«La Odisea» es una de las películas más esperadas de este verano, y la productora Emma Thomas ha confirmado que no tendrá una duración tan descomunal como la última película de Christopher Nolan, «Oppenheimer».
Las duraciones de tres horas no son muy habituales en Hollywood. Aun así, gracias al éxito de éxitos de taquilla como Vengadores Endgame y Avatar: El camino del agua, los espectadores las aceptan sin duda mejor que antes.
Las películas del cineasta Christopher Nolan siempre han sido bastante largas, pero en 2023 superó por primera vez (por muy poco) la barrera de las tres horas con Oppenheimer. La película fue aclamada como una obra maestra, y su duración no le hizo ningún daño a una película que acabó ganando siete Óscar, incluidos los de Mejor Película y Mejor Director.
La Odisea va a ser una épica de gran envergadura basada en la literatura griega antigua atribuida a Homero. Hay material suficiente para hacer varias películas, pero no parece que Nolan tenga intención de forzar los límites en lo que respecta a la duración de su adaptación.
Tras la mesa redonda de Universal Pictures en CinemaCon, Deadline(a través de SFFGazette.com) ha revelado que:
«la productora Emma Thomas también garantizó que esta película épica durará menos de tres horas, pero aún no estaba muy segura de la duración exacta, ya que todavía se encuentran en fase de posproducción».
Aunque la racha de éxitos sin precedentes de Nolan le permite una gran libertad creativa, es difícil no preguntarse hasta qué punto el estudio ha influido en esta decisión. Al fin y al cabo, cuanto más larga es una película, en menos salas se puede proyectar en un cine en un día determinado.
Nolan también escribió la adaptación de La Odisea en el cine, por lo que es probable que esta fuera su decisión, ya que él mismo determinó la mejor manera de contar esta historia. Probablemente pasarán un par de meses más hasta que tengamos una duración confirmada, pero que se acerque a las tres horas es sin duda un hecho.
El texto de la Antigua Grecia es uno de los textos fundamentales de la literatura occidental. Cuenta la historia de Odiseo (Ulises), rey de Ítaca, y su peligroso viaje de regreso a casa tras la Guerra de Troya.
La obra incluye historias emblemáticas como los encuentros de Odiseo con los cíclopes, las sirenas y la diosa-bruja Circe, y culmina con el reencuentro con su esposa, Penélope, y su hijo, Telémaco.
El mundo del cómic clásico está de celebración. Tras décadas de rumores y proyectos fallidos, el legendario héroe de la selva de Bangalla está listo para regresar a las pantallas. Según ha informado Variety en una exclusiva publicada el pasado 17 de abril, King Features ha cerrado un acuerdo para desarrollar una nueva serie de televisión en acción real basada en The Phantom (El Hombre Enmascarado).
El anuncio no es solo una noticia más en el saturado mercado de los superhéroes; es un movimiento estratégico que coincide con un hito histórico: el 90º aniversario del personaje. Creado por Lee Falk en 1936, Kit Walker fue el primer héroe en utilizar un traje ajustado y una máscara que ocultaba sus pupilas, sentando las bases estéticas de lo que años después serían Batman o Superman.
Llama la atención la incorporación de Reginald Hudlin como director y productor ejecutivo. Hudlin no es un extraño en el género; su paso por los cómics de Black Panther fue aclamado por la crítica y su experiencia en el cine (Marshall, House Party) garantiza un equilibrio entre la acción moderna y el respeto por el material de origen.
A diferencia de intentos anteriores que buscaban la gran pantalla, el formato de serie de televisión permitirá explorar la rica mitología de la dinastía Walker. La trama promete profundizar en la idea del «fantasma que no muere», mostrando cómo el manto del héroe se ha transmitido de padres a hijos durante más de cuatro siglos.
Este relanzamiento llega en un momento dulce para la franquicia. Tras el éxito de los nuevos cómics publicados por Mad Cave Comics el año pasado, King Features busca capitalizar la nostalgia y el interés de las nuevas generaciones por héroes con un enfoque más ‘pulp’ y aventurero.
Es inevitable que los fans miren de reojo a la película de 1996 protagonizada por Billy Zane, que este año cumple 30 años. Aunque aquella cinta se convirtió con el tiempo en un objeto de culto, comercialmente dejó al personaje en el limbo cinematográfico. No es una obra de arte, pero tiene el espíritu del personaje y es uno de mis placeres culpables. El desafío para Hudlin y su equipo en este 2026 será actualizar la estética, especialmente el icónico traje morado, para que funcione en un entorno de alta definición sin perder la esencia aventurera que lo hizo famoso en las tiras de prensa.
Con el rodaje previsto para finales de este año, la serie se posiciona como una de las apuestas más arriesgadas y emocionantes del panorama televisivo actual. El protector de Bangalla ha vuelto, y parece que esta vez el ‘fantasma que Camina’ lo hace para quedarse.
Ha vuelto ‘The Boys’ a Amazon Prime vídeo y he vuelto yo a su regazo para esta última temporada. A estas alturas del 2026, enfrentarse a los tres primeros episodios de la temporada final de ‘The Boys’ es una experiencia extrañamente contradictoria. Por un lado, sentimos la adrenalina de estar ante el cierre de una de las sátiras más importantes de la década y una serie que amamos millones de espectadores por otro, nos invade esa sensación de ‘veteranía cínica’ (palabras que le robo a un amigo). Ya no nos sorprende nada, estamos curados de espanto y ya el ‘bigger and better’ ha perdido efecto.
Tras años de ver cabezas explotando, orgías de superhéroes y poderes absurdos, el umbral del impacto se ha desplazado tanto que la serie ya no puede jugar la carta del impacto con la misma eficacia de antes.
Lo primero que salta a la vista en estos tres episodios es que ‘The Boys’ha aceptado que ya no puede dejarnos con la boca abierta mediante la pura depravación visual. En los primeros capítulos de esta entrega, vemos escenas de violencia que en cualquier otra serie serían el punto álgido de la temporada, pero aquí las recibimos con una familiaridad casi rutinaria. Digamos que lo más sorprendente es que Kimiko hable y sea de las más sensata de este grupo.
Ya no nos escandaliza que un ‘Sup’ use sus poderes de forma aberrante en la intimidad, ni que Vought manipule las noticias con un cinismo que ya supera a la realidad (y eso que es algo muy difícil actualmente). El factor sorpresa ha muerto, víctima de su propio éxito. Sin embargo, por suerte, la serie parece saberlo. En lugar de esforzarse desesperadamente por superar el ‘momento más asqueroso’ de la temporada anterior, estos tres episodios se sienten más centrados en el peso de las consecuencias acumuladas y de lo que está por venir.
A pesar de esa falta de sorpresa, hay algo que la serie no ha perdido: su pulso narrativo. Si algo temía de esta temporada final era que se perdiera en rodeos o episodios de relleno para estirar el chicle. Afortunadamente, estos tres capítulos se sienten como un fórmula uno que ha está pisando el acelerador.
El ritmo es vertiginoso. La serie utiliza su estructura habitual de múltiples frentes como el equipo de Carnicero, por un lado, las intrigas en la Torre Vought por otro, pero con una urgencia nueva. El virus. Cada conversación, cada traición y cada movimiento en el tablero político se siente como si fuera el último. Las piezas que quedan en pie se lo juegan a ‘todo o nada’. No hay espacio para tramas secundarias irrelevantes; todo lo que ocurre en estos 180 minutos de televisión está diseñado para empujar a los personajes hacia la recta final.
Lo que más destaca de este inicio es cómo todo huele a despedida. Se percibe en el aire que los guionistas están uniendo los cables sueltos para la pirotecnia final. Las subtramas que nos han acompañado durante años como la búsqueda de redención de Luz Estelar, el trauma eterno de Kimiko y Frenchie, o la lenta desintegración moral de Hughie, están convergiendo de manera inevitable en este ‘EndGame’
Ya no se trata de ‘aguantar un día más contra Vought’, se trata de dar el golpe final o morir en el intento. La introducción de elementos que vimos gestarse en Gen V y en el final de la cuarta temporada (como el famoso virus) aquí toma un protagonismo absoluto, actuando como la espada de Damocles que pende sobre la cabeza de cada superhéroe en el planeta.
Pero el verdadero motor de estos tres episodios es la inevitabilidad del choque entre Carnicero y Patriota. En temporadas pasadas, sus encuentros eran juegos de gato y ratón, escaramuzas con las que ambos sobrevivían para pelear otro día. Ahora, la dinámica ha cambiado radicalmente.
Carnicero ya no tiene nada que perder. Se mueve con la desesperación de un hombre que sabe que su tiempo se agota. Su mirada en estos capítulos es la de alguien que está dispuesto a quemar el mundo entero con tal de ver a Patriota arder. Ya no tiene miedo a verse las caras con el líder de Los Siete.
Patriota, por su parte, ha alcanzado un nivel de poder político y control social que lo hace más peligroso que nunca, pero también más aislado. La serie subraya brillantemente su fragilidad mental en medio de su victoria absoluta. Su mente se está rompiendo, se ha dado cuenta que tiene muchos enemigos entre los que están cerca de él, su reina del miedo le está pasando factura.
Se intuye que la confrontación final no será solo una batalla de superpoderes, sino una explosión de odio que ha estado cociéndose a fuego lento durante cinco temporadas.
Conclusión
Estos tres primeros episodios de la temporada final de ‘The Boys’ nos dicen que la serie ha madurado, lo lleva haciendo poco a poco. Ha dejado atrás la necesidad de gritarnos a la cara para llamar nuestra atención y ha optado por un susurro amenazante que nos dice: «esto se acaba».
Es cierto que creo que nos están devolviendo a algunos personajes, que no estaban teniendo relevancia ya, por cerrar sus arcos, aunque no lo veo necesario, al menos en lo visto en estos primeros capítulos.
‘The Boys’ mantiene el ritmo, cierra filas y prepara el escenario para un baño de sangre que, aunque ya no nos sorprenda por su violencia, nos dolerá por el cariño (o el odio) que le tenemos a sus protagonistas. El tablero está listo, las piezas se están moviendo a una velocidad alta y constante y, por primera vez, parece que nadie va a salir de esta con vida. ‘The Boys’ ha vuelto para decir adiós, y lo está haciendo con la bota puesta en el cuello del espectador.
Adaptación de Frank Kafka en una película clave de la filmografía de Orson Welles. Repasamos hoy El Proceso (1962)
Hoy en la sección de retro análisis tenemos una película densa, complicada, en buena medida surrealista y con un Anthony Perkins en su momento prime, todo ello pasado por el filtro de un genio (muchas veces incomprendido), un director que a sus 25 años creó su mejor película (Ciudadano Kane, aquí retro-análisis), con todo lo que ello conlleva. Si a eso le sumas que se trata de una adaptación de una obra de Franz Kafka pues ya tienes todo lo necesario para que esta película sea única en su especie. Como decimos en el título, El Proceso es, en resumen, la deshumanización en manos de Orson Welles.
Qué nos cuenta El Proceso
La película adapta la novela de Franz Kafka sobre Josef K (Anthony Perkins), un oficinista con una vida monótona que una mañana es arrestado por un crimen nunca especificado. El acusado está en una especie de «arresto abierto», donde puede hacer su rutina habitual, pero a la vez inmerso en la burocracia opresiva, con unos resortes que parecen eternizar su caso entre audiencias absurdas, abogados inútiles y un tribunal al que no puede tener acceso y lo consume psicológicamente.
Reflexiones sobre un filme de densa factura
La idea central podemos leerla como la representación de una pesadilla sobre la deshumanización. El personaje protagonista no lucha solo contra la burocracia sino también contra un sistema en donde existen unas normas o reglas que casi nunca llegan finalmente a aplicarse por completo. Welles toma la obra de Kafka para llevarla a un terreno más extremo, donde lo visual, lo físico y lo opresivo destacan por encima de los demás aspectos. Toca temas como el sentimiento de culpa como mecanismo de control en el cual no son necesarias las pruebas del delito para derrumbar al individuo, sino que ya es suficiente con la presión del sistema y la sospecha colectiva.
También destaca la burocracia como forma de poder a partir de su rutina, su lenguaje técnico y su falta de accesibilidad para el individuo, lo cual acaba siendo una forma de violencia. Y la pérdida de la personalidad y del ser individual hacen que el protagonista pase de un estado de afirmación personal relativamente seguro a ser alguien que acaba absorbido por el sistema.
El anhelo de libertad frustrada es otro de los temas principales, pues el personaje de Josef K protesta, pero parece que con cada intento de acción de su parte, solo consigue en realidad hundirse aún más en el laberinto que la burocracia coloca a su alrededor.
Aspectos que hacen especial esta película
La puesta en escena. Welles utiliza un estilo barroco a la vez que expresionista, lleno de planos de cámara angulados, con contrapicados y profundidades de campo para convertir el mundo en un espacio hostil, inestable y excesivo. El uso del blanco y negro agudiza la sensación de pesadilla en la que está inmerso Josef K y lugares como pasillos, oficinas o decorados en general parecen diseñados para aplastar al personaje más que para servirle de orientación. La película, en este aspecto, trabaja como un laberinto visual.
Welles no adapta tal cual la obra de Kafka, sino que busca reinterpretarla a su estilo. En una decisión consciente y creativa, ordena y reorganiza el material para dar su propia visión del poder y del destino humano. No copia a Kafka, sino que interpreta su obra de manera de sostener la película como producción autónoma a la cual podemos definir no solo como una historia sobre un juicio absurdo, sino también como una reflexión sobre el modo en que los sistemas de poder son capaces de crear culpa en las personas y terminar de ese modo destruyendo la propia inocencia de las mismas.
A destacar también cómo Welles pudo hacer frente a los desafíos logísticos, usando en el rodaje lugares con un aura de estilo surrealista como la Gare d’Orsay (hoy en día un museo) para representar los tribunales laberínticos (claustrofobia), contrastando con paisajes abiertos en Zagreb (libertad). Como no podía ser de otra manera viendo quién dirigió la película, los problemas con los productores le llevaron a improvisar y a reescribir el guion para lograr enfatizar la rebelión individual frente a la impotencia que el sistema crea en el individuo.
Los problemas financieros (luego del rechazo al director por parte de Hollywood tras la etapa Ciudadano Kane) le obligaron a realizar cortes en escenas ambiciosas, reutilizar escenarios para no gastar en localizaciones, y aceptar incluso que el protagonista Perkins tuviera que ir a trabajar a Hollywood aportando su propio dinero para ayudar a sufragar el rodaje (recordemos que el actor venía de consagrarse en Psicosis, de la cual pueden leer aquí nuestro retro-análisis).
Dejando a un lado todas las dificultades técnicas de El Proceso, estamos ante una película densa, con unas más que destacables actuaciones y un estilo visual centrado en el expresionismo alemán, marca de la casa de Welles.
A quién podemos recomendar El Proceso
A todo aquel/la aficionado/a al séptimo arte que tiene interés en adaptaciones de Kafka, en el cine de un genio como Orson Welles, en descubrir películas que quizás son menos fáciles de tragar que otras. Al menos creo que le deberíais dar una oportunidad porque el mensaje que contiene es tan actual como la vida misma.
Os dejamos otro artículo sobre Orson Welles que analiza lo último que realizó en vida. AQUÍ
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Marvel Gold. Peter Parker, el espectacular Spiderman 3. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Marvel Gold. Peter Parker, el espectacular Spiderman 3
Hay algo profundamente injusto en la historia de Spiderman. Mientras la gente se peleaba por The Amazing Spider-Man, en la esquina de al lado había otra serie, con menos focos, menos glamour y, sinceramente, con más ganas de liarla, Peter Parker, The Spectacular Spider-Man. Y este tomo 3 de Panini viene a recordártelo a base de 568 páginas que te caen encima como una responsabilidad adulta.
Y sí, esto no es una reedición cualquiera. Esto es material serio.
Un tomo que pesa más que tus decisiones vitales
Panini ha soltado este tercer volumen de Marvel Gold con todo lo que entra entre los números 43 al 63 y los Annual 2 y 3 de la serie original americana. Y esto es importante porque así unimos desde el 1 de la edición americana, publicado en el Marvel Gold Peter Parker, el espectacular Spiderman 1, con el Peter Parker, El Espectacular Spiderman: Noches de Nueva York, del Marvel Héroes donde empezamos con el 64 americano. Por tanto podemos tener la colección completa de Peter Parker en español.
Y aquí ya empieza lo bonito ya que esto no es solo un recopilatorio. Es una etapa concreta, con personalidad, con autores rotando como si aquello fuera un festival, pero con una coherencia sorprendente.
Roger Stern aparece y dice: “sujétame el cubata”
Si hay un nombre que sobresale aquí es el de Roger Stern. Antes de su etapa más famosa en The Amazing Spider-Man, el tipo ya estaba haciendo virguerías en esta colección.
Y no, no viene a cumplir expediente. Viene a ampliar el universo del trepamuros con cosas que funcionan. Introduce personajes nuevos como Belladonna (mafiosa con muy mala leche) y le da a la tía May una subtrama romántica con Nathan Lubensky. Sí, la tía May ligando. Acepta eso y seguimos, porque es la tía May mayor, no la tia May (Marisa Tomei) que liga con Tony Stark en las películas.
Pero lo mejor no es eso. Lo mejor es cómo mezcla lo nuevo con lo clásico sin que chirríe. Aquí te puedes encontrar desde El Buitre hasta Misterio compartiendo espacio con personajes que, en teoría, no deberían importar tanto, pero importan. Y mucho.
El Spiderman más callejero (y más puñetero)
Esta colección siempre ha tenido un rollo más “de barrio”. Menos épica, menos grandilocuente, más problemas de verdad. Más Nueva York sucio, más secundarios con peso, más historias que no buscan romper el multiverso cada dos páginas.
Aquí se nota especialmente.
Se recupera a personajes como el Merodeador o el Tigre Blanco, dándoles una relevancia que no siempre tenían en otras cabeceras. Y eso hace que el cómic respire diferente. Más humano. Más cercano. Más de “oye, igual esto sí me lo creo”.
Aunque luego salga un tío vestido de buitre. Pero bueno, detalles sin importancia.
Un desfile de autores que, milagrosamente, funciona
Aquí hay más nombres que en los créditos de una peli de Marvel. Mike Zeck, John Romita Jr., Jim Mooney, Denys Cowan, Bill Mantlo… y la lista sigue como si esto fuera una cena de Navidad en Marvel Comics.
Y lo curioso es que no parece un Frankenstein. No da esa sensación de “cada uno a lo suyo”. Hay una continuidad, un tono, una especie de línea invisible que hace que todo encaje.
No perfecto. Pero sí muy disfrutable.
¿Merece la pena?
Mira, si has llegado hasta aquí esperando que te diga que no, te has equivocado de artículo. Estás en la sección de El cómic de la semana. Si este cómic aparece aquí es porque tiene algo reseñable.
Este tomo es una barbaridad ochentera. No es perfecto, no es intocable, pero sí es divertido y con más alma que muchos cómics actuales que cuestan lo mismo y te duran menos que un suspiro.
Es Spiderman cuando todavía podía sorprender sin necesidad de romper el espacio-tiempo. Cuando los villanos eran villanos, los secundarios importaban y Peter Parker seguía siendo ese tipo al que todo le sale regular, pero sigue adelante.
Y eso, amigo, nunca pasa de moda.
Contiene: Con Peter Parker, The Spectacular Spider-Man 43-63 y Annual 2 y 3
Antes de su legendaria etapa en The Amazing Spider-Man, Roger Stern hizo un trabajo espectacular con la serie hermana de Spidey. Stern introdujo un sinfín de personajes nuevos y fascinantes, incluyendo a la gánster Belladonna y a un nuevo interés amoroso para la Tía May, Nathan Lubensky, y revitalizó a El Merodeador y el Tigre Blanco. Además, reservó espacio para los villanos más icónicos, desde El Buitre a Mysterio, en un puñado de historias que ampliaron el mito del trepamuros y lo prepararon para su mejor momento.
A nadie le sorprendería saber que Marvel Studios se ha gastado mucho dinero en Vengadores: Doomsday, pero según un nuevo informe, este espectáculo de superhéroes podría acabar convirtiéndose en la película más cara jamás producida por Marvel o Disney.
En su programa de YouTube, John Campea dijo que le han informado de que «Doomsday» tiene un presupuesto de producción de 400 millones de dólares (no estamos seguros de si esto incluye los costes de las regrabaciones), y que el estudio planea gastar otros 300 millones de dólares en marketing. Una pasada de millones.
Si esto es cierto, la película probablemente necesitaría recaudar al menos 1.500 millones de dólares solo para cubrir gastos.
Por supuesto, esto es totalmente factible, y cabe destacar que tanto Vengadores: Infinity War como Endgame también contaron con presupuestos enormes (se estimó que esta última costó entre 356 y 400 millones de dólares antes de los gastos de promoción y publicidad).
Se dice que los altos cargos de Marvel Studios están muy satisfechos (dependiendo de la credibilidad que se le dé a los informes de visionados internos) con la película, y a menos que el estreno resulte ser algún tipo de desastre imprevisto, no prevemos muchos problemas en taquilla cuando llegue a los cines a finales de este año.
AVENGERS: DOOMSDAY is reportedly MCU and Disney most expensive movie ever produced with a budget of ~$400M.
It’ll have Hollywood’s biggest marketing campaign ever with a cost of $300M.
SkyShowtime parece un poco el patito feo de las plataformas en España. Ha sido de las últimas en llegar y aunque poco a poco va conformando un buen catálogo, este no es demasiado extenso ni tiene ninguna serie de esas que rompen los audímetros. A pesar de ello va estrenando, sin prisa pero sin pausa, series que resultan muy interesantes y las que habría que prestan un poco más de atención. Hablo por ejemplo de Special Ops: Lioness, Poker Face, Tierra de Mafiosos o Chacal. A ellas se ha unido recientemente Sweetpea, una atractiva producción británica de la que ya podemos disfrutar de su primera temporada.
Sweetpea sigue a Rhiannon Lewis (Ella Purnell, muy de moda gracias a Fallout), una joven aparentemente anodina e invisible para quienes la rodean que trabaja como asistente administrativa en un periódico local. Tras la muerte de su padre y el regreso inesperado de su antigua acosadora, una acumulación de humillaciones, duelos y frustraciones empuja a Rhiannon a cruzar una oscura línea, descubriendo en la violencia una forma retorcida de afirmarse, ganar poder y dejar de ser ignorada, mientras intenta mantener en secreto su transformación en una asesina en un pequeño pueblo donde todos parecen mirarse poco, pero juzgar mucho.
Rhiannon Lewis, una mujer invisible viendo la vida pasar
Hay series que entran por la trama y otras por el personaje. Sweetpea entra, sin ninguna duda, por Rhiannon. Desde el primer episodio, la serie deja claro que nos va a contar cómo alguien aparentemente invisible decide dejar de serlo. Como cuando llevas años tragando pequeñas injusticias (en el trabajo, en relaciones familiares, sociales o románticas) y un día algo hace clic y te dejas llevar por un arrebato violento. Que sea o no justificable dependerá de cada uno y del grado de identificación que podamos tener con la protagonista. Y esa es la incomodidad que Sweetpea maneja bastante bien.
Un personaje que sostiene todo
Ella Purnell firma una interpretación clave para entender el éxito (y las divisiones) que ha generado la serie. Su Rhiannon no busca gustar (a no ser que seas un psicópata), y eso es parte del atractivo. Es torpe, resentida, contradictoria… y profundamente humana. La serie se apoya muchísimo en su voz en off, heredera directa del tono de la novela original de C.J. Skuse, y aunque a veces se abusa de ella, funciona como ese pensamiento interno que todos tenemos, pero no decimos en alto.
La chica que destrozó la vida de Rhiannon
Purnell (que además ejerce como productora ejecutiva) consigue algo complicado: que el espectador oscile constantemente entre la empatía y el rechazo. No es una “antiheroína cool”, sino una persona rota tomando decisiones cada vez peores. Es algo muy original en estos tiempos de búsqueda de lo “molón” y por eso la serie llama la atención.
Entre comedia negra y thriller contenido
Creada por Kirstie Swain y basada en la novela Sweetpea (2017), la serie se presenta como una“coming-of-rage story”, una etiqueta bastante acertada y que en castellano viene a significar que se enfoca en cómo la ira, la frustración y la rabia reprimida impulsan el proceso de maduración o de trasformación del protagonista. No tiene el salvajismo formal de Killing Eve ni el absurdo total de Barry, pero se sitúa en un acertado punto intermedio: violencia incómoda, humor seco y socarrón y una progresión narrativa muy británica, más psicológica que explosiva.
Eso sí, aquí también aparece una de sus debilidades:el ritmo. Con seis episodios de entre 41 y 50 minutos, la temporada está bien medida, pero hay tramos) sobre todo en la zona media9 donde la historia avanza más por reiteración emocional que por acontecimientos reales. Al ser corta, tampoco hay demasiado tiempo para el aburrimiento, pero sí mantiene el freno de mano puesto más tiempo del necesario.
Rhiannon se desata por fin, vaya manera de desatarse…
Esta temporada acaba con un cliffhanger brutal, así que es mejor que los amantes de las tramas cerradas huyan como alma que lleva el diablo. La parte buena es que la segunda temporada ya está confirmada, de hecho, se está grabando en estos momentos.
Dirección y apartado técnico: sobriedad funcional
En lo técnico, Sweetpea no intenta deslumbrar, esa no es su intención. La dirección deElla Jones es sobria, priorizando planos cerrados, espacios cotidianos y una fotografía apagada que refuerza la sensación de asfixia vital de la protagonista. El trabajo de Nick Morrisen la dirección de fotografía evita el lucimiento, apostando por tonos fríos y una luz naturalista muy coherente con el entorno de pueblo pequeño.
Un compañero de Rhiannon con mucho que aportar a su vida
La música deIsobel Waller-Bridge es otro acierto silencioso: subraya sin manipular, aparece cuando debe y sabe desaparecer. El tema principal,“Do You See Me Now”, conecta temáticamente con la obsesión central de la serie: ser vista, aunque sea a un precio altísimo.
Diferencias con la novela original
Como toda buena adaptación Sweetpea no ha acabado de dejar contentos a muchos fans de la novela original. La historia se ha suavizado bastante, haciéndola más accesible y más empática para que el espectador pueda conectar de algún modo con la protagonista. Es algo necesario para mantener la conexión emocional que siempre se busca en televisión y que desde luego no aparece en un libro que es mucho más incómodo y mordaz. La crítica social es mucho mayor en la novela, como también la carga de humor negro que sobrevuela toda la historia.
En resumen, Sweetpea no es la típica serie de asesinos en serie ni una búsqueda de venganza al uso, aunque tenga elementos de estos dos subgéneros. Es más bien una historia de crecimiento a través de la ira, con una autoaceptación mal entendida que lleva a la protagonista a un camino de violencia del que es imposible apartar la vista. Si, sabemos que lo que hace Rhiannon está mal, pero es imposible no conectar con ella porque tomos nos hemos sentido invisibles alguna vez. Y es muy adictivo ver como la cosa se le va complicando poco a poco hasta lo que parece ser un muy oscuro punto de no retorno al final de la temporada que deja con ganas de más.
Si eres de los que disfruta con los thrillers psicológicos que no te dejan ni un segundo de respiro, tengo una recomendación que ha pasado un poco desapercibida, pero que merece mucho la pena: Su peor pesadilla (All Her Fault), disponible en SkyShowtime. Esta miniserie es de esas historias que, cuando terminas de verlas, necesitas un par de horas para digerir todo lo que acabas de presenciar. No es una serie fácil, y te aviso desde ya: prepárate para un viaje donde los sentimientos están a flor de piel.
Su peor pesadilla es una de esas series donde el guionista se dedica a jugar con tus sentimientos. Y esto lo digo porque, según avanza la trama, te va a poner sobre la mesa todas los secretos de cada uno de los protagonistas, y esto hará que dudes de todos ellos en algún momento de sus ocho episodios. Aquí nadie se libra de ser sospechoso de la desaparición del pequeño Milo.
Una desaparición que desmantela una fachada perfecta
La premisa arranca con el mayor miedo de cualquier padre: la desaparición de un niño pequeño. Es el punto de partida, sí, pero lo que realmente mantiene el interés no es solo el quién lo hizo, sino el qué ocultan. La serie se centra en una familia adinerada que vive rodeada de lujos, pero que por dentro se cae a pedazos.
La protagonista Marissa (Sarah Snook) es una madre cuyo dolor se siente asfixiante desde el primer episodio; su actuación te atrapa y te hace partícipe de su desesperación. Pero el contrapunto es su marido Peter (Jake Lacy), un hombre dominante que ha ejercido de guardián y controlador de todo su círculo familiar durante años. Y, ojo, porque cuando hablo de la familia, no me refiero solo al núcleo básico. La serie nos presenta una dinámica familiar tóxica donde conviven una hermana Lia (Abby Elliott), a la que él etiqueta constantemente de inestable, y un hermano con una incapacidad, Brian (Daniel Monks), que vive recluido en una casita dentro de la propiedad.
Es dinero y poder. Y, como suele pasar en estos thrillers, la riqueza es la primera hipótesis sobre el secuestro. ¿Quién querría hacer daño a alguien con tantos recursos? La respuesta es más compleja y dolorosa de lo que cualquiera podría imaginar.
La amistad, ¿el refugio o la trampa?
Hay un elemento en la trama que me parece fascinante: la relación que la madre establece con otra mujer del colegio, Jenny (Dakota Fanning), poco antes del trágico suceso. Esta amistad es el eje sobre el que gira gran parte del desarrollo emocional. Al principio, parece un soplo de aire fresco en una vida de encierro, un punto de apoyo necesario para alguien que vive bajo la sombra de un marido autoritario. Pero, según avanzan los capítulos, empiezas a cuestionar el origen de esa unión. ¿Es una amistad genuina o hay segundas intenciones? Esta relación se vuelve un arma de doble filo que cambia las reglas del juego.
Mientras todo esto ocurre, un inspector de policía, Alcaraz (Michael Peña), bastante avispado empieza a tirar del hilo. Es una delicia ver cómo va atando cabos y cerrando el círculo. No es el típico inspector que lo sabe todo desde el principio, sino que realmente te hace partícipe de su investigación. Además, será protagonista de una trama secundaria con mucha fuerza dramática, y que nos pondrá sobre la mesa cuestiones de moralidad difíciles de responder con franqueza.
Un drama duro que no pide permiso para doler
Lo que hace que Su peor pesadilla sea diferente es su honestidad brutal. Es un drama difícil de ver en algunos momentos porque los personajes están sumidos en una tensión constante. Son seres que no se necesitan demasiado, pero al mismo tiempo están condenados a convivir, atrapados por la culpa. Esa necesidad mutua de señalar a alguien, de encontrar a un responsable para no tener que mirarse al espejo, genera escenas de una dureza increíble.
Aquí se dicen verdades que siempre se han pensado, pero que nunca antes habían salido a la luz porque se sabía el daño que causarían. Es esa clase de realismo que hace que te sientas incómodo, pero que, a la vez, no puedas apartar la mirada de la pantalla. Destaca la interpretación de Snook, vemos su dolor, y hasta somos capaces de sentirlo en algunos momentos. Sentimos como las fuerzas la abandonan, y hasta pensamos en que se va a desmayar de tanta angustia que es capaz de transmitir.
El giro final: ¿Pero qué narices?
Ahora bien, hablemos de lo mejor. Si tuviera que definir esta serie por un solo momento, sería el giro que ocurre en el penúltimo episodio. No voy a hacerte spoilers, pero te aseguro que es uno de los cambios de rumbo más efectivos que he visto en mucho tiempo.
Fue ese instante en el que me quedé frente a la pantalla pensando: ¿Pero qué narices?. Es un momento que te descoloca tanto que llegas a dudar de lo que has visto en los episodios anteriores. ¿Habías interpretado mal las pistas? ¿Te habían engañado de forma magistral? Es, sin duda, un giro de guion que eleva la calidad de la serie y que garantiza que, al terminar, te quede un recuerdo muy vivo de lo que sentiste.
Su peor pesadilla: ¿Merece la pena el tiempo invertido?
Si me pides una recomendación clara: sí, ve a verla. Su peor pesadilla es una miniserie que se siente compacta, tensa y muy humana. Quizá no tenga el presupuesto de los grandes estrenos de las plataformas más famosas, pero tiene algo mucho más valioso: un guion que sabe jugar con tu percepción y un cierre que justifica cada segundo de angustia.
Es el plan ideal si buscas una serie que te mantenga alerta y te obligue a hacer tus propias teorías, esas que luego, con el giro final, probablemente terminen saltando por los aires. Un saludo, disfrutad del visionado y… ¡sed felices!
La cifra es real, y es una locura igual la mires por donde la mires
Vamos a empezar por lo único que no admite discusión. Un nuevo juego de Dungeon Crawler ha recaudado 4,9 millones de dólares en el primer día en Kickstarter. Eso ha pasado. No es hype, no es exageración, es un dato real. Es salida en tromba y dinero entrando como si alguien hubiera dejado la puerta abierta.
Y claro, lees eso y piensas automáticamente en el típico Dungeon Crawler de miniaturas gigantes, caja del tamaño de una lavadora y cien expansiones escondidas en los Stretch Goals. Porque es lo habitual.
Pero aquí viene el giro curioso.
No es exactamente “el típico Dungeon Crawler de mesa”
El proyecto del que se está hablando en páginas americanas no es un Dungeon Crawler clásico al uso. Está basado en Dungeon Crawler Carl, una saga que mezcla fantasía, ciencia ficción y ese tono un poco gamberro que no se toma demasiado en serio a sí mismo.
Y lo importante, no es solo un juego de tablero tradicional.
La campaña incluye un juego de rol completo (RPG) junto con un juego de cartas tipo Deck-building llamado Unstoppable, que se puede jugar en solitario o cooperativo.
Es decir, no estás comprando solo “otro dungeon crawler más”. Estás entrando en un paquete más amplio, más híbrido, que mezcla formatos y que claramente ha sabido vender muy bien esa idea.
Entonces… ¿por qué ha petado así?
Aquí no hay magia negra. Hay varias cosas que encajan demasiado bien.
Por un lado, tienes una base previa bastante fuerte. Dungeon Crawler Carl no es algo que salga de la nada, tiene libros publicados y una comunidad que ya estaba esperando cualquier cosa relacionada con ese universo.
Por otro, la campaña no se limita a ofrecer un producto básico. Hay libro de rol, accesorios, material adicional, expansiones del juego de cartas, y todo ese ecosistema que hace que la gente no entre con el pledge mínimo, sino que empiece a subir niveles como si fuera parte del propio juego.
Y luego está lo de siempre, lo que nunca falla, presentación atractiva, promesa de experiencia larga y esa sensación de que, si no entras ahora, luego no será lo mismo.
El detalle que mucha gente está pasando por alto
Cuando ves “dungeon crawler” y “millones en un día”, tu cabeza se va directa a lo de siempre. Miniaturas, tablero modular, campaña narrativa cerrada.
Pero aquí el enfoque es distinto.
Esto es más cercano a un universo expandido jugable. No solo juegas una campaña, sino que puedes rolear, crear personajes y usar sistemas abiertos. Es otra manera de entender el género, más flexible, menos encorsetada.
Y eso, aunque parezca un matiz, cambia bastante el tipo de público que entra. No es solo el que quiere tirar dados y abrir cofres. Es también el que quiere construir historias dentro de ese mundo.
Kickstarter sigue siendo el mismo monstruo de siempre
Lo que no cambia absolutamente nada es el comportamiento de la gente. Sale el proyecto, se dispara la recaudación, empiezan a caer mejoras, contenido extra, promesas de más cosas, y el ciclo vuelve a repetirse.
Da igual que sepamos cómo funciona. Da igual que hayamos visto campañas similares mil veces. En cuanto una despega así, es imposible no mirar.
Y cuanto más sube la cifra, más gente entra. Y cuanto más gente entra, más sube la cifra. Y así hasta que deja de tener sentido intentar explicarlo de forma racional.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Toledo vuelve a hablar en viñetas. Del 17 al 19 de abril, la Plaza de Zocodover se convertirá de nuevo en el corazón del noveno arte con la III edición del Toledo Comic Fest, un festival que en apenas tres años se ha consolidado como una cita clave de la cultura gráfica en Castilla‑La Mancha.
Un evento que no solo celebra el cómic, sino que lo saca literalmente a la calle para convertir el casco histórico en una gran página abierta.
Toledo Comic Fest 2026
Ilustración del evento realizada por Tito de la Llave
Zocodover, epicentro del cómic
El Toledo Comic Fest 2026 se enmarca en la XXI Feria del Libro de Toledo y vuelve a apostar por la Plaza de Zocodover como escenario principal, un emplazamiento que garantiza el contacto directo entre la ciudad y la industria editorial.
Durante tres días, librerías, editoriales, ilustradores y lectores convivirán entre casetas, originales, portadas, firmas y charlas, con un programa que combina vocación popular y ambición profesional.
La fórmula, vista la respuesta del público en las dos primeras ediciones, funciona: El cómic deja de ser nicho y se convierte en un lenguaje compartido por familias, escolares y aficionados veteranos.
Y la ciudad de Toledo y la organización del Toledo Comic Fest, se implican con la cultura con un evento gratuito y abierto al público.
Las fechas no son casuales. Situar el festival a mediados de abril consolida un calendario propio para el cómic en Toledo y lo conecta con el pulso de la Feria del Libro, sumando fuerzas en un momento clave para la industria cultural. A ello se añade una franja horaria amplia, con actividades de tarde el viernes y doble sesión mañana‑tarde el sábado, pensada para que el público pueda acercarse sin prisas desde toda la provincia.
Aquí tendrá lugar el Toledo Comic Fest 2026
El ‘Callejón de los Artistas’, la gran novedad
La edición de 2026 llega con una novedad que dice mucho sobre la vocación de futuro del festival: El estreno del llamado «Callejón de los Artistas«. Inspirado en los artist alley de los grandes salones internacionales, este espacio está concebido para dar visibilidad a creadores emergentes y facilitar su contacto directo con editoriales, librerías y lectores.
Más allá de la venta de prints, originales o commissions, el Callejón se plantea como un pequeño laboratorio de oportunidades: Un lugar donde un fanzine puede acabar en manos del editor adecuado o donde una charla informal se convierte en puerta de entrada a un proyecto profesional.
Para ello, la organización ha habilitado un apartado específico en la web de la Feria del Libro que permite a los autores enviar su portfolio y concertar entrevistas con editores durante los días del festival, una herramienta poco habitual en eventos de este tamaño y que alinea a Toledo con las buenas prácticas del sector.
Un cartel con firma toledana… Y una cita en agenda
La identidad visual del festival es otro de sus puntos fuertes. El cartel del Toledo Comic Fest 2026 lleva la firma de Tito de la Llave, ilustrador toledano afincado en París y conocido por su trabajo en la revista francesa Okapi. En su ilustración no se limita a replicar el skyline; en ella conviven El Alcázar y la arquitectura cotidiana, los tejados y las calles que pisan a diario los lectores que se acercarán a Zocodover.
Tito de la Llave
El viernes 17, a las 18:00, el programa sumará un encuentro muy especial: Una conversación entre Tito de la Llave y quien firma estas líneas, abierta al público dentro de la programación del festival.
En esa charla nos detendremos en sus inicios en la afición por la historieta, los tebeos que marcaron su infancia, sus cómics favoritos y las lecturas que aún hoy le acompañan, para después trazar un recorrido por su trayectoria profesional, desde sus primeros encargos hasta su consolidación en el mercado francés.
Hablaremos también del reto de hacer del cómic un lenguaje para adolescentes, del papel de las revistas juveniles en la formación de nuevos lectores y de cómo se dibuja Toledo cuando la ciudad se convierte en personaje.
El resultado aspira a ser algo más que una presentación al uso: Un diálogo en el que el autor comparta sus referentes, procesos y obsesiones, y en el que el público pueda intervenir para preguntar, recomendar lecturas o simplemente poner rostro al creador que firma la imagen de esta edición.
Y como no podía ser de otra manera, hablaremos de su serie Soledad, editada en España por Cascaborra Ediciones.
También podéis visitar la Librería Cascaborra en Toledo, muy cerquita de la Plaza de Zocodover, justo AQUÍ. Os recibirá una de las mejores libreras de todos los tiempos: Ava Cleyton, que además de librera, es una gran escritora.
Entrada a la Librería Cascaborra. Toledo.
Talleres, conciertos y cultura para todas las edades
Si algo define al Toledo Comic Fest es la diversidad de su programación. La agenda de 2026 combina actividades pensadas para el gran público con propuestas específicamente dirigidas a estudiantes, familias y aficionados con un pie en la creación.
Entre los platos fuertes figura un Taller de Dibujo impartido por el propio Tito de la Llave para alumnos del IES El Greco, una forma directa de tender puentes entre el aula y el ámbito profesional.
La oferta infantil se refuerza con talleres como “Un viaje de colores por el sistema solar” o “Motores y lápices”, pensados para despertar la imaginación de los más pequeños a partir de la mezcla de ciencia, creatividad y narrativa visual.
A esto se suman partidas rápidas de rol organizadas por Toleroll, sesiones de cuentacuentos de la mano de Patricia del Castillo en colaboración con la Biblioteca de Castilla‑La Mancha y programas de radio en directo con Onda Cero, que trasladará parte de su parrilla a la plaza.
La música también tendrá su propio espacio en este universo de bocadillos y onomatopeyas. El viernes 17, la cantante Selene Casas pondrá banda sonora al arranque del festival, mientras que el domingo 19 será el grupo La enfermedad del beso quien cierre el fin de semana con un concierto que promete tanto nostalgia pop como energía generacional.
El mensaje es nítido: El cómic dialoga con otras artes y encuentra en la plaza su escenario natural.
Exhibición de combate medieval. Toledo Comic Fest 2024
Un termómetro del presente del cómic
Más allá de la anécdota y el color local, el Toledo Comic Fest 2026 permitirá tomar el pulso a un sector que vive un momento de madurez en España.
Según destacan desde la organización, más del 70% de los lectores habituales incluye el cómic entre sus consumos culturales, una cifra que confirma su condición de formato estratégico para llegar a nuevos públicos, especialmente jóvenes y adolescentes.
Que una ciudad como Toledo apueste por un festival gratuito, que pone el foco en la narrativa gráfica, la ilustración y el talento emergente habla de una sensibilidad nueva hacia el cómic como herramienta educativa, vehículo de memoria y espacio de experimentación estética.
Durante tres días, Zocodover será mucho más que una plaza: Será una viñeta viva, en la que autores, lectores y curiosos compartirán algo tan sencillo (y tan raro) como el tiempo en común alrededor de una página. Una escena cotidiana que, quién sabe, quizá algún día acabe dibujada en el cartel de futuras ediciones.
Y solamente me queda invitaros al Toledo Comic Fest 2026. Conoced a los autores de esas viñetas que tanto nos gustan. Pasead por la cuidad de Toledo, disfrutad de su cultura, pasead por sus calles, degustad su gastronomía. Os aseguro que durante todo el fin de semana …
Tras una semana de espera después de uno de los capítulos más brutales e importantes de toda la serie, Invencible estrena su sexto episodio, el cual se centra en la guerra de la Coalición de Planetas y en la recuperación de Invencible tras su enfrentamiento contra los viltrumitas. La guerra debe comenzar incluso sin sus aliados más fuertes, poniendo en juego el rumbo de la misma y el destino del universo.
El desarrollo de la tragedia
En el episodio más reciente se exploran distintos temas en varios momentos. En la primera parte, se nos muestra cómo Omni-Man (J.K. Simmons ), Invencible y Oliver se ven obligados a pasar varias semanas, e incluso meses, en un planeta desértico debido a que Mark (Steven Yeun) sigue al borde de la muerte tras la batalla contra Conquest. Esto obliga a padre e hijo a convivir juntos, aunque ninguno esté realmente preparado para ello. Oliver siente un claro resentimiento hacia Nolan, ya que su plan era dejarlo en la Tierra y además ha escuchado que la relación con su madre fue solo un error, por lo que no quiere pasar tiempo con su padre.
Esto da lugar a una dinámica bastante interesante que sigue de forma coherente el desarrollo de Omni-Man, quien continúa pagando las consecuencias de su pasado. Por mucho que intente enmendar sus errores, el daño causado es tan grande que no puede deshacerlo fácilmente. Sin embargo, ello nos permite apreciar mejor su evolución como personaje: alguien que ha cometido actos imperdonables y que está condenado a no recibir un perdón pleno.
Esto se refleja especialmente en Oliver, ya que Nolan admite que no debió tener otro hijo y reconoce todos sus errores, pero aun así intenta comprenderlo, sabiendo que el sufrimiento de Oliver es consecuencia directa de sus acciones. De este modo, logra conectar con él, entendiendo que, aunque su pasado fue terrible, sus acciones futuras aún pueden traer algo de bien.
Esto añade mucha profundidad tanto al personaje como a la dinámica familiar en general. Además, en su reencuentro con Mark, vemos cómo se cuidan y se quieren mutuamente, y cómo el miedo a perderse es mayor que el resentimiento. Esto supone un giro importante para Omni-Man, que pasa de una línea más trágica a una más esperanzadora, demostrando el gran cambio que ha experimentado a lo largo de la serie.
La inevitable guerra
Por otro lado, el resto del episodio se centra en el inicio de la guerra contra los viltrumitas. Allen y Zoe logran contactar con la Coalición para reunirse con ellos, uniéndose a Space Racer y Battle Beast como algunos de los pocos capaces de equilibrar la guerra. Esto hace que el conflicto se sienta más intenso y con mucho más en juego, ya que, aunque sabemos que son personajes muy poderosos, también los hemos visto sufrir frente a unos pocos viltrumitas, lo cual representa la acción de una forma diferente.
La acción de la guerra, en algunos momentos, se percibe algo lenta, ya que se relata a través de montajes con poco desarrollo. Aunque esto no elimina la tensión, sí reduce en parte el entretenimiento y la épica que debería tener el inicio de una guerra de esta magnitud, siendo uno de los puntos más flojos del episodio. Aun así, consigue mantener el interés y no se vuelve tedioso.
Asimismo, en este capítulo se le da más protagonismo a Thragg (Lee Pace), el gran líder del Imperio. Aunque tiene más tiempo en pantalla, sigue sin contar con demasiado desarrollo, pero aun así se plantea de forma efectiva la dinámica de su personaje y cómo esto podría desembocar en su clímax en los próximos episodios. Hasta ahora, Thragg se entiende más por su presencia que por sus acciones: vemos el respeto que impone y el miedo que genera tanto en los viltrumitas como en los miembros de la Coalición, lo que sirve como una base muy sólida para desarrollar en el futuro.
La promesa de la gran batalla
Los últimos momentos del episodio se centran en el clímax de las batallas, cuando Thragg ataca el cuartel de la Coalición para acabar con ella de una vez por todas. Aquí vemos a todos los héroes luchar en equipo para resistir el ataque, destacando la primera aparición en combate de Thadeus como uno de los más fuertes. Tras una larga espera, se unen también Invencible y el resto de su familia.
De esta forma, se da paso a una de las mejores escenas de acción de la serie, ya que por fin vemos una batalla equilibrada. A diferencia de otras, esta se centra mucho más en los personajes principales y en cómo sufren dentro del combate. Aunque también hay momentos dedicados a la población común, en esta ocasión lo importante es ver cómo los protagonistas se unen y sus sinergias se convierten en la clave para poder ganar la guerra.
Se trata de uno de los momentos más disfrutables de la temporada, donde cada personaje tiene su oportunidad de brillar y ponerse a prueba. Es una pelea especialmente refrescante dentro de la serie, ya que es la primera vez que vemos una gran batalla realmente igualada. El episodio cierra con la promesa de que en el siguiente veremos el clímax de la guerra en el planeta natal de los viltrumitas.
El último capítulo de Invencible es un gran episodio de transición tras la brutalidad del anterior, en el que se da espacio al desarrollo del conflicto interno de los personajes y a cómo sus acciones afectan al destino del universo. Aun así, presenta algunos puntos débiles que impiden que destaque de forma extraordinaria, aunque todo lo planteado promete un final épico en los últimos episodios de la temporada.
Ya tenemos el primer teaser de la película El señor de los anillos: La caza de Gollum donde va apareciendo poco a poco parte el reparto principal.
El breve vídeo (estático) muestra a Gollum desde lejos, pero presta mucha atención porque poco a poco se va revelando el reparto completo de la película. Encabezados por Andy Serkis en el papel de Gollum y Smeagol (además de ser director) podemos ver que Sir Ian McKellen también regresa como Gandalf, al igual que Elijah Wood como Frodo Bolsón.
A ellos se unirá Lee Pace como Thranduil. La estrella de Fundación (aquí nuestros análisis) interpretó al Rey Elfo en la trilogía de El Hobbit de Peter Jackson, y su regreso es una grata sorpresa para los fans de la Tierra Media.
Entre las nuevas incorporaciones se encuentra Jamie Dornan, protagonista de Cincuenta sombras de Grey, en el papel de Trancos, también conocido como Aragorn. Ese papel lo interpretaba anteriormente Viggo Mortensen, y se ha hablado mucho sobre la búsqueda de su sustituto. Leo Woodall, protagonista de Prime Target, que se pensaba que estaba entre los candidatos, interpretará en realidad a un personaje llamado Halvard, mientras que Kate Winslet (Avatar: Fuego y ceniza, Mare of Easttown) será Marigol.
Gracias a webs y a influencers americanos tenemos más información sobre la reciente proyección de prueba interna de Vengadores: Doomsday, y parece que la película está concebida como una despedida definitiva de algunos de los superhéroes de Marvel favoritos de los fans.
Se ha afirmado ampliamente que recientemente se proyectó ante el personal de Marvel Studios una versión de Vengadores: Doomsday anterior a los nuevos rodajes. Ojo porque como casi siempre, las escenas que se ruedan posteriormente pueden mejorar o destrozar una cinta. Se dice que las críticas fueron abrumadoramente positivas, y ahora han comenzado a filtrarse aún más detalles sobre la película.
Aunque el estudio sin duda habrá sido cauteloso a la hora de elegir a los invitados a la proyección, dependiendo de lo extensa que fuera la lista de asistentes, es posible que se hayan filtrado spoilers legítimos (quizás incluso de forma intencionada para generar más expectación).
Un de las últimas actualizaciones proviene de Feature First, que afirma tener información sobre los planes para los mutantes del UCM antes del reinicio previsto por el cineasta Jake Schreier.
«Fuentes nos confirman que, efectivamente, los mutantes aparecerán en Secret Wars, pero que Doomsday servirá en cierto modo como canto del cisne para muchos de los personajes clásicos de los X-Men de Fox, a pesar de centrarse principalmente en Thor y Steve Rogers»
«Esto ofrece a los fans la oportunidad de disfrutar de una última celebración antes de que Marvel dé paso a su nuevo elenco de X-Men, lo que marca un cambio definitivo en el UCM».
James Mack, ha intervenido para decir lo siguiente:
«Al parecer, en Vengadores Doomsday, todos los X-Men murieron haciendo frente a las incursiones, dejando solo a Mística, RONDADOR NOCTURNO, Cíclope, Lobezno, Deadpool, el Profesor X, Magneto, Bestia, Gambito y un personaje más».
Gran parte de esto coincide con lo que habíamos oído anteriormente. Parece que solo algunos de los X-Men volverán, ya que retomamos la historia del equipo cuando su mundo se acerca a su fin. Eso explica la ausencia de personajes como Jean Grey y Tormenta; salvo alguna sorpresa, es probable que sus respectivos actores no volvieran por falta de interés o porque no se les ofreciera suficiente dinero.
Esto significa que no habrá una gran reunión para esta era de X-Men. En su lugar, librarán su última batalla aquí, y algún que otro mutante aparecerá en «Vengadores: Secret Wars». El Lobezno de Hugh Jackman parece una apuesta segura para esta última, al menos.
Despedirse de los X-Men de la era 20th Century Fox en Vengadores: Doomsday le da a Marvel Studios el respiro que necesita antes del reinicio, al tiempo que permite que esa versión del equipo brille por última vez.
Desde que el cine es cine, la familia ha sido una de las temáticas más aprovechadas hasta la actualidad. Y no me refiero a esa oda a la vida familiar que es la magistral Qué bello es vivir. Hablo de aquellos antihéroes que hacían todo tipo de cosas, buenas o malas, con tal de salvar a la familia. Que se lo digan a Michael Corleone, verdadero protagonista de la saga El padrino, que destroza su familia intentando, precisamente, la salvación de la misma. Y de esto mismo habla Black Rabbit, miniserie que Netflix estrenó en 2025 y que merecía mayor reconocimiento del que tuvo en su momento.
Jake Friedken (Jude Law) es el dueño de un restaurante de moda en Nueva York cuyos ambiciosos planes empresariales se verán entorpecidos por el regreso de su hermano Vincent (Jason Bateman), un desastre de persona con quien Jake fundó el restaurante.
Black Rabbit es una miniserie de auténtico lujo. Uno de sus creadores es el guionista de The order, mi película favorita de 2025, pero también de Creed III o El método Williams (la película que le dio el Oscar a Will Smith, premio que ya nadie recuerda por cierto guantazo).
Y el guión debió gustar, porque Black Rabbit cuenta con todo el armazón estético de Ozark, la serie de culto de Netflix. Tenemos como directores al mismísimo Justin Kurzel (la citada The order, Macbeth), al Jason Bateman (protagonista aquí y en Ozark) o a Laura Linney, coprotagonista de Ozark aunque aquí no aparezca como actriz.
La serie tiene todos los elementos de una trama criminal que pueda atraer a los espectadores. De hecho, el principal problema que presenta es que tiene demasiados, como una ensalada con tantos ingredientes que no encontramos el principal.
Tenemos una trama familiar con dos hermanos de carácter opuestos. Jake es carismático y un vendedor nato. Su hermano Vincent es impulsivo y una bomba a punto de explotar. Pero Jake le adora y está dispuesto a cualquier cosa con tal de salvarle de sus deudas.
Por otro lado, tenemos las subtramas del restaurante, con las propias ambiciones de la chef o una situación de acoso en la que Jake se ve perjudicado por buscar quedar bien con todo el mundo en su afán de querer prosperar por encima de su clase social. Y eso sin contar con la subtrama amorosa con la novia de su mejor amigo.
¿Creéis que hemos terminado? Porque queda toda la subtrama puramente criminal, con Vincent endeudado con la mafia local, que le perseguirá continuamente a lo largo de toda la serie.
Todas estas distintas tramas se estructuran como una cuerda que cada vez se tensa más y más, con obstáculos cada vez más difíciles de superar en lo que concierne a la relación entre los dos hermanos y el conflicto con la mafia, la parte realmente interesante de la serie.
La sensación es que Black Rabbit, como tantas otras producciones estructuradas en ocho o diez capítulos, esconde una buena película entre tanta trama inflada y actores de cierto renombre.
Tenemos a los enormes Jude Law y Jason Bateman. El primero tiene un papel que le queda como anillo al dedo, pero el segundo sorprende en su papel de figura imprevisible capaz tanto de mejorar exponencialmente como de arruinar cualquier plan. Pero es que también tenemos a Sope Dirisu (Gangs of London, Casa ajena), el ganador del Oscar Troy Kotsur (CODA), Dagmara Dominczyk (The Boys) u Odessa Young (Springsteen: Deliver me from nowhere).
Todo ello dirigido con un tono criminal setentero que recuerda desde a las Malas calles de Martin Scorsese a la Antes que el diablo sepa que has muerto de Sydney Lumet. Con un inicio de la serie in media res que, posteriormente, regresa al pasado. Incluso tenemos un capítulo con varias acciones en paralelo.
En definitiva, Black Rabbit es un tenso thriller urbano que abarca más de lo que puede soportar, pero es un lujo ver a dos grandes actores lucirse como hermanos en una entretenida trama que, si hubiera quedado en película, podría haberse convertido en una de las mejores del año.
