El pasado martes 17 de junio en la Sala Equis de Madrid, tuvo lugar la presentación de la tercera edición del festival de series de Cádiz South Interacional Series Festival, en la que se desvelaron algunas novedades y parte de la programación del evento que tendrá lugar en septiembre en la capital andaluza.
A la cita acudieron y participaron el director actual del festival Carles Montiel y su exdirector Joan Álvarez, así como el alcalde de la ciudad Bruno García; Almudena Martínez, presidenta de la diputación de Cádiz; y el reconocido artista Okuda San Miguel, que descubrió ante los asistentes el diseño del cartel oficial de la nueva edición, inspirado en la icónica carta de ajuste televisiva. Además de los participantes, hubo otros invitados en el público de la talla de Natalia de Molina, Alexis Morante o el tiktoker sevillano Manuel Jiménez.
Novedades del festival
El director del South Series anunció con mucho entusiasmo la diversificación de las sedes del festival en su tercera edición. Al Palacio de Congresos, anterior y única sede, se unen el mítico Gran Teatro Falla y el Teatro del Títere. Dos de los espacios culturales más icónicos de la ciudad, siendo el primero escenario del concurso oficial del carnaval de Cádiz así como de numerosas representaciones escénicas, y el segundo hogar de la Tía Norica, personaje de marioneta con más de doscientos años de antigüedad y arraigo cultural.
El Gran Teatro Falla acogerá las galas de inauguración y clausura y proyecciones de la Sección Oficial de Ficción, y el Teatro del Títere será espacio principal para la sección de No Ficción.
Como segunda novedad destacable que los directivos anunciaron en la presentación, el festival crea el Premio «Ciudad de Cádiz», un galardón otorgado por un jurado ciudadano formado por representantes de algunos de los colectivos más representativos de la ciudad. De esta manera se busca reflejar la riqueza cultural y social de Cádiz y reconocer valores artísticos, sociales y de diálogo entre generaciones y culturas.
Se incluyen en esta tercera edición algunas secciones nuevas en la programación como Revival, dedicada a grandes títulos que han marcado la historia de la televisión; y Spotlight South, unión de las anteriores secciones Joyas y Panorama, cuya primera serie anunciada es la segunda temporada de Crimen y Ley.
En cuanto a las relaciones y participantes del festival, South International Series Festival y Universidad de Cádiz (UCA) renuevan su colaboración otro año y activarán cuatro campus provinciales para desarrollar actividades adaptadas a los intereses del alumnado. Así como con la UCA, South se aliará de nuevo con Writers Guild Foundation (WGF), que pondrá a servicio del festival al escritor y director Chris Brancato para impartir una clase magistral.
Primeros títulos confirmados
Carles Montiel anunció en la Sala Equis algunas de las series que participarán en las distintas secciones de la tercera edición de South, y que combinan talento emergente, diversidad temática y formatos innovadores. El festival apuesta por dar espacio a producciones nacionales e internacionales.
En cuanto a la Sección Oficial de Ficción, desvelaron que el ámbito internacional estará presente con Canadá, de la mano del inquietante thriller psicológico Corbeaux, y con Reino Unido, que presentará What It Feels Like for a Girl, un drama adolescente salvaje y anárquico sobre la activista trans Paris Lees. En España destacan Ella, maldita alma, una historia de amor imposible con Maxi Iglesias y Martiño Rivas; y El Centro, un thriller sobre el CNI con Juan Diego Botto, Elena Martín e Israel Elejalde.
En la Sección Oficial de No Ficción estarán presentes Una historia muy heavy, sobre la música y contracultura española a través de los grupos BarónRojo y Obús, y Marking Manson, producción estadounidense sobre el legado de Charles Manson en que se exponen veinte años de conversaciones inéditas.
En la Sección Sur, dedicada a historias de contadas desde Andalucía, encontraremos Cuando nadie nos ve, producción de Max sobre una comunidad marcada por silencios heredados y resistencias invisibles; El Antivlog, de Celia de Molina; y Las Tres Mil celebran la vida, protagonizada por el tiktoker Manuel Jiménez sobre el emblemático barrio sevillano.
Acreditaciones y más información
Desde el pasado miércoles 18 está disponible rellenando un formulario en la web del festival la solicitud de acreditación para prensa, industria y estudiantes.
Womack Group produce South Series International Series Festival, que este 2025 cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Cádiz y la Diputación de Cádiz; Mediterráneo Mediaset España Group es su Media Sponsor; la Autoridad Portuaria de la Bahía de Cádiz su Sponsor; y la Writers Guild Fundation y el Vicerrectorado de Sostenibilidad y Cultura de la UCA sus partner.
Muchas gracias por leerme y ¡larga vida al South Series! Intentaremos cubrirlo en la medida que sea posible.
Se ha hablado y debatido mucho sobre El caballero oscuro. Una película de superhéroes enmarcada en el género policiaco que, con el paso de los años, mantiene su trono como la mejor de su género y una de las mejores del siglo XXI. Por mucho que les duela a algunos reconocerlo. Y, por mucho Joker de Joaquin Phoenix, Origen, Interstellar u Oppenheimer que hayan, probablemente siga siendo la mejor película de Christopher Nolan y el mejor Joker que ha lucido en pantalla grande.
No es mi propósito escribir una crítica de esta película, ya que encontraréis muchísimas por todo Internet. Recientemente volví a verla, con más años y películas a cuestas, y concluí que lo que convierte a El caballero oscuro en una película diferente tanto en el ámbito superheroico, en el policiaco o en el de las secuelas es su sorprendente guión.
Cuando uno afronta una secuela de una película de éxito, la fórmula más lógica es la del “más y mejor”. Que se lo digan a El señor de los anillos: las dos torres, a John Wick, Misión Imposible o A todo gas, por poner algunos ejemplos.
La secuela del tipo «más y mejor»
Así, tras ver Batman Begins uno esperaba un villano más cruel y poderoso que el Ras al Ghul de Liam Neeson. Alguien que pusiera en aprietos al héroe pero que, al final, este ganaría de la misma forma que lo hizo en la primera película.
Sin embargo, los hermanos Nolan (recordemos que Jonathan Nolan ya no trabaja con su hermano Christopher y se ha dedicado a series como Westworld o Fallout) y David S. Goyer optaron por un camino bien distinto, entrecruzando (y esto ha sido reconocido por su propio director) películas tan aparentemente distintas como El doctor Mabuse, Domingo Negro o Heat.
Las dos primeras influyeron en la visión del Joker de El caballero oscuro. Sí, el Joker cuenta con cómics muy míticos antes del estreno de la película que reflejan su, en una palabra, impredecible personalidad. Pero los guionistas cogieron del personaje de Mabuse la extrema capacidad de manipulación para conseguir sus fines y de Domingo negro la dinámica de someter a una Gotham al caos para propagar su mensaje: el de que las personas muestran su verdadero rostro, el cruel, cuando las cosas van mal.
Y de Heat, la icónica película de Michael Mann que enfrentaba a Al Pacino (policía) y a Robert de Niro (ladrón), Nolan absorbía el tono de la película, empezando por su espectacular secuencia inicial (un tenso atraco en el que el director del banco era interpretado por William Fitchner, que ya actúo en Heat).
Heat, la película sin la que no se puede entender El caballero oscuro
Aún así, por mucho que estas películas sean importantes para la gestación de El caballero oscuro, palidecen ante la importancia que tuvieron Star Wars: El imperio contraataca y EL hombre que mató a Liberty Valance, las que verdaderamente ayudaron a configurar una de las obras maestras del cine moderno.
A la hora de elaborar una narrativa que mantenga al espectador pegado a la butaca, es importante valorar el alternar acontecimientos positivos con negativos. Si todo va bien desde el principio, si no hay contratiempos, el espectador pierde interés.
Por eso, el impacto de El imperio contraataca (la considerada por muchos como la mejor película de Star wars) apenas ha envejecido. Mientras que en una Nueva esperanza vemos como los rebeldes han destrozado la Estrella de la muerte, El imperio contraataca termina con Leia y Han secuestrados y Luke siendo derrotado por su mayor enemigo que, encima, es su padre. Como dice el personaje de Harvey Dent en El caballero oscuro: la noche es más oscura justo antes del amanecer. De la misma manera, la victoria (la de El retorno del jedi) será más valiosa cuanto más dura ha sido la caída.
Así, en El caballero oscuro asumieron que Bruce Wayne, Batman y todos los que le acompañan debían perder. Para así preparar el terreno para la epifanía que supuso El caballero oscuro: la leyenda renace.
Esto resultó en algo sorprendente para el público de aquella época porque el cine superheroico estaba muy ligado al público infantil y adolescente. Muy pocas producciones habían ofrecido una mínima visión de derrota en el cine. La más parecida la encontramos en X-men 2 (2003) con el sacrificio de Jean Grey y ya sabemos, a los veinte minutos de que esto ocurra, que ella está viva.
El sacrificio de Jean Grey, uno de los momentos más dramáticos del cine superheroico antes de El caballero oscuro
Y no hay mayor derrota moral que la de Tom Doniphon, uno de los protagonistas de El hombre que mató a Liberty Valance, el último y mejor western clásico.
En este párrafo destriparé el argumento de dicha película, por lo que recomiendo verla antes de seguir. No solo por terminar este artículo, sino por ser un poquito más felices en esta vida. Liberty Valance es un hombre que siembra el caos en un pueblo del Oeste y que se enfrenta a dos hombres. Por un lado, Tom Donyphon, un vaquero de los de antes, anclado a un Oeste salvaje e incivilizado. Por el otro, Ramson Stoddard, un hombre de leyes que simboliza el avance necesario de una tierra marcada por el salvajismo. Finalmente, Valance es supuestamente abatido por Stoddard, lo que le convierte en el héroe que necesitaba el Oeste americano para su avance. Pero la realidad es que él no fue. Fue Donyphon, que mantuvo silencio porque sabía que era lo que esa tierra baldía necesitaba, aunque eso supusiera el anonimato, la soledad y la pérdida de su amor (enamorada de Stoddard).
De esta forma, no es difícil pensar que la dinámica que se establece entre ambos personajes es la misma que entre Batman y Harvey Dent. Ambos se enfrentan al Joker, un agente del caos, y ambos aman a la misma mujer.
La diferencia es que, mientras que Liberty Valance pierde al morir, el Joker es el único personaje que gana. Si hay un motivo del porqué el Joker de Heath Ledger es el más reverenciado por el público que en general es porque, siendo el más despiadado de todos ellos, es el que acaba teniendo razón porque su plan sale a la perfección.
El verdadero ganador de la película
De hecho, lo que he comentado de la narrativa en “N” de la primera trilogía de Star Wars o de esta trilogía también se aplica durante toda la película. Al fin y al cabo, hay varios momentos en los que parece que los buenos ganan: las dos veces que el Joker es detenido preceden a los dos momentos más tristes de toda la película. La muerte de Rachel y de Harvey Dent.
Las impredecibles (pero calculadas, como buen psicópata) acciones del Joker acaban provocando acciones reprobables en todos los protagonistas.
Alfred, la voz de la conciencia de Batman, miente por primera vez a su señor para protegerle de la certeza de que Rachel había elegido a Harvey Dent (otra rareza, que “la chica” no elija al héroe protagonista).
Dent, que ya apuntaba maneras al secuestrar a un secuaz del Joker tras la supuesta muerte de Gordon, acaba cediendo al caos y convirtiéndose en un villano. El caballero blanco, aquel que podría conducir a Gotham a la prosperidad sin necesidad de un Batman, descendió a los infiernos.
Gordon ve destruida la confianza en sus propios hombres y termina cediendo a la propuesta de Batman para hacer que la ciudad prospere.
Y Batman, nuestro héroe, no solo utiliza un sónar poco ético que busca controlar todos los dispositivos móviles de la ciudad con tal de encontrar a un villano al que no puede derrotar con sus propios códigos. También, con tal de asegurar el avance de la ciudad, obliga a Gordon a mentir para convertirse en un delincuente en uno de los finales más épicos de la historia del cine.
Así, Batman no se convierte en un héroe que inspira ejemplo como podría hacerlo Superman o cualquiera de los Vengadores. Es alguien que hará todo lo necesario por la seguridad de su gente. Ya lo dice Gordon. No es un héroe. Es un guardian silencioso. Un protector vigilante. Un caballero oscuro.
Se ha presentado el tráiler de Springsteen: Deliver Me From Nowhere, la película dirigida por Scott Cooper (Corazon rebelde; Hostiles; Los crímenes de la academia) y protagonizada por Jeremy Allen Whyte (The Bear), quien se mete en la piel de Bruce Springsteen allá por 1980, cuando se salió por la tangente y grabó su disco más personal.
Y es que Springsteen: Deliver Me From Nowhere se centra en la época en que The Boss grabó Nebraska, un albúm eminentemente acústico, sombrío e introspectivo, lejos del festival que fue The River (pura apologia del trabajador estadounidense) y a años luz de Born in the U.S.A., el disco que lo consagraría como una estrella mundial.
Es en Nebraskadonde Springsteen intenta buscarse a si mismo, ajustando cuentas con un padre depresivo y totalmente alejado de sus hijos a través de canciones como Mansion on The Hill o My Father’s House.
La película se basa en el libro del mismo título, Delive Me From Nowhere, escrito por el músico y escritor Warren Zanes y junto a Jeremy Allen White tendremos a Jeremy Strong como Jon Landau (crítico musical y futuro productor de Springsteen a quien se le atribuye la famosa frase «He visto el futuro del rock and roll y su nombre es Bruce Springsteen), Stephen Graham como el padre de Springsteen, Odessa Young como su interés amoroso en la época, Gaby Hoffman como su madre, Marc Maron como Chuck Plotkin (productor musical) y Johnny Cannizzaro como el mítico Steven Van Zandt.
El título de la película proviene de los últimos versos de la canción State Trooper:
Hey somebody out there
Listen to my last prayer
Hi ho silver-o
Deliver me from nowhere
Veremos que tal funciona la película cuando se estrene el 24 de octubre. Seguro que los fans de Springsteen acuden en masa a los cines pero visto el panorama en los Estados Unidos y las declaraciones de Bruce, que no se corta un pelo en denunciar la situación que están viviendo allí, está por ver si se cumplen las amenazas nada veladas de Trump, quien practicamente le amenazó al decir que a ver que pasaba cuando regresara de su gira por Europa. Os dejamos con el tráiler. Un saludo, sed felices.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices; hoy os presentamos las novedades de Planeta Cómic previstas para este mes de junio. Vamos a echar un ojo …
Novedades Planeta Cómic junio 2025
Junio de 2025 llega con una avalancha de lanzamientos en Planeta Cómic y títulos que abarcan desde el terror gótico hasta el manga deportivo, pasando por el noir y la ciencia ficción. Si eres amante del cómic y el manga, prepárate para una lista de novedades que no querrás perderte.
Terror y misterio: Nosferatu y The Walking Dead
Uno de los títulos más esperados es Nosferatu, la novela gráfica de Diego Olmos que reinterpreta el clásico del cine mudo de Murnau (aquí retro-análisis en nuestra web) con una estética gótica y una fuerte crítica social.
También continúa la edición integral de The Walking Dead, con el segundo volumen en tapa dura, que recopila los primeros números del cómic de Robert Kirkman junto con material adicional para los coleccionistas.
Noir y detectives: Newburn y The Good Asian
Los amantes del género noir tienen dos grandes propuestas este mes…
Newburn, de Chip Zdarsky y Jacob Phillips, nos sumerge en el submundo criminal de Nueva York con un detective sin lealtades.
Por otro lado, The Good Asian, de Pornsak Pichetshote, nos transporta al San Francisco de los años 30, donde un detective chino-estadounidense investiga un asesinato en un contexto de racismo y represión.
Superhéroes y acción: Astro City y Spawn
El universo de Astro City regresa con su segundo volumen recopilatorio, explorando el lado humano de los héroes y villanos.
Mientras tanto, Spawn enfrenta el regreso de Lord Vampiro en una edición que recopila los números #353 a #358 de la serie de Todd McFarlane.
Manga y manhwa: Blue Lock, Gundam y más
Para los fans del manga, este mes hay nuevas entregas de Blue Lock, One Piece, Hajime no Ippo y el esperado inicio de Gundam The Origin.
También destaca El puño del cielo azul, una historia ambientada en 1932 donde un experto en artes marciales lucha contra el crimen en Shanghái.
Romance y fantasía: Les Normaux y No puedo ser solo tu amigo
En el terreno del romance y la fantasía, Les Normaux nos presenta un «slow romance» sobrenatural ambientado en París, donde un joven estudiante de magia se cruza con un vampiro.
También llega No puedo ser solo tu amigo, una historia de boys love que explora la relación entre dos amigos de la infancia que comparten piso.
Con esta variedad de títulos, junio de 2025 promete ser un mes inolvidable para los amantes del cómic y el manga.
No obstante, justo un poco más abajo, os dejamos el pdf que comprende el número 44 de la Revista forum, con todas las novedades de Planeta Cómic, previstas para este mes.
Echad un ojo, disfrutad, id a la playa o la piscina y sobre todo …
Ya ha pasado una semana desde el tráiler final de Superman. Pero es que con los datos en la mano y cuando apenas habían pasado 48 horas desde que Warner/DC lo lanzara, ya había quemado la red: casi 19,8 millones de visualizaciones en solo dos días. Ahora que ha pasado una semana, la cifra ya ha aumentado y ha sobrepasado fácil la marca de Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos, que tardó en alcanzar esas cifras casi un mes, 29 días para ser más exactos. Sí, has leído bien: dos días del tráiler de Superman versus casi un mes del tráiler de los Cuatro Fantásticos.
1. ¿Qué demonios está pasando?
El video no es un puñado de imágenes bonitas: es una bofetada de adrenalina. Nos muestra a David Corenswet como Clark/Superman con más dudas y corazón que músculo, un Lex Luthor (Nicholas Hoult) que no se limita a reírse de su capa, y una Justice Gang compuesta por Guy Gardner, Hawkgirl y Mister Terrific, que aparecen como saltos de fe en un universo lleno de urgencias.
Pero lo que ha disparado las visualizaciones no es solo la producción. Es la forma en que Gunn mezcla acción, emoción, confianza y vulnerabilidad. Esa escena en la que Clark tiene que explicar por qué intervino en una guerra… deja un nudo en la garganta más potente que cualquier efecto especial.
2. ¿Por qué deja en ridículo a Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos?
Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos partía con un cartel llamativo y villanos gigantes, pero no ha encendido la llama del público como su homólogo kryptoniano. El tráiler de los Cuatro Fantásticos alcanzó solo unas 19.45 M en casi un mes, mientras Superman se plantó en 19.7 M en 48 horas.
La razón breve: Superman toca la fibra. No es solo un héroe con pijama; es un tipo que quiere hacer lo correcto, pero no sabe cómo. Ese dilema emocional es magnético, especialmente hoy, cuando el mundo no necesita más ADN invencible… sino que necesita empatía auténtica.
3. ¿Qué nos hace falta ver a continuación?
La escena con Krypto: el perro sí, el superdog no. Solo un momento: Clark bajo la nieve, su mejor amigo ladrando a su lado. Si esto no te hace sonreír, revisa tu pulso.
La Justice Gang en acción: ¿Guy Gardner pilotando una nave con energía verde? ¿Hawkgirl volando entre escombros? Todo apunta a que esto va a reestructurar por completo lo que entendemos por “Liga de la Justicia”.
Lex como amenaza cerebral: Hoult no grita, no golpea, no se confiesa villano. Nos dice con una sonrisa: “Tus acciones importan, pero el mundo aún estalla”. Ese Luthor no quiere dinero ni poder. Quiere control.
4. ¿Qué podríamos esperar en taquilla?
Con un tráiler en llamas y un fandom preparado para record al que DC también sabe emocionar, las expectativas de taquilla son generosas. Si Warner paga el precio que se merece con marketing y una buena fecha de estreno (11 de julio de 2025), podríamos ver una apertura en torno a los 100-120 millones en taquilla americana solo en la primera semana.
¿Y en taquilla global? Si juegan bien sus cartas y no se reparten excesivamente con otros blockbusters en verano, podrían estar rondando los 300‑400 millones sin pestañear.
Nostalgia bien canalizada: no hay Henry Cavill, pero sí una promesa de que este Clark es más humano. Más accesible. Más… nuestro.
Balance entre diversión y ética: el tráiler sabe cuándo reír, cuándo volar, cuándo pregonar y cuándo recordar que el bien no es gratis.
Mirada contemporánea: este Superman vive en un mundo lleno de consecuencias, de política y de redes sociales. No es un dios, es un viajero incómodo que trata de encajar.
6. Riesgos que pueden surgir
Demasiada exposición: si lanzan más adelantos igual de densos antes del estreno, la película podría sentir como un déjà vu.
Expectativa alta = riesgo alto: cuando algo sube tan rápido en hype, también puede caer con la misma fuerza.
Clima de comparaciones: inevitable. Esto se estrena dos semanas antes del Fantastic Four, y los medios ya los enfrentan como rivales, no como universos paralelos.
7. En definitiva
El tráiler de Superman no solo ha superado a los Cuatro Fantásticos. Ha devuelto la esperanza a un género que necesitaba un símbolo con corazón caminando a la luz del día.
Cuando salgas de esa sala de cine, podría no ser sólo “creíble” ver a un hombre volar. Podría ser “necesario”.
Si pensabas que ya habías visto todo del multiverso Marvel, espera a que llegue Battleworld (Mundo Batalla), una saga en cinco entregas que promete sacudir los cimientos cósmicos del Universo Marvel desde este septiembre. Y no, no estamos hablando de otro evento de relleno, este proyecto de Christos Gage y Marcus To aspira a ser tan brutal como el Secret Wars original y el crossover de 2015.
Marvel ha juntado un batallón de personajes nunca vistos juntos, versiones alternativas de héroes queridos y una amenaza mayor que la propia lógica narrativa.
1. ¿Qué es Mundo Batalla?
Imagínate un mundo surgido de trozos rotos de infinidad de realidades. Un puzzle cósmico donde cada pieza es un universo distinto, y los universos se han unido… para pelear. Una tierra tejida con fragmentos de líneas temporales, habitantes, héroes y villanos. En ese mosaico tumultuoso, los elegidos luchan “por la supervivencia de sus líneas temporales”. En el horizonte, el mismo Maestro, observador y manipulador que añade tensión y peligro.
2. ¿Quién aparece en este caos?
Marvel no escatima. El plantel incluye:
Spider-Man Night Monkey, directamente sacado de Far From Home, con su traje árido y sigiloso, listo para colarse en el combate .
El mítico King Thor, con su martillo de destructivo poder y barba imperial.
Tormenta de Días del futuro pasado, lista para comandar tormentas eternas.
Starbrand original, cuyos poderes suelen estar al borde del apocalipsis.
Nuevas versiones de La avispa, Capitana Marvel y más…
Esto no es cameos: es un choque de galaxias en forma de cómic.
3. ¿Por qué importa?
Escala cósmica de verdad. No es una saga local, es un evento multiversal.
Hibridación efectiva: Maine con personajes clásicos y renovados, creación de nuevas dinámicas (¿imaginas a King Thor y Night Monkey juntos?).
El Maestro como hilo conductor: introduce una amenaza que no es solo física, es existencial.
Si Secret Wars 2015 fue un “reset” de personajes, Mundo Batalla enfrenta el multiverso a su propia fragmentación. ¿Te imaginas lo que puede pasar cuando chocan agendas y poder puro?
4. Trayectoria creativa
Christos Gage, guionista experimentado (Superior Spider-Man), promete una narrativa intensa, sin diálogos de relleno.
Marcus To, de X-Force, brinda un dibujo ágil, preciso y épico que no se queda en poses, sino que transmite peso, física y urgencia .
La química es clara: Marvel busca épica pura, borrón de ciudades y recompensar a los ojos que buscan adrenalina.
5. ¿Qué podrías esperar?
Choques de moral y poder: Night Monkey puede pensar diferente a King Thor. ¿Qué pasa cuando chocan ideales tan distintos por sobrevivencia?
Arcos que dan espacio a personajes alternativos: no es un apoyo marginal: cada uno tendrá un rol destacado.
Un final que determinará el destino del multiverso Marvel: este mundo patchwork ya no es temporal. Su impacto puede resonar en series, películas y futuros cómics.
Piénsalo: ¿cómo jugará Magneto o Black Panther cuando no son los mismos? ¿Cómo afecta eso a los versiones principales? La respuesta llegará entre septiembre y diciembre, mes a mes.
6. Pistas y rumores
Se dice que El Maestro es quien ha formado Mundo Batalla, y su plan no es solo sobrevivir, sino dominar.
Podría haber alianzas imposibles, muertos que vuelven, traiciones y poderes rompedores.
La serie limitada incluirá variantes exclusivas en portadas especiales, lo que la convierte en pieza llamativa para coleccionistas.
7. ¿Por qué todo el mundo debería leerlo?
Visión global: si te interesa el estado actual de Marvel, esto será un hito.
Nuevo lector, buen punto de entrada: cinco números, cinco punches de acción, nada de arcos eternos ni retcones discursivos.
Potencial adaptativo: a 2026 puede llegar una serie o película basadas en Mundo Batalla de tan buena pinta que genera hype inmediato.
Tras una carrera de más de cuatro décadas y de haber sido nominado en distintos rubros sin recibir estatuilla, el célebre actor, productor e indiscutida estrella de Hollywood Tom Cruise recibirá de parte de la Academia un Oscar honorífico reconociendo su largo compromiso con el cine.
Su primera nominación fue por Nacido el Cuatro de Julio (1990) y la segunda por Jerry Maguire (1997), en ambas oportunidades como actor principal. Volvió a tenerlas como actor de reparo por Magnolia (2000) y como productor por Top Gun: Maverick(2023, aquí nuestra crítica) al ser nominado el filme en la categoría de mejor película. Pero no fueron para él, como sí ocurrirá en noviembre cuando, en el contexto de la ceremonia de los Governors Awards, la Academia de Hollywood haga a Tom Cruiseacreedor del Oscar honorífico por su trayectoria.
El actor, ya de 62 años, ha intervenido en más de cincuenta películas y a las órdenes de los más prestigiosos directores, incluyendo títulos tan emblemáticos como Top Gun, Rain Man, Días de Trueno, Ojos bien Cerrados o Collateral, de los cuales pueden leer nuestros respectivos retro-análisis pinchando en los correspondientes links. Ello además, por supuesto, de la saga Misión Imposible (la cual hemos analizado película por película), y muchos otros filmes como Rebeldes, Minority Report, Entrevista con el Vampiro, Valkyrie, Vanilla Sky, Un Horizonte muy Lejano, Al Límite del Mañana, Oblivion, Jack Reacher, El Último Samurái y un larguísimo etcétera.
Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola, Ron Howard, Tony Scott, Michael Mann y Brian De Palma son solo algunos de los grandes realizadores que le han dirigido, sin olvidar que además ha sido muchas veces productor de las películas en que actuaba y que, como es bien sabido, es uno de los pocos actores que no utilizan doble de riesgo en las escenas de acción o muy peligrosas, lo cual suele ser un importante dolor de cabeza para su compañía aseguradora.
En sus fundamentos, la Academia destacó “su increíble compromiso con nuestra comunidad cinematográfica, con la experiencia teatral y con la comunidad de especialistas”. Tom no será, por cierto, el único en recibir una estatuilla ese día, pues también serán reconocidos con sus respectivos premios la coreógrafa y actriz Debbie Allen, el diseñador de producción Wynn Thomas y la cantante, actriz y escritora Dolly Parton, que recibirá el PremioHumanitario Jean Hersholt, habitualmente entregado a artistas que se destacan por su labor precisamente humanitaria.
La cita de honor, nunca mejor dicho en virtud del carácter de la distinción, es el 16 de noviembre. Hasta la próxima y sean felices…
No eres el único que ha sentido un escalofrío cuando Netflix soltó los datos de FUBAR Temporada 2. La vuelta de Arnold Schwarzenegger, el tipo que nos pese como gobernador o Terminator, no fue el gran retorno que esperábamos. Ni de lejos. La serie, lanzada el 12 de junio, se estrenó con apenas 2,2 millones de reproducciones y 14,4 millones de horas vistas durante su semana de lanzamiento, una caída salvaje del 83,8 % respecto a la primera temporada, que arrancó con casi 89 millones de horas visualizadas.
Sí, eso significa que muchos no pulsaron “continuar” tras el estreno. Una comedia de acción que se ha quedado… en baja forma.
1. Datos que hacen temblar plataformas
Netflix publica sus estadísticas semana a semana. FUBAR 2 debutó en el top 10 internacional, pero apenas asomó: 2,2 millones de reproducciones y 14,4 millones de horas vistas durante la semana, quedando en una discreta décima posición en series en inglés . En contraste, la temporada 1 arrasó: llegó al número uno y se mantuvo en lo alto la semana de su lanzamiento, con un estruendo de visualizaciones totalmente opuesto.
2. ¿Una caída lógica o un batacazo inesperado?
No estamos ante simples números. Aquí ha habido un frenazo emocional del público. Dos años de intervalo entre temporadas, una fórmula familiar que se nota gastada y un mensaje que ya no engancha tanto. La comedia de acción “a la vieja usanza” ya no cuenta con el impulso fresco… y Netflix no la ha respaldado con bombas de promoción para reactivarla. Eso ha sido letal.
3. Crítica y espectadores: aprobación tibia, audiencia menguante
La crítica era templada: la temporada 2 sigue siendo un producto ligero que mezcla acción y chistes. En Rotten Tomatoes mantiene un 50–75 % de aprobación, muy similar a su primer curso fumable . La audiencia aún ve a Arnold y sus chistes meta como algo simpático, pero la pregunta es: ¿puede eso sostener una segunda temporada?
4. ¿Alexa, cancelo FUBAR?
Netflix es implacable: no dudó en cancelar series prometedoras como Archivo 81 (22 millones de horas) o Territorial (37 millones) cuando la relación audiencia-coste no equilibraba. Con FUBAR Temporada 2 en números tan bajos y una producción PG‑13 al estilo 80’s/90’s… la posible cancelación no es una suposición. Es un reloj en cuenta atrás.
5. ¿Qué salió mal?
Demasiado tiempo entre entregas: dos años alejaron a la audiencia más casual.
Fórmula repetida: acción liviana, comedia meta, una familia de agentes… el carisma de Schwarzenegger ayudó, pero no fue suficiente.
Guerra de contenido: cada mes aparecen producciones nuevas, más potentes y originales, y FUBAR quedó encajonada por no ser “diferente” ni “necesaria”.
6. ¿Se merecía una segunda temporada?
Seguro que en producción el plan era recuperar el humor y el público de la primera entrega. El fichaje de Carrie‑Anne Moss aportaba frescura (¡y ese flash de Matrix!). Pero el resultado final se quedó en un híbrido incómodo: poca acción memorable, chistes suaves y ninguna razón sólida para enganchar de forma masiva .
7. Consecuencias para Schwarzenegger
Que un actor con casi 80 años, un historial impoluto de éxitos cinematográficos, su saga del «gobernator»… sufra este batacazo en Netflix habla de lo rápido que cambia el juego. Aquí no basta con carisma ni nostalgia: hace falta ritmo narrativo, originalidad y una idea clara que no envejezca. Schwarzenegger sigue siendo una leyenda, pero el streaming exige más que un sello de garantía.
8. ¿Es un mal mayor para su carrera?
No creo que esto marque su eclipse. Schwarzenegger sigue en forma, así como carismático e icónico. Pero sí es un aviso: no hay rol pequeño ni fan base infinita en esta era donde el contenido manda y decide el público. Y él mismo lo dijo: “If it bombs, I’ll be back”… y esta vez el “back” tendría que ajustarse a otra dirección .
9. Reflexión final
FUBAR fue una vuelta simpática, una parodia de espías a lo Terminator meets True Lies. Pero la segunda temporada se ha topado con la realidad que suele golpear a las producciones medianas: no eres necesario, pierdes fuelle y el público te olvida. Ya no basta con nostalgia: hace falta más.
10. ¿Qué queda por delante?
FUBAR 2 seguirá disponible, pero el tema es su supervivencia más allá del verano. Sin remontes milagrosos, su continuidad depende de que Netflix vea un repunte dramático.
Schwarzenegger podría centrarse en proyectos cinematográficos, documentales o volver con roles que no carguen un formato semanal entero sobre sus hombros.
Y nosotros, espectadores, deberíamos recordar que los grandes iconos también pueden tropezar… pero eso no los destruye. Solo los hace… más peligrosos la próxima vez.
‘Somna’ de Becky Cloonan y Tula Lotay es ese cómic que llevo días recomendando a todo el mundo con el que hablo del noveno arte. Ya no solo porque el apartado visual que te conquista desde la primera página, sino por que consigue que una historia que se ha contado en muchas ocasiones, tanto en cine, como las novelas, series y demás, te atrape y te haga devorar la obra como se hace con una bolsa de pipas.
No me voy a andar con rodeos: ‘Somna’ es una grandísima novela gráfica de terror, pero no de ese que se centra en lo sanguinolento, grotesco y/o explicito, ese este horror llamado ‘folclórico’ que nos va a recordar a películas como ‘La Bruja’ de Robert Eggers o ‘Midsommar’. Ese toque rural y lejano, rituales ancestrales y ese ambiente que va haciendo crecer una sensación de tensión, desasosiego y que sabes que va a tener un final poco halagüeño.
Lo que hace especial a ‘Somna’ no es solo que haya abrazado ese terror folclórico, sino que lo mezcla con algo tan natural actualmente, pero tabú en aquella época, como el descubrimiento sexual de una mujer. Es en ese tabú y el peligro de ser considerada bruja por ese motivo, donde habita el personaje de Ingrid, que es la esposa del alguacil encargado de ajusticiar a las brujas. Nos encontramos con una mujer que tiene carencias y que algo dentro de ella le pide que se deje llevar por sus instintos.
De manera muy elegante y bien construida, este cómic nos va a llevar por ese camino de nuestra protagonista por ese descubrimiento y esos sentimientos que la atormentan y a la vez que la liberan de ese mundo tan encorsetado. Un tiempo en el que cualquier mujer con un poco de libertad, o que simplemente no encajaba, podía ser señalada y acusada de brujería. Este cómic explora esa vulnerabilidad contrastando con esa fuerza oculta que tenían y cómo eran demonizadas por ser diferentes o por tratar de ejercer su propia voluntad. Todas esas injusticias que se cometieron en nombre del miedo y la ignorancia.
‘Somna’ tiene una historia que nos va a atrapar desde el comienzo con personajes muy atractivos y con trasfondos y tramas muy potentes para dibujarnos a un pueblo que realmente parece estar vivo.
Cuando se junta el talento de Cloonan con el de Lotay pues tienes un cómic que es dinamita con ese toque de fantasía oscura y plasmado en las viñetas de manera magistral. El estilo de Tula Lotay es capaz de transportarnos a ese universo opresivo, onírico y aterrador. Sus dibujos tienen ese toque etéreo y una oscuridad que encajan a la perfección con la historia. Tendremos dos estilos de dibujo diferentes en ‘Somna’ que le van a dar cierto dinamismo a la historia de Ingrid. La combinación de esos estilos es lo que hace que este cómic sea tan visualmente impactante.
Conclusión
Por algo ‘Somna’ tiene un premio Eisner, por esa historia que nos atrapa, esos personajes tan universales y esas situaciones tan cotidianas sacadas de contexto y demonizadas que dieron lugar a las cazas de brujas.
Con un apartado visual sobresaliente, este cómic es una de esas lecturas que no puedes dejar pasar, tanto por lo perturbador de su historia como lo bien narrada que se encuentra.
El terror folclórico como pocas veces se ha visto mezclado con una época histórica que muchas veces se ha visto, pero con un toque de sensualidad y oscuridad que le sientan genial.
Así que, si eres de esas personas que disfrutan con un buen terror psicológico, con cómics que te hacen pensar más allá de lo evidente, ‘Somna’ es una apuesta segura.
¿Quién pensaba que Knull, el mismísimo Dios de los Simbiontes, estaría tranquilamente muerto y sería incapaz de regresar? Pues Marvel acaba de arrancarnos esa idea con más rabia que un simbionte enfurecido: en octubre, Knull regresa en Venom 250 para decapitar certezas y tirar el piso directamente bajo nuestros héroes. La noticia nos llega gracias a ComicBookMovie.com, y aún no me dejo de estremecer.
1. Por qué importa tanto
Knull es ese villano LITERALMENTE titánico: creador de todos los simbiontes, arquitecto del Reino Oscuro y cerebro tras el evento King in Black. Su regreso no es un truco de marketing: es una llamada a volver a girar el mapa Marvel y replantear quién teme realmente en las sombras. Y esta vez, apunta al nuevo anfitrión de Venom: Mary Jane Watson. Sí, en serio, su nombre suena junto al de Eddie Brock, y eso ya es historia.
2. ¿Qué pasa en Venom 250?
El arco se presenta así:
Guion: Al Ewing, autor de All-New Venom, toma el mando y convierte el cómic en un campo de minas emocional y vibrante.
Dibujo: Terry Dodson entra a saco con trazos que añaden un tono escalofriante. No busca realismo fotográfico: busca que sientas el latido infernal de un Dios negro .
Según la descripción oficial:
“MARY JANE WATSON acaba de aceptar el simbionte, sin saber que los hilos que nacen de su interior apuntan directamente al vacío del cosmos… un lugar donde Knull aguarda.”
Traducido: la nueva Venom está entrando en un laberinto que puede devorar no solo su alma, sino su pasado y su razón de ser.
3. ¿Qué significa el retorno de Knull?
Volver a un universo simbionte con Knull significa varias cosas:
El juego sube de nivel: ya no es Venom contra villanos locales. Ahora hay un poder que compite con Thanos en atmósfera oscura.
Mary Jane y Eddie Brock se enfrentan a una nueva psicología simbionte. Ella desde su humanidad; él desde su instinto protector.
Se abre un nuevo crossover potencial. La saga podría arrastrar a Spidey, a otros simbiontes y a seres cósmicos. Que un solo número inicie esto es la mejor jugada de Marvel en mucho tiempo.
4. Lo que esperamos en octubre
Un paso adelante en historia: 250 números no se celebran solo con bestiales portadas. Aquí se planea una etapa que reescriba el mito simbionte.
Trayectoria emocional: Knull no mata por matar. Mata para llenar vacíos. Y si tiene que romper vínculos personales, lo hará.
Arte apocalíptico: una rendija de contrastes entre lo cotidiano (MJ) y lo cósmico (un Dios que respira entropía).
Esta emisión no será un mero spotlight. Será un doorbuster: entrada a algo más grande. Imagínate portadas dobles, preludios y ecos en King in Black… La expectación está alta.
5. Repercusiones anticipadas
Ventas: Una “gran saga con X” usualmente revienta las cifras. Se espera que Venom 250 reviva lecturas, coleccionistas y reimpresiones.
Marketing: Marvel puede lanzar ediciones especulares, ediciones variantes, portadas exclusivas… todo para aterrorizar a los especuladores.
Rumores: ya se habla de series derivadas, más simbiontes protagonistas (Symbiote Supreme, Toxin…), y una posible conexión con proyectos como Spider-Verse.
6. Por qué nosotros, tú y yo tenemos que leerlo
Mirándolo bien, esto no es solo cómic. Es un terreno donde:
Mary Jane encuentra un camino con Venom como compañera, pero NO como sombra de Eddie.
Eddie podría reinventarse como mentor o guía, no solo como quien sufre.
Knull remite a símbolos de Dios interior, vacío existencial y la lucha por no caer en el caos.
Si eres lector veterano, esto reconfigura años de crecimiento simbiótico. Si eres nuevo, Venom 250 es una entrada directa al corazón del Horror Cósmico Marvel.
Hay noticias que te hacen ser feliz, aunque sólo sea una promesa de algo que será o que lo mismo no llega a ser. Y en este caso sabrás de lo que te hablo si eres fan de Nacidos de la Bruma. Porque Sangre Espectral, la esperadísima tercera era de la saga de Mistborn (ya sabéis que cuando diga Mistborn o Nacidos de la bruma me refiero a lo mismo), no es solo una continuación, es el regreso a uno de los mundos más fascinantes del Cosmere. Y lo hace con una promesa clara de evolución, madurez y mucha, mucha niebla. O eso es lo que espero, y eso es lo que me hace feliz.
Brandon Sanderson, en su ya tradicional “State of the Sanderson”, confirmó que está escribiendo esta nueva trilogía que nos llevará a un Scadrial muy distinto al que conocimos. Esta vez nos encontraremos con una sociedad tecnológicamente avanzada, cercana a la nuestra en los años 80 o 90, con ordenadores, teléfonos y una nueva visión de la alomancia. Sanderson siempre ha dicho que Mistborn está concebida como una saga que evoluciona con el tiempo, como un reflejo del progreso humano. Empezó con un mundo medieval oscuro, pasó por una era de progreso industrial con Aleación de Ley y ahora nos mete de lleno en una etapa tecnológica que promete romper todos los esquemas. Y os recuerdo a todos que en principio todo terminará con una futura cuarta trilogía que estará ambientada en el futuro.
La trilogía se titulará Sangre Espectral, un nombre que ya sugiere algo más siniestro, más conspirativo, y que apunta a un tono posiblemente más cercano al thriller, sin perder la identidad fantástica.
Ojo que aquí pueden haber SPOILERS si no has leído mucho material del Cosmere.
Esta información está sacado de Coppermind, pero cualquiera que tenga al día las novelas de Sanderson habrá llegado a la misma conclusión. Los Sangre Espectral son una organización secreta que se encuentra en muchos planetas del Cosmere, formada con el propósito de proteger Scadrial de todas las amenazas.
FIN de los posibles SPOILERS
Símbolo de Sangre Espectral
Sanderson ha revelado que la historia girará en torno a una protagonista femenina (de la que aún sabemos muy poco) y a una investigación que revelará secretos ocultos del Cosmere. Porque sí, en esta tercera era la conexión con el resto de universos de Sanderson será más clara que nunca. La segunda trilogía (tetralogía) de Nacidos de la Bruma tuvo un cuarto libro donde se aventuraban muchas ramificaciones con el resto del Cosmere.
Y eso es lo que más nos emociona a los fans de todo el Cosmere, el ver cómo esas piezas que antes estaban desperdigadas comienzan a encajar. Ver como las sombras de El Archivo de las Tormentas, los ecos de Elantris, los susurros de El Aliento de los dioses.. todo se está entrelazando. Y Scadrial, con sus metales, sus brumas y sus enigmas, es el lugar perfecto para hacer que todo explote.
Pero Sanderson, como siempre, va paso a paso. Aunque ha empezado a escribir la trilogía, su intención es terminar los tres libros antes de publicar el primero, algo que, si conoces su ritmo de trabajo y su perfeccionismo, tiene todo el sentido del mundo. Así garantiza coherencia, evolución narrativa y esa continuidad que tanto valoramos. ¿Lo malo? Que no los veremos publicados hasta 2028, con suerte. Pero si algo nos ha enseñado Brandon es que sabe recompensar la espera. Y escribo esto con la ilusión con lo que lo hacía al principio del artículo porque quizás, y digo quizás, las últimas novelas de El Archivo de las Tormentas me han parecido más flojas que las dos primeras.
Recordemos por un momento lo que fue Nacidos de la Bruma en sus inicios. Aquella primera trilogía, con Vin, Kelsier y Sazed, nos voló la cabeza. Una revolución, un dios asesinado, un mundo cubierto de ceniza. Luego llegó Aleación de Ley y sus secuelas, con Wax y Wayne aportando un tono más ligero, casi de western detectivesco, pero sin perder la esencia de los conflictos internos y la construcción de mundos que define a Sanderson.
Ahora, Sangre Espectral parece dispuesta a llevar esa fórmula a un nuevo nivel, uno más introspectivo y maduro, con una Scadrial globalizada, donde la alomancia convive con la informática y los secretos del universo están al borde de ser desvelados. Es un salto de fe que pocos autores se atreverían a dar, pero Sanderson no es cualquiera. Él construye puentes entre géneros, estilos y lectores.
Así que aquí estamos, mirando el horizonte con impaciencia, deseando volver a perder el aliento entre brumas y metales, sabiendo que lo mejor aún está por llegar. Porque cuando Sanderson escribe, nosotros soñamos.
El manga, esa pequeña trampa emocional que llega disfrazada de historieta y te destroza el alma a la tercera viñeta. Porque vamos a dejarnos de postureo: ningún libro de autoayuda nos ha enseñado más sobre la vida que un buen tomo de manga. Los mangas más premiados de la historia.
Y entre tanto papel, tinta, espadas imposibles, romances improbables y traumas generacionales en 12 volúmenes, hay algunos títulos que no solo nos han marcado a fuego… sino que han arrasado en premios. En Japón, en Francia, en EE.UU. y en la estantería de cada otaku que se precie.
Hoy repasamos, sin miedo y con un pañuelo a mano, los mangas más premiados de la historia. Porque el reconocimiento también se mide en lágrimas, y aquí vas a soltar unas cuantas.
¿Quién necesita premios cuando tienes mil capítulos, una base de fans que parece una religión y un autor que sigue dibujando como si no hubiera un mañana?
Y sin embargo, One Piece también se ha llevado premios como el Shogakukan Manga Award, y ha sido reconocido en media galaxia.
Pero más allá de trofeos, Eichiiro Oda ha creado la biblia del manga de aventuras, y si aún no sabes quién es Luffy… lo siento, pero estás leyendo la web equivocada.
Monster. El thriller que te hizo dudar de tu humanidad
Naoki Urasawa no hace mangas, hace bisturís narrativos. Monster fue aclamado en Japón y Europa, ganando el Tezuka Osamu Cultural Prize y arrasando en festivales internacionales.
¿Quién es el verdadero monstruo? ¿El asesino o el lector que no puede parar de leer? Si no has sentido culpa moral leyendo un manga… es que no has leído Monster.
Fullmetal Alchemist. Filosofía, alquimia y puñetazos
Hiromu Arakawa no solo escribió un manga de aventuras. Escribió una epopeya con reflexión moral, política y existencial, que se llevó el Shogakukan Manga Award, el American Library Association’s Great Graphic Novels for Teens, y el amor incondicional de toda una generación.
Hermano, ¿vale la pena el sacrificio equivalente de no haber leído esto? Spoiler: no.
Attack on Titan. El puñetazo a la mandíbula que nadie vio venir
Hajime Isayama llegó en silencio y nos voló la cabeza en pedazos tamaño titán.
Con premios como el Kodansha Manga Award, el Micheluzzi en Italia, y nominaciones a medio planeta, Shingeki no Kyojin demostró que un manga puede ser un campo de batalla emocional, filosófico y geopolítico sin perder ni una gota de sangre… literal o simbólica.
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba. El fenómeno del siglo XXI
Si pensabas que ya nada podía sorprenderte, llegó Tanjiro y te hizo creer en la bondad del alma humana con una katana en la mano.
Premios por doquier: el Japan Cartoonists Association Award, nominaciones a los Eisner, y unas cifras de ventas que harían llorar al mismísimo Goku.
Y no, no es solo por la animación de Ufotable. El manga brilla por sí mismo, con su sencillez brutal y corazón gigante.
Mención mística: Akira, Death Note, 20th Century Boys
Hablar de premios y no mencionar a estos titanes sería como hablar de fútbol y olvidarse de Maradona. Akira cambió el medio. Death Note redefinió el thriller. 20th Century Boys es un homenaje a la infancia perdida con estética punk y narrativa coral.
¿Premios? Todos. ¿Impacto? Incalculable. ¿Debes leerlos? No. Tienes la obligación moral de hacerlo.
Epílogo con tinta en los dedos
Podríamos seguir horas. Con Berserk. Con Vagabond. Con Nana. Pero la clave es esta: el manga es un lenguaje emocional universal, y los premios, aunque bonitos, son solo postales de un viaje mucho más profundo.
Si aún no has llorado leyendo un manga, ríndete.
No lo has hecho bien.
Y si quieres descubrir los próximos premiados… ya sabes.
Ve a la librería más cercana, cómprate un tomo con portada rara y prepárate para que te rompa el corazón en la página 14.
Mientras la segunda temporada de The Walking Dead: Dead City avanza hacia su final, analizamos su sexto episodio, en el cual Negan se enfrenta a sus propios demonios y Maggie a… un oso. Creada por Eli Jorné, es emitida por AMC+.
Hola otra vez, caminantes y sobrevivientes. Primero que nada, nobleza obliga, pido disculpas por haber sembrado pánico apocalíptico en mi análisis anterior al decir que nos restaba un único capítulo para cerrar esta segunda temporada de The Walking Dead: Dead City. Se ve que estaba todavía con el chip de la anterior, que había tenido seis, o de la franquicia misma, que en el último tiempo repite ese número de episodios por temporada en todas sus series.
Pero no: esta segunda consta de ocho capítulos, es decir que nos quedan todavía otros dos. Y el sexto, que hoy analizamos y se titula Los Compañeros de Bridge son Difíciles de conseguir en estos Días, vuelve a reencontrar a Maggie con Negan (segunda vez en la temporada), revelando a este con su versión más humana y enfrentándolo con sus culpas y fantasmas mientras la primera debe lidiar contra su propio hijo y un terrible oso (no sé qué es peor), en tanto que Ginnysigue empeñada en su venganza y Bruegel se sigue afirmando como gran villano, quizás no todavía suficientemente aprovechado.
Pasemos ya pues a ver qué nos ha dejado el episodio no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden echar ojo en nuestra web a los análisis tanto de esta como de las demás series de la franquicia.
Luego de haberse convertido en inesperado salvador del grupo expedicionario o al menos de lo que quedó del mismo, Bruegel y los suyos guían a Maggie y el resto a través de los bosques de Central Park hasta su cuartel en el museo. Una vez que entran, vemos que una de las guardias en el exterior es atrapada por algo que la arrastra hacia la vegetación…
A Bruegel se lo ve amable y discursivo, exaltando incluso la labor colonizadora de Nueva Babilonia y buscando llevar tranquilidad a sus “invitados” diciéndoles que no son prisioneros y pueden irse cuando quieran (frase en diferentes contextos repetida a lo largo del capítulo).
La expresión de Maggie, sin embargo, indica sospecha de que algo se trae entre manos y, en efecto, Bruegel les propone una alianza prometiéndoles el metano a cambio de colaboración contra Negan y el Croata. Armstrong parece interesado, pero no Maggie, para quien no se puede confiar en alguien que traiciona a sus propios aliados: razón no le falta. Mientras tanto y horriblemente destrozado, el cuerpo de la guardia desaparecida es hallado en las cercanías…
Ginny, siempre silenciosa, sigue firme en su plan de venganza y oculta a todos la fea herida que lleva en su costado desde el episodio anterior. Maggie busca convencerla de que les acompañe a ella y a Hershel cuando regresen, pero al ver el arma en su mochila cambia de expresión y busca aleccionarla sobre los sentimientos de venganza y la cantidad de veces que pensó también en matar a Negan. Se reconoce pues en ella, pero no sabe cómo ayudarla cuando nunca logró al respecto ayudarse a sí misma. No sé si servirá de mucho pero bueno, ella misma está diciendo que no…
Rugido de Ratón
Negan encuentra a la Dama hecha un rescoldo y el Croata explica que no tuvo forma de salvarla sin ponerse en peligro a sí mismo. Obviamente no le cree, pero es lo que menos le importa: quiere saber qué pasará con él cuando lleguen su esposa e hijo, a lo que el Croata, en reconciliatoria charla, responde que podrá irse cuando quiera y adonde quiera, aunque le gustaría que le acompañase a Croacia, donde piensa regresar.
El buen clima de conversación se corta, no obstante, cuando el Croata descubre sangre en la suela de Negan que, por alguna razón (?), relaciona con el ratón que, hecho papilla, generó el entuerto que acabaría con la Dama muerta. No sé por qué está tan seguro de que es sangre del roedor, pero su rostro se transfigura y culpa a Negan por la muerte de quien fuera su maternal protectora.
Logrando apoderarse del bate antes que Negan y colocándolo en modo descarga eléctrica, el Croata comienza a arrojarle golpes que no llegan a destino mientras los presentes observan como si esperaran al final de la contienda para ver a quién apoyan. El bate, de cualquier manera, dura poco en manos del Croata, pues Negan logra quitárselo fácilmente (demasiado) y, visiblemente quebrado, lo arenga con que no sería nadie sin él y lo conmina a marcharse para no regresar más: segunda vez que lo expulsa…
Bienvenido al Club
Negan queda pues convertido en líder como en los viejos tiempos, pero en lugar de vérsele exultante y arrogante como cuando liderara a los Salvadores, se le ve apesadumbrado y cuestionándose tanto su pasado como el futuro que podría dar a su familia una vez que estén allí.
En una cámara subterránea encuentra recluido al historiador Pierce en aparente castigo por haber traído al recuerdo aquel incidente de mordedura que tanto molestara a la Dama. Luego de departir sobre la historia y lo que significa estar en uno u otro bando, lo deja ir dándole libertad de regresar a su casa, pero el joven no sabe cómo hacerlo. “Bienvenido al club de los ganadores”, cierra sonriente Negan…
Súper-Oso
En el museo, Maggie sorprende a Hershel a punto de contaminar el agua con sangre de caminante: definitivamente ese muchacho ha llegado demasiado lejos por mucho trauma que se alegue en su favor. ¿Pensaba matarlos a todos, incluida su propia madre?
Lo que está claro es que quiere regresar con la Dama, a la cual supone aún viva. Pero apenas intenta salir con Maggie siguiéndole detrás, una pesada y oscura silueta se dibuja gruñendo en la oscuridad y deben volver presurosamente dentro.
Se trata de un inmenso y tuerto ojo pardo que arremete contra la puerta metálica hasta derribarla y echa a perseguirlos entre las gradas de la arena de lucha de Bruegel. Maggie libera a los caminantes-gladiadores con el objetivo de frenarlo, pero solo consigue demorarlo un poco, pues está claro que no es un oso ordinario y se los saca de encima con bastante facilidad.
Maggie termina frente a frente con la bestia y alcanza a clavarle un cuchillo en la frente mientras Hershel, desde lo alto, arroja otro (por fin aprendió) que logra ensartarle al animal en su único ojo útil (vaya puntería para arrojarlo desde tan lejos), lo cual provoca en este una ceguera que lo lleva a encontrar su fin contra la reja de la arena de combate. Pero cuando Maggie mira nuevamente hacia arriba, no hay rastros de su hijo que, al parecer, ha aprovechado el entrevero para esfumarse e ir en busca de la Dama.
Ella no tiene más remedio que salir en procura de encontrarle y a tal fin llega hasta la iglesia que hiciera de cuartel general a la Dama, al Croata y ahora a Negan, con lo que volvemos a tener en la temporada un encuentro cara a cara entre ambos…
Negan manifiesta desconocer el rumbo que pueda haber tomado el muchacho y la tranquiliza con que el apego que pueda sentir por la Dama no es culpa de él ni de ella, sino del poder de leer y manipular que esa mujer tiene (o tenía) y que de todas formas no se preocupe porque Hershel ya no va a encontrarla.
No obstante ello, y dado que el joven cree que ella aún vive, Negan dice que lo más probable es que haya ido a buscarla al teatro King Francis, lo cual obliga éticamente a Maggie a devolver el favor y ponerle al tanto de que los de Nueva Babilonia, aliados ahora con Bruegel, planean emboscarle.
Antes de despedirse, él pregunta si Ginny se está adaptando a su nueva vida y Maggie le miente que sí, sin decirle que en realidad se halla muy cerca y buscándole. Él dice haber hecho un “gran trabajo” arruinando vidas y teme volver a hacer lo mismo con su familia…
La Diversión de Jugar
En el museo, los hombres de Bruegel recogen entrañas de oso y restos de caminantes mientras Armstrong encuentra a Bruegel trenzado en una partida de bridge consigo mismo. Este dice que el juego no consiste en ganar sino en la diversión de jugar, en tanto que especula y acierta acerca de lo que Maggie pueda haberle dicho a Armstrong antes de marcharse: que no confiara en él…
Pregunta entonces por la actual situación de la alianza que estaban forjando y, como hábil jugador, saca un al poner al ex marshal al tanto de que sabe todo sobre la supuesta muerte de Negan que se adjudicara y cuya falsedad podría ponerle en problemas ante Nueva Babilonia. Quien se lo ha contado es Narváez, a quien encontró en los bosques mordida por caminantes y tiene allí mismo, recluida y zombificada. Poniendo así las cartas a su favor, conmina a Armstrong a colaborar mientras remata a Narváez…
La Encrucijada de Negan
Negan, mientras tanto, es avisado de que su familia ha llegado, pero en cuanto los ve desde la ventana con los binoculares, un sentimiento de culpa le invade, por lo que, en dura decisión y sin siquiera salir a recibirles, da orden de que se les haga regresar a Tennessee, de donde vinieron.
Ya al caer la noche, es sorprendido a la entrada de la iglesia por Ginny, quien lo apunta con el arma justo antes de desvanecerse y caer sin sentido. Negan la abraza y atiende, descubriendo tristemente la horrible herida que quizás la condena…
Balance del Episodio
Una vez más, luces y sombras. Episodio bastante calmo y de poca acción, pero intenso en cuanto a los diálogos que los personajes sostienen entre sí o consigo mismos al tener que lidiar con sus conflictos y culpas.
Primero los disparates. ¿Por qué razón, en un mundo donde pisar sangre ha de ser tan común como pisar barro o mierda, va el Croata a dar por descontado que la que Negan lleva en su suela solo puede ser del ratón? El enfrentamiento entre ambos, además, ha sido bastante insípido y no se entiende de qué va el nuevo bate si todos los combates se resuelven sin el mismo o con una participación ínfima.
Lo otro que no entendí fue lo del oso. ¿Qué clase de animal es y de dónde salió? Supongamos que haya escapado del zoo (más posible que pensar que los osos estén reconquistando antiguos territorios): ¿a qué se debe que tenga tanta fuerza como para abollar una puerta de metal como si fuera de papel? ¿Es un oso-zombie o más bien el producto de una nueva evolución o experimento?
Supongo que nunca lo sabremos y que esa subtrama no tuvo que ver con nada salvo rellenar, pero si hacía falta un motivo de distracción para que Hershel lograra escabullírsele a su madre podrían haber ideado uno más verosímil. Eso sin hablar de la novedosa buena puntería del muchacho y la muerte del animal que no fue no solo simplista sino repetida, pues lo de dejar al enemigo ciego de su único ojo es algo que ya está en la Odisea, la Eneida y Las Mil y una Noches. Párrafo aparte para el cgi, tan defectuoso que los movimientos del animal parecían stop-motion (que, por cierto, hubiera ido bastante mejor).
Ahora, las luces. El arco de Negan (dejando afuera su momento con el Croata) ha sido muy interesante y no sé a ustedes, pero a mí me ha dado la sensación de tono elegíaco. ¿Se está despidiendo? ¿Serán los próximos episodios los últimos que de él veamos? Ello significaría, desde ya, terminar también con la serie, pues es inconcebible continuarla sin él, pero la impresión, y él mismo lo dice, es que se siente dolido y culpable por tanta gente a la que arruinó la vida y quizás su única redención posible, se me ocurre, pueda ser un sacrificio final de su parte.
Lo que sí es cierto es que hemos visto una enorme actuación de Jeffrey Dean Morgan, quien ha demostrado su capacidad al pasar sin solución de continuidad por la ira, el dolor, la nostalgia y la culpa. Que alguien que en su momento asesinara sin contemplaciones y de modo sádico a uno de los personajes más queridos de la franquicia termine por emocionarnos es algo que solo puede lograr un gran actor, más allá de qué tanto pueda su conversión sonarnos creíble o no.
El otro que se luce, aunque sigue poco aprovechado, es Kim Coates en el papel de Bruegel, que imprime a su personaje un sadismo diferente, más político y calculado: por mucho que le hayamos visto antes disfrutar de las morbosas luchas entre caminantes en la arena, la verdad es que parece regodearse más en el placer de la manipulación que en el dolor físico y allí es donde cobra sentido su metáfora con los naipes.
Esperemos que su personaje dure lo suficiente y no lo saquen de en medio de modo tan simple como han hecho con la Dama o, al menos según parece, con el Croata (me cuesta creer que se haya marchado sin más). En el caso de Narváez, en cambio, lo agradezco…
En definitiva y en consonancia con el tono general de la temporada, hemos visto un episodio irregular con momentos gloriosos y otros para el olvido. Nos quedan dos y habrá qué ver con qué se viene el próximo, pues se supone que (ahora sí y sin falsa alarma) deberíamos ya entrar en zona de definiciones.
Ah, lo olvidaba: que Maggie se olvide de una vez por todas de Hershel y haga como si nunca hubiera tenido un hijo. Hasta la próxima y sean felices…
Vale. Respira. Porque lo que te voy a contar no es apto para corazones débiles ni para esos cuñados que creen que Dragon Ball (Dragon Ball Super) es “una serie de dibujos para críos”. No. Aquí estamos hablando de un juego de mesa que te pone a pelear por la existencia misma del universo, como si estuvieras tú en el Torneo del Poder, sudando como Goku en Ultra Instinto y con Freezer de aliado. Sí, Freezer. Qué época para estar vivos.
Dragon Ball Super: La Supervivencia del Universo es un festival de puñetazos, estrategias locas y traiciones tan sucias como una técnica secreta del Maestro Roshi. Cada jugador elige uno de los diez universos que se están jugando el pellejo ante Zeno-sama, el dios niño que borra realidades como si fueran notas de voz. Y no, no es un juego para mirar pasivamente: aquí vas a sufrir, gritar, tomar decisiones sucias y rogarle al dragón sagrado que te salga una buena carta.
El tablero es colorido, lleno de detalles que harían llorar al propio Akira Toriyama (el bueno, el que aún dibujaba con ganas), con zonas que representan los distintos ringzonesdel Torneo del Poder. Cada universo tiene sus propios luchadores, habilidades especiales y combos sacados directamente de la serie. El Universo 7 —el de nuestros chicos— es versátil y potente, pero ojo, que el Universo 11 con Jiren se siente como un tanque con complejo de dios. Y sí, Jiren está roto. Muy roto. Como debe ser.
La mecánica es una delicia estratégica con capas de azar bien controlado. Tienes cartas de energía, habilidades únicas, ataques combinados, y una dinámica de eliminación que te pone contra las cuerdas. Cuando uno de tus luchadores cae, no lo recuperas. Aquí, como en el anime, la cosa va en serio. Si eres de los que pierden la paciencia, prepárate para gritarle a tu propia madre que “el tiempo se acabó y el universo va a desaparecer”. Porque pasa. Y lo amas.
Y ojo, porque el juego brilla aún más en partidas de 4 o más jugadores. Es ahí cuando todo se convierte en una orgía cósmica de piques, venganzas, alianzas temporales y frases absurdas tipo “te mato porque en el turno anterior no me diste ki”. El respeto por el lore es enfermizo: cada carta parece sacada de un fotograma, y las ilustraciones están de escándalo. Da igual si eres del team Vegeta o del team Android 17 (que aquí brilla más que nunca), vas a disfrutar como un niño con una bolsa de semillas del ermitaño.
¿Lo peor? Solo que cuando se acaba la partida… te quedas con hambre. Pero de esas que solo se llenan con más Dragon Ball. Y si eso no es un buen juego, dime tú qué lo es.
