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Reseña de Impenetrable (2025), brutal testimonio a tumba abierta sobre el vaginismo y el deseo sexual.

A la hora de analizar cualquier novela gráfica que se precie hay que tener en cuenta el objetivo para el que se ha diseñado, como toda obra de arte. En el caso de Impenetrable, obra total de la autora belga Alix Garin, estamos ante un testimonio singular que busca inspirar a otras personas. Y, desde luego, es un cómic que dará que hablar.

Nuestra reseña de Se está muy sola en el centro de  la tierra, otra novela gráfica que busca inspirar a otras personas. 

Impenetrable aborda la experiencia de la propia autora con el fenómeno del vaginismo. En su caso, ya inmersa en una relación estable, comienza a tener dolor durante las relaciones sexuales. La pérdida del deseo que le sigue le lleva a buscar soluciones desesperadamente mientras lidia con el papel que el deseo sexual cumple en las relaciones de pareja.

La autora, Alix Garin, nació el 29 de mayo de 1997 en Namur, en Valonia. Tras obtener el bachillerato, continuó su formación en la École supérieure des arts Saint-Luc de Lieja, en la sección de cómic. En 2017, fue galardonada con el premio Jóvenes Talentos del festival Quai des Bulles de Saint-Malo. Entre sus obras destacan No me olvides Impenetrable, publicadas en España por Astronave y NORMA Editorial respectivamente.

Al igual que con No me olvides, en el que aborda la relación con su abuela, en Impenetrable da un paso más allá y narra su propia historia a pecho descubierto y sin tabúes.

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Uno podría pensar que la autora busca aportar una solución universal para el vaginismo, un problema de índole psicológico infradiagnosticado porque la mayoría de las mujeres no lo mencionan por vergüenza. Pero queda claro que únicamente cuenta la historia de su terapia desde su posicionamiento particular, basado desde una posición crítica de la relación de pareja convencional o, incluso, del patriarcado. Al final, Impenetrable no solo sirve a los lectores para constatar que el vaginismo es una condición que merece ser expresada y escuchada, sino también para reflexionar sobre el deseo y el sexo. Y aquí surgen muchas preguntas.

A raíz de la imposibilidad para tener relaciones sexuales y, de ahí, a tener un mínimo deseo, Alix ve tambalear su fe en Lucas, su pareja. Coquetea con otros hombres y en su búsqueda del deseo llega a probar distintas drogas. Es encomiable como Garin busca incluso que frivolicemos su comportamiento en muchas ocasiones durante su lectura. No ha debido ser fácil narrar esta historia para ella.

Esta reflexión seria sobre una condición tan estigmatizante y el deseo sexual se ve acompañado por un dibujo desatado de estilo cartoon que incluso imbuye de comicidad a la historia que Alix Garin nos quiere contar. La autora explora todo tipo de diseño y tiene una capacidad metafórica envidiable.

En definitiva, Impenetrable es un cómic necesario tanto para abordar una situación tan estigmatizada como para tratar el papel del deseo sexual en las relaciones de pareja, sobre todo en las jóvenes.

Enlace a Impenetrable en Norma editorial

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UN CÓMIC INOLVIDABLE SOBRE EL DESEO, LOS AFECTOS Y EL TABÚ DE LOS TRASTORNOS SEXUALES

Impenetrable es un testimonio singular por su sinceridad. Alix Garin (No me olvides, Astronave) cuenta sin tapujos la reconquista de su cuerpo y su deseo después de sufrir durante años de vaginismo, un trastorno sexual que imposibilita la penetración. Para curarse, deberá enfrentarse a las convenciones, las normas y las heridas del pasado. Superar la culpa y la soledad impuesta por una sociedad en la que no hacer el amor es impensable; y hablar de ello, imposible.

Más allá del cuerpo, Alix reflexiona sobre nuestra relación con el deseo, la pareja y el mundo, desvelando una búsqueda de una misma que anima a no dejarse abatir. Audaz y optimista, esta historia de sanación promete no ser únicamente la suya… porque no hay nada más subversivo que escuchar nuestro propio deseo.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Reseña de Marlene (2025), cómic sobre la fascinante vida de Marlene Dietrich

Ha pasado casi un siglo desde la instauración del sistema de estudios Hollywoodiense, la base del cine clásico. Una etapa marcada por figuras legendarias como Marlene Dietrich, una de las mujeres más influyentes del siglo XX y de la que Flavia Scuderi y Alessandro Ferrari han dedicado un cómic biográfico, Marlene, que ha publicado Planeta Cómic.

Enlace a Marlene, cómic que tenéis en Planeta Cómic.

Nacida en 1901, Marlene Dietrich vivió casi toda su vida influida por el Berlín de la República de Weimar. Una ciudad marcada por la liberación artística y sexual. En los escenarios desde bien joven, su irrupción cinematográfica en la legendaria El ángel azul (1930) la llevo a Hollywood, donde fue una de las actrices más exitosas de la década. Fiel al sistema de estudios, en todas sus películas interpretaba el mismo papel, el de mujer fatal que llevaba a la perdición a todo hombre que conociera. Y, para aumentar su atracción en pantalla, Marlene, como otras tantas estrellas de la época, extendía su personalidad cinematográfica a la vida real. Marlene Dietrich era tan sexual, exótica y misteriosa tanto dentro de la pantalla como fuera de ella.

Las 20 mejores femme fatale de la historia del cine

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El cómic no solo abarca su carrera cinematográfica, cuyo esplendor se sitúa entre 1930 y 1935, con apariciones posteriores muy contadas (Testigo de cargo, Sed de Mal, Vencedores o vencidos). También habla de su muy particular vida personal, marcada por un matrimonio que mantuvo vidas separadas hasta su muerte, una relación extremadamente compleja con su única hija y sus muchas relaciones amorosas, tanto con hombres como con mujeres.

Y eso sin olvidar, su posición francamente opuesta al nazismo. Dietrich fue una de las artistas que más apoyó a los Aliados durante la II Guerra Mundial.

Con todos estos elementos, uno puede esperar que el cómic resulte fascinante, aunque solo fuera por la intensa vida de la mítica actriz.

Sin embargo, Marlene, siendo un cómic interesante, no termina de funcionar. Los autores aportan una visión superficial (tal vez porque no hay análisis profundos ni biografías cercanas a la actriz) y, en sus continuos vaivenes temporales, desconcierta al espectador, apostando por enfocarse en algunos momentos de su vida y desechando otros.

En definitiva, Marlene es un cómic interesante para los fans del cine clásico y de sus principales figuras. Un retrato que tal vez sea algo superficial pero que nos permite acercarnos a una mujer fascinante cuya vida quedó marcada por sus interpretaciones en la gran pantalla.

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¡La vida de un icono en formato de novela gráfica!

Marlene Dietrich es una de las pocas artistas germanoparlantes de su época que alcanzó la fama y el reconocimiento internacional. Actriz y cantante, es considerada un icono de Hollywood y del estilo. En 1999, el American Film Institute la incluyó entre las 25 mayores leyendas femeninas del cine de todos los tiempos. Característicos de ella fueron su belleza marcada por una fría sensualidad y su voz profunda y rasposa, así como los trajes de pantalón que vestía y que contribuyó a poner de moda entre las mujeres en los años 30.

Marlene Dietrich es, sin duda, una de las personalidades más fascinantes, deslumbrantes y también misteriosas del siglo XX. Marie Magdalene Dietrich, o simplemente «»la Dietrich»», nació el 27 de diciembre de 1901 en Schöneberg (Berlín) y falleció en 1992 en París. Entre ambos momentos se encuentra una vida única.

Los nuevos mangas que lo están petando en Japón (y que dentro de seis meses todos fingiremos haber leído antes que nadie)

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Ay, Japón… ese país capaz de convertir en fenómeno mundial tanto una historia sobre adolescentes con espadas malditas como otra sobre un señor que se reencarna en una tostadora mágica. Cada mes salen decenas de nuevos mangas, y el 90% pasan sin pena ni gloria, pero de vez en cuando aparece uno de esos títulos que hacen que las editoriales occidentales saliven, los otakus se tatúen el logo y los estudios de anime empiecen a preparar adaptaciones antes de que el autor acabe el primer arco. Y en eso estamos, en algunos de esos nuevos mangas que están dando que hablar.

Por eso hago este artículo, porque traigo nuevos mangas que están «arrasando» en Japón. Bueno, eso de arrasando lo dejo entre comillas ya que algunos prometen ser los nuevos Jujutsu Kaisen, otros huelen a Chainsaw Man con extra de trauma, y uno directamente parece ideado durante un viaje de LSD. Pero oye, eso también es parte del encanto.


Los animes más premiados de la historia (y cómo nos rompieron el kokoro sin pedir permiso)


Los mangas más premiados de la historia (o por qué lloramos leyendo viñetas en blanco y negro)


 

Os dejo cinco mangas que han comenzado este año 2025 y que pueden ser referencia o no en el futuro.

1. Märchen Crown

nuevos mangas

Autor: Aka Akasaka (historia) y Azychika (dibujo)

Estreno: 19 de marzo de 2025 en la revista Weekly Young Jump.

Género: fantasía romántica con giro oscuro.

Rapunzel está harta. Harta de las trenzas, de los pájaros que se posan en su ventana y de ser una princesa que solo sirve para ser rescatada. Así arranca Märchen Crown, un manga que reescribe los cuentos clásicos con la sutileza de un hachazo. Cuando Mikel, un intrépido (y algo bobo) escalador, decide subir a su torre, no sabe que está a punto de liberar algo más que una chica con un champú envidiable, está despertando a una heroína con ganas de patear traseros de cuento. Oscuro, retorcido y divertido, este manga parece un Shrek para adultos con crisis existencial.

2. War of the Adults

War of the Adults

Autor: Kappy (historia) y Masaaki Tsuzuki (dibujo)

Estreno: 5 de abril de 2025 en Shōnen Jump+.

Género: drama de supervivencia, adultos atrapados en crisis.

Si creías que la guerra era cosa de ejércitos y no de gente haciendo cola en el supermercado, War of the Adults te va a destrozar esa idea. En un mundo donde los adultos viven atrapados en una especie de apocalipsis burocrático, cada factura es una bomba y cada jefe un dictador. Este manga mezcla sátira social con acción y drama, retratando a una generación que pelea por sobrevivir entre hipotecas, estrés y ansiedad. Sí, es ciencia ficción… pero duele porque se parece demasiado a la vida real.

3. The Marshal King

The Marshal King

Autor: Boichi (historia y dibujo)

Estreno: 7 de febrero de 2025 en Shōnen Jump+.

Género: western post-apocalíptico.

Imagínate Mad Max cruzado con Cowboy Bebop. The Marshal King nos lanza a un futuro desértico donde los cowboys no montan caballos, sino motos oxidadas, y la ley es un chiste con sabor a pólvora. Jimmu Godspeed, el hijo de un forajido legendario, intenta limpiar el nombre de su familia mientras dispara más rápido que su sombra y se mete en más líos que un político en Twitter. Violenta, elegante y con un aire trágico, esta historia huele a cuero, sudor y redención a balazos.

4. Parashoppers

Parashoppers

Autor: Tsubasa Fukuchi

Estreno: 22 de enero de 2025 en Weekly Shōnen Sunday.

Género: acción sobrenatural.

¿Qué pasaría si Amazon empezara a vender superpoderes con envío gratis? Pues justo eso: el caos absoluto. Parashoppers nos presenta a un chaval que descubre una app capaz de comprar y vender habilidades sobrehumanas. Suena genial hasta que los clientes empiezan a usarlas para destruir media ciudad (y probablemente el instituto también). Es una crítica afilada al consumismo moderno, disfrazada de batalla espectacular entre adolescentes hormonados. Humor negro, acción y un mensaje que grita: “No compres lo que no puedes controlar”.

5. Genikasuri

Genikasuri

Autor: Toshio Sako

Estreno: 6 de febrero de 2025 en Weekly Young Jump.

Género: acción deportiva (boxeo) con trasfondo dramático.

Esto no es un manga de boxeo. Es un uppercut a la cara del fracaso. Ryo Harima fue una promesa del ring hasta que un golpe lo mandó al limbo durante años. Cuando despierta, el mundo lo ha olvidado, su gimnasio lo ha vendido y el deporte que amaba se ha convertido en un circo de marketing. Pero Ryo no piensa rendirse, si no puede golpear con los puños, lo hará desde las sombras. Genikasuri no es sólo una historia de boxeo, sino una historia sobre la redención, la corrupción y la violencia que se esconde en el alma humana. Si Rocky se hubiera dirigido por Scorsese, sería esto.

Un saludo y sed felices.

Tres hermanos descubren un número uno de Superman en el ático de su madre fallecida

Entre los hallazgos destaca una copia impecable de Superman #1, que ha alcanzado un nuevo récord

Un asombroso hallazgo se produjo en una casa familiar del norte de California, donde tres hermanos encontraron un verdadero tesoro de cómics mientras revisaban las pertenencias de su difunta madre. Durante la pasada Navidad, desenterraron una colección de cómics antiguos que habían estado guardados durante décadas en el ático, bajo capas de periódicos desgastados y telarañas.

Lon Allen, vicepresidente de Heritage Auctions, comentó sobre el descubrimiento: “Tienen entre 50 y 60 años, y su madre siempre les había dicho que tenía una colección de cómics muy cara, pero nunca se la había enseñado». Con una sonrisa, añadió: “Es una versión diferente de la vieja historia de que ‘mi madre tiró mis cómics’”.Tres hermanos descubren un número uno de Superman en el ático de su madre fallecida

El hallazgo más notable fue una copia casi perfecta de Superman #1, creada por Jerry Siegel y Joe Shuster. Publicado por DC Comics en 1939, este cómic marcó la primera vez que un personaje de cómic tuvo su propia serie, convirtiéndose en uno de los títulos más influyentes en la historia del medio. Allen mencionó que la colección también incluía cinco números tempranos de Action Comics, cada uno con calificaciones impresionantes.

«Durante mucho tiempo, la caja había estado oculta y olvidada en lo más profundo del ático», explicó Allen. «Pero con el paso de los años, la vida le trajo una serie de pérdidas y cambios, y esas exigencias diarias hicieron que la colección quedara relegada». La sorpresa no terminó ahí. Al enviar el cómic a la Compañía de Garantía Certificada (CGC) para su calificación, la familia descubrió que recibió una impresionante puntuación de 9.0, lo que la convierte en «la copia de Universal con la calificación más alta en la historia«, según anunció CGC. Este ejemplar será subastado en noviembre en la próxima Subasta de Autorizaciones de Cómics de Heritage.Superman 1 cosas felices

Matt Nelson, presidente de CGC, destacó la rareza del hito: “De casi un millón de copias de Superman #1 impresas en 1939, solo 200 han llegado a CGC para su clasificación en 25 años”. Valorando el descubrimiento, agregó que esta copia es extraordinaria no solo por su conservación, sino también por su significado cultural.

Jim Halperin, copresidente de Heritage, consideró esta historia como «una narración verdaderamente única que dejará huella en la cultura popular«. Según él, el descubrimiento de un ejemplar de tal calidad de uno de los cómics más importantes de la historia del medio «es la materia de la que están hechos los sueños». En cuanto a expectativas, el hermano menor recordó el primer paso que dieron: «Lo primero que hicimos fue buscar una funda. No sabíamos qué hacer, así que decidimos actuar con calma».

Con la anticipación de la subasta, el precio final de este Superman #1 de 1939 es un misterio, aunque se espera que supere los 9 millones de dólares, rompiendo así el récord anterior establecido por una copia de Action Comics #1, que se vendió por 6 millones de dólares en 2024.

Halperin concluyó: “Este nuevo récord podría ser recordado como una etapa temprana en la trayectoria del coleccionismo hacia las altas esferas de las subastas”, resaltando el papel activo de Heritage Auctions en este creciente mercado. La comunidad de coleccionistas espera con ansias el desenlace de esta emocionante historia que lleva al mundo de los cómics a nuevas alturas.Superman Action Comics cosas felices

El descubrimiento de esta valiosa colección de cómics en el ático de su madre fallecida ha transformado la vida de tres hermanos y ha capturado la atención del mundo del coleccionismo. La joya de esta colección, una copia casi perfecta de Superman #1, no solo representa un tesoro personal, sino también un hito en la historia del cómic, con potencial para superar récords de venta en subasta.

Este hallazgo, que subraya la importancia sentimental y cultural de los objetos olvidados, demuestra cómo los recuerdos familiares pueden entrelazarse con el valor monetario, creando una narrativa cautivadora que resonará en la cultura popular. Con la expectativa de que la subasta supere los 9 millones de dólares, este evento no solo promete redefinir el mercado de los cómics, sino que también inspira a futuros coleccionistas a explorar lo que pueden tener oculto en sus propios hogares.

Retro-Análisis: Paris,Texas (1984). El peso del pasado

En 1984, el legendario director Wim Wenders realizó una de las películas más impresionantes de todos los tiempos, convertida luego en clásico de culto y en una de las obras más devastadoras sobre el remordimiento y el pasado.  Advierto que se vienen SPOILERS de la trama, por lo cual, en caso de que no la hayan visto y no quieran conocer los detalles de la misma, recomiendo pasar directamente al subtítulo «Wim Wenders».

La película comienza con Travis (Harry Dean Stanton) caminando sin motivo aparente en medio del desierto y buscando simplemente un lugar con agua. Al llegar a un bar se desmaya y despierta en la consulta de un médico, donde, por más que este lo intente, Travis no pronuncia ni una sola palabra. Lo único que consigue es contactar con su hermano Walt (Dean Stockwell), quien, al enterarse de que han encontrado a su hermano queda atónito, pues han pasado cuatro años sin saber nada de él.

Walt viaja desde Los Ángeles hasta Texas. Al llegar a la consulta se entera de que Travis se ha marchado.  Sale a buscarlo en coche por la carretera hasta que finalmente lo encuentra, pero este sigue sin decir palabra. Walt intenta llegar a él, pero Travis parece desorientado y desconectado de la realidad. Esa noche, Walt llama a su familia, y nos enteramos de que Travis tiene un hijo que fue acogido por Walt y su mujer después de que él desapareciera, así como de que también tenía una antigua esposa.

PARIS, TEXAS - The Belcourt Theatre

Durante el trayecto, Walt se cansa a veces de que Travis no hable en absoluto, pero decide aguantar. Tras un par de días de viaje, Travis dice “París”. Su hermano no lo entiende al principio, pero él le explica que París es un pequeño lugar en Texas donde sus padres se conocieron y es dueño de un terreno.

Finalmente llegan a Los Ángeles, donde Travis aún parece desorientado, aunque habla un poco más. La esposa de Walt se muestra emocionada al verlo, pero Travis no reacciona hasta que ve a su hijo, Hunter,  a quien abandonó cuando era muy pequeño y que lo observa desde lejos. En la cena intentan averiguar qué le ocurrió a Travis y por qué se marchó, pero él sigue sin decir nada.

Por la noche, canta una melodía mientras ayuda en la casa y observa la ciudad a la distancia. Ya a la mañana siguiente, decidido, pide a la esposa de Walt ir a recoger a Hunter al colegio y ella acepta encantada, pero el niño no quiere irse con él porque prácticamente no le conoce. Esto afecta a Travis, así que Walt habla con Hunter y le recuerda que, al fin y al cabo, es su padre. Para levantar el ánimo, Walt decide poner viejas grabaciones de sus salidas en familia. Vemos por primera vez a Jane (Nastassja Kinski), la antigua esposa de Travis y madre de Hunter. Los vídeos resultan conmovedores, pues muestran a una familia unida y a un Travis completamente distinto.

Al día siguiente, Travis intenta vestirse, comportarse como lo haría un buen padre y, de nuevo, recoger a Hunter en el colegio. Al verlo así, Hunter se ríe y decide irse con él. Ambos caminan a la par, cada uno por un lado de la calle, pero riendo y conectando de forma más natural, mejorando significativamente su relación. Al llegar a casa, pasan tiempo juntos y hablan sobre su familia y todo lo sucedido.

Por la noche, Walt y su esposa discuten, pues ella teme que Travis quiera irse con Hunter, ya que el niño lleva varios años viviendo con ellos y lo sienten como su propio hijo. Walt le dice que no debe preocuparse y que, al fin y al cabo, son padre e hijo. Travis sigue contemplando la ciudad desde la distancia. La esposa de Walt llega y le habla de Jane y de cómo, después de dejar a Hunter, llamaba para saber de ellos, pero dejó de hacerlo hace un par de años. Lo último que supo es que Jane pidió abrir una cuenta bancaria a nombre de Hunter, donde cada día 5 deposita mensualmente dinero para él.

Travis se siente intrigado y habla con Walt sobre marcharse para encontrarla, ya que el banco desde donde envía el dinero está en Houston. Walt se molesta, ya que Travis nunca le ha contado por qué se separaron ni por qué se marchó realmente. Luego se calma y le dice que no lo detendrá. Travis se lo explica a Hunter y este, al ver la posibilidad de reencontrarse con su madre, decide acompañarlo.

Ambos llegan a la ciudad y esperan en el banco hasta que ella aparezca. Pasan todo el día allí hasta que Hunter la ve y la siguen entonces hasta un edificio. Travis se prepara para verla. Al entrar, descubre que Jane trabaja en un peep-show. Busca durante un buen rato hasta encontrarla en una cabina donde pueden hablar pero no verse. Comienzan a conversar.

Paris, Texas (1984)

Jane no reconoce la voz de Travis. Él habla vagamente sobre sí mismo y lo solo que se siente. Jane, al no estar acostumbrada a que los clientes le cuenten sus problemas, le propone desnudarse, pero él lo rechaza y continúa conversando. Incapaz de mantener la compostura, Travis se marcha y deja a Jane desconcertada.

Al día siguiente, Travis lleva a Hunter a un hotel donde pasan la mañana juntos y después se despide dejándolo en la habitación. Travis vuelve al lugar donde trabaja Jane. Ella aún no le reconoce, pero sí nota que su voz coincide con la del hombre con quien habló el día anterior. Travis empieza a contarle la historia de dos amantes que se conocieron y tuvieron un hijo, pero cuya relación comenzó a desmoronarse.

Travis cuenta cómo el hombre bebía demasiado, dejándose llevar por los celos, convirtiéndose en un controlador. Habla de cómo intentó dejar el alcohol, pero siempre volvía a lo mismo, dañando la relación. Jane se da cuenta de que lo que está contando es en realidad su propia historia. Al entenderlo, se rompe y comienza a llorar; apaga las luces y alcanza a ver a Travis al otro lado del cristal. Jane le habla de cuánto lo echaba de menos, de cómo sabía que se querían profundamente, pero que también se hirieron mutuamente y por eso decidió marcharse.

Travis, afectado por toda la conversación, se despide de Jane no sin antes darle la dirección del hotel donde dejó a Hunter y se marcha. Jane se dirige allí, se reencuentra con Hunter y ambos se abrazan. Mientras tanto, Travis llega a su coche y, sin rumbo, empieza a conducir para no formar parte de la vida de ambos, desapareciendo en la oscuridad.

Wim Wenders

Para empezar, me gustaría mencionar el trabajo que realiza Wim Wenders como director. La historia es sumamente difícil de seguir, ya que está llena de ambigüedades y personajes con los que no es fácil empatizar. Aun así, Wim Wenders, con su magnífica dirección, consigue llevar la historia a un punto donde resulta imposible para el espectador no conectar con ella.

Cada plano de la película está pensado para representar algo más allá de lo que se ve en pantalla. La película comienza con un plano general que podría parecer simplemente destinado a mostrar la localización, pero Wenders le otorga otro significado, de modo que a través de él entendemos la conciencia de Travis y cómo se encuentra profundamente solo y sin rumbo en su vida.

Wenders logra conectar todo de manera espectacular: las acciones, la música, el color…, todo está relacionado entre sí y con un único propósito: contar aquello que los personajes no son capaces de expresar. El misterio de la cinta reside en que nadie sabe realmente qué pasó entre Travis y Jane; todos suponen algo, pero nadie lo sabe con certeza. A través de planos, movimientos de cámara y de todo el diseño de arte comprendemos la situación de cada personaje y cómo el pasado de cada uno afecta a su presente. Es un trabajo excepcional por donde se mire; cada elemento de su dirección es colosal y cada detalle suma a la película.

On First Watching Paris, Texas – The Frida Cinema

Actuaciones

Todos los personajes de la cinta son muy diferentes entre sí y, aun así, logran convivir en los mismos espacios. Esto es en parte gracias a sus grandiosas interpretaciones. Harry Dean Stanton ofrece una de las mejores actuaciones para representar la soledad y la nostalgia. Es un trabajo sobrio, sin grandes estallidos emocionales ni momentos de clímax diseñados para el lucimiento. En cambio, a través de miradas, gestos y leves sonrisas, entendemos los cambios que experimenta su personaje a lo largo de toda la película.

El resto del reparto realiza un trabajo igualmente notable. Destaca Dean Stockwell, que ofrece una interpretación conmovedora de alguien que, sin quererlo, quedó en medio de una separación familiar. Hunter Carson, a pesar de su corta edad durante el rodaje, da también una actuación magnífica: muestra resentimiento al principio, pero pasa luego por distintas emociones y llega al amor hacia sus padres. Es una interpretación muy conmovedora que, con su sola presencia, hace que la historia se sienta más viva y con un propósito más claro.

Nastassja Kinski, aunque tiene menos tiempo en pantalla que los demás, aprovecha cada minuto y se convierte en una de las partes más memorables de la película. Durante gran parte de la cinta sabemos lo que otros personajes opinan y piensan de ella, solo para que, cuando llegue su momento, su propia voz sea única y completamente distinta a lo que imaginábamos. En Jane vemos inicialmente inocencia, pero después una profunda tristeza: comprendemos cuánto echó de menos a Travis, cuánto le dolió abandonar a su hijo y cómo tuvo que lidiar largo tiempo con la sensación de estar reprimida y sin libertad. Es un personaje muy complejo del cual, tanto por sus gestos como por su tono de voz, entendemos lo que ocurre en su interior.

Paris, Texas. 1984. Directed by Wim Wenders | MoMA

Uso del color

El color es parte fundamental de la cinta, no solo como acompañamiento, sino como elemento que ayuda realmente a comprender la historia. Durante todo el primer acto, el color rojo está presente, aunque nunca llega a dominar la imagen: aparece siempre acompañando a Travis, como en su gorra o en elementos del motel donde se hospedan. El rojo refleja el pasado de Travis y cómo, aunque haya escapado y vagado sin rumbo, no ha podido huir del mismo. A medida que avanza la película, el rojo se intensifica hasta llegar al último acto, donde la primera vez que vemos a Jane está en un coche rojo y Travis lleva una camisa roja, simbolizando cómo ambos siguen marcados por su pasado y cómo su historia y su amor los conducen al reencuentro.

El amarillo simboliza la conexión entre los personajes. Cuando Walt encuentra a Travis y viajan por el desierto, este color aparece en distintos lugares donde ambos se detienen. Pero el momento más importante de dicho color es cuando Travis recoge a Hunter y caminan juntos: le vemos con una camisa amarilla que simboliza el haber logrado establecer un vínculo con su padre después de sentirse abandonado.

Por último, el color verde representa la intención de Travis de deshacer sus errores. Lo vemos por primera vez cuando el doctor contacta con Walt, mostrando que debe arreglar primero los problemas con su familia directa. No es un verde esperanzador, sino uno con una tonalidad invasiva. Al final de la cinta, cuando Travis ha reunido a Jane con Hunter, la ventana del lugar donde están iluminados es verde, simbolizando que madre e hijo pueden estar juntos como familia. Pero, al mismo tiempo, señala cómo Travis no ha logrado enmendarlo todo. Por eso decide marcharse, alejándose del verde, cumpliendo con su deber familiar y yéndose hacia la oscuridad sin intención de regresar.

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La escena de la cabina

La escena de la cabina me parece la mejor de toda la película, ya que es la culminación de todos los hechos que la preceden. En ella vemos a Travis, por fin, abrirse y mostrarse vulnerable, enfrentándose a todo lo que hizo en el pasado. Admite y expresa sus errores y, aunque sea tarde para reparar, lo hace para mejorar las relaciones entre los demás. Entiende que quizá él no sea una buena persona, pero su hijo y su exmujer sí, y merecen la oportunidad de ser felices.

Jane, por su parte, también expresa cómo cometió errores y cómo no está libre de culpa. Habla de cómo la espera y el olvido la dejaron profundamente triste y de cómo se sintió insuficiente para ser madre, razón por la cual decidió dejar a Hunter con Walt y dedicarse a añorarlos cada día.

Ambos personajes exponen sus arrepentimientos, dejando al descubierto su parte más vulnerable, solo para darse cuenta de que todo ello proviene del amor que se tenían; un amor tan profundo que su separación los dejó destrozados y sin propósito. Esto hace la escena aún más devastadora, ya que no solo observamos lo que es, sino también todo lo que pudo haber sido.

Secuencia inicial de «Paris, Texas», de Wim Wenders

El mensaje

Paris, Texas es una cinta quizá poco convencional, donde la historia puede sentirse lenta y muchas veces sin aparente propósito. Pero, al juntar todos los elementos que la componen, entendemos que es un relato desgarrador sobre el peso del pasado y la incapacidad de avanzar en la vida.

Literal y metafóricamente, no soltar los errores del pasado puede ser como caminar sin rumbo y estar perdido. Paris, Texas, con sus personajes increíblemente bien construidos, logra ser una de las películas más sentimentales y devastadoras de la historia, dejando momentos que se han inmortalizado en la historia del cine.
Paris, Texas movie review & film summary (1984) | Roger Ebert

Paris, Texas dejó una huella imborrable en el cine, siendo considerada una de las mejores películas jamás realizadas y convirtiéndose en un clásico sobre cómo el pasado pesa, pero nunca es tarde para intentar enmendarlo.

El cómic de la semana: Los Sacrificadores 3. Sigue la fantasía y crítica social del más alto nivel

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semanaHoy destacamos Los sacrificadores 3Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Norma sigue adelante con la publicación de Los Sacrificadores y ahora toca centrarnos en el tercer tomo de la serie, donde Rick Remender sigue dando rienda suelta a su talento para ofrecer una historia de fantasía tan apasionante como rica en matices, sin olvidar la critica social a la que nos tiene acostumbrados.

El resumen de la editorial es el siguiente: Cuando el mundo que conoces es una mentira, la confianza es una ecuación peligrosa e inestable. La venganza de Paloma escala con terribles consecuencias; Soluna descubre un secreto que la enfrenta a la decisión más difícil de su vida; y los tejemanejes del Capataz quizá desaten el fin de todo lo conocido. Cuando la voluntad de unos pocos domina las vidas de muchos, solo hay una forma de recuperar el poder.

En este tomo vamos a conocer a una nueva deidad, Fniff, dios de las plantas que odia al resto de los seres vivos. Es el amo del pringue negro que infectó a Soluna y que resulta ser una especie de espora que toma el control de su anfitrión para desatarse y matar todo lo que queda a su alcance. Fniff sabe que Soluna está en los corrales del Capataz, y se lo dice a Rokos, su padre. Pero cuando el dios del sol llega a liberarla se encuentra una desagradable sorpresa que desatará su ira de una manera que no habíamos visto hasta ahora y que deja constancia de su poder.

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Por otro lado, Paloma sigue en su cruzada buscando dioses a los que matar y después de una breve escaramuza contra el Capataz, llega el momento de enfrentar a Kronious, dios del trabajo, un duelo que va más allá de lo físico para entrar de lleno en la dialéctica. Ambos personajes, dios y mortal, confrontan sus puntos de vista dejando al desnudo las inconsistencias de las creencias de ambos y cerrándose un circulo que puede ser mortal para el resto del panteón.

Remender sigue en estado de gracia. En el primer capítulo de este libro el autor nos muestra las consecuencias de la venganza llevada a cabo con ira y sin control, con funestas consecuencias para Paloma. En el segundo pone de manifiesto lo vacío del discurso de los líderes políticos que hablan en nombre de los trabajadores sin tenerlos nunca en cuenta. Todo esto lo incorpora de manera genial a una historia de fantasía llena de acción y emoción, con lo que toda esa crítica social no se hace pesada ni panfletaria ya que la lectura que tenemos por delante es sencillamente apasionante.

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En cuanto al apartado artístico, otra vez estamos ante un trabajo sobresaliente de Max Fiumara (con el color de Dave McCaig). El arte de Max Fiumara es tan espectacular como siempre, logrando ganar incluso un poco más de claridad en las escenas de acción, el único talón de Aquiles del dibujante. Y como muestra de esa espectacularidad no hay más que ojear las planchas en la que Rokos desata todo su poder, sencillamente impresionantes. André Lima Araujo se hace cargo del segundo episodio del tomo y, aunque su nivel no llega al de su compañero, al menos no lo desmerece en absoluto, mostrándose como una alternativa más que valida para casos de emergencia.

La edición de Norma tenemos un libro en tapa blanda de 112 páginas que recoge los números 12-15 de la serie original. Es una pena que este tercer arco argumental de la serie sea de solo cuatro números ya que saben a poco. Como extras incluye una galería de portadas (las originales y las alternativas), así como un pequeño cuaderno de bocetos de los personajes y una muestra de algunas páginas con el dibujo solo a tinta. El precio de venta es de 20 euros.

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En resumen, Los Sacrificadores es una de las mejores series que podemos leer ahora mismo y este tercer volumen es el ejemplo perfecto. Es complicado ofrecer una historia que sea a la vez entretenida y que haga pensar y deje poso en el lector. Por eso no deja de ser increíble la habilidad de Remender para escribir una historia llena de fantasía, acción y emoción, con personajes carismáticos, y a la vez, ofrecer una feroz crítica social que no deja títere con cabeza. Y encima con un apartado gráfico que hace que las páginas entren por los ojos. Una compra obligada.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Norma Editorial y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Los Sacrificadores 3

Un saludo y sed felices.

¿Por qué todo el mundo debería ver El paciente (2022)?

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De vez en cuando me gusta revisar alguna que otra película o serie que aborde una terapia. No sé si por mi formación como psiquiatra, por sentirme reflejado en el papel del terapeuta o, sencillamente, por el gusto de contemplar esa relación (o duelo) tan especial que se establece entre los, en principio, paciente y terapeuta. Una de estas producciones es la miniserie El paciente, estrenada en 2022 y que tenéis en Disney +.

A lo largo de diez capítulos, El paciente se centra en el doctor Alan Strauss, un racional psicólogo judío inmerso en el dolor por la muerte de su mujer, que es secuestrado por Gene, uno de sus pacientes. El joven es un asesino en serie y cree que la única manera de no seguir matando es una terapia diaria en su propia casa.

Creada por los autores de la conocida serie de espionaje The americans, El paciente navega entre dos géneros, y la dificultad de su combinación es el mayor pero de una trama notable.

Por un lado, el intenso thriller psicológico que surge de las dos misiones a contrarreloj que debe llevar a cabo el psicoterapeuta: evitar que Gene siga matando de la misma forma que consigue que otros pacientes hagan frente a su ansiedad; y escapar del sótano de la casa donde el asesino vive con su madre. Un conflicto lo suficientemente potente como para sostener a toda una serie.

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Por otro lado, el encierro de Alan le permite reflexionar sobre su propia vida familiar, marcada por el fallecimiento de su mujer y el distanciamiento con uno de sus hijos al comprometerse con la rama más radical de judaísmo.

El contraste entre la tensión inherente a la terapia con el asesino en serie y las pausadas reflexiones del psicólogo acerca de sus propios conflictos resiente el ritmo de la serie y da la sensación de que los diez capítulos se podrían haber acortado. Y eso que la serie pasa en un suspiro, que los capítulos no llegan a los cuarenta minutos.

Dicho de otra forma, la serie gana enteros cuando se localiza en el sótano y enfrenta a los dos protagonistas, unos imperiales Steve Carell y Domhall Gleeson. El primero, al que estamos acostumbrados a verle en papeles cómicos (o tragicómicos), borda su papel más dramático hasta la fecha. El segundo, al que hemos visto como secundario en la última trilogía de Star Wars o en la infravalorada Barry Seal, es el que aporta la nota desquiciada a la serie, tanto por lo terrorífico como por lo humorístico. Aunque sea un humor tan negro que hiela la sangre.

Más allá del conflicto principal, El paciente explora varios de los temas que pueden aparecer cada vez que una persona que necesita ayuda acude a pedirla a un terapeuta.

La serie habla de la soledad. Las complejas relaciones familiares. La religión. Las heridas de la infancia como fuente del dolor adulto. Y, por supuesto, de la necesidad (cada vez más imperiosa) de entregar la responsabilidad de nuestros actos a una solución mágica (ya sea un terapeuta o una pastilla) en lugar de asumirla por nosotros mismos.

Y claro, del papel del terapeuta. Lógicamente, El paciente nos plantea una situación extrema en la que, por suerte, la mayoría de los terapeutas jamás nos hemos visto. Pero es fácil conectar con la angustia del doctor Alan Strauss. No solo por salvar su vida, sino por la certeza de que, si no profundiza adecuadamente, alguien morirá.

Siempre he dicho, y creo que es algo generalizado, que los psiquiatras y psicólogos no tenemos un papel tan importante en la terapia. Que somos meros consejeros y que las decisiones del paciente son responsabilidad suya.

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Imaginaos la ansiedad que debe suponer el saber que la vida de otras personas depende de lo bien que uno aplique una terapia en la que el paciente también debe poner su granito de arena.

Y, por último, en El paciente, como toda buena terapia, también se deposita algo del terapeuta. Al final, el paciente también acaba conociendo a la persona que en principio va a ayudarle, estableciendo un diálogo que supone la esencia de la terapia.

Y tiene un final, uno bastante incómodo que da para múltiples análisis pero que nos desvelaré. Simplemente os invito a que, en vez de estar pendientes de los nuevos estrenos que nos depara este 2025 (muchos de los cuales tendréis analizados en Las cosas que nos hacen felices), dediquéis un rato de vuestra vida a una serie que, sin ser perfecta, os dará una buena dosis de tensión y unas cuantas preguntas que cada uno deberá responder por su cuenta.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

 

 

 

Image Comics y Skybound lanzan dos números esenciales de GI JOE que redefinirán el Universo Energon

Con guiones de Joshua Williamson y arte de Andrea Milana, GI JOE #19 y #20 prometen un cruce épico entre Duke y Optimus Prime, junto a impresionantes portadas para coleccionistas

Skybound, Image Comics y Hasbro (una de las compañías más influyentes en el ámbito del entretenimiento, los juegos y la gestión de propiedades intelectuales) se preparan para sacudir nuevamente el panorama del Universo Energon con dos números esenciales de GI JOE. Estas nuevas entregas, correspondientes a GI JOE #19 y GI JOE #20, prometen elevar aún más el nivel narrativo y visual del universo compartido que une a los legendarios héroes de Transformers y GI JOE. Con su llegada prevista a las tiendas de cómics en el mercado USA, para los meses de febrero y marzo, respectivamente, ambas publicaciones aspiran a convertirse en piezas clave para los coleccionistas y seguidores del Universo Energon.Skybound y Image Comics lanzan dos números esenciales de GI JOE que redefinirán el Universo Energon

El equipo creativo detrás de estas historias refuerza las expectativas. El guion corre a cargo de Joshua Williamson, reconocido por su trabajo tanto en Duke como en Superman, dos títulos que muestran su habilidad para desarrollar personajes complejos y situaciones cargadas de tensión.

Al frente del arte interior se encuentra Andrea Milana, artista destacado por su participación en Creepshow y Cobra Commander, capaz de imprimir dinamismo y dramatismo en cada viñeta. A ello se suma la experiencia de Lee Loughridge, colorista con una estética particular que ya ha brillado en títulos como Monstruos Universal: La Momia, y las letras de Rus Wooton, colaborador habitual en el Universo Invincible, donde trabajó en Battle Beast. Juntos constituyen un equipo creativo sólido, con una visión clara del rumbo que tomará la trama y el tono visual de esta nueva etapa.

Uno de los grandes atractivos de esta pareja de números es el esperado cruce entre Duke y Optimus Prime, dos de las figuras más emblemáticas del Universo Energon. Aunque los detalles del encuentro permanecen en secreto, las preguntas que plantea el adelanto son suficientes para disparar la imaginación de los fans: ¿qué circunstancias llevaron a estos dos héroes a coincidir por primera vez? ¿Qué amenaza o revelación exige la presencia conjunta del líder Autobot y del icónico miembro de GI JOE? El adelanto apenas menciona la participación de Clutch, del Autobot Hound, y del fugitivo más buscado de los Estados Unidos, Matt Trakker, nombres que ya permiten intuir que la situación será tan explosiva como decisiva.cover gi joes cosas felices

En cuanto a las portadas, GI JOE #19 llega con una espectacular selección de variantes. La portada principal está firmada por Tom Reilly, mientras que el número también ofrece impresionantes versiones alternativas de artistas como Joshua Cassara y Romulo Fajardo Jr., Ben Oliver, Tonči Zonjić, Trevor Hairsine y nuevamente Romulo Fajardo Jr. Completan la lista una variante con spoiler ilustrada por Pye Parr y una variante premium con máscara creada por John Amor y Andres Juarez, ambas dirigidas especialmente a los coleccionistas más dedicados.gi joes image cosas felices

Para GI JOE #20, la variedad de portadas no se queda atrás. Además de la portada principal de Tom Reilly, el número incluye dos variantes bajo pedido realizadas por Joshua Cassara y Ben Oliver, así como una variante de incentivo 1:25 a cargo de Tonči Zonjić y otra de tipo 1:50 ilustrada por Jorge Corona, reforzando el atractivo visual de la entrega.

GI JOE continúa consolidándose como una de las piedras angulares del Universo Energon, el proyecto que representa la alianza entre Skybound y Hasbro para unificar y revitalizar las franquicias de TRANSFORMERS y GI JOE dentro de un mismo universo narrativo. Junto a esta serie, otras obras del UE han ampliado el mito, como la popular Void Rivals, escrita por Robert Kirkman, y la galardonada Transformers, serie también escrita por Kirkman y distinguida con dos premios Eisner. Con cada nueva entrega, el Universo Energon expande su mitología y deja a los lectores al borde de sus asientos, revelando conexiones y secretos que redefinen algunos de los íconos más importantes del cómic contemporáneo.

Reseña y presentación de Blacksad Stories: Weekly. Norma Editorial. Hoy día 21 de noviembre, a las 19:00, en la librería Los Tres Hermanos de Moriarty (Madrid).

¡Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices! Hoy se presenta oficialmente en Madrid, en la librería Los Tres Hermanos de Moriarty, el esperado spin-off: Blacksad Stories: Weekly, publicado por Norma Editorial.

Un acontecimiento que coincide con el 25 aniversario de la serie madre y que, si eres seguidor de las aventuras del detective felino, no puedes perderte.

Presentación del evento

La cita será hoy viernes 21 de noviembre, a las 19:00, en la librería Los Tres Hermanos de Moriarty.

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Madrid se convierte de nuevo en capital del cómic, esta vez para recibir a dos figuras internacionales: Juan Díaz Canales, guionista y uno de los arquitectos del universo Blacksad y Giovanni Rigano, el artista italiano encargado de poner rostro y atmósfera a esta nueva aventura.

Juntos nos han traído un álbum que es tanto homenaje como puerta de entrada a nuevas historias.

¿Por qué Weekly? El antihéroe más querido

Si hay un personaje que destaca siempre por sus guiños, sus chascarrillos y ese aire de periodista que nunca está donde debe, ese es Weekly.

Héroe por accidente, amigo leal y testigo incansable de los recovecos de Nueva York, este spin-off nos invita a conocerlo más a fondo: su pasado, sus aspiraciones y, sobre todo, ese motor interno que le lleva a meterse donde nadie le ha llamado.

Blacksad Stories: Weekly es más que una aventura paralela; es el reconocimiento a todos esos secundarios que, una y otra vez, acaban robando el protagonismo. Porque Weekly tiene una historia que merece ser contada y ahora, por fin, la tenemos entre manos.

Weekly

El guion y el dibujo a la altura del mito

El tándem formado por Díaz Canales y Rigano funciona desde la primera viñeta. El guion, ágil y cargado de referencias al género negro y al periodismo de trinchera, conecta a la perfección con el dibujo estilizado y la narrativa visual de Rigano, que aporta frescura y un nuevo enfoque al universo Blacksad.

Rigano, conocido por sus trabajos para Disney y Artemis Fowl, no pretende imitar el trazo de Juanjo Guarnido, sino que se atreve con sus propios recursos, su paleta y una forma muy personal de jugar con cada página.

El resultado es un Blacksad reconocible, pero con una luz y una atmósfera distintas.

Como lector, te sumerges en las calles de Nueva York, el humo, los periódicos y esa fauna urbana que solo el noir animal sabe explorar con elegancia y cariño.

Weekly

Una edición para coleccionistas, pero sin perder el pulso narrativo

Norma Editorial nos presenta la obra en formato cartoné, 64 páginas a todo color y la calidad habitual que convierte cada álbum de Blacksad en una joya de estantería.

Para los que busquen algo más, el evento contará con la presencia de los autores y la posibilidad de hacerse con una dedicatoria para la posteridad.

No descartes encontrar guiños visuales, referencias cinematográficas y, cómo no, las dosis justas de humor negro y crítica social que siempre han hecho grande a la serie.

Pinchad AQUÍ para obtener más información de Blacksad Stories: Weekly, desde la web de Norma Editorial.

Weekly

A quién va dirigido este álbum

Blacksad Stories: Weekly es ideal tanto para newcomers como para veteranos de la saga. Si nunca te has atrevido con Blacksad, este spin-off es una ruta sencilla y disfrutable para dejarte seducir por su universo.

Y si lo tuyo es coleccionar cada entrega, aquí tienes material para seguir ampliando tu biblioteca y tu conversación de barra de bar.

La historia, lejos de buscar solo el entretenimiento, propone una mirada más profunda al papel del periodismo en tiempos convulsos, al valor de la amistad y, por supuesto, al eterno dilema moral que atraviesa a todo personaje memorable.

¿Por qué deberías ir a la presentación?

Porque el cómic es mucho más que leer viñetas; es encontrarte con otros lectores, es charlar con los autores y descubrir que hay historias que siguen creciendo año tras año.

Además, Juan Díaz Canales y Giovanni Rigano estarán allí para compartir anécdotas, responder preguntas y, seguro, contarnos alguna primicia sobre futuros proyectos en el universo Blacksad.

Esta tarde, hoy viernes 21 de noviembre de 2025, a las 19:00, en la librería Los Tres Hermanos de Moriarty (Madrid). Metro de Tribunal. Pinchad AQUÍ.

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Impresiones y recomendación final

No es fácil estar a la altura de una saga que ha marcado época, pero este álbum lo consigue. Encontramos humanidad, ironía, complicidad y una forma de narrar que atrapa sin caer en excesos ni repetir fórmulas.

Los que esperaban una obra menor encontrarán todo lo contrario: un homenaje en toda regla.

Las ilustraciones son evocadoras y el guion apuesta por el ritmo antes que por la grandilocuencia, algo que agradece el lector que busca autenticidad en cada página.

Si tienes plan para este viernes, cámbialo. Si no lo tienes, ya lo tienes. Nos vemos a las 19:00 en Los Tres Hermanos de Moriarty, con la esperanza de que entre gatos detectives y periodistas con gabardina, volvamos a encontrar …

¡Esas pequeñas cosas que nos hacen felices!

Todo sobre el Black Friday: su historia, sus trucos y cómo comprar sin riesgos

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El Black Friday ha pasado de ser una jornada de descuentos en Estados Unidos a convertirse en una cita global esperada tanto por comercios como por consumidores. Hoy, las rebajas del viernes negro marcan el inicio de la campaña navideña y mueven millones de euros en apenas unos días. Pero detrás de los carteles de “-50%” hay historia, estrategias de marketing y ciertos riesgos que conviene conocer antes de lanzarse a comprar.

Qué es el Black Friday y de dónde viene

El Black Friday nació en Estados Unidos y su historia se remonta a 1924, cuando los grandes almacenes Macy’s celebraron un desfile el día después de Acción de Gracias para inaugurar las rebajas navideñas. Aquella jornada atrajo tal multitud que la policía de Filadelfia empezó a llamarla viernes negro por el caos que generaba.

Años más tarde, el término adoptó un nuevo sentido referido al momento en que los comercios pasaban “del rojo al negro”, es decir, de pérdidas a beneficios. Durante las décadas de 1980 y 1990, cadenas como Walmart o Best Buy convirtieron el Black Friday en un fenómeno nacional, con colas, acampadas y tiendas abiertas desde la madrugada.

Con la expansión del comercio electrónico, esta tradición cruzó fronteras y llegó a España en la última década, hasta consolidarse como uno de los mayores eventos de consumo del año. Hoy, el Black Friday marca el inicio de la campaña navideña y simboliza el poder del marketing para transformar una simple fecha en un ritual global de compras.

Black Friday

Cómo el marketing convirtió el Black Friday en fenómeno global

El éxito del Black Friday es fruto de estrategias psicológicas cuidadosamente diseñadas. Las empresas explotan la urgencia, la escasez y la recompensa inmediata para impulsar las ventas. Palabras como “solo hoy”, “últimas unidades” o “oferta exclusiva” desencadenan sensación de oportunidad y activan una respuesta emocional. Es la dopamina, neurotransmisor asociado al placer.

El resultado es una compra impulsiva, reforzada por la satisfacción momentánea de “ganar” un descuento. Las marcas alimentan este efecto con campañas masivas, notificaciones constantes y temporizadores digitales que simulan un riesgo de pérdida.

Además, la competencia entre tiendas multiplica la presión. Si un comercio lanza descuentos, los demás se ven obligados a seguir. Esta dinámica ha convertido el Black Friday en una batalla global de precios, que ya dura más de un día y se extiende a toda una Black Week. En el fondo, no se trata solo de vender, sino de mantener al consumidor conectado al entorno digital de la marca.

Los trucos comerciales más comunes

Detrás de muchas ofertas del Black Friday se esconden tácticas que distorsionan la percepción del ahorro. Una de las más frecuentes es inflar los precios semanas antes para luego aplicar falsos descuentos. Según la OCU, casi cuatro de cada diez productos cuestan lo mismo o incluso más que antes del evento.

Otro truco habitual es la escasez artificial. Los comercios limitan el stock o muestran mensajes como “quedan pocas unidades” para forzar compras impulsivas. También proliferan las ofertas combinadas, que animan a gastar más para “aprovechar” supuestos descuentos adicionales.

En España, el Ministerio de Consumo ha sancionado a empresas por usar estas prácticas engañosas, recordando que la ley obliga a indicar el precio más bajo de los 30 días anteriores. Aun así, muchas tiendas siguen aprovechando la falta de vigilancia del consumidor.

El consejo más eficaz es comparar precios con antelación y no dejarse llevar por el marketing emocional. Un descuento del 40 % no siempre significa ahorro; a veces, solo oculta un precio inflado.

Black Friday

Estafas y fraudes online más frecuentes

Durante el Black Friday, los intentos de fraude digital se disparan. Los ciberdelincuentes crean webs falsas que imitan tiendas conocidas, con logotipos idénticos y precios irresistibles. También envían correos o SMS fraudulentos con mensajes como “tu pedido está en camino” para robar contraseñas y datos bancarios.

Otra práctica común es el phishing o su versión más moderna, el QRishing, que utiliza códigos QR manipulados para dirigir al usuario a páginas maliciosas. En 2024 se detectaron más de 120.000 dominios falsos vinculados al Black Friday, según estudios de ciberseguridad internacionales.

Incluso las aplicaciones móviles pueden ser un riesgo. Algunas simulan pertenecer a marcas reales, pero contienen malware o piden permisos excesivos.

Para evitar caer, conviene revisar siempre la dirección del sitio web, buscar el candado HTTPS, y desconfiar de los precios demasiado bajos. Si un comercio solo acepta transferencias o no ofrece contacto verificable, es mejor no comprar. En el Black Friday, la mejor oferta es la seguridad.

Tus derechos como consumidor en Black Friday

En España, la ley protege al comprador también durante el Black Friday. Todo comercio debe mostrar el precio más bajo de los 30 días anteriores como referencia del descuento. Si no lo hace, puede considerarse publicidad engañosa.
Además, para compras online dispones de 14 días naturales de derecho de desistimiento. Es significa que puedes devolver el producto sin dar explicaciones, y el vendedor debe reembolsarte el dinero. En tiendas físicas, las políticas dependen del comercio, pero muchas amplían el plazo por la campaña navideña.

Recuerda que la garantía legal es de tres años para productos nuevos y uno para artículos de segunda mano. Guarda tickets y comprobantes, ya que son tu prueba ante cualquier reclamación.

Si detectas irregularidades o estafas, contacta con las autoridades de consumo o denuncia ante la Policía Nacional o la Guardia Civil. La legislación ampara al consumidor, pero solo si actúa y conserva pruebas.

Un saludo y sed felices.

Reseña de The Holy Roller. Una macarrada para reírse viendo a neonazis sangrar

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Rick Remender es uno de los mejores guionistas de los últimos tiempos, sobre todo ahora que parece haber recuperado el pulso creativo tal y como podemos ver en la genial Los Sacrificadores. Por eso es una gran noticia que Norma haya publicado otra de sus creaciones, The Holy Roller, en la que el escritor comparte la labor de guionista con dos peculiares compañeros, el comediante Andy Samberg y el músico Joe Trohman. El dibujo corre a cargo de Roland Boschi con color de Moreno Dinisio. Vamos a ver en este artículo qué ha salido de esta curiosa mezcla de mentes creativas.

El resumen de la editorial es el siguiente: El exjugador profesional de bolos Levi Cohen se ve obligado a abandonar su trabajo soñado y regresar a su localidad natal para encargarse del cuidado de su padre, enfermo de cáncer. Allí, descubre muy pronto que su ciudad ha sido tomada por una banda de neonazis. Con la única ayuda de su colección de bolas para poder defenderse, Levi se convierte en Holy Roller, un superhéroe experto en bolear villanos que luchará para liberar su hogar de la garra de un complot fascista ¡y conseguir un pleno contra el crimen organizado!

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Tras leer este resumen uno se queda con cara de… ¿pero buenooo, esto que eeessss? ¿Un superhéroe que usa bolas de bolos?¿Contra neonazis? En fin, la confianza de un servidor en Remender es casi infinita. Qué demonios, habrá que darle una oportunidad, pensé.

La idea original de la serie es de Joe Trohman guitarrista y cofundador del grupo musical Fall Out Boy, que también ha hecho sus pinitos en la animación y el cómic, con obras como Rifters y The Axe. Es él quien atrae al proyecto a los otros dos guionistas para sacar la obra adelante dentro del sello de Giant Generator, propiedad de Remender.

En cuanto a Andy Samberg, es conocido por ser el protagonista de la comedia Brooklyn Nine-Nine y por los videos virales que ha realizado para el Saturday Night Live. En ellos hace gala de un humor entre absurdo y surrealista que funciona muy bien, tomándose todo a broma para ofrecer una mirada a la vida en EEUU cargada de crítica. Y eso es lo que nos vamos a encontrar en el cómic que nos ocupa. Una crítica al auge del movimiento neonazi en EEUU que a, través del humor, desgrana lo absurdo de esta ideología en nuestros tiempos y los intereses económicos que tiene ocultos detrás.

Para ello nada mejor que enfrentar a los neonazis contra un héroe judío que tiene como único poder su habilidad jugando a los bolos (aparte de ser un exmarine). El guion no es nada del otro mundo y tira de todos los lugares comunes propios del género.  El hombre que tiene que volver a una ciudad donde tiene enemigos que le desprecian desde su infancia, el amigo de la niñez que ahora es un genio tecnológico y le ayuda con su arsenal, el amor perdido que quiere recuperar, el padre enfermo o las reticencias de un héroe que al principio no quiere asumir su papel pero se verá obligado a hacerlo. Hemos visto todo esto mil veces, pero nunca desde un prisma tan surrealista como el que los guionistas nos presentan en esta historia.

Hay algún que otro intento de elevar un poco el tono de la historia a través de algunos giros de guion, pero el problema es que se ven venir de lejos y no tienen demasiado impacto. Así que lo principal es hacer que el lector se lo pase bien, se ría y se divierta, mientras ve como el protagonista machaca nazis, algo que siempre es bien. Y si ya de paso se puede leer entre líneas y ver el subtexto de la obra y su crítica social, pues mucho mejor. También es cierto que no hay que ser muy avispado, ya que el mensaje queda muy claro desde el principio.

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Quien espere encontrar una sesuda crítica al auge de la extrema derecha, puede irse olvidando. The Holy Roller es principalmente una comedia absurda de la mano de Andy Samberg, con unos diálogos afilados y divertidos y un apilamiento de situaciones surrealistas que parecen sacadas de sus videos de SNL.  Esa es la principal virtud y a la vez la principal pega de este cómic. Es necesario que el lector entre en el juego que los guionistas proponen, que tenga ganas de divertirse con sus ocurrencias y con sus idas de olla. Si no lo hace, la lectura se puede hacer un poco bola ya que es demasiado plana y sencilla, con unas metáforas de brocha gorda que solo funcionan desde el prisma cómico.

En cuanto al apartado artístico, Roland Boschi hace un buen trabajo, con un dibujo atractivo que brilla sobre todo en las escenas de acción. A veces puede resultar un poco “feísta”, pero ese tono queda como anillo al dedo en una historia macarra como esta. Además, el color de Moreno Dionisio sirve para dotar de mayor empaque a los lápices de su colega, así que nada que objetar en este sentido.

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La edición de Norma recopila en un solo volumen de tapa blanda y sobrecubiertas los nuevos números de la edición original. Perfecto para poder disfrutar de toda la historia de una vez y en un solo libro. Incluye como extras una galería de portadas, las normales y las alternativas, además de un cuaderno de bocetos. También una breve biografía de los autores. El precio de venta es de 34,50 euros.

En resumen, The Holy Roller no deja de ser una macarrada, una broma entre amigos que necesita que el lector entre también en la broma para poder disfrutar de ella. En caso contrario, la lectura de esta historia se puede hacer pesada y aburrida a pesar de contener una buena dosis de crítica social y unos buenos diálogos. Así que ya lo sabéis, si queréis pasar un rato divertido viendo como machacan a unos nazis, esta es vuestra obra, si no, pues a otra cosa mariposa.

Análisis de It: Bienvenidos a Derry (It: Welcome to Derry). Temporada 1. Episodio 4

Continuamos analizando It: Bienvenidos a Derry (It: Welcome to Derry), que expande el universo de Stephen King al hacer de precuela a su novela It y muy especialmente a las dos adaptaciones cinematográficas de Andy Muschietti, quien desarrolla la misma junto a su hermana Bárbara y a Jason Fuchs, también showrunner. Hoy, el cuarto episodio…

Bienvenidos nuevamente a Derry, hoy para analizar el cuarto episodio cuyo título (espantoso y kilométrico) es El Gran Mecanismo Giratorio del Funcionamiento de Nuestro Planeta y con el cual llegamos a mitad de temporada. Un capítulo de It: Bienvenidos a Derry que se permite otra vez llevarnos atrás en el tiempo, pero esta vez mucho más atrás, a la América precolombina y a los primeros colonos para contarnos un origen de It que no había sido hasta ahora abordado en ninguna adaptación, pero que se condice en gran medida con el que se cuenta en la novela.

Pasemos pues a ver qué nos ha dejado el episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Fotos de Nada

Tras la disparatada escena de cementerio del episodio anterior, los niños, felices de tener finalmente fotografías que demuestran lo que vieron, se las llevan al jefe de policía Bowers con la esperanza de convencerle. Sorpresa: al chequear este las imágenes, no hay ningún espectro y solo en una se ve la silueta del payaso que Will lograra fotografiar en la cripta…

Todo el esfuerzo ha sido inútil: Bowers y los suyos se ríen de las imágenes en las que solo ven lápidas o excrementos de paloma y toman por estatua al supuesto payaso. Los niños no salen de su asombro y Lilly estalla, lo cual lleva a Bowers a advertirle que volverá a Juniper Hills si persiste con sus locuras y al resto que dejen de merodear por cementerios en la noche. Ojo, que más allá de que lo diga él, el segundo no es mal consejo…

Pez Payaso

Charlotte ha descubierto las fotos en la habitación de Will y ello lleva a este a tener que contarle sobre los acontecimientos del cementerio, pero teme hablar al respecto con su padre por temor a un eventual castigo, habida cuenta de que estuvo allí en plena noche y sin autorización. Su madre dice que, para conectar, padre e hijo deberían compartir más tiempo juntos…

Leroy, en efecto, lleva a Will al río para enseñarle a pescar con mosca, pero como esta es una serie en la cual todos hacen tonterías, lo deja por un momento solo para ir al auto en busca de más carnada. Como si en la zona no hubiera ocurrido absolutamente nada con niños en el último tiempo…

Un pez de colores vistosos se acerca entonces a Will y cuando se inclina para verlo mejor, del agua emerge un brazo quemado que lo jala hacia abajo. Mientras patalea inútilmente por liberarse, ve en el atacante a su propio padre, solo que en llamas y con los ojos encendidos.

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Por suerte y alertado por los gritos, el verdadero Leroy acude en su ayuda y logra, a duras penas, evitar que su hijo muera ahogado, aunque no ve en ningún momento al agresor.  Un conmocionado Will le dice a su padre que fue atacado por alguien que tenía su rostro y, obviamente, Leroy cree que su hijo delira, pero la expresión le cambia por completo cuando ve marcas de arañazos en sus brazos y un globo rojo flotando entre los árboles a la vera del río…

Black Spot

Charlotte insiste en su lucha contra las injusticias y así como en su momento decidiera intervenir en auxilio de aquel niño al que golpeaban salvajemente, está ahora convencida de que Hank está en la cárcel solo por ser negro. Pero hay algo que no cierra en el testimonio de este, pues si bien es cierto que no estaba en el cine la noche de la masacre, también lo es que no estuvo en casa como manifestara en su declaración. Charlotte quiere ir a verle, por más que a su esposo no le guste que ande haciendo las veces de abogada o hurgando donde no debe.

Por cierto, Leroy y sus amigos afroamericanos han recibido de los militares un antiguo almacén abandonado que esperan poner en condiciones para convertirlo en bar o restaurante. Todo indica que se trata del futuro Black Spot, del cual sabemos por la novela de King (e incluso por alguna breve mención en las películas de Muschietti) que acabará incendiado por una secta racista.

En privado, Leroy le cuenta a Hallorann de las visiones de su hijo con la esperanza de que le dé alguna pista al respecto, pero este dice no saber nada más allá del hecho innegable de que en la zona hay una presencia maligna que desconoce y a la cual sería quizás conveniente dejar en paz…

En la seccional de policía, Charlotte solicita hablar con el detenido, petición que Bowers le niega por no ser abogada ni familiar, pero cuando ella hace referencia a lo ilegal de las circunstancias de la detención, se ve acorralado y acaba por permitírselo.

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Una vez con Hank, ella le asegura que saldrá en poco tiempo debido a las irregularidades del proceso, pero que es necesario que cuente la verdad de lo ocurrido aquella noche, particularmente en dónde estaba. Él se niega a dar una respuesta y su rostro nervioso evidencia que teme a las consecuencias, lo que lleva a Charlotte a preguntarle qué puede ser peor que el crimen que se le endilga.

Finalmente, Hank se quiebra y le dice que esa noche estuvo con una mujer blanca y casada. Que lo acusen de ser un asesino de niños puede hacer que termine en Shawshank para siempre, pero confesar algo como eso significaría que simplemente lo cuelguen del árbol más cercano…

Ojos de Caracol

Lilly ha regresado al colegio y, obviamente, se convierte en centro de todas las miradas. Marge la aborda con la aparente intención de recomenzar la relación desde cero y, para confirmarle su amistad, la pone al tanto de que Tim, uno de los estudiantes más guapos del instituto, gusta de ella.

Lilly, obviamente, se emociona, pero desconoce que todo es una trampa en modo Carrie: las líderes de grupo quieren jugarle una broma pesada y que se acerque a Tim para que este la ponga en ridículo ante todo el colegio. Desde luego que Marge es parte, pero la culpa la lleva a ir al baño en busca de Lilly para decirle la verdad…

No llega a hacerlo. Mientras Lilly se halla en uno de los retretes y ella intenta sincerarse, se le hinchan horriblemente los ojos y se extienden hacia afuera como si fuesen los de un caracol semejante a los que ese mismo día viera durante la clase de biología…

Desesperada, corre hacia el taller de carpintería e intenta amputárselos con un cortador. Lilly llega a tiempo para quitarle el instrumento e impedírselo, pero no consigue evitar que, en segundo intento, se los acabe cercenando con una sierra sinfín.

Rendida, Marge cae al piso y cuando el resto de los jóvenes llegan al lugar para ver el motivo de tanto alboroto, no solo la ven sangrar por los ojos sino además, y encima de ella, a Lilly sosteniendo el cortador mientras jura angustiadamente no haber hecho nada…

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Paranoia

En negra humorada que hace analogía con la escena anterior, Charlotte se halla en la cocina cortando vegetales cuando es abordada por Leroy, a quien le ha llegado la noticia de su visita a la comisaría. Intenta disuadirla de su insistencia en involucrarse pues cualquier cosa podría ser usada en contra de ellos, además de recordarle un pasado aparentemente militante que la hizo alguna vez ser arrestada. Sonriendo y de modo críptico, Charlotte le dice que no se preocupe por ella, aunque no manifiesta claramente que vaya a dejar el asunto de Hank…

En la noche, Will no puede dormir (no es para menos) y se pone a ver por la ventana con su telescopio. Da un respingo de terror y comienza a gritar al distinguir fuera de la casa al payaso de la cripta, lo que hace a su padre entrar presurosamente en la habitación. Puesto al tanto por el niño de lo que este ha visto, sale a la calle, pero no ve a nadie y se queda vociferando que no molesten a su familia. Está claro que, en su paranoia, cree que lo que está sucediendo está relacionado con el racismo, las investigaciones de su esposa o aquellos enmascarados que quisieron amedrentarle.

El “Galloo”

En cercanías de la base, hay indígenas manifestando y los militares se preguntan qué buscan o por qué les molestan tanto las excavaciones. Taniel, de hecho, es arrestado y sometido a interrogatorio, pero nada dice al respecto…

Recurren entonces a Hallorann para que use el “resplandor” con él. Así, este puede entrar en su mente y trasladarse a su niñez, cuando le repetía a su tía Rose la historia del “galloo”, nombre dado por los aborígenes a la criatura caída del cielo millones de años atrás, antes incluso de que la humanidad pisase el planeta.

Fueron justamente los pueblos nativos quienes, por accidente, descubrieron su presencia y, desde ese momento, respetaron su coto de caza en el bosque occidental. Hasta que llegaron los colonos blancos que, como sabemos, siempre crean problemas. Estos entraron sin miramientos ni cuidado alguno en dicho bosque y ello provocó no solo que fueran masacrados sino que el ambiente del galloo ya no le contuviera.

Para poder pues limitar su accionar, recurrieron a trozos del mismo meteorito que lo había traído, el cual en realidad era una especie de prisión que lo contenía. En efecto, y tras descubrir que una daga hecha con material del mismo le mantenía a raya, tres valientes muchachas ingresaron al bosque para buscar más fragmentos, teniendo incluso que enfrentarse a la criatura bajo el aspecto de un sacerdote blanco venido con aquellos colonos masacrados.

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Con las piezas obtenidas, se hicieron “pilares” que, enterrados, demarcaron un perímetro para dejar a la criatura confinada y que no pudiera salir de allí. Pero, claro, la acción actual de los grupos militares pone en peligro los mismos y podría, por consecuencia, desatar un infierno en la Tierra: la bíblica liberación de la bestia en su versión más literal…

Luego de la traumática y dolorosa experiencia, Taniel regresa al presente y al calabozo en que lo mantienen detenido mientras Halorann sonríe porque ya ha obtenido la información requerida…

Balance del Episodio

Esta entrega me ha gustado bastante más que la anterior. Ya sé que no es decir mucho y que la serie sigue mostrando problemas, pero hemos avanzado algo y sobre todo en la trama de los adultos, ya que la de los niños parece estancada en el eterno “loop” de querer mostrarnos un terror cada vez mayor que el anterior, cuando la realidad es que solo nos muestran uno cada vez más desagradable: la escena de Marge y los “ojos de caracol” es la mejor prueba.

Es que no hay por donde tomar el hecho de que, después de tanto hecho escabroso, los niños sigan moviéndose a su antojo por todo Derry sin la mirada y supervisión de los adultos. Hay, de hecho, una escena que deliberadamente no he mencionado en la reseña porque la reservé para este balance, que es cuando Lilly, Ronnie, Will y Rich se reúnen en el gimnasio para acordar los pasos a seguir tras el fracaso de las fotos.

Cuando se preguntan por qué simplemente It no los mató en el cementerio, llegan a la conclusión de se alimenta de su miedo: aterrarlos es su forma de prepararlos y sazonarlos para acabar devorándolos. Incluso recurren para combatir el miedo a unas píldoras que Lilly sustrajo a su madre y que parecen diazepam o algo semejante…

Allí tenemos dos problemas: por un lado, la conclusión a la que llegan es la misma a la que arribara el “club de los perdedores” en It (2017), es decir que es un reciclaje que no aporta nada nuevo; por otro, se contradice con la forma en que It atacó a los niños en el cine, donde aparentemente no se tomó mucho tiempo para sazonar nada. Hasta aquí vemos pues que la criatura a veces asusta y otras mata, sin quedar claro el porqué de ese dualismo en su personalidad

Lo de la trampa estilo Carrie para ilusionar a Lilly y hacerla pasar el ridículo rinde claro tributo a King pero, a diferencia de aquella icónica historia plasmada en su primera novela y llevada al cine luego por Brian De Palma, no conduce a nada. En Carrie, el escarnio y la humillación en público eran no solo el prólogo a lo que se venía, sino también su causa. En este caso, el que Lilly acabe sorprendida como aparente autora del ataque contra Marge no guarda relación alguna con el plan urdido por las líderes y lo vuelve, por el contrario, inútil y superfluo dentro del guion.

No sabemos qué pasará ahora con Lilly, pero solo espero que si vuelve a Juniper Hills, sirva al menos para mostrarnos algo de lo que hace tan temido el nombre de ese sitio en lugar de presentárnoslo casi como una colonia de vacaciones, tal cual viéramos en el episodio anterior. Y también, por supuesto, para darle algo más de protagonismo a Madeleine Stowe, a quien hasta ahora apenas hemos visto en sendas pero breves escenas de estos dos últimos capítulos.

Pero insisto en que lo más importante vino del lado de los adultos y tanto Chris Chalk como Taylour Paige o Jovan Adepo han entregado, en ese sentido, soberbias actuaciones en este episodio: el elenco afroamericano se está luciendo y más ahora que la trama adulta se ha puesto más atrapante. Más aún: por primera vez he oído en la serie algunos diálogos interesantes.

El impacto mayor, no obstante, se lo lleva sin dudas ese “flashback” (en realidad no lo fue) que ocupa los quince minutos finales del episodio y que, más que hacer de tráiler a las próximas temporadas, nos retrotrae en cambio al origen de It, ese que se menciona en la novela y que nunca fue llevado a la pantalla, pues allí, precisamente, la criatura tenía un origen extraterrestre e incluso extradimensional, al cual se le ha buscado aquí un interesante giro al unirlo con tradiciones y leyendas de los aborígenes americanos.

Sorprende, de todos modos, que hayan pasado de no contarnos nada a contárnoslo todo, pues dábamos por sentado (yo por lo menos lo hacía) que conoceríamos el origen de It recién al finalizar las tres temporadas pautadas. Pero de pronto ya sabemos todo y cabe preguntarse cómo harán para sostener el interés y el suspenso de aquí en más, sobre todo teniendo en cuenta que apenas hemos llegado a mitad de la primera temporada y el enigma del origen ya está resuelto en su casi totalidad.

Otra cuestión a propósito de la trama aborigen es que quizás se parezca demasiado al planteo de Depredador: La Presa (2022, aquí la crítica de quien suscribe), donde nos ponían al tanto de que el cazador del espacio ya había llegado a la Tierra mucho antes, siendo en esa ocasión vencido por una muchacha guerrera nativa, exactamente igual que aquí. Y lo de los “objetos mágicos”, es decir los fragmentos del meteorito-prisión en el cual It llegó a la Tierra, me hace también chirriar un poco por tener muy poco que ver con el espíritu original de la novela.

En definitiva, un episodio mejor que el anterior, pero que sigue mostrando las falencias de la serie en más de un aspecto. Sorprendente, eso sí, desde lo visual, especialmente por la fotografía y ambientación del “flashback indígena” que constituyó prácticamente un episodio dentro de otro, aunque no tanto por los efectos visuales que siguen haciendo aguas.

La escena de Marge, por ejemplo, en su pretendido horror físico, acabó estando más cerca de La Máscara (1994) que de las películas de Sam Raimi o David Cronenberg a las que probablemente haya pretendido homenajear. Y lo del sacerdote blanco dando paso a la criatura se vio tan fuera de foco como los fantasmas del cementerio. Muy impactante, en cambio, la imagen del alce, además de cercana a las leyendas aborígenes americanas.

Por último, destacar algunos guiños muy caros al público cinéfilo. La escena en que Will ve a Pennywise desde la ventana de su habitación es imposible de no relacionar con aquella tan icónica de La Noche del Cazador (1955, aquí retro-análisis de un servidor) e incluso con La Ventana Indiscreta (1954), filme por demás emblemático del inmortal Alfred Hitchcock, que de suspenso y terror sabía algo…

En el balance, hemos avanzado algo y superado en parte el terrible bache del tercer episodio. A ver ahora cómo sigue. Les espero para analizar el quinto, con el cual ingresaremos ya en la segunda mitad de temporada.

Hasta entonces y sean felices…

Reseña de La Casa de Huéspedes: Un viaje introspectivo a través de la memoria y la identidad

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Ana Lena Rivera reinterpreta la Guerra Civil Española, entrelazando dolor y resiliencia en una narrativa que desafía el olvido y reivindica las voces de las mujeres

En La casa de huéspedes, Ana Lena Rivera construye un edificio narrativo cuya arquitectura se sustenta en un doble pilar: memoria e identidad. La novela se adentra en la Guerra Civil española y sus secuelas no para revisitar acontecimientos históricos ampliamente estudiados sino para arrojar luz sobre los espacios íntimos donde la Historia, con H mayúscula se filtra y cambia los destinos individuales. Rivera aborda este territorio con la mirada casi arqueológica de alguien que descubre los silencios familiares, las capas superpuestas de dolor, culpa y supervivencia que reflejan el legado emocional de múltiples generaciones.La Casa de Huéspedes: Un Viaje Introspectivo a Través de la Memoria y la Identidad

El espacio central es una casa de huéspedes, un microcosmos del país dividido. La devastación parcial causada por la bomba es más que un giro dramático de la trama, simboliza el declive moral y social que recorre toda la novela.

De los escombros surge la acción que constituye el núcleo de la trama: Ángela rescata al niño, un gesto que se mueve ambiguamente entre la compasión y la desesperada necesidad de encontrarle sentido al caos. Rivera le da al edificio una atmósfera casi orgánica: respira, se agrieta, envejece. Allí conviven clases sociales, expectativas de vida y contradicciones morales, como en un agujero humano, donde en cada habitación se escuchan los ecos, los susurros de lo que el tiempo quiere borrar.

El equipo de personajes (especialmente las mujeres que apoyan la historia) está construido con una clara profundidad psicológica. Elvira y Ángela, personajes de orígenes opuestos pero unidos por el destino, muestran dos formas de afrontar el desastre. El primero simboliza el punto de inflexión del exilio, el sentimiento de alienación incluso frente al propio pasado; el segundo es un intento de reescribir la identidad a través del secreto, teniendo en cuenta la dimensión ética de la maternidad. Estas mujeres son más que simples herramientas para contar historias.

Rivera aporta humanidad, contradicciones y una voz que a veces oscila en líneas poéticas de melancolía reprimida. En resumen, son supervivientes que intentan recuperar su agencia en un país que también quiere recuperarse a sí mismo.la casa de huespedes Ana Lena Rivera cosas felices

Desde un punto de vista formal, la novela recurre a la fragmentación polifónica y temporal, imitando el mecanismo de la memoria. Su desarrollo no es lineal sino espiral, repite sus pasos, reconstruyendo un mosaico cuyo significado sólo se revela cuando todos los elementos encajan. Esta estrategia, común en las recreaciones históricas contemporáneas, tiene aquí una resonancia particular porque se trata de una historia en la que la identidad es un tejido que se desgarra y se reconstruye.

La autora ha logrado equilibrar hábilmente los documentos históricos y la ficción. A diferencia de obras excesivamente didácticas, Rivera no abruma la trama con datos; Los conecta como corrientes subyacentes que dan autenticidad al paisaje social. Uno de los mayores logros de la novela es su exploración de la maternidad no como un concepto idealizado sino como un espacio de conflicto. La apropiación del niño es el acto inicial que revela una cuestión moral que atraviesa generaciones: ¿Hasta qué punto los secretos pueden sostener a una familia? ¿Dónde está la línea entre el instinto protector y la apropiación? El siguiente eje temático es el sentimiento de culpa entendido en un sentido existencial.

Los héroes cuyos pecados no se mencionan se transmiten como un legado invisible. Rivera trabaja aquí dentro de la tradición de la narración de posguerra, en la que el trauma no se representa, sino que se filtra a través de gestos, vacilaciones y silencios cotidianos, casi como un héroe más.

En esencia, La casa de huéspedes es una novela de protesta: luchar contra la memoria contra el olvido, luchar contra las voces de las mujeres contra la marginación histórica, luchar contra la identidad contra las fuerzas que intentan borrarla. Su mayor fortaleza es su capacidad para combinar la sensibilidad literaria con el rigor histórico y emocional con la construcción intelectual de Rivera. Algunos capítulos pueden ser densos y requerir una profunda participación del lector; Pero es esta densidad la que permite que la obra vaya más allá de la mera recreación histórica y avance hacia un territorio más amplio: una novela que cuestiona los fundamentos de la existencia humana.

Sólida académica y literariamente, La casa de huéspedes es una contribución significativa a la narración española contemporánea, explorando la Guerra Civil desde una perspectiva personal y generacional. Esta obra hace más que contar una historia: la explora, la examina y se la devuelve al lector con una amplia responsabilidad moral y emocional.

 

Ficha técnica

Editorial: Grijalbo

Colección: Grijalbo Narrativa

Idioma: Castellano

Número de páginas: 544

Encuadernación: Tapa dura

Fecha de lanzamiento: 09/09/2025

Año de edición: 2025

ISBN: 9788425365133

Reseña de Tomcat: Una biografía de altura y motores. Publicado por Norma Editorial.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tengo el placer de compartir con vosotros la reseña de Tomcat, una obra publicada por Norma Editorial que aterrizó como uno de los lanzamientos más esperados por los amantes del cómic europeo y la aviación.

Tomcat: una biografía de altura y motores

La novela gráfica Tomcat, escrita por Anastasia Heinzl y dibujada por Romain Hugault, se convierte en una lectura indispensable para cualquier fan de la aviación, la historia y la igualdad de género.

Este cómic narra la vida de Kara Hultgreen, la primera mujer piloto de cazas F-14 Tomcat en la Armada estadounidense, y lo hace combinando el rigor histórico con la espectacularidad visual que caracteriza a Hugault, maestro del dibujo aeronáutico.

Tomcat

Un vuelo que desafió límites

El relato arranca el 25 de octubre de 1994, cuando el F-14 pilotado por Kara Hultgreen intenta aterrizar en el Portaviones Abraham Lincoln y, por un fallo de reactor, se estrella en el mar, fuera de control.

Pero Tomcat es mucho más que el accidente: es la crónica de una vida dedicada a romper barreras, a superar el techo de cristal en un mundo tan masculino y exigente como el de la aeronáutica militar.

Kara Hultgreen se convierte, gracias a esta novela gráfica, en símbolo de la perseverancia y la lucha por la igualdad.

Tomcat

Norma Editorial y su apuesta por lo legendario

Norma Editorial publica Tomcat en formato cartoné, que cuenta con un tamaño de 23,5 x 31,5 cm y 72 páginas en color, haciendo justicia al apartado visual que tan bien maneja Hugault y permitiendo que el lector se sienta en la cabina de uno de los aviones de combate más famosos del siglo XX.

El cómic se sostiene en una documentación meticulosa, tanto en la recreación de las escenas de vuelo como en el contexto histórico y militar de los años noventa.

La obra pertenece al género de aviación y biografía, y se recomienda para lectores que disfrutan tanto del cómic moderno como del clásico europeo. La calidad del papel y la impresión potencian el detalle del dibujo, un aspecto clave en los trabajos de Hugault.

Pinchad AQUÍ para obtener más información desde la web de Norma Editorial.

Tomcat

Narrativa y dibujo: dos motores para el lector

Romain Hugault pone su experiencia y pasión por la aviación al servicio del guion de Heinzl, regalándonos viñetas llenas de movimiento, con un tratamiento casi fotográfico de los aviones, portaviones y paisajes.

El color resalta el dramatismo de la historia y lleva al lector a empatizar con Kara Hultgreen, cuya determinación se convierte en el verdadero hilo conductor de la obra.

Heinzl construye una biografía equilibrada, sin caer en el morbo del accidente, sino elevando el valor humano y profesional de su protagonista.

Quiero hacer un pequeño inciso para invitarte a echar un vistazo a todas nuestras reseñas sobre cómics AQUÍ.

Tomcat

Más que aviones: una historia de igualdad y sacrificio

Tomcat no es solo un cómic sobre cazas supersónicos y maniobras imposibles. Es la historia de una mujer que se negó a aceptar el papel secundario y marcó una senda para futuras generaciones.

A través de las páginas, vemos a Kara enfrentarse al escepticismo de sus compañeros, a la dureza de la formación, a la exigencia de la misión y al precio de romper moldes.

La biografía gráfica se convierte así en un homenaje a todas las pioneras y, por extensión, a la gente que lucha por sus sueños sin importar el contexto.

Tomcat

Conclusión: una lectura que despega desde la emoción

Tomcat es, en definitiva, una joya dentro del catálogo actual del cómic europeo. Su capacidad para enganchar al lector desde la primera página, su potencia visual y el mensaje inspirador de superación convierten este título en una de las obras necesarias para comprender la evolución del papel de la mujer en el ámbito militar y en la cultura popular.

Roman Hugault y Anastasia Heinzl han construido una biografía gráfica que, como Kara Hultgreen, desafía el «status quo» y vuela más allá de lo convencional.

¿Te gustan los cómics de aviación, las historias humanas y los relatos de superación?

¿Te llama la atención un apartado gráfico imponente?

¿Quieres leer una buena historia?

Entonces Tomcat tiene reservado un asiento para ti en la cabina. Prepárate para despegar.

Pero sobre todo … Sobre todo me gustaría que te prepararas realmente para …

¡Ser totalmente Feliz!