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Globos de oro 2018: Lo que nos hace felices (y lo que no nos hace tanta gracia)

Por mucho que lo neguemos, nos encantan los Globos de Oro y los Oscar. Cannes refleja la verdadera calidad del cine. Los Oscar solo premian a películas americanas. Son muy injustos con determinados e insignes personajes. La cima del postureo cinéfilo. Todo eso es cierto, tanto como que es inevitable buscar en Internet los mejores momentos de la gala los días posteriores a la entrega de premios. En esta sacrosanta web, vamos a desgranar y a profundizar el primer evento cinematográfico del año.

LA GALA MÁS REIVINDICATIVA: EL CAMBIO HA LLEGADO… ¿O FAROL HOLLYWOODIENSE?

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Todo comenzó con el negro. No, no es que los actores de La Meca del Cine decidieran vender sus propiedades y marcharse al Muro para luchar contra los Caminantes Blancos (a alguno le haría mucha falta, ¿Verdad, Johnny Depp?), si no que la mayor parte de los asistentes vistieron de negro como protesta contra las acusaciones de acoso sexual que inundan la industria y sobre la que nos pronunciamos recientemente en este artículo. 

El ataque a Weinstein y compañía no se limitó a la alfombra roja de la gala. El conductor de los Globos de Oro fue duro en sus intervenciones y, lo que es más importante, todos los premios importantes fueron para películas y series en los que el papel femenino predominaba. Sin duda, fue la noche de las mujeres, y los hombres apenas quisieron llevarse una pizca de atención de las cámaras. Ojalá que la denuncia de Weinstein sea la primera piedra de una industria sin abusos de ningún tipo.

LOS PREMIOS PRINCIPALES: LAS CHICAS SON GUERRERAS.

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Parafraseando la mítica canción, las mujeres fueron las reinas de la noche. En el apartado cinematográfico ganó Tres anuncios en las afueras, protagonizada por una actriz de armas tomar como Frances McDormand, alejada de los cánones de belleza que muchos esperan en una artista del Hollywood actual, como madre coraje en un pueblo de Estados Unidos.

En lo que respecta a la televisión, las predicciones se cumplieron con el éxito de Big Little lies, la serie que profundiza muy acertadamente en el abuso sexual y escolar, y El cuento de la criada, la crónica de una rebelión silenciosa protagonizada por una mujer que ya diseccionamos en este artículo. Como se puede comprobar, la industria no solo reivindica de boquilla, si no con premios.

DIRECTOR: QUIEN MUCHO ABARCA…

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Poco aprieta. Con esto me refiero a que me alegra el éxito de Guillermo del Toro tras años de películas más o menos interesantes (El laberinto del fauno es una maravilla) y otros tantos proyectos fallidos con los que aún soñamos: El hobbit, En las montañas de la locura o La liga de la justicia oscura. Parece que La forma del agua ha dado en la tecla.

Por otro lado, es una felicidad agridulce la que siento por Del Toro. Spielberg, como era de esperar en un hombre que lo ha ganado todo, se ha ido de vacío en otra de sus películas comprometidas. Guadagnino, alabado por todo el mundo por su fresco romance homosexual en Call me by your name, también se ha quedado con las ganas. Sin embargo, mi amargura es más cercana con la enésima derrota de Christopher Nolan. Tal vez Dunkerque haya sido la película que más bipolaridad ha generado entre los espectadores, pero eso no empaña la realidad: se ha ido de vacío. La Academia, de momento, sigue sin premiar a uno de los directores más solventes de la industria. Antes de pasar a otro asunto, quisiera hacer una mención especial a otro adorado ausente: Paul Thomas Anderson.

EL PREMIO MÁS JUSTO DE LA NOCHE.

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     Es muy complicado hablar de justicia en unos premios tan subjetivos. Eso sí, dudo que alguien se indignara ante el Globo de oro a mejor actor para Gary Oldman, uno de esos reyes sin corona en la actuación. No he visto El instante más oscuro, pero Sid Vicious, Rosencrantz, Lee Harvey Oswald, Drácula, Drexl Spivey, Beethoven, Sirius Black, James Gordon y George Smiley, entre otros, bien merecían el premio más prestigioso del mundo de la interpretación.

Menos merecido veo el de Ewan McGregor (uno de mis actores favoritos) por su papel en la peor temporada de Fargo. Más teniendo en cuenta la presencia de Kyle MacLachlan entre los nominados. Como todo lo que tiene que ver con Twin Peaks, pasó sin pena ni gloria durante la gala. Poco favor a uno de los fenómenos de la temporada.

LA CAÍDA DE LOS BLOCKBUSTERS.

Corren malos tiempos para las películas destinadas a romper la taquilla. Como bien dice Antonio en su artículo sobre la excesiva cantidad de blockbuster de 2017, se han estrenado treinta y seis películas de enorme presupuesto. Casi ninguna ha tenido representación en Los globos de oro. Podríamos decir que el cine de superhéroes es demasiado ligero para estas galas, pero hablamos de ceremonias que han premiado a películas épicas como Braveheart, Gladiator, El señor de los anillos o Master and Commander. No son los mejores días para premiar el entretenimiento.  O, tal vez, no hay ningún entretenimiento en las salas digno de ser premiado.

Un saludo y sed felices!

Análisis de Expediente X. Temporada 11. Capítulo 01: Mi lucha III

Mi nombre es Carl Gerhard Busch, pero he tenido muchos alias durante mi larga carrera en el gobierno estadounidense. Mi trabajo ha supuesto toda una lección de humildad, aunque nunca se me ha considerado un hombre humilde.«

-El Fumador

Esta frase pronunciada por uno de los villanos más icónicos de la historia de la televisión es, queridos lectores, la primera de la nueva y flamante onceava temporada de Expediente X (The X-Files) una de las mejores series de todos los tiempos que ayudó, durante la década de los 90, a definir los géneros de la ci-fi y el fantástico tal y como los conocemos hoy en día, alimentándose de toda la mitología de los mundos del misterio y la conspiración y llegando a ser todo un fenómeno a nivel popular.

En esta ocasión no tenemos una miniserie como la que el compañero Pedro Pérez analizó con mucho esmero en 2016 y que podéis (y seguramente debéis, para refrescar memoria) leer pinchando en este enlace, sino una temporada completa de 10 episodios que vamos a ir desgranando semana a semana. Ni que decir tiene que la idea es que veais primero el capítulo y luego os paséis por aquí para ver si podemos analizarlo y descubrir juntos todas las curiosidades y referencias que podamos.

¿ESTÁIS LISTOS? A PARTIR DE AQUÍ VIENEN LOS SPOILERS.

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Carl Gerhard Busch, señoras y caballeros.

Como podéis comprobar a raíz de la cita que tenéis más arriba, la temporada comienza con un monologo del fumador sobre su vida, y empieza fuerte porque en la primera frase revela uno de los misterios mejor guardados de la serie: su nombre. Sabíamos desde hace años, más específicamente desde el episodio ‘Dos Padres’ de la sexta temporada, que su seudónimo era C.G.B. Spender (aunque Scully sugería que podría ser un alias) pues bien, podemos comprobar que son sus auténticas iniciales. Tras esta revelación se nos muestra al fumador a través de los años influenciando a algunos de los hombres más poderosos de la historia y, como colofón, como estuvo presente en la falsa grabación del alunizaje a modo de auténtico guiño al mundo de la conspiración. Tras esto viene la cabecera mítica con giro incluído: la legendaria frase I want to believe (quiero creer) se transforma durante unos instantes en I want to lie (quiero mentir) como si el propio fumador la hubiese desvirtuado.

RECUERDOS DEL FUTURO

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Si os habéis quedado algo confundidos con el principio de este episodio, no sois los únicos. Como el propio Chris Carter (creador de la serie) ha tenido que explicar en una reciente entrevista con EW, la gran mayoría del capítulo final de la anterior temporada, ‘Mi Lucha II’, no había ocurrido sino que era una visión/premonición. Carter ya había sembrado pistas, como el zoom final hacia el ojo de Scully que conecta directamente con el principio de este episodio. ¿Qué es real y que no? Bueno, todo hasta más o menos la mitad del capítulo anterior es real y el resto es, aparentemente, un posible futuro que suponemos podría hacerse realidad, algo que se hace evidente por la relación entre la agente Reyes y el fumador que se confirma como auténtica entre otras cosas.

Tras la entrada de Scully en coma y su traslado al hospital, la doctora Joyet nos cuenta que la agente tiene una actividad cerebral anormal algo que ya vimos anteriormente cuando Mulder se convirtió en un hibrido humano-alienigena allá por la temporada séptima, un cambio que también le proporcionó habilidades mentales casi premonitorias. Mientras un angustiado Mulder se encuentra al lado de su cama Scully despierta y le cuenta todo, especialmente que el fumador está vivo y que necesitan a William, su hijo desaparecido para detener el cataclismo vírico. Si no os acordáis, William era el hijo que Mulder y Scully tuvieron milagrosamente allá por la octava temporada, Scully había quedado infértil debido a las pruebas médicas sufridas durante su abducción y William mostraba rasgos de habilidades alienígenas. Perseguido por los alienígenas supersoldado, Scully decidió darlo en adopción (para mantenerlo a salvo) después de que Jeffery Spender, el hijo del fumador, le inyectase una misteriosa sustancia que le convertiría (supuestamente) en un niño normal.

Y hablando de Jeffery Spender, ¡sigue vivo! Podemos ver como es atacado por uno de los secuaces del fumador (que ya vimos en Mi Lucha II) y tras encontrar (misteriosamente) a Scully le cuenta que William está en peligro revelando únicamente que su familia adoptiva se apellida Van de Kamp. La verdad es que es toda una sorpresa ver a Spender de nuevo, y con ese aspecto, ya que la última vez que aparecía era en el último episodio de la temporada nueve, “La Verdad”, por aquel entonces se encontraba muy deformado por los experimentos a los que su padre le había sometido y parecía estar al borde del suicidio. Bien por él.

Mientras Mulder se enfrasca en una persecución a matacaballo entre Bourne y Fast and Furious contra un atacante desconocido, el fumador y la agente Reyes discuten sobre Scully y su vínculo especial con William. Al parecer es posible que el chico le estuviera mandando las visiones telepáticamente a su madre. En uno de los puntos más importantes de la conversación, Reyes le recrimina a su interlocutor que Scully y William son su punto débil, y ya veréis de que manera amigos.

SECRETOS Y MENTIRAS

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Cuando Mulder llega a la mansión de Carolina del Sur en la que se tendría que haber encontrado con su padre según la visión de Scully, lo que descubre es a dos personajes que nunca habíamos visto. Aunque sus nombres no se revelan en ningún momento, los títulos de crédito nos vuelven a echar un capote (que se lo digan a cualquier fan de Twin Peaks) y averiguamos que él es el señor Y ella Erika Price. Ambos se presentan como exmiembros del Sindicato y enemigos del fumador. ¿Y qué era el Sindicato? Pues era el 1% del 1%, los políticos y hombres de negocios más poderosos de la tierra que se habían aliado con una facción alienígena para colonizar la tierra. Este grupo tuvo su fin en la sexta temporada, cuando un grupo de alienígenas sin cara (otra larga historia) les redujo a cenizas, cortesía de amigo Carl.

Aquí es cuando Chris Carter intenta reconciliar la mitología antigua con la nueva, al parecer si hubo un Sindicato que colaboraba con los colonizadores, pero estos no eran tan siniestros como creíamos y, de hecho, querían trabajar con nosotros. Tal batiburrillo es muy problemático desde el punto de la continuidad, pero bueno, la cuestión es que la colonización no va a ocurrir ya que según Price los colonizadores no están interesados en un planeta “cada vez más caliente y falto de recursos”. Una de las cosas más interesantes que podemos ver durante el flashback de esta parte con el fumador y otros miembros del sindicato experimentando con un pobre alienígena apresado es el regreso del liquido negro, también conocido como Pureza. Este líquido, que ya ni sabíamos si existía o no debido a los cambios de la décima temporada, tenía vida propia y era la esencia de los colonizadores alienígenas pudiendo controlar a sus anfitriones e incluso gestar un cuerpo dentro de ellos al más puro estilo Xenomorfo. De hecho, el líquido negro de Prometheus se le parece sospechosamente.

En definitiva, el señor Y y Erika Price son miembros de un nuevo sindicato centrado en un proyecto espacial secreto y quieren dejar a la mayoría de la humanidad tirada mientras ellos se largan fuera de órbita tipo Elysium. Le dicen a Mulder que si quiere unirse, tiene que matar a su padre, de hecho, tiene que hacerlo si o si o no volverá a ver a su hijo jamás. Mulder, siendo Mulder, les llama mentirosos a la cara y les deja tirados, confiando ciegamente en que Scully puede salvar a la humanidad.

LA VERDAD SIGUE EN LOS EXPEDIENTES X

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Mientras Mulder está de viaje, Scully escapa y vuelve a ser ingresada en el hospital (mira que es testaruda) y sus visiones se hace más acuciantes, podemos ver intercaladas las imágenes de un joven William entre medias, que parece estar sufriendo igual que su madre. Mientras tanto el director Skinner sufre la visita de Reyes y el fumador que le proponen el siguiente trato: Que encuentre a William si quiere que el fumador le proporcione inmunidad al incipiente apocalipsis vírico de la visión de Scully, en el cual el virus espartano, mezcla de agente inmunodepresor y patógeno alienígena matará a la mayoría de la población. Esto es, por supuesto, una traición no solo a sus amigos sino a la raza humana. Cuando Skinner se interesa por la obsesión del fumador con William, este le revela la perturbadora verdad (¿o es mentira?, recordad, quiero mentir…)

En el episodio ‘En Ami’ de la temporada séptima, poco antes de que Scully se quedase embarazada, el fumador se la llevó en un viaje donde la drogó y no supimos que hizo con ella, más allá de verle enfundándose uno guantes de plástico. Pues bien, ahora sabemos que la fecundó usando tecnología alienígena y que Willliam es su hijo y, por ende, hermano de Mulder. Esto explicaría muchas cosas como porqué Scully pudo concebir de manera milagrosa cuando ni la fecundación in-vitro funcionaba y los extraños poderes de William, que el fumador define como el primer super humano. La escena se corta antes de que sepamos la respuesta de Skinner. En fin, no sé cómo os habréis quedado, pero esto ha sido un shock que Carter se había guardado en barbecho ni más ni menos que 18 años. Había teorías, pero la confirmación es brutal.

Mientras tanto, Scully duerme en el hospital mientras que en una escena típica de la serie, un extraño individuo entra en su habitación (¿Cuándo aprenderán a dejar guardias?). Resulta que es el secuaz del señor Y que quiere cargarse a nuestra pelirroja favorita, por suerte Mulder entra en escena en el último momento y, en una escena bastante gore y extraña para el personaje, le corta el cuello al matón con un escalpelo. Finalmente, Scully le dice a su salvador que su hijo William es quien les manda las visiones y que tienen que esperar más señales. Mientras tanto, la verdad sigue en los Expedientes X.

VALORACIÓN

Técnicamente hablando ‘Mi lucha III’ es bastante desastre. Un ritmo irregular que intercala secuencias de acción compuestas de cien mil cortes al más puro estilo de una película de Luc Besson con largos diálogos expositivos. Hay una falta clara de momentos tranquilos para crear atmosferas y dejar que la banda sonora haga su trabajo. Hablando de la banda sonora, está mayoritariamente fusilada de ‘Mi Lucha’ I y II. Como puntos positivos, hay que decir que la imagen se ha desaturado y ha vuelto el grano lo que ayuda a acercar el aspecto de la serie a las temporadas originales, algo que parece una chorrada, pero se nota. En fin, mejor que las anteriores ‘Mi Lucha’ pero lejísimos de la calidad cinematográfica de la serie original.

Sobre la mitología ¿qué decir? Sigue siendo un desastre absoluto. No hay manera de reconciliar ni siquiera dividiéndolos en facciones, las ideas de los alienígenas colonizadores con esta nueva ‘conspiración de hombres’. Hay tal batiburrillo que lo mejor es dejar el cerebro en la estantería y esperar a ver si Carter nos lo aclara, las menciones del Sindicato, la colonización y el liquido negro dan visos de que el hombre quiere intentar aunar conceptos, pero de momento y con un solo capítulo de la mitología en el horizonte (el último) lo veo difícil. Sobre el capítulo en sí, da muchas vueltas sobre las ‘fake news’, la desinformación y demás, pero lo mejor es que a) deja la serie en un punto infinitamente mejor que ‘Mi Lucha II’, b) tenemos personajes nuevos del mundo de la conspiración, signo de que la serie sigue y esto no es un mero revival y c) el giro de William es de aúpa y da mucho juego.

-En conclusión, a nivel mitológico mejor que la temporada anterior, pero sin ser nada del otro mundo. Para ser justos la mitología lleva siendo un desastre desde mucho antes  del revival pero cada vez se complica más. Como parte positiva, ahora que ya nos hemos quitado ‘Mi Lucha III’ de encima vienen los capítulos del monstruo de la semana, que es lo que la mayoría de los fans esperan así que la cosa solo puede ir hacia arriba.

 

Slender Man, la vieja gloria del reverso tenebroso de Internet da el salto al cine. ¿Es necesaria una cinta suya en 2018?

Esta semana se ha presentado el tráiler de Slender Man, el famoso personaje de Internet nacido en un foro de leyendas urbanas. Muchos dicen que, ciertamente, es tarde para sacar adelante la película, pero aquí está 9 años después de nacer y nos deja un tanto fríos. Su propuesta podría estar de lo más interesante y así lo han conseguido sus dos videojuegos, el segundo más al explorar a fondo el personaje, pero hace años.

Slender Man es viejo, demasiado para que los que se consideraron fans del personaje quisieran volver a una sala de cine a ver cómo Hollywood explota un producto trending de hace casi una década, y también para que los nuevos seguidores de este tipo de historia vean algo interesante en ese hombre larguilucho con traje. Por eso, hoy voy a hablar de por qué la cinta del personaje es una mala idea en 2018.

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Antes que nada os recomiendo leer el artículo de Las cosas que nos hacen temblar de mi compañero Jaime donde habla del personaje.

Slender Man, un concepto que no casa con un largometraje

Que ningún fan se queje de que llamo viejo al personaje porque yo fui seguidor de sus «historias» hace casi 10 años. Slender Man está anticuado como concepto de terror. La fortaleza del personaje se encontraba en no saber quién o qué se encontraba bajo esa tela blanca, qué eran esos tentáculos y de haber sido un hombre, cuál era su historia. La cinta de este año está hecha simple y llanamente para los fans que lo conozcan y que no esperan que estas preguntas sean respondidas en ella, cosa que no a todo el mundo gustará.

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Marble Hornets, cortometrajes amateur de 2009 a 2014. Supuso el primer paso del personaje a vídeo y expandió el mito

Sin embargo, ya no es solo que el concepto del personaje no case bien con una cinta sino que tampoco es un personaje llamativo para el terror del séptimo arte, en videojuegos sí. En su críptico tráiler podemos observar que al igual que en la historia de Internet y los videojuegos, Slender Man rapta a los niños y a los que no consigue llevarse, los trastorna psicológicamente hasta la muerte. Si recordáis (los que conocéis al personaje), Slender es un ser paranormal que no hace ningún movimiento hasta que alejas la mirada de él. Este aspecto del personaje se hizo canon a raíz del videojuego de 2012 por un concepto puramente técnico y es que el estudio detrás del título, Parsec Productions, no contaba con los medios suficientes como para crear el movimiento del personaje así que decidieron hacer que cambiara de ubicación de manera aleatoria cuando el jugador apartaba la vista.

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Esto es sumamente difícil de llevarse a la gran pantalla y que sea mínimamente atractivo para el público joven que busca jumpscares y al que va dirigido la cinta. Quizá un enfoque al terror psicológico sería la apuesta más sensata.

Un personaje popular, hace casi 10 años.

Muchos usuarios en YouTube comentan la increíble tranquilidad que la gente de Sony Pictures se ha tomado a la hora de llevar a buen puerto esta cinta y es verdad. El personaje dio comienzo a una nueva etapa para estas leyendas urbanas gracias a la plataforma de vídeo de Google. YouTube ayudó a que se conocieran más estas historias y las abrió al mundo, traspasando fronteras y llegando a otros países.

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Una de las fotos que creó el mito en los foros, editada por uno de los usuarios con una figura parecida a lo que acabó siendo Slender Man al fondo

Slender Man, The Rake, Jeff the Killer, etc. son solo algunos de los nombres de estos personajes terroríficos de Internet que se expandieron más allá de los foros, pero de eso hace ya 8 años. El panorama actual de estas leyendas urbanas es mucho menos interesante y el público menor. Puede sonar a habladurías de un viejo de otra generación, pero estas historias, estas creepypastas, se han rendido al espectáculo y al entretenimiento en lugar de ver hasta dónde se podía llegar con el boca a boca estas historias creadas por usuarios normales y corrientes.

Se avecina terror simple

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Slender Man es un personaje que si lo sacas de Internet, no tiene el mismo terror

Seamos realistas, Slender Man tiene un tufillo de cinta mala para pasar la tarde que echa para atrás. Ese submundo de Internet, plagado de leyendas y relatos terroríficos, siempre me ha sido muy llamativo. Quizá era porque esas historias salían de la mente de simples usuarios y se moldeaban gracias a la aportación de decenas de personas. Sin embargo, quitando la posible caracterización, esperemos que sobresaliente, del artista patrio Javier Botet, el resto del equipo técnico es de lo menos conocido del panorama cinéfilo actual.

Un director poco llamativo, un reparto de caras desconocidas y que tampoco parece que vayan a sorprender, una compañía que apuesta por el cine de terror como si le fuera la vida en ello a pesar de contar con éxitos como Get Out o Whiplash, que de terror tiene poco… Slender Man no tiene todo a su favor, pero quizá tampoco quiere tenerlo y ser una más.

Slender Man, en lo personal, está en el limbo. Por un lado puede amasar un gran éxito y convertirse, al igual que la historia base, en la puerta a posteriores adaptaciones de estas historias. Pero por otro, la cinta llega tarde, bastante. Si su estreno se hubiera dado en 2011, con el boom del personaje, habría sido un éxito independientemente de la crítica. Ahora solo falta esperar y ver si gana la nostalgia o el aburrimiento.

¿Volverá el Universo animado de DC en forma de película?

Adelantados a su tiempo

Hoy en día todo son universos compartidos. El de Marvel, el de Fox, el de DC, el fallido Dark Universe… una oferta para todos los gustos de una audiencia más dispuesta a involucrarse con un producto a largo plazo. No es de extrañar que sea así, ya que se trata de un sueño húmedo para gran cantidad de productores: la posibilidad de vender una película porque tiene un sello que la gente reconoce, algo que hasta la fecha solo había conseguido Disney y poco más. Creativamente, aunque a veces limite la película individual, permite crear historias más complejas y espectaculares, como los lectores de cómic bien sabemos. Sí, hoy todo el mundo quiere su propio universo cinematográfico.

¿Y si te dijera que DC ya tuvo un universo compartido en formato audiovisual? ¿Y si te dijera que adelantó hasta al Universo Cinematográfico de Marvel y llegó a influir en los propios cómics?

¿Y si te dijera que puede volver antes de lo que pensamos?

Aunque todavía se trata de una petición de fans y no hay nada confirmado, repasemos la historia de este peculiar universo animado  y comentemos los indicios de un posible retorno.

La serie que lo cambió todo

batman serie animada las cosas que nos hacen felice

Las series de animación de superhéroes, durante mucho tiempo, no fueron muy buenas. A pesar de que eran más  que adecuadas para el público infantil de la época, muchas de ellas parecían hechas sin alma, sin apenas presupuesto y con una calidad paupérrima en los guiones. Todo eso cambiaría tras la Batmanía propiciada por las películas de Tim Burton a principios de los noventa, que hizo que Warner se planteara la creación de una serie animada para que los más pequeños pudieran disfrutar de las aventuras del personaje. Sin embargo, con la contratación de talentos como Bruce Timm, Eric Radomski o Paul Dini para llevarla a cabo, lograron atraer a un público más maduro que ya había comprobado con la animación japonesa que este medio tenía posibilidades sin explorar.

Estrenada en 1992, la serie tuvo un éxito arrollador, gracias al estilo art decó de sus dibujos y a los cuidados guiones que fue presentando en sus distintos capítulos. Cabe destacar el magistral episodio dedicado al Sr. Frío, que creó al personaje que conocemos hoy en día quedándose solo con el nombre del cómic, y cuya trágica historia le valió un Emmy a la serie, algo impensable hasta el momento en un producto de estas características. También comenzó a introducir tramas que pasaban de un episodio a otro, como la enemistad con el mafioso Rupert Thorne o la transformación de Harvey Dent en el siniestro Dos Caras. Pero si hubo un villano que destacó fue el Joker de Mark Hamill, tanto que el actor de Luke Skywalker ha retomado el papel en películas de animación recientes y en videojuegos como Arkham Asylum.

En definitiva, esta serie fue un gran acierto que engendró distintas películas de igual o superior calidad y que llevaría a los directivos de Warner a querer repetir la jugada. ¿Y cuál es el paso lógico después de Batman?

Superman… y más allá

Después de la serie del mejor detective del mundo, el Hombre de Acero tuvo su oportunidad, del mismo equipo creativo. Aunque no llegó a tener tanta relevancia ni influyó de manera tan determinante en el mundo del personaje, fue un esfuerzo más que digno que nos dio a un Superman más vulnerable pero que seguía siendo un boy scout. En esta serie no había lugar para demasiada oscuridad, aunque el Lex Luthor de Clancy Brown estuviera muy inspirado en la versión de Byrne: este era un Superman parecido al de Reeves, que sonreía y se preocupaba por los enemigos, pero también uno que podía llegar a enfadarse. En la serie ya aparecieron personajes como Flash o Linterna Verde, y villanos como Darkseid que comenzaron a conformar el esqueleto de ese universo.

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Más adelante, veríamos Batman del futuro, en el que contemplamos el futuro del DC animado, y en el que Kevin Conroy retomaría su papel como un viejo Bruce Wayne. En la serie, seguimos a un joven Batman que opera en una Gotham City mucho más futurista y limpia superficialmente, pero reconocible. Este producto conjugaría un mejorable drama de instituto con una aventura superheroica en estado puro, con unos villanos estrafalarios y completamente originales, y con el retorno del Joker en una película.

Después de estos éxitos y de series de menor calado como Static Shock, Warner decidió hacer lo que haría Marvel Studios una década después: el de reunir a todos los héroes que habían introducido y a algunos más en un equipo. Así nació la serie de La Liga de la Justicia.

La Liga de la Justicia, la culminación de todo el esfuerzo

Esta serie, que muchos conocieron en su infancia, supuso un paso más allá en la creación de un universo coherente y con una gran cantidad de detalles, que abarcó todo lo que pudo del Universo DC. Mongul, el Cuarto Mundo, Aquaman, los Blackhawk… una gran cantidad de personajes fueron añadidos a este esfuerzo colectivo, en una de las adaptaciones más fieles y con más cariño que jamás se han hecho del cómic americano. Y diré más, para mí, lo mejor que se ha hecho con la Liga de la Justicia en cualquier medio.

liga de la justicia animada las cosas que nos hacen felices

Hubo historias que se extendieron durante varias temporadas, como aquella en la que el gobierno trataba de cazar a los superhéroes o la aparición de la Legión del Mal, conformada por distintos supervillanos. La complejidad de las tramas y el desarrollo de personajes fue algo inaudito para una serie de animación de esa época, para ese público y con esa temática. Por lo tanto, esta formación, que reúne las bondades de este universo, es lo que una gran cantidad de aficionados quiere retomar.

¿Podría volver este universo?

Más de una década después del final, estas series siguen levantando pasiones entre los aficionados. Precisamente por ello, surgió el hashtag #JLReunion en Twitter, que pedía la creación de una película animada con el elenco original y que prosiguiera con esta continuidad, a pesar de la apoteósica conclusión que tuvo la serie. Esto no tendría mayor importancia de no ser por un pequeño detalle que nos hace albergar esperanzas: dos actores de la serie original han respondido, diciendo que harían la película si estuviera en marcha.

La primera es Susan Eisenberg, que puso la voz de Wonder Woman en estas series, y en algunos productos posteriores, con una buena interpretación que captaba la esencia del personaje. Sin embargo, el apoyo más importante ha sido el de Kevin Conroy, intérprete de Batman en numerosos productos de animación y videojuegos, y que sigue teniendo buena relación profesional con Warner. Muchos seguidores de estas series cruzan los dedos gracias a sus comentarios respaldando la propuesta.

Es cierto que los indicios son algo endebles, pero se trata de un comienzo… así que esperemos que la iniciativa de los fans haga que Warner se plantee recuperar esta cuidada continuidad.

El arte de hacer openings, ¿Qué buscamos los espectadores?

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Los amantes del anime vamos sumando puntos a las series hasta que sólo unas pocas elegidas alcanzan el límite de la perfección, y uno de esos puntos es el de la música, que mayoritariamente se llevan los opening porque pocas series alcanzan el tener una banda sonora propia que se haga un hueco por sí misma. Es extraño el contraste en esto con Occidente, en el que las series tienen una intro sorprendentemente corta y sencilla en la que, con suerte, se coloca el nombre de la serie y poco más. Sin embargo, para los nipones esto es todo un arte en el que se invierte mucho presupuesto y que da una idea bastante general de la calidad de la serie.

Pero, ¿Qué es un buen opening? Porque creo que la inmensa mayoría coincidiremos en que la calidad media de los mismos es tirando a un pozo profundo del que nunca salir. Pongamos que hay tres factores para construir una buena apuesta: la imagen de los mismos, la propia canción y la letra. Hay casos en los que mientras que la animación es brutal, la letra y la música se quedan un poco rezagadas con una melodía repetitiva y que no llega a hacer de preámbulo que represente la esencia de la serie que vas a ver a continuación. Éste, en mi opinión, es el caso de One Punch Man o Boku no Hero.

https://www.youtube.com/watch?v=0j5dTRHacds

También debemos tomar en cuenta que la gama de gustos y opiniones sobre ésto es muy amplia, y que cada persona le da un valor distinto a cada cosa. Sin ir más lejos, para mí la letra y la melodía son bastante más importantes que la animación, en la que por cierto muchísimas veces se meten spoilers sin que yo sepa muy bien porqué, supongo que por falta de ideas.

En el caso de la letra, esta debe resumir el mensaje de la serie o por lo menos tener algo que ver con la misma, puede ser tanto el cómo se siente un personaje, de forma que parece que es él mismo quien la cantase como la esencia de lo que es la propia serie representando el problema o contradicción que se debe resolver, etc. Un representante de ésto es el fantástico opening de Barakamon, un slice of life que recomiendo encarecidamente y que nos habla del crecer, de que cada día envejecemos y perdemos parte de nosotros mismos, pero a cambio ganamos otro tanto, de que el cambio constante está bien y es como debe ser. Tenemos que respetar el ritmo de la vida. Con este fantástico mensaje que hará pensar a más de uno y de dos la serie presume de un opening que capta todo eso en apenas 3 minutos y nos sumerge en la serie. Puede que la animación o la canción no tengan nada de especial, pero la letra habla por sí sola.

Las buenas melodías creo que son algo más sencillo de encontrar que la letra, porque es muchísimo más interpretativa y realmente una misma melodía podría representar todo lo que alcancemos a imaginar dentro de un límite, es especial si esa melodía es original o tiene lo que diríamos «alma». Pero tampoco os creáis que es algo fácil, en muchos casos la canción va completamente desfasada con el carácter de la serie y queda muy raro, pero también es cierto que en algunas ocasiones se le puede dar la vuelta a ésto y que quede muy bien, como es el desconcertante caso de Death Parade, realmente hace que el anime parezca un juego. Como ejemplo de buena melodía pondré el opening de Kiznaiver, que también tiene una letra pertinente. Es una canción que considero bastante original y en la que veo bastante de la esencia de la serie capturada. Quizá toda esa emoción y sentimiento que se ve reflejada en la canción se debe a que fue la última que el cantante quiso hacer, pues se encontraba enfermo terminal y 4 meses después falleció. Si queréis escuchar la canción entera se titula Lay your hands on me.

https://www.youtube.com/watch?v=W0xmlGoJhlo

Aun con todo, un opening realmente bueno debe tener todo lo anteriormente nombrado y la recta final y más difícil: calar en el espectador. Ejemplos de ésto hay muy pocos, por lo que normalmente uno se acaba decantando por uno de los aspectos y santas pascuas. Aun así, cuando éstos aparecen yo me doy con un canto en los dientes y lo disfruto como si no hubiese mañana, sintiendo todo lo que es la serie en unos pocos minutos como si fuese un resumen excepcionalmente bien hecho. Aquí tenemos a la archiconocida intro de Yuri!!! On Ice, con una animación, canción, composición, estilo, en otras palabras, un todo envidiable.

Pero como vamos a poder olvidar esos opening que tienen un lugar privilegiado en nuestro corazón, esas intros que nos dejan sin respiración y sólo nos llenan de alegría, cariño y nostalgia. Los opening de nuestra infancia, desde el inolvidable Digimon hasta el legendario Dragon Ball pasando por los lacrimógenos de Naruto o los divertidos de Bobobo. En mi caso mi debilidad es el segundo de One Piece, Believe, y además en castellano.

Y hasta aquí la entrada de hoy, en la que analizamos lo que debe tener un buen opening y los tipos que hay. Si queréis que haga una entrada con, en mi opinión las mejores intros, dejádmelo en comentarios. ¿Vosotros qué opináis, hay algún aspecto distinto para vosotros?

¡Un saludo y sed felices!

Devilman Crybaby (2018): Netflix nos trae el infierno en la Tierra

Introducción

Dicen que hoy vivimos en una época en la que originalidad a la hora de narrar nuevas historias ha sido sustituida por un bombardeo constante de refritos: remakes, nuevas entregas con décadas de retraso o adaptaciones de libros y cómics pueblan las salas de cine y los canales de televisión. Aunque esto haya sucedido siempre, el público empieza a cansarse de estos y a demandar nuevos estrenos que cuenten una historia original. Sin embargo, es cierto que una nueva versión de algo siempre puede aportar algo valioso sobre una trama ya conocida, sobre todo si las adaptaciones de un icono del manga como es Devilman no han sido precisamente adecuadas. Algo sangrante, teniendo en cuenta que Go Nagai, su autor, es de los más importantes del medio.

Precisamente por eso, y a pesar de la discreción con la que Netflix ha promocionado la serie, muchos fans de la obra original esperaban la llegada de Devilman: Crybaby, una nueva variación sobre la misma fórmula que prometía bastante por su peculiar estilo de animación y un acercamiento psicológico tanto al protagonista como al antagonista. ¿Cumple el producto final con estas expectativas? Analicemos una de las primeras apuestas del año y descubramos si es así.

Argumento

Para el que conozca el manga, no hará falta este apartado, pero la serie es completamente accesible para todo el mundo, así que lo expondremos en estas líneas.

La historia trata de Akira Fudo, un tímido y apocado joven que muchas veces llora cuando una desgracia le sucede a alguien más, aunque no tenga nada que ver con él. Con sus padres fuera, vive en la casa de los Makamura, de cuya hija Miki está completamente enamorado. El joven no tiene éxito ni en los estudios ni en el deporte ni en su vida personal, pero eso no le impide afrontar su vida con optimismo y bondad. Esta pureza de corazón es lo que lleva a su amigo de la infancia, Ryo Asuka, a encomendarle una peligrosa misión.

ryo asuka las cosas que nos hacen felices

Este le explicará la existencia de los demonios, que poblaron el planeta hace millones de años, y que ahora vuelven a su antiguo hogar, poseyendo a seres humanos para recuperarlo. La inocencia de Akira le lleva a confiar en su palabra, y su amigo le lleva a una discoteca en la que se producirá el ritual por el que estas criaturas se funden con los incautos humanos que frecuentan el local. Le explica que, por su bondad innata, podrá fusionarse con uno y conservar su corazón humano. Cuando se complete el ritual, Akira Fudo se convertirá en Devilman, un brutal héroe que, mientras convive con los cambios que el demonio Amón provoca en su cuerpo y sus instintos, tendrá que enfrentarse a los monstruos grotescos y crueles que acechan a la humanidad con ayuda de su amigo.

Así comienza una historia que en su momento más fue revolucionaria y que ahora hemos visto mil veces. Sin embargo, conforme va avanzando, vemos que no son solo el sexo y la violencia lo que la convierten en una obra madura: vamos descubriendo poco a poco que no todo es blanco o negro, y que los demonios no serán las únicas preocupaciones que tendrá nuestro héroe.

¿Qué nos ofrece este anime?

En primer lugar, la mejor adaptación de este mítico manga. A pesar de estar actualizado al Siglo XXI, sigue siendo completamente fiel en los aspectos fundamentales y desarrolla personajes secundarios que en la obra original aparecían más desdibujados. Como obra independiente, presenta un guión inteligente que juega con la fórmula del superhéroe y nos presenta un retrato psicológico somero pero efectivo de la mayoría de las piezas de este tablero, antes de pasar a la acción. No es de extrañar, teniendo en cuenta que el guionista se trata de Ichiro Okouchi, que ha participado en series tan reconocidas como Code Geass y en la adaptación a OVA del manga de Berserk, al que inspiró el trabajo del propio Go Nagai. Consigue crear un mosaico de personajes, cada uno con un propósito en la trama y con su historia personal, y añade una capa de brutalidad o humanidad a los antagonistas, dependiendo de lo que sea más efectivo en cada momento.

Sin duda, los personajes más desarrollados son el propio Devilman y sobre todo Ryo, su amigo, que le seguirá acompañando en su lucha contra los demonios. Este documentará la aparición de estos seres a lo largo de la serie, y ofrecerá apoyo psicológico a Akira, a pesar de algunos roces sobre su manera de enfocar esta lucha. Conforme avance el anime, sabremos más de este joven, que se perfila como el personaje más fascinante de la obra. Somos testigos de su obsesión casi dependiente con su amigo desde el principio, algo que en el manga destacaba sobre todo en tramos más avanzados de la historia. Volviendo al protagonista, este experimentará un hambre insaciable y unos deseos de desatar sus impulsos violentos y sexuales, muy importantes en una historia donde el control de los instintos y la pérdida del mismo es un tema fundamental. A pesar de ello, logrará mantener su visión optimista del mundo… algo que se irá volviendo cada vez más difícil.

devilman xenon las cosas que nos hacen felices

Los secundarios son bastante variados, yendo desde el alivio cómico a los aliados del héroe, sin olvidarnos de los grotescos villanos. Tarde o temprano, incluso personajes que nos parecían de relleno acabarán jugando un importante papel en los diez capítulos de los que consta la serie, en ocasiones con un giro siniestro. Esta es otra de las características de la historia: los giros inesperados, que no destriparé aquí, pero que contribuyen a convertir una historia de aventuras en algo más grande, sobre todo durante los últimos episodios, donde todas las tramas confluyen en un final que no dejará indiferente a nadie.

En cuanto a la animación, obra de Masaaki Yuasa, actualiza completamente el aspecto clásico del manga original y le aporta un estilo muy poco convencional y único. Refleja perfectamente la violencia necesaria para una historia como esta, en ocasiones con escenas muy crudas, pero también es capaz de incluir estampas casi psicodélicas y reflejar momentos emotivos. La música, adaptada a los nuevos tiempos, acompaña a la historia a través de ritmos de rap o incluso homenajes a la sintonía original de Devilman, y forma parte integral de esta nueva versión.

Conclusión

Aunque el anime tiene algunos problemas como una corta duración que podría haberse beneficiado de un par de episodios más para profundizar en algunas tramas, pocas pegas se le pueden poner a este anime, producto de algunos de los creadores más reconocidos del manga y el anime, tanto del pasado como del presente. Ofrecerá una nueva perspectiva a los seguidores del manga original y una excelente historia a los que no lo conozcan. Por lo tanto, resulta un producto muy atractivo para cualquiera que desee adentrarse en lo más profundo del infierno.

 

Zimmer & Nolan, más allá de la música

¡Saludos amiguit@s! Esta semana voy a hablar de dos referentes del cine actual, Hans Zimmer & Christopher Nolan. Es bien sabido lo que son capaces de crear con películas como Origen, la trilogía de Batman, Interestellar o Dunkerque; una perfecta armonía entre imágenes y música nos dan mucho más sentido a la narrativa ahondando en lo más profundo de nuestras emociones. Para ello utilizan varias técnicas e influencias que van desde la música clásica a técnicas descubiertas por psicólogos en el campo de lo auditivo. Sin más dilación vamos a conocer más a fondo su trabajo, metiéndonos de lleno en la elaboración musical de Zimmer.

NOTA: Para varios ejemplos tenéis links subrayados en las palabras, así os resultará más fácil ver de lo que hablo

HANS ZIMMER

Hanz Florian Zimmer nació en Frankfurt, Alemania el 12 de Septiembre de 1957, ha compuesto cientos de bandas sonoras tan famosas como El rey león, Gladiator, Sherlock Holmes, Piratas del Caribe y Rain Man o para videojuegos como Call  of duty 2: Modern Warfare.

Sus composiciones hacen gala de una técnica soberbia y a su vez de una sencillez pasmosa (tan solo 2 notas para reconocer el tema de Batman: minuto 1:27). Sabe muy bien mantener tu cuerpo en tensión durante toda una escena y dar a su vez un motivo a la acción que está ocurriendo. A este concepto se le une el de leitmotiv y me parece demasiada casualidad que, siendo alemán, su influencia no venga del mismo Wagner, el cual utilizaba este recurso en sus óperas. Zimmer hace gala de la música clásica en su trabajo con Nolan dándole su propio estilo.

TIP LEITMOTIV: Melodía o idea fundamental de una composición musical que se va repitiendo y desarrollando de distintas formas a lo largo de toda la composición. Puede simbolizar a un personaje, un objeto, una idea o un sentimiento.

LA ÓPERA Y EL LEITMOTIV

La ópera alemana, y en especial Wagner, trata en gran medida el protagonismo y el poder de la orquesta, creando partituras con una compleja red de leitmotiv: temas recurrentes a menudo asociados con los personajes y conceptos del drama, saltándose convenciones musicales aceptadas, tales como la tonalidad.

Comparando con Zimmer, un claro ejemplo lo tenemos en este tema que representa al personaje principal en Batman, The Dark Night:

Otra referencia que podemos ver de la ópera son sus coros dándoles un giro para atribuir un estado emocional al personaje. Al principio de la escena escuchamos unos violines que recuerdan a Felix Mendelssohn, otro compositor alemán, y notamos la incertidumbre que siente el personaje por la rabia de no escapar de la cárcel. Los coros recitando la palabra renace, junto a las trompetas, nos ayudan a intensificar la escena para acabar con el leitmotiv de Batman:

TÉCNICAS POCO CONVENCIONALES

A todo esto, el compositor tiene muy claro por donde llevarnos para sentir a los personajes y el Joker de The dark night tiene una manera curiosa de ser tocada. Para conseguir el estado de anarquía que representa al personaje, Zimmer decidió grabar este tema utilizando cuchillas en las cuerdas del sonido principal. Algo que se ve claramente en un grupo de rock llamado Led Zeppelin donde el guitarrista Jimmy Page utiliza un arco de violín sobre su guitarra:

Otra técnica está basada en una paradoja musical llamada el efecto Shepard, una ilusión auditiva donde ciertas series sonoras producen la impresión de un ascenso o descenso infinito de altura tonal (la melodía no cambia, el cerebro asimila lo que le resulta más sencillo):

EL RÉQUIEM DEL FUTURO

Christopher Nolan en Interstellar tenía claro el mensaje. Necesitaba crear una banda sonora pensando en aquello que está por encima de nosotros. Si discernimos que sonido puede haber en el espacio ya te digo que ninguno porque es un vacío absoluto que no permite propagar las ondas. Por lo tanto, la idea de la iglesia fue su mejor baza, la unión del hombre y la divinidad en el plano real.

El órgano de iglesia fue su elección, siendo este solista acompañado de la orquesta. Es un instrumento que se maneja con uno o varios teclados y se pueden combinar fácilmente los registros graves con los agudos. La sonoridad reverberante de una iglesia nos evoca fácilmente a lo que es la amplitud del espacio llenando nuestro sistema auditivo.

Aunque era muy utilizado para las sinfonías prefiero verlo como una especie de Réquiem, el personaje va a llevar a cabo un viaje que podría ser sinónimo de un preludio a la muerte o despedida a los muertos:

Un caso similar pasa con Origen, aunque con una llamada más épica respecto a una crisis de situación. Utilizan el conjunto de tubas y trompetas a los momentos que se desarrollan manteniendo en vilo largo y tendido. Subidas y bajadas musicales con un buen juego de violines al estilo Psicosis de Alfred Hitchcock.:

CONCLUSIÓN DE NUNCA ACABAR

Sin duda dos maestros de la narrativa y una nueva especie de suspense emocional. Captan los momentos haciendo la simbiosis perfecta de imagen con música. Para finalizar me quedo con una frase que cita el mismo Zimmer

«Si alguien te dice que hay una regla, rómpela»

BONUS

Hemos hablado de la excepcionalidad de Zimmer por meter instrumentos no muy usuales o diferentes, también es el caso de Sherlock Holmes en donde predomina un violín con mucha escala musical del Este.

Prefiero traeros el banjo de la película oscarizada Rango. Al desarrollarse en el Oeste tiene bastante sentido, ¿no?, una escena musicalmente sabida por muchos:

¿Por qué en la nueva trilogía de Star Wars mueren todos los personajes clásicos?

Ya sabéis los habituales de la web que muchos colaboradores opinamos a favor y muchos en contra del nuevo rumbo que está tomando Star Wars desde que la compró Disney. Yo soy de los que están en contra por varias razones. Podéis leer mi artículo sobre la justificación del friki y os daréis cuenta del porqué de mi postura. Y otra de las cosas que a mí me repatea es la forma en que Disney está tratando el producto. ¿Producto? Si, lo que todos pensábamos que era algo mítico, místico, intocable, Disney se lo está pasando por el forro de tal manera que del origen sólo queda el nombre: Star Wars. El resto para mí es historia, historia de la que no solo pienso participar, sino que además voy a escribir dando mi opinión, y en este caso contraria. Os dejo otros artículos de compañeros de la web que piensan diferente a mi:

OJO, QUE LLEGAN SPOILERS – NO SIGAS LEYENDO SI NO HAS VISTO LAS PELÍCULAS DESDE 2015 HASTA AHORA

Cuando en el Despertar de la fuerza (Episodio VII) muere Han Solo de manera tan poco épica, tan rápida, tan ridícula después de haber sido un personaje icónico durante generaciones, te empiezas a plantear que algo está mal, que algo no encaja. Asi, no. En la vida real podría pasar, pero no en unas películas de space opera, ¿por qué uno de los héroes, uno de los principales protagonistas muere de manera tan… tan atropellada? En el Episodio VIII, los últimos Jedi, también muere Luke Skywalker en un sacrificio totalmente inmerecido, fuera de toda lógica y yendo en contra de la esencia del personaje. ¿Por qué? ¿Por qué Disney, por qué? La verdad es que no lo entiendo. Bueno, si lo entiendo porque eso junto a que Leia, lamentablemente ya no va a salir más, hace que me planteé ¿por qué Disney se ha cepillado a todos los iconos de varias generaciones? ¿Es justo? ¿Es lícito en unas películas en las que se transmite algo más que disparos?

george lucas star wars disney
George Lucas vende Star Wars por una «multi»millonada y aparece tan «sonriente» en la foto que me da más miedo que risa

Partimos que cuando Disney compró LucasFilm en 2012 había muchos flecos que luego van saliendo a la luz. Esto es fundamental y lo veremos luego. En primer lugar tenemos que darnos cuenta que Star Wars se convirtió en algo más que unas meras películas, en parte de la cultura popular. Digamos que la fuerza, la orden de los Jedi y toda esa idiosincracia se concebía como algo casi religioso. Creedme lo que digo. ¿Cómo explicar la fuerza sino en algo que está en nuestro interior, algo ligado a nuestro espíritu? La primera cagada, el primer predrusco fue la explicación de los midiclorianos en 1999 ¿se escribe así?. En ese momento odié a George Lucas con toda mi alma. A tomar por viento tantos años de ensoñaciones con eso de la fuerza. Lo que yo creía que era algo místico, algo que no se podía explicar por la ciencia, ahora va el creador de la saga y tira al retrete todo lo que realmente hizo mágico a la saga. ¿Y que me decís de los Jedi? Pues en vez de ser una orden espiritual y sabia, resultó un consejo de razas con la mente cerrada con unos policias como regentes de la orden que en vez de porras blandían sables de luz. Y luego llegó Disney…

Nadie dice que Lucas no quisiera ganar dinero porque todo el mundo prefiere tener dinero a no tenerlo. Otra cosa es la moral de como obtenerlo, pero en igualdad de condiciones preferimos tener a no tener, y eso es un hecho. Pues bien. Lucas acabó la trilogía original en 1983 y hasta 1999 no sacó las secuelas. Evidentemente el tío se forraba de las ventas en DVD, TV y los muñecos, merchandising etc etc. Ya tenía mucho dinero, era multimillonario y podría haber ganado mucho más si hubiera sacado más películas con anterioridad. Y para más inri, sus películas se estrenaban como antaño, cada 3 años. Por tanto, dentro de que es evidente que Lucas quería ganar dinero, no quiso explotar la saga como un filón. Es cierto que en parte lo hizo con su universo extendido en libros y videojuegos, pero nada de películas. Y para los más críticos os aseguro que las cintas recaudan mucho dinero, lo que hubieran enriquecido más al creador de la saga galáctica. Otra cosa es la calidad de las películas, que son bastante flojas. Pero ese es otro tema a discutir. Pero como dije antes llegó Disney.

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Disney y Star Wars dando la nota y el musical para los más pequeños

Y vuelvo a lo de querer ganar dinero por encima de todo y por encima de los ideales y de los fans. Lucas era un director y un guionista limitado de narices, aunque dio con la fórmula de Flash Gordon con tintes de caballeros medievales en 1977 para crear Star Wars. Pero aun con todas sus carencias nunca faltó al respeto a los seguidores de la saga, aun con sus cagadas fue fiel a si mismo y a los millones de fans. Sin embargo Disney compró Star Wars para forrarse lo antes posible aunque con ello matara a la franquicia. Aunque nos vendan la moto que cuidan a los fans, todo es merchandising, palabras bonitas carentes de sentido. Disney va a hacer su agosto. Disney se olvida o quiere olvidarse de las películas anteriores (las que no eran suyas) lo antes posible sin contar con lo clásico ya que realmente poco le importa. Nadie va a hablar aquí de la calidad de las películas de Disney, (en varios artículos de la web ya he dado mi opinión) simplemente intento constatar lo que para mi es un datalle muy importante: la muerte de los personajes clásicos de una manera injustificada y absurda.

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Star Wars en los parques temáticos

Disney toma el control

Estas muertes rompen y hacen añicos todo por lo que se peleó en la trilogía original. Un Han Solo solitario que muere por mano del su hijo malcriado, una princesa Leia amargada y taciturna y un Luke SkyWalker que huye como una rata y se sacrifica de manera contraria a su esencia. ¿Para que han luchado y destruido al Imperio? ¿De que valieron todos sus esfuerzos? A Disney todo eso le da igual. Ellos quieren sus propias historias fuera de todo lo anterior y más si les estorba. Y ahora al grano. Antes os dije que en 2012 Disney compró la franquicia pero que muchos flechos aún no se sabían. Pues bien, uno de esos detalles que se escapan al control era que los derechos de las películas clásicas y de sus personajes, (Han, Luke, Leia…) pertenecían a la Fox. Por tanto Disney los podía sacar en sus películas pero la explotación de los caracteres en las clásicas no. ¿Y que hizo Disney? ¿Respetó a los fans, respetó las historias? No, Disney se los quitó de encima dándoles una muerte indigna porque no les podía sacar mas dinero. Y esto es así. Por eso mi cabreo con la compañía de Mickey es tan grande, porque no respetan a nadie salvo al vil metal. ¿Tanto les cuesta dejarles al márgen? ¿Tanto les cuesta? ¿Os acordáis que Lucas hizo tres películas entre 1977 y 1983 y otras tres ente 1999 y 2005? Quería ganar dinero, claro está, pero no acosta de nada más. Disney en 12 años va a hacer 12 películas. Vamos, y resumiendo, que en años impares hará capítulos de la saga como el episodio VII, VIII y IX y en pares spin-offs como Rogue One, Solo y lo que les venga en gana. Ahora que Disney ha comprado Fox y por tanto los X-Men vuelven a Marvel, también los derechos de las películas y personajes clásicos de Star Wars. Si Disney hubiera comprado Fox antes de 2015 o lo que es lo mismo El Despertar de la Fuerza, tened por seguro que tendríamos a un Harrison Ford correteando con su hijo por la galaxia juntos de la mano, aunque para eso ya es tarde, los personajes clásicos ya están muertos, los ha matado Disney.

Un saludo y sed felices.

Pequeñas joyas que nos han sorprendido en el 2017

¡Hola y buenos días a todos! Con la semana adentrándose en el 2018 y con las películas de 2017 ya digeridas, teniendo más el ojo sobre lo que nos espera en 2018, me gustaría volver otra vez al pasado y comentar algunas joyas que nos dejaron el pasado año. En su mayoría películas con bajo presupuesto, sin demasiada publicidad más allá del boca-boca, con escasa repercusión y pocas expectativas, pero que han terminado por ser una agradable sorpresa.

Artículos relacionados:

No olvides comentar las joyas que has encontrado y tu opinión sobre esta lista personal:

Colossal

Gloria (Anne Hathaway) se marcha de Nueva York rumbo a su pueblo natal tras una discusión con su pareja. Una vez allí, descubre que tiene una extraña conexión sensorial con un monstruo que está atacando Seúl, por lo que tendrá que descubrir el origen de su conexión para detenerlo.

¿Qué tiene de especial? Dirigida por el director español Nacho Vigalondo, esta extraña película se estrenó sin llamar demasiado la atención, a pesar de tener en cartelera a una de las mejores actrices del momento. No esperes la típica película sobre monstruos y catástrofes, el monstruo sirve como macguffin, ya que la película se centra en las relaciones que tiene Gloria con el resto de personajes y consigo misma: autodestrucción, maltrato, superación, etc. Una película divertida y realmente entretenida.

https://www.youtube.com/watch?v=OBjLxaZAFWY

Crítica de Colossal

Wonder

Wonder cuenta la historia de Auggie Pullman (Jacob Tremblay), un niño nacido con una deformidad facial. Educado en casa en sus primeros años, le toca comenzar las clases de quinto grado en su nuevo colegio. Esto le supondrá el reto de integrarse entre nuevos niños, cambiando su vida y a la de su familia, interpretados por Julia Roberts y Owen Wilson como sus padres y a Isabela Vidovicen en el papel de su hermana.

¿Qué tiene de especial?  Wonder es una película que trata un tema central -la integración y la superación- que ha sido usado hasta la saciedad en el cine. A pesar de esto, Wonder no solo se centra en la persona enferma, sino que ahonda en el sufrimiento de su familia de una manera muy cercana. Conectaras con Auggie instantáneamente y querrás formar parte de su familia. Un drama honesto y de lágrimas sinceras.

Tierra Firme

Eva (Oona Chaplin) tiene 38 años y ve como la vida pasa mientras ella ni su pareja Kat (Natalia Tena) avanzan. Viven en un barco en los canales de Londes, y Kat ve las cosas de otra manera más positiva. Cuando su amigo Roger (David Verdaguer) llega de visita, lo convencen para que sea su donante y poder cumplir el sueño de Eva de ser madre, a pesar de que Kat no se siente preparada todavía.

¿Qué tiene de especial? Tierra firme es una película romántica, divertida, tierna, sincera y muy personal. Una película que llega provocando un nudo en la garganta, sin quitar que es una película muy entretenida. La tierra firme es el lugar de cada uno, algo que muchos buscan durante toda su vida.

Loveless

 Zhenya (Maryana Spivak) y Boris (Alexey Rozin) son una pareja inestable, no se soportan y cada uno ha hecho su vida lejos del otro. Su único hijo, desaparece después de que tengan una fuerte discusión.

¿Qué tiene de especial? Loveless es un reflejo de la sociedad enferma, no se centra en un matrimonio roto, sino en el lado salvaje y más egoísta de las personas, en el que el secuestro sirve casi como mcguffin. Zvyagintsev tiene suficiente talento para crear un drama en un entorno político y social, continuando mostrándonos su visión sobre Rusia. Loveless es buena, pero tiene fallos, un ritmo irregular que termina cansando en el tramo final de la película. Por otro lado, el trato a los personajes femeninos, siempre dependientes y egoístas me hacen dudar hasta que punto el director lo tenía planeado.

https://www.youtube.com/watch?v=ilgDQ2ddsdA

Déjame salir

Cris (Daniel Kaluuya) es un joven afroamericano que viaja para conocer a los padres de su novia Rose (Allison Williams). Pronto se verá sorprendido por el comportamiento inusual de estos y descubrirá algunos secretos que no se espera.

¿Qué tiene de especial? Ni es una película de terror ni una comedia, a pesar de las nominaciones y premios recibidos en estas categorías. Déjame salir es un fantástico thriller satírico con algunos toques de humor -y terror- , que no evitan una tensión que se mantiene durante buena parte de la película, sobre todo con una primera mitad de notable alto. Una de las películas más originales e inteligentes del año con una dura crítica racial.

Crítica de Déjame salir

La Llamada

María (Macarena García)  y Susana (Anna Castillo) se encuentran de vacaciones en el campamento de verano cristiano «La brújula«. Ellas no se sienten muy atraídas por la fe y moral cristiana, y se escapan del campamento para divertirse en discotecas de la zona, lo que provoca el enfado de las monjas del campamento. Todo cambia cuando María comienza a recibir apariciones con Dios.

¿Qué tiene de especial? La Llamada es la adaptación cinematográfica de un musical homónimo que ha sido un gran éxito en España. A pesar de la dificultad que el cambio conlleva, Los Javis (Javier Ambrossi y Javier Calvo) consiguen llevar a la gran pantalla un musical divertido, original y arriesgado. El reparto está a gran nivel, sobre todo la genial Belén Cuesta. Si te gusta, no te puedes perder Paquita Salas.

Verónica

Ambientada en la España de los años 90 tenemos a Verónica, una adolescente que después de practicar la ouija sufre alucinaciones sobrenaturales, llegando a poner en riesgo su vida y la de su familia.

¿Qué tiene de especial? En un género en el que es difícil aportar algo nuevo, Paco Plaza nos muestra que no es necesario la originalidad y una gran parafernalia para crear una buena película de terror, como ya hizo hace algunos años con Rec. Una gran puesta en escena, buen ritmo y una debutante, Sandra Escacena, que se come la pantalla. La mejor película de terror de 2017 es española y se llama Verónica.

Crítica de Verónica

Nuevo vídeo en YouTube: Los 10 mejores videojuegos del siglo XXI

Atrás han quedado cosas como el Mario, los míticos Final Fantasy, las sagas memorables de rol como Baldur’s Gate, los que abrieron el camino de los shooters como Doom o Wolfenstein. Sí, de vez en cuando se vuelven a esos títulos y las empresas tratan de estirar el chicle de las sagas hasta hacerlas todo lo rentable posibles… pero se trata de títulos que muchas generaciones nuevas no conocen o no se identifican con ellos. Cuando anunciaron Age Of Empires 4 algunos no sabían ni de qué saga estábamos hablando. Así que sí, hay que pensar en qué se ha hecho este siglo y dejar de ver los videojuegos como algo nuevo. Estamos en una etapa diferente y toca analizarla.

Desde el 2001, momento en el cual empezó este nuestro querido siglo XXI ha habido grandes títulos que nos han convencido… y los hay que nos han hecho soñar, viajar y sentir la sensación de hacer algo único. Por supuesto que esta lista no es para el gusto de todos pero seguro que los aficionados saben reconocer que estamos hablando de juegazos, de sagas que han marcado un antes y un después.

Recuerda que si quieres más contenido interesante, como el anterior vídeo en el que contamos los peores y más odiados personajes de Star Wars…  SUCRIBETE A NUESTRO CANAL DE YOUTUBE

Esperamos que disfrutéis con el vídeo tanto como nosotros haciéndolo:

Recordad que es una lista general y que, por supuesto, queremos saber qué opináis. Así que podéis ponernos en comentarios qué juego sacarías de la lista o qué juego, sin duda, dejarías. ¿Nos falta alguno? Ya sea en los comentarios dentro de la propia web o bien en el vídeo vamos a leerte encantado. Y por cierto, si no has jugado alguno de la lista… ¡Te los recomendamos!

 

Globos de oro 2018. Los nominados y ganadores

Ya hay ganadores para las mejores películas y series de 2017 en los globos de oro de este 2018.

Como cada año Hollywood hace gala de todo su poder y la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood otorga sus premios a lo mejor en cine y televisión del año recién finalizado. Podríamos decir que es una especie de precuela para lo que se avecina en los Oscars, y cuyo prestigio es innegable.

La ceremonia ha estado presentada este año por el gran cómico Seth Meyers quien toma el relevo de Jimmy Fallon en la 75ª edición de los premios de oro.

Tres anuncios en las afueras ha sido la gran ganadora de la noche llevándose el premio a mejor drama, mejor actriz protagonista (Frances McDormand) y mejor actor de reparto (Sam Rockwell). Respecto a las series, Big little lies ha sido la serie protagonista de la noche, ganando las cuatro nominaciones a mejor miniserie, mejor actriz protagonista en miniserie (Nicole Kidman), mejor actor de reparto (Alexander Skarsgard) y mejor actriz de reparto (Laura Dern). Hay que destacar el premio a mejor dirección que se lo ha llevado Guillermo del Toro por La forma del agua.

Algo que ha destacado este año en los globos de oro ha sido la vestimenta negra entre los nominados, acto que simboliza la lucha contra el acoso sexual en Hollywood y a los que se han sumado numerosos nombres para luchar contra el.

CINE

*MEJOR DRAMA*

-Tres anuncios en las afueras

-Call Me By Your Name

-Dunkerque (Dunkirk)

-Los archivos del Pentágono (The Post)

-La forma del agua (The Shape of Water)

*MEJOR DIRECCIÓN*

-Guillermo del Toro – La forma del agua

-Martin McDonagh – Tres anuncios en las afueras

-Christopher Nolan – Dunkerque

-Ridley Scott – Todo el dinero del mundo

-Steven Spielberg – Los archivos del Pentágono

*MEJOR COMEDIA O MUSICAL*

-Lady Bird

-The Disaster Artist

-Déjame salir (Get Out)

-El gran Showman (The Greatest Showman)

-Yo, Tonya

*MEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN DRAMA*

-Gary Oldman – El instante más oscuro (The Darkest Hour)

-Timothée Chalamet – Call Me By Your Name

-Daniel Day Lewis – El hilo invisible

-Tom Hanks – Los archivos del Pentágono

-Denzel Washington – Roman J. Israel, Esq.

*MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN DRAMA*

-Frances McDormand – Tres anuncios en las afueras

-Jessica Chastain – Molly’s Game

-Sally Hawkins – La forma del agua

-Meryl Streep – Los archivos del Pentágono

-Michelle Williams – Todo el dinero del mundo

*MEJOR ACTOR EN COMEDIA O MUSICAL*

-James Franco – The Disaster Artist

-Steve Carell – La batalla de los sexos

-Ansel Elgort – Baby Driver

-Hugh Jackman – El gran showman

-Daniel Kaluuya – Déjame salir (Get Out)

*MEJOR ACTRIZ EN COMEDIA O MUSICAL*

-Saoirse Ronan – Lady Bird

-Judi Dench – La reina Victoria y Abdul

-Helen Mirren – El viaje de sus vidas

-Margot Robbie – Yo, Tonya

-Emma Stone – La batalla de los sexos

*MEJOR ACTOR DE REPARTO*

-Sam Rockwell – Tres anuncios en las afueras

-Willem Dafoe – The Florida Project

-Armie Hammer – Call Me By Your Name

-Richard Jenkins – La forma del agua

-Christopher Plummer – Todo el dinero del mundo

*MEJOR ACTRIZ DE REPARTO*

-Allison Janney – Yo, Tonya

-Mary J. Blige – Mudbound

-Hong Chau – Una vida a lo grande

-Laurie Metcalf – Lady Bird

-Octavia Spencer – La forma del agua

*MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA*

-In the Fade

-Una mujer fantástica

-First They Killed My Father

-Sin amor (Loveless)

-The Square

*MEJOR PELÍCULA ANIMADA*

-Coco

-El bebé jefazo (The Boss Baby)

-The Breadwinner

-Ferdinand

-Loving Vincent

*MEJOR BANDA SONORA*

-La forma del agua

-Tres anuncios en las afueras

-El hilo invisible

-Los archivos del Pentágono

-Dunkerque

*MEJOR CANCIÓN*

-’This Is Me’ – El gran Showman

-Home’ – Ferdinand

-’Mighty River’ – Mudbound

-’Remember Me’ – Coco

-’The Star’ – Se armó el belén (The Star)

*MEJOR GUIÓN*

-Tres anuncios en las afueras

-La forma del agua

-Los archivos del Pentágono

-Lady Bird

-Molly’s Game

TELEVISIÓN

*MEJOR SERIE DRAMÁTICA*

-The Handmaid’s Tale

-The Crown

-Juego de Tronos

-Stranger Things

-This Is Us

*MEJOR ACTOR PROTAGONISTA DE SERIE DRAMÁTICA*

-Sterling K. Brown – This is Us

-Jason Bateman – Ozark

-Freddie Highmore – The Good Doctor

-Bob Odenkirk – Better Call Saul

-Liev Schreiber – Ray Donovan

*MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA DE SERIE DRAMÁTICA*

-Elisabeth Moss – The Handmaid’s Tale

-Caitriona Balfe – Outlander

-Claire Foy – The Crown

-Maggie Gyllenhaal – The Deuce

-Katherine Langford – 13 Reasons Why

*MEJOR SERIE DE COMEDIA O MUSICAL*

-The Marvelous Mrs. Maisel

-Black-ish

-Master of None

-SMILF

-Will Grace

*MEJOR ACTOR PROTAGONISTA DE SERIE CÓMICA O MUSICAL*

-Aziz Ansari – Master of None

-Anthony Anderson – Black-ish

-Kevin Bacon – I Love Dick

-William H. Macy – Shameless

-Eric McCormack – Will and Grace

*MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA DE SERIE CÓMICA O MUSICAL*

-Rachel Brosnahan – The Marvelous Mrs. Maisel

-Pamela Adlon – Better Things

-Alison Brie – Glow

-Issa Rae – Insecure

-Frankie Shaw – SMILF

*MEJOR ACTOR DE REPARTO EN SERIE DE TV*

-Alexander Skarsgard – Big Little Lies

-Alfred Molina – Feud: Bette and Joan

-David Thewlis – Fargo

-David Harbour – Stranger Things

-Christian Slater – Mr. Robot

*MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DE TV*

-Laura Dern – Big Little Lies

-Ann Dowd – The Handmaid’s Tale

-Chrissy Metz – This is Us

-Michelle Pfeiffer – The Wizard of Lies

-Shailene Woodley – Big Little Lies

*MEJOR MINISERIE O TV MOVIE*

-Big Little Lies

-Fargo

-Feud: Bette and Joan

-Top of the Lake: China Girl

-The Sinner

*MEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN MINISERIE O TV MOVIE*

-Ewan McGregor – Fargo

-Robert De Niro – The Wizard of Lies

-Jude Law – The Young Pope

-Kyle MacLachlan – Twin Peaks

-Geoffrey Rush – Genius

*MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN MINISERIE O TV MOVIE*

-Nicole Kidman – Big Little Lies

-Jessica Biel – The Sinner

-Jessica Lange – Feud: Bette and Joan

-Susan Sarandon – Feud: Bette and Joan

-Reese Witherspoon – Big Little Lies

 

Ya tenemos los ganadores del perplexus (laberinto 3D) de Star Wars de la estrella de la muerte

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Quisiéramos dar las gracias a todos por participar y a los ganadores darles nuestra enhorabuena.

Esperamos que hayáis disfrutado del concurso

………………………………….

 

 

*El ganador del perplexus (laberinto 3D) de Star Wars de la estrella de la muerte es:

…………………………………

*EL FINALISTA

Juan Jose Adrover Valera (Facebook)

913JB5FMiFL. SL1500

 

 

Más sencillo es imposible.

Intentaremos contactar con los ganadores para que nos faciliten su .

MUCHAS GRACIAS A TODOS POR PARTICIPAR

 

Os dejo enlaces de otros concursos del pasado:

Regalamos dos novelas de Mitos nórdicos, la última obra de Neil Gaiman gracias a PlanetadeLibros y Ediciones Destino

Regalamos los muñecos Funko Pop de Liga de la Justicia

Regalamos la lámpara original de Thor

Regalamos el blu ray original de Blade Runner Montaje final 2 discos

Regalamos dos novelas de El secreto de los malditos de Manuel Palacios

Regalamos la lámpara original de Spiderman

Regalamos el muñeco Funko Pop de Daenerys y Drogon

Fase Extra: Las posibles cajas de botín ‘estéticas’ de Anthem, PUBG se hace multimedia y nueva información sobre God of War 4

Bienvenid@s amigos y amigas a nuestra cita semanal con el mundo de los videojuegos, gracias a vuestro interés, queridos lectores, Fase Extra sigue en pie este 2018 con más noticias, opiniones, tráilers etc.

Acaba de comenzar el año y los Reyes Magos ya nos han traído un montón de noticias sobre los nuevos lanzamientos que se nos vienen encima, además de otras curiosas noticias como la ‘franquicia trans-media de Playerunknown’s Battlegrounds’ o especulaciones sobre las cajas de botín en algunos de los grandes títulos de este 2018.

¿Preparados? Si queréis echarles un ojo a todas las noticias del pasado año solo tenéis que hacer clic aquí.

EL ANALISTA MICHAEL PACHTER CREE QUE ANTHEM SOLO TENDRÁ CAJAS DE BOTÍN ESTÉTICAS

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Todo aquel metido en la industria de los videojuegos conoce al prolífico Michael Pachter, unos de los analistas más conocidos del mundillo. Durante los años Pachter ha hecho muchas predicciones, pocas acertadas, algo que él mismo reconoce pero que no le ha librado del sambenito de “si Pachter lo predice ocurrirá al revés”. A pesar de todo, el hombre tiene criterio y se le da bastante bien su trabajo así que con o sin chiste se le suele escuchar y los medios le prestan atención.

Pues bien, esta semana la página web gamingbolt le ha hecho una entrevista sobre las previsibles cajas de botín de Anthem, el nuevo juego de BioWare. Como sin duda sabréis en 2017 EA se ha llevado todos los (merecidos) palos que una gran distribuidora podría soportar, tras el lanzamiento de un decepcionante Mass Effect Andromeda que se encontraba en un estado trágico hasta que llegaron los parches y el polémico escandalo de las cajas de botín que convertían a Star Wars: Battlefront II en un juego pay-to-win, la compañía se encuentra en horas bajas y el nuevo título de los creadores de KOTOR y Mass Effect supone una de las apuestas clave para darle la vuelta a esta situación.

Pues bien, cuando gamingbolt le preguntaba si creía que Anthem podía contener los ‘draconianos’ micro-pagos del título de la saga galáctica, Pachter respondía así:

“La cuestión de Anthem es, ¿la liará EA otra vez como con Star Wars, o seguirá la hoja de ruta trazada por Destiny y Overwatch, juegos divertidos y en los que los micro-pagos son meramente auxiliares? Porque cuando se metiron en problemas fue cuando hicieron Star Wars pay-to-win. Si se hubieran limitado a objetos puramente cosméticos dudo que nadie se hubiera quejado. Así que Anthem tiene el potencial de ser un Destiny en lo que se refiere a experiencia de juego, y Overwatch en los micro-pagos. Siendo todo cosmético y sin que a nadie le importe.”

Si me permitís poner mi granito de arena, solo diré dos cosas:

Primero, me parece irrisorio poner Destiny 2 como ejemplo a seguir a estas alturas, un juego que no solo ha dado uno de los giros más agresivos hacia los micro-pagos que jamás hayamos visto, sino que además a nivel jugable ha estado y sigue estando en cierta medida plagado de problemas como falta de contenido, bloqueo de actividades, una expansión vergonzante en calidad y contenido y diversas polémicas de engaño al jugador.

Segundo, es tristísimo ver como lo ya vaticinado por voces mucho más doctas que la que aquí leéis se hace realidad. El lío con Battlefront II ha creado tal polémica que ahora parece que las cajas de botín “puramente estéticas” son algo aceptable, una noción de chiste cuando sabemos que se basan en el mismo sistema manipulador y depredador de siempre. Si los desarrolladores quieren introducir micro-pagos, muy bien, que los vendan en una tienda dentro del juego con el precio por delante, todo lo demás sigue y seguirá siendo un ardid para dejar secos a los jugadores más vulnerables.

LOS CREADORES DE PUBG QUIEREN CREAR UN ‘UNIVERSO TRANSMEDIA

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Como lo lees, los creadores del popular juego que ha sido la bomba indiscutible del pasado 2017 quieren crean un ‘imperio mediático’ alrededor de la franquicia. El director ejecutivo de la PUGB Corporation (si, eso existe) C.H. Kim declaraba en una reciente entrevista con invenglobal que la propiedad intelectual no iba a quedarse solamente en el espacio virtual, sino que tras recibir ‘la atención de varios de los medios más importantes del mundo del entretenimiento’ están pensando en meterse (atentos) en, y cito: “diversas industrias incluidos los Esports, películas, dramas, dibujos animados, animación, y más”.

En lo que respecta a los misteriosos ‘medios importantes’ sabemos que dos de ellos serían Hollywood (así en general) y Netflix, hay que decir son palabras mayores. En principio esta valiente iniciativa vendría impulsada por la gran cantidad de jugadores que tiene el título en cuestión, que alcanzo la nada desdeñable cifra de 30 millones el pasado mes de diciembre tras 11 meses en el mercado, siendo todos y cada uno de ellos potenciales consumidores de este universo ‘transmedia’.

En definitiva, que si esto sigue así vamos a tener PUBG hasta en la sopa por mucho, mucho tiempo. Sabemos que los responsables del tinglado están frotándose las manos pensando en la taquilla cinematográfica china, país donde PUBG lo está petando aun sin haber sido lanzado oficialmente y donde un pelotazo podría suponer muchos, muchos millones. A todo esto yo sigo preguntándome ¿viendo lo visto, en qué estarán pensando los creadores de Battle Royale, hmm?

NUEVA INFORMACIÓN SOBRE GOW4

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La nueva aventura de Kratos se convierte en el eje central del número de febrero de la prestigiosa revista GameInformer y algunos de los suscriptores que ya se han hecho con su versión digital han filtrado a la red de redes algunos nuevos y jugosos datos.

En primer lugar, aún no hay confirmación de la fecha de lanzamiento más allá de ‘principios de 2018’, pero recordemos que una filtración de la PlayStation Store norteamericana nos decía 22 de marzo, algo que se perfila más y más probable cada día. En segundo lugar, hemos podido averiguar nuevos y jugosos detalles sobre la jugabilidad del título que os detallo más abajo:

  • No habrá botón de salto como entregas anteriores.
  • Atreus, el hijo de Kratos, funcionaría como una extensión del jugador realizando varias acciones al pulsar el botón cuadrado.
  • El combate será más táctico y menos caótico que en entregas anteriores.
  • El juego contará con un sistema de elaboración de armas, armaduras y objetos aunque no se sabe mucho.
  • Kratos tendrá más armas a parte del hacha Leviatán y el escudo, no se sabe nada más, pero los desarrolladores describen estas dos como ‘solo el principio’.
  • Habrá un sistema para mejorar las armas, las armaduras y ciertas habilidades.

Por último, debéis saber que según Cory Barlog, el director creativo del título, esta no será la última parada de la saga. No sabemos si serán Kratos, su hijo o ambos los que posiblemente visitarán también en el futuro las mitologías egipcia y maya entre otras. Buenas noticias para los fans de esta gran saga que está en pleno renacimiento.

NOTICIAS EN TÍTULARES

CAPCOM LANZA UN NUEVO TRÁILER DEL INCIPIENTE MONSTER HUNTER WORLD

EL DIRECTOR DE UNCHARTED: THE LOST LEGACY SE VA A CRYSTAL DYNAMICS

Shaun Escayg, el veterano director de Naughty Dog responsable de Uncharted: The Lost Legacy ha dejado la compañía para trasladarse a Crystal Dynamics, creadores de la saga Tomb Raider y que están en estos momentos enfrascados en el desarrollo de un videojuego de Los Vengadores ni más ni menos para Marvel. ¿Cuál es la sorpresa? Pues que el propio Escayg subía la imagen del logo del grupo de superhéroes a Instagram, dando a entender que su labor dentro de la compañía será dirigir el esperado juego de los héroes más poderoso de la tierra. Si alguien duda, no puede estar en mejores manos.

OLVIDÉMONOS DE DEAD SPACE DE MOMENTO

Esta noticia me duele especialmente. En un reciente AMA (ask me anything o, pregúntame lo que quieras) el exdirector artístico de la saga Dead Space, Ian Milham, respondía a una pregunta en particular: ¿Es posible que EA venda la propiedad intelectual para que otro desarrollador haga algo con ella?

La respuesta era la siguiente, cito:

“la propiedad intelectual es donde está el dinero, y EA invirtió cientos de millones en DS a través de los años, así que no, no lo venderían barato.”

En definitiva, si alguna vez volvemos a ver al bueno de Isaac Clarke y sus monstruos será probablemente dentro de mucho, mucho tiempo.

Y hasta aquí la Fase Extra de hoy, si os ha gustado compartid y si queréis dejadnos un comentario. Nos vemos dentro de siete días y hasta entonces y como siempre, sed muy felices jugadores.

Lo mejor de la semana en cine y tv: Zack Snyder y su prole, Jodie Foster harta de los superhéroes, Apple busca a Netflix y el mal momento de Slender Man

Buenos días/tardes/noches a todos. Primera semana del año y primer Lo mejor de la semana de este 2018. Cerramos 2017 con un Lo mejor de la semana algo soso, pocas noticias en el período navideño y esta primera semana tampoco dista mucho de ello, pero aquí estoy. Empezamos.

JODIE VS SUPERHÉROES, EL ENFRENTAMIENTO FINAL CON PARTICIPACIÓN DE JAMES GUNN

No es mentira que el cine de superhéroes inunda la cartelera. Este mismo año 2018 tendremos más de 8 cintas de superhéroes repartidas en estos 12 meses empezando en febrero con Pantera Negra. Esta masiva ola de estrenos no sientan bien a todo el mundo, y Jodie Foster no se ha callado su opinión.

Foster se encuentra o encontraba promocionando la serie de Netflix Black Mirror, en la que la oscarizada cineasta ha dirigido un episodio, y no parece muy entusiasmada con el giro que ha pegado la industria los últimos años.

“Ir al cine se ha convertido en un parque de atracciones. Que los estudios estén haciendo malas películas para contentar a las masas y los accionistas es como el fracking, obtienes beneficios rápido pero puede que te estés cargando el planeta”.

“Está acabando con los gustos de los estadounidenses y con los del mundo entero. No quiero hacer películas de superhéroes de 200 millones de dólares”.

Y uno de los directores preferidos de la casa de las ideas en el cine no se ha podido callar ante las declaraciones de Jodie Foster. James Gunn ha salido a la palestra en una táctica algo infantil ya que han sido los fans quienes han querido presenciar el debate.

“Creo que Foster ve el cine desde una perspectiva chapada a la antigua, según la cual un espectáculo no puede dar pie a la reflexión. Esto es verdad a menudo, pero no siempre. A la mayoría de las grandes franquicias de estudio les falta alma, y eso es un verdadero peligro para el futuro del cine. Pero también hay excepciones”.

Así respondió James Gunn en un hilo en Twitter donde concluyó con “Me alegra que muestre una perspectiva diferente sobre Hollywood”, dejando a un lado los debates tontos.

Si bien es cierto que el cine de superhéroes inunda año tras año los estrenos, abarrota las salas con miles de millones de espectadores y querida Jodie, el dinero vende mucho y los superhéroes dan dinero. Puede ser una lacra para algunos, pero una inversión para otros. Una inversión de cifras astronómicas.

¿GRACIAS A TRUMP APPLE COMPRARÁ NETFLIX? ¿ES COÑA?

apple netflix

Netflix es una gallina de los huevos de oro. Ya no solo es que sea uno de los servicios de streamings más importantes y rentables, sino que sus intenciones por mejorar su catálogo de cine y series se nota mes tras mes. Por ello, antes de que Disney comprara Fox, las ansias de la casa del ratón por comprar Netflix eran más que conocidas. Ahora, tras el multimillonario desembolso, Netflix parecía no tener ninguna presa a la vista, ¿o si?

Y en toda esta ecuación, ¿qué pinta el señor Trump? En una de sus políticas pro recortes y pro tirar abajo todo lo que tenga que ver con Obama, Trump ha reducido los impuestos a las grandes empresas y Apple tiene dinero suficiente como para dejar que Netflix vaya por libre.

Según Business Insider, analistas de Citi ven esta compra como posible, al menos en un 40%, y volvería a poner a Apple en lo más alto del panorama seriéfilo de Internet como ya hizo en 2007 con su plataforma iTunes.

DE BATMAN A UNA NAVE ESPACIAL

Christian Bale es uno de esos actores sobresalientes que han pasado por la enorme industria de superhéroes. Tras su paso por la trilogía de Christopher Nolan sobre el hombre murciélago, Bale ha preferido alejarse del mundo de los superhéroes y se ha lanzado a todo tipo de papeles, algunos mejores y otros no tantos. Sin embargo, actualmente lo que mueve dinero son las franquicias y si la de superhéroes ya lo tuvo, solo faltaba la de una galaxia muy muy lejana.

Según ha comentado el actor en el podcast Happy Sad Confused, estuvo a punto de tener un papel en Han Solo: Una historia de Star Wars.

“Fue muy tentador. No es sólo que las películas me encanten desde pequeño, sino que también tengo una larga amistad con los productores Kathleen Kennedy y Frank Marshall, porque ellos hicieron El imperio del sol hace muchos años. Pero, por cosas de la agenda, el rol en cuestión fue a parar a Woody Harrelson».

daniel craig star wars
Daniel Craig ha sido uno de muchos actores que han tenido un cameo en la franquicia galáctica. Si Bale no puede por tiempo, siempre puede hacer un cameo como Craig en esta escena

Una de tantas oportunidades perdidas para decenas de actores, pero aun así no se rinde y es que si bien Han Solo ya está (presumiblemente) acabada, se propone a participar en otra cinta del universo Star Wars.

“Espero que haya más conversaciones en un futuro”, deja caer el actor.

¿OS IMAGINÁIS UNA GUERRA CIVIL EN EEUU ENTRE FANS DE SNYDER Y HATERS? APUNTAD LA FECHA QUE PUEDE QUE ASÍ EMPIECE

Zack Snyder mueve los mismos millones de fans como de detractores. Unos alaban al director de Batman v Superman y Watchmen y otros quieren que se vaya del DC Extended Universe. ¿Quién ganará? Pues de momento no se sabe, ni siquiera DC sabe si el realizador estará fuera cuando se replanteó el futuro fílmico de su compañía, pero sus fans no van a permitir que Warner se vaya de rositas.

Esta posible Guerra Civil (en modo cómico) ha tenido su primer acontecimiento cuando la casa de los superhéroes de DC se niega a sacar el montaje de Snyder de la Liga de la Justicia. ¿El motivo? Quien sabe, pero parece ser que nadie tiene ni idea de qué pasó con su montaje a ciencia cierta. Sin embargo, el hecho más cachondo de todo este lío es que los snyderistas (ya empezamos con los bandos…) iniciaron una petición en Internet que culminará con una protesta pacífica ante las puertas de la sede de Warner Bros en California.

Según Comic Book Movie, con el hashtag #ReleaseTheSnyderCut esta protesta pacífica espera albergar a cientos de personas ante la puerta de la sede de la compañía en Burbank, California. Ver para creer.

ACTUALIZACIÓN

La protesta ya ha tenido lugar esta mañana y ha conseguido congregar al apoteósico número de 13 personas a las puertas del estudio.

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Puede que sea por seguir la broma o puede que porque se han dado cuenta de que aquello que piden está lejos de ser cumplido, pero de los cientos de personas que en redes sociales se mostraban de acuerdo ante tal congregación, no han acudido ni la mitad.

SLENDER SLENDER, QUE MAL MOMENTO PARA APARECER

Slender Man, el personaje de Internet que asustó a decenas de personas con sus leyendas urbanas o creepypastas, está a punto de dar el salto al cine. Esta estrategia es defendida por muchos amantes de estas historias pero criticadas por otros que creen que ya es algo tarde para que triunfe teniendo en cuenta los casi 10 años de la historia y que muchos de los que siguieron las historias (como yo) se han olvidado del morbo que daba leerlas.

Sin embargo, tras la tragedia de 2014 en la que dos adolescentes intentaron asesinar propinando 19 puñaladas a otra de su instituto en Estados Unidos, la polémica surgió en su momento y ha surgido ahora en torno a ese submundo de Interner.

“Es absurdo que quieran estrenar esta película. Aunque no me sorprende, pero en mi opinión es de pésimo gusto. El estreno de Slender Man prolonga el dolor que han sufrido nuestras familias”.

slenderman asesinato
Las adolescentes culpables del intento de asesinato. Fotograma del documental ‘Beware the Slenderman’ de HBO

Estas fueron declaraciones de Bill Weier, padre de Payton Leunier, la pobre chica que se debatió entre la vida y la muerte tras ser apuñalada 19 veces. Ambas agresoras fueron juzgadas y una de ellas fue sentenciada a 25 años de reclusión en un psiquiátrico y la otra está pendiente de evaluación. Posteriormente será encerrada como su amiga.

Y acabamos con una polémica. Al final sí resulta que esta primera semana ha sido intensa. Siento que me he dejado muchas cosas en el tintero y vosotros podréis opinar lo mismo, pero os animo a pasaros por nuestro Twitter donde hablamos de las noticias más breves que nos dejan día tras día y que por espacio, no las coloco en la sección.

Dicho esto, un saludo y sed felices.