El compositor italiano Fabio Frizzi visitó Madrid junto a su banda el pasado 21 de marzo para ofrecer a los más fanáticos del cine de terror y fantástico un concierto inmersivo en directo mientras se proyectaba una de las películas más queridas del director con que solía trabajar: Nueva York bajo el terror de los zombies (Zombi 2, 1979), del aclamadísimo cineasta Lucio Fulci (El más allá, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes). El evento tuvo lugar en el marco de la programación del Festival Sombra de Madrid 2025, dirigido este año por Adán Latonda.
Fabio Frizzi (1951) ha trabajado desde los años 60 en el cine y ha puesto música a más de cincuenta películas con directores de la talla de Sergio Martino (El asesino del cementerio etrusco), Enzo G. Castellari (Aventuras y amores de Scaramouche) o Lamberto Bava (El devorador del océano), además de Fulci, pero en los últimos años ha decidido cambiar su rumbo y formar una banda musical para tocar en directo.
Su concierto en Madrid formó parte de su gira internacional Frizzi 2 Fulci a razón del disco Frizzi 2 Fulci: Live at Union Chapel, en el que recoge algunas de las bandas sonoras que compuso para el director, y contó con la gran disposición de un público fiel al cine de género que no dudó en vitorear la presencia del compositor y adquirir algunos artículos del merchandising de la película y la gira (camisetas y discos).
Haciendo gala del mismo entusiasmo y sentido del humor con que había acudido esa misma mañana a las entrevistas de prensa en Café Libertad 8, Fabio Frizzi se presentó en el Palacio de la Prensa junto a una banda que rápido se colocó en sus respectivos instrumentos, todos ellos en un escenario bajo la pantalla. Ninguno sabíamos de antemano muy bien si iban a tocar en algunas partes indicadas o de qué manera, pero terminamos descubriendo que la música era constante durante toda la proyección, consiguiendo un efecto inmersivo en directo realmente increíble.
En algunos momentos determinados, sobre todo en diálogos más importantes, los instrumentos se detenían e incluso los músicos se permitían girarse hacia la pantalla a mirar sus imágenes ―quizá como guía, para cerciorarse de que llevaban el tempo adecuado―. Lo más sorprendente es que, una vez finalizó la proyección, los artistas continuaron tocando distintos temas musicales de otras películas (como el de Siete notas en negro, que Tarantino usó en Kill Bill. Volumen 1) durante un rato más. Fue una experiencia única, para la que ya abrió camino en el Sombra del año pasado el compositor Claudio Simonetti, habitual de Dario Argento (Suspiria), con la musicalización en directo de Rojo oscuro (1975).
Fabio Frizzi y su banda en Palacio de la Prensa
La película
Zombi 2 ―la llamaré así para hacerlo más fácil― arranca con unas imágenes de un misterioso barco que llega sin rumbo a Nueva York. El misterio se convierte en espanto cuando la policía descubre que en su interior hay ¡un zombi! La hija del dueño del barco y un periodista se embarcan ―literalmente― en una aventura terrorífica para buscar a su padre en una remota isla plagada de sanguinarios zombies.
La premisa son palabras divinas para cualquier amante de este tipo de cine ―como yo me considero―, y la película realmente no la desmerece. Zombi 2 es una cinta de explotación derivada del éxito de Zombi(Dawn of the Dead, 1978) de George A. Romero, secuela de su mítica La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, 1968), que utilizó su título como una forma de marketing, sin tener realmente nada que ver ―amén de la temática zombi― con la del estadounidense.
Y, aunque no haya alcanzado el estatus de leyenda ni la calidad de su inspiradora, Fulci supo lo que hacía y hoy en día es considerada por algunos como una de las mejores películas de zombis que se han hecho ―el crítico de Sensacine Alejandro G. Calvo la sitúa en el puesto número 3 en su vídeo Las mejores películas de ZOMBIES de culto. Top 10―.
Con una historia sólida, sin demasiada pretensión, la película de Fulci se desarrolla cumpliendo las expectativas que plantea e incluso sorprendiendo con momentos como el combate acuático entre un zombie y un tiburón; una escena mítica del cine de culto que supera incluso las del sacerdote experto en artes marciales de Braindead (Tu madre se ha comido a mi perro) (1992, Peter Jackson).
Qué agradable, por otro lado, es ver estas películas con sus efectos prácticos y maquillaje, producto en este caso de Giannetto De Rossi, en una época en que todo es digital. ¡Los zombies y el gore de sus películas tienen que ser “reales”! Mira la maravilla que hizo Gregg Nicotero con The Walking Dead (2010-2022). Lo mejor de la serie era el maquillaje. También sorprende la presencia de la Tisa Farrow, la hermana pequeña de Mia (La semilla del diablo), en uno de los pocos papeles que hizo en cine, curiosamente la mayoría de ellos en Europa.
En definitiva es una película de culto a reivindicar, que cualquier amante del género disfrutará. Además de ser una de las cintas que en los inicios del cine de zombies, tal y como los conocemos en la actualidad, contribuyó, como su director Lucio Fulci, a extenderlo en Europa.
Cartel de Nueva York bajo el terror de los zombies (1979) de Lucio Fulci
Muchas gracias por leerme y ¡larga vida al Sombra!
Hola, niños. Hoy voy a contaros la historia de cómo conseguí uno de los cómics más demandados por el fandom y uno de los que más rápidamente han volado de las librerías. Alguno pensará qué vaya cosa, que cómics rarunos, especiales o de edición limitada los hay a puñados y que quien más, quien menos, ha cazado alguno. Y es verdad. El tema es que se lo compré a quién no quería comprárselo y la culpa no fue del cha-cha-cha. Así que vamos al lío.
Erase una vez un librero
Corría el año 2023 (o 2024, que ya ni nos acordamos) y Marvelanuncia la reedición de un cómic el cual ya pensábamos que era imposible reeditar. Si, cosas más raras se reeditaron, como Shang-Chi, Maestro del Kung-fu. Y mira que el problema era el mismo, un tema de derechos. En el caso que nos ocupa hablamos de Rom, caballero del espacio.
Rom, caballero del espacio es un cómic en el que Bill Mantlo (un guionista que forma parte de la historia de Marvely con una gran tragedia personal a cuestas) aprovechaba un muñeco de cartón sin oficio ni beneficio para crear una space-opera de manual.
Cuenta la leyenda que Mantlo vio a su hijo jugar con un muñeco articulado y pensó: ahí hay una historia. Tan empeñado estaba en crear una saga para el muñeco de marras que convenció a Jim Shooter (otro clásico de la casa de las ideas, al que debió pillar de buenas) para comprar los derechos sobre el muñeco y publicar un cómic. Y la jugada salió bien porque aquello fue un éxito.
A los lápices, el siempre infravalorado Salvatore «Sal» Buscema, un dibujante al que muchos ni siquiera tienen en cuenta, a la sombra de su hermano John, pero dotado de una capacidad para la narrativa clásica que muchos deberían envidiar.
Total, que Rom, caballero del espacio duró hasta que finalizaron los derechos y ahí se acabó la historia hasta que, tras décadas en el limbo, Marvelanunció su reedición en formato Omnibus en 2024. Mala noticia para los españoles porque sabíamos que nos iban a meter un sablazo. Muchos augurábamos que aquello era carne de Limited Edition y que de 50 o 60 euros por tomo no nos librábamos.
Nos quedamos cortos. 80 eurazos es lo cuesta en España, un precio como para pensárselo dos veces, y más teniendo en cuenta su peso y tamaño. De ahí que yo no estaba muy convencido en cuanto a si era o no una buena compra.
Y ahí entra mi librero, que me ofrece la posibilidad de reservarlo, advirtiéndome del tamaño, peso y precio del tomo. «No, gracias», respondí mientras pensaba para mis adentros: «He vencido a la tentación. Soy un pringado campeón».
Miércoles, 12 de marzo de 2025
Es el día antes de la salida de Rom, caballero del espacio al mercado. Como es habitual, las novedades llegan a las librerías un día antes, para que así puedan ponerlas a la venta el día señalado y ahí andaba yo, vagabundeando por la librería en busca de algo en lo que gastar el dinero cuando mi librero me susurra al oído: «¿Lo quieres ver?». Ya sólo faltaba que se vistiese de rojo y se pusiese cuernos.
Sin mucha convicción (ejem, ejem) dije que si y el maldito tomo apareció en mis manos como por arte de magia. «No pesa tanto», pensé. Y entonces dije: «No tiene el precio puesto», un detalle importante e imprescindible para esconderle a mi mujer que el dinero de la universidad de nuestra hija está invertido en papel satinado que ocupa varias estanterías.
Compra, compra
«Olvídalo – dijo el librero – Esto es carne de coleccionista, digo de Wallapop. Pedí 10 y me han llegado 5. Vamos, que la mitad se quedan sin tomo. Esto está ya agotadísimo».
¿Tendría razón el librero? ¿Eramos tan agonías que mientras nos quejábamos de precios desorbitados en redes sociales, arramblábamos con los tomos de las librerías antes de que les diese tiempo a ponerlo en el escaparate?. «No puede ser», pensé mientras salía por la puerta.
Y ahí se me encendió una luz, agarré el móvil, abrí la aplicación de Amazony ahí estaba Rom, caballero del espacio, en pre-venta, al alcance de un clic. «¿Y por qué no?», pensé. Total, vamos a probar.
Efectivamente, hice click, compré el tomo en pre-venta un día antes de que saliese al mercado y me mandaron un mensaje de «gracias por contribuir a que Jeff sea cada vez más rico. Tu compra llegará el día 20 de marzo». O algo similar.
Es el mercado, friqui.
Del mensaje de Amazonde que llegaría el día 20 podemos deducir que no lo tenían en el almacén, precisamente. Eso si, garantizaban la entrega. ¿Cómo? ¿Podría ser que Amazonpone el tomo en pre-venta y una vez llegado el día, le pasa el listado al editor y estos le facilitan los tomos? ¿Es por eso que mi librero y unos cuantos más (porque me consta que no es el único punto de venta al que no llegó todo el pedido) se quedaron sin todos los tomos que habían pedido?.
Eso o, en realidad, Rom, caballero del espacio no es una edición limitada, como se ha dejado caer. Es sospechoso que en el tomo figure el espacio para indicar el número de tirada (por lo general, 1.500 ejemplares) pero aparezca en blanco.
La situación da que pensar porque mi librero tenía ya apalabrados y vendidos los 10 ejemplares pedidos, y seguramente alguno más si se lo hubiesen enviado. Sin embargo, el librero tuvo que jod…. y sus clientes también.
O igual soy yo que estoy divagando. En fin, que gracias por editar el tomo de Rom, caballero del espacio (que está muy bien) aunque hubiésemos preferido que fuese algo más económico y ya puestos, nos habría gustado poder comprarlo en una librería de toda la vida y no en la web de un señor que, por lo demás, anda sobrado de dólares.
Realmente, no se entiende que unos puedan tener un tomo en pre-venta hasta justo el día antes de su salida y el resto tenga que dar la cara ante sus clientes y decirles que no podrán verderles el tomo.
‘Daredevil: Born again’ ha sido una gran a puesta de Marvel Studios y nos estaba dejando ramalazos de lo que fue la etapa anterior del personaje en Netflix. Pese a un arranque prometedor que, a pesar de ciertas voces que no llegan a verse seducidas por el producto, nos hacía presagiar que estábamos ante uno superior a lo visto hasta el momento en la pequeña pantalla. Mi problema ha llegado con el estreno de los capítulos 5 y 6 de manera simultánea, que han sido una experiencia decepcionante.
Comenzamos con el cuarto capítulo y Matt Murdock (Charlie Cox) en un banco pidiendo un crédito para el bufete y es atendido por el padre de Kamala Khan, que sustituye casualmente al director. Aquí asistimos a una forzada escena autorreferencial que no hace más que mencionar a Kamala Khan y a Miss Marvel. Un guiño que se me antoja metido con calzador para que sepamos que la cinta de Marvels y la serie de Miss Marvel están dentro de este universo y que Daredevil también.
Es casi como llevar a la enésima potencia el cameo de Matt en ‘Spiderman: No way home’, pero con menos gracia y un Funko Pop personalizado. Hablando del cameo en la cinta de nuestro amigo y vecino, hay que recordar que en este quinto episodio nuestro abogado favorito repite la frase que le dijo a Peter Parker cuando cogió el ladrillo.
Más allá de esto tenemos un típico capítulo en que el protagonista se ve envuelto en atraco a un banco y acaba salvando el día sin descubrir su identidad secreta. Mi mayor problema con este episodio es que es puro relleno que no lleva a nada y que si lo borramos del listado no afecta al devenir de la ficción, más allá de saber que Matt acabará cenando con la familia de Kamala Khan.
El sexto es harina de otro costal, pero no tanto. El capítulo continúa con la sobrina de Héctor Ayala en busca de la ayuda de Matt para encontrar a quienes mataron a Tigre Blanco y eso llevará a que la joven caiga en manos de Muse y de allí al enfrentamiento entre ese villano y Daredevil.
Hay varias cosas que no me funcionan aquí, la primera es que ‘Daredevil: Born again’ siga abriendo frentes argumentales cuando ya ha cruzado el ecuador de esta primera temporada. Quizás algunos se cierren en la segunda, pero es necesario presentar a ‘The Punisher’ y a los agentes de policía con el tatuaje de la calavera para que no tengan mayor relevancia todavía. Abrir la trama del escuadrón de policías corruptos de Fisk a tres capítulos para el final tendrá peso o será otra historia para la segunda temporada.
Lo hablábamos esta mañana mi amigo y compañero Jordiy yo y en este tipo de tramas podemos ver que, aunque hayan habido grabaciones nuevas para arreglar lo mal que pintaban la serie al comienzo, todavía se pueden ver ciertas decisiones del guion que no terminan de encajar y resultan en situaciones de menor calidad.
Conclusión
‘Daredevil: Born again’ empezó muy bien con unos cuatro primeros episodios que se acercaban a lo visto en Netflix hace algunos años. Esta semana se han estrenado dos capítulos, que muchos esperábamos que fuesen de importancia y con una única historia enlazándolos y no ha sido así. Se me escapa el motivo por el que han estrenado dos episodios simultáneamente en mitad de la temporada y uno de ellos de relleno más que evidente.
‘Daredevil: Born again’ me ha decepcionado con lo que hemos visto este miércoles y le veo esos errores que llevaron a volver a reescribir y regrabar gran parte de la serie.
Espero que tras este bajón de calidad que ha dado la ficción de Disney+, tengamos un final de temporada que deje mejor sabor de boca, porque el fan service y las autorreferencias al UCM no son suficientes para que lo visto esta semana merezca una aprobado.
Aquí os dejo el tráiler de esta nueva temporada de ‘Daredevil: Born again’:
Hay veces que los astros se alinean para dar como resultado una serie que sale de lo corriente, que sorprende y que pone a todo el mundo de acuerdo sobre su calidad. Eso es lo que ha pasado con Adolescencia, miniserie de Netflix de cuatro episodios de más o menos una hora de duración creada por Jack Thorne y Stephen Graham y dirigida por Philip Barantini. Ahora mismo resulta de visionado obligatorio. Y lo es tanto por lo que cuenta, por la historia en sí, como por la forma en que lo hace, dándose una simbiosis perfecta que pocas veces hemos visto.
En Adolescencia vamos a conocer a los Miller, la típica familia inglesa que un buen día tiene un amargo despertar. La policía asalta su casa en plan salvaje para detener al pequeño Jaime (Owen Cooper), de tan solo 13 años. Desde ese momento se desata una situación incontrolable y la familia solo puede acompañar al pequeño a la comisaria donde su padre Eddie (Stephen Graham), su madre Manda (Chistine Tremarco) y su hermana mayor Lisa (Amelie Pease) intentan comprender que está pasando. Una vez allí se revela que Jaime está acusado de matar a una compañera de instituto y, aunque el joven jure y perjure que el no ha sido, todo se derrumba al poner la policía un video de vigilancia en el que efectivamente se ve a Jaime cometiendo el crimen.
Jaime Miller, el joven sobre el que gira la serie
Puede parecer que he hecho un spoiler bien gordo, pero no estamos ante un thriller en el que el quid de la cuestión sea quien cometió el asesinato. Adolescencia es mucho más que eso, es un drama que reflexiona sobre la naturaleza de la violencia en los jóvenes y lo hace a través de cuatro capítulos en los que en cada uno vamos a ver un aspecto en concreto del crimen.
En el primero tenemos la presentación y no puede ser más agobiante. Al principio empatizamos con la familiar Miller que sufre un asalto inesperado e intempestivo por parte de la policía. Más tarde sentimos como propia su confusión, entendemos que piensen que eso no puede estar pasando, que Jaime no puede ser el asesino, que todo tiene que ser un error. Para acabar con un golpe demoledor al demostrarse que sí, que el chico ha matado a una compañera y el mundo se hunde bajo los pies de los Miller.
Jaime con su padre Eddie en comisaria
En el segundo episodio, mi favorito, vamos a ver como la policía acude al instituto de Jaime para investigar, para ver que ha podido llevar al chico a comerte ese crimen. Pero una vez allí vemos un sistema educativo que no funciona, con profesores sobrepasados, con métodos que no funcionan y con un universo propio que parece una jungla. Pero lo más preocupante es comprobar que adultos y jóvenes hablamos idiomas distintos, que los mayores no comprendemos en absoluto los códigos de los más pequeños y eso puede ser un problema muy grave en la era de la información. Internet es parte importante del mundo de los jóvenes y nosotros no entendemos lo que publican allí, por eso es tan difícil controlarlo.
El hijo del policía que investiga el caso le enseña a su padre un par de cosas
El tercer capítulo cuenta la visita de una psiquiatra a Jaime en el centro donde esta recluido en espera de juicio unos meses después de su detención. En la conversión entre el chico y la mujer no vamos a obtener respuestas fáciles, más allá de las que ya se podían intuir. El pensamiento misógino que abunda en la red ha causado mella en muchas de las mentes de los más jóvenes y eso es un caldo de cultivo que puede hacerles explotar en cualquier momento.
Una conversación llena de tensión
En el cuarto y último capítulo han pasado 13 meses desde la detención y los Miller intentan llevar una vida lo más tranquila posible. Algo que es del todo imposible. Las consecuencias de los actos de Jaime les persiguen y es imposible huir de ellas. Sobre todo, sus padres, carcomidos por la culpa, sin dejar de pensar en que han fallado, como ha podido su hijo hacer una cosa así sin que ellos se dieran cuenta del peligro.
Los Miller no pueden dejar atrás lo que ha pasado
Nos encontramos ante un drama en el que surgen múltiples preguntas que van aumentando con el trascurrir de los capítulos. ¿Qué lleva a un joven a cometer un crimen tan atroz? ¿Cuál es la responsabilidad de los padres? ¿Está fallando la educación que damos a nuestros jóvenes? ¿Qué encuentran los chicos en internet cuando pensamos que están estudiando? ¿Es más peligroso de lo que pensamos el machismo oculto en la red? ¿Cómo nos podemos comunicar de manera efectiva con nuestros hijos? ¿Puede un joven inteligente y simpático ocultar una bestia en su interior? ¿Hace la policía bien su trabajo? La serie no da respuestas, no quiere dar sermones, solo presenta situaciones que dan que pensar y mucho.
Otro elemento de Adolescencia que resulta sobresaliente es la manera en que está hecha. Cada uno de los cuatro episodios de los que consta la serie está rodado en un solo plano secuencia monumental que abarca todo el capitulo de principio a fin. Sin cortes, todo seguido, lo que demuestra un nivel de planificación asombroso ya que la narrativa de la historia no se resiente por ningún lado. La cámara sigue a los personajes, siendo estos quien nos llevan de un escenario a otro. Esto cuando hay que seguir la acción en varias localizaciones, porque el tercer capítulo trascurre casi en su totalidad en la sala donde la psicóloga y Jaime hablan y no puede ser más agobiante gracias a esta manera de estar rodada.
También hay que destacar la labor de los actores, todos rallando a un nivel altísimo. Llama la atención la labor del joven Owen Cooper que da vida a Jaime en su primer trabajo. Es asombroso como un actor tan joven sin experiencia logra dar vida a un personaje tan complejo, mostrando su lado vulnerable unas veces y otras su lado más brutal y peligroso siempre de manera perfecta. Para quitarse el sombrero.
En resumen, Adolescencia es una producción magnífica, seguramente la mejor que hemos visto en lo que llevamos de año. En esta serie no se juzga a nadie, solo se presentan los hechos y las consecuencias de estos logrando que la historia llegue al corazón del espectador y que nos hagamos muchas preguntas que tal vez deberíamos estar haciéndonos desde hace tiempo. Y para colmo con unas interpretaciones que son casi perfectas y el añadido del virtuosismo que requiere haber rodado los cuatro episodios en cuatro planos secuencia resueltos de manera brillante.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de abril. Este mes estamos de suerte, puesto que tenemos una nueva obra de Isaac Sánchez.
Novedades Dolmen Editorial de abril de 2025
Como siempre y debido al gran volumen de novedades y la calidad de las mismas, hemos de seleccionar dos o tres títulos. Los que más nos llaman la atención. Y el criterio que seguimos es uno totalmente subjetivo: Nuestros gustos personales y lo que más nos llama la atención.
1.- Buena Gente.
«España. Años 60. En el recóndito pueblo de Benquerencia del Río, un trágico suceso provoca una singular competición.
Aquel que sea elegido la mejor persona del lugar ganará una gran fortuna. La pugna por ese suculento galardón sumirá a los vecinos en una disputa de apariencias y popularidad de terribles e inesperadas consecuencias.
Tras conquistar nuestros corazones con Baños Pleamar y El de la Batamanta, Isaac Sánchez construye un apasionante relato sobre la falsa bondad, la codicia y la venganza de nuestra sociedad.
En Buena Gente, los protagonistas transitan las sombras de la moral en un relato de la España negra que no dejará a ningún lector indiferente».
Lo tendremos a la venta el 3 de abril. Pinchad aquí para obtener más información en la web de Dolmen Editorial.
2.- Perro de Estroncio 4.
«El cazarrecompensas mutante Johnny Alpha y su compañero de aventuras Wulf Sternhammer recorren la galaxia ejecutando diversas misiones en las que impartir justicia… o con las que llenar sus bolsillos.
Sus nuevas andanzas les llevarán al planeta natal de los Gronks para salvarles de unos Perros de Estroncio traicioneros o hasta el mundo de Nomi, donde descubrirán en persona el poder de la Isla de los Muertos Vivientes.
Tras la ya histórica saga Retrato de un mutante, John Wagner (Una historia de violencia), Alan Grant (Juez Anderson: Shamballa) y Carlos Ezquerra (Juez Dredd) siguen al frente de las aventuras de Johnny Alpha.
Este volumen continúa la recopilación cronológica de las aventuras originales de Perro de Estroncio, llegando hasta el ecuador de los años ochenta e incluyendo varias historias clásicas inéditas en España hasta la fecha».
Lo tendremos disponible el próximo 24 de abril. Pinchad aquí para obtener más información de la web de Dolmen.
3.- Pack de Iniciación: Perro de Estroncio.
«Hubo un tiempo, en el siglo xxii, en que la impunidad reinaba en las nuevas fronteras estelares. Como resultado de la última gran guerra nuclear, el isótopo radiactivo Estroncio-90 ha causado mutaciones en humanos.
Rechazados por la sociedad, la única salida vital para los mutantes es convertirse en cazarrecompensas, como agentes de Seguir y Destruir.
Bautizados como Perros de Estroncio, estos hombres y mujeres hacían justicia en un universo cruel e implacable. Una vida solitaria y peligrosa donde solo los más fuertes sobrevivían. Hombres como Johnny Alpha…
¡Un mutante con la habilidad de emitir poderosos Rayos Alfa por sus ojos!
Este pack incluye los dos primeros volúmenes de Perro de Estroncio, el personaje creado por John Wagner y Carlos Ezquerra (Juez Dredd).
Uno de los personajes más icónicos de la historia del cómic británico. ¡No te pierdas las primeras aventuras del mutante Johnny Alpha y su inseparable amigo Wulf Sternhammer, publicadas originalmente en las revistas Starlord y 2000 AD!»
Pack promocional con un precio increíble de 29,90€. Pinchad aquí para adquirir este irresistible pack.
Y hasta aquí nuestras recomendaciones de Dolmen Editorial, para este mes de abril. No obstante, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes.
Marvel ha empezado un directo «eterno» donde han puesto unas sillas de director y donde poco a poco van apareciendo el nombre de los actores en la parte trasera. Marvel desvela el reparto principal de Vengadores: Doomsday… pero con cuenta gotas.
Por tanto cuando suba este artículo veréis unos nombres, y si entras dentro de unas horas verás añadidos nuevos actores.
Actualizado a las 21:15
La primera silla de director ha sido la de Chris Hemsworth y luego poco a poco han ido apareciendo más sillas.
Vanessa Kirby, Anthony Mackie, Sebastian Stan, Letitia Wright, Paul Rudd, Wyatt Russell, Tenoch Huerta Mejia, Ebon Moss-Bachrach, Simu Liu, Florence Pugh, Kelsey Grammer, Lewis Pullman, Danny Ramirez, Joseph Quinn, David Harbour, Winston Duke, Hannah John-Kamen, Tom Hiddleston, Patrick Stewart, Ian McKellen, Alan Cumming, Rebecca Romijn, James Marsden, Channing Tatum, Pedro Pascal, Robert Downey Jr.
Por tanto tenemos a Thor, La mujer invisible, Capitán América, Bucky, Black Panther, Ant-Man, U.S. Agent, Namor, La Cosa, Shang-Chi, Yelena Belova, La Bestia, The Sentry (El Vacío), El Halcón, La antorcha hunana, Guardian Rojo, M’Baku, Fantasma, Loki, Profesor X, Magneto, Rondador Nocturno, Mística, Cíclope, Gambito, Mister Fantástico, Doctor Doom.
Estos son por ahora los actores que han ido apareciendo como miembros del reparto de Vengadores: Doomsday.
CTHULHUTON, la muestra de cine para fans de H.P. Lovecraft, regresa el 29 de marzo al mk2 Palacio de Hielo de Madrid
-La programación incluye la nueva restauración en 4K de “Re-Animator” (1985), el clásico de Stuart Gordon, en su 40 aniversario.
–H.P. Lovecraft, autor de “En las montañas de la locura” y “La sombra sobre Innsmouth”, es uno de los narradores de terror más influyentes del siglo XX y el creador del horror cósmico.
-El evento también ofrecerá la oportunidad única de disfrutar en pantalla grande de dos “auténticas joyas de culto”, que han sido raramente exhibidas en España, como “Aire Frío” (Cool Air, 1999) de Bryan Moore y “La Llamada de Cthulhu” (The Call of Cthulhu, 2005) de Andrew Leman.
Madrid. Los seguidores de H.P. Lovecraft tienen una nueva oportunidad para disfrutar de su universo en pantalla grande con la segunda edición de CTHULHUTON, la muestra de cine dedicada al maestro del horror cósmico. El evento se celebrará el sábado 29 de marzo a partir de las 16:30 horas en el cine mk2 Palacio de Hielo (C. de Silvano, 77, Madrid) y ofrecerá una selección de películas inspiradas en sus relatos. Entre lo más destacado de la programación, se proyectará la restauración en 4K de “Re-Animator” (1985), el clásico de Stuart Gordon, que conmemora su 40 aniversario como una de las adaptaciones lovecraftianas más influyentes del cine de terror.
“Desde hace eones, los fans de Lovecraft han buscado un lugar recóndito y oscuro donde poder reunirse y celebrar su más famosa creación, los ‘Mitos de Cthulhu‘”, señalan los organizadores del evento. Es por eso que han creado “la CTHULHUTON, donde se proyectarán las mejores obras audiovisuales sobre sectas, brujería, fantasía lovecraftiana y horror cósmico”.
H.P. Lovecraft figura entre los narradores de terror más venerados del siglo XX, gracias a relatos como “En Las Montañas De La Locura” o “La sombra sobre Innsmouth”, entre otros muchos. Su huella es palpable en algunos de los artistas más reputados de la actualidad, como el prolífico escritor Stephen King o el oscarizado cineasta Guillermo del Toro (“La Forma Del Agua”, “El Laberinto Del Fauno”), por citar dos de los ejemplos más conocidos.
La programación de esta segunda edición de CTHULHUTON arranca a las 16:30 con “El Torreón” (The Keep, 1983), la segunda película de Michael Mann, una fascinante fusión de terror y fantasía ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Basada en la novela superventas de Francis Paul Wilson, la historia sigue a un grupo de soldados nazis que, al ocupar una fortaleza en los Cárpatos, despiertan por error a Molasar, una entidad maligna de origen desconocido. Su atmósfera inquietante se ve reforzada por la icónica banda sonora de Tangerine Dream y los efectos visuales de Wally Veevers, veterano de títulos como “Lawrence de Arabia”, “La batalla de Inglaterra” y “The Rocky Horror Picture Show”. En su reparto de lujo, destacan Ian McKellen, Scott Glenn y Gabriel Byrne, atrapados en un conflicto donde el verdadero horror no es humano.
A las 18:30, CTHULHUTON ofrece una sesión doble con dos de los mediometrajes más destacados jamás realizados sobre la obra de H.P. Lovecraft. Se proyectarán “Aire Frío” (Cool Air, 1999) de Bryan Moore y “La Llamada de Cthulhu” (The Call of Cthulhu, 2005) de Andrew Leman, dos adaptaciones fieles de los relatos originales, que logran capturar su atmósfera inquietante con un estilo marcadamente vintage. Consideradas auténticas joyas de culto, ambas películas han sido raramente exhibidas en España, convirtiendo esta proyección en una oportunidad única para los seguidores del escritor de Providence.
A las 21:00, CTHULHUTON concluye con “Re-Animator” (1985) de Stuart Gordon, una de las adaptaciones más emblemáticas de H.P. Lovecraft y un referente del cine de terror con humor macabro. Para celebrar su 40 aniversario, la película podrá verse en una edición restaurada en 4K, recuperando todo su esplendor en pantalla grande. Esta sesión especial contará con la participación de Paco Fox y Ángel Codón Ramos, de Tiempo de Culto Podcast, quienes participarán en un coloquio posterior donde desgranarán los entresijos del rodaje, el impacto del filme y su influencia en las siguientes adaptaciones del escritor de Providence.
PROGRAMA DE CHTULHUTON
16:30 – EL TORREÓN (The Keep, 1983, Michael Mann)
Durante la Segunda Guerra Mundial, un destacamento del ejército alemán se defiende de las tropas aliadas en un paraje montañoso en Rumanía. Allí se acuartelan en una misteriosa fortificación romana, ignorando las advertencias de los lugareños.
AIRE FRÍO (Cool Air, 1999, Bryan Moore): Verano de 1925. Randolph Carter se muda a una pensión miserable donde se hace amigo de un misterioso doctor que lo revive tras sufrir un ataque al corazón casi letal. Poco después, Carter descubre la terrible verdad sobre el médico y la frágil línea que separa la vida y la muerte.
LA LLAMADA DE CTHULHU (The Call of Cthulhu, 2005, Andrew Leman): Tras la muerte en extrañas circunstancias de un profesor de la Universidad de Miskatonik, se inicia una investigación que relaciona el caso con el tenebroso culto a un Dios acuático, cuyos seguidores le llaman Cthulhu… The Call of Cthulhu (La llamada de Cthulhu) es una película muda de 2005 que adapta el famoso relato homónimo de Lovecraft, escrito en 1926. Su rodaje fue impulsado y producido desde la Sociedad Histórica H.P. Lovecraft de Estados Unidos. El rodaje usó modernas técnicas de grabación y elementos vintage para reproducir la estética de los filmes de la década de 1920.
21:00 – RE-ANIMATOR (Re-Animator, 1985, Stuart Gordon) – Sesión Tiempo de Culto
Herbert West estudia en Europa métodos regenerativos junto a un conocido científico, que muere en extrañas circunstancias. Herbert viaja a EEUU, donde se matricula en la Miskatonic University. Allí continúa con sus experimentos, que tienen la intención de alcanzar la fórmula que permita reanimar a los muertos. Su compañero de piso Dan y la novia de éste, Megan, se verán envueltos en el macabro proyecto.
ENTRADAS YA A LA VENTA
Las entradas para CTHULHUTON, que se celebrará el sábado 29 de marzo a partir de las 16:30 horas en el cine mk2 Palacio de Hielo de Madrid, ya están a la venta en taquilla y en la web oficial del recinto. Asimismo, también hay abonos disponibles para aquellos espectadores que quieran visionar todas las películas de la programación.
CTHULHUTON está organizado por la productora A.D.J. Proyectos Audiovisuales S. L., responsable del Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, la Cutrecon, o de las muestras de cine de culto TDC Weekend, celebradas en Madrid y Sevilla.
El pasado viernes 21 por la mañana, el equipo de Sombra Madrid encabezado por su nuevo director Adán Latonda, nos citó en el acogedor Café Libertad 8 para entrevistar al mítico compositor italiano Fabio Frizzi, que había venido a la capital para deleitarnos por la tarde con un espectacular concierto junto a su banda mientras se proyectaba Nueva York bajo el terror de los zombies(Zombi 2, 1979).
El veterano músico y compositor habitual del giallo italiano, en especial junto al director Lucio Fulci, aunque también con otros grandes como Sergio Martino, Enzo G. Castellari o Lamberto Bava, a sus setenta años se ha reconvertido como artista para formar su propia banda y tocar en directo. El Festival Sombra acogió uno de los conciertos de su gira Frizzi 2 Fulci.
Con un sentido del humor y un entusiasmo sorprendentes, Fabio Frizzi se entregó por completo a las preguntas de la prensa.
John McTiernan también visitó Madrid durante el Festival Sombra y nos dijo cosas muy interesantes (artículo pinchando aquí).
A la derecha el músico Fabio Frizzi
Has trabajado sobre todo con Lucio Fulci, pero también con otros directores de la época como Enzo G. Castellari o Sergio Martino. ¿Con cuál o cuáles te ha gustado más trabajar? Aparte de con Lucio.
Lucio es especial. Uno de mis valores es la calidad en el trabajo, me gusta trabajar bien. Tengo que agradecer los directores que has nombrado y también añadiría a Lamberto Bava. Todos son compañeros de trabajo muy agradables. De Castellari soy más amigo ahora casi, con Internet. He hecho solo una película con él —Aventuras y amores de Scaramouche(1976)—.
De Lamberto soy amigo de verdad y de vez en cuando nos llamamos. Él suele hacer un chiste simpático que me gusta contar. Hicimos dos películas juntos, una de ellas Blasfighter (1984), y me dijo: «¿Sabes qué? He escuchado la música de Blasfighter y la verdad es que eras bastante bueno, ¿por qué no te volví a llamar?» (ríe). De Martino soy muy amigo también. Ha envejecido un poco. Nos encontramos hace un par de años. Todas son relaciones muy buenas. Él más loco de todos era Lucio (ríe), porque era muy especial.
Quentin Tarantino escogió la banda sonora de Siete notas en negro para su película Kill Bill. Volumen 1. ¿Cómo fue ese trámite? ¿Contactaron contigo o con Lucio Fulci?
En los contratos italianos es el editor musical el que gestiona la venta de las canciones. Nos contactaron y fue algo bastante placentero. Fue todo muy fluido.
Te voy a contar una cosa que saben muy pocos. Algunos dicen que más tarde yo he dicho que no a Tarantino para alguna otra cosa. Tarantino me preguntó, a través de canales paralelos, no a mi personalmente, para su película Malditos bastardos (2009) y me hubiese gustado mucho participar. Él me pidió la música de Zombi 2 (Nueva York bajo el terror de los zombies), pero me envió una solicitud con canciones que no eran las mías, sino covers. Y yo le dije: «No, esto no. Hay algo mío ahí pero no son las mías». Y ahí se interrumpió la conversación, pero está bien así.
Cartel de la película Siete notas en negro(Sette note in nero, 1977) de Lucio Fulci, de la que Tarantino utilizó un fragmento musical para Kill Bill. Volumen 1(2003)
¿Estás contento con el uso que hizo de tu música?
Enormemente. Él escogió una canción breve de un minuto y medio. Lo enseño en mis masterclass. El montaje. Cuando llega la parte final, in crescendo los arcos, coge parte de la cara y hasta el corte del pie, y si te fijas bien te das cuenta de que ha tenido que ralentizar esta bajada, porque tenía que ser paralela al tiempo de la música. Hizo una utilización extraordinaria.
Has trabajado con directores españoles. Juan Piquer, Pedro Lazaga…
Sí, sí… Recuerdo una película con Gastone Moschin (no dice el título, pero debe ser Carlota: Amor es… veneno de Stefano Rolla en 1981), pero en todos los casos he trabajado desde Roma. Por lo tanto nunca he tenido contacto directo con ellos. Qué pena…
Al ver una película, ¿te fijas mucho en la música, o en qué partes y cómo la usarías?
Siempre (ríe). Es una de las cosas más limitantes cuando ves películas. Es difícil relajarse. El martes tengo una masterclass en Lucca (ciudad italiana) y les enseño a los chicos a poner música sobre cortometrajes, y de vez en cuando me gustaría poner las mías (ríe).
Con la cantidad de composiciones que has hecho para películas, ¿tienes favorita o alguna de la que te sientas más orgulloso?
Yo siempre digo una cosa… es una respuesta diplomática (ríe), y es que las bandas sonoras que hago son como mis hijos: de una forma u otra quieres a todas.
A la izquierda el músico Fabio Frizzi. A la derecha un servidor durante la entrevista
Muchas gracias por leerme y ¡larga vida al Sombra!
La web Fandango ha publicado los datos de la encuesta a más de 3500 cines norteamericanos sobre las ventas anticipadas de entradas y sobre las películas más esperadas este veranos en Estados Unidos. Recuerdo por tanto que hablamos de Norteamérica. Los cuatro fantásticos superan a Superman en la batalla entre Marvel y DC por ser la película de superhéroes más taquillera del verano… por el momento. Habrá que ver luego la venta final de entradas en junio 2025 que es cuando se decidirá todo. Pero por el momento Los cuatro fantásticos primeros pasos, el nombre completo de la cinta de 2025 parece que, por fin, si se siguen cumpliendo todas las encuestas no será un fracaso para Marvel. Pero aún con todo, no es la película más esperada para los fans estadounidenses.
Y es que al margen de las peleas entre compañías, y los fans de Marvel y DC por las cintas de superhéroes, recordemos que ambas cintas se estrenarán el mismo mes y ambas serán la semana del estreno número 1 en taquilla, la película más esperada en Estados Unidos para este verano es Jurassic World El renacer, cuyo estreno se espera el 2 de julio.
A continuación os dejo el tweet de Fandango donde aparecen el listado de las 10 películas más esperadas este verano, sin olvidar que la última entrega de Misión Imposible se cuela en tercer lugar.
10. El viernes más raro 9. Lilo y Stitch 8. Cómo entrenar a tu dragón 7. 28 años después 6. Ballerina (Del universo John Wick) 5. Thunderbolts* 4. Superman 3. Mission: Impossible – The Final Reckoning 2. Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos 1. Jurassic World Renacer
We asked over 3,500 Fandango ticket buyers and here are the top 10 most anticipated summer movies hitting the big screen this year! Let us know what you’re excited to see in the comments below👇 pic.twitter.com/IfJK3twprv
Bienvenidos de nuevo a las oficinas de Lumon, la empresa con los mejores trabajadores del mundo. Aquellos que no es que vivan para trabajar, sino que, directamente, no tienen vida más allá del trabajo. Bienvenidos a Separación.
Casi tres años después del impactante final de su primera temporada, por fin Apple TV estrena la segunda tanda de capítulos de Separación, distopía en la que una gran empresa inserta un chip en el cerebro de sus trabajadores que les genera una disociación: cuando están fuera de su trabajo (fueri), no recuerdan nada de su vida dentro de la empresa, mientras que dentro de ella (dentri) no recuerdan nada de lo que les espera fuera de Lumon.
A PARTIR DE AQUÍ, SPOILERS DEL DÉCIMO Y ÚLTIMO CAPÍTULO DE LA SEGUNDA TEMPORADA DE LA SEPARACIÓN.
Termina la segunda temporada de Separación, la serie que casi nadie está viendo, perteneciente a una plataforma de escasa audiencia como Apple TV+, pero repleta de teorías y conjeturas por todo Internet como hace años que no se ven. De hecho, muchos comparan la serie con Lost, aquel fenómeno televisivo que desarrolló todo un submundo que se partía la cabeza buscando respuestas en Internet.
No les falta razón, porque Separación parece una serie de otro tiempo. De las que se estrena un capítulo semanal y con gusto, porque cada día que pasa hasta el estreno del siguiente episodio es aprovechado por los fans para revisar posibles detalles ocultos que puedan dar pistas de lo que va a ocurrir con el equipo de Macrodatos.
Lo bueno de Separación (que no tenía Lost) es que da respuestas. Y, aunque lo ocurrido en el último capítulo deja los cabos sueltos justos para una tercera temporada, también da un cierre satisfactorio a todo lo que hemos visto en esta segunda tanda de episodios.
Finalmente, tenemos a los dos Mark hablando entre sí gracias a su hermana Devon y a Harmony Cobel. El fueri le pide sacar a Gemma a cambio de una reintegración total. Pero el dentri, con toda la razón del mundo, no se fía. Porque, en el caso de que esa reintegración sea cierta, el mundo del Mark de Lumon es menos consistente que toda la vida del Mark exterior. Y no habría rastro de Helly.
Los Mark no se ponen de acuerdo pero los del exterior apelan a la certeza de que, una vez complete Cold Harbor, los empleados separados desaparecerán porque Lumon habría completado su objetivo. Aunque claro, si el objetivo de la empresa únicamente concernía a Mark… ¿Qué hay de todos los empleados separados de Lumon? ¿Todos eran meras distracciones? ¿O hay algo más que todavía no se nos ha contado?
Una vez en su trabajo, Milchick ha preparado a Mark una tétrica presentación supuestamente enfocada a que termine su trabajo en Cold Harbor. Parece decidido a no contentar a su fueri, pero Helly apuesta por destruir la empresa en la que participa su fueri.
Es precisamente esa fuerte personalidad, libre de influencias externas, la que tanto admira Jame Eagan, que ve en Helly lo que no consigue en su hija Helena: el espíritu de Kier Eagan.
Gracias a Helly y a Dylan, cuya dimisión ha rechazado su fueri porque su seguridad en sí mismo le ha inspirado a ser mejor, Mark consigue esquivar la surrealista celebración de Milchick y dirigirse al pasillo de Extracciones que Irving localizó.
Por el camino, asistimos a la escena más violenta de toda la serie: el asesinato de Drummond, que iba a sacrificar una cabra en nombre de Kier. Más preguntas: ¿Acaso ese es el único propósito de estos animales?
Mientras tanto, al completar Cold Harbor, Mark ha diseñado, sin saberlo, una nueva personalidad dentri para Gemma. Una tan alejada de ella que es capaz de desmontar la cuna proyectada para su hijo nonato sin que trasluzca ninguna emoción, la siniestra ambición de la empresa: el crear robots humanos.
El rescate de Gemma transcurre a través de cuatro distintas dinámicas entre Mark y su mujer. Desconocida-conocido, conocidos, desconocidos y conocida-desconocido. Y ambos actores lo bordan simplemente con la expresión de su rostro. Magistrales Adam Scott y Dichen Lachman.
Y cuando ella ya está a salvo, Mark elige entre su desaparición y pasar con Helly unos minutos más, los que sean, antes de que todo esto se acabe. En un ¿último? acto de libertad, no elige cuándo morir sino con quién, en una carrera por un pasillo sin fin.
Terminamos esta segunda temporada con las expectativas bien colmadas tras una primera temporada incontestable hace tres años. Pero ojo, se han quedado cosas por el camino. En esta segunda Separación hay menos surrealismo, menos sátira laboral y mucha más conspiración. Irving y Dylan pierden enteros y gana Gemma. Se reducen los de dentro y se hacen más grandes los de fuera.
Y todo sigue siendo sobresaliente, si no fuera por ese bache narrativo de dos capítulos, el extraordinario séptimo episodio y el más flojo octavo, que nos alejan de forma incomprensible de una trama que nos ha absorbido durante meses.
Ojalá que pronto sepamos más de Separación, la serie de la que nadie habla pero que el mundo de la televisión necesitaba como agua de mayo.
Uno de los grandes estrenos de este primer trimestre de 2025 era Blancanieves. En un mundo ideal lo tenía todo para arrasar, dos famosas actrices en su mejor momento y un director reputado. La realidad ha sido bien distinta. Blancanieves se estrenó por debajo de las expectativas, con una recaudación estimada de 43 millones de dólares en Estados Unidos. A nivel mundial, se esperaba que la nueva versión de acción real de la icónica película de 1937 recaudase 100 millones de dólares, pero en cambio se ha conformado con 87,3 millones.
Evidentemente mucho ha tenido que ver todo lo que se ha ido generando sobre ella desde que comenzase a gestar el proyecto. Allá por enero de 2022 el actor Peter Dinklage alzó la voz criticando el doble rasero de Hollywood:
«Me dejó un poco de piedra que se mostrasen tan orgullosos de elegir a una actriz latina como Snow White. Aún estáis contando la historia de ‘Blancanieves y los siete enanitos’. Parad un momento y mirad lo que estáis haciendo. Para mí, no tiene sentido. Por un lado estáis siendo progresistas pero aún estáis haciendo esa puta historia retrógrada sobre siete enanos viviendo juntos en una cueva. ¿Qué cojones estáis haciendo, tío? ¿No he hecho nada para avanzar en la causa? Supongo que no soy lo suficientemente ruidoso».
Disney emitió rápidamente un comunicado:
“Para evitar reforzar los estereotipos de la película de animación original, estamos adoptando un enfoque diferente con estos siete personajes y hemos consultado con miembros de la comunidad del enanismo”.
Rachel Zegler tampoco se ha librado de las polémicas. Por un lado su elección de Blancanieves siendo latina generó muchas críticas y después su mensaje en «X»: “Y recuerden siempre, Palestina libre”, un mensaje que causó una gran controversia máxime cuando su compañera Gal Gadot es israelí.
Disney ante tanto alboroto se vio obligada a cancelar la presencia de periodistas en la alfombra roja de la premiere, contando solo con fotógrafos y prensa de ABC (la cadena de televisión de la compañía).
Por fin se estrenó la película
Menos mal para los ejecutivos de Disney que el filme finalmente se estrenó y con críticas más bien entusiastas que elogiaban además del buen hacer de las dos actrices la calidad de la película elevándola como una de las mejores live-action de Disney. Que no es poco.
Pero nos quedaba lo más peligroso, los haters, los que fueron capaces de poner en un altar a Zack Snyder, o los que llenaron de críticas negativas a The Last of Us en su capítulo 3 y los que tienen en jaque al mismísimo Superman de James Gunn. Estos que han llenado de review bombing la película de Blancanieves, teniendo ahora mismo un 3,3 en Filmaffinity y 1,9 en IMDb, aunque seguramente IMDb haga purga de muchos de esos votos. Pero la carnicería está ahí.
Hoy en día queda demostrado que estas páginas ya no valen para decidir si ver o no ver una película. La gente puntúa en razón al odio o al peloteo de su estrella favorita. Así que lo mejor es guiarse por el instinto y criterio de uno mismo.
Tras una primera bastante floja y una segunda que mejoró ostensiblemente, la tercera temporada de La Rueda del Tiempo le está dando finalmente a los fans lo que reclamaban en cuanto a mayor fidelidad a los libros, además de aportar episodios de estructura narrativa audaz y poco lineal como el cuarto que aquí analizamos y cuyo título es El Camino de la Lanza. La serie, creada por Rafe Judkins y basada en la célebre saga fantástica de Robert Jordan, es emitida por Prime Video.
Bienvenidos a un nuevo giro de La Rueda del Tiempo, correspondiente en este caso al cuarto episodio, lo que nos deja ya en mitad de temporada y vaya que vamos rápido con esto de subir tres episodios de un tirón como hiciera Prime Video la semana pasada. Y el cuarto, que hoy nos ocupa, es por estas horas celebrado por los fans como uno de los más fieles a los libros, lo cual digo por boca de ganso al no llegar mi conocimiento de la saga hasta El Ascenso de la Sombra, que suele ser mencionada como una de las mejores novelas de la misma y a la cual básicamente esta tercera temporada adapta.
Escrita por el propio showrunner Rafe Judkins y dirigida por el británico Thomas Napper, esta entrega hace enfrentar a Rand con su pasado y a Moraine con su futuro, además de llevarnos a conocer cómo han llegado los aiel a ser lo que son, pero con un manejo del tiempo contrario a cualquier estructura convencional y una apuesta estética tan audaz que convierte sin duda al capítulo en el más surrealista a la fecha.
Sin más trámite y antes de que la rueda dé un nuevo giro, pasemos a ver qué nos ha dejado, no sin advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
En la Víspera
Después de que dejáramos a Rand y los suyos con los aiel, le vemos a la espera de partir al día siguiente hacia Rhuidean, la “ciudad en las nubes” a la que van los jefes y sabias de los clanes para ser aceptados como tales.
En su caso, el sentido es convertirse en el car´a´carn que, según la profecía, guiará al “Pueblo del Dragón”. Y si hiciera falta confirmación de que dicho pueblo son los aiel, el líder Rhuarc (Björn Landberg) lleva tatuada en su brazo izquierdo la imagen de uno.
Rand entrena con Lan y recuerda cuando su padre le animaba a “vaciar su mente” y visualizar una llama como único objetivo. Pero a Aviendha no le gusta verle con espada, arma que no se corresponde con los Aiel ni con el destino que le espera. De inmediato, ella se prende justamente con Lan en un amistoso duelo de lanza contra espada, pero todo se invierte y pasa a ser la regañada…
Con Bair a la cabeza, le recriminan en efecto el blandir un arma, pues ha sido justamente llamada a ser también sabia, destino al que ha escapado al elegir ser Doncella de la Lanza y partir tras el Car´a´carn. Ahora que lo ha encontrado, Bair rompe su lanza y le conmina a aceptar finalmente su destino, lo cual hace a regañadientes y solicitando permiso para ir también a Rhuidean.
Conversando con Moraine y Egwene, las sabias admiten no haber previsto la llegada de esta última, con lo que dejan en claro que no pueden anticipar absolutamente todo. También confirman que solo algunos Aiel sobrevivirán en caso de que Rand logre regresar de Rhuidean y una de ellas, Melaine (Salome Gunnarsdottir), llega incluso a sugerir que Moraine debería también pasar por la experiencia. Bair intenta callarla, pero ya es tarde…
También Rand y Moraine tienen su charla. Ella abriga recelo con respecto a la decisión de él de ir a Rhuidean, pero Rand, a su vez, no termina de confiar en Moraine: duda de sus reales motivos o hasta qué punto no persigue objetivos propios al protegerlo. Ella esquiva una respuesta certera al decir que nunca ha hecho nada diferente de ayudarle a cumplir su destino y asevera que, llegado el caso, no se quedará de brazos cruzados viéndole morir.
Línea de Lanzas
En la mañana, se ponen en camino y llegan a Rhuidean, la “ciudad en las nubes” a la que, en efecto, vemos envuelta en una permanente niebla seca. Allí se encuentran con el clan rival de los shaido, lo cual genera un momento de tensión que su líder Sevanna (Natasha Culzac) logra aplacar diciendo que no quiere derramamiento de sangre.
Menos contemporizador es su cuñado Couladin (Set Sjöstrand), guerrero a cuyo hermano Muradin (Fredrik Wagner) acaban justamente de enviar a Rhuidean para su ritual como jefe. Le disgusta ver a “gente de tierras húmedas” y poco le importa que Rand se justifique en que su madre era aiel (una de las sabias le corrige con que en realidad lo era su padre y no entiende demasiado). Couladin intenta reaccionar con violencia, pero las mujeres le ponen en su lugar…
Una línea de lanzas marca el límite y al otro lado se halla Rhuidean. Siempre firme en proteger a Rand, Moraine pide también derecho a entrar y le es concedido, aunque aclarándole que las mujeres, a diferencia de los hombres, no ven allí el pasado sino el futuro y ello podría serle traumático por no tratarse solo de uno sino de muchos futuros posibles, siendo no pocas las que han sucumbido en la complacencia ante lo visto o en el querer cambiarlo.
Tras dejar las armas (ella no para de sacar cuchillos), Moraine y Rand se disponen a trasponer la línea advertidos de que no podrán, al volver, contar nada de lo que hayan visto…
Visión 1
Edificios abandonados y estatuas silueteadas en la niebla dan a la ciudad un aspecto fantasmal y Moraine cree reconocer hilos del Poder Único. En el centro, identifican a Avendesora, el árbol de la vida que cuenta con tres mil años de antigüedad y del que los aiel confiaran siglos atrás un retoño a los habitantes de Cairhien.
Pero nos enteramos que el rey Laman, tío de Moraine, rompió el juramento de cuidarlo y lo usó en beneficio propio para construir un trono único y distinto de todos. Ello devino en guerra y los aiel le mataron en el Monte del Dragón, de lo cual nos enteramos al ver a Ran en la piel de su padre Janduin, quien precisamente diera muerte a Laman, pero al regresar junto a su encinta esposa y en desgarradora escena, la encontraría muerta, habiendo dado a luz y sin rastros del niño.
Visión 2
Cada paso de Rand le lleva a un pasado aún más antiguo y en la segunda visión se ve como Mandein, jefe de clan que, como tantos otros, es convocado a Rhuidean por Latra Sedai (Ania Marson), a quien vemos extraer del interior de Avendesora un orbe al que identifica como Sakarnen, sa’angreal en su momento mencionado por Lanfear.
Da instrucción de que quienes pretendan de allí en más ser jefes de clanes deberán visitar la ciudad para encontrarse con el pasado de sus ancestros y entender por qué no usan espadas. Pero deja en claro que ninguno liderará al total de los aiel, rol que solo cabe a alguien que llegará más adelante…
Visión 3
Rand da otro paso al pasado y es ahora Lewin, joven caravanero de los pacíficos tuathan’an que, habiendo sido su hermana y otra muchacha raptadas por bandidos, arma grupo con sus amigos y en la noche, por cuenta propia y contra el mandato social de no intervenir (“enterramos a nuestros muertos y seguimos adelante”, dice su padre Adan), decide ir a rescatarlas.
Lo logran, pero la incursión se lleva la vida de uno de sus amigos y el propio Lewin debe, en determinado momento, tomar una lanza del suelo y, en defensa propia, acabar con el bandido que raptó a su hermana. Lo que en principio no debería ser problema se convierte en drama al regresar, pues matar es contrario a lo que llaman Filosofía de la Hoja y ello deviene en que sean expulsados y negados por sus familias.
Cubriendo sus rostros como ninjas de pasado vergonzante, forman clan aparte y entendemos así el origen de los aiel, que acaban siendo un desprendimiento de los tuathan’an con la diferencia de que usan armas, aunque no espadas (instrumentos únicamente forjados a tal fin), sino lanzas o arcos originalmente concebidos para la caza. Desde ese momento, se juramentan proteger a los tuathan’an al no poder estos, por su filosofía de vida, defenderse de quienes les atacan…
Visión 4
Rand está ahora en la piel de Jonai, anciano caravanero y abuelo de Adan, a quien vemos aquí como niño. La caravana ha sido atacada y hay muertos por doquier, pero Jonai repite y enseña a su nieto la misma cantinela que este, como líder, continuará de adulto: “enterramos a nuestros muertos y seguimos adelante”.
Por otra parte, le cuenta que su madre ha tenido un sueño acerca de una ciudad al este y hacia allí están llevando el retoño del Avendesora, pero sus seguidores dicen que, habiendo ya las Aes Sedai acabado con el último hombre con habilidad de encauzar, ha llegado el momento de dejar de vagar y escoger un sitio seguro y definitivo donde quedarse. Volverán a cultivar la tierra como sus ancestros y Jonai es animado a recordar la canción olvidada que estos cantaban. Vemos entonces que no será Lewin el primero en romper un mandato…
Visión 5
Rand está ahora en la piel de Rhodric y oficiando de sirviente para las Aes Sedai, más específicamente para una Latra visiblemente más joven que en la segunda visión. Esta dice que los hombres que logran encauzar han enloquecido y están convirtiendo al mundo en un caos, lo cual pone a las puertas de lo que en los libros se conoce como Desintegración.
Encomienda a Rhodric y su gente llevar diez mil retoños en otras tantas carretas para repartirlos por el mundo y asegurar la paz, a la vez que hace al joven entrega del sakarnen. Entendemos pues el origen del espíritu nómade y viajero de los aiel, pues a ello les lleva la misión ancestralmente encomendada…
Visión 6
La sexta visión nos lleva todavía más atrás, a la Era de la Leyenda en que ciencia y magia coexistían. Una joven Lanfear que en realidad no es todavía Lanfear sino Mierin Sedai, observa desde una gigantesca esfera en ingravidez y junto a su alumno Charn (en quien Rand se encarna) cómo los campos son trabajados por cultivadores.
Eminente investigadora, ha descubierto una fisura que podría, dice, abrir las puertas a un nuevo poder que no sería para pocos, sino para todos y mejorar por ende la calidad de vida. Pero cuando Charn baja de la esfera para encontrarse con los cultivadores (en definitiva su gente), ve la esfera quebrarse y desplomarse sobre los campos con gran estruendo y nube de polvo que pone a los campesinos en desbandada. Y lo peor no es eso, sino que por detrás también el cielo se resquebraja y está claro que se le ha abierto la puerta al Oscuro.
Futuros Posibles
Moraine, mientras tanto, ha encontrado el sakarnen dentro del Avendesora y se lo apropia: ignoramos de qué modo le servirá de aquí en más, pero seguramente mucho. Llega hasta los anillos en los cuales debería ver el futuro y, flotando en suspensión, encuentra a Aviendha, que ha entrado también a Rhuinean y parece atrapada en su visión.
Pronto Moraine comienza igualmente a levitar y, de manera frenética, ve desfilar los distintos futuros posibles que las sabias le anticiparan. En uno, se ve a sí misma como Sede de Amyrlin y disponiendo junto a Egwene la ejecución de Rand; en otro, liberando de su vínculo a Lan para depositar en Rand la misión de ser de allí en más su Guardián; en otro, ve a Lan agonizar en llamas; en otro, a sí misma y otras Aes Sedai postrarse y rendir pleitesía a Rand; en otro, se ve haciendo el amor con este último y finalmente, en varios, presencia su propia muerte a manos de Lanfear, que le rebana el cuello.
Car’a’carn
Paso tras paso y visión tras visión, Rand avanza entre las columnas de cristal al punto de alcanzar a Muradin, el jefe de los shiado que ingresara antes y que, atormentado, se ha arrancado los ojos al no poder soportar las visiones. Un instante después cae sin vida mientras Rand va pisando, en consonancia, las osamentas de los muchos desdichados que han seguido su destino.
Finalmente, se deja caer desfalleciente y cuando vuelve en sí, ve que tiene el tatuaje del dragón, pero no en un brazo sino en ambos, señal inequívoca de que ya es el Car’a’carn. A su lado se halla Aviendha, quien, habiendo pasado su prueba, decide regresar con los suyos, pero él no la sigue hasta tanto encuentre a Moraine.
En el exterior de la ciudad, los días pasan y, habiendo regresado Aviendha, no hay señales de Rand o Moraine. Egwene quiere entrar a buscarlos, pero Lan aconseja esperar hasta que, finalmente, vemos a Rand emerger de entre las lanzas llevando en andas a una desvanecida Moraine, imagen que hemos visto acompañar de manera promocional la temporada y ahora sabemos que con justo motivo…
Balance del Episodio
Madre mía el capítulo que hemos visto. No solo hace las paces con los fans que venían pidiendo mayor fidelidad a los libros o mayor protagonismo de Rand, sino que todo el episodio presenta una estructura narrativa que desafía cualquier linealidad o convencionalismo. Y lo paradójico es que se centra solo en uno de los arcos de la serie, pero este a su vez abre muchos otros a medida que nos sumergimos en las visiones de Rand y, en menor medida, en las de Moraine.
En reversa, hemos recorrido la historia de los aiel y viene bien rebobinar y poner la cinta al derecho o, si lo preferís, hacer girar la rueda del tiempo en sentido convencional para ver qué nos ha dejado este vasto y complejo proceso de deconstrucción. A ver…
Los antepasados de los aiel fueron pacíficos cultivadores, a quienes Mierin Sedai (a la postre Lanfear) intentó con sus investigaciones mejorar la calidad de vida, pero sin querer abrió involuntariamente la puerta a la Oscuridad (imposible no relacionar con los enanos de Tolkien que, cavando muy profundo, despertaron al Balrog).
Ello devino en la Desintegración mientras los hombres enloquecían en manos del Poder Único y las Aes Sedai buscaban salvar la paz recurriendo a los también pacíficos descendientes de aquellos cultivadores para desparramar el legado de otros tiempos a través de los retoños del Avendesora. Pero no todos cumplieron su misión: uno de los grupos decidió abandonar el viaje, establecerse a cultivar y rememorar la canción de sus ancestros…
Hasta que unos jóvenes quebraron nuevamente un juramento al empuñar armas para matar a quienes habían raptado a dos muchachas del campamento. Fueron expulsados y formaron clan aparte. Ya identificables como aiel, cubrieron sus rostros y sus jefes fueron convocados por las Aes Sedai para ser instruidos en cuanto a su origen y razón de ser, instaurando así el ritual de Rhuinean.
Pero cuando un rey utilizó un retoño del Avedensora en beneficio propio, ello devino en guerra y este fue asesinado por el padre de Rand mientras el niño era dado a luz por su moribunda madre, pero no quedaba rastro de su paradero…
Wow. Increíble que hayan logrado contar todo eso en un solo capítulo y hay que decir que el mismo reviste tal complejidad que incluso me pregunto si no sea quizás algo abrumador para quienes no hayan leído los libros. En mi caso, no he leído El Ascenso de la Sombra, en el que mayormente se basa la temporada, pero sí tengo la base de los libros anteriores (en aquel momento los únicos que existían) y sin embargo, aún así, he tenido que ver el episodio dos veces para hacer una reseña como ustedes merecen.
Las visiones del pasado no solo han ilustrado sobre los aiel sino también, de manera más puntual, sobre Rand y Moraine, cuyo vínculo, al parecer, viene desde muy atrás y lo mismo el del joven con Lanfear, pues hemos visto a uno de sus antepasados en relación muy cercana con esta cuando aún era Mierin. Dato revelador, además, que fuera finalmente su padre el aiel y no su madre…
Interesantes algunas analogías: la historia de Lewin y sus amigos en la tercera visión remite a la de Rand y los suyos en Dos Ríos. Y ver a Aviendha aceptar el destino impuesto contra su voluntad es equiparable para Rand a su propio conflicto entre el joven que fue y el Dragón Renacido que está destinado a ser.
La excelencia del capítulo, por otra parte, no se apoya solo en su particular ritmo narrativo, sino también y de manera especial en lo visual. Quienes nos quejábamos de algunos efectos algo cutres (especialmente en la primera temporada), podemos sentirnos largamente complacidos y agradecidos de que Amazon haya claramente aumentado los presupuestos.
Pero por sobre todo hay que destacar el descomunal trabajo de fotografía que el episodio ha implicado, no solo en los impactantes cambios de paleta de colores al pasar del páramo a Rhuinean y de allí a cada una de las visiones, sino también en los increíbles giros verticales de cámara a trescientos sesenta grados (como si estuviéramos en una rueda de la fortuna) o en imágenes que, tan poéticas como estremecedoras, nada tienen que que envidiar a muchas producciones cinematográficas: Moraine y Aviendha flotando en los anillos, por mencionar una…
Además y como hemos dicho, los realizadores han escuchado a los fans y dado más protagonismo a Rand. Posiblemente no lo hubieran hecho antes por darle prioridad a alguien con los quilates de Rosamund Pike, pero es cierto que el Dragón Renacido venía algo desdibujado y ello no permitía lucimiento aJosha Stradowski que, en lo personal, no me estaba convenciendo…
Pues bien, este ha sido sin duda su capítulo. Si contamos las seis visiones más el propio Rand, ha debido interpretar a siete personajes diferentes, tarea titánica de la cual ha salido airoso. Y si bien pueda habernos en algún momento generado confusión sobre si estábamos viendo el pasado de algún ancestro o el suyo propio, ello ha redundado en un mayor compromiso emocional con cada una de las historias que nos han contado.
No se puede dejar de destacar el trabajo de maquilladores y vestuaristas para que no viéramos siempre al mismo personaje, aun cuando reconociéramos su rostro. Y de manera complementaria, la inmensa labor de recreación de las distintas épocas, pues el mundo de La Rueda del Tiempo tiene la particularidad de que, al ir hacia atrás, podemos encontrar tecnología o ropajes cada vez más complejos, sofisticados o modernos, ya que en algún punto el presente puede ser caratulado como postapocalíptico.
En fin, hemos llegado a la mitad de temporada de manera inmejorable y ello nos llena de esperanzas con respecto a lo que sigue y de momento con el quinto episodio. Les esperamos aquí para analizarlo…
Luces, cámara, acción y el rugido del león de la Metro Goldin Mayer… así comenzaban todos mis sueños de la niñez. El cine y el cómic anidados a la imaginación que deletrea palabras sobre una hoja de papel. En la oscuridad del salón de actos mientras descendía con delicadeza el telón, volví a sentir todas esas emociones que han fluctuado a lo largo de mi vida, con los sueños girando alrededor de mi imaginación. En la tenebrosidad del anonimato que deja el espacio entre butacas iba a poder conocer a un genio, Frank Miller.
Este fin de semana se celebró la décima edición del Festival Atlántico de Género Negro: Tenerife Noir. Un evento que contó con la presentación del documental ‘American Genius’, de la directora Silenn Thomas. Un documental que abarca la vida del dibujante y guionista estadounidense Frank Miller.
¿Quién es Frank Miller?
Frank Miller, nacido en 1957 en Maryland, es un reputado artista, dibujante, guionista, productor y director. Aunque su fama viene de ser escritor y dibujante de novelas gráficas, una labor con la que ha conseguido dejar una huella imborrable en el mundo de los cómics. Entre sus obras destacan: Daredevil (la saga Born Again); The Dark Knight Returns (El Regreso del Caballero Oscuro); Hard Boiled; Sin City (su obra magna); Ronin y 300 (esta última le dio fama mundial gracias a su adaptación cinematográfica).
Un artista reconocido por su estilo visceral y dibujos de claroscuros, sus diálogos mordaces y con el sello de una narrativa oscura y violenta. Un autor capaz de revolucionar el género de los superhéroes a través de sus creaciones iconográficas, la rebeldía de sus personajes y sus historias subversivas.
Desgranando el documental American Genius
Las imágenes del documental me hicieron revivir toda una época dorada del cómic, multitud de artistas a los que conocía por haber leído sus historias, mientras le comentaba quien era cada uno, con la ilusión de un adolescente, a mi acompañante. Un documental rodado con cariño, que ofrecía las luces y las sombras de un artista que ha conquistado el fastuoso mundo de las novelas gráficas, gracias a su perenne rebeldía y su inmenso talento. Un talento, que como se encarga de decir el propio Miller en el documental, siempre fue acompañado de esfuerzo y trabajo.
Dos aspectos me llamaron la atención del genial artista y que se muestra en el documental.El primero, es que tenía claro a lo que se quería dedicar desde muy joven, dibujar cómics, y puso todo su empeño, creatividad y trabajo en lograrlo, aun a pesar de las adversidades. El artista no tiene miedo de abrirse a su audiencia y seguidores, mostrando que el precio de la fama puede volverte vanidoso, algo que Frank reconoce que le ocurrió al volverse una persona engreída. El éxito entendido como ego puede hacer arder las llamas del infierno, infierno que Miller atravesó durante una gran parte de su vida por culpa de su alter-ego diabólico, el alcohol.
Sin embargo, después de tan largo viaje, vuelve a las raíces primigenias de su sueño donde encuentra la redención, el placer que otorga la libertad de hacer lo que más te gusta, y volviendo a su infancia, de la meta que se propuso, que era ganarse la vida como dibujante de cómics. La única verdad de la felicidad, hacer aquello que disfrutas.
El segundo, fue al llegar a Nueva York, donde compartía residencia con otros jóvenes artistas, una residencia auspiciada por el legendario Neal Adams (el artista más representativo de Batman). En esos días iba a visitar a Neal con sus bocetos en busca de encargos para poder subsistir (una etapa que el documental nos muestra las dificultades económicas por las que pasó el artista). Adams miró los bocetos y le dijo que era lo peor que había visto nunca en su vida, añadiendo la nefasta frase, con esos bocetos nunca serás dibujante de cómics.
La diferencia entre el que cree en su talento y el que no, radica en su respuesta al rechazo o las adversidades, en este caso Frank Miller se fue a su casa y trabajó una semana encerrado en su cuarto hasta que logró mejorar los bocetos que había realizado.
Esa mejora le sirvió para conseguir su primer encargo, al volver al despacho de Neal Adams y enseñarle los dibujos, este le dijo que, si había sido capaz de vender el trabajo, siguiera ese camino sin cambiar su actitud un ápice. Después de esa conversación, en un periodo breve de tiempo, entró a trabajar en la colección de Daredevil de Marvel… el resto es historia. Un mensaje alto, claro y contundente, no solo el talento sirve para alcanzar las metas, ya que los sueños se consiguen a través del esfuerzo, del trabajo, del aprendizaje y de mejorar constantemente.
El genio Frank Miller y el fan que le escucha
Como un lector seducido por la imagen de una buena novela gráfica, al delinearse la figura de Frank Miller entre los pliegues del telón, me levanté junto con el resto de fans de la sala, (juraría que el radiante filo de las espadas espartanas inundó de una eléctrica epicidad la sala) a aplaudir la presencia de un creador capaz de cambiar el rumbo y el trazo de la industria del cómic. En el escenario se mostró como una persona afable, risueña y con ganas de disfrutar del público. Un artista que disfruta de su legado, de su trabajo y de la interacción con sus seguidores.
Las preguntas iban surgiendo mientras la sonrisa cómplice de Miller me hacia reflexionar sobre la escritura, los sueños y la imaginación. En sus palabras siempre había una mueca clave, un gesto de felicidad, ese entusiasmo que hace girar la rueda donde se conjugan estos tres elementos. Al final de su exposición me quedó claro cuál es el secreto de la creatividad, simplemente divertirse y disfrutar mientras imaginas tu siguiente aventura.
Comentar la magna obra de Miller me llevaría otro post entero, pero sí quiero hacer hincapié en varios aspectos de la misma. Su arte se basa en las líneas, líneas que circulan por la página y que divide la luz y las sombras, creando una atmósfera en la que sus ilustraciones demuestran la ferocidad de las emociones humanas, esa doble vertiente por la que pueden circular el estado emocional de los personajes, la luz de la esperanza o las sombras del pecado.
Otro matiz es la violencia, implícita y explicita, una violencia representada a través de esas sombras que devoran la luz del mundo. Un trazo poético que hipnotiza con su composición de páginas revolucionarias, que busca contar una historia humana a través de la mirada de los superhéroes, un artista que siempre busca su propia voz con la que narrar la vida que le rodea a través de la simplicidad, aquella que se delinea de manera sutil, tenue y etérea entre el blanco y el negro, la luz y la oscuridad, que moran por el mundo.
El otro aspecto a destacar de la obra de Miller es la reinvención. Una reinterpretación de los códigos superheroicos de héroes míticos como Batman, dándole un nuevo enfoque a lo que significa leer un cómic. Una rebeldía creativa que le llevó a transformar y deformar la imagen del héroe para hacerlo más visceral, quebradizo y humano. Una propuesta de cómics para adultos con historias densas y complejas, donde descubrimos lo que implica en realidad ser un superhéroe, la violenta confrontación entre pensamientos y sentimientos, que abarcan la totalidad de las emociones humanas. Una reinvención creativa que apostó por demoler los cimientos clásicos del cómic, para construir una nueva era dorada para esta industria del entretenimiento.
Para finalizar, recordando que, tras el rugido del león, las luces, las sombras y la acción, se encuentra un autor afable que sonríe constantemente porque tiene la suerte de hacer lo que le gusta, sus breves palabras de despedida resonarán en mi memoria eternamente:
“Definitivamente no es sencillo. No basta con querer hacer las cosas, uno tiene que practicar, tiene que intentar una y otra vez y, si de verdad es lo que amas, perfeccionarlo a tal grado que te conviertas en el fan número uno de ti mismo”
Ya habíamos tenido un primer teaser seis meses atrás y ahora nos llega un clip que pone los pelos de punta. Estamos hablando de Alien: Earth, la serie precuela de la franquicia que, creada por Noah Hawley, ubica las andanzas del xenomorfo en nuestro querido y desprevenido planeta. Pasen y vean…
Mientras seguimos esperando el estreno de Alien: Earth, tenemos un nuevo avance de la serie que, escrita y dirigida por Noah Hawley (Fargo, Legion) profundiza en una franquicia que ya tiene cuarenta y seis años a través de una precuela que, al decir del propio Hawley, está hecha como si nunca hubieran existido Alien: Prometheus ni Alien: Covenant, pues al showrunner no le pareció atractiva la idea de que los xenomorfos fueran algo así como un arma biológica en lugar del resultado de millones de años de evolución. Y a nosotros tampoco…
A diferencia de las siete películas que componen la franquicia (sin tomar en cuenta, claro, las dos de Alien vs. Predator), esta serie introduce la diferencia de desarrollarse en la Tierra y no en el espacio profundo. Y contrariamente a lo anunciado en algún momento, no ubica su acción treinta años antes de los sucesos de la primera película sino apenas dos, teniendo que ver con una nave en problemas que acaba por accidente estrellándose en la Tierra y en cuyo interior viaja el voraz xenomorfo.
Tras el breve teaser que habíamos tenido en septiembre, este clip nos ubica a bordo de la mencionada nave y nos muestra cómo una joven tripulante pide ayuda desesperadamente, pero es desoída por un oficial que, resignado, no le abre la puerta y deja que sea literalmente masacrada por la criatura mientras envía a alguna autoridad superior un mensaje diciendo que la tripulación está muerta y la nave caerá a la Tierra.
Tras ello, vemos a un grupo comando avanzar a través de los bosques, presumiblemente a la búsqueda de la nave siniestrada y anunciando lo que acabará irremisiblemente en enfrentamiento con el xenomorfo.
Lamentablemente no tenemos aún el clip en español ni tan siquiera subtitulado. Lo ofrecemos por lo tanto en inglés original, pero se entiende muy fácilmente aun sin conocer la lengua de Shakespeare.
La serie tiene en su papel protagónico principal a Sydney Chandler, secundada por un elenco que incluye, entre otros, a Alex Lawther, Essie Davis y el bueno de Timothy Olyphant. Aún no hay fecha confirmada, pero se presume que el estreno tendrá lugar en el verano boreal (invierno para el hemisferio sur), primero a través de Hulu y después de Disney+.
¿Qué les parece el nuevo tráiler y qué expectativas tienen? Les leo. Hasta la próxima y sean felices…
