Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para el mes de abril.
A continuación os dejo el PDF con las novedades de Astiberri Ediciones de abril de 2025.
Un saludo y sed felices.
Los últimos once años han visto a Keanu Reeves en la piel de un segundo personaje icónico en su carrera, pues tras haber interpretado a Neo en la saga Matrix, pasó a componer al asesino profesional retirado John Wick, quien se convirtió en el antihéroe de acción casi por antonomasia de los últimos tiempos (a la par de Jason Bourne, que venía de algunos años antes) y al cual Reeves dio vida en cuatro películas (exactamente igual que con Neo), las cuales pueden ver ordenadas de peor a mejor en el artículo de mi compañero Carlos.
Quienes hayan visto la cuarta entrega (aquí nuestra crítica y vuelvo a advertir SPOILERS por si no han prestado atención al título del artículo) saben bien que el personaje murió al final de la misma.
Sin embargo, fueron muchas las especulaciones acerca de si realmente era así o quedaba alguna puerta abierta y, por otra parte, bien sabemos que en Hollywood todo se puede y son incontables las veces en que los productores se las han apañado para resucitar a personajes que ya hacíamos largamente bajo tierra o en el lugar al que hayan ido a parar. La cuestión es que muchos creían todavía en John Wick 5 e incluso en algún momento se había dejado deslizar que la película estaba siendo rodada a la par de John Wick 4.
Todo ello hacía alentar esperanzas de quinta película, pero Keanu Reeves habló hace algunas horas y, al menos de momento, despejó dudas y desalentó la posibilidad: “Dios mío, bueno – señaló -, hay una película llamada Ballerina, que está en el mundo de John Wick y en la cuál él hace una breve aparición. Así que, aparte de eso, no tengo ni idea. Ya sabes, el personaje está muerto. Murió en John Wick 4. Lo sé, en Hollywood todo se puede. Lo sé, lo sé: es la historia de Hollywood. Pero ahora mismo, no hay nada.”
Como se aprecia, el actor no cierra la puerta del todo sino que manifiesta desconocer absolutamente cualquier proyecto destinado a revivir al personaje. Sin embargo, y atendiendo a lo que él mismo manifestara algunos meses atrás, no es solo que el personaje esté muerto, sino que, en propias palabras, ya tiene sesenta años y se le hace cada vez más complicado andar exponiendo huesos y humanidad con tanta pirueta y acrobacia. Existe el cgi, desde luego, pero no da Keanu la impresión de ser alguien que acepte fácilmente ayuda tecnológica para suplir lo que su cuerpo ya no le permite.
Más probable es, en cambio, que le podamos ver en alguna pequeña participación como la que él menciona en Ballerina, spin-off que, protagonizado por Ana de Armas, llegará a los cines en junio de este año y del cual pueden ver aquí el tráiler. Y, dependiendo del éxito de la misma, podrían venir más spin-offs y no sería descartable que le veamos interpretar otra vez a John Wick en algún breve flashback, por ejemplo. Pero no más que eso. Por lo pronto y por lo que se sabe, John Wick está muerto… y espero que hayan cumplido en poner en su lápida la inscripción que pidió. Descanse en paz…
Hasta pronto y sean felices…
Casi tres años después del impactante final de su primera temporada, por fin Apple TV estrena la segunda tanda de capítulos de Separación, distopía en la que una gran empresa inserta un chip en el cerebro de sus trabajadores que les genera una disociación: cuando están fuera de su trabajo (fueri), no recuerdan nada de su vida dentro de la empresa, mientras que dentro de ella (dentri) no recuerdan nada de lo que les espera fuera de Lumon.
Análisis de todos los capítulos de Separación
En la narrativa de las series de televisión es, hasta cierto punto, frecuente encontrar capítulos que funcionan por sí mismos. Una isla narrativa que ayuda a avanzar la trama de la serie y, a su vez, cuenta una historia con inicio, nudo y desenlace por sí mismo. Lo hemos visto en las míticas batallas de Juego de Tronos (como en La batalla de los bastardos) o en uno de los capítulos de la segunda temporada de Westworld, por poner algunos ejemplos.
Esta vez le ha tocado a Separación, que aprovecha el estado de Mark durante el proceso de reintegración para regresar a la relación entre Mark y Gemma, de la que solo conocíamos su dolor tras la muerte de ella; y para darnos la mayor revelación argumental de lo que llevamos de serie: qué ha sido de la mujer de Mark desde que “murió”.
Al basarse en un periodo anterior en la vida de los personajes, la estética de la serie cambia. Los colores se tornan más cálidos y las escenas parecen grabadas con una cámara analógica. No solo nos situamos en el pasado, sino en una época más feliz.
Vemos justamente a un Mark distinto, más feliz. Y entendemos por qué se enamoró de Gemma, una mujer que no se parece en nada a la fría y distante señora Casey.
Contemplamos distintos periodos en la relación, desde un inicio idílico al deterioro progresivo relacionado con la infertilidad de Gemma y la presión por ser madre.
Y Lumon siempre presente, tanto en la donación de sangre en la que ambos se conocen como en el seguimiento del embarazo y posterior aborto. La sombra de que la empresa ha condicionado la relación es alargada.
Lo que no sabemos es el por qué, aunque sí que Lumon utiliza el proceso de separación para algo más que aumentar la productividad en el trabajo.
De hecho, la apuesta decidida que ha llevado a cabo Separación por la narrativa más centrada en los secretos que esconde Lumon podría ser un pequeño “pero”, ya que obvia, salvo en algunos momentos, todo lo centrado en intentar, por todos los medios, que los miembros de Macrodatos se centren en trabajar.
En cuanto a Gemma, parece claro que ella accedió a entrar en Lumon, tal vez por algo que tuviera que ver con su fertilidad. Vive en la planta inferior a la separada, donde pasa la mayor tiempo exponiéndose a distintas situaciones de separación de las que vemos una continua visita al dentista o el redactar christmas bajo la mirada de “su marido”, el doctor Mauer, la única persona que interactúa con todas las versiones de Gemma y que parece sentir algo por ella. A saber, lo que haya podido pasar entre ellos que Gemma no recuerde…
Cada una de las situaciones a las que se expone Gemma tienen nombres que corresponden a los archivos con los que Mark ha estado trabajando. Solo queda una sala por acceder, la ya mencionada Cold Harbor, de la que apenas queda un 4% para completarla.
¿Qué busca Lumon? ¿Y que tiene que ver la actividad de Mark con las salas a las que se expone Gemma?
Gemma está atrapada por el propio mecanismo de Separación y, al intentar fugarse, termina en la planta separada como Miss Casey, siendo interceptada por Milchick, que le obliga a volver a la planta inferior.
Sabiendo lo que ha sido de Gemma todo este tiempo, queda por ver qué nos deparará en los últimos episodios. Con Mark recuperándose, asistimos a un enfrentamiento entre su hermana y la que lo ha reintegrado, que se marcha al ver cómo su hermana se propone contactar con Cobel para acceder al refugio de partos, un lugar donde los fueris y los dentris contactan de alguna forma. Ya dije que Cobel formará parte de la caída de Lumon y el tiempo parece darme la razón.
¡Un saludo y sed felices!
¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!
Este titular viene de antes, porque hace ya tiempo muchos influencers en las redes, sobre todo estadounidenses, están informando de un posible reinicio del Universo Cinematográfico Marvel, sobre todo a partir de Vengadores Secret Wars y en menor medida Doomsday. Eso sí, hablan de un «reinicio suave», no en plan «todo lo anterior no vale para nada». No, no hablamos de eso. Pero aun con todo, ha tenido que llegar Brad Winderbaum, productor ejecutivo de Marvel para hablar de este tema, que ya estaba coleando mucho, quizás demasiado.
Y es que en verdad, también hay que ser honestos, todo apunta a eso, a un posible reinicio del Universo Cinematográfico Marvel, porque en series y películas se habla de multiversos, de unir o juntar a héroes alternativos de otras dimensiones… Sin ir más lejos, os remito a este artículo que publicamos la semana pasada en la web: Nuevos rumores de Vengadores Secret Wars con un giro oscuro (Posibles spoilers). Artículo muy interesante que os recomiendo que os leáis, aún con posibles spoilers ya que se habla de Vengadores alternativos… No os digo más, leed el artículo.
Y con todo esto de por medio, los chicos de Screen Off Script preguntaron a Brad Winderbaum sobre la posibilidad de un reinicio del MCU post-Secret Wars. Esta fue su respuesta:
Marvel Executive Producer Brad Winderbaum talks about the possibility of a full MCU reboot as «AVENGERS: SECRET WARS» approaches 👀
«It’s a very difficult thing to do to a living, breathing fictional universe to just start from scratch because of all the fan investment and love… pic.twitter.com/4wHsqdAoSo
— Screen Off Script (@ScreenOffScript) February 27, 2025
«Realmente no se puede reiniciar nada por completo. Es algo muy difícil de hacer a un universo de ficción vivo, que respira… simplemente empezar de cero, debido a toda la inversión de los fans y el amor por las historias que han llegado hasta ahora.»
Parece claro que un reinicio a lo grande está descartado. Si se le hubiera preguntado por un «reinicio suave», como dije al principio del artículo, lo mismo tendríamos otra respuesta. Pero es más, Brad Winderbaum está más dedicado a la parte de televisión, como el proyecto de X-Men 97, por lo que tiene toda la pinta que no sepa todo al 100% de lo que se cuece en Marvel Studios. Por lo tanto, a quien realmente habría que preguntarle todo de manera directa es a Kevin Feige. Difícil. Pero prometido que en cuanto tengamos más información os lo haremos saber aquí, en Las Cosas que nos hacen felices.
Un saludo y sed felices.
Me da un poco de gracia cuando algunos medios norteamericanos dicen que Día Cero (Zero Day) es la primera serie televisiva protagonizada por Robert De Niro (algunos tienen el mayor tino de decir que es la primera para Estados Unidos, lo cual sí es cierto), pues allá por octubre de 2023 analizamos justamente en esta web Nada (aquí artículo de un servidor), la muy buena miniserie argentina de Disney+ que lo tenía como coprotagonista junto a Luis Brandoni y que no sé qué están esperando para ver si aún no lo han hecho.
Es cierto que Día Cero lo tiene como personaje mucho más central, pues en torno a él gira todo, sin desmedro de que por detrás haya un elenco notable. Se trata de un thriller político ficticio (aunque con fuerte base en la realidad), creado por Eric Newman (Narcos, Griselda), Noah Oppenheim (ex presidente de NBC News) y Michael Schmidt, periodista del New York Times habitualmente comprometido con temas políticos y que se ha alzado con dos premios Pulitzer, además de ser quien reveló y difundió aquellos famosos correos electrónicos privados que hundieron en su momento a Hillary Clinton.
Ya octogenario, pero inoxidable (hasta diría que cada vez actúa mejor), De Niro da aquí vida a George Mullen, un ficticio ex presidente de Estados Unidos que supuestamente habría ocupado el cargo entre 2005 y 2009, lo cual nos ubicaría en una línea alternativa en la que George W. Bush habría perdido la reelección, mientras que sí habrían existido los atentados del 11 de septiembre y la guerra de Irak.
La miniserie comienza con el tal Mullen entrevistado en su domicilio por una periodista llamada Anna Sindler (Hannah Gross), quien lo quiere convencer de publicar sus memorias, pues al parecer ha dejado una buena imagen en su mandato y fue el único presidente que tuvo apoyo de ambos partidos: tiene sentido que sea ficticio. Nos enteramos que renunció a presentarse a reelección tras la muerte de su hijo ocurrida doce años atrás: ¿estaríamos entonces en algo así como un 2021 alternativo? De ser así, no hay rastro ni secuela de la pandemia de COVID, que probablemente no haya ocurrido.
El hecho es que al retirarse Sindler, el auto en que viaja cruza un semáforo en verde con el cual la cámara se queda un instante detenida para mostrarnos que no pasa al amarillo ni al rojo, ello justo antes de que el vehículo resulte arrollado por un tren al intentar cruzar la vía.
No es un hecho aislado: por todo el país se registran sucesos similares al haber sido hackeado el sistema integral de comunicaciones y transportes. Se trata, pues, de un ciberataque que deja un luctuoso saldo de más de tres mil muertos y un mensaje en todos los teléfonos móviles al mismo tiempo que suena a sentencia sacada de Dark: “Esto volverá a ocurrir”.
Evelyn Mitchell, presidenta en funciones (Angela Bassett) convoca entonces a Mullen para ponerle al frente de una comisión especialmente creada a los efectos de esclarecer lo ocurrido en la jornada ahora conocida como Día Cero. Al aceptar, se le otorgan facultades extraordinarias que le permiten incluso pasar por encima de derechos constitucionales fundamentales como el habeas corpus.
Sin embargo y a pesar de su buena imagen en la opinión pública, no todos son de la idea de otorgarle tan pesada carga, pues hay quienes sostienen que el mundo ha cambiado y no es el que conoció en su momento como presidente. Entre ellos, su esposa Sheila (Joan Allen), con aspiraciones a jueza federal, y su hija Alexandra (Lizzy Caplan), con quien George carga una tormentosa relación del pasado que nos hace ir descubriendo que su vida no es en el ámbito doméstico lo perfecta que su imagen pública pareciera trasuntar.
De hecho, la propia Alexandra es citada por el presidente de la Cámara de Representantes Richard Drayer (Matthew Modine) para integrar una comisión de supervisión destinada a controlar a la de Mullen y el conflicto interno toma entonces ribetes más familiares que partidistas, pues ni siquiera sabemos jamás cuál es el partido de Mullen o el de Mitchell, sino que todo parecería transcurrir en una zona políticamente neutral: paradójico viniendo de Michael Schmidt, quien como periodista no vaciló en cargar en sus investigaciones contra Donald Trump (otro que aquí daría impresión de no existir) o la mencionada Hillary Clinton: ¿será la mano de Netflix?
Y tampoco allí termina el entuerto de puertas adentro porque Mullen tiene como asesor principal y brazo derecho a un tal Roger Carlson (Jesse Plemons), que en el pasado tuvo una relación con Alexandra y la sigue teniendo en sombras sin que el ex presidente se entere.
En principio, las sospechas apuntan a Rusia, pero a Mullen le parece demasiado obvio y a nosotros también. Y entre medio de la investigación, hay una organización clandestina de hackers que, haciéndose llamar The Reapers, operan desde una granja y al parecer habrían hecho en su momento algunos favores al consulado ruso.
Pero allí tampoco termina todo: también hay un histriónico comunicador televisivo llamado Evan Green (Dan Stevens), muy mordaz y crítico con el trabajo investigativo de Mullen al punto de buscar ponerlo en ridículo todo el tiempo. Y andan además en danza posibles rastros de un arma neurológica que, correspondiente a un programa llamado Proteus, fue en su momento dada de baja por el propio Mullen, pero daría impresión de haber sido rehabilitada por alguien en forma secreta. Entre todo ello, ni falta hace decirlo, hay pistas falsas en cuanto al desarrollo de la trama o quizás todas lo sean, pero nada diré al respecto.
Tampoco Mullen las tiene todas consigo: durante el transcurso de la investigación sufre lagunas de memoria, bloqueos mentales e incluso alucinaciones, viendo de tanto en tanto y con vida a la periodista muerta al principio o topándse reiteradamente con la frase “¿Quién mató a Bambi?”, la cual remite al título de aquella frustrada película de los Sex Pistols y de la cual nos enteraremos más adelante que tiene mucho que ver con el pasado de Mullen, en cuyo entorno dudan entre asignar tales problemas a su senilidad o al arma neurológica de la cual él sospecha.
Dirigidos los seis episodios por Lesli Linka Glatter, de probada experiencia en Homeland, la trama está llevada de modo interesante y atrapante, generando una permanente intriga que, capítulo a capítulo, nos mantiene prendidos de principio a fin. Y lo que al comenzar pareciera ser simplemente paranoia norteamericana reminiscente de los ochenta, se va complicando en la medida en que se suman aditamentos que vuelven la cosa más oscura.
De hecho, no solo la historia se va volviendo cada vez más oscura, sino también la fotografía e incluso la música (Jeff Russo, curtido en Fargo y en la franquicia Star Trek) que, con notas largas e intrigantes, nos da siempre la sensación de que por debajo de lo que vemos hay algo que está por salir a la luz de un momento a otro.
El trabajo de De Niro es superlativo. Sé que no es novedad decir eso, pero con sus ochenta y un años es uno de esos casos en los cuales la maestría interpretativa continúa evolucionando a pesar de la edad y, en esta miniserie en particular, es mucho más lo que dice con sus silencios que con sus palabras, algo que solo los actores verdaderamente grandes consiguen: alcanzan su rostro y sus gestos para darnos cabal idea de cuanto le pasa por dentro al verse acorralado por dudas que no solo tienen que ver con su investigación sino con él mismo.
El suyo es un personaje de una profunda oscuridad interior que emerge sin prurito alguno en los momentos en que se vale de métodos de lo más sádicos y menos santos para obtener lo que busca. No queda en claro si el mensaje del programa sea justamente ese, algo así como que a veces hay que saltarse la corrección y la legalidad si el bien común lo amerita (muy Maquiavelo), pero prefiero pensar que simplemente se trata de presentarnos un personaje tan contradictorio como cualquiera de nosotros, pero al que le han dado el poder suficiente para convertir sus contradicciones en modos de actuar.
Por detrás, unos no menos brillantes Jesse Plemons y Lizzy Caplan, quien logra que de entrada odiemos su personaje, sentimiento que se atenúa a medida que la historia avanza y vamos conociendo la suya propia en relación con el pasado y, muy especialmente, con su padre. No sé si eso alcanza para justificar que todo sea tan de entrecasa o para hacer creíble que vaya con tanta saña contra su padre o que él mismo, llegado el caso, no tenga reparos en hacerlo públicamente contra ella.
Tampoco parece demasiado verosímil que una esposa acuda a la ex amante de su marido para que le ayude en su investigación, y menos todavía si sabe positivamente que lo ha sido. Pero la calidad de los actores logra captar nuestro interés como si todo ello fuera lo más creíble del mundo.
La calidad de la oscarizada Angela Basett no necesita carga de presentación y Joan Allen está tan brillante como siempre, eterna nominada en las premiaciones que siempre se va, injustamente, con las manos vacías (tres veces al Oscar, otras tantas al Globo de Oro y dos al Emmy), en tanto que Matthew Modine (Birdy, Vidas Cruzadas, La Chaqueta Metálica) es uno de esos actores cuyos nombres nunca terminaron de ser conocidos para el gran público, pero se las han apañado para mantenerse siempre activos y con solvencia interpretativa: y él sí tiene un Globo de Oro…
Más desaprovechado está en cambio Clark Gregg (sí, el Coulson de Agents of S.H.I.E.L.D., y de tantas películas del MCU), que aparece interpretando a un millonario corporativo de Wall Street, pero su personaje acaba lamentablemente por tener escaso ruedo. Algo más tiene Dan Stevens, también emparentado con Marvel y a quien quizás recuerden de la tan excelente como delirante serie Legion.
Pero entre tanta virtud, ¿qué es lo que no funciona del todo en Día Cero y hace que la serie esté lejos de ser perfecta? Pues sobre todo el modo apresurado en que está resuelta. Ignoro si habrá ello tenido que ver con las huelgas (que provocaron un impasse de seis meses en que el rodaje de la serie se suspendió por completo), pero la sensación que da es que no hubieran estado nada mal ocho capítulos en lugar de seis. De hecho, esta es una serie en la cual el enigma central es mantenido como tal hasta el final y no exagero: la trama no está aún resuelta cuando solo quedan tres minutos para la conclusión.
Y ojo: tampoco es que después quede resuelta del todo (difícil en tan poco tiempo); nos quedan montones de dudas acerca de si muchas de las vivencias experimentadas por George durante el curso de la investigación eran realidad o estaban en su cabeza. Pero en ese caso, quizás sea mejor el misterio y que queden así…
Día Cero termina siendo, como thriller político, un entretenimiento sólido y magníficamente actuado que no da respiro hasta el final, pero que bien podría haber sido mucho más que eso si se lo hubiera propuesto (o se lo hubieran permitido). La prisa por cerrar la historia, en efecto y cualquiera sea su causa, conspira en contra de ello y el final nos deja con algunas preguntas lógicas y otras que no deberían serlo. No obstante ello, un impagable De Niro, secundado por un elenco no menos rutilante, hace que la historia pueda ser disfrutada a pesar de las sensaciones encontradas del final.
¿Habrá segunda temporada? En principio, la serie está más o menos cerrada aun cuando, como hemos dicho, queden algunos cabos sueltos sin resolver. Netflix la ha anunciado como miniserie, pero creo que eso viene siendo un recurso habitual para abrir el paraguas en caso de que el producto fracase, lo cual no sería aquí el caso porque las cifras de audiencia han sido realmente buenas. En virtud de ello, podemos inferir que desde la N roja no tendrían problema en dar luz verde a una nueva temporada siempre y cuando, claro, la agenda de De Niro lo permita.
Hasta la próxima y sean felices…
Todos los seguidores de los mutantes ya habrán visto la temporada 1, o al menos conocerán la serie. X-Men´97 retoma la famosa serie titulada X-Men´92 que tanto bien hizo a todos los fans en los años 90. Pero por ejemplo también tuvo críticas no del todo favorables, como la de Pedro Pérez S. que podéis leer en Las Cosas que nos hacen Felices. Y además ahora podemos decir que hay malas noticias para todos los fans de X-Men ’97.
Y es que a finales de 2024 se empezó a correr el rumor de la temporada 2 de X-Men ’97 se retrasaría. Y así es, confirmado por Brad Winderbaum, de Marvel Televisión que ha dicho que la temporada 2 de X-Men ’97 no se estrenará hasta 2026.
«La segunda temporada de X-Men ’97 será en el 26. Estamos trabajando en ello ahora» «Es emocionante. Ese mundo de los 90 es simplemente… Sinceramente, no puedo creer que me dejaran hacerlo. Crecí en Marvel, como sabes, pasé mucho tiempo aquí, y siento que usé mucha moneda para revivir esta cosa que me encantaba ver después de la escuela. Así que, el hecho de que podamos jugar en ese universo con esos actores es honestamente la razón por la que me metí en este negocio en primer lugar.»
También se lo preguntó a Winderbaum acerca de más series de animación y largometrajes, pero aquí dio aún menos pistas:
«Todo está en fase preliminar. Como saben, desarrollamos más de lo que hacemos, así que no quiero anunciar nada antes de que esté listo. Pero espero que haya cosas emocionantes en el horizonte».
La serie de X-Men ’97 es una reposición/secuela de la serie emitida en los años 90, hace 25 años, pero Marvel decidió en su momento mantener la estética de la época. Y según los informes Disney quiere mantener la serie así el mayor tiempo posible. ¿pero los mutantes podrían saltar la década de los 90 y llegar a los 2000?
Se le preguntó al director Jake Castorena si tenía la intención de seguir con la estética de los 90 o superar esta etapa. Además se le preguntó por si iban a avanzar con argumentos basados en cómics del siglo XXI en la temporada 2.
«Ya lo tocamos, incluso en la primera temporada con E is for Extinction, que definitivamente no era de los 90 en sí, sino del espíritu de la época que vino un poco más tarde» «Una vez que pasa tanto tiempo, eso es más o menos finales de los 90: seguimos vistiendo así. Así es como yo lo valido: ‘¿Cuándo cambió el estilo de vestir? Esa es la época en la que estamos. Jugamos un poco con el tiempo, como en E is for Extinction. Pero, en cuanto a lo que dices, han pasado más de 30 años desde que terminó la serie y los cómics se han ampliado. Desde el punto de vista de los cómics, pasados y presentes, X-Men es y siempre debería ser, ante todo, una alegoría de los prejuicios. En el momento en que quitas ese elemento, automáticamente has quitado la excelencia».
El director, por otro lado, dejó caer que aunque las etapas de los X-Men de Claremont o Jim Lee eran muy importantes, quizás fuera hora de empezar a adaptar etapas posteriores:
«Los X-Men siempre deben ser los desvalidos» «Hay una razón por la que no son destrozados o recibidos tan bien como Los Vengadores. Pero también hay una razón por la que funcionan tan bien, y por la que tienen cosas como la Sala del Peligro. Mientras que los Vengadores pueden alertar de esa mierda, los X-Men trabajan juntos. Tienen sus disputas, sus dramas, sus triángulos amorosos, aunque siempre vuelven a unirse como una unidad. Cuando utilizamos las series de Chris Claremont o Jim Lee, o incluso las de Giant-Size X-Men, todas son geniales, pero también creo que es justo decir que ha pasado el tiempo suficiente como para que podamos evadirnos un poco de esa época introduciendo historias de principios de la década de 2000».
Un saludo y sed felices.
Bienvenidos sean una vez más para echar ojo a las novedades del mes en Disney+, en este caso correspondientes a marzo de 2025. Como ya viene siendo costumbre, no hay mucho, pero ojo que sí hay algo y, además, volvemos a tener películas en el listado cuando yo ya había directamente eliminado esa palabra en el título del artículo con los estrenos del mes anterior.
La principal novedad del mes es sin duda Daredevil: Born Again, la tan esperada serie en que Charlie Cox vuelve a dar vida a Matt Murdock, como lo hiciera en aquella otra tan celebrada de Netflix (aquí nuestros análisis) que al día de hoy es recordada por los fans como una de las mejores (si no la mejor) de todas las que se han basado en personajes de Marvel.
Luego de muchas idas, venidas, tirones de orejas y reescrituras, el diablo de Hell´s Kitchen está finalmente de regreso para beneplácito de los fans y, según parece, los dos primeros episodios han recogido críticas inmejorables al ser mostrados a la prensa. De hecho, se dice que la serie tiene el mismo tono oscuro que la anterior, alejando así los temores de que Disney edulcorara el proyecto en procura de hacerlo más familiar y simpático. Ojalá sea cierto…
La expectativa es muy grande y el estreno es el 5 de marzo.
Otra serie que se estrena es Hyper Knife, la cual, de origen surcoreano y creada por Kim Jung Hyun, que se perfila en principio como mezcla de thriller y drama médico, ya que sigue a Deok Hee (Sul Kyung Gu), quien, siendo aparentemente, el mejor neurocirujano del mundo, ha tenido en el pasado una tormentosa relación de sentimientos encontrados con su alumna Se Ok (Park Eun Bin), a la que terminó expulsando de su quirófano. Pasados los años, ella tiene de manera ilegal el suyo propio y las historias de ambos vuelven a cruzarse, difícil que para bien.
Estreno el 19 de marzo.
También para destacar entre las series la llegada de la primera temporada de la japonesa animada Beyblade X (que marca el inicio de una nueva generación en la franquicia), así como la tercera de la propuesta de misterio juvenil Los Hermanos Hardy y las siete que se hicieron de Gilmore Girls, todo un clásico ya próximo a cumplir veinticinco años de su estreno.
Entre las películas, la novedad principal es sin duda O´Dessa, la cual, escrita y dirigida por Geremy Jasper, llega de manera exclusiva a la plataforma y no tiene nada que ver con aquella película de 1974 que adaptaba la novela de Frederick Forsyth.
Se trata de una ópera rock (uf, cómo se extrañaba eso) ambientada en un futuro postapocalíptico y cuya trama, según sinopsis oficial, sigue a “una granjera que emprende una búsqueda épica para buscar una preciada reliquia familiar”. Ese viaje, continúa diciendo, “le lleva a una extraña y peligrosa ciudad donde conoce a su verdadero amor, pero para salvar su alma deberá poner a prueba el poder del destino y de la canción”, lo que sea que eso quiera decir. El papel principal es interpretado por Sadie Sink (Stranger Things, La Ballena), quien es secundada por Kelvin Harrison Jr., Murray Bartlett y Regina Hall.
Estreno el 20 de marzo.
Otra película que nos llega este mes es Alexander y el Viaje Terrible, Horrible, Espantoso, Horroroso (habrá que ver si tanto como el título). Se trata de una comedia familiar dirigida por Marvin Lemus y escrita por Matt Lopez con producción de un especialista: Shawn Levy, quien viene de dirigir la exitosa Deadpool & Wolverine (aquí nuestra crítica) y tiene probada experiencia en producir historias adolescentes (Stranger Things, Cráter). La trama se centra en Alexander (Thom Nemer, debutante), cuya madre, que es escritora de viajes (Eva Longoria), entiende que sería provechoso para la familia hacer uno a la ciudad de México a efectos de que los niños se encuentren con sus raíces.
Pero como en toda comedia de familia en viaje que se precie, las cosas se complican a más no poder, en este caso porque encontrarán una antigua estatuilla aparentemente maldita. Las historias de familias de vacaciones a bordo de casa rodante ya están bastante vistas y constituyen para esta altura casi un subgénero, pero el elemento fantástico pareciera dar un aditamento especial y la verdad es que el tráiler se ve divertido. Además de los ya mencionados Nemer y Longoria, el elenco incluye a Jesse García, Paulina Chávez, Rose Portillo y Cheech Marin.
Estreno el 28 de marzo.
Vaiana 2 (para Latinoamérica Moana 2) es otra de las que arriba este mes a Disney+, pero en su caso después de haber pasado por los cines, donde, a pesar de cosechar críticas mixtas, recaudó más de mil millones de dólares (superando incluso a su predecesora de 2016) e incluso fue nominada como mejor película animada en la última entrega de los Premios Globo de Oro (aquí el artículo de un servidor),
Dirigido por David G. Derrick Jr., esta secuela había sido concebida inicialmente como serie que continuara las aventuras de la adolescente maorí que le da título, pero en 2024 se decidió cambiar a formato de película y así es como nos llega tras su paso por las salas (en vista de la taquilla, parece haber sido una decisión acertada).
En esta ocasión, lo que intriga a Vaiana es por qué los pueblos del Pacífico están tan desconectados entre sí, descubriendo que se debe a que Malu, dios de la tormenta, hundió en el océano a Motufetu, la isla que en el pasado hacía de conexión entre todos. En vista de ello, la niña se aboca a un nuevo viaje, esta vez para encontrar el lugar en que la isla se ha hundido y volver a reflotarla, no solo para que los pueblos vuelvan a estar conectados, sino también para que no se extingan.
En inglés original, la voz de Vaiana vuelve a estar a cargo de Auli’i Cravalho, en tanto que Nicole Scherzinger interpreta la de su madre y Dwayne Johnson la de Maui, el semidiós cambiaformas que acompañó a Vaina en la primera película y vuelve a hacerlo en esta.
Estreno el 12 de marzo.
Entre los documentales, dos a destacar para melómanos. Quienes gusten especialmente del soul y del funky, tienen ¡Sly lives! El Legado de un Genio, que viene a complementar perfectamente Summer of Soul (2021) al ahondar en la cultura musical afroamericana y en este caso de manera específica. en la vida y aporte de Sylvester Stewart, más conocido como Sly Stone, cerebro y líder de la banda Sly and the Family Stone, sin duda de las más importantes en los dos géneros anteriormente mencionados.
El otro documental ligado a la música es Carrie Underwood: Reflection, que hace justamente un recorrido por los veinte años de carrera de la cantautora estadounidense a la que hace mención el título desde sus inicios en el programa televisivo American Idol hasta sus últimos shows. Recordemos que su álbum debut Some Hearts es el más vendido de todos los tiempos para una artista solista de música country.
El documental ya fue estrenado en enero en Hulu, recibiendo las críticas y calificaciones más diversas, desde cinco estrellas hasta una. Supongo que la cuestión, como suele ocurrir con este tipo de artista, no pasa por la calidad del producto sino por si se la ama o se la odia, sentimientos que habitualmente generan en igual medida y Carrie no es la excepción.
Estreno el 15 de marzo.
Vamos al listado…
. Vaiana 2 (12 de marzo)
. O’Dessa (20 de marzo)
. Alexander y el Viaje Terrible, Horrible, Espantoso, Horroroso (28 de marzo)
. Gilmore Girls (temporadas 1 a 7, 1 de marzo)
. Daredevil: Born Again (5 de marzo)
. Grown-Ish (temporada 5, parte 2, 12 de marzo)
. Los Hermanos Hardy (temporada 3, 15 de marzo)
. Hyper Knife (19 de marzo)
. Misión a la Isla de Sentinel (7 de marzo)
. Conoce a los Pickles: Así se hizo en la Victoria o en la Derrota (12 de marzo)
. ¡Sly lives!: El Legado de un Genio (15 de marzo)
. Carrie Underwood: Reflection (15 de marzo)
. El Diablo en la Familia: La Caída de Ruby Franke (26 de marzo)
. David Blaine: Retos Extremos (temporada 1, 26 de marzo)
Y eso es todo por ahora. Esperando, como siempre, que hayan encontrado algo de su agrado e interés, nos volvemos a encontrar en abril para compartir otro mes de novedades en Disney+. Hasta entonces y sean felices…
Finalmente, y a pesar de los pedidos de cancelación por los incendios que afectaron recientemente a Los Angeles y a la industria cinematográfica, se llevó a cabo anoche en el Dolby Theater de esa ciudad la 97a. entrega de los Premios Oscar que, en una velada bastante repartida en galardones, dieron como principal ganadora a Anora (aquí nuestra crítica) al imponerse en las categorías de película, director (Sean Baker), actriz principal (Mikey Madison), guion original y montaje.
The Brutalist (aquí nuestra crítica) fue la segunda película más premiada de la noche al quedarse con tres estatuillas, correspondientes a mejor actor (Adrien Brody, número puesto), fotografía y banda sonora original, mientras que Emilia Pérez, Wicked y Dune: Parte Dos se alzaron con dos en cada caso.
La gran perdedora de la noche (siempre hay alguna) fue Un Completo Desconocido, la elogiada biopic de James Mangold sobre Bob Dylan que, con seis nominaciones y la mayoría en rubros principales, se fue sin nada.
La ceremonia fue en esta ocasión y por primera vez presidida por el comediante y presentador televisivo Conan O´Brien, lo cual anunciaba de antemano una noche repleta de humor y referencias políticas que, sin embargo, fueron bastante sutiles y no está mal que no hayan terminado siendo el centro de la noche.
Ariana Grande, en deslumbrante vestido rojo, abrió la velada entregando una fantástica versión de Somewhere Over the Rainbow (siempre digo que esas son el tipo de cosas a que debería dedicarse), seguida por Cynthia Erivo y la suya propia, no menos magnífica, de Home, para luego ambas, con apoyo coral y orquestal, unirse en una interpretación de Defying Gravity que marcó una inmejorable apertura aplaudida de pie por la concurrencia. Conan O’Brien, al entrar después, bromeó con que nadie se paró ante su ingreso.
Quien sí recibió ovación de pie al ingresar fue Mick Jagger, el cual, increíblemente ágil y bien para su edad, fue el encargado de presentar el premio a mejor canción original, aunque aclaró ser segunda opción después de que Bob Dylan (obvio) se negara a hacerlo (me puse a pensar en ese momento en el privilegio que he tenido de llegarlos a ver juntos sobre un escenario): la estatuilla fue para El Mal, de la película Emilia Pérez, relegando una vez más a Diane Warren que, como autora del tema de El Viaje, parecía esta vez tener alguna chance de llevarse el Oscar tras dieciséis nominaciones con las manos vacías: una vez más, no fue para ella…
La tercera ovación de pie fue para el cuerpo de bomberos de Los Angeles, quizás como una forma de compensar que la ceremonia se haya realizado contra quienes pedían la cancelación, aunque es cierto que esa actividad goza siempre de buena imagen y prestigio en la sociedad norteamericana.
El presentador se encargó especialmente de mencionar la presencia en el auditorio de Karla Sofía Gascón, aunque se permitió ironizar después al decirle que si llegaba a postear algo sobre los Oscars, recordara que su nombre era Jimmy Kimmell (conductor de la ceremonia en cuatro ocasiones anteriores). También dejó deslizar sarcasmo al decir «aquí no utilizamos inteligencia artificial«, cuando la película The Brutalist fue precisamente acusada de hacer uso de la misma sin declararlo ante la Academia.
Robert Downey Jr. (quien justamente obtuvo el galardón el año pasado) fue el encargado de anunciar el premio a mejor actor de reparto que, primero de la noche, fue sin sorpresa alguna para Kieran Culkin por Un Dolor Real.
Andrew Garfield, Goldie Hawn, John Lithgow, Scarlett Johansson, Daryl Hannah, Halle Berry, Selena Gómez, Samuel L. Jackson, Ben Stiller, Willem Dafoe, Gal Gadot, Miley Cirus, Mark Hamill, Cillian Murphy y Quentin Tarantino y Penélope Cruz fueron algunas de las estrellas que desfilaron por el escenario para anunciar a los nominados y ganadores de las distintas ternas hasta llegar al de mejor película, que fue presentado por Billy Crystal y Meg Ryan, la dupla de Cuando Harry encontró a Sally («yo trabajaba aquí«, dijo él).
Uno de los discursos más encendidos y emotivos lo dio Zoe Saldaña, quien al recibir el Oscar como mejor actriz de reparto por Emilia Pérez, reivindicó sus orígenes inmigrantes y latinoamericanos, particularmente dominicanos. El más largo e insoportable, en cambio, lo dio Adrien Brody al recibir el segundo Oscar de su carrera, mientras que Sean Baker, director de Anora, se puso algo cargoso con lo de apoyar al cine independiente, no porque esté mal, sino porque con decirlo una vez alcanzaba en lugar de hacerlo cada vez que subía por un premio.
Daryl Hannah dejó deslizar un «amor para Ucrania» en la única referencia puntual de la noche (hubo una bastante más irónica y sutil por parte de O´Brien) al conflicto que, desde hace ya tres años, dicho país sostiene con Rusia y que por estos días se ha convertido en noticia a partir de la tensa reunión entre Trump y Zelenski. Mucho más militante fue el discurso de los creadores del documental ganador No Other Land al hacer referencia a la situación de Palestina y la ocupación israelí.
Para destacar, el Oscar para Flow como mejor película animada (aquí nuestra crítica), no solo por tratarse de una película independiente y fuera de los grandes estudios, sino además por ser letona y, por ende, primera película europea en ganar en tal categoría y tercera no americana (las dos anteriores habían sido japonesas). «Estonia, ahora te toca» se permitió bromear al respecto O´Brien, chiste que repitió cuando Paul Tazewell se convirtió, por Wicked, en el primer afroamericano en ganar un Oscar como vestuarista.
Otro dato destacable es la sorpresa (o no) que dio Aún estoy aquí al alzarse con el Oscar a mejor película internacional por sobre Emilia Pérez, aunque es cierto que ambas contaban con doble nominación al estar también ternadas para mejor película. Si será un pase de factura para Gascón por sus polémicos dichos xenófobos no lo sabemos, pero si había una que podía quitarle ese premio a la película francesa era justamente Aún estoy aquí, que le dio de esta forma su primer Oscar a Brasil.
La ceremonia contó, además, con un homenaje a la saga James Bond que, con espectacular coreografía,fue paseando por las distintas bandas sonoras de la franquicia a lo largo de las décadas, iniciándose con el tema principal de Al Servicio Secreto de su Majestad, para luego ir pasando sucesivamente por el escenario Lisa, Doja Cat y Raye para interpretar las respectivas canciones de Live and let die, Diamonds are Forever y Skyfall. También hubo, en interpretación de Queen Latifah, un homenaje póstumo a Quincy Jones por sus aportes a la industria musical y especialmente bandas sonoras.
Y no faltó, como en cada ceremonia, el sentido homenaje a las figuras del cine que partieron en este último año. Con el Requiem de Mozart como fondo, pasaron por la pantalla David Lynch, Donald Sutherland, Maggie Smith, Roger Corman, Louis Gossett Jr., Shelley Duvall, Anouk Aimée, James Earl Jones, M. Emmett Walsh y tantos otros, con especiales palabras de Morgan Freeman para su amigo Gene Hackman, cuyo fallecimiento impactó de manera especial la semana pasada y aquí tienen nuestro artículo al respecto.
En fin, les dejamos la lista completa, destacando para cada terna en negrita al ganador o ganadora…
Y eso es todo por este año. Espero que nos volvamos a encontrar el próximo o, mucho antes de eso, en algún lugar de esta web. Hasta pronto y sean felices.
Salvar al soldado Ryan posiblemente sea el mejor exponente de cine bélico del siglo XX, pero me atrevería a decir que en realidad está en el top 3 de ese género de toda la historia del séptimo arte.
Dirigida por el casi siempre brillante Steven Spielberg, nos relata los acontecimientos que tuvieron lugar el 6 de Junio de 1944 durante el histórico día D, tomando como fondo de la trama el rescate de un soldado norteamericano, el cual ha perdido a sus hermanos todos muertos en combate.
Spielberg no era un profano en la materia de la Segunda Guerra Mundial dado que varias de sus películas tratan de ese tema. En 1979 firmó una de sus más sonadas decepciones, la comedia 1941, en 1987 estrenó el drama El Imperio del Sol y, para acabar su trío de films sobre el tema, la gran La Lista de Schindler vio la luz en 1993. Y entonces nos llega 1998, y el rey midas de Hollywood realiza esta gloriosa película.
Salvar al soldado Ryan destaca en cada uno de los aspectos importantes que determinan que sea considerada uno de esos productos dignos de ser apreciados por los buenos aficionados al cine. Quizás su aspecto más mundano sea la trama argumental que se nos puede hacer tópica, un simple vehículo para que nuestros protagonistas vayan de un punto A (la playa de Omaha durante el desembarco de Normandía) al punto B (donde encontrarán a Ryan).
Cuando salimos de esa trama para centrarnos en otros aspectos importantes como la fotografía, la música o las interpretaciones del elenco de actores (por nombrar tres cosas), Spielberg consigue componer una obra digna de elogio.
Como hemos comentado en el inicio del escrito, varios son los puntos que hacen de Salvar al soldado Ryan una de las mejores películas del género bélico de la historia del séptimo arte.
Todos los personajes son importantes en diferentes niveles, pero sobre todo la trama se centra en el Capitán Miller interpretado magníficamente por Tom Hanks, quien borda un papel digno del Oscar (que no obtuvo). Transmite humanidad y otros valores que le hacen honorable para sus hombres. La presentación de su personaje en la lancha que les lleva a la playa es a la vez austera e impactante visualmente. Ya vemos en su mano derecha ese tembleque que más tarde nos recordará, en otras escenas, que la guerra ha mellado en él como persona.
Aparte de Hanks tenemos papeles más secundarios pero a la vez importantes, como el de Giovanni Ribisi (T) como médico del grupo, Vin Diesel (Soldado Caparzo) , Edward Burns (Soldado Reiben) Barry Pepper (Soldado Jackson), Adam Goldberg (Soldado Mellish) y Jeremy Davies (Cabo Upham). Destacable también el buen quehacer de Tom Sizemore como el Sargento Horwath, un personaje que con pocas escenas se gana nuestros corazones.
De hecho, el sargento tiene un instante en una de las escenas al principio de la película cuando han tomado la playa, en que se saca de su mochila una especie de caja pequeña para llenarla de arena y, al regresarla al petate, lleva varias más con nombres de otros lugares donde ha luchado. Solo con ese detalle visual, y gracias al don narrativo que siempre ha tenido Spielberg, nos da el background del Sargento Horwath que necesitamos.
Salvar al Soldado Ryan tiene varias escenas que, luego de verlas, se te quedan en la cabeza por varias razones, pero quizás la más destacada sea la parte visual gracias a la magnífica fotografía. El artífice de que esta categoría fuera una de las premiadas en la edición de los premios Oscars de 1996 fue Janusz Kaminski. Habiendo trabajado con Spielberg en más de 15 ocasiones, su estilo consiste en el uso de luces intensas con un contraste marcado, una estética en el caso de la película que nos ocupa, desaturada y granulada perfecta para cine bélico, más el uso de la cámara en mano que aporta dinamismo.
Escenas destacadas visualmente hay muchas en el filme, pero tanto el primer acto como el último son muy remarcados en cuanto a la imagen. El desembarco de Normandía y la lucha final para sacar a Ryan de la guerra son brillantes por sí mismas.
En el mundo del cine, uno de los binomios más importantes es sin lugar a dudas el que forman los directores con sus compositores de bandas sonoras. Igual que Alfred Hitchcock tenía su Bernard Herrmann, Christopher Nolan a Hans Zimmer, Sergio Leone a Ennio Morricone, pues Spielberg tiene a John Williams.
Evidentemente, Williams tiene muchos trabajos sin colaborar con el director de Ohio, pero entre los mejores están las 29 veces que sí han trabajado juntos. En esta ocasión, se aleja un poco de su tono habitual más sinfónico para tomar un enfoque más emocional y solemne. Una de las piezas más memorables y que nos reafirma en nuestra opinión es «Hymn to the fallen«, basado en un coro acompañado de instrumentos de viento y percusión ligera. Una auténtica maravilla. Podríamos seguir dando razones para decir por qué debes verla, pero creo que, con suerte, lo que te hemos comentado en este escrito será suficiente para que te decidas.
Sobre todo a los amantes del cine bélico, por su crudeza, por lo que transmite. Aparte de eso, a los fans del trabajo de Steven Spielberg, uno de los mejores directores de la historia del cine, o también para los seguidores de actores como Tom Hanks. Como es habitual en mí, siempre recomiendo ver al menos una vez las películas que aquí sugerimos para que os forméis una idea propia, que es lo importante.
En caso de que queráis descubrir el binomio entre Steven Spielberg como creador de series, conjuntamente con la producción suya y de Tom Hanks, os recomendamos que le deis una oportunidad a Band of Brothers (Hermanos de Sangre), la mejor serie bélica de la historia de la televisión, The Pacific y más recientemente Masters of air (Los amos del aire).
Para más Retro Análisis pasaros por la sección AQUÍ
Si queréis un artículo sobre uno de los actores de la película, Tom Sizemore, clicad AQUÍ
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Spawn La batalla por el trono. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Llevamos tiempo ganándonos tirones de orejas con Spawn. Y por varias razones. Spawn es una serie palomitera, no es el mejor cómic del mundo, no es un cómic para ir ganando todos los años un Eisner. Pero por otro lado hay que dar mérito a una serie que justo en este tomo cumple los 350 números publicados de la colección regular, una serie superentretenida que ha ido poco a poco superando etapas, llegando a ser en diferentes décadas el cómic más vendido en Estados Unidos.
Spawn tiene acción y entretenimiento, y engancha como el primer día, aún habiendo pasado décadas y más de 350 números. Por todo eso creo que Spawn, nos guste o no, tiene que tener un respeto. Y antes que se me olvide, Spawn es el cómic de todos los tiempos, fuera de Marvel o DC, con más números publicados de la colección regular. Ojo que hablamos de palabras mayores. Lejos quedó atrás la marca de Cerebus con 300 números. Y lo mejor de todo (algunos os echaréis las manos a la cabeza) es que McFarlane no parece estar cerca de acabar la colección. Ya estamos más próximos al número 400 que del 300, y a mi me da, que mínimo serán 500 números. Analizad bien la cifra: 500 números. Algo se estará haciendo bien para que una serie siga cumpliendo años.
Durante todo este peregrinaje, y sobre todo al principio de la serie, Spawn tuvo series limitadas que complementaban la colección. Incluso series con autores importantes como Alan Moore o Neil Gaiman en Violator o Angela. Y es que ahora mismo es tal el éxito de Spawn que comparte mes a mes espacio con otras cabeceras como Spawn Rey, Spawn GunSlinger y Spawn Scorched. Series que también hemos tratado en Las cosas que nos hacen felices. Y supongo y hablo de suponer que todos estos spin-offs seguirán mínimo algunos años más. Todas ellas ya han pasado del número 25, y ya no dudo que todas llegarán al 50. Pero la que se al 100% que seguirá mucho más del 350 será la cabecera, la colección regular de Spawn. La serie de los récords.
Se llevaba un tiempo notando como la serie principal, como algunos de los spin-offs no avanzaban, y es que algunas tramas se estaban eternizando. Y me refiero a los últimos números. Y todo esto tenía una razón, llegar al 350 americano con el final de la saga llamada Spawn La batalla por el trono. Si, ya se que esto se podría haber resuelto algún número antes, pero eso de que todo converja en un número redondo es muy americano. Y ya por fin tenemos esta saga completa, y que además incluye los números 351 y 352 con una trama que transcurre dos meses después de los hechos acontecidos en el 350. Esta saga y sus consecuencias no sólo se verán en los tomos de Spawn, sino que harán lo propio en el resto de spin-offs: Spawn Rey, Spawn GunSlinger y Spawn Scorched.
Para acabar con esta recomendación de la serie palomitera fuera de Marvel y DC más importante de la historia, tengo que añadir que a partir del número 351 tendemos como dibujante regular a Brett Booth, al que sacamos de la serie GunSlinger para tenerle aquí un largo tiempo. En Estados Unidos sigue como dibujante regular. Espero que os guste porque os lo vais a tragar en los próximos tomos.
Contiene Spawn números 347 a 352 publicados en USA por Image Comics.
¿Quién se sentará en el trono? ¿Será Spawn? ¿Alguno de sus enemigos? ¿O alguien más escondido entre las sombras? Y más importante aún… ¿alguno de ellos es digno de reclamar el poder de este trono? Este número aniversario da todas esas respuestas que llevan gestándose largo tiempo… y sus consecuencias se notarán en todas las series de Spawn porque… ¡nadie estará a salvo!
Un saludo y sed felices.
Después de un año de espera Invincible (Invencible) vuelve en su tercera temporada para cautivar con su historia a todos sus espectadores, siguiendo la historia de Mark Grayson/Invencible (Steven Yeun) que, luego de su lucha Con Armstrong Levi, cae en dudas sobre su heroicidad mientras tiene que prepararse para poder defender a la tierra ante nuevos villanos que lo llevarán al límite.
Los primeros cinco capítulos de Invencible nos muestran el lado más humano del protagonista. En esta temporada se exploran sus deseos, sus dudas y sus dilemas sobre cómo ser un verdadero héroe a pesar del legado de su padre. La historia se sitúa unos meses después del final de la segunda temporada, en un momento en el que Mark sigue trabajando con Cecil (Walton Goggins)y su medio hermano Oliver(Christian Convery) ha crecido a un ritmo acelerado.
Los tres primeros capítulos nos muestran la evolución de Mark como héroe: se ha vuelto aún más fuerte y trabaja codo con codo con Cecil para estar preparado ante la invasión viltrumita. Estos episodios se centran en la percepción que tiene Mark de sí mismo como héroe y en su firme decisión de no renunciar a su moralidad, incluso cuando el bienestar de los demás parezca depender de ello.
El estreno simultáneo de los tres primeros capítulos no fue casualidad, ya que refleja de forma excelente la transformación que está experimentando Mark y cómo se encuentra atrapado en un dilema: hacer lo necesario para salvar el mundo o hacerlo sin traicionar su código moral. Estos episodios nos muestran que, aunque en ocasiones pueda ser despiadado, Invencible aspira a ser alguien que inspire a los demás.
La temporada también sigue explorando la dualidad en la vida de Mark: su faceta amorosa y su necesidad de encontrar compañía en un mundo donde parece más seguro estar solo. Pero, sobre todo, se ahonda en su relación con su familia, que es lo que más valora. Se muestra su amor por su madre y su determinación por protegerla del peligro, al mismo tiempo que intenta ayudarla a reconstruir poco a poco su vida. También se desarrolla su relación con su hermano Oliver y cómo Mark se ve obligado a convertirse en su mentor debido a la rápida adquisición de poderes de este.
En tramas más secundarias, vemos a los Guardianes del Globo y cómo no están satisfechos con su situación como héroes, ya que han sido relegados a un segundo plano debido a su limitada eficacia ante amenazas mayores. Esto genera conflictos y cuestionamientos entre personajes como Rex Splode(Jason Mantzoukas) e Inmortal(Ross Marquand), lo que nos ofrece una visión más amplia del universo de la serie y de cómo se desarrollan distintas situaciones ante las crisis recientes.
Los capítulos 4 y 5 se centran en historias distintas a la trama de los tres primeros episodios, pero al mismo tiempo funcionan como un puente hacia lo que está por venir. Siguen explorando los dilemas de Mark, su visión sobre la vida humana y cómo, en ocasiones, se ve obligado a hacer cosas que preferiría evitar por el bien del mundo. En estos episodios también vemos cómo los demás héroes comienzan a distanciarse, cada uno buscando su propio camino para convertirse en los salvadores de la Tierra, además de las consecuencias de los conflictos entre Mark y Cecil.
Estos capítulos también retoman tramas que vienen desde la segunda temporada, dando continuidad a la historia de Omni-Man (J.K. Simmons) y su estancia en la prisión viltrumita junto a Allen El Alien (Seth Rogen). Esta sub-trama es una de las más cargadas de acción y resulta un verdadero disfrute gracias a la interacción entre los personajes, incluyendo la reaparición de viejos conocidos. Además, presenta algunas de las batallas más sangrientas de la serie hasta el momento.
Sin lugar a dudas, lo mejor de la serie han sido las contraposiciones, tanto de personajes como de ideales. La temporada nos muestra que Invencible no da su brazo a torcer con su código moral, pero ciertas situaciones le obligan a dejarlo de lado por el bien de quienes más ama.
Esto también plantea cuestionamientos a los espectadores, generando la duda sobre qué personaje tiene razón. A lo largo de la temporada se presentan distintos puntos de vista que hacen preguntarse cuál es el correcto y si realmente es válido hacer cualquier cosa en nombre del bien común o si, por el contrario, hay límites que deben respetarse, incluso si eso implica dejar escapar vidas inocentes.
Este enfoque es una gran aportación a la serie, que se aleja del molde tradicional de las producciones de superhéroes de la industria. Mientras que la mayoría de películas del género tienden a centrarse en la acción o en tramas sin demasiada profundidad, Invencible apuesta por un tono diferente, priorizando el desarrollo de los personajes, lo que hace que sea imposible no enamorarse de la historia.
Aunque la serie sigue presentando propuestas muy interesantes, su punto más débil es la animación que, si bien no es mala, es sin duda bastante mejorable. Entendemos que Invencible cuenta con un presupuesto limitado y que la animación suele ser costosa, pero eso no quita que, en ocasiones, se sienta demasiado simple y carente de frescura en sus movimientos, lo que puede hacer que algunos espectadores se distraigan con esos defectos.
También en las decisiones técnicas, la animación juega en su contra, ya que su simplicidad impide que aspectos como las sombras, la colorización o la iluminación destaquen. Aunque esto no eclipsa todos sus logros, es innegable que podría ser un aspecto a mejorar.
Con su tercera temporada, Invencible sigue demostrando que su historia es cautivadora y que explora todo el potencial del género, aportando un soplo de aire fresco a las historias de superhéroes. Todo apunta a un final de temporada épico que dejará a los espectadores con más ganas que nunca de ver nuevas entregas de la serie.
Pueden encontrar nuestra opinión de los capítulos de Invencible y sus demás curiosidades en nuestra web.
¡Un saludo y sed felices!
Ya estamos un mes más por aquí con las novedades y estrenos de Max para el mes de marzo de 2025. Veamos qué nos traen en esta ocasión.
En marzo, Max estrena una de las grandes apuestas españolas del año: Enrique Urbizu vuelve a dirigir una serie liderada por una espectacular pareja de actrices, Maribel Verdú y Mariela Garriga, en CUANDO NADIE NOS VE, un thriller a plena luz del día que esconde los secretos más oscuros de la población andaluza de Morón de la Frontera durante su semana grande de Semana Santa. Llegará el próximo 7 de marzo.
Además, nuestros vecinos franceses nos traen una de sus últimas producciones, la serie REFORMED, protagonizada por una de las pocas mujeres rabinas en Francia que tiene que conciliar su labor como guía espiritual de toda la comunidad con sus propias dudas sobre las grandes cuestiones de la vida. Llegará a final de mes, el día 28.
También se estrena la cuarta y última temporada de LOS GEMSTONE, las aventuras de esta familia televangelista protagonizadas por Danny McBride, Walton Goggins (Fall Out) y John Goodman, entre otros. Será el próximo 10 de marzo. El día 4, además, estrenamos LA CIUDAD DE LOS CELTICS, una serie documental sobre la extraordinaria historia del club con más historia de la NBA, los Boston Celtics. a través de los episodios más memorables de toda su historia.
Para amantes del cine estrenamos en exclusiva THE PARENTING, un nuevo largometraje que mezcla terror y comedia con un reparto encabezado por Brian Cox (Succession), Lisa Kudrow (Friends) y Brandon Flynn, entre otros. Llegará el día 13.
En cuanto a cine español, estrenamos PÍDEME LO QUE QUIERAS, la taquillera adaptación de la novela homónima de Megan Maxwell, que llega directa a Max desde los cines el próximo 29 de marzo para poder disfrutarla desde el sofá. Además, estrenamos LOS ÚLTIMOS ROMÁNTICOS, la última película de David Pérez Sañudo, que pasó por el Festival de San Sebastián cosechando excelentes críticas y está basada en la célebre novela homónima de Txani Rodríguez. Será el 15 de marzo.
LA CIUDAD DE LOS CELTICS. Nueva docuserie
Esta nueva serie narra la extraordinaria saga de los Boston Celtics, la franquicia más ganadora y con más historia de la NBA, desde su fundación como uno de los equipos originales de la liga hasta su triunfal campeonato de 2024, profundizando en las feroces rivalidades, los momentos decisivos y las fuerzas sociales que han conformado el legado perdurable de la organización.
RESTAURADORES DE CABAÑAS. Temporada 4
El constructor Chase Morrill y su equipo transforman una antigua caseta de pescado y langosta construida a mano en una divertida cabaña familiar.
THE HOLZER FILES. Temporada 2
Investigación de terroríficos sucesos reales a partir de los expedientes del primer cazador de fantasmas de Estados Unidos, el Dr. Hans Holzer.
CUANDO NADIE NOS VE. Nueva serie original
La trama se desarrolla durante la Semana Santa de 2024 en Morón de la Frontera, un pueblo de Sevilla situado junto a la base aérea del ejército estadounidense, donde conviven con naturalidad la forma de vida americana y las tradiciones de la Andalucía profunda.
Lucía Gutiérrez (Maribel Verdú) es una sargento de la Guardia Civil que investiga el insólito suicidio de un vecino y unos extraños sucesos acaecidos en la primera procesión de Semana Santa. Magaly Castillo (Mariela Garriga) es una agente especial del ejército de Estados Unidos enviada a la base de Morón para averiguar el paradero de un soldado americano desaparecido que parece estar relacionado con los negocios ocultos del Coronel Seamus Hoopen (Ben Temple), máximo responsable de la base aérea.
El solitario policía militar, sargento Andrew Taylor (Austin Amelio), acompaña a Magaly en sus pesquisas. Enseguida descubren que ambas investigaciones están conectadas, que el caso es más complejo de lo que inicialmente habían supuesto y que involucra tanto a vecinos de Morón como a militares americanos de la cercana base.
LOS GEMSTONE. Temporada 4
La cuarta y última temporada cuenta la historia de una familia televangelista de fama mundial con una larga tradición de desviación, codicia y obras de caridad. A pesar de las constantes disputas, los lazos familiares de los Gemstone son profundos y en esta temporada la codependencia de la familia se pone a prueba cuando intentan seguir adelante sin olvidar su pasado.
YOLO. Temporada 3
¡SÍ, J*DER!. Nueva serie de animación Adult Swim
Tres extravagantes y poco convencionales chicas negras navegan por el mundo del sexo, las citas y la feminidad en el siglo XXX.
HASTA QUE EL DISEÑO NOS SEPARE. Nuevo programa
El matrimonio de diseñadores Ray y Eilyn Jimenez, que dirigen estudios opuestos, compiten entre sí para conquistar a clientes potenciales con sus distintas estéticas de diseño.
CHAPA Y PINTURA. Temporada 10
Dave Kindig fabrica vehículos únicos para su exigente, y a veces famosa, clientela.
MAESTROS DE LA RESTAURACIÓN. Temporada 18
Este programa nos presenta a Drew Pritchard, un moderno buscador de tesoros. Con clientes exigentes y uno de los más grandes almacenes de objetos decorativos restaurados de Gran Bretaña, Drew viaja por todo el país buscando joyas abandonadas y reliquias perdidas.
Adora la emoción de la búsqueda y ensuciarse las manos limpiando las aguas estancadas. Cuando Drew encuentra una pieza de valor, su equipo de restauradores profesionales se pone a trabajar para dotar a estos hallazgos viejos y singulares de una nueva vida.
Sigue a Drew en sus viajes por fincas y propiedades escocesas en las que espera descubrir algo de la magia de las casas de campo.
DRA. EMMA: CLÍNICA DERMATOLÓGICA. Temporada 6
La dermatóloga Emma Craythorne se enfrenta a complicados casos médicos en Reino Unido. La doctora se propone transformar las vidas de aquellos que sufren de problemas extremos en la piel.
091: ALERTA POLICIA. Temporada 8
RESTAURADORES DE CABAÑAS. Temporada 5
MI VIDA CON 300 KILOS. Temporada 13
UN HOMBRE DECENTE. Nueva serie
Petru, un ingeniero de perforación que vive en una comunidad de trabajadores de la industria petrolera, tiene un conflicto. Por un lado está a punto de casarse con su novia embarazada, Laura, y por otro mantiene una relación con la mujer de uno de sus compañeros, Sonia, que sufre un accidente laboral.
La nueva vida de Petru parece empezar, mientras que Sonia siente que la suya se acaba. Aunque se siente en deuda con ella, también se siente responsable de su hijo nonato. Laura descubre su relación con Sonia, desencadenando una serie de acontecimientos. Petru y Sonia acaban buscando consuelo en los brazos del otro. Ambos sufren daños irreversibles mientras intentan desesperadamente sobrevivir.
REFORMED. Nueva serie francesa
Léa, de 28 años, es una de las pocas mujeres rabinas de Francia: con hombros frágiles y grandes responsabilidades, tiene que encontrar respuestas en el laberinto de pequeñas y grandes preguntas de la vida de las personas.
Pero, ¿cómo puede servir de guía a los demás cuando ella misma se debate entre los fundamentos del amor, la familia y el sentido de la vida?
DIAMANTES&LIMONES. Nuevo especial de Hora de Aventuras
PELÍCULAS
EL CONTABLE
ME HE HECHO VIRAL
JINETES DE LA JUSTICIA
THE PARENTING. Nueva película original
Esta nueva película original sigue a la joven pareja formada por Rohan y Josh mientras planean una perfecta escapada de fin de semana al campo para presentar a sus padres.
A medida que las tensiones comienzan a estallar entre los más tradicionales Sharon y Frank y los relajados Liddy y Cliff, las familias pronto se dan cuenta de que la casa donde se alojan -gestionada por la excéntrica local Brenda- está embrujada por la presencia de un poltergeist de 400 años de antigüedad.
Cuando uno de los padres queda completamente poseído, depende de la joven pareja y de su entrometida mejor amiga Sara para unir a las familias y detener al malvado ente de una vez por todas.
POBRES CRIATURAS
THE LOBSTER
LOS ÚLTIMOS ROMÁNTICOS. Estreno exclusivo
Irune, una mujer insegura, solitaria y con tendencias hipocondríacas, trabaja en una fábrica de papel situada en las afueras de un pueblo industrial en Álava. Su vida se limita a un reducido círculo de conocidos: sus compañeros de trabajo, una vecina con la que comparte algo parecido a una amistad y un operador de Renfe a quien consulta horarios de trenes que nunca toma.
Su frágil equilibrio estallará cuando se detecte un bulto en un pecho, lo que coincidirá con un conflicto laboral en el que se ve implicada. Es entonces cuando su vida toma un giro inesperado, ofreciéndole la oportunidad que, quizás sin saberlo, siempre había estado esperando.
LOCURA PADRE
PÍDEME LO QUE QUIERAS. Estreno exclusivo
Tras la muerte de su padre, el empresario alemán Eric Zimmerman viaja a España para supervisar las delegaciones de su empresa. En la oficina central de Madrid conoce a Judith, una joven de la que se encapricha de inmediato.
Ella sucumbe a la atracción que su jefe ejerce sobre ella y acepta formar parte de sus juegos sexuales, repletos de fantasías y erotismo. Junto a él aprenderá que todos llevamos dentro un voyeur, y que las personas se dividen en sumisas y dominantes. Basada en el best-seller homónimo de Megan Maxwell
EL AMOR EN SU LUGAR
Y hasta aquí las novedades y estrenos de Max para marzo del 2025. Si la plataforma de streaming incluye algo más de última hora os lo comunicaremos.
Saludos y sed felices.
Netflix lo ha vuelto a hacer. Otra película de acción llamada a ser la película del género del año. Lo hizo con Tyler Rake y su secuela y Havoc tiene pinta de que estará ahí.
Y mira que Netflix nos ha hecho dudar mucho de este proyecto que se anunció hace más de cuatro años y que no sabemos el motivo ha estado en barbecho una vez acabada más de dos años y medio.
Pero ya está aquí con fecha de estreno y todo: el 25 de abril en los mejores salones de casa.
Después de que un negocio de drogas salga mal, un detective debe abrirse camino en los bajos fondos criminales mientras desenreda una profunda red de corrupción de su ciudad.
Dirigida por Gareth Evans, Tom Hardy es la gran estrella de la película y a él lo acompañan Forrest Whitaker, Timothy Olyphant, Luis Guzmán y Jessie Mei Li. Esperemos que los reshoots de Netflix y el tiempo de espera no signifique que estamos ante un bluff de época como fue Carter.
Un saludo y sed felices.
Eugene Allen Hackman, más conocido como Gene Hackman, había nacido un 30 de enero de 1930 en San Bernardino, California. Debido al divorcio de sus padres, su adolescencia tuvo distintas localizaciones y no parecía en ese momento que su destino fuera a estar en la actuación. Por el contrario, contando con solo dieciséis años y mintiendo su edad, se alistó en los Marines y ofició para ellos como operador de radio en China, Hawái y Japón. Ya de regreso en su país e instalado en Illinois, estudió televisión, periodismo y radiofonía para que la vocación de actor, finalmente, le apareciera de manera tardía a los treinta años.
Recién entonces se inscribió en la escuela de interpretación Pasadena Playhouse de los Angeles, donde trabó amistad con un muy joven Dustin Hoffman. Su primer papel en cine, si bien no acreditado, lo tuvo al muy poco tiempo con el filme gangsteril Mad Dog Coll (Burt Balaban, 1961), a lo cual siguieron varios trabajos en teatro sobre las tablas de Broadway y participaciones televisivas en episodios de icónicas series de los sesenta como Los Invasores o FBI.
Pero su primer gran impacto llegó cuando, por recomendación de Warren Beatty, cayó en el filme Bonnie y Clyde (Arthur Penn, 1961), en el cual le tocó interpretar a Buck Barrow (hermano de Clyde) y le valió nada menos que su primera nominación al Oscar en calidad de actor de reparto, al igual que ocurriría tres años después con su participación en Nunca canté para mi Padre (1970).
Las puertas se le fueron abriendo con cada vez mayor frecuencia y el Oscar, ya como actor principal, le llegó finalmente por su papel en The French Connection (William Friedkin, 1971), filme conocido en España como Contra el Imperio de la Droga y en Latinoamérica como Contacto en Francia.
No solo los galardones le abrieron puertas sino también su versatilidad y tipo físico que, difícil de encasillar en algún estereotipo en particular, lo hacía adaptable a los más diversos papeles o géneros cinematográficos.
De hecho, en los tres años siguientes a The French Connection filmó nada menos que diez películas, las cuales, de lo más disímiles, podían ir desde el género catástrofe con La Aventura del Poseidón (Ronald Neame, 1972) hasta el road movie con Espantapájaros (Jerry Schatzberg, 1973), así como el western con Muerde la Bala (Richard Brooks, 1974), la comedia de terror con Young Frankenstein (Mel Brooks, 1974) o el thriller psicológico de tono oscuro y existencialista con La Conversación (Francis Ford Coppola, 1974), probablemente de las mejores actuaciones de su carrera.
La segunda mitad de los setenta continuó teniéndolo en títulos icónicos, entre ellos la secuela French Connection II (John Frankenheimer, 1975), el drama bélico Un Puente Lejano (Richard Attenborough, 1977) o la ultra taquillera Superman: La Película (Richard Donner, 1978), primer largometraje de cine dedicado al clásico héroe de DC en el cual daba vida al emblemático villano Lex Luthor.
Los ochenta lo vieron en filmes político-testimoniales como Rojos (Warren Beatty, 1981), Bajo el Fuego (Roger Spottiswoode, 1983) o Arde Mississippi (Alan Parker, 1988), que le valió una nueva nominación al Oscar como actor principal. Ello sin olvidar el thriller No hay Salida (Roger Donaldson, 1987), el drama psicoanalítico Otra Mujer (Woody Allen, 1987) o el drama deportivo Hoosiers (David Anspaugh, 1986), del cual pueden leer aquí el retro-análisis que para esta web ha realizado El Escritor Nómada.
Los noventa le vieron frecuentar seguido el western, con recordados títulos como Sin Perdón (Clint Eastwood, 1992), que le significó su segundo Oscar y primero como actor de reparto, o también Gerónimo, una Leyenda (Walter Hill, 1993), Wyatt Earp (Lawrence Kasdan, 1994) o Rápida y Mortal (Sam Raimi, 1995), del cual pueden leer aquí el retro-análisis escrito por un servidor. También estuvo en la comedia negra Cómo conquistar Hollywood (Barry Sonnenfeld, 1995) o en el claustrofóbico thriller náutico Marea Roja (Tony Scott, 1995), donde le tocaba sostener un memorable contrapunto y duelo actoral con Denzel Washington.
Sería imposible repasar en este artículo toda su vasta trayectoria, pero la última producción que contó con él fue Bienvenido a Mooseport (Donald Petrie, 2004), tras la cual anunció su retiro de la actuación y así se mantuvo durante las dos últimas décadas, en que más bien se dedicó a su faceta de escritor publicando tres novelas. De hecho, la versatilidad de Hackman no solo se aplicaba a la actuación, sino también a su vida y actividades en general, pues también era pintor y hasta participó en carreras de autos.
Ayer, en circunstancias misteriosas aún no esclarecidas, fue hallado muerto en la mansión rural que tenía en Santa Fe, Nuevo México, la cual había adquirido a principios de los noventa y sometido a treinta años de reformas. A su lado y también sin vida se hallaba Betsy Arakawa, la pianista de sesenta y tres años con la cual, en segundas nupcias, había contraído matrimonio en 1991. Y su perro: o uno de ellos al menos, pues tenía tres y los otros dos están vivos…
Por estas horas, y como es de esperar, se tejen todo tipo de conjeturas en cuanto a las causas de muerte, yendo las mismas desde un pacto suicida hasta asfixia con monóxido de carbono que, según se sabe, es la más probable vía de investigación que maneja la policía en este momento y así lo hizo saber Elizabeth Jean Hackman, hija del actor fallecido. En cuanto a la posibilidad de un doble (o triple) asesinato, fue prácticamente descartada desde un primer momento.
No es intención de este artículo, de todas maneras, ahondar en detalles amarillistas sino rendir justo tributo a quien fuera una de las más grandes figuras del cine mundial y uno de los mejores actores de todos los tiempos. Ganador de dos Oscar, cuatro Globos de Oro y dos BAFTA, deja detrás de sí un impresionante legado de más de ochenta películas y por lo menos una veintena de personajes icónicos e inolvidables cuando muchos actores morirían por tener en su haber siquiera uno.
Y mientras las redes sociales se llenan de condolencias, vayan en homenaje las sentidas palabras de Francis Ford Coppola, quien lo dirigiera en La Conversación: “La pérdida de un gran artista siempre es motivo de duelo y celebración. Gene Hackman, un gran actor, inspirador y magnífico en su trabajo y complejidad. Lamento su pérdida y celebro su existencia y contribución”.
Hasta siempre, Gene, gracias por todo y gracias por tanto. Inolvidable. Hasta siempre…
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