Hemos pasado la mitad de temporada de Peacemaker, aunque se siente casi como un final, ya que con el cliffhanger final del sexto capítulo todo se desmorona y vaticina que tendremos unos capítulos finales de infarto.
Los más comiqueros se habrán quedado con la boca abierta con los últimos minutos de capítulo de la semana pasada. Sé que James Gunnno tiene miedo a nada, pero traernos Tierra-X ha sido algo que jamás hubiese esperado en la época en la que estamos. Todo hacía pensar que tendríamos algo parecido, pero lo que puede venir ahora nos va a volar la cabeza.
Más allá de eso, ya el quinto capítulo arrancaba con la trampa de Harcourt a Chris y como pese a saber lo que iba a ocurrir, nuestro protagonista entró al trapo para poder charlar con Emilia. Todo viniendo del flashback del funeral de Rick Flag Jr. donde la mujer coincide con el personaje de Frank Grillo. Ahí es donde vemos esa promesa que ha mantenido a Harcourt alejada de Peacemaker, ya que sabe lo que hizo y lo que prometió al padre de Rick.
La relación entre ambos es lo que más peso está teniendo en lo que llevamos de temporada y se hace mucho más potente gracias al gran trabajo de John Cena y Jennifer Holland que nos está conquistando desde el primer momento. El crecimiento de Cena como actor me está sorprendiendo muchísimo.
Lo que no me ha sorprendido ha sido la captura de Chris, pero sí ver como no se defiende de la brutal paliza a la que le somete Rick Flag senior, hasta el punto de ver como el propio Fleury se pone del lado de Economos cuando decide traicionar a A.R.G.U.S. Estas son las situaciones que Gunn sabe manejar muy bien, mezclarte el contenido R, las risas y el humor más escatológico con esos momentos emotivos que muestran las capas de los personajes.
Los chicos de la calle 11 son esos inadaptados que no encajan en ningún lugar solo entre ellos y eso es el leitmotiv de esta temporada, en la que todas las situaciones llevan a que Peacemaker decida buscar una vida mejor en un universo ‘perfecto’ en el que se siente querido y parte de algo.
Todo lo que ocurre en el quinto es el detonante de lo que nos llevará al final de temporada que promete poner a prueba hasta donde está dispuesto a llegar Gunn con su propuesta de la Tierra-X. Si el Episodio construye la tensión psicológica, el Episodio 6 la libera en una explosión de revelaciones narrativas.
Además, es muy inteligente el guion al separar a los chicos de la calle 11 para que cuando llegue el momento de la verdad los tengamos en situaciones difíciles y sin ayuda aparente.
Es en el ‘momento de la verdad’ donde reside la fuerza del capítulo, ya que el enfrentamiento final no es físico, sino ideológico. Peacemaker se va a ver obligado a tomar una decisión difícil ahora que ha encontrado un lugar en el que encaja. Veremos si Chris realmente ha cambiado desde la primera temporada o si sigue siendo un esclavo de su código violento que le inculcó su padre. Un padre y un hermano a los que va tener que volver a enfrentarse.
Conclusión
Lo que tengo claro es que ambos episodios reafirman la identidad única de ‘Peacemaker’ y como se nota el sello de James Gunn en cada minuto de la ficción de HBO. Desde la banda sonora que, como siempre, es un personaje más, con selecciones que elevan cualquier momento del capítulo.
Más allá de seas o no fan del estilo del director de ‘Superman’ no se puede negar que el gran trabajo que está realizando mezclando el humor con la crítica social y la profundidad emocional de los protagonistas. La química del reparto es innegable, y se siente que cada actor está jugando en la misma sintonía de «seriedad absurda».
En resumen, los Episodios 5 y 6 no son solo entretenimiento, son la columna vertebral de la temporada. ‘Peacemaker’ consigue lo que pocas series pueden: ser profundamente conmovedoras mientras te hacen reír a carcajadas ante la brutalidad y lo absurdo de su humor.
¿Quién demonios es Eagly? ¿Existe el águila primigenia? Encantado estoy con el cameo que se marca la serie y entiendo el motivo por el que Gunn quería que Superman estuviese en HBO antes del sexto episodio.
‘Peacemaker’ no es solo una serie de superhéroes, sino una exploración brillante y empática de lo que significa ser una buena persona cuando te lo ponen jodidamente difícil.
Aquí os dejo la secuencia de los títulos de crédito de esta segunda temporada de ‘Peacemaker’:
Bienvenidos a otro artículo más sobre juegos de rol y esta vez no vamos a viajar al extranjero para traer títulos atractivos. Nos quedamos en nuestra piel de toro para listar algunos juegos que denotan la diversidad de géneros que de producen en nuestras tierras y lo importantes que han sido algunos de ellos.
Como sabemos que hay muchos títulos y no quería escribir un artículo que dejase a los ‘Pilares de la Tierra’ a la altura de un relato corto, iremos (algún otro compañero o yo) publicando varias partes más para ampliar el listado y daros manuales algo más desconocidos.
Aquelarre
Empezamos por el decano, el primer manual de rol autóctono publicado en España. Creado por Ricard Ibáñez vio la luz por primera vez en 1990 de la mano de la editorial Joc Internacional.
Aquelarre estaba ambientado en la Edad Media de la península Ibérica entre los siglos XII y XIV. Esa obra es bien conocida por su carácter realista e histórico, aunque se supo nutrir de ese extenso folclore y mitos que tenemos en nuestras tierras para darle un toque fantástico.
El sistema de juego de Aquelarre se inspira en el sistema BRP (Basic Role-Playing), o lo que venimos conociendo como sistema porcentual o percentil. Básicamente, cada habilidad tiene un porcentaje y para tener éxito hay que obtener menos del número asignado a ella. Sencillo, rápido y muy fácil de comprender para jugadores más novatos.
Desde aquella edición en blanco y negro (que tuve la suerte de poder jugar) hasta la publicada por Nosolorol han pasado muchos años y he de decir que le han sentado muy bien. Aquelarre ha envejecido como el buen vino y se ha ido adaptando a los tiempos.
Aventuras en La Marca del Este
Este juego de rol es lo que se conoce como un ‘retroclón’ y en esta ocasión de uno de los grandes dentro de la fantasía heroica: Dragones y Mazmorras. ‘La Marca del este’ fue creado por Pedro Gil Steinkel, Cristóbal Sánchez, Salvador García, José Luis García, Mateo Lucas, Francisco García Latorre y Javier Giménez y comercializado por Holocubierta Ediciones.
Fue publicado por primera vez en 2010 y fue todo un éxito dentro de la industria de nuestro país. Tanto es así que fue reimpreso en numerosas ocasiones y dio lugar a cantidad de suplementos y novelas que expandieron el mundo. Es interesante saber que este ‘retroclón’ proviene de la caja básica de Dungeons & Dragones (caja Roja) y que su origen es de una campaña del blog ‘La Marca del este’.
Obviamente, este juego de rol posee el sistema D20 y razas clásicas de la fantasía (Humanos, elfos, orcos, etc), además de ser todo un canto a la nostalgia que a muchos les trajo recuerdos de juventud.
Como curiosidad mencionar que el prólogo es Álex de la Iglesia (El Día de la Bestia, 30 monedas).
Ragnarok
Como fan consumado de Kult, no podía olvidarme este juego de terror, ocultismo e investigación publicado por Ludotecnia en 1992 y creado por Carlos Monzón. Los jugadores son investigadores que se enfrentarán al horror, la locura, la magia y los sucesos paranormales que se entremezclan con el mundo cotidiano.
Todo ello acompañado de toda clase de criaturas de pesadilla y del folclore popular con los que estamos familiarizados: vampiros, hombres-lobo, muertos vivientes, etc.
¿Por qué existen estos monstruos? Obviamente no voy a desvelar nada de la intrahistoria de este juego de rol pero os diré que tiene que ver con la extinción de los dinosaurios y con el fin de los tiempos según la mitología nórdica (De ahí el nombre del juego). Hay muchos más secretos dentro de Ragnarok, como Merrick House y su búsqueda. ¿Intrigados? Pues ya sabéis que jugando podréis averiguar la verdad.
La primera edición de este juego de rol poseía el mismo sistema de que se utilizó para ‘Mutantes en la sombra’, que se basa en una tirada de un dado de 20. Con dicha tirada se debe igualar o superar un número de dificultad obtenido mediante la combinación del nivel de habilidad del PJ con el nivel de dificultad de la acción que se desea realizar. Para la segunda edición usaron el sistema de ¡Piratas! El dado de 20 cara se vio sustituido por 2 dados de 10 y la forma de superar la tirada se cambió de superior o igual a inferior o igual.
Para los amantes de las clásicas aventuras de ‘La Llamada de Cthulhu’ o ‘Kult’, ‘Ragnarok’ es una alternativa más que interesante para adentrarse en mundos de oscuridad, criaturas aterradoras y misterios difíciles de resolver.
Far West
De nuevo volvemos al pasado, pero esta vez algo más reciente, a los EE. UU durante el siglo XIX, a lo que conocemos como ‘el lejano oeste’. ‘Far West’ fue creado por Darío Pérez, Óscar Díaz, Javier Aguado y Gonzalo García y se publicó en 1993 de la mano de M+D Editores.
Al igual que Aquelarre, nos encontramos ante un juego de rol histórico y es por ello que la mayor parte de sus páginas están dedicadas a explicar y ponernos en situación sobre el contexto histórico en el que se mueven los personajes y poder afrontar las partidas.
‘Far West’ también utiliza el sistema BRP (al igual que ‘Aquelarre’ o ‘La Llamada de Chtulhu’) que es todo un clásico dentro del mundo de los juegos de rol.
Os obvio que este juego bebe mucho de los clásicos cinematográficos del género y es por ello que para quienes deseen ambientarse aún más, tienen una lista de filmes al final del manual. Para los que disfrutamos del séptimo arte eso es de agradecer.
Mutantes en la Sombra
Y para terminar he decidido hablar sobre este juego de rol que hará las delicias de aquellos que sean fans de X-Men y de la temática mutante superheróica. ‘Mutantes en la sombra’ parte de la premisa de que las radiaciones de las repetidas explosiones nucleares practicadas por las grandes potencias de la segunda mitad del siglo XX han convertido a algunos seres humanos en mutantes. Las mutaciones (poderes mutantes o Poderes M) abarcan todo lo que cabe esperar de un personaje de la agrupación de Marvel.
Obviamente los gobiernos han tratado de sacar partido de las ‘habilidades’ de estos ‘Mutantes’ y los reclutan para ciertas misiones.
Este juego de rol fue creado por José Félix Garzón e Igor Arriola y publicado por primera vez por Ludotecnia en abril de 1991, con que se convirtió en el segundo juego autóctono que vio la luz en España.
El sistema de juego de ‘Mutantes en la Sombra’ se basaba en un dado de 20 y la dificultad venía dada por el nivel de ella impuesto por el director de juego (fácil, medio, difícil, muy difícil o imposible) y la habilidad del personaje en la acción que fuese a realizar. Mediante una tabla se comparaban y se otorgaba el número a superar con el dado.
Como veis he abierto el baúl de los recuerdos para traer juegos que ya pintan canas en esta primera parte de estos juegos de rol ‘Made in Spain’. En los artículos venideros traeremos títulos algo más actuales junto con otros a medio camino.
Espero que estas palabras os hayan descubierto alguno desconocido, aunque tengo mis serias dudas, sobre ello, o que os hayan recordado joyas olvidadas.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos hacer un balance de lo que ha sido la San Diego Comic-Con Málaga 2025. Plantearemos si ha sido un éxito absoluto o absolutamente un fracaso. Vamos a ello …
San Diego Comic-Con Málaga 2025
¿Éxito o fracaso?
La San Diego Comic-Con Málaga 2025 ha finalizado. Hemos dejado pasar el lunes como jornada de reflexión, para obtener información, contrastar opiniones y analizarlo todo. Y hemos llegado a unas conclusiones que pueden ser acertadas o no, pero son las nuestras. Tan respetables y opinables como cualquier otras.
Si tenemos en cuenta la recaudación de dinero a través de las entradas, gasto de los asistentes en la preciosa ciudad de Málaga (alojamiento, comida, turismo …), ganancia de los stands, venta de las editoriales y expositores y beneficios obtenidos por parte de los autores … La San Diego Comic-Con Málaga 2025ha sido un éxito rotundo.
Pero creo que el factor más importante de la ecuación es el que menos se ha cuidado: Los aficionados asistentes. Ellos han consumido sus recursos y tiempo en obtener lo que deseaban: Satisfacción divertimento y entretenimiento. Y no lo han obtenido como se merecen.
Ya lo habéis podido observar en este pequeño vídeo de Europa Press.
Objetiva y económicamente hablando, la San Diego Comic-Con Málaga 2025 ha sido, en términos de asistencia y repercusión mediática, un éxito rotundo.
Superó las expectativas iniciales con más de 120.000 visitantes en cuatro días, consolidándose como la primera expansión oficial de San Diego Comic-Con fuera de EEUU.
La programación fue ambiciosa, diversa y culturalmente adaptada al público europeo, con invitados de primer nivel, talleres especializados y una app oficial que, pese a sus fallos, marcó un intento serio de digitalización.
Sin embargo, el éxito fue logístico y emocionalmente frágil.
Las quejas por colapsos en accesos, falta de personal, señalización deficiente y problemas técnicos con la app fueron constantes y virales. Y lo cierto es que si hablamos del sábado y el domingo, las personas que se han gastado su dinero en la San Diego Comic-Con Málaga 2025, tienen toda la razón.
Algunos medios locales hablaron de “riesgo de morir de éxito” y otros lo calificaron como “una victoria para aprender”.
Yo creo que el evento funcionó como fenómeno cultural, pero dejó en evidencia carencias organizativasque no pueden repetirse si se quiere que el evento se consolide y permanezca en Málaga (aunque tenemos garantizadas tres ediciones).
Desde una mirada analítica, no fue un fracaso, pero tampoco puede celebrarse sin matices.
Fue una edición fundacional que demostró el potencial del fandom europeo, pero también la necesidad de profesionalizar la gestión de eventos masivos en España.
Si los organizadores escuchan al público (que estoy seguro que lo harán) y corrigen los errores, Málaga puede convertirse en una sede estable de referencia internacional. Y estoy seguro que eso es lo que queremos todos los aficionados españoles. Queremos que la San Diego Comic-Con se quede en Málaga, pero queremos que lo hagan bien.
LCQNHF en San Diego Comic-Con Málaga 2025.
En el caso de LCQNHF, estuvimos mi amigo y compañero Mario Losada y yo, en la jornada del jueves 25 y nuestro querido amigo y compañero Juanma Martín, en las jornadas del viernes, sábado y domingo.
Jornada del jueves 25 de septiembre.-
La San Diego Comic-Con Málaga 2025 comenzó con una jornada histórica que reunió a más de 25.000 asistentes en el Palacio de Ferias y Congresos.
El evento destacó por su magnitud, ambientación y entusiasmo del público, que disfrutó de actividades y de estrellas como Luke Evans, Aaron Paul, Gwendoline Christie y Pedro Alonso.
La ceremonia inaugural, presentada por Dafne Keen y Taz Skylar, contó con la presencia de David Glanzer y autoridades locales, marcando el inicio oficial de la convención.
Claudio Castellini
Aunque la respuesta del público fue abrumadora y el ambiente festivo, también se detectaron problemas logísticos y de comunicación que empañaron un poco la experiencia.
La zona de restauración era escasa dada la afluencia de público y había mucho tiempo de espera para conseguir la comida.
Si estuvisteis pendientes de nuestras RRSS, os fuimos mostrando fotos tanto en nuestro Facebook como en X.
Jorge Jiménez
Jornada del viernes 26 de septiembre.-
La San Diego Comic-Con Málaga 2025 acogió una de las charlas más esperadas por los fans del cómic: la presentación del nuevo Batman #1, a cargo del guionista Matt Fraction y el dibujante Jorge Jiménez.
El encuentro ofreció una mirada profunda y renovada al universo del Caballero Oscuro, con énfasis en su dimensión más humana.
Fraction explicó que esta nueva etapa busca “reinventar a Bruce Wayne desde cero”, alejándose de la épica tradicional para explorar sus vulnerabilidades, relaciones y dilemas morales.
Jorge Jiménez, por su parte, mostró parte del arte original en directo, destacando un estilo más brutal y expresivo que refuerza el tono introspectivo de la historia.
La charla abordó también la reconstrucción de Gotham, el rediseño de aliados, villanos y los “secretos entre viñetas” que prometen sorprender incluso a los lectores más veteranos.
Ambos autores coincidieron en que este nuevo Batman no solo lucha contra el crimen, sino contra sus propios fantasmas.
El público respondió con entusiasmo, consolidando esta presentación como uno de los momentos más potentes de la convención para los amantes del cómic de autor.
Jornada del sábado 27 de septiembre.-
La San Diego Comic-Con Málaga vivió el sábado su día más multitudinario, con miles de asistentes llenando los pabellones del FYCMA desde primera hora.
Entre los momentos más destacados estuvieron los preestrenos de Predator Badlands y Killer of Killers, presentados por Disney, el encuentro Marvel All-Stars con figuras clave del cómic internacional, y el Concurso de Cosplay SDCC Málaga – Runway, que deslumbró por su nivel creativo y técnico.
La San Diego Comic-Con Málaga 2025 vivió uno de sus momentos más íntimos y celebrados con la presencia de Jim Lee, presidente de DC Comics, quien ofreció una sesión en directo dibujando dos ilustraciones mientras respondía preguntas del público.
Durante casi una hora, Lee compartió detalles sobre sus técnicas de diseño, sus personajes favoritos (como Batman y Catwoman) y reflexiones personales sobre su trayectoria, incluyendo su admiración por Frank Miller, a quien definió como “un dios” en su juventud.
El Auditorio 1 se convirtió en territorio DC con el panel Las mil máscaras de Batman, donde Jim Lee estuvo acompañado por Matt Fraction, Jorge Jiménez, Jeph Loeb y Pepe Caldelas.
El encuentro fue una celebración del legado del Caballero Oscuro, explorando sus múltiples facetas narrativas y visuales.
La charla combinó anécdotas, humor y análisis creativo, dejando a los fans con una experiencia única y profundamente conectada con el universo del cómic.
Jornada del domingo 28 de septiembre.-
La cuarta jornada de la San Diego Comic-Con Málaga 2025 cerró el evento con un ambiente algo más relajado pero igualmente vibrante.
El domingo estuvo marcado por una programación centrada en el talento nacional, con especial protagonismo de artistas, creadores y editoriales españolas.
Se celebraron paneles dedicados al cómic independiente, la animación local y la producción audiovisual andaluza, consolidando el evento como plataforma para la industria cultural del país.
Destacaron las actividades familiares, los concursos de cosplay y las firmas de autores como Kenny Ruiz y Teresa Valero, que atrajeron a un público diverso.
La organización reforzó los accesos y mejoró la señalización, respondiendo a las críticas recibidas el sábado, pero esto no fue suficiente dada la gran afluencia de público.
Y para muestra un botón. Nuestro querido Juanma Martín en primera persona:
Dicho esto, no debemos olvidar cómo Arnold Schwarzenegger conquistó Málaga.
La San Diego Comic-Con Málaga 2025 cerró su primera edición con un momento histórico: la visita de Arnold Schwarzenegger, gran protagonista de la jornada final.
El Hall M, con sus 3000 localidades, se llenó por completo para recibir al icono del cine de acción, en un acto cargado de emoción y simbolismo.
La velada comenzó con Álex de la Iglesia como maestro de ceremonias, quien presentó al actor con la complicidad de Antonio Banderas, que apareció por sorpresa para rendir homenaje a su amigo y compañero de rodaje en Los Mercenarios.
Tras compartir anécdotas personales, Banderas entregó a Schwarzenegger el Premio Honorífico de esta primera edición, en medio de una ovación que confirmó el cariño del público.
El encuentro culminó con una masterclass titulada Total Recall, en la que Schwarzenegger repasó su carrera, compartió experiencias de rodaje y ofreció una visión inspiradora sobre la industria cinematográfica.
El cierre fue apoteósico: Málaga se rindió ante el eterno Terminator, dejando una imagen final inolvidable para la historia de la cultura pop en España.
¿Morir de éxito o aprender del caos?
Si queremos que los aficionados volvamos el año que viene a la San Diego Comic-Con Málaga, tendrán que reforzar la señalización, ampliar el equipo de atención al público, mejorar la App, que el personal de la Comic-Con tenga el mismo criterio y también deberán establecer protocolos de acceso escalonado o bien un segundo acceso al recinto.
También sería interesante la instalación de una carpa anexa, para tener mayor fluidez en el tránsito del público. Diversificar la zona de ocio, también favorecería que los asistentes no tuvieran tanto tiempo de espera para acceder al hall principal.
Porque si algo ha quedado claro, es que el público quiere volver… pero mejor preparado.
Esperamos haber realizado un justo resumen de lo que ha supuesto la San Diego Comic-Con Málaga 2025.
¿Sabes de esos momentos en que ves una noticia que parece que es mentira? Pues esta es una de esas, ya que Superman de James Gunn (aquí nuestra crítica) ha conseguido 13 millones de vistas en sus primeros 10 días en HBO Max. Sí, leíste bien. Esa cifra convierte al reboot de DC en el estreno de película más visto en streaming de la plataforma desde que Barbie lo petó. Superman rompe esquemas en HBO Max.
Esta es buena noticia ya que no se trata solo de que la gente la vea, sino que la vea en masa, que la disfrute en familia, que la vuelva a ver. Todo esto es positivo porque hace que te acuerdes de que Superman no es solo el héroe bueno con capa y vuelos felices. Superman es un símbolo, es espectáculo y también es humano.
Lo que esto nos está diciendo (y lo que no)
Esto no solo apunta a que la película ha sido bien recibida, sino que hay hambre real de algo diferente en el universo de superhéroes. Que la gente no se conforma solo con efectos de destrucción, sino que quiere humanidad en el traje. Quieren un Superman que no sea invencible absoluto, un Superman que puedas mirar y pensar “ojalá yo pudiera ser así… o al menos intentarlo”.
También demuestra que el cine de superhéroes ya no vive solo en las salas de cine. El streaming le está ganando terreno, ya que gente que no fue al cine o que prefiere verla en casa está arrasando en HBO. Y Warner/DC lo está sabiendo aprovechar, todo lo cual resucita cuando algo nuevo pega fuerte.
Lo que podría salir mal si se confían
Porque claro, no todo es color de rosa. Trece millones suena a victoria, pero si luego no hay boca a boca fuerte, críticas que le añadan calor, premios que la reconozcan, puede quedarse como otro bombazo rápido que se olvida. Por eso mismo han anunciado la segunda parte para 2027.
También hay expectativas altas, casi peligrosas. Cuando dices “mejor que XY” o “el más visto desde Barbie”, automáticamente pones el listón muy alto. Si Superman no mantiene ese nivel emocional, si se vuelve solo espectáculo visual sin alma, puede parecer menos redondo que lo que prometía.
Veredicto Losada-style
Que Superman haya logrado esto en HBO Max, es como ver a Clark Kent con traje nuevo, elegante, volando hacia el horizonte. Es señal de que el DCU de James Gunn está haciendo algo bien, equilibrando lo clásico con lo nuevo, lo épico con lo humano.
En un 2025 repleto de decepciones, con un festival de Cannes y de Venecia que no dejaba ningún claro contendiente en la carrera de los Oscars, Una batalla tras otra ha reventado las quinielas. Reconozco que no esperaba el recibimiento crítico de la nueva película de Paul Thomas Anderson, uno de los directores más reconocidos del cine estadounidense, con el siempre prestigioso Leonardo Di Caprio. Quitando al siempre polémico Carlos Boyero, la recepción crítica ha sido unánime. “Obra maestra” y “la mejor película de 2025” han sido lo más repetidos.
Ahora bien, ¿Merece todos esos elogios?
Adaptación libre de la novela Vineland, del escritor Thomas Pynchon (previamente adaptado por Paul Thomas Anderson en la película Puro Vicio), la película se centra en un antiguo miembro de una organización revolucionaria que se ha retirado a un pueblo repleto de otros miembros caídos en desgracia. Pese a que solo quiere estar tranquilo, verá como un enemigo del pasado invade el pueblo buscando tanto a él como a su hija de dieciséis años.
Dirige Paul Thomas Anderson, el director estadounidense más glorificado por la crítica del siglo XXI. Muchas de sus películas han sido calificadas como obras maestras y, pese a ello, apenas he visto ninguna de ellas. Es algo que arrastro desde la decepción que supuso ver Pozos de ambición con dieciocho años. Si de algo servirá Una batalla tras otra, será para explorar la obra de este cineasta. Prometo ranking.
Siendo un niño mimado de la crítica, sorprende la publicidad que ha cosechado Una batalla tras otra. Sobre todo, en términos de calidad. Pocas veces he visto una campaña tan descarada para la recolección de premios. Sobre todo cuando la película no merece tanto consenso.
Probablemente sea por el elevado presupuesto de la película, más de cien millones de dólares. O la prevalencia de su argumento, que nos muestra un mundo que enfrenta a una Estados Unidos fascista contra unos rebeldes que buscan derrocar al Estado con actos terroristas. Algo que emparenta con la sociedad estadounidense actual.
En este sentido, lo mejor de la película es su primera media hora, en la que Thomas Anderson nos cuenta la historia del grupo terrorista y, sobre todo, de Perfidia (Teyana Taylor), la figura más radical y trágica de esa organización llamada El 75 francés. Con un magistral uso de las elipsis, asistimos a la construcción y demolición de unos ideales.
Otra cosa es lo que viene después. Con la desaparición de Perfidia de la película, nos queda una supuesta película de suspense carente de él, sin ritmo, demasiado larga y sin un foco en el que centrarse. No se centra en los ideales perdidos, ni en el funcionamiento de ese pueblo repleto de ex revolucionarios, ni en su personaje protagonista o en los ideales que amparan a la enigmática sociedad secreta Amigos de la Navidad, los villanos de esta película.
Esa incapacidad para centrarse en alguna temática de la película provoca que Una batalla tras otra apenas emocione al espectador. Es una película fría en la que las acciones de los personajes te están sacando continuamente de ella. Lo hace Di Caprio, cada vez más experto en papeles desagradecidos (que se lo digan a la muy superior Los asesinos de la luna). O Sean Penn, demasiado caricaturizado para que nos dé miedo. O un Benicio del Toro que da rostro a un personaje inclasificable navegando entre el heroísmo y la parodia.
A todo esto no ayuda la banda sonora del guitarrista de Radiohead, Johnny Greenwood, habitual compositor de Paul Thomas Anderson. Sí, una melodía distinta y peculiar, única, pero demasiado omnipresente en la película hasta el punto de molestar.
En definitiva, Una batalla tras otra no es solo la película más inflada por los críticos de este 2025, sino la mayor decepción de lo que llevamos de año. Paul Thomas Anderson ha buscado sacar adelante un thriller político en el que ni los héroes ni los villanos cambian nada. Desde luego, una forma distinta de enfocar una película. Pero no por ello mejor. Porque ni la forma de narrar ni las interpretaciones del reparto ni su duración ni su banda sonora me han convencido.
El pasado 24 de septiembre se estrenó en Disney+ la miniserie de animación de Marvel Zombies. Yo iluso de mí, pensando que iban a adaptar los cómics de Mark Millar o Robert Kirkman me lancé como loco a verla. Craso error. Esto es UCM puro y duro, y tenemos a los héroes menos interesantes de la Casa de las Ideas en esta ocasión, liderados por… (redoble de tambores) Kamala Khan. Dicho esto, son cuatro episodios de media hora cada una y la serie se ve muy fácil.
Continuación directa del capítulo 1×05 ¿Y sí… hubiera zombies?
Dicho esto la serie es corta y va al grano. Y se agradece. Tenemos dos horas intensas donde veremos a nuestros héroes morir y luchar en un mundo apocalíptico muy bien desarrollado, con escenas que me recordaban al universo de Mad Max.
Comenzamos la serie con tres heroínas, Kamala, Bishop (Ojo de Halcón) y Ironheart. El grupo con menos carisma que podían inventarse. Pero claro al ser continuación del 2021 muchas opciones no había.
El objetivo es salvar el mundo y a lo largo de la serie veremos como se van apuntando a esta misión imposible otros héroes (más y más secundarios) como Guardián Rojo, Yelena Belova, Shang-Chi y un Blade que por el motivo que sea es el Caballero Luna. Esto entre otros héroes.
Al ser solo dos horas de duración todo ocurre muy rápido y en cada capítulo Kamala y el resto del equipo se enfrentará a peligros muy concretos para salvar el mundo.
Y vuelven los supervivientes del 1×05 de What if…?
La historia va avanzando dejando claro que los sucesos que estamos viendo son consecuencia de aquel capítulo de 2021. A nuestros héroes se unen los pocos supervivientes de aquel esperpento de capítulo, Spiderman y Scott Lang o lo que queda de él. No obstante tal y como va la cosa en ese momento de la serie hace que no podamos disfrutar en demasía de nuestro amigo y vecino Spiderman.
Carrusel de villanos
Lo que más me ha gustado ha sido la galería de villanos, desde el Namor-zombie del segundo capítulo hasta los impactantes e invencibles prácticamente, Thanos y Wanda, aunque ya me cansa ver a esta última siempre de villana.
Consideraciones finales
Marvel Zombies es un entretenido pasatiempo. Son dos horas que pasan volando, donde abunda la acción y lo mejor que puedes hacer es no encariñarte de los personajes ya que iremos perdiendo a muchos de ellos por el camino.
La animación por su parte ralla a un muy bien nivel, tenemos una muy buena caracterización de los personajes y los escenarios lucen muy bien. Las escenas de batalla son igualmente espectaculares.
Como nota negativa, la decepción de haber usado como punto de partida el penoso capítulo que ya os he comentado y no los cómics, hubiésemos ganado muchísimo más. Pero esto es el UCM para lo malo. Y en consecuencia se nos muestra de incio un equipo para nada interesante, Kamala, Ironheart y Kate Bishop, alias Ojo de Halcón.
Marvel Zombies es un divertimento puro, si desconectas el cerebro pasarás dos horas entretenidas, aunque se eche en falta a los principales héroes de Marvel.
Parece que Disney ha encontrado un buen filón en esto de la animación y en este 2025 nos ha entregado tres productos bastante interesantes, Predator: asesino de asesinos, Los ojos de Wakanda y ésta, pese a sus peros, de Marvel Zombies.
Pues nada, mis señores y señoritas del anime. La primera parte de Kimetsu no yaiba. Guardianes de la noche La fortaleza infinita está ya dejando las salas de cine, rompiendo récords y dejando buenas críticas. Tanjiro, los Pilares, los demonios de lunas superiores… ya sabes, la carnicería épica que necesitábamos. Pero claro, lo dicho, lo más crudo queda afuera. Las partes 2 y 3 siguen sin fecha confirmada. Sí, aun con todo el tamaño de lo que vimos, los estudios (Aniplex, Ufotable, Crunchyroll) están todavía en la sala de edición, devanándose los sesos para decidir cuándo soltar la siguiente carnicería.
Hay algo que sí ha quedado claro, la urgencia entre los fans es enorme, y los mismos productores lo reconocen. No es que no quieran sacar la secuela, es que quieren sacarla bien. Que la animación esté a la altura, que las batallas no sean solo ruido, que el peso emocional se sostenga con la primera y que siga generando beneficios.
¿Qué sabemos (y qué solo rumores desesperados)?
Se ha especulado bastante que la Parte 2 podría salir en 2027 y que la Parte 3 podría retrasarse hasta 2029. Pero ojo: son rumores. Nada confirmado.
El CEO de Crunchyroll, Rahul Purini, dijo que aunque han anunciado que serán tres películas, los socios aún no han decidido fechas definitivas. Pero reconoció que todos sienten la presión (la presión buena) de continuar lo más pronto posible.
En cuanto al contenido, se espera que la secuela adapte los capítulos que siguen al final de la primera película del arco de la Fortaleza Infinita, con enfrentamientos grandiosos de personajes que ya conocemos contra el resto de las lunas superiores, y el malvado «Michael Jackon Muzan».
Lo que puede salir mal, porque siempre hay un pero
Cuando una saga apunta tan alto, una espera demasiado prolongada corre el riesgo de que el público la olvide. El riesgo de que la emoción decaiga, que las expectativas se hinchen como globo de cumpleaños hasta explotar, que la narrativa pierda frescura entre tanto rumor. También existe la posibilidad de que la calidad, si quieren mantener niveles premium, retrase más los plazos.
Otra cosa, el anime épico necesita músculo visual, y cuando tardas mucho se abre espacio para comparaciones, críticas, espectadores que ya vieron copias, inspiraciones u homenajes, como dicen los más sinvergüenzas. Así que se tiene que mantener el hype vivo, sin que parezca que prometen más de lo que pueden entregar. Realmente no es tarea fácil.
Ya tenemos el avance de los estrenos de HBO MAX para octubre 2025, y como siempre, lo compartimos contigo. El mes de octubre se mete de lleno en el terror con el estreno de la serie IT: BIENVENIDOS A DERRY, la esperada precuela de la saga IT que cuenta los orígenes de Pennywise. Además, nos traerá los estrenos de las series LA EMPRESA DE SILLAS, una serie cómica original creada por Tim Robinson, y PEQUEÑOS DESASTRES, un thriller con Diane Kruger en la cabeza del reparto.
Estrenos de HBO MAX para octubre 2025
SERIES de HBO MAX para octubre
13 de octubre
LA EMPRESA DE SILLAS. Nueva serie original
Creada por Tim Robinson y Zach Kanin, la serie cómica original de HBO se estrenará el lunes 13 de octubre. Los nuevos episodios de la temporada de ocho episodios se estrenarán semanalmente hasta el final de la temporada el 1 de diciembre.
Tras un incidente embarazoso en el trabajo, un hombre (Robinson) se ve envuelto en la investigación de una conspiración de gran alcance. Además de Tim Robinson como William Ronald Trosper, el reparto habitual de la serie incluye a Lake Bell como Barb Trosper, Sophia Lillis como Natalie Trosper, Will Price como Seth Trosper, y Joseph Tudisco como Mike Santini. Lou Diamond Phillips vuelve a aparecer como Jeff Levjman.
23 de octubre
PEQUEÑOS DESASTRES. Nueva serie
La serie se centra en la amistad de una década entre Jess (Diane Kruger), Liz (Jo Joyner), Mel (Emily Taaffe) y Charlotte (Shelley Conn), cuatro mujeres embarazadas que se conocen en una clase de preparación al parto y que, aparte de la fecha prevista para dar a luz, no tienen nada en común, pero que se han apoyado mutuamente durante todo el proceso de la maternidad.
En el centro del misterio se encuentra Jess, una madre ama de casa aparentemente perfecta cuyo mundo comienza a desmoronarse cuando lleva a su hija al hospital con una herida en la cabeza que no se explica.
26 de octubre
IT: BIENVENIDOS A DERRY. Nueva serie original
La serie ha sido desarrollada para televisión por los cineastas Andy Muschietti y Barbara Muschietti («IT», «IT: Capítulo dos», «The Flash») y Jason Fuchs («IT: Capítulo dos», «Wonder Woman», «Argylle»). Andy Muschietti dirige varios episodios de la serie original.
Ambientada en el universo de «IT» de Stephen King, IT: BIENVENIDOS A DERRY se basa en la novela «IT» de King y amplía la visión establecida por el cineasta Andy Muschietti en las películas «IT» e «IT: Capítulo dos».
UNA NOCHE ÍNTIMA CON ADAM PALLY. Nuevo especial de comedia original
A partes iguales monólogo cómico, documental y concierto de rock, Adam Pally juega con la verdad —y con su guitarra— en una actuación única.
Interpretado y escrito por Adam Pally; dirigido por Brent Hodge. Producción ejecutiva a cargo de Greg Walter, Trevor Rotenberg, Luke Dillon, Conrad Whelan y Brent Hodge.
DOCUMENTALES de HBO MAX para octubre
3 de octubre
PADRE. Nueva serie documental original
Narra la historia de Lina, una periodista de la República de Moldavia, que recibe un inquietante mensaje de vídeo de su padre, un trabajador migrante en Italia. En el mensaje, le muestra a su hija los moretones en los brazos, infligidos por su empleador. Este momento marca el comienzo de un doloroso viaje, destinado a sacar a la luz los abusos sufridos por su padre, pero también a enfrentarse de forma muy personal con las heridas sin curar del pasado. A lo largo del camino, Lina descubre un patrón recurrente de violencia doméstica y sufrimiento generacional.
PADRE comenzó su recorrido por festivales en 2024 en el Festival Internacional de Cine de Toronto, donde fue el único documental rumano seleccionado. Desde entonces, se ha proyectado en más de 25 festivales nacionales e internacionales, ganando siete premios, entre ellos los del Festival de Cine de Cracovia (Polonia, 2025), el FIPADOC – Festival Internacional de Cine Documental (Biarritz, Francia, 2025) y el Festival Internacional de Cine de Trieste (Italia, 2025).
11 de octubre
LA SOLUCIÓN AL ESTILO DE ALABAMA. Nueva serie documental original
En 2019, unos cineastas visitan una prisión de Alabama para filmar una reunión religiosa. Fuera de cámara, los reclusos les susurran un mensaje: aquí están ocurriendo cosas terribles que se mantienen en secreto. Esto desencadena una investigación inmersiva de seis años para descubrir la realidad que se esconde tras los muros de uno de los sistemas penitenciarios más mortíferos del país.
Gracias a un acceso directo sin precedentes y a vídeos grabados con teléfonos móviles de contrabando, los cineastas se enteran por los reclusos de una muerte sospechosa y violenta. La historia se desarrolla en tiempo real, revelando que no se trata de un incidente aislado y que la versión oficial parece estar lejos de la verdad.
Lo que sigue es una impactante historia de brutalidad, corrupción y un sistema en colapso. Mientras los hombres luchan por su propia supervivencia, se embarcan en una campaña de resistencia, contra todo pronóstico.
22 de octubre
ARMED ONLY WITH A CAMERA: THE LIFE AND DEATH OF BRENT RENAUD. Nuevo cortometraje documental original
El 13 de marzo de 2022, el cineasta Brent Renaud fue asesinado por soldados rusos, convirtiéndose en el primer periodista estadounidense en morir mientras informaba sobre la guerra en Ucrania. Su hermano menor y colaborador, Craig Renaud, recuperó el cuerpo de Brent y sus últimas grabaciones de Ucrania y los llevó de vuelta a la casa de su infancia en Arkansas.
A medida que se desarrolla el viaje de Brent hacia su última morada, la película narra los años que él y su hermano pasaron cubriendo algunos de los conflictos más peligrosos del mundo. Sin vacilar en su descripción de la muerte, la pérdida y el coste de la guerra, la película es el último testimonio de Brent sobre el valor fundamental del reportaje en tiempos de guerra y un homenaje a los periodistas que cubren sobre el terreno, arriesgando sus vidas, los acontecimientos mundiales.
Ahora que el periodismo se ha convertido en una de las profesiones más peligrosas del mundo, ARMED ONLY WITH A CAMERA: THE LIFE AND DEATH OF BRENT RENAUD está dedicada a Brent y a todos los periodistas comprometidos que utilizan sus cámaras para trabajar en pro de la verdad y el entendimiento.
29 de octubre
COUNTRY DOCTOR. Nuevo cortometraje documental original
Desde 2010, más de 140 hospitales de las zonas rurales de Estados Unidos han cerrado, dejando solo un médico por cada 2500 habitantes. COUNTRY DOCTOR sigue al Dr. James Graham en Fairfax, Oklahoma (1263 habitantes), mientras lucha por proporcionar una atención sanitaria adecuada a su comunidad en medio de la escasez de personal y la incertidumbre sobre el futuro.
PELÍCULAS de HBO MAX para octubre
1 de octubre
Destino Final
Destino Final 2
Destino Final 3
Destino Final 5
3 de octubre
It
It: Capítulo 2
4 de octubre
Pesadilla en Elm Street
Pesadilla en Elm Street 2: la venganza de Freddy
Pesadilla en Elm Street 3: los guerreros del sueño
Hace más de una década se estrenó Whiplash, de un entonces director novel como Damien Chazelle. A pesar de que la cinta es relativamente reciente, ya ha pasado a ser un clásico que quedó en la memoria del público y consiguió múltiples premios, convirtiéndose en una de las películas más recordadas de la década pasada.
Advierto al lector que a partir de aquí vienen SPOILERS de la película que, si no habéis visto y preferís saltar, recomiendo pasar directamente al subtítulo ¿Cuál es el Mensaje?
La misma nos presenta a Andrew (Miles Teller), un joven que estudia en el mejor conservatorio de música de Estados Unidos, donde toca la batería. Una noche, mientras practica en solitario, recibe la sorpresa de que Terrence Fletcher (J.K. Simmons), el profesor y músico más prestigioso del conservatorio, quien ha llegado para escucharle. Le pide que le muestre cómo toca en algunos pasajes específicos y Andrew lo hace pero, para su desánimo, Fletcher se marcha rápidamente.
Andrew es una persona algo solitaria que pasa bastante tiempo con su padre en el cine, donde conoce a Nicole (Melissa Benoist), la taquillera. Al día siguiente, Andrew ensaya con la banda sinfónica en la que es batería suplente. Durante el ensayo se percibe que el profesor no confía en él y solo le ve como reserva.
De pronto, entra Fletcher pidiendo escuchar a cada músico. Pasa uno por uno hasta llegar a la percusión: primero escucha a Conolly, el batería titular, y luego a Andrew, a quien interrumpe enseguida. Tras terminar con todos, Fletcher pide hablar con el batería. Todos creen que se refiere a Conolly pero, para sorpresa general, llama a Andrew para decirle que a partir de ese momento formará parte de su banda y citarle para el día siguiente a las seis de la mañana.
Feliz por entrar en la mejor banda del conservatorio, Andrew reúne valor para invitar a salir a Nicole, quien acepta. Al día siguiente llega algo tarde al ensayo, pero descubre que en realidad la clase empieza a las nueve. Comienza como batería suplente, ayudando a Tanner, el titular, a afinar y preparar todo. La rutina parece normal hasta que entra Fletcher, poniendo a todos tensos.
Fletcher presenta a Andrew al grupo y comienzan a ensayar. Todo parece ir bien hasta que el primero detiene la clase porque dice oír a alguien desafinado. Revisa uno por uno hasta expulsar al supuesto culpable entre gritos e insultos, aunque después confiesa que en realidad no era él quien desafinaba. A continuación, le dice a Andrew que tras el descanso le pondrá a prueba.
Durante la pausa, Fletcher habla con Andrew sobre su vida familiar, mencionando que es el único músico de su familia y lo dura que fue para él la ausencia de su madre. Le aconseja que no se tome la música tan a pecho pero sin embargo, al retomar el ensayo, le exige tocar a tempo. Al ver que falla repetidamente, primero le corrige, después se enfada y, en un arrebato de ira, le lanza una silla. Le grita, le insulta, saca a relucir que su madre les abandonó y su padre es un fracasado para terminar abofeteándole mientras le obliga a marcar el ritmo. Andrew, roto, acaba llorando, lo que solo provoca más burlas y humillaciones.
Dolido y decepcionado, Andrew se obsesiona con practicar para alcanzar la perfección, hasta el punto de hacer sangrar sus manos. En su primera cita con Nicole, le habla de su ambición por convertirse en uno de los mejores baterías del mundo y alcanzar la grandeza, lo que hace que Nicole perciba lo absorbente y exigente que es su carácter.
En la primera competición, Fletcher reparte las partituras advirtiendo que si alguien pierde la suya será su fin. Antes de salir al escenario, Tanner deja la suya en manos de Andrew, quien la extravía. Fletcher responsabiliza a Tanner y exige que toque de memoria, pero este se niega. Entonces Andrew se ofrece, asegurando que se la sabe entera. Fletcher acepta, pero le advierte que si falla, quedará fuera de la banda. Andrew interpreta impecablemente y la banda gana el primer premio.
A partir de entonces, Fletcher lo nombra batería principal, sorprendiendo al resto. Andrew empieza a sentirse superior e incluso, en una cena familiar, menosprecia los logros de sus parientes asegurando que prefiere morir joven y ser recordado antes que vivir sin dejar huella.
Más tarde, Fletcher trae de vuelta a Conolly y les hace competir. Considera que este toca mejor y lo designa batería titular, relegando a Andrew. Poco después, Andrew rompe con Nicole, diciéndole que solo es una distracción para su carrera. Ella, dolida, le reprocha su actitud y se marchan.
En otro ensayo, Fletcher aparece visiblemente afectado y les pone una grabación de un antiguo alumno suyo que se había suicidado, explicándoles que fue miembro de la mejor banda del país. Luego, en clase, Fletcher empuja a Andrew, Tanner y Conolly hasta la extenuación, obligándoles a repetir a un ritmo cada vez más rápido mientras les grita e insulta. Finalmente, Andrew logra seguir el tempo perfecto y Fletcher lo confirma como batería principal.
En otra competición, Andrew sufre un accidente de tráfico de camino al evento, pero aun herido llega al escenario. Intenta tocar, pero lo hace mal por el dolor y Fletcher lo expulsa definitivamente. Andrew, fuera de sí, lo ataca frente a todos. Tras el incidente, su padre y una abogada le explican que el alumno fallecido en realidad se suicidó a raíz de los métodos abusivos de Fletcher y le piden que testifique contra él. Andrew finalmente acepta.
Tiempo después, Andrew ha dejado la música. Una noche entra en un club de jazz y encuentra a Fletcher tocando. Este le cuenta que fue despedido por culpa de alguien que le denunció y que ahora dirige una banda en un prestigioso festival de jazz. Conversan sobre cómo buscaba formar al próximo gran músico y cita la anécdota de Charlie Parker y Jo Jones, justificando su dureza.
Antes de irse, Fletcher le propone a Andrew tocar en la próxima presentación. Tras pensarlo, acepta. Se prepara y trata de retomar contacto con Nicole, pero descubre que ya tiene pareja.
El día del evento, Fletcher engaña a Andrew anunciando un repertorio distinto al que habían ensayado, dejándole sin partituras ni preparación. Humillado, Andrew abandona el escenario, pero después regresa y empieza a tocar por su cuenta. Su actuación sorprende a todos, incluso a Fletcher, que termina siguiéndole junto al resto de la banda. Andrew despliega todo su talento en un solo apoteósico que demuestra su maestría. Maestro y alumno se miran con complicidad y Andrew cierra la pieza mostrando su dominio absoluto de la batería ante el público.
¿Cuál es el mensaje?
Muchas veces el mensaje de la película es malinterpretado, ya que a menudo se confunde con una cinta motivacional. En realidad, la obra muestra los peligros de la obsesión. Si bien Andrew logra su objetivo y aquello que tanto deseaba a lo largo del filme, no le ha salido gratis: lo ha perdido todo. Ya no está en el conservatorio, no mantiene vínculos más allá de la relación con su padre y, por encima de todo, se ha hecho daño a sí mismo. Por la obsesión de convertirse en un gran batería sufrió accidentes, abusos psicológicos y un enorme desgaste personal.
La película mantiene en todo momento un ritmo frenético y acelerado. Esto no es casual: se busca que el espectador sienta lo mismo que Andrew, cómo todo le afecta y cómo cada situación resulta tan estresante y asfixiante. No parece algo que cualquiera quisiera experimentar. El filme nos muestra cómo el protagonista se va deteriorando cada vez más; al principio practicaba con normalidad y al final termina haciéndose sangrar las manos.
Andrew es la encarnación de hasta dónde puede llegar la obsesión. Cuando una persona está cegada por la perfección, nunca está satisfecha. Esto se refleja en el hecho de que Andrew sí tocaba al tempo correcto y con gran precisión; lo hacía a la perfección y aun así nunca era suficiente. En realidad, aquello que le llevó al límite era lo mejor que podía dar en ese momento, pero Fletcher nunca se lo reconoció.
Terrence Fletcher
La de J.K. Simmons, en este papel, ha sido catalogada como una de las mejores interpretaciones de la década y no es para menos: de hecho, le ha valido el Oscar como mejor actor de reparto. Todas las escenas en las que aparece su personaje son memorables: desde su forma de hablar ya impone y con su sola presencia resulta aterrador. Cada vez que entra en pantalla sentimos miedo de lo que pueda ocurrir, ya que queda claro que su personaje, aparentemente, no tiene límites.
Desde la primera escena se nos muestra como alguien prácticamente superior, alguien a quien todos guardan un gran respeto que, en realidad, es miedo. Vemos cómo no tiene el menor remordimiento a la hora de hacer sentir inferiores a sus alumnos solo por el simple capricho de querer descubrir al siguiente gran batería. Comprendemos que no busca que exista “el próximo Charlie Parker”, sino que lo que desea es ser él quien lo descubra. Por ello, no se comporta así solo con Andrew, sino que intuimos que ha hecho lo mismo con la mayoría de sus estudiantes.
El desempeño de J.K. Simmons es impecable: en todo momento, con su voz y sus gestos, transmite una tensión constante, como si estuviera a punto de destrozar a Andrew, pero al mismo tiempo dota al personaje de carisma. Sus bromas y comentarios sarcásticos logran que, de manera contradictoria, resulte un poco más cercano. Si su personaje solo sirviera para atormentar a Andrew, probablemente lo odiaríamos, pero gracias a la mezcla de carisma y presencia que Simmons le imprime, terminamos sintiendo cierta fascinación hacia él, lo que resalta aún más la grandeza de su interpretación.
El ritmo
El ritmo de la cinta es excelente. En una historia que habla de la obsesión, mostrándola en sus excesos; el ritmo frenético y sin espacio para el respiro resulta impecable. La película dura apenas una hora y cuarenta minutos, pero suceden tantas cosas y tan rápido que parece mucho más larga; al inicio del tercer acto da la impresión de que llevamos horas inmersos en la trama cuando en realidad solo ha transcurrido poco tiempo.
La cinta no concede pausas. Incluso los momentos aparentemente más calmos no lo son en realidad. Un buen ejemplo es la escena de la cena familiar: empieza como un encuentro tranquilo, pero poco a poco la conversación se convierte en un bombardeo de información que transforma lo que parecía un simple diálogo en una situación tensa e incómoda.
Esto alcanza su punto álgido en las secuencias musicales. El ritmo y el montaje se entrelazan a la perfección con la música, de modo que la presión de Andrew por destacar y tocar de forma impecable la sentimos también como espectadores. Así, estas escenas resultan aún más impactantes y convierten a la música en un personaje más. Y un recurso narrativo fundamental.
Lo visual
Al mismo tiempo, la película destaca de forma notable por su aspecto visual, especialmente por el uso del color a lo largo de toda su duración. La cinta recurre de manera constante al amarillo, símbolo de la pasión de Andrew por la batería y, al mismo tiempo, recurso para reforzar el aura del jazz, que es lo que llena de vida y energía a nuestro protagonista.
Otro color que adquiere gran relevancia es el verde. Muchas veces, sobre todo en escenarios más oscuros, aparece una tonalidad verdosa que transmite la toxicidad del ambiente, mostrando cómo ese mundo va arrastrando a Andrew a una espiral de obsesión. El jazz, aunque es su pasión, se contrapone con el hecho de que Andrew está arruinando el resto de su vida por no conocer sus propios límites.
Un detalle especialmente interesante se aprecia en la primera escena en la que Andrew y Fletcher aparecen juntos: cada uno viste con colores totalmente opuestos, blanco y negro. A medida que avanza la trama, Andrew va oscureciendo progresivamente su vestimenta hasta llegar, en la última escena, a vestir completamente de negro. Este recurso visual simboliza cómo ambos personajes terminan situándose en el mismo plano y compartiendo una misma mentalidad.
El final
Sin duda, el mejor momento de la cinta es su final, donde todos los elementos que funcionan a lo largo de la película se combinan para entregar una escena icónica. Andrew, en su punto más bajo, cuando creemos que ya lo ha perdido todo, se levanta y comienza a tocar de manera impresionante. Durante todo el filme vemos cómo Fletcher ha tenido más peso visual y narrativo que él, pero en esta escena todo cambia.
Andrew se adueña del escenario y de la cámara, que pasa a seguir cada uno de sus movimientos. Los cortes, los planos y la edición se rigen por lo que hace con su batería. Dentro de la propia narrativa, se apodera también de la orquesta: Fletcher pierde por completo el control y solo le queda acompañar a Andrew. Al principio se muestra molesto, pero poco a poco se da cuenta de que está presenciando una de las mejores interpretaciones que ha visto en su vida.
La escena, llena de cortes frenéticos, se siente como un clímax absoluto. Aunque solo estemos viendo a un batería tocar, la puesta en escena lo eleva a la categoría de un héroe en el fin del mundo. Andrew continúa sin detenerse, la música ya es suya y Fletcher, al verlo, termina apoyándole, dándole espacio para brillar. Entre todos los músicos talentosos del lugar, Andrew emerge como la figura principal, atrapando por completo al espectador.
En el último instante, Andrew baja el ritmo y se detiene brevemente. Mira a Fletcher y, por primera vez, ambos aparecen en igualdad de condiciones. Con una simple sonrisa entendemos que los dos han alcanzado su objetivo. Después, Andrew retoma el ritmo y cierra la pieza, poniendo fin también a la película.
Es un desenlace brillante. No necesitamos saber si Andrew se convirtió en el mejor batería de todos los tiempos ni si su relación con Fletcher mejoró. Lo único que importa es que ambos personajes completaron su arco y alcanzaron lo que buscaban, dejando en el espectador una sensación de plena gratificación.
Whiplash es una película magnífica que, aunque sea reciente, es una de las mejores del siglo y que a su vez nos muestra con un gran mensaje los peligros de la obsesión por la perfección.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamosLas Aventuras del Capitán Torrezno, volumen 2. Una maravilla del noveno arte, nacida en España gracias a una excelente edición de Astiberri Ediciones.
“Hace muchos, muchos años, en un destartalado sótano de la madrileña calle Valverde, un viejo funcionario creó sin saberlo una civilización de fundamentalistas religiosos, recolectores de cacahuetes y nostálgicos de la estufa eléctrica.
En medio de este caos de guerras fratricidas e histeria colectiva aterriza un personaje de dudoso origen, achatada figura y pocas trazas de redentor, su nombre es Capitán Torrezno”.
Antes de dar comienzo a la reseña de este segundo volumen, podéis echar un ojo a la reseña del primer volumen pinchando aquí.
Las aventuras del Capitán Torrezno volumen 2: Limbo sin fin y Extramuros es una parte clave de la saga de Santiago Valenzuela, una de las series fundamentales del cómic español del siglo XXI.
En esta entrega, la ciudad de Deeneim enfrenta su mayor peligro cuando el enemigo se encuentra a las puertas.
Entre la fantasía, el costumbrismo y la ciencia ficción, el Capitán Torrezno, un personaje inesperado y poco heroico, se convierte en la única barrera entre la ciudad y la destrucción.
Este volumen recopila los tomos Limbo sin fin y Extramuros, originalmente publicados en 2003 y 2004, e incluye contenido extra como ilustraciones y portadas originales.
Además, Extramuros fue nominada a mejor obra y mejor guion en el Salón del Cómic de Barcelona de 2005.
Limbo sin fin es el tercer tomo de Las aventuras del Capitán Torrezno.
En este volumen, la ciudad de Deeneim enfrenta una amenaza inminente: los centauros del desierto de los tártaros avanzan con fuerza, poniendo en peligro su existencia.
En medio de este caos, el Capitán Torrezno, un personaje poco convencional y con escasas cualidades heroicas, se convierte en la última línea de defensa.
A pesar de su apariencia desaliñada y su actitud despreocupada, su ingenio y su capacidad para sobrevivir en situaciones extremas lo llevan a desempeñar un papel crucial en la historia.
Extramuros es el cuarto tomo de Las aventuras del Capitán Torrezno.
En esta historia, la ciudad de Deeneim enfrenta una crisis aún mayor. Los centauros del desierto de los tártaros han llegado a las puertas de la ciudad, y la batalla por la supervivencia se vuelve inevitable.
En medio de este conflicto, el Capitán Torrezno, un personaje inesperado y con pocas trazas de héroe, se ve obligado a desempeñar un papel crucial.
A pesar de su apariencia desaliñada y su actitud despreocupada, su ingenio y capacidad para adaptarse a situaciones extremas lo convierten en una pieza clave en la defensa de Deeneim.
La presente edición de Astiberri Ediciones.
Debo decir que esta reedición se antojaba necesaria. El Capitán Torrezno ha sido publicado en nuestro país en tres editoriales diferentes. Esta edición de Astiberri es la edición definitiva.
Estamos en rústica con solapas, que cuenta con un papel poroso de alto gramaje, que hace agradable su lectura. El tomo tiene unas pedidas de 21×29,7cm, consta de 256 páginas en glorioso blanco y negro (excepto 8 páginas de extrasa color) y cuenta con un P.V.P. de 27€.
Este primer tomo, se encuentra disponible desde el 18 de enero de 2024 y podéis adquirirlo en vuestra librería habitual, en grandes superficies o en la web de Astiberri si pincháis aquí.
No obstante, justo aquí debajo, os dejo un avance para que podáis disfrutar de las primeras páginas.
Santiago Valenzuela. El creador de estas aventuras.
Santiago Valenzuela García. Nacido en San Sebastián (Guipúzcoa), en 1971. De casta le viene al galgo, puesto que su padre es el escritor orensano José Eduardo Valenzuela (de 97 años de edad).
Volviendo al padre del Capitán Torrezno … Licenciado en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, en la especialidad de grabado. Ha trabajado como ilustrador en diversos medios como el diario El País y otros medios de comunicación.
Casi todo su tiempo, lo dedica al cómic. En Astiberri ha publicado El Lado Amargo (2005) y El gabinete del doctor Salgari (2007). También es colaborador en diversas revistas como Tos, Humo, Cretino y Dos veces breve.
En el año 2001, dio vida a Las Aventuras del Capitán Torrezno, que hoy nos está publicando Astiberri Ediciones en este formato de gran calidad.
Valoración final de la obra.
Cuando hablamos de Las Aventuras del Capitán Torrezno, no estamos hablando de un cómic cualquiera. Nació en el año 2001 y vio la luz en la editorial De Ponent y se publicaron sus siete primeros álbumes. Más tarde, Panini publicó otros tres tomos.
Pero la vida del Capitán Torrezno no acabó ahí. En 2023, Astiberri Ediciones ha decidido recopilar toda la obra del Capitán Torrezno desde el principio y además, continuar donde lo dejaron las anteriores editoriales.
Debo decir que la edición de Astiberri es una maravilla. Tenemos calidad a un buen precio, en uno de los cómics más originales e imaginativos del panorama español.
Las Aventuras del Capitán Torrezno es una extraña combinación (que funciona de manera excepcional) de cómic underground y fantasía. Sus historias son trepidantes y el dibujo es excepcionalmente bueno. Bueno de verdad.
Además, como buen cómic underground y de contracultura, añade una crítica a la religión y a los fanatismos sin sentido.
En este segundo volumen, la historia va tomando más cuerpo, el dibujo va evolucionando y te deja con más ganas de seguir.
En definitiva … Tenemos la oportunidad de disfrutar de un pedazo de tebeo de aventuras en un mundo fantástico, cuyo sublime dibujo hace que pases una página detrás de otra y no puedas parar. En ningún momento.
Mi consejo es: “Id a por ello. No os vais a arrepentir“. Y como os digo siempre … Echad un ojo, disfrutad y …
La nueva serie de HBO venía avalada por ser del creador de Mare of Easttown. Y sinceramente, se nota que tenemos a Brad Ingelsby, y es que la atmósfera, el desarrollo de personajes y el devenir de la historia con los cliffhangers nos recuerdan a su anterior serie. Pero donde allí todo era bueno (para mí esa miniserie es de lo mejor de HBO en la última década), aquí en Task encontramos muchas luces, pero también sombras que estropean un trabajo redondo.
Nota aclaratoria: Esto no es un análisis de estos capítulos sino una opinión de lo que me ha parecido el inicio de Task. Valoraré si hago un artículo sobre el resto de episodios o si dejarlo aquí.
Demasiado drama familiar en el drama familiar
Creo que Ingelsby esta vez se ha pasado de frenada. Aquí todos los personajes están al borde del suicidio, todos son oscuros, buscan la redención, y se resume en una frase que se escucha en un momento de la temporada «Los hombres malos toman buenas decisiones».
Mostrar este tipo de personajes tan acosados por el drama familiar es un lastre, se nos muestran sin alegría, empapados en alcohol y autodestrucción, lo cual abruma por lo oscura que se vuelve la serie. Este fue un aspecto que lastró la temporada dos de True Detective, en la que todos los personajes estaban a punto de llevarse un arma a la cabeza.
Aqui en Task, tenemos a Tom Brandis (Mark Ruffalo), agente federal curtido que tiene un drama familiar muy gordo y que afecta lógicamente a toda la familia. No lo voy a contar aquí porque se nos va contando a cuentagotas y aunque está muy bien hilvanado es demasiado gore y trágico, dejando al personaje sin redención aparente (llega a decir sobre un miembro de la familia «nunca podré perdonarlo»).
En el lado opuesto tenemos a Robbie Prendergrast (Tom Pelphrey), un «padre de familia» con una doble vida: de día trabaja recogiendo basura y de noche junto a un par de amigos lidera una banda de tres en la que. con unas máscaras terroríficas, roba a distintas bandas de narcotraficantes, hasta que un robo sale mal y las consecuencias serán catastróficas.
Prendergrast no se queda atrás en cuanto a drama familiar y el personaje vive acuciado por las deudas y la pérdida de su hermano.
Una banda de ladrones típica de comedia barata
Sinceramente, lo que le ocurre a la banda protagonista es muy posible que ocurra. Son unos «mataos» y, como tal, se lía un tiroteo con consecuencias funestas que marcarán el destino de la serie.
El tema es que es improbable que el FBI tarde en localizarlos porque son torpes hasta rabiar. Por lo que, en sucesivos capítulos, quiero pensar que será una persecución.
Pero es que para rizar el rizo, Prendergrast toma una serie de decisiones que claman al cielo. Yo me creo que una persona en esa situación tome ese tipo de decisiones erróneas, pero lo que me cuesta creer es que el FBI no lo pille en dos minutos.
Valoración final
Task es un paso atrás en cuanto a la serie predecesora de Ingelsby, que si bien era también un culebrón de cuidado, tenía a una inconmensurable Kate Winslet, además de un cliffhanger de órdago que no mencionaré por si alguien no la ha visto.
Por lo demás, Task es buena serie, teniendo lógicamente un impecable apartado técnico, una gran dirección y una ciudad igual de depresiva que sus personajes.
Personalmente tengo ganas de ver cómo acaba, pero dudo mucho que Task entre en la categoría de las mejores series de 2025.
Hubo un tiempo en el que la televisión no estaba relacionada con la épica. Sí, puede que en los 2000 se estrenaran obras maestras como Los Soprano, A dos metros bajo tierra o The wire. Pero las grandes batallas pertenecían a la pantalla grande, con Gladiator o la trilogía de El señor de los anillos. Todo esto cambió con Juego de Tronos, serie de la cual, desde entonces, toda plataforma ha intentado replicar su éxito. Ahora es el turno de Apple TV+, la productora que más dinero invierte en series que nadie ve, y su El gran guerrero, historia que aborda la unificación de Hawaii en el siglo XVII.
A PARTIR DE AQUÍ, SPOILERS DEL NOVENO Y ÚLTIMO EPISODIO DE EL GRAN GUERRERO.
Tenía que llegar el clímax de la primera temporada para que el cocreador, guionista y protagonista de la serie, el actor Jason Momoa, dirigiera su último capítulo. Sorprende que, en un mundo donde cada nuevo estreno de Netflix se convierte en un fenómeno de masas, la producción personal de toda una estrella como Jason Momoa prácticamente ha pasado de largo en las webs dedicadas a las series televisivas.
Hasta ahora, sabiendo que soy más seguidor del Jason Momoa serio de Juego de Tronos o See en lugar del cachondo de Aquaman, en El gran guerrero tenemos tres tazas de las duras expresiones de nuestro protagonista. Pero ahora tengo la certeza de que hay un director interesante en Momoa, cuyo episodio es el mejor de la temporada.
Y eso que, a nivel argumental, poco hay que decir sobre lo que ocurre. Tenemos una batalla en la que el bando de Keoua se ve reforzado por la creencia de que la erupción volcánica ha sido fruto de los dioses. Los guerreros de Hawaii tienen unas creencias tan fuertes que son capaces de arrancarse los dientes con tal de mostrar su lealtad. Es en esos gestos tan bárbaros donde El gran guerrero se crece.
Por otro lado, se resuelven prácticamente todos los conflictos en el bando de K’aiana. Su hermano confiesa su relación con su mujer y le perdona. Es nombrado como jefe de guerra y la mujer del rey termina como consejera. Por cierto, si hay algo que se postula para la segunda temporada es la tensión entre K’aiana y la mujer del rey.
Posteriormente, con la banda sonora de Hans Zimmer de fondo, comienza la preparación de la batalla, la mejor escena de El gran guerrero. Durante más de veinte minutos, asistimos a la lucha bárbara y encarnizada entre los dos bandos, magníficamente rodada por Jason Momoa. Eso sí, sin el impacto de otras batallas de la televisión, como todas las rodadas por Miguel Sapochnik en Juego de Tronos, las vistas en Shogun o las de See, que sigue siendo la mejor serie de Jason Momoa.
La batalla termina tal y como esperábamos, con las tropas de K’aiana derrotando a las de Keoua de forma implacable, con el uso clave de las armas de fuego. Heke consigue vengarse del guerrero que la violó y K’aiana acaba con Keoua en un duelo que recuerda al de Simba y Scar en el Rey León.
Hawaii parece unificada bajo el mando de Kamehameha, pero Kahekili, desquiciado tras casi matar a su hijo, promete venganza contra K’aiana. Y eso que apenas sabemos nada de futuros extranjeros que se acerquen a la isla…
Termina El gran guerrero, una lujosa superproducción de Apple TV+ que no destaca especialmente en ningún aspecto. Tiene paisajes bonitos, apuesta por idiomas exóticos, cuenta con un reparto carismático y no repara en detalles para explorar el impacto de la cultura hawaiana.
Pero sus escenas no alcanzan el impacto de series similares ni cuentan con personajes memorables. Su trama es previsible pero no deja de ser una producción de aventuras tan entretenida como olvidable.
En el mundo del cine también hay épocas en las que parece que los astros se agrupan. O, mejor dicho, que a determinadas productoras les interesa un personaje y se lanzan varias producciones similares, todas ellas de aparente interés. Ocurrió con Pinocho allá por el 2022, con la versión de Guillermo del Toro y la de Robert Zemeckis o, incluso, con Ulises, con Ralph Fiennes interpretándolo en 2025 y Matt Damon en La odisea de Christopher Nolan en 2026. Ahora es el turno de Frankenstein, ya que la versión de Guillermo del Toro la tendremos para finales de octubre en cines y Netflix y se acaba de estrenar el tráiler de The bride!, adaptación de La novia de Frankenstein prevista para marzo de 2026.
The bride! no adapta como tal la magistral Frankenstein de Mary Shelley, sino la reverenciada La novia de Frankenstein, secuela de la mítica película homónima de 1931, la que aún sigue aportando la imagen canónica del personaje.
En esta ocasión, la historia se readapta a los años 30 para mostrarnos a un Frankenstein que, con la ayuda del doctor Euphronius, resucitan a una chica asesinada para convertirla en la novia del monstruo, lo que pone a la pareja en el punto de mira de la sociedad y de la policía.
Planteada como una Bonnie & Clyde gótica, la premisa me interesa más que ver la enésima recreación decimonónica del Frankenstein de Del toro. Además, la directora es Maggie Gyllenhaal, actriz conocida por su papel, entre otros, en El caballero oscuro y que debutó en la dirección con la muy interesante La hija oscura.
Y tiene repartazo. Jessie Buckley, una de las actrices más en boga, como La novia. Christian Bale, como siempre disfrutando de modificar su aspecto, como Frankenstein. Pero también tenemos a Jake Gyllenhaal (hermanísimo de la directora), Penélope Cruz, Annette Benning o Peter Sarsgaard entre otros.
Para mí, una de las películas más esperadas de 2026.
Con más preguntas que respuestas, llegó a su cierre la primera temporada de Alien: Planeta Tierra. Analizamos lo que nos ha dejado la misma y, de manera especial, este octavo episodio final cuyo título es Los Verdaderos Monstruos. Creada por Noah Hawley, la serie puede ser vista en Disney+.
Hola otra vez, mis queridos xenomorfos. Ha concluido la primera temporada de Alien: Planeta Tierra y deja sensaciones encontradas. Hasta dos episodios atrás, la serie venía bien y mejorando, pero se estancó en el anterior y termina concluyendo la temporada con una entrega algo caótica que no cierra ninguna de las subtramas ni termina de dar a ciertos personajes el desarrollo que hubieran merecido.
Pero basta de preámbulo y pasemos pues a ver qué nos ha dejado este octavo y último episodio de la temporada, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Somos Fantasmas
Después de los sucesos del episodio anterior y la “traición” de Joe a último momento, los niños híbridos están en una celda y Nibs acusa a Curly de haberlos entregado, reponiendo esta que, de haberlo hecho, no estaría allí con ellos.
Marcy le cuenta de las tumbas, incluso de la suya propia, pero ella dice que en todo caso pasaron a una existencia mejor e inmortal. Para Marcy, en cambio, pasaron a ser entes que no son niños ni adultos y cuando Nibs acota “somos fantasmas”, se queda pensando en que lo que hacen los fantasmas es asustar, así que ya es hora de dejar de temer para pasar a ser temidos.
Toda la escena es vista a través de los monitores por Kavalier hasta que Marcy emite los sonidos que la conectan con el alien que, fuera de las instalaciones, acusa recibo. Súbitamente, todo el sistema monitorizado se interrumpe y Kavalier queda a ciegas, presumiblemente por obra de ella.
En comunicación con Kirsh, pregunta por qué mantienen vivo a Morrow, replicando el synth que puede servir ante la inminente invasión de la isla por parte de Yutani y es mejor obrar con inteligencia.
Haciendo alarde de su apodo, el “niño prodigio” objeta que nadie tiene tanta como él, pero Kirsh le echa en cara que sus trastornos no le permiten controlar sus impulsos y le dice algo de una medicación antes de que la comunicación se interrumpa, no pareciendo esta vez obra de Marcy sino de Yutani, para esas horas en plan de invasión.
Irritado y luego de enviar a decir a Kirsh que se ocupe de restablecer las comunicaciones, Kavalier se queda mirando al pulpojoveja y es obvio que sigue pensando en darle un cuerpo humano pero, reflexionando en voz alta, concluye en que, por las dudas, será conveniente alguien débil.
Morrow vs. Kirsh
Marcy, desde su encierro, sigue manejando la tecnología a su antojo. Encierra en un elevador a los ex compañeros de Joe que andan a la búsqueda de alienígenas escapados y activa una secuencia de autodestrucción. Y mientras Sylvia bebe para ahuyentar culpas, le invade sus monitores con imágenes de los niños antes de ser híbridos, repitiéndose particularmente en que Marcy, aun con su aspecto anterior, le preguntaba si estarían bien. En su angustiada ira, Sylvia destruye el ordenador…
Se advierten en Marcy sentimientos encontrados hacia su hermano, a quien ve por los monitores compartir celda con Morrow. Está resentida de que haya preferido a sus compañeros de fuerza por sobre Nibs y se le cruzan imágenes del pasado, cuando estando ella enferma, le enviaba cartas que él, sin jamás visitarla, leía a bordo de un vehículo blindado de lucha urbana. Smee, no obstante, le recuerda que Joe les ayudó y es uno más de ellos…
Aun con sus dudas, pues, ella usa su habilidad para abrirles la puerta de la celda, situación que es aprovechada por Morrow para golpear al guardia y darse ambos a la fuga. Joe dice que irá por los niños y Morrow le aconseja salvar a todos los que pueda porque destruirá el lugar, dicho lo cual se dirige a los laboratorios en busca de Kirsh…
Allí lo encuentra y se produce un enfrentamiento que acaba con el sintético boqueando líquido blanco mientras Morrow le enrostra su condición de simple máquina. Pero cuando está a punto de rematarlo, un sonido le distrae y Kirsh aprovecha para atraparle y asfixiarlo hasta hacerle perder el sentido: la desventaja de ser un poco humano…
Ni Marcy ni Wendy
Kavalier tiene la pésima idea de visitar a los “niños perdidos” en su celda o, mejor dicho, desde afuera de ella, pero antes de que se llegue a dar cuenta de algo, la puerta está abierta y , con una risa nerviosa, se da cuenta que está expuesto. Les cuenta su propia historia y nos enteramos que fue el hijo de un padre borracho y violento al que un día hizo asesinar por un hombre sintético que él mismo fabricó a los seis años (¿Atom Eins?).
Cuando ellos le dicen que no son su propiedad, responde de manera poco cortés y la cosa se pone tensa. Se le van encima y el guardia los apunta con un arma, pero antes de que llegue a utilizarla es destrozado a golpes por Nibs. Marcy le dice a Kavalier que corra y es lo que hace. Ella dice que irá tras él y da instrucciones al resto de separarse e ir por Sylvia, Kirsh, Morrow y los soldados. Curly dice que ahora se llama Jane…
Joe, mientras tanto, es el elegido como receptor del pulpojo, con lo que es la segunda vez en la temporada que alguien proyecta convertirlo en receptáculo de un alienígena: sí que es mala suerte la suya, pero a la larga y una vez más la cosa termina bien para él. Llevándolo engañado con que tiene una propuesta para hacerle que le implicará poder irse con su hermana y no tener que pagar por el pulmón que recibió, Atom Eins le encierra en la habitación de la oveja, cuya celda transparente luce ahora vacía.
Al ver al joven, el pulpojo salta de su globo ocular y va en su búsqueda, lo cual motiva un forcejeo en el cual Joe lleva las de perder hasta que Marcy hace súbita entrada y, de un puntapié, arroja a la criatura a lo lejos dejándola algo aturdida.
Joe intenta terminar de destruirla, pero es golpeado por Eins y lo mismo Marcy que, instantes después, ve al pulpojo, ya recuperado, ir en busca de su hermano. Una vez más, lo arroja lejos y Eins intenta atacarla pero, al ser sintético, ella logra paralizarlo a voluntad mientras él mira hacia todos lados sin entender mucho. El pulpojo, en tanto, escapa de la habitación…
Mientras el pulpojo escapa de la habitación, Joe se disculpa con Marcy por el modo en que actuó con Nibs; ella le recrimina el no haberla considerado persona, como a todos ellos. Dice, por cierto, no saber qué es: ni niña, ni adulta, ni Marcy ni Wendy. Y si algo le gusta de los alienígenas es que son sinceros. Él pregunta por Kavalier y ella responde que anda por allí escondiéndose, pero con alguien especial buscándole, dicho lo cual sale en su persecución…
No eres Peter Pan
Nibs encuentra, en efecto, a Sylvia mientras Smee y Arush hacen lo propio con un destartalado Kirsh que pretende darles órdenes pero termina atado, y un indefenso Morrow que, por mucho que argumente no haber dañado a la madre de Aarush, termina nuevamente inconsciente, pero esta vez de un golpe.
El grupo de seguridad al que antes perteneciera Joe, mientras tanto, ha conseguido escapar del ascensor, pero tienen la mala suerte de encontrarse con la planta alienígena que, escapada, se traga literalmente a su líder, quien patalea en el aire hasta terminar colgando inerte y no está mal.
En los corredores, Kavalier se comunica con sus fuerzas de seguridad para ponerlas al tanto de que va camino a la aeronave y ofrece un millón a quien lo encuentre. Antes que ellos, sin embargo, lo encuentra el xenomorfo, lo que deja al “niño prodigio” paralizado por el terror.
Un grupo armado llega en su apoyo, pero también arriban Joe y Wendy, que ordena a la criatura hacerlos pedazos. “Creo que me oriné encima” dice Kavalier antes de quedar nocaut con un puntapié de Joe en pleno rostro…
Sobre el final, vemos que el fugado pulpojo ha encontrado en la playa el cuerpo del desdichado Arthur y, repitiendo el horrible acto de arrancarle el globo ocular y pasar a ocupar su lugar, toma posesión del mismo.
En paralelo, la isla es invadida por las fuerzas de Yutani mientras Marcy y el resto de los niños tienen a Kavalier, Ellis, Morrow, Kirsh y Sylvia encerrados en la que antes fuera su propia celda, por cuyo exterior se desplaza el xenomorfo, amenazante y con la rescatada cría que creciera dentro de Arthur.
Marcy impreca al niño prodigio, atado, atado en lo alto en una especie de crucifixión que recuerda a la famosa escena del guardia de la cárcel en El Silencio de los Corderos.
Ella le echa en cara que jamás fue Peter Pan, pues nunca fue un niño que no creció sino solo un hombrecito mezquino y estúpido que respondió al odio de su padre convirtiéndose en él. Y remata diciendo que ahora el mando lo tienen ellos. Kavalier asiente mientras ríe estúpidamente, como durante prácticamente toda la temporada…
Lamentablemente, y tras haber ido de menor a mayor hasta el sexto episodio, duele decir que la temporada ha desbarrancado con los dos últimos y de manera más marcada en este. No solo no ha respondido ninguna de las preguntas que fue planteando, sino sumado otras y terminado por introducir sobre su final más de un forzado deus ex machina.
¿En qué momento pasó Marcy (o Wendy) a dominar tan fácilmente a voluntad todo lo que sea mecánico, electrónico o sintético? ¿Cuál era el plan de Kirsh, que parecía tener meticulosamente preparado algo que nunca vimos? ¿Y qué fue eso que dijo de la medicación antes de cortarse la comunicación con Kavalier?
¿Y en qué quedó lo de Morrow, que se había propuesto justamente matar a Kavalier? Creía que al menos llegaríamos a ver eso, pero no solo no ha ocurrido sino que el final de su personaje (por lo menos final hasta aquí) ha sido decepcionante para lo interesante que se perfilaba.
Ya he hablado en el análisis anterior de lo poco que ha hecho valer Kavalier su supuesto título de “niño prodigio”. Durante toda la temporada le vimos comportarse como un imbécil y este último capítulo no fue la excepción.
La ausencia, que reclamábamos, de un pasado que explicase su personalidad pretendió ser subsanada con unas pocas líneas de diálogo en las que habló de un padre golpeador y borracho al que asesinó, pero para el peso que tuvo el personaje a lo largo de la temporada, ameritaba un buen flashback, quizás incluso de episodio completo, como el que nos contó la historia de la Maginot.
De Sylvia no sé qué decir, salvo que fue (y es) otro personaje carente de interés. Solo mantuvo una pasiva pose de culpa durante toda la temporada y también aquí faltó un buen flashback que nos permitiera conectar con su sentir con respecto a los niños convertidos en híbridos.
Ni siquiera se enteró de lo ocurrido con Arthur, lo cual podría haber introducido algún giro en su personalidad llevando el personaje a una dimensión diferente y más rica. Y aunque él esté ahora revivido como pulpojo, no sería creíble que, en caso de cruzárselo en la próxima temporada, ella simplemente corriera a sus brazos sin percibir nada extraño…
Y ya que lo nombro: el pulpojo, al que inclusive me tuve que esmerar en dar un nombre (figura mencionado como T. Ocellus, pero me gusta más el mío). ¿A qué se debe su comportamiento? ¿Es simplemente su biología lo que le lleva a ir parasitando sucesivamente distintos cuerpos o hay algo más?¿Qué obtiene de ello?
Si es, como se nos ha mostrado, una criatura inteligente capaz incluso de conocer el número pi (disparatadamente contradictorio con su actitud), podría pensarse que habrá entonces un plan de su parte, pero hasta aquí no tenemos la menor idea ni se nos ha dado una mínima pista. Ergo: deja de interesar. Por lo menos a mí…
Por otra parte y de modo algo cargoso, se nos ha remarcado hasta el último capítulo (incluso desde el propio título) que los verdaderos monstruos no son los alienígenas, sino las corporaciones.
Una cantinela que terminó cansando de tan reiterada y tampoco es que venga a reinventar la franquicia, pues ese planteo ya estaba presente en las dos primeras películas y de manera bien manifiesta en la segunda, expuesto por la propia Ripley en poquísimas palabras y sin necesidad de repetirlo de modo cansino hasta el hartazgo.
Entre lo más interesante de la temporada, hay que hacer justicia con las muy buenas actuaciones de Babou Ceesay, Timothy Olyphant, Lily Newmark, Adarsh Gourav, Jonathan Ajayi o David Rysdahl, quienes claramente se han destacado sobre el resto a lo largo de los episodios sin olvidar, desde ya, el muy buen desempeño de casi todos en el quinto episodio, con el largo flashback de la Maginot.Y ya que hablamos del mismo, merecen igualmente remarcarse los maravillosos guiños retrofuturistas, presentes durante toda la temporada pero de modo especial en ese capítulo.
También ha sido interesante el planteo existencial sobre la identidad, especialmente marcado en el estatus intermedio de los niños híbridos, el cual se ha ido acentuando con los capítulos aunque, lamentablemente, se lo termina simplificando al borrar súbitamente y de un plumazo las diferencias de percepción entre ellos, que ahora dan impresión de compartir todos una misma causa y un mismo bando. Una pena, porque los duelos dialécticos de Marcy con Curly daban para más…
En fin: no se puede decir que la temporada haya sido un desastre porque hasta el sexto episodio venía funcionando bastante bien y parecía ir encontrando su camino, pero el final fue tan decepcionante que nos deja con la desabrida sensación de no haber concluido nada sino simplemente en espera del próximo capítulo, aunque con la diferencia de que no llegará en una semana sino en un año o dos.
Como en su momento he manifestado, nunca me convenció la premisa de que los xenomorfos hubieran llegado a la Tierra antes de los sucesos de la Nostromo. Le quita justamente singularidad a los mismos, pues después de habernos mostrado lo que ocurrió en la Maginot, la impresión es que lo de la Nostromo terminara siendo banal.
Y creo que eso es lo peor que puede pasarle a una precuela: si algo hizo grande a Black Sails es que jamás despojó de su carácter especial a La Isla del Tesoro, sino que, por el contrario, nos dejó con deseos de releer la novela de Stevenson o ver alguna de sus muchas adaptaciones a la pantalla. Algo semejante puede decirse de Bates Motel: nunca le quitó carácter singular y único a la magnífica película que nos legara Alfred Hitchcock (aquí retro-análisis).
Pero, lamentablemente, no es eso lo que hace Alien: Planeta Tierra con respecto a la inolvidable película de Ridley Scott de 1979, sino que, en un verdadero sacrilegio, la convierte en simple anécdota. Y lo más decepcionante es que quien está detrás de ello es Noah Hawley, responsable de la que es para mí la mejor serie en lo que va del siglo (Fargo, de la cual pueden leer aquí los análisis).
Quizás la razón sea que no está aquí en lo suyo, siendo evidente que se lleva mucho mejor con el humor negro, la ironía, el absurdo y los imponderables argumentales que no deben ser confundidos, como aquí ocurre, con deus ex machina.
Habrá que ver qué nos trae la siguiente temporada y me gustaría de corazón que la cosa mejorase, pero el caos en que han sumido a la trama pareciera en cambio anunciar más confusión y quizás nuevas preguntas sin respuestas. ¿Y tienen pensado, según se dice, hacer cuatro? Honestamente no se avizora cómo y es de temer que, al dilatarse tanto, se le siga quitando a las películas de la franquicia eso que en su momento las hizo únicas, sobre todo a las dos primeras.
De todos modos, estaremos aquí al pie del cañón cuando la segunda temporada llegue. Gracias por haberme acompañado en estos análisis. Hasta entonces y sean felices…