A partir del estreno de La Constelación del Perro, de Ridley Scott, repasamos algunas películas de ciencia ficción y supervivencia que utilizan mundos devastados y sociedades al borde del colapso para plantear una pregunta más profunda: ¿Qué queda de nosotros cuando todo lo que conocemos desaparece?
Más allá de las amenazas externas, estas historias hablan de la soledad, la esperanza, la pérdida y la necesidad de encontrar un motivo para seguir adelante. Desde sociedades al borde del colapso hasta viajes por planetas imposibles, estas películas convierten la supervivencia en un espejo de nuestros mayores miedos, pero también de nuestra capacidad para resistir.
Hijos de los Hombres (2006): la última esperanza de una humanidad sin futuro
Dirigida por Alfonso Cuarón (Uno de los grandes directores mexicanos de Hollywood) y basada en la novela de P. D. James, Hijos de los hombres es una de las películas que mejor representa la supervivencia como una cuestión moral y no únicamente física. El verdadero peligro no es solo morir, sino que la humanidad deje de tener un futuro.
La historia nos presenta una distopía en la que la humanidad ha perdido la capacidad de reproducirse. Después de casi dos décadas sin nacimientos, la sociedad vive sumida en la desesperanza, mientras los gobiernos responden a la crisis con control, violencia y autoritarismo.
Theo, interpretado por Clive Owen, es un hombre que ha dejado de creer en el futuro hasta que aparece una posibilidad casi imposible: proteger a Kee, la única mujer embarazada conocida. A partir de ese momento, su misión deja de ser simplemente escapar de un mundo peligroso. Ahora tiene que proteger a alguien que podría representar la última oportunidad de la humanidad.
Creo que uno de los grandes aciertos de Hijos de los hombres está en la forma en la que combina una historia de ciencia ficción con un conflicto profundamente humano. El guion no necesita explicar constantemente cómo funciona ese mundo. Cuarón deja que entendamos lo que ha ocurrido a través de los personajes, de las calles y de pequeños detalles que aparecen casi de fondo. Así, el espectador va descubriendo poco a poco las consecuencias de vivir en una sociedad que ha perdido cualquier esperanza de futuro.
Aunque la película puede resultar exigente por su tono oscuro y por la cantidad de información que deja en segundo plano, creo que esa falta de explicaciones es precisamente lo que hace que su mundo resulte tan creíble.
Clive Owen encaja muy bien con este personaje porque transmite desde el principio el cansancio de alguien que ya no espera demasiado de la vida. Por eso su evolución resulta creíble: no pasa de ser un hombre completamente indiferente a convertirse de repente en un héroe, sino que va recuperando poco a poco un motivo para luchar. Michael Caine y el resto del reparto también ayudan a darle algo de humanidad a un mundo dominado por la violencia.
Cuarón construye una película opresiva y realista, donde la cámara transmite constantemente la sensación de vivir dentro de un mundo que se está apagando. Sus movimientos nos mantienen cerca de los personajes y, al mismo tiempo, del caos que los rodea. Los largos planos secuencia y la violencia que aparece casi sin aviso consiguen que nunca tengamos la sensación de estar completamente a salvo.
La música de John Tavener, junto con otras canciones utilizadas por Cuarón, ayuda a crear un tono melancólico, inquietante y casi espiritual. El sonido también tiene mucho peso: el contraste entre el ruido, el silencio, la música y el caos hace que algunas escenas resulten todavía más tensas.
En Hijos de los hombres, la supervivencia no consiste únicamente en escapar de la amenaza, sino en recuperar la ilusión por una vida mejor. No depende de vencer a un enemigo, sino de rescatar aquello que mantiene unido a la humanidad: la esperanza.
28 Días Después (2002): cuando la civilización desaparece, surge la verdadera amenaza
Danny Boyle revolucionó el cine de zombis con 28 días después, una película que utiliza una infección como punto de partida para hablar del miedo, el aislamiento y la fragilidad de una sociedad que se desmorona.
Tras despertar de un coma, Jim descubre un Reino Unido devastado por un virus que ha convertido a gran parte de la población en seres violentos e impredecibles. Pero lo más interesante es que Boyle no convierte a los infectados en el único peligro. Cuando las reglas de la sociedad desaparecen, los propios supervivientes empiezan a convertirse en una amenaza.
El viaje de Jim junto a los demás supervivientes también cambia la forma en la que ve lo que está ocurriendo. Al principio está completamente perdido, pero poco a poco tiene que tomar decisiones que le obligan a preguntarse qué tipo de persona quiere ser en un mundo donde parece que ya no quedan reglas.
Boyle consigue que el miedo esté presente incluso cuando los infectados no aparecen. Las calles vacías de Londres son suficientes para transmitir que algo ha salido completamente mal. A eso se suma la cámara en mano y el montaje rápido, que hacen que las persecuciones sean todavía más caóticas y difíciles de anticipar. La fotografía digital también le da a la película un aspecto más crudo, casi como si estuviéramos viendo lo que ocurre desde dentro.
Una de las cosas que mejor funciona en el guion de Alex Garland es que la infección nunca se convierte en una simple excusa para encadenar escenas de acción. La historia va aumentando la tensión poco a poco y cambia de tono a medida que Jim descubre que el peligro puede venir de cualquier lado. Es precisamente en este punto donde la película consigue diferenciarse de otras historias del género.
Cillian Murphy (actor de una serie que no te puedes perder Peaky Blinders) destaca en el papel de Jim, transmitiendo la confusión y vulnerabilidad de un personaje que despierta en un mundo que ya no reconoce. Brendan Gleeson y Naomie Harris completan un reparto que funciona especialmente bien en los momentos más íntimos. La música de John Murphy termina de construir esa atmósfera, especialmente en los momentos en los que la película deja de lado la acción y se centra en la soledad de sus personajes.
28 días después plantea una de las preguntas más importantes del cine de supervivencia: cuando desaparecen las normas de la sociedad, ¿somos capaces de conservar nuestra humanidad?
Monstruos (2010): vivir en un mundo que ya no pertenece al ser humano
Dirigida por Gareth Edwards (director de la interesante the creator), Monstruos demuestra que una película de ciencia ficción no necesita grandes batallas ni un presupuesto enorme para construir un mundo que resulte creíble. Su apuesta es mucho más sencilla: utilizar ese escenario como fondo para contar una historia sobre dos personas que intentan encontrar el camino de vuelta a casa.
La historia transcurre en una Tierra transformada por la aparición de unas criaturas gigantes tras un supuesto accidente extraterrestre. Sin embargo, los monstruos quedan casi siempre en segundo plano. El verdadero centro es el viaje de los protagonistas a través de una zona peligrosa para regresar a casa, que termina convirtiéndose en una reflexión sobre la conexión humana en un mundo extraño.
Aunque esta apuesta por la sencillez me parece acertada, también puede hacer que la película resulte algo lenta para quien espere una historia de ciencia ficción más convencional. Frente a otras películas de ciencia ficción que utilizan criaturas gigantes como protagonistas, Monstruos parece más interesada en preguntarse cómo seguirían viviendo las personas después de que aparecieran.
Edwards utiliza el escenario de ciencia ficción como contexto para contar una historia íntima sobre dos personas obligadas a confiar la una en la otra. La relación entre los protagonistas va creciendo de forma natural, sin necesidad de explicar constantemente lo que sienten. Scoot McNairy y Whitney Able transmiten sinceridad a sus personajes; esa sencillez hace que el viaje resulte más entrañable y consigue que el espectador termine preocupándose más por ellos que por los propios monstruos.
La dirección es clave, utilizando una estética casi documental, con cámara en mano y escenarios reales, para conseguir que el mundo de ciencia ficción parezca mucho más realista. Los efectos visuales son relativamente discretos y, en lugar de mostrar constantemente a las criaturas, Edwards aprovecha los espacios, los sonidos y lo que queda fuera de campo para mantener la sensación de amenaza.
Creo que en la escala humana está la principal virtud de la película: frente a un planeta cambiado para siempre, lo único que permanece importante son las relaciones que construimos.
El Marciano (2015): la supervivencia como inteligencia y voluntad
Ridley Scott (descubre sus mejores películas) adapta la novela de Andy Weir, una historia de supervivencia espacial que apuesta por un tono mucho más optimista que otras películas del género. En lugar de centrarse en la desesperación absoluta, el conocimiento, la creatividad y la capacidad de mantener la calma se convierten en las principales herramientas de su protagonista.
Mark Watney queda abandonado en Marte después de que su tripulación lo dé por muerto. Solo y con recursos limitados, tiene que encontrar la manera de sobrevivir utilizando la ciencia para regresar a casa. Puedes hacer una interesante comparación leyendo el retro-análisis de la película Misión a Marte (2000).
Aunque comparte con La constelación del perro la idea del aislamiento extremo, su mirada es más luminosa. Donde otras películas encuentran la supervivencia como una lucha contra la desesperanza, El Marciano la presenta como una demostración de ingenio y resistencia.
El guion de Drew Goddard es probablemente uno de los mayores aciertos de la película. En lugar de convertir la supervivencia de Watney en una sucesión de momentos dramáticos, la historia encuentra buena parte de su tensión en los problemas prácticos que tiene que resolver. Cada pequeño avance puede convertirse en un nuevo obstáculo, pero el humor del protagonista evita que la película caiga en un tono demasiado pesimista.
Esa combinación entre ciencia, tensión y humor hace que la historia resulte entretenida incluso cuando sabemos que el personaje se encuentra en una situación extrema. Matt Damon (disfrutando del éxito de la Odisea) sostiene gran parte de la película con una interpretación repleta de personalidad. Watney es un personaje ingenioso y bastante optimista, pero Damon consigue transmitir también el miedo y la soledad que hay detrás de esa actitud.
Scott mantiene una dirección bastante directa, dejando que la historia avance a través de los problemas que Watney debe solucionar. La fotografía aprovecha el paisaje de Marte para transmitir la sensación de aislamiento, mientras que la música aporta un tono más ligero y aventurero en buena parte del metraje. Esta combinación evita que la película se convierta en un drama espacial excesivamente oscuro, aunque mantiene la tensión, el humor y la angustia durante buena parte del metraje.
En el fondo, El Marciano plantea una idea sencilla: incluso en los lugares más hostiles del universo, la capacidad humana para adaptarse puede convertirse en la mayor herramienta de supervivencia.
La Carretera (2009): cuando la esperanza parece haber desaparecido
Basada en la novela del genial escritor Cormac McCarthy, La carretera es una de las representaciones más duras y desoladoras de un mundo después del desastre. La película no utiliza el apocalipsis como espectáculo, sino como una forma de explorar hasta dónde puede llegar una persona para proteger a alguien que quiere.
En una Tierra cubierta de ceniza y sin futuro aparente, un padre y su hijo recorren un paisaje destruido buscando un lugar seguro. El hambre, el frío y la violencia de otros supervivientes son amenazas constantes, pero el mayor miedo del padre es que su hijo tenga que crecer en un mundo en el que ya casi no queda humanidad.
El viaje funciona también como una metáfora de la relación entre ambos, que termina convirtiéndose en el verdadero motor emocional de la historia. El padre intenta proteger a su hijo de todo lo que ocurre a su alrededor, pero al mismo tiempo tiene que enseñarle a sobrevivir sin permitir que el mundo en el que viven termine convirtiéndolo en alguien cruel.
El guion adapta el tono de la novela de McCarthy sin convertir la historia en una sucesión de escenas de acción. Gran parte de la tensión nace de situaciones aparentemente sencillas: encontrar comida, refugiarse o decidir si pueden confiar en alguien. (no te pierdas su genial novel gráfica)
Viggo Mortensen transmite muy bien el agotamiento de un padre que lleva demasiado tiempo intentando mantener con vida a su hijo, mientras que Kodi Smit-McPhee aporta una vulnerabilidad que hace que la relación entre ambos resulte creíble. La película funciona especialmente bien cuando son sus decisiones las que explican quiénes son.
La dirección de John Hillcoat apuesta por una puesta en escena fría y desoladora. Los paisajes cubiertos de ceniza, los colores apagados y la ausencia casi constante de luz natural construyen un mundo que parece haber perdido cualquier rastro de vida. La fotografía no busca crear imágenes espectaculares, sino transmitir una sensación permanente de vacío. La banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis también contribuye a ese tono de tristeza y aislamiento.
Más que una historia sobre el fin del mundo, La carretera es una reflexión sobre el amor, la memoria y la responsabilidad de cuidar a otros incluso cuando todo se derrumba. Puede parecer una película sencilla, pero creo que ahí está precisamente su encanto.
Un Lugar Tranquilo (2018): sobrevivir en silencio
John Krasinski (el Jack Ryan de Prime Video) construye en Un lugar tranquilo una de las propuestas de supervivencia más originales del cine reciente: un mundo donde hacer ruido significa morir.
Tras una invasión de criaturas capaces de detectar cualquier sonido, una familia debe vivir siguiendo unas reglas extremas para mantenerse con vida. Algo tan cotidiano como hablar, caminar o incluso respirar puede convertirse en un peligro. (Netflix replicó la idea en A ciegas).
No creo que los monstruos sean realmente lo importante, sino la relación entre los miembros de la familia. El silencio se convierte en una metáfora del miedo, pero también del sacrificio y del amor. El guion parte de una idea muy sencilla y sabe explotarla sin complicarla demasiado.
Krasinski establece rápidamente sus reglas y después encuentra distintas formas de ponerlas a prueba. Esto permite que incluso las situaciones más pequeñas tengan tensión, porque el espectador sabe que cualquier error puede poner en peligro a toda la familia.
Las interpretaciones también son importantes porque gran parte de la película se construye sin diálogos. Emily Blunt consigue transmitir el miedo y la tensión de Evelyn a través de gestos y miradas, mientras que John Krasinski construye a Lee como un padre obsesionado con encontrar la forma de proteger a sus hijos. Millicent Simmonds también destaca como Regan, especialmente porque su personaje tiene una relación directa con uno de los elementos centrales de la película: el sonido.
La música de Marco Beltrami acompaña el tono opresivo del film sin ocupar el protagonismo que debe tener el diseño sonoro. Su función es reforzar determinados momentos, mientras que el silencio y los sonidos ambientales son los que realmente construyen la identidad de la película.
La dirección también aprovecha los espacios de la casa y los alrededores para construir una sensación constante de vulnerabilidad. Los personajes tienen que moverse con cuidado y la película utiliza el encuadre para mostrar aquello que ellos no pueden controlar. La fotografía, con tonos apagados y una iluminación naturalista, ayuda a mantener ese ambiente de peligro sin convertir el mundo en algo excesivamente teatral.
Al final, Un lugar tranquilo utiliza su premisa de terror para contar algo mucho más cercano: una familia intentando protegerse en un mundo donde cualquier error puede ser definitivo. La supervivencia deja de ser una cuestión individual y se transforma en una lucha por proteger a quienes queremos.
La supervivencia como reflejo de nuestra humanidad
Aunque cada una de estas películas imagina un escenario diferente, todas utilizan la supervivencia para hablar de algo mucho más cercano. El desastre, la infección, el aislamiento o el colapso de la sociedad son solo el punto de partida para explorar cómo reaccionamos cuando desaparece el mundo que conocíamos.
Y quizá ahí está lo más interesante del cine de supervivencia. Cada película utiliza el desastre de una manera distinta. Hijos de los hombres habla de la esperanza, 28 días después de lo que ocurre cuando desaparecen las normas, El Marciano de la capacidad de resolver problemas y La carretera o Un lugar tranquilo ponen el foco en la necesidad de proteger a otras personas. Los escenarios cambian, pero la pregunta de fondo sigue siendo bastante parecida.
En los mejores relatos de supervivencia, la pregunta más importante no es cuánto tiempo podemos seguir vivos, sino qué merece la pena conservar cuando todo lo demás se ha perdido. Al final, sobrevivir también consiste en decidir qué parte de nosotros no estamos dispuestos a perder.
