Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Planeta Cómic presenta un catálogo otoñal que combina adaptaciones literarias, dramas cotidianos y clásicos del manga contemporáneo.
Octubre de 2025 llega con propuestas que apelan a la sensibilidad, la memoria y la imaginación, consolidando su apuesta por obras con alma narrativa y estética cuidada.
Novedades Manga Planeta Cómic de octubre de 2025
Soy más bien un lector clásico. Añejo. Y no soy muy aficionado a este género que por otra parte, nos ha ofrecido títulos muy adictivos, interesantes y también obras maestras del noveno arte.
Por este motivo, voy a seleccionar una sola obra del catálogo Manga de Planeta Cómic del mes de octubre de 2025.
Esta edición especial recopila en un estuche los dos volúmenes de la adaptación manga del clásico del horror cósmico de H. P. Lovecraft.
Gou Tanabe, reconocido por su maestría en trasladar la atmósfera lovecraftiana al manga seinen, ofrece una versión visualmente poderosa y fiel al espíritu del relato original.
La historia sigue a una expedición antártica que descubre vestigios de una civilización ancestral no humana, desatando una espiral de terror existencial.
Tanabe logra capturar la escala, el misterio y la desesperación que definen el Universo de Lovecraft, con un estilo gráfico detallado y envolvente.
Una vez os he dejado mi recomendación, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades manga de Planeta Cómic, previstas para este mes de octubre.
Echad un ojo, disfrutad terroríficamente y sobre todo …
Desde Eternia nos ha llegado un mensaje para los fans de los héroes más poderosos del universo. Un grito ha resonado desde el Castillo Grayskull hasta la Montaña Serpiente: la editorial Moztros ha tomado las riendas de la publicación de los cómics de ‘He-Man y los Masters del Universo’ en España, una licencia que se encontraba en manos de la extinta ECC Ediciones.
Teniendo en cuenta que esta joven editorial ya nos trae ‘Las Tortugas Ninja’, ‘GI-Joe’ y ‘Transformers’, entre otras licencias, creo que el príncipe Adam debe estar contento con el nuevo hogar de sus amigos y enemigos.
El relevo en la licencia de ‘Masters del Universo’ (MOTU) por parte de Moztros suma otra franquicia de nuestra infancia a las que ya he mencionado y más que espero que sigan trayendo. No solo por los que ya tenemos una edad y nos henos criado con este universo tan increíble, si no para los más jóvenes puedan describirlo
He-Man y los Masters del Universo llegan a Moztros Editorial
Nos la habíais pedido… ¡y aquí la tenéis! Una de las licencias más deseadas por nuestros lectores llega al catálogo de la editorial. Masters del Universo, la franquicia de Mattel que desde hace más de cuatro décadas fascina a lectores, espectadores y coleccionistas, está más de actualidad que nunca, con las series de animación de Netflix todavía recientes y el estreno de la nueva adaptación cinematográfica programado para 2026. ¿Qué mejor momento para sumergirse en los cómics de esta saga tan querida?
Nuestro plan editorial reflejará la variedad de versiones que He-Man y los Masters del Universo han tenido a lo largo de los años, abarcando desde los clásicos que hicieron historia, hasta las sagas más recientes que triunfan en Netflix, pasando por volúmenes autoconclusivos que reúnen a algunos de los mejores autores del medio.
LOS CLÁSICOS, EN TODO SU ESPLENDOR
– He-Man y los Masters del Universo: La colección de minicómics: los míticos minicomics originales que acompañaban a las figuras de los 80. Con aportaciones de autores de la talla de Alfredo Alcalá, Mark Texeira, Larry Houston, Bruce Timm,
– Masters del Universo: Las tiras de prensa: las legendarias tiras de prensa que expandieron Eternia más allá de la televisión.
LO NUEVO, DIRECTO DESDE NETFLIX
– Masters del Universo: La forja del destino: la precuela oficial de la serie de animación Masters del Universo: Revelación, firmada por Tim Seeley y Eddie Nunez.
– Masters del Universo: Revolución: Precuela de la serie de animación del mismo título, con Tim Sheridan y Daniel HDR como equipo creativo.
HISTORIAS AUTOCONCLUSIVAS, CON AUTORES DE PESO
– Masters del Universo:Masterverso: Un festín de realidades alternativas donde todo puede pasar. Con la participación de Victor Santos (Polar, Elixir) y David Rubín (Beowulf, Ether) y otros grandes talentos internacionales, como Sergio Aragonés o Kelley Jones.
– Masters of the Universe: The Sword of Flaws: Una miniseries autocontenida, integrada dentro de la continuidad clásica del personaje. Con guion de Tim Seeley (Nightwing, Grayson) y arte de Freddie E. Williams II (Batman/TMNT, Injustice vs Masters del Universo).
Masters del Universo: La forja del destino será la primera obra en publicarse el próximo 20 de Noviembre
Con esta línea editorial, traemos a los lectores tanto el corazón nostálgico de Masters del Universo como sus reinterpretaciones modernas. Un viaje que empieza en los minicomics originales y llega hasta las sagas actuales que mantienen viva la llama de Grayskull.
Star Wars, Indiana Jones, Regreso al Futuro y Harry Potter fueron algunas de las sagas que conocieron el talento y estilo de Drew Struzan, artista estadounidense que nos dejara más de doscientos carteles de títulos de Hollywood, algunos tan famosos e icónicos como las películas mismas.
Cuando se piensa en una película, suele pensarse en director, productor, actores y demás, pero rara vez (y más aún en esta era digital) es destacado el trabajo de los cartelistas que hicieron posible que la misma nos entrara por las retinas incluso sin haber visto un mísero tráiler. Quien diga que nunca se sintió atraído a entrar a un cine solo por el póster está mintiendo y artistas como el gran Drew Struzan, que nos dejó en el día de ayer, tienen ya un lugar ganado en la cultura popular aun cuando muchas veces no supiéramos el nombre de quien estaba detrás de tan increíbles y maravillosas imágenes.
Nacido en Oregon City en 1947, sus orígenes fueron por demás humildes, algo que suele conspirar contra quienes quieran dedicarse al arte por el incierto futuro que plantea vivir del mismo. Tanto fue así que hacía sus primeras ilustraciones en papel higiénico por no tener dónde. El descubrimiento de que el niño no podía leer bien por padecer de dislexia convenció seguramente a sus padres de que por allí podía haber para él un camino y ello hizo que vieran como posibilidad concreta el inscribirlo en una escuela de arte.
De hecho, Drew admitió que una de las razones que le llevaron a ilustrar específicamente carteles fue que podía vivir de ello, lo cual no estaba garantizado si se dedicaba por ejemplo a la pintura desde una perspectiva más lírica o vanguardista.
Y vaya que fue una gran decisión. Su gran manejo del aerógrafo y el acrílico fusionado con técnicas de óleo dieron a sus obras un tono hiperrealista que se volvió característico e inevitablemente atractivo para los productores de cine.
Por lo general, sus carteles ubicaban en su centro o en un primer plano al protagonista principal y creaban alrededor un particular collage de personajes secundarios y especialmente villanos, logrando así transmitir una cabal idea del contenido de la película, efecto potenciado por colores vivos e impactantes (aunque podían ser más oscuros y sombríos para filmes que lo ameritaban como Blade Runner) y un magistral uso de la iluminación, siendo habitual la inclusión de alguna fuente de luz hacia el centro de la imagen y un juego de contraste con las sombras.
“Tiene la habilidad y destreza necesarias para ampliar la experiencia que suponen las imágenes que intento imbuir en mis películas… Tiene el talento para captar a los personajes con total fidelidad, a la vez que los enriquece con un cierto elemento que los engrandece, los vuelve más gloriosos y más románticos de lo que jamás habrían podido parecer en una fotografía…” – decía de él George Lucas, en declaración que definía a la perfección su arte.
Además de las sagas de Star Wars (para la cual hizo los carteles de la trilogía original más sus precuelas), Indiana Jones, Regreso al Futuroy Harry Potter, Struzan volcó también su talento en algunos de los más icónicos pósteres de la historia del cine, como los de E.T., La Cosa (el cual se dice que hizo de un día para el otro), Condena Brutal, La Niebla, Los Goonies, LocaAcademia de Policía, Hook o la ya mencionada Blade Runner entre muchos otros, todas imágenes que quedaron instaladas a fuego en nuestra cultura visual y en la memoria colectiva.
A partir de los años noventa, el trabajo de los ilustradores comenzó a ser desplazado por las técnicas digitales, a pesar de lo cual se las apañó para seguir haciendo pósteres, aunque ya desde los 2000 anunció su retiro, no obstante lo cual volvería más adelante a lo que siempre amó, siendo el responsable, por ejemplo, de los carteles de las tres películas de Cómo entrenar a tu Dragón.
Desde marzo de este año, lamentablemente, se informó que el artista padecía de alzheimer y su salud estaba en claro deterioro, al punto que ya ni siquiera podía firmar autógrafos. Ayer, a los 78 años de edad y en su hogar de California, Drew Struzan nos dejó, pero eso es solo una forma de decir pues las imágenes que legó en más de doscientos carteles de cine forman parte indiscutible de nuestras vidas aun cuando quizás no hayamos hasta hoy sido conscientes de ello.
Junto aJohn Alvin, Saul Bass , Reynold Brown y unos pocos más, forma parte de ese círculo de ilustradores por los cuales, más de una vez, hemos terminado entrando a una sala cinematográfica. Y si alguien quiere decir que hacer carteles promocionales no es un arte en sí mismo, que eche un vistazo a los que dejó Toulouse-Lautrec para promocionar en su momento a clubes nocturnos de la noche parisina, especialmente el Moulin Rouge.
Llegó a su conclusión la primera temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre, por lo que analizamos lo que la misma nos ha dejado y, en particular, este décimo y último episodio cuyo título es Algo Prestado. Creada por Matthew Roberts y basada en los personajes creados por la escritora Diana Gabaldon para su saga Outlander, la serie de Starz puede ser vista en España por Movistar+ y en Latinoamérica por Disney+.
Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Llegamos al cierre de la primera temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre con un episodio más largo de la cuenta (ochenta minutos) y también después de una espera más larga, pues la franquicia Outlander se ha tomado la costumbre de posponer habitualmente, a último momento y sin previo aviso, el cierre de temporada de sus series para la siguiente semana…
Se trata de un recurso que, en la pretensión de aumentar más el suspenso, termina a mi juicio por ser anticlimático, pero sospecho que les debe dar buenos resultados en las mediciones de audiencia o no lo seguirían haciendo, aunque también es verdad que la sorpresa deja de ser sorpresa si se repite seguido…
¿Se han cerrado las historias de amor de Brian con Ellen y Henry con Julia? Evidentemente no y siempre supimos que sería así, pues de lo contrario perdería sentido la segunda temporada que, por cierto, estuvo confirmada desde un primer momento. Tenemos, eso sí, una doble fuga en pareja y, como no podía tampoco ser de otra manera, un final que apunta a separar nuevamente a los personajes después de tanto que hicieron por estar juntos. ¿O acaso una serie como esta podría funcionar con parejas felizmente reunidas?
Pero pasemos mejor a ver ya mismo qué nos ha dejado el cierre de temporada, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí los análisis previos de Outlander: Sangre de mi Sangre y aquí los de su serie madre Outlander.
Días del Futuro Pasado
Comenzamos con una serie de flashbacks o flashforwards, según como se los vea. El primero nos lleva al siglo XX y a los días en que Henry y Julia vivían felices celebrando el cumpleaños de la pequeña Claire y con el tío Quentin oficiando para esta de mentor o “maestro de la naturaleza”, como lo define Julia: anuncia, de hecho, que a la niña le espera una vida de aventuras y vaya si sabremos que será así… Esa línea temporal reaparece luego mostrándonos la invitación de Henry a Julia para acompañarle en su viaje a Escocia y la noticia de que esta espera un niño. Fuera de ello, no aporta a la trama demasiado que no supiéramos.
El segundo flashforward nos traslada a Leathers y al día de la esperada boda entre Malcolm y Ellen, a quien en ese momento creemos ver llegar al altar con el rostro cubierto, pero ya veremos más avanzado el capítulo que no es ella. La historia, mientras tanto, nos lleva un día antes…
Boda en Puerta
Retomamos entonces a Brian y Murtagh perseguidos en los bosques por el clan de asesinos. Murtagh atraviesa a uno en tanto que Brain degüella a otro y, tras desarmar a un tercero, lo ajusticia con su propio arco. Un cuarto, atado a un árbol e interrogado, confiesa que los contrató Colum Mackenzie. Brian siente que debe anoticiar a Ellen, pero antes se carga al cautivo ya que no puede dejarle vivo y así termina sus días el equipo de asesinos más torpe e ineficiente de la historia. Murtagh, a todo esto, está herido en una pierna, pero dice que se las arreglará: el clásico déjame y sigue tú…
En Leathers, todo se prepara para la boda con gran pompa, al punto que Fitzgibbons le dice a Ellen que la suya será una ceremonia propia de una reina. Sin embargo, esta reflexiona acerca de si es en verdad reina o prisionera y la criada responde que quizás las dos cosas.
Por otra parte, Ellen está en plan de pedir disculpas, sobre todo a aquellas que, como Jocasta, fueron en su momento casadas por compromiso y sin pedirles opinión: está claro que ahora siente en carne propia lo que quizás en su momento no le importó. Jocasta, sin embargo, se sorprende y no pareciera haber visto en ello nunca un problema, más allá de no formar con Cameron el mejor matrimonio del mundo.
Intercambiando luego bromas sobre hombres con ella y el resto de las muchachas, Ellen tiene la mala fortuna de hacer referencia a Malcolm como “esposo simple y tonto”, lo cual no gusta ni un poco a su hermana Maura Grant (Bobby Rainsbury) que, allí presente, recuerda a Ellen que Malcolm ha estado enamorado de ella desde los siete años y espera por lo tanto que actúe en consecuencia en lugar de arruinarle la vida, dicho lo cual se retira disgustada.
Fingiendo un Secuestro
En Leoch, Lovat no sale de su consternación tras haber sido puesto en ridículo por los Grant. Julia finge intentar consolarle y que olvide el incidente, pero él le echa en cara no saber nada sobre el honor y la dignidad, a lo que ella replica que tendrá a su favor ambos cuando su hijo sea confirmado como futuro soberano. Afecto como es a la jactancia y la vanagloria, el viejo pareciera quedar con ello conforme…
Pero Julia, por supuesto, está armando su movida para escapar con Henry y cuenta en ello con el apoyo de Davina Porter. Para no perjudicarla, de todas formas, la idea es fingir un secuestro, pero para ello hay que lograr engañar a Balloch, así que, llevando al bebé en brazos, se encuentra con Henry en el árbol junto al muro que habían pautado y, una vez allí, comienza a gritar pidiendo ayuda. Cuando Balloch llega a la escena, es golpeado en la cabeza por Henry con una roca y queda inconsciente.
Henry está a un paso de rematarlo, pero Julia, más cerebral, le detiene porque necesitan que el matón de Lovat dé testimonio avalando lo del secuestro: lo que hoy llamaríamos una coartada, bah. Reencontrados así y, en medio de la emoción del momento, ambos parten pues al galope.
Novia Fugitiva
Ataviado como un Grant, Brian logra una vez más infiltrarse en Leathers, pero se cruza con Jocasta. Dice llevar un recado para Ellen Mackenzie y necesita saber dónde están sus aposentos, pero ella no es tonta y le reconoce de inmediato por haberle visto en el Beltane luciendo tartán de los Fraser. Jaqueado pues in fraganti, se ve obligado a reconocer ante Jocasta quién es y, contándole acerca de lo ocurrido y especialmente del intento de asesinato perpetrado por Colum, le pide ayuda para llegar a Ellen.
Jocasta se siente tocada. Relaciona claramente con su propia historia y no quiere para su hermana un matrimonio sin amor como el de ella. El reencuentro entre Brian y Ellen se produce pues en las habitaciones de esta, quien no puede creer verle allí exponiendo su vida. Cuando él le anoticia de lo hecho por Dougal, va a hablar con él en privado y detecta en su evasiva forma de responder que le está mintiendo, pero nada dice y prefiere seguirle la farsa…
Habida cuenta, pues, de que él no ha cumplido su palabra, Ellen se siente en libertad de incumplir la suya y, por lo tanto, planea escapar tanto de la boda como del castillo junto a su verdadero amor. Para ello, requieren de la ayuda de Jocasta y Fitzgibbons, que les ocultan en espera del momento adecuado.
En el salón donde se está por llevar a cabo la ceremonia no hay noticias de Ellen y Malcolm comienza a ponerse nervioso, aunque no tanto como Colum, que no puede creer el desplante de su hermana. La situación es por demás delicada porque podría llevar a un enfrentamiento crucial entre clanes, tal es así que el tío Grant sentencia que los suyos solo se irán de allí con una boda o una cabeza.
Colum saca entonces un as de la manga que no vimos venir (ni tampoco había forma). Va a hablar en privado con Dougal y ello hace temer a Ned que le busque en su condición de señor de guerra, pero sus planes son otros…
Caemos así a la escena casi inicial en que viéramos a la novia llegando al altar con el rostro velado. La expresión de Malcolm, sin embargo, revela que no puede ser Ellen, pues se le ve dolido y traicionado. Y, en efecto, se trata de Maura, la hermana menor de los Grant, mientras que el impensado contrayente en matrimonio no es otro que Dougal, cumpliendo de ese modo con la boda requerida por el tío Grant. Algo prestado, como reza el título del episodio haciendo referencia al famoso mito acerca de qué hay que llevar puesto al momento de casarse…
Termina pues habiendo celebración de todas formas, pero el rostro de Malcolm está lejos de ser de festejo. En determinado momento, Dougal y Maura se marchan a la habitación y dan rienda suelta a sus apetitos sexuales al más rústico modo escocés. Pero Malcolm se ausenta de la fiesta por motivos distintos y, al hacerlo, se cruza con Ellen y Brian, que en ese momento están llevando a cabo su fuga.
Ella le recuerda que nunca le prometió nada y si estaba a punto de contraer matrimonio con él era por obligación, además de anoticiarle que ama profundamente a Brian. Lejos del Malcolm medido y moderado que vimos a lo largo de la temporada, luce ahora furioso y desencajado mientras les cierra el paso y echa en cara a su ex contrayente el estar escapando con un bastardo.
Brian le pide lo mejor que puede que les deje pasar, pero no solo no accede sino que además desenvaina su daga y le ataca. Esquivando la embestida a pesar de una herida en el brazo, Brian logra tomarle a Malcolm el suyo propio y este termina muriendo con la hoja de su arma ensartada en el vientre. Ellen ve la escena consternada, pero no hay tiempo de nada porque están en peligro si permanecen mucho allí, así que reemprenden la fuga.
Se encuentran con el herido Murtagh en una oculta cabaña de piedra en los bosques a la cual, según este, solo se puede llegar por el río o a vuelo de águila. Hay una reconciliación entre él y Brian, a quien manifiesta que será feliz si les sabe a ellos felices. También tiene una charla íntima con Ellen, en la cual esta le agradece y le dice que atesorará para siempre su amistad.
En plan de complicidad, Murtagh comunica a Brian que saldrá a cazar y no retornará hasta el día siguiente, lo cual es clara invitación a disponer de la cabaña a gusto para lo que quiera hacer con Ellen. En efecto, una vez que se retira, ambos amantes se entregan a otra larga y tediosa escena de sexo con fetiche de herida incluido y que quizás (no la cronometré) supere en duración a la que tuvieran en aquella iglesia derruida y abandonada.
Ya al otro día y mientras miran en lontananza, ella dice que estará siempre allí donde él esté… y donde él muera, morirá, lo cual da lugar a un recíproco juramento con sangre. Pero la ensoñación del momento es interrumpida cuando los tórtolos ven levantarse columnas de humo que indican hogueras a las cuales ambos reconocen como un llamado a la rebelión jacobita, que claramente ha comenzado. Ella le pregunta a él que hará y él dice que es su deber ir. No podía pensarse que duraran mucho tiempo en compañía uno del otro…
Solo Henry…
¿Qué pasa mientras tanto con la otra pareja fugitiva? Pues como era de prever, Lovat está furioso ante la noticia del supuesto secuestro por parte de “un admirador”, como le fuera en su momento presentado Henry, aunque seguramente lo que más le preocupa no es Julia sino su supuesto heredero.
Al castillo, mientras tanto, arriba una partida de jinetes al mando de Bug y Lovat se anoticia por ellos de que el “secuestrador” no es otro que el vocero de los Grant, del cual andan en busca. El viejo manifiesta querer acompañarles, pero Bug lo ningunea con que no responde a sus órdenes y sale con los suyos de inmediato al galope en procura de encontrar al fugitivo, del cual asegura que se encargarán…
Henry y Julia logran llegar con el niño a las piedras, pero cuando viene el momento de cruzar, ella siente súbito pánico de que el bebé no pueda hacerlo, lo cual vendría a significar que quedara allí tirado y abandonado.
La solución, pues, es que Henry intente cruzar primero con él para que, en caso de que el niño no pueda, Julia esté allí para asistirlo. Pero los jinetes de Bug están ya a la vista y los tiempos urgen. Julia sabe que Henry no sobrevivirá si lo capturan, por lo cual le ruega que cruce solo él, ya que nada le harán a ella si la ven como rescatada víctima de secuestro: otra vez el déjame y sigue tú. En efecto, tras un sentido beso de despedida y con todo el dolor del mundo, Henry ve su plan como lógico: se dirige hacia las piedras y ya no volvemos a saber de él…
Balance de Temporada
Y se nos ha ido la primera temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre con una entrega que, como hasta aquí la serie en general, ha sido muy entretenida y nos ha dejado un tremendo cliffhanger de frente a la segunda, más allá de que el camino para llegar a ello haya estado atravesado por incongruencias, lugares comunes y deus ex machina…
De estos últimos, justamente, el más relevante ha sido sin duda el de Dougal Mackenzie contrayendo matrimonio con Maura Grant. No deja de ser interesante que se haya evitado el harto repetido cliché telenovelesco de la boda interrumpida (pensé que íbamos indefectiblemente hacia ello), pero…, ¿de dónde demonios salió Maura?
No es que no haya habido referencias a ella en Outlander, pero todas indirectas o in absentia, pues Dougal ya estaba viudo cuando Claire le conoció, lo que hace prever para ella una muerte relativamente joven. Pero jamás la habíamos visto ni se hizo alusión alguna en esta serie, lo cual la convierte en un recurso fortuito al que se echó mano a último momento para forzar un giro en la trama.
Es una pena porque parece un personaje interesante y está bien actuado por Bobby Rainsbury, pero hubiera sido mucho mejor que nos contaran sobre ella desde algunos episodios atrás para que tuviéramos cómo, aunque fuera díficil, deducir que pudiera la joven ser la solución al entuerto creado con la fuga de Ellen. Cuando se introduce un giro de esas características, la idea es que el espectador sienta que tenía la respuesta en sus narices y no la veía, pero aquí no había nada que ver y, por lo tanto, termina siendo un recurso argumental algo tramposo.
Lo único que vimos de ella fue un ligero coqueteo con Dougal al cruzarse con él en el castillo y lo que sí sabemos es que defiende a muerte a su hermano Malcolm, lo que hace prever la peor de las furias cuando se entere que ha sido asesinado. La amenaza que, de hecho, le hizo a Ellen durante la reunión de muchachas es bastante sugerente y anuncia un papel destacado de Maura en la segunda temporada, pero no hubiera venido nada mal que, para valorar mejor eso cuando llegue, nos contaran más de ella en esta primera que acaba de finalizar.
La serie, por cierto, pareciera tener tendencia a desaprovechar a sus personajes más interesantes, ya sea por introducirlos demasiado tarde (como pasó con el tío Grant, a quien solo conocimos durante dos capítulos) o por borrarlos cuando más prometen, como Malcolm. De hecho, habíamos hablado en el análisis anterior de los matices que daban interés a este último, pero… ya se lo han cargado de modo simple y rápido…
Por cierto y no es un dato menor: Brian había dicho en su momento ante Lovat que mataría por Ellen y ya lo ha hecho. Más aún: si no conté mal, fueron cuatro las muertes que llevó a cabo por propia mano en este capítulo y, ya sea de manera directa o indirecta, todas han tenido que ver con ella. A propósito e insisto: los del clan de los asesinos eran un hato de inútiles y si era así cómo trabajaban habitualmente, cuesta entender de qué modo habían obtenido su “reputación”…
Y si hablamos de Murtagh, allí tenemos el otro gran deus ex machina del episodio de cierre. ¿En qué momento y por qué cambió su postura con respecto al amor de Brian por Ellen, pasando del odio visceral por su primo a una aceptación casi salomónica y luciendo su rostro una sonrisa beatífica en modo Buda?
Al menos en el caso de Jocasta, podemos entender que acabó ayudando a Ellen después de que el pedido de disculpa de esta le hiciera comprender lo injusto de tener que casarse con alguien a quien no se ama, pero de parte de Murtagh no tenemos la menor idea de cuál fue la chispa que le llevó a ver las cosas de otra manera ni, mucho menos, nos han contado su proceso de transformación. Todo salió de la nada…
Pero el centro del episodio ha sido sin dudas la doble fuga de las parejas de amantes. La de Ellen y Brian ha sido la que más minutos se ha llevado y no sé si tan justificados porque la larguísima escena de sexo quitó lugar a un mejor desarrollo de la trama o los personajes (podrían haber sido dedicados a Maura, por ejemplo).
Pero volvemos a lo mismo: el universo Outlander funciona con una o dos escenas de sexo por capítulo y la serie responde a una demanda de fanservice, aunque por momentos se pareciera menospreciar al público o tomarlo equivocadamente por idiota al creer que solo con eso se le va a mantener prendido.
En cuanto a la otra fuga, el escenario pinta más complicado para Henry y Julia que, a tan poco de reencontrarse, han debido sin embargo separarse nuevamente, esta vez a sabiendas.
La cosa no se ve bien especialmente para ella, pues si bien es cierto que la versión oficial que tienen en Leoch es la de un secuestro, también lo es que ahora Lovat sabe de la identidad de Henry y, si se pone a indagar, hay altas posibilidades de que descubra el verdadero vínculo que le une a Julia más allá de la historia del secuestro, a lo que se suman las probables contradicciones en que pudiera incurrir ella al relatar los hechos sin saber cuánto sabe el viejo.
Quedará pues en Henry el saber regresar al siglo XVIII para rescatarla y nos surgen preguntas: ¿qué hará en el siglo XX? ¿Pondrá a Quentin al tanto de la situación encomendándole la custodia de Claire en caso de que ya no pueda volver? Lo que preocupa un poco es que las decisiones de él suelen ser bastante torpes y, de hecho, ha sido la astucia de Julia lo que hasta aquí ha librado a la pareja de peores consecuencias. Con Henry decidiendo en soledad, las perspectivas no son las mejores…
Por último, el escenario histórico es algo que ha aparecido muy esporádicamente a lo largo de la temporada enriqueciendo la trama en cada oportunidad en que lo ha hecho pero, salvo por la escena de las fogatas casi en el cierre, ha estado por completo ausente de esta entrega final.
En parte era esperable porque se caía de maduro que el último capítulo estaría dedicado casi con exclusividad a la boda en Leathers y a los eventuales intentos de fuga de ambas parejas, pero ojalá ese contexto tenga en la próxima temporada la presencia que merece y, sobre todo, Rob Roy, personaje histórico cuyo nombre está teñido de leyenda y en el cual no se ha profundizado hasta aquí lo suficiente.
En definitiva, si algo caracteriza al universo Outlander es la habilidad para mantenernos atrapados con recursos que, no por ser de culebrón, dejan de ser efectivos y, en todo caso, ayudan a entender por qué las telenovelas gozan de tanto éxito por mucho que se las critique.
En esta primera temporada, Outlander: Sangre de mi Sangre se ha apropiado de algunas de las desmesuras e incongruencias habituales en la franquicia e, incluso, las ha exacerbado. Y si bien es una pena que desaproveche a sus mejores personajes, el escenario de la segunda temporada nos lleva inevitablemente a querer visitarlo. La buena noticia es que ya está rodándose en Escocia y ello nos da esperanzas de que no haya que aguardar dos años para visionarla.
Agradeciendo el haberme acompañado hasta aquí con estos análisis, les invito pues a seguirlo haciendo cuando la segunda temporada llegue o, quizás antes, con la octava y última de Outlander, cuyo estreno se prevé para los primeros meses de 2026.
El género de la fantasía siempre ha despertado interés entre los espectadores. Desde que The Witcher irrumpió con fuerza en Netflix con su mezcla de fantasía oscura, monstruos, magia y conflictos políticos, las adaptaciones literarias han tratado de captar los ricos y complejos mundos de los libros para trasladarlos a la pantalla… con mejor o peor fortuna. Los fans disfrutan con la creación de una rica mitología, habitados por héroes moralmente ambiguos y criaturas sobrenaturales.
Aunque Geralt de Rivia (más allá de la polémica creada cuando Henry Cavill dejó la serie) se ha convertido en uno de los iconos modernos del género, no está solo. Hay otras series que logran capturar ese mismo espíritu de aventura, dilemas personales y realidades alternativas donde la magia tiene un precio. Los espectadores ávidos de fantasía encontrarán en este artículo seis series parecidas a The Witcher. Series con una rica atmósfera mágica, una narrativa épica y una audaz exploración del conflicto imperecedero entre el bien y el mal que chocan en mundos extraordinarios.
Carnival Row (Prime Video)
Una serie que injustamente pasó algo desapercibida en Prime Video. Una fantasía oscura en un mundo victoriano con hadas, criaturas extrañas y conflictos sociales que sabe conjugar el drama con el misterio de manera coherente. Cuenta con un buen reparto, una excelsa fotografía, una pulcra ambientación y un diseño de vestuario elegante de la época victoriana. Aporta un cariz novedoso ya que su argumento gira en torno a la idea de un mundo en el que conviven humanos con criaturas de fantasía, refugiadas tras una terrible guerra que ha diezmado sus razas.
Esta tensión social le sirve para crear una trama con tintes de thriller policíaco atractivo que deriva en conspiraciones rebeldes, racismo y lucha de clases. Sin embargo, quizás debido a su cancelación temprana, falla en el desarrollo del worldbuilding ya que se centra solo en una ciudad y no conocemos nada del resto del mundo ni de los seres mitológicos que viven en él, excepto leves pinceladas. Algo que deriva en un final abrupto y urgente que desluce un poco las buenas intenciones por ofrecer algo diferente. Para una crítica de Carnival Row más profunda pincha el enlace.
Carnival Row logra captar una decadencia de la fantasía que logra ser interesante gracias a su estética sombría, su tono adulto y sus trágicas muertes desgarradoras. Una narrativa que, aun a pesar de sus fallos, logra ser convincente para contarnos una historia emocionante.
La Materia Oscura (HBO Max)
Salimos del tono oscuro para adentrarnos en la fuerza de la luz que puede ofrecer la fantasía. Una serie que tiene un tono filosófico, componentes mágicos y un inteligente y bien construido worldbuilding. HBO Max (quien está de enhorabuena por el recibimiento del nuevo Superman en su plataforma) nos ofrece una lujosa y ambiciosa adaptación de la trilogía literaria de Philip Pullman. Una admirable serie de fantasía que induce a la reflexión logrando tocar la fibra emocional del espectador. Siendo capaz de mantener un equilibrio tonal entre el drama, la comedia y la magia para mostrarnos una amplia gama de conflictos temáticos que hacen pensar y sentir al espectador.
Tiene un reparto extraordinario que logra trasmitir los conflictos de sus personajes, una trama robusta que es puro entretenimiento, secuencias con una factura impecable, efectos visuales espléndidos y, lo más importante, logra mantener la fidelidad al libro en el que se basa. Aquí puedes ver los análisis de los capítulos de la serie.
Hechizos, mundos paralelos, demonios familiares amenazantes con forma de animales y un colegio donde los secretos oscuros acechan a los magos. Con estos elementos, La Materia Oscura logra convertirse en una espiral de aventuras y sensaciones que hacen grandes las series de fantasía.
Las Crónicas de Shannara (Prime Video)
Basada en la serie de libros de «Shannara» de Terry Brooks (quien parte de muchos elementos creados en la famosa saga del Señor de los Anillos), está desarrollada por Alfred Gough y Miles Millar, creadores de otros éxitos notables como Smallville (que tiene una secuela proyectada) y Miércoles (aquí puedes leer la reseña de la temporada 2). Aunque fue cancelada, justo cuando la serie parecía haber encontrado su camino, sigue teniendo el encanto divertido de una propuesta que no busca la profundidad sino el mero placer del entretenimiento.
Una entretenida mezcla de fantasía épica y ambiente apocalíptico que logra crecer a medida que avanzan sus capítulos, gracias a su habilidad para tejer una trama atrayente que se divide en dos líneas argumentales. Cuenta con dos actores que ahora se han convertido en estrellas, lo que le da un plus de interés a la serie: Austin Butler (que sale en la apasionante Bikeriders y en Los Amos del Aire) e Ivana Baquero (recordada por El Laberinto del Fauno y con el éxito reciente en Netflix de Maje: la viuda negra)
Su historia ágil se mueve con rapidez para esquivar el aburrimiento y encontrar las aristas de un viaje aventurero que consigue convencer mientras crecen la tensión, la acción y el conflicto bélico del bien contra el mal.
Una princesa elfo, un medio elfo y una humana se embarcan en una aventura en la que tendrán que enfrentarse a un ejército de demonios para salvar la tierra en la que viven. Hay cierta tendencia al romance adolescente mezclado con la aventura juvenil, pero consigue combinar con acierto la magia y la mitología con un entorno postapocalíptico. Logra obtener la oscuridad necesaria y unas batallas estéticamente apreciables como para dejar satisfechos a los fans de las series de fantasía.
Érase una Vez (Disney+)
Érase una Vez es una serie que sabe crecer a medida que pasan sus temporadas, ofreciendo las recompensas suficientes con su trama para mantener enganchado al público. Una serie entretenida y que aporta un soplo de aire fresco gracias a su ingeniosa mezcla de imaginación, acción y romance. Una de sus virtudes es su trama más centrada en los villanos que en los héroes, relatando por qué terminan llevando a cabo actos malvados. Este punto de vista enriquece los matices con los que vemos a los personajes haciendo que cada de uno de ellos tenga sus motivaciones y logre ser interesante para el espectador.
Tiene un reparto de actores que logran dar credibilidad a sus personajes, algo que favorece la implicación emocional con las diferentes personalidades que pueblan la serie. Pero hay que destacar la labor de Robert Carlyle (legendario actor de Trainspotting), por el que merece verse la serie y que logra componer gracias a su magnífica gesticulación los dos personajes diferentes que interpreta: Rumplestinskin y Mr. Gold.
Sus escenas, efectos especiales y entretenidos capítulos tienen el engranaje necesario para disfrutar de varias tardes repletas de aventuras y fantasía. Aunque la temporada final se considera bastante floja, la serie logra darle un final digno y con un cierre satisfactorio para todos los fans. Una serie apta y atractiva para todos los amantes de fantasía bien diseñada y ejecutada inteligentemente.
Sombra y Hueso (Netflix)
Una serie que no termina de aprovechar los inmensos recursos que tiene para navegar por aguas cándidas y apacibles. Una pena, porque su diseño de producción, sus efectos especiales y su historia daban para crear una gran serie de fantasía. Aun cometiendo el pecado de no arriesgarse, es una serie que se disfruta y que tiene los elementos necesarios para construir una correcta y entretenida serie fantástica. Tiene buenas actuaciones, imágenes poderosas, en especial todo lo relacionado con el muro de sombra, y consigue ser divertida y distraída (aquí puedes leer la crítica de la serie).
Aunque su trama flojea, tiene la habilidad de captar la atención del espectador gracias al seductor grupo que forman los Cuervos. A nivel estético es resultona, tanto el vestuario como los efectos especiales son solventes y la historia tiene los mimbres necesarios para parecer interesante… pero acaba siendo una trama inconexa que deja demasiados cabos sueltos y cambios de personajes sin un desarrollo evolutivo previo. Demasiadas cosas suceden al azar y terminan por construir un argumento simplista en exceso, por culpa de un guion flojo que no logra guiar nunca el sentido de la historia. Si buscas una serie simple y entretenida, cumple su función sin duda, gracias a una buena factura técnica, una bonita ambientación y una escenografía bastante lograda.
Bonus track
Castlevania (Netflix)
Una joya de la animación para adultos que tiene la habilidad de evolucionar con cada temporada. Vampiros, monstruos, magia y un cazador que se acerca al legendario Geralt de Rivia. Una fantasía de tono melancólico con sus escenas de claroscuros y sus personajes dramáticos, que no escatiman en ofrecernos unas secuencias de acción repletas de una brutalidad sanguinolenta. (aquí puedes leer la reseña de Castlevania).
Aunque tardó en encontrar su identidad propia, Netflix acabó elaborando una serie de alto nivel, con un acabado visual fascinante y una animación dinámica y seductora gracias a unos efectos especiales fastuosos impregnados de sangre. Personajes delirantemente memorables con los que se disfruta de una buena historia y una trama que consigue encajar las piezas de su densa carga dramática. Logra respetar la esencia del clan Belmont y proponer juguetonamente un batiburrillo de influencias provenientes del famoso videojuego en que se basa.
Castlevania es una fascinante puesta al día del mito de los vampiros que logra tener su propia personalidad gracias a una trama madura y bien construida. Una excitante, divertida y nostálgica mezcla de horror, violencia y aventura que está entre lo más original y desvergonzado del amplio catálogo de la plataforma que, como los vampiros en sus colmillos, tienen una gran N teñida de sangre.
La fantasía no terminó con The Witcher. Aún quedan muchos mundos por explorar, criaturas por descubrir y héroes por conocer. Ya sea en las calles oscuras de Carnival Row, los mundos paralelos de La Materia Oscura o la brutal caza de vampiros en Castlevania, estas series mantienen viva la llama de la fantasía. Desde criaturas mágicas hasta conflictos de poder, te harán sentir como si siguieras en el Continente.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de octubre. Miradlo todo muy bien, porque hay cosas que no puedes dejar pasar.
Novedades Dolmen Editorial octubre 2025
Un mes más, Dolmen Editorial nos ha presentado su catálogo de novedades. Nosotros como siempre, os vamos a seleccionar los títulos que más nos llaman la atención para este mes.
La historia arranca con una profunda crisis de fe del propio Juez Dredd en el sistema que ha defendido toda su vida.
El regreso del cadete Kraken (un clon de Dredd que en el pasado intentó destruir Mega-City Uno) lo lleva a tomar una decisión drástica: emprender la Larga Marcha hacia la Tierra Maldita, dejando la ciudad vulnerable.
Lo tendremos disponible el próximo 30 de octubre en nuestra librería habitual. Estoy deseando tenerlo entre mis manos.
Rogue Trooper es el último superviviente de la infantería genética tras la masacre de Quartz.
Con sus compañeros convertidos en bio-chips (Helm, Gunnar y Bagman), emprende una misión implacable para vengarse del General Traido, responsable de aquella tragedia.
En la devastada Tierra Nu, Rogue Trooper se enfrenta a enemigos sin escrúpulos y condiciones extremas, guiado por lealtad, memoria y justicia.
Lo tendremos disponible el próximo 30 de octubre.
3.- Pack 1+2 El Imperio de Trigan.
A años luz de la Tierra, en un planeta donde las tribus primitivas conviven con tecnología avanzada, surge Trigo, un líder visionario que logra unificar a los pueblos enfrentados y funda El Imperio de Trigan.
Su historia es una mezcla de épica clásica y ciencia ficción, con conflictos políticos, guerras interplanetarias y dilemas morales que recuerdan tanto a la Roma antigua como a los relatos galácticos modernos.
El cómic, creado por Mike Butterworth y con el arte revolucionario de Don Lawrence, destaca por su estilo pictórico hiperrealista, que convirtió cada viñeta en una obra de arte.
Esta estética marcó un antes y un después en el cómic británico de los años 60 y 70. Una ocasión de oro para empezar a hacerte con esta maravilla del noveno arte.
Y hasta aquí las recomendaciones de Dolmen Editorial, previstas para este mes. Un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todas las novedades de la editorial mallorquina.
Los Cuentos de Dunk y Egg son unos cuentos (novelas cortas) de fantasía escritos por el mismismo George R. R. Martin. Bajo el título de El Caballero de los Siete Reinos se engloban todas ellas y narran las historias de Dunk y Egg, unos 100 años antes de los acontecimientos de Juego de Tronos. Evidentemente no haré spoilers de quienes serán estos dos personajes en el futuro y de los cuales conocemos sus aventuras por referencias en las novelas, e incluso en la serie de televisión. Pero por fin se hace justicia a nuevos acontecimientos ocurridos en este universo de Juego de Tronos y que además no son tan relevantes, pero si épicos. El tráiler de El Caballero de Los Siete Reinos parece tener una facturación impecable, pero quizás sobra el tono humorístico, pareciendo más una comedia que un drama.
Os dejo a continuación el tráiler en español de HBOMax.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Norma Editorial, previstas para este mes de octubre. Como siempre, tendremos obras de grandísima calidad y hay que intentar seleccionar los títulos que más nos gustan.
Novedades Norma Editorial y Astronave, de octubre 2025
Como os he comentado un poco más arriba, vamos a comentar los títulos que más nos llaman la atención, de entre todas las novedades de Norma Editorial y también de Editorial Astronave, previstas para este mes.
Huracán sobre Nuevo México es una novela gráfica de Víctor Barba (Hasta Nóvgorod, crónicas de un divisionario) publicada por Norma Editorial que se aleja del western clásico para adentrarse en un episodio poco explorado del Imperio español.
Ambientada en Nuevo México en 1779, la historia sigue al excapitán Rodrigo de Castro, quien lidera una patrulla en una misión de rescate en pleno desierto.
Mientras tanto, los comanches de Cuerno Verde están en pie de guerra, y desde el virreinato se organiza una expedición para pacificar la frontera.
En mi opinión, será uno de los platos fuertes de 2025. Lo tendremos disponible el 24 de octubre.
El Diablo y Coral es una novela gráfica de Josep Homs (Shi), que mezcla fantasía, drama y crítica histórica en un envoltorio visualmente deslumbrante.
La historia transcurre en Praga, en 1938, en la Europa de entreguerras. Coral, hija de un rabino en coma, vive de forma nómada junto a una troupe de circo.
Su compañero inseparable es Satanás, con quien mantiene una relación tóxica que la arrastra hacia un pacto infernal. Coral está dispuesta a romper ese vínculo, aunque eso implique descender literalmente al infierno.
Inspirada en el mito clásico de Fausto, creo que será otro de los platos fuertes de este año 2025. Lo tendremos disponible el 24 de octubre.
La Carretera. Edición de lujo en blanco y negro es una adaptación gráfica de Manu Larcenet basada en la célebre novela postapocalíptica de Cormac McCarthy.
Esta edición, publicada por Norma Editorial, es una obra de arte tanto por su contenido como por su presentación.
En un mundo devastado tras un apocalipsis global, un padre y su hijo recorren una carretera interminable en busca de refugio, comida y esperanza.
El paisaje es ceniciento, el aire gélido, y los pocos humanos que quedan son peligrosos, desesperados o directamente caníbales. La historia es una odisea de supervivencia, amor paternal y pérdida.
Lonesome Integral 2 es la conclusión épica de la saga western creada por Yves Swolfs (Durango, Leyenda).
Tras eliminar al fanático Predicador Markham, el jinete sin nombre se dirige a Nueva York, guiado por su sed de venganza.
Allí se enfrenta al Senador Dawson, un encuentro que le revela una verdad devastadora sobre su pasado. La historia se desarrolla en los albores de la Guerra Civil estadounidense, entre sangre, pólvora y secretos ocultos.
Igualmente lo tendremos disponible el 24 de octubre.
Y hasta aquí las recomendaciones de Norma Editorial para este mes. Justo un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todo el catálogo de agosto.
A los 79 años nos dejó Diane Keaton, emblemática actriz de Hollywood que, dueña de un estilo personal tanto en lo actoral como en lo estético, fue ganadora de un Oscar, dos Globos de Oro y un Bafta, además de directora, productora y musa indiscutida de Woody Allen, de quien fuera pareja en los años setenta.
Había nacido un 5 de enero de 1946 con el nombre de Diane Hall y si cambió su apellido artístico por el de su madre fue porque ya existía una actriz registrada de idéntico nombre, así que, ya desde sus inicios en teatro, fue conocida como Diane Keaton y así sería recordada para siempre como una de las actrices más versátiles que hayan pasado por la pantalla, pudiendo sus personajes transitar desde dramas existenciales hasta comedias ligeras y encarnando, las más de las veces, a mujeres que sabían mantenerse aun positivas en medio de dificultades y nunca dejar de buscar el amor. Un calco de su propia vida, casi…
Desde sus épocas de estudios secundarios supo que la actuación era lo suyo y, de hecho, una puesta escolar de Un Tranvía llamado Deseo la contó en su elenco, siendo por aquellos días su inspiración principal Katharine Hepburn, como ella misma manifestara. Ya en Broadway fue parte de Hair (1967), comedia musical emblemática de la contracultura y el hippismo si las hay, para tener luego su oportunidad a las órdenes de Woody Allen en Tócala otra vez Sam (1969), obra que no solo le significó su primera nominación para un Premio Tony sino también el inicio de una fructífera relación tanto en lo artístico como en lo sentimental.
Ello le abrió las puertas al cine, teniendo su debut en la comedia Amantes y otros Extraños (1970), pero el papel que la consagraría en la gran pantalla le llegaría por supuesto, a las órdenes de Francis Ford Coppola al encarnar a Kay Adams, la esposa de Michael Corleone en El Padrino (1972, aquí retro-análisis) y ese mismo año sería también parte de Sueños de un Seductor, adaptación cinematográfica de la obra que tres años antes hiciera junto a Allen y que sería la primera de ocho películas a su lado (aunque aún no dirigida por él, sino por Herbert Ross).
Menos conocida pero igual de rutilante es su faceta como directora, de la que dan testimonio el documental experimental Heaven (1987) y las comedias dramáticas Héroes a la Fuerza (1995) y Colgadas (2000), además de episodios de series televisivas (incluyendo uno de Twin Peaks) y videoclips musicales ochenteros, especialmente para la cantante Belinda Carlisle.
Y lo suyo no se agotó de todas formas en lo estrictamente artístico, sino que también desarrolló una intensa labor para salvar y restaurar edificios históricos y hasta fue promotora inmobiliaria, siendo Madonna una de sus clientas más reconocidas.
Como actriz, la ya mencionada Annie Hall le valió no solo un Oscar, sino también un Globo de Oro y un Bafta. Tuvo otras tres nominaciones al Oscar por Reds (1981),La Habitación de Marvin (1996) y Cuando menos te lo esperas (2003), valiéndole incluso esta última la obtención de un segundo Globo de Oro.
Impuso en general a sus personajes un sello propio, sabiendo en su juventud ser sexy sin necesidad de mostrar prácticamente nada y, ya más madura, la actriz ideal para romances otoñales o comedias geriátricas, interpretando por lo general a mujeres que seguían buscando el amor aun en la tercera edad.
Y supo además imponer un vestuario propio y característico que no hubiera sido tildado a priori de femenino pero que, sin embargo, hizo propio y lució como tal, con sus clásicos sombreros, lentes, chalecos, chaquetas, corbatas y amplios mangones. El enorme Manuel Mujica Lainez decía que los grandes no siguen modas, sino que las crean y ese fue sin dudas su caso.
De todas sus relaciones sentimentales, la de Woody Allen fue sin duda la más conocida y, si bien se terminó en determinado momento, nunca dejaron de ser amigos y, de hecho, ella defendió a rajatabla su integridad y comportamiento ante las acusaciones de abuso sexual que, Mia Farrow de por medio, recayeron sobre el director a mediados de los noventa. Pero también tuvo romances con Warren Beatty y Al Pacino: “Woody fueron mis veinte años, Warren mis treinta y Al siempre estuvo en los bordes, entre los treinta y los cuarenta”, manifestó. Aun así, jamás se casó ni tuvo hijos biológicos, aunque sí dos adoptivos.
Este sábado pasado, Diane falleció rodeada de afectos en su casa de California y si bien no trascendieron las causas y pidieron sus deudos la privacidad del caso, testimonios de quienes tuvieron el último tiempo contacto con ella habían manifestado su preocupación por el extremo estado de delgadez en que se la veía.
Su vida se extinguió, pero seguramente no su estrella, esa que con brillo propio iluminó la pantalla grande durante cinco décadas y lo seguirá haciendo durante largo tiempo, pues el sello y la influencia que ha dejado continuarán siendo fuente de inspiración para muchos.
Una cosa se le tiene que valorar enormemente a Luis García Berlanga. Supo cómo sortear la censura del régimen franquista para explicar lo que quería transmitir en las narices de los censores. Como él ha dicho en más de una ocasión el truco era «poner en el guion escenas que supiéramos que iban a censurar para luego, cuando ya estuvieran satisfechos con su trabajo, colar por lo bajini lo que realmente queríamos contar».
Su filmografía es muy extensa, pero hemos querido (más adelante le dedicaremos más escritos) dedicar este a Plácido, una sátira sobre la hipocresía del régimen franquista. Comenzaremos destacando un poco a quien fue el responsable de esta y muchas joyas del cine español de los 60 y 70. Luis García Berlanga.
Un ilustre valenciano de la «terreta»
Luis García Berlanga (Valencia, 1921 – Madrid, 2010) fue un director que basó gran parte de su obra en el humor satírico, corrosivo, crítico con la sociedad española en tiempos del dictador Franco (el cual lo calificó como un «mal español«) y con unas películas llenas de gente, caos, diálogos que solapan personajes hablando al mismo tiempo, sumado a una ironía, inteligencia y humanidad muy destacables. Seguramente el coincidir durante años con el guionista Rafael Azcona ayudó a que su obra fuera aún más perfecta en su cometido. Aparte de la película que tratamos hoy en la sección, otras memorables producciones serían, por nombrar algunas:
Bienvenido Mr.Marshall (1953). donde se critica el aislamiento del franquismo ante el resto de Europa y el servilismo hacia el gobierno americano (a través del plan Marshall). Siempre quedará en nuestro recuerdo la canción «¡Americanos, os recibimos con alegría…!
El verdugo (1963). Una obra maestra, más por su drama que por su humor negro. Es una reflexión sobre la pena de muerte y la cobardía de una sociedad bajo la bota del dictador. Fue prohibida en algunos países y censurada en España a raíz de su triunfo en el Festival de Venecia.
La escopeta nacional (1978). La primera parte de la llamada «trilogía nacional» donde Berlanga retrata los tratos de favor de la administración franquista y nos habla de la transición española, la corrupción política, todo con el tono de humor ácido habitual del director valenciano.
La vaquilla (1985). Una comedia ambientada en la Guerra Civil Española. Para comer carme, el bando republicano trata de robar una vaquilla. Con esa base, Berlanga lanza un alegato antibelicista que ridiculiza la guerra.
Qué nos cuenta Plácido
«Siente un pobre a su mesa» es el nombre que Berlanga y Azcona dieron a un conjunto de ideas y campañas de caridad cristiana que el régimen franquista llevaba a cabo y que aquí en cierta forma constituye la base sobre la que el director edifica su crítica a la hipocresía burguesa de esa época. Tenemos a Plácido (Cassen), un hombre humilde con los problemas habituales de esa época que trata de salir adelante trabajando con un motocarro del que debe la primera letra.
Durante toda la película le veremos tratando de solucionar ese problema mientras la burocracia del régimen le pone constantemente trabas. Aparte, tendremos a su alrededor esa campaña de caridad que nos dará más de un momento risible.
Aspectos que la hacen destacable
El guión. Es evidente que el escrito del binomio Azcona/Berlanga es la base sobre la que se levanta esta sátira sobre la sociedad franquista y sus hipocresías. La caridad en esta película se nos muestra más como un espectáculo y un ejercicio de la burguesía para lavar sus conciencias que para ayudar al prójimo. Los pobres que son objeto de la campaña son, de hecho, meros pasantes en una obra que lo que busca es desenmascarar a los falsos devotos cristianos de la época, en cuyas vidas las apariencias lo eran todo.
Como nombramos más arriba la crítica a la burocracia (que se podría trasladar también a la actualidad) y a las trabas que tienen que superar los ciudadanos de a pie, es otra pieza del puzzle que los guionistas ofrecen aquí. Evidentemente, el guion retrata una España triste, gris, autoritaria y falsa en la cual el franquismo nos mantuvo inmersos durante décadas.
El estilo cinematográfico es notable.
Es muy habitual en el cine de Berlanga el uso del plano secuencia (plano que trata de dar naturalidad y continuidad a la escena sin tener que cortarla), el cual nos aporta un caos narrativo intencionalmente buscado para mostrar una sociedad llena de intereses personales. El guion de Azcona y el propio Berlanga nos aporta más de una escena de humor absurdo, como ejemplo la de la cena donde al «pobre» le da un ataque al corazón y buscan a su pareja para que se case con el susodicho en estado moribundo por el qué dirán. Brillante.
La reflexión que nos plantea la película
Es evidente que si tratamos de verle el transfondo al filme, el mismo supera la denuncia social del régimen para hacernos pensar, incluso hoy en día, si nuestros propios actos de caridad (cristiana o no) están realmente motivados por un interés altruista o más bien se trata (como aquí se muestra) de un intento de nuestro ego por hacernos sentir mejor con nosotros mismos.
La película, aunque realizada en los años 60 del siglo pasado, trae a la actualidad la pregunta sobre si son realmente las Navidades una oportunidad de ayudar al prójimo o más bien, como sucede hoy en día, fechas en donde lo que realmente importa es aparentar y consumir. Si reflexionamos abiertamente sobre ese tema que nos deja de fondo Plácido, no sabría qué responder, o quizás si, y la respuesta no me guste demasiado.
Sea como sea, tanto esta película como las demás de la filmografía de Luis García Berlanga son una radiografía de una España que, en la mayoría de los temas aquí tratados, hemos dejado atrás pero, en otros, la huella aún permanece. Una joya de la sátira sobre la sociedad, una película que vale mucho la pena para ver y reflexionar.
A quien le podemos recomendar Plácido
A quien disfrute con el cine de antaño ligado a la historia de España en unos años socialmente oscuros pero interesantes. Para aquellos que quieran descubrir nuevas películas y directores que tienen algo que contar. Es difícil recomendar este tipo de filmes a las nuevas generaciones, pero si a alguien le interesa ver cómo se hacía el cine de la postguerra, sepa que la videografía de Berlanga está repleta de grandes películas llenas de ironía, humor negro y crítica velada al régimen de Franco. Su inteligencia le permitió pasar la censura para ofrecernos estas maravillas del séptimo arte.
Os dejamos un artículo que nos habla del top 10 de mejores películas españolas de 2024. AQUÍ.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Lucky Luke. Integral 1. Nos lo trajo Norma Editorial.
Norma Editorial inaugura su colección integral de Lucky Luke con un primer volumen que no solo recupera cinco aventuras esenciales del vaquero más célebre del cómic europeo, sino que también rinde homenaje al tándem creativo Morris-Goscinny, cuya química elevó la serie a la categoría de arte mayor.
Este tomo incluye cinco historias clásicas que representan lo mejor del western humorístico, acompañadas por un extenso dosier con textos e imágenes inéditas.
El enfoque editorial no se limita a la reedición: se trata de una restauración crítica, cuidada en formato y contexto, que permite redescubrir la evolución del personaje desde sus inicios paródicos hasta su madurez narrativa bajo la pluma de Goscinny.
Os voy a contarlos álbumes que componen este primer volumen integral.
1.- Raíles en la Pradera.
Lucky Luke es contratado para proteger la construcción de una vía férrea que conectará el Este con el Oeste de los Estados Unidos.
La obra representa el progreso, pero no todos están de acuerdo: un empresario de diligencias ve amenazado su negocio y decide sabotear el proyecto.
Lucky Luke deberá enfrentarse a boicots, sabotajes y conflictos laborales mientras acompaña a los obreros en su avance por la pradera.
2.- Lucky Luke contra Joss Jamon.
Año 1865, justo tras la Guerra Civil estadounidense. Lucky Luke es acusado injustamente de saquear el pueblo de Los Palitos, pero logra un plazo de seis meses para capturar a los verdaderos culpables: Joss Jamon y su banda de seis matones, excombatientes sureños que se instalan en Frontier City con intenciones nada nobles.
Jamon se hace con el control de la ciudad mediante amenazas, trampas y elecciones amañadas, convirtiéndose en alcalde y colocando a sus compinches en cargos clave.
Luke, fiel a su promesa, se enfrenta a ellos, pero es capturado y condenado a la horca tras un juicio manipulado.
Justo cuando todo parece perdido, los ciudadanos se rebelan, liberan a Luke y logran expulsar a los bandidos.
Luke captura a Jamon en el desierto y lo entrega en Los Palitos justo a tiempo.
3.- Los Primos Dalton.
Tras la muerte de los auténticos hermanos Dalton en el álbum Fuera de la ley, Morris y Goscinny introducen a sus primos ficticios: Joe, William, Jack y Averell Dalton.
Estos nuevos Dalton, físicamente similares pero mucho más torpes, deciden vengar a sus parientes y convertirse en los forajidos más temidos del Oeste.
La historia sigue sus intentos fallidos de delinquir, siempre frustrados por su ineptitud y por la astucia de Lucky Luke.
A lo largo del álbum, los Dalton cometen robos, secuestros y provocan el caos en varios pueblos, pero su falta de coordinación y el carácter explosivo de Joe los condenan al fracaso.
Lucky Luke, con ayuda de su caballo Jolly Jumper, los persigue incansablemente hasta devolverlos a prisión.
4.- El Juez.
Lucky Luke llega a Langtry, un pueblo del Oeste gobernado por el excéntrico y autoritario Juez Roy Bean, quien se autoproclama “la ley del Oeste” y aplica justicia según su propio criterio …
Y según lo que diga su oso amaestrado. Bean dicta sentencias absurdas, cobra multas arbitrarias y convierte el saloon en tribunal, cárcel y oficina de registro.
Luke intenta restaurar el orden, pero Bean se resiste a perder su poder. La situación se complica cuando aparece Bad Ticket, otro juez autoproclamado que quiere arrebatarle el control del pueblo.
La rivalidad entre ambos desata una guerra judicial surrealista, con juicios amañados, duelos legales y caos ciudadano. Finalmente, Lucky Luke logra que ambos sean arrestados y devuelve la justicia legítima a Langtry.
5.- La Carrera por Oklahoma.
La historia se ambienta en 1889, cuando el gobierno estadounidense decide abrir el territorio de Oklahoma a la colonización.
Lucky Luke es designado para supervisar el proceso y evitar que los colonos se adelanten ilegalmente a la señal oficial.
Antes del gran día, Luke expulsa a los oportunistas que ya se habían instalado sin permiso. Entre ellos destacan los bandidos Coyote Will, Beastly Blubber y el ingenuo Dopey, que intentan colarse por todos los medios.
El día de la carrera, miles de colonos cruzan la frontera en estampida, reclamando tierras y fundando la ciudad de Boomville en tiempo récord.
Los tres bandidos se infiltran en la ciudad, montan un saloon clandestino y fomentan el juego y el alcohol. Luke los detiene, pero son liberados para participar en las elecciones municipales.
Sorprendentemente, Dopey es elegido alcalde, y con ayuda de Luke, se convierte en un líder honesto y eficaz. Sin embargo, una sequía arruina la ciudad y provoca su abandono.
Dopey, fiel a su nuevo rol, persigue a sus antiguos cómplices para que se reformen.
La edición integral de Norma Editorial.
Tenemos ante nosotros una imponente edición en tapa dura, lomo curvo, que consta de 256 páginas a todo color, en un papel satinado que cuenta con un excelente gramaje.
Esta edición tiene un tamaño de 22,5 x 31 cm. Está disponible en librerías desde el 17 de enero de 2025, con un P.V.P. de 45€.
René Goscinny. Guionista. Nació en París en 1926, hijo de padre polaco y madre ucraniana. Su familia se trasladó a Argentina, donde publicó sus primeros dibujos en el Liceo Francés de Buenos Aires.
En 1945 se mudó a Nueva York, donde conoció a figuras clave del cómic como Harvey Kurtzman y Jack Davis y entabló amistad con Morris, creador de Lucky Luke. Más adelante, Goscinny se convirtió en guionista de la serie.
Tras volver a Europa, creó varios personajes, pero alcanzó su mayor éxito junto a Albert Uderzo con Astérix.
A lo largo de su carrera recibió numerosos premios, incluido el título de Caballero de las Artes y las Letras. Falleció en 1977.
Maurice de Bévère, conocido como Morris. Nació en Cortrique (Bélgica) el 1 de diciembre de 1923 y falleció en Bruselas, 17 de julio de 2001).
Fue un dibujante de historietas belga. Morris es considerado uno de los más notables historietistas belgas del siglo XX.
Su creación más conocida es el vaquero Lucky Luke (1955-2001), que desarrolló junto con el francés René Goscinny, quien escribió el guion de las aventuras durante los primeros 22 años de la historieta.
Valoración final de la obra.
Este integral no es solo una recopilación: es una puerta de entrada al universo Lucky Luke para nuevos lectores y una pieza de colección para los veteranos.
El dosier complementario aporta contexto histórico, anécdotas editoriales y material gráfico que enriquece la experiencia lectora.
Morris despliega un trazo más maduro, con escenas multitudinarias y dinamismo visual. La edición integral realza los colores y detalles, haciendo que la carrera y el caos urbano cobren vida.
En mi opinión, Lucky Luke es una obra maestra del noveno arte, apta para pequeños y mayores, que no ha envejecido sino que ha madurado como el buen vino, con el paso del tiempo.
Aquí os traemos los dos últimos capítulos de la segunda temporada de ‘Peacemaker’ un final que quizás no guste a todo el mundo, pero que ha demostrado el buen hacer de James Gunn como guionista.
El séptimo es un capítulo emocionalmente devastador y el más profundo de la temporada (hasta la llegada del octavo). James Gunn usa el multiverso de Tierra-X (donde los nazis ganaron) no para acción (que la hay), sino como excusa para la catarsis psicológica de Christopher Smith. Para que sea el punto de quiebre del personaje.
El punto álgido del capítulo es el reencuentro de Chris con el Auggie Smith y Keith de esta Tierra alternativa una vez que ellos saben que no es el Chris que ellos conocían. Lo que más sorprende es ver que el Auggie de este universo es un hombre más calmado y diferente al padre que él conoció en su niñez. El Dragón resulta ser mejor persona que su contrapartida y eso confunde a Chris.
Si hay que destacar una escena es la que ocurre en la casa de los Smiths y que lleva a el enfrentamiento con Keith y Auggie, reviviendo el trauma de Chris por la muerte de su hermano. Desembocando en el momento cumbre cuando el equipo somete a Keith. El grito desgarrador de Chris («¡Basta! ¿Qué diablos nos pasa a todos?») es un momento de brillantez dramática por parte de John Cena.
El episodio también maneja bien las subtramas, como la charla de Adebayo y Judomaster y el inesperado compañerismo entre los ‘Vigilantes’ y el sacrificio del Adrian de Tierra-X. El cliffhanger llega cuando Chris se entrega a Rick Flag Sr. para proteger a sus amigos con la ayuda de Judomaster.
Es cierto que los episodios han tenido una duración que me ha parecido demasiado corta y cuando estás disfrutando tanto de una serie, eso duele. Ojalá todos hubiesen durado tanto como el último.
Pese a esto, «Como un Keith en la noche» es un capítulo demoledor y crucial para lo que ha venido en el final de temporada.
Como he dicho al comienzo, estamos ante un episodio que no va a gustar a todos, a mi me ha parecido el cierre perfecto, ya que ha hecho crecer a los 11 Street kids de una forma que pocos guiones sabrían hacer.
El capítulo funciona como un cierre épico, sangriento y profundamente emotivo que consolida a esta serie como otro gran acierto de James Gunn. El cineasta cumple con su promesa de mantener el tono gamberro, pero sin que se en detrimento de la emotividad y la evolución de personajes.
La escena del ‘barco’ es la joya emocional que sella de manera brillante el arco de toda la temporada para Chris Smith y Emilia. Es un ejemplo de cómo esta ficción prioriza el desarrollo de los personajes por encima del espectáculo. Es el punto de inflexión más importante del episodio y le da a Chris un respiro tras una segunda parte de temporada en la que las emociones no han sido muy positivas.
Por suerte en ‘Peacemaker’ no hay personajes que no hayan tenido momentos para brillas y evolucionar, aunque es cierto que Adabayo y Economos han crecido muchísimo y nos han dejado momentos divertidos y emotivos. Desde la conversación de Leota con Keeya hasta el momento en el que Eagly le pone el ala en el hombro a Economos.
Hablemos del villano de la temporada: Rick Flag Senior. No hay mejor motivación que algo que sea tan primario como la venganza y eso es lo que ha guiado a este personaje para tratar de acabar con Peacemaker. Quizás haya sido algo drástico el cambio o quizás lo haya estado ocultando desde el comienzo, pero ahora es alguien a tener en cuenta con la tecnología que posee y el hallazgo de ‘Salvación’. Su propia ‘Zona Fantasma’. Al final Waller no era tan malvada.
Quizás esto tenga algo de relación con lo que veremos en ‘Man of tomorrow’, pero se me ha quedado algo corto tanto que se hablaba de esta temporada como una precuela de la secuela de la cinta de Superman. Aunque sí tengo que alabar que poco a poco se vayan introduciendo cositas de DC como Jaque mate, algo que abre un abanico de posibilidades interesantes para este DCU.
Conclusión
La segunda temporada de ‘Peacemaker’ me parece que mantiene el tipo y ha sabido construir a unos personajes muy potentes y que se han ganado un hueco en nuestros corazones. James Gunn ha sabido hacerlos caer, recomponerse, romperlos, pegar sus pedazos y hacerlos crecer mucho.
Mejores tramas, más emotivas, un cliffhanger final que no esperaba, un villano capaz de todo por venganza, y que ha acabado concluyendo el plan que comenzó Luthor en el filme protagonizado por David Corenswet.
¿Ganas de más? Sí, muchísimas, no puedo ni quiero esperar a ver la tercera temporada de ‘Peacemaker’ o la primera de ‘Jaque Mate’ para saber que demonios va a pasar con Chris. ¿Lo veremos cabalgando un dinosaurio al más puro estilo Kung Fury? De todo puede pasar en la cabeza de James Gunn.
No voy a decir que esta ficción es perfecta, ya que hay cosas que me hubiese gustado que se explorasen más como Tierra-X, que se me ha quedado corta, pero tiene una salud de hierro y junto con ‘Creature Commandos’son dos joyas de este nuevo DCU.
Y antes de despedirme mencionar que el gusto musical de Gunn y su elecciones musicales están a otro nivel.
Aquí os dejo la secuencia de los títulos de crédito de esta segunda temporada de ‘Peacemaker’:
Lo que ha cambiado la industria del cine. Ahora todos los estrenos en pantalla grande basculan entre grandes superproducciones, a ser posible precuelasecuelarecuela o cine de superhéroes, y producciones indie enmarcadas dentro del cine de autor. Las películas de presupuesto medio alto, que antes copaban los cines, ahora parecen destinadas únicamente a las plataformas de streaming. Lo vimos en la magistral The order, en Amazon Prime Video. O en El abismo secreto, en Apple TV. Plataforma que también acaba de estrenar Laberinto en llamas, película de catástrofes basada en un hecho real.
Situada en uno de los incendios más devastadores de Estados Unidos, Laberinto en llamas se enfoca en un fracasado conductor de autobuses escolares que debe colaborar con una maestra infantil para sacar a 22 niños de una región que se ha convertido en un infierno.
La película es puro cine de catástrofes, como lo era Llamaradas, Volcano, Twisters o Un pueblo llamado Dante’s Peak. Puro espectáculo noventero que parece haber desaparecido de las carteleras y que solo podemos ver en televisión.
En los últimos años, Greengrass prácticamente solo rueda para plataformas. Ya lo hizo para Netflix en 22 de julio y en uno de los mejores westerns del siglo XXI, Noticias del gran mundo. Ahora, regresa al cine casi documental basado en hechos reales, como ya hizo en Domingo Sangriento, Capitán Phillips o la que creo que es su mejor película, United 93.
Al igual que con Capitán Phillips, Greengrass parece obsesionado con el heroísmo de a pie. El de personas que hacen algo bueno sin buscar la aprobación de otros, sino porque, sencillamente, hay que hacerlo.
El ejemplo perfecto es nuestro protagonista, un absoluto perdedor, divorciado y con una pésima relación con su hijo. Un hombre que tiene que cuidar de su madre enferma mientras mantiene a duras penas un trabajo que no le gusta. Y que se ve inmerso en un infierno en el que continuamente dudará si ayudar a los niños o dejarlos a su suerte.
Greengrass recalca el carácter perdedor con un arranque demasiado largo y sobreexplicativo. De hecho, es el mayor defecto de la película. El director subraya demasiado la emoción cuando solo le hace falta rodar como rueda las escenas de tensión.
Porque es aparecer el fuego y Laberinto en llamas despega como un cohete. Qué uso de la tensión con tan solo un autobús como escenario. Y qué química la de America Ferrera con Matthew McConaughey, ese actor que cambió las comedias románticas por el abogado de El inocente, el drama de Dallas Buyer Club, la épica de Interstellar o el misterio de True Detective.
Tras estas producciones, McConaughey ha continuado por la senda dramática, pero sus películas no han tenido el éxito de aquellos años, Óscar incluido. Y es un actorazo. Viéndolo, se me olvida que estamos ante uno de los hombres más guapos y elegantes del cine moderno al verlo desaliñado como un pobre conductor de autobús que no tiene donde caerse muerto.
Puede que Laberinto en llamas peque de excesivamente melodramática en su conflicto familiar (previsible hasta decir basta) y que se alargue tanto en este ámbito como en la reflexión sobre las causas del auge de los incendios actuales, pero es un peliculón de catástrofes de los que ya no se hacen, repleto de tensión y acciones heroicas de gente corriente que, cuando la naturaleza nos arrasa, siempre saca su mejor versión.
Desde que el cine es cine se han encasillado a los actores. Ya ocurría durante el sistema de estudios del cine clásico, en el que incluso los actores debían mantener su personalidad cinematográfica más allá de la gran pantalla. A John Wayne solo le contrataban para hacer westerns. A Humphrey Bogart para interpretar detectives de tan duro caparazón como blando corazoncito. Y así un largo etcétera que se extiende hasta el mismísimo Dwayne “The Rock” Johnson, que ha decidido cambiar de registro y va a por el Óscar con The smashing machine, drama deportivo estrenado en cines el 3 de octubre.
The smashing machine es un biopic de Mark Kerr, luchador pionero en la popularización de las artes marciales mixtas a finales de los 90, centrándose en su época más complicada, marcada por la derrota, las adicciones y la tormentosa relación con su mujer Dawn.
Cuando uno se acerca a la película sin mucha información, puede pensar que The smashing machine es, independientemente del resultado, un descarado intento de ganar el Oscar a mejor protagonista. A priori, cuenta con todos los factores que gustan a la Academia: un actor que interpreta a un personaje real bajo toneladas de maquillaje. Como Eddie Remayne con Stephen Hawking, Gary Oldman como Winston Churchill o Rami Malek como Freddie Mercury. Además, cuenta con la ventaja de que Dwayne Johnson, antiguo luchador de Smackdown (lucha libre fingida), es un actor marcado por su carisma en el cine de acción. Así que la crítica estaba expectante con como resultaría ver al actor en un papel puramente dramático.
Encima, la película cuenta con el aliciente de ser escrita y dirigida por Benny Safie, el que, junto a su hermano Josh, nos aceleró el corazón con dos peliculones que tenéis en Netflix: Good Time y Diamantes en bruto. Ambas películas de personajes que luchan contra la opresión de la sociedad en un corto periodo de tiempo. Todo lo contrario que The smashing machine, una película deportiva inusitadamente clásica en su narrativa, por mucho que su temática se aleje de la típica película deportiva.
Porque esta no es la historia de los éxitos de Mark Kerr, sino de como lidia con sus fracasos. Una jugada arriesgada, porque es una película deportiva que no apuesta por la épica. Más bien se centra en el drama humano de alguien acostumbrado al éxito que empieza a perder en todos los ámbitos de su vida.
Y es una jugada que sale a medias. Porque el drama humano está bien enfocado. Safdie otorga de humanismo a sus dos personajes protagonistas. Mark Kerr es un personaje noble y adicto. Atento y ególatra. Dawn quiere a Mark, pero le duele no ser una prioridad para su marido. Así, The smashing machine es una radiografía de las luces y sombras de ser un deportista de élite. Sí, son personas ejemplares en su afán de superación, en superar sus demonios internos. Pero también viven tan obsesionados con la perfección física, con las rutinas estrictas, que minimizan a todos los que tienen alrededor.
Ambos personajes están magníficamente interpretados. Lástima del maquillaje de Dwayne Johnson. Personalmente, no paraba de pensar en que, bajo todas esas capas de maquillaje, Mark Kerr es The rock, y eso me sacaba de la película. Y luego está Emily Blunt, que arrasa la pantalla cada vez que aparece en un papel distinto al que nos tiene acostumbrados.
Pero claro, insisto en que la jugada sale a medias. Porque como drama humano, The smashing machine es notable. Pero como película deportiva, con la épica inherente que ello implica, fracasa porque la historia, en su intento por humanizar al luchador, humaniza tanto que no emociona. No impactan los combates, por muchos giros inesperados que encontremos en la película (y que mejor no desvelar).
En definitiva, The smashing machine es una interesante película antideportiva que busca centrarse en la aceptación de la derrota y en lo difícil que resulta congeniar el éxito personal con la felicidad en pareja. Se beneficia de unas excelentes interpretaciones y ojalá que esto suponga un escalón más en la carrera de Dwayne Johnson. Aunque, personalmente, me sigo quedando con el The rock de Fast & Furious o, sobre todo, de esa joya infravalorada conocida como Dolor y dinero.
