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‘The Mandalorian y Grogu’ (2026) | Entretenimiento puro sin complicaciones

El día 21 se estrenó ‘The Mandalorian y Grogu’ y Disney parece haber escuchado por fin lo que una gran parte del público general venía reclamando desde hacía tiempo en las salas de cine. Tras unos años en los que Star Wars parecía obligada a construir universos hiperconectados y tramas galácticas tan enrevesadas que a menudo terminaban con guiones torpes, la casa del ratón ha decidido apostar firmemente por la sencillez.

Con el estreno de esta nueva aventura cinematográfica, el estudio ha dejado de lado las pretensiones de trascendencia filosófica y las tramas grandilocuentes para entregar un blockbuster de evasión puro, directo y tremendamente disfrutón. Es una propuesta comercial que abraza su naturaleza de espectáculo ligero, sin ningún tipo de complejos y que no busca de ningún modo reinventar la rueda de la ciencia ficción, sino devolver el entretenimiento sin complicaciones.

The mandalorian y Grogu


EN CF: THE MANDALORIAN AND GROGU SE ENCAMINA HACIA UN ESTRENO MUNDIAL DE 167 MILLONES DE DÓLARES TRAS UNA RECAUDACIÓN EN TAQUILLA ESTADOUNIDENSE SUPERIOR A LO ESPERADO


Conviene dejar claro desde el primer momento que la película no pretende convertirse en una obra maestra imperecedera del séptimo arte, pero tampoco se sitúa, ni de lejos, en el cajón de las malas producciones. Se mueve con total comodidad en ese terreno intermedio tan necesario y a veces olvidado por la industria actual: el de esas películas que son, sencillamente, muy entretenidas y disfrutables de principio a fin.

En esencia, todo el metraje huele, se siente y se saborea como un gran episodio de la serie de televisión original, pero potenciado por las ventajas obvias que ofrece la gran pantalla. La escala se nota más grande, los escenarios son imponentes y el ritmo está medido al milímetro para que las casi dos horas de duración pasen volando, manteniendo al espectador pegado a la butaca sin necesidad de saturarlo con dramas artificiales.

El verdadero motor emocional de toda esta aventura espacial del universo de Star Wars, y lo que verdaderamente sostiene la función en cada plano, es la incombustible relación entre sus dos protagonistas principales. La química en pantalla entre Din Djarin y Grogu sigue siendo, de lejos, lo mejor de toda la película, demostrando que este vínculo paternofilial intergaláctico sigue siendo el alma indiscutible de la franquicia. Lo que me ha recordado mucho a ‘Pragmata’ de Capcom

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No importa cuántos enemigos aparezcan es las escenas de acción, ni cuantas explosiones haya en pantalla, la atención del público siempre regresa de forma inevitable a ellos. El cazarrecompensas se mantiene muy fiel a su esencia, mostrándose en su salsa como ese protector eficaz, taciturno y directo que nos conquistó en la televisión, sirviendo como el contrapunto serio e inquebrantable ideal para las divertidas andanzas de su pequeño compañero.

Y es que, si hablamos de carisma, hay que rendirse ante la evidencia de que Grogu se roba el espectáculo de una manera absoluta. Cada vez que el pequeño ser asoma la cabeza por la pantalla, acapara todas y cada una de las miradas de la sala de cine, regalando los momentos más divertidos, tiernos y genuinamente memorables de la producción.

El director es plenamente consciente del imán que tienen entre manos y explota al máximo su expresividad, sus reacciones humorísticas y su inocencia, logrando que incluso las escenas menos recordables cobren una chispa especial gracias a su presencia. Su evolución aporta una frescura muy de agradecer, consolidándolo no solo como un alivio cómico de lujo, sino como el auténtico rey de la función cinematográfica.

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En el terreno puramente técnico y visual, la producción saca todo el músculo imaginable para justificar con creces el precio de la entrada. Los efectos especiales son sencillamente impecables y funcionan en cada uno de los planos, la potencia visual nunca ha sido un punto débil de Disney.

La acción está rodada con una claridad fantástica, huyendo de los montajes caóticos tan habituales en el cine contemporáneo, lo que permite disfrutar de cada coreografía de combate y de cada explosión con una espectacularidad que verdaderamente se siente cinematográfica y eleva el listón respecto a lo visto anteriormente en la pequeña pantalla. Favreau no destaca en nada, pero tampoco comete errores en lo que a dirección se refiere, hace un buen trabajo de asalariado del estudio.

Sin embargo, no todo es perfecto en este viaje intergaláctico, y el único punto flaco destacable que se le puede achacar a la cinta reside en su apartado musical. Es innegable que la banda sonora funciona a nivel de ambientación, pero peca de conformista al tirar en exceso de la nostalgia y repetir machaconamente el icónico tema principal de la serie con distintos instrumentos y tonalidades.

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Aunque la partitura original es brillante y evoca inmediatamente el espíritu del personaje, la película abusa de esta melodía en lugar de arriesgarse a introducir nuevos motivos musicales que aportaran frescura a la aventura. Y los nuevos temas los he notado demasiado genéricos. A pesar de este pequeño tropiezo sonoro, el film cumple con creces su objetivo primordial: ofrecer una fantástica propuesta de escapismo palomitero concebida para desconectar de la rutina y salir del cine con una gran sonrisa de oreja a oreja.

Conclusión

En definitiva, ‘The Mandalorian y Grogu’ se consolida como el recordatorio perfecto de que el cine de entretenimiento no necesita ser pretencioso para resultar verdaderamente memorable.  Esta nueva cinta de Disney nos devuelve los blockbusters de verano, como se espera que sean ‘He-man y los Másters del Universo’ o ‘Supergirl’. Ambas se estrenan inminentemente.

Al renunciar a las complejidades narrativas innecesarias y centrarse en lo que siempre hizo grande a esta historia, una relación entrañable, acción espectacular y altas dosis de diversión, el estudio ha logrado dar en el clavo con un producto sumamente honesto. Ir a lo seguro y no tratar de innovar hay a veces que no funciona y cansa al público, pero esta vez se ha acertado.

‘The Mandalorian y Grogu’ no cambiará la historia del séptimo arte (ni la de Star Wars), pero tampoco lo busca; su única ambición es hacer disfrutar al espectador. Para los fieles seguidores de la saga y para cualquiera que busque un soplo de evasión pura en la gran pantalla, este viaje junto al cazarrecompensas y su carismático compañero es una cita ineludible que demuestra que, a veces, el camino más sencillo es también el más acertado.

Aquí os dejo el tráiler de ‘The Mandalorian y Grogu’:

Este es el camino.

Libro de esbozos de Jack Kerouac

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Se edita en España Libro de esbozos, de Jack Kerouac, el miembro más representativo de la generación Beat. Personaje errante, buscavidas y superviviente, alcanzó el éxito con En el camino, obra que lo catapultó a la fama mundial y protagonizó una de las grandes revoluciones de la literatura contemporánea.

Jack Kerouac - Wikipedia, la enciclopedia libre
Jack Kerouac

Su Libro de esbozos es un poemario que recopila tres años de viajes por América. Se trata de una obra fragmentaria en la que se suceden descripciones de paisajes, personas y vidas que el propio Kerouac encontraba durante sus recorridos.

                                                     «Paul, veterano de Palau

                                                      & Okinawa, soldado

                                                      de infantería en las junglas insulares, 

                                                      ahora victima de la usura y las putadas»

Libro inédito hasta la fecha, está compuesto por quince cuadernos de escritura en los que el autor anotó sus poemas realizando un trabajo en bruto, sin filtros de la industria literaria. Esa fuerza salvaje, escrita con rapidez y apenas corregida, constituye el verdadero valor de estos esbozos. La obra fue concebida como poesía pura nacida del instante y de la contemplación. No obstante, esa poesía también es fruto de un trabajo riguroso: hay recursos literarios, hay estructura dentro de lo aparentemente desestructurado. Kerouac crea desde el conocimiento, no desde la improvisación.

La romantización de este proceso creativo puede hacer pensar que se pierde la calidad que aportan las múltiples revisiones. Sin embargo, también permite apreciar una obra libre de censuras y cortes editoriales, cercana en cierto modo al art brut propuesto por Jean Dubuffet.

Dubuffet, Jean - Flor de barba - Galerie Arenthon
Poema de Jean Dubuffet

Kerouac consigue un equilibrio entre ambas perspectivas. Sus poemas poseen unidad y encierran, en muchos casos, el ritmo del jazz mediante descripciones vibrantes imposibles de abandonar, además de algunas de las reflexiones más brillantes del autor, ocultas entre sus líneas. Es tarea del lector descubrir que estos “esbozos” son mucho más que simples garabatos.

“Desperté: tenía dos moscas follando en mi frente”

En los poemas encontraremos personajes rotos, deshumanizados tras la guerra y convertidos en presas del peor de los enemigos: las deudas. También aparece la industrialización y la manera en que las personas son despojadas de aquello que las hace humanas.

Estos poemas son el germen de la poesía que posteriormente Charles Bukowski llevaría al extremo con un lenguaje descarnado. Encontraremos personajes arrojados a un mundo que nunca fue ni será suyo, así como reflexiones de perdedores conscientes de que ya no les quedan fichas en este juego.

El libro indecente que debes leer para conocer mejor a Charles Bukowski - Literalgia
Charles Bukowski

CÓMO ESCRIBE EL VIEJO JACK SUS ESBOZOS

Libro de esbozos se caracteriza por la ausencia de comas, el uso constante del símbolo “&” en sustitución de la conjunción “y”, las onomatopeyas y las separaciones abruptas mediante puntos y comas a mitad de línea. Todo ello genera un encabalgamiento continuo que alterna la brusquedad con momentos más suaves, desplazando las últimas palabras de un verso hacia el siguiente.

Con todos estos artificios, el autor construye el ritmo. Son recursos destinados a acelerar la lectura, interrumpirla constantemente y retomarla sin pausa.

LIBRO DE ESBOZOS (BRUGUERA) : Kerouac, Jack, IRIARTE GOÑI, EDUARDO: Amazon.es: Libros

La primera parte del libro contiene poemas más descriptivos y narrativos, donde aparecen historias de perdedores, vagabundos y ciudades metálicas que pretenden sustituir a la carne errante.

La crítica al sistema se destila a través de sus palabras y se mezcla con la intimidad sucia del poeta. Estos temas recuerdan al ya citado Bukowski y funcionan como un primer paso hacia el posterior realismo sucio. En esta obra de Kerouac, sin embargo, muchos de esos detalles permanecen todavía en estado de esbozo: ideas, finales abiertos y rupturas textuales que buscan golpear al lector en el desenlace.

La segunda parte del libro intercala poemas más breves y experimentales, presentando proyectos e ideas en los que aparecen cuestiones existencialistas, reflexiones sobre el bien y el mal, expresiones sentimentales intimistas y descripciones acumulativas de nombres y adjetivos.

Esta segunda parte carece casi por completo de comas y encadena palabras sin verbos en varios poemas, imponiendo un ritmo frenético y, en ocasiones, claramente vanguardista.

EN RESUMEN

Libro de esbozos es una auténtica cara B del autor más famoso de la generación Beat. Contiene fragmentos de enorme calidad, ideas potentes y mensajes sorprendentemente frescos. La lírica se construye mediante recursos y efectos muy bien trabajados que hacen pasar por poesía espontánea unos textos nacidos de un profundo conocimiento de las técnicas poéticas.

Es cierto que muchos de estos esbozos podrían haber sido más pulidos y enriquecidos, dejando en ocasiones la sensación de ideas desaprovechadas. Aun así, incluso en sus imperfecciones resulta interesante rebuscar pequeñas joyas sobre personajes derrotados y sentimientos profundamente desarraigados.

The Mandalorian and Grogu se encamina hacia un estreno mundial de 167 millones de dólares tras una recaudación en taquilla estadounidense superior a lo esperado

The Mandalorian and Grogu se encamina hacia un estreno mundial de 167 millones de dólares tras una recaudación en taquilla estadounidense superior a lo esperado. Aunque es el peor estreno (con inflación) de la historia de Star Wars, no estamos hablando de ningún fracaso. La cinta no ha costado tanto como otras cintas del Universo galáctico tipo Han Solo, con parecida taquilla el primer fin de semana. Este factor es diferencial, lo que le hará cubrir gastos en relativamente poco tiempo. Pero hay una cosa cierta, el desgaste de la franquicia es bastante grande.

The Mandalorian and Grogu está ahora en camino de recaudar 82 millones de dólares durante el fin de semana de tres días, y unos 102 millones de dólares durante los cuatro días del puente del Memorial Day en Estados Unidos.

The Mandalorian and Grogu

Hay que explicar que cualquier película que estrene por encima de los 100 millones de dólares el primer fin de semana en tiempos pospandémicos, tendrá la verdadera prueba de viabilidad comercial el segundo fin de semana de la película en los cines. Eso indicará si The Mandalorian and Grogu solo atrae a los fans de la franquicia, o si la película puede convertirse en un éxito entre el público familiar.

Tráiler Oficial en Castellano de The Mandalorian and Grogu

En la taquilla internacional, The Mandalorian and Grogu recaudó 64 millones de dólares, incluyendo 2,4 millones de dólares al cambio en la taquilla española. No son malas cifras, pero tampoco son para tirar cohetes, y menos para una película de Star Wars.

The Mandalorian and Grogu, de Jon Favreau, ha costado «unos modestos» 160 millones de dólares producir, lo que significa que debería cubrir gastos. La rentabilidad es otra cuestión, pero como dice un representante de talentos a Deadline: «A veces estas películas ganan más con el merchandising que con la película en sí».

Es una narrativa interesante, pero la franquicia de The Mandalorian vende muchos juguetes, y el adorable Grogu tiene un papel enorme en esta película. El boca a boca será crucial y podría ayudar a este dúo favorito de los fans a dispararse en las próximas semanas.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Max Fridman. Los primos Meyer. Espionaje bajo la barbarie nazi.

Qué difícil ser feliz sin historias de espías. Nada como un agente inmerso en un territorio hostil repleto de frágiles alianzas y mucha, mucha gente que quiere evitar que uno termine su misión. De todo esto va la sobresaliente saga de Max Fridman, cómic escrito y dibujado por Vittorio Giardino en los años 80 cuyo recorrido editorial está siendo publicado por Norma Editorial. Hoy es el turno de hablar de Los primos Meyer.

Reseña de La doble vida de Max Fridman, los dos primeros arcos narrativos del personaje. 

Ambientada en la Austria de 1938, el cómic se centra en la familia Meyer, judíos acomodados cuyo cabeza de familia es un reputado médico de Viena, que ven como su vida es desmantelada por el auge del nazismo. Max Fridman, amigo de la familia y antiguo amante de Miriam Meyer, utilizará sus dotes de espionaje para intentar sacar a los Meyer fuera del país ante la desidia del resto de países vecinos de Europa.

Aunque Rapsodia húngara y La puerta de Oriente son puro espionaje histórico, Los primos Meyer no se enmarca directamente en el género del thriller, sino que es un drama familiar en el que asistimos al paulatino desmantelamiento del estatus de una familia acomodada por las leyes del nazismo.

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En este sentido, Los primos Meyer es una historia con un mensaje político claro, emparentando lo ocurrido en 1938 con la actualidad, en la que unas simples leyes fueron cambiando paulatinamente la situación de un colectivo que no podía imaginar que sus derechos se iban a ver pisoteados y que derivó en el horrible Holocausto.

Además, el hecho de que Giardino se centre en una familia de alto nivel social nos ayuda a entender cómo los países vecinos se mostraron impasibles ante la escalada racista del nazismo. Ni todo el dinero o patrimonio cultural del mundo podía sacar a los Meyer de Austria.

Y ahí entra Max Fridman, ese cuarentón con formidables habilidades para el espionaje que actúa al margen de la ley para conseguir lo que esta parece incapaz.

Los 21 mejores espías de la historia del cine

Giardino narra con ritmo casi cinematográfico y con una documentación admirable de la Viena de los años 30. Es una delicia ver el nivel de detalle de los edificios y vestuarios.

Los primos Meyer funciona a dos niveles, como drama familiar en el que contemplamos con horror como se pueden perder los derechos más fundamentales bajo el amparo de la ley y como thriller de espionaje realista que funciona como un reloj.

Enlace a Max Fridman. Los primos Meyer. En Norma Editorial.

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VUELVE EL GRAN VITTORIO GIARDINO CON UNA NUEVA ENTREGA DE SU PERSONAJE MÁS QUERIDO

Los Meyer, una familia ilustrada de la burguesía vienesa, busca desesperadamente la forma de escapar del infierno en que Austria se ha convertido para los judíos tras su anexión al Tercer Reich. Pero las leyes antijudías y la persecución constante de la Gestapo no se lo pondrán nada fácil. Su única posibilidad de escapar se la brindará un primo lejano, un tal Max Fridman.

El maestro Vittorio Giardino recupera a su personaje más emblemático en un brillante enredo que combina espionaje y suspense sobre un telón de fondo histórico rigurosamente documentado.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Retro-Análisis : Soy un Fugitivo (1932). La injusticia del sistema penitenciario de los años 30

Hoy nos toca volver a ese tiempo pre código Hays , analizando Soy un fugitivo, la injusticia del sistema penitenciario de los años 30. Luego de películas como ésta, entró en funcionamiento una censura que llegó a perpetuarse más allá de tres décadas.

Que historia nos cuenta Soy un fugitivo, de Mervyn Leroy

La historia está basada en hechos reales acontecidos a principios del siglo XX. En la adaptación cinematográfica de la novela escrita por Robert Elliott Burns, acompañamos a James Allen en sus anhelos por convertirse en ingeniero y así poder participar en el progreso de la sociedad a su regreso de la Primera Guerra Mundial.

Rechaza un trabajo en la fábrica donde anteriormente se desempeñó y, debido a la situación del país (problemas de desempleo, indiferencia social…) se ve empujado a vagar por el mismo en busca de sus sueños.  Por azares del destino, se ve involucrado en un robo de forma accidental y ese hecho cambiará su destino llevándolo a la cárcel para formar parte de una «chain gang», con una condena a años de trabajos forzados.

La injusticia transpira dolor en cada fotograma

Desde el inicio la película parece emanar injusticia de manera permanente. El personaje protagonista James (Paul Muni) no es el típico delincuente que ya desde temprana edad se ve involucrado en problemas, sino que nos encontramos con un héroe que regresa de una guerra, con todo lo que ello conlleva, para descubrir que realmente sigue en ella. No contra enemigos de uniforme, no contra tanques, no contra proyectiles, sino más bien contra la injusticia de la falta de oportunidades con quien simplemente quiere aportar su granito de arena en el progreso de su sociedad.

La falta de humanización por parte del sistema penitenciario al que se ve enfrentado terminará por destruir a la persona que fue, convirtiéndole en un fugitivo que ya no cree en las palabras de la sociedad que lo juzga y en alguien que solo se preocupa de sí mismo. El sistema penitenciario aparece retratado como un violento aparato represor y de explotación de los presos a los que trata casi como esclavos.

Aspectos que nos hacen recomendarla

El realismo que trasmite. La película (pre código, recordemos eso) plasma de manera sorprendente para la época (y para Hollywood) la brutalidad carcelaria. Esas escenas en el centro penitenciario donde les vemos bajo el sol realizando trabajos forzados, encadenados y sometidos a castigos físicos, son realmente impactantes. Podemos casi percibir el dolor, el miedo y la desesperación de los personajes. A destacar en ayuda a ese realismo el uso de un blanco y negro que contribuye a crear la atmósfera en la que se mueven los protagonistas de este drama.

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Paul Muni. Sin su actuación, la película no sería lo que es. Su brillante performance nos permite ver el viaje psicológico del personaje desde el inicio del filme con sus valores y anhelos de vida, hasta el final del mismo, donde le vemos destruido por el injusto sistema al que está sometido. Al principio está lleno de vida, optimista, con ambiciones, y al final lo que resulta es un hombre desconfiado, endurecido y marcado por su sufrimiento. Viniendo como venimos del cine mudo, podríamos tener en pantalla un Muni exagerado en cuanto a gestos o aspectos físicos, pero no es el caso.

Tenemos un personaje creado a través de pequeños gestos, miradas o cambios de tono. La dignidad de Allen es algo que vemos a Muni transmitir a lo largo del filme y no se pierde en ningún momento. Es imposible no empatizar con él (sobre todo en la fase de la película en que se entrega y confía en la palabra dada por las autoridades), pero, a la vez, no le vemos como un héroe clásico, dado que toma decisiones cuestionables en más de un momento.

El uso del pasado del personaje es un aspecto importante a remarcar dado que aunque se demuestra que tiene talento para formar parte de la sociedad, esta no está dispuesta a olvidar lo que hizo.

El ritmo de la película. Tenemos ejemplos de dramas carcelarios o de otra índole en que el ritmo es más pausado o lento, mientras que aquí mantiene siempre un nivel alto. Todos los conflictos legales las persecuciones, fugas y eventos que ocurren por el pasado del personaje ayudan mucho a mantener ese ritmo elevado.

Las preguntas que nos plantea la película. Cuando terminamos de ver Soy un fugitivo, nos podemos llegar a hacer varias. La principal a mi entender sería: ¿Quién realmente es el culpable?  El individuo que trata por todos los medios de vivir una vida honrada, trabajando en lo que desea, o el sistema que le expulsa continuamente hasta convertirlo en un «fuera de la ley».

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El debate que suscitó tanto la película como la novela de Burns

Me encantan este tipo de ejemplos en formato cinematográfico que nos hacen reflexionar o cambiar elementos de nuestra sociedad. Tanto esta película de Mervyn Leroy como el libro autobiográfico de Robert Elliott Burns suscitaron o más bien diría que incendiaron a la sociedad de esa época. Se generó un debate sobre el sistema penitenciario estadounidense y cómo eran tratados los reclusos en esos estados del sur, donde abundaban las «cadenas de presos» y el maltrato. El impacto social de este filme fue tan grande que provocó cambios en la legislación referida a sistemas penitenciarios.

En conclusión, Soy un Fugitivo es bastante más que un simple drama carcelario. Es una película crítica para con una época y sus injusticias sociales, que denuncia cómo el sistema es capaz de deshumanizar a los individuos. Nos hace reflexionar sobre temas como la libertad individual, la dignidad humana y cómo podemos ser expulsados socialmente cuando no encajamos con lo que el sistema nos propone. Definitivamente, se trata de una joya del cine que, gracias a nuestros directos en Youtube (gracias Naír), he podido descubrir.

Os dejamos el enlace a un retro análisis de un clásico del cine con el código Hays actuando. AQUÍ

 

 

El cómic de la semana: Star Wars clásicos Marvel USA 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Star Wars clásicos Marvel USA 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hay algo profundamente hermoso en los cómics antiguos  de Marvel.

No hablo de «bonito». Hablo de esa mezcla imposible entre ingenuidad, locura creativa y sensación constante de que nadie sabía exactamente qué demonios estaba haciendo, pero aun así seguían adelante como kamikazes editoriales.

Y eso es exactamente lo que ha recuperado Planeta Cómic con Star Wars clásicos Marvel USA, el tochal definitivo que recopila los números 1 al 38 y el Annual 1 de la mítica colección original de Star Wars de 1977, además de una cantidad obscena de material extra. Una barbaridad histórica. Una cápsula del tiempo. Un documento arqueológico de cuando George Lucas todavía no había convertido la saga en una religión con señores discutiendo en internet sobre el color de un sable láser durante quince horas.

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Volvamos a 1977. Nadie sabía que Star Wars iba a reventar el planeta

Esto es importante entenderlo.

Hoy Star Wars es una franquicia mastodóntica capaz de venderte desde una serie filosófica sobre jedis hasta un Mandaloriano con Grogu.

Pero en 1977 aquello era una apuesta rarísima. Una space opera extraña con robots, samuráis espaciales y un señor respirando como si tuviera un Seat Panda en pleno invierno que no arrancaba.

Marvel aceptó hacer el cómic casi por accidente. De hecho, la editorial estaba pasando momentos reguleros y nadie esperaba demasiado de la película.

Error histórico monumental.

La película explotó en taquilla y el cómic se convirtió en un fenómeno gigantesco. Y gracias a eso tenemos una de las etapas más delirantes y fascinantes de la historia del cómic comercial americano.

Porque estos tebeos son una mezcla maravillosa entre respeto absoluto al universo de Lucas y «bueno, vamos a inventarnos cosas porque no tenemos ni puta idea de hacia dónde va esto».

Y ahí reside su magia.

Luke Skywalker todavía parecía un chaval que trabajaba en un videoclub

Leer estos números hoy es una experiencia casi psicodélica.

Darth Vader aún no era «el gran villano definitivo del cine moderno». Era un tipo muy cabreado que aparecía de vez en cuando para estrangular gente y poner poses dramáticas como un cantante de heavy metal en una portada de Iron Maiden.

Luke todavía estaba verde. Han Solo era básicamente Harrison Ford funcionando a base de carisma y vaciles. Y Leia ya era la persona más inteligente de toda la galaxia mientras el resto tomaba decisiones horribles.

Como siempre.

Lo increíble es ver cómo los autores iban construyendo el universo prácticamente a ciegas. Metían planetas nuevos, criaturas imposibles, piratas espaciales y conceptos que décadas después seguirían apareciendo en novelas, videojuegos, series y hasta en productos actuales de Disney.

Porque sí, muchos elementos del actual canon beben directamente de estas historias pulp desatadas.

Y eso tiene muchísimo mérito.

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El alma de Flash Gordon

Estos cómics tienen una energía que ya casi no existe.

Son exagerados. Coloridos. Melodramáticos. Ridículos a veces. Y absolutamente encantadores.

Hay páginas donde parece que todo el universo depende de una persecución espacial imposible y otras donde Han Solo actúa como un camionero galáctico que acaba de perder una apuesta en un bar de carretera interplanetario.

Y funciona porque Star Wars siempre fue eso.

Mucha gente intenta convertir la saga en ciencia ficción ultraseria llena de lore infinito y discusiones sobre política imperial, pero en el fondo Star Wars nació como un serial aventurero con aroma a Flash Gordon, western espacial y película de samuráis pasada por una batidora cósmica.

Estos cómics entienden perfectamente esa esencia.

Aquí todo ocurre porque sí. Porque mola. Porque hay que saltar al hiperespacio antes de que explote algo.

Y honestamente, echo muchísimo de menos esa libertad salvaje.

¿Vale la pena?

Muchísimo.

Star Wars clásicos Marvel USA es uno de esos tomos que te reconcilian con el placer puro de leer cómics sin cinismo. Aventuras espaciales hechas con imaginación desatada, cariño absoluto por los personajes y cero miedo al ridículo.

Y eso, en una época donde muchas franquicias parecen diseñadas por un comité de ejecutivos muertos por dentro, vale oro puro.

Además, ver a Darth Vader comportándose como un villano pulp teatral mientras Luke corre de un desastre a otro tiene algo extrañamente terapéutico.

Como volver a una galaxia muy, muy lejana pero antes de que internet la convirtiera en un campo de batalla.

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En 1977, Marvel Comics publicó la primera serie de cómics de Star Wars. ¡Revive ahora esas aventuras originales en esta edición Ómnibus con sobrecubierta desplegable de lujo, que revela al dorso el póster original de la película, Episodio IV:Una Nueva Esperanza!

Desde la adaptación al cómic del Episodio IV: Una Nueva Esperanza hasta la del Episodio V: El Imperio Contraataca.

Revive qué sucede entre ambos episodios, los peligros y aventuras que enfrentan nuestros protagonistas, Luke Skywalker, la Princesa Leia, Han Solo, Chewbacca, C-3PO, R2-D2 y el resto de los Rebeldes. Desde el pirata espacial Crimson Jack hasta el cazarrecompensas Beilert Valance, pasando por un sorprendentemente Jabba el Hut (con una sola «t»). Luke regresa a Tatooine, Leia afronta la lucha en solitario, Han y Chewbacca se enfrentan a juegos mortales, ¡y Darth Vader busca respuestas!

Una increíble cápsula del tiempo del inicio del fenómeno Star Wars que ha cautivado al público mundial durante casi cuatro décadas. Así que regresa a esa galaxia muy, muy lejana, reúnete con todos tus personajes favoritos y descubre algunos nuevos.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Planeta Cómic y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Star Wars clásicos Marvel

Un saludo y sed felices.

«Blasphemous»: la historia de un milagro andaluz

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez García.

«Blasphemous» es la historia de un milagro. Por resumir: un estudio andaluz saca un proyecto de mecenazgo para hacer un videojuego. El videojuego lo protagonizará un nazareno con espada que se enfrentará a enemigos sacados de cuadros de Goya, de los pasos de Semana Santa andaluza y en general de toda la estética católica del sur de Europa. ¿El género? Será una mezcla entre los Metroidvania (juegos en dos dimensiones con plataformas, combates, exploración y elementos de juego de rol) y Dark Souls (ambientación tétrica, historia críptica, combates desafiantes).

Lo primero, hacer un metroidvania, se debía en parte a que es un género muy barato en cuanto a tecnología que pide y que a poco que se le meta casi siempre queda resultón. Lo segundo, hacer un Dark Souls, viene de la tradición histórica de la Dificultad Española (así en mayúsculas) que viene de la época de los juegos españoles para Amstrad o Spectrum, hace ya décadas.

Lo primero que entró por los ojos a todo el mundo es la estética distinta, auténtica. En un mundo de videojuegos estéticamente clónicos, los andaluces de The Game Kitchen decidieron apostar por sus raíces, por lo que habían vivido ellos de pequeños. Y trasladar eso al videojuego, con sus nazarenos convertidos en protagonistas, con la Virgen de la Macarena convertida en uno de los jefes más difíciles del juego, los pasos convertidos en monstruos mutantes, la mezquita de Córdoba como una de sus partes o los butafumeiros convertidos en gigantescos problemas mortales de necesidad.

Pero, claro, no solo es una estética diferente que trae una serie de gente que tiene esas referencias culturales y visuales como propias. El juego es divertidísimo, que es de lo que va esto, claro. La base no puede ser más sencillota (saltar, pegar, moverse) para luego irse complicando y complicando poco a poco, mientras hasta el más tonto de los enemigos puede ponerte en un aprieto si te descuidas en la tradición de los Dark Souls.

Blasphemous bebe más de los Souls que de los Metroidvania; aun habiendo exploración (y mucha) el protagonista, el Penitente, tiene casi como únicas barreras los jefes de cada sitio. Además, la historia se nos cuenta como en los Dark Souls: nada de ir de la mano, te sueltan en un mundo preexistente y ya buscarás tú qué hacer, dónde ir o te pondrás a leer en descripciones de objetos y juntando mentalmente cosas para componer la historia.

La curva de dificultad en Blasphemous es perfectamente progresiva y el diseño de niveles hace que las distintas zonas no se hagan repetitivas. Siempre dan ganas de seguir explorando para encontrar otra habilidad, para potenciar la espada Mea Culpa o mejorar al Penitente, que es más fuerte que rápido o ágil, lo cual le emparenta de nuevo más con un protagonista de un Dark Souls que con Alucard. Viendo el documental hecho por los propios desarrolladores está claro que lo que transmite el Blasphemous es exactamente lo que ellos querían transmitir.

Y aquí quería yo llegar. Es una compañía andaluza que acaba su último videojuego, algo bastante modesto, vamos a decirlo así (recaudaron como 6000 libras para financiarlo), con menos de 5 integrantes. Básicamente una pandilla de amigos. Que deciden embarcarse en una idea artísticamente original (básicamente, transmitir elementos culturales andaluces al mundo) sin dinero, sin prácticamente experiencia en un proyecto mediano, fichando a amigos que buscaban curro y, en esencia, con muchísimo en contra.

Como puede verse en el documental adjunto de cómo se hizo Blasphemous, los problemas de dinero eran constantes. Los plazos de entrega que le imponía la gente que le prestaba eran ajustadísimos. Las discusiones eran frecuentes. La persona creativa detrás de la idea original no puede ser más distinta al director del juego: por un lado está el alma sensible, el artista puro, el bailarín y, por otro lado, el que tiene que poner límites, azuzar con los plazos, avisar que el dinero se acaba. El documental es tan fascinante como el juego.

Lo normal en la industria del videojuego, del cine, del cómic y en general en la vida es fracasar. Las empresas se arruinan. Las películas terminan por no hacerse o salen hechas un desastre. El bar de tapas no funciona y hay que pagar deudas. Es lo más común. Copiando recetas de otros. Añadiendo cosas a éxitos de otros. Incluso inventándote algo. Pegársela es lo normal. En toda historia de éxito es fácil ver las mil veces que pudo haber descarrilado en una de las mil cosas que se hicieron. Y, al final, en estas historias de éxito se explica todo desde el trabajo, la perseverancia o el talento.

Y, bueno, en Blasphemous, como en casi todos los empeños, hay esfuerzo. Mucho. Y talento. Mucho. Todo pudo haberse ido por el desagüe por mil sitios. Como casi siempre. Pero no lo hizo. Como casi nunca. Y, como casi nunca, el juego tuvo un éxito tremebundo en ventas y en crítica, llegó la segunda parte (jugablemente mejor que la primera), llegaron los juegos de mesa y artículos derivados. Llegaron los mil videos de Blasphemous hechos por personas de otros países, impresionadas con la estética, el misterio y lo crudo de todas las referencias artísticas del juego que va desde Goya pasando por Miguel Ángel a todo el Barroco español.

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Dentro de Blasphemous todo gira en torno al Milagro, una fuerza mágica y todopoderosa que infunde miedo y veneración a la vez. Una fuerza misteriosa que reparte bendiciones superhumanas y castigos terribles a las personas de todo el pueblo del juego, Cvstodia. ¿Las razones? Nadie las sabe, todos temen al Milagro, muchos adoran al Milagro. En torno al secreto del Milagro está todo acontecimiento del juego…y de la propia empresa que lo hizo y, en general, de cualquier empresa o iniciativa medianamente modesta que queramos empezar.

Hay más factores que desconocemos que factores que conocemos. La información a la que accedemos casi siempre está a trozos, dispuesta de manera críptica. Es normal fracasar. Y, aún así, nos da por avanzar. Sabiendo que la mayoría se la pega. Que lo normal es palmar, no conseguirlo. Es una locura y va en contra de cualquier racionalidad. Es, claro, una blasfemia contra la realidad y sus misterios. Pero es esta blasfemia, cada uno la suya particular, por la que, ay amigo, te sigues levantando cada mañana. Y que dure, amado lector. Estamos totalmente con tu pelea por tu propia blasfemia.

Sed felices.

Elon Musk califica el final de The Boys como «patético», y el showrunner responde

Elon Musk califica el final de The Boys como «patético», y fue cuando compartió una respuesta a la publicación de Eric Kripke (showrunner, creador y productor ejecutivo) después de que sus seguidores le llamaran la atención sobre la escena de Gunter Van Ellis del final de la serie.

Elon Musk ha recurrido a las redes sociales para expresar su opinión negativa sobre el final de la serie The Boys, pero el empresario de SpaceX no estaba respondiendo a la escena que cabría esperar.

‘The Boys’ [FINAL DE LA SERIE]: Cómo tropezar y morder el polvo en la línea de meta

Y es que un usuario en su red social ha asegurado que:

«los guionistas de la serie convirtieron a Patriota en una analogía de Trump, y así es como eligen terminar The Boys. Toda esta serie no fue más que una trastornada fantasía de humillación sexual proyectada en Trump. Ni siquiera pueden producir una parodia decente de superhéroes sin inyectar sus retorcidos fetiches en cada guion».

Semejante reseña ha provocado que contestase el magnate propietario de X y Tesla, quien respondió con un simple «Patético» en señal de conformidad.

«Blood and Bone» incluye una escena en la que el hombre más rico del mundo visita la Casa Blanca con la esperanza de convencer al Patriota sobre las «tasas de fertilidad de los blancos» y obligar a los «Starlighters» a trabajar en sus fábricas como «empleados no remunerados».

El Patriota decide enviar a este personaje (Gunter Van Ellis, astronauta aficionado) al espacio.

Gunter Van Ellis era una parodia bastante obvia de Musk.

Elon Musk califica el final de The Boys como "patético", y el showrunner responde

El showrunner Eric Kripke se enteró de la publicación de Musk y parece encantado con la crítica.

A Kripke le preguntaron lo siguiente durante una entrevista reciente con Gold Derby.

«Hay un personaje parecido a Elon Musk al que arrastran al espacio exterior. ¿Te preocupa en absoluto que Elon pueda ir a por ti como está yendo a por The Odyssey?»

«No. [risas] Quiero decir, me parece divertidísimo cómo está yendo a por The Odyssey. Así que, si Elon Musk quiere ir a por nosotros con cualquier argumento que tenga, es decisión suya».

Un saludo y sed felices.

Reseña de El dorado (1992), el delirio de grandeza de Lope de Aguirre

No cabe duda de que la conquista de América es uno de los episodios históricos más representativos de la capacidad del ser humano para conseguir las hazañas más extraordinarias, tanto con sus luces como con sus sombras. Una de las muchas historias que pueblan aquel proceso tan complejo fue la de Lope de Aguirre, cuya odisea se cuenta en El dorado, cómic de Carlos Albiac y Alberto Breccia en el que fue el último trabajo del legendario dibujante argentino. Astiberri acaba de reeditar este interesante y experimental cómic.

Enlace a El dorado en Astiberri Ediciones. 

Lope de Aguirre fue un conquistador español que orquestó el asesinato de hasta dos líderes de la expedición en la que participaba para así convertirse en el jefe de la misión. Su objetivo era alcanzar la mítica ciudad de El dorado y, en su afán de mantener el poder, se rebeló contra el Imperio español. Acto que duró poco, cuando fue asesinado por sus propios hombres.

Publicada en 1992, en el marco de una serie de historias que conmemoraban el inicio de la Conquista de América, El dorado fue el último trabajo de Alberto Breccia, dibujante conocido por su trabajo en Sherlock Time, Los mitos de Cthulhu, la reedición del mítico El eternauta o esta misma historia.

Reseña de ¿Drácula, Dracul, Vlad? ¡Bah!

Reseña de El corazón delator y otros relatos.

Reseña de Sueños pesados.

Reseña de Buscavidas, hambre de desgracias.

Reseña de Nadie, la historia de espías de Alberto Breccia. 

Para ello, Breccia pidió a los editores la colaboración del guionista Carlos Albiac, que ya había trabajado con dibujantes como Carlos Casalla (Alamo Jim, Perdido Joe), Lito Fernández (Aventuras en Oceanía, El doctor Fogg), Horacio Lalia (Lord Jim, Inspector Bull), Ernesto García Seijas (Los Aventureros) u Oswal (Aquí la muerte, Big Rag) (La triple B).

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La figura de Lope de Aguirre es fiel reflejo de lo que supone analizar históricamente a un conquistador español. Hay quien ensalza su valentía y determinación y quien lo considera un loco, un narcisista que, en su afán por el poder absoluto, acabó perdiendo hasta su vida. Tal vez sea esta segunda visión la que ha pervivido gracias a la inmortal obra maestra Aguirre, la cólera de Dios, película de Werner Herzog estrenada en 1972, que muestra a Aguirre como un conspirador cuyo viaje hacia El dorado supone también su caída en la locura.

Lo más destacado de esta historia corta de menos de 60 páginas es el dibujo desatado de un Alberto Breccia que fallecería un año después. Utilizando el acrílico, El dorado es un festín de colores donde se difuminan los límites entre personajes y la naturaleza que le rodea, lo que contribuye a ensalzar las extremas pasiones de los personajes que vemos.

En definitiva, El dorado es una valiosa contribución artística a una historia ya conocida y universal: la de un hombre dispuesto a todo con tal de conseguir el poder absoluto. Y con esto no me refiero a oro y a riquezas, sino al saberse respetado por la gente que le rodea.

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Figura emblemática en la historia de los conquistadores españoles, Lope de Aguirre fascina por cristalizar los tormentos de una época presa de la locura. Miembro de una expedición que acabó en desastre, fomentó un motín y arrastró a sus compañeros en una búsqueda de poder quimérica, matando a todo aquel que se le oponía. El trazo de Alberto Breccia ofrece una visión contrastada de un padre cruel, consumido por sus demonios e impulsado por su sed de poder y venganza.

El Dorado. El delirio de Lope de Aguirre fue publicado originalmente por Planeta DeAgostini dentro de la colección Relatos del Nuevo Mundo por encargo del comité para la celebración del Quinto Centenario del descubrimiento de América. Astiberri recupera, 34 años después, una de las obras esenciales de Breccia y Albiac.

“Un Breccia ya mayor que no se guarda absolutamente nada. Sin desviarse un milímetro de la narrativa clásica, el Viejo detona en estas páginas todo su arsenal gráfico y pictórico, y nos ofrece unas secuencias de una intensidad, un vuelo y una fuerza expresiva definitivamente irrepetibles”.
Andrés Accorsi, Comiqueando

“Breccia entendió que necesitaba un talento inmenso como el de Albiac para retratar un personaje tan excesivo como el conquistador español; este contamina deliberadamente el registro realista de la historia con un tono alucinatorio, haciendo que el lector contemple una realidad distorsionada por las furiosas pasiones de los protagonistas, hombres simples e impulsivos que parecen saturar el ambiente con sus sentimientos”.
Iván de la Torre, Estandarte

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Spoilers de He-Man y Los Masters del Universo. Se confirma la escena postcréditos con personaje sorpresa

Se han confirmado algunos detalles sobre la escena postcréditos del reboot de He-Man y Los Masters del Universo de los que ya se había rumoreado.

Cuidado con los spoilers importantes.

Un rumor anterior afirmaba que la única escena postcréditos de la película contaría con un personaje muy querido por los fans, pero ya de manera oficial MTTSH ha confirmado ahora que Orko aparecerá.

Orko es un mago trollano que ejerce de leal amigo de He-Man y de consejero no especialmente competente en asuntos mágicos. No formaba parte de la primera línea de juguetes de MOTU y fue creado para aportar un toque cómico a la clásica serie animada de los 80.

Aunque esto supondrá el debut de Orko en el cine de acción real, una versión del personaje ha aparecido en todas las series animadas anteriores.

He-Man y Los Masters del Universo Orko

Se especuló con que la escena postcréditos podría contar con She-Ra, lo cual parecía probable tras una reciente entrevista con el director Travis Knight.

«Puedo decir muy poco sobre She-Ra»

«Para mí, She-Ra siempre ha sido una parte importante del mundo de Masters y de la historia de Adam. Con el tiempo, si tenemos la suerte de contar más historias en este universo, She-Ra desempeñará un papel fundamental».

Así pues, si He-Man y Los Masters del Universo tiene una secuela, es probable que la princesa Adora forme parte de ella, y parece que o bien se hará referencia a ella en esta película, o bien iba a aparecer antes de que se introdujeran algunos cambios.

«No puedo decir si tiene o no algún papel en esta película, pero sin duda tuvimos muchas, muchas conversaciones sobre el personaje»

«Hay escenas gigantescas en la película que ya no están. Estoy muy orgulloso de la película, pero hay cosas que me encantan y que tuvimos que cortar. Con suerte, verán la luz en algún momento».

Un saludo y sed felices.

Christopher Cantwell confirma que habrá segunda temporada de Linternas

Christopher Cantwell, cocreador de Halt and Catch Fire, ha confirmado que se ha incorporado al equipo de Linternas como guionista y productor ejecutivo para la segunda temporada de la serie. Por tanto, por parte «externa» al proyecto y sin confirmación oficial de DC o HBO, ya tenemos confirmación de la segunda temporada de Linternas.

La serie de HBO Max, protagonizada por Kyle Chandler como Hal Jordan y Aaron Pierre como John Stewart, aún no ha sido renovada oficialmente para una segunda temporada, pero Cantwell ha confirmado ahora que se ha unido al equipo.

HBO Max lanza el nuevo teaser de Linternas

Probablemente no sabremos con certeza si Lanterns volverá para una segunda temporada hasta que se conozcan las cifras de audiencia, pero esto es una señal de que DC y HBO confían en que la serie continuará más allá de una sola temporada.

Se espera que Damon Lindelof y Tom King sigan a bordo, pero Sneider cree que:

«HBO aprovechó la oportunidad para incorporar a un veterano con experiencia en televisión, y Cantwell encajaba a la perfección, ya que da la casualidad de que es un prolífico guionista de cómics. Cantwell ha trabajado en títulos como Iron Man, Capitán América, Doctor Doom, Gold Goblin, The Mask y Star Wars: Obi-Wan».

«Cantwell se incorpora ahora porque el equipo de guionistas de Lanterns volverá a reunirse pronto a pesar de la falta de renovación oficial. Las cadenas de televisión suelen querer tener los guiones listos para poder empezar la producción más rápido si una serie es renovada para una segunda temporada, lo que, de nuevo, parece algo inevitable en este caso, a pesar de la fusión pendiente con Paramount».

Un saludo y sed felices

Reseña de Autores de Cómic 5: Javier Rodríguez. Una revista sobre cómics publicada por nuestra querida Isla de Nabumbu.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de hablaros de una publicación de las más interesantes del panorama editorial español. Se trata de la revista Autores de Cómic: Javier Rodríguez, editada magníficamente por Isla de Nabumbu y su malvado editor Javier Alcázar.

Autores de Cómic 5: Javier Rodríguez.

AUTORES DE CÓMIC: Javier Rodríguez es, más que una revista, una cartografía apasionada de la carrera de uno de los dibujantes más versátiles del cómic español contemporáneo, y también un pequeño manifiesto sobre por qué este tipo de proyectos son hoy imprescindibles.

En sus 152 páginas, la publicación de Isla de Nabumbu demuestra que todavía es posible combinar el rigor de la investigación con el entusiasmo del lector fan, algo que no se entiende sin la labor editorial de Javier Alcázar al frente de la colección.

Autores

Una monografía en profundidad

La revista forma parte de la colección AUTORES DE CÓMIC, una serie de monográficos que Isla de Nabumbu ha convertido en refugio natural para quienes quieren ir más allá de la simple reseña de novedades.

Este quinto número se centra en Javier Rodríguez y repasa su trayectoria desde sus inicios en distintos géneros hasta su consolidación como uno de los grandes nombres asociados al cómic de superhéroes, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.

El enfoque no es el de una ficha técnica ampliada, sino el de un recorrido narrativo que permite entender cómo se forma un autor, qué decisiones marcan su estilo y hasta qué punto su obra dialoga con la tradición y con el presente del medio.

La revista se sitúa, además, en un terreno intermedio muy interesante: Lo bastante accesible para lectores curiosos, pero lo bastante exhaustiva como para convertirse en herramienta de consulta recurrente.

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En este momento Isla de Nabumbu mantiene diferentes ofertas para quien compre los primeros números de la revista. Pinchad AQUÍ.

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Autores

La entrevista como columna vertebral

El corazón del volumen es una entrevista extensísima con Javier Rodríguez, descrita por la propia editorial como la más larga que han publicado hasta la fecha en la colección.

Esta conversación permite escuchar la voz del autor en primera persona, reconstruyendo su formación, sus influencias, su desembarco en el cómic de género y su relación con el ecosistema superheroico actual.

Ese formato de entrevista-río, lejos de ser un mero interrogatorio cronológico, funciona como hilo conductor al que se enganchan el resto de materiales del número.

El lector siente que entra en el taller del dibujante: Se abordan procesos de trabajo, decisiones de diseño de página, colaboraciones clave y el modo en que el autor equilibra oficio, experimentación y exigencias del mercado.

Autores

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Hago un pequeño inciso para hablaros de un libro que ha publicado hace pocos meses Isla de Nabumbu: LAS BÚSQUEDAS DE IVAN MUR y otras historias de escritores, bibliófilos y coleccionistas; escrito por Armando Boix. Pinchad AQUÍ para leer la reseña.

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Artículos, rarezas e inéditos

La entrevista no camina sola: la acompañan historietas raras o inéditas, así como una selección de ilustraciones que permiten ver a Javier Rodríguez en registros menos conocidos, fuera del circuito más comercial.

La revista, en ese sentido, recupera la tradición del “dossier” gráfico, donde cada página sirve como ejemplo práctico de aquello que el autor cuenta en la entrevista.

Completan el volumen una serie de artículos firmados por voces bien conocidas de la crítica y la divulgación del cómic, como Norman Fernández, Francisco J. Ortiz, Felipe H. Navarro, Diego García Rouco, Jorge García y Lorenzo Díaz, que iluminan distintos aspectos de la obra del autor.

La tebeografía final, de unas 22 páginas, funciona como espina dorsal documental, convirtiendo la revista en un instrumento de referencia para lectores, estudiosos y periodistas culturales.

Autores

La mano invisible de Javier Alcázar, el malvado editor.

Si el nombre de Javier Rodríguez preside la portada, el de Javier Alcázar late en casi todas las costuras de la revista. El malvado editor firma el prólogo, coordina la entrevista y participa en la estructura general del número, articulando el relato para que cada pieza (artículos, materiales gráficos, tebeografía) encaje en un discurso coherente.

Ese trabajo editorial, a menudo invisible, es uno de los grandes valores de AUTORES DE CÓMIC. Alcázar no se limita a compilar textos: Selecciona a los colaboradores adecuados, define el tono de la publicación y asegura que la mirada sobre Javier Rodríguez sea plural sin perder unidad, algo especialmente relevante en un mercado que rara vez concede tanto espacio y cuidado a la figura de un autor concreto.

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Hago otro pequeño inciso para recomendaros un pedazo de cómic de Isla de Nabumbu: El Taxidermista y otras histerias macabras, realizado por el inconmensurable Santipérez. Pinchad AQUÍ para leer la reseña.

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Un proyecto que cuida la forma

A la solvencia del contenido se suma un cuidado notable en la presentación material: 152 páginas en color, maquetadas con abundancia de imágenes y un diseño elegante a cargo de Pablo Portillo y Antonio Moreno.

Esa puesta en página convierte la lectura en una experiencia visual atractiva, donde cada bloque de texto encuentra un eco gráfico, reforzando la idea de que estamos ante una revista que entiende el cómic también como objeto.

No es un detalle menor que la publicación haya recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Cultura, reconocimiento que subraya la dimensión cultural de un proyecto que combina divulgación, memoria y preservación del patrimonio historietístico.

En tiempos de lectura rápida y consumo fragmentado, apostar por un formato de ensayo largo y monográfico tiene algo de acto de resistencia, y el acabado formal de la revista está a la altura de esa ambición.

Pinchad AQUÍ para adquirir AUTORES DE CÓMIC: Javier Rodríguez, desde la web de Isla de Nabumbu.

Autores

Isla de Nabumbu y el valor de la memoria

AUTORES de CÓMIC: Javier Rodríguez se inscribe en una línea de trabajo que Isla de Nabumbu ha ido consolidando con paciencia, alejada del circuito comercial más evidente y volcada en recuperar, documentar y difundir obras y trayectorias que podrían quedar sepultadas bajo la avalancha de novedades.

La colección, tal y como subrayan otras reseñas, prefiere centrarse en la carrera completa de los autores antes que en el simple comentario de la última novedad, una apuesta que obliga a mirar el cómic desde una perspectiva histórica.

En ese contexto, la figura de Javier Alcázar como (malvado) editor aparece casi como la de un curador de exposiciones en papel: alguien que selecciona, ordena y da sentido a un material que, de otro modo, quedaría disperso.

El resultado es una revista que no solo celebra la obra de Javier Rodríguez, sino que reivindica la necesidad de seguir escribiendo y editando sobre nuestros autores con el mismo mimo con el que ellos llenan de viñetas sus páginas.

Sin duda, hay que apoyar este proyecto. Os animo. Echadlo un ojo, disfrutadlo, degustadlo porque os aseguro que …

¡Seréis Felices!

Reseña de Bolsilibros Yeray 1: Pastiche. He descubierto a Yeray Ediciones.

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Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Tengo que confesaros que, desde hace mucho, mucho tiempo, la literatura pulp me conquistó. Y por casualidades de la vida, me encontré con este libro … Vamos a hablar del primer número de Bolsilibros Yeray.

Bolsilibros Yeray: La colección.

La colección Bolsilibros Yeray es el intento de Yeray Ediciones de resucitar, con nombres y miradas actuales, aquellas novelas de a duro que llenaban los quioscos con historias de terror, policíaco, ciencia ficción, western o aventuras.

Son libros breves y muy conscientes de su ADN popular: tramas directas, ritmo rápido, atmósferas potentes y un punto gamberro que prioriza el entretenimiento por encima de cualquier solemnidad.

Yeray

Cada volumen suele girar en torno a un género concreto y reúne varias novelas cortas o relatos, de forma muy similar a las viejas selecciones de bolsilibros, pero con una sensibilidad de siglo XXI: Más libertad para el gore y lo grotesco cuando toca, personajes algo menos planos de lo habitual en el pulp clásico y cierta ambición temática que se cuela entre persecuciones, criaturas extrañas o tiroteos.

Yeray

El lector que se acerque con las expectativas adecuadas encuentra exactamente lo que la colección promete: un regreso juguetón a la literatura popular española, empaquetado en formato manejable y pensado para devorarse casi de una sentada, con el encanto de lo familiar y algún destello inesperado en cada entrega.

Hago un inciso para incluir AQUÍ, un artículo que realizó mi amigo y compañero Rodolfo Del Bene sobre la ciencia ficción pulp

Bolsilibros Yeray 1: Pastiche.

Fui a una conocida librería de Madrid buscando otra cosa y me tropecé con esta colección: Bolsilibros Yeray.
No conocía la editorial, ni a los autores, ni tampoco la colección. Me llevé este primer número y lo he terminado hace pocas semanas.
Me ha parecido una maravilla. No podía dejar de pasar páginas. Pero no quiero adelantarme, vamos a hablar del libro.
Yeray

1.- Luna llena sobre Blackfalls

En Luna llena sobre Blackfalls nos encontramos con el Sargento Huxley, un militar veterano que llega a la pequeña población de Blackfalls, en el oeste norteamericano, para investigar una serie de crímenes brutales que parecen obra de una criatura que solo actúa bajo la luz de la luna llena.

El protagonista no solo persigue a un monstruo, sino también a los fantasmas de su propio pasado, lo que aporta una capa emocional muy interesante a una trama que, en apariencia, podría ser “solo” de terror y acción.

Yeray
Uniforme de un Sargento del Ejército de la Unión, de los EEUU

La novela se mueve con soltura entre el wéstern crepuscular, el horror licántropo y el misterio clásico, alternando tiroteos, sospechas y ataques salvajes que mantienen el ritmo constante.

Jorge R. del Río construye un Blackfalls reconocible dentro del imaginario del western, pero lo tiñe de niebla, superstición y miedo, hasta convertir el pueblo en un personaje más de la historia.

El lector acompaña al Sargento Huxley en una investigación donde tan peligroso es el monstruo como los secretos que arrastran los habitantes del lugar, con un clímax muy pulpero que cumple exactamente lo que promete.

Jorge R. del Río

Yeray

Nació en Bahía Blanca (Argentina), en diciembre de 1977, y desde siempre ha sido un lector voraz de cómics, novelas de aventuras, fantasía y terror.

Esa mezcla de influencias pop y género clásico se nota en su producción literaria, muy vinculada al pulp y a la narrativa de ritmo ágil y directo.

Ha publicado varias obras en editoriales especializadas en género, como Wave Books, donde figura como autor de títulos como Alucina dentro de la línea Wave Black, y ha firmado también relatos y novelas cortas de terror y weird western en sellos pulp contemporáneos.

En conjunto, su trayectoria le sitúa como uno de esos autores actuales que entienden el pulp no como simple nostalgia, sino como un vehículo vivo para contar historias intensas, sangrientas y muy entretenidas.

2.- Las bestias del Valle Prohibido

En Las bestias del Valle Prohibido, Carlos Díaz Maroto nos presenta a un trío de detectives de lo sobrenatural que es contratado por un acaudalado ranchero después de que una misteriosa criatura arrasa sus tierras y acaba con la vida de uno de sus hijos.

La misión les conduce hasta un paraje llamado Valle Prohibido, un escenario aislado y hostil donde las reglas normales parecen desvanecerse y cada rincón oculta un misterio o una amenaza.

La historia mezcla investigación sobrenatural, aventura casi serial y monstruos clásicos, con un tono que recuerda tanto al cine fantástico de serie B como a los viejos bolsilibros de terror que se devoraban en una tarde.

El autor se divierte desplegando criaturas, secretos ocultos en la geografía del valle y choques entre la racionalidad de los investigadores y lo inexplicable que se abre ante ellos, rematando con un desenlace que encaja como un guante en la tradición pulp de “más grande, más salvaje y más monstruoso”.

Carlos Díaz Maroto

Yeray

Escritor y crítico de cine, nacido en Madrid el 20 de octubre de 1960. Muy ligado al género fantástico, en 1988 puso en marcha el fanzine Sueño del Fevre, donde ya unía sus dos grandes pasiones: el cine y la literatura, y en el que comenzó a publicar tanto artículos como relatos.

Como ensayista, su primer libro fue Drácula, de Transilvania a Hollywood (Nuer, 1997), escrito junto a Roberto Cueto, al que siguieron numerosos títulos centrados en el cine fantástico y de terror, convirtiéndole en una firma de referencia en la crítica especializada española.

Su faceta de narrador incluye relatos en antologías como La mansión de los cuervos, La huella de Drácula, La huella del hombre lobo o La huella de Frankenstein, además de obras como la novela corta «Los hijos de la noche» en la saga Weird West y el volumen Las aventuras del Doctor Watson, donde despliega su cariño por el pulp, el horror clásico y la ficción popular.

La edición de Bolsilibros Yeray

Este primer volumen de Bolsilibros Yeray se publicó en junio de 2023 y reúne las dos novelas cortas Luna llena sobre Blackfalls y Las bestias del Valle Prohibido en un solo tomo.

La edición es en rústica con solapas, tamaño 16,5 x 21,5 cm, con 232 páginas, y responde a la intención declarada de recuperar el tono y el espíritu de las viejas “novelas de a duro” de la literatura popular española.

La propia colección Bolsilibros Yeray nace con la ambición de ofrecer aventuras en distintos géneros (policíaco, terror, ciencia ficción, wéstern, aventuras, fantasía y pastiche), siempre con dos autores compartiendo cada volumen y con una clara vocación pulp.

El número 1, con Del Río y Díaz Maroto, inaugura así una línea que apuesta por formatos contenidos, historias autoconclusivas y un diseño que mira sin complejos a la tradición, pero con el acabado cuidado de las pequeñas editoriales contemporáneas.

Pinchad AQUÍ para obtener más información sobre este número 1, desde la web de Yeray Ediciones.

 Valoración personal

Como lector y aficionado al pulp, este primer número de Bolsilibros Yeray me ha parecido una pequeña fiesta de monstruos, balas y misterios sobrenaturales.

Luna llena sobre Blackfalls encapsula a la perfección ese cruce entre western y horror licántropo, con un protagonista marcado por su pasado y un pueblo donde todos esconden algo, y lo hace con un ritmo que no da tregua.

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Por su parte, Las bestias del Valle Prohibido funciona casi como una película de aventuras fantásticas en formato breve: detectives de lo oculto, un valle maldito y criaturas imposibles que remiten tanto a los viejos bolsilibros como al cine de monstruos de otra época.

El conjunto respira literatura pulp por los cuatro costados, desde la premisa hasta los giros finales, pasando por la mezcla de géneros, la imaginería monstruosa y ese gusto por el exceso que aquí se vive como una virtud.

Bolsilibros Yeray acierta de lleno al reivindicar la narrativa popular de género con cariño, conocimiento y una edición mimada, y este número 1 es una puerta de entrada ideal a su propuesta.

En resumen, solo puedo decir que me lo he pasado en grande con estas dos historias y que ya estoy deseando seguir explorando lo que la colección tiene preparado para los amantes del pulp más desacomplejado.

Acercaos a esta colección de Bolsilibros Yeray. Echadlos un ojo, disfrutadlos y sobre todo …

¡Sed Felices!

‘The Boys’ [FINAL DE LA SERIE]: Cómo tropezar y morder el polvo en la línea de meta

‘The Boys’ irrumpió en el panorama televisivo de Amazon Prime Vídeo como un soplo de aire fresco, una bofetada de cinismo, sangre y sátira política que desmontaba con una brillantez salvaje el gastado género de superhéroes.  Sacó partido al universo creado por Garth Ennis para el cómic homónimo. Durante años, la serie se mantuvo como un bastión de irreverencia y valentía narrativa, desafiando las expectativas del espectador en cada entrega. Sin embargo, mantener el listón tan alto durante tanto tiempo requiere tener muy claras las directrices que, desafortunadamente, su última temporada no ha seguido.

Lo que debía ser el clímax final de una de las ficciones más interesantes de los últimos años en plataformas se ha convertido, por desgracia, en la entrega más floja, errática y fallida de toda la serie, lastrada por graves problemas de guion y una evidente falta de rumbo que empaña de forma irreparable su legado.

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Uno de los errores más dolorosos de esta tanda de episodios ha sido la preocupante gestión de Soldier Boy. El carisma de Jensen Ackles consiguió que muchos amásemos a este personaje y que su presencia fuese un reclamo para el final de la serie. Alguien capaz de poner en jaque el mismísimo status quo de Vought y de cambiar las reglas del juego que aquí, sin embargo, parece metido casi por obligación y como si el equipo de guionistas no supiera qué hacer con él.

En lugar de aprovechar el magnetismo y la peligrosa imprevisibilidad que Jensen Ackles aportaba a la pantalla, el personaje ha permanecido en un limbo narrativo, infrautilizado de manera sistemática y cambiando de opinión a cada episodio. La resolución de su arco argumental, lejos de estar a la altura de su propia mitología, se ha despachado con un cierre perezoso, malo y carente de la fuerza dramática que un antagonista de su calibre merecía por derecho propio.

A esta pésima gestión se suma el patético final de Patriota, completando el desolador panorama de la temporada. El que fuera uno de los villanos más imponentes, desquiciados y fascinantes de la televisión moderna ha visto cómo su arco argumental se finiquitaba de la forma más torpe y anticlimática imaginable. Ver a un titán de su calibre desinflarse de una manera tan burda no solo resulta frustrante para el espectador, sino que confirma una alarmante incapacidad para cerrar con coherencia al personaje sobre el que giraba toda la serie.

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Este descuido con personajes clave no ha sido un hecho aislado, sino el síntoma de un mal endémico que ha afectado a todo el ritmo de la temporada. La trama general se ha percibido estancada porque la serie se ha empeñado en centrarse en cerrar subtramas que se tenían que haber resuelto mucho antes.

Al estirar conflictos secundarios que ya no daban más de sí, el ritmo global de la narración se ha resentido enormemente, generando una molesta sensación de relleno y de que la producción se negaba a dar el paso definitivo hacia adelante por miedo a quedarse sin páginas que contar. ¿De verdad era tan necesario estirar tanto la trama de Profundo?

Esta alarmante crisis de identidad ha provocado que la temporada no supiera realmente qué camino seguir. Ha querido tomárselo con tanta calma que nos hacía pensar que habría otra temporada más, pues nunca he tenido la sensación de estar en el tramo final. Nunca. El guion acabó tropezando con la propia lentitud de sus tramas y subtramas.

Esa alarmante indecisión a la hora de hacer avanzar la historia le ha pasado una factura carísima a su último episodio, un desenlace que se siente asfixiantemente apresurado. Resulta del todo incomprensible que una ficción que se ha tomado tantas horas en dilatar otros conflictos decida, de repente, condensar el destino de todo su universo en un clímax atropellado, donde no se les ha otorgado el tiempo necesario a los personajes principales para respirar, interactuar y asimilar sus respectivos arcos dramáticos.

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Para rematar la faena de manera decepcionante, el cierre definitivo de la serie ha optado por la vía del mínimo esfuerzo creativo. El epílogo final de la producción ha sido un ejercicio de manual que tira de los tópicos más manidos del cine y la televisión.

En lugar de apostar por la valentía y la cualidad para sorprender que caracterizaron a ‘The Boys’ en sus inicios, el guion ha capitulado ante las soluciones más perezosas y manidas de la industria, recurriendo a destinos acomodados, predecibles y muy clichés que resultan sonrojantes por su falta de originalidad.  La serie que nació con el noble propósito de reírse de esos clichés de Hollywood y sus mundos de superhéroes ha terminado devorada por los mismos en sus últimos minutos de metraje.

Es absolutamente imposible asistir a este desenlace sin experimentar un fuerte sentimiento de déjà vu que nos remite a uno de los traumas televisivos más recientes de la cultura pop. Nos encontramos, de manera casi milimétrica, ante el mismo caso que la serie de HBO ‘Juego de Tronos’, cuya temporada final quedó grabada en la memoria colectiva como el sinónimo perfecto de la precipitación y la oportunidad perdida.

Al igual que ocurrió en Poniente, los responsables de ‘The Boys’ han confundido el impacto efectista y el shock visual con la buena escritura, pisando el acelerador en el último segundo tras haber desperdiciado el tiempo en el trayecto previo. Ambas producciones compartieron la gloria de ser fenómenos culturales imbatibles, y ambas han tropezado exactamente en el mismo escalón: la absoluta incapacidad de gestionar el tempo narrativo cuando llega la hora de la verdad y el broche de oro.

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En definitiva, esta última temporada de ‘The Boys’ deja un sabor de boca marcadamente agridulce en el espectador.  Aunque la serie mantenga una factura técnica impecable, unas actuaciones entregadas y destellos muy intermitentes de ese humor negro tan característico, el brillante envoltorio de superproducción de la televisión de Amazon Prime Vídeo no logra ocultar un guion escrito con desgana que convierte la sátira más afilada e inteligente en el tópico más perezoso e industrial.

Esto ha sido un viaje profundamente decepcionante para una ficción que una vez prometió dinamitar las reglas de la televisión actual. Desgraciadamente, al igual que le ocurrió al Trono de Hierro, el imperio de Vought se ha venido abajo y ha muerto de una forma más cutre que la Thalia Al Ghul de Marion Cotillard.

Aquí os dejamos el resto de análisis de todos los capítulos de todas las temporadas de ‘The Boys’

Un saludo y sed felices.