Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Astiberri Ediciones, de enero de 2026. Como vais a poder ver, empiezan el año con toda la carne en el asador.
Novedades Astiberri enero de 2026
Primeras novedades de 2026 y no podemos perder una buena costumbre, como es seleccionar dos títulos de entre todo el catálogo de Astiberri, de este primer mes del año.
1.- El hombre que podía hacer milagros.
George McWhirter Fotheringay, un tipo sin grandes ambiciones ni imaginación, descubre que puede obrar milagros solo con desearlo y empieza usando ese poder para hacer pequeños prodigios triviales.
Tras mandar a un policía “literalmente al infierno” en un arrebato de ira, acude asustado al Padre Maydig, que le anima a utilizar sus dones para mejorar la sociedad.
Los intentos bienintencionados pero torpes de ambos terminan desencadenando una catástrofe de proporciones bíblicas que devasta el mundo, obligando a Fotheringay a enfrentarse a las consecuencias de su poder.
La historia, adaptación del cuento de H. G. Wells por José Luis Munuera, funciona como cuento filosófico y de fantasía sobre los límites del poder, la responsabilidad y la tendencia autodestructiva de la humanidad, todo ello con un marcado sentido del humor y un aire “deliciosamente británico”.
Tendremos disponible este título, a partir del 22 de enero de 2026. Si necesitas más información pincha AQUÍ.
2.- Descender. Edición Integral. Volumen 1.
Hace diez años, enormes robots llamados Cosechadores aparecieron en la órbita de los nueve planetas del Consejo Galáctico Unido y arrasaron a la humanidad antes de desaparecer.
Cuando TIM-21, un androide infantil, despierta tras un largo sueño, descubre que ahora los autómatas están prohibidos y que su propio código puede ser la clave de lo que buscan los Cosechadores.
Perseguido por cazarrecompensas y todo tipo de amenazas, TIM-21 emprende una odisea espacial acompañado por su perro robot Bandido y el droide minero Taladro.
Jeff Lemire y Dustin Nguyen construyen un universo emotivo y lleno de matices donde se enfrentan humanos y máquinas, y donde el miedo a lo desconocido se equilibra con un fuerte espíritu de aventura.
Lo tendremos disponible el próximo 29 de enero. Pinchad AQUÍ, para obtener más información desde la web de Astiberri.
Y hasta aquí nuestras recomendaciones del catálogo de Astiberri Ediciones, de enero de 2026. Justo un poco más abajo, os dejamos el pdf completo, con todo el catálogo de novedades.
Mientras nos lleva por Roma y Venecia, además de la capital francesa, la quinta temporada de Emily en París se repite en las idas y venidas de sus historias sentimentales, pero gira más hacia un tono de sitcom y comedia de enredos que le sienta bien y arroja aire fresco. Creada por Darren Stary protagonizada por Lily Collins, la serie está disponible en Netflix.
Hola otra vez. Nuevamente, y como viene prácticamente todos los años siendo costumbre, nos encontramos aquí para analizar una nueva temporada de Emily en París, en este caso la quinta. ¿Ha cambiado algo? En lo básico no, pero está claro que esta es una serie que gana por cansancio y quizás allí esté la razón del éxito inesperado que ha tenido desde su estreno en 2020 y que la hace ya llevar cinco temporadas, misma cantidad, por ejemplo, que Stranger Things, a la cual superará, pues acaba de ser confirmada la sexta (más allá del sabido éxito, la esposa del director ejecutivo de Netflix es fan de la serie y contra eso no se puede).
Emily en París puede ser frívola y repetitiva, pero lo sabe y se ríe en la cara, de quienes, quejosos y pretendidamente sesudos, intentamos analizarla como si fuera Los Soprano o The Wire. Y de todas formas, debo admitir que esta temporada ha estado más divertida que otras y varias veces me he sorprendido a mí mismo al menos sonriendo. A ver pues qué ha pasado y veamos al final lo que nos ha dejado la temporada y lo que podemos esperar de la próxima.
Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordarles que pueden, si lo desean, leer aquí nuestros análisis anteriores.
Emily en París Roma
Los primeros cuatro episodios de la temporada transcurren mayormente en Roma, donde ya nos había dejado la anterior, al punto que la palabra París se cae del cartel inicial para ser reemplazada por un estilizado “Rome” (Roma) en glamorosa letra cursiva color violeta.
Emily está distinta: pelo corto, menos sobrecarga de maquillaje y no cambia tan drásticamente el vestuario de un día para otro (siempre recordando que de todos modos esta es en definitiva una serie para mostrar ropa).
Algunas cosas en Roma no son como esperaba. Su puesto al frente de la oficina de Grateau es más decorativo que otra cosa: decide muy poco y la verdadera jefa, como no podía ser de otro modo, es Sylvie (Philippine Leroy-Beaulieu), quien se encuentra con una princesa amiga llamada Gianna (Minnie Driver) que tiene importantes contactos y les consigue un acuerdo nada menos que con Fendia cambio de ser parte del negocio
Emily casi arruina todo cuando, buscando congraciarse con la marca, asiste a la reunión con un bolso de Fendi que termina siendo falso, pero salva un poco la ropa con una loca sugerencia de que la empresa podría lanzar al mercado uno falso pero original: confieso que no entendí demasiado, pero su idea, de todos modos, termina cayendo bien, aunque nada volvemos a saber de eso.
Luc(Bruno Gouery) también aporta lo suyo al conseguir un contrato con la firma Bavazza gracias a la relación que sostiene a escondidas con su titular Bianca. Y Emily sigue con Marcello (Eugenio Franceschini) a pesar de que no logran aún el acuerdo con Muratori, pues la madre de este (Anna Galiena) permanece fiel a sus principios de mantener a la empresa local y artesanal.
Gabriel (Lucas Bravo) aparece poco en la temporada y está algo menos tóxico. Es cierto que se llega a París a la búsqueda de Emily pero, al verle feliz con Marcello, olvida su plan y decide regresar a París sin decir palabra. Interactúa de todos modos con Sylvie, que le sugiere dejar que las cosas fluyan y si tienen que estar juntos, a la larga ocurrirá…
Muratori Paradiso
En las oficinas de París no ha quedado ni el Tato y los clientes se están yendo, tal como se quejan Antoine y Alfie, que están a cargo, pero a la larga terminan también en Roma y, con ellos, los perfumes de bebé de aquella fallida campaña, a los que Emily encuentra nuevo provecho rebautizándolos como Muratori Paradiso y ofreciéndolos a Antonia, que queda encantada con la idea de promocionar su firma con una estética acorde a la película Cinema Paradiso. Para ello, Sylvie contrata a Giancarlo (Raoul Bova), su antiguo profesor de cine… y amante.
También Mindy (Ashley Park) se aparece por Roma regresada de China tras rechazar quedarse como jurado permanente del Popstars local. En Solitano, se la ve muy amiga (demasiado) de Alfie (Lucien Laviscount), lo cual crea una situación de morbo por ser este expareja de Emily, así que procuran verse a escondidas de ella, lo cual no impide sin embargo que sean vistos por Julien (Samuel Arnold) y la noticia llegue a París.
Adiós a Roma
La relación entre Emily y Marcello empieza a mostrar problemas: a la decepción de ella por enterarse que la familia Muratori aceptó el convenio con Grateau solo como forma de ganar tiempo para que JVMA mejorara su oferta se suma ahora el contacto demasiado estrecho que él sostiene con amigas y ex. Al irle Emily con el planteo, responde que ellas ya son parte de su pasado, lo cual lleva alegóricamente a Emily a reflexionar que Roma es una ciudad en la que el pasado está presente a cada paso. Acepta de todos modos sus explicaciones y las cosas quedan más o menos bien.
Sylvie no se queda atrás con sus historias pasadas. O presentes, porque ha caído su esposo Laurent (Arnaud Binard), quien ya no está interesado en una relación libre. La situación se tensa y a Giancarlo no le gusta ser segundo de nadie ni soportar maridos tóxicos, por lo cual, a pesar de que Laurent regresa a París, su relación con Sylvie queda en la cuerda floja. De hecho, desavenencias en cuanto al estilo del video, terminan provocando su alejamiento y dejando a Sylvie a cargo del mismo…
Aunque le cuesta muchísimo terminarlo y hay peligro de no llegar en fecha, acaba haciéndolo y el resultado goza de aceptación. Todo parece ir viento en popa, pero no. Emily tuvo la idea de llevar a varios influencers al evento y ello provoca que súbitamente Solitano se vea invadida de turistas a la búsqueda de hoteles y restaurantes que no existen. El disgusto de Antonia es tan grande que rompe el acuerdo.
Para colmo de males, la aventura de Luc con Bianca se termina cuando la novia de él hace inesperada presencia en Roma y los sorprende juntos, lo que hace que el convenio con Bavazza se venga también abajo y en apenas días todos los proyectos de Grateau en Italia han quedado hechos trizas. Adiós a Roma…
Emily otra vez en París
No queda pues más remedio que regresar a París, algo que inevitablemente iba a ocurrir habida cuenta del título de la serie. A partir del quinto episodio, el nombre de la capital francesa ya no se cae del cartel inicial y todos están de regreso para reposicionar a Grateau, lo cual no es tarea fácil teniendo en cuenta el descuido en que han dejado a los clientes y que, para colmo de males, Genevieve (Thalia Besson), la hijastra de Sylvie a la que no se puede despedir, ha montado por cuenta propia una campaña de gorras con la poco feliz inscripción “Bonjour, Bitch” (buen día, perra).
La estrategia es retener a Thomas Heatherton (Jonathan Cake), el cliente más importante que aún mantienen y que está a punto de inaugurar en la ciudad un hotel de su cadena. Preparan a tal fin un gran evento pero Genevieve no sabe nada sobre el brexit ni tiene idea de que el Reino Unido ya no está en la Unión Europea, lo cual deviene en que se complica el papeleo para ingresar a tiempo al chef que Heatherton quiere traer de Londres.
La cosa amenaza con irse al traste, pero Emily, obviamente, va en busca de Gabriel, cuya relación laboral con Antoine atraviesa un momento crítico al no permitirle este renovar los menúes. Como tal, no tiene problema alguno en plantar a Antoine por una noche y responder a la requisitoria de Emily.
En cuanto a Sylvie, su sorpresivo regreso toma desprevenido a Laurent, a quien encuentra en el apartamento con una amante. Él se escuda en que ella también estaba con alguien en Roma, pero lo que más molesta a Sylvie no es que esté con una mujer, sino que lo haga en su apartamento y que ella use su bata… Decide que lo mejor es tomar distancia un tiempo…
Inauguración con Problemas
Mindy vuelve a cantar en el Crazy Horse y su principal fan es, desde luego, Alfie. Pero las cosas entre ellos ya no son iguales: para ella solo fue un romance de vacaciones que quedó en Roma; para él fue algo más profundo y desea continuar la relación. Encima, reaparece en escena Nico (Paul Forman) pidiendo a Mindy disculpas por los errores del pasado y privilegiar a su familia por sobre ella. Quiere recomenzar desde cero pero ella no tiene el menor interés, aunque cambia drásticamente de opinión al enterarse luego que él ha dejado a su familia y roto todo vínculo con JVMApara volver a la relación que tenían.
A todo esto, se lleva a cabo el evento de inauguración del hotel y Heatherton queda encantado con la estética montada por Emily, que reproduce en el hall central una calle parisina con locales comerciales y todo, pero también y muy especialmente con la cocina de Gabriel, al punto que le propone trabajar para él.
No todas son flores: Genevieve vuelve a meter la pata al no tener mejor idea que incluir en las bolsas de regalos sus gorras del “bonjour, bitch”. Enterada Sylvie, ordena furiosa a Emily despedirla y, a su pesar, esta lo hace pero, ladina como es Genevieve, se venga anoticiándola de la relación entre Mindy y Alfie e incluso de que Julien estaba al tanto.
El impacto es fuerte y el choque con Mindy inevitable: Emily no se siente tan decepcionada de que haya tenido algo con Alfie como de que se lo haya ocultado. Llena de culpas, Mindy recoge sus cosas y se marcha a vivir con Julien, pero al encontrarse Emily con que ya no está en su apartamento, se siente mal y va a buscarla en plena noche, produciéndose una divertida escena de reconciliación a viva voz que incluye balcón y vecinos fastidiados. La amistad termina imponiéndose y Mindy regresa…
Madres e Hijos
Cualquier esperanza de Emily de volver a tener algo con Gabriel se diluye, pues Heatherton ha contratado a este como chef en su yate y ello implica que dejará París. En su tristeza, ella va a parar a un bar de trivias y se encuentra por casualidad con un atractivo americano llamado Jake (Bryan Greenberg), que se desempeña como oficial consular en la Embajada de Estados Unidos.
Hay atracción mutua y, de modo nostálgico, ella parece encontrar refugio y contención en un connacional. Él la invita a los festejos del 4 de julio en la embajada y, para su sorpresa y alegría, le muestra un búnker repleto con comida chatarra de la que no se consigue en Francia. Hay amago de beso, pero Emily, como siempre, responde huyendo y la relación con Jake quedará en nada (¿le volveremos a ver?).
La cosa se complica aún más con la reaparición de Marcello Muratori, recién llegado a París y habiendo, como Nico, roto todo vínculo con su familia para intentar despegar con su propia firma. De hecho, ese punto en común hace que terminen asociados, aunque el mundo de la moda los ve como ovejas negras de sus respectivas familias y les es difícil calzar. Para colmo, Marcello es demandado por su propia madre por utilización de la marca y, en medio de ese panorama desalentador, les abandona el diseñador estrella al que habían contratado.
Sylvie, entretanto, se encuentra con una antigua amiga llamada Yvette Moreau (Michèle Laroque), con quien tiene en el pasado alguna deuda pendiente por haberse alguna vez follado a su futuro esposo tres meses antes de la boda…
Sin embargo, esta parece dispuesta a olvidar y hasta le presenta a un chocolatero con aires de maduro seductor (un Willy Wonka alpino, según Sylvie) que termina siendo bastante cargoso y así Sylvie, escapándole durante una fiesta, se encuentra en la calle con un joven sexy llamado Beau (Aurélien Muller) y comienza con él una fogosa relación de alcoba.
Pero tiene tanta mala suerte que el muchacho acaba siendo hijo de Yvette, lo cual significa para esta que no solo Sylvie se bajó a su marido sino también a su hijo: fuerte. De más está decir que todo se va al garete y, en su angustia, Sylvie acaba regresando a los brazos de Laurent para consolar penas y reconstruir el vínculo…
Cuchillos, Anillos y Postales
Emily recibe un llamado de Gabriel, que se halla en Amsterdam y camino a Mónaco, por lo cual hará parada en París y, dado que el trasbordo de tren no le da suficiente tiempo, aprovecha para pedirle el favor de que le alcance a la estación unos cuchillos que se ha dejado olvidados. Suena a excusa, claro, pero por supuesto que ella accede y el encuentro es fuerte y emotivo, no solo poniéndose al tanto de sus respectivas vidas sino también reflexionando sobre la belle époque y la tendencia a romantizar el pasado que, según Gabriel, es lo que ella hace…
Antes de despedirse, él le confiesa que estuvo en Roma y la vio con Marcello. Suena tóxico, pero a Emily le emociona. De hecho, queda tan afectada que hasta olvida entregarle sus cuchillos y debe correrle al tren para entregárselos. Le pide además que le envíe una postal con sello y todo…
Entretanto, la demanda a Marcello por parte de su madre deja a este en la ruina de frente al Festival de la Moda de Venecia, en el cual Emily ha logrado gestionar un desfile de presentación contactando a un antiguo conocido suyo y nuestro: Pierre Cadault (Jean-Christophe Bouvet). partida de su diseñador crea un problema de difícil solución, pero tanto Emily como Sylvie quedan impactados por los bocetos de Marcello y creen que debería encargarse del diseño.
Sin embargo, él no tiene confianza en sí mismo y de hecho ha sido siempre ninguneado en sus talentos por su propia familia, así que entra en un pozo depresivo, pero tanto consejo de Emily acerca de la superación termina dando resultado y, además, de aceptar hacer los diseños, le confiesa su amor…
Pero los problemas siguen: el predio que reservaron aparece inundado por la marea alta y, una vez más, hay que improvisar. A Emily se le ocurre un desfile con modelos en botas de goma y salpicando a los asistentes, a quienes al llegar se equipa también debidamente con las suyas.
La presentación termina en un éxito y hasta deja maravillada a Antonia, de inesperada presencia. Queda tan encantada que no solo anuncia a su hijo que retirará la demanda, sino que además lo quiere nuevamente en la empresa, pues la ha sorprendido con su talento. Es una gran noticia, pero a la vez implica que él regresará a Roma y quiere que Emily lo acompañe.
Ella queda descolocada, pues tiene toda su vida hecha en París, y sus preocupaciones aumentan cuando le encuentra a él un anillo de bodas que, da por descontado, le piensa regalar. Sin embargo, las oportunidades pasan una tras otra y él nada le dice, lo cual es para Emily decepción a la vez que alivio.
Finalmente, y durante una salida en góndola compartida con Mindy y Nico, Marcello saca el anillo y Emily se apresura a decirle que no puede casarse con él. Metida de pata: el anillo no era para ella sino para que Nico se lo entregue a Mindy que, emocionada, acepta la propuesta de casamiento.
Un signo de interrogación se yergue sobre la relación entre Emily y Marcello, pues si bien es cierto que el anillo no estaba destinado a ella, también lo es que él pensaba proponerle matrimonio en algún momento y ya tiene la respuesta anticipada…
Fuera de ello, todo parece marchar viento en popa para Grateau, tanto que no puede durar. La madre de Sylvie se aparece para poner a su hija al tanto de que sus bienes, incluida la propiedad inmueble, están inhibidos por culpa de las deudas de Laurent.
Ello decepciona y enfurece a Sylvie, que le pide a él divorcio, pero el asunto sigue, pues en la demanda están también implicadas sus propias propiedades e incluso la mismísima Grateau. Sabiendo que no hay destino para la firma, intenta convencer a Emily de que se largue a Italia con Marcello, pero ya es tarde: esta le anoticia de que ya no está con él y ha decidido, por lo tanto, quedarse…
La muerte del esposo de Gianna provoca un fugaz viaje de Sylvie a Roma y, en pleno funeral, pone a su amiga al tanto de las novedades. De manera impensada, de allí sale la solución para Grateau, pues Gianna, que venía atravesando problemas económicos, ha recibido de su difunto marido la propiedad de un palazzo y una buena oferta por el mismo de parte de un grupo interesado. Ello le brinda una solvencia económica que le permite salir al salvataje de Grateau, de la cual, claro, pasa a ser socia…
Sylvie, en tanto, se comunica con Gabriel para ponerle al corriente de que Emily ya no está con Marcello, a la vez que lo chicanea con que depende de él lo que decida hacer. En las costas de Grecia, y a bordo del yate, él se dedica por lo tanto a escribirle a Emily una postal. Con sello, como ella le pidió…
Balance de Temporada
Cuando allá por 2020 comencé a reseñar esta serie, no imaginaba ni por asomo que estaría algún día analizando una quinta temporada, pero con su fórmula ligera, frívola y pasatista, Emily en París se ha convertido en uno de los éxitos de Netflix, lo cual sirve como recordatorio de que no siempre el público espera necesariamente opciones sesudas que le hagan reflexionar sobre la marcha del mundo y el devenir de la existencia, sino que muchas veces quiere simplemente escaparse un poco de la realidad con ropa, autos y restaurantes de lujo.
Emily en París es eso y de un modo totalmente impune que no pide disculpas en ningún momento y que, llegado incluso el caso, menciona sin reparo y una tras otra a prestigiosas marcas mundialmente conocidas, algo que en esta temporada se ve llevado al paroxismo.
Pero les diré una cosa: esta temporada me gustó más que las anteriores. Es cierto que seguimos atrapados en los eternos loops, que ya no solo afectan el mundo sentimental de Emily, sino también al de Mindy y Sylvie, prisioneras todas de un eterno ciclo de repetición en el cual sus antiguas parejas regresan una y otra vez, haciéndolo casi siempre en momentos inoportunos o cuando ellas encuentran su corazón o sus deseos ocupados con alguien más… Y viceversa, porque cuando son ellas quienes los buscan a ellos, ocurre lo mismo. Cuando uno está libre, el otro está ocupado y, por supuesto, siempre están de por medio las infaltables casualidades…
¿Y por qué digo entonces que me gustó más esta temporada que las anteriores? Pues porque creo que por primera vez han acertado en darle a la serie más tono de sitcom que de melodrama, lo cual no implica, desde ya, que el mismo esté ausente. Muchas veces me han leído quejarme de las increíbles casualidades o de que todos se encuentren con todos en todas partes, pero si entramos ya en el terreno de la comedia de situación o de enredos, esas cuestiones fortuitas forman parte de las propias reglas de juego, ya que todo enredo se basa en una casualidad.
Ha habido momentos realmente divertidos en esta temporada y muchos de ellos han involucrado a Luc, no pudiendo sino alegrarme que, confirmando el rumbo de la temporada anterior, le hayan por fin dado papel más protagónico a uno de los personajes más carismáticos y a un gran actor como Bruno Gouery, del elenco masculino quizás el que más se destaca. En el femenino, por cierto, siguen todas bien, pero siempre se brillarán especialmente Philippine Leroy-Beaulieu y Ashley Park, además de, por supuesto, Lily Collins, a quien las vacilaciones y dudas de su personaje han dado en esta temporada mayores y mejores posiblidades de lucimiento.
La parte turística sigue, desde ya, a la orden del día, lo mismo que esas tomas aceleradas del río Sena o de las calles parisinas con la Torre Eiffel como fondo, pero aquellos problemas de filmación que tuviera la temporada anterior por los Juegos Olímpicos han permitido incorporar el marco italiano y la escena final me hace pensar que quizás se venga Emily en Atenas. ¿Qué hará ella con la invitación de Gabriel?
Y ya que hablamos de él (y las fans de la serie saben bien de quién hablo cuando digo ÉL), también su personaje (que me fastidiaba bastante) me gustó más en esta temporada. Podría irónicamente decir que será porque salió poco, pero estuvo, como dije, menos tóxico y, por primera vez, me emocionó una escena suya con Emily, como lo fue la de la estación de tren con esas muy acertadas referencias a la belle époque y la romantización del pasado.
Hay, sí, un par de personajes a los que hemos visto demasiado fugazmente y quedan algo desaprovechados, como el caso del chocolatero maduro y libidinoso que se jacta de tener siempre como target a muchachas jóvenes, o de Jake, el joven de la embajada. Tengo la sensación, no obstante, de que a este último le volveremos a ver y lo del búnker de comida chatarra me pareció genial y muy divertido. Cuando la serie lleva al absurdo los estereotipos nacionales es cuando realmente acierta y eso es algo que no estaba tan claro en temporadas anteriores.
Por cierto, genial Luc anoticiando a Emily de que los franceses ayudaron a Estados Unidos a independizarse (aunque ella estuvo lenta en no responderle que los estadounidenses salvaron a Francia en dos guerras mundiales.
En definitiva, no es que la serie haya ganado en profundidad con esta temporada ni que se haya salido de los loops eternos y por momentos insufribles en que se viene moviendo desde hace rato, pero ha ganado en humor y eso siempre es bienvenido: una buena forma de escapar al agotamiento que pedía a gritos el final.
Les espero pues para analizar la ya confirmada sexta temporada cuando sea que llegue. Y admito que, por primera vez, con cierta expectativa. Hasta entonces y sean felices…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Después de la resaca navideña, celebración del nuevo año y una vez hemos recibido la visita de SSMM Los Reyes Magos de Oriente, toca encarar 2026 con las pilas bien cargadas. Por este motivo, regresamos con nuestra selección de Los cómics más esperados de 2026.
Como siempre, se trata de una lista completamente subjetiva, guiada por mis filias lectoras y mis obsesiones comiqueras, así que no pretende sentar cátedra ni abarcarlo todo.
El objetivo es simplemente avivar la curiosidad, señalar unas cuantas obras muy jugosas y animaros a estar atentos a sus lanzamientos a lo largo del año.
Antes de nada, os quiero dejar la lista de los cómics más esperados de años anteriores. Siempre me gusta echar un ojo a estas listas de otros años y así poder comprobar si me falta algún título o si la expectación sobre la obra era justificada o no:
Pero no nos demoremos más. A por la lista de Los cómics más esperados de 2026 …
¡Vamos!
Los cómics más esperados de 2026.
1.- Hoy me ha pasado algo muy bestia 2. cARTEm Cómics.
La esperadísima continuación de Hoy me ha pasado algo muy bestia vuelve a sumergirnos en una Barcelona donde los superpoderes no son precisamente garantía de una vida mejor.
En esta segunda entrega, las consecuencias de los hechos del primer tomo pesan sobre los personajes, que deben lidiar con la exposición mediática, la responsabilidad y los inevitables daños colaterales.
cARTEm sigue apostando por recuperar y consolidar obras que combinan género superheroico, comentario social y sensibilidad muy cercana al lector español.
Quienes disfrutaron del primer volumen encontrarán aquí una evolución natural del protagonista y un refuerzo del tono entre lo cotidiano y lo espectacular que tanto enganchó.
La llegada de Warlord supone el rescate de una de esas series de espada y brujería con sabor clásico que llevaban demasiado tiempo ausentes de las estanterías españolas.
El piloto Travis Morgan, perdido en la misteriosa tierra de Skartaris, mezcla aventuras pulp, fantasía, dinosaurios, magia y geopolítica exótica en un cóctel muy de su época, pero tremendamente disfrutable.
Para quienes crecieron con el cómic de los años 70 y 80, esta edición será una oportunidad de oro para reencontrarse con el trazo enérgico y la narrativa directa de Mike Grell.
Y para las nuevas generaciones, un recordatorio de por qué este tipo de tebeo de evasión pura sigue funcionando como un tiro cuando está bien hecho.
Dentro de la línea Albion, Juez Dredd: Mechanismo continúa la labor de Dolmen de acercar al público español algunas de las etapas más interesantes del universo del Juez de Mega-City Uno.
Aquí el foco se pone en la integración de sistemas automatizados y tecnología avanzada en la labor policial, con las inevitables tensiones entre “progreso” y control absoluto.
Es una obra ideal para quienes han disfrutado de materiales como Juez Dredd: América o las historias más políticas del personaje.
La combinación de acción desatada, sátira social y reflexión sobre la deshumanización del sistema hace de este tomo uno de los lanzamientos más jugosos del año dentro del cómic británico.
Isla de Nabumbu se ha ganado un hueco en muchas estanterías gracias a su cuidado catálogo, y El Quinto Jinete apunta a convertirse en uno de sus títulos más potentes para 2026.
La obra reinterpreta la iconografía apocalíptica clásica, añadiendo un “jinete extra” que sirve de excusa para explorar hasta qué punto la humanidad se precipita sola hacia el desastre.
Con un dibujo atmosférico y una puesta en escena que juega con lo simbólico y lo terrenal, este volumen promete tanto a nivel visual como temático.
Es de esos libros que, más allá de la lectura de género, invitan a la relectura y a sacar nuevas capas en cada acercamiento.
Dolmen continúa su edición de Perro de Estroncio, uno de los grandes clásicos de 2000 AD, con este quinto volumen que sigue ampliando las desventuras del mutante cazarrecompensas Johnny Alpha.
La mezcla de western futurista, sátira social y acción desenfrenada sigue tan fresca como el primer día.
A estas alturas de colección, el lector ya sabe que se encontrará historias que alternan el humor negro más descarnado con momentos de auténtica tragedia.
Este tomo es una cita ineludible para quienes han ido siguiendo la edición desde el principio y una buena excusa para que los rezagados se pongan al día.
El regreso de Kraken es, directamente, un acontecimiento. Este clásico del cómic español sitúa al Cuerpo de Krakeneros de la ciudad de Metropol, frente a un horror que combina monstruo lovecraftiano, crimen urbano y corrupción institucional.
Oscuro, opresivo y con una estética inconfundible, es uno de esos títulos que definieron toda una época.
La edición de cARTEm permitirá redescubrir el trabajo de sus autores con una reproducción a la altura de lo que merece la obra.
Para quienes no lo leyeron en su día, es una oportunidad de oro para adentrarse en uno de los grandes iconos del tebeo patrio; para quienes sí lo hicieron, el reencuentro con sus páginas será puro viaje en el tiempo.
Con La Saga de las Víctimas, Isla de Nabumbu insiste en su apuesta por narrativas intensas, incómodas y cargadas de subtexto.
Esta obra explora las consecuencias del horror y la violencia desde el punto de vista de quienes sufren sus efectos, alejándose de la glorificación del héroe clásico para poner el foco en los daños invisibles.
El enfoque, más adulto y reflexivo, la convierte en una lectura ideal para quienes buscan algo más que entretenimiento rápido.
Es de esas propuestas que se quedan rondando en la cabeza, que obligan a replantearse ciertos cánones del género y que elevan el listón de lo que se espera de una novela gráfica contemporánea.
8.- Jóvenes Titanes de Geoff Johns 1. Panini Cómics.
Portada provisional
La etapa de Geoff Johns al frente de los Jóvenes Titanes fue, para muchos lectores, una puerta de entrada al Universo DC del siglo XXI.
Llega ahora en un formato acorde a su importancia, recogiendo el arranque de una etapa que mezcló drama adolescente, grandes sagas superheroicas y un respeto absoluto por la tradición del grupo.
Este primer volumen es perfecto tanto para los nostálgicos que la siguieron en su publicación original como para nuevos lectores curiosos por entender por qué estos personajes han calado tanto.
Si Panini cuida la edición como viene haciendo con otros materiales DC recientes, puede convertirse en una de las joyas superheroicas del año.
Little Nemo es de esos proyectos que justifican por sí solos un año lector. La editorial abordará por primera vez en castellano la edición íntegra de las tiras de Little Nemo in Slumberland, repartida en tres volúmenes que recogerán las distintas etapas de la serie.
Un clásico fundacional del medio, rebosante de imaginación visual y experimentos narrativos que por fin podrá leerse con continuidad y en una edición a la altura de su leyenda.
La llegada de Los Campbell a Nuevo Nueve supone el regreso de una de las series de aventura familiar más queridas de los últimos años.
Piratas, humor, relaciones paternofiliales y una gran capacidad para alternar comedia y emoción convierten esta obra en lectura ideal tanto para veteranos del tebeo franco-belga como para lectores jóvenes.
El cuidado habitual de Nuevo Nueve en materiales, traducción y presentación hace pensar en una edición especialmente mimada.
Si buscáis un título que se pueda recomendar casi a cualquier tipo de lector, que enganche desde el primer tomo y que mantenga el nivel hasta el final, este es uno de los grandes candidatos de 2026.
Con Green Manor nos adentramos en un club victoriano donde los caballeros de alta sociedad se entregan a entretenimientos algo más siniestros de lo que aparentan.
Pequeñas historias criminales, humor negro y giros inesperados se dan la mano en una serie de relatos cortos que explotan al máximo el formato.
Es uno de esos libros perfectos para quienes disfrutan con los cómics de misterio y las atmósferas clásicas, pero buscan algo con mala uva y personalidad propia.
La combinación de guion afilado y dibujo elegante convierte a este título en uno de los imprescindibles del catálogo de Nuevo Nueve para el nuevo año.
Blazing Combat es un clásico incontestable del cómic bélico y una auténtica rareza por su mirada crítica y humanista hacia la guerra.
A través de historias cortas, la serie desmonta la épica militar para centrarse en el sufrimiento, las contradicciones y la inutilidad del conflicto armado.
Que Norma Editorial apueste por reedición de esta obra, significa poner al alcance del lector español un tebeo que, durante décadas, fue casi de culto.
Para quienes se interesan por la historieta como herramienta de reflexión social y política, esta edición será sencillamente imprescindible.
El desembarco de Tex en Laramie Ediciones es una de las mejores noticias para los amantes del western clásico en viñetas.
El legendario ránger creado para la historieta italiana aterriza con ediciones cuidadas, dispuestas a poner en valor décadas de aventuras en la frontera.
Si algo caracteriza a Tex es la solidez de su fórmula: justicia fronteriza, paisajes monumentales, secundarios carismáticos y una ética muy clara.
Quienes han seguido la serie en otras ediciones encontrarán aquí un formato pensado para durar; quienes aún no se han acercado, tienen ante sí una puerta de entrada perfecta a uno de los grandes iconos del fumetto.
Y hasta aquí nuestra lista de recomendaciones más esperadas para este año 2026. Seguro que se nos escapan muchos títulos igual de interesantes, así que se agradecen sugerencias y descubrimientos en los comentarios.
Con el nuevo año, dejamos atrás los éxitos (y fracasos) de 2025 y nos centramos en lo que nos puede deparar este 2026. En este artículo nos ceñiremos a las series más esperadas, con la condición de que únicamente aparecerán nuevas producciones. Nada de segundas temporadas. Comenzamos.
Blade Runner 2099 (Amazon Prime Video)
Anunciada desde hace años (el viejo Ridley Scott ya nos avisó durante la promoción de Blade Runner 2049, allá por 2017), será una serie ambientada en el mundo de los replicantes cincuenta años después de la segunda película de la saga, por lo que imagino que poco tendrá que ver su historia con las anteriores películas de la saga, más allá de los elementos reconocibles.
La veremos en Amazon Prime Video y la protagonizará la oscarizada Michelle Yeoh y Hunter Schafer, una de las protagonistas de Euphoria que menos crédito ha sacado de su participación que una serie que, por cierto, estrenará su esperada tercera temporada también en 2026.
Trinity (Netflix)
Más allá de su icónico papel como Robb Stark en Juego de Tronos, la interpretación más exitosa de Richard Madden fue en la adictiva miniserie Bodyguard para Netflix. Ni siquiera su papel Marvel en Los eternos rivalizó con el éxito de una serie en la época en la que cada producto de Netflix era un auténtico fenómeno de audiencias.
Pues bien, los creadores de Bodyguard regresan con una nueva trama original que no solo contará con Madden, sino con los actores Gugu Mbatha-Raw, Marcia Gay Harden, James Remar o Bruce Greenwood, en un thriller político en el que una oficial naval se verá envuelta en una conspiración que involucra al mismísimo Secretario de defensa.
The Madison (SkyShowtime)
Otro spin off de la gallina de los huevos de oro televisiva norteamericana: Yellowstone.
Ese hacha llamado Taylor Sheridan pondrá el foco en la familia Madison, unos urbanitas de Nueva York que tendrán que huir al estado de Montana, donde chocarán con los locales. Protagoniza un dúo estelar configurado por Michelle Pfeiffer y Kurt Russell.
Scarpetta (Amazon Prime Video)
Desde su irrupción en la magistral (sobre todo su primera temporada) Big Little Lies, Nicole Kidman no ha dejado la televisión. De hecho, en 2026 también aparecerá en Margo tiene problemas de dinero, la nueva serie del creador de la citada Big Little Lies.
Nosotros nos centramos en Scarpetta, donde interpreta a una forense que resuelve casos a partir de su trabajo con los cadáveres. La serie estará protagonizada por las oscarizadas Jamie Lee Curtis o Ariana de Bose, además de Bobby Cannavale o Simon Baker.
A tale of two cities
La BBC, como buen emblema de la televisión británica, es un modelo de rigor a la hora de adaptar distintas obras de la literatura: Sherlock Holmes, Drácula, Orgullo y prejuicio, Guerra y paz…
En 2026 llegará la de Historia de dos ciudades, novela de Charles Dickens que contraponía el París caótico de la Revolución francesa con el Londres más tranquilo y sosegado de la época. Además, supone el regreso a la primera línea televisiva de Kit Harington, tras no concretarse su regreso como Jon Nieve en el spin off de Juego de tronos.
Caballero de los siete reinos (HBO max)
Hablando de Juego de Tronos. Con una HBO en demolición tras la adquisición de Warner Bros, próximamente absorbida por Netflix, la antaño mejor productora televisiva del mundo todavía esconde algún as en la manga. Ahí está la sorprendente The pitt, que arrasó en los Emmy y estrena en enero su segunda temporada.
Sin embargo, la gallina de los huevos de oro de HBO sigue siendo el mundo creado por el escritor George R. R. Martin (ya sin esperanza de terminar la saga Canción de hielo y fuego). Tras la exitosa La casa del dragón, HBO estrena este mes de enero El caballero de los siete reinos, adaptación de Los cuentos de Dunk y Egg, relatos del escritor con un enfoque más plebeyo y desenfadado que Juego de tronos.
Renovada antes de estrenarse, la primera temporada de El caballero de los siete reinos contará con seis episodios de una media hora.
Matar a un oso (Movistar +)
La serie española más esperada del año.
No solo por su trama, inspirada en hechos reales, en la que un el oso Cachou muere en el Valle de Arán durante el confinamiento de la pandemia y la investigación judicial, inédita en España, en la que la muerte de un animal es tratada como un asesinato.
Tampoco por su reparto, con Eduard Fernández, Miki Esparbé, Pol López, Álex Monner o Nora Navas.
Los verdaderos artífices de mis altas expectativas con Matar a un oso son los hermanos Sánchez Cabezudo, autores de aquella serie de culto llamada Crematorio y de la magistral Nos vemos en otra vida. Ojalá que repitan éxito.
The night manager 2 (Amazon Prime Video)
Hubo un tiempo en que Tom Hiddleston era uno de los actores con más mojo. Desgraciadamente, su duradera relación con el Universo Cinematográfico de Marvel le ha anclado demasiado a su personaje Loki, impidiendo que experimentara con otro tipo de personajes.
Como el conserje reconvertido en espía de la sobresaliente The night manager, adaptación de la novela de John Le Carré en la que se establecía un duelo entre el espía y un traficante de armas con el rostro de Hugh Laurie (House).
Diez años después, regresa el personaje en una nueva aventura, no una secuela directa, que esperemos que luzca igual de bien que su primera temporada.
Spider-Noir (Amazon Prime Video)
Y dejamos para las dos series más esperadas aquellas que tienen que ver, más o menos, con el mundo superheroico.
La propuesta más loca es la de Spider-Noir, adaptación de la versión alternativa de Spiderman situada en el Nueva York de los años 40, donde Peter Parker es un detective privado al más puro estilo del film noir.
A Spider-noir lo pudimos ver en las dos entregas animadas de las distintas versiones de Spiderman (las conocidas como Spiderverse). Y tenía la voz del mismísimo Nicolas Cage, el mayor actor de culto de la actualidad. Y él mismo pondrá rostro al Peter Parker de la serie original en una de las propuestas más chifladas del mundo superheroico reciente.
Lanterns (HBO Max)
Y terminamos con una propuesta superheroica no tan desatada como Spider noir pero sí original, aunque a ver en lo que queda. Dentro de la nueva fase del universo de DC de James Gunn también habrá espacio para los Green Lanterns, aquel grupo de defensores cósmicos que tan mala suerte han tenido en sus adaptaciones cinematográficas.
Aunque ya pudimos a uno de ellos, el Guy Gardner de Superman, esta Lanterns se centrará en dos de los Lanterns más conocidos. Jon Stewart y, sobre todo, Hal Jordan, el Green lantern más importante de todos. Ambos tendrán los rostros de Aaron Pierre y Kyle Chandler.
Lo curioso es que no será una serie cósmica al uso, sino que Lanterns, desarrollada por el guionista de cómics Tom King y por el creador Damon Lindelof (Perdidos, The leftlovers, Watchmen), será un policiaco situado en lo más profundo de la América rural, con Stewart y Jordan como investigadores. De hecho, a la serie la han publicitado como una deudora de True Detective. Y esto puede salir o muy bien o catastróficamente mal.
Después de 10 años siendo la serie estrella de Netflix y uno de los pilares de la historia del streaming, Stranger Things llega a su final. La historia nos ha llevado hasta la confrontación final entre Vecna (Jamie Campbell Bower)y los protagonistas que, por última vez, buscarán salvar al mundo de los peligros del Upside Down y de nuevos misterios que aún se esconden en lo más profundo del mismo.
La quinta temporada de la serie se ha dividido en volúmenes, algo que ya se había hecho en la temporada 4, siendo algo poco recurrente en las series originales de Netflix, pero que ya se había probado previamente en otras series como Arcane o, como hemos dicho, en la propia Stranger Things. Esto representó un gran movimiento que benefició a la experiencia de la serie, ya que al haber más tiempo entre capítulos se ayudaba a la conversación sobre la trama.
Volumen 1
El volumen 1 de la serie es donde se presentan las nuevas tramas de la temporada, se establece el punto de partida de los personajes y cuál será el conflicto, lo cual se realiza a la perfección. Cada personaje se siente en su sitio, con muy pocas excepciones, y cada trama se desarrolla de forma coherente sin sentirse como relleno. Las relaciones entre los personajes son lo mejor, ya que por fin se ve a todos trabajar como un solo equipo, lo cual, aunque extraño de decir, se siente novedoso, ya que lo que más caracterizaba a las temporadas anteriores era la separación de los grupos.
En aspectos de esencia y coherencia en la narrativa, el primer volumen cumple con creces, pero el problema se ve en el ritmo, puesto que hay tramas que, si bien están bien planteadas, tal vez roban demasiado tiempo en pantalla en comparación con el hilo principal. Muchas veces hay escenas que se sienten desconectadas unas de otras, como si el tono y la esencia de cada una de las tramas fueran independientes.
Aparte de esto, se siente un cambio muy notorio de género en comparación con la temporada anterior, pasando de enfocarse en el thriller y el misterio, rozando el terror, a un tono que apuesta más por el drama y la acción, lo cual no es por sí solo un problema, pero se puede sentir como un cambio muy notorio.
Con sus problemas y deficiencias, el primer volumen cumple su función, teniendo una muy buena introducción y poniendo a los personajes en situaciones complejas a superar. También tiene una de las mejores escenas y picos más altos de la temporada hacia el final del volumen. Además, la trama de Vecna es de lo más interesante, ya que se plantean ideas y desafíos muy interesantes que se desarrollan en el siguiente volumen.
Volumen 2
El volumen 2, que salió aproximadamente un mes después del primero, es donde la temporada empieza a decaer en muchos aspectos, porque si bien la trama se plantea bien, no se desarrolla de la mejor manera.
En este punto, la serie sigue apostando por enfocarse en las relaciones de los personajes, lo cual está bien y ayuda a su desarrollo, pero se siente como un clímax que nunca llega a su punto más alto. Muchas situaciones son muy repetitivas y hacen que se vuelva pesado seguir la historia, porque no hay algo que mantenga enganchado al espectador. Al no estar presente el elemento del misterio en la temporada, solo se sigue un plan que constantemente falla y tienen que idear uno nuevo, lo cual es algo que se desgasta rápidamente.
El segundo volumen también propone la resolución a muchas preguntas del mundo construido alrededor de la serie, pero estas se sienten faltas de epicidad o asombro, porque sencillamente no son tan interesantes.
Como espectador, ¿qué es lo que hace interesante al Upside Down? Pues el misterio y todo lo que lo rodea, y el no saber qué pasa o cómo funciona es un gran elemento para explorar. Si bien llega un punto en el que narrativamente hay que darle una explicación, la que le dieron carece de interés, puesto que quita toda relevancia e intriga que pudiera tener el Upside Down para sustituirlo por un nuevo elemento que apenas se explora y no tiene mucho que ver con todo lo planteado antes.
El volumen 2, a su vez, sí tiene momentos buenos, como el nuevo personaje protagonista de Holly (Nell Fisher), cuya trama con Vecna es la más interesante y la que más propone a la hora de desarrollar la historia, ya que entendemos más la mente de Vecna y la manera en la que planea acabar con el mundo. A su vez, en este momento toma más protagonismo, lo cual, junto con el desempeño de su actor, resulta muy disfrutable.
El volumen 2 también presenta momentos emotivos y revelaciones entre personajes que, aunque como se ha señalado, tengan tal vez un poco de problema de escritura, no es ese el principal defecto, sino que hacen más evidente la pérdida de ritmo. No es que por sí solas sean malas escenas, sino que más bien se sienten mal situadas, ya que rompen con la tensión de otros momentos y ello hace que, aun cuando se tomen su tiempo, se perciban apresuradas.
El capítulo final
El capítulo final de la serie, estrenado una semana después del volumen 2, fue el momento más esperado por los espectadores y apuntaba a un cierre gigantesco que terminaría de manera poco favorable la historia. Ahí radica el problema: es demasiado ambicioso. Se siente que intenta cerrar tantas cosas que todo pasa muy rápido y sin mucho tiempo para digerir lo que sucede.
La primera parte del capítulo se basa en construir el ataque final de los protagonistas contra Vecna y hay momentos tensos y francamente bien realizados, jugando con la desconfianza de las ilusiones de este o de decisiones de personajes que ponen en jaque a todo el grupo, haciendo que el espectador sienta una duda genuina por lo que llegará a pasar.
Pero todo llega a una resolución genérica, en una lucha de acción que se siente sin nada que ofrecer. No hay tensión, no hay escenas impactantes ni momentos donde los personajes sufran; todo pasa demasiado rápido y sin que ocurra nada realmente interesante. Sumado a esto, la batalla final sucede en un lugar completamente nuevo que se introduce recién en el volumen 2, lo cual hace que no se sienta interesante porque directamente no afecta en nada. El hecho de que la temporada haya intentado apostar por la acción no es algo malo, pero la temporada sufre del mayor pecado de cualquier escena de acción: que sea aburrida.
La segunda parte del capítulo es un epílogo donde se explica cómo siguió la vida de los personajes y cómo todo lo que vivieron les afectó de alguna forma. Este epílogo, aunque tal vez pueda pecar de momentos muy cursis, es lo que mejor funciona. Cada personaje recibe un buen trato y una resolución bien trabajada que es coherente y se siente muy emotiva tras haber pasado más de 10 años conociéndolos. El final es el momento en el que uno, como espectador, no puede evitar sentir nostalgia por el cierre de una de las series más grandes de la historia.
¿Fue tan mal final?
Si bien es un final un poco decepcionante y que no cierra de la mejor manera una serie de la magnitud de Stranger Things, no es un final pésimo. No es un final como lo fue el de Juego de Tronos o Lost. Es un final indiferente, que no deja un momento demasiado impresionante ni una narrativa mejor trabajada, pero que a su modo sigue funcionando.
Es una historia de diez años y cualquier tipo de resolución se habría sentido incompleta. Aunque sin ser perfecto ni extraordinario, sigue sintiéndose como un final aceptable. La trama es llevada a un punto bueno y a una resolución coherente. Y, en términos más especiales, los personajes siguen manteniendo viva a la serie, algo que podría parecer negativo pero, más allá de monstruos, ciencia ficción o poderes, lo mejor de Stranger Things siempre fueron ellos.
Ver a los cuatro protagonistas originales es muy bueno y entretenido; sus interacciones son las mejores, y cada vez que las llevan a cabo se siente como lo mejor de la temporada. Eleven, aunque a veces apartada en ciertos momentos, tiene un gran capítulo final donde todo sucede gracias a ella. La trama de Max y Holly es la mejor y hacen una gran dualidad, siendo algo novedoso y fresco…
También personajes como Hopper y Joyce, que aunque no están presentes siempre, sí lo están en los momentos importantes, y sin ellos no se entendería la historia. Nancy, Jonathan, Robin y Steve siempre son un gran complemento, y aunque menos desarrollados (a excepción de Steve), siguen siendo personajes muy divertidos y entrañables, cruciales para que la trama se sostenga. Vecna, como antagonista, se queda tal vez corto en la temporada, pero es de lo más interesante de la serie, dando lugar a una exploración magnífica de los traumas y el pasado.
El soundtrack sigue siendo un elemento clave y no decepciona. La música, exclusivamente de los años 80, sigue funcionando muy bien, con canciones perfectamente escogidas que elevan los mejores momentos de la serie y son una adición magnífica a cada una de las escenas.
¿Qué fue Stranger Things?
Stranger Things no fue una serie común ni mucho menos. Fue un antes y un después en la era del streaming y en la televisión en general. Aun con sus altas y bajas, pasará a la historia como una de las más importantes y como una serie que hizo que las megaproducciones también fueran para la televisión y para plataformas como Netflix.
Fue una serie que tiene una de las mejores construcciones de mundo, creando un ambiente tétrico combinado con ciencia ficción como nunca antes se había hecho. La estética y el tono fueron revolucionarios y, combinados con la estética de los años 80, dieron una de las mejores esencias vistas en una serie.
Y, más que nada, fueron las historias que nos transmitieron los personajes, tratando temas muy interesantes como el paso de la niñez, la amistad, los traumas, entre otros. Eso es lo que hizo destacar a Stranger Things por encima de otras series y por lo que, aun con sus fallos, el final no es un desastre y es una despedida emotiva a un programa que dejó huella en la historia.
Pueden encontrar nuestra opinion del resto de la serie en:
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos hablaros de las novedades de Norma Editorial y Astronave, previstas para este inicio de 2026. Tenemos una nueva dosis de Blacksad y una esperadísima reedición.
Novedades Norma Editorial y Astronave.
Enero 2026.
Como hacemos de manera habitual, vamos a seleccionar algunos títulos. Los que más nos llaman la atención (todo ello de la manera más subjetiva posible). Vamos con ello …
1.- Blazing Combat.
Blazing Combat es una antología bélica de tono abiertamente antibelicista que recopila los cuatro números de la mítica revista de 1965 escritos por Archie Goodwin y dibujados por algunos de los mejores autores del momento, como Wally Wood, John Severin, Alex Toth o Frank Frazetta.
A través de historias ambientadas en distintos conflictos, el volumen no celebra el heroísmo ni la gloria militar, sino que se centra en el horror, el sufrimiento y la inutilidad de la guerra, hasta el punto de ser boicoteado por el ejército estadounidense y los distribuidores “patriotas” de la época, lo que la convirtió en una obra maldita hoy reivindicada como clásico imprescindible del cómic bélico.
Lo tendremos disponible el 16 de enero de 2026. Pinchad aquí para obtener más información desde la web de Norma Editorial.
2.- Blacksad Edición de Lujo 6. Todo cae.
Blacksad 6. Todo cae. Edición de lujo cierra la línea conmemorativa del 25 aniversario de la serie con un volumen doble en gran formato que recopila íntegra la última aventura del célebre detective felino.
Esta edición para coleccionistas incluye entrevistas extensas a Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido, abundante material gráfico inédito y nuevas cubiertas realizadas expresamente para la ocasión, convirtiéndola en la forma más ambiciosa y cuidada de disfrutar del díptico Todo cae.
También lo tendremos disponible el 16 de enero. Pinchad aquí para obtener más información de este título desde la web de Norma Editorial.
Y hasta aquí las recomendaciones de Norma Editorial para este mes. Justo un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todo el catálogo completo.
Buenos días, amantes del Cosmere. Continuando con la guía del Cosmere, en esta ocasión os traigo información sobre dos temas fundamentales para entender el universo creado por Brandon Sanderson y más concretamente la saga de libros Archivos de las Tormentas. Espero que os guste, y ante cualquier corrección o sugerencia para futuros artículos, no dudes en proponerlo en comentarios.
IMPORTANTE: Este artículo contiene spoilers relacionados con los Órdenes de los Caballeros Radiantes y sus Potencias de El Camino de los Reyes, Palabras Radiantes, Juramentada y El Ritmo de la Guerra. Intentaré no desvelar spoilers de otros temas.
Por otro lado, es posible que este artículo se vaya actualizando con futuras publicaciones e información que nos de Brandon Sanderson.
¿Qué son los Caballeros Radiantes?
Los Caballeros Radiantes fueron una orden de potenciadores en Roshar. Estas personas poseían la habilidad de usar dos de las diez potencias y otras habilidades, como la regeneración por medio de luz tormentosa. Estas potencias son consideradas las fuerzas fundamentales que rigen el mundo de Roshar. Pueden describirse con más exactitud como una representación de las diez capacidades básicas ofrecidas a los Heraldos, y luego a los Caballeros Radiantes. Estos poderes extraordinarios que requerían de luz tormentosa como «combustible». Más adelante hablaremos de estas potencias con más detalle.
Los primeros potenciadores surgieron mediante un vínculo con un spren, que imitaba el vínculo que Honor había hecho con los diez Heraldos. El tipo de Radiante dependía del tipo de spren con el que se formara el vínculo. Otro método conocido para convertirse en potenciador era mediante el uso de hojas de honor, aunque este último método consumía mucha más luz tormentosa. Las hojas de honor son las espadas que pertenecían a los Heraldos.
Según la leyenda, las hojas esquirladas fueron usadas por primera vez por los Caballeros Radiantes muchos siglos atrás. Regalo de su dios, les permitían combatir contra horrores de roca y llamada de docenas de metros de altura, enemigos cuyos ojos ardían de puro odio.
— prólogo de El camino de los reyes.
Los Caballeros Radiantes fueron agrupados en diez órdenes diferentes, cada una liderada por uno de los Heraldos. Estas órdenes fueron fundadas con el propósito de ayudar a la humanidad a luchar durante las desolaciones y reconstruir la sociedad tras la destrucción que estas causaban. Durante mucho tiempo, cumplieron fielmente con su deber, hasta que según la cultura vorin, los Radiantes abandonaron su deber en lo que se conoce como el Día de la Traición, volviéndose contra la humanidad. Desde entonces, fueron conocidos como los «Radiantes Perdidos».
La razón por la que los Radiantes rompieron su vínculo con los spren y abandonaron sus órdenes es un tema que necesita expandirse y da para otro artículo dedicado a la historia de Roshar. Si deseas que haga un artículo sobre este tema, no dudes en dejármelo en los comentarios.
Me gustaría compartir un extracto de una conversación entre Jasnah y Shallan del capítulo 45 llamado Shadesmar de El camino de los Reyes: «Los Portadores del Vacío eran una encarnación del mal. Los combatimos novena y nueve veces, dirigidos por los Heraldos y sus caballeros escogidos, las diez órdenes que llamamos los Caballeros Radiantes. Finalmente, llegó Aharietiam, la Última Desolación. Los Portadores del Vacío fueron devueltos a los Salones Tranquilos. Los heraldos los siguieron para expulsarlos también del cielo, y las Épocas Heráldicas de Roshar terminaron. La humanidad entró en la Era de la Soledad. La era moderna.»
Algunas de las órdenes de Radiantes son capaces de conceder potencias y el uso de la luz tormentosa a ciertas personas, lo que llamamos Escuderos. Podemos suponer que estas personas tienen que tener ciertas características acordes a las Orden de Caballero en cuestión. Es necesario que el Radiante en cuestión esté a una distancia aproximadamente de 80 kilómetros de los escuderos, para que estos puedan seguir usando sus habilidades.
Es posible, como vemos con algunos miembros del Puente Cuatro, empezar siendo escudero y terminar vinculándose con un Spren y convertirse en Radiante. Los Corredores del Viento es la Órden que es capaz de obtener un mayor número de escuderos. Lo vemos con Kaladin después de hacer el tercer juramento, que permitió que muchos de los miembros del Puente Cuatro bajo su mando fueran capaces de manipular la luz tormentosa.
Los ideales
Cada orden tiene cinco ideales, conocidas como las Palabras Inmortales, que sirven como guía de sus acciones y de su vida como caballero radiante, así como los conceptos generales de su Orden. Estas palabras pueden cambiar ligeramente, no necesitan que sean estrictamente las palabras exactas. El Primer ideal es común para todas las órdenes y sirve como lema para los Radiantes en general:
Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino
A medida que un Radiante va escalando en la jerarquía de los ideales obtiene beneficios como su hoja y armadura esquirlada, así como una mejor eficiencia en el uso de la luz tormentosa para sus habilidades, y la regeneración. El número de juramentos para esto cambiará dependiendo de cual sea la orden.
Glifos de las Órdenes de los Caballeros Radiantes y de las Potencia.
Orden de los Corredores del Viento
Tipo de spren: Honorspren.
Heraldo: Jezrien
Potencias: Adhesión y Gravitación
Miembros destacados: Kaladin, Teft, Lopen y muchos del Puente Cuatro original y del Puente Trece.
Ideales:
El Primer ideal: «Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino.»
El Segundo Ideal: «Protegeré a aquellos que no puedan protegerse a sí mismos.» Este ideal confiere a los Corredores del Viento por encima de los escuderos, pero todavía con son considerados como miembros plenos de la Orden.
El Tercer Ideal: «Protegeré incluso a quienes odie. Mientras sea lo justo.» Pronunciado por Kaladin. Cuando se pronuncia este juramento, es capaz de invocar su honorspren como espada esquirlada. Este juramento se centra en la protección de los demás, a pesar de que no crear merecerlo. Este Ideal puede variar dependiendo de la persona. Uno de mis juramentos preferidos es el llevado por Teft, que jura protegerse incluso a sí mismo.
El Cuarto Ideal: «Acepto que habrá a quienes no pueda proteger». Pronunciado por Kaladin, este juramento hace que el Corredor del Viento se persone a sí mismo y acepte que no puede salvar a todo el mundo. Al jurar este ideal, el Corredor del viento obtiene su armadura esquirlada.
El Quinto Ideal no lo conocemos todavía.
Kaladin usando la Potencia de Gravitación, realizado por Ashley Coad
Habilidades: Usando la combinación de las potencias de Adhesión y Gravitación pueden volar a gran velocidad y crear un flujo para mantener a un grupo de personas cerca unos de otros mientras vuelan.
Filosofía: Los ideales de esta Orden están relacionados con una filosofía de protección, defender a los inocentes y proteger a aquellos que no pueden hacerlo por sí mismos. Creen en el trabajo en equipo y la importancia de estar unidos, entiendo que por ello son capaces de tener un mayor número de escuderos.
Orden de los Rompedores del Cielo
Tipo de spren: Altospren.
Heraldo: Nale.
Potencias: Gravitación y División.
Miembros destacados: Nale, Szeth y Ki entre otros.
Ideales:
El Primer Ideal: «Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino. » Este Idea no otorga a un Rompedor del Cielo poderes ni la capacidad de manipular la luz tormentosa, pero les confiere la oportunidad de poder convertirse en escuderos.
El Segundo Ideal: Juro buscar la justicia y permitir que me guíe hasta que halle un ideal más perfecto. » Pronunciado por Szeth, es el juramento de promover y administrar justicia.
El Tercer Ideal: «Juro cumplir la voluntad de Dalinar Kholin. Pronunciado por Szeth, es el ideal de dedicarse uno mismo a una verdad mayor, o persona en este caso. Este juramento es el mínimo requerido para usar la Potencia de División.
El Cuarto Ideal. «Purgaré a los shin de sus falsos líderes, siempre que Dalinar Kholin me lo permita. » Pronunciado por Szeth, es una misión personal. Un Rompedor del Cielo alcanza el rango de maestro con este juramento.
El Quinto Ideal. «Si progresas como Rompedor del Cielo, deberás convertirte en la ley. para alcancar tu potencial definitivo, tendrás que conocer la verdad tú mismo, en lugar de apoyarte en la muleta ofrecida por el Tercer Ideal. Sé consciente de ello. » El Altospren de Szeth hablando sobre el Quinto Ideal. Este juramento requiere que el Rompedor del Cielo se convierta en la personificación de la ley y la verdad. Actualmente el único conocido que lo ha alcanzado es Nale.
Entrenamiento de Szeth con otros Rompedores del Cielo, realizado por botanicaxu
Habilidades: No se conoce demasiado el alcance de las habilidades de esta Orden, pero se cuenta que tienen la capacidad de diferenciar inocentes de culpables.
Filosofía: Esta orden sigue un código de moral fuerte por medio del cumplimiento de la ley, a pesar de que entienden de que esta no es perfecta. Creen en la limitación de los poderes de los diferentes Radiantes para evitar que estos violen la ley y se conviertan en tirados. Sus ideales se concentran en luchar por la justicia y proteger la civilización. Se podría interpretar que esta orden sigue la idea de que el fin justifica los medios.
Orden de los Portadores del Polvo
Tipo de spren: Cenizaspren.
Heraldo: Chanarach.
Potencias: División y Abrasión.
Miembros destacados: Malata.
Ideales:
El Primer Ideal: «Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino.»
El Segundo Ideal. No conocemos las palabras, pero está relacionado con el autocontrol.
Habilidades: Se conoce muy poco sobre esta Orden, pero sabe que tienen un terrible poder de destrucción que llegó a ser malinterpretado por muchos. Además, se sabe que antes de la Traición, muchos de esta Orden rechazaban el nombre oficial por su parecido a Portadores del Vacío, por lo que se hacían llamar Liberadores.
Filosofía: Sus ideales se centran en la premisa de que un gran poder requiere una voluntad fuerte para controlarlo, por lo que sus ideales se centran en que deben saber controlar su poder destructivo.
Orden de los Danzantes del Filo
Tipo de spren: Cultivacispren.
Heraldo: Vedeledev.
Potencias: Abrasión y Progresión.
Miembros destacados: Lift y Godeke.
Ideales:
El Primer Ideal: «Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino.»
El Segundo Ideal: «Recordaré a aquellos que han sido olvidados. » Pronunciado por Lift.
El Tercer Ideal: «Escucharé a aquellos que han sido ignorados. » Pronunciado por Lift.
Lift usando la Potencia Abrasión, realizado por Randy Vargas
Habilidades: Los danzantes del filo son considerados los más elocuentes y refinados entre los Radiantes. A mí me gusta verlos como los «Support» de los Radiantes en las batallas, ya que podían moverse a gran velocidad «patinando» sobre la superficie e ir curando a sus aliados.
Filosofía: Sus ideales se centrar en recordar a las personas ordinarias que suelen ser olvidadas, así como tener presentes a todo el mundo e incluso a sus enemigos. Esta Orden tiene como deber el cuidar de los demás y mejorar sus vidas diarias.
Orden de los Vigilantes de la Verdad
Tipo de spren: brumaspren.
Heraldo: Pailiah.
Potencias: Progresión e iluminación.
Miembros destacados: Renarin Kholin, Ym y Tocón.
Ideales:
El Primer Ideal: «Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino.»
El Segundo Ideal se centra en la búsqueda de la verdad.
Orden de los Vigilantes de la Verdad, realizado por Steve Argyle
Habilidades: Tradicionalmente se ha visto a los antiguos Vigilantes de la Verdad como científicos, eruditos y pensadores; con una actitud reservada y silenciosa. Su uso de la iluminación es algo diferente a la de los Tejedores de Luz, pero pueden cambiar su propia apariencia o usar ilusiones para esconderse o distraer al enemigo.
Filosofía: Esta Orden se centra en la búsqueda de la verdad y compartirla con todo el mundo. Creen que aquellos que sustentan el poder deben de ser sinceros con la gente bajo su mando, por lo que se preocupan por las acciones que tienen los líderes con el pueblo.
Orden de los Tejedores de Luz
Tipo de spren: crípticos (también conocidos como mentiraspren).
Heraldo:
Potencias: Iluminación y Transformación
Miembros destacados: Shallan Davar, Gaz, Vathah e Ishnah entre otros.
Ideales:
Sobre esta orden hay que aclarar algo muy importante, y es que a diferencia del resto los Tejedores de Luz no hacen juramentos, sino dicen verdades sobre sí mismos.
El Primer Ideal: «Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino.»
Verdades: «¿Qué soy? Una muchacha aterrorizada.» por Shallan Davar.
Orden de los Tejedores de luz, realizado por Steven Argyle
Habilidades: Gracias a la combinación de las dos potencias, los Tejedores de Luz son capaces de usar otras habilidades adicionales llamadas Resonancias. En primer lugar tenemos la memoria eidética con la que son capaces de memorar una escena para luego pintarla con gran precisión. Esto lo podemos a lo largo de toda la obra con Shallan Davar con sus dibujos.
Filosofía: La gran diferencia de esta Orden se haya en su uso de admitir verdades para lograr crecer personalmente. Sanderson comentó que suelen estar formada por almas libres que creen en la importancia del entretenimiento, la belleza y el arte en la vida de la gente. Esta Orden se esfuerza en que el mundo tenga algo por lo que vivir.
Orden de los Nominadores de lo Otro
Tipo de spren: Tintaspren.
Heraldo: Battar
Potencias: Transformación y Transportación
Miembros destacados: Jasnah Kholin.
Ideales:
El Primer Ideal: «Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino.»
El Segundo Ideal: Centrado en lograr alcanzar el potencial de sí mismo.
Orden de los Nominadores de lo Otro, realizado por Steve Argyle
Habilidades: Los Nominadores de lo Otro cambian su percepción para ver en el Reino Cognitivo para transformar los objetos. Esta Orden suele ser más hábil con la Potencia Transformación que los Tejedores de Luz.
Filosofía: Esta Orden basa sus ideales en el objetivo de mejorar con cada juramento y alcanzar todo su potencial. El claro ejemplo lo vemos en Jasnah, una persona que piensa cada situación y decisión antes de actuar por instinto.
Orden de los Escultores de Voluntad
Tipo de spren: Lumispren.
Heraldo: Kalak
Potencias: Transportación y Cohesión.
Miembros destacados: Eshonai y Venli.
Ideales:
El Primer Ideal: «Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino.»
El Segundo Ideal: «Procuraré la libertad a quienes están atados», pronunciado por Venli.
Escultores de Voluntad, realizado por Steve Argyle
Habilidades: Los Escultores de Voluntad pueden transportar a los seres físicos dentro y fuera del Reino Cognitivo gracias a la creación de pequeñas perpendiculares. Además de esto, gracias a la Cohesión pueden alterar la forma de los objetos sólidos.
Si un miembro de esta Orden es un Regio, pueden obtener habilidades extras como usar tanto luz tormentosa como luz del vacío para usar sus Potencias.
Filosofía: Esta Orden se basa en la idea de que todo el mundo debería de tener la oportunidad de ser libre para tomar sus propias decisiones personales. Debido a esto, piensan que la leyes son una forma que tienen los poderosos para oprimir a la población.
Orden de los Custodios de Piedra
Tipo de spren: Cumbrespren.
Heraldo: Talenel.
Potencias: Cohesión y Tensión.
Miembros destacados: Zu.
Ideales:
El Primer Ideal: «Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino.»
El Segundo Ideal se centra en estar ahí cuando se les necesita.
Orden de los Custodios de Piedra, realizado por Steve Argyle
Habilidades: Pueden manipular objetos a nivel molecular. En una de las visiones de Dalinar vemos como un miembro de esta Orden crear unos peldaños en una roca. También pueden controlar la dureza de un objeto, permitiéndoles endurecer la ropa, por ejemplo.
Filosofía: Esta Orden se basa en el trabajo en equipo y estar disponibles cuando se les necesite. En la antigüedad eran considerados la infantería y las tropas de tierra junto con los Corredores del Viento.
Orden de los Forjadores de Vínculos
Tipo de spren: El vínculo se lleva a cabo por medio de tres spren únicos: el Padre Tormenta, el Hermano y la Vigilante Nocturna.
Heraldo: Ishar.
Potencias: Tensión y Adhesión.
Miembros destacados: Dalinar Kholin y Navani Kholin.
Ideales:
El Primer Ideal: «Vida antes que muerte, fuerza antes que debilidad, viaje antes que destino.»
El Segundo Ideal: «Uniré en vez de dividir. Uniré a los hombres.» Pronunciado por Dalinar Kholin.
El Tercer Ideal: «Aceptaré la responsabilidad por lo que he hecho. Si debo caer, cada vez me alzaré como un hombre mejor. » Pronunciado por Dalinar Kholin.
Dalinar Kholin ante El Padre Tormenta, realizado por Jordi Rapture.
Habilidades: Los poderes de los Forjadores de Vínculos son bastantes y muy variados entre ellos, por lo que merece su propio artículo y esta ocasión comentaré de manera breve y resumida sobre sus habilidades.
En Ritmo de la Guerra (capítulo 66) el Padre Tormenta le dice a Dalinar cuando este toca a un soldado : «Ves las Conexiones que tiene toda la gente: con otros, con spren, con el tiempo y la realidad misma. Todo está conectado, Dalinar, por una inmensa red de interacciones, pasiones, pensamientos, destinos. «
Filosofía: Esta Orden aceptan una filosofía de paz y unidad a cualquier escala, desde unirlos Reinos del mundo hasta la población. Son el corazón y alma de los Radiante, por lo que seguramente son la Orden más importante y compleja que existe.
Las potencias
ADHESIÓN: Esta Potencia puede ser usada para juntar cosas. Puede ser usada por los Corredores del Viento y los Rompedores del cielo. Los fusionados no son capaces de usar esta potencia, entiendo que debido a que solo pertenece a Honor.
Con esta potencia se puede usar las siguientes habilidades:
Enlace Completo: Crea un vínculo entre dos objetos o persona y unirlos como si fueran uno de un modo casi imposible de romper, la mayoría de los objetos se rompen antes de que los hiciera el vínculo que los une y su duración dependerá de la cantidad de luz tormentosa infundida. Esta potencia podría estar relacionado con la presión atmosférica.
Es necesario para esto infundir con luz tormentosa que es usada como «pegamento» y no se puede usar para que los Radiantes se peguen ellos mismos a otra cosa, así que no…no pueden ser Spiderman. Tampoco puede ser usado sobre alguien que lleve equipada una armadura esquirlada.
Adhesión Espiritual: Un forjador de vínculos puede tocar a otra persona y forjar una conexión espiritual entre ellos. Esto hace que pueda entender el idioma de la persona con que se vincule. Esto lo podemos ver por medio del forjador de vínculos Dalinar Kholin cuando se comunica con los Thaylenos.
GRAVITACIÓN: Esta potencia permite cambiar la dirección y fuerza de la gravedad de un objeto. Los Corredores del Viento y los Rompedores del cielo tienen acceso a esta potencia. Los Fusionados con acceso a esta potencia son llamados shanay im, o Celestiales.
Con esta potencia se puede usar las siguientes habilidades:
Enlace Básico: Este enlace implica anular el lazo gravitatorio o espiritual de un objeto o ser con el Planeta, provocando que se enlace temporalmente con un objeto o dirección distinto.
Esto permite a los potenciadores correr por paredes, o desplazar a objetos y personas volando por el aire. Cuando se enlazan varios objetos o personas al mismo tiempo, es posible crear un canal alrededor del grupo, manteniéndolos unidos cerca unos a otros y permitiendo que puedan viajar por el aire grupos de potenciadores con personas normales.
Enlace Inverso: Este enlace combina las Potencias de Gravitación y Adhesión. Un Corredor del viento al infundir algo, da una orden mental, creando un tirón para el objeto y atrayendo otros objetos hacia sí mismo. Este enlace puede ser usado para desviar flechas, como vimos por parte de Kaladin en El Camino de los Reyes, cuando cargaba el puente junto a los otros esclavos.
DIVISIÓN: La potencia de la Destrucción y el Deterioro. Las Órdenes que podían hacer uso de esta potencia son los Rompedores del Cielo y los Portadores del Polvo. Se desconoce qué tipo de fusionados tienen acceso a esta potencia.
Que conozcamos pueden hacer uso de la siguiente habilidad:
Deterioro: Usando la potencia de División, los potenciadores pueden tocar un objeto o humano y provocar que este salga ardiendo o se convierta en polvo, entre otras formas. Esta habilidad puede ser usada en humanos. Esta potencia causa una división de los enlaces moleculares.
ABRASIÓN: La potencia de la Fricción, permite a sus usuarios manipular la fuerza de fricción entre dos superficies. Las dos Órdenes de Radiantes con acceso a esta potencia eran los Portadores del polvo y los Danzantes del Filo. La marca de Fusionados capaces de usar esta potencia son los Shetel–im o Fluyentes.
Con esta potencia se puede usar las siguiente habilidad:
Resbaladizo: Esta habilidad permite al potenciador hacer que su cuerpo no tenga fricción. Se puede elegir que parte del cuerpo son las afectadas, por lo que si se usa sobre la planta de los pies puede hacer que se deslice por la superficie, como si patinaran sobre el suelo. Vemos a Lift que usa a menudo esta habilidad, además de para evitar que la agarren o escurrirse a través de estrechas aperturas.
PROGRESIÓN: Esta Potencia permite a los Danzantes del Filo y los Vigilantes de la Verdad alterar el crecimiento y curación de los Organismos. Los Fusionados que tienen acceso a ella se hacen llamar Aumentados.
Con esta potencia se pueden usar las siguientes habilidades:
Crecimiento: Esta habilidad permite acelerar el crecimiento de ciertos organismos a gran velocidad. Por ahora se conoce que es capaz de realizarse sobre plantas, pero se desconoce si se puede usar en otros seres vivos. Los Aumentados son capaces por medio de esta habilidad hacer crecer sus caparazones y convertirlos en herramientas y armas.
Regeneración: Esta habilidad sirve para curar heridas de manera instantánea sin dejar cicatriz. Es capaz de regenerar carne, músculo o huesos rápidamente; así como liberar del cansancio a las cuerpos. Esta habilidad puede incluso revertir volver a individuo de la muerte, si el alma no ha abandonado el cuerpo. Pudimos ver a Lift usar esta habilidad sobre Yanagawn cuando pronuncia el Segundo Ideal, y logra salvarlo de la muerte. Aún así, dicho por Sanderson, esta regeneración es inferior a la curación que tienen los Radiantes, pero estos potenciadores pueden añadir regeneración a su curación básica para curarse de manera mucho más rápida que el resto de Radiantes.
ILUMINACIÓN: Esta Potenciación permite manipular la luz para crear ilusiones visuales y auditivas. Las Órdenes de Radiantes que tienen acceso a ella son los Tejedores de Luz y los Vigilantes de la Verdad. La marca de fusionados que también tiene acceso a esta potenciación son los Mavset–im, también llamados como Aquellos de las Máscaras.
Con esta potencia se puede usar la siguientes habilidad:
Tejer Luz. Las ilusiones creadas deben de estar basadas no solo en lo que el potenciador imagina, sino en lo cree, por lo que requiere una imagen mental así como una conexión espiritual con lo que se pretende crear. Esta habilidad requiere una fuente constante de luz tormentosa para llevarse a cabo, así como que el potenciador está relativamente cerca. También es posible fijar la ilusión en el propio potenciador o en otra persona, haciendo que cambie su aspecto por medio de un disfraz. La imagen ilusoria creada no tiene sustancia física, por lo que tocarla o pasar por ella hace que se distorsione. Podemos ver una gran cantidad de usos y ejemplos de esta Potencia gracias a Shallan Davar.
TRANSFORMACIÓN: Esta Potencia permite a sus usuarios manipular un objeto y convertirlo en una de las diez esencias. La marca de Fusionados que utiliza esta potencia se llaman fannahn-im, o Aquellos de la alteración.
Con esta potencia se puede usar la siguiente habilidad:
Moldear almas: Con esta habilidad el Potenciador puede manipular un objeto en otro diferente. Algunos de los ejemplos que podemos ver en la saga es conseguir alimentos, aceites, sangre, fuego o gas. También vemos que los tejedores de luz no son demasiado hábiles usando esta habilidad como los Nominadores de lo Otro, como es el caso de Shallan Davar.
Por otro lado, hay que comentar que hay un tipo de fabrial que permite imitar esta habilidad.
TRANSPORTACIÓN: Los Potenciadores que obtienen esta Potencia son capaces de mirar en el Reino Cognitivo. La marca de Fusionados con esta Potencia son los nex–im, o Aquellos de los Cascarones.
Con esta potencia se puede usar la siguiente habilidad:
Nominación: Con esta habilidad se puede viajar entre el Reino Cognitivo (Shadesmar) y el Físico, usando una perpendicularidad que sirva de unión entre ellos. Una de las características de esto que sabemos gracias a Jasnah, es que es mucho más difícil dejar el Reino Cognitivo que entrar en él. Debido a esto, Jasnah se hizo tanto de rogar y aparecer en el Reino Físico.
COHESIÓN: Esta Potencia permite manipular los objetos sólidos a nivel molecular. Esta habilidad no funciona si el objeto está imbuido de Investidura o Luz tormentosa, por ello no tiene efecto sobre la carne humana. Los Fusionados con acceso a esta Potencia son los makay-im o Aquellos de las Profundidades, permitiéndoles moverse a través del suelo.
Con esta potencia se puede usar la siguiente habilidad:
Escultura de Piedra: Con esta habilidad, los Potenciadores puede dar forma a la piedra u otros materiales como si fuera arcilla.
TENSIÓN: Esta Potencia da la habilidad de manipular los objetos flexibles y volverlos rígidos. Al igual que con Cohesión, no funciona sobre materia imbuida de Investidura o Luz Tormentosa.
Desgraciadamente, en este 2025 me he dedicado a producciones menos actuales, como Twin Peaks o Mad men. Por eso, dudo que esta lista sea una buena representación de lo que ha dado de sí la televisión de 2025. Espero que os sirva para conocer nuevas historias. He decidido incluir únicamente nuevas series, por lo que dejo fuera dos series que habrían entrado en el top sin dudarlos: la segunda temporada de Severance y la de Andor.
5- Monsieur Spade, de Scott Frank y Tom Fontana.
Dos de los grandes nombres de la televisión moderna se unieron para devolver a la vida a uno de los grandes nombres de la novela negra clásica: el detective Sam Spade. Tom Fontana, creador de Oz, una de las primeras grandes series de HBO; y Scott Frank, creador de Godless o Gambito de dama, decidieron colocar al detective en un escenario opuesto a la urbana San Francisco: la campiña francesa a principios de los años 60.
Así, Monsieur Spade es una serie deslocalizada en el sentido de que ocurre en un lugar y tiempo que no son acordes a los del cine negro clásico. Además, la historia se pasa de compleja e intelectual en su afán por dejar cabos sueltos y no explicar del todo los motivos de sus personajes.
Pero tenemos a Clive Owen como imagen del carismático detective, con frases que son de las mejores del año. Parece que en vez de lengua, utiliza un martillo pilón.
4- Dept. Q (2025), de Scott Frank y Chadni Lakhani.
Sí, es el mismo Scott Frank de Monsieur Spade, solo que aquí en su vertiente más comercial. No en vano, Dept. Q está disponible en Netflix. Adaptación de la saga de novelas Los casos del departamento Q (que tiene sus correspondientes adaptaciones cinematográficas), Dept. Q cambia la gelidez nórdica por la sucia y urbana Edimburgo.
Serie modélica de las que gustan en Netflix, Dept. Q tiene una trama que se devora, ágilmente conducida por un arisco inspector protagonista (el siempre infravalorado Matthew Goode) y su tan silencioso como expeditivo compañero sirio de oscuro pasado (impagable Alexej Manvelov). Aunque la trama podía haber dado lugar a más sorpresas (sabemos la resolución mucho antes de que termine), es una serie entretenida.
3- El gran guerrero (2025), de Jason Momoa y Thomas Pa’a Sibbett.
En un 2025 carente de series épicas, muchos teníamos esperanzas en El gran guerrero, superproducción de Apple TV con la producción del actor Jason Momoa, que nos devuelve a su vertiente más serie, la que vimos en Juego de Tronos o la bestial See.
Ambientada en la unificación de Hawaii durante el siglo XVII, El gran guerrero aspiraba a convertirse en una fenómeno narrativamente similar a Juego de tronos y emparentado con el gusto exótico de Shogun.
Lástima que, pese a sus paisajes espectacular, el buen hacer del reparto o la música de Hans Zimmer, El gran guerrero no deje de ser una serie moderadamente entretenida que únicamente se crece cuando asistimos a su lado más bárbaro, el de los machetazos y las brutales tradiciones indígenas.
La primera serie sobresaliente de esta lista. Lehane, escritor de Mystic River o Shutter Island, ya había creado una miniserie tan brutal como Encerrado con el diablo.
Ahora se centraba en una aparente intriga criminal protagonizada por dos detectives: el experto en incendios Dave Gudsen (Taron Egerton) y la policía Michelle Calderone (Jurnee Smollet). Ambos deben perseguir a dos pirómanos mientras lidian con sus propias crisis vitales.
Lo que parecía la típica trama detectivesca se aleja bien rápido de lo convencional por los sorprendentes giros que nos presenta Smoke. Sabemos como empieza pero ni nos podemos imaginar cómo acabará. Y menudo duelo interpretativo el de Egerton y Smollet. Ojalá que vuelvan en posteriores temporadas.
Es una pena que se estrenen tantas series al mes que olvidemos tan rápido el impacto que tuvo Adolescencia en el primer trimestre del 2025, convirtiéndose en uno de los grandes fenómenos del año.
Pero no es solo eso. Adolescencia es prácticamente una serie perfecta. Lo es desde lo técnico, con esos cuatro episodios rodados en estricto plano secuencia ante los que solo podemos quitarnos el sombrero (pensad en que una equivocación podía conllevar la repetición íntegra de toda la toma). Y lo es desde su relevancia. Porque Adolescencia no solo supone la introducción a la cultura incel y a la machosfera (personalmente, desconocía este submundo), sino la certeza de que somos unos necios si pensamos que nuestros hijos están seguros sin salir de casa y expuestos a una pantalla abierta a un mundo que los adultos no acertamos a comprender.
En nuestro primer retro-análisis de 2026 hacemos repaso de En Busca del Fuego (1981), coproducción franco-canadiense que, dirigida por Jean-Jacques Annaud (y conocida como La Guerra del Fuego para América Latina) cambió de modo radical el abordaje de la prehistoria en el cine por su crudo realismo y por hacer confluir al mismo con la evidencia científica y la investigación antropológica.
Feliz año y bienvenidos a un nuevo retro-análisis, primero de este 2026 que, siguiendo la cábala de “empezar por el principio” que hemos usado los últimos dos años, versa sobre una “película prehistórica”, como antes El Clan del Oso Cavernario (1986) ó 10.000 a.C. (2008). La que nos ocupa esta vez es En Busca del Fuego (1981) que, dirigida por Jean-Jacques Annaud y conocida en francés original como La Guerre du Feu y en inglés como Quest for Fire, es en mi opinión la mejor película que se haya hecho sobre la prehistoria y la que marcó un punto de quiebre con respecto al modo en que el cine trataba ese largo albor de la humanidad.
Convengamos que Annaud jamás fue un director de proyectos fáciles. Por el contrario, gustó en general de meterse en enormes esfuerzos de producción, ambientación y recreación de todo un mundo para los personajes. Basta con recordar que después de esta película, y solo por citar algunos ejemplos, dirigiría El Nombre de la Rosa (1986), El Oso (1988), El Amante (1992) o Siete Años en el Tibet (1997), todos filmes que requerían contexto de época o escenario exótico, cuando no ambos.
Contrariamente a lo que creen muchos que a la ligera la tildan de aburrida, la prehistoria es una etapa de la humanidad muy fascinante para su estudio y, por cierto, una en la que los datos cambian permanentemente a la luz de nuevos descubrimientos e investigaciones. El cine, antes de En Busca del Fuego, recayó básicamente en la misma desde la aventura, con filmes divertidos, queribles o naif como Hace un Millón de Años, ya sea en su versión original de 1940 o en su remake de 1966, de la que pueden leer aquí el retro-análisis de un servidor.
Por lo general, eran filmes sin rigor científico y tampoco lo buscaban, pudiendo convivir seres humanos con dinosaurios o criaturas que directamente jamás existieron. Y las mujeres prehistóricas, luciendo seductores bikinis de piel y estilizados cuerpos a la moda, solían ser objeto de situaciones que movían al fetichismo o despertaban pasiones (justamente) primitivas. Eran películas que se proponían divertir y lo lograban: punto…
Lo que busca Annaud con En Busca del Fuego es totalmente distinto. Basándose en la novela homónima del escritor belgaJ.H. Rosny-aîné publicada en 1911, procura acercarse al período desde una óptica más realista y antropológica a la luz de lo que por aquel entonces eran los últimos descubrimientos en la materia. No significa que la película no tenga anacronismos porque los tiene (ninguna sobre la prehistoria logra escaparles), pero presenta un realismo por momentos documental que la hace claramente apartarse de la previa producción fílmica relacionada.
El rodaje abarcó tres continentes diferentes con localizaciones en Canadá (Columbia Británica y Ontario), Escocia, Islandia, Finlandia y Kenia, todos escenarios que brindan el marco justo para la historia a narrar.
El guion fue encomendado a Gérard Brach, en el futuro colaborador habitual del director, pero para hacer creíble la comunicación entre los personajes, se evitó cualquier lengua actual conocida o subtitulado para recurrir, en cambio, a todo un argot desarrollado por Anthony Burgess, tal como lo había hecho en su novela La Naranja Mecánica.
El reconocido etólogo y antropólogo Desmond Morris (autor de El Mono Desnudo) fue por su parte el responsable de desarrollar gestos y patrones de movimiento, labor bien afín a alguien que, justamente, dedicó buena parte de su obra a estudiar los comportamientos animales en el ser humano.
La música corrió por cuenta de Philippe Sarde, joven y prolífico talento que venía de ser nominado al Oscar porTess (1979) y que volvería a trabajar junto a Annaud en El Oso.
La Historia
El cartel inicial (único texto en toda la película fuera de los créditos), nos ubica ochenta mil años de Cristo permitiéndonos conocer a los Ulam, tribu de cromañones (aunque también podrían ser neandertales) que protegen y mantienen como su bien más preciado al fuego que utilizan para calefaccionarse y cocer alimentos, el cual no saben cómo generar en caso de que se apague, por lo que solo pueden tomarlo de la naturaleza y mantenerlo como tal. Difícil saber si eso fue práctica frecuente alguna vez pero no sería raro…
La cuestión es que son atacados por la tribu de los Wagabu, humanoides peludos de aspecto simiesco que dan la impresión de ser bastante menos evolucionados. En el entrevero, los Ulam deben huir hacia el pantano y ello lleva a que accidentalmente el fuego se les termine apagando en el agua.
Naoh (Everett McGill), Amoukar (Ron Perlman) y Gaw (Nameer El-Kadi) son sindicados como responsables y por lo tanto enviados en una misión para encontrar nuevamente el fuego y traerlo a la tribu. A partir de allí se desarrolla una historia de viaje y nuestro trío deberá enfrentarse a enormes peligros como caníbales, tigres dientes de sable, lobos hambrientos y mamuts lanudos, además de entrar en contacto con Ika (Rae Dawn Chong), muchacha perteneciente a los Ivaka, tribu que se ve claramente más evolucionada al punto que no solo dominan el fuego y son capaces de obtenerlo por cuenta propia, sino que además practican una costumbre que los Ulam desconocen: la risa…
En medio de todo eso, hay escenas de cruda violencia que bordean lo gore pero que se ajustan a una época en la cual no había delicadezas, así como también de sexo salvaje que poco y nada tienen que ver con los parámetros que manejamos hoy en día, aunque el contacto con Ika y los Ivaka civilizará de algún modo a Naoh y al resto de los suyos.
Supervivencia y Poder
En Busca del Fuego es una película cuyo título resume a la perfección su esencia y eje central, al punto que en español (más fiel al título inglés que al francés) es incluso mejor que el original La Guerre du Feu o su versión latinoamericana La Guerra del Fuego. De hecho, no hay ninguna guerra en sentido literal, aunque sí un conflicto por la posesión del fuego como sinónimo de poder a la vez que de supervivencia en una época en que ambos conceptos iban de la mano, antes de que la civilización urbana y la jerarquización social hicieran lo suyo.
Hay que reconocer, sí, que es una película que se toma licencias geográficas y temporales. No es que haya seres humanos conviviendo con dinosaurios pero, por poner un ejemplo y en una de las más escenas más icónicas del filme, el trío protagonista se trepa a un árbol enclenque y quebradizo para escapar a las garras de dos tigres dientes de sable que, más allá de ser claramente leones a los que se les han colocado prótesis y pintado rayas, no habitaron como especie el continente europeo sino el americano.
Mejor ubicados están los mamuts que, en efecto, habitaron prácticamente toda Europa y sobre todo las regiones más frías, aunque se ven algo cutres (Annaud no pudo, como pretendía, llevar a tiempo elefantes a Islandia para caracterizarlos como tales) y no parece probable, por otra parte, que los humanos les temieran o fueran atacados por ellos como aquí se ve. Mucho más factible es que se pusieran agresivos cuando eran justamente los humanos quienes les acechaban para darles caza.
Y desde ya que hay anacronismos. Los Wagabu, con su aspecto bestial de hombres-mono muy cercanos a 2001: Una Odisea Espacial (aquí retro-análisis), parecen homínidos poco evolucionados y bastante anteriores a la época que se busca recrear, los cuales no solo estarían para ese entonces ya largamente extintos, sino que tampoco hay indicios de que hayan alguna vez habitado fuera de África.
En cuanto a los Ivaka, no solo sus máscaras y cuerpos espigados y pintados parecieran corresponderse con culturas del Caribe o la selva amazónica, sino que además viven en chozas que faltaba largo tiempo para que apareciesen, ya que ese tipo de construcción se condice con culturas que ya conocen el cultivo (los pueblos cazadores-recolectores moran en cuevas o bien montan refugios temporales, toldos o paravientos con pieles, huesos o ramas, pero de forma bastante más precaria).
Hay por otra parte en la película una amplia convivencia entre distintas especies humanas o humanoides (por lo menos tres), lo cual, dejando fuera lo ya dicho sobre la imposibilidad de que hubiera en Europa homínidos previos al homo erectus, tiene bastante de realidad de acuerdo a los datos recientes, que hablan de una cierta interacción e incluso apareamiento.
No queda en claro en el filme si los Ulam son neandertales y los Ivaka cromañones. De ser así, la historia de Naoh e Ika sería la de una relación entre especies y las últimas investigaciones del genoma indican que eso no es ningún disparate, sino algo que verdaderamente ocurrió.
Lo que sí parece improbable es que tantas especies diferentes convivieran en un área de territorio tan limitada y estuvieran tan cerca unas de otras. Del mismo modo, los tiempos parecen demasiado comprimidos en relación con los contactos o la transmisión de conocimientos de una a otra. Pero la impresión no es que Annaud haya pretendido filmar “un día en la vida de los humanos prehistóricos”, sino más bien querido brindar un resumen de esa misma evolución y transculturación poniéndolos en área y tiempo acotados. Licencia cronológica, claro, pero es la idea…
Y a pesar de que la película rompe de manera drástica con la filmografía previa sobre la prehistoria, tiene un punto en común con Hace un Millón de Años que incluso reaparecerá después en El Clan del Oso Cavernario: la muchacha que, perteneciente a una tribu más avanzada, oficia como nexo para que sus conocimientos,adelantos e incluso modales pasen a otra tribu que no lo es tanto.
Los Ivaka no solo saben dominar y generar el fuego, sino que también tienen cerámica (otro anacronismo, pues no la habrá hasta el neolítico) y practican el sexo en postura de misionero en lugar de a cuatro patas, un método menos bestial que Ika enseñará a Naoh después de que este intenta tomarla justamente en dicha posición. Y además tienen humor y saben reír, otra práctica que, por medio de Ika, pasará a los Ulam…
Una Película Bisagra
Yendo a los méritos fílmicos, es digno de destacar que Annaud y Brach logren contarnos una historia sin diálogos o, mejor dicho, con diálogos que no entendemos, pero en los cuales gestos, expresiones y fonemas están puestos de tal modo que acabamos entendiendo por contexto y repetición: nos alcanzan unos pocos minutos para comprender, por ejemplo, que “aatra” es fuego, concepto central durante toda la película.
Y si alguien piensa que un filme es necesariamente aburrido cuando no tiene diálogos en sentido convencional, a no olvidar que el cine tuvo en sus inicios más de dos décadas sin sonido y aun así dio lugar a obras de arte inolvidables.
Annaud acierta además al saber contar una historia sin ceder a las concesiones o “sentido común” de la cultura contemporánea. Más anacrónico que ver a los Ivaka vivir en chozas me pareció, de hecho, el comentario de una crítica cinematográfica estadounidense que manifestaba que no le hubiera gustado ser mujer en los tiempos que la película relata. Lo más seguro es que, de vivir ella esa época, jamás se lo habría planteado…
El sexo está presentado de modo natural y bestial, lo cual quizás pueda chocar al espectador sensible, pero a la vez lo hace verosímil y creíble. Al igual que ocurre en el mundo animal, no se basa en el consentimiento y es un error pretender ver aquí violación, casi lo mismo que decir que ese perro callejero al que ves al otro lado de tu ventana está violando a una perra en la calle…
Es cierto que para entender la prehistoria debemos pararnos primero en la actualidad o de lo contrario no tendríamos herramientas conceptuales para acercarnos, pero también lo es que a dicho acercamiento le sigue el desafío de quitarnos de encima toda nuestra cultura para no ver con ojos prejuiciosos ni evaluar fuera de contexto.
Las caracterizaciones de los actores, por otra parte, son perfectamente creíbles y en ningún momento vemos escapárseles ademanes, actitudes o gestos familiares a nuestro entorno social o de época. Y la elección física no puede ser mejor, ya que los tres principales no necesitan casi maquillaje.
En ese sentido, el filme significó el despegue de la carrera de Ron Perlman, que volvería a ser convocado por Annaud para El Nombre de la Rosa e interpretaría años más tarde a Hellboy (2004), así como a “Clay” Morrow en esa gran serie que fue Hijos de la Anarquía (aquí nuestro análisis). La carrera de Everett McGill no tendrá tantos papeles principales pero sí varios secundarios o de villano y será habitué de la filmografía de David Lynch en títulos como Dune (1984, aquí retro-análisis), Una Historia Verdadera (1999) o la icónica serie Twin Peaks (aquí nuestro análisis), donde daría vida a Ed Hurley, el propietario de la gasolinera.
Tanto uno como el otro están perfectos en sus roles cavernícolas sin dar traza de civilización a cuestas y lo mismo vale para Nameer El-Kadi que, sin una trayectoria posterior tan visible, estaría sin embargo en Navy Seals(1990), Congo (1995) o George de la Jungla (1997). Como dato de color, el rodaje de En busca del Fuego le permitió conocer en Escocia a la enfermera que sería su esposa y Ron Perlman acabó siendo el padrino de su hija: todo en familia. Por último, pero no menor, Rae Dawn Chong brinda también un desempeño excelente en un papel importantísimo para la trama ya que, como señaláramos antes, su personaje funciona como nexo entre dos mundos.
En cuanto a la banda sonora, Philippe Sarde demuestra gran versatilidad al romper con los patrones victorianos de los que había echado mano en Tess (filme de Roman Polanski que también contara con guion de Brach) y pasar a un plano mucho más tribal con recurso a vientos, percusión y armonías corales que deben no poco a Hace un Millón de Años, pues estaba prácticamente instalado en el cine que los coros producían un efecto evocativo que llevaba a épocas pretéritas.
Valoración y Legado
Distribuida por AMLF, la película se estrenó en Francia el 16 de diciembre de 1981, en tanto que 20th. Century Fox lo hizo para Canadá y Estados Unidos (en ese orden) en febrero de 1982. Significó para Jean-Jacques Annaud su primer éxito en taquilla, pues con un costo de doce millones de dólares, acabó recaudando más de cincuenta y cinco sin contar las ganancias posteriores de las ediciones en video hogareño, que también la convirtieron en clásico de culto. Tuvo seis nominaciones a los Premios Cesar (máxima distinción del cine francés) y se alzó con el Oscar al mejor maquillaje.
En Busca del Fuego cambia para siempre el abordaje de la prehistoria en el cine y no porque reniegue del formato de aventura o de viaje tan común al género, sino porque, haciendo confluir el cine comercial con el de autor, incorpora realismo, crudeza y conocimiento antropológico más allá de las licencias y anacronismos de las que hemos hablado.
Una doble e inquietante sensación, rayana en la angustia y el pesimismo, nos invade al ver a esos humanos primitivos recreados de modo tan real: la de pensar que, después de todo, no no nos diferenciamos tanto en esencia del mundo animal y que, si eso que vemos es lo que bajo nosotros subyace, también puede ser quizás lo que emerja el día en que una guerra nuclear o lo que sea acabe con la civilización. Ya El Planeta de los Simios (1968, aquí retro-análisis) había jugado escalofriantemente con esa idea.
En Busca del Fuego es precisamente una película que nos lleva a un lugar incómodo al ponernos en contacto con una esencia animal que nos negamos a ver y que nos termina haciendo pensar que la cultura sea quizás la mentira con que hemos cubierto, pero no matado, nuestra naturaleza. Y a la vez, sin embargo, deja un hálito final de optimismo cuando vemos en el cierre a Naoh acariciando tiernamente el encinto vientre de Ika mientras ambos miran la luna.
Y esa es una constante en los filmes de Annaud (que le valió incluso críticas por el tono demasiado optimista que, en contra de la novela original, dio al final de El Nombre de la Rosa): la idea de que, más allá de lo frío, cruento y desgarrador que pueda ser este mundo, hay siempre una pequeña luz por delante. Y que hasta de las cosas más crudas y horrendas se puede aprender. Como los Ulam…
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Starman. La colección completa 2. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Starman. La colección completa 2, una joya que no es tan popular
Hay cómics que entran gritando en tu estantería, con portadas que parecen decir “mírame, soy importante”. Y luego está Starman, que entra de puntillas, se sienta en el sofá, y cuando te quieres dar cuenta, te ha destrozado emocionalmente sin levantar la voz. Starman es una joya silenciosa.
Panini publicó hace unos meses “Starman: La colección completa 2”, y si el primer tomo ya era una declaración de intenciones, este segundo es directamente una confirmación de que James Robinson estaba escribiendo algo especial mientras el resto del mundo miraba a otros héroes hacer poses chulas.
Aquí tenemos los números 17 al 29 y el Annual 1 de la edición americana, más algún extra. O dicho de otra forma: el momento exacto en el que la serie deja de ser “un cómic bueno” y pasa a convertirse en una obra con alma, pasado, memoria y cicatrices.
Jack Knight, el superhéroe que no quería serlo
Si algo hace grande a Starman es que Jack Knight sigue sin querer ser Starman. Y eso, lejos de ser un problema, es su mayor virtud. No hay épica impostada, ni discursos grandilocuentes, ni ganas de salvar el mundo porque toca. Jack es un tipo normal heredando un legado que pesa como una losa y que no pidió.
En este segundo volumen, Robinson se dedica a profundizar en ese peso, en la historia familiar, en los fantasmas del pasado y en lo que significa llevar un nombre que otros convirtieron en leyenda. Y lo hace sin prisas, sin gritos, sin explosiones gratuitas.
Aquí el conflicto no siempre se resuelve a golpes. A veces se resuelve con recuerdos, con conversaciones incómodas o con silencios que dicen más que cualquier splash page.
Opal City, la ciudad que respira
Otra de las maravillas de este tomo es Opal City, probablemente una de las ciudades más vivas que ha tenido DC jamás. No es un decorado, no es un mapa con edificios. Es un lugar con historia, arquitectura, tradición y personalidad.
Robinson convierte la ciudad en un personaje más. Todo importa, el pasado, los viejos héroes, los villanos olvidados, los secretos enterrados. Y nosotros, como lectores, empiezamos a sentir que pertenecemos a ese sitio, que podríamos caminar por sus calles y reconocerlas.
Esto no va de salvar el universo. Va de proteger lo que amas, incluso cuando no sabes muy bien por qué lo amas tanto.
Tony Harris, elegancia noventera con cerebro
Y luego está Tony Harris, que aquí está en estado de gracia. Su dibujo tiene ese sabor noventero reconocible, sí, pero sin excesos musculares ni caras clónicas. Hay personalidad, expresividad y una narrativa clarísima.
Harris entiende perfectamente el tono de la serie, melancolía, humanidad y un toque pulp. Sus páginas saben cuándo ser espectaculares y cuándo retirarse para dejar que los personajes tomen el protagonismo. No intenta robarle protagonismo al guion, al revés lo acompaña, lo potencia y lo eleva.
El resultado es un cómic que entra por los ojos, pero se queda en el corazón.
Un cómic de superhéroes que no parece uno
Lo más fascinante de Starman es que no parece un cómic de superhéroes al uso. Sí, hay villanos, legado, máscaras y bastones cósmicos. Pero todo está al servicio de algo más grande, hablar del paso del tiempo, de la herencia, de la identidad y de cómo convivimos con nuestro pasado.
Este segundo volumen afianza ese tono adulto sin ser oscuro por obligación. No hay cinismo barato ni violencia gratuita. Hay nostalgia bien entendida, respeto por la historia del cómic y una sensibilidad que hoy se echa muchísimo de menos.
Conclusión: una joya que sigue sin hacer ruido (y mejor así)
Starman: La colección completa 2 no es un cómic para devorar con prisas. Es un cómic para saborear, para leer despacio, para volver atrás y releer una conversación porque te ha tocado algo por dentro.
No es mainstream. No busca serlo. Y ahí está su magia.
Si te gustan los superhéroes con corazón, las historias que respetan al lector y los cómics que te hacen sentir que has leído algo importante sin necesidad de decirte por qué, este tomo es obligatorio. Y cuando terminas de leerlo, te das cuenta de que ese mensaje se te ha quedado dentro durante días.
Eso no lo consiguen muchos cómics.
Contiene Starman 17-29, Starman Annual 1 y material de Showcase 95 12 y Showcase 96 4-5
El segundo volumen de la obra maestra conducida por James Robinson y Tony Harris. Jack Knight, un superhéroe de la generación X, ha heredado el nombre y poderes de su padre, el Starman original. Los sueños de Jack lo llevan a Nueva York, donde se cruza en el camino de Wesley Dodds, el Sandman de los años cuarenta, y descubre la llegada a la Tierra de otro Starman.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Un año más, desde esta casa queremos desearos unas Felices Fiestas: Feliz Navidad, feliz salida y mejor entrada en el nuevo año, rodeados de lecturas, tebeos y buena compañía. En esta ocasión, nos centraremos en Los Mejores Mangas de 2025.
Como siempre, esta lista no es un ranking ni pretende sentar cátedra: el orden es estrictamente aleatorio, fruto del caos organizado que reina en nuestras estanterías y de los distintos gustos de quienes escribimos aquí.
Dicho esto… Vamos al turrón. Estos son, para Las cosas que nos hacen felices, los mejores mangas de 2025 … Los que más nos han gustado … Vamos a ello …
Mejores Mangas de 2025
1.- I am a Hero. Norma Editorial. 24,95€. Tres tomos publicados hasta el momento.
Nueva edición del arranque del clásico de Kengo Hanazawa, que vuelve a las librerías españolas como uno de los grandes seinen de terror psicológico y zombies.
Un protagonista tan patético como fascinante y una puesta en escena hiperrealista hacen de este primer tomo una lecturaimprescindible para quienes todavía no hayan entrado en la serie.
2.- Estuche Las montañas de la locura de Go Tanabe. Planeta Cómic. 44€.
Pack en estuche que reúne los dos volúmenes de la adaptación de “En las montañas de la locura” de H. P. Lovecraft realizada por Gou Tanabe.
Edición de tapa dura, más de 600 páginas de horror cósmico y un arte minucioso que lo convierten en una pieza de lujo para amantes del seinen y del terror literario.
Norma Editorial recupera el clásico de Masashi Tanaka en una edición coleccionista que reúne la serie completa en un único volumen de más de 1.200 páginas.
Sin diálogos y con un dibujo minucioso, las aventuras mudas de este diminuto dinosaurio son una demostración de narrativa visual que funciona para todo tipo de públicos.
4.- Mujina into the Deep. Norma Editorial. 9,95€. Cuatro tomos publicados hasta el momento.
La nueva obra de Inio Asano, que combina futuro distópico, acción y su habitual mirada pesimista hacia la sociedad contemporánea.
Personajes dañados, violencia estilizada y un trasfondo social muy marcado lo sitúan entre los debuts seinen más comentados de 2025 en España.
Pack que reúne en un solo volumen los tres tomos del thriller noir de Tsutomu Takahashi, publicado como serie completa en diciembre de 2025.
A través de la relación entre un joven desesperado y un anciano ex-yakuza, el manga explora la culpa, la violencia y la degradación moral en una historia que remueve por dentro.
Es un volumen autoconclusivo de horror marítimo con tiburones descontrolados, mucha violencia y un tono de serie B muy disfrutable.
Un grupo de antiguos compañeros de instituto se reúne años después para pasar un día perfecto de verano a bordo de una lancha entre sol, copas y nostalgia.
La aparición de un tiburón en aquellas aguas aparentemente tranquilas convierte la reunión en una pesadilla sangrienta, donde el instinto de supervivencia aflora y la consigna pasa a ser matar o morir sin dejarse arrastrar por el pánico.
Cerramos aquí nuestro repaso a algunos de los mejores mangas publicados en España durante 2025, un año en el que editoriales grandes y pequeñas han demostrado que el medio sigue más vivo que nunca.
Como siempre, te leemos en comentarios: cuéntanos cuáles han sido tus imprescindibles, qué obras echas de menos en la lista y qué series te gustaría ver reseñadas próximamente en Las cosas que nos hacen felices.
Espero y deseo, de todo corazón, que en estas fechas tan singulares …
Comienza otro año y también otro mes de estrenos en Disney+, el cual tiene como principales atracciones dos series basadas en cómics: The Beauty, thriller de ciencia ficción que es la nueva creación de Ryan Murphy, y Wonder Man que, en tono satírico, inserta al personaje creado por Stan Lee en el Universo Cinematográfico de Marvel. Pero hay más…
Bienvenidos a un nuevo año y, amén de renovar las esperanzas y todo eso que se suele decir, lo que nos atañe es que llegan los estrenos de Disney+, con las series y películas que nos trae este enero con el que comenzamos 2026. Ojo, no hay mucho como notarán por la tachadura, pero eso no es novedad. En efecto, no tenemos ninguna película (salvo algún documental), pero sí algunas series y documentales interesantes.
The Beauty es una serie de FX que constituye la nueva creación de Ryan Murphy, responsable de las exitosas Glee y American Horror Story. Se anuncia básicamente como una propuesta de thriller con elementos de distopía en la cual dos agentes del FBI interpretados por Evan Peters y Rebecca Hall deben investigar una serie de misteriosas muertes que involucran a modelos del mundo de la alta costura y que tienen que ver con un virus de laboratorio que, creado por una organización a la que se conoce como La Corporación, brinda perfección física, pero con terribles consecuencias que se traducen en una epidemia de alcances globales.
La historia se basa en el cómic de idéntico título que, creado por Jeremy Haun y Jason A. Hurley, fuera publicado por Image Comics, lo cual se sale un poco de la dualidad DC-Marvel tan común por estos días. Se pueden establecer paralelos conLa Sustancia y lo de la dupla de agentes siempre nos va a remitir un poco a The X-Files.
La adaptación, según se anuncia, viene en tono de sátira contra la industria cinematográfica y la propia Marvel, a la vez que funciona como historia dentro de otra, pues Simon Williams (Yahya Abdul-Mateen II) no es como en las viñetas un rico industrial que hereda de su padre una fábrica de municiones, sino un actor de segunda línea que se presenta al casting para una película basada en dicho personaje y obtiene por accidente sus mismos poderes. ¿De qué modo? Bueno, se supone que para saberlo hay que ver la serie, ¿verdad?
La propuesta juega contra con los límites entre realidad y ficción y apunta a cómo ciertos actores quedan para el público mimetizados con sus personajes al punto de diluirse su propia identidad, una idea con la que de algún modo jugó el filme Birdman(2014), pero que en este caso la metáfora va mucho más a lo fantástico. El elenco incluye a aclamadas y reconocidas figuras como el oscarizado Ben Kingsley, Ed Harris y Joe Pantoliano, junto a Demetrius Groose, Arian Moayed, Byron Bowers y Olivia Thirlby.
Estreno el 28 de enero.
ACI: Alta Capacidad Intelectual es una versión americana de la muy exitosa serie francesa del mismo nombre, que ya lleva cinco temporadas. Básicamente sigue a Morgan, una madre soltera con un coeficiente intelectual de 160 a la que la policía de Los Angeles recurre para resolver crímenes, pero su temperamento y carácter le hacen difícil encajar con ellos.
Creada por Andrew Goddardy protagonizada por Kaitlin Olson, ya fue estrenada por ABC en 2024 y por Disney+ para Latinoamérica en 2025, pero no para España, posiblemente para no superponerla con la original, que se emite por Antena 3. En general, la adaptación de Disney ha recibido críticas por hacer una versión bastante más lavada y correcta, perdiéndose mucho del humor corrosivo que caracteriza a la serie francesa al burlarse de tabúes y prejuicios sociales. Habrá que ver y juzgar…
Estreno en la plataforma el 7 de enero.
Entre los documentales se destaca Bruce Springsteen: Nebraska Live, especialmente para quienes, como mi colega Pedro o yo, somos devotos de este inigualable artista de New Jersey al que en algún momento se promocionó como “el futuro del rock n´roll”, pero que renegó de ese título y en respuesta, allá por 1982, grabó Nebraska, sin duda su disco más intimista, introspectivo y oscuro en el cual deja colgadas tanto la guitarra eléctrica como la E Street Band para ofrecer un álbum despojado en el que están solo él y su acústica o, a lo sumo, algún carrillón, una mandolina y solo en un tema su Esquire tan característica.
Filmada en blanco y negro por Thom Zimny, realizador afín a la carrera de Springsteen si los hay, esta película recoge testimonio de la presentación en vivo en la que, por primera vez, interpreta de principio a fin ese disco que, no tan conocido para el gran público, es sin embargo uno de los más amados por los fans y al cual en su momento ni siquiera presentó en gira. Gran complemento, además, para el documental Diarios de Carretera (aquí la crítica de mi compañero Pedro) y la película biográficaDeliver Me from Nowhere, estrenada en octubre de este año y en la cual Bruce es encarnado por el actor Jeremy Allen White.
Estreno el 9 de enero.
Siguiendo con los documentales, en este caso de National Geographic, De Polo a Polo con Will Smith es una docuserie que demandó cinco años de producción y que, en experiencia altamente inmersiva y cinematográfica, lleva al conocido actor a través de los cinco continentes acompañado por científicos, exploradores y expertos locales. Se trata de siete episodios, de los cuales el primero está dedicado a la Antártida y el Polo Sur, los dos siguientes a las junglas del Amazonas y los cuatro restantes al Himalaya, las Islas Pacíficas, el Desierto del Kalahari y el Polo Norte respectivamente.
Los siete estarán disponibles en Disney+ a partir del 14 de enero.
Y no hay mucho más. En el terreno animado, la serie El Cuento de Sylvan, que viene a reversionar uno de los más clásicos relatos infantiles europeos (macedonio en este caso), además de mencionar que también arriban este mes a la plataforma nuevas temporadas de Mil Golpes, Colegio Abbott, Tell Me Lies y La Agencia, así como también, al completo con sus cinco temporadas (92 episodios) el drama médico New Amsterdam. Vamos al listado…
SERIES
. New Amsterdam (5 temporadas, 1 de enero)
. ACI, Alta Capacidad Intelectual (5 de enero)
. La Agencia (parte 2, 6 de enero)
. Colegio Abbott (temporada 5, parte 1, 7 de enero)
. El Cuento de Sylvan (9 de enero)
. Mil Golpes (temporada 2, 9 de enero)
. Tell Me Lies (temporada 3, 13 de enero)
. The Beauty (22 de enero)
. Wonder Man (28 de enero)
DOCUMENTALES
. Guepardos en Primer Plano, con Bertie Gregory (2 de enero)
. Bruce Springsteen: Nebraska Live (9 de enero)
. De Polo a Polo con Will Smith (14 de enero)
Esperando, como siempre, que hayan encontrado algo de su gusto e interés, nos volvemos a encontrar el próximo mes para dar repaso a los estrenos de febrero. Hasta entonces y sean felices…
En Las cosas que nos hacen felices aprovechamos tanto el tiempo que, cuando nos dedicamos a repasar lo mejor del año, también nos acordamos de aquellas películas de las que tanto esperábamos y, al final, por una cosa u otra, no fueron para tanto. Este no es un ranking con las peores obras del año. De hecho, veréis grandes películas que no cumplieron mis expectativas. Comenzamos.
Misión Imposible: sentencia final, de Christopher McQuarrie.
Teniendo en cuenta todo esto y tras su espectacular entrega previa, reconozco que Sentencia Final no llega a la calidad de películas como Protocolo fantasma, Nación secreta o Fallout.
Y creo que esto se debe a un consciente cambio en la narrativa de la película que arriesga y no gana del todo. En primer lugar, no vemos a un Tom Cruise tan entregado físicamente a la lucha como en anteriores entregas de la saga. Y, en segundo lugar, la película se lo juega todo a dos cartas: la escena submarina y la de los dos aeroplanos.
Ambas tan espectaculares que lastran un poco el resto de segmentos de la película. Es cierto que son dos secuencias absolutamente únicas en la historia del cine pero una película es mucho más que su escena más mítica.
Frankenstein, de Guillermo del toro.
No soy muy afín al cine de Guillermo del toro. Ya me gustaría, porque me interesan todos los proyectos que intenta sacar adelante, desde la gótica La cumbre escarlata al cine negro de El callejón de las almas perdidas. El problema es que Del toro se deja llevar por la forma y siempre descuida el fondo. Salvo una excepción, la magistral El laberinto del fauno.
Pero no, Del Toro no añade absolutamente nada (no como Robert Eggers y su Nosferatu). De hecho, lo poco que añade enlentece la película, con esa voz en off que se dedica a sobreexplicar lo que las imágenes dicen tan claramente como Mary Shelley escribió en su novela. Que el monstruo es el creador y no la criatura.
Mucho ha cambiado la industria del cine para que una película dirigida por Scott Derrickson (Sinister, Black Phone, Doctor Extraño) y protagonizada por dos estrellas en alza como Miles Teller (Whiplash, Top Gun: Maverick) y Anya Taylor Joy (Gambito de Dama, La cena, Última noche en el Soho) se estrenara directamente en Apple TV sin ruido mediático.
El abismo secreto es un lujoso producto de plataforma con una premisa bien sencilla y muchos monstruos imaginativos. Ni el carisma de sus protagonistas libran a la película del poco fondo de la propuesta y de lo previsible que es la historia. Ni me acuerdo de cómo acababa.
Jay Kelly, de Noah Baumbach.
A esta sí le tenía ganas. El esperado regreso de George Clooney al cine más reputado tras años apartado de la actuación salvo películas muy ligeras (la fallida Wolfs con su amigo Brad Pitt). Encima, con Noah Baumbach, director de Historias de un matrimonio, en otra producción para Netflix.
Y lo que nos queda es una producción tan suave y condescendiente que ni acaricia. Jay Kelly es una película más sobre los problemas de las estrellas de cine. Ese mantra de “tengo mucho dinero pero nadie me quiere” que en Jay Kelly se repite hasta la extenuación. Al final, por mucho repartazo que tenga la película (el mejor es Adam Sandler), Jay Kelly no deja de ser una lujosa versión de telefilm de domingo por la tarde.
Del cielo al infierno, de Spike Lee.
Todo un ídolo en la industria cinematográfica por su capacidad de no callarse nada, hay que reconocer que Spike Lee lleva casi veinte años sin rodar nada sorprendente. La última vez fue esa joya titulada Plan oculto, su anterior colaboración con Denzel Washington hasta esta Del cielo al infierno.
Remake de ese tótem de Akira Kurosawa titulada El infierno del odio, la película de Spike Lee es infumable. Aburrida, con un cambio de foco que lastra la película y con un Denzel Washington que jamás ha estado peor. De hecho, aunque sea la sexta en mi lista de decepciones, Del cielo al infierno es la peor película del año. Solo se salva su excelente música, aunque esta no acompañe a lo que va ocurriendo en la película de secuestros menos de secuestros de la historia.
Capitán América: Brave new world, de Julius Onah.
Lo del cine de superhéroes es otra historia. Con la certeza de que Marvel había traído de nuevo a los hermanos Russo y al actor Robert Downey Jr. para corregir la deriva de las películas posteriores a Vengadores: Endgame, pensaba que iba a cuidar más sus producciones de 2025. Y si Thunderbolts ha sorprendido y Los cuatro fantásticos ni fu ni fa, Capitán América: Brave New World ha sido un fracaso, tanto de taquilla como de calidad.
Y ha sido inesperado. No solo por la elección de un mito como Harrison Ford para sustituir al fallecido William Hurt como el coronel Ross. La saga del Capitán América, enmarcada más en el cine de espionaje que en el de superhéroes, era el eje vertebrador de la calidad del Universo Cinematográfico de Marvel hasta Endgame. Y duele ver como la película da la sensación de haberse rodado con desinterés, deseando que pase el tiempo para la nueva película de Vengadores. No hay carisma ni suspense, hasta el punto de que parece más una parodia del personaje que una nueva entrega destinada a aupar al actor que tiene que interpretar al personaje bajo la sombra de Chris Evans.
A Guy Ritchie no hay quien lo entienda. Compro lo de que tiene una carrera lastrada porque sus mejores películas las rodó al principio (Lock & Stock, Snatch, cerdos y diamantes). Pero es que lleva una década estrenando cada pestiño con buena pinta y mejor reparto que solo se justifica por el salario que les pagaran a los actores. Eso sí, se libra Despierta la furia, con el enorme Jason Statham.
La fuente de la eterna juventud es un Uncharted versión marca blanca. Dado que, de por sí, la película de Uncharted es la marca blanca de Indiana Jones, imaginaros la calidad de esta película que cuenta con John Krasinski, Natalie Portman, Eiza González o Domhall Gleeson. Aquí sí que me alegro de que fuera directamente para Apple.
Puñales por la espalda: de entre los muertos, de Rian Johnson.
Llegamos a la medalla de bronce. En un año en el que no sabemos que va a pasar, podíamos confiar en Rian Johnson, que no ha estrenado una película mala en toda su carrera. Y encima, una nueva entrega del whodunit Puñales por la espalda, con el que lleva enfrascado desde 2019.
Desgraciadamente, esta tercera entrega comienza a dar muestras de agotamiento. Las dos primeras películas habían subvertido la esencia de la intriga clásica con distintos trucos narrativos que en esta película no aparecen. Queda una trama con un asesinato, varios sospechosos y distintos giros, pero lejos de la brillantez de las otras Puñales por la espalda. Y encima, se va a las dos horas y medio, que cayeron unos cuantos bostezos.
Estragos, de Gareth Evans.
Otra que dolió. Siempre hay ganas de lo nuevo de Gareth Evans desde que aplaudiera cada uno de los golpes y disparos que se dan en Redada asesina y en su secuela. Encima, tenía a Tom Hardy, que se sacó el grado experto en molar desde la Origen de Christopher Nolan.
Pues tremenda decepción. Estragos había sido retrasada varias veces por Netflix y entemos por qué. Un sinsentido narrativo que únicamente se sostiene por escenas de acción que son una sombra de las mejores obras de Gareth Evans. Otra de las películas más flojas del año.
Que Paul Thomas Anderson es un director adorado por la crítica se sabe desde Boogie Nights, allá por 1997. Que había ganas de un thriller político con este director con Leonardo Di Caprio y Sean Penn, también.
Y resulta que la película no es para tanto. En el cine, se puede entender que a unos nos gusten unas películas y a otros otras, pero me cuesta muchísimo asumir que Una batalla tras otra sea una película que haya gustado absolutamente a todo el mundo, a la altura de películas como El padrino, Sin Perdón o la mismísima Magnolia de su director.
Porque puede que Una batalla tras otra maneje ciertos aspectos con interés, como el desencanto con las ideologías a medida que avanza la vida o el extraño papel que cumplen los héroes Leonardo Di Caprio y Benicio del toro, meros espectadores del viaje del héroe que realiza el personaje de Chase Infinity, pero no es ni por asomo una película para todo el mundo, como tampoco lo es Anora, Todo a la vez en todas partes o Nomadland, otras películas de tremendo consenso crítico que no se extrapola a los espectadores que vamos al cine.
Por ello, sorprende que los que se dedican a esto de analizar películas aborden las virtudes de la película y que prácticamente a nadie le pese la larga duración, el que se disperse sin profundizar en alguna de las interesantes temáticas que aborda o lo sobreactuados que están sus actores protagonistas. En su lugar, leemos artículos prácticamente calcados que huelen mucho a promoción y con los que algunos no nos sentimos identificados.
Como cada año, os traemos una lista de lo mejor del año. En este caso, una selección de los mejores videojuegos. Antes de entrar en el tema, me gustaría hacer algunas aclaraciones:
La lista es personal. Es completamente subjetiva, porque para la objetividad ya está Metacritic (digo yo). Evidentemente, mis géneros favoritos influyen en las elecciones.
No he podido jugar a todo. En la lista faltan juegos que actualmente estoy jugando como Assassin’s Creed Shadows o Kingdom Come 2. También faltan muchos otros que seguramente jugaré en el futuro, como Death Stranding 2, Hades 2, etc.
Son novedades estrictas. No se incluyen recopilatorios como Mario Galaxy 1 & 2, Patapon 1+2, ni remasterizaciones como The Last of Us Parte II o las nuevas versiones de The Legend of Zelda para Nintendo Switch 2 o Metal Gear solid Delta: Snake Eater.
Por todo esto y más, es importante que dejéis en los comentarios cuáles han sido vuestros videojuegos favoritos del año.
Mis mejores videojuegos del 2025:
7. Mario Kart World
Mi primer vistazo real a la nueva Nintendo Switch 2 venía cargado de grandes expectativas. He de admitir que Mario Kart World no las ha cumplido todas, ya que su apuesta por un mundo abierto de carreras no ha terminado de entusiasmarme.
Sin embargo, mantiene intacta la esencia de la saga: un juego tremendamente divertido, ahora con la posibilidad de hacerlo con un mayor número de personajes en pista. Es cierto que el online puede no satisfacer a los más quisquillosos y volverse algo caótico con tantos jugadores en la pantalla intentando destruirse, pero si lo que buscas es diversión a raudales sobre ruedas, este sigue siendo tu juego.
6. Absolum
Llegamos a una de las grandes sorpresas del año, una auténtica joya indie que se erige como abanderada del beat ’em up clásico con tintes de fantasía.
La buena gente de Guard Crush Games, responsables de Streets of Rage 4, junto a Supamonks, nos traen un juego desafiante, variado y frenético, con un sistema de progresión que consigue que no sueltes el mando en mucho tiempo. Un homenaje al género que no se queda atascado en el pasado.
5. Donkey Kong Bananza
Plataformas nintendero que sigue la corriente dejada por Mario Odyssey. Como es habitual, lo que mejor se le da a Nintendo es partir de lo establecido y añadir variaciones hasta convertirlo en un juegazo. Donkey Kong Bananza es un claro ejemplo: un título divertidísimo donde la exploración juega un papel fundamental.
Da gusto romperlo todo a tu alrededor, y las físicas funcionan especialmente bien. A esto se suma una paleta de colores preciosa que complementa una experiencia muy entretenida. Un juego notable que dará a los amantes de las plataformas un más que digno respiro hasta la próxima gran obra de Mario.
4. Dispatch
Seguramente, quitando Expedition 33, que juega en otra liga, el gran tapado del año. Si te gusta The Boys, tienes que probar esta parodia superheroica que, mediante episodios interactivos, te sumerge en una serie con tintes de comedia y drama protagonizada por un grupo de inadaptados.
La parte no narrativa me ha enganchado más de lo que esperaba: a través de distintos encargos tendremos que gestionar el tiempo y decidir a qué misiones enviamos a nuestros “heroicos” despojos humanos. Una mezcla sorprendentemente sólida que nos ha pillado a traspiés. Este es el camino que debería de seguir el género.
3. Leyendas Pokémon: Z-A
Quizás el puesto que más sorprenda y el que genere mayor discrepancia. Como ya avisé al inicio, esta es una lista personal, y yo mismo he sido uno de los sorprendidos al colocar Pokémon ZA tan alto.
Era muy escéptico con este título. Pokémon Legends Arceus no me entusiasmó y este enfoque urbano no me llamaba la atención. Sin embargo, tengo que ser sincero: me lo he pasado pipa recorriendo Luminalia con mis bichos. El sistema de juego es rápido, fluido y funciona a las mil maravillas.
La historia, aunque simple e infantil, es lo suficientemente interesante como para no desconectar. Y si hay algo que hará las delicias de los fans, son las megaevoluciones, la mejor mecánica de la saga.
2. Hollow Knight: Silksong
El primer Hollow Knight fue toda una sorpresa para mí y un juego que me marcó. Las expectativas colocaron esta secuela en el Olimpo, y como suele ocurrir, no todos los juegos pueden cumplirlas.
Silksong es un juego de nicho, un metroidvania indie que juega en su propia liga. No es un título de masas ni busca llevarte de la mano. Desafía tu paciencia constantemente y no pretende complacerte.
Sin embargo, si conectas con él, no lo vas a soltar fácilmente. Te frustrará en más de una ocasión (y más de dos), y sus primeras horas pueden ser duras, especialmente si no jugaste al original. Pero quienes le den una oportunidad encontrarán un juego difícil de mejorar que incrementa todo lo que hizo grande al primero: exploración llena de misterios, un plataformeo y combate excelentes, y jefes finales variados y memorables.
Clair Obscur: Expedition 33
Probablemente el GOTY más claro de los últimos años, y eso que 2025 ha estado repleto de grandes novedades. Poco más se puede decir de un juego que prácticamente lo ha ganado todo este 2025 y que ha vuelto a poner sobre la mesa que los juegos por turnos no son cosa del pasado.
Una conversación que ya inició Baldur’s Gate III hace dos años y que, aun así, parece que algunas compañías siguen sin querer escuchar. Sí, Square Enix, te estoy mirando a ti.
Si aún no lo has jugado, te espera una historia sobresaliente, una banda sonora que se ha colado en mi lista de spotify y un sistema de combate por turnos divertido, variado y en ocasiones, exigente. Sandfall Interactive ha agitado la industria, y no es para menos.
Conclusiones del año:
2025 ha demostrado que, a pesar de encontrarnos en una época de cambios en la industria, esta goza de una salud envidiable en cuanto a calidad. Seguimos teniendo, eso sí, una falta de originalidad generalizada, y las grandes compañías continúan optando por el camino fácil: videojuegos que les garantiza un mayor número de ventas. ¿Quién se lo puede reprochar?
Por suerte, existen compañías que, sin presupuestos desorbitados, nos brindan juegos que nos renuevan la esperanza. Parece que, poco a poco, vamos mirando de nuevo al pasado, a una época en la que los títulos triple A eran algo excepcional y la mayor parte del catálogo se situaba en un punto intermedio.
Durante años, los juegos independientes han sido quienes han aportado el toque de originalidad, y seguramente seguirán haciéndolo. Sin embargo, creo que en la próxima década, aunque sigamos teniendo nuestros Assassin’s Creed (dos o tres por año) o nuestro GTA generacional, lo mejor de cada año seguirá viniendo de juegos como Expedition 33 o Kingdom Come 2: títulos de presupuesto medio. Espero que esto haga que las grandes compañías se pongan las pilas y cada vez puedan arriesgarse más y que para ello no tengan que hipotecar el estudio o explotar laboralmente a sus trabajadores.
