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El prólogo filtrado de La Odisea muestra una intensa batalla de Troya y un primer vistazo al cíclope

Recientemente se ha confirmado que el prólogo de seis minutos de La Odisea, de Christopher Nolan, se estrenará en los cines antes de Avatar: Fuego y ceniza, y las imágenes y el video ya se han filtrado en Internet.


Avatar: Fuego y Ceniza. Todas las primeras reacciones de la crítica internacional


 

El clip filtrado, que muestra la increíble banda sonora de Ludwig Göransson, se abre con el rey espartano Menelao, interpretado por Jon Bernthal, preguntando a Telémaco (Tom Holland) si «conoce la historia del caballo».

A continuación, vemos a Odiseo (Matt Damon) y a sus hombres escondidos en el legendario caballo de madera gigante mientras los soldados troyanos lo arrastran hacia la ciudad, atravesándolo con sus espadas para comprobar si hay griegos.

Cuando cae la noche, el legendario héroe lidera un ataque, derribando sigilosamente a los enemigos mientras los griegos intentan abrir la puerta principal, y la tensión aumenta hasta el comienzo de una batalla a gran escala.

El avance concluye con rápidos destellos de acción, y podemos ver al gigante cíclope conocido como Polifemo. La calidad del clip hace que, por desgracia, el monstruo quede en gran parte oculto, pero aún así es posible distinguir parte del diseño práctico de la criatura.

No compartiremos aquí el avance filtrado, pero no debería ser muy difícil de encontrar.

Nolan explicó su enfoque de los elementos más fantásticos de la historia durante una entrevista reciente con la revista Empire.

«Una de las cosas que tenía que resolver era cómo abordar los elementos mitológicos de una forma más realista. El gran avance creativo al pensar en los dioses fue que todo lo que ahora se explica mediante la ciencia antes se consideraba sobrenatural. Los rayos, los truenos, los terremotos, los volcanes… la gente veía literalmente a los dioses en todas partes; ni siquiera las pruebas de la existencia de los dioses, sino las acciones de los dioses. No quiero decir demasiado al respecto, más allá de indicar que sí, las pruebas de lo sobrenatural están por todas partes alrededor de estas personas. Es una parte muy importante de sus vidas. Y creo que es muy divertido aprovechar eso».

La Odisea

Un saludo y sed felices.

Adiós a Héctor Alterio, gloria del cine argentino y español

Este sábado 13 de diciembre nos dejó Héctor Alterio, sin duda uno de los insignes actores a ambos lados del Atlántico. Actuó en cinco títulos nominados al Oscar como mejor película en habla no inglesa (cuatro por Argentina y uno por España) y edificó una carrera jalonada de éxitos y galardones.

Corrían mediados de los setenta y se hallaba en España presentando el filme La Tregua (1974) en el Festival de San Sebastián, además de hallarse en el país con motivo del rodaje de Cría Cuervos (1975). Fue entonces cuando se enteró que su nombre figuraba en una lista negra de la Triple A (Alianza Anticomunista Argentina), organización terrorista de ultraderecha que manejaba como marioneta a la entonces presidenta constitucional María Estela Martínez (viuda de Perón), y ello le convenció de quedarse en España sin quizás saber que sería para siempre. Este sábado y con noventa y seis años, Héctor Alterio falleció en Madrid, dejando detrás de sí un impresionante legado cinematográfico.

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Madrid fue mi cárcel y mi salvación durante el exilio. Hoy es mi suerte, mi casa” manifestó hace un par de años con motivo de ser distinguido con el Premio de Honor por su trayectoria en el Festival de Cine de Alicante.

De orígenes familiares napolitanos, Héctor Benjamín Alterio Onorato, tal su nombre completo, había llegado al mundo con la primavera austral, un 21 de septiembre de 1929, en el funerario barrio de Chacarita, Buenos Aires (donde se halla uno de los dos cementerios más importantes de la ciudad) y apenas poco más de un mes antes de que el panorama global se viera violentamente sacudido por el cimbronazo del “crack” de Wall Street, con la consecuente depresión mundial que se extendería durante toda la década siguiente.

Y es que Alterio fue un poco hijo de todo eso y a ello sumó el exilio (confirmado al producirse en Argentina el golpe de estado de 1976), dando así lugar a un cóctel que definiría tanto su vida como su obra, caracterizada por interpretar con gran versatilidad a personajes que podían ser lo mismo sufridos, atormentados, ruines o decadentes, pero que en muchas ocasiones acababan celebrando la vida.

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Ostenta, de hecho, un récord que comparte con Ricardo Darín, que es haber actuado en cuatro películas argentinas nominadas al Oscar: La Tregua, Camila, La Historia Oficial (ganadora incluso de la preciada estatuilla) y El Hijo de la Novia, en la que ambos actores compartieron cartel como padre e hijo. Para ponerlo en claro, de los ocho filmes de esa nacionalidad que tuvieron nominación a mejor película de habla no inglesa, siete de ellos tuvieron a alguno de ambos involucrado como protagonista o incluso, como el caso antes mencionado, a los dos.

En su país, fue antes del exilio partícipe de las producciones clásicas más contestatarias y con rigor histórico, todo un registro de época durante los ’70: Argentino hasta la Muerte (1970) de Fernando Ayala, La Patagonia Rebelde (1974) de Héctor Olivera (ganadora del Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín) y Quebracho (1974) de Ricardo Wullicher. 

A las mismas debemos agregar tres colaboraciones con el gran Leopoldo Torre Nilsson: El Santo de la Espada (1969, donde interpretó a Simón Bolívar en la escena del memorable encuentro con el general San Martín) , La Maffia (1971, por la cual fue reconocido con el Cóndor de Plata como mejor actor de reparto) y, por último, Los Siete Locos (1972), basada en la inmortal novela de Roberto Arlt.

Ya en la madre patria, grandes directores españoles lo convocaron para sus producciones y a la ya mencionada Cría Cuervos, a las órdenes de Carlos Saura(aquí nuestro artículo con motivo de su fallecimiento en 2023), se agregó unos años después A un Dios Desconocido (1977) de Jaime Chavarri, que lo hizo entrar por la puerta grande en el cine nacional al ganar la Concha de Plata como Mejor Actor en el Festival de Cine de San Sebastián, a la que siguieron El Crimen de Cuenca (1979) de Pilar Miro y El Nido (1980) de Jaime Armiñan, película nominada al Oscar por España que, además, le valió el Premio al Mejor Actor por la Asociación de Cronistas de New York.

Ya en los noventa, dos filmes de Gonzalo Suárez: Don Juan en los Infiernos (1991) y El Detective y la Muerte (1994), lo cual no quitó que regresara cada tanto a su país, rodando así en la localidad de General Las Heras (muy cerca de donde vivo) y a las órdenes del canadiense André Mélançon , un filme tan simple como bello y quizás injustamente poco recordado: El Verano del Potro (1991).

Ello, además de cuatro películas para Marcelo Piñeyro que fueron éxitos de taquilla: Tango Feroz (1993), Caballos Salvajes (1995), Cenizas del Paraíso (1997) y Plata Quemada (2000). De ellas, Caballos Salvajes le valió uno de sus papeles más icónicos al dar vida a un anciano ex anarquista que perpetraba el robo de un banco para cobrarse una antigua deuda y, al hacerlo, secuestraba al cajero que acababa convirtiéndose en su cómplice. La frase “la p…, que vale la pena estar vivo”, por él pronunciada más de una vez durante el filme, se convirtió en una de las más emblemáticas del cine argentino.

También en televisión se lució a ambos lados del Atlántico: en España con Segunda Enseñanza (1986), Canguros (1984), El Barco (2012-13) y en Argentina con Alén, Luz de Luna (1996) y Tiempo Final (2001). Y a no olvidar por supuesto su trayectoria teatral (en definitiva su primer amor), habiendo actuado en más de cincuenta obras e incluso fundado en su país la compañía Nuevo Teatro que, nacida en 1950, se mantuvo activa hasta 1968.

En 2003 fue galardonado con el Goya de Honor por su trayectoria y su vasto palmáres incluye también premios Konex, Martín Fierro y Max, además de los que han sido mencionados a lo largo del artículo.

Este fin de semana nos dejó en definitiva un actor de la hostia y la luz que ha desparramado a lo largo de su tan extensa como rutilante carrera seguirá seguramente iluminando a quienes lo tendrán, con toda justicia, como ejemplo y referente.

Hasta siempre Héctor. Y gracias por tanto…

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Crítica de Jay Kelly (2025), tan amable que ni acaricia.

Había mucha expectación con el estreno de Jay Kelly, superproducción de Netflix dirigida directamente a festival y, con ello, a la temporada de premios. No ha sido así. Jay Kelly no suena para ninguna nominación y su estreno ha sido como el de cualquier otra película de Netflix: limitado en cines para, finalmente, aterrizar en la plataforma a principios de diciembre.

Jay Kelly se centra en una veterana estrella de acción del mismo nombre que, a raíz de un encuentro con un antiguo compañero suyo al que le robó el papel que le hizo famoso, comienza a reflexionar sobre las consecuencias de una vida  de estrellato. Su desconcertado equipo de agentes se verá obligados a seguirle hasta un homenaje que va a recibir en la Toscana.

¿Por qué todos esperábamos Jay Kelly? Uno de los motivos es su director Noah Baumbach, un autor que ha destacado por su capacidad para las historias que mezclan tanto drama como comedia. Suyas con Una historia de Brooklyn o Frances Ha. Pero fue con Historias de un matrimonio, drama con Scarlett Johansson y Adam Driver que fue todo un éxito, cuando su nombre se empezó con codear con los grandes de la industria. Actualmente aliado con Netflix (su siguiente película, Ruido de fondo, pasó sin pena ni gloria), estrena ahora Jay Kelly, con guión coescrito por él y la actriz Emily Mortimer, que también aparece en la película.

Pero el motivo principal es que Jay Kelly prometía ser el regreso triunfal de George Clooney, una de las grandes estrellas de las últimas décadas, aunque la mayor parte de su producción como actor se concentra en unos quince años, entre finales de los 90 y 2015.

Clooney, considerado un actor cuyo físico remitía a Cary Grant, compaginó magistralmente su labor como actor con la dirección y producción de películas tan notables como Buenas noches y buena suerte o la magnífica Los idus de marzo, una de las mejores películas de política de la historia del cine.

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Sin embargo, por lo que sea, Clooney lleva una década en la que apenas actúa y únicamente dirige películas de menor enjundia que las que rodó previamente (Cielo de medianoche, Remando como un solo hombre, El bar de las grandes esperanzas). Hasta que el año pasado coprotagonizó Wolfs junto a su amigo Brad Pitt y ahora regresa en un papel publicitado como el mejor de su carrera.

Y no estoy muy de acuerdo con lo publicitado. Primero, porque Clooney tiene muchísimas mejores películas. Empezamos: La saga Ocean, Syriana, Buenas noches y buena suerte, Michael Clayton, Up in the air, Los idus de marzo, Los descendientes o Money Monster.

Segundo, porque gran parte de la calidad de estas películas se basaban en una gran interpretación de su estrella, capaz de otorgar seriedad, comicidad o patetismo en función de lo que el guión requiriera. En el caso de Jay Kelly, es probable que su interpretación recuerde a la del Ryan Bingham que se dedica a volar de un lado a otro del país para despedir a gente en Up in the air. El papel de Clooney es bastante más amargo que en esta amable y condescendiente Jay Kelly.

Porque sí, la película es un retrato de la falsedad de la estrella, obligado a ser como los personajes que interpreta para el público hasta el punto de no saber muy bien quién es realmente. Algo que se sobre explica durante toda la película, como el hecho de que, por mucho que sea una de las personas más conocidas del mundo, sea una persona que se siente terriblemente sola.

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Así, a lo largo de Jay Kelly asistimos a un proceso de autoconocimiento del personaje desatado por la certeza de que todo su éxito se cimenta en “haberle robado” (lo hizo mejor en el casting) a uno de sus mejores amigos un papel. Y estos temas, la apariencia y la soledad, se repiten durante toda la película como un mantra amable. Si no fuera por sus actores, Jay Kelly parece el típico telefilm de domingo por la tarde.

Sorprende que, con la simpleza de su guión, Clooney esté tan bien acompañado: Laura Dern, Greta Gerwig, Patrick Wilson, Billy Crudup…y Adam Sandler, la otra piedra del proyecto y el mejor personaje de la película. El principal agente del artista, un hombre que ha sacrificado su vida familiar por el bienestar de una estrella que, cuando tiene a bien arrepentirse de toda una vida, tiene que hacerlo con todo su séquito a cuestas.

La química entre Clooney y Sandler es lo mejor de la película junto a un final muy emocionante que mejora pero no compensa la tibieza de lo visto durante toda la película. Como análisis de las flaquezas de una estrella hollywoodiense, Jay Kelly es una amable tragicomedia que, como mucho, acaricia y que solo llega a agarrarnos el corazón cuando se eleva en sus minutos finales.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

El cómic de la semana: Sin City – Ese Cobarde Bastardo

Bienvenidos un sábado domingo más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semanaHoy destacamos Sin City – Ese Cobarde BastardoAl final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hay cómics que envejecen. Hay cómics que se mantienen. Y luego está Sin City, que directamente te espera en un callejón oscuro con un cigarro encendido y ganas de joderte el día. El juego de Frank Miller con el blanco y el negro es eterno.

Norma ha decidido que ya era hora de volver a sacar Sin City Ese cobarde bastardo, y lo ha hecho dentro de su nueva edición de lujo que tiene dos formatos maravillosos, espectaculares. La única pega es el precio, que entra como un puñetazo seco al estómago. Pero por lo demás, esta es la mejor edición de la historia. Una edición de pecado.

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Reseña de Sin City 1. El Duro Adiós. Cuando el noir se baña en sangre.

Retro-Análisis: Sin City (2005), cuando el Cómic se hizo Cine

Bienvenidos otra vez a Basin City, el sitio donde nadie es buena persona (y tú tampoco)

Si creías que Sin City iba de tipos duros y femmes fatales, aquí Miller se quita la máscara y te dice la verdad, esto va de miedo, de cobardía y de decisiones que te persiguen más que la policía.

Dwight no es Marv. No es un tanque humano ni un mito trágico. Dwight es peor, es humano. Duda. Se equivoca. Huye. Y cuando decide actuar, ya suele ser demasiado tarde. Ese cobarde bastardo bastardo es la historia de un tipo que sabe que no está a la altura… y aun así sigue adelante porque no hacerlo sería todavía más miserable.

Y eso, amigos, duele más que cualquier hacha.

Frank Miller en modo quirúrgico: menos épica, más cuchillo

Aquí Miller está especialmente cabrón. No busca héroes, busca fallos. Las relaciones son tóxicas. Las decisiones, equivocadas. El amor, una trampa con tacones.

La historia se mueve como una espiral descendente donde todo parece controlado hasta que deja de estarlo. Y lo peor es que lo ves venir. Pero sigues leyendo. Porque Basin City funciona así, sabes que va a acabar mal, pero quieres ver cómo de mal. Esta es quizás mi historia preferida de todas las de Sin City.

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Blanco y negro como una sentencia

Visualmente, esta nueva edición de Norma vuelve a demostrar por qué Sin City no necesita color. El blanco y negro aquí no es una elección estética, es un juicio moral. No hay grises cómodos. O estás dentro o estás muerto. Frank Miller revolucionó el cómic americano con esta serie, una maravilla contemporánea que debería estudiarse en las universidades.

Las sombras pesan. Los silencios hablan. Las viñetas parecen mirarte con desprecio.

Miller dibuja como alguien que ya ha perdido la fe en la humanidad, pero aún disfruta retratando su caída. Cada página es un recordatorio de que el cómic también puede ser sucio, desagradable y profundamente hermoso.

Norma hace lo que sabe hacer, respetar la obra

La edición es sólida, elegante, sin florituras innecesarias. Papel que aguanta el contraste brutal, buena reproducción del trazo y una sensación general de “esto se ha hecho con cariño, no con prisas”. Que ya es mucho decir en 2025.

No intenta modernizar nada. Y hace bien. Sin City no necesita retoques, necesita respeto, y aquí puedes tener Sin City en dos formatos, uno en tapa dura con toda la calidad posible, y otra en formato de lujo con muchos extras. Una maravilla.

Conclusión: leer esto no te hace mejor persona, pero sí mejor lector

Ese cobarde bastardo no es la historia más espectacular de Sin City. Es donde sale lo peor. Es la más incómoda. La más cercana. La más real. Y por eso funciona tan bien.

Esta nueva edición es la excusa perfecta para volver a Basin City o para entrar por primera vez sabiendo que aquí no hay finales felices, solo decisiones mal tomadas y consecuencias inevitables.

Si buscas héroes, pasa de largo. Si buscas verdad, aunque sea fea… abre el libro y no mires atrás. Porque en Sin City, el mayor pecado no es ser malo.

Es ser un cobarde.

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¡REGRESA LA OBRA MAESTRA DEL CÓMIC DE GÉNERO NEGRO EN UNA NUEVA EDICIÓN!

Frank Miller vuelve a Sin City en un nuevo formato de lujo espectacular, ahora con su cuarto volumen de siete: Ese cobarde bastardo.

Esta nueva edición de lujo presenta: Un nuevo formato a gran tamaño para disfrutar aún más del increíble arte de Frank Miller, encuadernación en tapa dura, cinta marcapáginas y cantos de página tintados de rojo metálico, un cofre forrado en tela impresa, un portafolio con una lámina de la nueva ilustración de cubierta dibujada por Frank Miller y una galería de cubiertas y pinups de artistas como Arthur Adams, Mike Allred, Sergio Aragonés, Paul Chadwick, Joe Kubert, Mike Mignola, John Romita, Jim Silke, Walter Simonson y Sergio Toppi.

Dwight es un hombre con un sórdido trabajo de detective privado y un montón de recuerdos de emociones que podrían haber sido amor y de las múltiples maneras en que la fastidió. Dwight daría lo que fuera por salir del infierno gris y entumecido en que se ha convertido su vida. Y entonces, de repente, un día regresa su recuerdo más vívido y sangrante…regresa Ava.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Norma editorial y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Sin City Ese cobarde bastardo

Un saludo y sed felices

Crítica de Puñales por la espalda: de entre los muertos (2025). La saga da muestras de agotamiento.

Por mucho que pasen los años (son ya casi diez escribiendo en Las cosas que nos hacen felices), sigue sorprendiéndome la deriva de la industria cinematográfica actual. En los últimos días he visto en Netflix tanto Jay Kelly, película con George Clooney, Adam Sandler o Laura Dern, como Puñales por la espalda: De entre los muertos, tercera entrega de una saga con repartazo que, sin embargo, solo se puede disfrutar en pantalla grande de forma limitada. Una pena, pero eso no va a evitar que hablemos de la tercera película de la saga de Benoit Blanc.

Nuestra crítica de Puñales por la espalda y Puñales por la espalda: el misterio de Glass Onion. 

Ambientada en la parroquia de un pequeño pueblo del Estado de Nueva York, la película acompaña a Benoit Blanc y a un joven e idealista sacerdote en la investigación de un crimen prácticamente imposible que sacudirá a un grupo de personas tan lleno de secretos como la propia iglesia donde se ha cometido el crimen.

Dirige Rian Johnson, uno de los directores más infravalorados del siglo XXI, aficionado tanto al género de misterio como a los trucos narrativos. Suyas con películas tan estimulantes como el noir escolar Brick o la ciencia ficción juguetona de Looper, con ese asesino a sueldo contratado para matarse a sí mismo en otra época. Sin embargo, todo cambio cuando dirigió la película más polémica de Star Wars: Los últimos Jedi. Una entrega que dividió profundamente a los fans y que supuso la expulsión de Johnson de poder dirigir el cierre de la franquicia. Y eso que su película es la mejor de la trilogía moderna de Star Wars.

Luke Skywalker, la deconstrucción del héroe clásico. 

A partir de ahí, Johnson lo reventó con la primera entrega de Puñales por la espalda, demostrando una enorme capacidad para reformular los códigos de un subgénero del misterio en el que es difícil sorprender: el whodunit. Es decir, la intriga basada en un crimen y la presencia de múltiples sospechosos sobre los que irá recayendo la mirada de un sagaz detective.

Los 12 mejores whodunit de la historia del cine. 

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Lo malo es que, desde entonces, Johnson (como Matthew Vaughn con la saga Kingsman) solo se ha dedicado a estrenar películas de Puñales por la espalda. Y, aunque la segunda era notable, en esta Puñales por la espalda: de entre los muertos aparecen síntomas de agotamiento de la fórmula.

Una de las señas de identidad de la saga es que, aunque el detective Benoit Blanc es el eje conductor de las tres películas, nunca es el protagonista de ellas. En la primera, ese papel recaía en Ana de Armas. En la segunda, en Janelle Monae. Y en esta tercera, en un acertadísimo Josh O’Connor como sacerdote idealista.

Su historia se narra de forma más convencional y con menos trucos que en las dos anteriores entregas. Puñales por la espalda: de entre los muertos es la película más seria y, con ello, menos juguetona de las tres. La más convencional, lo que, añadido a que estamos ante la tercera película de una saga, reduce la sensación de sorpresa.

Otra de las señas de identidad de la saga Puñales por la espalda es un reparto de lujo. Y aquí no ha escatimado en actores de nivel: Glenn Close, Josh Brolin, Jeremy Renner, Kerry Washington, Mila Kunis, Jeffrey Wright, Thomas Haden Church, Andrew Scott y Cailee Spaney. En una película de este tipo es difícil que todos tengan su minuto de gloria, pero esta puede ser la que contenga un reparto más desaprovechado. Incluso el mismísimo Benoit Blanc, interpretado por un divertido Daniel Craig, tarda en aparecer.

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Por último, si en la primera Puñales por la espalda se hablaba sobre la inmigración y en la segunda sobre la influencia de las redes sociales, De entre los muertos habla tanto del conflicto entre fe y razón como en los discursos de odio como forma de unión contra el que no piense como el otro. Una temática mayoritaria en las producciones estadounidenses de este año, por lo que sea.

En definitiva, Puñales por la espalda: De entre los muertos es una entretenida película que da lo que promete si has visto las dos entregas anteriores. Sin embargo, no se puede evitar cierta sensación de cansancio tanto en la ausencia de trucos narrativos como en lo desaprovechado de su reparto y, sobre todo, en lo excesivamente larga que se hace. No se puede normalizar que una película de intriga destinada a entretener dure casi dos horas y media.

Reseña de Tokyo Zombie: La comedia zombi con la que no podrás parar de reír

Si alguna vez has sentido que la vida te lanza un uno-dos de frustración y locura, abre tu mente y prepárate para sumergirte en el maravilloso mundo de Tokyo Zombie. La célebre obra ambientada en una era zombi creada por el mangaka Yusaku Hanakuma vuelve a reeditarse de la mano de Autsaider Cómics. Este manga transita por un camino surcado de carcajadas y desastres postapocalípticos, como si hubiera sido cocido a fuego lento en una olla de ramen con un alto contenido de locura. También tiene el privilegio de ser el primer cómic que parodió el género de los apocalipsis zombis.

La historia se centra en dos amigos, Fujio y Mitsuo, quienes son tan adorables como ineptos. Sus sueños son simple y llanamente absurdos: descifrar el secreto del jiu-jitsu mientras lidian con hordas de zombis hambrientos. Para ser francos, es un triunfo que se levanten de la cama cada mañana sin que se caigan de la cama. En lugar de enfrentarse a sus problemas de una manera lógica, estos chicos deciden pasarlo bien en medio del caos, mostrando que, incluso cuando las cosas se ponen feas (y, créeme, se ponen muy feas), siempre hay espacio para un poco de humor.Reseña de Tokyo Zombie: La Comedia zombi con la que no podrás parar de reír

Desde el principio, Hanakuma emplea su característica estética para brindarnos un festín visual. Con un estilo de dibujo que evoca tanto el terror como la comedia slapstick, el autor nos introduce en una ciudad devastada por los zombis que parece más un circo lleno de payasos desafortunados que una metrópoli en crisis. Las ilustraciones son tan vívidas y exageradas que, a veces, se siente como si los zombis fueran más dinámicos que los propios humanos. Sí, puede que sean cadáveres putrefactos, pero tienen más personalidad que muchos de los personajes de la vida real que hemos conocido en el transporte público.

El enfoque de Tokyo Zombie hacia la vida tras el apocalipsis es uno de los aspectos más divertidos de la serie. Mientras que otros mangas zombis podrían optar por sumergirse en temas oscuros de supervivencia y desesperación, Hanakuma decide hacer lo contrario: explotar la hilaridad de la vida cotidiana entre seres reanimados. Fujio, por ejemplo, es un tipo que, incluso mientras lucha por sobrevivir, encuentra tiempo para reflexionar sobre los giros de su vida amorosa y cómo el jiu-jitsu podría ayudarlo… o no. La mezcla de acción con diálogos absurdos crea un contraste que es, en el mejor de los casos, completamente surrealista.tokyo zombie resena cosas felices

Ahora, hablemos de la trama, que, aunque pueda parecer sencilla, está llena de giros inesperados. A medida que los amigos intentan sobrevivir a la invasión zombi, se ven envueltos en situaciones que desafían no solo su cordura, sino también el sentido común. A veces te preguntas si estas leyendo un manga o si estás atrapado en una serie de televisión de comedia de situación. Desde zombis que se enamoran hasta batallas de jiu-jitsu que parecen sacadas de un sueño febril, cada capítulo está repleto de sorpresas que desafían toda lógica. Sin olvidar que el manga está colmado de escenas de violencia, sexo y peleas chungas.

Uno de los mayores encantos de este manga underground es su habilidad para convertir lo sombrío en lo absurdo. Nos encontramos con escenas donde los zombis son tratados con una mezcla de despreocupación y apatía. En una secuencia, Fujio intenta explicarle a un zombi una táctica de jiu-jitsu, como si discutiera sobre qué rapidez debe usar para hacer sus compras en el supermercado. Es un claro ejemplo de que, en el fondo, a todos nos gustaría que los zombis pudieran entendernos, aunque sea un poco. La forma en que los personajes interactúan con los muertos vivientes es realmente un reflejo cómico de cómo a veces enfrentamos nuestros miedos con risas.tokyo zombie cosas felices

Por otro lado, el sentido del humor en Tokyo Zombie es un estallido de energía desbordante que puede resultar contagioso. Cada página rezuma un aire irreverente, que te hace sentir que estás disfrutando de una conversación divertida con un amigo extraño mientras tomas un café… o tal vez un batido de cerebros, aquí, en el mundo zombi. Los chistes recurrentes y los gags visuales fluyen de manera tan natural que, a menudo, olvidas que estás leyendo una historia sobre la lucha contra una horda de zombis.

Sin embargo, este manga de estilo heta-uma (malo pero bueno) no se queda solamente en la risa. A través del humor, Hanakuma toca temas universales sobre la amistad, la ambición y la lucha por encontrar propósito en el caos.resena tokyo zombie cosas felices

Aunque sus personajes puedan parecer superficiales o ridículos al principio, a medida que avanza la historia, se revelan capas de complejidad emocional que resuenan con los lectores. La dinámica entre Fujio y Mitsuo, por ejemplo, va más allá de ser solo una dupla cómica; es una exploración de la lealtad y el apoyo incondicional que pueden ofrecerse el uno al otro en tiempos de apuro.

Los momentos de introspección se entrelazan con la hilaridad, dando lugar a reflexiones sobre cómo los sueños pueden desvanecerse en medio de la adversidad, pero también cómo la comedia puede ser un poderoso antídoto ante la desesperación. En ese sentido, Tokyo Zombie trasciende el género de comedia zombi y se convierte en una celebración de la vida, incluso cuando todo parece perdido.manga tokyo zombie cosas felices

Tokyo Zombie es una obra que desafía las expectativas y ofrece un respiro divertido en un mundo donde la desesperanza puede parecer abrumadora. Con su mezcla única de humor absurdo y crítica social, Hanakuma logra demostrar que incluso en el apocalipsis, siempre hay espacio para la risa y la amistad. Si buscas un manga que te hará reír a carcajadas mientras reflexionas sobre la condición humana, no busques más: este producto de la locura zombificada es justo lo que necesitas. Prepárate para disfrutar de un viaje donde cada página es un recordatorio de que, en la vida, al igual que en el jiu-jitsu, a veces tienes que aprender a lidiar con los golpes… ¡y también con los zombis!

 

Ficha técnica:

Autor: Yusaku Hanakuma

Traductor: Alberto Kyyoshi Fonseca Sakai

Editorial: Autsaider Cómics

Idioma: Castellano

Número de páginas: 160

Encuadernación: Rústica con felpilla en el pelo del colega

Fecha de lanzamiento: 10/04/2025

Año de edición: 2025

ISBN: 978-84-129682-2-4

Análisis de It: Bienvenidos a Derry (It: Welcome to Derry). Temporada 1. Episodio 7

Ya queda un solo episodio para el cierre de la primera temporada de It: Bienvenidos a Derry y analizamos el séptimo cuyo título es El Black Spot. La serie, que se emite por HBO Max, expande el universo de Stephen King al hacer de precuela a su novela It y muy especialmente a las dos adaptaciones cinematográficas de Andy Muschietti, quien desarrolla la misma junto a su hermana Bárbara y a Jason Fuchs, también showrunner.

Una vez más bienvenidos a Derry. Ya estamos a solo un capítulo de acabar la primera temporada y la serie sigue desacertando en dar demasiadas explicaciones sobre el pasado, lo cual podría restar interés a las temporadas venideras e incluso quitarles sustancia.

En este capítulo en particular, terminamos de saber por qué It adoptó la identidad de Pennywise, pero la trama continúa presentando agujeros que se van haciendo cada vez más grandes a medida que nos acercamos al final de la temporada.

Pasemos mejor a ver qué nos ha dejado este séptimo episodio de It: Bienvenidos a Derry, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Padre e Hija

Comenzamos con un flashback que nos lleva esta vez a 1908 para encontrarnos con Bob Gray o, lo que es lo mismo, con Pennywise el Payaso Bailarín, que es como se presenta en la feria ante los niños que ríen a rabiar con sus ocurrencias o se ponen tristes cuando evoca a su esposa fallecida bailando con su traje en modo marioneta o colocando flores en su tumba. Un poco fuerte para los niños, pero eran otros tiempos y por allí anda Muschietti haciendo nuevamente un cameo, esta vez como organillero de feria.

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Su hija y asistente, una Ingrid aún niña, busca emularlo calzándose también su propio traje de payaso. Él la llama Perywinkler, nombre artístico que utlizaba su madre y dice que formarán una gran dupla.

Un niño de semblante sombrío y ojos saltones anda por los alrededores, observando la rutina de Pennywise desde una ventana y acercándosele en la noche cuando se halla entregado a la bebida.

Se muestra admirado por la influencia que ejerce sobre los otros niños y le comenta que ha perdido a sus padres. Al principio, Bob se muestra algo hosco, pero le termina tomando de la mano y acompañándolo al bosque para ayudarle en su búsqueda. Será la última vez que le veamos con vida…

Incendio y Masacre

En el Black Spot, los hombres liderados por el comisario Bowers exigen que les entreguen a Hank e insisten en que se irán si lo hacen. Hallorann niega que esté allí, pero es el propio Hank quien, temiendo lo peor, decide salir y entregarse aun sabiendo que lo van a colgar y a pesar de los desesperados ruegos de su hija Ronnie. Sin embargo, los oficiales que concurren al Black Spot están fuertemente armados y no dispuestos a entregarlo.

Al verse apuntados, los linchadores simulan entrar en razones y marcharse, pero es un engaño: una vez, fuera, echan cadena a la puerta y arrojan al interior bombas molotov que hacen arder el lugar entre los gritos de pánico de la concurrencia.

En medio del incendio y en modo “resplandor”, Dick se cruza con muertos, entre ellos una mujer indígena con cabeza coronada por piel de oso. También Pennywise está allí, haciéndose su festín entre tanta carne quemada. Dick alcanza a salvar a Ronnie y Will, pero no a Rich y Marge, que quedan a merced de las llamas y él la protege a ella dentro de un refrigerador aunque… no caben los dos.  ¿Les suena?…

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Irremisiblemente condenado, él le cuenta sobre caballeros que protegían a doncellas y recuerda anécdotas del colegio, terminando por haber de ambas partes una emotiva declaración de amor recíproco…

Los enmascarados dan por muerto a Hank y se largan, pero el auto de Stan Hersh no arranca y la súbita presencia de su esposa Ingrid en traje payaso dice a las claras quién lo saboteó. Él le recrimina su presencia allí, pero pronto descubre que no es la única y Pennywise, en escena muy slasher, le secciona en dos la cabeza con una cuchilla de carnicero y se aboca a deglutir una de las mitades. Asqueroso, pero no está mal…

El payaso felicita a Ingrid por haber hecho bien su trabajo, pero a la vez le anuncia que ahora se irá a dormir por veintisiete años y ella se da cuenta entonces que esa criatura no es su padre. De hecho, cuando le pregunta por él y como para no dejar dudas, responde que simplemente lo devoró…

El Enemigo Interior y Necesario

Los bomberos rescatan a los sobrevivientes, entre ellos Marge, a quien sacan del refrigerador mientras en una camilla vemos pasar a Ingrid con cara de extraviada y en otra a Rich cubierto tristemente con una manta. Leroy y Charlotte se encuentran con Will, que quiere una vez más ir a ver a sus amigos, y Hank está vivo aun cuando las noticias del pueblo lo dan por muerto. Ello da a Charlotte cierta ventaja para sacarlo encubierto con un traje militar y acudir a Rose para ayudarlo a pasar hacia Canadá.

Marge, Will y Ronnie ponen a Lilly al tanto de la suerte corrida por Rich y hay escenas de profundo desconsuelo. Los aborígenes, por su parte se reúnen a debatir los recientes sucesos y sentencian que el ciclo se ha cerrado: veintitrés personas perdieron la vida en el Black Spot y diecisiete en el operativo de las alcantarillas, una masacre que concuerda con el gran evento que anuncia el regreso de la criatura a su sueño por otros vientisiete años. Lamentan no haber evitado las muertes, pero Rose manifiesta que solo pueden procurar que la criatura siga confinada.

Lamentablemente, sin embargo, Hallorann ha obtenido de la mujer-fantasma la ubicación de uno de los pilares que ayudan justamente a mantenerla de ese modo y, excavando por órdenes de Shaw, los militares encuentran un caparazón de tortuga que contiene justamente al mismo. Viendo la escena, Taniel corre a poner a los suyos al tanto de la mala nueva.

Leroy, también enterado, se dirige presuroso a la base para encontrarse con que están a punto de destruir el pilar exponiéndolo a alta temperatura. Sabiendo lo que ello implica, intenta detenerlos y hasta muestra un arma pero Shaw, calmando a los suyos, logra que desista de su actitud y le explica que la cuestión nunca tuvo que ver con la Guerra Fría. Su plan es liberar a la bestia para que el terror cunda en el país y el miedo salve al mismo de la anarquía y el desgarramiento interno. Fundamentalista y rebuscado…

Lo cierto es que, tras la destrucción del pilar, vemos a Pennywise despertar de su sueño entre sangre y vísceras antes de tiempo y, tras ello, a Will recibir una supuesta llamada de Ronnie para, instantes después, encontrarse aterrado con que el payaso está en su propia casa…

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Balance del Episodio

Nos queda una única entrega para finalizar la temporada y nos devanamos los sesos preguntándonos qué veremos en las próximas, pues la serie sigue incurriendo en la sobreexplicación y pareciera empecinada absurdamente en no dejar misterio sin resolver ni pregunta sin responder.

Ya lo sabemos casi todo: el origen de It, el porqué de que no salga de Derry y ahora también la razón por la cual adoptó la apariencia de Pennywise, a la cual vio como fácil forma de acceso a los niños. Todo ello tiene bastante sentido y los flashbacks están bien recreados, pero no tenemos forma de imaginar cuáles serán los respectivos eje de la segunda y tercera temporada que, en teoría y según se anuncia, seguirán explorando el pasado de It con sucesivos saltos hacia 1935 y 1908. No parece a primera vista que quede mucho por contar…

Y si bien las explicaciones, como hemos dicho, tienen sentido, siguen siendo inverosímiles los detalles que acompañan. El plan de Shaw dista de ser creíble, pues no da él la impresión de ser alguien tan desquiciado como para liberar a It sin prever cómo contenerlo o cómo evitar que, contrariamente a su retorcida idea de que el miedo sirva como herramienta para galvanizar a la población, la criatura acabe simplemente matando a todo el mundo.

Supongo que tanto eso como los sucesos del Black Spot están puestos para dar la idea de que la humanidad tiene sus propios monstruos sin necesidad de criaturas alienígenas ni payasos asesinos. De hecho, y en una de las tantas sobreexplicaciones en que tanto gusta incurrir a la serie, la propia Charlotte así lo dice. Una vez más caben las comparaciones con Alien: Planeta Tierra (aquí los análisis de un servidor), que puso el acento de manera cargosa y sobreexplicada en que los poderes corporativos de la Tierra eran peores que cualquier xenomorfo.

No se puede negar que el momento “Titanic” de Marge y Rich (no cabían los dos en una misma tabla ni en un mismo refrigerador), sostenido en el gran desempeño de Matilda Lawler y Arian S. Cartaya, fue realmente emotivo, pero no tiene sentido que Rich haya muerto asfixiado cuando no le oímos toser una sola vez ni que las llamas se comportaran tan respetuosamente como para mantener distancia hasta que acabara su soliloquio. Y un refrigerador es un refrigerador, no un refugio anti-incendio…

Tampoco se entiende por qué Ingrid descubrió de repente que ese monstruo no es su padre. Si es porque dijo que se iría a dormir por veintisiete años, no tiene el menor sentido, pues ya lo había hecho en 1908 y en 1935 sin generar en ella sospecha alguna. Eso sí: su expresión mientras es llevada en camilla me genera algo de inquietud y no sé con qué pueda salirse…

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Por último, ¿por qué It hiberna en forma de payaso? Dado que en ese momento no está queriendo atraer ni engañar a nadie, tendría más sentido que le viéramos como el arácnido alienígena que es.

¿Y por qué la destrucción de uno de los pilares lo despierta?  Se suponía que los mismos, atendiendo a las palabras de los nativos locales, servían para confinarlo, no para mantenerlo dormido, así como que el letargo de veintisiete años era parte de la naturaleza misma de la criatura. Pero si resulta que la ausencia de uno de los pilares alcanza para despertarla, definitivamente no se entiende nada y se están rompiendo reglas de juego, no solo las de Stephen King sino también las que la propia serie impuso

En fin, nos queda un solo capítulo y es una lástima que, entre tanta incongruencia, no podamos hasta aquí hacer un balance positivo de esta primera temporada, sobre todo cuando los orígenes de It han estado bien contados (aunque demasiado anticipados) y las actuaciones a la altura, tanto las infantiles como las de unos formidables Bill Skarsgård y Madeleine Stowe que se han lucido particularmente en este episodio.

Pero de momento no alcanza. A ver qué nos trae el último capítulo de la temporada, que les espero aquí para analizar. Hasta entonces y sean felices…

Crítica de Nuremberg (2025), espléndida disección del mal que nos entretiene y advierte.

Si hay un periodo histórico abordado desde todos los puntos de vista posibles, este ha sido la Segunda Guerra Mundial. Ya sea enmarcada en el género puramente bélico, en el espionaje o en el que busca trascender lo meramente cinematográfico, que suele ocurrir cuando se aborda el auge del nazismo y el Holocausto. Como ocurre en Nuremberg, una de las películas más sorprendentes de este 2025.

Las 25 mejores películas de la Segunda Guerra Mundial

Ambientada en los famosos juicios de Nuremberg, en los que un equipo judicial conformado por los aliados juzgó, por primera vez en la historia, a lo que quedaba del Alto mando nazi por crímenes contra la humanidad, la película aborda la complejidad de plantear una acusación sin precedentes judiciales y, sobre todo, la relación entre Douglas M. Kelley, psiquiatra, y Hermann Goering, el acusado más importante de aquellos juicios y destinado a ser sucesor de Adolph Hitler.

Así, aunque los juicios de Nuremberg ya fueron recreados de forma magistral en la clásica Vencedores o vencidos (1961) y notablemente en la miniserie Los juicios de Nuremberg (2000), Nuremberg encuentra su propia voz entre dos obras tan destacadas y, pese a basarse en un suceso ocurrido en 1945, es capaz de ser relevante para los tiempos que corren.

Las 31 mejores películas judiciales de la historia del cine, entre las que está Vencedores o vencidos. 

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Y lo hace basándose en el libro de no ficción “El nazi y el psiquiatra”, de Jack El-Hai, centrado en la misión del psiquiatra Douglas M. Kelley de analizar a todos los condenados de Nuremberg, así como asegurar que ninguno de ellos se quite la vida sin ser juzgado. Las consecuencias de las miles de horas que pasó con ellos, su especial relación con Goering y su vida tras la Guerra es algo que prefiero callar para garantizar el disfrute de la película.

Porque Nuremberg es un thriller psicológico y judicial de alta magnitud, cuyas dos horas y media se pasan en un suspiro. Vanderbilt, que ya dirigió la infravalorada La verdad en 2015, demuestra un gran dominio de la puesta de escena clásica en el mejor sentido de la palabra.

El guión, escrito por el propio director (ojo, autor del libreto de Zodiac) se centra en la naturaleza del mal, si esta es una cualidad inherentemente humana o no, así como conecta pasado y presente equiparando el auge del nazismo, que comenzó con discurso y cambios de leyes, con la situación actual, en la que el mundo está cada vez más dominado por el populismo de cualquier índole.

En este sentido, se explica muy bien el interés por juzgar a personas que podían considerarse monstruos en lugar de ejecutarlos directamente. Igual que nos muestran a hombres que escuchan a estas personas. Al fin y al cabo, atender al mal puede ser la mejor arma para combatirlo. Silenciarlo únicamente puede llevar a la negación y, con ello, a que lo que nunca debió ocurrir vuelva a suceder.

Nuremberg aborda todas estas temáticas sin resultar panfletaria. Es una película que busca entretener pero también incomodar. En algunos momentos hasta sentiréis empatía por alguno de estos condenados.

Esto no solo ocurre por lo férreo de su guión, sino por las extraordinarias interpretaciones de su reparto. Reconozco que no soy muy de Rami Malek. Solo me gusta en Mr. Robot, la serie que le dio a conocer, pero cumple sobradamente en el papel del psiquiatra Kelley. Malek se encuentra bien rodeado de actores como Leo Woodall, Michael Shannon o un elegante Richard E. Grant.

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Pero el que se erige como la verdadera estrella de la función es un Russell Crowe que no ha estado mejor en años. Con tanta nominación cantada a meses de los premios Oscar, me sorprende que su nombre no haya sonado. Solo un actor con la presencia de Crowe puede hacer creíble la figura de Hermann Goering, un hombre marcadamente obeso y enfermo que, aún así, podía imponer con su mera presencia.

En definitiva, Nuremberg es una excelente película que consigue los objetivos que se propone. Un thriller muy entretenido que aúna juicios y psicología y que nos hace pensar tanto en la capacidad del ser humano para hacer el mal como en la posibilidad de que una barbarie como la cometida por el nazismo se repita. No os la perdáis.

¡Un saludo y sed felices!

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Reseña de Barnstormers (2025), la huída trágica de Tula Lotay y Scott Snyder.

En la narrativa contemporánea hay una serie de historias prototipo, como el camino del héroe que hemos visto tanto en El señor de los anillos como Star Wars. Una de tantas historias es la de la pareja de forajidos. La que pudimos ver en la pionera El demonio de las armas (1950) o en la clásica Bonnie and Clyde (1967), la mayor inspiración de este Barnstormers, cómic digital que ganó el Eisner en 2023.

Crítica de Emboscada final, la persecución de Bonnie y Clyde. 

Estamos en la Estados Unidos de 1927. Un país repleto de riqueza donde las exhibiciones de aeroplano están a la orden del día. Hawk E. Baron, un veterano de la Primera Guerra Mundial que malvive con los últimos coletazos de estas exhibiciones, acaba estrellando su avión en la boda de Tillie. Lo que parecía una catástrofe termina siendo una huída hacia la libertad de los amantes improbable mientras son perseguidos por un amante despechado y por la temible agencia Pinkerton.

Los creadores de la trama son Tula Lotay (dibujante y, pese a todo, la primera en aparecer en portada) y el más conocido Scott Snyder.

Tula Lotay es el seudónimo de Lisa Wood. Ha diseñado multitud de portadas para Marvel, DC o Image Cómics. En 2015 fue nominada al GLAAD Media Award por The Wicked and The Divine. En 2023 ganó el premio Eisner al mejor cómic digital por este Barnstormers, repitiendo galardón en 2024 por la serie Somna (cuya reseña tenéis en la web).

El argumento está a cargo de Scott Snyder, guionista de éxito conocido por su American Vampire, El resurgir, Tenemos demonios, La cosa del Pantano o su reputada etapa de Batman, siendo el autor del Tribunal de los Búhos.

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Ambos tejen una huida suicida que, ya desde el inicio del tomo, sabemos que tendrá un final trágico. Es una mirada a los años 20 estadounidenses, una aparente bonanza marcada por las infinitas posibilidades que ofertaba el país de las barras y estrellas. El cine, con películas como El ladrón de Bagdad o El fantasma de la ópera, parecía ofrecer al espectador lo imposible. Y luego estaban los aviadores. Por primera vez en la historia, el ser humano podía hacer realidad lo que solo pertenecía a los sueños: volar.

Hawk es un veterano de la Primera Guerra Mundial marcado por un delirio persecutorio mecánico (que se explora más bien poco) que no vislumbra ningún futuro. Solo quiere ganar dinero volando sin un horizonte claro. Por otro lado, Tillie es una mujer atada a un matrimonio que no desea y que, en sus ansias de libertad, se embarca con Hawk en una dramática huída.

Ambos son perseguidos por un agente Pinkerton con el rostro de William Powell, mítico actor de los años 30. Un veterano miembro de una agencia que, a finales del siglo XIX, perseguían a duros criminales a lo largo y ancho de Estados Unidos y que, en aquella década, estaban en franca decadencia por la progresiva civilización del país y por la creación del FBI.

¡Y cómo está dibujado! Sin duda, el punto fuerte de Barnstormers. Un trazo que nos retrotrae a aquella época, sexy y elegante, que combina a la perfección con una historia de las que ya no nos cuenta.

En definitiva, Barnstormers es una entretenida tragedia que nos asoma a una época ya extinta donde lo inconcebible parecía posible. No os la perdáis.

Enlace a Barnstormers en Norma Editorial

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SCOTT SNYDER Y TULA LOTAY NOS PRESENTAN SU PARTICULAR VERSIÓN DE BONNIE Y CLYDE EN UN RELATO DE ACCIÓN, ROMANCE E INTRIGA DE ALTOS VUELOS

1927, el final de la corta era de los acróbatas del aire. Hawk E. Baron, veterano de la Primera Guerra Mundial, intenta ganarse la vida con su avioneta haciendo espectáculos de pueblo en pueblo. Pero su mundo cambia cuando accidentalmente irrumpe desde el aire en la boda de Tillie y el hombre rico con el que se ha visto obligada a casarse. Un incidente que dará una vía de escape a la joven rebelde y desatará una trepidante persecución por tierra y aire.

¡Un saludo y sed felices!

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 ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ (2026) alza el vuelo | Espectacular primer tráiler de cinta protagonizada por Millie Alcock

Supergirl ya está aquí, la espera ha terminado hoy a las 18:00h (hora española). DC Studios ha desvelado el primer vistazo oficial a Milly Alcock como Kara Zor-El en la segunda película de la familia más querida de Krypton.

El nuevo Universo DC (DCU) de James Gunn y Peter Safran sigue caminando con paso lento pero seguro y hoy era uno de esos días para marcar en el calendario. Tras meses de especulaciones, fotos robadas del set y pequeños adelantos (en estas dos últimas jornadas), hoy se ha estrenado mundialmente el primer tráiler de ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’.

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Esta no es una película de origen convencional, en este DCU nada lo va a ser. Esta cinta dirigida por Craig Gillespie (‘Yo, Tonya’, ‘Cruella’) y basada en la aclamada miniserie de cómics de Tom King y Bilquis Evely comienza hoy una andadura que terminará el 26 de junio de 2026 con su estreno en cines.

Todos los ojos estarán puestos en Milly Alcock, la actriz australiana, que saltó a la fama mundial y nos enamoró por su interpretación de la joven Rhaenyra Targaryen en ‘La Casa del Dragón’. La joven de 25 años asume el manto de Kara Zor-El en una historia que promete ser menos ‘naive’ que la de su primo.

Recordemos que, a diferencia de su primo Superman, que fue enviado a la Tierra siendo un bebé y criado con amor por los Kent, esta versión de Supergirl carga con un trauma que la ha convertido en el polo opuesto a Kal- El.

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La historia de esta cinta nos llevará a un camino de venganza en el que Krem de las Colinas Amarillas será el villano principal mientras que Kara se verá acompañada por Ruthye Marye Knoll y un Krypto, cuya participación que será clave en la emotividad de la cinta. Esto sin olvidar a Lobo encarnado por Jason Momoa.

El éxito de ‘Supergirl: Woman of tomorrow’ es crucial para demostrar que este nuevo universo compartido tiene buena salud y puede despegar como muchos esperamos que haga.

El reloj corre y la cuenta atrás ha llegado a su fin. Son las 18:00h y es la hora que el mundo conozca a su nueva Supergirl.

Tráiler de ‘Supergirl:Woman of tomorrow’:

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‘Sherlock Holmes y el misterio del Tibet’  |  Un enigma que se antoja flojo

Sherlock Holmes y el misterio del Tibet’ es la nueva aventura del detective más famoso de la literatura en un escenario místico y repleto de sabiduría, pero que se acaba diluyendo en un tercer acto que se me antoja flojo.

Nuestro protagonista se encuentra buscando la iluminación y gracias a sus habilidades, y que algunos monjes no lo quieren en el templo, se embarca en la investigación de unas desapariciones de las mujeres de una aldea y los avistamientos del Yeti.

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Todo esto te lo envuelven con el relato de una superviviente que asegura que vio al propio Ganesha en la aldea donde desaparecieron el resto de mujeres. Y esto ya genera muchas incógnitas por resolver que consiguen que el lector entre con facilidad en la obra de forma casi inmediata.

En las aventuras de Sherlock Holmes se juega con tramas, en principio, sobrenaturales para darles luego un vuelco y darles explicaciones mundanas que nos vuelen la cabeza. Así que siempre tenía la duda de qué explicación nos darían para resolver este enigma tan místico que envolvía a un dios hindú y al Yeti y ahí ha sido donde todo el cómic se me ha desmoronado.

Haciendo un paralelismo, ‘Sherlock Holmes y el misterio del Tibet’ ha sido como una cinta de M. Night Shyamalan, que suele plantear unos misterios que en la mayoría de las ocasiones son resueltos de forma poco satisfactoria (al menos para mí), salvando ‘El Sexto Sentido’ que es magistral.

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Pero no es solo que la resolución no ha sido de mi agrado, sino que me ha dado la sensación que nuestro detective poco tiene que ver en el devenir de los acontecimientos y casi es un mero espectador. Como la broma que se suele hacer con la poca importancia que tiene Indiana Jones en los actos de la primera entrega cinematografiara de la saga.

Aunque sigue siendo una lectura disfrutable, el desenlace de la trama resulta tan poco atractivo que desluce un poco, sobre todo por las expectativas con las que me lancé a ‘Sherlock Holmes y el misterio del Tibet’.

Sinceramente, la presencia de Mowgli (Sí, el de ‘El Libro de la Selva’) como acompañante de Sherlock y el resto de aventureros ha sido un poco extraña, pese a que al final se nos descubre el por qué de su presencia.

En lo que al apartado visual se refiere, este cómic está a muy buen nivel y nos entrega algo que tiene todo ese sabor de los álbumes europeos y ahí hay poco o nada que reprocharle. El estilo y color de la obra encaja perfectamente con la historia que nos están contando y esos tonos apagados le sientan genial.

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Conclusión

‘Sherlock Holmes y el misterio del Tibet’ es una historia que promete demasiado desde el comienzo con un enigma que abraza lo sobrenatural de una forma inteligente, pero cuando llega el clásico momento del descubrimiento de todo ‘whodunit’ que se precie, la cosa cambia. Nos encontramos ante un desenlace que parece más un ‘deus ex machina’ para darle respuesta a todo.

No es un mal cómic, pero ese tercer acto tan irregular y flojo hace que el disfrute se vaya apagando conforme avanzan las páginas y todas nuestras expectativas no se vean compensadas.

‘Sherlock Holmes y el misterio del Tibet’ es entretenido y poco más, y sin haber leído los anteriores no puedo calificar si es superior o inferior a ellos, pero algo me dice que este se encuentra por debajo.

Aquí os dejo la página web de Norma Editorial donde encomntrar ‘Sherlock Holmes y el misterio del Tibet’ y su portada:

Sherlock Holmes

Un saludo y sed felices.

Reseña de El Disturbio Eterno de Joe Sacco. Entre sombras y testimonios: el arte de narrar el dolor

Joe Sacco revela la complejidad del conflicto humano en un cómic que invita a la reflexión y la escucha activa

En El disturbio eterno, Joe Sacco regresa al territorio que mejor conoce: ese terreno movedizo donde la memoria colectiva se entrelaza con la violencia política, donde las voces marginales buscan un espacio para narrarse a sí mismas y donde la historia, lejos de ser una línea continua, es un laberinto de espejos rotos. Con la precisión del reportero y la sensibilidad del artista, Sacco construye un cómic que no solo documenta un conflicto, sino que nos obliga a mirar de frente aquello que preferiríamos ignorar: la persistencia casi orgánica del odio, el rencor y las heridas que nunca llegan a cerrarse del todo. Reseña de El Disturbio Eterno de Joe Sacco. Entre sombras y testimonios: el arte de narrar el dolor

Desde sus primeras páginas, el autor despliega su característica cartografía humana. No se limita a señalar hechos o ubicar al lector en un contexto histórico; más bien abre un pasadizo hacia la intimidad de los protagonistas, hacia sus gestos mínimos, sus silencios, sus contradicciones.

Las personas que entrevista no son piezas de un discurso moralizante ni meros ejemplos sociológicos. Son individuos palpables, vulnerables, que parecen tomar forma ante nuestros ojos a medida que la tinta negra va trazando sus contornos. Esa es quizá una de las virtudes más definitorias de Sacco: la capacidad de otorgar peso y densidad a los seres humanos que pueblan sus viñetas. En sus manos, cada rostro se convierte en un archivo emocional, una geografía que revela tanto como oculta.

El ritmo visual de El disturbio eterno es reposado, casi meditativo. Sacco no se apresura; deja que la escena respire, que el lector observe detalles que, aunque silenciosos, hablan con elocuencia. Las calles gastadas, las fachadas desconchadas, los interiores estrechos: todo parece guardar la memoria del conflicto, como si la arquitectura misma fuera un testigo involuntario de un ciclo repetido de violencia. Hay algo casi arqueológico en la manera en que el autor se acerca a estos espacios; no registra simples escenarios, sino lugares atravesados por la historia, cargados de una presencia que resuena como un eco insistente.Joe Sacco cosas felices

En el centro de la obra late una pregunta que Sacco jamás plantea de forma explícita, pero que se insinúa en cada diálogo y en cada plano general: ¿Cómo se sostiene un disturbio a través del tiempo? ¿Qué fuerzas psicológicas, sociales y políticas alimentan su perpetuidad? La noción de “eterno” que propone el título no es gratuita; sugiere una continuidad malsana, un bucle del que nadie parece ser capaz de escapar. Sacco explora este fenómeno con la mirada del documentalista, pero también con la intuición literaria de quien comprende que un conflicto no se explica únicamente desde cifras o cronologías, sino desde la fragilidad humana.

Lo más inquietante de este cómic publicado por Reservoir Books es la forma en que revela la persistencia del resentimiento como un hilo conductor que atraviesa generaciones. Sacco muestra cómo los jóvenes heredan no solo la identidad cultural o religiosa, sino también los miedos y la rabia de sus mayores. Este traspaso emocional, casi ritual, crea una atmósfera que resulta tan opresiva como inevitable.

El lector siente que está ante una maquinaria que no cesa, que se alimenta de los mismos relatos una y otra vez. Y sin embargo, sobre ese paisaje desolado, Sacco introduce destellos de humanidad que impiden caer en el determinismo. Hay bromas, miradas cómplices, pequeños momentos de resistencia cotidiana que apuntan a la posibilidad mínima, pero presente de un futuro distinto.

El trazo de Sacco, minucioso hasta rozar la obsesión, contribuye a reforzar esa sensación de lectura inmersiva. Cada viñeta está pensada para que el lector se detenga, para que observe cómo la realidad se fragmenta en múltiples capas. Su dibujo no embellece ni dramatiza; más bien ilumina. La elección del blanco y negro no es un gesto estético, sino ético: un recordatorio de que la historia rara vez se presenta en colores brillantes, sino en gradientes complejos donde las sombras tienen tanto peso como la luz. Este estilo austero le permite abordar escenas densas sin caer en el sensacionalismo, algo particularmente valioso cuando se trata de representar contextos de violencia.El disturbio eterno Sacco cosas felices

Pero quizá donde El disturbio eterno muestra su mayor fuerza es en el cuidado con que Sacco escucha a sus interlocutores. El cómic se convierte en un espacio donde las voces pueden resonar sin ser interrumpidas por juicios o interpretaciones precipitadas. Sacco sabe que la escucha es un acto tan político como dibujar; comprende que, al permitir que alguien narre su historia, está reconociendo su humanidad en un mundo que frecuentemente se la niega. Esta ética de la escucha impregna toda la obra y la convierte en un puente entre realidades que, de otro modo, permanecerían aisladas.

En última instancia, El disturbio eterno no pretende ofrecer soluciones ni conclusiones tranquilizadoras. Sacco tampoco se erige como un árbitro moral. Su objetivo es otro: abrir una grieta en la percepción del lector, obligarlo a enfrentar la complejidad del conflicto y a reconocer su dimensión humana. En un tiempo donde la indiferencia y la simplificación amenazan con reducir la realidad a eslóganes, este cómic se erige como un recordatorio poderoso de que las historias importan, que escucharlas es un acto de responsabilidad y que, a veces, la única manera de comprender el presente es mirar con atención esos disturbios que, aunque parezcan eternos, siguen siendo profundamente humanos.

 

Ficha técnica

Autor: Joe Sacco

Editorial: RESERVOIR BOOKS

Colección: Reservoir Gráfica

Páginas: 144

Traductor: Montserrat Meneses Vilar

Tipo de encuadernación: Tapa dura

Fecha de publicación: 06-11-2025
 9788410352339

Blue Moon (Luna azul, 2025) La vida, el amor y el arte

Richard Linklater vuelve a las salas de cine con su nueva película Blue Moon (Luna Azul), donde regresa a su estilo más propio y personal, contando una historia narrativamente más pequeña pero en esencia mucho más grande, retratando temas profundos y complejos mediante simples interacciones y conversaciones de la mano de Ethan Hawke, que da una de las mejores actuaciones de su carrera.

Blue Moon narra la noche del estreno del exitoso musical Oklahoma! del reconocido escritor Richard Rodgers, pero desde la perspectiva de su antiguo colaborador y amigo Lorenz Hart (Ethan Hawke), quien está enfrascado en una espiral autodestructiva debido a su alcoholismo. Hart, en la noche del estreno, en vez de ver la obra decide pasar la noche en un bar, teniendo conversaciones con personas que encuentra allí, adentrándose en sus propias emociones y lidiando con sus demonios.

Blue Moon

Conversaciones

Richard Linklater es uno de los mejores directores de la actualidad en lo que se refiere a representar conversaciones y llevar un buen ritmo en sus películas. Blue Moon es una cinta muy exigente en su estructura porque toda la película sucede en una misma noche y en una sola localización, haciendo que mantener un ritmo y temas que conecten con el espectador sea complicado, y aun así lo logra.

Cada conversación es importante y tiene un propósito: mostrar distintos puntos de vista desde la opinión de un hombre sumamente apasionado por su trabajo, pero que, al mismo tiempo, él mismo se ha encargado de quedar poco a poco en el olvido, convirtiéndolo en una introspección sumamente interesante.

Blue Moon trata distintos temas como, por ejemplo, el cine. La cinta demuestra un amor impresionante por el séptimo arte, retratando problemáticas dentro del mismo que se sienten muy actuales, como el miedo a hacer películas que traten temas incómodos y cómo el miedo a lo inofensivo puede ser peligroso dentro de la industria.

Otro de los temas principales de Blue Moon es el paso del tiempo. Nos muestra la historia de Lorenz Hart, quien fue un compositor excepcional pero que al mismo tiempo quedó a la sombra de Richard Rodgers gracias a un musical que, en palabras de Hart, no tenía nada de especial. Nos enseña cómo la obsesión y el ego pueden destruir a una persona y cómo, por más que las demás personas lo apoyen, nunca caerán junto a él. Es una introspección sobre el peso de las acciones y sobre cómo las decisiones que tomamos, aunque bien intencionadas, pueden causar soledad.

Pero el tema que se roba la película es cuando se adentra en el amor. Narrativamente no es una película romántica, pero sí profundamente romanticista: habla del amor por el arte, del amor por los demás, del amor por las adicciones desde temas importantísimos y de cómo, en pocas palabras, la vida está hecha para amar.

Junto a otro personaje de la cinta, a través de los ojos de Hart entendemos su profunda tristeza y cómo busca desesperadamente el amor de otra persona, pero cómo a veces el destino es cruel y las expectativas pueden desmoronarse.

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Personajes de apoyo

Los personajes secundarios están perfectos, destacando a Margaret Qually, que da una actuación magnífica, siendo cautivadora y atrevida en muchos momentos, conectando de gran manera con el protagonista y poniendo en balance los pensamientos idealistas de Hart con la realidad de su propio personaje, dando una dinámica muy interesante.

Pero sin lugar a dudas, Andrew Scott como Richard Rodgers ofrece una actuación sensacional siendo el contrapunto de la cinta. Es el punto de inflexión, ya que Hart se siente apartado de él, y aunque al inicio se nos plantea como el malo o como alguien sin mucho talento, rápidamente con su personaje conocemos la verdad: en realidad Hart se ha buscado él solo su destino, y en vez de odiarlo terminamos simpatizando con él.

Y aunque su participación es mínima, es suficiente para que Andrew Scott demuestre todo su talento, dando una de las mejores actuaciones secundarias del año en un papel que exige muchas capas y profundidad, que sabe llevar a la perfección.

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Ethan Hawke 

Incluso con el fabuloso guion que tiene y con los demás personajes, esta película no se entiende sin Ethan Hawke, quien da una actuación colosal, posiblemente la mejor de su carrera. Lorenz Hart es un personaje que, en esencia, no es muy empático y se cree el centro de todo, y aun así Ethan Hawke derrocha un carisma como pocos actores pueden hacerlo, siendo el punto donde los espectadores logramos comprender profundamente al protagonista.

Su actuación está en todo: en su manera de caminar, en su tono de voz, en sus gestos, en cómo contiene sus emociones… todo eso se siente con solo verlo, ayudando a que el personaje gane profundidad y ofreciendo una interpretación sobresaliente, siendo una de las mejores del año.

Ethan Hawke se transforma completamente en su papel y logra que, a través de él, veamos muchos problemas y otros temas que requieren ser tratados con seriedad, haciendo un contraste durante toda la película que marca aún más lo sobresaliente de su actuación.

Blue Moon' Review: Richard Linklater's Latest Misfire — FilmSpeak

Blue Moon es una cinta sumamente interesante en la que se hablan de temas complejos e importantes tanto en la actualidad como en la vida de cualquier persona, con un ritmo impecable, una dirección extraordinaria y actuaciones que en todos los sentidos son de las más potentes del año.

Reseña de Lonesome. Integral 1. Un weird western espectacular, que nos ha traído Norma Editorial.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de comentar un western, uno de mis géneros favoritos. Vamos a hablar de Lonesome. Integral 1. Publicado por Norma Editorial. Vamos a ello …

Lonesome. Integral 1.

Un wéstern increíble de Yves Swolfs.

Lonesome

Lonesome. Integral 1 es mucho más que un western europeo: es una elegía crepuscular sobre la violencia, la fe y la soledad en los márgenes de la historia.

Yves Swolfs, veterano del cómic franco-belga, regresa al género que mejor domina con una obra que huele a pólvora, sangre seca y tierra removida.

Este primer tomo nos sumerge en los días previos a la guerra civil estadounidense, cuando el odio ya se había instalado en las fronteras de Kansas y Misuri.

El protagonista (un jinete sin nombre, silencioso y letal) persigue al Predicador Markham, un fanático que convierte la fe en arma y la palabra en sentencia. A su paso, deja pueblos arrasados, cadáveres y miedo.

Pero el jinete no es un simple vengador: hay algo más profundo, casi espectral, en su presencia. Swolfs juega con el mito del forastero, lo mezcla con tintes sobrenaturales y lo envuelve en una atmósfera densa, casi cinematográfica.

Lonesome

Narrativamente, el álbum fluye con precisión quirúrgica. Los diálogos son escuetos, pero cargados de intención. La violencia no es gratuita, sino parte del paisaje emocional.

Cada página está pensada para que el lector sienta el peso del polvo, el crujido de las botas y el silencio que precede al disparo. Swolfs no solo escribe: también dibuja, y eso se nota en la perfecta simbiosis entre guion y arte.

Visualmente, Lonesome es un festín. Los paisajes abiertos contrastan con interiores opresivos; los colores ocres y rojizos refuerzan el tono sombrío; y los rostros (marcados por la fatiga, el odio o la resignación) hablan incluso cuando callan.

Hay ecos de Giraud, de Hermann, pero también una voz propia, más áspera, más contenida.

Lonesome

La edición de Norma Editorial.

Tenemos ante nosotros un tomo en tapa dura, lomo recto y gran formato, cuenta con unas medidas de 23,5×31 cm, 128 páginas a todo color, en un papel satinado de un alto gramaje y debo decir que es una absoluta maravilla.

Lonesome. Integral 1, cuenta con un P.V.P. de 28€ y contiene los dos primeros álbumes de un total de 4. Lo tenemos disponible en nuestra librería habitual, desde el 21 de marzo de 2025.

No obstante, pinchad aquí si necesitáis más información de la web de la propia editorial.

Yves Swolfs: del periodismo al western gráfico.

Yves Swolfs nació el 25 de abril de 1955 en Bruselas, Bélgica. Su formación inicial fue en periodismo (1976–1979), disciplina que moldeó su enfoque narrativo preciso y documentado.

Paralelamente, estudió cómic en el Institut Saint-Luc de Bruselas, bajo la tutela de Claude Renard, en el prestigioso taller R, semillero de grandes autores belgas.

Su primera obra publicada apareció en 1979 en Le Neuvième Rêve, un álbum colectivo de estudiantes de Saint-Luc.

Poco después se profesionalizó realizando ilustraciones publicitarias, cómics breves y encargos diversos. El gran salto llegó en 1980 con Durango, un spaghetti-western que lo consagró como uno de los referentes del género en Europa.

Lonesome

A lo largo de su carrera ha explorado múltiples géneros:

  • Western: Durango, Black Hills, Lonesome.
  • Histórico-medieval: Dampierre.
  • Fantasía heroica: Légende.
  • Ciencia ficción distópica: Vlad (con dibujo de Griffo).
  • Terror vampírico: Le prince de la nuit.

Además de guionista e ilustrador, Yves Swolfs es guitarrista del grupo de hard rock Lazare, y protagonizó una curiosa disputa legal con Michael Jackson por un supuesto plagio musical.

Sus obras han sido publicadas por editoriales como Éditions des Archers, Glénat, Soleil, Le Lombard, Alpen y Norma Editorial, consolidando una trayectoria versátil y profundamente europea.

Lonesome

Valoración final de la obra.

En definitiva, Lonesome. Integral 1 es una lectura imprescindible para quienes aman el western, el cómic europeo y las historias que se cuecen a fuego lento.

Swolfs demuestra que aún hay espacio para la épica en los márgenes, y que el silencio puede ser más elocuente que cualquier discurso.

La edición de Norma Editorial es impecable: formato cartoné, papel de calidad, y una portada que condensa el espíritu de la obra.

Este primer integral recoge los primeros capítulos de la serie, y deja al lector con ganas de más. Porque Lonesome no es solo una historia de venganza: es una reflexión sobre lo que queda cuando la ley desaparece y solo queda el juicio personal.

Adentraos en Lonesome y sobre todo …

¡Sed Felices!