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Brad Pitt y Tom Cruise juntos (otra vez) sobre ruedas. El cruce soñado que (quizá) no veremos

Imagínate esto: estás en una entrevista, todo tranquilo, y de repente el director de la peli de F1: La película dice: “¿Sabéis lo que molaría? Que Sonny Hayes (Brad Pitt) se reencontrase con Cole Trickle (Tom Cruise), su viejo rival de Días de trueno”. ¿Brad Pitt y Tom Cruise juntos?

Vete preparando y  porque sí, José Kosinski, después de Top Gun: Maverick y su pelotazo F1: La película, fantasea con una secuela que reúna a dos jinetes de carreras legendarios.

Señores y señoras, aquí no hay multiverso barato: es pura ambición Hollywood, de esas que arranca gritos de “¡¿pero cómo no se ha hecho ya?!”. Desde que Brad y Tom compartieron planos en Entrevista con el vampiro no han vuelto a estar juntos en la gran pantalla. Bueno casi se juntaron en Le Mans ’66 pero el cheque era tan gordo que el estudio prefirió bajarse del tren.

Brad Pitt y Tom Cruise


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Retro-Análisis: Días de Trueno (1990), como Top Gun pero con autos… y me gusta más


 

¿Dónde colocamos este comentario de José Kosinski convertido en rumor?

Primero, declara Kosinski en GQ que fantasea con el duelo entre Hayes y Trickle como si fuera un campeonato interestelar. Además, añade sin pudor y acercándose más a la verdad que sería “muy complicado de producir” por las millonadas que cobran ambos actores. Realmente es más un sueño que otra cosa. Y remata diciendo que sueña (por eso antes hablaba de sueños) con esa reunión porque ambos son estrellas… y él ha sido muy suertudo de trabajar con ellos, aunque sea de manera separada.


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¿Y qué pinta esto ahora?

F1: La película ha tenido en taquilla un éxito moderado (603 millones en taquilla mundial, nada mal para Apple Studios) y dejando la puerta abierta a un capítulo 2. Ojo, hacer más de 600 millones en taquilla es una pasada, pero digo éxito moderado porque la cinta costo una fortuna y no es fácil de rentabilizar. Sólo pasando de los 700 millones ya sería un éxito total, por tanto al haberse quedado con los 600 millones hablando de rentabilidad moderada.

Sin embargo Kosinski ya tiene ideas, y la ambición no se le nubla. Pero juntar a Pitt y Cruise es una quimera a día de hoy.


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¿Misión imposible?

¿Sueño imposible? Sí, y precisamente por eso es emocionante: dos presencias míticas del cine de velocidad reencarando esa rivalidad clásica. ¿Se hará? No lo sabemos. Pero si se hace, podría ser la secuela más cara de la historia. ¿Quién lo sostiene? Kosinski y si lo dice es porque alguna posibilidad existe, y eso pasa por convencer a los dos actores para que se bajen el sueldo para esa película, como algo excepcional.

Un saludo y sed felices.

Análisis de Fundación. Temporada 3. Episodio 7

Continuamos analizando la tercera temporada de Fundación, hoy con su séptimo episodio titulado muy apropiadamente El Fin de la Fundación. Creada por David S. Goyer y basada en la exitosa e icónica saga de novelas de ciencia ficción de Isaac Asimov, la serie puede ser vista en Apple TV+.

Bienvenidos nuevamente, psicohistoriadores, a un nuevo análisis de Fundación. El séptimo episodio de esta tercera temporada es uno de los más enigmáticos y abiertos que hasta aquí nos ha dado la serie, a la vez que paradójicamente nos explica el origen del Mulo.

Tanto para el Imperio como para la Fundación, la cosa se complica en una trama que conjuga soledad, amor, libertad, traición, resentimiento y fuga, todo con el excelente apartado visual que, episodio a episodio, caracteriza a esta gran serie.

Pasemos pues a ver qué nos ha dejado el que nos ocupa, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Solo un Hijo

Comenzamos con un flashback que nos lleva al planeta Rossem, en el Borde Exterior, donde nos encontramos con una pareja campesina que vive allí con sus dos hijos, de los cuales el parecido físico del mayor (Toby Dixon) con Pilou Asbæk, no deja dudas de que es la versión infantil del Mulo.

Alarmados ante la visita mensual de los recolectores de la Fundación, y sabiendo que está prohibido tener más de uno, ocultan al menor, aún bebé, y la jugada casi sale bien de no ser porque el llanto del niño les delata. La pareja se ampara en que no es suyo, sino que se lo están cuidando a sus vecinos Barton, pero los hombres de la Fundación dejan en claro que deberá haber un solo hijo cuando regresen en un mes…

Primer Ciudadano

De vuelta a la actualidad, el caos de las naves de la Fundación atacándose entre sí se abate sobre Nueva Términus y Toran carga por la calles a la inconsciente Bayta entre llamas y explosiones sin que haya rastros de Magnifico, al que perdieron apenas comenzar el ataque.

Han Pritcher ve el dantesco espectáculo desde su sitio de reclusión y ruega a su amiga Sephone que le libere, pero esta, dolida, se niega. Desesperado y sin saber qué hacer, se termina infligiendo una violenta mordedura en el brazo y aúlla de dolor para atraer al guardia.

La nave del Mulo se ubica sobre el palacio de la alcaldía y este ingresa triunfalmente acompañado por su séquito y la ya inseparable Skirlet, para esta altura su hija adoptiva. El acomodaticio Indbur le da la bienvenida arrodillado y su servil genuflexión genera no solo nuestro disgusto, sino también el de uno de sus hombres que, al intentar sublevarse, recibe desde atrás un disparo por parte de la guardiana Greer (Krista Kosonen).

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Confirmando que es un traidor, el Mulo le pregunta por el regalo que le prometió y los ojos se le encienden cuando Indbur le menciona a Han Pritcher, pues sabe que esa es su puerta para llegar a Gaal Dornick. En su celda, sin embargo, creen por un momento encontrarle yaciendo sin vida en el piso, pero en realidad es su guardia, lo que significa que Pritcher, tan mentálico como el Mulo, ha logrado engañarlo. Intenta dispararle, pero el arma sustraída al guardia no le reconoce al escaneo y se ve obligado a huir a la carrera.

Consigue llegar a la nave de Indbur y escapar, siendo anoticiado el Mulo de que se ha dirigido hacia el otro lado del planeta, desde donde Sephone da por descontado que iniciará una rebelión por no estar en su naturaleza huir o esconderse…

Irguiéndose orgullosamente como vencedor, el Mulo arenga a los locales instándoles a no lamentar su suerte, sino a verla por el contrario como liberación, además de exigir ser tratado de aquí en más con el título de Primer Ciudadano.

“¿Primer Ciudadano de qué?…” ironiza la pequeña Skirlet ante lo poco que de la Fundación ha quedado y mientras el doble eclipse llega a su fin y el sol de Nueva Términus ilumina la sonrisa triunfal del Mulo…

Camellos y Hurones

En Trántor, las noticias llegadas desde Nueva Términus acorralan a un perdido Dusk que, viendo pasar como un fantasma al camello de Day, da orden de quitar de en medio a todos los animales de este que anden todavía por allí sueltos y dando vueltas.

Su primera reacción es ir en busca de la embajadora Quent, obviamente devastada por la caída de la Fundación, un destino que se avizora también inminente para el Imperio de un momento a otro. Además, a él le quedan solo tres días para su ascenso y lo único que quiere es estar junto a ella y asegurarle su protección, por lo cual le pide que se quede. Quent le dice que, dadas las nuevas circunstancias, no tiene él por qué someterse a su predeterminado final, pero para Dusk su destino es tan inevitable como el del Imperio.

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Hay cena compartida mientras el hurón de Day ronda todo el tiempo por la mesa y, tras el beso contenido que ella dice haber esperado por treinta años, acaban en la cama. Levantándose en la noche, Dusk se cruza nuevamente con el hurón al que, en acto simbólico, pisotea con furia hasta dar muerte…

Lisergia

En Mycogen, y mientras Day se recupera de la descarga que le propinara Oceanglass, esta y Song le interpelan acerca de Demerzel, pues ambas pertenecen a la secta conocida como La Herencia y no puede menos que interesarles sobremanera la aparente presencia de un robot en Trántor.

Él muestra, como prueba, la herramienta de Demerzel con sus marcas identificatorias de la Tierra, pero para terminar de comprobar que dice la verdad, se le somete a un vino de esporas que le hace entrar en un trance alucinatorio bien lisérgico que nos lleva quizás al momento más psicodélico de la temporada (además de magníficamente filmado).

Todo se le curva y se le cruzan imágenes de los otros Cleon y de Demerzel, quien le recrimina por odiarla y él a su vez ella por haberle obligado a cometer equivocaciones. Llamándolo “hombre pequeño”, Demerzel objeta que su plan ya estaba escrito desde antes de nacer, a lo que él replica que nunca nació, sino que fue creado.

El desfile de imágenes continúa y vemos a Dawn, de niño, preguntando a Demerzel si alguna vez se iría. Ella dice que ha tenido varios nombres: Chetter, Eto, Daneel (todos muy conocidos para los lectores de Asimov y, especialmente, de la saga), pero que siempre su función ha sido estar allí para velar por la dinastía y así seguirá siendo, llegando incluso a comparar su suerte con la de una prisionera.

Pero el niño insiste y quiere saber qué haría si pudiera dejar de serlo, a lo ella que responde que, probablemente, crear más robots. Y cuando le pregunta si les abandonaría, su críptica respuesta es que no se puede comparar el amor con la libertad, de lo cual el Day adulto interpreta que, entre ambos, elegiría la libertad.

Terminado el momento alucinatorio, las chicas (qué simpático llamarlas así) quieren saber qué tan posible es sacar a Demerzel de Trántor, lo cual Day no ve posible y además, dice, ella misma no dejaría su lugar. Le incriminan haberla esclavizado, acusación que él rehúye por ser ajeno a su voluntad todo lo relacionado con Demerzel.

Derivando el asunto en autoridad superior, ellas hacen venir a su líder Sunmaster-18 (Blake Ritson) que, analizando minuciosamente la herramienta, le dice a Day que la decisión final sobre él recaerá en el cráneo que corona la misma, lo cual se oye bastante intimidante o, por lo menos, a mí no me gustaría que mi destino dependiese de una calaverita…

Tío y Sobrino

Toran, siempre cargando a Bayta, consigue llegar hasta la Encanto, pero detrás de él lo hace su tío Randu que, cooptado por el Mulo, intenta convencerle de no escapar. Dice que no es tan malo como lo pintan y estarán mejor con él que bajo el yugo del Imperio o la Fundación, pero Toran no cede, así que Randu dispara a los controles de la nave dejándola inútil mientras sus hombres ingresan y capturan a la inconsciente Bayta.

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Sin escapatoria, Toran se mete en una cápsula y la eyecta. Antes de despegar, pide disculpas a su tío por abandonarle, pues bien sabe que no es dueño de sus actos y, al momento de ser la cápsula disparada hacia las alturas, llega a ver tristemente cómo un disparo de los guardias, quizás accidental por estar dirigido hacia él, termina con su vida…

El Origen

El Mulo está muy decepcionado con Indbur y afirma que debe recibir un castigo. Valiéndose de la telepatía, le obliga a ahogarse mientras un nuevo flasbhack nos devuelve a sus días de infancia en Rossem, haciéndonos testigos de cómo sus padres, finalmente, habían optado justamente por ahogarlo para mostrar así un solo hijo a la próxima visita de los recolectores.

Fue entonces cuando el niño manifestó por primera vez su poder e hizo que su padre acabara suicidándose justamente ahogado para luego hacer lo propio con su madre y terminar dejando el niño a los Burton…

Vueltos al presente, le vemos adulto al pie de la Bóveda y encontrándose sonriente, por fin, con el holograma de Hari Seldon…

Balance del Episodio

Sin la intensidad ni el carácter de quiebre del anterior, ha sido un capítulo estéticamente interesante que ha hecho avanzar la trama, a la vez que uno de los más abiertos a interpretación al proporcionar más preguntas que respuestas. De estas últimas, la que menos me ha convencido, contrariamente a la buena recepción general que sé que ha tenido, es el origen del Mulo, por más bueno que haya sido el trabajo del niño Billy Dixon y sorprendente la puesta visual del arco, con esas ciclópeas maquinarias agrícolas que, contrapuestas al ambiente que les hace de marco, remiten muchísimo a las ilustraciones del gran Simon Stålenhag.

Pero no me termina de convencer que le hayan dado al Mulo un origen tan prosaico y mecanicista: un “simple” trauma familiar que, devenido en su primera manifestación psíquica, explicaría su odio por la Fundación.

Aclaremos que en los libros no ha nacido en Rossem, sino en Gaia, planeta que tendrá importancia clave bastante más avanzada la saga. Salvo que así sea también aquí y haya sido adoptado, lo cual podría en parte explicar por qué su padre prefirió salvar a su hijo biológico por encima suyo (y su interés por Skirlet como hija adoptiva). Solo estoy especulando, desde luego, o quizás queriendo ver lo que me gustaría. Habrá que ver si futuros flashbacks ilustran más…

Pero, volviendo a los logros visuales del capítulo, ha sido asimismo impresionante la secuencia psicodélica, cargada de surrealismo, pero también de grandes diálogos e imágenes tan magníficas como sobrecogedoras. Gran detalle que Day vea gigante a Demerzel (la imagen en que se planta desnudo frente al mural podría haber sido portada de algún disco de rock progresivo en los setenta), pues así la habrá visto a lo largo de su vida y, no por nada, ella le llama “hombre pequeño”.

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Las conversaciones entre Demerzel y el niño Dawn, otro de los puntos del capítulo, han sido lo suficientemente crípticas como para no darnos respuestas certeras y ya masticadas, sino dejarnos rumiando las palabras de Demerzel. Emoción muy grande, por cierto y como ferviente lector de Asimov, el que esta mencionase entre sus nombres anteriores a Daneel: un guiño que adelanta bastante la resolución final que llega recién en Fundación y Tierra, último libro de la saga, por lo que no quiero decir nada y ojalá tengamos por delante las suficientes temporadas para llegar al mismo (de momento, la serie sigue primera en la plataforma, lo cual da esperanzas).

La mayor acción ha tenido sin duda lugar en Nueva Términus, con la caída de la Fundación, dos fugas épicas y Bayta siendo hecha prisionera sin siquiera saberlo: a propósito, no recuerdo que en ningún momento de Fundación e Imperio los esposos quedaran en escenarios separados, pero apelo a la memoria de ustedes para saber si estoy equivocado.

Y si Bayta había comenzado en episodios previos a parecerse más a la de los libros, este ha sido el turno de Toran, con una actuación de Cody Fern como hasta aquí no había tenido. Y así como la temporada se empeña en mostrar a Lee Pace exhibiendo pectorales o literalmente desnudo (como en la mayor parte de su arco en este capítulo), también la producción se ha encargado aquí de proveer al actor de una camiseta estratégicamente abierta en el pecho que la mayoría de nosotros no luciríamos igual de bien.

Lo bueno es que ambos son hombres, porque si se tratara de personajes femeninos tendríamos extensos y enérgicos manifiestos en contra de la cosificación y la sexualización. Por si se malentiende: no me genera molestia la exposición, sino risa el absurdo de la contradicción.

El arco de Dusk y Quent ha sido el de ritmo más pausado, pero también el más enigmático, dejando a nuestra interpretación el rechazo visceral que el primero de ambos siente por la presencia de los animales de Day. Tal como lo entiendo, su rechazo es hacia todo aquello que lo ligue a la dinastía o le traiga al recuerdo a los compañeros que le han abandonado.

La soledad ha sido, de hecho, un tema recurrente del episodio y diría en la temporada. Dawn se sintió solo y escapó con Gaal; Day se sintió solo y fue en busca de Song; Dusk se sintió solo y fue por Quent; Demerzel se “siente” sola y dice que, de poder hacerlo, crearía más robots.

En fin, de los cuatro arcos que han compuesto el capítulo, tres me han gustado mucho y el de Rossem me ha parecido el más flojo, no obstante lo cual y como antes he manifestado, merecen destacarse el impresionante apartado visual y la labor del niño que, con gran parecido físico, encarna al Mulo en su versión infantil. Y no solo eso, sino que además muestra bien cómo la Fundación (al igual que en su momento la revolución francesa o la rusa) ha terminado degenerando hacia la burocracia y el autoritarismo. Copiar la historia, decía el bueno de Asimov…

A ver qué nos trae el próximo capítulo, en el que seguramente volveremos a tener noticias de Gaal y de Magnífico, cuya ausencia en este ha sido sugerente.  Les esperamos aquí para analizar. Hasta entonces y sean felices…

Análisis de Outlander: Sangre de mi Sangre. Temporada 1. Episodio 4

Nos acercamos a mitad de temporada y analizamos el cuarto episodio de Outlander: Sangre de mi Sangre, cuyo título es El Corazón de un Soldado. Creada por Matthew Roberts y basada en los personajes creados por la escritora Diana Gabaldon para su exitosa saga Outlander, la serie de Starz, a la vez precuela y spin-off, es emitida por Movistar+ para España y Disney+ para América Latina.

Bienvenidos, forasteros y viajeros del tiempo, a analizar una nueva entrega de Outlander: Sangre de mi Sangre. El episodio que hoy analizamos es el cuarto, lo que significa que el próximo ya nos deja en mitad de temporada. Una vez más, ha pasado de todo en una triple y hasta cuádruple trama que ha seguido esta vez más decididamente a los padres de Claire, aunque sin descuidar a los de Jamie, pues el reencuentro entre Brian y Ellen, aunque breve, se destaca como esperado punto nodal del capítulo.

Vemos además que no hemos abandonado del todo el siglo XX, pues los flashbacks (o flashforwards, según como se los vea, porque el pasado de los personajes es a la vez el futuro) nos siguen ilustrando sobre las historias personales de Julia y de Henry, ayudándonos particularmente a entender los traumas de este último. Y me gustaron mucho las referencias a las hadas, pero ya hablaremos de ello…

Pasemos mejor a ver qué ha ocurrido en el episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí los análisis previos de la serie y aquí los de Outlander, su serie madre.

Cuento de Hadas

Comenzamos con Julia haciendo sus labores en el castillo Leoch y cuajándosele la leche, lo que la señora Porter adjudica a no haber agradecido debidamente a las hadas, torpeza según ella imperdonable que ya es tarde para subsanar. El relato en off de la propia Julia nos pone al tanto de que a partir de ello y a pesar de su formación cristiana, entendió el lugar de las hadas en la cultura de esa gente que, uniendo tradiciones paganas y cristianas (lo que en antropología suele llamarse sincretismo), no encuentran conflicto en creer en ellas a la par que en Dios.

Por otra parte, Porter la anoticia de que el señor Simon está regresando de Edimburgo, lo cual la sorprende por ocurrir antes de lo pensado y sabe que vendrá dispuesto a satisfacer sus deseos carnales. Habiendo ya conseguido lo que quería al acostarse con él para endilgarle un hijo como suyo, no tiene interés en seguir haciéndolo y se produce a sí misma un falso sarpullido para mantenerlo lejos, lo cual consigue.

Una nota del vocero de los Grant (es decir Henry) hace levantar temperatura a Simon, pues dice que no han encontrado prueba de que los Mackenzie conspiren contra ellos, obvia respuesta al intento del viejo por enfrentar a los clanes y evitar el matrimonio entre Ellen y Malcolm. Habida cuenta de ello, y para preocupación de Brian, vuelve a sacar a relucir su plan de arruinar la reputación de Ellen, algo que según él no debería ser muy difícil pues alguna razón habrá habido para que en su momento levantara sospechosas de haberse ido con uno de los Grant.

Bancarrota

En Leathers, Colum pretende que Ellen asista en Inverness al tradicional festival Beltane para entretener y complacer a Malcolm Grant, que estará allí. Ella no solo se niega, sino que dice que no se casará con él e incluso objeta que el matrimonio ya ni siquiera cumple función política ahora que la sucesión del clan está asegurada.

 

Pero Colum objeta que ese no es el único motivo y le enseña el estado en que Jacobo ha dejado las finanzas con sus frívolos despilfarros, arrojándoles prácticamente a la miseria con las cuentas en rojo. El apoyo de los Grant es, por lo tanto, una necesidad económica más que política.

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Dolida por ser simple moneda de cambio a la vez que acusando recibo del cuadro de situación, Ellen se cruza con Dougal y le echa en cara su drástico cambio de postura acerca de la boda cuando siempre estuvo en contra de los Grant y quería, de hecho, casarla con un MacRannoch. Él aduce que, en virtud de su juramento como señor de guerra, su obligación es apoyar a Colum y secundarle en sus decisiones aun cuando no esté de acuerdo.

 

Cobranza

Henry sigue a la búsqueda de Julia. La madama de Inverness a quen recurriera cree haber dado finalmente con la “inglesa de ojos cálidos” que busca pero, para su decepción, la prostituta que le presentan no es Julia. No sabe si entristecerse por seguir sin encontrarla o alegrarse de que no esté metida en un oficio como ese.

Isaac Grant (Brian McCardie) en tanto, ha regresado tras una larga ausencia y, enterado de los reiterados viajes de Henry a Inverness, le recuerda que su principal lealtad es para con ellos y no debe descuidarla. En correspondencia y ante la proximidad de la recogida de rentas entre los campesinos de sus tierras, le confiere el trabajo que antes hiciera su predecesor: nada halagüeño, por cierto, porque recordemos que la última vez nos miraba desde una pica…

Además le encarga que aumente a los campesinos su cuota quincenal a dos chelines sin darle argumento alguno para esgrimir, sino solo porque lo ha decidido. A su pesar, Henry no tiene más remedio que aceptar y, acompañado por Bug (Terence Rae), dirige la recogida que, ya desde un primer momento, plantea problemas. Una mujer que ha enviudado y tiene cuatro hijos ofrece miel en lugar de dinero y Henry acepta, generándole ello no solo la amonestación de Bug, que lo acusa de tragarse “cuentos de mujerzuelas”, sino también el descontento de quienes sí pagaron con dinero…

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Encuentro Nocturno

Habiendo obligado Simon a Julia a ir a ver a un boticario por su supuesto sarpullido, Brian se ofrece a llevarla en carro y, de camino, tienen una charla de pescante. Él le pregunta al respecto de dicha afección y ella no quiere hablar demasiado, lo cual evidencia que miente y Brian bien lo sabe, pero no va a delatarla. Julia le pregunta por qué sigue en Leathers y él responde que nadie querría unirse en pareja a un hijo bastardo, además de que se fue en algún momento y acabó volviendo, aunque no explica por qué.

De pronto se detienen y él la pone al tanto de que están en el límite de las tierras de los Mackenzie y la razón de que la haya llevado allí es que la necesita de mensajera con Ellen, a quien podría llegar recurriendo a la buena voluntad de Glenda Fizgibbons por ser tía de Murtagh.

Julia acepta, pero pide a cambio que la ayude a escapar, a lo que él se compromete. Le habla acerca de su esposo y su deseo de encontrarlo, pero cuando él pregunta las circunstancias de la separación, dice que es complicado.

Ya con las sombras, Julia se llega al castillo Loech y encuentra a Glenda. Mintiendo, dice haberse perdido buscando hierbas medicinales y sido sorprendida por la noche, por lo que necesita algún lugar donde pasarla. Una vez que le es concedido, se entera de cuáles son los aposentos de Julia y va a su encuentro.

Ellen se emociona al enterarse que Brian está en las cercanías y ha arriesgado su vida para contactarla, pero se lamenta de que que su destino esté sellado y en pocos días deba ir al Beltane para encontrarse con Malcolm. Teme además que las hadas le dejen encerrada en la danza de los cien años, un ritual que según ella las mismas celebran en las colinas cercanas a Inverness y que hacen a uno dormirse y despertarse luego de un siglo. Julia no puede evitar preguntar si en el lugar hay una formación de piedras verticales y Ellen dictamina que, obviamente, ya lo conoce…

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Pero Julia sabe que el motivo de su presencia allí es Brian, Al preguntarle a Ellen si lo ama, esta responde que más que a nada en el mundo y acepta salir a verle fuera del castillo, produciéndose así en los bosques el feliz reencuentro en el que vuelven a tomarse las manos como antes en el puente…

Ella le promete a él que logrará deshacer su compromiso matrimonial de alguna forma, pero la conversación es interrumpida porque alguien ronda y Brian debe ocultarse. Se trata de Dougal, a quien llama intriga ver a Ellen allí a tan altas horas y ella dice que salió a rezar, a lo que él, mientras otea la oscuridad sin ver nada, replica que Dios también la escucha en su habitación. Hasta deja deslizar la posibilidad de castigarla a latigazos (nuestro clásico fetichista de cada episodio), pero finalmente se marcha…

Con las luces del alba, Julia y Brian emprenden el regreso a Leathers. Dos cosas están claras para él: que deberá cumplir ahora su parte de ayudar a Julia a escapar y que tendrá que asistir al Beltane si no quiere dejar a Malcolm Grant el terreno libre con Ellen…

Heridas de Guerra

A Henry se le complica la cobranza. Llamándole despectivamente sassenach, uno de los campesinos lo golpea, ante lo cual, súbitamente desencajado y desconocido, se le arroja encima y lo muele a golpes con furia animal hasta dejarlo maltrecho e inconsciente mientras se ve a sí mismo golpeando a un soldado en el frente de combate. Solo la visión en el suelo de su caída medalla de San Antonio le devuelve a la realidad…

Un flashback-forward nos lleva entonces a los días inmediatamente posteriores a la guerra, en que vemos a Henry compartir con Julia una vida de armonía cada tanto interrumpida por sus pesadillas y episodios de crisis que le retrotraen al campo de batalla. Siente que algo se ha roto en él y le manifiesa a Julia no merecerla, pero ella replica no haberse enamorado de ninguna versión suya previa sino del que es y conoció.

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Le regala entonces la medalla de San Antonio (protector de enamorados, matrimonios y viajeros) y le anima a que el bebé próximo a nacer sea su luz-guía, por lo que, de ser mujer, sugiere llamarle Claire, que en francés puede ser tanto clara como brillante.

Enterado Henry por el periódico de que el gobierno relanza la lotería nacional para ayudar a víctimas de la guerra, maldice y se queja de que usarán el dinero solo para comprar más armas. Julia, sin embargo, dice que comprará boletos, lo cual que sorprende a Henry por ser ella defensora de la meritocracia y, a pesar de defender la meritocracia. Julia afirma, no obstante, que hay que dejar siempre algún margen al azar…

De vuelta en el siglo XVIII, esa experiencia le da una idea: ofrecer a los campesinos boletos de lotería a dos chelines con el premio de no pagar la renta por un año, consiguiendo así que quienes tengan algún dinero extra y muestren interés compensen a quienes no puedan pagar con moneda. El resultado es el doble de recaudación, lo cual por un lado gratifica a Isaac, pero también le molesta que Henry haga tantas concesiones y no está dispuesto a permitir que alguien en sus dominios esté un año sin pagar la renta.

Henry se ofrece para que la misma sea descontada de su propia paga, lo cual Isaac acepta. En privado, Bug pregunta después a este si debería matarlo e Isaac responde que de momento solo lo vigile de cerca…

Dulce Espera

En Leathers, un azorado Colum recibe de parte de Ellen su lista de invitados, lo cual pareciera implicar un cambio de postura con respecto a su boda con Malcolm, aunque lo más probable, claro, es que ella esté maquinando algún plan en relación con el Beltane y un eventual encuentro con Fraser.

Henry, por su parte, sigue jugando con fuego y decide ir a hacer una visita a la muchacha cuyos servicios antes rechazara tras sufrir la decepción de que no fuera Ellen. Otro clásico de la franquicia: cuando están tristes por extrañar a la pareja que aman con todo su ser, se consuelan con quien más tienen a mano. Raro, pero esto es Outlander, donde ocurren cosas difíciles de imaginar en la realidad. La cuestión es que Henry acaba en la cama con la joven mientras la orden recibida por Bug de vigilarle de cerca no puede menos que inquietarnos…

Julia, en tanto, ya no puede seguir manteniendo la farsa del sarpullido porque se supone que fue al boticario por ello. Viéndola recuperada, Simon vuelve pues a reclamar dominio sobre su “rosa inglesa” pero ella, jugando la carta que desde el episodio anterior se veía venir, le muestra su vientre y le anoticia de que espera un hijo suyo…

Balance del Episodio

Voy a comenzar por lo que podría de primeras verse como lo menos importante: las hadas. Las referencias a las mismas me han parecido de lo más acertadas y la reflexión de Julia muy aguda desde lo antropológico. Recuerdo una frase sobre el inicio de la maravillosa novela El Unicornio, del gran Manuel Mujica Láinez: “Para leer este libro, o para poder creer en lo que en él se cuenta, es necesario haber creído en las hadas”.

Pues bien, la cultura escocesa y, en general, celta, es muy rica en hadas y la aceptación de ello es lo que lleva a Julia a entenderles mejor, pues como decía otro grande, como el eminente antropólogo Claude Lévi-Strauss, el mito está tan imbricado en las sociedades que carece de relevancia si es verdadero o falso. La cuestión es que esas sociedades lo creen y, para entenderlas, por lo tanto, hay que verlos como si fueran verdaderos: lo que Émile Durkheim llamaría “hechos sociales”.

Perdón por toda esta disgresión introductoria en la que he mezclado literatura, antropología y sociología, pero me pareció digno de mención y le ha dado al capítulo un toque especial, siendo incluso las hadas referenciadas por Ellen en relación al círculo de piedras que permite los viajes en el tiempo.

Por lo demás, ha sido una entrega atrapante y entretenida (diría que más que las últimas temporadas de Outlander), no pudiendo negarse a los guionistas la habilidad de mantenernos prendidos a la trama aun cuando no haya en este caso libros que adaptar, pues Outlander: Sangre de mi Sangre es una historia basada en los personajes de Diana Gabaldon, pero no en particular en alguna novela por ella escrita, sino que en todo caso rellena los huecos e intersticios de las que sí ha escrito y recordemos que la propia autora oficia como asesora y productora ejecutiva de la serie.

Ya he hablado de que la premisa inicial me pareció algo disparatada, pero debo reconocer que la historia a partir de ella está bien llevada y volvemos nuevamente a lo dicho con respecto a los mitos: no importa que te los creas, pero si quieres entender a la sociedad debes tomarlos como tales. Analogía: no importa que la premisa de la serie sea poco creíble; para entender y disfrutar la misma debes aceptarla como válida y no sé ustedes pero yo, por lo menos hasta aquí, lo vengo pasando bien y, como ya he dicho, mejor que en el último tiempo con la serie principal.

La sociedad Julia-Brian pinta para dar buenos frutos desde lo narrativo y no deja de tener su encanto y también su morbo que ambos sean… ¿qué? ¿Consuegros? ¿Cuál sería el parentesco exacto? Los vínculos familiares y sus designaciones (otra cuestión muy ligada a la antropología) son algo con lo que siempre me pierdo un poco, pero la química entre ambos es muy buena y no puede menos que generarnos intriga hasta dónde pueda llegar…

No hay que olvidar que Outlander, como hemos dicho, es un universo en el cual los protagonistas consuelan con amantes la ausencia de sus amadas parejas: lo hizo Jamie, lo hizo Claire y aquí Henry. No sería pues de extrañar que, en la medida en que Brian siga sin poder concretar su relación con Ellen y Julia sin encontrar a Henry, acaben consolándose recíprocamente en brazos (o en la cama) del otro. Y el parentesco antes mencionado y que no supe designar agregaría un toque deliciosamente perverso. ¿Suena loco? Pues no veo por qué y repito: esto es Outlander.

El encuentro nocturno entre Brian y Ellen ha sido claramente el punto nodal del capítulo al remitir a aquella escena del puente. En lo personal, sigo pensando que el enamoramiento entre ambos, para ser tan intenso, se dio demasiado rápido y hubiera requerido quizás algo más de proceso (el de Julia y Henry lo tuvo, aunque más no fuera de manera epistolar)…

Pero lo poco que pueden verse no dejó lugar a ello y lo cierto es que ese encuentro puntual en los bosques fue la versión Outlander de Romeo en el balcón de Julieta. Y ya que hablamos de balcones, eso es precisamente lo que deberíamos ir reservando para presenciar ese festival en Inverness que pinta de lo más jugoso…

El bombazo de Julia al querer endilgarle su hijo a Simon se veía claramente venir y lo habíamos adelantado en el episodio anterior. Necesita salvar a su bebé, desde luego, pero las consecuencias podrían ser tan complicadas como escabrosas y llevar no solo al choque con Henry llegado el momento, sino también a un enfrentamiento a muerte entre este y Simon, que no se anda con minucias para hacer valer su voluntad y seguimos temblando con su anunciado plan de arruinar la reputación de Ellen. Más aún si lo expone cagando: hasta me vino a la cabeza Tywin Lannister en (valga la redundancia) Juego de Tronos…

Y si hablamos de Ellen, nos genera también intriga su cambio de planes con respecto a la boda, pues habrá que ver qué se trae entre manos por debajo de la fachada que le presenta a Colum. A propósito de este último, el episodio ha mostrado un gran trabajo de Séamus McLean Ross, que ya claramente se va convirtiendo en el destacado del elenco. Sus diálogos con Ellen, de hecho, han dejado claras las limitaciones de Harriet Slater, no tan evidentes cuando esta interactúa con otros.

En fin, la serie va bien en la medida en que la multiplicidad de personajes de los primeros episodios va quedando atrás y, siempre y cuando, como ya he dicho y a riesgo ser reiterativo, se acepte (como con la existencia de las hadas) que juega con las reglas del culebrón y así hay que tomarla. Si vas a discutir esas reglas, esta no es tu serie. Tengo ansiedad por ver el próximo episodio y eso, al menos de momento, habla bien de la misma…

Hasta entonces y sean felices…

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 3. Episodio 5

Llegamos a la mitad de la tercera temporada de Star Trek: Strange New Worlds con un quinto episodio de lo más oscuro y siniestro que haya dado la franquicia. La serie, creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, puede ser vista por Skyshowtime para España y por Paramount+ para América Latina.

Hola nuevamente, trekkies y no tan trekkies. Aquí estamos para analizar un nuevo capítulo de Star Trek: Strange New Worlds, en este caso el quinto de la tercera temporada, cuyo título es A través de la Lente del Tiempo y que, respetando la alternancia que este último tiempo viene siendo regla, se caracteriza por un tono oscuro, intenso e incluso agregaría angustiante.

Hay mucho que contar porque ocurre de todo, así que lo mejor es comenzar ya mismo a repasarlo para ver qué nos ha dejado. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA, así como en recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Cenizas de Pasión

Para nuestra sorpresa, la lectura inicial de bitácora la hace el alférez Gamble, convertido desde hace un tiempo en médico subalterno de M´Benga, función que se suponía que iba a desempeñar como sustituto de Chapel hasta que ella volviera. Pero permaneció en la Enterprise después de su regreso y, según manifiesta, se siente bien allí y no tiene demasiado interés en ser destinado a la medicina arqueológica. Lejos estamos de suponer en ese momento que será la primera y última vez que le oigamos recitar una bitácora…

Chapel, en tanto, sigue con Roger, pero los celos nunca mueren y, como quien no quiere la cosa, le pregunta a La’an sobre el carácter de su relación con Spock, a lo que esta responde que no le ponen etiquetas. Quiere además saber cómo se siente Spock con que Roger esté a bordo de la nave y La’an le sugiere preguntárselo ella misma.

Momentos después, Chapel se cruza justamente con el vulcano en el ascensor y hay un silencio recíproco que ella interrumpe para preguntar por qué tiene que ser así cada vez que se encuentran en algún lado. Spock replica que no hay nada de qué hablar y cuando ella pretende indagar en su relación con La’an, él simplemente responde que es una gran instructora de danza, un diálogo que acaba en cuanto Gamble aborda también el ascensor…

Los Inmortales

La Enterprise se está acercando a Valia 9 con el fin de acompañar a Roger en una excavación arqueológica relacionada con tecnología antigua e inmortalidad. Lo de excavación es relativo porque en realidad piensan usar los rayos deflectores de la nave para despejar el terreno.

Roger muestra preocupación por cómo pueda comportarse la tripulación, sobre todo considerando que los M’Kroom, especie local que habita el planeta, no son muy sociables y jamás aceptaron, de hecho, unirse a la Federación. Pike le dice que no tiene por qué preocuparse.

La razón del interés arqueológico es la presencia de señales de tecnología avanzada bajo la superficie, pero dada la poca sociabilidad de los M´Kroom, estos solo han autorizado a descender sobre el planeta a un destacamento de pocas personas, haciéndoles de guía y supervisor un tal N´Jal.

El grupo está integrado por Roger, Chapel, Spock y Uhura, más un Gamble muy emocionado por haber sido designado para la misión y un Beto Ortegas autorizado a acompañar como documentalista a pesar de lo molesto que últimamente viene siendo para la tripulación por filmar todo el tiempo de manera insufrible. La única feliz con su presencia es desde luego Uhura, con quien viene haciendo buenas migas desde aquella fiesta de aniversario de la Federación que casi acabara en una de bodas.

Al exponer el sitio arqueológico a la acción de los deflectores, se revela una gran construcción con aspecto de templo y a cuya aparente entrada hay una inscripción en símbolos no identificables, pero que Roger reconocen por ser los mismos de un anillo que encontró a cientos de años luz de distancia.

Cotejando también con símbolos con de otras culturas, Uhura hace de Champolion y determina que la inscripción reza: “El camino a la absolución, solo con sangre dada libremente”. Suena inquietante y algunos piensan en un altar de sacrificios, pero al ser el panel de ingreso explorado por Chapel, esta se pincha accidentalmente con una aguja cual bella durmiente y la sangre, al caer, abre la entrada. Gamble revisa a Chapel y confirma que nada extraño ha ingresado en su cuerpo…

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Roger está emocionado, pues el hallazgo podría confirmar su teoría de que los M´Kroom son descendientes de una especie presuntamente inmortal que habría alguna vez plantado allí esa estructura. En un guiño a la cultura pop, a Gamble se le enciende el rostro y exclama: “¡Alienígenas ancestrales!”…

Inestabilidad Cuántica

Al entrar, las comunicaciones con la Enterprise se interrumpen y una vasta sala se extiende ante ellos. Por el piso hay diseminados objetos bellos y luminosos, pero también esqueletos: alguien comenta que al parecer quienes construyeron todo eso no eran tan inmortales, pero también quien presume que los restos podrían corresponder a ladrones de tumbas. Al alzar Gamble con extasiada curiosidad un orbe, el mismo estalla y le deja aullando de dolor y con las cuencas de sus ojos vacías. Llevado afuera, es transportado a la Enterprise, donde M´Benga le colocará nuevos ojos.

El orbe explosivo y los cadáveres son para Spock suficiente señal de peligro y prefiere volver, pero Roger, obnubilado, solo piensa en seguir adelante. Para evitar conflictos con los M´Kroom, se pide a N´Jal su parecer y este,en su lengua, responde que nada ansía más su pueblo que conocer más sobre sus orígenes y llegar al centro de su existencia. Siguen adelante, pues…

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Con una cámara-dron, Ortegas explora una sala contigua en cuyo centro hay una extraña escultura azulada que hace que N´Jal lance aterrado una expresión que Uhura traduce como “maligno” y eche a correr hacia la puerta de entrada. Nunca llega: la misma se cierra y rayos azules lo desintegran en plena carrera…

Incomunicados y sin posiblidad de transportarse, los integrantes del grupo debaten si seguir adelante o quedarse allí. La’an dice que la mejor opción es siempre mantenerse activos, así que, para alegría de Roger, eligen el segundo camino.

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Gracias al ADN de Chapel (su firma de entrada) logran pasar a la sala de la escultura, pero cuando La´an y Chapel se acercan a la misma, descubren al girarse que se hallan solas. Debido a que las comunicaciones entre ellos siguen funcionando, consiguen contactar a Spock para enterarse que este y Roger también se hallan solos y lo mismo Uhura y Beto. Las tres duplas parecen hallarse en realidades cuánticas diferentes…

El Despertar del Mal

A bordo de la Enterprise, M´Benga se encarga de atender a Gamble, por el cual siente pesar al haber él avalado su partida en la fallida misión. Pero hay más: por alguna razón, sus ojos no se regeneran y, un escaneo del cerebro lo diagnostica como si estuviera muerto. Al saberlo, el joven alférez entra en pánico y hay que sedarlo.

Pike, en tanto, se reúne con Pelia, Scotty y Samuel Kirk para hablar la situación, especialmente lo referente a la falta de comunicación con el grupo enviado a Valia 9 y la imposibilidad de enviar un grupo a rescatarles al haber los K´Room autorizado solo un pequeño destacamento. Además, se analizó el orbe que dejó ciego a Gamble y la conclusión es que contenía algo desconocido y ancestral que ha sido liberado.

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El rostro de Pelia se llena de aflicción al decir que no se había topado jamás con un objeto tan antiguo, pero que además le quedó la sensación de que lo que fuera que hubiera allí dentro le provocó un miedo indefinible.

En la enfermería, Gamble despierta, pero claramente no es él. Le menciona a M´Benga a su hija Rukiya, que jamás le nombró ni conoció, y le pregunta si está seguro de haberse despedido de ella o de alguna otra entidad que lucía como tal.

Batel, a quien hacíamos recuperada, entra abruptamente desencajada y, comportándose bestialmente, entablando con el poseído Gamble un diálogo claramente agresivo en alguna lengua extraña y lo llama Vezda, en aparente alusión a su especie. Se le lanza encima en feroz lucha, pero llega Pike y su presencia activa en ella algo que le hace salir de su estado mientras Gamble o, mejor dicho, el Vezda, se da a la fuga.

Creyendo que todavía queda algo del joven alférez en la criatura y sintiéndose aún responsable por él, M´Benga sale a perseguirle y le encuentra en los corredores tomando como rehén a un oficial mientras ve con tristeza yacer en el piso a otro al que claramente ha asesinado. Al verlo, algo parece también activarse en Gamble, que claramente lucha en su interior con lo que sea que le ha poseído y se termina entregando mientras manifiesta al médico su deseo de volver a ser quien era. Consultado M´Benga sobre si llevarlo a la enfermería o al calabozo, la respuesta es obvia…

Realidad Invertida

En el templo, Chapel y La’an descubren una serie de símbolos en la base de la estatua que parecen de muy diversas culturas, pero algunos se reconocen como chinos. Eso no es lo más sorprendente: Chapel descubre además que hay señales vitales en la escultura, aunque pareciera estar viva y a la vez no. Una cierta inestabilidad cuántica la envuelve y hace que sus moléculas cambien todo el tiempo.

Spock, en un plano diferente junto a Roger, descubre más orbes luminosos como los de la sala anterior. Uno de ellos se eleva y al llegar a la altura de su vista, alcanza a ver fugazmente en su interior un indefinible y horrendo rostro de pronunciados dientes que le hace gritar aterrado…

Más cosas extrañas: Uhura descubre que en la cámara de Beto siguen viéndose los seis juntos, de lo cual Spock, tras llamarle la atención un corte en su mano que no recuerda haberse hecho, interpreta que se hallan en una dimensión fragmentada, lo que lleva a pensar que, más que un templo, aquello podría haber sido en el pasado un laboratorio de experimentos cuánticos en el que, sin querer, hubieran traído de otra dimensión a las enigmáticas entidades que debieron después encerrar en los orbes. O quizás podría haber sido también una cárcel, agrega La’an yendo algo más allá…

Chapel, a quien su ADN pareciera hacer sentirse más local allí dentro, conjetura que el problema cuántico podría resolverse uniendo los objetos hallados en diferentes planetas y, en efecto, al unir tableta y anillo, todo vuelve a la normalidad y los seis habitan un mismo plano dimensional. Spock ya no tiene su herida en la mano a la vez que, extrañamente, ha desaparecido el camino que conducía a la puerta de la sala, separada ahora de ellos por el vacío.

En ese momento, Spock se corta la mano con la base de la estatua y descubre entonces que están habitando una realidad invertida en la cual los efectos preceden a las causas. El camino hacia la puerta, por lo tanto, debería aparecer bajo sus pies al caminar sobre el vacío, lo cual implica una auténtica pueba de fe. En efecto, así ocurre y Chapel logra abrir la puerta con su ADN, lo cual les permite salir del lugar y restablecer contacto con la Enterprise para ser transportados. Roger, en tanto, lamenta lo que han debido dejar atrás sin siquiera llevarse alguna reliquia…

El Mal existe…

Mientras tanto, en la Enterprise, el Vezda ha vuelto a poseer a Gamble, quien atrae a su guardia y lo estrangula atravesando el campo de fuerza que los separa como si no existiese. Escapado del calabozo, se encuentra con Scotty, Pelia y Kirk, a quienes exige los códigos de control de la nave.

M´Benga aparece en escena y lo apunta con un faser, pero nunca podría dispararle a Gamble y el Vezda bien lo sabe. Menos complejos tiene Pelia, que lo liquida desde atrás provocando que la entidad escape del cuerpo y, cual luciérnaga, sea atrapada al vuelo por Kirk y encerrada nuevamente en el orbe. Deciden de manera conjunta almacenarla en el búfer de transporte, que es prácticamente la nada misma…

Pelia pide disculpas al apesadumbrado M´Benga por haber tenido que matar a Gamble, pero intenta consolarle con que el muchacho ya no habitaba ese cuerpo. Algo similar dice Batel a Pike, quien, ya recuperada, afirma haber sentido dentro de ella algún ente diferente al que poseía a Gamble, posible remanente de las crías gorn que su cuerpo reabsorbió.

Cuando Beto pregunta si las entidades eran malvadas, Spock dice que el bien y el mal son relativos, pero Pelia replica que el mal existe y ha estado allí con ellos. M´Benga envía un mensaje de condolencias a la familia del alférez fallecido y, al irse, la pantalla comienza a parpadear. ¿Sigue entonces la entidad activa en el búfer?…

Balance del Episodio

Uno y uno. Esa parece ser la regular solución de continuidad en esta temporada de Star Trek: Strange New Worlds, ya que, por lo menos hasta aquí, a cada episodio intenso le sucede uno ligero y viceversa. El quinto, por lo tanto, debía ser intenso y no solo lo fue, sino también complejo en su trama (quizás el más complejo hasta ahora) y, por sobre todo, oscurísimo, al punto de, por momentos, parecer más El Exorcista que Star Trek.

Y no es una comparación al azar: hemos tenido un hallazgo arqueológico, un Mal del pasado que fue liberado (sí, me sale escribirlo con mayúscula porque así lo he percibido) y gente poseída hablando lenguas extrañas. Eso sí: me dio pena Gamble, pues le había tomado cariño apenas llegar y pensé que le veríamos algún tiempo más. Por cierto, me pregunto y les pregunto: ¿me engaña la memoria o es la primera vez que en la franquicia la bitácora es recitada por alguien que muere en el capítulo? Apelo a ustedes…

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En algún momento, Spock dice que el mito de la inmortalidad es común a muchas culturas y yo agregaría que también el del Diablo, pues prácticamente todas tienen, con diferente nombre, alguna versión personificada del Mal mismo. ¿Es aquí el mismo concepto? No lo sabemos, pero más que una criatura de otra dimensión, pareció que estábamos ante el propio Lucifer o quizás el infierno, después de todo, no sea más que otra dimensión…

Los caracteres chinos en la estatua son bastante significativos y quizás nuestro concepto del Mal hunda su raíces muy en el pasado y no provenga de este planeta o, al menos, eso sugiere el capítulo que hemos visto. No sé ustedes, pero no pude evitar sobrecogerme ante la expresión con que Pelia (qué enorme actriz Carol Kane) le replicaba a Spock que el Mal sí existe, algo que, desde luego, no se condice con la lógica del vulcano ni con lo que está dispuesto a aceptar. Y, sin embargo, nada respondió pues, claro, bien sabe lo que vio en ese orbe…

¿Y cómo entra Batel en todo esto? Salta a la vista que el remanente gorn está lejos de dejarla en paz. De acuerdo a ello, ¿a qué se debió su reacción tan primitiva ante la presencia del Vezda? ¿Es posible que los gorn y los Vezda hayan sido enemigos mortales en el pasado?

De ser así, los reptiloides siguen dándonos sorpresas y cada vez descubrimos más cosas detrás de lo que había sido solo una escena de lucha libre en un planeta de alta gravedad, pues más allá de lo icónico y, a su modo, sublime de aquel capítulo de la serie original (Arena, 1×18), el gorn nos caía dentro de todo simpático y, si yo fuera Ben Stiller, me replantearía ahora mismo lo de tener sobre algún mueble de mi casa la máscara original que el actor compró en una subasta.

En definitiva, SNW nos ha entregado otro gran episodio, como viene siendo habitual. Lo paradójico es que no me he sentido bien al terminar de verlo, sino invadido por una terrible angustia rayana en el terror, algo que muy pocas veces me pasó en la franquicia.

Y allí reside justamente una de las grandes virtudes de esta serie: la capacidad de generarnos sensaciones contrapuestas sin perder coherencia ni continuidad, pues no tengo duda de que volveremos a saber de los Vezda y ese parpadeo en la pantalla no es un mero problema técnico. ¿Y por qué mencionó específicamente a Rukiya? Ella también ha estado en el búfer, ¿lo recuerdan…?

Pero bueno, ya sabemos que las tramas de SNW no se continúan necesariamente al episodio siguiente, así que probablemente volvamos a saber de todo eso más adelante. Ahora quiero que el próximo episodio me vuelva a hacer reír porque lo necesito.

Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…

Los animes más premiados de la historia (y cómo nos rompieron el kokoro sin pedir permiso)

Hay animes que ves. Y hay animes que se te meten en la médula, te arman un campamento en el alma y luego, cuando menos lo esperas, te apuñalan con una frase bonita y una mirada de ojos enormes y brillantes. Los animes más premiados de la historia.

Hoy no venimos a hablar de animes “buenos”. No.

Venimos a hablar de los más premiados, más reconocidos y, en muchos casos, más emocionalmente destructivos de la historia. Vamos a celebrar la élite del arte japonés con forma de serie animada. Y si no lloras en algún momento de este artículo, revisa si no eres un maldito cyborg de los que salen en Ghost in the Shell.


Libros de ciencia ficción más premiados de la historia: cuando las palabras colonizan planetas


Fullmetal Alchemist: Brotherhood

Los animes más premiados de la historia El dios de los rankings.

No hay lista de “mejores animes de todos los tiempos” que no tenga a esta maravilla en el top 3, y la mayoría lo ponen primero porque NO HAY DERECHO a ser tan perfecto. Argumento brutal, personajes que respiran humanidad, traumas para aburrir y un final que te reconcilia con la existencia.

Premios por doquier: Tokyo Anime Awards, Animation Kobe, MyAnimeList Awards… ¡¡y más corazones rotos que finales felices!!

Attack on Titan (Shingeki no Kyojin)

ataque a los titanes

O cómo pasamos de ver a unos colosos en pelotas comiéndose gente a preguntarnos qué demonios es la libertad y cuántas veces se puede traicionar a un personaje antes de que lo amemos aún más.

Ha barrido con premios internacionales (Crunchyroll Awards a casco porro, incluyendo Mejor Serie, Mejor Animación, Mejor Prota…), ha sido fenómeno social y cultural.

Y lo mejor: cada temporada era una patada en el estómago más fuerte que la anterior.

Your Name (Kimi no Na wa)

your name

Makoto Shinkai nos dijo “esto es solo una historia de amor con intercambio de cuerpos” y nos tiró una bomba nuclear en el pecho.

Ganadora de medio planeta en festivales de animación: Sitges, Annecy, Japón Academy Prize…

Y sí, la gente salió del cine con mocos colgando y con la necesidad urgente de encontrar a alguien a quien no conocía pero sentía que era su alma gemela.

Toma eso, Hollywood.

Demon Slayer (Kimetsu no Yaiba)

demon slayer

Premios, récords de taquilla, y una animación que parece hecha por dioses japoneses con pinceles de fuego y lágrimas de unicornio.

Si viste el episodio 19 de la primera temporada y no te levantaste a aplaudir en tu casa, lo siento, no mereces ver anime.

Ganó todo: desde Anime of the Year en los Crunchyroll Awards hasta Premios en festivales de cine por su película “Mugen Train”.

Spirited Away (El Viaje de Chihiro)

El viaje de Chihiro

¿El anime más premiado del universo? Seguramente sí.

Óscar a Mejor Película de Animación (sí, compitiendo con Pixar), Oso de Oro en Berlín, más premios en Japón que días tiene el año.

Miyazaki no hizo una película: hizo una experiencia espiritual que deberías recetar en terapias.

Estos animes no solo ganaron premios. Se ganaron nuestros recuerdos, nuestras playlists, nuestros fondos de pantalla y, en muchos casos, nuestras decisiones de vida.

Porque no se trata de si un anime tiene 10 estatuillas o 27 galardones. Se trata de si, cuando cierras los ojos, te sigue vibrando el alma con una frase, una mirada, o esa música que empieza suave y termina destrozándote por dentro.

Así que, sí, estos son los animes más premiados… pero lo importante es que tú los viviste como si fueran tuyos.

Un saludo y sed felices.

Novedades de Dolmen Editorial de septiembre de 2025. Vienen con fuerza después del verano.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de septiembre. Y qué pedazo de novedades. Tenemos que verlo todo.

Novedades de Dolmen Editorial de septiembre de 2025.

Ya sabéis que nos gusta seleccionar los títulos que más nos llaman la atención de entre todas las novedades del mes que entra. Este mes de septiembre, lo tendremos muy, muy difícil. Pero vamos a intentarlo.

En primer lugar, debo decir que los packs promocionales que está haciendo Dolmen Editorial, con algunas de sus series, no deberíamos dejarlo pasar. Tanto para picotear alguna de las series y conocerlas, como para aprovechar la oportunidad de hacernos con cómics de gran calidad a un precio imbatible.

Pack Black Max.

Dolmen

En la Línea Albión, tenemos historias trepidantes, realizadas con un ritmo vertiginoso y con un dibujo realmente bueno, por parte de los autores que en esos títulos nos encontraremos. En esta ocasión, con Black Max, tenemos a los lápices a nuestro maestro Alfonso Font.

Tenemos reseña de Black Max en la web, pinchando aquí.

Pack Sammy.

Dolmen

Este pack, lo recomiendo porque soy un fan absoluto de Raoul Cauvin, del que podéis echar un ojo a su biografía pinchando aquí.

Además, tenemos disponibles todos los tomos de Sammy en la web de Dolmen, pinchando aquí.

Pack Mandrake el Mago.

Dolmen

Mandrake el Mago es una de mis asignaturas pendientes. La Colección Sin Fronteras es una de las estrellas de Dolmen Editorial y esta es una magnífica forma de adentrarse en esta línea editorial.

Pinchad aquí para acceder a todos los volúmenes publicados de esta magnífica serie.

Y las dos recomendaciones estrella de este mes de septiembre serán …

1.- Juez Anderson: Satán.

Dolmen

«La oportunidad de una vida eterna a cambio de perder su mente y su identidad para siempre, la investigación de un culto religioso y el enfrentamiento contra el más formidable de los enemigos: el mismísimo Satán.
Estas nuevas amenazas pondrán a la Juez Cassandra Anderson al borde del colapso mental y físico, colisionando de frente con un rígido sistema totalitario.
Alan Grant y Arthur Ranson mantienen el nivel de Shamballa con estas nuevas aventuras de la Juez Anderson. 
Inéditas hasta la fecha en España, este volumen incluye algunas de las mejores historias jamás publicadas bajo el sello 2000 AD.
Crítica social, humor negro de regusto irónico y pesimista, imágenes crudas, tintes sobrenaturales y un espectacular dibujo de Arthur Ranson».

Y la segunda de nuestras recomendaciones es …

2.- Cabezones de las Galaxias. Integral.

Dolmen

«En 2005, Enrique V. Vegas se lanzaba a parodiar la saga galáctica por excelencia. Los tres títulos, Los Cabezones de las Galaxias, El retorno del Cabezón y El Cabezón Contraataca se convirtieron rápidamente en los favoritos del público.
Desde entonces, muchas han sido las películas y series que han pasado por el tamiz de Enrique y su particular estilo, desde la trilogía de precuelas hasta las series más recientes: El Cabezoniano y Asako.
En el 20º aniversario de su publicación, este volumen integral a todo color recopila la trilogía original, homenaje tanto a los seguidores del universo cabezón como a su propio autor».

Enrique Vegas es amigo de Las cosas felices y nos encanta. Podéis pinchar aquí para acceder a todas sus obras, disponibles en la web de Dolmen.

Debo deciros que tenemos varias reseñas de sus obras en la web:

  • Reseña de Leinad (Pinchad aquí).
  • Reseña de Jarripoter: El mago cabezón (Pinchad aquí).
  • Reseña de Takashi (Pinchad aquí).
  • Reseña de Kobe (Pinchad aquí).
  • También podéis echar un vistazo a una entrevista que hicimos a Enrique V. Vegas (Pinchad aquí).

Y hasta aquí las recomendaciones de Dolmen Editorial, previstas para este mes. Un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de la editorial mallorquina.

Echad un ojo, disfrutad, resguardaos del calor y sobre todo …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: Fahrenheit 451 (1966). Bradbury adelantó la actualidad

Basada en una obra de Ray Bradbury datada en 1953, Fahrenheit 451 nos traslada a una sociedad censurada donde la cultura de los libros está prohibida (y con ello el acceso a pensar por uno mismo) para volverla más controlada, dócil y libre de conflictos sociales. Podemos decir que Bradbury adelantó la actualidad de la sociedad en las páginas de su libro.

Cuando la ficción retrata la realidad décadas antes

En 1953 los televisores estaban comenzando su andadura por las casas en países como Inglaterra, pero el autor de la obra en que se basa esta película del siempre brillante François Truffaut, adelantó la dependencia de nuestra sociedad actual a los aparatos tecnológicos. Smartphones, redes sociales, televisores inteligentes, realidad virtual. En ese mundo que nos muestra Bradbury, existen lo que podemos llamar «paredes parlantes» que son lo que hoy conocemos como las SmartTV.

En esos aparatos, el personaje que interpreta de manera convincente una gran Julie Christie (hace dos papeles en la película) de nombre Linda, para sus ratos de ocio viendo lo que emiten a través de ese muro parlante. Noticias, salseo social, etc. Pareciera que Bradbury adelantara la televisión basura y sectaria, el entretenimiento vacío de valores culturales, algo cotidiano en nuestros tiempos.

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Puntos que nos hacen recomendaros esta película

El mundo que rodea a los protagonistas. Truffaut utiliza una estética minimalista y surreal, con elementos despersonalizados. Interesante como detalle el hecho de que los créditos iniciales son narrados por una voz en off en lugar de verlos escritos, lo que refuerza el hecho de que lo escrito está prohibido. Retrata una sociedad sin palabras ni profundidad.

Los lugares donde se rodaron las escenas incluyen barrios modernos británicos donde abunda el estilo brutalista, cosa que ayudó a implementar una ambientación impersonal. Eso retrata la intención de la sociedad de eliminar todo lo que pueda resultar individual y diferente. Todas las casas parecen la misma.

Evidentemente estamos hablando de una película confeccionada en los años 60 del siglo pasado, por lo que los efectos visuales y de todo tipo están limitados. Así y todo, el uso de las pantallas colgadas de la pared a modo de televisores o las cámaras de vigilancia que «brindan» seguridad al ciudadano son reflejos de cosas que tenemos normalizadas hoy en día. A destacar también la banda sonora de un gran compositor colaborador habitual de Alfred Hitchcock, Bernan Herrmann el cual realizó una composición que fue inspiración para otros músicos.

La tecnología retrofututista es otro punto a destacar, el diseño de todo lo que tiene que ver con el equipo de bomberos como ejemplo. Esos uniformes, el vehículo en el que se trasladan de un sitio a otro, la manguera que en lugar de tirar agua para apagar incendios utiliza combustible para causarlos y, para llevar a cabo las purgas ideológicas (quemando libros), nos presenta un mundo donde el libre albedrío no existe.

En la categoría de actuaciones podemos destacar aparte del protagonista Guy Montag en la piel del sobrio Oskar Werner, a la siempre bella y convincente Julie Christie en dos papeles. El de la mujer de Montag, Linda, una persona sumisa, pasiva, conformista con la sociedad en la que vive, y por otro lado, Clarisse, la razón por la que Montag se hará las preguntas pertinentes para su propio desarrollo personal.

Es una libre pensadora, es curiosa, despierta, sensible. Todo lo que no es Linda. Aparte podemos destacar en este apartado al jefe de bomberos, el Capitán Beatty, interpretado de manera convincente por Cyril Cusak.

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Sobre qué temas trata Fahrenheit 451

Aislamiento social. Con el detalle de las llamadas «paredes parlantes» (pantallas de TV) y auriculares, Bradbury nos muestra en su libro, y luego Truffaut en la película, cómo la sociedad puede llegar a aislarse de la realidad. Igual que Linda, que prefiere la alineación a saber realmente qué pasa en el mundo en el que vive, hoy en día mucha gente vive conectada a la tecnología de manera parecida y deshumanizándose en el proceso.

El uso de la tecnología como adoctrinamiento. A través de la prohibición de consumir literatura de cualquier tipo (quemando los libros y deteniendo a sus propietarios), el sistema controla el pensamiento de las personas. Eso sumado a los medios de evasión e «información» (televisores, megafonía, etc) comporta una sensación en la sociedad de control, sumisión y relajación virtual que limita el sentimiento crítico del ser humano. Pareciera que Bradbury hubiera viajado a través del tiempo hasta la actualidad por la gran similitud que su idea tiene con lo que son hoy en día las llamadas «redes sociales».

Pérdida del sentimiento crítico vs resistencia a través del conocimiento. La novela, y la película nos muestran cómo la sociedad que presenta Bradbury prefiere la distracción constante y la comodidad de un ámbito sin convivir con preguntas incomodas y sin la más mínima reflexión. En nuestros días, por ejemplo, la educación se enfrenta al reto de fomentar el pensamiento crítico en contraposición a la sobreinformación superficial de las redes sociales.

La resistencia del conocimiento nos viene plasmado en la película por los llamados «hombres-libro» que representan quizás a lo que hoy en día podrían ser movimientos culturales, bibliotecas, espacios de pensamiento libre. Gente que se rebela en contra de que la sociedad se convierta en un lugar gris, donde todo pueda ser manipulado.

La película, y mucho más la obra literaria, representa muy bien la lucha de la cultura por sobrevivir al avance imparable de la tecnología y a los inputs negativos que tiene (también los tiene positivos evidentemente).

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A quién le recomendamos Fahrenheit 451

A todos los que os guste la ciencia ficción con un presupuesto ajustado, a los que (como me pasa a mí) seáis fans del cine del director de origen francés François Truffaut y, cómo no, a quien quiera descubrir joyas del cine contemporáneo que quizás le hayan pasado desapercibidas. Como decimos más de una vez en esta sección, la mejor forma de aproximarse a este tipo de cine (y en general a todo el llamado «cine clásico») es de manera generosa y con «open mind». Tenemos que tener en cuenta siempre, que se trata de cine hecho más de 50 años atrás (en 2026 cumplirá 60 años), con lo que eso conlleva.

Os dejamos un par de enlaces a artículos relacionados con Ray Bradbury. Sobre tres de sus obras. Crónicas Marcianas, Cementerio para Lunáticos y Zen en el Arte de escribir.

 

El cómic de la semana: Clase Letal Edición de lujo 4

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Clase Letal Edición de lujo 4. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Al grano: hace poco más de un mes Norma Editorial sacó Clase Letal Edición de lujo 4, esa saga que es como Hogwarts, pero con asesinos y metralletas en lugar de varitas. Este integral es el cierre: 424 páginas de cartón duro con sobrecubierta, como me gusta a mí, con cuerpo físico que exige respeto… y que pone fin a la saga original. Acción brutal, secretos que se revientan y un Marcus Arguello cargado de cicatrices físicas y emocionales.

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Tensión terminal en Clase Letal Edición de lujo 4

Rick Remender y Wes Craig (acompañados por la belleza del color de Lee Loughridge) no se andan con tonterías. Este volumen deja claro que la esperanza no sobrevive al choque frontal con la traición. Los niños (los aspirantes a asesinos de Kings Dominion) se enfrentan al examen final, ese que no es de teoría, es de “sobrevive o te borramos”. Aquí los jurados no reparten sobresalientes sino muerte y decepción. Y Remender lo clava.

La descripción oficial lo deja crudo: ¿se entenderán los estudiantes en un mundo que los desprecia? Viejos rencores resurgen y el adelantamiento no es opcional.

Lo visual (y emocional) lo respalda todo

Wes Craig vuelve a dejar la alarma activada: sudor en las mejillas, viñetas que explotan sin cesar, rostros que dicen más que un discurso. El color continuo de Loughridge hace que hasta el silencio meta presión al lector. Dios. Llega un momento en estas 424 páginas en que piensas “quiero una mascota… pero no si va a intentar matarme”. Ese nivel de inmersión enfermiza solo lo provocan cómics como este. En serio, Clase Letal es para mí lo mejor de Rick Remender.

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Una saga que merecía este final

Que Clase Letal Edición de lujo acabe con este tomo no es sorpresa; estamos ante un final de escándalo, un final digno de una gran serie, de las mejores de los últimos años. Aunque la serie televisiva canceló en SYFY, el tebeo sigue ahí, cabalgando en estanterías con orgullo.

Qué se siente al cerrar

Cierra un ciclo. Cierra la adolescencia malcriada de Marcus, de Saya, de María, de todos. Cierra un mundo donde la violencia es la lección diaria y el trauma el idioma oficial. Y lo hace con rabia. No es un final feliz: es un “hasta aquí hemos llegado, y vaya viaje, chaval”. Te deja exhausto, estremecido, con resaca visual.

¿A quién le va a atravesar esto?

Si ya te faltaban dedos en la mano para contar libros que te incendian el cerebro, este es otro. Si te flipó la serie antes, este cierre es tu explosión de nostalgia y crudeza. Si eres nuevo, esta Edición de lujo es una manera perfecta de llegar al final, pero un final con filo y aristas.

En resumen Losada-style

Clase Letal Edición de lujo 4 es una víctima… de muchos kilates: apuñala, sacude y al mismo tiempo te deja agradecido por continuar vivo después de haber leído esta brutalidad. Tapa dura, páginas de calidad salpicadas de sangre, realismo adolescente y una capa de melancolía brutal como postdata. Si te lo cruzas en la librería, no lo duces, cógelo: esta edición es una pasada narrativa y gráfica. Yo ya tengo una necesidad imperiosa de volver a leerlo.

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¿PODRÁN LOS NIÑOS PERDIDOS DE LA GENERACIÓN X ENCONTRAR SU LUGAR EN UN MUNDO QUE NO LES COMPRENDE O SE PERDERÁN EN UN FUTURO LLENO DE INCERTIDUMBRE?

Rick Remender y Wes Craig cierran la historia de los aprendices de asesino llevándolos a una nueva era. Sin embargo, por mucho tiempo que pase, es difícil que las personas cambien y el rencor es aún más difícil de olvidar. Rivalidades llegan a su punto álgido, oscuros secretos son revelados y antiguas injurias deben ser reparadas para los antiguos estudiantes de Kings Dominion.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Norma editorial.

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Un saludo y sed felices.

Análisis de Alien: Planeta Tierra. Temporada 1. Episodio 3

Tras los dos episodios iniciales subidos de un tirón la semana anterior, analizamos lo que nos ha dejado el tercero de esta primera temporada de Alien: Planeta Tierra (Alien: Earth), cuyo título es Metamorfosis. Creada por Noah Hawley para FX y basada en la popular franquicia de Alien, la serie puede ser vista en Disney+.

Bienvenidos, queridos humanos, sintéticos y xenomorfos, a un nuevo análisis de Alien: Planeta Tierra. No sé qué les habrá parecido a ustedes, pero mi sensación es que la serie ha tomado más forma en este episodio, haciéndose más interesante la trama y acentuándose los rasgos que le dan una personalidad propia dentro de la franquicia, sin perjuicio de que siga habiendo cuestiones que no cierren del todo o no terminemos de hacerlas cuajar con la misma.

Pero basta de preámbulo y veamos qué ha ocurrido en este episodio que cuenta con la dirección de Dana Gonzales, de probada experiencia junto a Noah Hawley por haber dirigido episodios de Fargo y Legion, series ambas de las cuales pueden leer nuestros análisis pinchando en los respectivos links. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordar que pueden leer aquí nuestro análisis de los dos anteriores capítulos.

Combate

Habíamos dejado a Wendy siendo separada de Joe por el xenomorfo y saliendo tras ambos mientras dejaba a Slightly al cuidado de los huevos. Oyendo a su hermano gritar, lo encuentra adherido a un muro por una sustancia viscosa en lo que parece el interior de una cámara frigorífica mientras a su alrededor cuelga carne de manera alegórica.

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Él le advierte que es una trampa, pero ella le libera de todos modos y en ese momento aparece el xenomorfo a sus espaldas. Se vuelve para enfrentarlo pero la criatura ha desaparecido súbitamente de la vista de ambos y le oyen caminar pesadamente sobre sus cabezas. Con una cuchilla de desembalar, ella lo ensarta desde abajo y cae un líquido verde que Joe identifica como ácido…

Wendy vuelve a perder a su hermano, empalado desde atrás por la cola del xenomorfo. Acude en su ayuda y logra clavarle un gancho de carnicero y ponerla a dar vueltas.

Mientras combaten, Joe baja la compuerta de la cámara para dejar aislado al alien, pero con tan poca fortuna que también su hermana queda al otro lado, desde donde se oyen forcejeos, golpes y gritos. Desesperado, busca volver a levantar la compuerta y cuando finalmente lo consigue, el xenomorfo yace decapitado en el piso y Wendy se sostiene a duras penas como una muñeca sin baterías, analogía coronada por las notas de una campanilleante melodía reminiscente de cajita musical mientras el clásico fluido blanco de los sintéticos comienza a chorrearle.

Desplomándose, la muchacha pierde el sentido en tanto que él, no menos maltrecho e incluso vomitando, se deja caer a su lado y, antes de quedar igual de inconsciente, promete sacarla de allí…

Niños Perdidos

Kirsh, mientras tanto, pone al corriente a Kavalier de los especímenes alienígenas encontrados en la nave, los cuales pasan a ser para este el principal motivo de interés por los beneficios que podrían reportar. Cuando el billonario pregunta por los híbridos, Kirsh informa que tres están con él y Wendy ha ido por su hermano.

Disgustado, Kavalier pregunta si la ha dejado ir sola y Kirsh responde que se halla en compañía de Slightly, lo cual es para el primero aun peor. Enrostrándole en definitiva ser igual a los humanos y poner solo excusas, le ordena ir por ellos de inmediato…

A todo esto, Nibs (Lily Newmark) una de las niñas híbridas, mira con aprensión a la criatura alienígena que estuvo a punto de sofocarla (un cefalópodo con cabeza de globo ocular y varias pupilas) mientras se pregunta el porqué de que no les hayan permitido retener sus nombres originales y les hayan puesto nuevos en relación con Peter Pan.

Su compañera Curly (Erana James), más conformista y agradecida de que le hayan dado una nueva vida cuando estaba condenada a muerte, lo relaciona con “niños perdidos” que ya no crecen (como adelantáramos en el análisis anterior), pero solo consigue aumentar en Nibs el desasosiego y sobre el final del capítulo veremos a esta última mirándose angustiada al espejo y preguntándose probablemente quién es en verdad o si quedó algo de la que fue antes…

Lo Peor del Ser Humano

Slightly, en tanto, sigue cuidando los huevos como le encomendara Wendy. Un súbito terror se apodera de él al escuchar ruidos, pero termina siendo su compañero Smee (Jonathan Ajayi). Intercambian por igual insultos y bromas mientras se comportan claramente como niños, en definitiva lo que son. Y se ríen mutuamente de que uno haya dicho “cagar” y el otro “mierda”.

En eso están cuando se les aparece Morrow, el cyborg sobreviviente de la nave siniestrada. Los apunta con su arma, pero se relaja al notar el comportamiento infantil de ambos y se conecta a un ordenador para transferirse datos. Ellos le preguntan si es un robot y él dice ser algo todavía peor por llevar consigo, justamente, lo peor del ser humano.

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Al oírles hacer referencia a sus padres, Morrow les espeta que solo son seres sintéticos a los cuales les han hecho creer que los tienen, lo cual enfurece a Slighty y Smee, que bien saben que no es así. Por un momento, casi revelan su verdadera naturaleza y ese desliz pone en alerta a Morrow, quien, extendiendo de su brazo una espada, vuelve a amenazarles y exige que digan qué son realmente, a la vez que instala algo en el cuello de Slightly.

En ese momento llega Kirsh y los híbridos se esconden tras él. Al presentarse en nombre de Prodigy, Morrow le dice que no habla con mandaderos y Kirsh, en forma de ironía, le pregunta de qué país es rey. En clara referencia a Yutani, Morrow dice que ella invirtió mucho dinero e hizo muchos sacrificios por el contenido de esa nave, por lo cual él no permitirá que se queden con lo que es suyo, pero Kirsh le anoticia de que el sacrificado será él si sigue parado junto a un huevo a punto de hacer eclosión. Presa de pánico, Morrow salta al vacío y ya no vuelven a verle…

La Favorita

Finalmente, y con Wendy maltrechos e inconscientes, el grupo regresa a la base de Prodigy y Kavalier ve pasar con ojos extasiados al alien decapitado. Han traído también varios huevos y cuando, en el laboratorio, el “niño prodigio” se acerca incautamente a uno que comienza a latir y abrirse, Kirsh le impele a salir fuera porque esas criaturas buscan huéspedes orgánicos y los huevos se activan ante la presencia de uno.

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Atom Eins (Adrian Edmondson), principal colaborador de Kavalier, interroga a Slightly y Bee poniéndoles al tanto de que sus ojos son cámaras y en la corporación ven todo lo que ellos ven. Pregunta a Slightly por algo que le dijo Morrow antes de saltar y este recuerda que fue una pregunta: “¿Cuándo una máquina deja de ser una máquina?”. Los niños no saben qué significa, pero temen ser encontrados y muertos por el cyborg, tranquilizándoles Eins con que están protegidos en la isla y encontrarán a Morrow antes que él a ellos.

Wendy, en tanto, yace postrada y sin volver en sí, lo cual genera preocupación en Kavalier y cierto cruce con Sylvia, que en su momento le había recriminado por enviar a niños en tan peligrosa misión. Acercándose al primero, Curly lo acusa de tener preferencia por Wendy, lo que él justifica con que fue la primera. No obstante ello, y lejos de matarle esperanzas, le dice que puede considerarse en carrera para ser su favorita…

Todos necesitan Amigos

Mientras tanto, en Nuevo Siam, isla donde se estrelló la nave, el prófugo Morrow se pone en contacto desde un club nocturno con Yutani (Sandra Yi Sencindiver) y, con pesar, la anoticia de que las criaturas alienígenas se hallan en poder de Prodigy. Ella le pide que regrese, pero él objeta que no volverá sin las mismas…

Momentos después, se mete en la mente de un asustado Slightly para ponerle al tanto de que ya sabe qué es lo que él y Smee son. Apelando a una frase que el propio Slightly pronunciara antes, le dice que “todos necesitan amigos” y, antes de dar por finalizada la comunicación, se ofrece a ser el suyo.

En los laboratorios de Prodigy, Kirsh y su equipo trabajan sobre el alien decapitado y logran extraer viva un cría de un huevo. Mientras ello ocurre y como si algo súbitamente se le activara en consecuencia, Wendy despierta y se dirige por su cuenta al lugar sin que Sylvia, profundamente dormida, se dé cuenta.

Al llegar al laboratorio, y aún sin ser vista por nadie, Wendy ve cómo pasan la cría a otro tanque mientras un sonido penetrante le hace perder el equilibrio y termina cayendo al piso, nuevamente sin sentido…

Balance del Episodio

Insisto en algo que dije en el análisis anterior: nunca me convenció ni me pareció atractiva la idea de que los xenomorfos hubieran pasado por la Tierra antes de los hechos de la Nostromo. Pero más allá de que la premisa no sea la que a uno más convenza o guste, de lo que se trata es de determinar si la historia que se desarrolla a partir de la misma está bien contada (en lógica, siempre se dice que un razonamiento puede ser válido aun cuando esté hecho a partir de premisas falsas o equivocadas), así como también, y sobre todo, si la serie tiene algo nuevo para decir…

Creo que este tercer episodio avanza mejor en ambos aspectos, no de forma vertiginosa, pero sí decidida. Las tramas se van poco a poco articulando y generándonos intriga, al mismo tiempo que el tono existencialista, tan distinto del resto de la franquicia, da a la serie un toque propio y personal que se impone como necesario, por no decir obligatorio.

¿Imaginan acaso una serie basada únicamente en xenomorfos persiguiendo a humanos y a estos buscando ingeniárselas para zafarse? ¿Toda una serie así, como si a lo largo de los episodios proyectáramos ocho veces la primera película de Alien con los carretes cada vez más gastados? Por más genial que aquella inolvidable joya de Ridley Scott pueda haber sido (aquí retro-análisis), hay que admitir que su base chocaba con limitaciones al quererla llevar a franquicia, algo para lo cual no había sido concebida: por algo las dos primeras películas no fueron superadas…

Es interesante el planteo de los niños-adultos y las distintas formas de asumirlo, quedando ello perfectamente sintetizado (palabra pertinente) en el contrapunto que sostienen Nibs y Curly. Mientras que una se hunde en la depresión de habitar un cuerpo que no le es propio y sentir que ha perdido su identidad, la otra entiende que recibir un cuerpo y una identidad nueva fue lo mejor que pudo haberle pasado ante la inevitabilidad de un destino que la condenaba a muerte.

Y si hablamos de “niños grandes”, genial la escena en que Slightly y Smee se comportan de modo infantil al ser sorprendidos por Morrow. Me he reído mucho viéndoles actuar en tan abierta contradicción con su aspecto adulto y digno de destacar, en tal sentido, el buen desempeño de Adarsh Gourav y Jonathan Ayaji.

Siguiendo con los actores, reclamábamos un mayor peso de Timothy Olyphant y ya lo tenemos, lo cual se ha visto potenciado por el cruce con otro gran actor como Babou Ceesay y secundado detrás (literal) por los antes mencionados. En esa escena se hallan involucrados quizás los cuatro actores más interesantes de la serie hasta aquí (aunque también se empieza a perfilar un gran trabajo de Lily Newmark) y es ello es lo que la hace impagable, diría lo mejor del episodio.

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Ojo, también hemos tenido un buen momento épico con la batalla entre Wendy y el xenomorfo. Y el hecho de que su definición haya ocurrido en off no le ha quitado intensidad sino contribuido al suspenso y la intriga por lo que viene, pues los problemas que le vemos padecer a Wendy hacia el final del episodio son indicativos de que durante el combate entre ambos aconteció algo que no vimos y que, de alguna manera, les ha dejado unidos.

Como ese, hay otros interrogantes aún por resolver y que, de momento, son lo que más nos hacen chirriar. Los principales tienen que ver con los seres sintéticos (ya sea completos o a medias) y su interrelación con los aliens. La idea pareciera hasta aquí ser que los primeros no son de interés para los segundos, por lo que los huevos solo comienzan a eclosionar en presencia de seres orgánicos. Pero eso no condice del todo con algunas cosas que hemos visto antes en la franquicia, por lo cual habrá que aguardar futura explicación y esperemos que llegue.

Por otra parte, en este tercer capítulo se acentúa el carácter cyberpunk que ayuda a que la serie tenga esa personalidad propia de que antes habláramos y retrocede, por fortuna, cierto toque Disney que habían evidenciado los dos primeros episodios, con decir que Morrow hace su llamado a Yutani desde un club masoquista. Continúan, sí, las referencias a Peter Pan, pero esa es una historia ya universal y previa a Disney, además de riquísima en simbolismos.

Y, una vez más, acertada la banda sonora. Me encantó el momento “floydiano” que acompañó el camino del grupo en su regreso a la base de Prodigy y, una vez más, los créditos finales fueron acompañados por una pieza de rock bien poderosa, en este caso Wherever I may roam, de Metallica, cuya letra, como ocurriera con las canciones anteriormente utilizadas de otras bandas, va en consonancia con el episodio que acabamos de ver, como también con lo que se ve venir:

“…And the Earth becomes my throne, i adapt to the unknown, under wandering stars i´ve grown.. by miself, but not alone…” (y la Tierra se convierte en mi trono, me adapto a lo desconocido, bajo errantes estrellas he crecido, por mí mismo pero no solo…”

En conclusión, no es que la serie me esté todavía volando la cabeza, pero me ha gustado este episodio y siento que va mejorando en hacer avanzar la trama y dejar pendientes preguntas cuyas respuestas nos generan ansiedad y curiosidad. En lo personal, puedo tener siempre mis conflictos con la premisa inicial pero bueno, para ponerlo en términos marvelianos, busco tomar a la serie como un “what if”: algo así como qué hubiera pasado si los aliens llegaran a la Tierra. Ok, perdón, es cosa mía, ya lo sé…

Los espero para analizar el cuarto episodio; hasta entonces y sean felices…

Superhéroes con resaca, o cómo el cine de leotardos con capa no pasa la barrera de los 700 millones por primera vez desde 2011

A ver, ¿te acuerdas de cuando los blockbusters de superhéroes pasaban los 700 millones de dólares en taquilla como si les sobrara el papel higiénico?  Pues ese desfile épico ha hecho una parada este año. Sí, 2025 ha sido, no contando el 2020 del apocalipsis pandémico, el primer año desde 2011 en el que ninguna película de superhéroes haya llegado a ese tope legendario. Pero ojo, vamos tirando, al menos siguen generando dinero, pero muy justitos. Superhéroes con resaca.

Superman porta la bandera y la capa

La que ha ganado la carrera (pero sin despegar del todo) ha sido Superman de James Gunn. Acabará en torno a los 625 millones, nivel “sobrevivimos, pero sin fiesta”. Se espera que acabe algo por encima, pero tanta magia digital y estrenos en las plataformas de streaming se quedará lejos del club de los 700 millones.


Crítica sin spoilers de Superman. Una versión luminosa y fiel al cómic en una divertida película familiar


‘Superman’ (2025) de James Gunn: ¿Un Nuevo Icono o Un Paso en Falso? (Análisis Detallado con Spoilers)


 

Superhéroes con resaca

El resto del batallón: más cuesta abajo que cuesta arriba

Los 4 fantásticos: Primeros pasos se quedará en unos 525 millones estimados. Eso sí, se llevó 118 millones solo en el estreno, pero luego se agotó más rápido que tu paciencia con los spoilers.

Captain America: Brave New World logró 415 millones. Firme, pero sin más. Y Thunderbolts, que estaba vendida como la sorpresa del año, sólo sumó unos 383 millones, lo que no llega a cubrir ni el café de mitad de rodaje.


‘Los 4 Fantásticos’: Primeros pasos (2025) | Funciona como Blockbuster espectacular y da algo de esperanza al UCM. Sin más.


 

¿Y por qué esta debilidad súbita?

Es la fatiga del friki, amigo lector de Las Cosas que nos hacen felices, y si la generosa taquilla tuviera un botón de “ahí lo dejo”, ya estaría presionado. Pero ojo: Superman sí ha roto una racha, y ha superado los 600 millones. Creo que Superman, en el contexto en el que nos encontramos, ha realizado una digna taquilla.

La taquilla Internacional tiene alergia al héroe

James Gunn ya se despachó: “Superman no es Batman”, al menos en el extranjero. Y hay cierto cansancio anti-americano que no ayuda. Así que el héroe patrio arrasa en EE.UU., pero afuera lo reciben con tibieza. Eso sí, Brasil y Reino Unido están entre los que se rinden con ánimo.

El veredicto Losada-style

Mirando el panorama: los superhéroes ya no rompen ningún récord fuera de EE.UU. como antes. ¿Culpa de qué? Quizá del exceso de estrenos, o del público que ahora prefiere quedarse en casa maratoneando. Pero no todo está perdido: Superman resiste. Es como ese amigo-vampiro que aún se reconcilia contigo en bares oscuros después de que dijiste que ya no saldrías más.

Y si este año no se alcanzan los 700 millones pues será señal de que los nostálgicos ya estamos hartos de tanto CGI y queremos ver más historias humanas, más risas por debajo de la capa y menos explosiones por minuto.

¿Tú qué piensas? ¿Se acabó la era de las taquillas blockbuster, o solo se está reescribiendo con otro tipo de éxitos?

Un saludo y sed felices.

‘Peacemaker’. Temporada 2. Capítulo 1 | Un cautivador y prometedor comienzo de temporada

‘Peacemaker’ (El pacificador) ha vuelto y lo ha hecho de una manera contundente y sin perder ni un ápice de fuerza. Esta segunda temporada arranca quemando rueda y demuestra de nuevo lo grandísimo contador de historias que es James Gunn.

El primer episodio, no solo retoma la trama donde la dejó la temporada anterior, sino que ya te lanza lo que va a ser el leitmotiv de la temporada desde el comienzo: ¿Puede un hombre que ha cometido actos atroces realmente redimirse y convertirse en un héroe?

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EN CF: TODOS LOS EPISODIOS ANTERIORES DE ‘PEACEMAKER’


Desde los primeros minutos, la dirección de James Gunn es tan irreverente como siempre, no penséis que ‘Superman’ lo ha ablandado, esta ficción sigue los pasos que marcó la primera temporada o su ‘Escuadrón Suicida’. Incluso la icónica y absurda secuencia de baile de los títulos de crédito, cambiada para esta segunda temporada, se mantiene, como un recordatorio de que, a pesar de la gravedad de los temas, el humor absurdo sigue teniendo mucho hueco en esta obra. Todos sabemos que el Co-CEO de DC Studios sabe sacar la emotividad, bajo esa capa de sátira y violencia, y ya vimos atisbos de su exploración de los sentimientos de Peacemaker. Aquí no va a ser diferente.

Solo hemos visto el primer capítulo y solo podemos hacernos una leve idea de lo que está por venir, pero creo que estamos ante una temporada que va a ahondar mucho más en Chris. El guion ha dejado a un lado su faceta más imbécil y macarra para mostrar su vulnerabilidad y como se ve obligado a afrontar su pasado y que sería de su presente si no hubiese acabado con la vida de su hermano.

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Como buen primer episodio, nos sirve para ponernos en contexto de donde se encuentran actualmente los personajes principales de la temporada anterior sin dejar a un lado el avance de la trama. Harcourt está más rota que nunca y se ha lanzado a un camino de autodestrucción que no es capaz de frenar. Economos parece haber sido el que ha salido mejor parado de todo. Vigilante continúa con su vida ‘normal’, mientras que Adebayo está lidiando con las consecuencias de haber expuesto a su madre y a A.R.G.U.S. Este repaso nos sitúa rápidamente en el mapa, recordándonos lo ocurrido, pero con un dinamismo que conseguirá colarnos esa actualización de esta familia disfuncional sin que quede forzado ni sobre explicativo.

El hilo conductor de este episodio es la lucha interna de Chris por ser un héroe, no solo a ojos de los demás, sino a los suyos propios y creo que eso será lo que conduzca toda la temporada. Los sucesos de la anterior lo dejaron destrozado, no solo por las bajas físicas, sino por la traición. Ahora, en este nuevo capítulo, lo vemos intentando desesperadamente reconstruirse, con ese momento que vimos en el tráiler en el que intenta formar parte de la ‘Justice Gang’ pero el peso de su pasado es omnipresente, no solo en los flashbacks.

El guion de Gunn brilla al integrar el pasado de forma orgánica en el presente. Cada decisión que toma nuestro protagonista, en cada interacción con su equipo, vemos como afloran esas experiencias traumáticas que vivió.

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Y sí, esta temporada, continúa con el humor que caracteriza al cineasta y guionista, como algo más de corazón y emotividad (que tan bien se le dan de escándalo), pero tengamos en cuenta que esto podría estar más cerca de ‘The Boys’ que de ‘Superman’ y este episodio nos lo recuerda con una escena explicita en casa de Chris con drogas y sexo que no va a esconder nada. Y me alegro que su paso por el hijo de Krypton no haya afectado a su forma de escribir ‘Peacemaker’

Siempre ha habido una queja hacia Gunn y es como ha realizado un ‘reboot’ manteniendo lo que a él le ha convenido y aquí de un plumazo lo ‘soluciona’ con la secuencia «Anteriormente en el DCU». Lo que inicialmente parece un resumen de los eventos de la primera temporada, se convierte en un truco para reescribir el final.

Conclusión

Este primer episodio de la segunda temporada de ‘Peacemaker’ es un regreso triunfal con un giro final que nos hace prever hacia donde irá esta ficción de HBO.

Es un recordatorio de que las mejores historias de superhéroes no son sobre quién tiene el poder más grande, sino sobre la lucha interna por superar los baches y las dudas morales.

‘Peacemaker’ habla sobre la redención y el legado del pasado, todo ello envuelto en una capa de humor negro y acción explosiva. Ya vimos algo parecido en ‘Superman’ como todo lo que tiene que ver con Jor-El, Lara y el mensaje. Como el pasado no debería condicionar quienes somos.

Resumiendo, un comienzo impecable que nos deja ansiosos por ver el siguiente episodio y ver si Peacemaker, al final, logrará ser el héroe que desea ser.

Aquí os dejo la secuencia de los títulos de crédito de esta segunda temporada de ‘Peacemaker’:

Un saludo y sed felices.

Nadie 2 ( Nobody 2) Más humor y más violencia

Después de su estreno en 2021, llega a las salas de cine la secuela de Nadie la historia de Hutch (Bob Odenkirk), que, abrazando su lado más violento, continúa realizando misiones. Sin embargo, esto hace que deje de pasar tiempo con su familia, lo que le acaba ocasionando problemas y le lleva a decidirse por unas vacaciones para desconectar de todo. Durante esas vacaciones, debido a sus problemas de ira, se ve envuelto en un nuevo conflicto que pondrá en riesgo su vida y la de toda su familia.

Un mismo estilo

Nadie 2 decide utilizar la misma fórmula que en la primera película, mostrando a Hutch rechazando en un principio la violencia, pero recurriendo a ella finalmente para salvar a los demás. La estructura se mantiene prácticamente igual y tan solo aparecen pequeños conflictos que sirven como excusa para que la situación vaya escalando poco a poco hasta desembocar en auténticas batallas casi de guerra.

Esto, si bien puede resultar algo repetitivo, también juega a favor de la cinta, ya que aunque la historia no sea lo más relevante, la película se vuelve muy entretenida. Desde los primeros minutos queda claro que no pretende ofrecer una trama más profunda o elaborada, sino lanzarse de lleno a la acción y al humor, lo que la hace bastante disfrutable y consigue mantener un nivel muy parecido al de su primera entrega.

Nobody 2 | Official Website | 15 August 2025

Actuaciones carismáticas 

El reparto está repleto de estrellas y en esta cinta cada una tiene su momento. Ninguno ofrece una actuación espectacular, pero sí lo suficientemente entretenida y carismática como para que los personajes resulten interesantes. Y aunque no cuentan con un gran trasfondo, las situaciones a veces absurdas y sus interpretaciones divertidas consiguen que conectemos con ellos, haciendo la trama más llevadera.

Becca (Connie Nielsen) adquiere un mayor propósito, acercando a Hutch a su faceta más cotidiana y alejada de la violencia, al mismo tiempo que actúa como apoyo. Bob Odenkirk, en el papel de Hutch, realiza un gran trabajo: su personaje resulta muy divertido y, gracias al carisma que le imprime, las escenas de comedia ganan fuerza, mientras que en las secuencias de acción tampoco desentona, en gran parte gracias a la dirección de la película. Sin embargo, es el abuelo quien se roba cada una de sus escenas: David Mansell (Christopher Lloyd) aporta un humor aún más disparatado y su caracterización convierte cada aparición en algo todavía mejor.

Nobody 2: de qué trata y cómo ver la película Nadie 2 | MAG | EL COMERCIO PERÚ

Escenas de acción 

Las escenas de acción lo incluyen todo: peleas cuerpo a cuerpo, tiroteos e incluso trampas mortales, que se convierten en lo mejor de toda la película. La cinta se sostiene precisamente en este tipo de secuencias, que en muchas ocasiones resultan exageradas, pero que le sientan aún mejor, ya que transmiten dinamismo y entretenimiento, llevando al extremo todo lo que ya ofrecía la primera entrega.

Destacan especialmente por su ritmo y variedad, ya que abarcan múltiples escenarios que obligan a cambiar las coreografías constantemente. Además, incorporan elementos que como espectador uno jamás imaginaría en una escena de acción, pero que aun así funcionan a la perfección. Todo esto se ve reforzado por una dirección muy acertada: los movimientos de cámara consiguen que las peleas se sientan más frenéticas y que cada golpe tenga peso. Este es, sin duda, el aspecto que hace brillar a la cinta y que confirma que, si lo que se busca es disfrutar de grandes escenas de acción, esta película es la indicada.

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Todo lo demás

Si bien la película tiene aciertos que logran destacar, todo lo demás queda bastante mermado. Al inicio se intentan introducir nuevos conflictos, como la monotonía en la vida de Becca o los problemas de ira de su hijo, pero nada de eso llega a desarrollarse; únicamente sirven como excusa para justificar las vacaciones y luego no vuelven a retomarse, lo que deja una sensación extraña, ya que se plantean como algo importante pero nunca alcanzan un desenlace.

Del mismo modo, el resto de la trama tampoco resulta demasiado entretenido. Aunque las interpretaciones son buenas, no logran compensar las carencias del guion: la dinámica familiar acaba volviéndose aburrida, ya que apenas recibe tiempo en pantalla frente a las escenas de acción, que son el verdadero objetivo de la película. Esto provoca que el resto de personajes se sientan sin propósito. Además, el antagonista carece casi por completo de peso narrativo; no transmite la sensación de ser una amenaza real y, aunque sus acciones resultan llamativas, no aparece hasta la mitad de la cinta, momento en el que el protagonista ya ha demostrado cosas más impresionantes, lo que hace que el villano nunca llegue a sentirse peligroso.

IR Film Review: NOBODY 2 [Universal] — SirkTV

El cine de acción

Nadie 2 muestra una clara influencia de películas de acción que han marcado tendencia en los últimos años, como John Wick. Sin embargo, esto termina jugando en su contra, ya que puede llegar a sentirse repetitiva. No presenta ningún elemento realmente novedoso o que logre destacar, sino que sigue la misma línea que otras producciones del género, lo que la vuelve algo genérica. Y aunque no necesariamente tendría que revolucionar el cine de acción, sí deja la sensación de ser simplemente “una más”.

Movie Review: Bob Odenkirk's assassin sequel 'Nobody 2' fails to hit t...

Aun con sus numerosos y evidentes fallos, Nadie 2 consigue compensarlos gracias a unas escenas de acción muy entretenidas y a una historia ligera que la convierten en una película ideal para pasar el rato. No obstante, también deja entrever cierto desgaste propio de la saturación de este tipo de propuestas.

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 3. Episodio 4

Continuamos analizando la tercera temporada de Star Trek: Strange New Worlds que, una vez más, nos vueve a sorprender, en este caso con un hermoso, disparatado y paródico cuarto episodio titulado Una Hora de Aventura Espacial, lo cual suena a eslogan televisivo retro y tiene sentido. Creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, la serie es emitida para España por Skyshowtime y para Latinoamérica por Paramount+.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies, a nuestro encuentro semanal con una de las series que más amamos de esta maravillosa franquicia que nunca para de sorprendernos. El cuarto episodio de la tercera temporada de Star Trek: Strange New Worlds es, de hecho, uno de esos que rompe todo molde o idea preconcebida, pero que además divierte de principio a fin y juega con algunos elementos de la franquicia que nos son bien conocidos.

Pasemos pues a ver qué nos ha dejado, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

La Última Frontera

El episodio comienza del modo más inesperado, con lo que parece una parodia de la serie original de Star Trek y una nave llamada USS Adventure, al mando de la cual se halla un capitán interpretado por un tal Maxwell Saint, al que sin embargo reconocemos claramente como Paul Wesley, quien ocasionalmente interpreta en SNW al capitán Kirk, con lo que, de alguna forma, se parodia a sí mismo.

También, a pesar de lucir peinados, maquillajes y faldas de los sesenta, podemos reconocer a las dos tripulantes que lo acompañan que, supuestamente interpretadas por Adelaide Show y Lee Woods, no son otras que Jess Bush y Melissa Navia, quienes habitualmente dan vida respectivamente a Chapel y Ortegas.

Todo es cutre y sesentero: colores primarios y chillones, luces que no se sabe qué función cumplen, carretes que no se sabe por qué giran y palanquitas de plástico en los comandos de la nave, sumado todo ello a diálogos patéticamente estereotipados y una trama en la cual un alienígena con movimientos de marioneta y voz burdamente impostada roba neuronas a los humanos de la Adventure que, como consecuencia, quedan inmersos en la melancolía.

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¿Y cómo sabemos los nombres de los falsos actores? Pues porque instantes después se lanza la presentación del capítulo que, en lugar de la habitual, es una de aire retro pero muy bizarro y con claras referencias a la serie original, tanto en el tema de apertura como en el parlamento inicial o en el título mismo (La Última Frontera), además de los enormes caracteres en amarillo bien característicos en donde, justamente, leemos los nombres antes mencionados, así como del creador y escritor (T.K. Bellowes) y la productora (Sunny Lupino).

Tango para dos

Pasados los créditos iniciales, todo vuelve a la normalidad y estamos a bordo de la Enterprise, enterándonos que se están aproximando a una estrella neutrónica y que, paralelamente y a los efectos de recrear a la tripulación, han montado dentro de la nave un gran dispositivo de simulación al que conocemos como… ¡holocubierta!

Vaya sorpresa, pues las salas de simulación recién llegarán a la franquicia con Star Trek: The Next Generation y para eso faltan en la cronología unos cuantos años. Pero SNW viene demostrando respetar el canon y a la larga todo será resuelto de modo no conflictivo con el mismo.

La’an encuentra a Spock ensayando pasos de tango y se prende a la danza estando claro que hay atracción mutua y si creíamos que las aventuras románticas del vulcano habían terminado con Chapel y no le veríamos involucrado en más asuntos de faldas, estábamos equivocados. Sale Chapel y entra La’an…

A esta última, justamente, es a quien se le ha solicitado estrenar y probar la holocubierta y, para hacerlo, elige a un personaje detectivesco de los sesenta llamado Amelia Moon. Hasta donde sé, es ficticio en todo sentido: hay un personaje de ese nombre en una novela de un tal R.J. Roark que no sé quién es y que, intuyo, habrá recibido buena publicidad con esto y de manera gratuita, pero al parecer no tiene nada que ver y tanto el nombre como el apellido del personaje son simple y pura coincidencia. Creer o reventar…

Solo Asesinatos en la Nave

En el escenario así planteado y en la piel de Amelia Moon, La’an debe entonces resolver un caso que tiene que ver con el asesinato de Tony Hart, mandamás del estudio televisivo en el cual se graba La Última Frontera y así es cómo vamos atando cabos. Porque el crimen, en una maravillosa broma de autorreferencia para el mundo de la televisión y el streaming, coincide con el momento en que se había decidido cancelar la serie, pesadilla recurrente de escritores, showrunners y actores.

Las pistas apuntan en principio a la productora Sunny Lupino, quien es interpretada por Rebecca Romijn (Una), ya que al parecer había pedido prestado dinero a la mafia para llevar adelante el proyecto y no podría devolverlo en caso de ser la serie cancelada. Pero muere envenenada y hay que buscar por otro lado…

A la par y en búsqueda de ayuda para resolver el caso, La’an ha hecho ingresar en la simulación a Spock, que no está caracterizado como nadie en particular sino que es simplemente Spock, haciéndole su aspecto extraño a los ojos de todos allí. Por cierto, es la primera entrada del vulcano a una holocubierta y muy probablemente termine siendo la única en toda la franquicia, pero no nos adelantemos…

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Las sospechas, en tanto, siguen pasando de uno a otro: una representante artística encarnada por Celia Rose Gooding, un increíble e irreconociblemente caracterizado Anson Mount como el alcohólico escritor Bellowes, un desternillante Babs Olusanmokum como bohemio artista afro con aires beatnik y, por supuesto, los actores principales de la serie, que corren peligro de perder su trabajo y ello los hace también sospechosos.

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Y el Asesino es…

Pero fuera de la holocubierta hay problemas y graves. La estrella de neutrones está afectando de manera preocupante a la Enterprise, que es chupada por una erupción de radiación y no tiene energía suficiente para escapar porque la holocubierta está consumiendo demasiada (ya empezamos a entender por qué la dejarán luego de usar). Se le pide a Scotty que resuelva el asunto, pero el problema está también afectando a la propia holocubierta y no hay manera de establecer contacto con La’an ni tampoco de dar cierre a la simulación: la única forma es que La’an resuelva su caso.

Avergonzado por no encontrar una solución, Scotty va ver a Uhura casi de incógnito y esta le sugiere que entre él mismo a la simulación para poner a La’an al tanto de la situación y que apure la resolución del caso o, de lo contrario, colapsa la nave.

Para colmo de males, el mencionado caso está cada vez más complicado y hay peligro para La’an y Spock: una araña de luces casi aplasta a la pareja al desplomarse y ella luce en su rostro un corte que evidencia que la simulación, por muy holográfica que sea, puede hacerles daño e incluso matarles.

Hasta que La’an da en la tecla y se da cuenta que Spock no es Spock sino un holograma, un engaño montado por la holocubierta a los fines de darle un buen enigma para resolver. Y el falso Spock es desde luego el asesino, con lo cual el caso queda resuelto y la simulación llega a su fin.

Scotty, mientras tanto, ha logrado un desvío de energía de treinta segundos, suficiente para poner a la Enterprise en aceleración warp y escapar de la mortal estrella neutrónica. Todo vuelve a la normalidad y el informe de La’an sobre la holocubierta es contundente: no es conveniente su implementación. Al menos, como sabemos, de momento. Canon resuelto…

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Una va a ver a Scotty y le preocupa que no sepa pedir ayuda o crea siempre poder hacer todo solo, lo cual claramente tiene que ver con las heridas psicológicas que le ha dejado su traumática experiencia en la Stardiver. La’an, por su parte, va a ver a Spock, que sigue practicando sus pasos de baile. El vulcano quiere saber cómo hizo para darse cuenta de que el holograma no era él y ella dice que lo encontró como una versión suya exageradamente lúcida, lógica y fría. Cuando Spock replica que así es cómo suele verlo la gente, ella dice que detrás de sus ojos ve algo más y la cosa acaba en beso (!!!).

Balance del Episodio

Todo lo que hasta aquí hayamos dicho es poco para dar cuenta de la capacidad de sorprendernos que, para bien, tiene esta serie. Quizás haya quien prefiera una historia con más continuidad y uniformidad en el estilo de Star Trek: Picard, lo cual es válido, pero eso le quitaría personalidad a SNW y lo genial del asunto (y que hace grande a la franquicia) es que sus series no son iguales entre sí. De hecho, en 2026 llega Starfleet: Academy (aquí el tráiler), que promete ser la primera “estudiantina” en una franquicia que por suerte no para de expandirse ni de buscar “nuevos y extraños mundos”.

El episodio fue genial y sumamente hilarante, al punto que tuve que ver dos veces la esperpéntica presentación inicial porque a la primera vista no había podido prestar atención al guion de tanto reírme y de lo obnubilado que estaba ante un espectáculo tan magistralmente cutre. Y ya avanzado el capítulo, los actores del elenco han demostrado no solo solvencia, que ya les conocemos, sino una increíble versatilidad al tener que interpretar a personajes tan diferentes de los suyos habituales.

Lo de Anson Mount y Babs Olusanmokun ha sido deslumbrante, pero nadie se ha quedado atrás y Paul Wesley (que en sus primeras apariciones no me convencía) está cada vez mejor y es como que para esta altura ya me ha tapado definitivamente la boca. Toda esa escena inicial en la cual tiene el difícil desafío de interpretar a un actor que sobreactúa es una enorme prueba de fuego de la que sale airoso. Y no sé si será así, pero me queda la sensación de que los actores, en general, se divierten y lo pasan bien, lo cual suma…

Seguramente lo de la holocubierta nos hizo chirriar por algún momento, pero todo fue muy bien resuelto, pues la misma puso en peligro a la nave y tiene lógica que hayan decidido ponerla a descansar, como también la tiene que haya existido algún prototipo antes de la definitiva. Y el hecho de que Spock (o mejor dicho su holograma) fuera el asesino es un detalle genial porque de todos los que se hallaban en esa simulación era justamente el único que estaba en teoría haciendo de sí mismo y no simulaba. Paradoja…

Lo que sí vemos es que, contrariamente a lo que habíamos creído, la pesadilla gorn no terminó del todo (aunque no tuvimos referencias a ellos en el episodio ni a los problemas de conducta que vienen afectando a Ortegas), como tampoco los amoríos de Spock, que busca refugio en brazos de La’an tras el desconsuelo de que Chapel se apareciera dos episodios atrás (literal, porque se transportó) con novio nuevo.

Es obvio que tampoco esa relación llegará a buen puerto y habrá qué ver qué vuelta de tuerca encuentran para explicar que el vulcano se vuelva en el futuro tan remiso a los sentimientos que hasta aquí no le eran del todo ajenos y a los que de tanto en tanto permitía entrar en conflicto con su lógica imperturbable. Eso sí: verlo bailar un tango fue de lo mejor que le hemos visto hacer en la franquicia cuando creíamos que lo de la salsa era insuperable…

En definitiva, y una vez más, hemos visto un brillante episodio y está claro que SNW sigue siendo una caja de sorpresas de la cual no sabemos qué saldrá con cada capítulo. Como uno de esos antiguos y divertidos chascos que se vendían en las jugueterías. ¿O acaso alguien podía esperar una introducción tan bizarra y descabelladamente cutre como la que hemos visto?

Una entrega disparatada, sí, pero en el buen sentido, como el musical con los klingon o el crossover con Lower Decks. Todos episodios que solo podemos agradecer, pues no puede sino ser motivo de celebración que una franquicia de casi seis décadas no pare de sorprender y reinventarse sin, por ello, traicionarse a sí misma.

A ver con qué nos sorprenden la próxima. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…

Las 5 Novelas gráficas imprescindibles que tienes que leer este verano

El verano es esa época en la que buscas refrescarte tras las voluminosas hebras del sol ardiente, siendo el momento perfecto para sumergirte en el entretenimiento de grandes historias que te ayuden a paliar los efectos del calor. Uno de los mejores formatos para conseguirlo son las novelas gráficas, ya que las líneas visuales del cómic, logran trasladarte a infinidad de lugares fantásticos con los que evadirte, durante unas horas, de la cotidianidad que te rodea.

Ya sea en la playa, en una terraza bajo la sombra o saboreando la tranquilidad de una tarde con el aire acondicionado de tu casa, estas obras lograrán atraparte desde su primera página. Espero que disfrutes de estas cinco novelas gráficas fabulosas… y que deberías leer este verano.

‘Helen de Wyndhorn’ Norma.

El genial escritor Tom King (que será guionista de la nueva serie de DC Lanterns) nos trae esta épica novela gráfica con tintes góticos de espada y brujería. Una trama donde la acción no opaca un relato maduro y bien ejecutado, listo para hacerte disfrutar desde la primera hasta la última página mientras se quedan grabadas las marcas de la hamaca en tu espalda.

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Nos cuenta las andanzas de Helen Cole, que tras la muerte de su padre, un apreciado escritor de literatura Pulp, tiene que regresar a la finca familiar: la Casa Wyndhorn. En esta mansión descubrirá multitud de secretos escondidos en las infinitas salas y pasillos de la enorme mansión, a los que se añade un bosque siniestro donde Helen descubrirá que las historias legendarias de su padre quizás estén más cerca de la realidad de lo que ella pensaba.

Tom King logra un interesante ejercicio sobre el crecimiento y la superación de la pérdida, con un guion inteligente que desarrolla sus ideas de manera sólida y rica en detalles, que atrapan al lector para que se sumerja en sus fascinantes elementos de fantasía. Una lectura que pone el foco en las consecuencias que afectan a los personajes, y como estas influyen en sus relaciones y la visión que tienen del mundo.  La portentosa calidad de su apartado visual, de una belleza que queda grabada en las retinas, ayuda a considerar esta novela gráfica como una historia interesante y refrescante para la cálida estación de verano.

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‘West Fantasy’ Yermo.

Una nueva colección que ha sido una auténtica sorpresa lectora, un cómic inquietante, atrayente y seductor, que mezcla con una gran inteligencia el western y la fantasía (algo que también logró la sobrenatural novela gráfica de ‘El sexto Revolver‘). Con gotas de steampunk, densas capas de oscuridad y muchas muertes, esta historia de vaqueros que conviven con seres fantásticos logra convertirse en dinamita pura, que consigue hacer estallar todas nuestras emociones con su lectura.

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J. L. Istin (guionista de la magnífica Elfos) vuelve a crear un mundo fascinante y envolvente, en el que se mezclan múltiples elementos de la fantasía heroica y el western de una manera inteligente, una mezcla de géneros que acierta al crear un mundo interesante repleto de personajes ambiguos, magia y violencia. A ello ayuda el dibujo de Benoît que se desliza por las páginas con agilidad y belleza. Un diseño de paisajes cautivador realzados por el magnífico uso del color, tonalidades que ayudan a sembrar en el lector las emociones que desarrolla su trama, gracias a unos rostros expresivos que ayudan a empatizar con los personajes. (aquí puedes leer una reseña más profunda de West Fantasy)

Suspense, acción y violencia en un páramo desértico, un viaje inquietante y oscuro donde conviven vaqueros, enanos, bestias mágicas y goblins… ¿Qué más se le puede pedir al verano?

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‘Raven’. Norma.

Que mejor que una clásica historia de piratas para sumergirnos en un mar de aventuras durante el verano. El guionista Mathieu Lauffray logra condensar todos los elementos típicos de la piratería para elaborar una aventura entretenida, que no inventa nada, pero que está bien ejecutada y con un final que explota como una bala de cañón. (puedes encontrar más profundidad del tesoro de Raven pinchando el enlace).

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Tiene un protagonista interesante que logra engancharnos y una antagonista que traspasa las páginas con su magnética presencia. Siendo una novela gráfica palomitera donde prima el efectismo, hay algunas lagunas e incongruencias, consigue ser ameno y divertido, conquistando el tesoro del entretenimiento que esconde el placer de la lectura.

Se apoya en un dibujo soberbio, con protagonistas expresivos que consiguen crear un dinamismo cinematográfico, en los que destaca el uso del color para lograr ambientes lúgubres y sucios típico de la vida pirata. Nos encontramos ante un espectáculo vibrante de duelos a espada, peleas de taberna y abordajes navales… el cóctel perfecto para saborear en verano.    

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‘La carretera’. Norma.

Obra premiada en la gala Eisner de este año, una magnifica adaptación de una novela extraordinaria del escritor norteamericano, Cormac McCarthy (aquí puedes conocer más sobre este genial escritor). Avisar de que nos encontramos ante una historia cruda y descorazonadora, de esas que te traspasan la piel para dejarte helado y lleno de reflexiones. Su trama apocalíptica nos cuenta como un padre y su hijo cruzan una autopista del sureste de Estados Unidos, para intentar sobrevivir en un mundo donde la devastación ha derruido la civilización humana, y los escasos supervivientes han descendido a un estado de barbarie en el que solo importa sobrevivir un día más.

Una novela gráfica fascinante en la que Manu Larcenet utiliza abrumadores grises, delineados de manera soberbia mediante trazos de lápiz lánguidos, que consiguen introducirnos en la soledad de ese mundo salvaje y devastado. Un dibujo que nos enseña a través de las cenizas, la caída de la humanidad en la oscuridad de un mundo postapocalíptico.

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Su narrativa es capaz de trasladar a las viñetas la atmósfera de desesperación y soledad de las ruinas del mundo, con imágenes realistas y diálogos secos, que trasladan la sensación de frio, soledad y destrucción al lector, unas emociones que se vuelven violentas y salvajes cuando la naturaleza humana se descontrola. Una formidable adaptación que impacta con virulencia en nuestra conciencia, tratando de dilucidar como seríamos nosotros en esas circunstancias. Un viaje implacable por los estercoleros de la humanidad, que refleja con brillantez el cruel mundo postapocalíptico que nos describió McCarthy en su espléndida novela.

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‘Valentina y el amor verdadero’ (Lunar New Year Love Story). Astiberri.

La gran triunfadora de los premios Eisner (los Oscar del cómic), ganadora en tres apartados: mejor guionista, mejor álbum gráfico-nuevo y mejor publicación para adolescentes. Esto es un gran aval para decir que estamos ante una exquisita puesta en escena sobre las historias de amor, entendiendo el amor como uno de los motores que impulsan nuestras vidas.

La novela gráfica nos narra la vida de Valentina una chica que adora celebrar San Valentín enviando cartas a todos sus seres queridos. Pero el día en el que cumple catorce años, su mundo se derrumba al enterarse que su padre le ha mentido toda su vida sobre cosas relacionadas con su madre. Empieza de este modo un viaje para encontrar respuestas a la pregunta: ¿Cómo seguir creyendo en el amor verdadero cuando todo lo que creía es mentira?

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Gene Luen Yang, autor de la obra ‘Chino Americano’ (que fue trasladada a serie televisiva), es un guionista que crea sus historias en base a la diversidad cultural asio-americana. Valentina es encarnada por una adolescente nacida en EEUU de padres vietnamitas, estos aspectos culturales enriquecen la narración, en los que se fusionan tradiciones y sentimientos para crear los hilos argumentales de la historia. Y digo sentimientos, porque la novela gráfica es una inteligente exploración de cómo nos acercamos al amor basándonos en los ejemplos familiares, unos referentes que pueden condicionar la forma que tenemos de ver el amor, determinando la manera en la podemos establecer o entregarnos en una relación.

Todas estas ideas funcionan gracias a un apartado artístico que está en absoluta sincronía con el guion, dándole una identidad visual enérgica que logra ser agradable para el lector. LeUyen Pham dibuja con trazos emotivos y redondeados, creando unos fascinantes personajes repletos de expresividad, que tiene en el uso del color el secreto de su éxito, ya que a través de ellos nos lleva de la mano entre las diferentes emociones que siente la protagonista. En definitiva, una novela gráfica que rebosa intensidad, donde las emociones respiran por medio de su hermosa paleta de colores y un guion que maneja a la perfección la cultura, las tradiciones y el lenguaje del amor, gracias a la dinámica evolución de sus personajes. 

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Hasta aquí estas recomendaciones sobre novelas gráficas imprescindibles para leer en este verano caluroso. Si te has quedado con ganas de más lecturas puedes descubrir estos 4 libros para tener el mejor verano cultural posible.