Cuarto capítulo de la segunda temporada de ‘The last of us’ y ya estamos en Seattle. Antes de entrar en detalle si quiero dejar claro que la ficción de HBO (quizás para lamento de algunos fans) se ha comenzado a desviar del título de Naughty Dogeliminando algunas partes de la historia del videojuego y modificando otras.
Aunque se esté viendo ese distanciamiento, creo que la esencia sigue ahí y eso es lo importante, arrancar con ese flashback en el que vemos a Isaac(Jeffrey Wright) como soldado de FEDRA ha sido un buen golpe de efecto. Sobre todo, para ver como empatizaba con quienes los habían perdido todo y se les llamaba ‘votantes’ a modo de burla y en lo que se ha convertido actualmente.
La escena de la cocina no es una tortura, se plantea como un duelo de carácter entre Isaac y el Serafita capturado y como lo que debería haber sido un interrogatorio y suplica se convierte en una lucha dialéctica que el líder de los Lobos sabe que no puede ganar. Un momento que en el videojuego es superficial aquí crece hasta mostrarnos de manera inteligente a ambas facciones de esta guerra.
Al comienzo mencionaba que la serie se estaba alejando del videojuego y lo ha hecho obviando varios pasajes, ya que, al comienzo de la llegada a Seattle, Ellie y Dinah encuentran una sinagoga judía y ahí averiguamos algo del pasado del personaje y ese momento me pareció muy interesante mientras jugaba y ha sido sustituido por una charla algo insulsa en el teatro.
Mantener la escena de la tienda de discos, que en el título de Naughty Dog era opcional, ha sido un gran acierto, ya que es el momento en el que ambas conectan de verdad. Aquí se ha mejorado aún más con una actuación de Isabella Merced que nos deja ver como se va enamorando de Ellie solo con la mirada. Como me alegro que se haya ganado un papel dentro del nuevo universo cinematográfico de DC.
Quienes hemos jugado el videojuego hemos sufrido el angustioso momento de la estación de metro y aquí se ha representado de una forma que hace que el espectador sienta esa tensión desde el primer momento. Sin dejar de hacer guiños a algunas mecánicas de ‘The last of us’ como escuchar o buscar medicinas que vemos al comienzo del capítulo.
Se ha cuidado la puesta en escena de una manera espectacular, esos efectos de luces entre las linternas y las bengalas y ese uso del sonido es para alabar.
Teniendo en cuenta que la serie ha obviado las esporas, el supuesto contagio de Ellie debía cambiar y se ha llevado a cabo de una forma que resulta más orgánico y coherente con lo que siente ella por Dinah. Además, en la serie se toma más tiempo para que ella encaje la inmunidad de nuestra protagonista y eso hace que todo quede aún más natural.
Lo curioso es que los momentos de acción y tensión, que los hay en el metro y en la estación de televisión donde encuentran los cuerpos colgados, si tenemos que mencionar donde se encuentra el pilar del capítulo es en la relación de amor de Elli y Dinah, pues aquí es donde explota.
Más allá de la noticia del embarazo de Dinah, lo que más importa es como ese amor va creciendo desde el comienzo con esa canción de A-HA hasta el momento en el que ella piensa que va a tener que matar a Ellie por haberle salvado la vida y haber sido mordida.
Este episodio, como el resto de esta segunda temporada de ‘The last of us’ está sabiendo equilibrar los momentos en los que la tensión y la acción son necesarios con los momentos solemnes, emotivos y pausados.
Conclusión
‘The last of us’ sigue estando a un nivel muy bueno, este capítulo nos deja perlas de lo que puede mostrarnos esta increíble historia de Naughty Dog y hasta donde puede llegar una grandísima adaptación de un videojuego.
A partir de ahora todo recae en Bella Ramseye Isabela Merced y creo que no puede estar en mejores manos. Creo que ambas actrices tienen la capacidad de darnos los espectaculares momentos que tiene el videojuego y darles un plus de emoción.
No hemos tenido nada de Abby aquí, pero Isaac ha sido lo que cabía esperar y mucho más. Desenado que sea el siguiente lunes para ver el quinto.
Aquí os dejo la promo del siguiente episodio de ‘The last of us’:
Ya se ha estrenado en las salas de cine de nuestro país ‘Thunderbolts’*, la última propuesta del UCM con esta suerte de ‘Escuadrón Suicida’, que nos llega antes de los esperados ‘4 Fantásticos’ que desembarcan en julio.
Como dijo Deadpool en ‘Deadpool y Lobezno’, el UCM no pasa por su mejor momento y eso es cierto, tantos sus series como sus propuestas cinematográficas no están teniendo el apoyo del público ni grandes recaudaciones (la mayoría están yendo a pérdidas). Supongo que por eso ‘Thunderbolts’* no ha tenido un gran marketing.
La historia de esta nueva cinta nos va juntar, de forma inesperada, a esta caterva de personajes que han sido villanos o secundarios en diferentes filmes de Marvel que se verán obligados a trabajar juntos. Ciertamente eso no es algo novedoso ni innovador, pero la cinta sabe manejarlo de una manera orgánica para que no se tenga la sensación de que se han reunido por arte y gracia del guion nada más.
El mayor acierto de ‘Thunderbolts’* es que no aspira a ser una superproducción o el eje principal de algo más complejo, solo pretende entretener sin aspavientos y lo consigue. Estamos ante una cinta que no tiene pretensiones, pero lo que hace lo hace suficientemente bien como para que el espectador salga bastante satisfecho de la sala de cine.
Otra gran ventaja que ha tenido esta propuesta de Marvel es que poca gente esperaba algo grande de ella y no jugaba contra el peso y la presión de las expectativas. Ha sabido interpretar su papel de película pequeña y sin hacer ruido ganarse al público y a la crítica.
La cinta sabe darle espacio a cada uno de los integrantes de este variopinto grupo, aunque el protagonismo recae sobre todo en Yelena(Florence Pugh), que defiende su personaje de manera muy solvente y se echa la película a los hombros. Tanto Bucky, como Walker, Red Guardian o Taskmaster están como su acompañamiento perfecto y pese a sus momentos para brillar, siempre quedan en un segundo plano. Otro punto a favor es Bob, este personaje es otro pilar importante dentro de la trama.
Pugh interpreta a la perfección ese papel del líder que no desea serlo y que acaba encontrando la forma de liderar a un grupo de personas que no trabajan demasiado bien entre ellas.
El resto de actores y actrices dan la talla, ya que tampoco es que el guion les exija demasiado, aunque debo destacar a David Harbour, que consigue ser ese alivio cómico que si funciona y tiene algún momento para ser el apoyo necesario para Yelena.
Hablando de comicidad, ‘Thunderbolts’* no abusa del humor, lo que nos lleva a una cinta algo más seria (y por momentos oscura) y eso le sienta genial. La recta final, cuando el villano despliega su poder, se dejan a un lado los chascarrillos y el tono cambia y eso lo ha echado en falta en algunas otras propuestas que no han sabido frenarlo.
Las escenas de acción funcionan a la perfección, el enfrentamiento entre los miembros de los ‘Thunderbolts’* que hemos visto en el tráiler está muy bien llevado y nos deja algunos momentos brillantes y los efectos especiales están a la altura de una gran producción.
La mayor parte del CGI se lo llevan los poderes del antagonista y pese que no es un despliegue abrumador, no hay momentos en los que les veamos las costuras y eso es de agradecer, ya que llevamos una racha en la que nos encontramos demasiados altibajos en lo que a efectos especiales se refiere dentro de una misma cinta.
Conclusión
‘Thunderbolts’* es una agradable sorpresa, que sin hacer ruido ha conseguido ganarse al público con una propuesta que no arriesga, pero que cumple con lo que promete: Acción, entretenimiento y evasión.
En UCM que hace aguas y que muchos dan por muerto, este soplo de aire fresco le ha dado un respiro y nos deja claro que si Marvel se lo propone puede sacar esto adelante.
‘Thunderbolts’* ha conseguido, pese al evidente protagonismo de Yelena, que todos los personajes puedan tener su espacio en una cinta coral que podía haber caído en la trampa de inclinarse hacía unos más que hacia otros.
Este filme no es perfecto, ni lo pretende, pero le saca partido a las cartas que le han tocado y no se le puede pedir más.
‘Thunderbolts’* es una propuesta recomendable para ver en cine para echar un buen rato con estos personajes tan interesantes que no han sido más que meros secundarios en el pasado y que aquí se han ganado su protagonismo.
PD: La segunda escena post-créditos si nos une la película con lo que está por venir en el UCM.
Dirigida por el fantásticoBilly Wilder, El crepúsculo de los dioses, más conocida por su título original Sunset Boulevard (en algunos países El Ocaso de una Vida o El Ocaso de una Estrella), es una de las películas más icónicas de la historia del cine y está considerada como una de las mejores de todos los tiempos, habiendo derivado en varios musicales para teatro hechos por autores como Lloyd Weber. Nos muestra el cine en su época de máximo esplendor, cuando surgieron obras que siguen viéndose hasta el día de hoy. Sin embargo, también nos presenta una cara más amarga de esta industria, al narrar la historia de Norma Desmond (Gloria Swanson), una gran actriz del cine mudo que perdió su fama con la llegada del sonoro.
Pasemos ahora a ver de qué trata la película y, dado que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA, recomiendo a quienes no la hayan visto y no quieran enterarse del argumento que directamente salten al subtítulo Ser un Guionista.
La película comienza con Joe Gillis (William Holden), quien está siendo buscado por unos cobradores por no haber pagado el alquiler de su coche. Sin dinero, les engaña diciendo que lo ha prestado y logra escapar. Luego se dirige a la oficina de un productor de cine para intentar vender algunos guiones, pero estos son rechazados por falta de calidad, algo que le recalca la secretaria del productor, Betty Schaefer, (Nancy Olson) quien dice haberlos leído todos y no encontrar ninguno destacable.
Después de la reunión, Joe habla con su agente, que no muestra demasiado interés por su situación y se niega a prestarle dinero. Al salir, se sube a su coche, pero ve que los cobradores lo han seguido y sabe que le quitarán el vehículo si lo alcanzan. Huye entonces a toda velocidad hasta que una rueda revienta, lo que le obliga a refugiarse en una gran mansión en Sunset Boulevard, aparentemente abandonada, donde logra despistarles.
Una vez dentro de la propiedad y tras dejar el coche en el garaje, Joe se sorprende por el tamaño de la casa, comparable a las de las grandes estrellas de Hollywood, aunque visiblemente descuidada. Curioseando, una mujer le llama desde una ventana diciendo que ha llegado tarde y el mayordomo le abre la puerta.
Joe, aún confundido, sigue las instrucciones del mayordomo para subir a una habitación, donde descubre que el cadáver que deben preparar para el ataúd es el de un mono. La habitación es excesivamente glamurosa y ornamentada. La mujer le pregunta si encontró un ataúd en buen estado y que lo prefiere de color rojo. Joe la reconoce: es Norma Desmond, una antigua estrella del cine mudo, quien insiste en que sigue siendo una gran estrella.
Joe intenta marcharse, incómodo por la situación, y le dice que no es más que un guionista desempleado. Antes de que se vaya, Norma le pregunta si de verdad es guionista y, al confirmarle que sí, ella le enseña un guion en el que ha estado trabajando con la intención de rodarlo y regresar al cine bajo la dirección de Cecil B. DeMille. Como el texto necesita correcciones, le propone que se quede en la mansión para ayudarla, con paga incluida.
Joe acepta pasar la noche, pero al despertar descubre que Max (Erich von Stroheim), el mayordomo, ha trasladado todas sus pertenencias a la mansión, informándole que vivirá allí mientras dure la revisión del guion. Joe, molesto, habla con Norma, quien le asegura que no tiene de qué preocuparse, ya que le ofrece un sueldo y un lugar donde quedarse. A regañadientes, Joe acepta.
Los días pasan y Joe se va acercando cada vez más a Norma, viendo películas en las que ella era la protagonista o acompañándola en reuniones con amigos mayores y aburridos. Llega Nochevieja y Norma lleva a Joe de compras para que tenga un traje nuevo para la fiesta que va a celebrar. Quiere comprarle el más caro, pero él se resiste por no quedar en deuda.
En la mansión, Joe nota que su habitación no tiene pomo en la puerta. Al reclamarlo, Max le explica que ninguna puerta en la casa lo tiene por recomendación del médico para evitar más intentos de suicidio. Joe le pregunta por qué Norma está deprimida si aún recibe cartas de sus fans y Max le confiesa que él mismo las ha estado enviando durante todo este tiempo.
Durante la fiesta de Nochevieja, mientras Norma prepara todo, Joe baja y pregunta si vendrán más invitados. Max le dice que no, que solo estarán ellos y los músicos. Joe, sorprendido, va al salón y encuentra a Norma esperándole para bailar. Ella le confiesa su amor, pero no es correspondido y Joe, abrumado, decide marcharse.
Se va a casa de su amigo Artie Green (Jack Webb), quien está celebrando una fiesta. Allí se encuentra con Betty Schaefer, con quien conversa. Ella le confiesa que quiere ser guionista y ve potencial en uno de sus guiones. En ese momento, Artie les interrumpe para presentar a Betty como su prometida.
Joe recibe una llamada de Max, quien le informa que Norma ha intentado suicidarse. Regresa de inmediato a la mansión. Max le pide que mantenga las apariencias ante los músicos que siguen tocando. En la habitación, Joe encuentra a Norma con vendas en las muñecas. Ella le dice que estar enamorada de él es lo más estúpido que ha hecho, y Joe le responde que al menos ella le ha ayudado y no se irá hasta asegurarse de que no se volverá a hacer daño.
Pasan los días y Joe continúa viviendo con Norma hasta que Betty le llama porque quiere que escriban juntos el guion que le había mencionado. Max le responde y le pide que no vuelva a llamar. En una salida nocturna, Joe se topa con Betty, quien le pide que colabore con ella, ya que no quiere quedarse como una simple lectora de guiones. Max les interrumpe y Joe se va.
Poco después, Norma se presenta en los estudios de Paramount, convencida de que la han estado llamando por su guion. Sin embargo, descubrimos que solo quieren utilizar su coche para una película de época. Aun así, DeMille la recibe amablemente y le pide que espere mientras termina de rodar una escena. Mientras espera, varios miembros del equipo la reconocen y se acercan emocionados a saludarla, lo que refuerza su ilusión de que sigue siendo una gran estrella.
Durante esa visita, Joe se encuentra con Betty y le propone escribir juntos por las noches. Ambos comienzan a trabajar en el guion y pasan mucho tiempo juntos, desarrollando un fuerte vínculo. Betty acaba confesándole que tiene dudas sobre casarse con Artie. Caminando juntos, le cuenta cómo de pequeña soñaba con ser actriz, hasta que renunció a ese sueño. Acaban besándose.
Al regresar a la mansión, Max le advierte a Joe que no debería escabullirse, ya que sería peligroso si Norma se entera. Joe y Max discuten, y este último revela que fue él quien descubrió a Norma cuando era director de cine, y que además fue su primer marido.
Norma descubre a Joe y llama a Betty para amenazarla. Joe, enfadado, la llama y le pide que vaya a la mansión. Cuando Betty llega, Joe le dice que solo está allí por compasión hacia Norma y que no se merece estar con alguien como ella. Betty, llorando, le pide que se vayan juntos, pero Joe se niega y la acompaña a la puerta.
Joe comienza a hacer las maletas para marcharse, pero Norma le suplica que no se vaya. Al ver que él no cede, saca una pistola y amenaza con suicidarse. Joe, indiferente, se marcha, y al cruzar el jardín hacia la piscina, Norma le dispara, acabando con su vida.
Al día siguiente, la policía y la prensa llegan a la mansión y encuentran el cadáver de Joe flotando en la piscina. Norma, ajena a la realidad, se maquilla y se prepara como si fuera a rodar una película. Max le dice que la escena está lista para rodar y la policía coopera con la farsa para lograr que baje. En las escaleras, Max le dice que está interpretando a una reina bajando por su palacio. Norma desciende, actuando para las cámaras, convencida de que sigue siendo la gran estrella que siempre creyó ser.
Ser un guionista
Sunset Boulevard es una película con un guion impresionante. A pesar de ser una cinta de los años 50, se siente en su ritmo como una película rodada en la actualidad. Con muy poco, conocemos perfectamente a los personajes. Desde el primer momento, cuando Joe se convierte en narrador, entendemos que se ve a sí mismo como un guionista de poca calidad, y que lo que más anhela es tener una mansión como en la que terminará muriendo.
O la introducción de Norma, donde, aunque no sabemos nada de ella, percibimos la excentricidad de su personaje y la profunda soledad que la envuelve. En su guion, Sunset Boulevard expresa de forma fantástica cómo funciona Hollywood, especialmente en la escena de Norma en el plató, que es un trabajo de guion absolutamente brillante.
Pero además, la cinta aborda el trabajo del guionista desde un punto de vista muy personal, ya que Billy Wilder, el director de la película, comenzó su carrera precisamente como guionista. La película muestra cómo la industria no da importancia a los guiones: no sabe si aceptar los guiones genéricos, pero también teme aquellos demasiado originales, lo cual limita enormemente a los guionistas al no poder desarrollarse con libertad.
Wilder también expone cómo se ignora a quienes escriben los guiones. El personaje de Joe se queja en varias ocasiones de la falta de compromiso de la industria con los guionistas, lo cual hace que apenas reciban reconocimiento. Además, es curioso que el único personaje que está trabajando activamente para Hollywood (Joe) sea precisamente el único que no entra al plató de la película, mientras que la única que sí lo hace es la “estrella”.
Betty y Norma
Betty y Norma son dos grandes personajes contrapuestos en la película. Aunque a primera vista parecen completamente diferentes, en realidad son bastante parecidas. Betty es una joven a la que toda su familia preparó para ser una estrella, pero siempre había un “pero” que la frenaba. Aun así, nunca dejó de intentarlo hasta que no pudo más y siempre siguió amando el cine. Le apasiona transmitir emociones a los demás y ella misma lo expresa al decir que quiere ser guionista y no solo una lectora. Con el personaje de Betty, Wilder quería mostrar que, aunque la industria pueda ser difícil, con esfuerzo es posible encontrar un lugar en ella, de una forma u otra.
Norma, en cambio, representa justo lo contrario. Sabemos que durante la época del cine mudo fue una gran estrella, pero con los años fue perdiendo su fama. A diferencia de Betty, Norma no amaba el cine en sí. Esto se percibe claramente cuando ve películas con Joe: solo le interesa verse a sí misma en pantalla. Norma simboliza lo opuesto a Betty, ya que está completamente centrada en la fama. Esa obsesión la llevó a perderse en su propio reflejo y a ser incapaz de aceptar que ya no era la estrella que fue.
Norma Desmond
Norma Desmond es uno de los mejores personajes de la historia del cine. A pesar de sus errores, representa de forma magistral los efectos que puede provocar la fama. Norma es una persona egoísta, centrada únicamente en sí misma, que haría cualquier cosa por recuperar su estatus. No ama a Joe por quien es realmente, sino porque él le presta atención constantemente.
Al mismo tiempo, Norma simboliza los peligros de la salud mental, un tema al que pocas veces se le ha dado la importancia que merece dentro de la industria. Su obsesión la lleva a cometer varios intentos de suicidio, un asunto que en la época apenas se trataba abiertamente. A lo largo de la película, vemos como todos a su alrededor le han dado la espalda. Esto se muestra claramente en la escena del plató: al principio todos se acercan con entusiasmo, la reconocen, la admiran…, pero al cabo de un rato la atención se desplaza y vuelve a quedar en segundo plano. Metáfora perfecta de su carrera.
Pero más allá de todo eso, Norma encarna aquello de lo que cualquier actriz —o actor— debería alejarse. Wilder la creó como un arquetipo de todo lo que puede salir mal con la fama: es el reflejo de una vida centrada en el reconocimiento externo, no en la pasión por el arte. Una vida en la que se da más valor a la fama que a la propia persona.
Hay que destacar también el extraordinario trabajo de Gloria Swanson, que ofreció una de las mejores interpretaciones de la historia del cine. Consiguió transmitir con enorme maestría tanto la tristeza como la excentricidad de Norma Desmond, un papel que le valió una merecida nominación al Óscar.
El centro de atención
Billy Wilder es uno de los directores más icónicos de la historia del cine y no es para menos si revisamos su filmografía. Un claro ejemplo de su maestría es la escena del plató en Sunset Boulevard, una secuencia con una dirección sencillamente magnífica.
Desde el primer momento, cuando Norma llega al estudio y no la dejan pasar hasta que aparece el jefe, se nos presenta una introducción brillante. Esa escena deja claro que el tiempo de Norma ha pasado: su nombre, aunque aún recordado por algunos, ya no tiene peso en la industria, especialmente entre los más jóvenes.
Una vez dentro del plató, DeMille la recibe con respeto, aunque sepamos que todo es una farsa. Norma se sienta y el primero en reconocerla es un operario de luces, quien, en un gesto casi simbólico, dirige el foco directamente hacia ella, glorificando su imagen. A partir de ahí, otros miembros del equipo comienzan a identificarla, primero los de mayor edad hasta que, poco a poco, todos se acercan, fascinados de que alguna vez fue alguien importante.
Pero todo cambia cuando DeMille interrumpe el momento para continuar con el rodaje. La atención sobre Norma desaparece por completo. Es una escena maravillosa que muestra con precisión cómo funciona Hollywood: te da toda su atención, te rodea de admiradores, pero solo por un instante… hasta que llega el siguiente proyecto. Entonces, pasas a ser solo un recuerdo.
El amor por el cine
Aunque haga una crítica muy dura sobre el trato que reciben las estrellas en Hollywood, Sunset Boulevard hace, al mismo tiempo, un homenaje precioso al cine. Habla sobre la importancia de respetar lo que las personas han hecho en el pasado, y cómo no deben ser vistas solo como modas pasajeras, sino como artistas que lograron dejar huella en la memoria colectiva.
También, a través del personaje de Betty, se nos transmite la idea de que las películas deben contar algo más que una simple historia: deben transmitir un sentimiento, una emoción que perdure en el espectador. Por eso es que ella rechaza los guiones de Joe y sueña con ser guionista a pesar de haber fracasado como actriz. Quiere expresar, quiere conmover…
¿El mejor final de la historia?
El final de Sunset Boulevard es, sin lugar a dudas, uno de los mejores de la historia del cine. Toda la escena es magnífica: desde cómo Norma se arregla para salir o cómo ignora por completo a los policías hasta cómo Max prepara la entrada, no de una criminal, sino de una «estrella» frente a los periodistas.
Norma no solo baja las escaleras creyéndose una reina: ese descenso es el reflejo de su caída definitiva a la locura. Ya no le queda nada. Joe le ha mostrado la verdad, le ha dicho que ya no es querida, que sus fans ni siquiera existen. Y Norma, en lugar de enfrentarlo, decide abrazar su mentira y vivir dentro de ella. Se convence de que sigue siendo la gran estrella del mundo.
Esta escena está interpretada de manera magistral por Swanson, quien nos muestra no solo la locura de Norma, sino también toda la fragilidad emocional de alguien que ha sido olvidada y rota por dentro. Una de las mejores actuaciones de la historia.
Sunset Boulevard rompió esquemas en su época al exponer las fallas de la industria hollywoodense y los efectos devastadores que puede tener sobre quienes trabajan en ella. Pero, en el fondo, también presenta un inmenso amor por el cine, por el arte de contar historias. La película muestra la desgracia que puede esconder la magia del séptimo arte, pero también su belleza imperecedera.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Batman La Saga de Ra’s al Ghul. DC Edición Facsímil. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Batman La Saga de Ra’s al Ghul. DC Edición Facsímil. La edición definitiva
Hay sagas míticas. Hay momentos que marcan una era. Y luego está La saga de Ra’s al Ghul, esa obra que podría poner en su tarjeta de presentación “yo inventé el blockbuster en los cómics”. Y ahora, gracias a Panini y su línea DC Facsímil, podemos revivir este clásico con olor a imprenta antigua y papel que hace “crunch” al pasar página. Una edición que te dice a la cara: “te saco músculo, soy tamaño grande, no me ignores”.
Vamos a lo esencial. Esto no es una reedición cualquiera. Es un homenaje a la historia del cómic, un pedazo de arqueología narrativa empaquetado en un formato que parece decir: “aquí se viene a leer con las manos bien limpias y el corazón dispuesto a ser atravesado por una espada de la Liga de los Asesinos”. Porque sí, aquí Batman se enfrenta a uno de sus grandes enemigos, Ra’s al Ghul y Bruce Wayne a su amor por Talia.
El cómic reúne los míticos episodios publicados originalmente en Batman 232, 242, 243 y 244, entre otros, todos ellos con guion de Dennis O’Neil y dibujos del inconmensurable Neal Adams. Pues prepárate para una montaña rusa emocional con capas, puños, traiciones, nieve, camellos y hasta topless masculino si te fijas en cómo Adams dibujaba a Bruce Wayne en la batalla final. Esto es Batman, sí, pero también es una película de espías, una novela pulp, y un culebrón intercontinental. Una maravilla.
La edición de Panini es una joyita. Tamaño mega-gigante, papel que emula el satinado antiguo y una reproducción casi exacta del original americano. Es como tener una máquina del tiempo en tus manos pero sin el riesgo de alterar la línea temporal y acabar siendo tu propio abuelo. Y el tamaño… ¡ay el tamaño! Esto no es un cómic, es una declaración de intenciones. Es el equivalente editorial de ponerse una capa y salir a patrullar la ciudad con una linterna morada y el tema de Danny Elfman sonando en tu cabeza.
Este cómic es, además, el ejemplo perfecto de que Batman no es solo un tipo que reparte justicia entre callejones oscuros y villanos disfrazados de payasos. Aquí lo vemos vulnerable, emocionalmente dividido, y eso lo hace más humano que nunca. ¿Quién no ha tenido una cena incómoda con el suegro? Pues Batman la tiene mientras Ra’s intenta dominar el mundo. Poca broma.
¿Y qué decir de Neal Adams? Cada viñeta es una lección de anatomía, perspectiva y dramatismo. Sus splash pages son como ver una ópera en llamas. En serio, si después de leer esto no quieres tatuarte a Batman a lomos de un caballo, no sé qué decirte. Quizá estás muerto por dentro.
Para los lectores veteranos, esto es como reencontrarse con un viejo amigo que sigue en forma. Para los nuevos, es una puerta de entrada a un momento en que DC estaba más viva que nunca, apostando por historias ambiciosas y sin miedo a explorar el alma de sus personajes. La Liga de los Asesinos no era solo una organización criminal, era el reflejo oscuro del idealismo fallido.
Y ojo, que esta edición llega justo cuando muchos piensan que ya lo han visto todo de Batman. Error. Si no has leído esta saga en condiciones, con este formato extra, te estás perdiendo una experiencia cultural y estética de primer nivel. No es solo nostalgia, es historia viva del noveno arte.
Así que ya sabes: corre, vuela (como un murciélago en celo), y hazte con este cómic. Tu biblioteca te lo agradecerá, aunque no sabrás donde meterlo de lo grande que es.
Con la aparición de un hombre llamado Ra’s al Ghul, el mejor detective del mundo debe resolver el secuestro de la hija de éste, Talia, y de su propio compañero, Robin. Una épica aventura en 76 páginas en formato de proporciones gigantes. Este facsímil reproduce al completo la icónica saga de Ra’s al Ghul.
Hará tres años que se anunció Havoc, una nueva apuesta de Netflix por el cine de acción, sin duda el género que mejor se le da, ahí tenemos, Tyler Rake o La vieja Guardia, entre muchas otras.
Además la dirección corría a cargo de Gareth Evans, uno de los grandes revitalizadores del género con la bilogía The raid.
Cierto es que la primera colaboración de Evans con Netflix, El apóstol, fue un quiero y no puedo. Pero después del filme Evans nos sorprendió con Gangs of London, cuya primera temporada (única que he visto hasta el momento) es un deleite para los fans de la acción.
Pero cuando el río suena…
En febrero de 2022 ya os hablé de Havoc como uno de los estrenos de la plataforma de ese año. Finalmente no se produjo. Así cada año fui recordándola hasta que hace un año hablaba de la ausencia nuevamente de Havoc como estreno. Me referí a ella como una película abocada a la cancelación como ocurrió con la película de Halle Berry, The mothership. Pero finalmente se ha estrenado. Vamos a ver en qué ha fallado (que ha sido en casi todo).
Lo importante de contar con una buena historia
Pues Estragos (Havoc) es la Carter del 2025, aquella cinta de acción que se estrenó en 2022 y que fue un auténtico despropósito. A diferencia de aquella, Estragos (vaya tela con el título, mucho mejor haberle puesto Caos o el original Havoc) cuenta con buenas escenas de acción física. Pero hasta aquí podemos hablar de lo bueno, además de acción no hay mucha por lo que la cinta se acaba siendo pesada pese a su duración de 105 minutos.
Gareth Evans nos entrega un puro pastiche policiaco, que recuerda a mil películas, como Dueños de la calle con la que comparte a Forest Whitaker y policías corruptos hasta la médula o Dark Blue. Actores de la talla de Timothy Oliphant o Forest Whitaker salen muy mal parados por lo endeble del guion. Tom Hardy sin embargo si tiene algo más de chicha en su personaje pero no da para mucho más.
Y es que Estragos es la quintaesencia del cliché, policías corruptos y el poli malo que busca la redención. Después tenemos bandas criminales orientales y una pandilla de descerebrados que tratan de robar a los criminales. En esas es donde Hardy tiene que actuar para salvar al hijo criminal de un político, interpretado por Whitaker.
Muy buenas escenas de acción pero horrendo CGI
Cuando se desata la acción, sobre todo física, vemos un Hardy desatado, especialista en artes marciales dando y recibiendo por todos los lados. La acción es visceral, marca de la casa y a este respecto no tengo ninguna pega. Lo que sí me sorprende es la horripilante persecución con la que comienza la película y es que Evans recurre al CGI para todo y luce francamente mal, además es una escena larga lo que hace que se te haga eterna e insufrible al no ser nada real.
Si que es verdad que hay (cierta) inspiración en las dos escenas de tiroteos, la de la discoteca y la de la cabaña, ambas muy disfrutables. Pero cuando llegamos al clímax, la escena de la cabaña, llegamos exhaustos ante tanto sopor.
Consideraciones finales
Estragos era una de mis esperadas de este 2025 y lamento mucho traeros esta crítica. No entiendo a Evans aquí. No comprendo porque hace uso del CGI para la escena de la persecución y el abuso del mismo en las escenas de acción. El director que nos trajo The Raid o la excelente primera temporada de Gangs of London patina claramente. Esperemos que para el próximo proyecto esté más inspirado.
Sinopsis
«Tras un robo de drogas, un policía lucha contra el submundo criminal de una ciudad corrupta para intentar localizar al hijo de un político».
Finalmente y tras larga espera, Netflix ha estrenado este pasado miércoles la primera temporada de El Eternauta que, creada y dirigida por Bruno Stagnaro, cumple la difícil tarea de llevar a la pantalla el legendario cómic creado por H.G. Oesterheld y F. Solano López. Vistos los seis episodios que la componen, te damos nuestra opinión…
Cuando hace algo más de cinco años publiqué por primera vez en esta web, mi artículo debut fue justamente uno que anunciaba que Netflix realizaría la serie basada en El Eternauta, emblemático cómic argentino de ciencia ficción publicado en los años cincuenta con guion de H.G. Oesterheldy dibujo de F. Solano López. Mucho ha pasado en el medio, pero hemos estado siempre al pie del cañón ante cada nueva noticia sobre una realización que se fue atrasando por diversas razones, pandemia entre ellas.
Y el día, finalmente, ha llegado. La serie El Eternauta acaba de ser estrenada y aquí estamos para analizarla. Mucho me había preguntado si para estas horas estaría llorando mi decepción por ver destruida mi adolescencia o aullando de felicidad por tener a la vista una adaptación a la altura que tamaña historia merece. No sé si ha sido para tanto como eso último pero, vistos los seis episodios de esta primera temporada, las sensaciones se acercan más a lo segundo que a lo primero, siendo el balance altamente positivo e incluso sorprendente en varios aspectos.
El Eternauta está dirigida por Bruno Stagnaro, prestigioso realizador argentino responsable del premiado filme Pizza, Birra, Faso (1998) y de la aclamada miniserie Okupas(2000). El papel principal corre a cargo de Ricardo Darín (El Hijo de la Novia, El Secreto de sus Ojos, Argentina 1985), lo cual, a pesar de haber sido cuestionado por algunos fans debido a la edad del personaje, es una gran jugada de Netflix para dar al producto proyección internacional, pues ninguna duda cabe de que Darín es, hoy por hoy, el actor argentino más conocido en el mundo.
La Nevada
La historia, tal como es presentada en la serie (ya hablaremos puntualmente de las diferencias con el cómic) comienza con tres muchachas adolescentes que, en una escapada clandestina de cigarros y alcohol, navegan en la noche a bordo de un velero por el Río de la Plata cuando ven de pronto encenderse en el cielo nocturno una especie de aurora boreal y apagarse las luces de la ciudad a lo lejos, en la costa. El oleaje comienza a sacudir violentamente la embarcación y una de las jóvenes, que queda encerrada en la cabina, ve con espanto cómo sus amigas caen sin vida sobre la cubierta…
De allí nos vamos a las cercanías de la ciudad de Buenos Aires (Vicente López, unos pocos kilómetros al norte), donde vecinos golpean cacerolas en protesta por la falta de energía eléctrica, trampa argumental para hacernos creer que se trata del mismo apagón que las chicas vieron desde el río, pero ya sabremos que el mismo no se ha producido aún…
Esquivando con sus amigos los cortes de tránsito, Juan Salvo (Ricardo Darín) llega al apartamento de Alfredo “tano” Favalli (César Troncoso), donde ambos se trenzan en una partida de truco junto a Lucas Herbert (Marcelo Subiotto) y el “ruso” Polski (Claudio Martínez Bel) mientras Omar (Ariel Staltari) se mantiene al margen. Súbitamente se corta la luz y no pueden evitar relacionarlo con las protestas en las cercanías, pero la cosa se pone extraña cuando (inusual en la zona y más en pleno verano) comienza a nevar…
Pronto descubren que hay algo raro en la nevada, pues todo lo que la misma toca, humano o animal, cae muerto allá afuera, como lo testimonia la cadena de choques que se producen al morir los conductores de los autos que están en ese momento en circulación.
Es obvio que no se puede salir afuera, así que, junto a Ana (Andrea Pietra), esposa de Favalli, quedan aislados e incomunicados, entrando Juan en desesperación por no saber nada de su hija Clara (Mora Fisz), de la cual caemos en la cuenta que es la muchacha del velero y que él supone en casa de su ex esposa Elena (Carla Peterson), pero no tiene forma de confirmarlo a menos que vaya.
A Favalli le gusta coleccionar cosas antiguas (dice que son las que funcionan) y entre ellas tiene una máscara antigas traída de Europa que, acompañada por un traje aislante improvisado, sirven a Juan para salir al exterior y evitar el contacto de su piel con la nevada mortal que, según puede con espanto comprobar, ha causado estragos y dejado un desolador panorama por todas partes.
Después de un altercado con los vecinos del edificio en que vive Elena y tras enterarse que Clara no está allí por haberse ido con una compañera de colegio, la situación se vuelve harto angustiante para ambos padres, que salen desesperadamente a buscarla.
A la par de ello y sin ánimo de contar mucho más, vamos viendo cómo, poco a poco y a pesar de las presunciones pseudo-científicas de Favalli (magnetismo, caída de los polos), se va revelando que detrás de la nevada hay algo más y tiene que ver con una invasión alienígena, sin perjuicio de tensos encuentros con otros sobrevivientes que se traducen en individualismo feroz y falta de solidaridad. Pero también hay quienes buscan aunar voluntades para resistir y enfrentar lo que sea que se haya cernido sobre la Tierra…
El Héroe Colectivo
Tuve sensaciones encontradas mientras veía los tres primeros episodios y hasta diría un deje de decepción. No solo por los cambios con respecto al material de origen (en definitiva esperables), sino porque la serie exhibe hasta allí cierta lentitud en la trama y una fotografía demasiado oscura (especialmente en interiores), además de dar excesivo lugar al drama familiar por encima del problema principal (la nevada y las progresivas revelaciones en torno a la misma).
Desde el cuarto episodio es todo diferente: la historia se acerca mucho más al cómic (con el combate de la General Paz como momento de quiebre) y los giros, aun cuando conocidos para los lectores, van acercando la serie a lo que El Eternauta verdaderamente es: una historia de ciencia ficción sobre una invasión alienígena que apunta a la unidad y el esfuerzo colectivo como medios de superación ante cualquier crisis, incluso la peor.
No hay que olvidar que el material de origen está escrito en los cincuenta y llevarlo a la pantalla implicaba sus riesgos, pues había quien, por desconocimiento, pudiera tomar al producto como mero remedo de la serie Falling Skies o la franquicia Metroque, por el contrario, habrán probablemente abrevado en El Eternauta (en el caso de Falling Skies, las similitudes son descaradas).
O que se pareciera a una serie postapocalíptica en el estilo The Walking Dead, The 100, Snowpiercer, The Last of Us, Hacia el Lago o tantas otras del género y de las que pueden leer nuestros análisis pinchando en los correspondientes links. Y en los primeros episodios, justamente, la impresión es que se hubiera buscado deliberadamente acercar el producto a tales propuestas, adosándole además una historia de padre que busca a su hija en medio del apocalipsis y que podría remitir peligrosamente a San Andrés (2015), solo por nombrar un caso.
Vista la temporada al completo, sin embargo, nos damos cuenta que la serie ha buscado deliberadamente engañarnos en su primera mitad. No solo por las pistas falsas del magnetismo y demás, sino también por el protagonismo dado a los propios conflictos entre sobrevivientes que derivan en un sálvese quien pueda salvaje, caníbal y ajeno a toda solidaridad.
Esos conflictos no serán luego la trama principal de la serie sino su punto de despegue para mostrarnos cómo la unidad ante un enemigo en común que hasta allí no vemos (y que terminada la temporada seguimos sin ver) es lo que, en definitiva, lleva a superar cualquier lucha entre individuos o facciones. El peligro, claro, es que el espectador pudiera bajarse de la propuesta antes de llegar a eso: ojalá que no…
No hay que olvidar que El Eternauta fue originalmente escrito en un contexto político especial tras el golpe de estado que despojara del poder al presidente Juan Domingo Perón y en coincidencia con la efervescencia de movimientos rebeldes que, a cargo de sindicalistas o militares leales al mandatario depuesto, intentaron sin éxito desbancar al gobierno de facto que le había sucedido.
No es cierto, como se lee hoy en algún sitio español, que El Eternauta haya estado prohibido en Argentina: jamás fue así. Su tono de historia de ciencia ficción lo hizo suficientemente impermeable a los censores, habitualmente poco duchos para leer entre líneas. En cambio, y ya en los setenta, su autor H.G. Oesterheld fue perseguido, detenido y desaparecido por la última dictadura debido a su militancia política, para ese entonces más acentuada y corrida a la izquierda.
A lo que voy con todo esto es a que es un gran desafío rescatar ese sentido original, pero a la vez adecuarlo a una nueva realidad en la cual, por ejemplo, Argentina lleva más de cuatro décadas en democracia como la mayoría de las naciones latinoamericanas. La historia no se ubica en este caso en los cincuenta (de haberlo hecho, estaríamos ante una ucronía o universo alternativo) sino que ha sido llevada a la actualidad y ello torna imprescindible darle otro contexto sin perder la idea guía: que nadie sobrevive solo y que el único héroe verdadero es el héroe colectivo.
No es que no haya referencias a la dictadura: las hay pero bastante indirectas. Uno de los giros más interesantes al respecto es que Juan Salvo ha sido en el pasado combatiente en la guerra de Malvinas de 1982, teniendo que ver ello con los traumas que arrastra en relación con las armas o la nieve y justificando la tan cuestionada edad del personaje (en el cómic, obviamente y por ser muy anterior, no había referencia a tal conflicto).
Un Sólido Elenco
Ricardo Darín hace un gran trabajo como nos tiene acostumbrados, siendo por cierto la primera vez que le vemos en un papel de este tipo y en contexto de ciencia ficción, género en el cual, por cuestiones presupuestarias, rara vez recalan las ficciones nacionales o latinoamericanas. Su expresividad compensa con creces lo que pintaba como gran problema al llevar el cómic a la pantalla y es que, en el mismo, Juan Salvo expresa mucho en nubes o globos de pensamiento. Darín se las arregla, precisamente, para traducir esos pensamientos a gestos y que no hagan falta palabras.
El resto del elenco cumple y secunda con corrección, tanto Marcelo Subiotto como Andrea Pietra, Carla Peterson o César Troncoso, más allá de que este último, a mi gusto, se repita demasiado en un permanente gesto de susto y ojos desorbitados.
También Orianna Cárdenas en el papel de Inga, inmigrante venezolana y muchacha repartidora de delivery que no está en el cómic y que termina impensadamente sumándose a la resistencia. O Mora Fisz, a quien viéramos en Tierra Incógnita (aquí los análisis de quien suscribe) y que compone de manera creíble a una adolescente conflictuada en medio del apocalipsis .
Una Producción Acorde
Los efectos son de primer nivel y, desde luego, inusuales en producciones latinoamericanas, por lo que se nota que Netflix le puso realmente ganas (y billetes). Toman especial relevancia a partir del cuarto episodio, que es cuando conocemos a los primeros alienígenas, en el cómic llamados “cascarudos”. Hasta la fotografía pareciera mejorar ostensiblemente en la segunda mitad de temporada.
Y si digo que los cascarudos son “los primeros” alienígenas en aparecer es porque no son los únicos ni los definitivos y el propio Favalli acierta en su intuición al decir que no los imagina manejando naves espaciales. Hay algo detrás y la escena final de la temporada dice bastante al respecto, pero no quiero espoilear por si no han leído el cómic. Solo decir que quizás tampoco esté allí la respuesta final a la pregunta sobre quién controla todo…
La referencia a los “ellos”, por cierto, no ha aparecido todavía, como tampoco la justificación del título de “eternauta” que se ganará Juan Salvo, de momento solo débilmente esbozado en las visiones que tiene y de las que nada dice.
Quienes estén familiarizados con los lugares reconocerán muchas localizaciones a las que impacta ver cubiertas por la nevada mortal, lo mismo que nos ocurriera años atrás a muchos al leer el cómic por primera vez. Hay, de hecho, algo fuertemente local y muy argentino en la serie, siendo digno de mención que no se haya buscado despojar al producto de ello para hacerlo más global y fácilmente consumible. Juro que en un momento volví atrás para poner el audio en inglés y oír cómo se las apañaban para decir “el burro no la pone por hermoso, sino por cargoso”…
El truco, en tanto y como juego de naipes, no solo está presente (como en el cómic) por su fuerte arraigo en el medio local, sino que además representa a la perfección la idea de jugar en equipo y, de hecho, hay en la serie una segunda partida (no en el cómic) en la cual se aprecia cómo Lucas, ya controlado por los alienígenas, pasa a comportarse de manera puramente individual durante el juego en perfecta analogía con lo que está ocurriendo en su interior.
Llama la atención, eso sí, la particular convivencia de elementos actuales con otros más retro. No lo digo solo por Favalli, que tiene discos de vinilo, un equipo de radioaficionado y una Estanciera (probablemente uno de los vehículos más argentinos que hayan existido), sino por todo en general. Algunos autos de última gama conviven con otros de los setenta u ochenta que hasta tienen reproductores a cassette. Y los locales comerciales parecieran lucir carteles de estilo setentero, al igual que los escaparates en su interior.
La banda sonora se presta al toque retro y no hablo de la música compuesta por Federico Jusid que, sin ningún leitmotiv épico o memorable (tampoco creo que lo busque), sabe adaptarse a las distintas situaciones y volverse, por ejemplo, experimental, disonante y con violines chirriantes durante los combates con los cascarudos.
Hablo más bien del cancionero, que transita clásicos del rock argentino de los sesenta, setenta y ochenta como El Reloj (madre mía, qué banda), Soda Stereo, Billy Bond o Manal, y me atrevo a aventurar que se volverá icónica la escena en que Juan Salvo y su grupo se dan ánimos entonando (bueno, más o menos) la canción Jugo de Tomate mientras van en un tren a toda velocidad directo a la muralla de chatarra que cerca la ciudad.
Hay también piezas clásicas del folklore argentino en la voz de Mercedes Sosa o del tango en la de Carlos Gardel, único de los artistas musicales incluidos que es anterior a la publicación del cómic original. De hecho, y a excepción del primero (Noche de Truco), todos los capítulos llevan por título el de alguna canción argentina y hasta italiana, como Paisaje (Paesaggio), popularizada por Franco Simone.
Y no faltan sutiles homenajes al cómic casi exclusivos para fans, como la presentación de Ruperto Mosca (Leandro Sansonato) como periodista que se ha unido a la resistencia, el antebrazo repleto de dedos del “mano” (especie que seguramente tendrá alto protagonismo en la segunda temporada) o los nidos de hornero que se ven en algún momento coronar los postes de luz y que no encajan con lo urbanizado de las zonas en que la serie transcurre (el hornero construye su nido con barro y mal puede allí encontrarlo), pero que son claro homenaje a la segunda parte de El Eternauta publicada en los setenta.
Diferencias entre el Cómic y la Serie
. En el cómic, la partida de truco tiene lugar en casa de Juan Salvo y Favalli es uno de los invitados. En la serie, ocurre en el apartamento de este último.
. En el cómic, Salvo no está separado y la suya es casi una familia pin-up modelo cincuenta sin conflictos internos.
. En el cómic, la hija de Salvo no es adolescente, sino niña y se llama Martita en lugar de Clara (Marta era el segundo nombre de Beatriz Oesterheld, hija del autor que tenía apenas un año de edad al publicarse El Eternauta y que, al igual que su padre, sería en los setenta secuestrada y desaparecida por la dictadura). Es cierto que el nombre Marta ha caído bastante en desuso y no cuadraría en una adolescente argentina de hoy en día, pero no hubiera venido mal llamarla quizás Martina.
. En el cómic, la hija de Salvo estaba en la casa al comenzar la nevada, lo mismo que su madre. En la serie, los tres están en lugares separados.
. En el cómic, la máscara con que Salvo sale hacia la nevada es hecha a partir de una escafandra que, al igual que el resto del equipo, tiene en su casa por ser aficionado al buceo. En la serie, es una antigua máscara antigas traída por Favalli de Europa.
. En el cómic no hay tantas referencias a los conflictos entre sobrevivientes ni tampoco tanto protagonismo femenino. En la serie, las esposas e hijas de los protagonistas tienen un rol mucho más marcado y hasta se introduce algún personaje nuevo, como Inga.
. En el cómic, la base de la resistencia está en el estadio de Ríver Plate y la de los alienígenas en Plaza Congreso mientras que en la serie (al menos por lo que hasta aquí pareciera), son los alienígenas quienes la tienen en dicho estadio y la resistencia en Campo de Mayo. Habrá que ver si en algún momento aparece de todas formas Plaza Congreso, pero me da la impresión de que el cambio puede tener relación con lo imposible de cerrar y filmar allí considerando lo transitado del lugar.
Balance de Temporada
En definitiva y después de tanta espera, El Eternauta ha dejado buen sabor de boca más allá del ritmo algo lento de los tres primeros capítulos. La producción marca un antes y un después en la parte visual para las realizaciones locales y las actuaciones, especialmente la de Ricardo Darín, ayudan a hacer creíble una historia en la cual se cuida que los personajes tengan el suficiente desarrollo para verse bien humanos y como “héroes comunes”, tal como sucede en el cómic original.
El único problema es que la temporada concluye sin responder ninguna de las grandes preguntas que ha planteado, como el origen y sentido de la invasión, el porqué de la nevada o la relación entre los responsables de la invasión y las demás especies. Quienes hemos leído el cómic podemos saber algunas respuestas de antemano, pero no todas y permanece aún en la nebulosa, por ejemplo, el camino seguido por Clara después del velero.
Los episodios duran cuarenta y cinco minutos promedio cada uno y el último algo más de una hora, siendo la historia particularmente atrapante a partir del cuarto en la medida en que la trama va presentando giros que no sorprenden a quien ha leído el material original, pero sí a quien no lo ha hecho.
¿Habrá segunda temporada? La buena noticia es que sí. El aviso aparece apenas concluido el último capítulo y no deja de sorprender que Netflix (que habitualmente se toma su tiempo para las renovaciones), haya dado luz verde tan pronto y casi sin estrenarse todavía la serie. Sospecho que ya tendrían halagüeñas proyecciones que, según parece, quedan confirmadas por las buenas cifras de audiencia que la serie estaría teniendo para estas horas.
Ojalá que no sea una espera demasiado larga y ni falta hace decir que nos encontraremos aquí cuando llegue. Hasta la próxima y sean felices…
Se define la sorpresa como esa alteración emocional que te causa algo inesperado, novedoso o extraño, y a veces Netflix tiene la capacidad de sorprender con algunas de sus propuestas. En concreto, con las series de animación que están estrenando en la plataforma, creando un catálogo animado muy interesante. El nuevo estreno, la serie Rey Lobo, me causado una doble sorpresa de esas que no te esperas y que acaban por mantenerte enganchado a sus capítulos casi sin darte cuenta.
La primera sorpresa ha sido su animación; no pude terminar de ver el primer episodio porque me pareció mediocre, su diseño no terminaba de convencerme. Unos días después, le di otra oportunidad por la curiosidad que despierta el aburrimiento y, para mi asombro, empezó a intrigarme su historia. Aunque su animación no es extraordinaria, a medida que pasan los capítulos la serie logra alcanzar un nivel aceptable, cumpliendo con creces su misión de resultar entretenida. Rey Lobo cuenta con ocho episodios que se ven en un suspiro.
La segunda sorpresa fue con su historia. Acostumbrado al contenido genérico de Netflix no me esperaba nada especial, pero como sucedía con la maravillosa El Príncipe Dragón, me ha resultado curiosa su habilidosa propuesta de fantasía. Aunque Rey Lobo tiene sus correspondientes y típicos clichés, logra moverse con soltura entre las reglas mágicas que siempre debe proponer el género fantástico. Ello gracias a una trama que logra transmitir un misterio in crescendo, aunque liviano, unos personajes simpáticos, cuyas personalidades se van definiendo al ritmo de los acontecimientos y unos diálogos ligeros y dinámicos que buscan dar profundidad a la trama.
Rey Lobo, la agradable sorpresa animada que nos ofrece Netflix
Rey Lobo nos narra la historia de Drew, un joven que descubre que es un licántropo cuando la Luna del Cazador despierta sus poderes ocultos. En un mundo dominado por los Leones, que tomaron el control tras la caída de los Lobos, Drew deberá aprender a controlar sus poderes y huir del clan de los poderosos felinos. En sus nuevas aventuras descubrirá que su papel en la guerra que se avecina es mucho más grande de lo que imaginaba, ya que es el legítimo heredero al trono de Lyssia.
Aunque su argumento no se aleja demasiado de otras historias de fantasía épica, siendo el clásico viaje del héroe, logra funcionar por su buen ritmo, el carisma de algunos personajes y un cuidadoso y elaborado diseño de su worldbuilding. Un vasto mundo repleto de lugares misteriosos, misticismo y magia, donde los diferentes clanes son capaces de utilizar la fuerza de los animales a los que representan, algo que le da un plus de interés a la serie.
Logrando plantear un mundo fantástico atractivo y bien construido, con abundancia de detalles que enriquecen la trama sin perderse en explicaciones excesivas. Aunque es verdad que el reino dividido en clanes de bestias antropomórficas recuerda en su concepto a las casas de Juegos de Tronos.
Rey lobo es una serie animada basada en los libros Wereworld de Curtis Jobling. Dirigida por Tom Brass y escrita por Celia Morgan y Andrew Burrell. La música está compuesta por Thomas Haines. Entre su reparto de voces se encuentran los actores: Ceallach Spellman, Nina Barker, Francis José Paterson y Kate Fleetwood. Está producida por los estudios Jellyfish Pictures y Lime Pictures siendo una distribución exclusiva de Netflix.
¿Merece una segunda temporada Rey Lobo?
Rey lobo está obteniendo buenos resultados en la plataforma de Netflix, por lo que es probable que haya una renovación para una segunda temporada. Además, la historia ha quedado abierta, sus tramas no se han resuelto y su final nos deja con un cliffhanger sobre un nuevo León aún más poderoso.
Lo mejor de Rey Lobo es su interesante juego entre las dualidades que vive el protagonista: ¿debe luchar o debe huir?, ¿es un cazador o una presa?, y sobre todo, la doble concepción de su propia naturaleza, pues no sabe hasta qué punto es humano o debe abrazar más bien su poder animal. A partir de esa simple narrativa, la serie es capaz de evolucionar gracias a su acertado sentido mágico de la aventura, donde el despertar de su bestia interior obligará a un chico normal a asumir su destino, uno que lo sitúa como el último descendiente de un largo linaje de hombres lobo.
Otra cosa a destacar de Rey Lobo es su interesante BSO, una melodía que logra fusionar los atributos salvajes de los personajes con la textura de una naturaleza libre, brava e indómita, que nos transporta al punto de origen de una atractiva aventura. Una partitura que logra narrar con intensidad el conflicto interior del personaje y las correctas escenas de combates.
Conclusiones
En definitiva, Rey Lobo consigue superar su modesta animación con un argumento cautivador. A medida que pasan los capítulos, la serie es capaz de crecer para ofrecernos buenos momentos de acción, misterio y ternura. Su diseño de personajes es bastante llamativo, lo suficiente para lograr que nos resulten simpáticos. Cuenta con un guion que explora con acierto el conflicto interior, las dudas y los temores, no solo del protagonista sino de los personajes que le rodean. Aunque su trama del héroe es bastante previsible, hay tejida una hábil oscuridad en su desarrollo que le da el suficiente interés como para disfrutar de su historia.
Si te dejas sorprender por la serie, Rey Lobo será capaz de engancharte gracias a un mundo de fantasía fresco y atractivo, construido sobre las bases de una ligera aventura capaz de ofrecer los elementos necesarios de la fantasía épica: magia, monstruos, líderes antropomorfos, ciudades extrañas, un héroe, un legado y un poder especial para alcanzar su destino.
Si alguien me hubiera dicho que uno de los videojuegos más esperados de este año iba a ser la secuela de un roguelike con estética mitológica y combate frenético, habría levantado una ceja a lo Ancelotti. Pero aquí estamos, en 2025, hablando de Hades II como uno de los lanzamientos más candentes del panorama, y con toda la razón del mundo. Porque el estudio Supergiant Games lo ha vuelto a hacer, ha logrado que la gente no solo quiera jugar, sino vivir dentro de su juego.
El acceso anticipado de Hades II se ha abierto hace muy poco y desde el primer segundo ha dejado claro que esto no es una simple expansión del primero. Esto es una secuela en toda regla, con más profundidad narrativa, nuevos personajes con carisma desbordante y un sistema de combate que pule lo que ya era excelente. Y lo mejor de todo es que esto es solo el principio.
La protagonista, Melinoë, hermana del carismático Zagreus, tiene personalidad propia. No es un clon ni una versión “femenina” reciclada. Es poderosa, decidida y arrastra consigo un aire de misterio que encaja perfectamente con el tono crepuscular del juego. Además, sus habilidades se sienten frescas, dando pie a nuevas combinaciones de armas, mejoras de dioses y estrategias, que hacen que cada partida tenga ese “solo una más” del que ya pecaba el primer Hades.
A nivel visual, el juego es un caramelo. El arte de Jen Zee vuelve a destacar con un estilo inconfundible que mezcla lo clásico y lo moderno con una soltura pasmosa. Cada escenario, cada dios del Olimpo, cada nueva criatura, está diseñada con mimo, como si estuviéramos viendo un cómic animado en tiempo real. Y qué decir del sonido. La banda sonora de Darren Korb sigue pegada al alma del juego, con esas guitarras eléctricas que estallan en los combates y susurran en las pausas.
Pero quizás lo más importante es que Hades II no se conforma con repetir la fórmula. Introduce mecánicas nuevas como la alquimia, ciclos día-noche y una narrativa que va desvelándose poco a poco y que promete mucha más profundidad que su predecesor. El acceso anticipado, lejos de sentirse incompleto, da ya para decenas de horas de juego, y se siente más pulido que muchos títulos completos.
Supergiant Games ha sabido escuchar a su comunidad. Las mejoras de calidad de vida, los ajustes al balance de juego y la inclusión de nuevas voces mitológicas se nota que están hechas con cuidado y pasión. Y eso, en una industria donde los lanzamientos atropellados y los parches infinitos están a la orden del día, se agradece como agua en el desierto.
Es pronto para dictar sentencia definitiva, claro. El juego seguirá creciendo durante meses. Pero todo apunta a que Hades II será uno de esos títulos que no solo marcan un año, sino que se graban a fuego en la historia del medio. Y, para qué engañarnos, que llegue algo así en estos tiempos, es una bendición del mismísimo Olimpo.
Empezamos mes y con él llegan los avances de MAX para, esta vez, el mes de mayo. La nueva serie Duster, y el debut de la tercera temporada de And Just Like That encabezan los estrenos de Max, un mes en el que también se estrena nueva entrega del título estrella de Adult Swim, Rick and Morty, entre otros títulos.
NOVEDADES Y ESTRENOS DE MAX PARA MAYO 2025: SERIES
2 de mayo
UNA OLA DE TREINTA METROS. Temporada 3
UNA OLA DE 30 METROS regresa con una tercera temporada que contará con cinco episodios estrenados semanalmente los viernes. La serie narra las aventuras por todo el mundo del surfista de olas gigantes Garrett McNamara, su esposa Nicole y su joven familia, así como las de sus compañeros surfistas Andrew «Cotty» Cotton, CJ Macias, Justine DuPont, Lucas «Chumbo» Chianca, Nic von Rupp, Kai Lenny, Pedro «Scooby» Vianna, Tony Laureano, Ian Cosenza, Michelle des Bouillons y otros.
UNA OLA DE 30 METROS se expande desde los acantilados de Nazaré, Portugal, donde McNamara estableció por primera vez un récord mundial de olas gigantes en 2011, hasta nuevos y emocionantes lugares como Cortes Bank, en las lejanas profundidades del océano Pacífico, Safi, Marruecos, Montaldo, Italia, y O’ahu, Hawái, donde se celebra el Eddie Aikau Big Wave Invitational, un evento que rara vez tiene lugar.
Esta serie llena de adrenalina sigue de cerca el impulso y la pasión de estos deportistas extremos para capturar los altibajos de sus vidas: las dudas y las tragedias, la euforia y los triunfos, las decisiones que cambian la vida, los miedos que los persiguen y los retos que los impulsan.
MALDITOS. Nueva serie Max Original Francia
En el sur de Francia, la líder de una comunidad gitana y sus dos hijos luchan por salvar a su clan amenazado con el desalojo. Para sobrevivir, tendrán que traspasar los límites de la legalidad y abrirse camino en un mundo oscuro y peligroso… todo ello mientras ocultan el secreto inconfesable que acecha a su familia.
WORLD BETWEEN US. Nuevo documental
Seguimos a Marie y Thomas, compañeros en el trabajo y en la vida, su pasión y obsesión por el arte, su valentía para hacer realidad su visión y el esfuerzo sin límites que ello requiere. ¿Conseguirá Marie, procedente de la República Checa, cumplir el sueño de su vida de conquistar Nueva York como fotógrafa?
5 de mayo
BELEZA FATAL. Nueva serie
La primera telenovela brasileña original de Max tien 40 episodios y ha sido creada por el prestigioso escritor brasileño Raphael Montes y dirigida por Maria de Médicis, con producción de Coração da Selva para Warner Bros. Discovery.
BELEZA FATAL teje una emocionante historia de venganza y justicia, ambientada en el arriesgado mundo de la belleza, la cirugía plástica y los tratamientos cosméticos. La historia sigue a Sofía (Camila Queiroz), una joven cuya vida se ve trastornada cuando su madre es injustamente encarcelada debido a la traición de su manipuladora prima, Lola (Camila Pitanga).
Devastada, Sofía encuentra refugio en la familia Paixão, liderada por la resiliente matriarca Elvira (Giovanna Antonelli), que se enfrenta a su propia tragedia: su hija, Rebeca, es hospitalizada tras una cirugía plástica fallida. Unidos por el sufrimiento compartido y alimentados por la sed de justicia, Sofía y la familia Paixão se embarcan en una persecución implacable contra aquellos que les han causado un daño irreparable.
8 de mayo
SIGUIENDO A CONAN O’BRIEN. Temporada 2
En los tres nuevos episodios de esta divertidísima serie de viajes, Conan O’Brien descubre culturas locales y se reencuentra con fans que conoció en su podcast, incluido el actor español Javier Bardem.
Producida por Conaco; los productores ejecutivos son Conan O’Brien y Jeff Ross.
9 de mayo
BLOODY TROPHY. Nuevo documental
La investigación de un periodista sobre el comercio ilegal de cuernos de rinoceronte lleva a Polonia. La mafia vietnamita y la lucha por la supervivencia de una especie en peligro de extinción.
THE PRINCE (AKA. PRENS). Temporadas 1 a 3
Tras la repentina y sospechosa muerte del rey Thun, su hijo sin nombre asciende al trono. La historia se desarrolla cuando el nuevo príncipe inicia accidentalmente una guerra con los húngaros.
FAVARITX. Nueva serie
Rodada en Valencia, Ibiza y Portugal, esta serie de cinco episodios sigue a una brillante inspectora que se exilia en la tranquila isla de Menorca y se enfrenta a la caza de un asesino en serie que simula sus crímenes como si fueran suicidios. Durante la investigación, Marta y Álex descubren una trama de corrupción urbanística orquestada por la mafia portuguesa, que ha decidido utilizar la tranquila isla de Menorca como “guardería” de sus alijos de droga.
El reparto está formado por Paz García Avellán, Abdelatif Hwidar, Àlvar Triay, Enka Alonso, Nacho Fresneda, Marta Belenguer, Pepe Rapazote y Carolina Carvalho, entre otros.
Dirigida por Rafa Montesinos y Adán Aliaga, los guiones están firmados por Luis E. Pérez, Pilar Paredes, Violeta Barca-Fontana y Lluís Illescas.
Es una producción de ON Producciones, Empatic Films (Spain) y VOLF ENTERTAINMENT (Portugal), con Paloma Mora, Kiko Domínguez, Dani Bagur y Leonel Vieira como productores ejecutivos.
16 de mayo
DUSTER. Nueva serie
La serie original de Max DUSTER, del ganador de un premio Emmy® J.J. Abrams y la showrunner LaToya Morgan, se estrena el 16 de mayo. Producida en asociación con Warner Bros. Television, la temporada de ocho episodios estrenará nuevos episodios semanalmente.
Ambientada en el suroeste de los años 70, DUSTER explora la vida de un valiente conductor de huidas para una organización criminal en expansión que pasa de peligrosa a tremendamente peligrosa cuando un joven agente tenaz llega a la ciudad decidido a acabar con la familia criminal.
Los dos primeros episodios están escritos por J. J. Abrams y LaToya Morgan; los dos primeros episodios están dirigidos y producidos por Steph Green; la serie está producida por J. J. Abrams y Rachel Rusch Rich para Bad Robot; producida por LaToya Morgan para TinkerToy Productions. Producida en asociación con Warner Bros. Television.
22 de mayo
BATTLE OF CULIACÁN. HEIRS OF THE CARTEL. Nueva docuserie
24 de mayo
PEE WEE AS HIMSELF. Nueva docuserie original HBO
Documental original de dos episodios. Impulsado por una entrevista sincera con Paul Reubens, el hombre detrás del icónico personaje Pee-wee Herman, PEE-WEE AS HIMSELF es el retrato definitivo del comediante y una ventana a su vida personal nunca antes revelada. Decidido a corregir la historia y contar la verdad sobre su vida, Reubens indaga en sus influencias caleidoscópicas, sus orígenes en el circo y el teatro vanguardista, y sus elecciones profesionales, al tiempo que reflexiona sobre los motivos y las consecuencias de separar a su querido alter ego de su yo auténtico.
26 de mayo
RICK AND MORTY. Temporada 8
La serie número 1 de Adult Swim, que sigue a un científico sociópata y genial que arrastra a su nieto, inherentemente tímido, a aventuras por el universo, RICK AND MORTY, regresa a Max para su octava temporada el 26 de mayo. RICK AND MORTY vuelve para su octava temporada. ¡La vida vuelve a tener sentido! ¡Todo es posible!
No te pierdas las aventuras con Summer, Jerry, Beth y la otra Beth. Quizás Butter Bot tenga una nueva tarea. Pase lo que pase, no podemos mantener a Rick y Morty separados por mucho tiempo. ¡Ya lo han intentado!
La tercera temporada de la serie original de Max AND JUST LIKE THAT…, del productor ejecutivo Michael Patrick King, se estrena EL JUEVES 29 DE MAYO A LAS 6:00 P.M. PT/9:00 P.M. ET. La temporada de 12 episodios estrenará nuevos episodios cada jueves, y concluirá con el final de temporada el 14 de agosto.
Sinopsis: De la mano del productor ejecutivo Michael Patrick King, AND JUST LIKE THAT… sigue a Carrie, Miranda, Charlotte, Seema y LTW mientras navegan por la complicada realidad de la vida, el amor, el sexo y la amistad en sus 50 años en la ciudad de Nueva York.
Reparto de la temporada 3: Sarah Jessica Parker, Cynthia Nixon, Kristin Davis, Sarita Choudhury, Nicole Ari Parker, Cathy Ang, Mehcad Brooks, Jonathan Cake, Mario Cantone, Niall Cunningham, David Eigenberg, Evan Handler, Christopher Jackson, Logan Marshall-Green, Sebastiano Pigazzi, Alexa Swinton, Dolly Wells y John Corbett.
NOVEDADES Y ESTRENOS DE MAX PARA MAYO 2025: PELÍCULAS
1 de mayo
LOS OJOS DE JULIA
AHORA O NUNCA
REINAS
REQUISITOS PARA SER UNA PERSONA NORMAL
2 de mayo
3 BODAS DE MÁS
LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA
LA ISLA MÍNIMA
3 de mayo
LOS HERMANOS SISTERS
LOS DÍAS QUE VENDRÁN
MARÍA Y LOS DEMÁS
Hay autores que escriben con tal belleza que, cuando los lees, parece que el mundo se detiene. Que el tiempo se ralentiza para deleitarnos son ellos. Patrick Rothfuss es uno de ellos, o debería decir «era». Con El nombre del viento nos regaló una prosa poética, casi hipnótica, que parecía acariciar cada palabra. Con El temor de un hombre sabio demostró que su mundo (ese mundo de leyendas, tabernas, secretos y música) tenía profundidad, alma y una estructura narrativa que no se parecía a nada que hubiéramos leído antes. Y luego… nada. O casi nada. ¿Dónde esta la novela de Las puertas de piedra?
Porque hemos hablado mil veces de Brandon Sanderson, y de sus maravillosas novelas, y de como nos gusta el Cosmere. Pero aún así tengo que calificar a Patrick Rothfuss como el maestro de la narrativa fantástica moderna. Pero ¿Dónde se ha metido este señor?
Las puertas de piedra es, sin duda, el libro más esperado de la fantasía actual. El cierre de una trilogía que prometía ser una joya de la narrativa contemporánea. Pero han pasado más de once años y seguimos esperando. Y lo más desconcertante no es solo el retraso (que, seamos honestos, ya lo hemos normalizado), sino la ambigüedad constante de Rothfuss. El juego entre el “ya casi está” y el “quiero que sea perfecto”. El “he escrito capítulos” y el “no estoy listo para cerrarlo”.
Porque si George R.R. Martin es el abuelo cascarrabias que se distrae con mil proyectos, Rothfuss es el poeta atormentado que no puede dejar de pulir el verso. Y aunque entendemos que escribir no es una fábrica de churros, lo cierto es que la espera ha empezado a molestar a todos los seguidores del autor y de la trilogía. Después de tanto tiempo y tanta expectación y tanta exigencia, el cierre de la saga ya no será lo mismo. Todos hemos crecido y el mundo se ha ido moviendo, y quizás ya no sea todo igual.
¿Es justo exigirle que lo acabe? No. Siempre digo que no. Siempre digo que los escritores tienen su tiempo y su momento, pero como lector me gustaría que acabara Las puertas de piedra. Porque El nombre del viento no fue solo una buena novela, fue una promesa. Y ese universo, hoy, parece abandonado.
Rothfuss ha dicho en varias ocasiones que Las puertas de piedra será el final del arco de Kvothe,pero no del mundo de Temerant. Y eso, más que calmar, inquieta. Porque implica que puede haber más spin-offs, precuelas o relatos… mientras el desenlace sigue guardado bajo llave. No quiero ya más zarandajas ni precuelas ni más ocho cuartos. Lo que quiero es un final, un buen final, un final digno, acorde, coherente. Y luego que hagan las precuelas o secuelas que quieran, pero acaben ya con esta espera, por favor.
Y a veces me planteo una pregunta incómoda: ¿y si nunca llega? ¿Y si Rothfuss no puede (o no quiere) terminar Las puertas de piedra? ¿Estamos preparados para esa posibilidad?
En los últimos cinco años, el mundo del manga ha tenido muchos cambios. Durante la pandemia, algunos mangas se convirtieron en verdaderos fenómenos. La lista de los mangas más vendidos refleja una industria en movimiento. Vamos a revisar quiénes fueron los más destacados entre 2020 y 2024.
2020: Kimetsu no Yaiba (Demon Slayer o Guardianes de la noche) arrasa
No hay mucho más que decir sobre Kimetsu no Yaiba. El manga de Koyoharu Gotouge no solo fue el más vendido en 2020, sino que además tuvo un éxito increíble. Vendió más de 82 millones de copias ese año y se convirtió en uno de los más exitosos de la historia reciente. Su final en papel llegó junto con el boom del anime y la película Mugen Train que se convirtió en la más taquillera de Japón de todos los tiempos. Alucinad. Un caso casi irrepetible.
2021: Jujutsu Kaisen toma el relevo
Con Kimetsu no Yaiba finalizado en el manga (recuerdo que el anime sigue), el testigo lo tomó otro shonen de espíritu oscuro, Jujutsu Kaisen, manga que mucha gente compara con Bleach. En 2021 superó los 30 millones de copias vendidas, impulsado por el éxito de su anime producido por MAPPA. Estas cifras son de LOCOS, pero aún así lejos de Kimetus. Su mezcla de horror sobrenatural, personajes rotos y acción desenfrenada ha conectado con una nueva generación de lectores. Ese mismo año también explotó Tokyo Revengers, que superó los 24 millones gracias a su adaptación animada. Con esas cifras otro año hubiera sido número uno en ventas.
2022: Diversidad en la cima
Ya sin un coloso claro dominando, 2022 fue un año más equilibrado. Jujutsu Kaisen se mantuvo en el trono con unos 12 millones, pero Spy x Family brilló con luz propia gracias al carisma de la familia Forger, y de Anya la niña tan graciosa. Tokyo Revengers continuó fuerte, y nuevos nombres como Chainsaw Man y Blue Lock empezaron a destacar. La industria estaba, por fin, abrazando una variedad de géneros y tonos que iba más allá del shonen clásico. Un buen año con nuevas series.
2023: Blue Lock mete gol en el último minuto
La fiebre futbolera hizo su efecto. Blue Lock, con su enfoque más “Battle Royale” que deportivo, se convirtió en el manga más vendido de 2023 con más de 10 millones de copias. El éxito de su anime, unido al Mundial de Qatar (aunque no haya conexión directa, el contexto cuenta), lo catapultó al estrellato. Le siguieron Jujutsu Kaisen, que sigue siendo un gigante, y One Piece, que incluso tras más de mil capítulos sigue vendiendo millones año tras año.
2024: El regreso de la fantasía clásica
Según medios como Fanimer y KpopAlerts, Frieren: Beyond Journey’s End ha sido el gran vencedor de 2024. Con más de 20 millones de ejemplares en circulación, esta historia pausada y melancólica sobre el tiempo y la pérdida de los seres queridos está enganchando a millones de lectores en Japón e internacionalmente. Kaiju No. 8, Mashle, Shangri-La Frontier y Oshi no Ko también están entre los títulos más vendidos. Un top cinco que confirma la consolidación de la diversidad.
Tendencias y conclusiones
En estos cinco años hemos pasado de un dominio absoluto como fue el 2020 con Kimetsu no Yaiba, a una pugna más repartida entre varias series potentes, lo cual para mi es maravilloso. El anime ha seguido siendo el principal potenciador de ventas del manga, pero también ha influido mucho la internacionalización del productor y la facilidad con la que ahora se accede a muchas obras. Además, los lectores están apostando cada vez más por propuestas distintas: comedia, fantasía introspectiva, deporte con tintes distópicos… Hay vida más allá del shonen puro.
Esta me la esperaba. Y si no me creéis, podéis revisar nuestro artículo de las 15 esperadas de 2025. Porque Los pecadores, uno de los espectáculos más disfrutones de esta primera mitad del año, demuestra el potencial de una asociación tan interesante como estable, la del director Ryan Coogler y el actor Michael B. Jordan.
Coogler y Jordan coincidieron por primera vez en Fruitvale Station (2013), la primera película del director, un drama racial que reventó Sundance, el principal festival de cine independiente del mundo, y que le sirvió para la sorprendente Creed, el regreso al universo de Rocky Balboa con su protagonista cediendo el protagonismo al hijo de su rival Apollo Creed (otra vez Michael B. Jordan, que sigue impulsando la franquicia con Coogler como productor en una segunda y tercera entrega).
Después llegó Black Panther, buena muestra de la maquinaria publicitaria del Marvel de aquella época, de taquillazo en taquillazo. Porque tanto la primera como la segunda entrega son películas muy normalitas que han llegado a estar nominadas al Oscar.
Ahora, en un periodo de incertidumbre del género superheroico, Coogler ha aprovechado para impulsar su primer proyecto personal desde la citada Fruitvale Station. Y ojalá que lo hubiera hecho antes, porque Los pecadores es una alegría para el cine. Por ser un éxito de crítica, de público y por mostrarnos un nuevo y original universo.
Ambientada en la Norteamérica sureña y, por tanto, racista de los años 30, Los pecadores se centra en dos hermanos gemelos (Michael B. Jordan) que regresan a su pueblo natal para montar un club de blues solo para negros. Aparte de las tensiones que se generen con los blancos de la región y entre la propia comunidad negra, tendrán que lidiar con una horda de vampiros.
Lo que más llama la atención de Los pecadores es la mezcla de géneros. No se puede decir que la película sea de vampiros, aunque tenga momentos propios del género. También es un drama racial, un western situado en los años 30, una historia de paso a la madurez y, por encima de todo, una película sobre el poder de la música para evocar algo más allá de nosotros mismos.
Y Coogler sale más que airoso con esta extraña mezcla de géneros, aunque no pueda evitar que Los pecadores adolezca de pequeños bajones de ritmo. Con sus dos horas y veinte minutos de duración (el gran mal del cine moderno), un poco más de tijera en el montaje le habría convertido en una obra maestra.
Esencialmente, los dos primeros tercios de película se enmarcan dentro del drama sureño, con unos carismáticos gemelos con un pasado oscuro dispuestos a enfrentarse a quién sea con tal de conseguir sus objetivos y sirviendo como mentores a un primo adolescente con un enorme talento para el blues. La ambientación y la definición de personajes es excelente pero lo que más llama la atención es la claridad y la crudeza de lo que se cuenta. De hecho, Los pecadores es una de las películas comerciales con mayor carga sexual de los últimos años. Y no, apenas cuenta con momentos eróticos, pero su lenguaje está alejado de todo lo considerado políticamente correcto. Hasta el punto de sorprendernos escuchar a Hailee Steinfeld (la futura Ojo de Halcón) hablar sin tapujos sobre cunnilingus y otras prácticas sexuales. Todo un punto positivo para la película.
Es cerca del final cuando el cine vampírico en su modalidad más disfrutona, repleta de violencia, entra como un tren y nos recuerda a grandes joyas del género, como el Abierto hasta el amanecer de Robert Rodriguez o cualquiera de las películas de John Carpenter (que podéis repasar aquí y aquí).
Y todo ello, el drama, el paso a la adultez y los vampiros no se entienden sin la música, verdadero elemento vertebrador de la película. La película parte de la intrigante premisa de que los grandes músicos son capaces de desgarrar el velo que separa el mundo real del de los espíritus. Es por ello que el blues, género marcado por la improvisación y, por tanto, el descontrol, está mal visto entre la comunidad negra más conservadora, que aboga por la música religiosa, más predecible y controlada.
La banda sonora es espectacular, tanto en su versión más blues como en las canciones típicas irlandesas que aparecen en un determinado momento de la película. Es esta una película en la que se canta pero, sobre todo, se baila mucho. Se baila para hermanarse, para evadirse y para desearse. En este sentido, Los pecadores es una deliciosa celebración de lo dionisiaco, de la sensación de libertad que transmite una música que te eleva más allá de tu propio cuerpo.
En definitiva, Los pecadores es una disfrutona alegría para el cine de 2025. Una arriesgada mezcla de géneros que casi acierta del todo en su representación del drama racial, en las distintas historias de amor que pueblan la película y en la desatada violencia vampírica final. Y todo ello bien cimentado a ritmo de una música blues descontrolada, sexual y, por todo ello, liberadora.
Qué bonita es la primavera cuando trae buen tiempo, flores en el campo y juegazos en las vitrinas. Abril se nos ha presentado este año como ese amigo que siempre llega con regalos, y no cualquier cosa. Clair Obscur: Expedition 33 y The Elder Scrolls IV: Oblivion Remastered han sido dos de los anuncios más sonados y comentados del mes, cada uno por motivos bien distintos, pero igual de contundentes.
Empecemos por el más misterioso del dúo: Clair Obscur: Expedition 33. A muchos el nombre les sonará a colonia francesa de gama media, pero lo cierto es que estamos ante una de las nuevas promesas del rol narrativo más artístico que se recuerdan. El juego viene firmado por Sandfall Interactive, un estudio que hasta ahora no había hecho mucho ruido, pero que con este proyecto ha conseguido colarse por la puerta grande en los foros de expectativas más altas de todo 2025.
¿Y por qué tanta emoción? Pues porque el tráiler que presentaron es una auténtica barbaridad. Visualmente recuerda al Final Fantasy XVI con un toque de Dishonored y un aire que parece sacado de un sueño de Salvador Dalí después de jugar mucho a rol táctico. La narrativa gira en torno a una amenaza existencial llamada “la Pintora”, que cada año elimina a una persona de la Expedición 33 (de ahí el título). La idea mezcla el drama de una cuenta atrás implacable con el peso emocional de personajes condenados. Es como mezclar el drama de una novela de Ursula K. Le Guin con los combates por turnos de Persona 5. Sí, suena raro, pero es raro bien.
El sistema de combate también promete ya que es por turnos, pero con animaciones tan cuidadas y una ambientación tan potente que casi parece un juego de acción. Por no hablar de la música, que le da ese aire onírico y épico al mismo tiempo, como si Joe Hisaishi se hubiera metido en un proyecto de Square Enix sin avisar a nadie.
Por otro lado, el anuncio de Oblivion Remastered ha sido como encontrarte 50 euros en una chaqueta vieja. Nadie lo esperaba, aunque todos lo deseaban. Esta versión actualizada del clásico de 2006 promete llevarnos de vuelta a Cyrodiil con gráficos renovados, soporte para resolución 4K, tiempos de carga que no dan ganas de hacerte mayor esperando y, esperemos, una interfaz que no parezca diseñada por un mago con fatiga visual.
Bethesda, en colaboración con Virtuos Games, ha prometido que no será un simple lavado de cara. Dicen que han retocado iluminación, animaciones y que incluso habrá mejoras de calidad de vida como navegación más clara o mejor gestión del inventario (¡ya era hora, amigos!). Y ojo: esto no es Skyblivion, el mod fan. Esto viene con el sello oficial y todo apunta a que llegará tanto a PC como a consolas actuales. Si le meten cariño (y no solo prisas por salir del horno) puede convertirse en un punto de entrada ideal para quienes nunca lo jugaron en su momento, y una joyita nostálgica para los que nos pasamos horas robando cucharas y esquivando guardias por accidente.
Lo más curioso es que ambos títulos, siendo tan diferentes, comparten algo, vienen a reivindicar el rol en su forma más clásica y, a la vez, más moderna. Por un lado, Clair Obscur apunta a romper moldes visuales y narrativos, mientras Oblivion Remastered nos recuerda por qué la fórmula Bethesda nos tuvo atrapados durante generaciones enteras. Uno mira al futuro con ambición, el otro al pasado con respeto. Y entre los dos nos tienen con los dientes largos y el calendario en la mano.
Abril ha sido un mes generoso, sí. Entre noticias como estas y el café mañanero, dan ganas de levantarse todos los días con una sonrisa. Ahora solo queda esperar que, cuando salgan, estén a la altura del hype. Que ya sabemos lo que pasa con las ilusiones: son como los NPCs de Oblivion, si no se programan bien, se quedan atascados en una pared.
El mundo todavía se encuentra en shock tras el segundo capítulo de ‘The Last of Us’ y, al igual que Jackson, nos estamos lamiendo las heridas, pero la vida debe continuar. Sé de antemano, aunque a lo mejor me equivoco, que este episodio no va a ser del agrado de todos los espectadores. Lo entiendo, pero creo, que era necesario pisar el freno y darle contexto a lo que está por venir.
Huelga decir que este artículo contendrá spoilers del anterior (algo obvio) y que desvelaré algunas situaciones de este, así que retrasa su lectura hasta haber visto el capítulo de esta semana.
La muerte de Joel ha sido un duro golpe para todos y la elección de dejar hospitalizada a Ellie durante varios meses ha sido inteligente para dejarla al margen del dolor que han sufrido sus vecinos y hacerla parecer más egoísta a la hora de pedir ayuda. Por tal razón, la asamblea ha sido el mejor ejemplo de ello, una forma de mostrar los diferentes puntos de vista de los habitantes de Jackson y de hacerle ver a Ellie que no es el centro del universo y que la ciudad tiene otros problemas, aunque comprendan su dolor.
En cierta manera, podríamos decir que no ha pasado mucho en este tercer capítulo, pero planta muchas semillas para cosas a corto y largo plazo y diferencias con el videojuego de Naughty Dog que tendrán a la larga también consecuencias. Pero como aquí estamos para hablar de la serie, eso queda a un lado.
La partida de Ellie y Dinah se lleva aquí de una manera mucho más orgánica, ya que estamos hablando de un largo viaje en el que hay que tener en cuenta muchas situaciones que en el videojuego se obvian, como el alimento. Eso le da un toque mayor (si cabe) de realismo a ‘The Last of Us’ y que lo hagan a escondidas del resto me parece acertado.
Un personaje que está creciendo mucho en la ficción es Tommy(Gabriel Luna), ya que tiene mucho peso en Jackson y eso es algo que le está dando un protagonismo merecido. Más allá de lo preciosa que me ha parecido la escena en la que limpia el cuerpo de su hermano, el momento en el que le pide que cuando vea a Sarah le dé recuerdos de su parte ha sido desgarrador. La interpretación del actor es enternecedora y la forma en la que se ha llevado (sin mostrar el cuerpo de Joel) ha sido muy respetuosa con el personaje de Pedro Pascal.
Como jugadores, entendemos el dolor que siente Ellie ya que somos nosotros quienes interactuamos con ella en cada momento. La serie de HBO ha conseguido que la visita del personaje de Bella Ramsey a la casa de Joel haya sido tan dolorosa como lo fue en el título de Naughty Dog y la interpretación de la actriz sigue estando a un gran nivel.
Recordemos que, ‘The Last of Us’ Parte 2 es un videojuego con una historia que arranca muy lentamente, con el viaje a Seattle tras la muerte de Joel, y se toma su tiempo para que nos encariñemos con la dupla Ellie/Dinah, lo que tendrá que verse en esta serie para darle mayor dimensión a ambas.
Es cierto que me ha sorprendido que tengamos la aparición de Los Serafitas (scars) tan pronto, pero creo entender hacia donde quiere ir la ficción con ellos.
Conclusión
‘The Last of Us’ no es un título de acción y la serie va a abrazar la faceta más de personajes que de tiroteos o infectados y a mí, personalmente, es lo que más me está gustando. Darle espacio a Ellie y Dinah antes del viaje, sin aparatarse demasiado del producto original, es digno de mención, aunque decaiga un poco el ritmo narrativo.
Los detalles añadidos engrandecen la trama, como los granos de café en la tumba de Joel, que los jugadores entenderán. Es cierto que resulta extraño que el cementerio esté tan lejos de la ciudad.
Cocer a fuego lento el comienzo es necesario, ya que Seattle es el destino y al final del capítulo ya han llegado nuestras protagonistas y a partir de ahí comenzará la búsqueda de Abby. En el caso de ‘The Last of Us’ no noto que haya relleno como tal, ya que los momentos más introspectivos ayudan a construir a unos personajes muy potentes, carismáticos e interesantes que necesitan su tiempo.
Las heridas ya están lamidas y era necesario como lo será, por lo que se viene, toda la fuerza que tengan Ellie y Dinah. Yo solo espero el momento ‘Take on me’.
Como curiosidad final, mencionar el cambio que ha habido en los créditos iniciales, que siempre veíamos a dos siluetas al final de ellos (Joel y Ellie) y ahora solo hay una.
Aquí os dejo la promo del episodio de la semana que viene de ‘The Last of Us’
