, en breve seré padre de una niña. Diréis que esto no tiene nada que ver con un tebeo, pero no puedo estar más en desacuerdo con vosotros. Como padre lector y friki mi misión en la vida es conducir a esa pequeña padawan al lado luminoso de la Fuerza, al mundo en el que su madre y yo nos nutrimos día a día y disfrutamos. Para ello, me propuse encontrar esos referentes equivalentes que puede tener yo en mi infancia. Suerte la mía que ella contará con Rey cuando yo tuve a Luke y Anakin o personajes como Spider-Gwen pueden funcionar como me funcionó a mí Spider-Man. Gracias a este tebeo sé que Batgirl es y será lo que fue Batman para mí, tanto en mi infancia como, sobre todo, en mi adolescencia.

Para empezar, Barbara se muda a Burnside, barrio universitario y juvenil de Gotham donde empezará a convertir a Batgirl en una heroína 2.0. Con un nuevo traje, mucho más urbano, luchará contra el mal en Burnside armada de su Smartphone y de sus capacidades detectivescas. Amada por muchos y temida por otros, su popularidad empieza a medirse en «Likes» y es que la presencia de redes sociales que emulan a Facebook o Instagram tienen mucho peso. Tanto, que en ocasiones los crímenes tendrán una importancia mayor en la red que en el peligro físico. La propia Barbara es consciente que mostrándose abiertamente en la redes se convierte en alguien más accesible y a tener en cuenta que trabajar desde las sombras. Cosa que no gustará a muchos…

batgirlreboot16  Una de las cosas que hace destacar al tebeo es que va a la par con las últimas tendencias y temas de actualizad. La cultura, el arte, los clubs, la fiesta, etc. hacen acto de presencia y realmente estás leyendo las experiencias de una joven en los días de hoy. Arma de doble filo si se quiere de dotar al tebeo de un aire atemporal, pero que aquí es su mejor baza. También puede dividir a los lectores el factor “postureo”, pues el tebeo, como reflejo de la realidad, trata el tema de esta nueva moda de fotografiarse con todo/s, selfies aparte. Son detalles que los cada uno debe valorar como puntos positivos o negativos por su manera de pensar y actuar.

En esta nueva vida Barbara debe enfrentarse a cyber criminales, celebridades, otakus o artistas conceptuales y eso sólo hace más divertida e interesante estas nuevas aventuras. El tono conseguido por sus creadores resulta tan contemporáneo y fresco que se hace irresistible. Tomando prestadas unas declaraciones de uno de sus guionistas, cojamos a Batgirl y añadámosles un poco de las series Veronica Mars, Girls y Sherlock. Agitemos la mezcla y tenemos este producto fresco, dinámico y muy muy divertido.

BatgirlVillainContamos con un personaje femenino protagonista fuerte e interesante, que se adapta a las nuevas corrientes y que es buena en lo que hace, pero no pasa nada si tropieza. Se levanta de nuevo y, con uso de su ingenio más la ayuda de sus puños, resuelve el conflicto. También está rodeada de personajes secundarios que reflejan la diversidad y equilibran la balanza de sexos. Sí, es un comic con una chica de protagonista, pero que juzgue cada uno si eso lo convierte en un tebeo para chicas (otra cosa es que ellas lo encuentren más atractivo).

Para tener un tebeo tan completo hace falta un equipo rebosante de creatividad y que trabajen los unos con los otros. En este caso a cargo del guion tenemos a Cameron Stewart y Brenden Fletcher. El primero dibujante conocido por trabajar junto a Grant Morrison en Batman contra Robin o el Multiverso y el segundo por escribir Gotham Academy. Por lo visto Stewart tenía planeado encargarse también de los lápices, pero, debido a otros proyectos, tuvo que compartir la labor de los guiones con Fletcher y dejar la silla de dibujo a Babs Tarr. Eso sí, portadas y diseños, como el nuevo traje, son cosa de Stewart.

Del dibujo de Tarr diré que me resulta atractivo y sencillo (que no simple) sin dejar de lado los detalles y su dinamismo en las cada página . En ciertos momentos me recuerda a una versión a medias entre un tebeo de Batman y otro de Scott Pilgrim. O como si Bruce Timm y Bryan Lee O’Malley tuvieran una hija muy mona y le diera por dibujar. El color de Maris Wiks le va como anillo al dedo, con muchos colores saturados y muy llamativo a la vista. Luego, los diálogos y tramas de Stewart y Flecher funcionan. Batgirl podría ser esa vecina tuya que comparte piso con otra amiga, no se despega de su teléfono y que va de allí para allá corriendo a la universidad. Lo importante es que te la crees a ella y a los personajes que la rodean, por lo que uno no necesita superpoderes para ser un héroe o un villano en las noches de Burnside.

bglatestPor cierto, si a estas alturas alguno se está preguntando si pienso seguir esta nueva etapa de Batgirl puede darlo por hecho. No sólo quiero seguir estas nuevas aventuras que nos ofrece ECC Comics, sino conocer mejor el pasado del personaje. De hecho, ya me veo, junto a la cama de mi pequeña, leyendo historietas de Batgirl para que se duerma. Seguro que sueña con murciélagos. No espero menos.

PD: no busquéis las canciones que escucha Barbara . Juniper Vega es una cantante ficticia pero que, sólo con los títulos de las canciones, te ayuda a visualizar el ritmo de de las viñetas.

Battle Royale: Libro vs Película

br1Battle Royale es una distopía situada en una línea alternativa del tiempo, en la que el gobierno de La República del gran Oriente Asiático ha expedido un decreto que obliga a un grupo de adolescentes elegido aleatoriamente a matarse los unos a los otros hasta que solo uno de ellos quede con vida ¿Les suena familiar? Esta historia fue primero, y no tenemos como protagonista a Katniss Everdeen del distrito 12, sino a Shuya Nanahara de la prefectura Kagawa, pero de eso hablaremos luego.

Me enteré de la existencia de esta distopía debido a que la adaptación al cine es una de las películas favoritas de Quentin Tarantino, y como todos sabemos que Tarantino es lo máximo y sumándole la polémica que se formó en torno a esta historia y a Los Juegos del Hambre, no me pude resistir a leer el libro y ver la película.

La Novela fue escrita por Koushun Takami, se publicó en Japón en 1999 y fue llevada al cine por Kinji Fukasaku a finales del año 2000. En su momento fue una película muy polémica debido a su planteamiento y a la violencia que presentaba. Gracias a esto, tanto el libro como la película han ganado muchos seguidores, convirtiéndose en una historia de culto.

El libro nos presenta a una sociedad represiva en la que cualquier acción que pueda ir en contra de los mandatos del dictador es castigada severamente. Incluso el rock está prohibido. El gobierno ha desarrollado un programa militar llamado Battle Royale en el que escogen a una clase de cada prefectura para una competencia en la que solo un estudiante de cada clase podrá sobrevivir. Nuestro protagonista es un chico llamado Shuya Nanahara que al principio de la novela se dirige a una excursión con sus compañeros en un autobús. Shuya empieza  sentir sueño y se da cuenta que todos están dormidos y algo extraño está sucediendo. Cuando despierta se entera que su clase ha sido elegida para una de las competencias Battle Royale, y él junto con sus 41 compañeros tendrán que matarse los unos a los otros para intentar sobrevivir. Están atrapados en un isla fuertemente custodiada, tienen un collar metálico que explotara si intentan escapar, y en caso de que no haya un muerto en menos de 24 horas, todos los collares estallarán y no habrá un ganador.

br3Al empezar a leer me enganché muchísimo a la historia, la trama es muy interesante y la acción es constante. Algo que me gusto mucho del libro es que no se queda con el punto de vista del protagonista, sino que vemos a personajes muy variados que tienen una forma de actuar y motivaciones muy diferentes entre ellos. Conocemos desde el personaje que ha crecido en un orfanato hasta el hijo de un empresario muy exitoso, desde la chica más aplicada hasta aquella que ha tenido alguna experiencia con la prostitución, y entendemos como su historia de vida impacta en su comportamiento frente a esta situación extrema. Siempre es agradable leer personajes con profundidad, que vayan más allá de ser el bueno o el malo, y esta historia te da eso en la primera mitad del libro. La cosa cambia en la segunda mitad, el personaje principal que me agradaba bastante al inicio, me empezó a fastidiar. Y no era por él, sino por lo que sus compañeras decían de él. Está bien que sea un buen tipo y que Noriko, la protagonista femenina esté colada por él. Pero cuando todas las chicas de la clase empezaron a hablar de lo atractivo, agradable, buen deportista y rockstar que era Shuya, terminé hartándome, ya no quería que me hablaran de lo maravilloso que era, quería que se callarán o se murieran. No me cabe en la cabeza que en una situación tan extrema estos jóvenes estén pensando en el chico o la chica que les gusta. Mínimo deberían pensar unos instantes en su familia, pero no, aquí lo que empieza siendo interesante termina siendo molesto.br2

Los personajes masculinos están muy bien desarrollados, pero por el contrario, se retrata a la mayoría de las chicas de una forma muy estúpida y machista, como si el único propósito de sus personajes fuera besar a alguien antes que las mataran. En ese punto ya empezaba a decepcionarme un poco, pero colmó mi paciencia cuando el primer pensamiento de Shuya cuando una chica lo ayuda es que ella sería una buena esposa ¿en serio? Qué pensamiento tan tonto. Luego tenemos a Shogo, el tipo que por alguna razón es bueno en todo y al que no le creí nada. Está bien que sea el hijo de un doctor y que tenga algunos conocimientos de medicina, pero que aparte tenga conocimientos de armas, de informática y que sepa arrancar un coche sin la llave, ya es demasiado. Por poco dejo este libro a la mitad, pero tengo que admitir que el final me gusto mucho, tiene algunos giros que sorprenden, y agradezco que la relación amorosa de Shuya y Noriko no sea  para nada empalagosa ni molesta. Si las chicas no estuvieran todo el tiempo hablando de quién les gusta, la historia me hubiera encantado, y quizá la hubiera puesto por encima del primer libro de Los Juegos del Hambre.

br4Después de leer el libro vi la película, no sé si es porque tenía las expectativas muy altas o si simplemente es que es una mala película, pero no me gusto ni un poco. En el libro nos presentaban a un estado represivo y en la película pareciera que Battle Royale es una forma de desquitarse de adolescentes rebeldes. El instructor que en el libro parecía un tipo loco medio aterrador terminó convertido en un profesor de deportes con una vida frustrada. Este tipo de películas definitivamente no son las mías: las actuaciones están horriblemente sobreactuadas, no es posible que le disparen repetidamente a alguien y se pare a contestar el teléfono como si nada, quizá ese era el estilo que el director quería ponerle a la película, y le ha funcionado porque seguidores no le han faltado, pero a mi me pareció casi insoportable. Lo único que rescato es que vemos por unos instantes a la actriz Chiaki Kuriyama que interpreto años más tarde a Gogo Yubari, la colegiala loca de Kill Bill: volumen 1.

Si  tengo que escoger sin duda alguna me quedo con el libro, este al menos me pareció interesante a pesar de llegar a desesperarme un poco. La película no la recomiendo para nada. Sinceramente no entiendo como puede tener tantos seguidores entre ellos Tarantino, pero bueno, para gustos hay colores.

8 compositores de bandas sonoras para frikis

La banda sonora, ese aderezo musical que nos enciende las emociones en Dolby Surround en las salas de cine. ¡Es casi como una sala de conciertos! No somos conscientes del poder que tienen las bandas sonoras en las películas. Debería haber estudios psicológicos sobre el tema.

Apuesto a que no sabías que estos 8 compositores han compuesto la música de la mayoría de tus películas favoritas (¿conoces la ley del 20%-80%?).

sound tracksA mí, personalmente, me gusta la música épica. La que te da escalofríos porque te hace sentir que hay algo más en el mundo que la aburrida cotidianeidad urbana. La que inflama el alma y crea emociones y atmósferas desconocidas. La que consigue transportarte a otros mundos.

Por eso me gusta la música minimalista, como ya he escrito. Pero también me encantan las bandas sonoras. En mi usuario de Spotify (¡seguidme!) la mayoría de las listas son de BSO. Las escucho una y otra vez, en situaciones muy diferentes (cuando escribo, cuando cocino, cuando leo, cuando estiro).

Estos son, en mi opinión, los compositores vivos más interesantes para alguien que nació al finales de los 80 y se crió en la cultura occidental.

8. Danny Elfman

Es el colaborador musical de casi todas las películas de Tim Burton. Por lo cual, está asegurado que sabe crear atmósferas mágicas e inquietantes. Algunas composiciones magistrales son la de Big Fish, o la de Batman. Pero no sólo eso, es autor de otros grandes acompañamientos musicales como Spider-Man (la primera peli), Misión Imposible, Men In Black…

Y ¡sorpresa! Es el creador del tema original de los Simpsons, allá por 1989. Sin duda, su melodía más conocida.

7. Thomas Newman

No tiene obrones tan archiconocidos como los demás, pero sí algunas perlitas: Wall-E, Cadena Perpetua, Conoces a Joe Black, o la razón por la que lo pongo aquí, American Beauty (una de mis películas favoritas durante muchos años). También hizo la música de la serie de A dos metros bajo tierra (Six Feet Under), seriaza. Aunque la verdad es que pueden tener razón los que dicen que se repite: el opening suena casi igual que las melodías de  American Beauty.

6. Michal Nyman

Más oscuro que los demás, y más orientado al minimalismo que al gran espectáculo. Pero un gran, gran músico, muy original, y con otras obras no BSO muy interesantes. Lo conoces porque creó el tema de El Piano, que a tu madre le encanta. También hizo la música de otras pelis como Gattaca. A mí me gusta mucho la BSO de El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, una peli de Peter Greenaway muuuy perturbadora. Igual que este track.

5. Hans Zimmer

Hizo la música de películas tan chulas como Inception, Interstellar; tan épicas como Gladiator (su mayor éxito, yo diría), o también Piratas del Caribe, las nuevas de Batman, y… tatatachán: ¡El Rey León! (una de mis pelis favoritas).

4. Howard Shore

Yo lo he escuchado muchísimo en El Señor de los Anillos, donde hace una banda sonora a la altura de las circunstancias épicas, que no defraudó a sus fans (yo). Otras obras famosas: El silencio de los corderos, Se7en, o muchas de las de Cronenberg, que molan cantidubi.

3. James Newton Howard

Me encanta su forma de hacer música. Algunas de sus partituras más famosas están en Los juegos del hambre, King Kong, o Space Jam. Pero yo lo amo sobre todo por colaborar con uno de mis directores favoritos, M. Night Shyamalan. Mi BSO favorita es la de The Village (que como película también me fascina). Es mágica y encoje el corazón.

2. James Horner

El segundo puesto, muy merecido, es para este autor de obras poderosísimas. Muy reconocido por la Academia, sus éxitos mayores son quizás Titanic y Braveheart. La que yo más estoy escuchando últimamente es Una mente maravillosa (gran película también).

John Williams1. John Williams

Es el más grande, sin duda. Melodías colosales que son el símbolo de nuestra cultura: Star Wars (sólo con la música de Star Wars se puede hacer un post: el tema original, la marcha imperial, el tema de la fuerza…), Indiana Jones, Jurassic Park… no acabaría. Aquí pongo dos que escucho mucho, y muy diferentes, para ejemplificar la variedad de este creador. Pero ¡ha sido difícil elegir! Star Wars + Catch me if you can (la intro de esta peli me parece maravillosa. Una obra de arte que prefigura el tono juguetón y con estilo de la peli misma).

 

Sé que faltan algunos, como Ennio Morricone, el primero, (y La Misión, esa magna composición) pero he de confesar que no lo he escuchado tanto, y no me siento capacitado para emitir una opinión. U otros como Alexandre Desplat, Vangelis, o Angelo Badalamenti. La lista es larga.

Lo mejor es que estos compositores me han llevado a apreciar un tipo de música que no es muy común escuchar en nuestra sociedad, si no vives en un entorno muy específico. Me refiero a la música ambiental, la música minimalista, y la música clásica. Las bandas sonoras son la mejor vía de entrada para estas composiciones, y estoy muy contento de haber seguido ese camino.

Así que ya sabes, dale al autoplay en la lista que he creado en Youtube, y ¡a disfrutar! Pero no olvides decir en los comentarios cuál ha sido tu favorita y cuál crees que falta.

El cómic de la semana. Low 1: El delirio de la esperanza

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic, bienvenidos a el cómic recomendado de la semana.

Hace ya bastantes meses hicimos una crítica de Ciencia Oscura 1 en esta misma sección y ya dije en su momento que la obra, sin ser mala se me había quedado un poco justa. Evidentemente comparo ambos cómics al ser de una misma temática: ciencia ficción y del mismo guionista: Rick Remender aunque con argumentos literariamente opuestos. Si Ciencia Oscura trata los saltos dimensionales, Low nos adentra en las profundidades de los océanos de un lejano futuro y con la humanidad al borde de la extinción

Aunque reconozco que el guión no es redondo y es muy lineal, a mi me ha entretenido muchísimo y es un cómic que recomiendo a todo hijo de vecino. Lo digo totalmente en serio. Si Ciencia Oscura me defraudó con sus saltitos temporales con Low me pasa todo lo contrario. Acción desenfrenada desde el primer momento, guiones y situaciones que se resuelven en vez de alargarlas en varios tomos y personajes que viven, evolucionan y mueren en los seis primeros números americanos que engloba este primer tomo que en España publica Norma editorial. Todo lo que ocurre en este primer arco argumental como mínimo se alargaría al doble de con otro guionista. Tenemos que ser condescencientes con Remender por el buen trabajo que está realizando.

¿El dibujo? Uff aquí lo he tenido muy difícil para puntuar. Veamos como me explico. El dibujo de Greg Tocchini me ha gustado un montón pero con algunas pegas. En cierta manera, y salvando las distancias, me ha recordado a Bill Sienkiewicz en la plasticidad de los personajes. Hacía tiempo que no veía un dibujante tan dinámico con las caracterizaciones y tan expresivo en sus movimientos, pero sin embargo en muchas ocasiones me resultaba algo confuso y enmarañado. Supongo que a las nuevas generaciones este estilo de trazo alejado del superheróico moderno plagado de splashes no resultará muy atractivo. Estoy convencido que es un dibujo que no dejará indiferente a nadie ya que es complicado posicionarse al salirse de los cánones del cómic comercial que se destila hoy en día.

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LA CIENCIA FICCIÓN DE RICK REMENDER NOS MARAVILLA DESDE LAS PROFUNDIDADES DEL MAR EN SU NUEVA SERIE

En un futuro lejano, la prematura expansión del sol ha irradiado la Tierra, enviando a la Humanidad a las profundidades del océano, escondida en ciudades protegidas de la radiación, mientras las sondas buscan mundos habitables por todo el universo. Después de miles de años solo una sonda regresa, estrellándose en la superficie de la Tierra, un lugar extraño que ningún hombre ha visto en milenios.

Ahora Stel Caine y su marido Johl, el último timonel de la antaño gran ciudad de Salus, deben alzarse de las profundidades de la desesperación humana, y viajar a la superficie en busca de salvación.

Los colaboradores habituales Rick Remender (Ciencia oscura, Clase letal) y Greg Tocchini (Last Days of American Crime, Imposibles X-Force) se sumergen en una historia acuática de ciencia ficción y fantasía sobre la lucha de una familia por reavivar la llama de la esperanza en un mundo oscuro y moribundo.

Si te gusta la ciencia ficción te puedo asegurar que es muy difícil que no te guste esta obra desde prácticamente su primera lectura. Por fin una historia de ciencia ficción donde prima la aventura sobre otras disposiciones y donde impera la diversión sin caer en tópicos, en típicos o en estupideces. Esta especie de space-opera bajo los océanos es un tomo totalmente imprescindible que gracias a Norma podemos leer en nuestra lengua materna.

Un saludo y sed felices

Pequeño homenaje a un clásico del terror: El Resplandor

Si, como yo, tenéis un problema para ver pelis de miedo, con la gran mayoría de los grandes títulos del género puede que tengáis una segunda oportunidad: Están basados en libros. Títulos como La semilla del diablo, El Exorcista, El silencio de los cordeos o Psicosis encontraron algo más que inspiración en novelas más o menos conocidas y bastante más asequibles para los miedosos. Y pocos autores han sido tan prolíficos en su aportación a la gran pantalla como Stephen King, que con su aclamado thriller de terror El resplandor (The Shining), se encumbró como autor de referencia en el género.

Y es que, aprovechando el recién obtenido Grammy de Lady Gaga por su participación en American Horror Story: Hotel (la cual analizamos puntualmente en la web) sacamos a colación este gran clásico de terror, que, al igual que en la serie, se ambienta en un lujoso y decadente hotel con una historia, cuanto menos, oscura.

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Una de las portadas más comercializadas en nuestro pais de la novela, de la edición de bolsillo

Una serie de muertes violentas, acompañado de diferentes accidentes sospechosos, suicidios y sustos bastante desagradables han adornado la leyenda y la historia del hotel Overlook. Este hotel cierra en Invierno, quedando incomunicado salvo por la conexión por radio, convirtiéndose en el hogar para la familia del nuevo cuidador del hotel, encargado de que el invierno no cause estragos irremediables en el viejo edificio. Y es así como los Torrance llegan al hotel. Jack Halloran, un ex profesor y escritor venido a menos, ha aceptado el empleo, esperando que el retiro forzoso le devuelva la inspiración y la confianza de su mujer. Esta, preocupada por su marido, que abusaba del alcohol y había tenido algún que otro episodio violento, también se muestra esperanzada por su nueva etapa, pero con cierto recelo propio de todas las madres. Finalmente, el pequeño Danny de cinco años, un niño espabilado y bastante especial, que esplende, es decir, que tiene cierto don psíquico y que muy pronto percibe malas vibraciones que corren a raudales por los pasillos del hotel. Y este es nuestro pequeño protagonista, un niño inocente, bueno y pequeñito que, sin poder evitarlo, se verá expuesto a toda la maldad que ha vivido el hotel durante décadas, y puede que a algo más.

Aparte del miedo que da un niño que ve cosas, la novela está cubierta por un halo de tenebrosa quietud, que se construye con maestría desde la página uno. Los personajes secundarios son escasos, pero bien construidos, rellenando perfectamente cada hueco de la historia. Se entrelazan retazos del pasado de los tres protagonistas que completan su personalidad, llena de claro-oscuros. Precisamente por esa razón es fácil empatizar con ellos. Tan solo al final, cuando el mal se hace casi material, se pierde un poco de esa credibilidad. Pero esa es una de las señas de Stephen King, que hace malos muy muy malos.

Famoso fotograma del film gracias a la estelar actuación de Nicholson
Famoso fotograma del film que convirtió a Nicholson en la encarnación del terror y la locura.

La novela fue publicada en 1977, y su adaptación al cine se llevó a cabo en 1980, dirigida por Kubrick y con Jack Nicholson y Shelley Duvall, ha sido ampliamente criticada y ampliamente aplaudida . También se emitió una miniserie en 1997 basada en esta obra. ¿Habeis visto alguna de las adaptaciones? ¿Recomendariais el libro? Si te gusta el terror bien llevado, yo, desde luego, lo recomiendo.

«Olvídate de mi»: ciencia-ficción, romance y gafapastismo

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Ah, la ciencia-ficción, qué haríamos sin ella. Naves espaciales, viajes en el tiempo, invasiones alienígenas. Casi todo lo que nos hemos tragado al respecto huele mucho a 1950, pero nos vuelve tarumbas. Hubo un tiempo en que era una cosa de gente rarita, que quiere tener novia pero luego se acercan y no dicen ná, como bien sabemos gracias al Celebrities de Alan Moore.

https://www.youtube.com/watch?v=6TyxtjcbDRU

Al final nos hemos hecho viejos y, gracias a factores que cada uno tendrá que explicar por su cuenta, a veces pasa. Te emparejas. A veces, en contra de todo lo que creías estadísticamente imposible. Eso implica en condiciones normales convivir con ese alguien, incluso compartir momentos de ocio que no consistan en hacer el amor (o incluso follar). Estas cosas son delicadas: cuanto más tarda uno en vivir en pareja más difícil es todo. Uno desarrolla manías, hábitos, cosas vergonzantes que gusta de hacer solo (no sólo hablamos del onanismo, Pueblo, pero también). Y entre ellas está TODO lo que normalmente llamamos «frikismo«. Con toda su gloria y patetismo (es inseparable).

Está muy extendido el mito de la novia que odia todos tus videojuegos/cómics/manga, que te dice que te tienes que bañar un mínimo de una vez a la semana o que la dieta de hamburguesas y bolsas de patatas quizás no sea lo mejor del mundo. Hay viñetas, cómics y series que hablan de ello. The Big Bang Theory ha hecho un filón con esas cosas. Es bonito pensar en ese conflicto como una lucha por la dignidad y el espacio personal propios, cuando en demasiadas ocasiones es un síndrome de Diógenes no reconocido. Es cierto que la mayor parte de la gente es admirablemente normal, comprando cómics, libros e incluso leyéndoselos, como si fuera una afición adulta más, como el fútbol o hablar de programas de la tele. No tienen conflictos por esto con sus parejas, nada raro.

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El único personaje respetable de la serie

Pero como el mito está extendido (los frikis tienen líos por sus aficiones con sus parejas, que son unas castradoras) nos sumamos gustosos a él. Somos partidarios del Pueblo, aunque éste se haya decidido a tirarse barranco abajo. Es por ello que nos preocupa lo antes dicho y queremos hacer para solventar el problema. ¿Cómo hacer para que tú, inadaptado seguidor del Universo de Star Wars, jugador de Europa Universalis IV, lector de Bendis, comprador de Tokyo Ghoul, consigas que tu novia/la amiga de tu novia/tu esposa/la esposa de tu novia comparta ocio contigo?

Pues con algo que tenga Ciencia-Ficción, claro. Pero también, tiremos más de tópicos que es lo que nos gusta a todos mientras tomamos bravas, algo romántico que les guste a ellas. Y, bueno, que salga gente famosa, que gente desconocida es muy soso y cuesta concentrarse. Y que sea corta, que hay que dedicar sus buenas 4 o 5 horas diarias a mirar el móvil al día y no nos da tiempo a nada más.

Yo tengo la solución. Se llama «Eternal Sunshine of the Spotless Mind» (2004), es una película que no llega a 110 minutos y nos llegó a España con una de las mejores traducciones de un título que se han visto nunca: «¡Olvídate de mi!». Oí una vez que la película que querían hacer de Freddie Mercury la querían llamar «This could be heaven for everyone» (es una línea de una canción del disco de Queen «Made in Heaven»). En esa misma línea, la película de Queen podría haber llegado a España como «Botellón de Passport«. Ayh, cómo me gustaría trabajar traduciendo títulos de películas. O al menos que me dejaran cambiar el título a alguna. Por ejemplo, a Iron Man la hubiera titulado «Rober Dauni Yunior en armadura está tó guapo y es mazo reshulón«, título que capta mejor la esencia de la película que simplemente «Iron Man». Pero quizás soy injusto y a los traductores sólo les gustaba mucho Iguana Tango.

La película, en fin, lo tiene todo, y en poco tiempo. Tenemos caras famosas. El protagonista es Jim Carrey, la protagonista es Kate Winslet (Titanic). Salen también Elijah Wood (Frodo en El Señor de los Anillos),  Kirsten Dunst (Mary Jane en Spiderman), Mark Ruffalo (HULK) o Tom Wilkinson (Carmine Falcone en Batman Begins). Tenemos gafapastismo por muchos tubos: hay decenas de páginas de gente con gafas de pasta que dice que esta película de 2004 es una de las mejores de su década, que es una película independiente maravillosa, reflexión acertadísima sobre las relaciones de pareja, actuaciones mágicas, película infravalorada, un 7,6 en FilmAffinity, un Oscar al mejor guión original, etc. ¡Podéis dároslas de entendidos de cine delante de vuestra hasta las narices pareja, harta de tanto Star Wars y tanto paiun paiun en la tele con la consola! ¡sin tener que dejaros barbas ni usar gafas de pasta! ¡SIN LEER! ¡cuánta gloria!

¡Cuánto menos te enteras de una película eso es que es MEJOR PELÍCULA, paleto!

Luego tenemos la mezcla de ciencia-ficción y película romántica. Jim Carrey se enamora de una desconocida en el metro y cuando la cosa avanza descubre que ya ha estado antes con ella, pero él no recuerda nada. Da con una clínica en la que tienen una tecnología que hace posible borrar de tu memoria los recuerdos asociados a una persona…cosa que parece que ha hecho tanto Jim Carrey como su «nueva» novia anteriormente. Las razones por las que alguien borraría de su memoria a alguien que amó (sea persona o incluso una mascota, como podemos ver en una de las mujeres que está esperando en la consulta) serán una de las líneas a seguir de la película, pero hay más. En inglés la película se presenta así: «Puedes borrar a alguien de tu mente. Borrar a alguien de tu corazón es otra historia«. De hecho el título original de la película es un verso del poeta inglés Alexander Pope:

¡Qué feliz es la suerte del vestal inocente!

Olvidarse del mundo, por el olvido del mundo.

¡Eterno resplandor de la mente inmaculada!

Cada rezo aceptado, cada deseo resignado.

Antes de seguir, hablemos de Jim Carrey. Hay una gran confusión con él, como pasa con Rowan Atkinson (el actor que hace de Mr Bean). Es un lugar común creer que son dos actores mediocres que viven de hacer gestitos y poner caras que hacen reír a la gente. Es decir, sí, han vivido de ello, pero de vez en cuando dejan ver que son actores y no precisamente malos. El que dude de esto debería ver a Rowan Atkinson en The Black Adder. O ver a Jim Carrey en Man on the Moon o en esta misma película. Nada de poner caritas cada dos por tres. De hecho, hace un papel opuesto al habitual: el de alguien poco comunicativo, introvertido, con problemas para…expresarse. Y lo hace fantásticamente bien. Ha elegido casi siempre la comedia de caca, culo, pedo y pis, pero en estas ocasiones puede verse que es eso. Que lo ha elegido. Que podría haberse hecho cargo de otros papeles perfectamente.

La película, como puede uno olerse, tiene una estructura «rarita». O como suele decirse, «no lineal». Al haber borrados de memoria de por medio, las cosas suceden en pantalla de modo desordenado cronológicamente. Que nadie huya, es entendible para el humano medio. Es fácil reconstruir la secuencia cronológica de los hechos. Aquí sí tiene sentido que los hechos se nos cuenten desordenados cronológicamente. Es decir, intenta imitar el pensamiento, en el que se entremezclan épocas, sitios, personas y sensaciones.

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En la propia película comentan que el proceso por el que borran la memoria asociada a una persona es, de hecho, una lesión cerebral. La persona debe pensar en todos los recuerdos sobre esa persona y los técnicos verán gracias a una maquinaria qué zonas del cerebro se activan. Luego, cuando tienen «el mapa» de las zonas, durante la noche, mientras duermes, te lesionan dichas zonas. Es divertida la aproximación científica (técnicas de neuroimágen, se asume que los recuerdos son algo físico que está en el cerebro, etc). Aunque, claro, sea regular:  se borra selectivamente el recuerdo de una persona sin borrar el «contexto», que te provoquen lesiones cerebrales durante toda una noche buena cosa no es, por pequeñas que sean éstas, etc.

Es interesante, eso sí, como plantea el tema del amor. Desde esta vuestra página ya dijimos que el Amor es el Mal (contemplad la crítica que hicimos a The Last of Us, una de las grandes joyas del videojuego de los últimos 20 años). A partir de ahí, esta película plantea que realmente el Amor no es una cosa que aparezca entre las personas fruto de la circunstancia, el momento y un poco el azar. La película sostiene que no hay nada de circunstancial en todo esto, que manda la predisposición de las personas, cómo son y qué necesitan antes que el contexto y las circunstancias. Las mismas personas en circunstancias y contextos distintos actuarían esencialmente igual. Hay algo de concepción del amor entre dos personas como algo propio del Destino aquí, cosa que suele interpretarse universalmente como romántica, bonita y facilitadora de la cópula. Nada que objetar si alguien usa la película con tales objetivos: la vida es corta, y la vida con capacidad de plenitud sexual más aún.

Por otro lado, en esta sección de los viernes somos más de Woody Allen, Michel Houllebecq , Joseph Roth o Sergio Ramos, gente que sabe que todo es caos y crujir de dientes aleatorio en un universo inmenso y absolutamente indiferente a nuestras glorias y patetismos. El tono agonías de todos ellos, excepto el de Sergio Ramos, no es el más adecuado para hacer amigos o encontrar a alguien que se pueda quedar con tu perro un fin de semana que tú estés fuera. Por ello, recomendamos que en vez de hacer que tu pareja se meta entre pecho y espalda «Match Point» o «Si la cosa funciona» (aunque sean dos pequeñas maravillas) te pongas a ver con ella «¡Olvídate de mí!». En todo caso, sólo con este párrafo te da para hacerte el listo y entendido un buen rato. Insisto: SI SOLO QUIERES HACERTE EL LISTO ESTE ES EL PÁRRAFO QUE DEBES LEER. Omite las referencias a Sergio Ramos y ya está (o no: improvisa a partir de ahí, yo que sé).

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«Como dios no existe todo está permitido», pensó Sergio Ramos

Resumiendo, película corta, con actores famosos, temática amorosa, temática de ciencia-ficción, con buenas interpretaciones, con un guión con cierta originalidad y que aunque parezca que va a empezar lenta luego tiene un ritmo adecuado al tono de lo que cuenta. Vedla en pareja y triunfaréis. O no.

Sed felices.

Análisis de The Expanse. Temporada 1. Capítulo 5

Bienvenidos una vez mas al repaso semanal de The Expanse. Si la semana anterior tuvimos 40 minutos cargados de acción, ‘Back to the Butcher’ baja el ritmo para darle un necesario y merecido respiro a los personajes centrándose en mostrarnos su desarrollo personal. Este episodio se enfoca en la tripulación de Holden que rebautiza su flamante nave y nos deja vislumbrar algunos detalles sobre el pasado de Fred Johnson, el enigmático personaje presentado en el capítulo anterior. Recordad, a partir de este punto vienen Spoilers.

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La tripulación del Rocinante.

En esta ocasión la serie se desvía de la estructura habitual a la que nos tenía acostumbrados. No solo resulta un soplo de aire fresco prescindir de Avasarala y la trama terrestre, teniendo en cuenta que poco puede hacer, sino que además este episodio comienza con un flashback que nos muestra gradualmente el pasado de Johnson, más conocido como el infame ‘Carnicero de la estación Anderson’ (ouch, desde luego no es el mote más halagador).

Como lector de la saga, he de reconocer que el empalamiento de Havelock (ausente en la versión literaria) me dejó algo tocado, así que me alegra mucho verle vivíto y coleando. El que no está tan contento es Miller, no porque no se alegre por su compañero sino porque desconfía dela compañía que frecuenta. Gia, la prostituta Belter que vimos con Havelock hace un par de episodios está haciendo muy, pero que muy buenas migas con el y al detective no le hule bien. Conociendo a Miller yo me andaría con cuidado, el hombre puede ser un desastre pero como cualquier sabueso que se precie, su olfato no suele ir desencaminado.

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Miller sigue obsesionado con el caso de Julie.

Mientras tanto Holden y Cía se encuentran nuevamente a bordo de una nave desconocida sin saber a donde ir, sin embargo, a diferencia del Knight que era una carraca claustrofobica, el Tachi es una corbeta marciana de tecnología punta y eso se nota. Como dato de interés os cuento que aunque la serie no se ha pronunciado sobre ello, la tecnología naval marciana es la más avanzada del sistema solar. Las Naciones Unidas cuentan con una flota mayor mientras que Marte, a pesar de su menor número de naves, posee ventajas tecnológicas como los dispositivos de camuflaje que ya hemos visto. Un mensaje de Fred Johnson, el pez gordo de la OPA, ofrece a la tripulación refugio en la estación Tycho y como no puede ser de otra forma, vuelve el choque de opiniones: Holden piensa que el grupo necesita un lugar seguro ya que medio sistema solar intenta matarlos, Naomi cree que no se pueden fiar de un asesino y avisa de que sabe por experiencia que no hay que dejarse comer el seso por fanáticos como Johnson.

Durante puntos clave del episodio podemos ver varios flashbacks que nos cuentan como hace 11 años los trabajadores de la estación Anderson, situada en el cinturón, se rebelaron contra sus patrones debido a las inhumanas condiciones en las que trabajaban, condiciones que además estaban provocando una grave dolencia en los más pequeños. Tras varios intentos de rendición, un navío de las Naciones unidas vuela la estación -junto a todas las familias- por los aires. Entre la marea de cuerpos congelados y escombros podemos ver la silueta del perpetrador de la masacre, Fred Johnson, el ‘Carnicero de la estación Anderson’. Este fragmento de historia infiere algo importante: El escarnio que muestran las Naciones Unidas (junto a Marte) por los habitantes del cinturón, que obviamente consideran «sub-humanos» y»prescindibles», es lo que ha provocado en el nacimiento de la OPA. ¿Proyecto de gobierno Belter o grupo terrorista? depende de a quién preguntes.

Miller sigue, en lo que se ha convertido claramente en una obsesión, empeñado en encontrar a Juliette Andromeda Mao. En serio, ¿de donde saca el tiempo? con Havelock en el hospital debe de tener a Muss frita cubriéndole el puesto. Hablando de ellos, Miller no solo rechaza la oportunidad que Anderson Dawes (el líder de la OPA en Ceres) le da de atrapar al tipo que casi mató a Havelock sino que su ex-compañera le advierte que la investigación se le está yendo de las manos y su obsesión le ha llevado a exceder sus responsabilidades. Miller, siendo Miller, se lo toma como un  insulto y continua como si nada. Tras interrogar a un antiguo conocido de Julie, se dirige al TechNoir (¡Homenaje a Terminator!) donde descubre que el hamster electrónico de la chica contenía un chip de datos, tras hacerse con el, un par de Belters le secuestran en plena calle.

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Tras cambiar el transpondedor del Tachi, nace el Rocinante.

Por su parte, el grupo de Holden se está aclimatando a su nuevo hogar. Alex se pone cómodo a los mandos mientras Amos convence a Naomi de que ir a Tycho es lo correcto. Holden descubre extasiado una maquina de café y comienza su historia de amor con la negra sustancia (ya veréis, ya ¡lo que no hará este hombre por una buena taza de café!). Cuando el grupo decide finalmente aceptar la oferta de Johnson, llega el turno de cambiar el transpondedor (el aparato que identifica a la nave, algo así como la matricula) y con ello, el nombre de la nave. Alex recomienda ‘Águila de Fuego» y «Álamo volador» pero Holden y Amos deciden que Rocinante (homenaje al caballo de Don Quijote y la nave en la canción Cygnus-X1 de Rush) le va como un guante. Ahora sí, la tripulación del Rocinante se dirige a la estación Tycho para descubrir si Fred Johnson es de verdad su aliado o por el contrario, han salido de la sartén para caer (nuevamente) en las brasas.

Reseña de Batman R.I.P. Etapa de Grant Morrison #4

Muy buenas a todos los que disfrutáis de un buen cómic. En esta entrada si me encuentro ante un reto díficil: escribir sobre Batman R.I.P, un punto y a parte, a todo lo que venía gestando Grant Morrison para el personaje y su universo en los tomos previos.

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Si algo tiene de peculiar esta extensa etapa del hombre murciélago, sin tener en cuenta ciertas idas de cabeza y paraonias, es la conglomeración de toda la historia del personaje (o al menos una enorme parte de ella), remontándonos a sus inicios en los años 30. Es como si el Batman/Bruce del escocés hubiese tenido todas esas experiencias vitales en un periodo de 15 años. Increíble, ¿no? Es más que evidente que el guionista tiene tantos o más detractores que admiradores, quizá no esté ni entre los diez mejores escritores de cómics de los últimos años, pero lo que hace con Batman es simplemente genial, a la vez que díficil y le sale rematadamente bien. Recupera algunos de estos momentos cruciales en la historia del personaje, en forma de resumen se podría decir, dotando a la obra de una enrevesada complejidad narrativa, díficil de seguir en ciertos momentos, si eres un lector novato de Batman y su universo.

3772R.I.P cierra el primer acto de la controvertida etapa, con una situación límite y definitiva que nos hará temer por la integridad física y mental del Caballero Oscuro, que se encuentra en un grave apuro. El título ya deja claro lo que puede pasar. Es en este punto de la historia en el que conocemos más profundamente (que no del todo) al grupo de villanos conocido como el Guante Negro, orquestado por el misterioso Dr. Hurt, que no es quién dice ser y no diré nada más. Antes de ser destruído de manera física, el Dr. Hurt hará uso de todas las vivencias previas del cruzado de la capa para derrumbarlo psicologicamente. Nos encontramos ante una desconstrucción de la psique, no vista anteriormente, de uno de los personajes más importantes del género superheroico. Como arma contra dicha organización criminal, Batman hace uso del Batman de Zur-en-Arrrh, un elemento que forma parte de su mitología desde Batman #113 (Febrero de 1958). Morrison hace uso del concepto pero no de la forma que fue concebido en un principio. En este caso estamos ante un arma creada por Bruce, cuando este en los límites de la locura para salir victorioso. Vuelve también Bat-mite (ya apareció en el anterior tomo) para hacer de unión entre la cordura y el desquiciamiento total en el que se encuentra el personaje a lo largo de estas páginas.

En lo que respecta al dibujo tenemos a Tony S. Daniel, que hace un trabajo digno pero que en ningún momento acompaña al guionista escocés, probablemente no está a la altura de las circunstancias. Es cierto que para una obra de tales y complejas características DC debería haber elegido a alguno de los dibujantes estrellas de aquel momento. Por momentos parece descuidado y en algunas ocasiones no dibuja bien, fisicamente hablando, a los personajes. Una pena y uno (quizá el único ciertamente) punto flaco de la obra. Pero no os llevéis las manos a la cabeza, lo oscuro de la historia llega a casar realmente bien con el dibujo, en algunos puntos.

Por lo tanto y como conclusión, hacerte con este tomo sin haber leído previamente Batman e hijo y Batman y el Guante Negro (no es realmente necesaria La Resurrección de Ra’s Al Ghul para llegar a este punto) es como pegarte un tiro en el pie. Obra recomendadísima que cierra el primer acto orquestado por Grant Morrison, pero que arrastra unas lecturas previas, para mínimamente comprenderla. Antes de terminar la reseña me gustaría agradecer a ECC Ediciones que para su edición recupera las historias Extremaunción y R.I.P. El capítulo perdido, todo un acierto.

batman_rip_okBREl Dr. Simon Hurt, líder de la organización conocida como el Guante Negro, reúne a un selecto grupo de criminales para formar el Club de Villanos: un paso más de su retorcido plan, que busca la destrucción física y psicológica de Batman. Dicen que un héroe es más fuerte cuanto mayores son los desafíos a los que se enfrenta, pero… ¿será éste el último desafío al que se enfrente el Caballero Oscuro?

En Batman R.I.P., Grant Morrison (Arkham Asylum, All-Star Superman) y Tony S. Daniel (Detective Comics, Liga de la Justicia) abordan la deconstrucción del Hombre Murciélago. Un punto de inflexión en la larga etapa del guionista escocés al frente de Batman, que recopi- lada junto a Extremaunción –con lápices de Lee Garbett– y R.I.P. El capítulo perdido, adquiere una nueva dimensión.

EDICIÓN ORIGINAL: DC Universe núm. 0 USA, Batman núms. 676 a 683 y 701 a 702 USA. || FECHA PUBLICACIÓN: Octubre de 2013 || GUIÓN: Grant Morrison || DIBUJO: Lee Garbett, Tony S. Daniel || FORMATO: Cartoné, 272 págs. A color.

Enlace a su ficha en la web de ECC