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Novedades de Astiberri Ediciones de diciembre de 2025. Cerramos el año con Marshall Bass, uno de los mejores wéstern modernos.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de diciembre. Cerramos el año con uno de los mejores cómics de 2025. Ahora os lo contamos …

Novedades Astiberri Ediciones diciembre 2025

Astiberri

Astiberri siempre lo hace bien. Eso es lo que hablamos en la tienda de cómics de barrio a la que yo acudo asiduamente. Este mes no será una excepción. Pero para mí, hay un título que brilla sobre el resto …

Marshall Bass. Integral 1.

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Marshal Bass es un western adulto y muy crudo que sigue a River Bass, un ex-esclavo convertido en ayudante de marshal en la Arizona de 1875, donde la supervivencia pesa más que la idea de justicia abstracta.

Astiberri reúne aquí los cinco primeros álbumes de la serie en un volumen en tapa dura que combina acción, violencia y una crítica directa a la América racista del siglo XIX.

La obra se inspira libremente en la figura del primer marshal afroamericano y ofrece un retrato nada idealizado del Oeste, con personajes moralmente ambiguos y una mirada crítica al racismo estructural de la época.

El guion de Darko Macan se centra en la dimensión humana y trágica de Bass, mientras que el dibujo realista y detallado de Igor Kordey refuerza el tono duro y sucio del relato, con escenas tanto de acción intensa como de gran carga emocional.

Pinchad aquí para obtener más información de este título, desde la web de Astiberri Ediciones.

Un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todas las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes. Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis Espartaco (1960). Una joya del cine épico en Hollywood

Stanley Kubrick es uno de esos directores con sello personal y difíciles de clasificar. Tiene grandes películas en diversos géneros y la verdad es que dentro del que nos ocupa hoy, el épico, pasan las décadas y este filme sigue inalterable para los ojos que la vieron ya sea en su estreno, que no es mi caso, o en algún momento de nuestra juventud, que sí lo es.  La primera vez que se la ve, por diversas razones que analizaremos en nuestro escrito de hoy, produce tal sensación que podemos decir sin ningún tipo de duda que estamos ante una joya del cine épico en Hollywood. Espartaco es cine en mayúsculas.

Qué nos cuenta Espartaco

Narra la historia épica de Espartaco, un esclavo convertido en gladiador que, tras sufrir la brutalidad del sistema esclavista, lidera una de las rebeliones más grandes contra el Imperio romano e inspira a miles de esclavos a unirse en una marcha hacia la libertad. Mientras avanzan por Italia, el Senado romano, temeroso de su creciente influencia, envía a sus mejores generales para aplastar la revuelta. La película combina acción, drama y una profunda reflexión sobre la libertad, la dignidad humana y el sacrificio.

La importancia de quien escribió la obra literaria y su adaptación

En los años 50 Estados Unidos sufrió una ola de crispación social y política a través de la acción del controvertido senador Joseph McCarthy, quien puso en marcha el Comité de Actividades Antiestadounidenses para luchar contra el comunismo. El autor de la obra literaria en que se basa la película, Howard Fast fue encarcelado por no colaborar en la caza de brujas que el senador había comenzado en diferentes estadios de la sociedad americana. Hollywood fue uno de sus objetivos.

Durante su estancia en la prisión, Fast creó esta novela para en cierta forma dar respuesta a ese ataque a las libertades individuales. Adaptó una historia real usando de base a Espartaco, personaje histórico que existió allá por el m.c. 71 A C.

El guion cinematográfico fue desarrollado y adaptado para el cine por Dalton Trumbo, el cual también estaba en la lista negra de McCarthy, siendo marcado y en cierta forma apartado de su trabajo, hasta que Kirk Douglas (productor de la película) solicitó y contrató a Trumbo para que le diera una historia que rodar. Fast y Trumbo nos dieron una historia llena de simbolismo, sacrificio y valores humanos que trasciende los tiempos y llega hasta nuestros días.

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Por qué os recomendamos Espartaco

Podemos tocar diferentes aspectos que hacen de esta película una de las mejores de toda la historia del séptimo arte. Podríamos comenzar por su parte visual, rodada en Super Technirama 70, Espartaco fue filmada en alta resolución (de la época) en 35mm para luego ser ampliada a 70mm. Ese formato permitía unos planos abiertos de paisajes y batallas espectaculares, facilitando el uso de cientos de extras, y a la par permitía gran nitidez en planos interiores.

Podemos seguir por la fotografía de Russell Metty, cuyo trabajo, que recibió un premio Oscar, destaca por una iluminación expresiva, un uso de colores fuertes (propios del Technicolor tardío) para destacar la opulencia del imperio romano en contraposición con el mundo de los esclavos. Aunque Kubrick no tenía el control total del proyecto (es sabido de los enfrentamientos entre él y Douglas durante el rodaje) siempre estuvo muy atento a la fotografía de la película.

La banda sonora de Alex North es también muy destacable por su emotividad y potencia, pudiendo mostrarse en ciertos momentos sutil y emocionante (escenas entre Douglas y Simmons) y en otros enérgica y poderosa (sobre todo las batallas).

Es evidente que, aun poder tener el control total, la dirección de Kubrick es sumamente notable por varias razones.  Una de las más importantes, por darle una profundidad psicológica a los personajes en una superproducción de la meca del cine, habitualmente más centradas en la acción. La precisión en la puesta en escena, el ritmo que tiene la película, que en ningún momento se siente atropellada o lenta en su ejecución es un punto a agradecer al director.

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El cambio de paradigma en las películas de romanos se lo debemos a Espartaco. Si una cosa consiguió esta producción luego de su estreno fue cambiar la manera en que se realizaban estos filmes. Antes de Espartaco, eran más teatrales, y esta película aportó un mayor realismo, con batallas más dinámicas, personajes menos idealizados y tramas que se atreven a incorporar temas sociales o políticos.

Ejemplos de su influencia los podemos encontrar en películas épicas como El Cid (1961) Lawrence de Arabia (1962) o más recientemente en Gladiator de Ridley Scott (aquí retro-análisis), de la cual el propio director confesó que le influyó Espartaco a la hora de hacerla).

En líneas generales, os recomendamos esta película porque tiene suficientes argumentos para que os guste a los buenos aficionados al cine. Evidentemente que quizás guste más a las generaciones que crecieron en las últimas décadas del siglo pasado que a las nuevas, pero siempre creo que entre estos últimos hay gente que ama el mundo del cine y aún existen esos cinéfilos y cinéfilas ávidos de descubrir películas que fueron, son y siempre serán iconos del séptimo arte. Para ellos va dedicado hoy nuestro retro análisis.

Tenemos varias reviews de películas de Stanley Kubrick, os dejamos enlaces debajo de esta línea.

2001: Una Odisea del Espacio (1968)

La Chaqueta Metálica (1987)

La Naranja Mecánica (1971)

Ojos bien Cerrados (1999)

 

 

 

El Cómic de la Semana: JSA de Geoff Johns. La Colección Completa 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semanaHoy destacamos JSA de Geoff Johns. La Colección Completa 1Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hay semanas en las que uno abre un cómic y dice: “Bueno, a ver qué tal”.

Y luego están estas, en las que Panini (con SD) te planta en la mesa un tocho de la JSA tan grande que si se te cae en el pie acabas pidiendo cita en urgencias, pero con una sonrisa porque ha merecido la pena.

Se trata de JSA de Geoff Johns: La Colección Completa 1, recogiendo los números 1 al 15, más un arsenal de spin-offs, especiales y piezas sueltas que Johns fue dejando por ahí como un Hansel hipervitaminado. Y sí, es exactamente tan bueno como recuerdas… y si no lo recuerdas, mejor aún, porque te vas a llevar una sorpresa que ni los giros de telenovela del Arrowverso.

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JSA de Geoff Johns, herederos y el caos organizado

Lo maravilloso de la JSA es que siempre ha sido ese equipo que respira “historia” en cada viñeta… pero sin oler a naftalina. Johns lo entendió desde el minuto cero: la clave no es la nostalgia, sino el legado. Y aquí legado te dan para desayunar, comer, merendar y cenar.

Tenemos veteranos con más horas de vuelo que tu router, jóvenes con ganas de demostrar que no son simples becarios con capa, y toda esa dinámica familiar disfrazada de superhéroes que Johns maneja como si hubiera nacido en una mansión llena de Robins (¿Cuantos robins llevamos?)

Este tomo no es solo una presentación, es una puesta en marcha gloriosa en la que los personajes crecen, discuten, se rompen, se abrazan y se preparan para amenazas que no caben en una hoja Excel.

Johns construyendo un universo como quien cocina un estofado épico

Si lees este volumen seguido, notarás algo, Johns trabaja como si tuviera un tablero de ajedrez de tres pisos. Cada historia puntual, cada spin-off, cada miniserie incluida aquí, está colocada para que el conjunto funcione como una sinfonía superheroica de las de antes. De esas que te hacen levantar la ceja y pensar ¿Por qué no hacen las pelis así? ¿O las series de superhéroes? ¿Es tan difícil aplicar lo que hace Johns en esta colección?

Y lo mejor es que todo parece orgánico, natural, como si el guionista estuviera paseando por la JSA y hubiera tomado notas mientras se servía un café con el Doctor Destino.

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Acción, emoción y ese olor a DC clásico pero sin polvo

Este tomo está lleno de momentos de esos que recuerdas, recuerdas porque son buenos, no porque te gritan desaforadamente como los héroes de los 90. Hay peleas grandiosas, sí. Hay villanos de los que dan respeto, también. Hay magia, viajes, discusiones generacionales, conflictos internos y esa sensación constante de “ojo, que esto es la leche”.

Pero importa por los personajes, no por la escala. Johns convierte cada página en un recordatorio de por qué la JSA es el corazón de DC (Aquí lo mismo he exagerado, pero queda poético). Es el equipo que, incluso cuando se rompe, se vuelve más fuerte.

Y visualmente… qué delicia, por favor

Los artistas que pasan por este tomo demuestran una cosa, la JSA exige un equilibrio raro, mezcla de épica y clasicismo con un toque moderno. Y lo cumplen. Hay páginas que parecen pósters y otras que parecen recuerdos familiares.

Los spin-offs incluidos lucen como deben, complementarios, con su estilo propio, pero sin parecer que están colados a martillazos.

Conclusión: Panini y SD, gracias. Mi estantería no tanto

Este JSA de Geoff Johns. La Colección Completa 1 es uno de esos tomos que justifican cada centímetro de lomo. Si te gusta DC, te va a gustar. Si no te gusta DC, te gustará igual porque esto es superhéroismo bien escrito, bien dibujado y mejor planteado.

La JSA no solo vuelve, se reafirma, se expande y te recuerda que la historia de los superhéroes no empezó en los 2000 ni en el Snyderverso. Empezó aquí. Con ellos. Con capas arrugadas, anillos brillantes y un legado que no se cae ni aunque Netflix compre Warner.

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Contiene: JSA 1-15, JSA Secret Files and Origins 1 USA y The JSA Returns (All Star Comics 1-2, All-American Comics 1, Adventure Comics 1, National Comics 1, Sensation Comics 1, Smash Comics 1, Star Spangled Comics 1).

Conocido por su rompedor trabajo en Green Lantern, a comienzos del siglo XXI Geoff Johns posicionó en plena vanguardia a la Sociedad de la Justicia de América, cuyas raíces se hunden en la Edad de Oro de los cómics, a través de una serie llena de acción que combina a los personajes más jóvenes y modernos con superhéroes que representan un legado de oro. Ha llegado el momento de redescubrir esta legendaria etapa. Por Geoff Johns, David S. Goyer y Stephen Sadowski con Derec Donovan, Marcos Martín y Buzz

Wesley Dodds, el Sandman de los años 40, ha muerto en extrañas circunstancias, y a su funeral acuden tanto viejos amigos como nuevos héroes que desean presentar sus respetos. El triste acontecimiento será el catalizador de la creación de una Sociedad de la Justicia de América contemporánea donde convivirán justicieros de diferentes edades y procedencias que se enfrentarán con amenazas tan peligrosas como Mordru, Ian Karkull o Black Adam, uno de los personajes más poderosos del Universo DC.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Panini SD y el enlace a la editorial pinchando aquí.

JSA de Geoff Johns. La Colección Completa 1

Un saludo y sed felices.

Crítica de La Mano que mece la Cuna (2025), un remake actualizado pero insípido

Disney+ ha estrenado La Mano que mece la Cuna (The Hand that rocks the Cradle), película que, dirigida por la mexicana Michelle Garza Cervera y contando en los papeles principales a dos scream queens como Maika Monroe y Mary Elizabeth Winstead, hace de remake al thriller que en los noventa fuera gran éxito bajo la dirección del fallecido Curtis Hanson y con una inolvidable Rebecca De Mornay en un consagratorio papel de villana psicópata.

Es sabido que por estos días están de moda los remakes de películas que fueron éxito en los ochenta y noventa, sin que en la mayoría de los casos logremos entender (ni aun adoptando una lógica meramente empresarial) qué diablos lleva a los productores a reciclar lo que ya fue hecho y bien. Estrenado en 1992 y dirigido por el siempre eficaz Curtis Hanson, el thriller doméstico La Mano que mece la Cuna fue en su tiempo un suceso de taquilla que, con un presupuesto de poco más de once millones de dólares, acabó recaudando unos ciento cuarenta millones (algo más de trescientos a valores actuales).

Aunque se trataba de una historia bastante lineal y sobreexplicada, estaba bien contada y se sostenía de manera especial en las buenas actuaciones, especialmente de Rebecca De Mornay, que compuso a una psicótica e inolvidable niñera cuyas motivaciones de fondo eran insospechadas por el matrimonio que la contrataba y para quienes acababa convirtiéndose en una verdadera pesadilla familiar. No es que viniera a inventar el cine ni tan siquiera el thriller y, de hecho, Hanson tiene mejores películas, pero cumplía su cometido y, fundamentalmente, no aburría.

El remake que hoy nos ocupa, estrenado hace algunos días por Disney+, está dirigido por la mexicana Michelle Garza Cervera en lo que constituye su segundo largometraje después de la aclamada Huesera (2022), así como también su primera experiencia hollywoodense. El guion, en tanto, está a cargo de Micah Bloomberg (Homecoming, Sanctuary) y se advierte la clara intención de adaptar a los tiempos actuales aquel que Amanda Silver presentara alguna vez como tesis en su carrera y acabara siendo eje argumental de la película original. Ciertos detalles de los noventa, por ejemplo, no tendrían sentido en este mundo mucho más globalizado e intercomunicado.

De hecho, la historia se parece tan poco que durante los cuarenta minutos iniciales de los cien que componen la película (prácticamente misma duración que la original), ni siquiera tenemos la sensación de estar viendo un remake y es únicamente el título lo que nos anoticia en contrario.

Pero si hay que destacar una gran diferencia entre ambos filmes, es que en el de Hanson sabíamos todo desde un comienzo, tanto la identidad del psicópata como sus motivaciones. En este caso, todo se va revelando hacia el final pero, paradójicamente, la trama se hace aun más previsible.

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Comenzamos con un fósforo, una casa en llamas, gritos desesperados y una niña que, en soledad, observa la impactante escena antes de huir a la carrera. No volvemos a saber de ello hasta muy avanzada la película y mientras tanto conocemos a Caitlyn (Mary Elizabeth Winstead), abogada inmobiliaria que se dedica a ayudar a inquilinos con problemas para pagar a los propietarios locadores.

En un mercado de frutas a cielo abierto se encuentra con Polly (Maika Monroe), a quien ya conoce por haber defendido alguna vez. La muchacha está buscando trabajo como cuidadora de niños y, dado que Caitlyn acaba de tener hace poco su segunda hija, no duda en brindárselo y comienza así Polly a trabajar en su hogar, donde vive el resto de la familia compuesta por Miguel (Hugo Castillo), la pequeña Emma (Mileia Vega) y la aún más pequeña Josie (Lola /Nora Contreras), que es, desde luego, el bebé en cuestión.

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Al principio, la cosa va bastante bien y el matrimonio está muy conforme con el desempeño de Polly, que hace buenas migas con Emma. Tanto que cuando la joven les comunica que tendrá que mudarse de Los Angeles por no poder seguir pagando su alquiler, le ofrecen una habitación contigua a la casa que se suponía reservada a los padres de Miguel, que finalmente no migrarán a Estados Unidos.

Pero se complica cuando Polly se toma atribuciones sin consultar al matrimonio o incluso en contra de las instrucciones recibidas, como cuando da azúcar a los las niñas a pesar de que Caitlyn le haya encomendado no hacerlo, o cuando decide comprarles pirotecnia en una feria con el peligro que ello implica.

Si todo ello es ya de por sí problemático, la joven despierta además en Caitlyn ciertos traumas reprimidos en relación con su sexualidad, ya que tiene una pareja lésbica y ello le hace recordar que también ella tuvo una antes de conocer a Miguel y optar por una vida hétero. Y, de todas formas, pronto sabremos que ese no es el único conflicto que arrastra su pasado, cayéndose de maduro que lo que busca ocultar tiene que ver con la escena inicial.

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Stewart (Martin Starr), amigo de la pareja y compañero de trabajo de Caitlyn, es quien, en un rol análogo al del personaje que en la película original encarnara Julianne Moore, descubrirá ciertas revelaciones del pasado de Polly que, muy posiblemente, le terminen costando caro. Todo ello mientras la niñera se va convirtiendo en una pesadilla para la familia y su relación con Caitlin reflota fantasmas del pasado que hacen que las historias de ambas estén conectadas y la supuesta casualidad del encuentro en el mercado termine por no ser tal.

Lo primero que se advierte en este remake es la intención de modernizar la historia original haciéndola acorde a un tiempo en el cual el mundo está más interconectado y es mucho más fácil indagar sobre alguien cuyo pasado se desconoce. Y el hecho de que Caitlyn ya conociera a Polly previamente da algo más de credibilidad a que la tome como niñera (en la película original Claire hacía lo propio con Peyton sin saber de ella en lo más mínimo).

Es una interesante apuesta, al menos en principio, reunir en una misma película a dos actrices que vienen de interpretar a muchachas acosadas o scream queens en filmes de terror o suspenso. Monroe ha hecho ese papel en It Follows (2014), The Guest (2014) o El Extraño (2022), en tanto que Winstead lo ha hecho en Destino Final 3 (2006), Black Christmas (2006), La Cosa (2011, otro remake), 10 Cloverfield Lane (2016) e incluso su personaje en Death Proof (2007, aquí retro-análisis de un servidor) tenía algo de eso.

Aquí los papeles de ambas están cambiados y si bien se puede decir que el de la psicópata le toca solo a Monroe, la realidad es que las dos tienen algo de ello, pues la madre de familia interpretada por Winstead, en principio víctima, esconde un pasado escabroso que no la aleja tanto de ser poder ser caracterizada como tal.

Esa redefinición es interesante y Winstead está en su interpretación tan soberbia como es en ella habitual, pero distinto es el caso de Monroe, una gran actriz en el papel incorrecto, pues nunca termina de caerle cómodo el de vengadora psicótica y se queda muy por debajo del que interpretara Rebecca De Mornay en la película original.

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Una de las diferencias sustanciales entre aquella y esta es que, a diferencia de lo que ocurría con Peyton, no está en los planes de Polly robarle su familia a Caitlyn sino más bien destruírsela por completo y aprovechar sus dudas sexuales para explotar su flanco más débil.

Pero la historia sufre una gran pérdida al quitar a la maternidad del lugar central, algo que en el filme original era sustancial e incluso daba sentido al título (inspirado a su vez en un poema de William Ross Wallace). Buena parte del nerviosismo que inspiraba la película de Hanson radicaba en la identificación, pues cualquier madre o padre joven se sentía inmediatamente invadido por una situación de aprensión e intranquilidad ante la indefensión de esa criatura recién nacida.

Aquí, la presencia del bebé es prácticamente anecdótica. La pequeña Josie es apenas un miembro más de la familia a destruir o, en todo caso, una mera excusa para que Polly pueda conseguir trabajo e ingresar en la casa a concretar su venganza.

Y falta, desde ya, el suspenso de la película de Hanson. Es cierto que allí estaba todo claro desde un principio: ya sabíamos que Claire había denunciado a su ginecólogo por tocarla de maneras impropias, que este se había suicidado y que su viuda, Peyton, perdió su embarazo. Pero al menos había un buen ritmo en la narración y se sabía complementar la historia con personajes interesantes como Solomon, el débil mental que se convertía en presencia molesta para Peyton, o Darlene, la amiga de Claire que investigaba y descubría la verdad sobre la niñera (aquí Stewart no tiene ni la mitad de su desarrollo como personaje).

Todo ello hace que en definitiva La Mano que mece la Cuna se termine quedando en la buena intención de modernizar la historia y darle un carácter más actual a la familia involucrada y a los personajes en general. Pero los giros son previsibles y la película falla en generar sentimientos de identificación, además de faltarle una villana tan eficaz como Rebecca De Mornay y, lo peor de todo, un clima de suspenso que nos mantenga intrigados; por momentos hasta aburre.

Y si bien Mary Elizabeth Winstead entrega una vez más un trabajo notable, no alcanza para compensar tantas carencias que convierten a esta nueva versión de La Mano que mece la Cuna en otro remake que será olvidado en muy poco tiempo.

Hasta la próxima y sean felices…

Crítica de The running man (2025), entretenida distopía.

Es probable que el escritor vivo más adaptado al cine sea Stephen King. Desde que Brian de Palma estrenó Carrie en 1976, se han estrenado más de cincuenta películas que abordan todas las obras del genio de Maine. De hecho, este mismo mes se ha podido ver en el cine dos adaptaciones de Stephen King enmarcados en los relatos que escribió bajo el seudónimo de Richard Bachman: La larga marcha y The running man, de la que vamos a hablar en este artículo.

Crítica de la Larga marcha, otra adaptación de Stephen King en 2025. 

Análisis de los capítulos de It: Bienvenidos a Derry, serie que adapta al conocido personaje de Stephen King. 

Planteada como una distopía en un futuro cercano (en la novela de King, en 2025), The running man sigue a Ben Richards, un operario despedido de distintos trabajos por insubordinación que, desesperado por no poder asistir con medicamentos a su mujer y a su hija enferma, decide participar como concursante en The running man. Una cacería humana donde deberá sobrevivir 30 días a cambio de convertirse en una de las personas más ricas de la sociedad estadounidense.

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Como en tantos otros ejemplos del cine reciente, no es que nos encontremos ante una historia adaptada, sino que está ya fue llevada al cine previamente. En 1987, en una de las películas más infravaloradas de Arnold Schwarzenegger. Y claro, con todas las películas que se han rodado posteriormente que abordan la temática de la violencia como espectáculo de masas y como forma de manipulación de la audiencia. Pensemos, por ejemplo, en Los juegos del hambre, cuyas novelas seguro que están parcialmente inspiradas en el The running Man de Stephen King.

Por lo tanto, la premisa de The running man ya no sorprende. Puede que en los años 80 lo hiciera pero, en estos años donde predominan los reality show y el auge de la inteligencia artificial, donde tenemos los Battle royale, Black Mirror o El juego del calamar, hace falta algo más que darle al espectador.

Y Edgar Wright lo consigue, aunque sea parcialmente. Director marcado por su irreverencia en la trilogía del Cornetto (Zombies party, Arma fatal, Bienvenidos al fin y del mundo) o en la muy de culto Scott Pilgrim contra el mundo, su carrera dio un vuelco cuando Marvel le negó su visión de Ant Man.

Decidió dirigir sus películas hacia otros derroteros, con las muy notables Baby Driver y Última noche en el Soho, películas originales muy distintas a esta The running man, donde el director y guionista decide centrar su crítica social en las fake news y, sobre todo, en la lucha de clases. Como en la prestigiosa y sobrevalorada Una batalla tras otra, The running man es otro ejemplo de “acabar con el rico”.

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Pero no debemos olvidar que, más allá del mensaje social, The running man es un blockbuster que ha costado más de 100 millones de dólares. Es decir, que debe entretener. Y la película lo consigue. De hecho, sorprende su estreno a finales de noviembre (coincidiendo, como he dicho antes, con La larga marcha) cuando esta es una película para disfrutar en verano.

Wright consigue un entretenimiento frenético, sobre todo en sus dos primeros actos, gracias a un uso magistral de la cámara (esa escena dentro del maletero, todo lo que ocurre en el motel) y al carisma de esa estrella en alza llamada Glenn Powell, probablemente el actor joven con más carisma del Hollywood actual.

Powell y su ira sostienen toda la película, por la que desfilan desde William H. Macy (al que acabamos de ver en Sueños de trenes) hasta el maquiavélico Josh Brolin, pasando por Colman Domingo o Katy O’Brian, una de mis debilidades desde que protagonizó aquella bestialidad llamada Sangre en los labios.

Lástima que Wright, un director comercial pero con un indudable toque personal, rueda la película más impersonal de su carrera. Y se nota en su tercer acto, alargado y serio en exceso. The running man sucumbe a uno de los grandes males del cine actual, la duración. Si hubiera durado algo menos de 2 horas, estaríamos hablando del blockbuster del año.

Y claro, la seriedad. Puede que la versión de 1987 haya envejecido mal, pero tiene ese punto de locura kitsch propia de los años 80 y de los reality de ahora que le habrían venido genial a la película.

En definitiva, The running man es una entretenidísima aventura con gloriosas escenas de acción y un mensaje tan plenamente actual como poco original que se ve lastrado por una duración excesivamente larga y cierta contención impropia de un director como Edgar Wright. Aún así, la veréis en un suspiro.

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Se echa en falta algunas de las locuras de la Running man original

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Novedades y estrenos de HBO Max para diciembre 2025

Las novedades y estrenos de HBO Max para diciembre 2025 ya están aquí. El último mes del año llega muy muy flojo. No hay estrenos de series aunque continúan los capítulos  semanales de It: Bienvenido a Derry. Tendremos el estreno de EL RUGIR DE LAS LLAMAS, un documental original de HBO que nos propone un viaje inmersivo a Galicia, una de las zonas de España más vulnerables a los incendios forestales

Tendremos que esperar hasta el año que viene para ver estrenos de series en esta plataforma. Por ejemplo, en enero de 2026 regresa la serie original de Max ganadora de cuatro Premios Emmy THE PITT con su segunda temporada, y la serie dramática original de HBO EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS situada un siglo antes de los acontecimientos de Juego de Tronos. Pero para eso aun hay que pasar las Navidades…

Novedades y estrenos de HBO Max para diciembre 2025

ESPECIALES

13 de diciembre

Sarah Squirm: ¡En vivo! + En carne y hueso. Especial de comedia original

El alter ego profano de Sarah Sherman, Sarah Squirm, se desliza en tu pantalla en su primer especial de comedia stand-up. Después de cuatro temporadas (y contando) en Saturday Night Live, la comediante se quita la camisa de fuerza y da rienda suelta a una hora purulenta y hilarante de fluidos corporales, confesiones de heridas abiertas y chistes que dejarán cicatrices en tu alma.

Interpretado y producido por Sarah Sherman. Producido por Lorne Michaels, Hilary Marx y Taylor Segal para Broadway Video; Ronald Bronstein, Eli Bush y Josh Safdie para Central; Matthew Vaughan para Rotten Science; Dan McManus y Jack Bensinger. Dirigido por Cody Critcheloe.

DOCUMENTALES

3 de diciembre

HARD KNOCKS: IN SEASON WITH THE NFC EAST. Nueva serie documental original

La serie seguirá al actual campeón del Super Bowl LIX, los Philadelphia Eagles, a los Dallas Cowboys, a los New York Giants y a los Washington Commanders durante la recta final de la temporada de la NFL. Desde victorias y derrotas hasta lesiones y adversidades, la serie capturará una visión interna de la vida en una de las divisiones más históricas del fútbol americano. La serie será narrada por Liev Schreiber.

4 de diciembre

EL RUGIR DE LAS LLAMAS. Nueva película documental original

Dirigida por la danesa Robin Petré y coproducida por Hansen & Pedersen, Polar Star Films y HBO, EL RUGIR DE LAS LLAMAS es una película sensorial e impactante, rodada en un verano marcado por el calor extremo y la sequía, en el que incendios forestales inextinguibles arden durante días. El film está profundamente enraizado en los paisajes montañosos del sur de Galicia, uno de las zonas más vulnerables de Europa frente a los incendios forestales, y reflexiona sobre el frágil equilibrio de la naturaleza y la relación entre humanos y animales.

Novedades y estrenos de HBO Max para diciembre 2025

La película adopta múltiples perspectivas: la del extraordinario bombero San, especializado en el análisis de incendios forestales, un trabajo que lo lleva al frente de los fuegos más peligrosos; la de Pedro, un niño de diez años que sueña con ser vaquero; la de Cristina, que vive en estrecho contacto con la naturaleza, con todo lo bueno y lo malo que eso implica, como agricultora y también como bombera; la de Eva, una veterinaria de gran corazón que trabaja con caballos tanto salvajes como domesticados, y que es también una auténtica vaquera, a la altura de los demás; y la de los animales, especialmente los caballos, que siempre nos devuelven la mirada cuando los observamos.

19 de diciembre

MUSIC BOX: COUNTING CROWS: HAVE YOU SEEN ME LATELY? Nueva película documental «Music Box» original

Un retrato revelador del líder de Counting Crows, Adam Duritz, y el impacto emocional y creativo que el ascenso meteórico de una banda puede tener en un artista musical. El documental narra cómo gestionó la fama temprana mientras creaba una secuela cruda y desafiante del icónico álbum debut de la banda.

26 de diciembre

MUSIC BOX: HAPPY AND YOU KNOW IT. Nueva película documental «Music Box» original 

Un viaje alegre y sorprendente al fascinante mundo del pop infantil, la película explora por qué la música para niños es tan pegadiza, puede ser profundamente significativa y cómo la inteligencia artificial se está imponiendo y dando forma a la industria. La película cuenta con la participación de The Wiggles, Laurie Berkner y otros músicos.

PELÍCULAS

5 de diciembre

LA FAMILIA MCMULLEN. Nueva película 

Sinopsis: Treinta años después de que «Los hermanos McMullen», de Edward Burns, cautivara a la crítica y al público —ganando el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Sundance— con su exploración de las vidas y las dificultades de tres hermanos irlandeses-estadounidenses de Long Island, Nueva York, la familia regresa en esta esperada secuela.

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La nueva película narra las relaciones sentimentales del ahora cincuentón Barry McMullen (Burns) y sus hijos veinteañeros, así como las de su hermano Patrick (Michael McGlone) y su cuñada viuda Molly (Connie Britton), cada uno de los cuales se enfrenta a sus propios e inesperados obstáculos sentimentales.

Reparto: Connie Britton, Edward Burns, Michael McGlone, Tracee Ellis Ross, Halston Sage, Juliana Canfield, Pico Alexander y Brian d’Arcy James.

Créditos: Escrita y dirigida por Edward Burns; producida por Ellen H. Schwartz, Aaron Lubin y Edward Burns; productora ejecutiva Claudine Marrotte; director de fotografía, William Rexer; diseñador de producción, Sam Bader; editora, Janet Gaynor; compositor, Séamus Egan; diseñadora de vestuario, Rosemary Lepre Forman; casting, Maribeth Fox.

1 de diciembre

Blade

Blade Runner

Saga Ocean’s

El guardaespaldas

La máscara

Elf

Polar Express

22 de diciembre

Spider-Man: Un nuevo universo

24 de diciembre

Spider-Man: Lejos de casa

Spider-Man: Homecoming

Spider-Man: No Way Home

27 de diciembre

Spider-Man: Cruzando el Multiverso

Wicked: Parte 2 (Wicked: For Good). ¿A la altura de la primera parte?

En 2024 llegó a las salas de cine Wicked, película que rompió la taquilla y se ganó millones de fans alrededor del mundo con su conmovedora y cautivadora historia, situada en el clásico mundo de El Mago de Oz y mostrando la magia de este universo a través de los ojos de Elphaba. Este año llega Wicked: For Good, la segunda parte de esta historia, prometiendo ser el musical del año y dejar una huella en las personas con sus canciones y su relato sobre la amistad.

La historia de esta secuela se sitúa un tiempo después del final de su predecesora, cuando Elphaba (Cynthia Erivo), tras descubrir la verdad sobre el Mago de Oz (Jeff Goldblum), intenta desenmascararle ante todos los habitantes de Oz mientras busca ayudar a los animales y escapar de la constante persecución del Mago y de Madame Morrible (Michelle Yeoh). Mientras tanto, Galinda, ahora convertida en Glinda (Ariana Grande), es utilizada por el Mago como herramienta para seguir expandiendo sus mentiras. Toda la situación alcanza un punto de clímax cuando una extraña desconocida procedente de Kansas llega a Oz en medio de una encrucijada que pone en juego el destino de todo el reino.

‘Wicked: For Good’ | Anatomy of a Scene

El guion

Si bien la primera parte de Wicked no destacaba por tener un guion excepcional, sí presentaba una historia coherente y bien llevada.   En cambio, Wicked: For Good intenta abarcar muchos temas al mismo tiempo, tales como la propaganda política, las mentiras del sistema, la opresión, las expectativas, la moralidad y, por encima de todo, la amistad. Aunque existen momentos emotivos y funcionales para cada uno de estos temas, son demasiados y hacen que la historia se sienta atropellada.

La primera mitad de la película intenta presentar todos estos temas, pero no todos logran un desarrollo profundo debido a la cantidad de personajes implicados. Tenemos la historia de Elphaba, base del conflicto; el dilema de Glinda entre ser amada por todos como siempre quiso o enfrentar la verdad; y, en medio, la trama de Fiyero (Jonathan Bailey )que, aunque es fundamental para la narrativa, cuenta con poco tiempo en pantalla, dejando su desarrollo incompleto.

Todos estos problemas repercuten en el espectador. Aunque la relación entre Elphaba y Glinda es lo que sostiene la película y donde realmente conecta emocionalmente, el resto de subtramas no alcanzan un desarrollo claro o satisfactorio, afectando el ritmo general. Asimismo, el guion presenta fallos argumentales: decisiones y acciones de personajes que resultan poco coherentes con lo previamente establecido y pueden parecer poco creíbles.

Movie review: 'Wicked: For Good' - Catholic Standard

Lo visual

En la primera parte de Wicked, una de las mayores críticas fue el aspecto visual: pese a contar con decorados y dirección artística maravillosos, la falta de color y la iluminación pobre disminuían el impacto de varias escenas.
En esta segunda parte, este problema mejora levemente, especialmente en las escenas diurnas, donde antes se notaba más la deficiencia lumínica. Sin embargo, no puede considerarse un punto fuerte, ya que aunque hay mejora, no se siente como algo espectacular dentro del film.

Existen también escenas en las que la iluminación o el color deberían resultar más poderosos y memorables, pero acaban quedándose cortos respecto a lo que podrían haber sido visualmente.

Wicked For Good Trailer: Watch Now

Diseño de arte asombroso

Uno de los puntos fuertes de la primera parte y que le valió dos Premios Oscar fue su diseño artístico y su vestuario. El diseño de producción es toda una proeza: el mundo del Mago de Oz es uno de los más fantásticos y difíciles de trasladar al cine, pero la cinta sobresale mostrando escenarios asombrosos, desde la Ciudad Esmeralda hasta el castillo de Elphaba.

El diseño de producción es un logro cinematográfico, especialmente considerando que gran parte se realizó con decorados reales y efectos prácticos. Cada lugar está recreado con dedicación; nada se siente plano ni aburrido. Todo parece verdaderamente hecho con magia.

El vestuario y el maquillaje vuelven a destacar. Los vestidos de Glinda son admirables, al igual que el vestuario del Mago y de Madame Morrible, con detalles prácticamente impecables. El atuendo de Elphaba, aunque pueda parecer más sencillo, tiene una construcción detallada y cuidadosa; su peluca, trenzada pelo a pelo, añade una riqueza visual impresionante, dando vida probablemente a la bruja más icónica del cine.

Los nuevos personajes también cuentan con diseños sobresalientes. El Hombre de Hojalata es impresionante gracias al uso de prótesis y maquillaje, logrando un aspecto realista y fantástico al mismo tiempo. El Espantapájaros, también realizado con prótesis, es uno de los mejores trabajos del filme: se ve real, tangible, jamás como un elemento digital.

Wicked: For Good Trailer: Dorothy, Tin Man, Scarecrow in Part 2

Canciones

Al tratarse de la adaptación del famoso musical de Broadway, existía escepticismo: desde la obra original se critica que la segunda parte no posee canciones tan memorables como la primera.
Y aunque ninguna alcanza el impacto de Defying Gravity, Wicked: For Good ofrece momentos muy destacados. Las canciones son más personales, quizá menos espectaculares en puesta en escena, pero mucho más centradas en el conflicto emocional de los personajes.

Una de las más destacables es A Girl in a Bubble, fundamental para el desarrollo de Glinda en el clímax de la película. Ariana Grande interpreta esta pieza con una voz magnifica y conmovida, logrando uno de los momentos más sentimentales de todo el metraje.
Ariana ofrece una ejecución brillante que se convierte en uno de los puntos más altos de la cinta.

Pero, sin duda, la canción que da nombre a la película, For Good, es la más poderosa. No es tan impactante como el número final de la primera entrega, pero sí es emocionalmente devastadora por lo que significa. Es el punto donde todas las tramas se unen, el mensaje se completa y la única forma de expresarlo es a través de la música. Un momento fascinante y el más memorable del filme.

Wicked: For Good” Movie Review | The New Yorker

Sus personajes

Los personajes mantienen viva la película. Aunque algunos tengan poco desarrollo o tomen decisiones extrañas, siguen siendo encantadores y fáciles de querer.
Los protagonistas Elphaba, Glinda y Fiyero sostienen el interés. Cada uno tiene una historia atrapante, aunque distinta.

Fiyero es el menos explorado de los tres, pero aun con poco tiempo en pantalla aporta mucho. Jonathan Bailey es encantador y roba varias escenas, siendo un nexo entre varias tramas importantes.

La relación entre Elphaba y Glinda continúa siendo el núcleo emocional del filme.  Verlas interactuar es lo más disfrutable: cómo la situación afecta a ambas de forma diferente, cómo se necesitan y a la vez se separan. Su amistad es el motor de la película, una de las más conmovedoras y potentes del cine reciente.

Wicked: Official Trailer (Universal Pictures)

Cynthia Erivo y Ariana Grande

Sin duda, lo que eleva la cinta es la interpretación de sus protagonistas.  Cynthia Erivo ofrece una actuación magistral: su personaje transita felicidad, rabia, dolor y muchas emociones más. La actriz transmite todo con profundidad, enriqueciendo aún más a Elphaba. Su voz es majestuosa y cada número musical con ella es impecable.

Por su parte, Ariana Grande no solo brilla por su capacidad vocal (la mejor del filme) sino que sorprende con una actuación compleja. Pasa de ser un alivio cómico a un personaje atormentado, lleno de dudas internas. Su interpretación es sobresaliente, sólida, emocional; una de las mejores del año y firmemente candidata para la temporada de premios.

Wicked: For Good review: "Builds to an incredibly cathartic conclusion, but isn't quite as captivating as Part 1" | GamesRadar+

Wicked: For Good es una película con puntos muy altos y otros claramente flojos, por lo que no alcanza el mismo impacto que la primera parte. Aun así, es conmovedora, memorable y con canciones que quedarán en la historia del género musical.
Una cinta importante, emocionante y con grandes probabilidades de destacar en premios.

Análisis de It: Bienvenidos a Derry (It: Welcome to Derry). Temporada 1. Episodio 5

Continuamos analizando It: Bienvenidos a Derry (It: Welcome to Derry), la serie de HBO que, emitida por Max, expande el universo de Stephen King haciendo de precuela a su novela It y muy especialmente a las dos adaptaciones cinematográficas de Andy Muschietti, quien desarrolla la misma junto a su hermana Bárbara y a Jason Fuchs, también showrunner. Nos toca hoy el quinto episodio, en el cual vemos definitivamente a Pennywise y cuyo título es Calle Neibolt, 29.

Hola nuevamente y bienvenidos a Derry una vez más, hoy para analizar el quinto episodio, con el cual entramos ya en la segunda mitad de la temporada y que hace confluir las distintas subtramas a la vez que aumentar las conexiones con El Resplandor (incluso con Doctor Sueño) y nos trae por fin a Pennywise (y por lo tanto a Bill Skarsgård) de cuerpo completo. Pasemos pues ya mismo a ver qué nos ha dejado esta nueva entrega de It: Bienvenidos a Derry, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Augurio

Tras la experiencia del “resplandor” a que fue sometido, Taniel es presa de fuertes convulsiones y debe ser atendido de urgencia. Ahora Hallorann sabe dónde está It y, por lo tanto, también lo sabe Shaw, que explica a Leroy lo que ya sabíamos: que el plan es acabar la Guerra Fría utilizando contra la Unión Soviética los terrores que la criatura infunde. Leroy se siente dolido y decepcionado de que, sabiendo lo que se oculta en Derry, le hayan hecho ir allí poniendo en peligro a su familia. Se le ofrece, en compensación, mudarse a la base y no es que tenga demasiada alternativa.

Hay preocupación entre los aborígenes locales. Hablan de un “augurio”, un inminente y sangriento evento que marcaría la despedida del “Galloo” antes de retirarse a descansar por otros veintisiete años. Causa además impacto la noticia de la detención de Taniel y Rose decide ir a verle. En la base, habla con su antiguo amigo Shaw y no puede creer sus planes de “ponerle una correa” a It.

Lo cierto es que los militares han obtenido de la mente de Taniel la ubicación de su guarida, a la cual se llega a través del sistema de túneles de alcantarillado que nacen en un pozo bajo la casa abandonada de la calle Neibolt. Sabiendo hacia lo que están yendo y no pudiendo disuadir a Shaw en contrario, Rose le lleva a su sobrino la pieza del meteorito que eventualmente le protegería de la criatura, aunque un oficial se la retiene hasta que llegue el momento…

Matty

Tras la terrible experiencia de Marge con los ojos de caracol, las cosas no están tan mal para Lilly como hubiéramos pensado o como el episodio anterior hacía prever. Es que Marge la dejó libre de culpa y cargo al declarar que todo el incidente se debió a la rotura de sus anteojos y que el daño a su vista se lo infligió ella misma. Más aún: ahora le cree a Lilly y, haciendo a un lado a las líderes del colegio, ofrece su ayuda contra el mal que acecha a Derry.

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Hay reunión cumbre (literal) en lo alto del mirador, donde ambas se reúnen con Ronnie, Rich y Will, de quien no sabemos cómo diablos ha logrado burlar la seguridad de una base militar. Pero hay además un invitado sorpresa, pues advierten allí montada una tienda y de su interior, sucio y andrajoso, emerge… ¡Matty!

La sorpresa de los niños no puede menos que ser mayúscula, pues todos le daban por muerto tras aquel incidente del auto. La nuestra tampoco, aunque por otra parte y como sabemos algo de It y el universo King, sospechamos que en su reaparición hay gato encerrado.

Les dice en dónde se esconde la criatura, de la cual cuenta que logró escapar a través del alcantarillado. Da detalles escabrosos sobre las muertes de los otros niños y la forma en que los devoró, aunque también les anoticia de que a Phil le retiene aún con vida. Ello genera en el grupo entusiasmo, pues rescatarle sería la prueba definitiva de la inocencia del padre de Ronnie. Quieren ir a la policía, pero Matty se niega, pues sabe que ello derivará en que retorne junto a su familia y prefiere enfrentarse a It antes que a los abusos de su padre…

En cuanto a Hank, y a pesar de todos los esfuerzos hechos por Charlotte, es trasladado finalmente a Shawshank, pero por la radio informan que ha habido problemas con el bus en el que viajaban él y otros reclusos.

De manera sorpresiva, Ingrid (Madeleine Stowe), la enfermera a quien recurriera Lilly en busca de consejo, se lo encuentra en el asiento trasero de su auto y así nos enteramos quién era la mujer blanca y casada con la cual estuvo la noche de la masacre. Y, de acuerdo a lo abusivo y maltratador que al parecer es el esposo de esta, se entiende su preocupación de que el asunto se haga conocido, más allá de las connotaciones raciales…

Pennywise

Tenemos entonces dos grupos en las alcantarillas con diferentes objetivos a largo plazo, pero el mismo en el corto. Por un lado están los militares, con la guía de los poderes psíquicos de Hank y de un renuente Taniel que aprovechará la mínima oportunidad para escapar de allí y, en efecto, es lo que termina haciendo. Del otro lado están los niños que, para controlar el miedo, se han tomado prácticamente todas las pastillas de Valium de una nueva remesa recibida por la madre de Lilly.

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Apenas entrar, comienzan a desfilar los terrores de modo personalizado. Hallorann se sumerge en las aguas y misteriosamente emerge en la tina de la casa de su abuela que, por cierto, está allí, al igual que su abusivo abuelo que, sonriente, le muestra una caja cerrada con candado y le impele a abrirla. Esa caja tiene mucho que ver con El Resplandor, pero ya volveremos sobre ello.

Obviamente, el juego de It es aislarlos, que es como se siente más cómodo. El grupo militar, de hecho, ya no cuenta con Hallorann ni con Taniel. La criatura se le presenta a algunos de los soldados bajo la apariencia de una cadavérico Tío Sam haciéndoles el clásico gesto con el dedo índice. A Leroy se le aparece Charlotte y él se pregunta qué diablos hace en los túneles, pero rápidamente deduce que no es ella y le dispara a la cabeza. Advierte a un aterrado Russo que haga lo mismo con cualquiera que se le aparezca y cuya presencia allí carezca de sentido.

En tanto, y mientras los niños están algo idos bajo los efectos del Valium, Matty se revela en su verdadera identidad que, por supuesto, es la de It, esta vez en la forma del payaso Pennywise que más le conocemos. Los cuerpos de los otros niños están allí, incluido Phil, siendo falso que estuviera vivo.

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Aterrado, el grupo se desbanda y Lilly queda a merced de la It, pero cuando su destino parece ya sellado y las ominosas fauces se ciernen sobre ella, el payaso se detiene y la razón es que entre este y la niña flota en las aguas el objeto perdido por Taniel: la pieza en forma de daga que le hace de contención. Lilly se apropia de la misma y Pennywise se da a la fuga…

Will, que ha huido despavorido, se cruza en los túneles con su padre pero este, obviamente, cree que es un nuevo truco de It y está a punto de dispararle. La intervención de Russo hace que no lo haga, pero le vale ser él quien recibe el disparo y perder instantes después la vida para angustia de Leroy. Mientras el resto logran salir de los túneles, una última imagen nos muestra ya abierta la caja que a Dick Hallorann enseñara su abuelo, lo cual deja en claro que la abrió y nada bueno puede haber salido de allí dentro…

Balance del Episodio

Ingresamos a la segunda mitad de la temporada con una entrega que ha tenido varios puntos a favor, aunque también mostrado los mismos problemas que la serie viene arrastrando desde un comienzo. El ritmo narrativo del episodio fue mucho más dinámico que el de cualquiera de los anteriores y se han terminado de entrelazar arcos hasta aquí desconectados, pues ahora confluyen por fin la trama infantil, la militar y la indígena.

También es digna de mencionar la estética del capítulo que, sobre todo en las escenas de los túneles, fue muy acorde con las películas de Muschietti (aunque algunos efectos siguen dejando que desear) y, por último, pero no menor, la esperada presencia de Bill Skarsgård en la piel de Pennywise, apenas esbozada en el episodio anterior.

Es más: es probable que hayamos visto uno de los mejores episodios de la serie hasta aquí, si no el mejor y, sin embargo, hay algo que no termina de cuadrar en It: Bienvenidos a Derry y pasa, en mi opinión, por toda esa trama de la Guerra Fría y el Operativo Precepto, con el ejército tras la criatura como si se tratase de Godzilla o King Kong.

La esencia principal de It, tanto en la novela como en las adaptaciones, está en su localismo, en el microcosmos que constituye Derry y en el que hecho de que la criatura elige como víctimas a los más desprotegidos, principalmente niños y apartados. Sin embargo, aquí nos presentan un problema casi global del cual el propio gobierno de Estados Unidos estaba al tanto o no habría destinado tantos recursos a los fines de encontrar, capturar y, finalmente, utilizar a It.

No entremos en detalles sobre cómo piensan hacer eso y lo improbable de montar semejante operativo sin un plan claro para domesticarlo una vez que lo encuentren (lo cual sabemos que no va a ocurrir). El problema, más allá de eso, es que la serie no respeta el principio fundamental de cualquier precuela y que se podría resumir en “no cometas la herejía de pretender contar algo más grande, terrible o terrorífico que la historia original”.

¿Adónde queda ahora lo de Georgie? ¿Cuál es el lugar que, dentro de este universo, pasa a tener el niño agonizando en la calle con un brazo horriblemente cercenado si lo ponemos a la par de la masacre del cine o del descomunal operativo en busca de la criatura? Pretender construir una precuela sobre la base de minimizar los hechos de la novela original o las películas que la adaptaron, es un gran error y lamentablemente esa parece ser hasta aquí la idea de la serie más allá de que pueda mostrar algunos méritos como los ya mencionados.

Muschietti, aun cuando no haya dirigido puntualmente este episodio, comete en ese sentido la misma equivocación que Noah Hawley en Alien: Planeta Tierra (aquí los análisis de un servidor) al minimizar por completo los hechos vividos por la tripulación de la Nostromo en el espacio profundo. Y dado que hay otras dos temporadas en danza, cabe temer de que incluso se redoble buscando contar cada vez algo más terrorífico que lo anterior. Definitivamente, no es un buen camino…

Si aceptamos sin más la premisa dada, podemos entonces decir que este ha sido un capítulo razonablemente bueno, más allá de las increíbles casualidades (la daga interpuesta entre Lilly y Pennywise), los desarrollos previsibles (siempre supimos que ese no era Matty), las inverosimilitudes (Will logrando salir de una base militar) o las desmesuras (¿es posible que todos tengan un padre, abuelo o esposo abusador?). Pero el problema, justamente, está en la premisa y eso, lamentablemente, es algo que no podemos esperar que los episodios venideros corrijan.

Veremos qué nos depara el próximo capítulo y esa imagen de la caja abierta no es buena señal, pues si nos ubicamos en el universo de El Resplandor, allí era donde justamente Hallorann había aprendido a guardar los malos recuerdos, que ahora estarían liberados (aunque, conociendo justamente ese universo y cómo sigue la cosa, podemos deducir que logrará guardarlos nuevamente).

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Les espero aquí para analizarlo. Hasta entonces y sean felices…

Las universidades y academias dan un paso más en tecnología con el boom de las pantallas interactivas

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La digitalización del sistema educativo en España avanza con paso firme y decidido. Cada vez son más las academias privadas, centros de estudios o universidades de toda índole, que incorporan los nuevos avances tecnológicos para mejorar la calidad docente.

Desde hace tiempo la presencia de la tecnología en el aula es ya imparable. Primero fueron los ordenadores y las tablets, más tardes los campus online y las plataformas virtuales. Ahora es el turno del boom de las pantallas interactivasen pro de un aprendizaje más claro y participativo.

Gracias a estos dispositivos seguros y de fácil uso e implantación, los conceptos teóricos se pueden presentar de otra manera. Mucho más visuales, con ejemplos más claros gracias a gráficos, enlaces, videos y ayudados también por la inteligencia artificial. Un paso más en la calidad de la enseñanza del alumnado y en la comodidad del profesorado.

Huelga decir que el crecimiento de la demanda ha sido sobresaliente en los últimos años con el imparable avance de la digitalización en la sociedad en general, y en la educación en particular. Y es que, no hay que olvidar que los alumnos están cada vez desde edades más tempranos familiarizados con estos dispositivos y con la tecnología.

pantallas interactivas

El modelo educativo presencial se reinventa

Las pantallas interactivas han transformado la manera en que se aprende en las aulas. Gracias a estas, tanto profesores como estudiantes pueden participar activamente con los contenidos proyectados, consiguiendo con ello clases más dinámicas y participativas.

Una forma de enseñar que ayuda a que las diferentes lecciones se retengan mejor y también motiva más a los alumnos.

Por otro lado, las universidades y otras instituciones han notado que estas herramientas son un excelente vínculo entre la enseñanza tradicional y los nuevos modelos híbridos.

Gracias a la posibilidad de transmitir clases en directo, grabarlas o integrarlas con las plataformas de la institución, los estudiantes pueden revisar los temas cuando lo necesiten o incluso seguir las clases a distancia, sin perder calidad educativa.

Este enfoque es especialmente útil para quienes hacen prácticas, los alumnos internacionales o aquellos profesionales que estudian y trabajan al mismo tiempo.

Los beneficios de las pantallas interactivas para docentes y estudiantes

Los profesores se benefician de un entorno más flexible, capaz de integrar presentaciones, software especializado, videoconferencias o sistemas de evaluación instantánea.

Este ecosistema tecnológico facilita la preparación de clases más completas y permite adaptar el ritmo de la sesión a las necesidades del grupo. La posibilidad de anotar conceptos directamente sobre documentos, planos o esquemas favorece además un aprendizaje más visual y comprensible.

Para el alumnado, la interacción directa con los dispositivos fomenta la resolución colaborativa de problemas y mejora el trabajo en grupo. Las pantallas permiten compartir dispositivos personales, visualizar avances de proyectos y debatir ideas de forma inmediata.

En estudios recientes publicados por diversas universidades europeas, se señala que el uso de tecnología interactiva incrementa la participación en clase y mejora hasta un 30% la asimilación de contenidos en materias técnicas y científicas.

Una apuesta estratégica de presente y futuro

La ampliación de estas posibilidades en educación no es en modo alguno solo mejorar el equipamiento disponible. Sino que constituye un paso de gran importancia para cambiar el nivel educativo en España.

La competencia internacional en formación superior exige que los centros sean espacios modernos y preparados para investigar digitalmente. Además, que puedan atraer a perfiles de estudiantes que hasta hace poco no resultaba fácil.

Entrevista a Juan Díaz Canales y Giovanni Rigano, por el spin off publicado con motivo del 25º aniversario de Blacksad. Blacksad Stories: Weekly. Norma Editorial.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. El pasado viernes 21 de noviembre de 2025, tuvo lugar la presentación de Blacksad Stories: Weekly, por parte de Norma Editorial, en la Librería Los Tres Hermanos de Moriarty (Madrid).

Ya nos hicimos eco de la presentación de Blacksad Stories: Weekly, AQUÍ mismo.

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Y el mismo viernes, justo antes de la presentación oficial del libro, tuvimos la suerte de hacer una pequeña entrevista al guionista Juan Díaz Canales y al dibujante e ilustrador Giovanni Rigano.

Hoy estamos aquí con vosotros, para que disfrutemos de un extracto de la entrevista. Esperamos que lo disfrutéis, que os haga acercaros a Blacksad Stories: Weekly (si aún no lo habéis hecho), conocer un poco a los autores y comprobar si les hemos sacado algún «secretillo«.

A lo largo del texto, iremos insertando fotos, que realizamos durante la entrevista.

Entrevista a Juan Díaz Canales y Giovanni Rigano.

Librería Los Tres Hermanos de Moriarty – 21/11/2025

«Hoy tenemos el placer de charlar con dos referentes del mundo del cómic europeo:

Juan Díaz Canales, guionista y co-creador de la saga Blacksad, y Giovanni Rigano, reconocido ilustrador y dibujante italiano que debuta en el universo Blacksad con el spin-off Blacksad Stories: Weekly.

Este álbum supone la celebración del 25º aniversario de la serie, explorando los orígenes de uno de sus personajes más carismáticos: Weekly.

¡Bienvenidos!»

Weekly
Giovanni Rigano y Juan Díaz Canales

1.- EN TODAS NUESTRAS ENTREVISTAS, DAMOS COMIENZO CON NUESTRA CLÁSICA PREGUNTA: ¿CUÁL ES EL PRIMER CÓMIC QUE LEÍSTE, QUE RECUERDAS HABER LEÍDO O SIMPLEMENTE … CUÁL ES EL QUE TE VOLÓ LA CABEZA?

GIOVANNI: Recuerdo haber leído TOPOLINO (en España se editó como DON MIKI), con mi madre, a los tres o cuatro años.

JUAN: No recuerdo ningún cómic en concreto. Recuerdo que leía mucho las revistas de Bruguera: Tio Vivo, Mortadelo, DDT, Din Dan … Era lo que leíamos los niños en mi época.

2.- ¿Cómo nace la idea de hacer un spin-off centrado en Weekly y qué significa para vosotros este personaje dentro del universo Blacksad?

JUAN: Juanjo (Guarnido) y yo teníamos ganas de contar historias que se encuadraran dentro del universo de Blacksad, pero que se salieran de la dinámica habitual de la serie. Queríamos contar historias de otros personajes y nuestro favorito, siempre ha sido Weekly, puesto que contrasta mucho con el carácter de John Blacksad.

3.- ¿Cuál ha sido el mayor reto a la hora de escribir este nuevo enfoque y dar profundidad a Weekly como protagonista?

JUAN: El verdadero reto de escribir Weekly, ha sido tratar sus historias desde una perspectiva más humorística, sin perder la esencia de la serie. Weekly, en contrapunto al carácter sombrío de Blacksad, es un personaje más luminoso y ofrece abordar historias encuadradas en el universo de Blacksad, desde una perspectiva más desenfadada, pero sin perder su esencia. Ese ha sido el verdadero reto.

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4.- ¿Cómo ha sido sumergirse en el mundo visual de Blacksad, desarrollando personajes y atmósferas que ya tienen tanta historia y personalidad?

GIOVANNI: Blacksad forma parte de mi propia «cultura popular» de la Bande Dessinée. Cuando inicié mi trayectoria como dibujante profesional, una de las primeras series que compré en el Festival Internacional de la Bande Dessinée de Angoulëme, fue Blacksad. Desde entonces, es una serie que siempre me ha acompañado y estoy familiarizado con su universo. Además, tener un trato tan directo con Juan (Díaz Canales) y con Juanjo (Guarnido), me ha facilitado mucho en mi trabajo.

5.- ¿Cómo surgió vuestra colaboración? ¿Qué os atrajo mutuamente para este proyecto?

JUAN: Surgió porque Juanjo (Guarnido) y yo teníamos claro que queríamos hacer esta serie y también teníamos claro desde el principio, que Juanjo (Guarnido) no podía hacerse cargo del dibujo por cuestión de tiempo y cuando empezamos a valorar candidatos, teníamos claro nuevamente que el dibujante de Weekly debía ser capaz de conseguir lo que ha aportado Giovanni, de manera tan sobresaliente. Giovanni es un autor con una personalidad fuerte y un estilo marcado, que ha conseguido, con una voz propia, reflejar el universo de Blacksad, siendo a la vez coherente con el mismo. La idea de incorporar a Giovanni fue de mi mujer, Teresa Valero. Teresa conocía el trabajo de Giovanni y creyó que era el mejor candidato para dibujar la serie de Weekly. Giovanni realizó un par de páginas de «test» y tanto Juanjo, como yo, como el editor, creímos que Giovanni iba a ser el mejor candidato para realizar el apartado gráfico de la serie.

Hago un pequeño inciso en la entrevista para dejar AQUÍ el enlace directo a la reseña de Contrapaso (2021), que realizó mi amigo y compañero Juanma Martín.

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Teresa Valero

Y como no podía ser de otra manera, también os dejo AQUÍ, el enlace directo a la reseña de Contrapaso: Mayores, con reparos (2025); que también realizó mi compi Juanma Martín.

6.- ¿Cómo es el intercambio diario de ideas, sugerencias y revisiones? ¿Tenéis algún “ritual” o método para trabajar juntos a distancia?

GIOVANNI: Ha sido muy fácil trabajar con Juan. El guión se encontraba terminado y a mi parecer estaba muy bien hecho. Ofrecía pocas dudas a la hora de reflejar mi trabajo al dibujo. El hecho de tener una relación fluida, directa y cercana, tanto con Juan como con Juanjo, ha hecho que mi labor sea más fácil. Yo estoy acostumbrado a trabajar de manera autónoma y he tenido esa facilidad y ese respeto profesional, de manera muy natural, por parte de Juan y Juanjo.

7.- ¿Ha habido alguna escena, página o personaje en la que chocasteis de manera creativa y os obligara a encontrar un punto intermedio?

JUAN y GIOVANNI: Noooooo.

8.- ¿Cuáles son las influencias cinematográficas o literarias que más se notan en Weekly y esta historia?

JUAN: No hay una referencia directa a una película en concreto. Las referencias para hacer Weekly, han sido las mismas referencias genéricas que para la serie de Blacksad. Por concretar un poco … El cine de los años 50′. En las películas de aquella época, se trataban temas muy duros, haciéndolo de manera muy elegante y sutil. Eso ha sido lo que siempre nos ha inspirado. Tanto en Blacksad, como en Weekly. Películas como «La mujer del cuadro«, «Los sobornados«, las películas de Orson Wells

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9.- ¿Hay algún guiño visual o easter egg, que creas que los fans disfrutarán especialmente?

GIOVANNI: He introducido algunos easter eggs a lo largo del álbum. No muchos, puesto que no soy fetichista. Aunque soy muy consciente que esto es un juego muy divertido para los lectores de Weekly. Por eso he dejado algunos. Pero no te los voy a contar. Tenéis que descubrirlos los aficionados

10.- El cómic noir es un género con reglas propias, pero también ha evolucionado mucho con los años. ¿Qué creéis que aporta “Weekly” como novedad dentro del mito de Blacksad?

JUAN: Permite desarrollar ideas y explorar otros ámbitos del universo de Blacksad, a través de la mirada de Weekly. Nos permite tener una mirada «exterior» del personaje de John Blacksad. En las historias de detectives en general, está muy utilizada la «voz en off«. Aunque nosotros en Blacksad no utilizamos en exceso ese recurso, sí lo hacemos cuando creemos que es necesario, para dar profundidad a la historia.

Podéis pinchar AQUÍ, para obtener más información sobre todas las publicaciones de Blacksad, por parte de Norma Editorial.

11.- Venías de proyectos como Artemis Fowl o trabajos para Disney. ¿Qué diferencia encontraste entre esos encargos y dibujar a Weekly?

GIOVANNI: Lo realmente novedoso para mí, ha sido trabajar el género negro. Tanto Artemis Fowl como Disney, tienen sus propios códigos y son completamente diferentes entre sí. En el caso de Artemis Fowl era una mezcla entre cuento de hadas y ciencia ficción y si hablamos de Disney … En Disney se trabaja más desde la perspectiva del humor blanco. Me he tenido que formar de manera rápida, para aportar un trabajo de calidad al género negro.

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12.- ¿Qué parte del proceso os resulta más gratificante y cuál más compleja: documentación, storyboard, acabados, revisión…?

GIOVANNI: La parte conceptual, el storyboard, la parte de planificación, la narración … Esa es la parte más gratificante, puesto que es la parte en la que más pones de ti mismo. Cuando ya te dispones a dibujar o entintar … Esa es la parte más técnica y la que más trabajo me cuesta.

13.- Cuando pensáis en el lector ideal de Blacksad Stories: Weekly, ¿cómo imagináis que disfrutará este spin-off: como puerta de entrada, como homenaje, como test de fidelidad…?

JUAN: Hemos trabajado en Weekly para que sea un tomo único. Si alguien no conoce Blacksad y le cae Weekly en las manos, podrá disfrutarlo sin haber leído Blacksad anteriormente. Este Personaje tiene entidad propia suficiente para poder ser disfrutado sin la serie principal.

GIOVANNI: No lo sé, pero espero y deseo que así sea. Ya me lo contarás …

14.- ¿Podemos esperar futuras entregas de este spin-off o de otros personajes secundarios de Blacksad?

JUAN: Nuestra idea es seguir con Weekly. Aunque en un futuro, no descartamos hacer álbumes de otros personajes. La llave está en poder de vosotros los aficionados. Si a vosotros os gusta, nuestra intención es seguir. Y además con Giovanni como nuevo miembro del equipo.

15.- ¿En qué proyectos estáis trabajando? ¿Qué futuros proyectos tenéis a la vista?

JUAN: Acabo de terminar el guión de una nueva entrega de Corto Maltés, que ya tiene Rubén (Pellejero) y que ya ha empezado con el dibujo. Y mi próximo trabajo … El próximo será un nuevo álbum de Blacksad.

GIOVANNI: Acabo de terminar una serie que se titula War, que he realizado junto con dos guionistas anglosajones. Y ahora estoy dibujando el quinto álbum de Tête de Pioche, una serie muy exitosa en Francia (y que no se ha publicado en España).

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16.– Si pudieras elegir otro personaje del universo Blacksad para un álbum especial ¿Cuál sería y por qué?

GIOVANNI: Si te soy sincero … Es Weekly a quien me gustaría elegir. He tenido la suerte de poder participar en este primer spin off y que sea este personaje por el que he entrado en este universo. He tenido química con el personaje. Creo que Weekly aporta un toque de humor en este universo  de Blacksad.

17.- Lleváis 25 años creando y explorando los personajes de Blacksad. ¿Qué sientes al ver cómo vuestra obra sigue creciendo y atrayendo nuevos lectores y artistas?

JUAN: Si te soy sincero … Siento una gran responsabilidad, a la hora de abordar una nueva historia sobre Blacksad. Responsabilidad por lo que significa para los aficionados. Y a la vez, me considero afortunado por lo que estamos viviendo. Esperamos que los aficionados a la serie, sigan apoyando a Blacksad y su universo y poder seguir haciendo historias. Estoy … Estamos muy agradecidos.

“Gracias, Juan y Giovanni, por vuestro tiempo, por abrirnos las puertas del universo Blacksad y por este regalo que es Blacksad Stories: Weekly.

¡Felicidades por el aniversario y mucha suerte con este nuevo proyecto!”

Podéis pinchar AQUÍ para obtener más información, desde la web de Norma Editorial, sobre Blacksad Stories: Weekly.

Y aquí finalizó la entrevista. Esperamos que os haya gustado, que os haya entretenido y sobre todo, queremos desearos una cosa …

¡Sed Felices!

Crítica de Sueños de trenes (2025), la grandeza de una vida ordinaria

Por mucho que Netflix sea una de las principales culpables de eso que llamamos “cine algoritmo”, producciones diseñadas en los despachos que buscan asegurar al público en lugar de darle una experiencia que nunca olvidará. Pero también que lleva años intentando conseguir la admiración de la crítica. Este 2025 no es una excepción, con el Frankenstein de Guillermo del Toro o Jay Kelly, la nueva película de Noah Baumbach con George Clooney de protagonista. Y, claro, Sueños de trenes, película de un ritmo tan opuesto a lo que solemos ver en la reina de las plataformas que no parece producida por ella.

Nuestra crítica del Frankenstein de Guillermo del Toro. 

Adaptación de la novela de Denis Johnson, Sueños de trenes narra la vida de Robert Grainier, un jornalero que pasa su vida trabajando en las vías del ferrocarril que conectaban el este y el oeste de Estados Unidos.

Dirige Clint Bentley, conocido por haber dirigido El jockey (que no he visto) y escrito Las vidas de Sing sing, película que se coló en los Oscars de 2024. Un autor clasificado como “independiente” para dar mayor prestigio crítico a la película.

Básicamente, Sueños de trenes es el retrato minimalista de una vida. A medida que avanza la película, vemos una y otra vez las mismas acciones de su personaje protagonista. Únicamente cambian las circunstancias. Es decir, que conforme el personaje va envejeciendo, se suceden las pérdidas, más o menos traumáticas, y el mundo es un lugar muy distinto al que le ha visto crecer. Y, finalmente, termina su vida solo.

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Y es minimalista porque el ritmo transcurre sin estridencias, de forma contemplativa. De esta forma, busca sumergirnos poco a poco en lo extraordinario de una vida humilde, trabajadora y común.

No en vano, Robert Grainier es un peón más de todos aquellos que, no sin sacrificio, dieron su sudor para conectar las dos costas de Estados Unidos. Y claro, no ha habido mayor ejemplo de la modernización de la sociedad que el auge del ferrocarril. Las vías que surcan entre bosques infinitos funcionan a la perfección como metáfora de una civilización que abraza la modernidad mientras abandona la naturaleza.

Aunque la película abarca unos años indeterminados entre finales del siglo XIX y los años 70 del siglo XX, Grainier también tiene esa sensación (presente hoy en día) de que, conforme pasan los años, se habla y se conoce menos a las personas. Adaptarse cada vez es más difícil.

Grainier está interpretado por Joel Edgerton, un actor que lleva años seleccionando cuidadosamente sus papeles y manteniéndose en un perfil bajo. Lo mismo te dirige dos películas como El regalo o Identidad borrada que actúa en series como El ferrocarril subterráneo, Materia oscura o la infravalorada película El extraño. O, de repente, recupera su papel como padre adoptivo de Luke Skywalker en la fallida serie Obi Wan Kenobi.

El actor sostiene con contención toda la película, acompañado de un plantel de secundarios liderados por Felicity Jones (Star Wars: Rogue One, The Brutalist), William H. Macy (Shameless) o Kerry Condon (F1). El amor de su vida, un compañero de trabajo y una amiga que aparece en una época más tardía.

Todos ellos marcan al protagonista sin cambiar su vida. Le acompañan y le dan un sentido a su vida. Por muchas desgracias que le ocurran a uno, las vías siguen estando y los trenes llegan a su destino.

Sueños de trenes está dirigida con pocos diálogos. Se le da una importancia capital al paisaje, hasta el punto de parecer una película de Terrence Malick.

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Sin embargo, Clint Bentley cae en el pecado de la sobreexplicación con uno de los recursos peor usados del cine moderno. La voz en off, ese narrador que explica continuamente las acciones de los personajes cuando no es necesario porque lo estamos viendo en las imágenes. No hace falta decir que Grainier se siente solo cuando le vemos caminando…pues eso, solo por las calles.

En definitiva, Sueños de trenes es una correcta película que basa su mensaje en la contemplación de la normalidad de una vida para ensalzarla. Es consciente de que su mayor limitación es su escasa ambición y comete el error de sobreexplicar las acciones de su protagonista, pero es una película que ayuda a detenernos en el frenesí de la vida que llevamos.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Cuando una bolsa de papel también forma parte del fandom

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La cultura pop está hecha de objetos. No solo de figuras limitadas, ediciones coleccionista o el merchandising oficial. A veces, los detalles más sencillos son los que se convierten en parte de nuestra rutina friki: la taza con el símbolo de tu serie favorita, la funda del móvil con tu personaje preferido o esa bolsa que guardas sin saber muy bien por qué. Sí, incluso una bolsa puede tener su propia historia.

Muchos fans (y también quienes preparan regalos frikis para amigos y familiares) han empezado a fijarse en un objeto tan cotidiano como versátil: en las bolsas pensadas para presentar regalos temáticos o artículos de coleccionista e incluso en las bolsas para botellas de vino. Para quienes preparan detalles personalizados, estas bolsas se han convertido en una forma sencilla y resultona de darle un toque especial a ese vino inspirado en una saga, a un licor artesanal que acompaña un cómic o a cualquier regalo que quieras entregar con un poco de estilo.

El envoltorio también es parte de la experiencia

Cuando te compras un tomo especial, un artbook enorme o una figura que llevabas meses persiguiendo, la experiencia empieza mucho antes de llegar a casa y abrir la caja. Empieza cuando te la entregan. Esa sensación de llevar algo «importante» bajo el brazo, protegido y presentado con cariño, forma parte del encanto.

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En muchas tiendas especializadas ya se han puesto las pilas con este tema, utilizando bolsas con diseños propios, referencias a series o videojuegos o incluso ilustraciones de artistas locales. Y esto no es casualidad: saben que los fans apreciamos cualquier detalle que convierta la compra en algo más parecido a un regalo para uno mismo.

También para quienes buscan preparar regalos frikis con buena presencia (desde un tomo envuelto con cariño hasta una figura especial) las bolsas de papel se han convertido en un recurso práctico, estético y fácil de personalizar. Ya no son solo embalaje: son la forma de presentar un regalo de manera más cuidada y con un toque temático, casi como si el envoltorio hablase el mismo idioma que el contenido.

Diseño, sostenibilidad y frikismo: buen combo

El auge de estas bolsas tiene varias explicaciones. La primera, y probablemente la más obvia, es que cada vez cuidamos más la sostenibilidad. Las tiendas optan por materiales reciclables y reutilizables, y las bolsas de papel cumplen perfectamente ese papel sin perder estilo.

Pero también hay algo estético en todo esto. En un mundo en el que cualquier artículo puede ser «instagrameable», una bolsa con un buen diseño se convierte en un elemento más del merchandising. No es raro ver a gente en eventos llevando orgullosa su bolsa ilustrada, aunque dentro solo haya un llavero. Y luego está la parte emocional. A muchos fans nos gusta llevarnos un pedazo de la experiencia a casa. A veces es la entrada del evento, un póster gratuito, o la bolsa que nos dieron al comprar ese tomo que esperábamos desde hacía años.

Las bolsas de papel con diseño propio han dejado de ser algo puntual para convertirse en parte estable del ecosistema friki. Porque al final, en una cultura construida a base de historias, referencias y objetos con carga emocional, incluso una simple bolsa puede contar algo sobre nosotros.

Un saludo y sed felices.

Tengo miedo a perderme otro artículo o vídeo sobre el FOMO

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Seguro, amado lector, que has leído ya algo sobre ello. O has visto más de un vídeo. Sí, hablamos del famoso FOMO. El miedo a quedarse fuera en castellano. En resumen, la idea de que compramos muchas cosas simplemente por miedo a que luego cuando queramos ir a por ellas ya no queden. Pueden ser juegos de mesa que salen en campañas de micromecenazgo. Pueden ser cómics en edición limitadísima. Pueden ser videojuegos. Y etcétera.

En fin, qué ansiedad por tener las cosas según salen, ir a la película el día del estreno, tener la expansión del juego de mesa ese día por la mañana y ser el primero en comprarse ese videojuego tan esperado y jugárselo 30 horas seguidas. Con sueño, con hambre, con ganas de expulsar orina. No disfrutas ningún detalle y vas como un Seat Ibiza de principios de siglo XXI conducido por un muchachín que lleva 1 mes con el carnet de conducir, pero ey: eres el primero que llegó al jefe secreto de la vaca emasculadora. Hay mil ejemplos más, muchos para cada tipo de ocio.

Ni qué decir tiene que toda la tropa youtuber/influencer/etc son los principales protagonistas en todo esto que ahora llamamos FOMO y que no es más que el consumismo de toda la vida. De ese que hacía que cuando en España no había llegado el manga de Bola de Dragón la gente pagara barbaridades por una fotocopia en japonés. Y eso aún sabiendo que el manga saldría oficialmente en España.

Por supuesto que no hay un solo youtuber/influencer de más o menos éxito que no saque por adelantado el videojuego del que tanto se habla. O el juego de mesa que aún no ha llegado al pueblo llano. O la consola emuladora nueva. O lo que sea. Muchas veces les pagan, otras les regalan los propios productos. Señores, no se lo van a creer, pero las empresas, sean de lo que sean, tratan de ganar más euros/dólares/yuanes y de ahí el intento de que gente que hable de su sector le haga publicidad más o menos gastando poco.

Sí, lo sé, es complicado empezar a entender que no solo usted tiene ganas de ganar más dinero y gastar menos: la empresa para la que trabaja o sus clientes o en general el resto de individuos que hasta ahora le parecían parte del paisaje o como marionetas ridículas resulta que comparten estas inquietudes con usted. Hay probabilidades de que entre toda esa chusma sin personalidad resulte que le vean a usted como parte del paisaje o como una marioneta. En serio.

Como todo, las empresas tratan de tener publicidad a cambio de gastar no mucho, el muchacho o muchacha se lleva el producto gratis y el Pueblo llano viendo aquello se hace una idea de aquello. Sí, claramente distorsionada porque el muchacho o muchacha ha recibido algo gratis, pero casi cualquier persona por encima de los 10 años puede entender que le quieren vender algo. Y como cualquier persona mayor de 10 años puede pensar si lo necesita o no… otra cosa es que a un niño de 10 años le resulte enormemente difícil controlar sus emociones y quiera tener todo ya. Pero, claro, hablamos ahora de adultos. De adultos que ven algo que le están vendiendo y quieren comprarlo.

Aquí el debate sobre el malvado consumismo o la pureza del estoicismo nos sobrepasa, que esto es un blog de hablar de cosas bobas para pasar el rato. Pero, resumiendo de forma cobarde, podemos decir que como coleccionistas de cómics nos resulta complicado hablar en contra de comprar chorradas.

Todos tenemos las cosas llenas de basura. Tres ediciones del mismo cómic, esa colección del autor que te gusta pero que no tuvo su mejor época, ese horror en tapa dura pero que es de la época donde fulanito metió aquel golazo a ese otro equipo lleno de gente horrible, etc. Nadie más que un viejo coleccionista de cómics (y su esposa) saben de las consecuencias del consumismo descerebrado: falta de espacio, falta de dinero, falta de higiene. Con los años ya uno aprende, gracias a lo finito del espacio y del dinero (que no de la suciedad), que uno no puede comprarse todo lo que quiere…a menos que venda.

Y ahí, jajaja, viene la siguiente vuelta de rueda: si vendes cosas PUEDES SEGUIR COMPRANDO. ¡Hay espacio!. ¡Hay dinero! (más o menos). Pero al final el problema es el mismo: dinero. No eres rico, joder. Ya está. Simeone o Mario Vaquerizo pueden comprarse todos los comics y juegos de mesa que quieran. Que Marie Kondo ni que Marie Kondo. Tu problema es que eres pobre, no que te organices mal.

Qué consumismo, qué gastos hormiga, qué FOMO y qué niño muerto. Mira Umberto Eco y su biblioteca infinita de la que no se había leído prácticamente ningún libro. Incluso nos dio un sermón de que decían más de ti los libros que no habías leído que los que sí habías leído. Y se quedó así de pancho el mamonazo. Dame tu patrimonio, cachondo italiano, que quiero comprarme una casa en la que me quepan todos los cómics que se han publicado de Spiderman, incluso los que publicó México por su cuenta.

Y aquí llega la cima de las culpas por no tener el dinero por castigo: el FOMO. ¡Está mal que tengas ganas de comprarte TODO lo que te gusta como si fueses un chavalín!. Claro, está mal porque si me compro todo lo que me gusta no me da para comer otra cosa que arroz e igual no pago el piso donde vivo, incluso ni ahorro, si como persona adulta normalucha ya soy consciente. Que lo veo en mi cuenta corriente, oiga. Si ya lo sabemos todos, cada uno manejándolo como buenamente puede. Pero esto es una vuelta de tuerca: te habla de que está mal comprarse las cosas de primeras. quienes más promocionan cada novedad sacando beneficio de ello. Pero como creyéndoselo, cuidado. Poniendo el modo «Miss Universo deseando el fin de las guerras y de la calvicie en el mundo«.

Lo mejor son los videos contando esto como algo muy muy novedoso. No os lo vais a creer, pero gastarte 1000 euros si ganas 1200 en un PC de la NASA para jugar en 5 dimensiones al Fortnite y dejar a tus hijos masticando chicle un mes quizás no sea del todo bueno. Pero que es así. Son anuncios de alcohol que viven de que compres y bebas cuanto más mejor poniendo el letrerito de que hombre, beba usted con moderación, eh, que quizás esto no sea bueno del todo. Es complicado despreciar más a todo sujeto que viva prácticamente de vendernos cosas nuevas y luego nos riña diciendo que comprarse cosas nuevas todo el rato está como feo. La verdad es que en muchos casos a esta gente se les regala el producto, también es verdad, pero su beneficio viene de no tocar la misma cosa tres veces seguidas.

Pero la disculpa la encontraríamos, la verdad, si no es más que otra treta comercial más. Es decir, disculpamos a aquellos que montan shows de que les importa mucho que la gente no gaste tanto, que no se masturbe tanto y que no tenga pensamientos impuros tan a menudo por puro interés económico y por pura monetización. Es decir, respetamos al puramente interesado que entiende que es una moda que le toca seguir para parecer que tiene alguna responsabilidad más allá de recaudar dinero. Por lo menos alguien así es totalmente consciente del circo en el que está, no vive engañado y, como ve la realidad tal cual es, puede uno esperar que sea racional a medio y largo plazo. Es decir, sus actuaciones se basan en qué le funciona y qué no.

Pero no deja de ser insoportable el que se cree de verdad quien hablando de los peligros del consumismo lo hace en días pares para los días impares seguir con las noticias de novedades sin parar. Alguien así no solo nos está tratanto de engañar, como el primer tipo, ese que trabaja para engañarse a sí mismo. Y ese trabajo lleva casi siempre a cosas mucho peores que un señor intentando vendernos su moto de segunda mano, que como mucho nos deja timados.

Como si se pudiera ser la punta de lanza del consumismo descerebrado y lo contrario. El que te vende la coca y el de la clínica de desintoxicación. Véndame su droga todo lo bien que pueda, oiga, pero no me dé misa con que es mala, que ya somos mayorcitos. Que si tantas de estas estrellitas de Internet lo son e ingresan lo que ingresan es precisamente por ser buenos comerciales y saber venderse, no por salvar a muchas almas de su condenación. Está en su misma naturaleza y en la de las normas de recompensa con las que están hechas las redes sociales que esto sea así. Cualquiera puede hacerse un canal de que te compras un juego de mesa o videojuego al año y lo exprimes hasta el fin. Que los hay y pueden verse, pero ay amigo, que tienen muy pocas visualizaciones y que no te da la cantidad de pasta que todos queremos, que siempre es mucha. A esos sí me los creo cuando hablan de exceso, de aturullamiento, de que gastar por gastar es una bobería y no te hace más feliz (lo cual es al final cierto). Pero claro, les vemos dos y el del tambor.

Pero, en definitiva, escribo todo esto mientras en Youtube me saltan campanitas de más videos sobre el FOMO. Me da miedo perderme un solo video de este tema.

Sed felices.

‘Dispatch’ (2025): Cuando salvar el mundo es solo otro día en la oficina

Hubo un tiempo, en la anterior generación de consolas, en que los juegos de Telltale Games (The Walking Dead, Batman, The Wolf Among Us), Supermassive Games (Dark Pictures Anthology, The Quarry y Until Dawn) y Quantic Dream (Heavy Rain, Beyond: Two Souls, Detroit: become Human) nos enseñaron que las decisiones importaban, aunque doliesen en muchos momentos.

Tras la caída y dispersión del primero de esos estudios, muchos nos preguntamos quién recogería el testigo de ese tipo de aventuras interactivas. En este otoño de 2025, AdHoc Studio (formado por veteranos de aquella era) ha respondido con un potente golpe sobre la mesa llamado ‘Dispatch’.

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Y quizás haya alguien que piense que este nuevo título es ‘más de lo mismo’, pero ‘Dispatch’ no es solo una película interactiva más; es un simulador de gestión de crisis, una comedia laboral con toques de humor negro y un drama sobre encontrar nuestro lugar en el mundo, todo envuelto en una estética de serie de animación comiquera.

La Narrativa: ‘The Office’ conoce a ‘The Boys’

La premisa de ‘Dispatch’ es su mayor acierto bajo mi punto de vista. Estamos acostumbrados a ser el héroe que vuela, golpea y recibe los aplausos y el cariño de la gente. Aquí, somos Robert Robertson (interpretado magistralmente por Aaron Paul), un ex-héroe (con ciertas similitudes con Ironman) que, tras perder su fuente de poder en una emboscada del villano más villano, es reclutado para ser ‘el hombre de la silla’. Ahora eres el ‘dispatcher’: la voz en el oído, el estratega en la sombra que guía a los héroes durante las misiones para proteger la ciudad.

El guion brilla por su tono. Abraza el cinismo de ‘The Boys’ o ‘Invincible’, pero filtrado por la mundanidad de una burocracia corporativa que nos va a recordar a ‘The Office’ y nos va a sacar más de una sonrisa.  Los superhéroes aquí son inadaptados, ególatras, inseguros o simplemente incompetentes.  La escritura es adulta y, a menudo, hilarante con diálogos rápidos y afilados.  Ver a Aaron Paul navegar entre la pérdida y el fracaso con ese tono inocente de héroe clásico ha sido una grata sorpresa.

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La caterva de personajes secundarios es una absoluta maravilla, como la volátil Malevola (Alanah Pearce) o la sarcástica Invisiva, acaban pasando de ser meras herramientas de trabajo para las misiones a compañeros de trabajo con los que debes lidiar, empatizar y ayudar. Y aquí es donde Dispatch triunfa, ya que consigue que ese grupo de inadaptados y perdedores se cuelen en tu corazoncito y se ganen un hueco permanente.

Más allá del «Elige tu propia aventura»

El gran pecado de los juegos narrativos anteriores era la falta de ‘juego’,  cosa a que a mí no me suele molestar. ‘Dispatch’ soluciona esto (para quienes se quejan de ello) integrando una capa de juego de rol, estrategia y gestión que, sorprendentemente, no se siente como un añadido forzado para conformar a algunos.

La jugabilidad de este título se apoya en tres pilares:

  1. Diálogo, Decisiones y QTE: El clásico sistema de conversación con tiempo limitado a los que los videojuegos de Telltale nos tenía acostumbrados. Las consecuencias aquí se sienten tangibles, afectando a la lealtad de tu equipo y a la percepción pública de la agencia. Aunque es cierto que en muchas ocasiones fallar o conseguir un QTE no afecta demasiado al resultado.
  2. Tu trabajo como ‘Dispatcher’ (Gestión): Tienes un mapa de la ciudad con emergencias que van apareciendo en tiempo real. Debes asignar héroes basándote en sus estadísticas (Fuerza, Inteligencia, Carisma, Combate y Velocidad). Debes saber elegir que héroe mandar a qué misión para que esta sea un acierto. Conforme los héroes y heroínas van sacando adelante las misiones van subiendo de nivel y puedes subir sus atributos y conseguir habilidades especiales. Esta gestión de recursos se hace adictiva para conseguir que tu turno de trabajo sea perfecto o casi perfecto.
  3. Minijuegos de Hackeo: Aquí es donde el juego flaquea ligeramente (bajo mi punto de vista). Las secuencias de hackeo en entornos abstractos, donde esquivas antivirus y conectas nodos, pero rompen el ritmo del juego y se me han antojado algo repetitivas. No son terribles ni aburridos, pero en comparación con el resto de lo que nos ofrece ‘Dispatch’ me ha resultado flojo.

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¿Estoy viendo una serie de TV?

Visualmente, ‘Dispatch’ es una delicia para los más comiqueros. El estilo cel-shading consigue hacerte creer que estás viendo una serie de TV. El trabajo de animación captura cada mueca de desdén y cada suspiro de cansancio de los personajes y los hace más creíbles aún.

El doblaje ayuda mucho a eso, ya que es de primer nivel. Aaron Paul, Laura Bailey o Jeffrey Wright entre otros nombres con solera dentro y fuera del mundo del doblaje de videojuegos. Todo el elenco da vida a un reparto de personajes coral diverso, complejo y con mucho carisma.

La música acompaña bien, con algunas canciones que van a funcionar muy bien para enfatizar los momentos espectaculares que tiene este título.

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Conclusión

‘Dispatch’ no reinventa la rueda de los videojuegos (tampoco creo que lo intente), pero sí la pule y le pone neumáticos nuevos de competición. AdHoc Studio ha demostrado que el género de la aventura narrativa todavía tiene mucho que decir si se atreve a mezclar mecánicas y a contar historias bien escritas.

No es un juego para quienes busquen acción frenética y combos de botones (las QTE son bastante sencillas); es un juego para quienes disfrutamos de una buena historia con toques de RPG y con un poquito de gestión.

‘Dispatch’ juega con una jauría de personajes grises en un mundo colorido como lo sería cualquier serie de animación. Es una sátira mordaz sobre la cultura laboral moderna disfrazada de épica de superhéroes.

Si alguna vez te has preguntado qué pasa cuando el superhéroe tiene que volver a la oficina a dar explicaciones de lo que ha sucedido en su día de ‘trabajo’, este es tu juego. Dispatch es, sin duda, una de esas sorpresas que me gusta llevarme en un mundo en el que cada vez vemos menos riesgos en lo que a títulos se refiere

Lo mejor

  • El guion: Inteligente, divertido, con diálogos sobresalientes y un corazón emocional sorprendente.
  • La mezcla de géneros: La gestión estratégica y el RPG le dan mucho más peso a las decisiones narrativas.
  • Las actuaciones: Aaron Paul y el elenco están soberbios.
  • Estética: Un cómic viviente con gran dirección artística.

Lo peor

  • Los minijuegos de hackeo: Se me han hecho un poco repetitivos y creo que deberían haberle dado alguna vuelta más.

 Puntuación: 8.5 / 10

Un saludo y sed felices.