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Sin ley, sin orden y con Ryan Gosling. El director Shawn Levy destapa el caótico panorama galáctico de Star Wars: Starfighter

Bienvenidos, un día más, a vuestra web favorita, a Las cosas que nos hacen felices. Recién salidos del revuelo del D23, la maquinaria comiquera y cinematográfica no descansa, y portales como ComicBookMovie nos traen nuestra dosis de frikadas diarias. Y es que al parecer el director Shawn Levy ha abierto el tarro de las esencias en una reciente entrevista para soltar unos cuantos detalles jugosos sobre Star Wars: Starfighter, la esperadísima película que protagonizará Ryan Gosling y que aterrizará en los cines el 28 de mayo de 2027. Y ojito, porque lo que se nos viene encima no tiene nada que ver con lo que hemos visto hasta ahora en la gran pantalla.

Una galaxia sin ley ni orden central

Lo más llamativo de lo que ha contado Levy sobre esta nueva aventura ambientada cinco años después de los eventos de El ascenso de Skywalker es el estado en el que se encuentra la galaxia tras la caída definitiva del Emperador Palpatine y la Primera Orden en la Batalla de Exegol.

Lejos de establecerse una paz idílica o una República fuerte desde el primer minuto, el director ha confirmado que nos adentraremos en un periodo de completo desconcierto.

Ausencia de autoridad. Según explica Levy, la galaxia se encuentra en un momento donde no existe ningún tipo de orden ni ejecutor gubernamental central que mantenga el cotarro a raya.

Supervivencia pura. Sin una superpotencia galáctica firme, todo el mundo se busca la vida como puede en un entorno caótico y marcadamente inexplorado.

Inspiración obrera. Para darle empaque a esta situación, el cineasta ha confesado que se ha inspirado en un tono muy de clase obrera, casi a lo Rebeldes (The Outsiders) de Francis Ford Coppola, huyendo de los despachos de altos vuelos para centrarse en los márgenes.


Todos los artículos en la web de Star Wars


 

Star Wars: Starfighter

Kade Auberon y el «lado malo» de la galaxia

En medio de este panorama desolador es donde entra en juego el personaje de Ryan Gosling, Kade Auberon. Lejos de ser un héroe consagrado o un caballero con vocación mesiánica, el protagonista procede de lo que el director define claramente como «el lado equivocado de la galaxia».

Un tipo sin privilegios de cuna, con cierto toque canalla y de clase trabajadora, cuyo destino colisiona por pura casualidad con la nave estelar más rápida jamás construida. Y es aquí donde el director se adorna para que intuyamos que será una aventura clásica bien contada.

Por tanto parece que no será una secuela al uso, y que se alejará de las sagas imperiales que tanto tiempo llevamos soportante los auténticos fans de la saga. Esperemos que tenga mejor desempeño.

¿Tenéis ganas de ver a Ryan Gosling surcando el espacio más salvaje o preferís la seguridad de las viejas tramas imperiales?

Un saludo y sed felices.

Análisis de The Walking Dead: Dead City. Temporada 3. Episodio 4

 

Continuamos analizando la tercera temporada de The Walking Dead: Dead City, en este caso con su cuarto episodio titulado Encontrado y Perdido. Creada por Eli Jorné y emitida por AMC+, la serie spin-off sigue a Maggie y Negan en la New York postapocalíptica.

Hola otra vez, caminantes y sobrevivientes.  Nuevamente aquí para analizar un nuevo capítulo de The Walking Dead: Dead City, en este caso el tercero de una cuarta temporada que se sigue mostrando muy errática, con personajes e incluso comunidades que entran y salen como si nada y sin quede claro con qué necesidad argumental.  En medio de todo ello, el probable (y no anunciado) despunte de una nueva relación para Maggie y… un terremoto en New York.

Pero pasemos mejor ya mismo a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en nuestra web los análisis previos, tanto de esta como de las demás series de la franquicia.

Análisis de The Walking Dead: Dead City

Análisis de The Walking Dead

Análisis de Fear the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: World Beyond

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon

Análisis de The Walking Dead: The Ones who live

 

La Comerciante

Comenzamos con Maggie y Luis viajando a través de los bosques en furgoneta, ella al volante.  El motivo de su viaje es que, habiendo crecido la comunidad con la llegada de los migrantes, se están quedando sin insumos ni suministros médicos y, para conseguirlos, deben ir a Beacon en busca de alguien a quien llaman La Comerciante (Folake Olowofokeyu).

Luis se acuerda de los días en que llevaba a su esposa Marisol a pasear en auto su pasado hasta que un día se fue a buscar a sus padres y nunca regresó, después de lo cual él no volvió a conducir.  A pesar de la nostalgia y tristeza del momento, hay entre ambos miradas y sonrisas que hasta ahora no habíamos visto y que sin duda algo presagian.  Él saca una mano por la ventanilla como si volara y Maggie le imita.

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Al llegar a la cabaña de La Comerciante, esta les recibe con desconfianza, instándoles a dejar sus armas en la furgoneta.  Una vez dentro, le manifiestan su necesidad de suministros y ella dice poderles conseguir todo, pero tienen que ofrecer a cambio algo realmente valioso.  Maggie le muestra entonces los planos del Croata y le habla sobre la posibilidad de obtener energía a partir de los caminantes.  La mujer muestra interés, a la vez que reflexiona que algo así sería peligroso en las manos equivocadas, a lo que Maggie da la razón…

Pero, por otra parte, sabe que si están allí es porque se hallan con la soga al cuello y no tienen muchas opciones, pues en definitiva lo que importa es la autoprotección y, más que querer ellos un trato, lo necesitan.   Se compromete a conseguirles los suministros, pero para ir a buscarlos les pide la furgoneta hasta el otro día, lo que implica para Maggie y Luis tener que pasar la noche en la cabaña y sin armas.  No es una opción atractiva, pero es la única…

La Oferta

En New York, entretanto, Negan se suma a la recolección de caminantes junto a Hershel, Dillard, Renata y otros del Refugio.  Dillard recibe un elogio de Renata y se emociona por haber pasado mucho tiempo de la última vez que una dama le hiciera alguno.  Todo parece normal, pero mientras cargan los zombies en el camión, no advierten que por debajo del mismo está resquebrajándose el asfalto…

Surgen problemas al llevar los caminantes a sus jaulas.  Uno bien horrendo y corpulento se corta al ser ingresado en la suya y despide un viscoso ácido que hace patinar a Fabián, uno de los sobrevivientes llegados de The Bricks, quien queda en el piso a merced de sus dientes.  Estando la jaula cerrada, Negan se las compone para ingresar por encima de la reja y salvar la vida de Fabián destrozando con su bate la cabeza del atacante.

El acto heroico le vale que Renata lo lleve al único apartamento que queda vacío en el edificio y le ofrezca quedarse allí.  Sorprendido de la súbita generosidad, Negan se pregunta irónicamente si será ella Renata Claus y si el inesperado regalo se deberá a que el niño Negan se ha estado portando bien.

Ella responde que él ha hecho suficiente mérito ayudando en la recolección de caminantes y salvando la vida a Fabián.  No obstante, dice aún no confiar en él del todo y sabe que ha matado a la Dama, pues esta había comido momentos antes de acabar con un cuchillo en el corazón y no tiene sentido que lo hiciera para después suicidarse.  Se compromete, aun así, a mantener el secreto y le invita a pensar la oferta…

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A la Luz de la Luna

En Beacon, y habiéndose ausentado momentáneamente La Comerciante con la furgoneta,  Maggie y Luis juegan al jenga.  Él vuelve una vez más sobre su pasado y, haciendo autocrítica, manifiesta que quizás no haya sido para Marisol el hombre que ella necesitaba y de allí que no haya vuelto.  Maggie reflexiona asimismo sobre el suyo y cómo dedicó buena parte de su vida a cuidar de la seguridad de Hershel, quien ahora no la necesita.

La conversación es interrumpida por alguien que golpea a la puerta y resulta ser un tal Gerald, que viene desde un campamento cercano buscando a La Comerciante.  No confiando, lo atan a una silla y Maggie lo somete prácticamente a un interrogatorio.  Él dice que la suya es una comunidad presbiteriana y, habida cuenta de su conocimiento al respecto, ella le expone a un examen sobre conocimiento bíblico del cual sale claramente aprobado.

Les invita a visitar su campamento y se encuentran con una comunidad alegre que prepara, como todos los meses, el festejo de la luna llena.  Maggie les habla del proyecto del metano y cuánto podría beneficiarles, pero Gerald, muy conservador, prefiere preservar el estilo de vida que allí han construido, sin electricidad y casi sin tecnología.

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Llegada la noche, todos se entregan al baile e invitan también a Maggie y Luis, que se suman jocosos a la diversión general.  La cosa se pone más melosa al volverse la música relajada pero, cuando parece comenzar a producirse el beso entre ambos, ella se aferra al anillo de bodas que siempre lleva al cuello y corta todo clima romántico diciendo que deberían regresar.

Ya en la cabaña y al otro día, ella se disculpa por su actitud pero él dice entender perfectamente y, por el contrario, le agradece que lo haya escuchado al hablarle de Marisol, lo cual necesitaba.  La Comerciante, a todo esto, ya está de regreso con la furgoneta y los suministros…

La Tierra Tiembla

En New York, Renata pregunta a Negan si pensó en la oferta y este responde que llegó a la conclusión de que si le ofrecen el departamento es para tenerlo vigilado.  Ella le replica que es él quien no confía en sí mismo o quizás sea que no quiere construir vínculos para no seguir perdiendo gente.  Touché…

Maggie y Luis llegan con los suministros y hay felicidad por ver la despensa abarrotada, pero de pronto todo comienza a temblar como en un terremoto y el asfalto vuelve a resquebrajarse, pero ahora de modo mucho más drástico.

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Dillard lo adjudica a los socavones que ha ido creando por debajo de la ciudad el desgaste de los edificios, pero lo peor es que el temblor libera a los caminantes del camión y al pánico por el mismo se suma el ataque zombie masivo…

Maggie se desespera al perder entre el caos su anillo matrimonial y arriesga tontamente su vida al pretender encontrarlo, pero es rescatada a tiempo por Negan.  Mientras la calle se hunde y algunos edificios se desploman, los miembros del Refugio buscan un lugar seguro hasta que todo pasa, pero la despensa de suministros ha quedado prácticamente reducida a la nada misma…

Balance del Episodio

La premisa general del capítulo ha girado en torno a los problemas que tienen los personajes para dejar su pasado atrás y comenzar a construir un futuro.  A todos les cuesta: A Maggie, a Negan y a Luis.  En el caso de Maggie, está claro que ha dejado atrás la muerte de Glenn, pero no a Glenn.  Queda evidenciado en su renuencia a iniciar una nueva relación y en su particular fijación con el anillo de bodas que, más que un recordatorio de su fallecido esposo, termina siendo casi su propia presencia, además del McGuffin del episodio, como el reloj lo fuera en el anterior.

Más allá del amago de beso y por mucho que hable de abrir nuevos caminos, Luis tampoco da impresión de poder librarse de Marisol, pues sabido es que si estás queriendo avanzar en una relación con alguien, lo peor que puedes hacer es hablarle todo el tiempo de tu ex.  Además, a diferencia de Maggie, no está oficialmente viudo y le carcomen tanto la duda como la culpa de no saber si es que su Marisol falleció, no pudo volver o bien no quiso hacerlo.

Negan la tiene todavía más difícil en esto de romper con el pasado.  No es solo que no pueda librarse del bate.  Sumarse a una nueva comunidad y aceptar el ofrecimiento de Renata significa para él, además, dejar de ser quién es y pasar a vivir bajo reglas que no son las suyas.  Y la pregunta que se hace ella acerca de si es que no confía en sí mismo o que teme crear vínculos para perderlos nuevamente le toca fibras íntimas al traer el reciente y triste recuerdo de la pérdida de Ginny, en cuyo cuidado había depositado la posibilidad de su propia redención.

Pero el gran problema del capítulo es el mismo que en general viene trayendo una temporada que avanza en base a situaciones traídas por los pelos y a las que nunca se dio contexto previo para que estuviésemos preparados.  En ningún momento, por ejemplo, me dio la impresión en episodios anteriores de que estuviera naciendo algo entre Maggie y Luis y de pronto los tenemos simulando volar como Jack y Rose en la proa del Titanic, pero en furgoneta…

Ni hablar del terremoto, pues recién en este episodio vimos el asfalto resquebrajarse para después encontrarnos con un infierno sísmico en pleno Manhattan.  Y, atendiendo a lo dicho por Dillard, no me termina de quedar claro si el mismo respondió a un movimiento telúrico propiamente dicho (muy raro en New York) o a los socavones como consecuencia del desgaste de los edificios (¿tuvo algo que ver aquella explosión del Croata?).  En cualquiera de ambos casos, creo, deberíamos haber percibido antes señales de que podía ocurrir algo, lo cual no significa que nos dijeran específicamente qué…

Por otra parte, y como viene siendo costumbre, personajes y comunidades enteras siguen entrando y saliendo de la serie como si nada y sin que su paso deje huella en la misma.  Me había creado ilusiones e incluso temores con La Comerciante, cuya insistente cantinela sobre la autoprotección me hizo prever el peor escenario… pero nada.  Quizás tengan que volver a recurrir a ella ahora que han perdido suministros y alimentos; ya lo veremos…

Otro tanto para Gerald y su alegre campamento presbiteriano.  Me dio, desde luego, el temor de que tanta religiosidad acabara siendo sinónimo de fundamentalismo, pero no.  Y si bien es para celebrar que hayamos salido del lugar común de que toda nueva comunidad que aparezca tenga que terminar siendo necesariamente peligrosa, tampoco es cuestión de que sea totalmente irrelevante para la trama, como ha sido este el caso.

En definitiva, hemos llegado a la mitad de la temporada final con otro capítulo flojo y poco sustancioso.  Parece que estuviéramos viendo episodios desconectados y autoconclusivos, en todo caso con un cliffhanger final para dar sensación de continuidad.  El problema central que en cada uno se plantea no tiene demasiada relación con el anterior o el próximo.  Y estando tan cerca de la conclusión, no puede sino darme pena que una serie que me gustaba acabe por despedirse sin haber encontrado un rumbo

A ver si el próximo capítulo cambia algo.  Les espero para analizarlo.  Hasta entonces y sean felices…

 

 

 

El espejismo de ‘Dioses y Monstruos’: Cómo el nuevo DCU de James Gunn empieza a desmoronarse con más cancelaciones

En  2023 James Gunn y Peter Safran comparecieron ante el mundo con una promesa bajo el brazo: orden, visión de autor y un plan inquebrantable a diez años vista. El primer capítulo, bautizado como ‘Dioses y Monstruos’, no solo venía a sepultar los restos del caótico universo cinematográfico anterior, sino a garantizar que en DC Studios no se volvería a rodar nada sin un guion terminado ni se anunciarían proyectos al vacío.

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Tres años después, la realidad del calendario ha golpeado con dureza: las recientes cancelaciones de las series ‘Waller’ y ‘Paradise Lost’ no son un simple reajuste de producción, sino la confirmación definitiva de que el mapa de ruta original se está desmoronando.

El golpe sobre la mesa es devastador para la credibilidad del estudio. Por un lado, la serie de Amanda Waller, concebida como el gran puente orgánico entre temporadas y spin-off directo tras ‘Peacemaker’, ha terminado disolviéndose entre retrasos, cambios de enfoque y problemas de agenda hasta ser descartada por completo. Por otro lado, la herida abierta con ‘Paradise Lost’ es todavía más sangrante: vendida a bombo y platillo como un drama político y mitológico al estilo de Juego de Tronos en Themyscira, su cancelación fulminante deja al rincón de las amazonas totalmente huérfano antes siquiera de haber nacido.

Además, el propio planteamiento resultaba completamente ilógico desde el principio: pretendían explorar la intriga y los orígenes de Themyscira antes incluso de haber presentado, casteado o consolidado a Wonder Woman en este nuevo universo, empezando la casa por el tejado. Sumado a proyectos como Booster Gold, Swamp Thing o The Authority, que permanecen atrapados en un limbo que huele a que no verán la luz.

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Esta cascada de bajas ha provocado una situación alarmante: la ausencia total de la Trinidad de DC. Mientras el público confiaba en ver los cimientos de una nueva Liga de la Justicia, nos encontramos en un escenario desconcertante donde Batman y Wonder Woman brillan por su ausencia. ‘The Brave and the Bold’ continúa sin fecha, sin casting y en un silencio sepulcral mientras Matt Reeves sigue a su propio ritmo aislado en Gotham, y Diana de Themyscira ni siquiera tiene una película en desarrollo activo, quedando relegada a meros rumores de un guion siendo escrito.

Estamos ante un universo compartido de superhéroes que no es capaz de poner en marcha a sus dos mayores iconos mundiales y que además va cancelando sus proyectos satélites no es un universo en expansión, sino una franquicia en clara retirada.

Con el horizonte despejado a golpe de tijeretazo, el futuro de DC Studios se ha estrechado de forma casi dramática. Más allá de la llegada de la serie ‘Lanterns’ para HBO y de apuestas aisladas de género como el proyecto de ‘Clayface’, todo el peso y la supervivencia de la compañía descansan exclusivamente sobre los hombros del Hombre de Acero. La obsesión del estudio pasa ahora por exprimir al personaje mediante su secuela ‘Man of Tomorrow’, mientras en paralelo se anuncian o priorizan desarrollos secundarios y series que jamás formaron parte del plan maestro original, como la de Jimmy Olsen.

Se cancelan las grandes apuestas estructurales que iban a construir el universo, pero se improvisa con proyectos menores que no estaban contemplados en el calendario.

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La consecuencia inevitable de todo este caos es una profunda pérdida de confianza por parte de los aficionados. James Gunn parecía la figura capaz de emular el orden de Marvel Studios. Sin embargo, el estudio está volviendo a caer en los mismos vicios de siempre: improvisar sobre la marcha. Si el destino de todo el DCU depende únicamente de que la secuela de Superman funcione en taquilla, nunca existió un plan maestro real; solo fue otra maniobra de marketing, y los fans de DC ya están demasiado agotados como para seguir creyendo en promesas rotas.

Un saludo y sed felices.

Análisis de La casa del dragón. Temporada 3. Episodio 8 y final de temporada.

Dos años después del titubeante final de la segunda temporada, volvemos a Poniente y al universo ideado por la mente maestra de George R. R. Martin. En un mundo dominado por Netflix, el fenómeno televisivo (junto a Perdidos) del siglo XXI fue la fantasía épica con dejes de telenovela familiar Juego de Tronos. Ahora es el turno de La Casa del Dragón, precuela centrada en los Targaryen.

Análisis de los capítulos de La casa del dragón.

Análisis de los capítulos de Juego de Tronos.

Análisis de los capítulos de El caballero de los siete reinos

Y terminó. Habrá que esperar otros dos años para una nueva temporada, la última, de La casa del dragón.

Los que hayáis leído mis análisis sabéis que este arco argumental que comienza en la batalla del Gaznate y finaliza con la de Ladera no me ha despertado mucha simpatía. Es más, incluso me ha cabreado en algún que otro episodio.

Este fin de fiesta que ha supuesto el octavo capítulo no ha hecho sino demostrar lo endeble de una serie impecable desde lo visual pero rotundamente fallida desde el punto de vista narrativo.

Así, no repasaré las virtudes estéticas de las escenas más épicas (que, aun así, están planteadas de una forma muy convencional) o el deslumbrante diseño de producción. Al fin y al cabo, ya solo les faltaba haberla pifiado en este aspecto para que La casa del dragón fuera un desastre total.

En su lugar, vamos a hacer un repaso general de lo que ha dado la evolución de los personajes principales de la serie en esta tercera temporada para darnos cuenta de que, en esencia, prácticamente no hemos avanzado nada.

Comenzamos con los presuntos personajes principales de la serie: Rhaenyra Targaryen y Alicent Hightower. Esta tercera temporada ha supuesto la constatación de que el duelo entre ambas ya no existe y debería haber dejado de existir hace tiempo.

Lo de Rhaenyra es incomprensible. La serie nos ha estado colocando constantemente en su posición, convirtiéndola en la heroína de esta historia. Una dignataria que no tomaba malas decisiones, sino que otros las tomaban por ella.

De repente, una vez ocupa el trono, la vemos cada vez más desbordada ante todo lo que implica gobernar (bien) para, de repente, convertirse en una líder cruel y sin escrúpulos, con decisiones sin freno como mandar a Alicent a acabar con su propio hijo. O pedir a Daemon que le haga quedar bien en Ladera para luego ordenar el asesinato del Septón Supremo.

El que Rhaenyra caiga mal no debería ser un problema; Tywin Lannister tampoco era foco de simpatía, pero se pide un poco de coherencia en el personaje. Porque es muy difícil de entender que, tras haber sucumbido a la tentación con Mysaria a final del séptimo capítulo, de repente la exilie en el siguiente. Eso sí, Rhaenyra no contaba con que Gusano Blanco permaneciera en Desembarco del Rey y seguro que la tendremos liderando una posible revuelta popular contra la reina de los Negros.

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Lo de Alicent es harina de otro costal. Porque, básicamente, es un personaje de relleno. Su importancia en la trama es nula, relegada tras sus hijos, los verdaderos enemigos de Rhaenyra. Sus idas y venidas no aportan nada y más vale que le den un final digno en lugar de seguir arrastrándola por la serie como alma en pena, ahogada en su inutilidad narrativa.

Continuamos con Daemon, uno de los pocos personajes capaces de moverse en el gris propio del mundo fantástico creado por George R.R. Martin y que, al igual que en la segunda temporada, se muestra francamente desaprovechado. La metáfora perfecta es su papel en la batalla de Ladera, que comienza montando primero a caballo y después en Caraxes para posteriormente volver a ejercer como jinete. Un buen ejemplo de cómo desaprovechar tu mayor activo en combate y un símil perfecto de lo que los creadores de la serie han hecho del personaje interpretado por Matt Smith.

Pasamos a los cuatro hijos de Alicent.

Probablemente uno de los mejor tratados haya sido Aegon, visto lo visto el verdadero enemigo de Rhaenyra desde el principio. El rey ungido por los Siete cuya subtrama ha sido lamentable de principio a fin y que solo ha resucitado cuando… bueno, cuando su dragón ha sido devuelto a la vida. Parecía que el muchacho iba a recibir una cierta cura de humildad durante su periplo con ser Larys pero un dragón es un dragón. Y, en el caso de los Targaryen, el principal argumento para su narcisismo.

Mención aparte para Aemond Targaryen, el jinete de dragón más peligroso de la serie, asesino de uno de los hijos de Rhaenyra y usurpador del trono que, tras una temporada narrativamente igual que la de Daemon en Harrenhal, se deshace como un azucarillo y se convierte en el fiel secuaz de su hermano Aegon. Lamentable cambio de registro incoherente y sin sentido, fruto de una mala construcción del carácter de un personaje.

Proseguimos con Daeron, empeñado en que las tácticas de su tío Ormund son nefastas cuando el buen hombre, aunque sea un villano de opereta, no para de acertar. Al final de la temporada está ilocalizable y veremos a ver qué le ocurre. Mucho me temo que será pasto de las llamas de los dragones de los hermanos Targaryen.

Y, finalmente, nos centramos en Haelaena, una mujer de carácter melancólico cuyo final estaba más que claro. Probablemente haya sido de los arcos argumentales más acertados.

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Eso por no hablar de subtramas tan mal tratadas como la del triángulo amoroso entre Baela, Addam y Alyn, construida solo en base a un par de escenas. O el cambio repentino de personalidad de Corlys Velaryon, de la ira por no ver a sus bastardos aceptados a ser un remanso de paz en el último episodio. O el inane papel de Dan Fogler como Consejero de la Monedad.

En definitiva, la tercera temporada de La casa del dragón nos viene a confirmar la decadencia de la serie. La primera temporada fue todo un acierto, retratando una ruptura familiar un tanto especial al referirse al clan más importante de un reino y, encima, con dragones de por medio.  Posteriormente, los guiones han estado tan mal construidos que es difícil empatizar con las pérdidas sufridas, quedarse con los distintos personajes de esta tragedia o, sencillamente, entender las decisiones de muchos de estos personajes.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

‘Lanterns’. Episodio 1 | Un noir rural/cósmico con el sello inconfundible de HBO

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Hoy se ha estrenado el primer capítulo de ‘Lanterns’ y dos cosas hay que tener claras, que estamos ante una trama criminal rural al estilo ‘True Detective’ y que ‘El Verde’ va a ser secundario (por ahora). Eso sí, este primer episodio no podría ser más prometedor.

Desde el comienzo, la sombra de la serie detectivesca de HBO se proyecta de manera indiscutible. La historia nos lleva al típico pueblo de la América profunda donde todo el mundo se conoce y nunca pasan cosas extrañas.

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‘Lanterns’ se aleja, intencionadamente, de la apariencia y el ritmo de títulos como ‘Superman’ o ‘Peacemaker’. Este episodio piloto apuesta por una narrativa más mundana en el mejor de los sentidos y, aunque la mitología de fondo sea la de los cómics, con mención a los guardianes, al sector 2814 o al origen de Hal Jordan, la trama se siente terrenal, sucia y humana.

El caso que investigan tiene sus toques espaciales que harían que un Green Lantern lo investigase; no se resuelve con constructos verdes a la primera de cambio, sino con interrogatorios en despachos mal iluminados, personajes que no son lo que muestran, secretos y un ligero toque a ‘banshee’.

Algo que ayuda a que esa atmosfera sea atractiva y que lleve al espectador a entrar en esta historia es el diseño de producción. El sello de calidad de HBO se respira en cada fotograma. La fotografía, la puesta en escena y las localizaciones transmiten esa textura rural y cruda que aleja a la serie de la estética genérica de pantalla verde.

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‘Lanterns’, como ya anunciaron, no se presenta como una aventura de superhéroes al uso, sino como un thriller policial que bebe mucho de ‘True Detective’ y donde lo alienígena es solo la chispa para contar una historia que promete.

Si el tono y la ambientación construyen el escenario, los actores son quienes hacen real y atractivo el capítulo.

El Hal Jordan de Kyle Chandler es presentado como un veterano curtido, cínico y emocionalmente desgastado. Un mentor atípico que parece tener pocas o ningunas ganas de ser el instructor de nadie. El actor sabe darle a Jordan un aura de imprudencia mezclada con aire de cascarrabias atractivo.

Por otro lado, está el John Stewart de Aaron Pierre que es el contrapunto perfecto; meticuloso, firme, con una estricta brújula moral intacta que va a chocar con el cinismo de su maestro.

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Lo mejor del episodio es, sin duda, la dinámica entre Hal y John. Hay una fricción constante cargada de tensión y humor, pero sustentada por un extraño respeto mutuo implícito. Los diálogos fluyen con naturalidad y la complicidad entre ambos actores sostiene muchas escenas.

Conclusión

Es evidente que aún es muy pronto para juzgar si la serie será redonda en su totalidad, ya que esto no es más que una primera toma de contacto y presentación de personajes. Sin embargo, las bases que sienta este piloto son muy interesantes y con mucho potencial pese a que veamos poco de lanterns en ‘Lanterns’.

La serie no solo acierta en el tono y en su pareja protagonista, sino que va planteando tramas y secundarios con muchísimo gancho, destacando especialmente figuras como la sheriff o su suegro, personajes que añaden capas de intriga local, fricción y misterio a la investigación.

Si se logra mantener este pulso de true crime cósmico y desarrollar con acierto todo lo que se insinúa en este primer capítulo, el viaje merecerá mucho la pena.

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El punto negativo es que no me ha gustado la escena de ‘2026’ que ha habido al final de capítulo.

Y para finalizar, creo que ha sido un acierto mantener el juramento de los Green Lanterns que hemos conocido y no la nueva traducción de Panini, tan rimbombante.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Lanterns’ de HBO:

Un saludo y sed felices.

El mapa de ruta definitivo de Marvel Studios. Así queda el calendario de películas tras la Comic-Con y la D23

Bienvenidos, un día más a vuestra web preferida Las cosas que nos hacen felices. Tras la resaca del finde, y con los súbditos de Kevin Feige trabajando como esclavos este verano en la San Diego Comic-Con y en el reciente D23, ya tenemos películas que anotar para los próximos años. Después de tanto rumor de pasillo, filtraciones de dudosa procedencia y bailes de fechas, ya tenemos el el mapa de ruta definitivo de Marvel Studios.

2026. El año que cierra filas y apunta al colapso

El presente curso cinematográfico de Marvel viene cargado hasta los topes. Tras el pistoletazo de salida del verano con la esperada Spider-Man: Brand New Day, la recta final del año se pone calentita de verdad con el plato gordo que todos estamos esperando.

Spider-Man: Brand New Day, la película que Marvel nos debía

Vengadores: Doomsday (18 de diciembre de 2026). El evento por excelencia del año. Con los hermanos Russo de vuelta tras las cámaras y el fichaje estelar (y rocambolesco) de Robert Downey Jr. enfundándose la máscara de Doctor Doom, esta película promete dinamitar el tablero de juego tal y como lo conocemos.

Marvel suelta un nuevo trailer en español de Vengadores Doomsday desde el D23

2027. Directos hacia las Secret Wars

Si 2026 sirve para colocar las piezas en el tablero, 2027 marca el clímax absoluto de esta etapa del multiverso antes de pulsar el ansiado botón de reseteo.

Vengadores: Secret Wars (17 de diciembre de 2027). La culminación de la Saga del Multiverso. Todo apunta a que este mastodonte cinematográfico cerrará la puerta a una era para dejar el terreno preparado a las nuevas incorporaciones comiqueras que llevan años pidiendo pista en los despachos de la compañía.

Nuevos rumores de Vengadores Secret Wars con un giro oscuro (Posibles spoilers)

2028. La llegada oficial de los Mutantes y nuevas caras

Y aquí es donde la cosa se pone verdaderamente interesante para los clasicones como nosotros. Tras cerrar las grandes tramas del multiverso, Marvel Studios abre la puerta de par en par a la nueva generación. Espero que les salga bien.

X-Men (5 de mayo de 2028). ¡Por fin! Tras el bombazo del casting anunciado en el D23 con nombres como Sadie Sink (Jean Grey) o Kit Connor (Cíclope) bajo la dirección de Jake Schreier, la Patrulla-X tendrá por fin su película oficial integrada en la continuidad principal del UCM.

¡Bombazo en el D23! Marvel revela por fin el reparto oficial de los nuevos X-Men para el cine

Ghost Rider (28 de julio de 2028). El Motorista Fantasma regresa a la gran pantalla por todo lo alto, con un fichaje tan sonado como el de Ryan Gosling para quemar rueda en verano.

La Comic-Con de San Diego arde con Ryan Gosling como Ghost Rider y el nuevo Pantera Negra que nadie vio venir

Black Panther 3 (15 de diciembre de 2028). La nación de Wakanda volverá a ocupar las fechas navideñas bajo la batuta de Ryan Coogler, centrada en la evolución de T’Challa II.

Guía de lectura de Black Panther (Pantera Negra)

¿Qué nos espera más allá? 2029 y el futuro

Aunque el horizonte más lejano empieza a dibujar fechas reservadas en el calendario para 2029 (con proyectos que los mentideros sitúan en torno a una hipotética Shang-Chi 2 o secuelas de los mutantes y los 4 Fantásticos), lo cierto es que la hoja de ruta de Marvel vuelve a tener un rumbo claro y estructurado.

Una vez superado el terremoto de las Secret Wars y con la nueva alineación de los X-Men ya bregando en las salas de cine, Marvel no piensa frenar la maquinaria. Al contrario. El estudio ya ha asegurado paradas clave en el calendario para mantener la rueda girando sin descanso.

Aunque los títulos definitivos se guardan bajo llave en las cajas fuertes de Disney, las piezas del puzzle empiezan a encajar si miramos los ciclos de producción de las franquicias más potentes de la casa.

¿Qué se esconde tras esas codiciadas fechas de mayo y julio de 2029? Las apuestas en los foros y portales especializados no paran de sumar nombres propios. Aquí tenéis las principales especulaciones que circulan ahora mismo:

¿Una nueva entrega del trepamuros?. Con todo el tinglado post-multiversal recolocándose, la maquinaria de Sony y Marvel siempre mira de reojo la posibilidad de seguir expridiendo las aventuras del amigo y vecino más famoso de Nueva York. Las fechas de verano son territorio natural para Peter Parker o Miles Morales.

Secuelas directas de la nueva era mutante. Si los X-Men se estrenan oficialmente en mayo de 2028, para 2029 la franquicia ya debería estar pidiendo una segunda parte o un spin-off enfocado en alguno de sus personajes principales (como Lobezno, Tormenta o Cíclope en solitario).

El regreso de los Thunderbolts o nuevos equipos. Tras comprobar cómo ha funcionado el sector y la respuesta del público con los antihéroes, dejar un hueco en julio para una continuación o para un proyecto colateral del estilo encajaría como un guante en la estrategia del estudio.

Sorpresas cósmicas y místicas. Con el flanco mágico y sobrenatural abierto de par en par (recordemos los experimentos con los personajes más oscuros y los universos paralelos), no se descarta que alguna de estas fechas sirva para dar la campanada con una secuela de personajes que hayan quedado huérfanos de cabecera propia tras el cierre de la saga actual.

Un saludo y sed felices.

¡Se nos ha pirado la cabeza con los videojuegos! El hate desmedido a Insomniac por Marvel’s Wolverine y la salud mental en el sector

Bienvenidos, un día más, a vuestra web de Las cosas que nos hacen felices. ¿Podemos parar un momento los pies y reflexionar sobre el rumbo que están cogido los chats/foros de los videojuegos? Justo esta tarde hemos estado hablando en el foro interno de la web sobre lo que acaba de soltar la propia gente de Insomniac Games. Y es que a uno se le quitan las ganas de entrar en redes sociales. El último sainete montado alrededor de la demostración de Marvel’s Wolverine ha vuelto a demostrar que, como fandom, a veces se nos va la olla de una manera tan absurda como peligrosa. El hate desmedido a Insomniac por Marvel’s Wolverine.

De «gráficos de PS2» a perder el norte por completo

La jugada es de traca. Los desarrolladores de Insomniac han tenido que alzar la voz y pedir públicamente un poco de cordura y freno por el bien de la salud mental de los trabajadores. ¿El motivo? La presión irrespirable y el linchamiento gratuito que se ha desatado en internet tras mostrar material del juego de Logan.

Que si el juego es «súper pasillero», que si los gráficos parecen sacados de la época de PlayStation 2, o la genialidad de que la pelea contra el jefe Centinela es una copia del videojuego de Ben 10. ¡De traca, oiga! La gente está fatal, pero mal, con un nivel de bilis que asusta.

Como bien comentaban Toni Garrido, Pedro Pérez, Carlos María o Raúl en el grupo de redacción, parece que cada puñetero lanzamiento de un juego exclusivo se convierte automáticamente en el blanco perfecto para recibir mucho más odio del que humanamente toca. Se critica por criticar, se busca el meme destructivo y se machaca el trabajo de años de cientos de personas desde la comodidad del sillón de casa.

hate desmedido a Insomniac

El elefante en la habitación. La salud mental de los desarrolladores

Nos llenamos la boca hablando de juegazos, de optimizaciones, de tramas complejas y de motores gráficos de última generación, pero luego se nos olvida que detrás de cada pantalla hay seres humanos de carne y hueso. El estrés brutal que supone estrenar un título Triple A ya es de por sí una auténtica burrada. Si a eso le sumas una comunidad de internet con la pistola cargada 24×7 dispuesta a destripar cualquier avance o demo técnica con comentarios mezquinos, el cóctel explosivo está servido.

Los directivos de Insomniac han tenido que salir a pedir piedad. Literalmente. Y debería darnos vergüenza ajena como colectivo friki que se llegue a ese punto. Una cosa es la crítica constructiva (la de toda la vida, la que se debate en la barra del bar o en los comentarios con respeto) y otra muy distinta es este acoso digital constante que convierte el desarrollo de videojuegos en un infierno laboral.

Creo que todos nso tenemos que calmar un poquito. Los videojuegos están para disfrutarlos, para evadirnos, para debatir si Lobezno (Wolverine) debe llevar la máscara clásica o si la pelea con los Centinelas mola más o menos, pero sin perder el norte. Respetemos el curro ajeno y dejemos respirar a los estudios.

Y vosotros, ¿qué opináis de esta deriva tóxica que hay montada en redes cada vez que se enseña algo nuevo?

Un saludo y sed felices.

Muere a los 36 años Hayden Panettiere, la inolvidable animadora de Héroes

Bienvenidos, un día más, a vuestra web preferida, bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy de felices tienen pocas. Hay días en los que escribir en la web se hace cuesta arriba, y lamentablemente hoy nos toca dar una de esas noticias que te dejan helado y sin ganas de bromas. Hace apenas unas horas, los principales portales norteamericanos y los representantes de la familia confirmaban la trágica noticia: Hayden Panettiere ha muerto a los 36 años.

Al menos para mí, que soy mayor que ella, puedo decir que Hayden Panettiere fue una estrella que creció ante mis ojos. Para toda una generación de seriéfilos (no se si existe esta palabra) y amantes de la fantasía y ciencia ficción, el nombre de Hayden Panettiere va indisolublemente ligado a uno de los fenómenos televisivos más grandes de los 2000. ¿Quién no se acuerda de aquel lema que recorría los foros de medio mundo? «Salva a la animadora, salva al mundo». Efectivamente, ella era Claire Bennet, la joven con la capacidad de regenerarse milagrosamente en Héroes, la serie de la NBC que nos encantaba a todos los que flipábamos con los superhéroes antes de que el UCM colonizase las carteleras.

Muere a los 36 años Hayden Panettiere

Pero su trayectoria venía de mucho antes. Desde pequeña estuvo vinculada a las pantallas, poniendo voz a la princesa Dot en Bichos, una aventura en miniatura de Pixar, pasando por películas tan recordadas como Titanes: Hicieron historia (Remember the Titans), o petándolo años después en la pequeña pantalla metiéndose en la piel de la estrella del country Juliette Barnes en la serie Nashville (lo que le valió dos nominaciones a los Globos de Oro) y dejando su sello en el cine de terror moderno participando en la franquicia Scream (tanto en la cuarta entrega como en Scream VI como Kirby Reed).

La noticia de su fallecimiento, ocurrido en un domicilio en Carolina del Sur según los primeros reportes policiales, ha caído como un jarro de agua fría en la industria. En los últimos años, la actriz había sido increíblemente valiente y transparente al hablar de sus duros enfrentamientos contra la adicción, la depresión postparto y los demonios personales derivados de haber crecido literalmente bajo los focos desde la infancia. Sin ir más lejos, este mismo año había publicado sus memorias (This Is Me: A Reckoning), donde se abría en canal sobre las luces y las sombras de su paso por la fama, un camino que también se vio ensombrecido recientemente por la dolorosa pérdida de su hermano menor Jansen.

Compañeros de profesión y amigos no han tardado en llenar las redes de mensajes de despedida, recordando su talento desbordante, su cercanía y una fragilidad que contrastaba con la fuerza brutal que desprendía frente a las cámaras. Se nos va una cara icónica de la televisión fantástica y del cine de nuestra adolescencia, una actriz a la que la vida le golpeó fuerte pero que siempre intentó levantarse.

Descansa en paz, Hayden. Siempre serás nuestra animadora favorita.

Un saludo y sed felices.

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 4. Episodio 4

Continuamos analizando la cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds, en este caso con su cuarto episodio titulado Un Caso de Claroscuro que viene, precisamente, con formato noir en blanco y negro.  Creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, la serie puede ser vista en España por Skyshowtime y en América Latina por Paramount+.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies.  Una vez más aquí para analizar otro episodio de Star Trek: Strange New Worlds que, ya para esta altura, bien sabemos que gusta sorprendernos con jugando con los géneros.  Y así como las dos entregas previas de esta cuarta temporada lo hicieron con el terror y la comedia, este cuarto episodio lo hace con el cine noir estilo cuarenta.

La cosa viene entonces en blanco y negro, pero esto es Star Trek, así que hay una excusa acorde que lo justifica.  Pasemos pues a ver qué ha ocurrido en el capítulo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en esta web nuestros análisis previos, tanto de esta como de otras series y películas de la franquicia.

. Análisis de Star Trek: Strange New Worlds

. Análisis de Star Trek: Discovery

. Análisis de Star Trek: Picard

. Análisis de Star Trek: Starfleet Academy

. Análisis de Star Trek: Voyager, a treinta años de su estreno

. Análisis de Star Trek: Lower Decks

. Análisis de Star Trek: Prodigy

. Crítica de Star Trek: Sección 31

Planeta Noir

Comenzamos con bitácora a cargo de Una que, en una lanzadera y en su primera misión como comandante, se dirige con Uhura y M´Benga a rescatar una sonda que, sobrecalentada y luego apagada, ha ido a parar por inercia al sistema Mat’Aar, en territorio klingon.  Deben, por lo tanto, evitar que sea descubierta por estos, al igual que andar con cuidado de no ser detectados porque podría el asunto derivar en guerra fría.

Lo particular es que allí todo se ve en blanco y negro debido a la alteración que, en la percepción de los colores, provocada por el espectro infrarrojo de la estrella del sistema.  Logran dar con la sonda y transportarla, pero un crucero imperial D7 hace súbita presencia y, desde la Enterprise, Pike recomienda ocultarse en el planeta Mat’Aar 12 y mantenerse «invisibles» hasta que puedan ir a buscarlos.

Apenas ingresar a la atmósfera, son detectados por un sistema de alerta, aunque no identificados: saben que alguien ha llegado, pero no quién.  Dejándola oculta y replicando vestimentas del lugar, salen a andar por una ciudad de estética retrofuturista con pobladores que lucen sombreros y abrigos largos como los de los cuarenta.  Siendo un planeta ocupado, llama la atención no ver ningún klingon, pero pronto ven imágenes holográficas de estos impartiendo órdenes e instrucciones a los locales.

Un sujeto llamado Roman (Demore Barnes) les sale al cruce y parece reconocer a Una, pero la llama Nevette y dice que la daban por muerta, lo que hace evidente que alguien allí se le parece mucho. Presentando a sus acompañantes como dos nuevos reclutas, Una es puesta por este al tanto de que la requieren en el cuartel general por un asunto y, al llegar, descubren que el mismo funciona en un bar tan retro como todo allí, con naipes y… pianola.

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M´Benga dice por lo bajo que Roman es un claro colaboracionista klingon a juzgar por el brazalete y Una es llevada a ver a una prisionera de la «resistencia» a la que están interrogando sin éxito en busca de información.  Pidiendo estar a solas con ella, se lleva la sorpresa que la muchacha también la llama Nevette, pero no la ve como enemiga sino como alguien de su bando.

Sabiendo que será torturada hasta quebrarla, ruega a Una que se haga cargo del liderazgo y le informa que la frecuencia es 34.6 megaherzios sin que esta, desde luego, entienda mucho.  Tras ello, comienza a largar espumarajos por la boca y convulsiona hasta morir con claros síntomas de envenenamiento.

Un líder militar klingon se hace presente y M´Benga lo reconoce como el comandante Kor (Andy McQueen), descendiente de Kahless, el Inolvidable y… gran conocido nuestro (ya volveremos).  Este se muestra decepcionado de que la prisionera haya muerto y hay tensión con Nevette, a quien incluso amenaza con pérdida de privilegios.

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Una, siempre representando su papel, dice que el que la joven se haya quitado la vida solo muestra la cobardía que caracteriza a los traidores.  A Kor parece complacerlo y considera a Nevette como una de sus más leales subordinadas.

M´Benga y Uhura descubren que en el bar hay miembros infiltrados de la resistencia y usan la música de la pianola para transmitir información.  No pueden permanecer mucho más allí, por lo que Una sugiere ir a la lanzadera y esperar ser contactados por la Enterprise.

Al salir, sin embargo, se encuentran con que hay guardias klingon pidiendo identificaciones.  Un hombre que no la tiene recibe una descarga al intentar escapar y Uhura  tiene el reflejo de ayudarlo, pero solo sirve para llamar la atención y que le requieran también la suya.

No teniéndola, Uhura acaba detenida y Una quiere intervenir, pero M´Benga le advierte que no podrán ayudarla si son también arrestados.  Un hombre se les acerca y, presentándose como Ha’Lem, resulta ser el bartender que minutos antes vieran en la barra.  Es miembro de la resistencia y enésimo en tomar a Una por Nevette, pero el primero en hacer referencia a esta última como líder del movimiento.

Se compromete a ayudar a Uhura a recuperar su libertad falsificando una tarjeta de identificación, pero necesita que Una (Nevette) le dé la suya propia, habida cuenta de que los klingon han hecho cambios de seguridad.  Ella manifiesta, obviamente, no llevarla encima y él le recomienda que comience a hacerlo en lugar de tenerla siempre en su oficina, lo cual les da la pauta de dónde buscarla.

Señal Misteriosa

En la Enterprise, Spock y La’an están inspeccionando la sonda rescatada y ella se pregunta si los klingon les habrán enviado un caballo de Troya, aclarándole al vulcano que es algo que está en la Odisea.  Este apunta que conoce a los griegos y que la sonda estuvo solo ciento sesenta horas en territorio klingon, tiempo que, sin embargo, ella considera suficiente.

Descubren un chip alterado, pero nada ha sido introducido y sí, en cambio, extraída información.  Y las sospechas de La’an  se ven aumentadas por una misteriosa señal de comunicación que Spock relaciona con el crucero klingon, aconsejándole no dejarse llevar por la paranoia que la viene afectando últimamente.

No dándose por vencida, ella va a ver a la nueva y muy poco simpática cadete vulcana que, al parecer, es especialista en el tema.  A pesar de su renuencia inicial, termina ayudándola y descubre con sorpresa que la señal es de ida y vuelta, teniendo su origen en las habitaciones de Scotty.

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Yendo pues La’an a verlo, este le dice algo muy parecido a lo expresado por Spock sobre las señales de los klingon que, de hecho, tienen en esa zona del espacio un carácter casi fantasma debido a la propia influencia de la estrella que les hace ver todo en blanco y negro: ni siquiera pueden detectar sus naves.  Ella se marcha, poco convencida…

Debo quedarme o debo irme…

Uhura es sometida a interrogatorio y los klingon quieren saber los planes de la resistencia, específicamente con respecto a cierta fábrica de municiones, pero ella no tiene idea y afirma ser solo una aldeana (ambas cosas reales, por cierto).  Kor amenaza pues llevar un paso más allá sus sádicos métodos de tortura mental…

Mientras tanto, Una y M’Benga logran introducirse en la oficina de Nevette y no hay rastro de la tarjeta.  Hasta que un dispositivo facial reconoce el rostro de ella y una puerta secreta revela una sección oculta en la cual no solo encuentran lo que buscan, sino también imágenes del planeta antes de la ocupación klingon, así como también listas de familias que fueron al parecer ayudadas por Nevette a escapar y… los planos de la fábrica de municiones.

Los klingon están cerrando la atmósfera del planeta con un campo de fuerza que vaporizará cada nave que entre o salga sin autorización.  Y la idea de la resistencia es desbaratar el mismo a través de un detector de proximidad que esperan robar del depósito de municiones  y provocará (en la frecuencia de 34.6 Mhz) un impulso electromagnético capaz de desactivarlo.

El hallazgo más impactante, de todos modos, es cuando encuentran en una cámara criogénica el cuerpo ya sin vida de Nevette.  Una se siente como viéndose muerta a sí misma y M´Benga procura hacerle entender que, por mucho que se le parezca, no es ella.

Ha’Lem logra replicar la tarjeta que consiguieron y Uhura es liberada con una severa advertencia de Kor.  Al reencontrarse con sus compañeros, los pone al tanto de que ha escuchado hablar a los klingon en un dialecto raro y que traman un golpe de estado que pondrá al planeta aún más bajo su yugo, convirtiéndolo en abierta dictadura y eventual puesto de avanzada ante la Federación.

Una entra en un dilema.  Por mucho que M´Benga le insista en que no es su guerra, duda entre irse cuando tengan la oportunidad o quedarse a ayudar a los rebeldes.  Y recuerda que, siendo niña, su familia no se sumó a la lucha contra quienes ocuparon la colonia: una culpa que, aunque no específicamente suya, le acompañó después de por vida.

Por otra parte, resulta que el buscado detonador se activa al cruzar un puesto de avanzada klingon, lo que significa que se trataba de una misión suicida.  Aunque M´Benga quiera convencer a Una de que no tiene por qué ser ella quien la lleve a cabo,  esta se introduce en la fábrica de armas y logra apropiárselo, pero es interceptada por Roman, quien sabe que es una impostora por ser precisamente él quien mató a la verdadera Nevette.

Intenta dispararle pero, en el forcejeo, Una le quita el arma y, para sorpresa de Roman, lo deja ir.  Obviamente, este parte a avisar a los klingon, pero no sabe que ella le puso en el bolsillo el detonador, así que, al pasar el puesto de control, una gran explosión deja todo sin energía y desactiva el campo de fuerza del planeta.

Gracias a ello, la Enterprise logra no ser vista y rescatar al trío de desembarco, previo a lo cual Una se despide de Ha´Lem, ya al tanto de que no es Nevette pero pidiéndole, aun así, que se quede a liderarlos.  Ella lo agradece, pero manifiesta no pertenecer allí y que la resistencia ya tiene un líder de todas formas…

Colores

En la Enterprise, La’an ha puesto al corriente a Pike de sus sospechas, dándole este vía libre para investigar la señal misteriosa.  Sin embargo, y por mucho que hurgue, no logra encontrar cómo ni dónde se pueda haber producido la extracción de información.  Hasta que va a ver a Chapel y esta confiesa su culpa…

Resulta que la nave médica Yang, en la cual ella sirvió mucho tiempo y tiene amistades, cruzó en algún momento a la zona klingon sin autorización y ese dato no puede ser conocido ni siquiera por la Federación o devendrá en sanciones y despidos.  Les quiso, pues, dar una mano borrándolo y apela a su amistad con La’an para que actúe del mismo modo…

Es así que cuando Pike pregunta luego a La’an por el resultado de su investigación, le responde que lo más importante que logró averiguar es que Scotty y Ortegas son ahora amigos, pero nada sobre la señal y sus sospechas eran infundadas…

De regreso en la lanzadera, M´Benga informa que Ha´Lem ha logrado ya sacar a muchas familias de Mat’Aar 12.  Pero Una lamenta que no podrá sacar a todos y la respuesta klingon terminará a la larga llegando.  Él no puede evitar relacionar con la clásica encrucijada del médico entre lamentar las vidas que no logró salvar y celebrar las que sí.

Ella se pregunta si ha hecho lo correcto y él le cuenta que debió una vez matar a un líder tiránico para salvar las vidas de los internos de un hospital.  Concluye que nada es blanco o negro en el preciso momento en que Uhura avisa que están dejando el sistema Mat’Aar y el rostro de Una, en imagen muy simbólica, va pasando al color…

Balance del Episodio

Ha sido este un capítulo en blanco y negro, pero sobre todo de grises, tanto en la fotografía como en el desarrollo de los personajes.  Clarísimo el homenaje a los años cuarenta, ya sea al cine negro o al filme quizás más icónico del Hollywood de esa década como lo es Casablanca (aquí retro-análisis).  Tenemos un bar, un bartender, un piano (aunque mecánico) y la escena en que el himno de guerra klingon es acallado por el rítmico golpear y palmotear de los locales es referencia harto evidente.

No es, por cierto, la primera vez que la franquicia rinde tributo al legendario filme de Michael Curtiz: lo ha hecho en el episodio Siempre nos quedará París de TNG (01×21) y en Ganancias y Pérdidas, de DS9 (02×18).  Tampoco es la primera vez que se mete con el género gansteril y basta con recordar en la serie original el episodio La Ciudad al Fin de la Eternidad (01×28), para muchos el más icónico del universo trekkie.

Pero lo  interesante es el modo en que se recurrió al blanco y negro o, mejor dicho, a la escala de grises para crear un paralelismo entre la estética del capítulo y el desarrollo de los personajes.  Ello se aprecia tanto en el dilema de Una como en la historia que sobre el cierre cuenta M´Benga, pero también, aunque de modo más marginal, en la decisión que toma Chapel de ocultar información y en la de La’an, que hace lo propio para proteger a una amiga.

La analogía queda más que clara cuando M´Benga reflexiona que no siempre las cosas se presentan siempre blancas o negras o cuando, a continuación, el rostro de Una va volviendo al color en la medida en que dejan atrás la influencia de la estrella Mat’Aar.  La reflexión sobre los difusos límites entre el bien y el mal no es ajena a una franquicia que nunca esquivó los dilemas morales y, en este capítulo en particular, queda más  que plasmada en la deliciosa fotografía que ayudó a graficar las ambivalencias.

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Hemos tenido, por otra parte, oportunidad de reencontrarnos con el comandante Kor o, mejor dicho,  encontrárnoslo por primera vez si nos atenemos a la cronología de la franquicia, pues volveremos a saber de él en la serie original, en la animada de los setenta y en tres episodios clave de DS9.  Esta sería, por lo tanto, su presentación formal y siempre reconforta saber que los guionistas no olvidan que SNW es una precuela.

Y buen detalle histórico/mitológico que La’an relacione al caballo de Troya con la Odisea,  ya que es allí donde Homero hace referencia al mismo a través de indirectas historias narradas por terceros y no, como suele creerse, en la Ilíada, donde no hay mención (la historia más conocida y pormenorizada del caballo, incluso, no la cuenta Homero, sino el poeta romano Virgilio en la Eneida).

Ahora bien, así como el episodio sale airoso en lo estético y lo simbólico (además de entregarnos un gran trabajo de Rebecca Romijn), hay cuestiones que se ven algo forzadas.  Puedo perdonar que una estrella provoque el efecto del blanco y negro, pues ya no quedan dudas de que esta cuarta temporada se permite más licencias y pone las necesidades narrativas por encima del rigor científico, pero queda sin ser explicado por qué había un doble de Una en Mat’Aar 12 y, honestamente, no me deja muy conforme la explicación de M´Benga acerca de que lo raro es que no se encuentren con sus dobles más seguido, habida cuenta de lo vasto que es el universo.  Como dos episodios atrás, volvemos a dejar cosas sin explicar…

Ha habido también unos cuantos baches argumentales.  El plan de la resistencia para desactivar el campo de fuerza quedó un poco en la nebulosa y no llegué a entender cómo dieron Una y M´Benga con la oficina de Nevette cuando no podían simplemente preguntar la dirección sin delatarse al hacerlo.  Tampoco por qué  Roman, habiendo él mismo matado a Nevette, no denunció desde un primer momento a Una como impostora ante los klingon.  Y, con respecto a estos últimos, ¿por qué el traductor universal no puede traducir sus dialectos y Uhura sí?

En definitiva, me ha gustado este cuarto episodio, pero más desde su estética y su significación que atendiendo a los pormenores de su trama, que han hecho bastante agua.  Creo que el tercero sigue siendo hasta aquí el mejor de la temporada.

A ver qué nos trae el próximo.  Hasta entonces y sean felices.  Larga vida y prosperidad…

 

 

El cómic de la semana: A.I.D.P. Integral 10

Bienvenidos un sábado domingo más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos A.I.D.P. Integral 10. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Si hay algo que define nuestra relación de amor-odio con las estanterías de casa es la artillería pesada que nos sueltan de vez en cuando las editoriales, y en este caso cualquier integral de este maravillo mundo de Mike Mignola. Si ya tenemos la espalda destrozada de cargar con los tochacos de Hellboy, el universo extendido decidió hace tiempo que los agentes de la A.I.D.P. (la Agencia de Investigación y Defensa Paranormal) no iban a ser menos en esto de ocupar espacio vital en formato de lujo.

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Hace ya unas semanas que se plantó en las librerías especializadas el A.I.D.P. Integral 10, ese mastodonte de lomo verde que corona por todo lo alto una de las etapas más salvajes, oscuras y corales de todo el Mignolaverso. Hoy, en nuestro clásico El cómic de la semana de Las Cosas que nos hacen felices, nos toca despiezar este tomo no para deciros lo obvio de si mola o no mola (que ya sabemos de sobra que juega en otra liga), sino para meternos directos en daros mi opinión

El fin de los días: ¿Qué se esconde dentro de este volumen?

Si habéis seguido la pista de los tomos anteriores, sabéis que la colección llevaba tiempo mutando. Pasamos de las primeras misiones de campo de corte clásico a un escenario postapocalíptico donde la Tierra se ha ido literalmente al garete.

Este décimo volumen recopila el tramo final y definitivo de la macro-saga «El infierno en la tierra» (Hell on Earth). Aquí ya no hay misiones de infiltración discretas ni expediciones rutinarias a casas encantadas, sino que lo que tenemos entre manos es una guerra abierta y desesperada contra la extinción de la humanidad a manos de monstruos lovecraftianos, plagas lovecraftianas y divinidades primigenias que han decidido que nuestro planeta sea su patio de recreo particular.

Las tramas convergen de manera implacable y los frentes abiertos en distintas partes del globo colisionan en un clímax donde ningún personaje tiene asegurado el billete de vuelta. Es una lectura densa, atmosférica, que te atrapa desde el principio y te obliga a pasar las páginas con el corazón en un puño, viendo cómo el mundo que conocían Kate Corrigan, Johann Kraus y el resto de supervivientes se desmorona pedazo a pedazo.

Los arquitectos del horror

Si este monumental tomo funciona como un reloj suizo macabro es, en gran medida, por el dream team que hay detrás de los lápices y los guiones. La batuta principal recae sobre las espaldas de John Arcudi y el propio Mike Mignola, los arquitectos que idearon cómo expandir el universo más allá de las fronteras de Hellboy para dotar a la agencia de una personalidad propia, mucho más coral, trágica y terrenal.

Arcudi maneja los tempos del drama como pocos en el cómic americano actual. Sabe perfectamente cuándo frenar la acción para que veamos el desgaste psicológico de unos personajes que llevan años arrastrándose por el barro y cuándo desatar el caos absoluto.

En el apartado gráfico, el volumen es una auténtica gozada visual gracias a la labor de artistas de la talla de James Harren, Max Fiumara, Laurence Campbell y los trazos de colaboradores habituales que entienden a la perfección la atmósfera opresiva de la casa. El dibujo de Harren, por ejemplo, aporta una dinamita y una visceralidad frenética a las escenas de acción que contrasta maravillosamente con el terror estático y geométrico que exigen los momentos más místicos.

Y, por supuesto, es imposible hablar del apartado estético sin hincar la rodilla ante Dave Stewart. Su paleta de colores es el pegamento invisible de todo el tebeo. Sin su color, este universo no sería lo que es.

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He creado una guía de lectura en Whakoom para que podáis seguirla en esa plataforma con todas las portadas.

  • Hellboy (Edición integral) 1
  • Hellboy (Edición integral) 2
  • AIDP (Edición integral) 1
  • AIDP (Edición integral) 2
  • AIDP (Edición integral) 3
  • AIDP (Edición integral) 4
  • Hellboy (Edición integral) 3
  • Sir Edward Grey – Cazador de brujas (Edición integral) 1
  • Bogavante Johnson (Edición integral) 1
  • Bogavante Johnson (Edición integral) 2
  • AIDP (Edición integral) 5
  • AIDP (Edición integral) 6
  • AIDP (Edición integral) 7
  • Hellboy (En el infierno) (Edición integral) 4
  • AIDP (Edición integral) 8
  • Abe Sapiens (Edición integral) 1
  • AIDP (Edición integral) 9
  • Abe Sapiens (Edición integral) 2
  • AIDP (Edición integral) 10
  • Abe Sapiens (Edición integral) 3
  • Sir Edward Grey – Cazador de brujas (Edición integral) 2

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EL ESPERADO FINAL DE LA SAGA DE EL
INFIERNO EN LA TIERRA

METAMORFOSIS

EL FIN DE LOS DÍAS

LLEGA LA HORA

La A.I.D.P. intenta defender la Tierra de uno de los míticos Ogdru Jahad, el dragón que las leyendas dicen que traerá el fin del mundo. Los agentes deben destruirlo, así como multitud de monstruos que está creando, pero los costes de la batalla serán más altos para unos que para otros.

Mientras, el director del Servicio de Ciencias Especiales ruso Iosif Nichayko, busca la ayuda de Varvara para que le guíe en el Infierno.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Norma editorial.

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Un saludo y sed felices.

Marvel suelta un nuevo trailer en español de Vengadores Doomsday desde el D23

Bienvenidos, un día más, a vuestra (y mía) casa comiquera en la red, Las Cosas que nos hacen felices. ¿Os pensabais que nos íbamos a ir a dormir tranquilos este fin de semana después del aluvión de noticias que ha soltado Kevin Feige en el D23? ¡Pues claro que no! Cuando todavía nos estamos recuperando de ver los fichajes oficiales para los nuevos mutantes, la maquinaria del UCM ha decidido darnos el coup de grâce con el plato fuerte del postre, el nuevo trailer en español de Vengadores Doomsday.

Hace literalmente unas horas, durante el panel principal de la convención en Anaheim, Marvel Studios ha reventado Internet liberando por sorpresa el primer tráiler oficial en castellano de Vengadores Doomsday. Y ojito, porque la cosa viene cargadita de tensión, multiverso y un cambio de tercio absoluto que nos deja a todos con el culo torcido.

¡Bombazo en el D23! Marvel revela por fin el reparto oficial de los nuevos X-Men para el cine

El desembarco definitivo. Las piezas se van colocando de cara a ese gran evento cinematográfico que marcará un antes y un después en la historia reciente de Marvel en la gran pantalla.

Una antesala histórica para el cine de superhéroes.

Con el estreno fijado en el horizonte para final de año, cada segundo de metraje que sueltan los hermanos Russo y compañía se analiza con lupa en los foros de medio mundo. Ver cómo suena ya el doblaje oficial en castellano de este adelanto nos mete de lleno en la recta hacia el evento comiquero más mastodóntico de la década. (Recuerdo que la saga de Thanos es de la década pasada) La vieja guardia se despide, las nuevas incorporaciones piden paso, y el caos amenaza con arrasar con todo lo que creíamos conocer.

Y vosotros, ¿ya habéis analizado fotograma a fotograma este primer avance de Vengadores: Doomsday o preferís llegar virgen a la butaca del cine?

Un saludo y sed felices.

¡Bombazo en el D23! Marvel revela por fin el reparto oficial de los nuevos X-Men para el cine

A ver, seguidores de Las Cosas que nos hacen felices, dejad lo que estéis haciendo. Llevamos años esperando el momento en que Kevin Feige dijera esta boca es mía respecto a cómo van a saltar los mutantes al redil oficial del UCM tras la compra de Fox. Pues bien, la bomba ha estallado hace apenas unas horas en el D23 Expo 2026, y el listado de actores que formarán la nueva Patrulla-X de la gran pantalla nos ha dejado a todos con la boca abierta, o al menos a muchos de nosotros. Ya tenemos el reparto oficial de los nuevos X-Men.

Apunta la fecha en el calendario porque la maquinaria ya se ha puesto en marcha con vistas a un estreno fijado para el 5 de mayo de 2028, bajo la batuta del director Jake Schreier (el mismo de Thunderbolts). Pero vamos a lo jugoso, que es lo que nos quita el sueño, ¿quién es quién en esta nueva era?

Los elegidos para la gloria mutante

Lo que se ha presentado en el escenario de Anaheim no son meros rumores de pasillo, sino la alineación oficial confirmada por la propia Marvel. Agárrate fuerte porque hay nombres muy, muy sonados:

Sadie Sink como Jean Grey. Un secreto a voces que ya venía haciendo correr ríos de tinta tras su paso por el entorno de Spider-Man en Spider-man Brand New Day, y que por fin se consolida como el pilar central de esta nueva generación.

reparto oficial de los nuevos X-Men

Kit Connor como Scott Summers (Ciclope). El bueno de Connor cambia las dinámicas adolescentes de otras series por las gafas de sol de rubí y el liderazgo del equipo.

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Christopher Abbott como el Professor X (Charles Xavier). Un fichaje de un actor de altísimo nivel que promete darle una profundidad tremenda al mentor de los mutantes.

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Samara Weaving como Emma Frost (La Reina Blanca). Si alguien dudaba de la elegancia, el hielo y la mala leche que exige la Reina Blanca, la elección de Weaving clava el perfil a la perfección.

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Inde Navarrette como Rogue (Pícara). Una de las incorporaciones más celebradas por el fandom para encarnar a la sufrida mutante sureña.

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Maya Boyd como Storm (Tormenta). La actriz aportará presencia escénica y fuerza a una de las divas comiqueras por excelencia.

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La gran sorpresa: ¿Villano de categoría?

Por si el plantel principal fuera poco, la guinda del pastel la ha puesto Adam Driver, cuya incorporación se ha confirmado mediante un mensaje en vídeo que ha revolucionado el auditorio. Lejos de los rumores que lo situaban en otros bandos, Driver encarnará a Nathaniel Milbury, la identidad humana del infame Mister Siniestro. Casi nada al aparato. Tener a un actor de su calibre enfundado en la mente retorcida y obsesionada con la genética de Siniestro le da un empaque al villano que ya quisieran otras fases del estudio.

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¿Qué significa esto para el futuro?

Mientras que la vieja guardia de la época de Fox se despide definitivamente con Vengadores Doomsday, Marvel Studios ha trazado una línea clarísima hacia el futuro. Ya no estamos ante meros cameos en el multiverso, sino ante un casting cerrado, pensado desde cero para integrarse en el engranaje principal de la casa.

La acogida en redes no ha tardado en polarizarse, como suele pasar en esta bendita familia comiquera, los que aplauden la frescura y el talento puro de los fichajes frente a los clásicos puristas que miran con lupa cada elección.

¿Vosotros qué opináis? ¿Os convence esta alineación para arrancar la nueva era de los mutantes en el cine o echabais en falta a algún otro nombre en el banquillo?

Un saludo y sed felices.

Guía de verano: 7 novelas gráficas que no te puedes perder

El verano es el momento perfecto para perderse entre las viñetas inesperadas de una gran historia. Ya sea con la arena bajo los pies, en el refugio fresco de una biblioteca o disfrutando de una tarde perezosa en casa, pocas cosas apetecen más que abrir un buen cómic y dejarse llevar por mundos llenos de aventuras.

Las novelas gráficas tienen esa capacidad especial de transportarnos a lugares imposibles, así como de emocionarnos y conseguir que durante unas horas olvidemos todo lo que nos rodea. Fantasía, ciencia ficción, terror, aventuras y grandes historias humanas se dan cita en este listado de siete obras que merecen acompañarte durante las vacaciones.

7 novelas gráficas recomendadas para leer este verano

1. Cadáveres exquisitos. Norma editorial. 

Si lo tuyo es moverte entre la tensión y lo salvaje, con una melodía grave de acción e historias que exploren la brutalidad hasta el límite, Cadáveres Exquisitos (aquí la reseña) es una de esas lecturas que llegan para sacudirte. James Tynion IV, acompañado por un grupo de artistas internacionales, construye una brutal historia de supervivencia donde el humor negro, la violencia y la crítica social se mezclan en un cóctel explosivo.

La premisa ya deja claro por dónde van los tiros: cada cinco años, las familias más poderosas de Estados Unidos organizan un juego macabro en el que doce de los asesinos más peligrosos del mundo son enviados a un pequeño pueblo de Maine durante Halloween. Solo uno podrá salir con vida.

Tynion IV vuelve a demostrar su talento para crear conceptos extremos con personajes repletos de matices. Sus protagonistas no son simples víctimas o monstruos; detrás de cada decisión hay miedo, rabia y desesperación. Una trama divertida, irreverente y salvaje que se disfruta de principio a fin. El apartado gráfico acompaña perfectamente esa sensación de caos. Es una obra incómoda, sanguinolenta y excesiva, pero precisamente ahí está parte de su encanto. Sus dibujos aportan una energía visual arrolladora que convierte cada página en una experiencia tan incómoda como fascinante.

Sangre, locura y supervivencia en una historia tan salvaje como adictiva. De esas capaces de tenerte enganchado una tarde verano sin mirar el móvil durante un buen rato.

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2. Las Guerras de Lucas: Episodio II. Norma editorial. 

Una saga que ha marcado la historia del cine como Star Wars da para mucho juego. Tras el éxito de la primera entrega, Laurent Hopman y Renaud Roche regresan para contarnos una de las aventuras más apasionantes detrás de las cámaras: el complicado nacimiento de El Imperio contraataca.

Convertido en una leyenda de Hollywood, George Lucas decidió apartarse de la dirección y asumir el enorme riesgo de financiar la secuela con su propio dinero. Lo que parecía una apuesta segura acabó convirtiéndose en una producción llena de problemas, dudas y tensiones personales que pusieron en peligro todo el proyecto.

Hopman construye un guion que combina precisión documental y emoción, exponiendo no solo cómo se hizo una película, sino también el enorme sacrificio que existe detrás de cualquier gran creación y mostrándonos algunas de las decisiones que acabarían cambiando la historia del cine. El dibujo de Renaud Roche aporta un genuino ritmo cinéfilo, recreando con enorme personalidad algunos de los momentos más iconográficos de la saga. Sus páginas recrean rodajes, reuniones y momentos históricos con una energía muy cinematográfica.

Una lectura imprescindible de este verano para los amantes de Star Wars… y para cualquiera que disfrute descubriendo cómo nacen aquellas obras que, por designios de la Fuerza, acaban convirtiéndose en leyenda. (no te pierdas la reseña sobre las Guerras de Lucas).

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3. Descender. Integral 1. Astiberri

La ciencia ficción también tiene un hueco en esta lista gracias a una de las mejores obras de Jeff Lemire. Descender nos propone una emocionante odisea espacial donde la acción convive con una profunda reflexión sobre la identidad, el miedo y la necesidad de encontrar un lugar en el universo.

Hace una década, unos gigantescos robots conocidos como los Cosechadores aparecieron en el espacio y arrasaron los mundos del Consejo Galáctico Unido. Desde entonces, los androides viven perseguidos y prohibidos. En medio de ese escenario despierta TIM-21, un pequeño robot que puede esconder la respuesta al mayor misterio de la galaxia.

Lemire vuelve a demostrar su enorme sensibilidad para construir personajes inolvidables. Una habilidad que le permite transformar lo simple en una densa propuesta cósmica que acaba por devorar las emociones de los lectores. Pocas historias de ciencia ficción consiguen mezclar espectáculo, emoción y preguntas sobre la humanidad como Descender. (Pinchando tienes un análisis del cómic) 

El dibujo de Dustin Nguyen deslumbra con unas acuarelas de una belleza extraordinaria que convierten cada planeta en un auténtico espectáculo visual. Sus personajes transmiten una ternura y una humanidad que logran calar en el lector, aportando un extra de emoción a su lectura.

Una aventura espacial emocionante, conmovedora y perfecta para viajar este verano sin moverte de la hamaca.

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4. Sláine: El Dios Cornudo. Edición 35 aniversario. Norma Editorial. 

Pocas obras representan mejor la fantasía heroica más salvaje que Sláine (conoce más sobre el personaje con el cómic de la semana). Esta edición recupera una de las etapas más legendarias del personaje creado para la revista 2000 AD, donde la mitología celta, la magia y la violencia se unen para construir una epopeya inolvidable.

La historia tiene todos los ingredientes de la fantasía heroica clásica: dioses antiguos, monstruos, batallas imposibles y un protagonista que parece capaz de atravesar cualquier enemigo a base de fuerza y furia. Sláine deberá unir los diferentes reinos de Tir Nan Og para hacer frente a los fomorianos, una amenaza que representa el caos y la destrucción. Una historia repleta de batallas, conspiraciones y antiguos dioses que mantiene intacta toda su fuerza décadas después de su publicación.

Pero lo que convierte esta edición en algo especial es el trabajo de Bisley. Sus páginas tienen una energía difícil de igualar: cuerpos gigantescos, escenarios llenos de movimiento y una sensación constante de estar contemplando una ilustración que podría colgarse en una pared.

Un autor que revolucionó el mundo del cómic con ilustraciones cargadas de fuerza, movimiento y brutalidad que siguen siendo tan impresionantes hoy como hace treinta y cinco años. Una fantasía épica y desatada que sigue siendo una referencia imprescindible, ya sea verano o no, para cualquier amante del género.

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5. Birthright Vol. 1 y 2. Yermo Ediciones

Si te apetece perderte en un mundo de magia, criaturas fantásticas y grandes aventuras, Birthright es una apuesta segura. Joshua Williamson y Andrei Bressan parten de una premisa brillante: un niño desaparece y regresa años después convertido en un guerrero adulto que asegura haber estado luchando en un reino fantástico.

A partir de ahí, la serie mezcla la épica de la fantasía con un intenso drama familiar donde la pérdida, las heridas del pasado y las decisiones de los personajes adquieren tanto peso como la acción. Porque el verdadero conflicto no es solo salvar un reino mágico: también es descubrir qué ha ocurrido con una familia rota por una desaparición que nadie consigue superar.

Mientras Williamson mantiene el misterio y el ritmo con continuos giros de guion, Andrei Bressan da vida a un universo espectacular repleto de criaturas, magia y escenarios dinámicos que se entremezclan con el drama intimista de la vida cotidiana. Sus paisajes insólitos y sus escenas de acción resultan espectaculares, pero la historia funciona porque debajo de las capas de fantasía hay emociones muy humanas.

Una serie que engancha desde sus primeras páginas y que resulta perfecta para devorar durante las vacaciones de verano, ya que su segunda parte sale a la venta este mes de agosto.

CÓMIC DE VERANO

6. Bone (edición integral). Astiberri

Hay obras que deberían estar en la biblioteca de cualquier aficionado al cómic y Bone pertenece, sin discusión, a esa categoría. Jeff Smith consiguió crear un clásico capaz de conquistar a lectores de cualquier edad mezclando humor, aventura y una de las mejores historias de fantasía jamás contadas en viñetas.

Lo que parecía una aventura divertida termina siendo una historia sobre la amistad, la valentía y el paso del tiempo. Un viaje protagonizado por los entrañables primos Bone que termina convirtiéndose en una épica repleta de antiguas profecías, criaturas fantásticas y personajes imborrables como las amenazadoras mostrorratas. Una historia que es capaz de crecer junto al lector y hacerse más grande a medida que va calando en su imaginación.

Su dibujo, de apariencia sencilla e influenciado por la animación clásica y el estilo cartoon, es una auténtica lección de narrativa. Consigue crear un contraste visual entre las formas simples de los personajes y los fondos de fantasía épica y detallada del entorno. La expresividad de los personajes, la elasticidad de los movimientos y el ritmo físico de los escenarios convierten cada página en un auténtico placer para la vista.

Si todavía no has leído Bone, este verano tienes la excusa perfecta para descubrir, entre la pausa de los chapuzones, un clásico del noveno arte.

BONE EN VERANO

7. Nocturnos. Norma editorial. 

Nocturnos es una de las propuestas más especiales de los últimos años. Una novela gráfica diferente y evocadora que logra quedarse en nuestro cerebro mucho después de cerrar sus páginas. Laura Pérez construye un relato donde lo cotidiano y lo onírico se entrelazan para crear una historia repleta de misterio, belleza y emoción. (Aquí puedes leer la reseña de Nocturnos).

Uno de los grandes logros de la autora es su extraordinaria capacidad para crear atmósferas que envuelven al lector desde la primera página, con escenarios silenciosos, imágenes cargadas de simbolismo y una narrativa cercana a la poesía visual. Cada trazo desprende una personalidad arrebatadora, mientras el tenue uso de la luz y el contraste convierte cada viñeta en pequeñas pinceladas de arte: los detalles, la luminosidad, los espacios vacíos, los gestos de los personajes y la delicada composición de sus planos.

Una novela gráfica hipnótica, delicada e íntima, ideal para quienes este verano quieran descubrir una historia capaz de emocionar tanto por lo que cuenta como por la belleza con la que lo hace.

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El verano tiene algo especial para leer cómics. Quizá sea la tranquilidad de una tarde sin prisas, el sonido del mar mientras avanzas páginas o ese momento en el que decides leer un poco y acabas atrapado durante horas.

Siete historias, siete viajes y un mismo destino: hacerte disfrutar del cómic. Elige la que más te llame, abre la primera página y deja que las viñetas conviertan este verano en una aventura inolvidable.

¿Es John Blacksad el mejor héroe de comic español?

¿Es John Blacksad el mejor héroe de comic español?

Blacksad, creado por Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido, es mucho más que una colección de historias detectivescas ambientadas en unos Estados Unidos poblados por animales antropomórficos. Bajo su apariencia de novela negra clásica, la serie publicada por Norma Editorial construye un retrato progresivamente más complejo de su protagonista, John Blacksad: un detective privado que intenta mantener unos principios morales en un mundo donde la corrupción, el racismo, la violencia, el dinero y el poder parecen tener siempre las mejores cartas.

Con un dibujo espectacular que evoluciona desde el oscuro al brillo, integrando planos geniales, luces y sombras que engrandecen la historia y saben leer la emoción correcta para cada momento, y un guion que le añade un ritmo tremendo, cambiando de escena cada cuatro páginas o incluso cada dos en los momentos clave sin perder ni un ápice de trama. Blacksad construye uno de los aspectos técnicos más impresionantes de los últimos años. Aparte de esto, la serie nos regala uno de los últimos grandes personajes del noveno arte.

Es quizá el héroe de cómic español más conocido de los últimos tiempos. También hay que destacar a Kain de El cazador de rayos o al  Capitán Maní de Dioses mancos, sin duda la mejor novela grafica de ciencia ficción de los últimos años, un cómic sucio y realista con temas adultos y filosóficos, donde replantearnos totems y constituyéndose como el ultimo referente importante de la ciencia ficción adulta.

Vamos a ver la evolución del personaje John Blacksad desde los matices oscuros hasta la resignación por un mundo difícil de cambiar.

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1. Un lugar entre las sombras: nace el detective

El primer álbum presenta a John Blacksad como un detective privado solitario, duro y bastante cínico. El caso comienza con el asesinato de Natalia Wilford, una antigua amante de Blacksad y famosa actriz de Hollywood.  Lo que inicialmente parece un crimen pasional termina conduciendo hasta las altas esferas del poder y la riqueza.

Aquí aparece una característica fundamental del personaje: Blacksad no soporta que alguien poderoso pueda utilizar su posición para quedar impune. Su investigación lo enfrenta tanto a criminales como a policías y personas influyentes.

La historia establece desde el principio su relación problemática con la violencia. Blacksad no es un asesino frío, pero tampoco es un héroe que confíe en la justicia institucional. Cuando comprende que el sistema puede estar manipulado, está dispuesto a actuar por su cuenta.

Ese detalle resulta fundamental para entender toda su evolución posterior: Blacksad cree en la justicia, pero no siempre en la legalidad.

También conocemos su relación con Smirnov, el policía que representa una especie de conciencia externa para él. Smirnov sabe que Blacksad puede ser peligroso, pero también reconoce que el detective posee unos principios.

En este primer álbum, Blacksad todavía parece tener bastante claro dónde está la frontera entre el bien y el mal. Sin embargo, la serie irá demostrando que esa frontera se vuelve cada vez más borrosa.

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2. Arctic Nation: Blacksad frente al odio

Arctic Nation es probablemente el álbum que convierte a Blacksad en algo más que un noir clásico.

La historia gira alrededor de la segregación racial y de una organización supremacista inspirada claramente en los movimientos racistas estadounidenses. Blacksad investiga la desaparición de una niña y termina descubriendo una comunidad dominada por el odio racial, la violencia y los abusos.

Aquí, el propio Blacksad deja de ser solamente investigador y pasa a convertirse en objetivo del sistema que está investigando.

El álbum es especialmente importante porque demuestra que Blacksad no es neutral. Puede intentar observar los acontecimientos como detective, pero cuando presencia determinadas injusticias, interviene.

Su relación con Weekly también empieza a adquirir importancia. Weekly es casi lo contrario de Blacksad: vulgar, entrometido y aparentemente poco serio, pero con una enorme capacidad para encontrar información. La pareja acaba funcionando como uno de los grandes motores de la serie.

La oscuridad de Blacksad aumenta en este álbum. Su violencia ya no responde únicamente a la defensa propia o a la investigación de un asesinato: comienza a utilizarla como instrumento para enfrentarse a quienes considera responsables.

Es un momento importante porque aparece una de sus principales contradicciones: quiere combatir la violencia, pero muchas veces responde a ella utilizando más violencia.

3. Alma roja: política, paranoia y Guerra Fría

Con Alma roja, Díaz Canales cambia el escenario y lleva a Blacksad al ambiente político e intelectual de la Guerra Fría.

El protagonista se mueve entre artistas, intelectuales y científicos mientras Estados Unidos vive la paranoia anticomunista. La investigación termina relacionada con la carrera nuclear y la persecución ideológica característica de la época.

Aquí, Blacksad se enfrenta a un enemigo diferente. En los primeros álbumes combatía criminales relativamente identificables. Ahora el enemigo es el sistema político, la propaganda y la paranoia colectiva.

Esto provoca una evolución importante del personaje. Blacksad descubre que no basta con encontrar al culpable de un crimen. Hay situaciones en las que todos los personajes son, en mayor o menor medida, víctimas de un contexto político mucho más grande que ellos.

Además, empieza a verse una faceta más intelectual del detective. Sigue siendo un hombre de acción, pero aprende a desconfiar de las apariencias y de las versiones oficiales.

Su oscuridad también cambia: ya no procede solamente de su violencia, sino de su capacidad para manipular situaciones y personas cuando considera que el objetivo lo merece.

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4. El infierno, el silencio: el descenso personal

En El infierno, el silencio, Blacksad viaja a Nueva Orleans para encontrar al músico Sebastian «Little Hand» Fletcher. La ciudad introduce otro tipo de oscuridad: jazz, drogas, superstición, corrupción y ambientes nocturnos.

Norma describe la misión como una carrera contra el tiempo para localizar al músico desaparecido.

Este álbum es fundamental porque el caso se vuelve más psicológico. Blacksad entra en un mundo en el que los personajes están destruidos por sus propios deseos y adicciones.

Aquí vemos al protagonista mucho más vulnerable. Ya no es simplemente el detective que llega, investiga y se marcha. El ambiente empieza a afectarle personalmente.

Una de las claves de este episodio es precisamente esa sensación de contaminación moral: cuanto más se introduce Blacksad en determinados ambientes, más difícil resulta que salga de ellos completamente limpio.

El detective mantiene su código, pero cada vez le cuesta más.

5. Amarillo: el hombre detrás del detective

Amarillo cambia radicalmente el tono. Blacksad acepta conducir un coche hasta Texas, pero el vehículo es robado por Chad Lowell. La persecución termina convirtiéndose en una investigación relacionada con asesinatos, el FBI, un circo y nuevos personajes.

Es probablemente el álbum que más se aleja del noir urbano clásico y más se aproxima a una road movie.

Pero esa modificación del escenario tiene una función narrativa muy importante: Blacksad deja de ser solamente el detective y comienza a aparecer el hombre que existe detrás del detective.

Su encuentro con Chad es especialmente significativo. En lugar de limitarse a identificarlo como delincuente, Blacksad acaba comprendiendo sus circunstancias y estableciendo una relación mucho más compleja con él.

También aparece su hermana Donna, lo que introduce una dimensión familiar que apenas habíamos visto.

Por eso, Amarillo puede interpretarse como una etapa de madurez. Blacksad empieza a comprender que no todas las personas que cometen delitos son monstruos y que no todos los que parecen respetables son inocentes.

Es una evolución moral importantísima.

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6 y 7. Todo cae: poder, amor y corrupción

Todo cae supone el regreso de Blacksad a Nueva York y funciona como una historia dividida en dos álbumes.

En la primera parte, Blacksad recibe el encargo de proteger al líder de un sindicato de trabajadores del metro. El conflicto termina enfrentándolo a la mafia, los intereses empresariales y una red de corrupción relacionada con el magnate Lewis Solomon. La trama combina sindicatos, teatro, periodismo y corrupción urbanística.

En la segunda parte, el regreso de Alma Mayer introduce además un elemento emocional. Alma pertenece al pasado sentimental de Blacksad y reabre heridas que él creía cerradas. Paralelamente, Weekly queda relacionado con el asesinato de Iris Allen, mientras las sospechas apuntan hacia Solomon y su gigantesco proyecto de construcción.

Aquí encontramos al Blacksad más maduro.

Ya no se trata únicamente de resolver un asesinato. Se trata de enfrentarse a estructuras de poder capaces de absorberlo todo: dinero, política, policía, medios de comunicación y crimen organizado.

El título, Todo cae, funciona incluso como descripción del propio universo moral de Blacksad. Los personajes poderosos construyen imperios aparentemente sólidos, pero todos tienen una debilidad.

Y Blacksad también.

Su relación con Alma demuestra que el detective no ha conseguido escapar de su pasado. Puede enfrentarse a criminales armados, pero tiene mucha más dificultad para luchar con sus propios sentimientos.

La evolución de John Blacksad

La evolución de Blacksad puede dividirse en cuatro etapas.

Primero tenemos al detective vengativo. En Un lugar entre las sombras, su motivación es muy personal: el asesinato de alguien que amaba.

Después aparece el detective social. En Arctic Nation y Alma roja, comprende que los crímenes individuales son síntomas de problemas políticos y sociales mucho mayores.

La tercera etapa corresponde al hombre vulnerable de El infierno, el silencio y Amarillo. Blacksad comienza a comprender que él mismo forma parte de ese mundo imperfecto que intenta juzgar.

Finalmente, llegamos al detective desencantado pero todavía moral de Todo cae. Ya no cree que pueda arreglar el mundo. Lo que intenta es impedir que los más poderosos hagan todavía más daño.

Y ahí está precisamente la grandeza del personaje: Blacksad no se convierte en mejor persona, sino en una persona más consciente de sus propias contradicciones.

Blacksad: They All Fall Down • Part One HC :: Profile :: Dark Horse Comics

Conclusión: Blacksad como héroe noir

La gran diferencia entre Blacksad y un héroe tradicional es que no intenta salvar el mundo. Intenta encontrar la verdad. Y, cuando puede, hacer justicia. Pero sabe que ambas cosas no siempre coinciden.

A lo largo de los siete álbumes, John Blacksad pasa de ser un detective solitario dominado por sus heridas a convertirse en un hombre que entiende mucho mejor la complejidad del mundo. Sigue siendo violento, desconfiado y solitario, pero también se vuelve más empático.

La serie utiliza cada investigación para quitarle una capa al personaje. Primero conocemos al detective, después al hombre violento, posteriormente al hombre vulnerable y finalmente al hombre que comprende que ni siquiera él puede permanecer completamente limpio dentro del mundo que investiga.

En ese sentido, Blacksad es una historia sobre crímenes, pero también sobre la imposibilidad de conservar una moral absolutamente pura en un mundo moralmente corrupto.

Y esa es la decisión más oscura de Blacksad: no convertirse en uno de los monstruos que persigue, sino aceptar que, para enfrentarse a ellos, a veces tendrá que acercarse peligrosamente a convertirse en uno.