Inicio Blog Página 6

Retroverso. Bajo las lunas de Mongo (2026): Ciencia ficción pulp a la vieja usanza.

0

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hay personajes que son algo más que un cómic o una película: Son una puerta de entrada a la imaginación de toda una época. Flash Gordon es uno de ellos y Dolmen Editorial, ha decidido recuperarlo a lo grande con Retroverso. Bajo las lunas de Mongo, una novela de Alberto Moreno que funciona como homenaje, carta de amor y puesta al día del héroe casi centenario creado por el legendario Alex Raymond.

Si creciste viendo seriales de aventuras espaciales, leyendo tebeos de ciencia ficción o simplemente te fascinan los mundos imposibles llenos de monstruos, rayos y palacios imposibles, aquí hay material para hacerte muy feliz.

Retroverso. Bajo las lunas de Mongo.

Antes de entrar en harina, ubicamos el libro: novela de ciencia ficción, formato 14×21 en rústica con solapas, 456 páginas en blanco y negro, publicada por Dolmen Editorial y fecha de salida en febrero de 2026.

Es decir, estamos ante una obra pensada para quedarse en la estantería, no para ser una lectura fugaz: Volumen contundente, portada llamativa y una premisa que apela directamente al fan del pulp clásico.

Pinchad AQUÍ para obtener información sobre el título, desde la web de Dolmen.

Retroverso

De la Confederación Galáctica al planeta Mongo

La novela arranca a treinta años luz de La Tierra, en el sistema Beta Comae Berenices, cuando un cataclismo de proporciones cósmicas sacude la zona y obliga a la poderosa Confederación Galáctica a decretar una cuarentena alrededor de su estrella.

En ese contexto, el Doctor Hans Zarkov y su ayudante, la arqueo‑tecnóloga Dale Arden, solicitan permiso para inspeccionar el único planeta del sistema, Beta Comae Berenices b, conocido por el lector y por la cultura pop como Mongo.

Ahí entra en escena un viejo amigo: El comandante y piloto George “Flash” Gordon, que se suma a la misión con la intención de ayudar a buscar rastros de un grupo expedicionario encargado de cartografiar el planeta y ahora desaparecido.

Por supuesto, nada sale como estaba previsto y un accidente deja al trío varado en la superficie de Mongo, donde lo que iba a ser una misión científica se convierte en una odisea de supervivencia entre paisajes de inhóspita belleza, criaturas letales y cortes donde la elegancia y la crueldad se dan la mano.

Alberto Moreno utiliza esta premisa clásica (la nave que se estrella en un mundo desconocido) para desplegar todo el repertorio de situaciones que uno espera de Flash Gordon: Guerras, alianzas incómodas, traiciones palaciegas, romances, duelos con espada y persecuciones a golpe de fusil de rayos.

Es una de esas novelas en las que pasas página no tanto por saber “qué va a ocurrir” (que también) como por el puro placer de ver con qué idea loca va a sorprenderte el escenario siguiente.

Retroverso

Un gran homenaje al Flash Gordon de Alex Raymond

El propio texto de Dolmen lo deja claro: “Bajo las lunas de Mongo” es una adaptación de las aventuras originales del mítico héroe del cómic y un homenaje explícito a la obra de Alex Raymond.

Eso se traduce en una fidelidad absoluta al espíritu del material de partida: aquí hay aventura, guerra, romance, drama y traición servidos sin ironía y sin distancia posmoderna, como si las planchas dominicales hubieran decidido convertirse en novela.

Encontramos monstruos, espadas, fusiles de rayos, ciudades imposibles y cortes repletas de intrigas, todo descrito con esa sensibilidad “más grande que la vida” que hizo tan icónicas las viñetas de Raymond.

Los escenarios se construyen como postales de otro mundo, desde paisajes desolados hasta palacios donde la sofisticación visual convive con la brutalidad política, siempre con la vista puesta en que el lector se sienta literalmente bajo esas lunas de Mongo.

Para quienes venimos del cómic, de los seriales clásicos o incluso de adaptaciones posteriores de Flash Gordon al cine y la televisión, hay un componente emocional muy fuerte en ver cómo se recupera al personaje desde el respeto absoluto.

La novela no intenta “deconstruirlo” ni despojarlo de su esencia, sino mostrar por qué fue tan importante en su día y por qué sigue funcionando hoy cuando se abraza sin complejos su ADN pulp.

Retroverso
Dibujo de Flash Gordon de Alex Raymond. No contenido en el libro.

Ritmo pulp, novela larga

Con todo, conviene avisar: Retroverso. Bajo las lunas de Mongo no es un relato breve ni una novelita de usar y tirar; son 456 páginas con las que Alberto Moreno se toma su tiempo para explorar el mundo, las facciones y las relaciones entre personajes.

Eso le permite dibujar bien al trío protagonista (Flash, Zarkov y Dale) y dar espacio a secundarios y tramas políticas que enriquecen el trasfondo de la Confederación y del propio Mongo.

La contrapartida es que, aunque la novela mantiene el ritmo de serial aventurero, hay tramos donde el lector se encuentra con descripciones detalladas, explicaciones sobre el contexto o escenas de drama cortesano que pueden sorprender a quien sólo espere una sucesión de peleas y explosiones.

Pero si entras en el juego y aceptas ese formato “sábana dominical extendida”, lo que te llevas es una experiencia muy inmersiva en un mundo que, por derecho propio, se ha ganado un lugar en la historia de la ciencia ficción.

Alberto Moreno. Un autor cómodo en la ciencia ficción

Alberto Moreno no llega a Flash Gordon de nuevas: Tiene una trayectoria sólida dentro del género, con novelas como La edad del vuelo, Antrópica, Retroverso: Luz que dejo atrás o Flux Rabiata, además de novelas cortas como Dentro/Fuera o La pasión de los hombres cometa y relatos como Profundo, Hacer y deshacer o Paraíso.

Toda su producción se mueve en la ciencia ficción, y esa familiaridad con el género se nota en cómo maneja las ideas, la terminología y el equilibrio entre ciencia, aventura y especulación.

Retroverso. Bajo las lunas de Mongo se beneficia de esa experiencia: Hay un entendimiento claro de cómo funcionan las estructuras de poder, las misiones científicas y los organismos tipo Confederación, pero al mismo tiempo nunca se pierde de vista que estamos leyendo una historia de héroes, villanos y mundos extraños.

El resultado es un libro que puede disfrutar tanto el lector de ciencia ficción “de toda la vida” como quien llegue atraído por el nombre de Flash Gordon y busque pura evasión bien escrita.

Retroverso

¿Para quién es este viaje a Mongo?

Si eres lector habitual de Las cosas que nos hacen felices, seguramente te mueven los mismos resortes que a muchos fans: Amor por los clásicos, curiosidad por nuevos autores y ganas de encontrar obras que sepan combinar respeto por el pasado con mirada actual.

En ese sentido, Retroverso. Bajo las lunas de Mongo encaja como un guante: Es pulp sin complejos, ciencia ficción con corazón y un puente directo entre las páginas de Alex Raymond y el lector de 2026.

Es una lectura ideal si disfrutas de las novelas de aventuras largas, si te apetece perderte en un planeta lleno de peligros y maravillas y si no te importa que, entre monstruo y monstruo, haya espacio para la política, el drama y cierta reflexión sobre cómo nos relacionamos con lo desconocido.

Y sobre todo, es una invitación a volver a Mongo sabiendo que, esta vez, no vas sólo de visita: Vas a quedarte bajo sus lunas unas cuantas noches. Pero pero sobre todo …

¡Es una invitación a Ser Feliz!

Retro-Análisis: Flash Gordon (1980).  Absurda y a la vez sublime space opera

Ciencia Ficción Pulp: Las Novelas de Bolsillo que nos hicieron Felices

Las 9 mejores adaptaciones de libros que llegarán como series de fantasía

La industria audiovisual sigue apostando fuerte por las adaptaciones de fantasía literaria. Desde sagas épicas hasta fenómenos de romantasy o dark academia, varias obras muy populares están en proceso de convertirse en series… aunque no todas avanzan al mismo ritmo, en este listado encontrarás algunas de las más esperadas.

Los Seis de Atlas

En 2021, se anunció que Amazon y Brightstar habían ganado la puja por los derechos para adaptar a la televisión la novela de ciencia ficción oscura Los Seis de Atlas. Una noticia que generó bastante expectación, aprovechando el éxito viral del libro en redes. La saga literaria está compuesta por: Los Seis del Atlas, La Paradoja del Atlas y El Complejo del Atlas. Una trilogía que ofrece material suficiente para una serie de varias temporadas.

El libro narra la historia de seis estudiantes con habilidades mágicas que son invitados a unirse a un grupo secreto llamado la Sociedad Alejandrina. Los seleccionados disfrutarán de una vida de poder y prestigio que superará sus sueños más salvajes. Pero… todo tiene un precio y solo cinco sobrevivirán. Como vemos, su historia encaja perfectamente con el tipo de fantasía juvenil y psicológica que está triunfando en streaming.

Actualmente, la serie se encuentra en desarrollo, pero sin avances recientes importantes. No hay reparto ni fecha confirmada, lo que sugiere que está en una fase temprana de desarrollo. La serie está siendo desarrollada por Brightstar y tiene como productoras a Tanya Seghatchian y John Woodward, quienes ya tienen experiencia en las primeras cuatro películas la de Harry Potter y un modesto éxito británico de extraterrestres como fue Attack the Block.

Lo que sí sabemos es que su autora, Olivie Blake, está trabajando estrechamente con el equipo para desarrollar la trama y brindar orientación sobre la dirección de los personajes. El tono de la misma se enmarcará en el género dark academia (academia oscura), enfocado en la magia, la obsesión por el conocimiento y la supervivencia.

71ai 1k6FL 1

 

La Torre Oscura

La película de La Torre Oscura fue un fracaso rotundo, a pesar de contar con actores de la talla de Idris Elba y Matthew McConaughey. Crítica y público coincidieron, por una vez, en que era mala. Sin embargo, los fans de Stephen King (quien tiene varias adptaciones pendientes) tendrán una vez más la oportunidad de ver su historia favorita cobrar vida con la próxima serie de televisión, creada por Mike Flanagan.

Un autor que ha sabido triunfar con diferentes proyectos de terror y, sobre todo, ha logrado captar, con sus adaptaciones, el espíritu de las novelas de King como: El juego de Gerald, La vida de Chuck y Doctor Sueño. Teniendo en cuenta que es un proyecto muy personal para Mike Flanagan, y que el mismo ha prometido que será una adaptación lo más fiel posible a las novelas.

Prime Video está volcándose con esta adaptación, ya que, aparte de varias temporadas de televisión, planea dos largometrajes para cubrir el arco completo de Roland Deschain. Recientemente se ha confirmado que ya están elaborados los guiones de la primera temporada, que cuentan con la aprobación del mismísimo Stephen King. Una serie que promete ser un bombazo televisivo ya que su historia mezcla con habilidad el western, la fantasía y el terror… ¿Qué más se puede pedir para vivir una gran aventura?

La Torre Oscura

Katábasis

Ya recomendé un libro de esta escritora que puede convertirse en la nueva sensación de la fantasía literaria RF Kuang (escritora de La Guerra de la Amapola). Prime Video también adquirió, antes incluso de que saliera publicada, los derechos de su nueva novela de fantasía: Katábasis.

Esta novela de fantasía literaria sigue a Alice Law, una estudiante de posgrado de Magia en Cambridge, que debe formar equipo con su némesis, Peter Murdoch. Ambos tendrán que adentrarse en las profundidades del Infierno para rescatar a su director de tesis y poder conseguir sus cartas de recomendación.

La premisa por sí sola basta para entusiasmar a los amantes de la fantasía: una mezcla de fantasía académica, magia y un descenso al inframundo. Aunque pueda parecer en sus inicios una comedia académica, la trama evoluciona hacia temas profundos como la depresión, la adicción al trabajo y el sacrificio personal.

Pero lo más destacado de la serie Katábasis resulta ser la atractiva elección de su showrunner: Angela Kang. Esta guionista de The Walking Dead (cuya novela gráfica no deberías perderte), será la showrunner principal y productora ejecutiva del proyecto. Su experiencia en la oscura serie de zombis promete un enfoque sombrío y profundo para los amantes de la fantasía terrorífica.

Katábasis

La Novena Casa

Tras su publicación en 2019, La Novena Casa de Leigh Bardugo se convirtió en un éxito de ventas, cosechando grandes elogios tanto de la crítica como de los lectores. El libro narra la historia de Alex, una estudiante de 20 años que puede ver a los muertos. Alex es reclutada para espiar las sociedades de la universidad: es la encargada de vigilar las ocho sociedades secretas de Yale, siendo la Novena Casa o «Leteo» la encargada de controlar los rituales peligrosos.

Prime Video parece decidido a ampliar su catálogo de fantasía, habiendo adquirido los derechos de numerosas adaptaciones televisivas de libros. El proyecto se describe como una adaptación de fantasía oscura ambientada en las sociedades secretas de la Universidad, abordando una trama compleja sobre la violencia y la magia tenebrosa.

En febrero de 2023, Leigh Bardugo reveló que la serie ya contaba con un episodio piloto que le encantaba y que había tenido la oportunidad de trabajar directamente en él. El resto de la información se mantiene en estricta confidencialidad. Lo que sí se espera es que la serie mantenga el tono adulto, crudo y de misterio que tienen las novelas.

La Novena Casa

Serie de Harry Potter

HBO prepara una de las adaptaciones más ambiciosas con la serie basada en la obra de J. K. Rowling, que promete convertirse en uno de los mayores eventos televisivos de la próxima década. La idea es adaptar un libro por temporada, lo que permitirá profundizar en las historias que no entraron en las películas, como personajes secundarios, tramas políticas y la vida escolar. Para muchos fans, este es el mayor atractivo de la serie, ya que se presupone que será una versión más fiel y completa del universo mágico de Harry.

El rodaje empezó en 2025 en estudios de Reino Unido, con un reparto confirmado por los actores: Dominic McLaughlin como Harry; Arabella Stanton como Hermione; Alastair Stout como Ron; John Lithgow como Dumbledore; Paapa Essiedu como Snape; Nick Frost como Hagrid; y Janet McTeer como McGonagall.

El equipo creativo se compone de Francesca Gardiner como la Showrunner principal, el director Mark Mylod y J.K. Rowling, que ejerce como productora ejecutiva. El plan para la serie es ambicioso: adaptar un libro por temporada durante unos 10 años. Para ello contará con un elevado presupuesto, un diseño de producción colosal y unas expectativas altísimas por parte de los fans. Se rumorea que su fecha de estreno está prevista para el año 2027.

Alas de Sangre

La saga literaria del momento, creada por Rebecca Yarros, nos sitúa en un mundo de fantasía donde la joven Violet Sorrengail entra en una academia para convertirse en jinete de dragones. Los jinetes pueden establecer un vínculo con los dragones que montan, obteniendo así ciertos poderes que las criaturas comparten con ellos. Pero para Violet será un camino repleto de dificultades, en el que tendrá que poner a prueba tanto su capacidad física como su inteligencia.

Los derechos fueron adquiridos por Amazon Prime Video y Outlier Society, al poco de publicarse el libro en 2023. El fundador de Outlier Society es Michael B. Jordan (quien acaba de ganar su primer Oscar), y promete que la serie será todo lo emocionante que los fans esperan, incluidas algunas sorpresas que harán las delicias de los mismos.

También se encuentra involucrada la propia autora de la novela, Rebecca Yarros, quien ejerce como productora ejecutiva del proyecto para asegurarse de que la serie sea lo más fiel posible al texto. Y, por supuesto, Prime Video quiere que se convierta en su título de fantasía más importante (y que supere los pobres resultados de audiencia de La Rueda del Tiempo y El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder).

De momento, el proyecto avanza muy poco a poco, lo único confirmado es que su showrunner será Meredith Averill, retomando el trabajo empezado por la anterior guionista, Moira Walley-Beckett, quien ya ha avanzado en las primeras versiones del guion. Está claro es que Alas de Sangre será un proyecto ambicioso pero lento, ya que se busca que sea unas adaptaciones fieles a su trilogía y que tenga la calidad suficiente para atraer a todos los públicos amantes de la fantasía. Para triunfar, tiene los ingredientes necesarios: Una brutal academia militar, dragones e intrigas políticas.

Alas de sangre

Las Crónicas de Narnia

Ante la avalancha de adaptaciones de fantasía, Netflix no ha escatimado esfuerzos con Narnia para no quedarse relegado en el reparto del pastel de los potenciales espectadores de este género. Ha asumido el reto de transformar la obra de C. S. Lewis (cuyo libro de fantasía está entre los más premiados de la historia) en un proyecto ambicioso que abarque más que una simple serie, sino todo un universo conectado (series y películas).

El objetivo es claro: convertir Narnia en una saga con desarrollo a largo plazo, que pueda convertirse en su mayor franquicia, una que pueda rellenar el hueco dejado por Stranger Things. Su primera incorporación ha sido la directora Greta Gerwig como principal responsable creativa. La elección se basa en que es conocida por su sensibilidad narrativa centrada en los personajes, algo que le otorgará una profundidad emocional al mundo de Narnia, sin olvidar los elementos épicos que tiene la saga.

Aunque no está completamente confirmado, todo apunta a que el proyecto comenzará con El Sobrino del Mago, una decisión justificada, ya que explica el origen de Narnia e introduce elementos clave como la creación del mundo y el personaje de Aslan. El desarrollo ha sido lento pero constante. Netflix está siendo metódica, consciente de la importancia cultural de la obra. Se espera una posible ventana de estreno para 2027.

La nueva adaptación de Narnia no quiere ser solo un reboot de las flojas películas estrenadas en cines, sino un intento de construir algo más grande, más épico y perdurable. Si logra capturar la magia, el asombro y la emoción de los libros, Narnia podría volver a abrir su armario… y conquistar a una nueva generación.

Carl el Mazmorrero

La novela sorpresa del año pasado que ha conquistado al público con su humor irreverente y su mezcla de fantasía de mazmorras con ciencia ficción. Su trama nos introduce en un reality show con espectadores por toda la galaxia, un espectáculo que ofrece goblins explosivos, alocadas pociones, infinidad de trampas, magia de diferentes niveles… cualquier locura vale con tal de ganarse a la audiencia.

Los derechos fueron adquiridos oficialmente para una adaptación televisiva por Universal International Studios junto a la productora de Seth MacFarlane (Fuzzy Door Productions). El guionista Christopher Yost (con experiencia en Thor: Ragnarok y The Mandalorian), ha puesto en marcha el desarrollo del guion y escrito varios guiones para un capítulo piloto. Esto es común en las grandes adaptaciones que requieren un elevado presupuesto: primero se escribe el guion, se negocian contratos y luego se empieza a rodar la serie.

El propio autor del libro, Matt Dinniman, ha confirmado que, aunque todavía no está oficialmente en producción, hay actividad diaria y movimiento para sacar adelante la serie. Incluso se rumorea que ya hay un servicio de streaming interesado, pero todavía no se ha hecho público cuál será, ni se ha confirmado oficialmente.

Lo que está claro es que una adaptación a serie tiene un alto potencial de éxito, ya que la novela combina elementos de RPG, ciencia ficción, humor negro, fantasía y supervivencia. Aparte, Seth MacFarlane mantendrá el tono gamberro, descarado, violento e irreverente tan característico de los libros como de su serie South Park. A su favor, es que podría convertirse en una de las series más originales del género de fantasía y ciencia ficción de los próximos años.

Carl

Hijos de Sangre y Hueso

Vamos con una de las adaptaciones que ya está confirmada, que se convertirá en una trilogía de películas bajo el nombre de El Legado de Orisha. Una interesante novela de fantasía que se caracteriza por estar inspirada en la mitología de África Occidental. Tomi Adeyemi desgrana, con habilidad narrativa, una historia de magia, acción y lucha contra la opresión (como curiosidad, es un libro difícil de encontrar en español porque está agotado).

La trama sigue a Zélie Adebola, la última de los maji, un grupo de personas con habilidades mágicas que fueron perseguidas y casi exterminadas por el régimen de Orïsha. Junto a Tzain y la princesa Amari, Zélie busca recuperar la magia perdida, enfrentando desafíos mortales, traiciones y dilemas éticos que reflejan la complejidad del poder y la justicia.

Paramount Pictures se ha encargado de la producción bajo la dirección de Gina Prince‑Bythewood, quien también coescribió el guion junto a la propia autora, Tomi Adeyemi. La filmación principal comenzó en febrero de 2025 en Sudáfrica y terminó el dos de junio de 2025. Está programada para su estreno en cines el quince de enero de 2027.

Su elenco de actores está compuesto por: Thuso Mbedu como Zélie; Tosin Cole como Tzain; Amandla Stenberg como la princesa Amari; y Damson Idris como el príncipe Inan. A los que se unen en papeles clave Cynthia Erivo, Idris Elba, Viola Davis y Chiwetel Ejiofor.

Este reparto extenso y de calidad refuerza la intención de la película en reflejar la riqueza mística, mágica y social de la saga literaria. Sus primeras impresiones han generado entusiasmo por traer a la pantalla grande la mezcla de épica, magia y cultura inspirada en mitologías africanas, que caracteriza al libro. La historia mezcla aventura épica con temas de identidad, resistencia y legado cultural. Se posiciona como una firme candidata a convertirse en uno de los eventos de fantasía más esperados del 2027. Tanto por la fidelidad al material original como por el potencial visual de sus espectaculares coreografías de acción mágicas.

Hijos de Sangre y Hueso

Aquí tienes un listado con las adaptaciones televisivas que prometen llevar la fantasía literaria a un nuevo nivel (en el mismo no he incluido a Brandon Sanderson y su venta de derechos del Cosmere a Apple TV, ya que podéis leer toda la información pinchando el enlace).

Desde dragones y mazmorras hasta magia oscura y sociedades secretas, los próximos años llegarán cargados de nuevas series inspiradas en sagas literarias, que despertarán la imaginación y que prometen conquistar tanto a lectores como a seriéfilos. ¿Cuál de estas adaptaciones esperas con más ganas?

Confirman segunda temporada de Nada a pesar del fallecimiento de su actor principal Luis Brandoni

El celebrado actor argentino Luis Brandoni acaba de dejarnos, pero los creadores de la serie Nada confirmaron que la segunda temporada, en la cual volverá también a estar Robert De Niro, ya estaba filmada. Será por lo tanto su último y gran legado…

El cine y el teatro argentino están de luto, pues este pasado lunes, y como consecuencia de una lesión cerebral tras sufrir nueve días antes una caída en su propio domicilio, nos dejó a los ochenta y seis años Luis Brandoni, uno de sus grandes referentes. Genio del costumbrismo en la comedia y en el drama, protagonizó en su país títulos icónicos como La Patagonia Rebelde, La Tregua (nominada al Oscar como mejor película extranjera), Esperando la Carroza, Cien Veces no debo, Parque Lezama y tantos otros, además de series como Buscavidas, Un Gallo para Esculapio y, por supuesto, la internacionalmente aclamada Nada (aquí análisis de su primera temporada).

nada las cosas felices.09 e1776921942393

Y en medio del dolor por tan triste pérdida, muchos vimos inmediatamente como injusticia que Brandoni no hubiese llegado a la segunda temporada de dicha serie, que protagonizó junto a su gran amigo Robert De Niro. Por suerte, nos equivocamos: Mariano Cohn y Gastón Duprat, creadores, guionistas y directores de la misma, confirmaron que la temporada ya está filmada, lo cual se hizo en forma discreta en septiembre de 2025 y, al parecer, llevará como título Todo, en clara contraposición con el de la primera.

Por si aún no la han visto (no sé qué esperan), Nada gira en torno a Manuel, un crítico gastronómico de Buenos Aires al cual le cuesta mantener el costo que su estilo de vida implica y depende en exceso de su ama de llaves, por lo que todo se le complica al morir esta. Y Robert De Niro interpreta a Vincent, su amigo de New York que, a veces en off y otras en pantalla, oficia como narrador al principio y al final de cada episodio para hacer presencia ya completa en el último de los cinco que componen la primera temporada.

nada las cosas felices.02 e1776921999500

Esta segunda volverá a contar con Brandoni y De Niro, lo cual implica una carga emocional muy fuerte al constituir para el actor argentino su legado póstumo y para el americano una forma de despedir a su amigo: estoy seguro que nos será difícil contener las lágrimas. Incluye esta vez escenas rodadas en New York y, además de los octogenarios actores que encabezan el elenco, vuelve a contar en el mismo con la actriz paraguaya Majo Cabrera, la gran revelación de la primera temporada.

nada las cosas felices.01 e1776922053577

Para los creadores de la serie, Brandoni “nos dejó este último regalo filmado que lo trasciende y lo hace más grande”. Y confirmaron que además lo veremos en la cuarta temporada de El Encargado a estrenarse el 1 de mayo también en Disney+ y en la cual, como lo hiciera en la primera, vuelve a tener una participación dando vida a un vagabundo en una escena que, según anuncian, es de las más divertidas de toda la serie.

Estaremos pues pendientes y es, desde ya, una gran alegría saber que veremos una segunda temporada de Nada (o Todo), pero no solo por nosotros, sino fundamentalmente para que un actor inmenso tenga la despedida que merece. Será sin duda el mejor homenaje y qué bueno que De Niro sea parte del mismo

Hasta pronto y sean felices…

nada las cosas felices.11 e1776953492288

San Diego Comic-Con Málaga 2026: 10:00h … Arranca la preventa exclusiva para los veteranos de 2025

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. La maquinaria de San Diego Comic-Con Málaga 2026 se pone en marcha y lo hace premiando a su comunidad más fiel: Quienes estuvimos en la histórica primera edición de 2025. Si eres de los que sobreviviste a las colas, a los pasillos abarrotados del Fycma y a la avalancha de estímulos frikis, mañana tienes una cita importante con Ticketmaster.

San Diego Comic-Con Málaga 2026

La organización ha anunciado una preventa exclusiva de entradas dirigida únicamente a los asistentes del año pasado, en un movimiento que busca consolidar la Comic-Con malagueña como uno de los grandes encuentros europeos de cultura pop.

Comic

Cuándo empieza la preventa y quién puede acceder

La fecha clave es HOY, jueves 23 de abril, a las 10:00 horas. A partir de ese momento se activará la preventa exclusiva de entradas para San Diego Comic-Con Málaga 2026, gestionada en su totalidad a través de Ticketmaster, la ticketera oficial tanto para esta fase como para la posterior venta general.

No olvidemos que la San Diego Comic-Con Málaga 2026 se celebrará del 1 al 4 de octubre

Esta primera ventana de compra no está abierta a todo el mundo, sino solo a quienes acudieron a la edición 2025. Para entrar en la preventa será imprescindible disponer del Registration ID que utilizaste el año pasado y tener creada una cuenta de Ticketmaster con el mismo correo electrónico vinculado a ese identificador.

Sin esa combinación, no habrá acceso anticipado, así que hoy es buen momento para revisar mails y recuperar ese código si lo tienes enterrado en la bandeja de entrada.

Cómo funciona la compra: Límite de entradas y paso a la venta general

La dinámica sigue el modelo habitual de los grandes eventos internacionales: Cada usuario podrá adquirir un máximo de dos entradas en esta fase de preventa.

Es decir, una para el titular del Registration ID y otra para un acompañante, que puede ser tanto otro veterano de 2025 como alguien que se sume por primera vez al fenómeno en 2026, siempre que cumpla las condiciones marcadas por la organización.

Más adelante llegará la venta general, en la que ya se exigirá contar con un Registration ID 2026 para poder comprar entradas.

Con este sistema, la Comic-Con malagueña se asegura un control más fino del acceso y trata de poner coto a la reventa, dando prioridad primero a los fans que apostaron por la edición inaugural.

comic

Hago un inciso AQUÍ para invitaros a ver todas las noticias y novedades de cómic en la web.

Los primeros grandes nombres: Kevin Smith y John Romita Jr.

La preventa llega acompañada de otro titular jugoso: Los dos primeros invitados estelares que han confirmado su presencia en la edición de 2026.

El primero es Kevin Smith, cineasta, guionista, podcaster y figura clave de la cultura pop, conocido por “Clerks”, el View Askewniverse y su larga relación con el mundo del cómic.

comic

El segundo nombre es John Romita Jr., uno de los dibujantes más influyentes de Marvel, con etapas emblemáticas en Spider-Man y trabajos tan reconocibles como Kick-Ass.

comic

Que la organización arranque el cartel con dos pesos pesados tan ligados al cómic manda un mensaje claro: La segunda edición quiere reforzar su identidad como cita de referencia para el noveno arte en Europa.

Pin y lanyard exclusivos: Merchandising desde el carrito

La experiencia de compra no se limita a las entradas. Durante el proceso en Ticketmaster, la organización ofrecerá dos piezas de coleccionista exclusivas: Un pin y un lanyard de edición limitada.

Solo podrán adquirirse online, tanto en la Preventa Exclusiva como en la futura Venta General, y no estarán disponibles fuera de ese circuito.

Ambos productos se basan en ilustraciones de Rodrigo Blaas, director y animador con créditos en Ice Age, Buscando a Nemo, Wall-E o Ratatouille, en colaboración con Carlos Salgado, director de El Guiri Studios.

Cada pieza tendrá un precio base imponible de 9,91 euros (11,99 euros IVA incluido), claramente pensados para el fan que quiere llevarse un recuerdo distintivo de esta edición sin disparar demasiado el presupuesto.

Comic

De un 2025 caótico pero inolvidable a un 2026 con vocación de mejora

La San Diego Comic-Con Málaga 2025 fue, a partes iguales, un hito cultural y un test de estrés logístico: más de 120.000 asistentes, colas interminables y recintos al límite, pero también estrellas de Hollywood, contenido de primer nivel y una comunión brutal de fandom. La ciudad y la organización han reconocido que hubo problemas y han prometido soluciones de cara a 2026.

En ese contexto, esta preventa exclusiva funciona como un “gracias por estar ahí cuando todo empezaba” dirigido a los veteranos. Para quienes estuvimos en el Fycma en 2025, supone la oportunidad de volver, comprobar hasta qué punto se han pulido las aristas y seguir viendo cómo crece una Comic-Con que, salvo giro inesperado, seguirá celebrándose en Málaga al menos durante sus primeros años de vida.

Hoy, desde las 10:00, se juega la primera partida de la SDCC Málaga 2026. Que no te pille sin Registration ID, sin cuenta de Ticketmaster… Ni sin ganas de volver a sumergirte en uno de los mayores hervideros frikis que hemos tenido nunca tan cerca de casa.

Estoy seguro que en SDCC Málaga 2026 

¡Seremos Felices!

Análisis de Outlander. Temporada 8. Episodio 7

Se sigue acercando el final de Outlander y analizamos su séptimo capítulo titulado La Evidencia de las Cosas que no se ven. Creada por Ronald D. Moore y basada en la exitosa saga de novelas de Diana Gabaldon, la serie de Starz es emitida para España por Movistar+ y para América Latina por Disney+.

Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. El final de Outlander está cada vez más cerca y, a falta de solo tres episodios para acabar este viaje en su momento tan fascinante y que después se fue desinflando, hacemos revisión de lo que nos ha dejado el séptimo que, igual de intenso que acelerado, viene con una muerte dolorosa e inesperada, además de la confirmación (algo atropellada en su forma) de lo que sabíamos de sobra que se veía venir.

Y como cada vez la cosa viene más apretujada, hay mucho para contar en cada episodio y el que nos ocupa no podía nunca ser la expepción. Pasemos pues a ver qué ha ocurrido en este séptimo capítulo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos de Outlander y aquí los de su precuela Outlander: Sangre de mi Sangre.

Morirás en Combate…

Comenzamos con relato en off de Frank Randall describiendo los pormenores de la batalla de Kings Mountain mientras Jamie, inspeccionando el paraje referido, comprueba tristemente que cada dato coincide y, por ende, quizás también lo que de allí en más sobrevenga: los patriotas obtendrán una contundente victoria y de ellos morirán solo veintiocho, él incluido.

Al hablarlo con Claire, esta se muestra cada vez más desalentada con respecto a la ilusa esperanza que había tenido de que Frank hubiese solo querido atormentarlos, pues todo indica que no ha mentido ni tergiversado los hechos, como quería creer.

outlander las cosas felices.227 e1776824217738

Junto al mojón de Jane, una llorosa y desconsolada Fanny le cuenta luego a Claire que perdió un encaje de su hermana que habia sido confeccionado por su abuela, una artesana de París. Claire busca consolarla, pero su rostro revela que le empiezan a cerrar cosas y todo sigue conduciendo a Faith. Se lo comenta pues a Jamie y este le dice que recuerda de París a una mujer que tenía una tienda de encajes frente al boticario del Maestro Raymond. Más aún: oyó llorar a un bebé cuando estuvo allí. Vaya memoria privilegiada…

Reproches y Acusaciones

William regresa a casa de John Grey y se reencuentra con Amaranthus, quien se ve obligada a admitir que sabía lo de Ben. Busca hacerle comprender que para ella fue un duro golpe que su esposo se pasara al bando patriota y no quiso que el pequeño Trevor cargara con la cruz de ser hijo de un traidor, por lo cual consideró que era mejor fingir su muerte. Y si se acercó a William fue por necesitar de alguien que le brindara seguridad en vez de marcharse a combatir, lo que más o menos garantizaba por sus antecedentes, que reconoce haber estado husmeando.

A William le duele haber sido engañado, pero a la vez parece comprenderla. No obstante ello, se siente en la obligación de contarle todo a John y Hal, lo que desespera a Amaranthus porque dice que, si lo hace, terminarán colgando a Ben (no sé cómo si está con el Ejército Continental).

Él se lo cuenta de todas formas a John, pero protege caballerosamente a Amaranthus al no revelar que ella estuviera al tanto. Sin embargo, en cuanto John pretende consolarla por su supuesta situación de abandono, la muchacha se sincera y le revela toda la verdad. Es ahora John quien se siente engañado e incluso le echa en cara haber solo venido a su casa en busca de lucro, pero ella estalla y, tras reprocharle no saber lo que es tener un hijo y pasar hambre, se marcha de la habitación.

Hablando luego en privado con William, John le recomienda desistir de sus intenciones con Amaranthus ahora que sabe que su esposo está vivo (algo de lo que sabe bastante), pero el joven le responde que nunca entraría en relación con alguien que le ha engañado. Cambiante y errático, John defiende a Amaranthus por la situación en que se hallaba y William le restrega que ya viene escuchando demasiado esa excusa.

Una Muerte en la Familia

Fergus sigue adelante con la imprenta y les enseña a manejarla a Germain y Henri-Christian. Por ser diferente, este último no confía en sus capacidades y, mostrándole Fergus la prótesis de su mano, le dice que los diferentes pueden hacer cosas importantes y las personas pequeñas también (por un momento me hizo recordar a Galadriel hablando con Frodo). Les recuerda además a ambos que sostengan siempre la imprenta porque la pluma será para ellos su espada: suena a despedida y pronto sabremos que lo es…

Pero en las calles hay hostilidad contra la familia. A Marsali le arrojan tomates y le echan en cara que su esposo dirige una imprenta subversiva, a cuya puerta es dejada incluso una nota anónima con un ciertamente siniestro poema sobre el fuego que la pareja decide tomar a la ligera y dedicarse en cambio al sexo.

outlander las cosas felices.231 e1776824422672

Mal hecho: en la noche, son despertados por el humo y el crepitar. No encuentran a los niños y ella deduce que deben estar en el tejado, por lo cual él sube a buscarlos a toda prisa mientras le dice a su esposa que salga del edificio. Vecinos asisten para ayudar con el incendio y, en lo alto, Fergus encuentra a los niños insólitamente tranquilos y sentados como si nada.

Logra bajarlos con una cuerda, pero el pequeño Henri-Christian cae al vacío en cámara lenta como Alan Rickman en Jungla de Cristal. Por suerte, Roger logra atraparlo en su caída, pero el pobre Fergus no tiene tanta suerte allá arriba y el techo se le hunde bajo los pies arrastrándolo a las llamas…

El cuadro es devastador. Marsali se culpa de haber menospreciado la nota, pero Brianna (quien acaba de anoticiar a Roger de que se halla embarazada por tercera vez) busca tranquilizarla con que pudo haber sido un accidente e intenta convencerla de dejar a los niños con John antes de partir con ella y Roger hacia Fraser´s Ridge.

Me engañaste, me mentiste…

Hablando de John, Percy le cae de visita para traerle noticias sobre el capitán Richardson, aunque parece una excusa para abordarle una vez más y recordarle el momento íntimo que, de adolescentes y durante la boda de sus padres (recordemos que son hermanastros), tuvieran a solas en el campanario.

Al principio, John se resiste y vuelve a llamarlo irónicamente “Perseverance”, pero termina cediendo y se besan. Una clásica regla de los culebrones dice que nadie puede besarse a escondidas sin que alguien irrumpa (tampoco cierran la puerta) y, en efecto, William entra y les sorprende. Percy se marcha y John intenta, obviamente sin éxito, convencer al joven de que estaban hablando de negocios…

Pero William ha venido en realidad a echarle en cara no haberle dicho nada de su pasado como administrador en la prisión de Ardmuir, donde Jamie estuvo preso. Furioso y dolido, pregunta si también con él tuvo una historia de intimidad y es esa la razón por la cual aceptó tomarle a su cargo. John replica que solo eran amigos y le recrimina ser ingrato con su padre, a lo que William, tras llamarle mentiroso, hipócrita y sodomita, replica que no tiene padre. Fuerte…

outlander las cosas felices.228 e1776824495410

Sale Hijo y entra Nieta

A partir de la historia que Fanny le contó a Claire, todo se acelera. Ian le ha hecho llegar a Jamie desde Filadelfia un panfleto que le entregó una trabajadora de burdel que conoció a Jane y en el cual se promociona un texto sobre las memorias de esta última a partir de testimonios dejados por ella en una entrevista antes de su muerte (lo sé, suena complicado).

Según sigue contando Ian, visitó luego al escritor y este le dio detalles de la historia de Jane, a quien vemos en flashback brindarle los detalles. Su madre, dice, fue criada por una fabricante de encajes de París sin haber conocido nunca a la suya propia. A partir de datos que le dio la mujer, pudo identificarla como Lady Broch Tuarach (Claire), pero cuando intentó rastrearla, se encontró con que ya no estaba en el país y vivía en las montañas de Carolina del Norte. Ello anoticia a Claire de que Faith estaba viajando en su búsqueda cuando ella y su esposo fueron atacados por piratas en alta mar.

Queda claro, pues, que Claire y Jamie son abuelos de Fanny, así que van a decírselo y el momento es altamente emotivo, causando especial impacto en la niña saber que la canción que suele cantar es la misma que Claire le cantó a su madre al nacer, sin que haya forma de saber cómo le llegó.  Son demasiadas emociones juntas y, superada, Fanny se retira de la habitación mientras Jamie se pregunta si no debieron esperar algo más para decírselo y nosotros también.

outlander las cosas felices.230 e1776824583796

Al tenso momento sigue la fugaz felicidad de ver llegar a Roger y Brianna, que se desvanece pronto al reconocer con ellos a Marsali y advertir el clima sepulcral que a los tres embarga. Tristemente, Claire y Jamie son puestos al tanto del lamentable final de Fergus y huelgan las palabras…

Presa de la incomprensión, Jamie se pone a construir un ataúd para quien fuera su hijo adoptivo mientras se cruzan imágenes de este en vida y quizás esté pensando si no debería también hacer uno para él. Fanny le lleva hasta un mojón que, a la usanza ancestral escocesa, le ha preparado como recordatorio para Fergus en correspondencia con el que Jamie hiciera para Jane y, de modo también análogo, le entrega una piedra para que coloque en el mismo…

Dice que les cree que son sus abuelos, pero que siempre pierde todo y especialmente a las personas que ama. No quiere pues perderles ahora que les ha encontrado y ello genera alguna inquietud en Jaime por saber que muy probablemente así sea, al menos en lo que a él respecta. Pero, obviamente, no le cuenta nada de eso y, tras remarcarle que la fe no es otra cosa que la evidencia de lo que no se ve, le recomienda precisamente tenerla…

Un último flashback nos lleva a París en 1744 para ponernos finalmente al tanto de lo ocurrido con Faith. Vemos al Maestro Raymond (Dominique Pinon) entregarle la beba a la mujer de los encajes y dejarla a su cuidado porque, según dice, debe ausentarse por un tiempo de la ciudad con el agravante de que la madre de la niña se halla muy enferma y el padre preso. Le deja instrucción de que, en caso de no regresar, busque a Lady Broch, y le enseña la canción con que precisamente Claire solía calmar a la beba…

Balance del Episodio

Creo que las dos mejores palabras para definir el capítulo son emocional y meteórico. Honestamente, no esperaba la muerte de Fergus y, según sé, los lectores de la saga tampoco, pues sé que en en el último libro muere alguien importante en un incendio (todo un tópico en Outlander), pero no justamente él. Y no quiero decir quién por si quizás estén pensando en leerlo, cosa que en lo personal no he hecho…

outlander las cosas felices.232 e1776824654145

Esa muerte introdujo un giro brutal y desgarrador que se transparentó especialmente en las distintas emociones que Marsali fue atravesando como personaje a lo largo del capítulo: preocupación ante el clima hostil, enamoramiento de su esposo, estupor al verle caer entre las llamas y, finalmente, desesperanza y desazón. Cuatro momentos magníficamente actuados por una Lauren Lyle que se llevó las palmas del episodio seguida por Florrie May Wilkinson (Fanny), en contraposición con la monotonía y reiteración por momentos insufrible de una Claire siempre al borde de llorar o de un William permanentemente anclado en su expresión de “lo sabían todos menos yo”.

Y ya que hablamos de Fanny, fue muy emocional el momento en que recibió la noticia de que Claire y Jamie son sus abuelos, evidenciando el rostro de Wilkinson muy bien sus sensaciones y, especialmente, sus temores ante un futuro que se le avizora incierto: quizás suene a veces demasiado adulta, pero no hay que olvidar que le tocó madurar muy rápido y, por cierto, fue por demás emotiva la escena en que entregó su piedra a Jamie después de hacerle el mojón.

Pero cuando digo que el capítulo fue meteórico, me refiero a que las tramas avanzan de manera cada vez más exponencial y, al hacerlo, dejan en off situaciones que hubieran sido interesantes de ver, como toda la pesquisa de Ian en Filadelfia o cómo diablos terminó Denzell sacando a William de su reclusión, ya que solo le vimos exponer su plan sobre el final del episodio anterior y nada más.

En cambio, y por el contrario, es bueno que no hayamos visto la muerte de Fergus en primer plano (hubiera sido mucho más desgarrador) y que la escena en que Claire y Jamie se enteraron de la misma haya transcurrido sin que oyéramos sus palabras y solo con música de fondo. Oír a Brianna, Roger y Marsali exponer los hechos hubiera sido de un morbo innecesario, además de redundante por explicar lo que ya sabíamos. Las imágenes hablaron por sí solas y está bien, a pesar del profundo dolor que la escena nos transmitió…

Pero volviendo a la cuestión meteórica, lo que se resolvió a ritmo vertiginoso y velocidad luz fue la trama de Faith. De pronto nos cayó todo junto y las casualidades se fueron hilvanando una tras otra: la carta de Ian, su paso por Filadelfia, el encuentro con una amiga de Jane, el panfleto, el escritor que la entrevistó…

Todo un arco que hubiera dado para ser resuelto en tres o cuatro capítulos se resolvió en solo uno, lo cual, a riesgo de ser reiterativo, nos lleva nuevamente a lo poco acertado de acortar esta temporada final en relación con las otras (salvo la sexta, que fue la de la pandemia). Y que alguien sea capaz de retener haber oído llorar a un bebé en un local en el que estuvo una sola vez hace más de treinta años es tan disparatado que mueve a risa.

Sí fue bueno el flashback final que, de algún modo, reivindicó al Maestro Raymond ante las dudas que de él pudiéramos tener, pues queda claro que no hizo nada por mala intención sino todo lo contrario y estuvo bien volver a ver a Dominique Pinon interpretarlo, lo mismo que a Silvia Presente en la piel de Jane, más allá de que su flashback haya sido bastante más traído de los pelos. Y la canción infantil acompañando los créditos finales fue otro detalle conmovedor…

En definitiva, un capítulo con luces y sombras. El apresuramiento hace que las emociones, más intensas a medida que nos acercamos al final, se alternen con momentos de vértigo para cerrar arcos y tramas, lo cual necesaria e inevitablemente hace que nos queden sensaciones encontradas.

Habrá que ver cómo sigue la historia de Amaranthus, cuyos motivos para ocultar la muerte de Ben tornan más difuso su personaje al momento de tomar partido en contra suya o a favor. Y la de Marsali, pues se me ocurre que por algo nos mostraron esa escena íntima que tuvo con Fergus antes de la fatídica noche del incendio. ¿Habrá también quedado embarazada como Brianna? Sería una buena forma de dar continuidad a Fergus después de su muerte, más allá de que seguramente los niños sigan con su imprenta.

Y, por supuesto, todos los ojos en la inminente batalla de Kings Mountain y el destino final de Jamie. Ya sabemos que Frank no mentía, pero falta saber si tenía buena información, una posibilidad que no entiendo por qué no se le ocurrió a nadie hasta aquí contemplar…

A ver qué nos trae el octavo episodio. Hasta entonces y sean felices…

Wéstern: descubre 7 series para cabalgar con el espíritu del Oeste y la justicia

El wéstern siempre ha sido uno de los grandes géneros audiovisuales, teniendo que reinventarse a lo largo del tiempo para actualizar su narrativa a nuevos espectadores. Una línea que ha ido de los clásicos relatos de vaqueros a las producciones modernas con una nueva profundidad simbólica en sus tramas, personajes complejos y una estética cinematográfica impecable.

Hoy en día, las series del Oeste no solo hablan de duelos al sol, sino también de poder, supervivencia, justicia y moralidad en territorios salvajes. A continuación, repasamos algunas de las más destacadas del género, historias que cabalgan entre la ley y la leyenda que todo amante del Wéstern debería conocer (aquí puedes descubrir la guía definitiva de las mejores películas del Western).

Deadwood

Empezamos por la mejor serie de televisión que se ha hecho de este género. Deadwood retrata la vida en un campamento minero sin ley en Dakota del Sur durante el siglo XIX. Tiene unos diálogos afilados que silban como las balas antes de clavarse en el espectador. Unos personajes memorables que tienen tantas aristas como intereses ocultos; pueden ser despreciables, pero su carisma cautiva bajo sus harapos sucios y malolientes.

La trama, bien hilvanada, encierra todas las capas de preocupaciones del ser humano: sed de poder, intrigas políticas, dinero y la venganza entendida como forma de recuperar el orgullo. Su puesta en escena es prodigiosa, representando de manera realista la crudeza del Viejo Oeste, algo a lo que ayuda la intensidad de un guion bien ejecutado. La serie perfecta, seas o no aficionado al wéstern, que te mantiene enganchado gracias a su intrigante juego político, sus conversaciones brillantes repletas de palabrotas y los clásicos tiroteos elegantemente filmados.

Una historia cruda, sucia y polvorienta acerca de cómo una comunidad sin ley evoluciona hacia una estructura social más compleja. Deja atrás la idealizada estampa del viejo oeste para mostrarnos un lugar violento y moralmente ambiguo. Cuenta con uno de los mejores villanos, cargado de matices, de la historia de la televisión. Comentar que Deadwood tuvo un final en forma de película.

Justified

Un neo-wéstern que logra captar la atmósfera y moralidad del género, trasladándolas a la región montañosa de Kentucky. Nos cuenta cómo Raylan Givens, un agente federal, se vuelve a ver metido en conflictos peligrosos al volver a su pueblo natal. Su pasado complejo le relaciona con un peligroso criminal, Boyd Crowder. Toda la serie gira en torno a la relación de estos dos personajes, que logran ofrecernos una de las mejores rivalidades que podemos encontrar en una serie del Oeste. Su historia se entrelaza con maestría entre los diferentes objetivos de los personajes, logrando un apasionante viaje repleto de tensión, engaños y acción.

La serie logra equilibrar con acierto los elementos clásicos del wéstern: la ley, el crimen, la supervivencia y la ambición. Su trama logra sacar a relucir la ambigüedad moral de unos personajes bien definidos gracias a una puesta en escena que busca tener un tono sombrío, realista y caótico.  Destaca por sus diálogos afilados, ritmo ágil y escenas entretenidas de acción y violencia. Y tuvo una continuación: Justified: ciudad salvaje.

Un wéstern moderno con tono de thriller, que tiene un guion inteligente y una galería de villanos carismáticos que logran engancharnos a sus episodios. Personajes violentos en una tierra violenta donde las viejas heridas tardan en curarse. (aquí puedes leer la crítica de la serie).

Justified

Infierno sobre Ruedas

Una serie que logró sorprender con su éxito inesperado. Ambientada durante la construcción del ferrocarril transcontinental, nos cuenta la historia de un exsoldado confederado en busca de venganza. La serie explora temas como la redención, el racismo y la corrupción en una época clave de la expansión estadounidense.

Destaca por su capacidad para explotar, como la dinamita, las emociones del espectador a través de un viaje de venganza en el cual la ambición y la lucha por sobrevivir se entremezclan con un entorno extremo, seco y hostil. Su trama logra combinar con acierto un retrato histórico fascinante y una carga adecuada de acción y drama (un retrato histórico también lo tienes en la contundente serie Erase una vez en el Oeste).

Unos personajes que están en constante evolución, confrontados a los paisajes desérticos que invitan a la soledad y la melancolía. La serie se convierte en una intensa historia de intriga política inspirada en los oscuros subterfugios de uno de los periodos más fascinantes del Viejo Oeste.

Infierno sobre ruedas

Godless

Esta miniserie ambienta su historia en un pueblo habitado principalmente por mujeres tras un trágico accidente minero, el cual recibe la visita un forajido que huye de su peligrosa banda. Godless combina con maestría acción, drama y una narrativa poderosa. Su hermosa fotografía consigue cautivar la atención del espectador, mientras que su novedoso enfoque en personajes femeninos fuertes aporta un aire fresco al género.

Con las mujeres al mando se exploran nuevas dinámicas que enriquecen la tradición clásica del wéstern, lo que le permite desarrollar las motivaciones de sus personajes desde una óptica nueva e interesante sobe los viejos conflictos de vaqueros. Aunque a veces avanza con cierta lentitud, la serie logra echarte el lazo para hacerte caer en su red de intrigas, manteniendo enganchado al espectador durante sus siete episodios.

Sus capas de suspense logran deconstruir los tópicos del género de maneras muy interesantes, delineando personajes fuertes, mujeres de carácter con personalidades rudas, cinceladas por el dolor, la pérdida y el paisaje árido que las envuelve. Alejado de los duelos clásicos y los héroes de moral inquebrantable, Godless cabalga por terrenos más turbios y anárquicos, pero profundamente humanos.

Dark Winds

Una grata sorpresa que todavía no ha obtenido el reconocimiento que se merece. Su aproximación al western surge de la identidad, el crimen y las heridas del pasado. Ambientada en territorio navajo, nos cuenta la investigación sobre un crimen que llevan a cabo dos policías tribales. Su mayor habilidad es la capacidad de construir su historia a través de su paisaje que actúa como un personaje más de la trama. Una mezcla de tonalidades, colores y paisajes secos y agobiantes que se distribuye por la pantalla con un aire de thriller psicológico.

Detrás de las bien entretejidas tramas de misterio se oculta una densa carga emocional con trasfondo cultural en la que las heridas dejadas por la historia colisionan al compás del enfrentamiento entre tradición y modernidad. Hay que avisar que es un wéstern más introspectivo, que busca centrarse en los conflictos de los personajes alejándose de la acción rutinaria de las series criminales.

Una serie que cautiva por su mística, su atmósfera intensa y envolvente, sus paisajes opresivos, unos personajes convincentes y una narrativa incisiva y emocional. Aunque peca, sobre todo en su primera temporada, de un guion que es inconsistente en las resoluciones, las que quedan algo forzadas para que todas las piezas encajen. Sin embargo, la serie cuenta con una producción cuidada, una hermosa fotografía y una narrativa rica que nos muestra la cultura y costumbres de los nativos americanos. En definitiva, un neo-noir sólido y auténtico que hace disfrutar al espectador.

  • Disponible en: AMC+

Dark Winds

Longmire

Los escenarios majestuosos bajo el cielo azul de Wyoming nos ofrecen un drama criminal moderno envuelto en capas de polvo westerniano. Una serie sutil que es capaz de desgarrar las emociones del espectador. Nos cuenta el día a día del sheriff Walt Longmire, un hombre curtido por la vida, la pérdida y la soledad (un vaquero moderno, pero con raíces clásicas), mientras mantiene el orden en un condado donde los crímenes esconden secretos profundos.

Las investigaciones policiales parecen convertirse en intensos duelos que captan la atención del espectador mientras la oficina del sheriff recuerda al salón polvoriento donde la esencia del wéstern sigue intacta: justicia, honor e integridad en un mundo sin reglas. Su guion construye personajes complejos y tramas que mezclan lo cotidiano con lo criminal, una narrativa que apuesta más por lo psicológico sin necesidad de grandes persecuciones o explosiones para mantener el interés en sus capítulos.

El protagonista es un auténtico cowboy, rudo pero humano, con cicatrices emocionales que hacen visible la vulnerabilidad del héroe. La ley se entremezcla con sus demonios personales mientras lidia con bandas criminales, ladrones y asesinos. Una serie que nos muestra que la justicia puede ser lenta y complicada, pero para enfrentarse a ella son más importantes la paciencia, la inteligencia y el instinto que un revólver.

Un wéstern que explora la vida rural, donde los paisajes, praderas, ríos y montañas crean una atmósfera de autenticidad que le da identidad de un wéstern moderno (al igual que pasaba en la interesante El Poder del Perro). Un equilibrado ejercicio de drama, aspereza, humor y ternura que transforma los tópicos del género para ofrecer una serie amena y entretenida. Un retrato verosímil de la justicia, la lealtad y la vida en el oeste contemporáneo.

Longmire

The English

Un wéstern elegante que apuesta por el camino de la venganza, la violencia y la redención. Tiene un estilo visual cuidado, ya que busca tener planos con un aspecto cinematográfico y panorámico similar al del cine clásico de wéstern. Su trama nos narra cómo una aristócrata inglesa, interpretada de manera magistral por Emily Blunt (protagonista de la película de extraterrestres Al Filo del Mañana), llega al lejano Oeste para matar al hombre responsable de la muerte de su hijo. En su búsqueda se cruza con un explorador veterano de la caballería de la Nación Pawnee y juntos emprenden un peligroso viaje lleno de obstáculos, violencia y revelaciones que conectan sus pasados.

Sobresale la fotografía, capaz de capturar los paisajes amplios y la inmensidad del terreno árido para confrontarlos con la soledad interior de los personajes. Se utilizan los tonos terrosos y rojizos que refuerzan la sensación de realidad histórica. Sus imágenes son una mezcla de emociones entre la dura crudeza del western y la belleza poética de una naturaleza libre y salvaje (pinchando el enlace podréis ver una critica más profunda).

Su narrativa intensa, con personajes ansiosos de venganza, está respaldada por estéticas escenas de acción. Una propuesta que mezcla la violencia y el drama con el racismo, el colonialismo, el aislamiento causado por el dolor y la agresividad latente en un mundo donde la justicia solo depende de la velocidad con la que puedas disparar tu arma. Esta combinación de elementos le da una profundidad emocional a la serie gracias a unos personajes que evolucionan y una historia que parte de la simple búsqueda de venganza para convertirse en un estudio del dolor, la justicia y la humanidad.

Lejos de desaparecer, el wéstern siempre encuentra nuevas vías de expresión. Un género que es capaz de mutar para evolucionar hacia territorios nuevos e inesperados. Estas series demuestran que sigue siendo relevante, adaptándose a nuevas sensibilidades y explorando temas contemporáneos como la identidad, el poder, la desigualdad y la moralidad (si lo que te gusta es la piratería, puedes visitar este listado de películas de piratas). Las historias ya no solo muestran vaqueros y pistolas, sino que el wéstern moderno busca ser un espejo fiable de nuestra sociedad. Nuevos horizontes para los cowboys que siguen cabalgando sobre escenarios tan duros como fascinantes.

 

Reseña de La Bella Otero. Confesiones: Del cabaret al mito

De la infancia marcada por la adversidad a los cabarets parisinos, una biografía visual que mezcla historia y emoción

La vida de Agustina Carolina del Carmen Otero Iglesias, universalmente conocida como La Bella Otero, es un canto a la ambición, la belleza y la soledad; un relato donde la luz y la sombra se entrelazan hasta formar un ser mítico que el mundo no podía ignorar. La novela gráfica La Bella Otero. Confesiones, publicada de forma exquisita por Cascaborra Ediciones, toma esta existencia singular y la transfigura en un relato que es tanto biográfico como literario.

En La Bella Otero. Confesiones se percibe que Carolina Corvillo, la guionista, no ha querido limitarse a una cronología de hechos. En lugar de ello, ha construido una narrativa que se arremolina como un río turbulento, oscilando entre recuerdos fragmentados, confidencias íntimas y escenas públicas de esplendor y escándalo.

La estructura narrativa no sigue un patrón lineal; los capítulos se abren y cierran como puertas a distintos momentos de la vida de Otero, mezclando pasado y presente, sueño y realidad, mito y dolor. Esta elección estilística es significativa: permite al lector experimentar la vida de la Bella Otero no como un simple biopic, sino como un flujo emocional y sensorial, una experiencia que se asemeja más a una confesión que a un relato histórico.Reseña de La Bella Otero. Confesiones: Del cabaret al mito

La obra no solo retrata a la estrella de la Belle Époque, sino que profundiza en su humanidad. La infancia de la artista gallega, marcada por la pobreza y una agresión que dejaría cicatrices físicas y psicológicas, es presentada no como un dato biográfico frío, sino como un motor de su compleja personalidad.

La autora invita a comprender cómo las heridas del pasado moldearon su audacia y su capacidad de fascinación, así como su relación con la ambición, el poder y el deseo. La Bella Otero se muestra no como una diva inalcanzable, sino como un ser de carne con luces y sombras intermitentes; alguien que construyó su leyenda con inteligencia, sacrificio y astucia, pero que también se enfrentó a los abismos de la soledad y la dependencia del reconocimiento ajeno.

El diseño visual de María Pesado complementa esta narrativa emocional con una fuerza casi poética. Cada viñeta no es solo un espacio gráfico: es un escenario donde la luz y la oscuridad dibujan emociones, donde los rostros y los cuerpos hablan con una elocuencia que va más allá de las palabras. Pesado alterna planos amplios de cabarés y teatros —Moulin Rouge, Folies Bergère, Eden Musée— con primeros planos de intimidad, capturando la tensión entre la vida pública y el mundo secreto de la Bella Otero.

La composición de las páginas refleja con claridad la dualidad de la protagonista: la brillantez deslumbrante y la fragilidad que siempre la acompaña. La paleta de colores, los contrastes entre tonos cálidos y sombras profundas, y la atención a los detalles históricos crean un efecto inmersivo que transporta al lector al París de la Belle Époque, al mismo tiempo que lo confronta con las emociones universales de la protagonista. Para mí, María Pesado ha sido todo un descubrimiento, una artista que me ha fascinado tanto por sus dibujos como por su creatividad y estructuras de páginas. Una dibujante a la que recomiendo seguir muy de cerca.cascaborra la bella otero confesiones cosas felices

La obra brilla por su capacidad de equilibrar forma y contenido. La estructura fragmentada permite jugar con el tiempo y el espacio, mientras que la secuencia visual refuerza la psicología de los personajes. Las transiciones entre viñetas, el uso de silencios y espacios vacíos, y la alternancia entre el detalle minucioso y el trazo más expresionista contribuyen a crear un ritmo que es tanto narrativo como emocional. Este ritmo, a su vez, refleja la vida de la Bella Otero: llena de intensos destellos de fama y pasión, intercalados con vacíos de incertidumbre y derrota.

La Bella Otero. Confesiones también destaca por su tratamiento del mito. Corvillo y Pesado no caen en la tentación de idealizar o demonizar a su protagonista; en cambio, exploran la interacción entre la persona real y la leyenda construida a su alrededor. La novela gráfica reconoce que la Belle Époque era un espejo de esplendor y decadencia, y que Otero fue tanto arquitecta de su fama como víctima de sus exigencias. Esta aproximación evita los clichés de la biografía superficial y permite una lectura más profunda, que invita a reflexionar sobre la identidad, el deseo y el precio de la fama.la bella otero cascaborra cosas felices

El cómic se erige como un testimonio de la complejidad femenina en la historia, una reivindicación de la capacidad de la Bella Otero para crear su propia narrativa en un mundo dominado por hombres y normas estrictas. Su vida, narrada en estas páginas, se convierte en un espejo donde confluyen poder, belleza, vulnerabilidad y resiliencia. La obra no solo entretiene; interroga y emociona, ofreciendo al lector la experiencia de caminar junto a una mujer que, a pesar de su época y circunstancias, supo transformar el dolor en arte y la ambición en leyenda.

La Bella Otero. Confesiones es una obra que combina la riqueza literaria, la investigación histórica y la creatividad visual. Es un cómic que deslumbra con su estética, conmueve con su narrativa y desafía al lector a comprender que detrás de toda leyenda hay un corazón humano, capaz de brillar y sangrar al mismo tiempo. La conjunción de estilo literario y análisis crítico convierte esta novela gráfica en una lectura imprescindible para quienes buscan más que una biografía y desean viajar por los pliegues de la memoria, la fama y el deseo, iluminado por la fuerza de una de las mujeres más fascinantes de la Belle Époque.la bella otero confesiones cosas felices

 

Ficha técnica

Autoras: Carolina Corvillo – María Pesado

Editorial: Cascaborra Ediciones

Año de edición: 2025

ISBN: 979-13-991130-3-7

Páginas: 88

Encuadernación: Tapa dura

Colección: Biografias En Viñetas

Reseña de Dawnrunner. Más allá de robots gigantes contra monstruos alienígenas

Ram V es uno de los guionistas más interesantes del momento. Sus historias siempre son entretenidas y profundas a la vez. Presenta tramas complejas en las que las emociones de los personajes son tan importantes como las cosas que les pasan. Por eso es buena noticia siempre que sale publicada una nueva obra suya, en este caso Dawnrunner, editada en España por Norma y en la que a Ram V le acompañan en el apartado artístico Evan Cagle y Dave Stewart.

El resumen de la editorial es el siguiente: Hace un siglo, un portal se abrió sobre Centroamérica y salieron los tetzas. Aquello cambió todo lo que conocíamos. Ahora el mundo vuelca todos sus esfuerzos en construir Reyes de hierro: grandes mechas pilotados que luchan contra los tetzas por la supervivencia de la humanidad en combates gladiatorios. La guerra se ha convertido en un deporte y han elegido al jockey estrella Anita Marr para pilotar un nuevo prototipo secreto que podría volver las tornas en favor de la humanidad. Sin embargo, después de una primera batalla difícil juntos, Anita empieza a descubrir y entender la inusual conexión que se forma entre ella y el Rey de hierro experimental, Dawnrunner. Cuando la amenaza de los tetzas empeora, Anita, Dawnrunner y sus secretos se convertirán en la última esperanza de la humanidad. ¿Estamos condenados, o revelaciones dramáticas llevarán a Anita y Dawnrunner a trascender en algo nuevo?

portada dentro

Ram V ha comentado que este comic puede considerarse como una mezcla entre Pacific Rim y La Llegada y me parece una definición perfecta. Es cierto que la base de la historia recuerda muchísimo a la película de Guillermo del Toro, pero Ram V sabe darle un toque personal.

En vez de estar en un futuro triste y oscuro por el continuo estado de guerra, la humanidad ha sabido adaptarse a esta nueva situación. La gente disfruta de los enfrentamientos con los monstruos como si de un deporte de masas se tratara. La principal estrella de este nuevo “deporte” es Anita Marr, una piloto o jockey, como los llaman, que estrena un nuevo tipo de robot llamado Dawnrunner. Es en la conexión con esta máquina cuando recuerda a La Llegada. Porque un equipo de científicos lleva tiempo intentando comprender el lenguaje de los tetzas y es en la relación entre Anita y Dawnrunner donde parece estar la clave para conseguirlo.

1 1

Todos estos elementos hacen que la historia vaya mucho más allá de los típicos enfrentamientos entre robots gigantes y monstruos. Aunque haber los hay y son ciertamente espectaculares. Pero el tema central no es ese, sino más bien las consecuencias de la guerra y cómo acaba afectando tanto a las personas y a la sociedad. Es el trauma que acarrean los guerreros y cómo ese peso que cargan puede proyectarse en el futuro.

De todo eso habla Dawnrunner, sin dejar de lado la acción propia de este tipo de historias ni el desarrollo de los protagonistas. Ram V, además, es un consumado narrador con un especial talento para mostrar las emociones de los personajes, algo que tiene una importancia especial en esta historia. Y hasta aquí puedo decir ya que no quiero destripar más del argumento.

Ram V construye un mundo futuro muy atractivo y va desgranando poco a poco una historia que tiene varias capas: las luchas con los monstruos, los enfrentamientos entre las distintas corporaciones y, sobre todo, el misterio de la procedencia de los tetzas y qué es lo que pasa realmente con el Dawnrunner.

El problema es que al final todo se resuelve demasiado rápido. No queda claro el origen ni la intención de los monstruos más allá de unas veladas alusiones poco claras. Por otro lado, la trama principal se soluciona de manera un tanto atropellada, con tres páginas explicando qué ha pasado al final.

2 3

En cuanto al apartado artístico, podríamos decir que tiene luces y alguna sombra. No cabe duda de que el dibujo de Evan Cagle es espectacular y entra por los ojos. La influencia manga queda perfecta en un relato de robots gigantes y los diseños de estos y de los monstruos son geniales. También tiene mano para las escenas calmadas y los diálogos. El problema está en las escenas de acción. A la fuerza de querer ser espectaculares acaban siendo bastante confusas y son muy complicadas de seguir. Por otro lado, el color de Dave Stewart es sencillamente perfecto; no en vano estamos ante uno de los mejores coloristas del medio.

La edición de Norma está muy lograda. Se recoge toda la historia en un solo tomo de 168 páginas en tapa dura con brillo y mayor tamaño de lo normal (20,5 x 31,3), perfecto para disfrutar del dibujo de Evan Cagle. Incluye varios extras como una galería de portadas, una breve semblanza de los autores y, lo más interesante, un cuaderno de diseños. El precio de venta es de 32 euros.

En resumen, Dawnrunner es un buen cómic de ciencia ficción que, aunque parte de una premisa muy vista, logra tener su propia personalidad gracias a los giros que presenta su guionista y a un dibujo espectacular que entra por los ojos. Es una pena que cierta premura a la hora de cerrar la historia y lo confuso de las escenas de acción le resten algunos puntos. Aun así, merece la pena sumergirse en el mundo creado por Ram V y Evan Cagle.

Pros y contras de Carl el mazmorrero (sin destripes)

0

Buenos días, amantes del mazmorreo. Hoy os traigo un libro que lleva varios meses haciendo bastante ruido. Si aún no lo has comenzado, espero darte el empujón necesario para que te inicies -o no- en esta saga.

 

CARL EL MAZMORRERO

DCC Book Cover 01 vAce 2024

 

Lo primero es saber a qué público va dirigida, ya que se encuadra dentro del género LitRPG, un género literario que combina elementos de juegos de rol con narrativa tradicional. Un ejemplo que seguramente te aclare el concepto es la novela Ready Player One, de la que escribí en su momento.

Sobre el autor

Matt Dinniman es un escritor estadounidense que comenzó el proyecto de Carl el mazmorrero (Dungeon Crawler Carl) en 2019. Lo que empezó, según sus propias palabras, como un divertimento —y sin intención inicial de publicarlo en Amazon— terminó convirtiéndose en un éxito total.MattDinniman

 

Durante la pandemia publicó la obra como web serial y, tras su rápida popularidad, decidió lanzarla en Amazon en 2022. Y eso fue solo el comienzo: actualmente cuenta con varios libros publicados, además de cómics, juegos de rol y juegos de mesa.

Si quieres conocer más sobre el kickstarter, te dejo el artículo que publicó el compañero Mario sobre él. 

Entre sus principales inspiraciones se encuentran los videojuegos. Como él mismo ha comentado, quiso trasladar a la literatura la experiencia de videojuegos como RuneScape, un MMO clásico de finales de los 90 y principios de los 2000.

Sinopsis:

Carl, un veterano de la Guardia Costera, y la Princesa Dónut, la gata de su exnovia, intentarán sobrevivir al fin del mundo -o pasar al siguiente nivel- en una prisión subterránea llena de trampas y digna de un videojuego. Esta mazmorra es, en realidad, el plató de un reality show con espectadores por toda la galaxia. Goblins explosivos. Pociones mágicas. Llamas mortíferas que trafican con drogas. Está claro que no es un programa cualquiera.

A continuación alternaremos entre pros y contras:

✅ Guiños a videojuegos y juegos de rol

Seguramente lo primero que hay que destacar es su ADN videojueguil. La novela mezcla continuamente elementos propios de RPG: progresión, subida de nivel, estadísticas, logros desbloqueables, objetos…

Cuanto más familiarizado estés con este tipo de mecánicas, más vas a disfrutar la experiencia. Acompañar a los personajes en su progreso resulta muy satisfactorio, especialmente si te gusta esa sensación de evolución tan típica de los videojuegos.

Además, encontramos conjuros y criaturas que recuerdan a juegos como Dungeons & Dragons: goblins, gnolls, limos… aunque la obra no se limita a una estética medieval ni mucho menos. También hay guiños a películas, series y cultura pop en general.

❌ Su humor no es para todo el mundo

El tono es ácido, exagerado y muchas veces absurdo. Puede recordar a series como Rick and MortyHora de Aventuras, con un humor que no siempre busca ser elegante.

Matt Dinniman no se corta a la hora de incluir bromas de mal gusto o situaciones completamente inverosímiles. Si conectas con ese tipo de humor, te lo pasarás en grande; si no, puede sacarte totalmente de la historia.

✅ Ritmo frenético

La lectura es rápida y muy ágil. Si entras en su juego, devorarás capítulos sin darte cuenta.

Ahora bien, esto tiene su contraparte: si esperas profundidad o desarrollo pausado y profundo, puede decepcionarte. Aquí prima el entretenimiento por encima de todo. El autor te da un tablero con sus reglas… y tú decides si quieres jugar.

❌ Poca profundidad

Continuando con lo de antes, sí es posible que la historia se quede corta para muchos. La mayoría de las situaciones  a las que se enfrentan los personajes se solucionan rozando lo inverosímil y solventándolas porque son los protagonistas. Vamos, igual que muchos videojuegos y juegos de rol.

✅ Fresco y gamberro

La obra es una auténtica gamberrada, escrita sin ningún tipo de complejos. Tiene una personalidad muy marcada y no intenta parecer lo que no es.

Esa falta de pretensión es, precisamente, una de sus mayores virtudes, dando a situaciones únicas.

❌ Repetitivo y exceso

Mantener este ritmo durante tantos libros no es sencillo. La estructura basada en progresión puede acabar resultando repetitiva y, para muchos, predecible. No busques grandes giros argumentales ni épica clásica y, aunque muchas veces no lo necesita, sí puede llegar a cansar a largo plazo.

La cantidad de estímulos, ideas y situaciones puede ser abrumadora en algunos momentos. Apenas hay pausas para respirar, lo que puede generar cierta saturación en determinados lectores, sobre todo si no tienes interés en los elementos roleros.

✅ Los protagonistas

Si hay algo que hace que la obra funcione, es su dúo protagonista: Carl y Princesa Donut. Ambos sostienen gran parte del peso de la historia. Su dinámica, sus diálogos y su contraste son el motor principal de la obra y responsables de algunos de los momentos más divertidos.

Carl el mazmorrero

 Tenemos Carl para rato

En español, el 7 de mayo de 2026 llegará la cuarta novela, mientras que la quinta está prevista para el 9 de julio. La sexta apunta a octubre, aunque aún sin fecha confirmada.

La saga principal está planteada como una serie larga, de 10 libros, estando el noveno capítulo dividido en dos libros. Además, se está desarrollando una serie de acción real producida por Seth MacFarlane, con guion de Chris Yost.

Y no solo eso: también hay novelas gráficas, juegos de rol, juegos de mesa y más contenido derivado.

Hasta aquí mi aportación hacia la obra, espero que te haya gustado y te haya ayudado a decidirte si es para ti o no.

No olvides comentar tu experiencia en los comentarios.

Que disfrutéis mucho, mazmorreros.

‘Pragmata’ (2026) | La química entre Diana y Hugh el punto fuerte y brillante de este título de Capcom

Ya he jugado acabado ‘Pragmata’. Tras años de espera (demasiados, diría yo), tráileres crípticos y el ya famoso vídeo de la niña pidiendo perdón por los retrasos, ‘Pragmata’ ha aterrizado finalmente. Lo primero que hay que decir es que Capcom no ha intentado reinventar la rueda: el juego es exactamente lo que se ve en los adelantos, para bien y para mal. Es una obra que se siente como un viaje al pasado de la mejor manera posible, recordándonos una época donde los juegos no necesitaban ser mundos abiertos infinitos para ser impactantes.

En una industria obsesionada con los mapas plagados de iconos y las misiones secundarias de recadero, Pragmata se atreve a ser lineal, como lo son sus últimos videojuegos de ‘Resident Evil’. No hay pérdida posible, no hay distracciones innecesarias más allá de algunos coleccionables. Es una experiencia que nos lleva de la mano por unas instalaciones en la Luna en las que han desaparecido sus trabajadores y científicos.

pragmata

Esta linealidad no debe entenderse como una falta de ambición, sino como un ejercicio de enfoque. Al controlar cada escenario y cada encuentro, Capcom logra una atmósfera de inmersión constante que se perdería en un entorno abierto en que tuviésemos que ir de un lugar a otro por un mundo abierto repleto de escenarios secundarios o terciarios. Sin embargo, es cierto que, para el jugador moderno, acostumbrado a la libertad total, el diseño de niveles puede sentirse algo claustrofóbico y encorsetado. Pero, ¿acaso no es esa la esencia de la gran ciencia ficción espacial?

Es imposible jugar a ‘Pragmata’ y no sentir el aliento de ‘Dead Space’ en la nuca. La influencia de la obra de Visceral Games es palpable en cada esquina, es cierto que la obra protagonizaza por Isaac Clarke es terror en estado puro y aquí eso se relega a la dificultad de algunos enemigos. Los necromorfos han sido sustituidos por androides a los que hay que hackear para derrotar y así avanzar ara descubrir que demonios ocurre en La Luna.

603897453 895091509519255 3868470203769059903 n

Estos enemigos mecánicos no son simples robots genéricos. Su comportamiento, la forma en que se desarticulan bajo el fuego generan ese dinamismo en los enfrentamientos, pese a que la variedad de enemigos se me ha quedado un poco corta. Sustituir el horror biológico por el horror sintético le da a ‘Pragmata’ una estética limpia, pulcra, inorgánica y gélida que encaja perfectamente con su entorno lunar.

Si buscas una trama que revolucione el género o que presente giros de guion que te vuelen la cabeza, quizás salgas decepcionado. La historia de Pragmata es, en esencia, simple y predecible. No inventa la rueda; utiliza tropos clásicos del género: el protector silencioso (al menos al comienzo), la niña con poderes misteriosos y un destino superior.

Pero aquí es donde el juego brilla con luz propia: el corazón de Pragmata es la relación entre Hugh y Diana.

La química entre el imponente astronauta y la pequeña Diana es el motor que impulsa cada escena. No se siente como una «misión de escolta» pesada, sino como una simbiosis. Hugh aporta la fuerza de ataque, mientras que Diana aporta la tecnología de vanguardia y la humanidad. El título de Capcom consigue una conexión emocional que hace que el jugador realmente se preocupe por su bienestar y desee interactuar con la niña. Los pequeños gestos, las interacciones durante los momentos de calma y cómo se cuidan mutuamente en el fragor de la batalla elevan un guion convencional a algo memorable.

616635581 913125347715871 7908705774339930893 n 1


EN CF: TODOS NUESTROS ARTÍCULOS SOBRE VIDEOJUEGOS


Diana es una niña inocente, divertida, tierna y con una humanidad desbordante, mientras que Hugh es un hombre que no ha sido padre y ve en ella lo que no vivió él.

Una relación paternofilial que nos va a tocar por lo bien escritos que están los diálogos. Es cierto que alguno puede darnos demasiadas pistas sobre cual será el final del videojuego, pero funcionan genial. Buscar regalos para Diana es opcional, pero solo por ver su reacción, os digo que los vais a buscar por todas las instalaciones.

Donde el juego realmente saca músculo es en su sistema de combate. La mezcla de shooter en tercera persona con mecánicas de hackeo crea un flujo de juego sorprendentemente dinámico. No se trata solo de apretar el gatillo hasta que el androide deje de moverse; el juego te obliga a gestionar el entorno y la munición.

El sistema de hackeo permite una cantidad enorme de variables, hackear varios enemigos a la vez, volver a unos contra otros, aumentar el daño para el siguiente ataque, etc…

Esta profundidad mecánica compensa la linealidad del diseño de niveles, permitiendo que cada jugador aborde los encuentros de manera distinta, ya sea mediante la fuerza bruta o la manipulación técnica del escenario.

g6zL7AJzKnGS82aVjAGRBM

Los enemigos (la gran mayoría) son algo lentos, para que te de tiempo al hackeo, y algunos son meros ‘zombies’ cibernéticos, pero sigue siendo dinámico el combate.

Conclusión

Pragmata es un juego de contrastes. Es conservador en su estructura y en su narrativa muy lineal, pero es satisfactorio en su ejecución técnica y en su diseño artístico. No busca revolucionar la industria, busca contar una historia humana en un entorno inhumano. Si puedes perdonar que sea un camino marcado de principio a fin, encontrarás una experiencia cargada de alma, con un sistema de combate satisfactorio y una pareja protagonista, Hugh y Diana, que se quedará contigo mucho después de que los créditos terminen de rodar. Capcom ha vuelto a demostrar que, a veces, no hace falta inventar la rueda si el viaje es tan emocionante como este.

Aquí os dejo un tráiler de ‘Pragmata’:

Un saludo y sed felices.

La duración de «La Odisea», de Christopher Nolan, será inferior a tres horas, según confirma la productora

«La Odisea» es una de las películas más esperadas de este verano, y la productora Emma Thomas ha confirmado que no tendrá una duración tan descomunal como la última película de Christopher Nolan, «Oppenheimer».

Las duraciones de tres horas no son muy habituales en Hollywood. Aun así, gracias al éxito de éxitos de taquilla como Vengadores Endgame y Avatar: El camino del agua, los espectadores las aceptan sin duda mejor que antes.

Las películas del cineasta Christopher Nolan siempre han sido bastante largas, pero en 2023 superó por primera vez (por muy poco) la barrera de las tres horas con Oppenheimer. La película fue aclamada como una obra maestra, y su duración no le hizo ningún daño a una película que acabó ganando siete Óscar, incluidos los de Mejor Película y Mejor Director.

Crítica de ‘Oppenheimer’ (2023) | Christopher Nolan firma una obra maestra y candidata a la mejor película del año

La Odisea va a ser una épica de gran envergadura basada en la literatura griega antigua atribuida a Homero. Hay material suficiente para hacer varias películas, pero no parece que Nolan tenga intención de forzar los límites en lo que respecta a la duración de su adaptación.

Tras la mesa redonda de Universal Pictures en CinemaCon, Deadline (a través de SFFGazette.com) ha revelado que:

«la productora Emma Thomas también garantizó que esta película épica durará menos de tres horas, pero aún no estaba muy segura de la duración exacta, ya que todavía se encuentran en fase de posproducción».

La duración de «La Odisea»

Aunque la racha de éxitos sin precedentes de Nolan le permite una gran libertad creativa, es difícil no preguntarse hasta qué punto el estudio ha influido en esta decisión. Al fin y al cabo, cuanto más larga es una película, en menos salas se puede proyectar en un cine en un día determinado.

Nolan también escribió la adaptación de La Odisea en el cine, por lo que es probable que esta fuera su decisión, ya que él mismo determinó la mejor manera de contar esta historia. Probablemente pasarán un par de meses más hasta que tengamos una duración confirmada, pero que se acerque a las tres horas es sin duda un hecho.

El texto de la Antigua Grecia es uno de los textos fundamentales de la literatura occidental. Cuenta la historia de Odiseo (Ulises), rey de Ítaca, y su peligroso viaje de regreso a casa tras la Guerra de Troya.

La obra incluye historias emblemáticas como los encuentros de Odiseo con los cíclopes, las sirenas y la diosa-bruja Circe, y culmina con el reencuentro con su esposa, Penélope, y su hijo, Telémaco.

Un saludo y sed felices

‘The Phantom’ resurge en su 90 aniversario: Reginald Hudlin estará al frente de este proyecto televisivo

El mundo del cómic clásico está de celebración. Tras décadas de rumores y proyectos fallidos, el legendario héroe de la selva de Bangalla está listo para regresar a las pantallas. Según ha informado Variety en una exclusiva publicada el pasado 17 de abril, King Features ha cerrado un acuerdo para desarrollar una nueva serie de televisión en acción real basada en The Phantom (El Hombre Enmascarado).

El anuncio no es solo una noticia más en el saturado mercado de los superhéroes; es un movimiento estratégico que coincide con un hito histórico: el 90º aniversario del personaje. Creado por Lee Falk en 1936, Kit Walker fue el primer héroe en utilizar un traje ajustado y una máscara que ocultaba sus pupilas, sentando las bases estéticas de lo que años después serían Batman o Superman.

the phantom


EN CF: LA SOMBRA (1994): NO TODAS LAS PELÍCULAS DE SUPERHÉROES TIENEN CAPA… ESTA TIENE GABARDINA


Llama la atención la incorporación de Reginald Hudlin como director y productor ejecutivo. Hudlin no es un extraño en el género; su paso por los cómics de Black Panther fue aclamado por la crítica y su experiencia en el cine (Marshall, House Party) garantiza un equilibrio entre la acción moderna y el respeto por el material de origen.

A diferencia de intentos anteriores que buscaban la gran pantalla, el formato de serie de televisión permitirá explorar la rica mitología de la dinastía Walker. La trama promete profundizar en la idea del «fantasma que no muere», mostrando cómo el manto del héroe se ha transmitido de padres a hijos durante más de cuatro siglos.

Este relanzamiento llega en un momento dulce para la franquicia. Tras el éxito de los nuevos cómics publicados por Mad Cave Comics el año pasado, King Features busca capitalizar la nostalgia y el interés de las nuevas generaciones por héroes con un enfoque más ‘pulp’ y aventurero.

the phantom movie billy zane 1996 678x381 1

Es inevitable que los fans miren de reojo a la película de 1996 protagonizada por Billy Zane, que este año cumple 30 años. Aunque aquella cinta se convirtió con el tiempo en un objeto de culto, comercialmente dejó al personaje en el limbo cinematográfico. No es una obra de arte, pero tiene el espíritu del personaje y es uno de mis placeres culpables. El desafío para Hudlin y su equipo en este 2026 será actualizar la estética, especialmente el icónico traje morado, para que funcione en un entorno de alta definición sin perder la esencia aventurera que lo hizo famoso en las tiras de prensa.

Con el rodaje previsto para finales de este año, la serie se posiciona como una de las apuestas más arriesgadas y emocionantes del panorama televisivo actual. El protector de Bangalla ha vuelto, y parece que esta vez el ‘fantasma que Camina’ lo hace para quedarse.

Aquí os dejo el tráiler de ‘The Phantom’ de 1996:

Un saludo y sed felices.

Análisis de The Boys. Temporada 5. Episodios 1 a 3: Más ritmo y menos sorpresas

Ha vuelto ‘The Boys’ a Amazon Prime vídeo y he vuelto yo a su regazo para esta última temporada. A estas alturas del 2026, enfrentarse a los tres primeros episodios de la temporada final de ‘The Boys’ es una experiencia extrañamente contradictoria. Por un lado, sentimos la adrenalina de estar ante el cierre de una de las sátiras más importantes de la década y una serie que amamos millones de espectadores por otro, nos invade esa sensación de ‘veteranía cínica’ (palabras que le robo a un amigo). Ya no nos sorprende nada, estamos curados de espanto y ya el ‘bigger and better’ ha perdido efecto.

Tras años de ver cabezas explotando, orgías de superhéroes y poderes absurdos, el umbral del impacto se ha desplazado tanto que la serie ya no puede jugar la carta del impacto con la misma eficacia de antes.

the boys

Lo primero que salta a la vista en estos tres episodios es que ‘The Boys’ ha aceptado que ya no puede dejarnos con la boca abierta mediante la pura depravación visual. En los primeros capítulos de esta entrega, vemos escenas de violencia que en cualquier otra serie serían el punto álgido de la temporada, pero aquí las recibimos con una familiaridad casi rutinaria. Digamos que lo más sorprendente es que Kimiko hable y sea de las más sensata de este grupo.

Ya no nos escandaliza que un ‘Sup’ use sus poderes de forma aberrante en la intimidad, ni que Vought manipule las noticias con un cinismo que ya supera a la realidad (y eso que es algo muy difícil actualmente). El factor sorpresa ha muerto, víctima de su propio éxito. Sin embargo, por suerte, la serie parece saberlo. En lugar de esforzarse desesperadamente por superar el ‘momento más asqueroso’ de la temporada anterior, estos tres episodios se sienten más centrados en el peso de las consecuencias acumuladas y de lo que está por venir.

A pesar de esa falta de sorpresa, hay algo que la serie no ha perdido: su pulso narrativo. Si algo temía de esta temporada final era que se perdiera en rodeos o episodios de relleno para estirar el chicle. Afortunadamente, estos tres capítulos se sienten como un fórmula uno que ha está pisando el acelerador.

4cd73d47 e3b0 4c46 a8e1 abbc2617bb7e 3000x1253 scaled

El ritmo es vertiginoso. La serie utiliza su estructura habitual de múltiples frentes como el equipo de Carnicero, por un lado, las intrigas en la Torre Vought por otro, pero con una urgencia nueva. El virus. Cada conversación, cada traición y cada movimiento en el tablero político se siente como si fuera el último. Las piezas que quedan en pie se lo juegan a ‘todo o nada’. No hay espacio para tramas secundarias irrelevantes; todo lo que ocurre en estos 180 minutos de televisión está diseñado para empujar a los personajes hacia la recta final.

Lo que más destaca de este inicio es cómo todo huele a despedida. Se percibe en el aire que los guionistas están uniendo los cables sueltos para la pirotecnia final. Las subtramas que nos han acompañado durante años como la búsqueda de redención de Luz Estelar, el trauma eterno de Kimiko y Frenchie, o la lenta desintegración moral de Hughie, están convergiendo de manera inevitable en este ‘EndGame’

Ya no se trata de ‘aguantar un día más contra Vought’,  se trata de dar el golpe final o morir en el intento. La introducción de elementos que vimos gestarse en Gen V y en el final de la cuarta temporada (como el famoso virus) aquí toma un protagonismo absoluto, actuando como la espada de Damocles que pende sobre la cabeza de cada superhéroe en el planeta.

VFZwceeR5AfWnnKoCk3inW
Jensen Ackles (Soldier Boy), Antony Starr (Homelander)

Pero el verdadero motor de estos tres episodios es la inevitabilidad del choque entre Carnicero y Patriota. En temporadas pasadas, sus encuentros eran juegos de gato y ratón, escaramuzas con las que ambos sobrevivían para pelear otro día. Ahora, la dinámica ha cambiado radicalmente.

Carnicero ya no tiene nada que perder. Se mueve con la desesperación de un hombre que sabe que su tiempo se agota. Su mirada en estos capítulos es la de alguien que está dispuesto a quemar el mundo entero con tal de ver a Patriota arder. Ya no tiene miedo a verse las caras con el líder de Los Siete.

Patriota, por su parte, ha alcanzado un nivel de poder político y control social que lo hace más peligroso que nunca, pero también más aislado. La serie subraya brillantemente su fragilidad mental en medio de su victoria absoluta. Su mente se está rompiendo, se ha dado cuenta que tiene muchos enemigos entre los que están cerca de él, su reina del miedo le está pasando factura.

Se intuye que la confrontación final no será solo una batalla de superpoderes, sino una explosión de odio que ha estado cociéndose a fuego lento durante cinco temporadas.

The Boys Season 5 Crop 1 770x470 1

Conclusión

Estos tres primeros episodios de la temporada final de ‘The Boys’ nos dicen que la serie ha madurado, lo lleva haciendo poco a poco. Ha dejado atrás la necesidad de gritarnos a la cara para llamar nuestra atención y ha optado por un susurro amenazante que nos dice: «esto se acaba».

Es cierto que creo que nos están devolviendo a algunos personajes, que no estaban teniendo relevancia ya, por cerrar sus arcos, aunque no lo veo necesario, al menos en lo visto en estos primeros capítulos.

‘The Boys’ mantiene el ritmo, cierra filas y prepara el escenario para un baño de sangre que, aunque ya no nos sorprenda por su violencia, nos dolerá por el cariño (o el odio) que le tenemos a sus protagonistas. El tablero está listo, las piezas se están moviendo a una velocidad alta y constante y, por primera vez, parece que nadie va a salir de esta con vida. ‘The Boys’ ha vuelto para decir adiós, y lo está haciendo con la bota puesta en el cuello del espectador.

Aquí os dejamos el resto de análisis de ‘The Boys’ previos antes de entrar en materia con lo nuevo de Eric Kripke.

Un saludo y sed felices.

Retro-Análisis: El Proceso (1962). La deshumanización en manos de Orson Welles

Adaptación de Frank Kafka en una película clave de la filmografía de Orson Welles.  Repasamos hoy El Proceso (1962)

Hoy en la sección de retro análisis tenemos una película densa, complicada, en buena medida surrealista y con un Anthony Perkins en su momento prime, todo ello pasado por el filtro de un genio (muchas veces incomprendido), un director que a sus 25 años creó su mejor película (Ciudadano Kane, aquí retro-análisis), con todo lo que ello conlleva. Si a eso le sumas que se trata de una adaptación de una obra de Franz Kafka pues ya tienes todo lo necesario para que esta película sea única en su especie. Como decimos en el título, El Proceso es, en resumen, la deshumanización en manos de Orson Welles.

Qué nos cuenta El Proceso

La película adapta la novela de Franz Kafka sobre Josef K (Anthony Perkins), un oficinista con una vida monótona que una mañana es arrestado por un crimen nunca especificado. El acusado está en una especie de «arresto abierto», donde puede hacer su rutina habitual, pero a la vez inmerso en la burocracia opresiva, con unos resortes que parecen eternizar su caso entre audiencias absurdas, abogados inútiles y un tribunal al que no puede tener acceso y lo consume psicológicamente.

Reflexiones sobre un filme de densa factura

La idea central podemos leerla como la representación de una pesadilla sobre la deshumanización. El personaje protagonista no lucha solo contra la burocracia sino también contra un sistema en donde existen unas normas o reglas que casi nunca llegan finalmente a aplicarse por completo. Welles toma la obra de Kafka para llevarla a un terreno más extremo, donde lo visual, lo físico y lo opresivo destacan por encima de los demás aspectos. Toca temas como el sentimiento de culpa como mecanismo de control en el cual no son necesarias las pruebas del delito para derrumbar al individuo, sino que ya es suficiente con la presión del sistema y la sospecha colectiva.

También destaca la burocracia como forma de poder a partir de su rutina, su lenguaje técnico y su falta de accesibilidad para el individuo, lo cual acaba siendo una forma de violencia. Y la pérdida de la personalidad y del ser individual hacen que el protagonista pase de un estado de afirmación personal relativamente seguro a ser alguien que acaba absorbido por el sistema.

El anhelo de libertad frustrada es otro de los temas principales, pues el personaje de Josef K protesta, pero parece que con cada intento de acción de su parte, solo consigue en realidad hundirse aún más en el laberinto que la burocracia coloca a su alrededor.

7jk9pp9gcnbf1 e1776440820987

Aspectos que hacen especial esta película

La puesta en escena. Welles utiliza un estilo barroco a la vez que expresionista, lleno de planos de cámara angulados, con contrapicados y profundidades de campo para convertir el mundo en un espacio hostil, inestable y excesivo. El uso del blanco y negro agudiza la sensación de pesadilla en la que está inmerso Josef K y lugares como pasillos, oficinas o decorados en general parecen diseñados para aplastar al personaje más que para servirle de orientación. La película, en este aspecto, trabaja como un laberinto visual.

Welles no adapta tal cual la obra de Kafka, sino que busca reinterpretarla a su estilo.  En una decisión consciente y creativa, ordena y reorganiza el material para dar su propia visión del poder y del destino humano. No copia a Kafka, sino que interpreta su obra de manera de sostener la película como producción autónoma a la cual podemos definir no solo como una historia sobre un juicio absurdo, sino también como una reflexión sobre el modo en que los sistemas de poder son capaces de crear culpa en las personas y terminar de ese modo destruyendo la propia inocencia de las mismas.

A destacar también cómo Welles pudo hacer frente a los desafíos logísticos, usando en el rodaje lugares con un aura de estilo surrealista como la Gare d’Orsay (hoy en día un museo) para representar los tribunales laberínticos (claustrofobia), contrastando con paisajes abiertos en Zagreb (libertad). Como no podía ser de otra manera viendo quién dirigió la película, los problemas con los productores le llevaron a improvisar y a reescribir el guion para lograr enfatizar la rebelión individual frente a la impotencia que el sistema crea en el individuo.

Los problemas financieros (luego del rechazo al director por parte de Hollywood tras la etapa Ciudadano Kane) le obligaron a realizar cortes en escenas ambiciosas, reutilizar escenarios para no gastar en localizaciones, y aceptar incluso que el protagonista Perkins tuviera que ir a trabajar a Hollywood aportando su propio dinero para ayudar a sufragar el rodaje (recordemos que el actor venía de consagrarse en Psicosis, de la cual pueden leer aquí nuestro retro-análisis).

El Proceso las cosas felices scaled e1776445102275

Dejando a un lado todas las dificultades técnicas de El Proceso, estamos ante una película densa, con unas más que destacables actuaciones y un estilo visual centrado en el expresionismo alemán, marca de la casa de Welles.

A quién podemos recomendar El Proceso

A todo aquel/la aficionado/a al séptimo arte que tiene interés en adaptaciones de Kafka, en el cine de un genio como Orson Welles, en descubrir películas que quizás son menos fáciles de tragar que otras. Al menos creo que le deberíais dar una oportunidad porque el mensaje que contiene es tan actual como la vida misma.

Os dejamos otro artículo sobre Orson Welles que analiza lo último que realizó en vida. AQUÍ