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Análisis de The Walking Dead: Dead City. Temporada 1. Episodio 4

Con un episodio a puro vértigo, entramos de lleno en la segunda mitad de esta primera temporada de The Walking Dead: Dead City. Nos toca hoy analizar el cuarto, cuyo título es Todos ganan su Premio. Creada por Eli Jorne, la serie es emitida por AMC+.

Hola otra vez, caminantes del apocalipsis. Espero que, como quien suscribe, estén realmente disfrutando de esta primera temporada de The Walking Dead: Dead City, pues hasta ahora no decae ni en ritmo ni en clima.

En la entrega que hoy analizamos, la cuarta, asistimos a una batalla múltiple y memorable dentro del Madison, así como a la confirmación del Croata como un villano que será difícilmente olvidable para los amantes de la franquicia, tanto que el querer que muera de una vez por todas entra en conflicto con nuestras ganas de seguirlo viendo.

Pero pasemos ya mismo a analizar lo que nos ha dejado este episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí los análisis previos de esta y las otras series de la franquicia…

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La Línea que no se cruza

Comenzamos con un flashback que nos lleva a los días en que Negan y el Croata trabajaban juntos. Se les ve lógicamente rejuvenecidos y no solo tenemos oportunidad de ver nuevamente a Lucille (me recorrió un escalofrío), sino también a Simon, interpretado una vez más por Steven Ogg, a quien no veíamos en la franquicia desde la octava temporada de la serie principal.

La escena ilustra de modo cruento lo que ya sabíamos sobre el conflicto que enfrentó a Negan con el Croata, aunque no llegan a mostrarnos la pérdida de la oreja que, dado el tono gore de la serie, es de suponer que reservan para otro momento: no van a perderse el “momento Van Gogh”.

Simon se queja ante Negan de la falta de límites del Croata y sugiere ponerle un freno. Al ir a verle y en una escena que parece sacada de Hostel, este tiene en una silla a una niña a la que, para arrancarle información, ha torturado hasta desfigurarla.

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Se jacta de ello, pero Simon le echa en cara que la de los niños es una línea que los Salvadores no cruzan, algo que ya Negan ha demostrado varias veces…

Ecos de una Antigua Melodía

Vueltos al presente, el grupo está planeando su incursión al Madison, en la cual Maggie recuperará a su hijo mientras Tommaso y Amaia tendrán su ansiada chance de acabar con el Croata: “todos ganan un premio”, como reza el título del episodio. Hay, sin embargo, preocupación en la pareja porque nadie ha visto a Luther. Negan busca relativizar el asunto aduciendo que nunca había estado muy de acuerdo con el plan, cosa que bien saben ellos que es cierta. El rostro de Maggie, sin embargo, revela desconfianza y razones no le faltan.

Negan admite que encontrarse cara a cara con el Croata puede ser para él conflictivo, algo así como “escuchar el eco de una melodía que ya no quería volver a escuchar”. La analogía musical da pie a que Maggie cuente que en Hilltop le enterró su armónica a un tipo que la tocaba de noche y no dejaba dormir a Hershel. Negan insinúa que ella también puede ser impulsiva, pero ella le enrostra que él directamente hubiera enterrado al sujeto en algún lugar oculto, sugiriendo así tácitamente que ese puede haber sido el destino de Luther…

En la Arena

A través de la estación de tren subterránea, logran ingresar al estadio, insólitamente sin vigilancia. Un muchacho atado a una silla hace temer tanto a Maggie como a nosotros la posiblidad de que sea Hershel, pero Negan comprueba que no es así y sea quien sea, ya está convertido en zombie, por lo que da rápida cuenta de su cerebro.

La falta de gente del Croata es parte de una trampa. Está instruyendo a un adolescente al que, mientras busca convencer de que no debe temerle, explica el funcionamiento de un reproductor de CD. Un silbido suena procedente del aparcamiento y el Croata infiere que Negan ya está allí, por lo que sale a buscarle mientras el muchacho activa el temporizador del CD.

Maggie termina de confirmar que Negan ha matado a Luther, tal como lo demuestra que tenga en su poder el estuche de cera de abejas que siempre llevaba consigo: nada que no esperara, por cierto, pero no dice palabra al resto. Separan caminos: él atrae al Croata y sus hombres hacia el aparcamiento mientras Maggie y el resto se dirigen a la arena del estadio: por el camino se encuentran con Ginny, quien les ha seguido tras ver a Negan ingresar con ellos por los túneles del metro.

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Todo es una trampa. Por los parlantes comienza a sonar una canción en croata: he buceado en internet y comprobado que es Proplakat’ će zora, interpretada por el artista Mišo Kovač, máximo vendedor en la música de su país: imposible graficar de mejor modo lo dicho por Negan sobre una melodía que no quería volver a escuchar.

Mientras tanto, en otro lugar, una vela se consume, un barril estalla y vuelan los cristales del estadio que, en poco tiempo, se llena de caminantes ingresando por todos los accesos.

El grupo de Maggie queda acorralado. En un momento, Tommaso es atrapado por zombies y tenemos la sensación de que le han devorado: no es así, pero ya sabemos que en esta franquicia las “falsas muertes” pueden anunciar las verdaderas algunos episodios después. ¿Será así nuevamente?

Terminan recluyéndose en la misma jaula en que viéramos a Armstrong luchar contra los caminantes. A Maggie se le ocurre quitar los paneles y salir formando un cerco de escudos al estilo de las formaciones espartanas o la falange de Filipo y Alejandro: buen recurso…

Abriéndose paso entre el infierno zombie, logran llegar a las alcantarillas por donde Tommaso, conocedor del lugar, sabe que pueden escapar y así lo hacen. La última es Maggie, que deja unos barriles cerrando el paso…

La Rana y el Escorpión

Negan y el Croata se encuentran cara a cara. Bajo el disfraz de una falsa cortesía que parece más ironía que otra cosa, este saca a relucir el pasado y echa sal en las heridas preguntando por Lucille y diciendo estar al tanto de la pérdida del Santuario en la guerra con Alexandria. No obstante y mostrando dudosas intenciones de diálogo, ofrece a Negan la posiblidad de sumársele para hacer de la isla un nuevo santuario. Su amabilidad destila sarcasmo y hasta bromea con que perdió una oreja, pero tiene otra.

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Para demostrar “buena voluntad”, hace traer un sujeto encapuchado y todos, hasta Negan, creemos que es el hijo de Maggie, pero para nuestra sorpresa se trata del marshal Armstrong. Negan replica que es a Hershel a quien quiere y el Croata repone que ya lo sabe, tras lo cual arroja literalmente a Pearlie desde lo alto.

Negan alcanza a auxiliarlo y ponerle a salvo, aunque con una fea herida en la pierna producida por un arpón arrojado por el Croata que, de todas formas, no parece al menos por ahora tener interés en matar a Negan. Alcanzar a huir y una vez a seguro, Armstrong aprovecha una distracción para tomar el arma de Negan y, mientras lo apunta, le recita la letra de los códigos y le recuerda sus cargos por asesinato de cinco personas. La vieja fábula de la rana y el escorpión…

Balance del Episodio

Entramos ya en la segunda mitad de temporada y la serie no decae. Hemos tenido una entrega con mucha acción y debo admitir que, a pesar de mis dudas sobre el Madison como escenario debido a su inminente demolición, ha dado un magnífico marco para una gran batalla con falange macedónica incluida. Y a propósito, está claro que cuando la civilización tecnológica se derrumba a nuestro alrededor, reaparecen las tácticas de la vieja guerra…

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Los flashbacks, a decir verdad, no vienen aportando mucho: por lo general nos muestran lo que el guion ya contó, pero en este caso el del inicio ha venido con el plus de permitirnos no solo ver nuevamente a Simon y a Lucille, sino también de darnos el primer encaramiento de la serie entre Negan y el Croata, perfecto prólogo para el duelo memorable (más verbal que físico) que vimos después.

Ya para esta altura y a medida que lo vamos conociendo, hay que decir que Željko Ivanek compone un villano de los que dejan huella: su perversa amabilidad da miedo y su falta de códigos también, tal como queda demostrado cuando entrega en bandeja a Armstrong después de haberle garantizado que estaba seguro con ellos. Se nos hace difícil, sobre esa misma base, pensar que su oferta a Negan sea sincera y, de hecho, está claro que este lo sabe…

Es que a la larga ni uno ni otro pueden dejar de ser quienes son. La diferencia, en todo caso, es que Negan libra consigo mismo una batalla interior que cada tanto pierde al emerger la naturaleza sádica de otros tiempos. Pero el Croata no tiene conflicto alguno ni se hace planteos morales: el suyo es un pragmatismo de lo más perverso y pasará por encima de su propia palabra cada vez que necesite hacerlo. Negan tiene algún límite; él ninguno…

Y si hablamos de gente que no puede dejar de ser quien es, hay que mencionar por supuesto al marshal Armstrong. Rayando el fundamentalismo, su respeto ciego por la ley le lleva incluso a traicionar a quien le acaba de salvar la vida. Así y todo, me da la impresión de que se viene una de esas clásicas alianzas de western entre opuestos, pues necesitan trabajar juntos si quieren salir del Madison.

Y todos tienen sus secretos. Maggie le ha escondido a Negan la presencia en el lugar de Ginny y hasta ahora ha tenido la fortuna de que él y la niña no se hayan cruzado: ¿qué sucederá cuando lo hagan y quede en evidencia que ha estado mintiendo? Otro tanto puede decirse de la muerte de Luther si sus seguidores llegan a enterarse que ha sido asesinado por Negan…

Por último, la metáfora sobre la melodía del Croata fue genial, pues no hay mejor metáfora que aquella que vale tanto para el sentido figurado como para el literal y, en ese sentido, la contradicción entre lo que oíamos y veíamos mientras Maggie y los suyos avanzaban destrozando cabezas de zombies fue realmente maravillosa.

En fin, nos quedan dos entregas para cerrar la temporada y no sabemos si estará en los planes hacer una segunda (aunque algunas declaraciones de Mahina Napoleon parecieran haber dejado entrever que sí), pero de momento la serie se impone como el mejor y más oscuro de los spin-offs de la franquicia y encima da la impresión de que lo mejor está aún por verse. ¿No lo creen?  Madre mía: echen un vistazo…

Hasta la próxima y sean felices…

El horror de Dolores Roach (2023), de Amazon Prime Video

El horror de Dolores Roach es un exponente de un subgénero que nos ha dado muchas alegrías a lo largo de los años: la comedia de terror.  Este tipo de historia ha sido cultivado por maestros de la talla de Sam Raimi o Peter Jackson, por lo que el listón está muy alto. Pero, aun sin ningún logro inédito ni una calidad sobresaliente, esta serie de ocho episodios consigue sacarnos más de una sonrisa, hacernos pensar y, en muchas ocasiones, revolvernos el estómago.

El horror de Dolores Roach: la obra

Una representación teatral cuenta la historia de Dolores Roach, una asesina en serie que mataba a gente y vendía su carne como empanadas en el negocio de su pareja. La actriz protagonista ha recibido una gran cantidad de elogios y la obra está siendo todo un éxito, pero pronto se encontrará con una visitante inesperada entre bambalinas: la propia Dolores que, ofendida con la versión de ella misma que se muestra en el libreto, la secuestra para contarle su historia.

El horror de Dolores Roach

A principios de siglo, Dolores era una traficante de poca monta que trabajaba para un novio que la acabó traicionando. Por su culpa, acabó en la cárcel durante más de década y media. Cuando salió, su barrio era irreconocible excepto por un establecimiento de empanadas cuyo dueño, al que había conocido, le permitió quedarse allí y establecer un negocio como masajista. Pero una serie de coincidencias y de circunstancias adversas hacen que sus planes se tuerzan y se acabe convirtiendo en la persona más peligrosa del vecindario.

La masajista diabólica de Washington Heights

El horror de Dolores Roach, inspirada en la historia de Sweeney Todd y basada en la obra de teatro Empanada Loca, es una serie que no se anda por las ramas y nos cuenta sus cruentos acontecimientos con agilidad, a través de una narradora muy carismática que nos acabará despertando simpatía pese a las barbaridades que irá cometiendo. Esta concisión es una de las mejores bazas de la serie: con ocho episodios de media hora, cada escena cuenta, así como cada personaje y situación que se introduce aporta algo al resultado final. Algo de agradecer en el panorama televisivo actual.

Este producto, pese a que se toma su tiempo para presentar y desarrollar a sus personajes, tampoco escatima en sangre, casquería y situaciones desagradables. Se trata de una divertida comedia de enredos en la que los protagonistas irán encadenando momentos comprometidos que les obligarán a llevar sus crímenes aún más lejos.

El horror de Dolores Roach tiene el valor de hacer comedia con tabúes, llegando a mostrar algunas escenas muy desagradables no tanto por el gore (que, para una serie sin un gran presupuesto, no está nada mal), sino por la incomodidad moral que suscitan.

El horror de Dolores Roach

Por tanto, tenemos que alabar a sus creadores por no haber repetido la jugada de Dexter y de miles de series más, en las que un protagonista aparentemente transgresor y antiheroico solo mata a gente que lo merece. Por el contrario, este estreno de Amazon hace que la acción escale de un modo muy estrambótico pero, hasta cierto punto, verosímil. La protagonista, que comienza despertando nuestra compasión, se irá corrompiendo hasta cometer actos que ni el espectador más fascinado por su persona podría justificar. Al final de estos ocho capítulos, es una asesina de verdad.

La serie, además, no solo nos presenta una situación llamativa, sino todo un entorno muy vivo en el que la misma sucede, y que el guión aprovecha para reflexionar sobre temas como la gentrificación o la reinserción. El horror de Dolores Roach peca de maniqueísmo en algunas ocasiones y quizás disculpa demasiado las acciones de su protagonista, pero se nota que la gente detrás de este proyecto tenía algo que decir y lo ha dicho, en general, con acierto.

Conclusión

El horror de Dolores Roach no es una serie excepcional, pero sí un producto de entretenimiento muy sólido que podría haber tenido mejor suerte en un entorno menos competitivo o con una promoción más adecuada. Su final, algo absurdo y apresurado, no está a la altura del desarrollo, pero el conjunto merece mucho la pena para los amantes de la comedia de terror. Esperemos que no intenten atar los cabos sueltos en una hipotética segunda temporada, ya que estos episodios se bastan por sí solos para contar esta historia.

Reseña de El grito del pueblo (2001), el primer gobierno obrero de la historia.

Aunque se suele asociar al cómic con las historietas de capas y mallas, no cabe duda de la capacidad del medio, como todo arte, de expresar un compromiso ideológico de cualquier tipo. Que es lo que hacen Jean Vautrin y el artista Tardi con El grito del pueblo, adaptación en formato cómic de la novela del primero.

Nuestras reseñas de cómic en Las cosas que nos hacen felices

El grito del pueblo nos sitúa en un periodo desconocido y reconocible de la historia de Francia: La Comuna, el primer gobierno obrero de la historia, que duró unos cuantos meses hasta ser reprimido a base de cañonazos. En el marco de este periodo, se desarrolla la historia de la rivalidad entre Tarpagnan y Bassicuoussé, que tienen una deuda pendiente.

El autor de la historia es Jean Vautrin, nacido en Pagny-sur-Moselle en 1933 y fallecido en Gradigan en 2015. Debutó como escrito de novela con títulos de éxito inmediato como À bulletins rouges (1973), Billy-Ze-Kick (1974), Bloody Mary (1979) y Canicule (1982). En 1989 ganó el premio Goncourt con Un gran pas ver le Bon Dieu.  Además, también fue director de cine desde 1967, cuando estrenó Adieu l´ami. En 1974 estrenó un serial titulado Les peupliers de la Prétantaine. Recibió varios galardones: el premio Fictions, el premio Mystère de la Critique, el premio Deux Magots, el premio de La Habana, el Grand prix du roman de la Société des Gens de Lettres, el premio Populiste y el premio Louis Guilloux por el conjunto de su obra. También obtuvo numerosos premios cinematográficos: el Marylin Monroe, el César por el guion de Garde à Vue.

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En cuanto al dibujo, los lápices están a cargo de Jacques Tardi (1946), veterano historietista francés que inició su carrera en 1969. A lo largo de su vasta obra se ha dejado ver su pasión por la Primera Guerra Mundial. En 1976 Casterman le edita el primer álbum de su serie más popular, Adèle Blanc-Sec, homenaje a los folletines de principios del siglo XX, de la realizaría hasta la fecha ocho títulos. ). En 2001 inicia la saga El grito del pueblo en tres volúmenes, adaptada de la novela de Jean Vautrin, relatando la lucha de la Comuna Francesa. Uno de los grandes narradores gráficos franceses del último tercio de siglo, Tardi ha realizado numerosos trabajos gráficos aparte del cómic: portadas, ilustraciones, carteles, portafolios, etc., destacando especialmente sus ilustraciones para la edición de lujo de varias novelas de Louis-Ferdinand Céline, además de recibir importantes galardones a lo largo de su carrera, incluyendo el Gran Premio del Salón de Angoulême de 1985, año en que recibió la Orden de Caballero de las Artes y las Letras.

Aunque El grito del pueblo centra su trama en una disputa personal, lo esencial es el reflejo de la Comuna, aquel brevísimo periodo en el que los obreros consiguieron gobernar en París. Desconozco la ideología de Vautrin y Tardi, pero sí reconozco la pasión con la que narran aquella militancia revolucionaria y libertaria en la que los hechos se muestran con total parcialidad.

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En lo que respecta al dibujo, este se realiza de una forma extremadamente detallista en blanco y negro, en un estilo que recuerda al Eddie Campbell de la obra maestra From Hell. Hace poco estuve en París y he podido comprobar que las ilustraciones describen a la perfección la fisonomía de la ciudad y las escenas de multitudes. Al final, por mucho que se centre en una venganza, El grito del pueblo nos habla de personas de distinta orden y condición que buscan seguir adelante siguiendo una fe inquebrantable en un ideal.

En definitiva, El grito del pueblo es una obra interesante para todos los aficionados a la historia y, sobre todo, para aquellos afines a la ideología que Vautrin y Tardi nos muestran.

Enlace a El grito del pueblo, edición integral de Norma Editorial.

NUEVA EDICIÓN DE UNA DE LAS OBRAS FUNDAMENTALES DE TARDI

18 de marzo de 1871. El pueblo parisino se echa a la calle para instaurar, con la ayuda del ejército, el primer gobierno obrero del mundo. Ha nacido la Comuna, que tendrá los días contados, asediada a cañonazo limpio por el gobierno de Versalles. Entre las ruinas de una ciudad sitiada, al calor de las bombas y del clima revolucionario, el capitán Tarpagnan y el policía Bassicoussé saldarán una deuda pendiente. El gran historietista Tardi (Nestor Burma, La guerra de las trincheras) pone en imágenes la célebre novela de Jean Vautrin en torno a los sucesos de la Comuna de París. Nueva edición integral en gran formato de un clásico actual del cómic histórico.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Nathan Fillion será Green Lantern en Superman Legacy de James Gunn

Pues ya tenemos al Green Lantern de James Gunn, si hace unos días, DC Studios anunciaba a David Corenswet como Superman y a Rachel Brosnahan como Lois Lane, en la revista Variety se ha confirmado la incorporación de tres nuevas estrellas al reparto de Superman Legacy.

Nathan Fillion, Isabela Merced y Edi Gathegi son los elegidos, además con la novedad de que el Hombre de Acero no volará solo en esta película.

Y es que Fillion interpretará a Guy Gardner, Linterna Verde (Green Lantern). También se han confirmado los roles de los otros dos actores: Isabela Merced interpretará a Hawkgirl y Edi Gathegi será Michael Holt, Mr. Terrific.

Superman Legacy Heroes

Es curioso, pero casualidad o no, Fillion ya le dio voz al personaje en Justice League: Doom, película animada de 2012.

Todavía nos queda por saber quien será el actor que interprete a Lex Luthor pero esto marcha viento en popa.

Por otra parte, Fillion no es un desconocido para James Gunn desde el momento en que, interpretando a diferentes personajes, ha participado para Marvel en las tres películas de Guardianes de la Galaxia (aunque en la segunda sus escenas no quedaron en la edición estrenada en los cines) y para DC en la versión 2021 de The Suicide Squad, todas películas de las que pueden leer nuestras críticas pinchando en los respectivos links.

Otro realizador muy ligado a Marvel que ha echado mano de él es Joss Whedon, aunque paradójicamente no para productos de la compañía.  Así, fue el carismático capitán Malcolm Reynolds en la excelente serie Firefly (aquí nuestra reseña) y repitió el personaje para Serenity (aquí retro-análisis), película que dio cierre a la misma.  También Whedon lo convocó para Buffy, the Vampire Slayer, en cuya séptima y última temporada dio vida a Caleb, el psicópata sacerdote misógino.

En fin, ¿tenéis ganas de ver el Superman de James Gunn? Os leo en comentarios.

Un saludo y sed felices.

 

Tráiler en español de Ahsoka

Si hay una serie de Disney+, y de Star Wars que se ha convertido en un fenómeno mundial, traspasando su propio universo de ficción es The Mandalorian. Personajes como Grogu (Baby Yoda) son ya parte de la cultura popular. Pero de entre todos los personajes que nacieron de la serie hay otro que ha calado de lleno entre los fans, y ese no es otro que Ahsoka. Y ahora, por fin ya tenemos serie propia de esta Jedi (casi Jedi, no completó su entrenamiento con Luke Skywalker) interpretada por la espectacular Rosario Dawson.

Ahsoka empezará a emitirse el 23 de agosto en la plataforma de streaming de la casa de Micky Mouse, y esperamos lo mejor de esta serie.

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Los ejecutivos de Disney tienen puestas muchas expectativas en Ahsoka, ya que creen que puede ser un personaje interesante para hacer a partir de ella una gran saga dentro del vasto universo de Star Wars.

Otro dato muy importante es que el malo malísimo será el Gran Almirante Thrawn, para muchos el mejor villano de toda la saga tras Darth Vader. Este almirante, gran estratega y heredero del Imperio surgió de la mente de Timothy Zahn a principios de los 90 en su trilogía de Star Wars. Posiblemente la mejor trilogía de la franquicia. Tal fue la presión popular que Disney, cuando compro los derechos a George Lucas, no le quedó otra que tener que incorporarlo a su universo expandido.[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

Sin más os dejo el tráiler.

Un saludo y sed felices

Tráiler en español de Wonka

El 15 de diciembre llega a todas las pantallas la esperadísima película de Wonka, una precuela de Charlie y la fábrica de chocolate. Ahora, al menos tenemos el tráiler en español de Wonka, para abrir el apetito de los más chocolateros.

Y es que no olvidemos al último gran actor que interpretó al mítico Willy Wonka en la película de Tim Burton, Johnny Depp. Ahora ese honor y también responsabilidad, recae en Timothée Chalamet, una de las más grandes promesas en Hollywood, recientemente inmortalizado por ser Paul Atrides en la magnífica saga de Dune de Denis Villeneuve.

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Pero en ese reparto también vamos a tener a ilustres del cine como Hugh Grant que hará de uno de los míticos Oompa-Loompa, o a Mr Bean (Rowan Atkinson)… veremos que sale de todo esto.

La cinta espera convertirse en la película de las Navidades, una cinta divertida y entretenida para toda la familia.[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

El director es Paul King cuyo mejor bagaje lo tiene con las películas de Paddington, pero que en esta película parece haberlo dado todo. Más le vale. Wonka cuenta con un presupuesto de 125 millones de dólares, que se espera que pueda recuperarlos en el primer fin de semana. ¿Objetivo realista? Habrá que esperar hasta diciembre.

Sin mas dilaciones os dejo el tráiler

Un saludo y sed felices.

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 2. Episodio 4

Nueva entrega de Star Trek: Strange New Worlds y, por lo tanto, nuevo análisis. Nos toca hoy el cuarto episodio de esta segunda temporada y su título, en clara referencia mitológica, es Entre los Devoradores de Loto. La serie, creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, es emitida por Skyshowtime para España y por Paramount+ para América Latina.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Bienvenidos nuevamente a otro encuentro con el capitán Pike y su tripulación, hoy con un episodio que, justamente y por primera vez en lo que llevamos de esta segunda temporada, lo tiene a él como eje central, aunque tambien Ortegas ocupa parte importante lugar en la resolución final de la trama. Esta cuarta entrega de Star Trek: Strange New Worlds lleva un título que hace clara alusión a los mitos griegos y, particularmente, a la Odisea: ya hablaremos de ello…

Pero además y como bien sabemos, el universo trekkie está también para esta altura dotado de una mitología propia y el episodio está, de hecho, plagado de referencias a la franquicia, muy especialmente a la serie original y, en menor medida, a Star Trek: The Next Generation.

Pero pasemos ya mismo al análisis no sin dejar de advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni de recordar que pueden echar ojo aquí a nuestros análisis previos.

Regreso a Rigel VII

Esta vez comenzamos con lectura de bitácora del capitán, lo cual anuncia para Pike un lugar más central que en los tres anteriores episodios. La Enterprise está realizando una misión conjunta con la USS Cayuga para mapear un sistema binario y, en medio de ello, él tiene una de sus veladas con Batel.

Como es habitual, Pike está cocinando la cena y ella, para no caer con las manos vacías, le trae un presente: un talismán que él reconoce como “clave de marinero opeliano” y que, según Batel, guía a los extraviados.

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La mala noticia es que ella está a punto de ser traslada al Cayuga y no será ascendida a comodoro como se suponía: el responsable es el fiscal Pasalk, quien no ha hablado bien tras su desempeño en el juicio contra Una dos capítulos atrás.

Pike siente culpa: considera que la relación le está perjudicando a ella su carrera y deberían quizás separarse por un tiempo. Desilusionada, ella lo toma como excusa oportuna y se marcha. Él tiene problemas para consolidar relaciones y siempre termina huyendo: así se lo recrimina Una al enterarse. Como confirmando la acusación, él dice tener de momento otra prioridad…

A lo que se refiere es a que la Enterprise ha sido enviada a Rigel VII, planeta en el cual cinco años atrás llevaran a cabo una misión que costó la vida a tres tripulantes. Si nos suena el incidente, no es porque lo hayamos visto, sino porque fue mencionado en los primeros minutos de La Jaula, episodio piloto de 1965.

Los kalar, especie que habita el planeta, son una sociedad dividida en castas y la de los guerreros está utilizando tecnología de la flota, tal como lo evidencia un reconocible y enorme logo en su palacio de gobierno. Ello entra en conflicto con la Primera Directiva por tratarse seguramente de tecnología que quedó allí tras aquella fallida misión: la Enterprise debe solucionar el desmadre que generó…

La Jaula

Rigel VII no es cualquier planeta: su atmósfera está cargada de radiactividad y hay escombros orbitando que, según Spock, pueden tener que ver con el choque de dos lunas y consecuente desprendimiento de un asteroide que habría impactado contra la superficie un par de milenios atrás.

El grupo de desembarco está integrado por La’an, M´Benga y el propio Pike. A los efectos de no cometer más invasión cultural, van ataviados como locales y llevan traductores subdérmicos, así como instrumental arcaico que no entra en conflicto con la tecnología autóctona: un catalejo, por ejemplo…

A poco de llegar, el planeta comienza a hacerles sentir sus efectos y la primera en sufrirlos es La’an: le zumban los oídos y tiene algún momento de confusión y olvido. Se evalúa regresar a la lanzadera para atenderla correctamente, pero están ya bastante lejos y después de todo, dice M´Benga, su pulso está normal y no habría de qué preocuparse.

Al llegar ante los guardias de palacio, todo intento de pasar por locales cae en saco roto cuando les reconocen como de la flota: la Primera Directiva está mucho más dañada de lo que parecía. Pero la sorpresa mayúscula llega cuando son llevados ante el soberano del lugar y resulta ser Zac (David Huynh), uno de los miembros de aquella expedición al que, como a los demás, se había dado por muerto…

La sorpresa de Pike es grande, pero también el resentimiento de Zac, quien considera que lo abandonaron. Gracias a la tecnología de la Enterprise, ha sobrevivido y se ha convertido en líder de los kalar, pero no ha sido fácil: según cuenta, hay algo extraño en la atmósfera del planeta que provoca zumbido de oídos, miedos y por último pérdida de la memoria.

Pero se siente cómodo allí con su reino y sus súbditos, no teniendo interés en regresar con quienes le dieron la espalda. Por el contrario, hace encerrar a los recién llegados en una jaula: obvia referencia a aquel episodio piloto…

El Camino de las Emociones

Expuestos al aire de Rigel VII, el trío de desembarco comienza a sufrir los síntomas antes mencionados, lo cual es la idea: no logran recordar qué hacen allí e incluso La’an desconoce a sus propios compañeros y se comporta de modo violento.

Un sujeto llamado Luq (Reed Birney), cuyo nombre sabe por llevarlo en el brazo, les explica que allí los trabajadores manuales olvidan todo cada noche y retienen solo las conductas básicas, como comer y hablar. Pero al parecer eso no afecta a quienes viven en palacio, únicos que conservan sus recuerdos.

De pronto, Pike recuerda que el talismán que lleva al cuello le fue obsequiado por alguien: las emociones están reemplazando a los recuerdos. Un guardia trata de hacer volver a Pike al trabajo y la cosa termina en lucha. La´an, a golpes de martillo, da cuenta de otro, pero queda herida y M´Benga asiste rápidamente a curarla, de lo cual deducen que debe ser médico o algo cercano. Pareciera que los recuerdos no están del todo olvidados, sino que necesitan de un estímulo emocional para emerger…

Para darle atención, llevan a La’an a la vivienda de Luq. Este parece dar por sentado que morirá y no entiende tanto esfuerzo en querer salvarla. La ventaja de olvidar, dice, es que la angustia de perder a un ser querido queda borrada al eliminarse su recuerdo en vida: de lo que se trata es de vivir el presente. A Pike no le convence y sigue empecinado en curarla, aunque M´Benga no logra recordar sus conocimientos de medicina…

Un tótem en medio de la vivienda cuenta la historia de los kalan, divididos por los dioses en dos: los que retienen sus recuerdos y los que no. Pike ve la leyenda demasiado conveniente para los miembros de la casta gobernante y cuando pregunta de qué modo logran estos recordar, Luq dice no saberlo, pero sí que supuestamente hay en el palacio un cofre en que están guardados los recuerdos de todos…

Soy Erica Ortegas…

Los síntomas no solo se hacen sentir en la superficie del planeta sino también a bordo de la Enterprise, siendo la primera la alférez Uhura.

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Pronto comienza a haber otros afectados y Spock interpreta que tiene que ver con algo que dimana el planeta: sería mejor, sostiene, esconderse tras los escombros usándolos como barrera.

El problema es que quien puede hacerlo es Ortegas y también está sufriendo pérdida de recuerdos. Presa de angustia, manifiesta deseo de “ir a casa” y el ordenador de la Enterprise la envía a sus habitaciones, pero no sabe cómo llegar, así que le da instrucción de que siga el rastro iluminado en el camino: todo un guiño a cuando Riker no sabía cómo llegar a las suyas en Encuentro en Farpoint, doble episodio piloto de Star Trek: The Next Generation.

En los corredores, la situación es caótica: los tripulantes lucen perdidos y aterrados. La nave es golpeada por un escombro tras otro mientras Ortegas ruega al ordenador que les saque de allí y no puede hacerlo, pues la piloto es ella…

Es así cómo Ortegas se entera de quién y qué es lo que hace en la Enterprise. Repitiéndose una y otra vez que es Erica Ortegas y piloto de la nave, regresa al puente de mando para hacerse con los controles argumentando que “siente” que puede conducirlos. Spock objeta que “las emociones no son hechos” pero, haciendo caso omiso y, basándose en su intuición, ella guía a la Enterprise hasta ponerla a salvo navegando por entre los escombros e incluso destruyendo uno al no poder esquivarlo. Gran escena, de las que nos gustan…

La Persistencia de la Memoria

Pike y M´Benga intentan llegar al palacio en el convencimiento de que allí se encuentran almacenados sus recuerdos y, con ellos, los conocimientos necesarios para asistir a La’an. Luq les enseña el camino, pero se niega a acompañarlos: no quiere reencontrarse con sus recuerdos porque teme al dolor que pudieran provocarle.

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Se abren camino por entre los guardias, pero M´Benga es herido y no puede seguir, por lo cual Pike debe entrar al palacio en soledad. Consigue llegar hasta Zac y reducirlo, pero cuando le pregunta por el cofre, solo suelta una risa porque el mismo solo contiene herramientas y el resto es leyenda. Pike está a punto de matarlo, pero se frena porque en ese momento recuerda quién es y matar no está en su esencia…

Lo que protege a la casta gobernante es en realidad el material con el que está hecho el palacio y así es cómo Pike acaba llevando a M’Benga y La’an para la correcta curación de ambos una vez recuperados los recuerdos. Luq, que al principio se había negado, también está allí y con los ojos en lágrimas, pues ha recordado a las personas que quería y ya no están, entre ellas su hijo. Contrariamente a lo que temía, se siente bien con ese recuerdo porque reactiva su parte emocional.

En cuanto a Zac, Pike acepta la culpa de haberlo equivocadamente dado por muerto, pero no le justifica sus acciones posteriores: será llevado a comparecer ante la Flota…

Final Feliz

La Enterprise ha sido puesta a salvo por Ortegas y el diagnóstico de Spock era equivocado. Los escombros no hacían de barrera contra el mal que les afectaba sino que, justamente, lo provocaban. Pike decide por ello recurrir nuevamente a los servicios de Ortegas para que se valga de los rayos tractores y limpie la zona de elementos nocivos.

Spock ensaya una queja por estarse violando la Primera Directiva, pero Pike repone que la historia de la civilización en Rigel VII fue cambiada por un asteroide, lo cual es accidental y no lógico: no hay nada de malo, por lo tanto, en volver a encauzar el rumbo. El vulcano encuentra aceptable el argumento.

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Pero queda algo por recomponer y es la relación con Batel. Pike le pide disculpas y reconoce haberse equivocado, a la vez que agradece el talismán que, en efecto, lo guió en su extravío. Y a diferencia del romance de la entrega anterior, este tiene final feliz con beso incluido…

Balance del Episodio

Otra gran entrega: la serie no decae y la segunda temporada sigue manteniendo el nivel por lo alto. Hablábamos de la referencia mitológica en el título del capítulo y, en efecto, los devoradores de loto o “lotófagos” son mencionados por Homero en la Odisea como pueblo que se alimentaba de una planta que les hacía olvidar su pasado y sus seres queridos para vivir un presente indiferente y apático. Imposible disociar de la trama de este episodio a pesar de que solo el título haga alusión al mito.

Pero también señalábamos que la franquicia tiene ya su propia mitología y hay referencias más que evidentes, sobre todo a la serie original, que es con la que más cercanía hay en cronología, personajes y estilo autoconclusivo. De hecho y creo que más que ninguna otra hasta ahora, esta entrega podría perfectamente cuadrar como una más de aquella serie: hasta falta viento en el planeta visitado…

La alusión más obvia es a La Jaula, episodio piloto en su momento no emitido, o a La Colección de Fieras (1×11 y 1×12), que lo reciclaba en formato doble. Y no deja de ser sorprendente que una simple y casi anecdótica mención pudiera convertirse en base de trama para una nueva historia: los cultores del canon pueden sentirse más que felices…

Pero no es solo La Jaula o La Colección de Fieras. La historia aquí contada también remite a otro episodio de la serie original y es El Síndrome del Paraíso (3×03), en el cual, durante una misión para salvar a un planeta del impacto de un asteroide, Kirk era prácticamente succionado por un obelisco cubierto de inscripciones (aquí tenemos un tótem) que le acababa ocasionando amnesia y le dejaba viviendo como dios de los nativos locales sin recordar por qué estaba allí ni la catástrofe que se avecinaba.

Y hay más: como Ortegas aquí, Spock intentaba alejar el asteroide con el rayo tractor y, al no poder hacerlo, hacía disparar los fáseres para destruirlo, pero sin éxito. Se puede concluir entonces que emulaba lo que antes había visto hacer a Ortegas, pero sin salirle bien…

La historia del que se considera traicionado y abandonado tiene además reminiscencias de Khan en Semilla Espacial (1×23) y, saliendo de la franquicia, de Kurtz en El Corazón de las Tinieblas, novela de Joseph Conrad en la cual, venerado como un dios por los nativos, el personaje edificaba su propio reino en el corazón de África y no deseaba volver a la civilización europea. Una historia luego adaptada por Francis Ford Coppola en Apocalypse Now, pero cambiando África por Vietnam.

Y no faltan homenajes a TNG, como cuando Batel dice haber encontrado el talismán en Gault, planeta en que se crió Worf durante su infancia antes de que su familia se trasladase a la Tierra. O cuando el ordenador de la Enterprise guía por los corredores a Ortegas de modo análogo a como algún día el de la Enterprise-D lo hará con Riker.

El olvido y la pérdida de identidad son presentados en este episodio como herramientas de dominación, lo cual, desde ya, se presta para muchísimas lecturas al llevarlo a la sociedad actual. Pero la lectura más interesante es que nuestros recuerdos no solo son meros datos sino también emociones que, en igual medida y aún más, construyen nuestra identidad.

Y la idea de que el dolor es también parte de lo que somos ha aparecido más de una vez en la franquicia, como en la tercera temporada de Star Trek: Picard o en el episodio Vida Real (3×22) de Star Trek: Voyager, en que el doctor se creaba para sí una familia holográfica que, demasiado perfecta y sin sufrimiento, no podía verse como real.

La Primera Directiva ha tenido también un lugar central, como cada vez que se presenta en la franquicia.  Y la solución de Pike, algo discutible y subjetiva (no sé hasta qué punto el asteroide es «ilógico» si es parte de la misma naturaleza) sirve para volver a plantear cuán flexible puede ser ante determinadas situaciones.

Pike ha recuperado en este episodio el lugar central y la verdad es que, más allá de las excelentes entregas que nos han dado otros miembros de la tripulación, hay que decir que lo extrañábamos, tanto a él como a su jopo retro a lo Flash Gordon o Brick Bradford.

Solo por poner una pega, le faltó algo de protagonismo a Zac como villano o antagonista, ya que la mayor parte de la trama se decidió con él fuera de cámaras. Por lo demás, ha sido otro gran episodio y me gustaría saber si ustedes también lo ven así…

Hasta el próximo y sean felices.  Larga vida y prosperidad…

Análisis de Invasión Secreta. Episodio 3.

En un mundo que aún arrastra las secuelas del chasquido de Thanos, una facción rebelde de los Skrulls se está infiltrando entre los humanos para acelerar su autodestrucción. Solo Nick Furia puede detenerlos. Bienvenidos a Invasión Secreta.

Análisis de todos los capítulos de Wandavision 

Análisis de todos los capítulos de Falcon y el soldado de invierno. 

Análisis de todos los capítulos de What If?

Análisis de todos los capítulos de Loki

Análisis de todos los capítulos de Caballero Luna

Análisis de todos los capítulos de She Hulk

A partir de aquí, SPOILERS del tercer episodio de Invasión Secreta.

Invasión Secreta continúa firme por la senda planteada en el segundo episodio. Flashbacks a los años 90 para aportar contexto y una conspiración que avanza a pasos agigantados, encorsetada por un formato, el de miniserie, por el cual ya hemos llegado al ecuador de Invasión Secreta sin que hayan pasado grandes cosas.

El episodio comienza con un flashback aclaratorio que nos retrotrae al inicio de la relación entre Nick y Priscilla Fury, una Skrull de la que nuestro protagonista se había enamorado. Años después, en la actualidad, ella le echa en cara el que, al volver tras el lapso, haya desaparecido de la Tierra por su propia voluntad. Tras más de veinte años de una relación marcada por la desaparición y la ausencia, Priscilla Fury no soporta la sensación de que, ahora sí, Nick le ha abandonado voluntariamente.

Mientras tanto, Gravik, que va adquiriendo enteros como villano, pide una reunión con Talos en la que queda claro que ellos parecen ser los dos personajes realmente carismáticos de la serie.

Gravik, en un plan que ya sospechaba y que nos recuerda a Falcon and the Winter soldier, busca desarrollar una suero del supersoldado para Skrulls, para hacer frente a los héroes de la Tierra cuando los humanos empiecen a caer con las maniobras de los rebeldes Skrulls.

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Tras el encuentro entre Talos y Gravik, el primero vuelve a reconciliarse con Nick Furia, en la mejor escena del episodio en la que el Skrull no duda en reprocharle todo lo que han hecho por él. Vamos, que más allá de las incuestionables dotes de mando de Nick Furia, el motivo de que ascendiera tanto en la escala de SHIELD.

Con la ayuda de Sonia (da igual que salga diez segundos, Olivia Colman eleva la calidad de cualquier escena), Talos y Furia asaltan la casa del skrull infiltrado como mayor que va a promover un ataque nuclear hacia un avión de la ONU. Juntos consiguen desmontar la conspiración y evitar la primera maniobra de Gravik en su plan conspiranoico.

No solo con la ayuda de Sonia, sino también la de Gi´Ah, la hija de Talos. Estaba cantado que ella era la traidora, la agente doble de Talos en las filas de Gravik. Lo que no esperábamos tanto es que la conspiración estadounidense fuera un señuelo de Gravik para descubrir a su topo. Así, el villano, dispara y mata a Gi´Ah.

Por un lado, resulta sorprendente porque, en una escena anterior, al disparar Talos al skrull que suplanta al mayor, este muere. Es decir, que Gi´Ah, la hija de Talos, ha muerto.

Pero claro, hablamos de Emilia Clarke, una de las grandes estrellas de la historia de la televisión. Nuestra Daenerys Targaryen. Sería extraño que su papel se redujera a esto, por lo que apuesto a que veremos más de este personaje en lo que queda de Invasión Secreta.

El episodio termina con otra revelación: la de que Priscilla Fury es una traidora conchabada con Gravik.

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Llegados al ecuador de la serie y ciñéndome a lo visto en los tres primeros episodios, Invasión Secreta da una de cal y otra arena. En lo bueno, tenemos ese interés por volver a enfocarse en el tono que hizo a Marvel grande y del que parece haberse olvidado: el espionaje. También en la caracterización tanto de Talos como del villano Gravik, que sí parece tener potencial como un digno adversario de nuestros protagonistas.

Por otro lado, queda la sensación de que la propuesta de esta serie se queda a medio gas. Ni Nick Furia es el mismo que recordábamos en sus grandes momentos en el UCM ni la trama genera la intensidad que debería (hablamos de una posible suplantación de los hombres más poderosos de la Tierra por skrulls).

Aún así, Invasión Secreta todavía tiene margen de mejora.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

‘El Tiempo de las Plantas’ de Sallybooks | Un futuro inocente y cruel

‘El Tiempo de las Plantas’ de Alejandro Galindo vio la luz a finales del año pasado y reconozco que se había escapado a mi radar, menos mal que siempre tendré a Dave Solis para remediar esos errores.

De a mano de Sallybooks nos llega este futuro post-apocalíptico en 132 páginas que nos va a meter de lleno en una historia brutal en la que la tecnología es inservible y el ser humano ha regresado a una época en la que la supervivencia no consistía en mirar en el móvil como freír un huevo.

El tiempo de las plantas es el tiempo del futuro, de lo salvaje y del nuevo despertar de la Naturaleza. Tan poético como crudo. Tan lento como inexorable. La nueva humanidad crece entre las zarzas y el legado de una civilización marchita y caduca. Crece una nueva realidad sobre lo orgánico, lo vivo y lo fractal. Un reinicio cíclico, una nueva oportunidad…

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La historia de ‘El Tiempo de las Plantas’ sigue a un grupo de supervivientes a los largo de lo que sería su vida cotidiana y como el pasado ha sido olvidado por muchos de los mayores y es desconocido por los más jóvenes.

Resulta curioso como arranca la trama con la aparición de un libro de ‘Peter Pan y Wendy’ de James Matthew Barrie y como nuestro protagonista le otorga veracidad a lo que se cuenta en la obra.

Una inocencia que deposita su futuro en duendes que vendrán a salvar a la humanidad de sí misma a la par que nos demuestra que esos jóvenes hace tiempo que perdieron dicha ingenuidad cuando tienen que vérselas con ‘ogros’.

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AQUÍ OS DEJO EL RESTO DE RESEÑAS DE CÓMICS DE NUESTRA WEB


Es en esas contradicciones donde reside la fuerza de ‘El Tiempo de las Plantas’, en una escala de grises que se aleja del bien y del mal para entregarnos una historia cruel y realista sobre un futuro en el que la humanidad lo ha perdido todo. Un ejemplo muy claro de lo cruel que puede ser el mundo es la anécdota de la abuela y el león: Simple, directa e impactante.

Alejandro Galindo no se detiene mucho en explicarnos que ha pasado para que el mundo se encuentre así, es un mero flashback que deja algunos cabos sin atar, ya que eso no es lo importante. Nadie vive en el pasado, todas las fuerza deben estar en la supervivencia en el presente.

Siempre se nos suele mostrar en este tipo de historias que el ‘reinicio’ es una forma de hacer las cosas bien y evitar los errores del pasado.  ‘El Tiempo de las Plantas’ lo utiliza para mostrarnos el lado más salvaje del ser humano y cómo podemos ser capaces de lo peor de y lo mejor en menos de un minuto. Cuando el hambre aprieta…

El apartado gráfico es muy interesante con ese dibujo en acuarela y esos personajes que parecen  sacados de una fábula para niños. Es ese acercamiento a un mundo tan feroz lo que la hace más atractiva. Un cuento para adultos encerrado en un dibujo que parece destinado para los niños.

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Conclusión

‘El Tiempo de las Plantas’ ha sido una grata sorpresa que nos plantea una trama sencilla aunque repleta de capas para mostrarnos un futuro que nos devuelve a un pasado en el que el ser humano solo tenía palos y piedras.

Sinceramente, me ha gustado todo el desconocimiento que propone el autor sobre lo que sucedió para que la humanidad acabase así.

‘El Tiempo de las Plantas’ es una gran lectura que se va a devorar con rapidez y que nos va a dejar momentos en los que vamos a darnos cuenta que el ser humano es un lobo para el ser humano.

Una obra adulta e ingenua que será del agrado de quienes busquen una lectura muy alejada de lo convencional.

Aquí os dejo la web de Sallybooks donde encontrar ‘El Tiempo de las plantas’ y su portada:

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Un saludo y sed felices.

Hugh Jackman aparece vestido como Lobezno en el rodaje de Deadpool 3

Hay que reconocer que en Marvel saben como generar expectación. En una continua vorágine de estrenos, sorprende lo pausado que se muestra el desarrollo de Deadpool 3, la esperada secuela de la duología estrenada por Fox que vino a revolucionar el cine de superhéroes con su enfoque paródico.

Lo primero que supimos fue el (enésimo) fichaje de Hugh Jackman como Lobezno tras su participación en Logan. Recientemente, nos sorprendieron con la reincorporación de Jennifer Garner como Elektra, veinte años después de su participación en el Daredevil de Ben Affleck.

Hoy, el director Shawn Levy ha compartido en su cuenta de Instagram una foto de Ryan Reynolds vestido como Deadpool y Hugh Jackman como Lobezno…con el mítico traje amarillo de los cómics que jamás vimos en cine.

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Aunque probablemente la aparición Jackman y Garner no tenga repercusiones en la continuidad de Marvel, son fichajes que ayudan a convertir a Deadpool 3 en uno de las películas más esperadas de un género algo hastiado. Por lo pronto, seguro que veremos a un Lobezno totalmente distinto al que vimos en anteriores películas.

¿Qué os parece? ¿Cómo le queda el nuevo traje a Hugh Jacman? Yo sigo quedándome con su look en Logan.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

El abogado del Lincoln. Temporada 2 – Parte 1, posiblemente la mejor serie del verano en Netflix

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Mickey Haller ha regresado. Netflix ha estrenado la primera parte de la segunda temporada de El abogado del Lincoln, serie producida por David E. Kelley y basada en las novelas de Michael Connelly.

De la primera temporada ya os hablamos en este post así que vamos con los cinco capítulos que forman la primera tanda de esta temporada 2. Al lio.

Menos noir, más abogados

Mickey Haller (Manuel García Rulfo), el abogado del Lincoln, ha regresado en un nuevo caso, el de Lisa Trammell (Lana Parrilla), una chef acusada de matar a un empresario inmobiliario. Por el camino, se cerrarán las tramas que quedaron inconclusas al final de la primera temporada, ambas extraídas de las novelas El inocente y El veredicto.

Este punto es un acierto, ya que aunque la primera temporada quedó cerrada, los que habíamos seguido las novelas sabíamos que quedaban cabos por atar. Por suerte la serie no dilata en exceso la resolución, despachando el tema en dos episodios, con la aparición estelar de Elliott Gould, un clásico en las películas y series ambientadas en Los Ángeles.

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En esta ocasión se adapta la novela The Fifth Witness (El quinto testigo) y quizás porque no la he leído, esta segunda temporada (primera parte) me ha parecido mejor que la primera. En su momento escribí que El abogado del Lincoln me había parecido una serie demasiado blanda y eso fue porque, mientras la veía, tenía en mente las novelas y la película protagonizada por Matthew McConaughey. Un fallo por mi parte pero a veces es inevitable

Como adaptación de las novelas, la serie podría haber sido mejor. Como serie noir (y las novelas de Connelly lo son) a El abogado del Lincoln le faltaba fuerza. Como serie de abogados, la serie es bastante buena. David E. Kelley sabe de qué va el tema. Al igual que en la temporada anterior, cuando Haller se planta ante el juez es cuando brilla.

En esta nueva temporada (igual que en la otra) tenemos un caso principal pero también varios secundarios donde vemos que Haller es un abogado manipulador, de esos que retuercen las leyes y las situaciones para salvar a su cliente, sin importar si es culpable o inocente. Vamos, de esos abogados que nos gustan.

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Soprendente regreso para bien

Reconozco que me sorprendí cuando leí que se estrenaba esta nueva temporada. No creía que la primera hubiese obtenido el reconocimiento suficiente como para seguir adelante (cosa que si hicieron El agente nocturno o El nuevo empleado) pero hay que reconocer que, por lo que hemos visto, está siendo mejor que la anterior.

A su favor está que no pierde el tiempo con presentaciones de personajes. Ya los conocemos y además los secundarios están más dosificados, con la dosis justa de protagonismo. Destacan Lorna Crane (Becki Newton) y Cisco (Angus Sampson), cuya trama quedó algo en suspenso al final de la temporada anterior. Por contra, la mujer de Mickey, su hija e Izzie, la chofer de Haller, aparecen menos.

Lana Parrilla

También es un acierto por parte de Netflix dividirla en dos partes, facilitando que se puedan ver en una tarde los episodios. Igual es por la huelga de guionistas, para dosificar los estrenos pero no creo. El final del quinto episodio apunta a que ya estaba planificado así porque deja un cliffhanger de manual.

En resumen, no se si El abogado del Lincoln gustara a los seguidores de las novelas pero como serie veraniega resulta muy entretenida, de lo mejor de este torrido verano. Es como esas novelas que agarras después de comer y no puedes soltarlas ni en la playa. No cambiarán el mundo pero no son densas, son entretenidas y te gustan. Lo bueno (o no) es que la continuación no se hará de rogar. En agosto tendremos la segunda parte y conoceremos el desenlace de este nuevo caso. Un saludo, sed felices.

Primer tráiler de Napoleón de Apple+ | Ridley Scott y Joaquin Phoenix juntos de nuevo en este impresionante proyecto

¿Quién mejor que él para ser Napoleón? Ampliamente considerado como uno de los mejores actores de nuestro tiempo, Joaquin Phoenix y el destacado director visionario Ridley Scott se han unido una vez más para traernos la historia de uno de los grandes personajes de la historia de Francia: Napoleón Bonaparte. El protagonista de ‘Joker’ se meterá en la piel del comandante francés Napoleón Bonaparte, Sony y Apple han lanzado el muy esperado tráiler de esta producción.

El galardonado Joaquin Phoenix sigue los pasos del legendario Napoleón Bonaparte en esta esperada película. Scott dirige una cinta que es un relato original y personal de los orígenes de Napoleón, que relata su rápida y despiadada ascensión al trono. A través del prisma de su relación adictiva y a menudo volátil con su esposa y verdadera amante Josephine, parece acercarnos a Bonaparte de una forma más humana.

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Napoleón captura maravillosamente la famosa batalla que definió la carrera de este militar, demostrando su incansable ambición y sorprendente pensamiento estratégico como líder militar extraordinario y visionario de la guerra. El innegable talento de Joaquin Phoenix y la magistral narración de Ridley Scott se combinan para transportarnos a un tiempo y lugar donde la grandeza y el destino estaban vinculados épicamente.

Este relato histórico cuenta con un elenco de primer nivel junto a Joaquin Phoenix. Vanessa Kirby brilla como la emperatriz Josephine, y Tahar Rahim, Ben Miles, Ludivine Sagnier, Matthew Needham y Youssef Kerkours son un talentoso elenco de actores para los personajes centrados en Napoleón.

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David Scarpa (Ultimatum a la tierra y Gladiator 2) es el encargado de formar el guion mientras que Ridley Scott será el director y productor de la cinta.[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

Este filme promete una gran experiencia cinematográfica. Con un estreno en cines el 24 de noviembre, y más tarde en Apple TV+, los cinéfilos pueden sumergirse en esta obra maestra de dos gigantes de la industria.

Aquí os dejo el primer tráiler oficial de Napoleón a continuación y déjate cautivar por la brillantez de Joaquin Phoenix y la visión incomparable de Ridley Scott:

Un saludo y recordad nunca interrumpir a vuestro enemigo cuando está cometiendo un error.

Reseña de Home Sick Pilots 1 (de 3). Una casa encantada, sangre, música punk y muchas sorpresas

La editorial argentina Moztros ha logrado hacerse un hueco en España gracias a la publicación de algunas franquicias interesantes como Power Rangers o Street Fighter pero también tiene en su catálogo otras obras que por ser menos conocidas pueden llegar a pasar desapercibidas sin merecerlo. Es el caso de Home Sick Pilots de Dan Watters y Caspar Wijngaard publicada originalmente por Image y cuyo primer volumen vamos a reseñar en esta entrada.

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El resumen de la editorial de este tomo es el siguiente: Es el verano de 1994 y una casa embrujada cruza California. Dentro de ella se encuentra Ami, la cantante principal de la banda punk del Instituto que ha estado desaparecida durante semanas. ¿Cómo llegó allí? ¿Qué quieren todas esas ánimas que están junto a ella? ¿Y por qué la banda tiene que separarse? No pueden dejar pasar tantas canciones, tantos acordes, y una devastadora y sangrienta acción que los hará estremecer cuando el escritor DAN WATTERS y el artista CASPAR WIJNGAARD nos brinden un profundo cómic de horror sobre la juventud malgastada.

Con este punto de partida parece que vamos a leer la típica historia de terror adolescente con casa embrujada incluida. Pero Dan Watters demuestra ser un escritor muy capaz y le da la vuelta a la historia para empezar a mezclar varias ideas cada cual más loca lo que da como resultado una amalgama de géneros que sorprendente funciona muy bien, tocando varios temas sin que esa variedad repercuta negativamente en la lectura.

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Los Home Sick Pilots en el escenario

Ami, la protagonista de la historia es una chica de pasado misterioso y traumático que gracias a ese pasado se vinculará a una casa encantada que le encomienda la misión de recuperar objetos encantados vinculados a ciertos fantasmas que antiguamente moraban en la casa y que quiere de vuelta. Lo malo es que la propia casa tiene un pasado y un presente muy sangriento que Ami desconoce ya que está siendo manipulada sutilmente para que no haga preguntas.

Desde este punto de partida Dan Watters empieza a jugar con las reglas del género de terror llevándolo más allá. Nuestros protagonistas se verán inmersos en aventuras que recuerdan mucho el género superheroico (con Ami con poderes en su misión) o de ciencia ficción, sin olvidar unas pinceladas de kaijus que sorprenderán totalmente al lector.

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¿No parece una secuenca de un cómic de Marvel o DC?

Pero tampoco vamos a engañarnos. La base del relato es la inadaptación juvenil como trasfondo, con una adolescencia desestructurada canalizada a través de la música, concretamente del punk, ya que nuestros jóvenes protagonistas pertenecen a dos bandas rivales. La música cobra gran importancia en un relato en el que los protagonistas, como buenos punks, están totalmente desencantados de la vida y sobreviven gracias a un fuerte componente de pertenencia al grupo del que forman parte. Con esta premisa podría parecer que estamos ante un relato young adult de esos que tanto proliferan últimamente, pero las grandes dosis de violencia y gore, junto con un desarrollo siempre inesperado de la trama, da un interés más profundo a la historia que Dan Watters nos cuenta.

Y si el guion de esta serie logra llamarnos la atención, tampoco podemos obviar el buen trabajo que hace Caspar Wijngaard en el apartado artístico, logrando dotar a la obra de una fuerte personalidad gráfica. Al ser una historia juvenil, el dibujante usa un estilo que viene como anillo al dedo a la trama gracias a un trazo limpio y claro, con línea grueso y con unas composiciones de página que logran llamar la atención del lector y un diseño de criaturas realmente brillante y original. La obra luce muy bien y entra por los ojos y aunque a veces pueda pecar de un cierto estatismo, queda compensado por un uso muy acertado del color (obra del propio Wijngaard) en el que predominan los colores brillantes dando un aire a las viñetas como si estuvieran iluminadas por luces de neón, lo que sin duda es un acierto por la ambientación punk de la obra.

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Un buen ejemplo del arte de Caspar Wijngaard

En cuanto a la edición de Moztros solo puedo decir que es fantástica. Se nota que han puesto mucho mimo y que confían en esta serie. Este primer volumen está encuaderno en tapa dura con brillos en la portada (¿qué decíamos de los neones?) y contiene los cinco primeros números de la colección en un total de 152 páginas. Si aún estás a tiempo de hacerte con una primera edición no lo dudes ya que incluye un pack de regalos con un set de pegatinas, una púa de guitarra y un parche textil. También se incluyen algunos extras como las portadas originales y archivos de caso relacionados con la historia. El precio de venta es de 19,90 euros.

En resumen, Home Sick Pilots es una grata sorpresa a la que merece echarle el ojo por su manera original de tratar una historia que ya hemos visto mil veces y que aquí ofrece unos giros de guion que nos van a mantener pegados a unas viñetas que además cuentan con un dibujo vibrante y espectacular. Sin olvidar que estamos ante una serie cortita ya terminada en EE UU con tres tomos, otro motivo más para leer las aventuras de los Home Sick Pilots.

El nuevo «spin-off» de Juego de Tronos sobre Jon Nieve … SNOW.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Ya tenemos presentación oficial del nuevo «spin-off» de Game of Thrones. La nueva serie sobre Jon Nieve tenía prevista su presentación en Los Ángeles, del 9 al 11 de diciembre de 2022 … ¡No hemos vuelto a tener noticias hasta el momento!

La serie de Jon Nieve … SNOW

Sabemos que Kit Harington (Jon Nieve) ha sido el principal artífice, para que esta nueva serie basada en el universo de Juego de Tronos pueda ver la luz. El actor tenía previsto estar presente en la convención oficial de Game of Thrones, durante los días 9 al 11 de diciembre pasado, en Los Ángeles.

El evento se encontraba previsto para el mes de febrero de 2022 y tuvo que ser pospuesto.

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El actor que encarnó a Jon Nieve se unirá al reparto de la exitosa serie de HBO. Junto con Harington estarán Alfie Allen (Theon Greyjoy), Jack Gleeson (Joffrey Baratheon), Kristofer Hivju (Tormund Matagigantes), Kristian Nairn (Hodor), Daniel Portman (Podrick Payne), Gemma Whelan (Yara Greyjoy) e Isaac Hempstead Wright (Bran Stark).[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

El propio George R. R. Martin ya había comentado que Snow se lleva preparando desde hace tiempo.

“Estas cosas siempre se filtran; sin embargo, Snow no se había filtrado hasta ahora, incluso cuando ha estado en desarrollo casi tanto tiempo como las otras tres series: Las diez mil naves, La serpiente marina, y la serie de Dunk & Egg, que podría llamarse Caballero de los Siete Reinos”.

Emilia Clarke (Daenerys Targaryen) ya declaró que sabía del proyecto, puesto que el propio Kit Harington se lo había contado.

“Ha sido creado por Kit hasta donde puedo entender, por lo que está en él desde el principio. Lo que podréis ver en un futuro, con suerte, si sucede, está certificado por Kit Harington”.

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Daenerys Targaryen, no estará en la serie … ¿O sí?

La serie de Snow, protagonizada por Jon Nieve, seguirá la historia después de los hechos sucedidos tras el final de la octava temporada de Juego de Tronos. Podría ahondar en los misterios que tiene la región situada al norte de Poniente.

Aquí, Jon Nieve se puede convertir en el rey de estas tierras. En Juego de Tronos, el rol de Jon Nieve pasó de formar parte de La Guardia de la Noche a liderar a los Salvajes más allá del muro.

Vamos a ver unas imágenes que aún no son oficiales, pero que hemos encontrado en el océano de internet.

Como os digo siempre, echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!