Laura Gallego, una de las autoras más queridas de la literatura juvenil en España, vuelve a estar en primer plano gracias a una nueva saga titulada Cuatro Lunas. Esta tetralogía nos introduce en un universo lleno de criaturas fantásticas y secretos, siguiendo la historia de Milo, un joven cabrero cuya vida tranquila se transforma tras ver un dragón surcar el cielo. Acompañado por la misteriosa Nivalan, Milo emprende una aventura épica a través de tierras mágicas.
Laura Gallego, empezó a escribir desde los 11 años y ha vendido más de 10 millones de libros en 15 idiomas. Su carrera despegó con Finis mundi, obra ganadora del Premio Barco de Vapor en 1999, y posteriormente con La leyenda del Rey Errante y Donde los árboles cantan, esta última merecedora del Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil en 2012. Memorias de Idhún, es sin duda su saga más famosa, que por cierto aún no hemos realizado reseña en Las Cosas que nos hacen felices.
Con Cuatro Lunas, Gallego retoma el género que la consolidó como un fenómeno literario, ofreciendo una historia que promete capturar la imaginación de nuevos y jóvenes lectores y satisfacer a sus fieles seguidores. La autora espera demostrar una vez más su habilidad para crear mundos ricos y personajes entrañables que nos inviten a soñar.
Amigos gamers, tenemos noticias que no nos alegran el día. Sony ha anunciado un incremento en las tarifas de suscripciones de PlayStation Plus en 15 países de Latinoamérica, efectivo a partir del 16 de abril de 2025. Este ajuste afectará a las tres modalidades del servicio: Essential, Extra y Premium. PlayStation Plus aumenta sus precios, y eso nunca son buenas noticias.
Por ejemplo, en México, la suscripción anual de PS Plus Essential pasará de $54.99 a $64.99 dólares, mientras que la Premium subirá de $106.99 a $124.99 dólares. Sony justifica este aumento citando las condiciones del mercado global y asegura que busca mantener la calidad y el valor de los beneficios ofrecidos. Además, títulos populares como Hogwarts Legacy se integrarán al catálogo de PS Plus Extra y Premium en abril.
Este incremento ha generado diversas reacciones en la comunidad gamer. Mientras algunos entienden que las fluctuaciones económicas pueden influir en los precios, otros expresan su descontento, especialmente considerando que el acceso al multijugador en línea y a títulos adicionales es esencial para muchos jugadores. La esperanza es que este ajuste se traduzca en mejoras tangibles en el servicio, como una mayor variedad de juegos y funcionalidades adicionales que justifiquen el desembolso extra.
Para aquellos que ya son suscriptores, es recomendable revisar las fechas de renovación y considerar si desean mantener su suscripción bajo las nuevas tarifas. También es un buen momento para explorar las diferentes modalidades de PS Plus y determinar cuál se adapta mejor a las necesidades y presupuesto de cada jugador.
En resumen, aunque las subidas de precio nunca son bienvenidas, es importante mantenerse informado y evaluar cómo afectan estas decisiones a nuestra experiencia de juego. Estaremos atentos a futuras actualizaciones y esperamos que Sony continúe ofreciendo un servicio que esté a la altura de las expectativas de su comunidad.
En un mundo donde las franquicias van y vienen, pocas han dejado una huella tan indeleble como Metroid. Y ahora, tras años de espera y especulación, Metroid Prime 4: Beyond se perfila como uno de los lanzamientos más esperados de 2025. El regreso de Samus Aran en una aventura que promete redefinir lo que conocemos de la saga. No olvidemos que Metroid fue una serie de videojuegos mítica iniciada en los años 80. Si, en los años 80 donde se lanzaron 5 partes, la última en 2021, se basaba en un concepto de plataformas no lineal. Y Metroid Prime, allá por 2002 fue el primero de su saga en ser tridimensional y además usar la vista en primera persona.
Un desarrollo misterioso, un universo expandido…
Desde su anuncio inicial, Metroid Prime 4 ha estado rodeado de un aura de misterio. Los detalles han sido escasos, y Nintendo ha mantenido un silencio casi absoluto sobre el proyecto. Sin embargo, este hermetismo solo ha aumentado la expectación entre los fans, que ansían descubrir qué nuevas sorpresas les depara esta entrega. ¿Merecerá la pena? ¿Será tan bueno como los anteriores?
Aunque los detalles concretos son limitados, se espera que Metroid Prime 4: Beyond mantenga la esencia que hizo grande a la trilogía original, pero con innovaciones que aprovechen al máximo las capacidades de la nueva consola de Nintendo. Se rumorea que el juego ofrecerá una narrativa más profunda y una jugabilidad más fluida, adaptándose a los estándares modernos sin perder su identidad. Y en esto quiero añadir una cosa, ya que siempre que se va a lanzar un nuevo juego los rumores sobre el mismo es que va a ser mejor versión, más grande y mejor. Evidentemente cada vez la tecnología evoluciona, y los juegos son «mejores» y cuando digo «mejores» me refiero a mejores gráficos, más realistas, mejores movimientos de personajes, más definición, ¿pero MEJORES juegos? y he dejado constancia a mejores en mayúsculas. Si Metroid Prime 4 no supera en calidad gráfica a sus antecesores, apaga y vámonos.
La saga Metroid siempre ha destacado por su atmósfera envolvente y su mundo interconectado. En esta nueva entrega, esperamos todos que el universo se expanda aún más, ofreciendo a los jugadores nuevos planetas por explorar, nuevos enemigos y secretos ocultos que nos hagan disfrutar como enanos. Como veréis ya no pedimos que nos sorprenda, algo muy difícil con tantas secuelas, sino pedimos más mapas, más planetas, más a lo bestia.
El lanzamiento de Metroid Prime 4: Beyond no solo es significativo para los fans de la saga, sino también para la industria en general. Representa el compromiso de Nintendo con sus franquicias clásicas y su disposición a evolucionar con los tiempos. Además, su éxito podría influir en la dirección de futuros títulos de la compañía. Sinceramente, espero que sea un éxito y sigan exprimiendo títulos clásicos, y que los nuevos puedan tener esta misma disposición.
No voy a mentir, la segunda temporada de ‘The Last of Us’ era una de las pocas series que esperaba con ansia para este 2025 y hoy por fin ha llegado a HBO y lo ha hecho con la misma fuerza que lo hizo la anterior temporada.
Habiendo jugado a ambos títulos de Naughty Dog, cuando se habló de un arranque demasiado lento, sinceramente no me sorprendí, ya que el videojuego lo hace también de esa manera y es algo comprensible.
Tras los eventos de la primera temporada han pasado 5 años y han sucedido muchas cosas que han cambiado la vida de Joel y Ellie y nuevos personajes han entrado a formar parte de sus vidas. Es lógico que la ficción se tome su tiempo para presentárnoslos, pero lo hace sin dejar a un lado la tensión y la vida cotidiana con los infectados.
La lentitud y la parsimonia con la que se nos muestra el día de día de nuestros protagonistas no es soporífera en ningún momento y aunque sean situaciones nimias, todo avanza firmemente para que el espectador no sienta que está asistiendo a algo innecesario o con escenas de relleno. Creedme que todo lo que hemos visto va a tener su por qué en esta segunda temporada de ‘The Last of Us’.
HBO y Craig Mazin han sabido plasmar la esencia del título de Naughty Dog en cada plano, secuencia y escena. Todo sabe y huele a ‘The Last of Us’ y eso, tanto para los jugadores que han vivido esto en sus carnes, como para el resto de espectadores, eso es un acierto que no se le puede negar.
Si hay algo que tiene una prioridad en la trama que se presentó en el videojuego es la relación paternofilial de Joel y Ellie y como se tienen que adaptar a los cambios que ambos están sufriendo. La ficción consigue, de manera más que eficiente, con muy pocas escenas que entremos en su juego y que nos sintamos (depende de nuestra edad) inclinados hacia uno u otro bando en esta ‘pugna’.
‘The Last of Us’ no es más que una historia de personas que tratan de adaptarse a lo que es un mundo que trata de acabar con ellas en cada esquina y habitación, pero sin dejar a un lado las cosas más básicas de la vida cotidiana: El amor, las responsabilidades y el crecimiento personal.
Ellie y Joel tienen mucha importancia, pero hay otra tercera pata en este banco y esa es Abby, un nuevo personaje que tiene una historia trágica con Joel y que se ha lanzado a una búsqueda de venganza que la va a cegar y va a dividir a los espectadores.
Kaitlyn Dever como Abby ha logrado con su corta aparición en pantalla plasmar el dolor de su personaje y hacer creíble el camino que ha emprendido. Bravo por la actriz.
Bella Ramsey y Pedro Pascal han hecho suyos sus personajes y el doblaje castellano con las voces del videojuego hace que sean aun más memorables sus interpretaciones. No me canso de decir que la relación entre ambos en un pilar muy importante para que empaticemos con lo que nos traerá la trama principal y ambos han conseguido que su química sea perfecta.
Entrando ya en el apartado más técnico, la serie es un portento visual que no ha reparado en gastos (como diría John Hammond) para plasmar todo lo que vimos en su día en PlayStation 4. La representación de Jackson es impecable, desde sus calles, hasta el granero donde se celebra el baile, hasta el porche de la casa de Joel y Ellie. No se podía haber hecho mejor.
Este primer capítulo ha logrado que las escenas de tensión nos hagan agarrarnos al sillón rozando el cine de terror más clásico.
Conclusión
El arranque de ‘The Last of Us’ ha estado a la altura de lo que esperaba, dándole espacio a los personajes conocidos para crecer y a los nuevos el tiempo suficiente para ser presentados de forma orgánica.
HBO sigue demostrando que cuando se pone en serio a crear un producto no hay quien le haga sombra, es cierto que partía de la base de un grandísimo videojuego, pero otros de igual calidad se han convertido en series o películas nefastas.
Esta segunda temporada de ‘The Last of Us’ goza de una buena salud (al menos por lo visto en este primer capítulo) y no puedo estar más ansioso por seguir viéndola cada semana.
Y como apunte final según IMDB: Fijaos en la cara de quien interpreta a la infectada que acecha a Ellie en la tienda. Solo diré que es una actriz famosa ¿Sabéis quien es?
Hoy, debido al próximo estreno de una secuela, revisitaremos la película Karate Kid, dirigida por John G. Avildsen y protagonizada por Ralph Macchio y Pat Morita. Esta cinta marcó un momento importante en la cultura popular, dejando momentos icónicos que forman parte de la memoria colectiva.
Nota: Este retro-análisis de Deseando amar contiene SPOILERS Y DETALLES DE LA TRAMA, POR LO QUE, SI LO DESEA, PUEDE IR DIRECTAMENTE AL SUBTÍTULO“¿POR QUÉ ES TAN EFECTIVA?” para no enterarse de partes fundamentales de la misma.
La película nos presenta a Daniel LaRusso, un niño que, debido al trabajo de su madre, ha sido obligado a mudarse a Los Ángeles, donde rápidamente se da cuenta de que es muy diferente a su antiguo hogar. Ahí mismo, debido a un desperfecto en la casa, conoce al señor Miyagi.
Más tarde, junto con otras personas que acaba de conocer, sale a la playa, donde ve por primera vez a Ali (Elisabeth Shue), de quien queda flechado desde su primer intercambio de miradas. Después de un rato, comienzan a conocerse y pasan la noche hablando. Luego llega Johnny Lawrence (William Zabka) con sus amigos, todos peleadores de karate. Johnny, al ver a Daniel, se pone celoso, ya que Ali es su exnovia. Por esto, provoca a Daniel, lo que termina en una pelea que gana sin mayor dificultad.
Al día siguiente, Daniel comienza a ir a la escuela, donde se encuentra con Ali, no sin antes tener un altercado con uno de los amigos de Johnny. Pasan un momento juntos en el que se ve que están interesados el uno en el otro.
Debido a los problemas en la escuela, Daniel intenta aprender karate por su cuenta. El señor Miyagi se percata de esto y le dice que es difícil aprender sin un maestro. Más tarde, Daniel, interesado en un dojo de karate, llega a Cobra Kai, donde el sensei Kreese les dice a sus estudiantes que en las peleas la piedad no existe. Luego vemos a Johnny en la clase, quien es el mejor peleador del dojo.
Los estudiantes de Cobra Kai siguen molestando a Daniel y le arruinan la bicicleta, lo que provoca que, al llegar a casa, le grite a su madre sobre lo infeliz que es en su nuevo hogar. El señor Miyagi escucha la discusión desde su cuarto y, al día siguiente, le arregla el rodado.
A partir de esto, se conocen mejor: Daniel lo ayuda a podar bonsáis y pasan más tiempo juntos. Al llegar Halloween, Miyagi le insiste a Daniel para que vaya a una fiesta, lo cual, sin muchas ganas, acepta. En la misma y totalmente cubierto por una cortina de baño, Daniel va en busca de Ali, a quien evitaba por miedo a Johnny. Se reconcilia con ella y, cuando va al baño, ve a Johnny distraído y aprovecha la oportunidad para soltarle una regadera de agua encima. Furioso, este lo empieza a perseguir junto a todos los Cobra Kai.
Intenta llegar a su casa, pero es capturado y le dan una paliza. Antes de que puedan continuar, sin embargo, llega el señor Miyagi, quien, en un acto sorpresivo, ataca a todos y les deja inmóviles sin demasiado esfuerzo.
Horas después, Daniel despierta, recordando cómo Miyagi lo salvó, y le pide que lo entrene, pero este se niega. Sin embargo, accede a acompañarlo al dojo Cobra Kai para pedirle al sensei que lo dejen en paz.
Al llegar, el sensei Kreese (Martin Kove) ve la cara de miedo de sus estudiantes al ver al señor Miyagi, pero no acepta el pedido de este y cree que Daniel debe ganarse el respeto en una pelea. Al ver el tipo de persona que es, Miyagi acepta, con la condición de que Daniel participe en el torneo de karate local All-Valley.
Kreese está de acuerdo e impone como regla a sus alumnos que no pueden hacerle daño a Daniel hasta el torneo, además de prometer al señor Miyagi que, si no se presentan, él y todos los Cobra Kai les darán una paliza. Cerrado el acuerdo, Daniel queda atónito al darse cuenta de que no tiene oportunidad de ganar, pero Miyagi lo tranquiliza diciéndole que lo entrenará.
El entrenamiento comienza. Daniel va todos los días a la casa de Miyagi y este empieza pidiéndole que encere sus autos, a lo que accede pensando que es una especie de compensación por la ayuda y que luego comenzarán a entrenar. Sin embargo, esto no cambia, ya que el señor Miyagi le pide, en los días siguientes, que pinte su cerca, la casa y luego pula el piso. Y así se mantiene por algunas semanas, lo que frustra a Daniel.
Por otro lado, al ya no tener miedo de los Cobra Kai debido al acuerdo, Daniel empieza a salir con Ali y forma una relación con ella. La invita a salir y se da cuenta que proviene de una familia con gran estatus económico. A pesar del deseo de los padres de ella de que vuelva con Johnny, las cosas fluyen bien entre ellos.
Pasadas las semanas, Daniel se harta y le echa en cara a Miyagi que no ha practicado nada. Ante esto, este lo ataca, y Daniel, con los movimientos que aprendió en las tareas que Miyagi le asignó, logra defenderse. Mientras lo ataca, Miyagi le menciona los trabajos que ha realizado, haciendo que Daniel se dé cuenta de que, en efecto, ha estado aprendiendo a defenderse todo este tiempo.
Tras ello, Daniel comienza prácticas más convencionales, como mejorar su equilibrio, aprender nuevos golpes y perfeccionar distintos estilos de pelea. Esto hace que forme una gran relación con Miyagi, similar a la de un padre y su hijo. Siguen entrenando hasta que Daniel se vuelve muy bueno, aprendiendo técnicas como La Grulla.
Daniel sigue muy feliz en su relación con Ali, hasta que, en una cita, Johnny le roba un beso a ella para provocarlo. Daniel observa todo y, creyendo que Ali lo ha cambiado, se va disgustado y la evita por los siguientes días.
Al llegar a casa de Miyagi luego del incidente, lo encuentra borracho y se da entera que perdió a su esposa e hijo, lo que le ha dejado una profunda tristeza.
Los días pasan y el torneo está cada vez más cerca. Daniel, que sigue evitando a Ali, la busca tras un consejo de Miyagi. Sin embargo, al encontrarla, Ali es quien ahora evita a Daniel, sintiéndose herida al saber que él creyó que lo lastimaría a propósito. Luego, al descubrir que todo fue un malentendido, se reconcilian y ella promete ir a verlo al torneo.
Llega el día del mismo y, tras inscribirse con algo de trampa, comienzan las rondas. Daniel demuestra que se ha convertido en un gran peleador, ganándole a varios competidores, incluidos los Cobra Kai que antes lo molestaban. Aun así, Johnny no se queda atrás y avanza de ronda con facilidad, demostrando gran brutalidad al pelear.
Al llegar a las semifinales, Johnny pasa sin problemas. En el otro lado, Daniel se enfrenta a un Cobra Kai que, antes de la pelea, habla con el sensei Kreese. Al ver que Daniel es un gran peleador y representa un peligro, este le ordena a su estudiante que lo lesione. A pesar de arrepentirse en el instante, el Cobra Kai obedece y le provoca una lesión en la pierna a Daniel.
Los doctores le dicen a Daniel que no puede seguir, lo que daría automáticamente el campeonato a Johnny. Esto le genera gran tristeza, por lo que pide al señor Miyagi que lo ayude y este, con una técnica personal, logra hacerlo ponerse en pie.
Justo antes de dar a Johnny como ganador del torneo, Ali informa que Daniel sí peleará. Aunque con dificultades y cojeando, Daniel llega entonces al combate, listo para su último enfrentamiento contra Johnny.
La pelea comienza y Daniel logra sacar ventaja, demostrando que tiene una mejor técnica. A pesar del miedo, consigue dos puntos sobre Johnny. Sin embargo, tras lograr empatar, Johnny golpea la pierna lesionada de Daniel, generándole un gran dolor. Debido a esto, llegan a muerte súbita, donde el primero en anotar un punto ganará el torneo.
Daniel tiene gran dificultad para ponerse de pie, pero aun así lo consigue. Al ver a Miyagi, se llena de confianza y se prepara para ejecutar la técnica de La Grulla. Daniel eleva su pierna, esperando el ataque de Johnny. Cuando el round inicia, Johnny se lanza al ataque para conseguir el punto, pero Daniel logra conectar la patada, logrando el golpe definitivo y proclamándose ganador del torneo.
¿Por qué es tan efectiva ?
Karate Kid es una gran película que ha sido inmortalizada en la cultura popular, pero, ¿es en realidad tan buena? En aspectos meramente técnicos, aunque no desentona, no resalta demasiado en ninguno.
Karate Kid destaca porque busca ser efectiva. Y ello no la hace ser menos valiosa, sino, por el contrario, conectar fácilmente con el espectador. Tal vez la historia sea algo que se ha visto mucho, incluso en la propia filmografía del director, quien anteriormente dirigió Rocky (aquí retro-análisis). Conecta con facilidad porque el encanto está en sus personajes. Aunque Daniel sigue el arquetipo del héroe, lo hace de manera única: no es alguien que se presente como perfecto o sea sumamente querido. Lo vemos muchas veces peleando con su madre, siendo celoso con Ali o fanfarroneando.
Por eso su historia atrapa, ya que es un personaje imperfecto que, con ayuda, logra convertirse en alguien mejor. No solo vence el miedo a sus agresores, sino que también cambia su forma de ser; aprende a ser más agradecido con lo que tiene y a encontrar diferentes formas de ver las cosas al entender que, de una situación adversa, puede sacar una mejoría.
Daniel es un gran ejemplo de cómo se puede transformar un personaje arquetípico. Si bien empieza desde la nada y debe enfrentarse a un adversario con la ayuda de un maestro para finalmente vencer al antagonista, lo que le hace interesante son sus defectos y su forma de ser, que permiten que cualquiera pueda empatizar fácilmente con él.
El señor Miyagi
Si bien Daniel es un personaje querido, el señor Miyagi es el corazón de la película. Todo está en la escasa información que se nos da sobre él; pocas veces se nos dice algo personal, pero cuando la película lo muestra, es impactante. Se nos presenta como alguien sabio, la guía de Daniel, pero su propia historia es muy interesante.
También cabe mencionar que Pat Morita no era la primera opción para el papel, pero demostró ser el indicado. Aunque el suyo sea un personaje con poca expresión, su actuación permite conectar mejor con él, ya que solo con la mirada se percibe su felicidad o su orgullo en distintos momentos. Esto le valió a Pat Morita una nominación a mejor actor de reparto en los Óscar.
Desde un primer momento se puede empatizar con él, debido a que vemos el cariño que le guarda a Daniel y cómo busca ayudarlo de todas las maneras posibles. Aunque su método es poco ortodoxo, busca enseñarle su manera de ver el karate como algo personal, que puede llegar a ser incluso espiritual, en lugar de un simple deporte o un método para someter a los demás.
A su vez, también nos muestran un poco de su vida. Esta parte pasa desapercibida muchas veces, pero en la escena donde está borracho, descubrimos que él y su familia fueron prisioneros en un campo de concentración para japoneses en Estados Unidos, donde su esposa murió junto a su futuro hijo. Esto nos da otra visión del señor Miyagi, ya que no ayuda a Daniel solo por naturaleza.
Miyagi ve en Daniel el reflejo de su hijo; al no haber podido ser padre, intenta serlo con él. Esto se nota en detalles como su cumpleaños, los consejos sobre el amor o el auto que le regala. Miyagi ve en Daniel a alguien que, aparte de necesitar un maestro de karate, necesita un guía que lo ayude a mantenerse centrado y no perderse en un lugar donde podría quedar estancado en el resentimiento.
Las peleas
Las peleas de la cinta son un gran acierto, ya que durante el filme son en su mayoría entrenamientos. Las coreografías están bastante bien logradas; en todo momento se siente que se está viendo una pelea real, tal vez no con los movimientos más espectaculares, pero sí con un sentido, y se percibe que el combate puede en cualquier momento inclinarse hacia cualquiera de los dos lados.
Una escena que me gustaría destacar es cuando Miyagi rescata a Daniel de la paliza que le dan los Cobra Kai. Llega sin que antes lo hayamos visto luchar, por lo que hay incertidumbre sobre lo que hará. Sin embargo, se muestra en medio de una luz, casi como una divinidad, donde ni siquiera es tocado por ellos, haciendo ver por encima de los demás y logrando una gran introducción al personaje en el aspecto de karateca, ya que previamente solo se nos lo mostraba hablando con Daniel.
Las peleas del torneo están muy bien logradas. Se ven muchos enfrentamientos diferentes y queda claro que ninguno es invencible. Si bien Johnny avanza con algo más de facilidad que Daniel en cada ronda, se nos muestra que hay otros competidores que también le presentan desafíos. Por otro lado, vemos cómo a Daniel le cuesta avanzar, lo que demuestra que, a pesar de haberse convertido en un gran alumno de karate, no es invencible. Esto le da un mayor peso a la película, ya que las peleas se sienten reales y no como un simple trámite antes del combate final.
You’re the best around
De esto se deriva este breve punto: el soundtrack de la película (Bill Conti) es de lo más destacable, ya que nos sumerge en la historia. En todo momento acompaña las emociones que suceden y, aunque al inicio puede parecer discreto, se transforma poco a poco en momentos más icónicos.
Roger Deakins decía que si los aspectos técnicos distraían la atención de la cinta, eso significaba que no eran buenos, y aunque esto es sumamente cierto, muchas películas como Karate Kid no se recuerdan solo por su excelencia técnica, sino por la manera en que logran hacer sentir al espectador y quedarse en su memoria.
La escena del torneo es muy buena, pero mejora aún más con la canción You are the Best Around que, interpretada por Joe Esposito, la cual transmite epicidad y hace ver a Daniel en un momento de vida o muerte y como si estuviera destinado a ganar. Aquí la tienen por si quieren echarle una oída…
Esto demuestra que, muchas veces, no es la excelencia lo que hace icónica a una película, sino la forma en que usa sus recursos para generar emociones en el espectador.
Karate Kid es una de las películas más icónicas de la historia, cuyo legado ha continuado con dos secuelas directas y la reciente serie Cobra Kai (aquí nuestros análisis). Es una película que vive en la cultura popular por lo que hace sentir; aún con los años, se mantiene vigente, y en un momento donde se da más cabida a las megaproducciones, es bueno recordar que las películas con corazón y que buscan generar un sentimiento en el espectador son las que quedan inmortalizadas en la memoria.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos West Fantasy 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
West Fantasy 1, la nueva serie de fantasía que te va a encantar
En el vasto y diverso panorama del cómic europeo, Yermo Ediciones nos sorprende con una propuesta que desafía las convenciones de género: West Fantasy 1. Esta obra, fruto de la colaboración entre Jean-Luc Istin, Bertrand Benoit y Marco Itri (al menos en este primer tomo), nos sumerge en un universo donde el western clásico se entrelaza con elementos de fantasía y steampunk, creando una experiencia narrativa única.
Para, para. ¿De qué me suenan estos autores, y sobre todo Jean-Luc Istin? Porque Istin es el creador, el alma que está detrás del Mundo de Aquilón, también conocido coloquialmente como Las tierras de Arran, posiblemente el mayor evento en el cómic europeo de este siglo. En esta saga tipo Universo Marvel o DC pero en un mundo de fantasía épica se suceden varias razas, varios continentes y varias colecciones. Actualmente tenemos en liza: Elfos, Enanos, Orcos y Goblins, Magos, Las Tierras de Ogon y temporalmente Las Guerras de Arran que es un cruce entre todas las series.
Pero vuelvo a West Fantasy 1, que es de lo que hoy estamos hablando. Pero con todo esto quería aclarar que estamos ante una nueva colección que ya sólo con los autores y la sinopsis que nos proponen, tiene que ser una compra obligada.
La historia, como podéis leer abajo en la sinopsis sigue a Okaar Albericht, un enano solitario y buscador de oro, cuya rutina se ve alterada al descubrir un monolito mágico en las profundidades de su mina. Este hallazgo desencadena una serie de eventos que lo llevan a cruzar caminos con Isha, una elfa que busca respuestas tras encontrar el cadáver de su hija en las ruinas de su aldea. Ambos personajes, cargados de dolor y determinación, se embarcan en una travesía que los enfrentará a criaturas místicas y desafíos inesperados.
El guion de Istin destaca por su capacidad para fusionar géneros de manera orgánica, incluso mejor que en el Mundo de Aquilón. La ambientación del Salvaje Oeste, con sus paisajes áridos y pueblos polvorientos, se ve enriquecida por la presencia de seres mágicos y tecnología steampunk, creando un mundo donde la magia y la pólvora coexisten. Esta mezcla es algo nuevo, quizás algo que no se había explorado en una serie europea. Y no hablamos de una idea para un tomo o un relato, que todo es posible, sino a través de ese concepto crear un mundo que aquí, en este álbum simplemente se empieza a vislumbrar. Y si todo va bien, en futuros tomos este universo se irá haciendo más grande y denso. Creo que West Fantasy está para quedarse. Ya está programado para final de año el segundo tomo de la colección con 3 nuevas historias para cerrar este primer arco argumental.
El apartado artístico, a cargo de Benoit e Istri, complementa perfectamente la narrativa. Las ilustraciones capturan la esencia del western mientras incorporan elementos fantásticos de manera sutil pero efectiva. En los próximos tomos tendremos en el apartado gráfico a Jean-Paul Bordier, Simone Buonfantino y a Nicolas Demare a los que muchos conocemos del Mundo de Aquilón. Estamos en buenas manos, tenemos serie para rato.
Y una vez más es imposible no establecer paralelismos entre West Fantasy y otras obras del universo de Aquilon, como Elfos y Enanos, también publicadas por Yermo Ediciones. Estas series han explorado previamente la riqueza de las razas fantásticas en contextos variados, y West Fantasy continúa esta tradición al trasladar a estos seres a un entorno inusual pero fascinante. La presencia de un goblin enterrador, por ejemplo, añade un toque de humor negro y complejidad moral que enriquece la trama.
La obra también destaca por su enfoque en los personajes femeninos, representados por Isha, cuya fortaleza y determinación la convierten en una figura central del relato en este primer álbum. Su búsqueda de justicia y comprensión tras la pérdida de su hija añade una capa emocional que resuena con el lector y aporta profundidad al argumento.
En resumen, West Fantasy 1 es una propuesta audaz que demuestra el potencial de la hibridación de géneros en el cómic. La participación de Istin da como resultado una obra que no solo rinde homenaje a los clásicos del western y la fantasía, sino que también aporta una visión novedosa y emocionante. Para los seguidores del mundo de Aquilon y para aquellos que buscan una lectura que desafíe las convenciones, este cómic se presenta como una opción imprescindible.
Una gran obra de weird western, que mezcla steampunk, vaqueros y fantasía con una gran maestría! Okaar Albericht, un enano buscador de oro, con la melancolía como única compañera, da con un monolito gigantesco, un tótem imbuido de magia escondido en el fondo de su mina. Por otro lado, la elfa Isha encuentra el cadáver de su hija entre las ruinas de su aldea, por lo que deberá encontrar al wendigo, la única criatura capaz de ayudarla. Y, entre las dos historias, un goblin entierramuertos que devora cadáveres que va a ayudar a los protagonistas a llevar a término sus objetivos.
‘Daredevil: Born Again’ entra en su recta final y esta semana hemos asistido al penúltimo capítulo y pese a que ha remontado algo con respecto a lo visto anteriormente, creo que no va a modificar mucho mi actitud hacia esta ficción.
El octavo capítulo de ‘Daredevil: Born Again’ cuenta con momentos que logran capturar la esencia del Matt Murdock que conocimos en Netflix, pero el episodio sigue arrastrando problemas en su guion que impiden (bajo mi punto de vista) que la serie despegue como una digna sucesora de su etapa anterior.
Esta serie nos está prometiendo tramas y consecuencias importantes, especialmente en torno a Wilson Fisk, pero sigue teniendo muchos frentes abiertos que veo que no se están llevando todo lo bien que me gustaría. Creo que la confrontación con el periodista en la fiesta y cómo se le castiga me parece contradictorio con la forma en la que Fisk está tratando de llevar sus planes. Me ha dado la sensación que ha sido una forma torpe de mostrar lo duros que son los policías sin ley que trabajan para él.
‘Daredevil: Born Again’ juega a tratar de ser una propuesta dura y con tramas profundas tocando la mafia y el poder político, pero se queda a medio gas. Sé que las comparaciones son odiosas, pero tras haber visto ‘El Pingüino’ de HBO, pues lo que nos proponen aquí se me queda corto. Incluso se está quedando corto con lo que vimos en Netflix.
Las expectativas están jugando en su contra, eso también es cierto, y pese a ser la mejor ficción del UCM hasta la fecha, no está siendo un producto muy destacado.
No me gusta repetirme y como ya he comentado en alguna ocasión, tengo la sensación que se mezclan los momentos y escenas del anterior guion que descartó Kevin Feige con lo rodado posteriormente y hay muchos altibajos que acaban desluciendo lo que nos propone Disney. Un ejemplo de ello es la fiesta en la que hay situaciones tensas y muy bien llevadas, como el baile y cambio de parejas, con otras como la conversación con ‘El espadachín’ que dejan mucho que desear.
Lo siento, y espero que me perdone Michael Gandolfini, pero su personaje me está resultando insufrible y repelente; espero que pronto BB haga algún movimiento para hacer más interesantes sus interacciones porque cada vez que aparece en pantalla es un sufrimiento .
Ayelet Zurer, Charlie Cox y Vincent D’Onofrio continúan brillando y aportando mucho a sus personajes incluso cuando el guion les da material desigual.
Conclusión
Este capítulo de ‘Daredevil: Born Again’ me ha dejado buen sabor de boca, pero no ha sido un manjar que me vaya a cambiar la vida.
Hay secuencias, supongo que las antiguas, que se sienten como relleno y ralentizan (bajo mi punto de vista) la trama principal.
La serie original destacaba por su forma de narrar y sus personajes rotos, donde cada episodio ahondaba más en el conflicto moral de Matt. En ‘Daredevil: Born Again’, aunque hay destellos de eso, se prioriza entretener sin incomodar y se nota en la falta de riesgos y la ausencia de personajes potentes como Frank Castle. El capítulo 8, pese a sus méritos, sigue pareciéndome como un camino hacia algo mayor que nunca termina de llegar.
Aquí os dejo el tráiler de esta nueva temporada de ‘Daredevil: Born again’:
Hay personajes que no necesitan presentación y Superman es uno de ellos. No importa si eres lector habitual de cómics, si solo lo conoces por las pelis de los 70 o si creciste con las series animadas. Kal-El forma parte del imaginario colectivo desde hace más de 80 años. Y sin embargo, da la sensación de que hace tiempo que el cine no sabe muy bien qué hacer con él. Ahí es donde entra James Gunn. Por eso he titulado el artículo James Gunn y su Superman. ¿Logrará hacerlo volar de nuevo a lo más alto?
Desde que se anunció que el nuevo mandamás creativo de DC Studios también dirigiría la próxima película de Superman, se encendieron todas las alarmas (las buenas y las malas). Porque si algo ha demostrado Gunn, tanto con Guardianes de la Galaxia como con El Escuadrón Suicida y Peacemaker, es que no le tiene miedo a nada. Le da igual manejar personajes de segunda fila que íconos del cómic. Siempre busca el corazón de la historia, pero también tiene sus seguidores y sus detractores. Veremos si sale cara o cruz.
¿Qué tipo de Superman vamos a ver?
Lo primero que aclaró Gunn es que esto no es una historia de orígenes. No vamos a ver la explosión de Krypton ni a los Kent encontrando una nave en el maizal. Este Clark Kent ya está establecido, trabaja en el Daily Planet, conoce a Lois Lane, y lleva un tiempo salvando el mundo. Pero está aprendiendo todavía a encontrar su sitio: como héroe, como símbolo, como hombre.
Recuerdo que incluso el Superman de Henry Cavill en gran parte fracasó en taquilla, y es por eso que se quiere cambiar el registro del personaje. Ya no se busca a un Superman oscuro, sino a uno más humano, y James Gunn lo sabe.
El reparto, una declaración de intenciones
David Corenswet será el nuevo Hombre de Acero, y aunque muchos aún lo tienen como una incógnita, físicamente cumple con creces y tiene esa mezcla de nobleza y vulnerabilidad que pide el personaje. Rachel Brosnahan como Lois Lane parece una elección acertadísima (si has visto The Marvelous Mrs. Maisel, sabes de lo que hablo), y Nicholas Hoult como Lex Luthor promete una interpretación más cerebral y menos caricaturesca.
Además, tendremos personajes como Mister Terrific, Hawkgirl o Guy Gardner, lo que indica que Gunn no solo quiere centrarse en Superman, sino empezar a tejer desde ya un universo más amplio, más interconectado y, esperemos, más coherente que el anterior.
Influencias que ilusionan
Gunn ha citado como fuente de inspiración All-Star Superman, la obra maestra de Grant Morrison y Frank Quitely. Recomiendo este cómic encarecidamente. Y si realmente recoge algo del espíritu del mismo, estamos ante una propuesta que puede marcar época. Porque All-Star Superman no es solo un tebeo bonito: es una carta de amor al personaje, una celebración de su legado y una reflexión sobre lo que significa ser el mejor Superhéroe del mundo sin dejar de ser humano. ¿Lo conseguirá James Gunn en el cine? Ojalá.
Un tono diferente, pero con corazón
Lo que más llama la atención de los primeros detalles (incluido el metraje exclusivo de cinco minutos) es que esta película no parece tener miedo de ser luminosa, incluso optimista. Y eso es casi revolucionario hoy día. Ver a Krypto —sí, el superperro— rescatar a Clark herido y llevarlo a la Fortaleza de la Soledad no es solo un guiño simpático. Es una forma de decirnos: “esto va en serio, pero también queremos que te emociones y te diviertas”.
Ojo, esto puedo pensarlo yo, pero seguro que también genera controversia, porque a mucha gente ver al superperro haciendo de las suyas les puede parecer una tontería. Yo lo veo como un guiño a los cómics clásicos, pero no todo el mundo tiene que verlo desde mi punto de vista.
Y sí, puede que haya acción, drama y épica, pero también parece que habrá espacio para la ternura, para la familia, para la conexión real entre personajes.
¿El comienzo de una nueva era?
El reto de Gunn no es pequeño. Tiene sobre sus hombros la tarea de relanzar todo un universo cinematográfico, y lo hace empezando por el personaje más complicado: aquel que representa la perfección, lo inalcanzable. Pero quizá por eso también el más necesario. Porque en tiempos grises, tener un Superman que inspire, que no se esconda detrás de la oscuridad ni la ambigüedad moral, es más importante que nunca.
Esta vez DC quiere hacer de Superman la pieza angular de su nuevo Universo Cinematográfico. Por eso esta película es tan importante, pues si fracasa casi podemos ir diciendo adiós a un mundo de superhéroes a priori tan rico como el de Marvel.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros un cómic de un autor español, que además de ser majo y «apañao», es un grandísimo artista. Vamos a hablar de Dos Espadas, concretamente de su primer volumen integral. Nos lo ha traído Norma Editorial.
Norma Editorial nos está reeditando grandes obras en un formato integral y en el caso de esta gran obra de Kenny Ruíz, nos lo presenta en dos tomos integrales que vienen contenidos en un solo pack, a un precio muy, muy competitivo.
En esta ocasión, vamos a hablar del Integral 1 de Dos Espadas …
Dos Espadas. Integral 1. Norma Editorial.
Cira Dos Espadas es una joven cuya vida no ha sido fácil. Su padre se vio obligado a huir dejando sola a Cira y dejándole como único legado sus enseñanzas en el arte de la esgrima y dos espadas.
Cira se encontró sola en el mundo y se vio obligada a integrarse en una banda de ladronzuelos para sobrevivir.
Bajo el férreo liderazgo de la Mamma, la banda de ladronzuelos aprovecha las aglomeraciones para desvalijar a los distraídos paisanos. Todos los integrantes tienen instrucciones de realizar los pequeños robos y huir sigilosamente hasta su base: El mascarón de Popa.
Pero Cira Dos Espadas no se resiste a probar su esgrima contra la guardia de la villa. Esto hace que se meta en líos constantemente.
Pese a ser de baja cuna, el sueño de Cira es ingresar en la Escuela Unicornia y convertirse en una Primera Espada. Y nunca cejará en su empeño.
No obstante, las cosas nunca salen como uno se lo espera. Cira se encontró con un encarnizado combate entre dos héroes mitológicos y su destino cambiará para siempre.
La edición Integral de Dos Espadas.
Dos Espadas nació originalmente como un cómic europeo con estética manganime ambientado en el Siglo de Oro español.
Se publicó en Francia en 2007 de manos de Soleil pero la obra acabó cancelándose. Tras intentar publicarla en Japón sin éxito, Kenny Ruíz regresó a España para lanzarla en la mítica línea Gaijin de Glenat/EDT, donde se adaptó al blanco y negro y a una narrativa más japonesa y se convirtió uno de los grandes éxitos del manga español…
¡Hasta que volvió a quedar inconclusa!
Fue entonces cuando encontró su hogar definitivo en Norma Editorial, donde pudimos ver el desenlace de las historias y rivalidades de personajes como Cira, Dago, Naga o Fenris.
Ahora este mangañol del incombustible Kenny Ruíz vuelve una vez más, recopilando los 4 volúmenes de la serie original en 2 tomos dobles, en una nueva edición integral en formato kanzenban que no te puedes perder.
Norma Editorial nos presenta esta edición en dos tomos en rústica con sobrecubierta (que se venden en un solo pack), que cuenta con 772 páginas cada uno (20 de ellas en color), en un formato de 14,8×21 cm y cuenta con un PVP de 29€. Todo ello con un sentido de lectura occidental.
Pinchad aquí para obtener más información directamente de la web de Norma Editorial.
Cira Dos Espadas
No queremos desaprovechar la ocasión de facilitaros el vídeo de presentación que nos hace la editora de manga de Norma Editorial:
Kenny Ruíz, el autor español con más suerte que conozco.
Kenny Ruíz. Nacido en Alicante el 12 de noviembre de 1980. Aunque él se siente granadino, puesto que su familia se marchó a vivir a Granada siendo él muy pequeño y allí pasó toda su infancia.
Tras finalizar Bachillerato Artístico, se mudó a Barcelona para matricularse en la Escuela de Cómic Joso.
Kenny es un primera espada del manga español y ha derribado las puertas para cumplir sus sueños. Y es que su trabajo más reciente ha sido con la editorial japonesa Akita Shoten, con la serie Team Phoenix, protagonizada por los personajes de Osamu Tezuka.
Su camino hasta llegar allí ha sido largo, trabajando tanto en el mercado francés, con obras como Telémaco (Dupuis) o El cazador de rayos (Paquet), como el español, don de formó parte de sagas míticas como Las crónicas de Mesene (Dolmen), y ha trabajado en universos como el de Malefic de Luis Royo, con Malefic Time: Soum (Norma Editorial), o el del wargame de miniaturas Infinity, con Outrage, ambientado en la franquicia creada por Corvus Belli.
Es el autor español con más suerte que conozco, puesto que el año pasado perdió su valiosa tableta digital con la que trabaja, tras el Festival Internacional del Cómic de Angouleme y consiguió recuperar el dispositivo, tan solo unos días más tarde. (Esto es una broma privada, pero el hecho es que esto sucedió así).
Valoración final de Dos Espadas. Integral 1.
Tenemos ante nosotros un magnífico cómic de fantasía y aventuras en formato manga (en lectura occidental), muy entretenido, divertido y trepidante.
La obra está excelentemente dibujada por un Kenny Ruíz de hace 15 años, que ha evolucionado en calidad y habilidad desde entonces. No obstante, al leer y disfrutar de de Dos Espadas, nuestra mente se retrotrae a series míticas como Las Crónicas de Mesene o Los Reyes Elfos.
La obra bebe de influencias de los shonen clásicos que tanto le gustan a Kenny, pero esta vez dirigido tanto a chicos como a chicas.
Es una historia más que recomendable tanto para lectores veteranos como para jóvenes lectores. A los lectores veteranos les recordará a la mítica Línea Laberinto y a los lectores más jóvenes les será familiar como cuando lean cualquier otro manga. La única diferencia será hacerlo en nuestro sentido de lectura habitual.
Un excelente tebeo en un gran formato, a un precio muy competitivo (29€). Un regalo perfecto con el que pasarás un muy buen rato.
Pronto os haremos reseña del segundo integral.
Mientras tanto, adentraos en la obra de Kenny Ruíz. Entrad en el mundo de Dos Espadas, disfrutad y sobre todo …
Una de las más curiosas características de esta época de las plataformas de streaming es la de conseguir que películas que habían sido un sonoro fracaso en las salas de cine triunfen cuando se pueden ver gratis (dejando de lado el pago de la suscripción) en dichas plataformas. Puede ser que el espectador no quiera pagar la entrada de cine o porque prefiera verla tranquilamente en su casa, por lo que sea.
Este fenómeno también se da vez en cuando con series antiguas que se estrenaron sin pena ni gloria en su momento pero que tienen una segunda vida cuando se pueden ver de golpe gracias al streaming. El último ejemplo lo tenemos con la serie La Sala, producida por la FORTA (la asociación de cadenas autonómicas) y estrenada en 2019 sin hacer demasiado ruido. Ahora está disponible en su totalidad (ocho episodios de más o menos una hora de duración) en Amazon Prime, donde se ha logrado colocar entre las series más vistas de la plataforma.
Yago Costa, un policía tan inteligente como peligroso
La Sala es un thriller muy bien llevado, con la dosis justa de originalidad y con un protagonista que rezuma carisma. Nos cuenta la historia de Yago Costa (Francesc Garrido), un policía experto en interrogatorios que, de repente, un día asesina a su jefe y amigo en la sala de interrogatorios de la comisaría donde trabajan. A lo largo de sus ocho capítulos veremos dibujada la personalidad de este agente a través de los casos que resolvió antes de cometer el terrible crimen.
La manera en que se nos presentan estos casos es a través de la grabación de un documental que la joven periodista Sara Sibilio (Natalia Rodríguez) está preparando sobre Yago. Y la manera de hacerlo es haciendo una serie de entrevistas con el agente que tienen lugar en una sala de la prisión donde cumple condena por su crimen.
Sara Sibilio, una joven periodista que busca la verdad
El título de la serie está puesto a conciencia ya que gran parte de la acción de la trascurre en la sala de interrogatorios donde Yago hace su “magía” para lograr que los culpables confiesen sus crímenes. Además, irónicamente es otra sala, esta vez de la prisión, donde se la da la oportunidad de contar su versión de la muerte de su compañero Luis Corbarán (Raúl Prieto).
Esta estructura narrativa recuerda en cierto modo a la genial El Silencio de los Córderos, con Yago ocupando el lugar de Hannibal Lecter y Sara el Clarice Starling. Es cierto que el protagonista de esta serie no es tan aterrador como el señor Lecter, pero el juego del gato y el ratón entre los personajes es muy similar ya que Yago es encantador y muy inteligente y parece que su fin es de manipular a la pobre Sara en busca de un beneficio personal.
El primer encuentro de Yago y Sara
El interés de la serie es descubrir porqué un agente tan integro mató a su compañero y la repuesta la vamos a tener a través del hilo conductor que supone una investigación que llevaron a cabo durante muchos años el propio Yago y Luis. Esta investigación les fue llevando de un caso a otro mientras se tejía una complicada red de intereses y de corrupción que Sara trata de desenredar en su documental. En esos casos cobra una gran importancia la figura de la jueza Lola Solozábal (Goya Toledo), un personaje de enorme importancia en la vida tanto de Yago como de Luis.
La serie funciona bien y logra mantener el interés del espectador a costa de complicar el hilo temporal de los hechos. Los casos que nos cuentan están desordenados haciendo que los hechos de uno tengan consecuencias en otros que no vemos en el momento justo, sino episodios más tarde cuando volvemos para atrás en la narración. Es una manera de aumentar el interés ya que parece que estemos ante un puzle, pero como siempre que se hace esto, queda la impresión de que se podría haber simplificado la cosa. Pero claro, esto haría que la serie fuera mas sencilla al ser lineal y eso puede parecer demasiado poco a la hora de querer presentar una producción más sofisticada.
Y si la historia, con todas sus idas y vueltas, es uno de los puntos de interés de la serie, el otro es sin duda su protagonista. Francesc Garrido es uno de esos actores que saben despertar el interés por sus personajes. Su Yago Costa recuerda mucho al Juan Elías que ya interpreto en la magnifica y poco conocida Se Quien Eres, serie emitida en 2017 en Telecinco y disponible ahora en Amazon Prime también. Ambos hombres tienen un aura de misterio, de inteligencia y de peligro que les hacen interesantes y carismáticos, y solo un actor como Francesc Garrido podría darles vida sin caer en la exageración o e histrionismo. También me gustaría destacar el gran trabajo de Goya Toledo, que interpreta a una jueza dura e inflexible que se ve arrastrada al mundo de Yago y que la actriz da vida de manera muy convincente y con muchos matices.
En resumen, La Sala es un thriller que no descubre nada nuevo más allá del papel preponderante de los interrogatorios en su trama. Pero logra mantener el interés del espectador gracias a una historia muy bien cuidada (aunque contada de manera un poco tramposa) y a un protagonista que rezuma carisma por todos sus poros. Una serie ideal para los amantes de los misterios y que es perfecta para maratonear en un fin de semana.
Vuelve The Last of Us y, gracias a la generosidad de HBO, en Las Cosas Felices tuvimos el privilegio de asistir en exclusiva al estreno del primer capítulo de su esperadísima segunda temporada. En la emblemática sala de los Cines Callao de Madrid, los afortunados asistentes fuimos testigos del regreso de esta brutal serie postapocalíptica que, hace dos años, nos dejó con uno de los cliffhangers más impactantes en la historia reciente del medio.
Con una introducción excepcional por parte del guionista y director Craig Mazin —invitado estrella de la noche— volvimos a sumergirnos en ese Estados Unidos gris y desolado, bello y agreste a la vez que peligroso y oscuro. The Last of Us regresa con fuerza, muchas luces y también algunas sombras.
THE LAST OF US, UNA SERIE QUE CAUSÓ IMPACTO
Joel y Gail en terapia.
La serie de 2023 supuso una apuesta arriesgada de por sí. Pese a estar basada en un videojuego sumamente cinematográfico, su traslación a imagen real suponía todo un reto. Aunque para muchos no solo cumplió, sino que superó las expectativas gracias a una impecable factura técnica y a su fidelidad al original, no estuvo exenta de polémicas debido a algunas decisiones de casting y ciertos cambios necesarios, aunque algo chirriantes (¿o es chasqueantes?).
Aun con todo, el gran cuidado de la adaptación y la química entre el Joel del bueno de Pedro Pascal y la enérgica Ellie de Bella Ramsey lograron convertir The Last of Us en un punto de inflexión dentro de las adaptaciones de videojuegos a la pequeña pantalla, especialmente gracias a un final trasladado directamente del material original, tan intenso como controvertido.
Durante el evento de la première, tuvimos el honor de contar con el propio Craig Mazin, quien nos adelantó dos claves importantes para el arranque de esta temporada: la primera, que toda acción conlleva su consecuencia, y que las decisiones de Joel al final de la primera parte jugarán un rol pivotal tanto en su relación con Ellie como en su lugar dentro del mundo de Jackson y más allá; y la segunda, que el Cordyceps —al igual que los humanos— continúa su evolución, adoptando formas cada vez más terribles.
Y sin más preámbulos… vamos al turrón.
BIENVENIDOS A JACKSON
Ellie y Dina, mejores amigas ¿o algo más?
Esta sección contiene SPOILERS
El capítulo comienza con un misterioso grupo de jóvenes Luciérnagas llorando a sus muertos en un cementerio improvisado. Poco después, deciden viajar a la ciudad de Seattle para localizar y dar caza a Joel Miller.
Cinco años después de esta críptica introducción, volvemos a encontrarnos con Joel y Ellie, ahora plenamente integrados en la comunidad de Jackson: una población relativamente grande, protegida y avanzada dentro del peligroso mundo de la serie.
Tras la presentación de algunos de los nuevos personajes más importantes —como Dina, la mejor amiga de Ellie (una brillante Isabela Merced, a quien vimos el año pasado en Alien: Romulus); Jesse (Young Mazino), uno de los jóvenes líderes de la comunidad; y la psicoterapeuta Gail, un personaje original respecto al juego, interpretado por la legendaria cómica Catherine O’Hara—, la serie nos plantea su conflicto inicial: la ruptura en la relación entre un Joel sobreprotector y paternalista, y una Ellie cada vez más decepcionada, distante y rebelde.
A medida que avanza el capítulo, somos testigos de cómo este vínculo quebrantado impulsa a Ellie hacia un comportamiento más y más temerario, mientras que la culpa que corroe por dentro a Joel le impide llevar una vida normal y estructurada.
Tras una tensa escena de acción en la que se nos presenta a un nuevo tipo de infectado —el peligroso Acechador, que ya conocíamos del videojuego—, el colofón llega en una fiesta local, donde descubrimos que Dina y Ellie comienzan a sentir algo la una por la otra. Sin embargo, un desafortunado incidente con un tipo bastante intolerante termina exponiendo hasta qué punto se ha fracturado la relación entre nuestros protagonistas. En una escena especialmente incómoda, Ellie le reprocha a Joel su actitud asfixiantemente sobreprotectora… delante de todo el pueblo. Un vínculo roto que, a priori, parece difícil de enmendar.
Finalmente, el peligro se acerca a Jackson desde varios frentes. No solo los zarcillos del Cordyceps amenazan con colarse dentro de la población, sino que un familiar grupo de jóvenes sedientos de venganza observa el pueblo desde una ladera cercana…
REFLEXIONES FINALES
Venganza.
En conjunto, este capítulo supone un prometedor inicio para la segunda temporada. Cabe destacar la increíble factura técnica y la dedicación del equipo para trasladar el mundo del juego a la pantalla. La fidelidad al material original es realmente impresionante, especialmente para los que conocemos el videojuego.
A nivel narrativo, las nuevas incorporaciones al elenco de The Last of Us se mantienen fieles al original y aportan un aire fresco de manera inmediata. Específicamente, las interpretaciones de Isabela Merced y Catherine O’Hara brillan con luz propia. El capítulo mantiene un buen ritmo, alternando escenas reflexivas y de desarrollo de personajes —marca de la serie— con tensas escenas de acción, donde tememos por la vida de nuestros protagonistas.
Sin embargo, es justo mencionar también algunos puntos negativos, que provienen mayormente del guion y las caracterizaciones. Como veterano de la franquicia, me resulta difícil asimilar la decisión de revelar de inmediato lo que, narrativamente, era uno de los puntos más fuertes de la historia: el misterio en torno al grupo de jóvenes sedientos de venganza y su verdadero objetivo. Revelar este hecho tan temprano, en mi opinión, le resta parte del misterio y la profundidad dramática a la trama, algo que sospecho afectará negativamente al conjunto de la historia.
Además, aunque la temeridad de Ellie tiene un propósito narrativo, tanto su actitud como la de Dina respecto a los infectados resulta desconcertante. Estas criaturas, que en la primera temporada eran tratadas con absoluto temor, ahora parecen haber perdido gran parte de su peligrosidad, como si se convirtieran en un juego para las protagonistas, que incluso se permiten bromear mientras cazan chasqueadores. Ciertamente, el clímax de la escena remarca su peligrosidad, pero la falta de consecuencias le resta fuerza al mensaje.
Finalmente, aunque los mensajes de género e inclusión planteados en el episodio son positivos, la falta de sutileza en ciertas situaciones y diálogos los hace sentir algo forzados. En términos generales, pienso que el principio de show, don’t tell —es decir, demostrar a través de las acciones de los personajes y dejar que el público saque sus propias conclusiones— sería lo ideal en una serie con este grado de profundidad y madurez.
Sin más, esta es nuestra opinión en primicia del primer capítulo de la segunda temporada de The Last of Us, que, por cierto, ya ha confirmado su tercera temporada. Espero que esta reseña os haya resultado útil. No dudéis en dejarnos vuestra opinión sobre el capítulo cuando lo veáis. ¡Sed muy felices!
A pocos días del estreno de la temporada dos, el anuncio ha saltado en las RRSS: The last of us renovada oficialmente con la tercera temporada. Eso era más o menos un secreto a voces. Pero la pregunta es ¿seguirá la serie más allá de los videojuegos?
Y es que ahora pasa lo de siempre, morir por éxito. The last of us ha sido un éxito total en HBO tanto en crítica como en público. Y se suponía que si hubiera una tercera temporada sería la última, o eso dijeron en su momento los guionistas. Ya tenemos la confirmación de la tercera temporada ¿y ahora qué? Desde HBO no han dicho que sea la temporada final. ¿Existe la posibilidad de que debido a la gran acogida de la serie sigan con más temporadas más allá de los videojuegos?
Naughty Dog lleva años hablando de la posibilidad de hacer The last of us parte III, pero por el momento no tenemos nada sobre una tercera parte del videojuego.
Craig Mazin, co-director de la serie ha declarado ayer mismo:
«Nos planteamos la segunda temporada con el objetivo de crear algo de lo que pudiéramos sentirnos orgullosos»
«Los resultados finales han superado incluso nuestros objetivos más ambiciosos, gracias a nuestra continua colaboración con HBO y al impecable trabajo de nuestro inigualable reparto y equipo. Estamos deseando continuar la historia de The Last of Us con la tercera temporada!»
El co-showruner Neil Druckmann ha añadido:
«Ver cómo The Last of Us cobra vida de forma tan bella y fiel ha sido un momento culminante de mi carrera, y estoy agradecido por el apoyo entusiasta y abrumador de los fans. Gran parte de ese éxito se debe a mi compañero de fechorías, Craig Mazin, a nuestra colaboración con HBO y a nuestro equipo de PlayStation Productions.»
«En nombre de todos en Naughty Dog, nuestro reparto y equipo, muchas gracias por darnos esta oportunidad. Estamos encantados de traeros más de The Last of Us!».
Francesca Orsi, vicepresidenta ejecutiva de programación de HBO también ha tenido unas palabras para The last of us:
«Nunca se insistirá lo suficiente en lo orgullosa que está HBO por el extraordinario logro que creemos que es la segunda temporada de The Last of Us.»
«Craig, Neil, Carolyn y todo el equipo de productores ejecutivos, el reparto y el equipo han ofrecido una continuación magistral y estamos encantados de llevar el poder de la narrativa de Craig y Neil a lo que sabemos que será una tercera temporada igual de conmovedora y extraordinaria»
La segunda temporada de The Last of Us trancurre 5 años después de la primera parte, donde nuestro protagonistas se verán arrastrados a nuevos problemas y conflictos entre ellos.
Buenas. Enviamos adjunto las novedades de Planeta Cómic para mayo 2025. Podéis ver debajo la nota de prensa y al final del artículo el PDF.
Nota de prensa de Planeta Cómic para mayo 2025
¡Cuántas buenas novedades nos esperan para el mes de mayo en Planeta Cómic! La primera a destacar sería la novela gráfica La vida incombustible de Salvador Dalí de un dueto memorable: Ian Gibson y Quique Palomo.
El cómic de género USA ofrecerá grandes y candentes apuestas. Desde los thrillers Dark Spaces: Incendio Forestal de Scott Snyder y Hereje de Charlie Adlard hasta los terroríficos Moonshine integral (Eduardo Risso/Eduardo Azzarello) y Grim 3 (Stephanie Phillips/Flaviano).
Lili Ghost será la propuesta especial para los mayores de 6 años, un cómic que refuerza valores como la amistad, la empatía o la superación de los miedos.
De Star Wars se podrá disfrutar de 4 obras: Una novela (Tentación de la Fuerza), el cómic Star Wars Legado ydos adaptaciones de la gran serie de Disney + The Mandalorian (cómic y manga).
Desde Oriente, nos llegarán un sinfín de maravillosas entregas como Kingdom Hearts, Naruto Remix, Dragon Ball, Detective Conan, Inuyasga, Asadora, Yawara, La leyenda de Shim Chong, The Return of the Demon Master, etc Finalmente, aterrizará el primer tomo de Tokyo Babylon de las Clamp y el yuri Un amor de tinta y espuma.
Mark Waid es un refutado guionista de cómics, entre otros muchos del Hombre de Acero. Y es esta figura importante en el 9º Arte quien ha explicado el por qué el mundo actual tan dividido necesita a un héroe como el Superman de James Gunn.
Aunque bien es cierto que el tráiler de Superman ha generado mucho debate, ha batido varios récords de visualizaciones, siendo por tanto una película muy esperada entre los fans. El 2025 puede ser el año de Superman, o en año de su enterramiento, eso se verá en julio, que será el mes del estreno de la cinta.
Y aunque para muchos fans, Superman puede ser un personaje algo anticuado o pasado de moda, cada vez hay más voces que opinan todo lo contrario, como es el caso del refutado guionista Mark Waid, escritor de los 4 Fantásticos o Daredevil en etapas más modernas. Mark Waid también escribió varias series limitadas del Hombre de Acero como Superman: Birthright oBatman/Superman: World’s Finest e incluso Justice League Unlimited.
Hablando con Newsarama, Waid compartió su opinión sobre por qué todo apunta a que Superman será el héroe que este mundo necesita en 2025.
«Creo que con toda la agitación que está ocurriendo, hay una sensación de temor que subyace en cada momento de nuestras vidas, aunque no nos demos cuenta»
«Y Superman es siempre el símbolo de la esperanza. Superman es siempre el símbolo de lo que podemos conseguir si nos unimos, de lo que podemos hacer si tenemos empatía.»
«Lo que podemos hacer si hacemos de la bondad una virtud en lugar de una debilidad»
«Y creo que eso le habla a mucha gente ahora mismo. A mí, desde luego».
Los más jovenes quizás solo conozcan la versión más oscura de Superman, la versión de Zack Snyder protagonizada por Henry Cavill. Y es justo esa versión la que parece que James Gunn quiere borrar de su registro en la nueva vuelta de tuerca del último hijo de Krypton, y volver a las raíces del personaje.
Desde DC saben que esto puede no gustar a muchos fans, pero para ellos parece claro que la versión de Snyder, más oscura no ha calado tanto entre las nuevas generaciones. Si el Superman de Cavill hubiera triunfado no estarían haciendo un reboot completo del Universo Cinematográfico DC. Por tanto este cambio de registro parece estar provocando reacciones positivas entre el gran público, tal y como expresa Rachel Brosnahan, la nueva Lois Lane del cine.
— best of rachel brosnahan (@brosnafan) April 4, 2025
Parece que el bueno de James Gunn quiere adoptar en su cinta una mezcla de todos los géneros, desde la épica a la acción, el humor, el romance… quiere hacer un homenaje al All-Star Superman, el afamado cómic de Grant Morrison. ¿Lo conseguirá? ¿Será una película que pueda contentar a todo el mundo o por el contrario se quedará en agua de borrajas?
La película está protagonizada por David Corenswet en el doble papel de Superman/Clark Kent, Rachel Brosnahan como Lois Lane y Nicholas Hoult como Lex Luthor.
