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‘A Silent Voice’: 10 años de un manga que nos enseñó un retrato honesto y profundo del bullying y la redención

El bullying no es una broma. No es una ‘fase’ ni ‘cosas de niños’. El bullying es abuso, es daño y hay que llamarlo por su nombre.

¿Te han insultado por tu forma de vestir o por tus hobbies? ¿Te han dejado de lado por tu aspecto físico? ¿Han subido una foto tuya para burlarse de ti? Esas no son bromas inofensivas, son actos de violencia que pueden quebrar confianza de una persona. Te hacen sentir que no vales una mierda.

Y duele, joder, sé que duele e incluso puedes llegar a sentir que todo es por tu culpa, pero quiero que sepas algo: NO LO ES. El problema no está en la víctima, sino en quien ejerce esa violencia, tanto verbal como física.

Lo que voy a decir parece fácil, pero sé que es lo más difícil del mundo, lo digo con conocimiento de causa: Si estás sufriendo acoso, no te quedes en silencio. Tu voz es la herramienta más poderosa que tienes. Busca a alguien de confianza: un padre, un profesor, amigos. No estás solo en esto y no tienes que luchar en silencio. Pedir ayuda es un acto de valentía, no de debilidad.

Y esto va por quienes asisten a estos actos y no los castigan. Si eres testigo, si ves que alguien está siendo intimidado, no te quedes quieto. No te rías. No te unas. No lo permitas. No ser cómplice ya es un primer paso, pero el siguiente es defender a esa persona. Se la voz y la fuerza para el que no la tiene en ese momento.

El cambio empieza con nosotros, por educar a las siguientes generaciones para que eso no vuelva a ocurrir. Podemos enseñar a no ser la persona que causa el dolor y podemos enseñar a no ser quienes se quedan callados cuando ven que alguien más lo está sufriendo.


 

‘A Silent Voice’ (Koe no Katachi), ha cumplido 10 años de su publicación en España de la mano de Milky Way en este 2025 y no estamos ante un manga más sobre el acoso escolar, es una obra que se adentra en los laberintos del bullying con una honestidad brutal y sin ornamentos. Escrita e ilustrada por la talentosa Yoshitoki Ōima, la historia de Shoya Ishida y Shoko Nishimiya es un viaje emocional que nos obliga a enfrentarnos  al dolor, la culpa y la posibilidad de la redención desde una perspectiva cruda y, a la vez, que esperanzadora. Una historia vista desde el lado de la víctima y del victimario y que no nos va a dejar indiferentes.

Nishimiya es una chica que llega a su nueva escuela con discapacidad auditiva y pronto se convierte en el centro de todas las maldades, disfrazadas de travesuras, de sus compañeros, encabezados por Ishida. Podríamos estar ante un manga que se centrase en el dolor de la joven y demonizar al chico, y lo hace, pero sabe construir una trama más profunda que nos va a encoger el corazón en más de una ocasión.

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La narrativa es un espejo implacable de la realidad, mostrando que el acoso no es un simple acto de villanía sin más, sino que oculta inseguridades y otros problemas derivados de ellas.

Como he mencionado, lo que hace especial a este manga es su capacidad para sumergirnos en la mente tanto de la agredida como del agresor. No solo vemos el sufrimiento de Shoko, una niña que intenta desesperadamente encajar y cuyo mundo se ve reducido al silencio y a la frustración de no ser comprendida ni encajar en ningún lugar. De colegio en colegio sufriendo Bullying en todos ellos.

El mangaka también nos hace testigos de la angustia y el aislamiento que experimenta Shoya tras ser el principal acosador en la escuela primaria. Ver a este chico convertido a su vez en una víctima del rechazo social lo lleva a una profunda depresión y a una incapacidad para conectar con los demás. Esta dualidad es la fuerza motriz de ‘A Silent Voice’, revelando la profunda soledad y el arrepentimiento que Shoya carga a lo largo de su adolescencia.

Su incapacidad para mirar a los ojos a las personas, representada por las «X» que cubren los rostros de sus compañeros, es una metáfora visual poderosa de su aislamiento autoimpuesto,  su miedo al juicio y la imposibilidad para mantener contacto visual con el resto de personas.

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EN CF: ‘A SILENT VOICE’ (ANIME), EL ABUSO DESDE LOS OJOS DE UN BULLY


La narrativa de Ōima evita el melodrama simplón y lacrimógeno y se enfoca en las consecuencias reales de las acciones. La forma en que Shoya lucha por redimirse no es un camino fácil y sus intentos por enmendar sus errores son torpes, llenos de ansiedad social y miedo al rechazo, lo que hace que su evolución sea increíblemente auténtica y conmovedora. La solución no viene por arte de magia, si no que seremos participes de cómo, paso a paso, Shoya tendrá que derribar los muros que él mismo construyó.

A través de él, la obra lanza un poderoso mensaje sobre las segundas oportunidades y la capacidad humana para cambiar sin mensajes superficiales y vacuos. ‘A Silent Voice’ no busca ese perdón fácil que todos podemos pronunciar, sino ese que necesita aceptarse a uno mismo, con nuestros errores, cicatrices y monstruos interiores.

Otro punto crucial del manga es cómo aborda el tema de la comunicación. Al tener a una protagonista con problemas de audición, la historia explora la barrera del lenguaje no solo como una limitación física, sino como un obstáculo para la conexión emocional. La inclusión del lenguaje de signos se hace de una forma tan orgánica y realista que conectas con Shoko cuando nadie la entiende y debe usar una libreta para escribir lo que quiere decir.

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El aprendizaje del lenguaje de señas por parte de Shoya no es solo un acto de disculpa, sino un símbolo de su esfuerzo por derribar las barreras y realmente escuchar a la persona a la que hirió. La comunicación, ya sea a través de palabras, gestos o silencios compartidos, se convierte en el hilo conductor que une a los personajes a unos niveles que el lenguaje verbal no podría plasmar.

Conclusión

‘A Silent Voice’ es un relato conmovedor que va más allá de su potente premisa inicial. Es una historia sobre el peso de las palabras y los actos, la importancia de la empatía, y la búsqueda de la redención y el perdón.

Es un manga que te hace sentir incómodo, te reta a reflexionar sobre tus propias acciones y que pudimos hacer o sentir que parecían simples bromas de colegio o instituto.

Pese a ser una historia que nos va golpear fuertemente en el corazón por la forma tan realista con la que se trata la depresión y la sensación de que no nos queda otra salida que dejar este mundo atrás, tiene ese hilo de esperanza. Todos podemos cambiar y confiar en ese cambio.

Su honestidad brutal y su mensaje de que la sanación es un camino largo y difícil, pero posible, lo convierten en una lectura obligatoria para cualquiera que busque una historia mucho más profunda y sincera sobre el bullying y el poder del perdón.

Aquí os dejo la web de Milky Way de ‘A Silent Voice’ y la portada del primer tomo:

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‘Nadie te puede hacer sentir inferior sin tu consentimiento’. Eleanor Roosevelt

He visto Welcome to Sudden Death, remake de la de Van Damme y es mucho peor de lo que me esperaba

Welcome to Sudden Death es del 2020. Remake de una de las últimas películas potables de Jean Claude Van Damme. Era su Jungla de Cristal propia, en vez de un edificio Van Damme se las veía con unos terroristas en un estadio deportivo. Pero mejor no comparar que Muerte súbita era regular tirando a mala.

Pues en 2020 algún iluminado pensó que podían hacer un remake. Eso sí para el papel protagonista han cogido a un gran artista marcial y es lo que me ha motivado a verla, Michael Jai White, quien pudo haber tenido su momento de gloria cuando hizo Spawn. Pero la película fue nefasta y acabó con las opciones de Michael Jai White en Hollywood.

A partir de entonces su carrera ha transitado en la serie B y muy en escasas ocasiones en productos de cierta calidad. Una lástima para lo bueno que es en su género. De las películas que ha realizado en este largo periplo reconozco que me gustan dos y las recomiendo: hablo de Tráfico humano, si bien es secundario y Triple amenaza, donde comparte cartel con la creme de la creme de artistas marciales.

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Welcome to Sudden Death es mala desde el minuto uno

En Welcome to Sudden Death, Jesse Freeman, ex oficial de las fuerzas especiales y experto en explosivos, trabaja como guardia de seguridad en un pabellón moderno de baloncesto. Los problemas surgen cuando un grupo de terroristas hacen acto de presencia. Con el tiempo a contrarreloj Jesse deberá salvar a un pabellón lleno de aficionados.

Esa es la premisa, como veis muy del estilo de la original Muerte súbita. Pero basta de comparaciones porque este remake no las aguantaría. Está hecha con muy poco dinero y con muy pocas habilidades para el cine de artes marciales, por lo que se desperdicia el talento de Jai White. Y es aquí  donde radica el mayor problema de la cinta. La película está repleta de acción pero con coreografías muy pobres. Tiene escenas de peleas donde se ven los golpes muy marcados y es una lástima porque Jai White con 52 años se ve bastante bien para las escenas de acción.

Tampoco se puede achacar el problema al coreógrafo Larnell Stovall ya que ha participado en productos bastante aceptables como Invicto 3, las secuelas de Rompiendo las reglas o El regreso de Falcon. En todas estas cintas tenemos mejores escenas de acción que en la cinta que nos ocupa. Y es una lástima porque en Welcome to Sudden Death tenemos mezcla de una variedad de estilos de lucha visualmente atractivos que podrían dar a las escenas un gran ritmo y construcción, pero nada más lejos de la realidad.

Tampoco ayuda esa calidad de imagen que denota que la película parece que está realizada para televisión.

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Consideraciones finales

Welcome to Sudden Death es un despropósito. Realizada con muy poco presupuesto, las carencias abundan y dificultan su visionado. Coger una película de Van Damme y hacer una nueva versión con esta calidad es innecesario.

Michael Jai White tiene ya 57 años. Es un actor que lamentablemente no hemos podido disfrutar plenamente los aficionados al género de las artes marciales. Los años siguen pasando y actores de la talla de Scott Adkins, Frank Grillo, Iko Uwais y Jai White siguen participando en productos de muy baja calidad.

A poco que valores tu tiempo, no te acerques a Welcome to Sudden Death, es una auténtica pérdida de tiempo.

Sinopsis:

En un juego de baloncesto, un exagente de las fuerzas especiales debe enfrentarse a un grupo de criminales cuando secuestran a su hija y a la dueña del estadio.

Un saludo y sed felices.

 

Análisis de El Instituto. Temporada 1. Episodio 3

Continuamos analizando la primera temporada de El Instituto, la serie creada por Benjamin Cavell que, basada en la novela homónima de Stephen King y con Jack Bender en la dirección, es emitida por MGM+. Tras los dos episodios subidos de un tirón la semana pasada, nos toca hoy el tercero, cuyo título es Graduación.

Hola otra vez. Aquí nuevamente para analizar un nuevo episodio de El Instituto, esta adaptación de Stephen King que, después de dos capítulos con sabor a poco por lo inconexo de sus subtramas, comienza en este tercero a adquirir mayor cohesión en la medida en que las mismas se van entrecruzando. Pasemos pues a ver qué nos ha dejado no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de invitar a leer aquí nuestro análisis de los dos primeros episodios si no lo han hecho.

Zumbidos

Comenzamos con Luke llevado por Tony a la sala de experimentos (o de torturas) del doctor Hendricks, en donde, tras atarle a una silla e inyectarle vaya a saber qué, se le obliga a mirar fijamente una pantalla bajo amenaza de recibir una bofetada en caso de dejar de hacerlo y una descarga eléctrica si reincidiese.

Comienza a ver distorsionado y a convulsionar para terminar sangrando por la nariz mientras verdes formas geométricas desfilan por la pantalla y él dice no ver nada a la vez que responde de manera deliberadamente disparatada a las preguntas que le hacen. Tony le aplica una descarga de picana en pleno pecho cuando intenta dejar de mirar y, terminada la prueba, Hendricks ve como positivo que, al parecer, “ha visto el punto”.

Pasado el tortuoso momento, vemos que Avery, el niño telépata recién llegado, se halla ya incorporado al grupo, aunque dice no querer estar allí (es lógico) y percibe que sus compañeros tampoco (igualmente lógico). Su poder es altísimo y se produce un momento sumamente incómodo cuando, leyendo las mentes, dice que a Luke le gusta Kalisha, pero a ella Nick y a este directamente no le importa. Momentos después escucha un poderoso zumbido que pareciera provenir del sector de la tan mentada Mitad Trasera del edificio y Kalisha dice no solo también oírlo, sino que ocurre cada tanto…

Rayuela

Fuera del instituto, la oficial Wendy pide a Tim una versión de los hechos del asalto al local comercial, pero este no parece muy interesado y poco le importa que Drew, el otro oficial de calle, se acabe llevando todo el mérito. Ella muestra intriga por tanta modestia y se pregunta si no habrá en su pasado algo que no quiere hacer público, lo que él por supuesto niega. Fuera de ello, le pone al corriente de que los dos delincuentes fueron atrapados y Dobira se encuentra en franca recuperación. Tim, como nosotros, recibe la noticia con alivio y parte hacia su ronda nocturna.

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En la calle, encuentra jugando a la rayuela a Annie, quien comienza con sus teorías “conspiranoicas”: habla de poderosos zumbidos (también ella), de que los nacidos en los ochenta tienen el cerebro dañado por dióxido de aluminio, de que en el instituto practican control mental y que, a través del mismo, han hecho estrellarse un avión en supuesto accidente del que culparán al piloto.

Antes de irse, Tim le pregunta si no ha pensado en ver a un médico, pero ella, tajante, responde que no quiere saber nada con drogas ni alcohol, al punto que tiene registro preciso de cuándo bebió por última vez: 21 de febrero de 2003. Parece un dato banal, pero acabará siendo importante al final del capítulo…

Rumores

Sigsby, por su parte, se lo pasa escaneando el edificio con cámaras y micrófonos, además de que Maureen, la encargada de la limpieza y de la cocina, le hace de informante, algo de lo cual el niño Every ya se ha dado cuenta y recomendado a Luke no confiar en ella. Al encontrarse con Hendricks camino de su laboratorio, le pregunta por los progresos de Luke y este le informa que ni merecen la pena de tan bajos.

Sigsby no queda convencida y al oír luego una conversación entre él y Stackhouse, descubre que le están ocultando información, por lo que llama de inmediato a su superior, el misterioso sujeto que por ahora solo aparece al otro lado de la línea en sombras y bebiendo whisky.

Cuando le cuenta que Stackhouse está al parecer jugando en contra, él exige pruebas, pero Sigsby no las tiene (¿no puede enviarle las conversaciones que registró?), así que el “jefe” responde que no puede guiarse por rumores y, si lo hiciera, tendría también que prestar atención a los que Stackhouse difunde sobre ella. Al interrumpirse la comunicación, el rostro de Sigbsy es de sorpresa y disgusto…

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Accidente Aéreo

Siguiendo con sus rondas nocturnas, Tim ingresa en un bar y se encuentra con una conocida nuestra, aunque no suya, que no es otra que Kate, la agente encubierta del instituto que se hiciera pasar por novia de Michelle y terminara asesinándola. Coqueteando más ella con él que él con ella (Tim es muy correcto y está de servicio), terminan conversando sobre las misteriosas instalaciones de las cercanías en que se tratan supuestas enfermedades y él se queda congelado al ver en el televisor la imagen de un avión estrellado mientras se informa que, como resultado del mismo, ha muerto un senador que viajaba a bordo…

Consultado por Kate acerca del motivo de su curiosidad, Tim le habla de su encuentro con Annie, a quien desde luego ella conoce (como todos allí) y de que justamente esta le habló de un accidente aéreo. Desde ya que él no lo sabe, pero contárselo a Kate ha sido la peor idea y terminará decidiendo la suerte de la pobre Annie…

La Graduación de Kalisha

Luke y Nick siguen urdiendo un plan de fuga. Desde el campo de baloncesto ven pasar al otro lado de la valla a un guardia con un perro y Luke dice haber notado que eso ocurre dos veces al día en correspondencia con posibles cambios de guardia. Pero ahora tienen también el aporte de Avery, cuyo poder telépata es tan grande que es capaz de acompañar al perro viendo con sus ojos y anoticiarlos así de que más allá de la última valla hay otro campo de juegos con traza de largamente abandonado. Luke le pregunta si será posible cavar bajo el mismo y el niño responde que sí, pues tiene en su mente la imagen del perro haciéndolo…

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Kalisha se aparece viniendo de su experiencia en la Caja de Sueños y la noticia es que ha superado con éxito las pruebas para pasar a la Mitad Trasera, lo cual de ningún modo festeja. Quien sí lo hace es Sigsby que, como antes hiciera con Iris, de cuya posterior suerte nada hemos sabido, le prepara una fiesta de graduación en modo cumpleaños. Está claro sin embargo que la joven no está feliz y tampoco Nick que, fiel a su estilo, escupe sobre su porción de pastel.

Avery consuela a Kalisha con que pueden seguir en contacto si ella lo intenta, pues ambos son fuertes telepáticamente. Luke agrega que ello podría incluso servirles para saber qué hay en la Mitad Trasera y Kalisha hace a todos tomarse de las manos para establecer alguna especie de conexión, situación que impacienta a Sigsby, que da por terminada la fiesta mientras Tony aferra a la joven por el brazo para sacarla de allí a la fuerza. Nick intenta mostrar resistencia, pero solo recibe una feroz estocada eléctrica al medio del abdomen.

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Mientras Kalisha es llevada por Tony a través de los corredores, Avery puede hacer el seguimiento y dice que el lugar está oscuro y da miedo. Al cruzar la joven la última puerta, sin embargo, ya no puede seguirla, situación que lo frustra y Luke lo consuela con que ya la encontrarán de todos modos. Sigsby, en tanto, mira y escucha todo…

En paralelo con ello y fuera del instituto, vemos a Tim en la noche ir en busca de Annie, a quien seguramente da más crédito después de lo del avión. Le sorprende, sin embargo, verla fuera de su tienda como habitualmente está y al echar un vistazo dentro de la misma, la encuentra sin sentido y probablemente sin vida, habiendo a su lado una botella de vodka. Ella había dicho que ya no bebía…

Balance del Episodio

Bien, parece que la serie va tomando forma luego del tono inconexo y algo lento de los dos primeros capítulos; de hecho da a pensar si para enganchar más al público no hubiera sido mejor subir tres en el tirón inicial en lugar de dos.

Las subtramas que tienen lugar dentro y fuera del instituto se van uniendo y comenzamos a atar algunos cabos, siempre dejando en claro, repito, que no he leído la novela. Por lo pronto, está claro que el niño Avery no es cualquier telépata ni tampoco es eso lo que parecen buscar quienes están detrás del proyecto: la sensación es que no quieren alguien solo capaz de leer mentes sino además de dominar voluntades a través de ello.

De acuerdo a la explicación dada por Annie, es así cómo han manipulado al piloto del avión para que se estrellase y el que a bordo viajara un tal senador Ramsey no es dato menor, pues pareciera que la intención fuera justamente valerse del control mental para manipular cuestiones referentes a la política nacional o incluso quizás global.

En ese sentido, es probable que Avery sea justamente lo que están buscando: su poder es realmente fuerte y ha demostrado no solo ser capaz de ver con los ojos de un perro o los de Kalisha, sino también de manipular la voluntad de Luke para hacerlo extraer de la expendedora una golosina de regaliz que él mismo manifestó odiar.

Lo que sigue sin verse del todo claro es el carácter del conflicto entre los miembros de la nada santísima trinidad que componen Sigsby, Stackhouse y Hendricks. ¿Es ella también una psíquica? Algo habrá desde el momento en que Avery no puede leer su mente y el que el niño no haya sido capaz de seguir a Kalisha una vez que esta traspuso la puerta de la Mitad Trasera puede deberse a que es precisamente Sigsby quien funciona como barrera.

Tampoco vemos todavía cómo encaja el episodio del asalto que viéramos en el anterior capítulo, pero es una suerte que Dobira esté con vida, pues nos había caído bien apenas aparecer y temimos su muerte solo instantes después.

A quien vamos a lamentar ya no ver es a Annie, si es que realmente murió, pues era otro personaje que nos despertaba mucha empatía y la botella que Tim vio junto a su cuerpo es altamente sugerente al haber ella manifestado no beber desde 2003. Es obvio que Kate (a quien ya estoy odiando casi tanto como a Tony) funcionó como informante y fueron por ella. Cabe preguntarse por qué directamente no la reclutaron en lugar de eliminarla, pero ya hemos visto que a los del instituto no les gustan los de espíritu rebelde e inconformista y los prefieren dóciles.  Annie, claramente, no lo era…

Considerando eso, se avizora también negro el futuro de Nick con su constante tendencia a meterse en problemas: “siempre enfadado y con ganas de golpear a alguien”, de acuerdo al dictamen telepático que sobre él dio Avery. Así y todo, por lo menos hasta aquí, no sé a ustedes pero a mí cae cada vez mejor.

En definitiva, la serie toma un rumbo mucho más definido en este tercer capítulo y, como tal, gana en intriga, sustentándose en algunas grandes actuaciones que constituyen una revelación, pues a Mary-Louise Parker ya la conocemos y no hace falta que nos ande demostrando su talento, pero están muy bien y cada vez mejor los actores adolescentes y muy en especial Joe Freeman, sumándose ahora el gran aporte del actor infantil Viggo Hanvelt, quien entrega un enorme trabajo para un personaje digno de película de M. Night Shyamalan.

Eso sí, el personaje de Ben Barnes está muy bien actuado y despierta simpatía, pero sigue siendo poco creíble de tan modélico: tan buen ciudadano que junta del piso las latas que encuentra tiradas, tan humilde que permite que otro se quede con el mérito de lo que ha logrado, tan responsable que no bebe una gota de alcohol en servicio, tan solidario que ofrece a Annie la posibilidad de ver a un especialista y tan caballero que se sienta lejos de Kate para que esta no se sienta acosada. Pinta para foto de portada como hombre del año…

Seguramente el próximo capítulo seguirá uniendo subtramas y es de creer que traiga más revelaciones, pues hasta aquí, y sobre todo a quienes no hemos leído el libro de King en que la serie se basa, la misma nos mantiene expectantes e intrigados por saber qué diablos hay en la Mitad Trasera de las instalaciones y, por supuesto, cuál será la suerte corrida por Kalisha o si la habremos perdido para siempre: espero y creo que no.

Les aguardo la próxima semana para analizar lo que el cuarto episodio nos traiga. Hasta entonces y sean felices…

 

Superman (2025): vuela alto en EE. UU. pero se hace cenizas fuera

¡Señoras y señores! El nuevo Superman de James Gunn ha encendido motores y… bueno, en EE. UU. lo han flipado. Pero fuera del país del Tío Sam… parece que Clark Kent tropezó con un par de chinos (China, entérate) y europeos que no estaban comprando palomitas. ¿El resumen? Un taquillazo local, un «desastre» internacional.

Éxito patriótico y más de 400 Millones en dos semanas globalmente

  • Arrancó con unos impresionantes 125 M$ en Norteamérica; la segunda semana fue líder con otros 57M$, acumulando ya 235 M$ locales.
  • Lleva ya más de 400 M$ en global, y se coloca como la décima mayor recaudación del 2025.
  • La crítica lo adora: 82 % en Rotten Tomatoes, CinemaScore A‑, y calificado como el mejor Superman desde el Reeve-x (1978)

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Fuera de EE. UU.: no tanto

  • Puestos internacionales: solo 173 M$ en 78 territorios, cifra “decente” pero floja frente a su éxito norteamericano.
  • China está dando pena: apenas 8–9 M$ en ocho días, desplome del 94 % la segunda semana ¡y off screens casi ya!
  • Expertos citan razones: “Superman es muy yanqui” y en algunos países eso suena a himno del Tío Sam, no himno de taquilla.

Crítica sin spoilers de Superman. Una versión luminosa y fiel al cómic en una divertida película familiar


‘Superman’ (2025) de James Gunn: ¿Un Nuevo Icono o Un Paso en Falso? (Análisis Detallado con Spoilers)


 

¿Está dentro o fuera?

Pese a la decepción global, el film cumple: se sitúa cuarto mayor estreno en DC pos‑Covid y supera a Man of Steel en debut. Pero los que esperaban 1.000 M$ globales deben esperar sentado: los analistas dicen que necesita 500 M$ para sacar pasta, y 700 M$ para considerarse éxito rotundo. Parece que la película estará finalmente en torno a los 600M$.

Conclusión Mario‑style

Superman marca un punto fuerte para DC: Gunn lo ha llevado a volar con estilo, fans y crítica están contentos y ha encendido el DCU. Pero el planeta… bueno, se ha mostrado tibio. Para que Superman no se estrelle en las siguientes misiones (léase Supergirl o The Brave and the Bold), Warner necesita reinventar el traje, no solo en cámara… también en taquilla planetaria.

Así que, si estás en EE. UU., enhorabuena, esto ya es casi tuyo. Si estás fuera, no te preocupes: igual aparece en HBO Max y te sorprende. Y si eres chino… pues mala suerte, chico.


Un desglose completo de todos los cameos que aparecen en la película de Superman (2025)


Superman no es inocente pero tú sí


Del clásico de Donner hasta la versión de Snyder: todas las películas de Superman ordenadas de peor a mejor

Un saludo y sed felices.

Análisis de Fundación. Temporada 3. Episodio 2

La tercera temporada de Fundación continúa acercándose más decididamente a la saga literaria de Isaac Asimov en que se basa. Analizamos el segundo episodio de la misma, cuyo título es Sombras en los Cálculos. Creada por David S. Goyer, la serie puede ser vista en Apple TV+.

Hola otra vez, psicohistoriadores. Aquí estamos una vez más para analizar otro episodio de esta gran serie que es Fundación y que en su tercera temporada nos sigue acercando a los libros de la saga que tanto amamos. Un segundo episodio en el cual despedimos a un personaje querido y entrañable y en el que la dinastía de los Cleon se desangra por dentro mientras el Mulo hace de las suyas y Han Pritcher va tras sus pasos…

Hay por lo tanto mucho que contar, así que mejor pasemos ya mismo a hacerlo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Despertares

Comenzamos en Ignis, con Hari y Gaal despertando del sueño criogénico. En realidad, son varios los despertadores a través de flashbacks que van y vienen en el tiempo, enterándonos así que ambos interrumpían cada tanto y brevemente su sueño para dar instrucciones a los mentálicos: él acerca de la psicohistoria y ella sobre cómo enfrentar al Mulo cuando este llegase. Ello, además de ayudar a fortalecer tanto a la Primera como a la Segunda Fundación y reclutar para esta última nuevos mentálicos a través de la galaxia.

Pero parece que ni aun así el tiempo alcanza. En la inminencia de la Tercera Crisis y faltando ya medio siglo para la llegada del Mulo, Seldon considera necesario que uno de ambos permanezca despierto de modo permanente para que la Segunda Fundación llegue debidamente preparada a dicho punto de quiebre. Obviamente, y a pesar de las quejas y súplicas de Gaal, ya ha decidido de manera inconsulta ser él quien lo haga…

Despertando pues ella ciento cuarenta y ocho años después de su primer sueño, descubre que la comunidad tiene un nuevo líder con un nombre conocido para los lectores de la saga: Preem Palver (Troy Kotsur).  Seldon está en los bosques, visiblemente avejentado y habiendo hecho esculturas conmemorativas que recuerdan a Salvor, Yanna y Raych. Reflexionando acerca de la marcha de la psicohistoria, llega a la conclusión de que el futuro sigue articulándose en torno a Gaal y, por lo tanto, le hace entrega de un Radiante para que tenga acceso a toda la información referente a las Ocho Crisis.

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Ella vuelve a su sueño criogénico sin que él le diga que su hora está cercana, de lo cual nos enteramos instantes después al presentarse la personificación del Radiante Supremo y pedirle Hari que le lleve a Oona, el mundo en el cual justamente había conseguido su corporización física. Ambos se van pues a través de un portal, en emotiva despedida que parece más de Tolkien que de Asimov y, de ese modo, Hari Seldon, al menos en su forma humana y mortal, nos deja para siempre…

En su siguiente despertar, Gaal lamenta la partida de quien fuera su mentor y maestro, razón por la cual quiere inmortalizarlo con una estatua propia en los bosques, pero resulta que él ya lo ha hecho. Modesto Hari…

A la Cuenta de Tres…

En Kalgan, el Mulo ha tomado posesión del palacio y tiene formando filas a quienes fueran hombres y mujeres de Bellarion mientras les arenga sobre lo fácil que es para él dominar mentes y voluntades, al punto incluso de remover y trastocar afectos.

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Confirmando sus palabras, allí está Skirlet (Isla Gie), la pequeña hija del fallecido general a la cual el mutante había secuestrado y que diera lugar a aquel simulacro de intercambio con tan trágicas consecuencias para este último.

Ella, de hecho, dice amarle más que a nada en el mundo y, cuando instantes después es puesta en sus manos un arma, el Mulo logra dominar la voluntad de la niña de tal modo que se la lleva a la sien y está a punto de jalar el gatillo (o lo que sea) para seguir idéntico destino que su padre. El Mulo hace cuenta regresiva pero al llegar a tres, resulta que el arma está descargada, con lo cual todo ha sido un sádico número de demostración de poder por su parte, aunque al mismo tiempo agradecemos que nos hayan evitado una escena que definitivamente no queríamos ver…

Tórtolos

La historia nos lleva luego a la Liga de Comerciantes, donde nos encontramos con otros dos personajes conocidos para los lectores (aunque, como preveíamos en nuestro análisis anterior, con el apellido cambiado). Se trata del matrimonio integrado por Toran (Cody Fern)y Bayta Mallow (Synnøve Karlsen), siendo el primero de ambos descendiente del ya mítico Hober Mallow, fundador de la Liga y sobrino de Randu, de quien definitivamente debemos pensar que murió tras el enfrentamiento en Haven.

A Toran, sin embargo, poco le importa el legado de su padre aunque ello no le impide disfrutar de los beneficios de su posición y de una vida económicamente solucionada, lo cual queda perfectamente graficado al ver a los jóvenes y flamantes esposos retozar bajo el sol de su mundo hasta que el mismo es oscurecido por la nave del Mulo.

Se les ve aun así muy frívolos y despreocupados hasta que de pronto se les presenta Han Pritcher que, recordemos, viene de comprobar en Haven los contactos entre los mercaderes y el Imperio pero, por sobre todo, está interesado en saber del Mulo. La razón de su presencia allí es, precisamente, usarles como espías, pues al parecer la pareja ha sido invitada a un agasajo formal de parte del Mulo y a ello se debe la visita de su nave…

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Muñecos de Trapo

En Trántor, los Cleon aún no se recuperan del duro impacto que les ha provocado la noticia que les diera Demerzel al final del episodio anterior: que en solo cuatro meses se termina todo. Dawn quiere creer que puede haber alguna solución, pero el robot replica que la psicohistoria nada puede hacer y menos cuando los cálculos vienen incluyendo desde hace ya tiempo “sombras” no individualizadas.

El menos preocupado parece Day, a quien saber cercano el final le entrega aún más a los placeres mundanos como si lo único que quedara por delante fuera disfrutar hasta donde se pueda. El más afectado, en cambio, es claramente Dusk, a quien ya venían afligiéndole de antes los conflictos existenciales con respecto a su inminente final.

En un intento desesperado, va a ver a Demerzel para decirle que puede ayudarla en lo que se viene si logra evitar su ejecución. Para su decepción, ella le responde que no está dentro de sus funciones decidir los plazos de expiración de los miembros de la dinastía, sino que lo suyo es ser más bien “un reloj” y el momento para cada uno está ya fijado y establecido con precisión.

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Dusk va entonces a ver a Day para buscar convencerle de formar un pacto o alianza, pero este se da cuenta rápidamente de sus intenciones como de que ha ido a ver previamente a Demerzel sin resultados. De modo semejante a Demerzel pero por diferente camino, su postura es también que nada puede hacerse y sus destinos están ya escritos: “Somos muñecos de trapo disfrazados de reyes” dice para, acto seguido, practicarse un corte en el antebrazo que rápidamente comienza a ser cicatrizado por nanobots.

Decepcionado pues por partida doble, Dusk saca un último as y nos enteramos que ha estado ocultando durante todo este tiempo un arma letal conocida como Novacula, básicamente una “bomba de agujero negro”, cuyas virtudes son expuestas por uno de los ingenieros y que es capaz de hacer desaparecer un planeta completo, tal como instantes después demuestra con uno al azar que no sabemos adónde ha ido a parar, pero claramente no existe más…

Ya sobre el final del capítulo vemos a Dawn establecer contacto con quien cree que es el Mulo y manifestar alegrarse de conocerlo, pero a quien vemos en realidad en la imagen y oímos hablar con él es a Gaal Dornick…

Balance del Episodio

Sin el ritmo ni la espectacularidad visual del anterior, ha sido un buen capítulo, lo cual no quita que un par de detalles me hayan hecho chirriar un poco los dientes. Hemos visto cuatro subtramas en cuatro diferentes escenarios galácticos y, tal como en el primer episodio de la temporada, asistido a la entrada a la serie de más personajes que están en los libros, especialmente de Fundación e Imperio.

El arco de Ignis nos trajo de vuelta a Gaal y Hari, hasta el momento casi ausentes de la temporada a excepción de algún primer plano o relato en off en el caso de ella y del holograma de la Bóveda en el del segundo. El manejo del tiempo fue interesante, sobre todo porque permitió llenar poco a poco y de modo no lineal las lagunas que había dejado el período en que tanto la muchacha como el historiador dormían.

Lo triste ha sido, desde luego, tener que despedir a Seldon en su forma física, pues aunque ya sabemos que en los libros está para esta altura muerto hace rato, había en la serie formado una dupla de buena química con Gaal. Dudo, no obstante, que haya sido por extensión una despedida del actor Jared Harris, pues sigue existiendo su versión de la Bóveda y es de creer que, al menos como tal, le seguiremos viendo. Extrañaremos, eso sí, el costado más humano y emocional de su forma mortal, pero bueno: los mortales, por definición, mueren, aunque nos duela aceptarlo…

Lo que no me ha terminado de convencer es la forma en que se ha dado la despedida, más cercana a Bilbo o Frodo partiendo hacia Valinor que a la racionalidad extrema de Asimov, para quien, a diferencia de Tolkien (ferviente católico) no había nada más allá de la muerte (lo cual no le impidió expresar varias veces su admiración por el célebre autor fantástico). Aun así, la escena nos deja sentimientos encontrados porque estuvo cargada de emotividad y nos costó despedir a Hari

Por último, un dato no menor con respecto al arco de Ignis es la presentación de Preem Palver.  En los libros, es en efecto y como aquí pareciera, Primer Orador de la Segunda Fundación, pero no sufre de ninguna discapacidad auditiva mientras que aquí sí y se expresa con señas.  La razón del cambio, entiendo, es que su papel está a cargo de Troy Kotsur, quien también la sufre y, por cierto, es un lujo su incorporación al elenco siendo un ganador de Oscar (mejor actor de reparto en 2002 por Coda).

El arco del Mulo ha sido tremendo y está claro que Pilou Asbæk consigue un compromiso muy fuerte con el personaje que, de modo aún más decidido que en el episodio anterior, provoca el mismo miedo que en su momento diera al encarnarlo Mikael Persbrandt, más allá de que sus apariciones fueran breves y mayormente en forma de visiones o flashforwards. Y la escena en que hizo a la niña llevarse el arma a la sien nos hizo erizar la piel y, por un momento, cerrar los ojos en espera de lo peor. Por suerte era todo parte de una actuación para mostrar poder…

Tal como anunciáramos en el análisis del episodio anterior, hemos visto la llegada a la serie de Toran y Bayta, en efecto con el apellido cambiado, pues en Fundación e Imperio el mismo es Darell y aquí Mallow, tal como ocurriera antes con Randu. Insisto en que la razón de ello debe ser no hacer tan complicada para el espectador la identificación de personajes y parentescos, más allá de lo cual y, según hemos visto, tanto en el libro como en la serie Toran sigue siendo descendiente de Hober.

Lo que no me cerró demasiado es verles tan frívolos. No sé si me engañará la memoria, pero no les recuerdo así ni siquiera al momento de ser presentados en Fundación e Imperio. Eran un par de tórtolos enamorados, sí, pero aquí bordean lo estúpido o al menos esa es la primera impresión.

Espero que sea solo eso y la cosa cambie en los próximos episodios, pues se hace difícil imaginarles con el rol central que tendrán luego en la cacería del Mulo y, menos que menos, a Bayta como un prodigio en matemáticas, lo cual en la novela original en efecto es. De quien seguimos sin noticias es de Magnífico Giganticus, pero si se viene una fiesta de recepción, se me ocurre que podría ser ese el contexto perfecto para que hiciese su presentación. Lo estamos esperando…

En cuanto al arco de los Cleon, ha sido interesante ver a los representantes de la dinastía genética encarnar tres distintas posturas ante la inminente crisis y todas terriblemente humanas. En el caso de Dawn, buscar desesperadamente la forma de salvar al Imperio y al mismo tiempo mantenerse en el poder que está a punto de asumir. En el de Day, regocijarse en la resignación y disfrutar lo que queda de vida ya que la misma no tiene sentido. En el de Dusk, escapar a su destino individual y, si es necesario, provocar una masacre o genocidio para lograrlo.

No difiere demasiado de lo que serían las opciones más claramente identificables si hoy supiéramos, por ejemplo, que un inmenso asteroide está a punto de acabar con nosotros: salvar al planeta, salvarse a uno mismo o entregarse a disfrutar antes del final. Y la introducción de la “bomba de agujero negro” ha sido en ese sentido de escalofriante actualidad porque permite hacer analogía con el mundo de hoy, en el cual la irracionalidad, la paranoia y el fundamentalismo han reemplazado al miedo por lo menos racional que entre sí se tenían Estados Unidos y la Unión Soviética en los años de la guerra fría.

En definitiva, y aunque se haya quedado algo por debajo del anterior, ha sido en el balance un buen capítulo, quizás más importante por lo que anuncia que por lo que ha traído y que, con alguna despedida triste de por medio, sigue haciendo a esta temporada encontrarse más claramente con los libros.

A ver qué pasa con el próximo. Hasta entonces y sean felices…

Análisis de Smoke (2025). Capítulo 5.

De todas las plataformas de streaming que pueblan esta vasto mundo, Apple TV es la que más me desconcierta. Primero, por su tremenda inversión en sus producciones sin tener en cuenta la audiencia (ahí tenemos See, una de las series más caras de la historia de la televisión). Segundo, por su nefasto acierto con (algunas) películas. Ahí tenemos Argylle, El abismo secreto o La fuente de la eterna juventud como ejemplo. Por suerte, la serie Smoke demuestra la buena forma de la plataforma en su buen hacer con las series.

Tras un análisis completo de los cuatro primeros episodios, toca analizar en profundidad lo que hemos visto hasta ahora en los dos siguientes.

A PARTIR DE AQUÍ, SPOILERS DEL QUINTO EPISODIO DE SMOKE

En su quinto capítulo la serie continúa siendo entretenida y mantiene ese tono algo desenfadado que le aleja de la gravedad de todas las películas en las que su creador Dennis Lehane ha participado. Ya sabéis, Mystic River, Shutter Island, La entrega o Encerrado con el diablo.

Crítica de esa obra maestra llamada Encerrado con el diablo. 

Nuestro análisis psicológico de Shutter Island. Sobre psiquiatría y delirio. 

Eso sí, pierde un poco al separar a los dos protagonistas. Mientras el cerco se estrecha, sin que él lo sepa, sobre Dave Gudsen, la serie realiza un análisis exhaustivo y tal vez demasiado explicativo sobre la personalidad de nuestro pirómano protagonista.

SE MASCA LA TRAGEDIA

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Mientras la serie conduce a una marcha concreta en lo que se refiere a los dos investigadores protagonistas, Smoke se pone mucho más seria con Freddy, nuestro tímido trabajador de un restaurante de comida rápida que se ha estrellado queriendo ser “normal”. O, mejor dicho, queriendo ser lo que él cree que todos quieren ser.

Con la llegada de un nuevo encargado, se hace patente que la empresa ha rechazado a Freddie, por lo que, ante la decepción, prende fuego a una casa con un matrimonio dentro, aunque no queda claro si la peluquera a la que culpa de querer cambiarle también ha sido pasto de las llamas.

TENEMOS NUEVO FICHAJE

Mientras Gudsen se encuentra en el congreso de incendios provocados, Michelle continúa intentando capturar a su compañero.

En primer lugar, cuenta con la ayuda del hijastro de Gudsen, que le da las grabaciones sobre su libro en las que el protagonista plasma la realidad desde su narcisista punto de vista. Así, se ve como un atractivo investigador impulsado por el amor a su profesión y que resulta irresistible para su compañera policía.

Mientras, conoce a Esposito, el antiguo compañero del protagonista que malvive tras haber sido expulsado de la policía y se dedica a la filmación de videos porno no consentidos, duerme en una caravana y se infla a tequila y cocaína.

Esposito tiene el rostro de John Leguizamo, ese actor latino secundario al que siempre recordaremos como el mítico Benny Bianco, el personaje menos importante más importante de esa joya llamada Atrapado por su pasado (una de las mejores películas de Brian de Palma).

El ex policía sospechaba de Gudsen porque era capaz de encontrar pistas que nadie más podía hasta en diecisiete incendios provocados. Sin embargo, fue engañado por Gudsen cuando, borracho, le incitó a prender fuego a una caravana supuestamente vacía. Se intuye que ese fue el motivo de ser expulsado sin luchar. Y la falta de pruebas, claro está.

EL DESPRECIABLE DAVE GUDSEN

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A la misma vez que Michelle y Esposito hablan sobre la personalidad narcisista de Dave, esta se materializa en su forma de actuar durante el congreso de incendios provocados, dando pie a una sobreexplicación que no creo que beneficie a la serie.

Nuevamente, vemos como Dave da la misma charla de siempre pero esta vez es confrontado por una aprendiz, lo que le frustra. También vemos que, en congresos de otros años, ha provocado algún que otro incendio. Y que sigue quedando con una de sus ex mujeres jugando a ser extraños.

Pero el desafío de la aprendiz le ha dañado tanto en su ego que, como era de esperar, el encuentro sexual no sale bien. Frustrado (como Freddy, aunque los motivos de la decepción de este son más primarios) prende fuego a un supermercado antes de marcharse. Sin embargo, sufre un accidente que probablemente le ponga en un compromiso.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Vengadores Doomsday o cuando los Vengadores invaden la casa de los 4 Fantásticos

¿Te suena eso de “incursiones”? No, no hablamos de un corte de corriente en tu barrio, sino de universos rompiéndose entre sí. Pues el mandamás Marvel, Kevin Feige, ha soltado una bomba: en Vengadores Doomsday (sí, esa película del 18 de diciembre de 2026) los Vengadores de siempre se van…

¡A cenar a casa de Reed Richards y compañía!

Y no será un picnic, porque hay Doctor Doom cerca.

Invitación caliente: los Vengadores llaman a la puerta del edificio Baxter

Imagínatelo: la cocina, el salón y la cafetera de los 4 Fantásticos llenos de gente con capas y armaduras. Feige lo describe como “muy divertido”, porque el rodaje usa los mismos sets que los de Los 4 Fantásticos: Primeros pasos. Solo que esta vez hay más vasos rotos y menos orden sobre la mesa. ¿Cena familiar? Más bien asado multiversal.

Vengadores Doomsday

¿Por qué esto es épico?

  • Crossover de verdad: no es un Hulk que aparece y se va. Esto es “colisión de universos” en toda regla.
  • Los 4F ya en 616: no es cameíto de película post‑créditos, es un team-up oficial.
  • ¿La guinda? X‑Men, Thunderbolts y Shang‑Chi podrían aparecer: Feige está tejiendo un tapiz con mil hilos… y vaya si se ve colorido.

El plan maestro: ¿Secret Wars?

Feige ha soltado la palabra mágica: Secret Wars. Esto suena a “fin de ciclo pero también a reboot con gusto”. Después de Doomsday llegará Secret Wars (17 de diciembre de 2027), donde todo se pondrá patas arriba. ¿Timeline unificado? ¿X‑Men, Vengadores y 4F juntísimos? Parece que sí.

¿Por qué deberías ponerte las palomitas?

  • Si te gustaron Endgame o Multiverso de la locura, esto promete cubos épicos.
  • Si llevas camiseta de Doom o de Reed Richards, tu clóset ya tiene justificante legal.
  • Si esperabas que Disney+ fuera el final del relato… pues te equivocabas: esto se pone serio, señor.

Recapitulando: Feige está sacando las llaves del multiverso para montar una cena de gala con invitados VIP (Vengadores, 4 Fantásticos y quizá X‑Men). Y todo ello, con una tragedia inminente que podría cambiarlo todo en Secret Wars.

Así que ya lo sabes. Mete la fecha del 18 de diciembre de 2026 en tu calendario, revisa tu colección de camisetas superheroicas, y prepárate para que empiece el caos con mayúsculas. Marvel no está bromeando: esto va en serio, con sabor y dimensión cósmica.

Un saludo y sed felices.

Tráiler de Depredador Tierras Salvajes (Predator Badlands)

Píllate un vaso grande, acomódate en el sofá… porque acaba de soltar Warner el tráiler de Depredador Tierras Salvajes (o Predator Badlands si quieres echarle un toque inglés). Y sí, colega, esto promete ser la próxima bestia salvaje del cine de alienígenas. Estreno en España: 7 de noviembre de 2025.

El planeta hostil más chungo

La premisa es tremenda: un Depredador joven (Dek, interpretado por Dimitrius Schuster‑Kolamatangi) acabó expulsado de su tribu y ahora tiene que buscar su lugar en un mundo repleto de trampas vivas. Y no va solo: su compañera es Thia, un androide creada por Weyland‑Yutani (sí, los mismo que habían hecho llorar a los marines de Alien). Es un dúo mortal, literal y literario: él con sus cuchillas y honor, ella con lógica de máquina y mirada de robot con alma.

Depredador Tierras Salvajes

Acción y criaturas salvajes

El tráiler te escupe en la cara alienígenas que parecen una mezcla de pterodáctilos y árboles carnívoros. Se intuye un “dúo dinámico” lleno de contrastes: Dek levantando a Thia literalmente del cuello (¡ouch!), lo que sugiere que el respeto crece con las hostias… y con algún que otro acto de heroísmo bizarro.

Además, viene con humor negro, y escenas de supervivencia que dan ganas de inventarte un casco Predator para salir al súper.

Eclipse Alien y guiños sorpresa

Ojo al dato: en una secuencia rápida del tráiler se ven cráneos que podrían ser xenomorfos… ¡y hasta un guiño a Independence Day! Sí, señor, ese cráneo que parece de Harvester no está de adorno. (Incluso esta escena se vio mejor en el primer tráiler) La sala de trofeos es un mix fan-service con aroma a multiverso sci-fi.

Estilazo Mad Max + película indie galáctica

Dan Trachtenberg, que ya dirigió Prey, vuelve a ponerse al mando. Cuenta que el tono esta vez bebe de Tarantino, Clint Eastwood y Mad Max, con criaturas a lo Shadow of the Colossus. Dek incluso habla algo de su idioma Predator original, diseñado por el tipo que inventó el Na’vi de Avatar. No es un spin-off barato: esto va con amor y entendimiento hacia la cultura Predator.

Resumen explosivo

Depredador Tierras Salvajes se presenta como la saga más salvaje y ambiciosa en años: ciencia‑ficción, acción, humor negro y ácido de esos que dejan marca. Es el Mad Max del espacio con bichos, honor alienígena y héroes robotizados. Lo bordan a lo grande. Si pensabas que el Predador era solo un monstruo con camuflaje… espera a verlo echando carreras con un androide bajo un cielo de ruinas extraterrestres.

Tráiler en inglés

Tráiler en Español Latino

Un saludo y sed felices.

Los Goonies. Conoce a sus actores a día de hoy.

Los Goonies es una de las películas de culto de los años 80. No es la mejor de todas, pero se convirtió enseguida en una cinta para disfrutar en familia en cualquier parte del mundo y en estos días ha cumplido cuarenta años de su estreno, razón por la cual hemos publicado en esta web el retro-análisis de nuestro compañero Jordi que pueden leer aquí. Producida por Steven Spielberg y dirigida por Richard Donner llenó nuestras cabezas de alegría, aventuras y amistad. Pero, ¿qué fue de sus protagonistas? Algunos tuvieron mejor suerte que otros. Aquí os lo explicamos todo.

Corey Feldman

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Corey Feldman fue una estrella en los 80 y, en muchos sentidos parece que la década nunca le ha abandonado. El ex actor infantil (que luego lanzó un álbum titulado Former Child Actor), ha seguido trabajando desde que interpretó al inteligente y pesado Bocazas en los Goonies.  Entre los títulos que le incluyeron después podemos mencionar Viernes 13: Un Nuevo Comienzo (1985) y Cuenta Conmigo (1986).

Pero, desafortunadamente, gran parte de lo que ha hecho en la gran pantalla ha eclipsado lo que solo puede describirse como travesuras de «Corey Feldmanesque», que incluyen su continua obsesión con Michael Jackson a mediados de la década de 1980, sus fiestas de mansión completamente locas y , por supuesto, su música. Su extraña música. Su muy, muy extraña música. El público ha sido bastante indiferente a las canciones de Feldman en las últimas décadas, aunque claramente son muy importantes para él. Pero el ex actor sigue no obstante intentando triunfar en la música. ¿Lo conseguirá?

Sean Astin

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Sean Astin interpretó a Mikey, el asmático «líder» de facto de la pandilla. Después protagonizaría la película biográfica de fútbol Rudy, y llevaría su carrera a otro nivel al asumir el papel de Samwise Gamgee en la enorme trilogía de El señor de los Anillos. Más recientemente, reservó un papel en la segunda temporada de la exitosa serie original de Netflix Stranger Things, donde asume el papel de novio de Winona Ryder, prácticamente asegurando que nunca podrá escapar de las invitaciones para apariciones en convenciones de fantasía y ciencia ficción.

En una nota personal, a principios de la década de 2000, Astin realizó una prueba de ADN para descubrir quién era realmente su padre. Fue criado por el actor de La Familia Addams John Astin, de quien tomó su apellido, pero durante mucho tiempo se sospechó que su padre era realmente Desi Arnaz, Jr.  Pero resultó que en realidad su progenitor biológico era el amigo de la familia Michael Tell (con quien su madre se casó brevemente para evitar el escándalo por su embarazo). Sean mantiene una relación cercana con los tres hombres.


Retro-Análisis: Los Goonies (1985). El clásico infantil cumple 40 años.


Josh Brolin

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Josh Brolin interpretó al hermano mayor de Mikey, Brand, y como muchos de sus colegas veteranos de los Goonies, ha mantenido una carrera estable que se distingue por un trabajo sólido. Más recientemente, interpretó al  semidiós Thanos en las películas del Universo Cinematográfico Marvel, e incluso a Cable en Deadpool 2, pero también apareció en No es país para viejos, Old Boy, Jonah Hex y Milk, el último de los cuales le valió una nominación al Oscar.  Más recientemente le hemos visto en Dune y pronto lo haremos también en The Running Man, nueva adaptación de la novela de Stephen King.

Sin embargo, no todo le ha funcionado tan bien: en 2013 ingresó en rehabilitación para enfrentar problemas de abuso de sustancias. Cuando era adolescente, fue miembro de una pandilla de surfistas llamada Cito Rats y adquirió malos hábitos, incluido el consumo de heroína. Beber resultó particularmente problemático, al punto de haber roto su matrimonio, pero parece haberse recuperado bien, limpio y sobrio. Brolin se volvió a casar en 2016.

Jeff Cohen

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Jeff Cohen interpretó a Lawrence «Gordi» Cohen, el corpulento y frecuentemente molesto Goonie. Su carrera como actor terminó poco después de los Goonies, pero por una razón sorprendente. Como actor infantil, se había hecho un nombre asumiendo roles de «niño gordo», pero durante la pubertad su cuerpo cambió, y todos esos michelines se derritieron … junto con las llamadas de su agente.

«Básicamente había alrededor de cuatro niños gordos en la ciudad» «así que cada vez que había un papel de niño gordo, veías a las mismas personas en la audición. Pero cuando llegué a la pubertad, eso fue el final de mi carrera»

Kerri Green

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Kerri Green interpretó a la chica pija reconvertida en Goonie, Andy Carmichael. Después de Los Goonies, se centró en el trabajo de televisión por un tiempo antes de fundar la productora Independent Women Artists, cuyos proyectos incluyeron el lanzamiento de 1999 Bellyfruit. Más recientemente, apareció en el sombrío drama doméstico Complacent junto a Cerina Vincent.

En general, como revela una entrevista de reunión con la revista Empire, ella parece sentir que su vida real es más satisfactoria que cualquier cosa que finalmente le haya sucedido a Andy. Cuando se le preguntó qué haría su personaje como adulta, bromeó diciendo que pasaría sus días «todavía en su minifalda, con un cigarrillo y un martini, esperando que [Brand, el personaje de Josh Brolin] vuelva a casa».

Martha Plimpton

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Martha Plimpton interpretó a Stef, la mejor amiga de Andy. Antes de eso, ella era en realidad una modelo de Calvin Klein, y desde entonces, ha hecho un montón de apariciones en televisión (especialmente ER y Raising Hope), películas de comedia independientes y de elenco (200 Cigarettes, Parenthood), Broadway, lo que sea. Incluso aparece en el videojuego Minecraft. Además de su prolífica carrera, se ha hecho un nombre como activista por los derechos de las mujeres y LGBT, organizando incluso un autobús para llevar a un grupo de pasajeros a la Marcha de Mujeres de Washington, D.C. en enero de 2017.

Jonathan Ke Quan

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Jonathan Ke Quan interpretó al personaje de Data. También puedes reconocerlo como Tapón en Indiana Jones y el templo maldito. Desde entonces, ha interpretado a personajes secundarios en su mayoría, aunque finalmente obtuvo un papel principal en la comedia de larga duración Head of the Class.  Actuó asimismo en Encino Man y ha trabajado como coordinador de dobles en las películas de X-Men, entre otros, pero lo más importante es que en 2023 se alzó tanto con el Oscar como con el Globo de Oro en la categoría mejor actor de reparto por su papel en Todo a la vez en todas Partes, siendo el primero de origen vietnamita en conseguir ambas preciadas estatuillas.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Briar 1. Joder, cómo ha cambiado el cuento (para mejor)

Es algo habitual en los últimos tiempos usar los cuentos clásicos como punto de partida para nuevas versiones de la historia que llevan a sus protagonistas un paso más allá de lo que estamos acostumbrados. Y eso es lo que nos vamos a encontrar en Briar, un cómic de Christopher Cantwell y Germán García publicado en España por Planeta y que nos presenta una atractiva versión de la Bella Durmiente de los Hermanos Grimm acorde con los tiempos mordernos y llena de acción, aventura y humor.

El resumen de la editorial es el siguiente: Cien años después de que Briar Rose cayera en su letargo, la durmiente se ha convertido en una sonámbula y ha de enfrentarse a un mundo crudo y brutal regido por una tirana de su pasado. Con la carga de la profecía y de la traición a sus espaldas, Briar y su grupo de inadaptados van a tener que sobrevivir al erial en el que fue a morir la magia. Y, mientras recorre esa tierra llena de horrores indescriptibles, Briar alimentará una abrasadora ansia de venganza. Ahora bien, ¿será suficiente para que este lugar, o incluso su corazón…, tengan algo que se parezca siquiera a un final feliz?

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El punto de ruptura que Cantwell establece con la historia original es que el príncipe destinado a despertar a la princesa durmiente, no lo hace y prefiere casarse con ella y dejarla dormida para que así no moleste y poder dedicarse tranquilamente a sus cosas principescas. Con la bendición incluso del padre de la muchacha que encuentra en este príncipe un aliado para sus planes de guerra.

Mucho, pero que mucho tiempo después, un misterioso personaje despierta a una Briar Rose que vuelve a la vida en un escenario que no reconoce y que parece haber ido a peor. Porque el mundo en el que ha despertado es mucho más peligroso, lúgubre y cruel de lo que ha sido nunca, y puede ser que ella misma tenga la culpa. Y es que Briar se entera de que forma parte de una profecía por la cual es el heraldo de una nueva era de oscuridad y destrucción que está a punto de llegar.

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Al menos nuestra protagonista encontrara la ayuda de unos aliados poco probables como una guerrera exiliada de una raza del norte emparentada con las arañas y con su propio interés en Briar y un brujo descendiente de las hadas madrinas de la propia Briar que pocos poderes mágicos tiene.

Los tres personajes se embarcarán en un viaje de descubrimiento que los llevará a enfrentar a la responsable tanto de la situación caótica del mundo como de todo lo que le ha pasado a Briar, una Briar que quiere romper la profecía y ciclo del cuento fantástico que la lleva a un destino que no desea.

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Christopher Cantwell demuestra ser un gran guionista presentado una nueva versión del mito de La Bella Durmiente muy atractiva, con una carga feminista que enmarca de manera perfecta todo el relato sin ser demagógica y dejando respirar la historia gracias a su dominio de los personajes y de la aventura que atrapa al lector. A esto hay que añadir un sentido del humor sencillamente genial que brilla sobre todo en unos afilados diálogos que son una delicia leer.

Y si el guion de Briar es una maravilla, que decir del dibujo del asturiano Germán García. Su arte es magnífico y ya solo por sus dibujos merece pena comprar este tomo. Su dominio de la acción y su maestría a la hora de plasmar escenas de lucha está fuera de toda duda, pero es que además brilla sobremanera en el diseño de los personajes, haciendo que tanto Briar como sus compañeros parezcan personajes vivos en las viñetas. Todo con un acabado artístico tremendamente bello que hace que el lector tenga que detenerse muchas veces a disfrutar de sus atractivas composiciones de página. También hay que señalar que ayuda y mucho el color a cargo de Matheus Lopes, que logra dar un aire de cuento de hadas al dibujo que ni que decir tiene sienta como anillo al dedo a la historia.

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La edición de Planeta recoge los primeros cuatro números de la serie en un tomo en tapa dura de 136 páginas que incluye como extras una galería de portadas, algunos diseños de personajes y una breve semblanza de los autores. Y como no podía ser de otra manera en una historia de fantasía, un mapa de Arco de Piedra, las tierras donde trascurre la acción. El precio de venta es de 20 euros. Hay que señalar que la serie es una colección abierta de la que en EEUU Boom! Studios sólo ha publicado un tomo más, ya sin Germán García a los lápices.

En resumen, Briar es uno de esos comics que tienen la virtud de atraparte con un gran guion y un espectacular dibujo que hace que entre por los ojos. Ofrece una lectura divertida, con una historia épica con grandes dosis de aventura y unos personajes muy bien construidos que logran llegarnos al corazón. Sin olvidar un sentido del humor brillante y una sutil crítica social que en ningún caso opaca el resto de la trama. Es el libro perfecto para regalar a la gente que no suele leer comic, que sin duda quedarán atrapados por las aventuras de Briar y sus amigos.

Retro-Análisis: Los Goonies (1985). El clásico infantil cumple 40 años.

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Cuarenta años ya desde que los que en aquella época entrábamos en la pubertad, viéramos con los ojos como platos en una sala de cine Los Goonies. Ahora ya con categoría de clásico infantil de la década de los 80 del siglo pasado, no puedo ocultar que una leve sonrisa se me dibuja en la cara cada vez que pienso en ella.

De qué trata este ejemplo del buen cine que se hacía en los 80

La película nos narra las aventuras de un grupo de chicos que, debido a varias situaciones personales propias y de sus familias, emprenderán la búsqueda de un tesoro que alivie sus problemas. Durante su aventura, conocerán personajes interesantes y se descubrirán a sí mismos.

Quién fue Richard Donner

Richard Donner (1930-2021) fue un realizador conocido por dirigir, entre otras producciones, La Profecía (1976) y Superman (1978), antes de esta, Los Goonies, para después realizar la saga de filmes de Arma Letal, completando en definitiva un total de dieciséis películas. Para esta ocasión, logró darle el tono de aventura, caos y humor necesarios para conseguir que se convirtiera en el icono que es hoy en día para más de una generación.

Como es de todos sabido, dirigir a niños no es tarea fácil, por lo que fomentó la naturalidad, con escenas grabando reacciones reales de los chicos y permitiendo la improvisación.  Y aunque el elenco de actores le recuerda como una figura paterna, también hubo momentos en que perdió la paciencia (cosa que según dicen pasaba a menudo).

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Una de las cosas más importantes en cualquier producción, y en esta no lo es menos, es que Donner supo equilibrar el tono y el ritmo de manera efectiva. Es esta una película que mezcla distintos géneros como el suspense (persecuciones, trampas), la comedia (concentrado en los personajes de Chunk, Sloth o Mouth), o la aventura más clásica (mapas, claves, o misterios con piratas) para entregarnos algo destacable y que perdura incluso en estos tiempos actuales.

Os dejo un enlace al artículo que le dedicamos a Richard Donner.

Los personajes que nos robaron el corazón

En este tipo de producciones del género de aventuras se acostumbra a tener personajes que traspasan la pantalla y Los Goonies no podían ser menos. Cada uno de la banda de chicos que protagonizan la película responde a un estereotipo de la época y serían:

. Mikey (Sean Astin) como el lider del grupo con un carácter de soñador.

. Brand (Josh Brolin) como el hermano mayor de Mickey, escéptico con la aventura que quieren llevar a cabo, pero a la vez protector al ser el mayor en edad del grupo.

. Chunk (Jeff Cohen) siendo claramente el alivio cómico del conjunto de amigos (hoy en día alguna escena suya podría ser considerada bullyng), es el que consigue con sus acciones robarnos el corazón.

. Data (Ke Huy Quan) es un personaje que recuerda a Q (saga 007), usando gadgets como el espía británico más conocido de la historia del cine. Este niño actor sería en esos años reconocido por esta película y por la secuela Indiana Jones y el templo maldito. En más de una escena, su personaje te saca una sonrisa debido a su ingenio.

Mouth (Corey Feldman) es un personaje con labia como para venderle un ventilador para el calor a un esquimal del polo norte, (de ahí su apodo, bocas) y tiene al principio una escena genial con la asistenta/criada de la casa de la familia de Mickey y Brand. Simplemente brillante.

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Los Fratelli, aunque no son los protagonistas, sí que resultan importantes y a la vez son los antagonistas.  Familia de delincuentes encabezada por mamá Fratelli (Anne Ramsey), un personaje que cuando eres pequeño y ves la película da mucho miedo, y sus hijos Jake (Robert Davi), Francis (Joe Pantoliano) y el tierno Sloth (John Matuszak), a cual más ruin, a excepción, claro, de Sloth, que acaba siendo amigo de nuestros protagonistas.  Un ejemplo claro de que nunca debemos tener miedo a lo diferente (por su aspecto exterior) sino ver qué tiene en su interior. Una gran enseñanza para quien ve la película.

Aspectos que la hacen especial para nosotros

Evidentemente que gran parte de la gracia de recomendaros películas de la década de los 80 tiene sin lugar a dudas que ver con el hecho de haberlas conocido en una época en que para generaciones como la mía, el ir al cine estaba cerca de ser una experiencia casi religiosa.

Era especial el ambiente que se creaba en las salas, (mucho mejor que el actual, os lo aseguro) y ese tipo de «hermanamiento» entre los asistentes hacía que esa opción de ocio fuera mayoritaria. Las películas de esa época tenían algo de especial que las hizo perpetuarse en el tiempo y Los Goonies pertenece a esa categoría.

Aparte del gran trabajo de Richard Donner y el cast magnífico que tuvieron el acierto de juntar en esa producción, podemos destacar otros aspectos que merecen ser mencionados. Entre ellos la muy presencial música de Dave Grusin y, evidentemente, el tema musical de Cyndi Lauper que se volvió un hit instantáneo desde que salió la película, «The Goonies ´R ´Good Enough» (cameo incluido de la propia cantante en el filme), pero aparte tenemos la propia partitura de Grusin, conocido entre otros trabajos en cine por películas como El Graduado (1967), Tootsie (1982) o La Firma (1993) entre muchas otras (ochenta y tres exactamente).

Aquí Grusin toca temas que encajan a la perfección con el tema aventuresco del filme, con orquestraciones llenas de energía y usando leitmotives (motivos musicales) diferentes para Los Goonies o para los villanos, así como en momentos de tensión o escenas destacables, (por ejemplo, cuando encuentran el barco pirata). Mezcla el tono épico y fantástico con elementos más infantiles para reflejar justamente la perspectiva infantil. Aunque en el momento de estrenarse pasó más desapercibida, con el tiempo ha tenido el reconocimiento merecido con reediciones para los fans y coleccionistas en general.

Tiene una mezcla, diría que perfecta, entre humor, acción, misterio y emoción, cosa que la hace muy interesante a ojos de quien no la haya visto anteriormente. Representa de manera excepcional temas como la amistad, la aventura y el espíritu de la infancia, y representó ser una de las primeras películas protagonizadas por niños que se enfrentaban a un reto mayor que ellos mismos. Todo en esta producción tiene aura de especial y por eso creemos en nuestra web que deberíais darle una oportunidad.

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Anécdotas y detalles interesantes de Los Goonies

Una de las curiosidades más comentadas sobre esta película tiene que ver con el barco pirata. Aparte de que el navío de Willie el Tuerto, de nombre «Inferno», fuera construido a escala real dentro de un plató, Richard Donner decidió que los niños actores no lo pudieran ver hasta la escena en donde caen al agua. Sus caras de impresión realmente son naturales, dado que no lo habían divisado anteriormente. Así Donner consiguió un efecto muy especial en esa escena.

La escena del baile «Truffle Shuffle» (donde Chunk se levanta la camiseta para enseñar su panza con kilos de más) no era deseada por el niño actor Jeff Cohen porque estaba enfermo y se avergonzaba de su cuerpo. En esa época existía ya lo que hoy se conoce como «bullyng» pero tenía otro nombre; se le llamaba «bromas pesadas». Lo hizo igualmente y la escena se volvió una de las más icónicas de la película. En la actualidad Cohen es abogado, pero aún le siguen reconociendo por esa escena.

Corey Feldman improvisaba constantemente. Como bien reza el apodo con el que conoce a su personaje «Mouth»(bocas) el actor le rendía un homenaje con sus improvisaciones constantes. Una de esas escenas en que utiliza ese recurso es la que comentamos más arriba, cuando traduce a la asistenta todo lo que le dice la madre de su amigo sobre qué tareas debe hacer en la casa. Otra escena que ha quedado como de las más icónicas de la película.

Hay varias escenas eliminadas del montaje final y que quién sabe qué hubieran aportado con su inclusión.  Quizás la más destacable fuera la que nos enseñaba a los niños luchando contra un pulpo gigante en el interior de la cueva. De hecho y aunque no se ve en el filme, el personaje de Data (Ke Huy Quan) lo nombra cerca del final cuando comenta «¡ El pulpo fue lo peor!» confundiendo a la audiencia, dado que no se ve realmente.

A quién podemos recomendar esta película

Es fácil recomendar esta producción ochentera a los que vivieron esa época, a quien disfrute con el cine de aventura y con las películas con protagonistas niños (y niñas), o a quien incluso sin haber vivido esa época esté interesado en el tipo de cine que se hacía en las últimas décadas del siglo XX y, en general a quien le guste pasar un buen rato delante del televisor. No os defraudará.

 

El cómic de la semana: Usagi Yojimbo El Dragón Verde

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Usagi Yojimbo El Dragón Verde. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Imagínate un ronin-conejo con más oficio que tu suegro en su día libre. Todo samurái, todo zen… pero sin aflojar la katana. Eso es Usagi Yojimbo, la serie eterna de Stan Sakai, que con El Dragón Verde (The Green Dragon, tomo 5 de IDW) firma una de las entregas más redondas y refrescantes desde hace años. Recién salido en España, esta edición en tapa dura a todo color recopila los números 27 al 31 del nuevo ciclo IDW, donde Usagi y su compi ronin Yukichi cargan con una figura de jade que vale más que tu hipoteca.

Usagi Yojimbo El Dragón Verde

Usagi Yojimbo El Dragón Verde. Fantasmas, misterio y jade en el itinerario

Tres historias suculentas marcan el alquiler de este tomo:

  1. Una historia de fantasmas: Usagi y Yukichi se topan con Shizuye, una joven que llora ante un altar dedicado a una chica asesinada hace medio siglo. Deciden protegerla, pero un sacerdote advierte que eso de “espíritus” no va de postureo.
  2. El largo camino y El secreto del Dragón Verde: Samuráis-carteros llevando un dragón de jade de valor incalculable. Cuando ven un mensajero muerto y los asesinos se llevan solo el embalaje, los dos ronin saben que el verdadero tesoro está bien escondido.

Arte que te susurra historia y cine clásico

Stan Sakai no solo dibuja, pone poesía en cada panel. Los escenarios japoneses, con paisajes nevados, templos aislados y atardeceres rurales, transmiten el ambiente ancestral más auténtico que un documental de NHK. Los Komori Ninja, los malos de turno, tienen ataques tan estilizados que podrías colgar cada escena como póster artístico. El color a todo trapo resalta cada hoja, cada nube de río y cada gesto de honor y traición.

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¿Por qué te va a gustar (más que el sushi del sábado)?

Porque esto no es un cómic de samuráis disfrazado de peluche. Aquí hay tramas reflexivas, fantasmas con mensaje, códigos de honor y acción sin cosquillas. Usagi sigue el peregrinaje del guerrero (musha shugyō) y da palo moral a malandrines, sí, pero con conversación profunda y respeto por la tradición.

Stan Sakai lleva décadas cosiendo Japón feudal con pincel y palabra. Desde los años 80, con premios Eisner, Inkpot, Harvey y decenas de reconocimientos por mantener viva la leyenda del conejo ronin, su trabajo mantiene el equilibrio perfecto entre cultura pop y fidelidad histórica.

La prueba definitiva: ¿vale la pena?

Sí, si:

  • sientes nostalgia por películas de Kurosawa y samuráis con chaqueta de piel pero sin rollo para niños.
  • quieres cómics de aventuras adultos, elegantes y sin pijadas de superpoderes.
  • buscas leer algo que respete la etiqueta del teatro japonés y no te dé vergüenza mirar con maría por la tarde.

No, si esperas una explosión de energía tipo Naruto. Aquí hay respeto, silencio ninja, fantasmas con historia y un Jade que pesa más que tus dudas existenciales.

El veredicto Mario Losada

Usagi Yojimbo El Dragón Verde es una elegía samurái en formato cómic: sangre contenida, honor violento y giros de guión tan limpios como la hoja de una wakizashi. Es perfecto en tapa dura, ideal si no quieres un tomo que se te doble a la mínima, y su traducción al castellano mantiene el sabor de las pausas, los silencios y el kiai.

¿Y tú? ¿Estás dispuesto a acompañar a un conejo guerrero por caminos de fantasmas y traición? Porque si es así, ponte la capa, afila la katana y prepárate para una aventura con sabor antiguo pero nostalgia que corta profundo. Y lo mejor… puedes decir que lo leíste antes de que se ponga de moda.

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La aclamada serie de Stan Sakai continúa. Usagi y Yukichi tienen la misión de entregar una valiosa figura de jade.

En «»Una historia de fantasmas»», Usagi y Yukichi se topan con una joven, Shizuye, que reza ante un altar dedicado a una chica asesinada y los dos ronin deciden protegerla. Sin embargo, no todo es lo que parece, ya que un sacerdote local les advierte de que hay fantasmas rondando por aquella zona.

En «»El largo camino»» y «»El secreto del dragón verde»», Usagi y Yukichi transportan un dragón de jade de valor incalculable a un mercader. Por el camino, son testigos de la muerte de un mensajero con una entrega similar. Extrañamente, los asesinos dejan el tesoro y escapan con el embalaje donde estaba guardado, lo que lleva a Usagi a pensar que la caja que transportan puede ser incluso más valiosa que la figura de jade que contiene.

Recopila los números 27 a 31 de la nueva serie a todo color de Usagi Yojimbo publicada por IDW.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Planeta Cómic y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Usagi Yojimbo El Dragón Verde

Un saludo y sed felices.

¡El Juez Dredd está a punto de convertirse en un chiste cinematográfico!

Juez Dredd vuelve a los cines. Espero que estéis sentados, porque esta noticia os va a doler como una patada en el estómago: Taika Waititi, el genio y visionario que transformó a Thor en un bufón, ahora va a dirigir esta nueva adaptación de un personaje de cómic. Esto no es para celebrar, es para llorar.

Como podréis suponer, no me gusta Waititi para embarcarse en proyectos que deban ser serios. Y por algún motivo que desconozco, Hollywood ha decidido que Dredd esté en las manos del mismo tipo que convirtió ‘Thor: Love and Thunder’ en una excelente parodia de una película de Thor.

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Lo que hizo Taika con las películas de Thor fue un crimen y como parece ser que su adaptación del manga de culto ‘Akira’ se está retrasando, pues ha decidido destrozar otra obra de gran calibre.

La película de 2012 con Karl Urban fue brutal, oscura, una joya que demostró que el personaje funciona en su versión más cruda. Por desgracia no ha habido continuidad con esa propuesta y nos mandan al señor Waititi para el reboot.

Juez Dredd

El guion es de Drew Pearce (Iron Man 3), así que en mi interior tengo el mal presentimiento que esto huele a desastre.  Ojalá me equivoque y que Pearce y Waititi me callen la boca.

Aquí os dejo el tráiler de la cinta de Juez Dredd de Karl Urban:

Un saludo

Análisis de Smoke (2025). Capítulos 3 y 4.

De todas las plataformas de streaming que pueblan esta vasto mundo, Apple TV es la que más me desconcierta. Primero, por su tremenda inversión en sus producciones sin tener en cuenta la audiencia (ahí tenemos See, una de las series más caras de la historia de la televisión). Segundo, por su nefasto acierto con (algunas) películas. Ahí tenemos Argylle, El abismo secreto o La fuente de la eterna juventud como ejemplo. Por suerte, la serie Smoke demuestra la buena forma de la plataforma en su buen hacer con las series.

Tras un primer vistazo a los dos primeros capítulos en un artículo sin spoilers, toca analizar en profundidad lo que hemos visto hasta ahora en los dos siguientes.

A PARTIR DE AQUÍ, SPOILERS DE LOS EPISODIOS 3 Y 4 DE SMOKE

Al contrario que otras muchas series, cuya mayor fuerza reside en el episodio piloto, aquel destinado a atraer a la audiencia a seguir viendo la serie, Smoke no es una obra que impacte desde su primer episodio. Sí, es correcto pero no memorable, una aparente historia de una pareja de investigadores condenados a entenderse que tienen que lidiar con dos pirómanos.

Esto cambiaba en el segundo episodio, con el sorprendente giro de que uno de los dos pirómanos, el cojo que prende supermercados, es ni más ni menos que Dave Gudsen, nuestro protagonista.

Así que los dos siguientes episodios ya no siguen la estructura anterior, sino que se convierten en un juego del gato y el ratón entre un pirómano muy inteligente, pero no tanto como percatarse de que su compañera sospecha de él desde el principio.

Básicamente, la estructura narrativa de estos dos episodios gira en torno a tres personajes.

DAVE GUDSEN, LA ESTRELLA DE LA SERIE.

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Interpretado por el carismático Taron Egerton (nunca está mal este hombre), Gudsen es un pirómano. Esto es, un hombre con una fascinación por el fuego y con la capacidad de excitarse al propagarlo. Al contrario que la inmensa mayoría de los incendios provocados, no hay un beneficio material ni económico de provocar los incendios. Tan solo el placer.

Para ver una fiel representación de la piromanía más allá de Smoke, aquí tenéis nuestro retroanálisis de Llamaradas, la gran película ígnea de los años 90.  

Tras su aparente fachada de un simpático ex bombero reconvertido en investigador se encuentra un hombre prácticamente enamorado de sí mismo, que paladea cada una de las palabras que pronuncia durante un curso a otros bomberos, que ha estado casado dos veces y que le interesa más avanzar en su libro que cumplir con sus deberes como padrastro.

Al creerse más inteligente que el resto, juega tanto con su jefe como con su compañera, intentando acercarse a ella sin saber que su compañera también le está probando.

Así conocemos que tras su simpática fachada encontramos un ser implacable con los victimistas y al que, teniendo quince años, le tocó vivir cómo su madre desaparecía de sus vidas con otro hombre.

Finalmente, Gudsen sufre dos decepciones. La de su compañera Michelle, que le pone a prueba para luego rechazar acudir con él a un congreso, y la de su pareja, que le reprocha la mala calidad de su libro.

Así, para desahogar su ira (quién sabe que le haría a las dos) decide provocar un nuevo incendio. Pero un “obstáculo” se le interpone…una mujer con gusto por el sadomasoquismo (¿pasarán estas cosas en la vida real y tan rápido?) a la que le ocasionará quemadura sin huella, con gran placer para la susodicha. Cuando parecía que la cosa no podía ponerse más perversa, ocurre esto.

Eso sí, el cerco se cierra sobre él y no solo por Michelle, sino por su propio hijastro, que lo define como un hombre de dos caras.

MICHELLE Y SUS PROPIOS PROBLEMAS

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Por otro lado, su compañera Michelle abre dos vías narrativas.

La primera se centra en el hecho de que la policía sospecha de Dave Gudsen desde el principio. A partir de entonces, veremos cómo lo pone a prueba continuamente. Por lo pronto, se le ocurre la idea de colocar unas anillas especiales que permitan saber a la policía quién es el que compra las bolsas negras que se utilizan como material para los incendios.

A medida que avanzan los capítulos, Michelle averigua que no es la primera compañera policía de Gudsen. Antes hubo un compañero que llegó a sospechar que el propio Dave era un pirómano y, por lo que sea (veremos por qué), se le suspendió de empleo y sueldo, tras lo cual desapareció. ¿Qué poder tiene un simple investigador de incendios para hacer desaparecer de un plumazo a un policía que sospecha abiertamente de él?

La segunda vía narrativa se enfoca en los traumas personales de la policía. Queda claro que no solo ha tenido una relación problemática con su ex jefe, que continúa abordándola. También contempló cómo su madre prendía fuego a su casa con ella dentro, se intuye que en el contexto de algo parecido a un brote psicótico por el que fue encarcelada.

El día en el que se proyecta su liberación, años después de este suceso, Michelle está en contra, lo que genera una pelea con su propio hermano. Queda claro que, si algo tienen en común tanto Dave como Michelle es su relación especial con el fuego.

EL SEGUNDO PIRÓMANO

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Mientras tanto, Freddy, nuestro más entrañable pirómano, parece querer dar una oportunidad a la normalidad que se frustra por no asumir que su aspecto y personalidad es distinto a lo considerado normativo.

Paradójicamente, le pide a la peluquera que tanto le ha apoyado que vuelva a restaurarle su pelo descuidado y afro. Porque un aspecto extravagante, al estar alejado de las modas imperantes, le aporta, paradójicamente, el don de la invisibilidad.

A diferencia de Dave, seguro de sí mismo y con una personalidad profundamente psicopática, Freddy parece un pobre hombre con grandes dificultades para relacionarse en el mundo en el que vivimos y que canaliza su frustración con el fuego. Sin embargo, no parece una mala persona, sino alguien que sufre mucho.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!