Ya tenemos el avance de los estrenos de HBO MAX para octubre 2025, y como siempre, lo compartimos contigo. El mes de octubre se mete de lleno en el terror con el estreno de la serie IT: BIENVENIDOS A DERRY, la esperada precuela de la saga IT que cuenta los orígenes de Pennywise. Además, nos traerá los estrenos de las series LA EMPRESA DE SILLAS, una serie cómica original creada por Tim Robinson, y PEQUEÑOS DESASTRES, un thriller con Diane Kruger en la cabeza del reparto.
Estrenos de HBO MAX para octubre 2025
SERIES de HBO MAX para octubre
13 de octubre
LA EMPRESA DE SILLAS. Nueva serie original
Creada por Tim Robinson y Zach Kanin, la serie cómica original de HBO se estrenará el lunes 13 de octubre. Los nuevos episodios de la temporada de ocho episodios se estrenarán semanalmente hasta el final de la temporada el 1 de diciembre.
Tras un incidente embarazoso en el trabajo, un hombre (Robinson) se ve envuelto en la investigación de una conspiración de gran alcance. Además de Tim Robinson como William Ronald Trosper, el reparto habitual de la serie incluye a Lake Bell como Barb Trosper, Sophia Lillis como Natalie Trosper, Will Price como Seth Trosper, y Joseph Tudisco como Mike Santini. Lou Diamond Phillips vuelve a aparecer como Jeff Levjman.
23 de octubre
PEQUEÑOS DESASTRES. Nueva serie
La serie se centra en la amistad de una década entre Jess (Diane Kruger), Liz (Jo Joyner), Mel (Emily Taaffe) y Charlotte (Shelley Conn), cuatro mujeres embarazadas que se conocen en una clase de preparación al parto y que, aparte de la fecha prevista para dar a luz, no tienen nada en común, pero que se han apoyado mutuamente durante todo el proceso de la maternidad.
En el centro del misterio se encuentra Jess, una madre ama de casa aparentemente perfecta cuyo mundo comienza a desmoronarse cuando lleva a su hija al hospital con una herida en la cabeza que no se explica.
26 de octubre
IT: BIENVENIDOS A DERRY. Nueva serie original
La serie ha sido desarrollada para televisión por los cineastas Andy Muschietti y Barbara Muschietti («IT», «IT: Capítulo dos», «The Flash») y Jason Fuchs («IT: Capítulo dos», «Wonder Woman», «Argylle»). Andy Muschietti dirige varios episodios de la serie original.
Ambientada en el universo de «IT» de Stephen King, IT: BIENVENIDOS A DERRY se basa en la novela «IT» de King y amplía la visión establecida por el cineasta Andy Muschietti en las películas «IT» e «IT: Capítulo dos».
UNA NOCHE ÍNTIMA CON ADAM PALLY. Nuevo especial de comedia original
A partes iguales monólogo cómico, documental y concierto de rock, Adam Pally juega con la verdad —y con su guitarra— en una actuación única.
Interpretado y escrito por Adam Pally; dirigido por Brent Hodge. Producción ejecutiva a cargo de Greg Walter, Trevor Rotenberg, Luke Dillon, Conrad Whelan y Brent Hodge.
DOCUMENTALES de HBO MAX para octubre
3 de octubre
PADRE. Nueva serie documental original
Narra la historia de Lina, una periodista de la República de Moldavia, que recibe un inquietante mensaje de vídeo de su padre, un trabajador migrante en Italia. En el mensaje, le muestra a su hija los moretones en los brazos, infligidos por su empleador. Este momento marca el comienzo de un doloroso viaje, destinado a sacar a la luz los abusos sufridos por su padre, pero también a enfrentarse de forma muy personal con las heridas sin curar del pasado. A lo largo del camino, Lina descubre un patrón recurrente de violencia doméstica y sufrimiento generacional.
PADRE comenzó su recorrido por festivales en 2024 en el Festival Internacional de Cine de Toronto, donde fue el único documental rumano seleccionado. Desde entonces, se ha proyectado en más de 25 festivales nacionales e internacionales, ganando siete premios, entre ellos los del Festival de Cine de Cracovia (Polonia, 2025), el FIPADOC – Festival Internacional de Cine Documental (Biarritz, Francia, 2025) y el Festival Internacional de Cine de Trieste (Italia, 2025).
11 de octubre
LA SOLUCIÓN AL ESTILO DE ALABAMA. Nueva serie documental original
En 2019, unos cineastas visitan una prisión de Alabama para filmar una reunión religiosa. Fuera de cámara, los reclusos les susurran un mensaje: aquí están ocurriendo cosas terribles que se mantienen en secreto. Esto desencadena una investigación inmersiva de seis años para descubrir la realidad que se esconde tras los muros de uno de los sistemas penitenciarios más mortíferos del país.
Gracias a un acceso directo sin precedentes y a vídeos grabados con teléfonos móviles de contrabando, los cineastas se enteran por los reclusos de una muerte sospechosa y violenta. La historia se desarrolla en tiempo real, revelando que no se trata de un incidente aislado y que la versión oficial parece estar lejos de la verdad.
Lo que sigue es una impactante historia de brutalidad, corrupción y un sistema en colapso. Mientras los hombres luchan por su propia supervivencia, se embarcan en una campaña de resistencia, contra todo pronóstico.
22 de octubre
ARMED ONLY WITH A CAMERA: THE LIFE AND DEATH OF BRENT RENAUD. Nuevo cortometraje documental original
El 13 de marzo de 2022, el cineasta Brent Renaud fue asesinado por soldados rusos, convirtiéndose en el primer periodista estadounidense en morir mientras informaba sobre la guerra en Ucrania. Su hermano menor y colaborador, Craig Renaud, recuperó el cuerpo de Brent y sus últimas grabaciones de Ucrania y los llevó de vuelta a la casa de su infancia en Arkansas.
A medida que se desarrolla el viaje de Brent hacia su última morada, la película narra los años que él y su hermano pasaron cubriendo algunos de los conflictos más peligrosos del mundo. Sin vacilar en su descripción de la muerte, la pérdida y el coste de la guerra, la película es el último testimonio de Brent sobre el valor fundamental del reportaje en tiempos de guerra y un homenaje a los periodistas que cubren sobre el terreno, arriesgando sus vidas, los acontecimientos mundiales.
Ahora que el periodismo se ha convertido en una de las profesiones más peligrosas del mundo, ARMED ONLY WITH A CAMERA: THE LIFE AND DEATH OF BRENT RENAUD está dedicada a Brent y a todos los periodistas comprometidos que utilizan sus cámaras para trabajar en pro de la verdad y el entendimiento.
29 de octubre
COUNTRY DOCTOR. Nuevo cortometraje documental original
Desde 2010, más de 140 hospitales de las zonas rurales de Estados Unidos han cerrado, dejando solo un médico por cada 2500 habitantes. COUNTRY DOCTOR sigue al Dr. James Graham en Fairfax, Oklahoma (1263 habitantes), mientras lucha por proporcionar una atención sanitaria adecuada a su comunidad en medio de la escasez de personal y la incertidumbre sobre el futuro.
PELÍCULAS de HBO MAX para octubre
1 de octubre
Destino Final
Destino Final 2
Destino Final 3
Destino Final 5
3 de octubre
It
It: Capítulo 2
4 de octubre
Pesadilla en Elm Street
Pesadilla en Elm Street 2: la venganza de Freddy
Pesadilla en Elm Street 3: los guerreros del sueño
Hace más de una década se estrenó Whiplash, de un entonces director novel como Damien Chazelle. A pesar de que la cinta es relativamente reciente, ya ha pasado a ser un clásico que quedó en la memoria del público y consiguió múltiples premios, convirtiéndose en una de las películas más recordadas de la década pasada.
Advierto al lector que a partir de aquí vienen SPOILERS de la película que, si no habéis visto y preferís saltar, recomiendo pasar directamente al subtítulo ¿Cuál es el Mensaje?
La misma nos presenta a Andrew (Miles Teller), un joven que estudia en el mejor conservatorio de música de Estados Unidos, donde toca la batería. Una noche, mientras practica en solitario, recibe la sorpresa de que Terrence Fletcher (J.K. Simmons), el profesor y músico más prestigioso del conservatorio, quien ha llegado para escucharle. Le pide que le muestre cómo toca en algunos pasajes específicos y Andrew lo hace pero, para su desánimo, Fletcher se marcha rápidamente.
Andrew es una persona algo solitaria que pasa bastante tiempo con su padre en el cine, donde conoce a Nicole (Melissa Benoist), la taquillera. Al día siguiente, Andrew ensaya con la banda sinfónica en la que es batería suplente. Durante el ensayo se percibe que el profesor no confía en él y solo le ve como reserva.
De pronto, entra Fletcher pidiendo escuchar a cada músico. Pasa uno por uno hasta llegar a la percusión: primero escucha a Conolly, el batería titular, y luego a Andrew, a quien interrumpe enseguida. Tras terminar con todos, Fletcher pide hablar con el batería. Todos creen que se refiere a Conolly pero, para sorpresa general, llama a Andrew para decirle que a partir de ese momento formará parte de su banda y citarle para el día siguiente a las seis de la mañana.
Feliz por entrar en la mejor banda del conservatorio, Andrew reúne valor para invitar a salir a Nicole, quien acepta. Al día siguiente llega algo tarde al ensayo, pero descubre que en realidad la clase empieza a las nueve. Comienza como batería suplente, ayudando a Tanner, el titular, a afinar y preparar todo. La rutina parece normal hasta que entra Fletcher, poniendo a todos tensos.
Fletcher presenta a Andrew al grupo y comienzan a ensayar. Todo parece ir bien hasta que el primero detiene la clase porque dice oír a alguien desafinado. Revisa uno por uno hasta expulsar al supuesto culpable entre gritos e insultos, aunque después confiesa que en realidad no era él quien desafinaba. A continuación, le dice a Andrew que tras el descanso le pondrá a prueba.
Durante la pausa, Fletcher habla con Andrew sobre su vida familiar, mencionando que es el único músico de su familia y lo dura que fue para él la ausencia de su madre. Le aconseja que no se tome la música tan a pecho pero sin embargo, al retomar el ensayo, le exige tocar a tempo. Al ver que falla repetidamente, primero le corrige, después se enfada y, en un arrebato de ira, le lanza una silla. Le grita, le insulta, saca a relucir que su madre les abandonó y su padre es un fracasado para terminar abofeteándole mientras le obliga a marcar el ritmo. Andrew, roto, acaba llorando, lo que solo provoca más burlas y humillaciones.
Dolido y decepcionado, Andrew se obsesiona con practicar para alcanzar la perfección, hasta el punto de hacer sangrar sus manos. En su primera cita con Nicole, le habla de su ambición por convertirse en uno de los mejores baterías del mundo y alcanzar la grandeza, lo que hace que Nicole perciba lo absorbente y exigente que es su carácter.
En la primera competición, Fletcher reparte las partituras advirtiendo que si alguien pierde la suya será su fin. Antes de salir al escenario, Tanner deja la suya en manos de Andrew, quien la extravía. Fletcher responsabiliza a Tanner y exige que toque de memoria, pero este se niega. Entonces Andrew se ofrece, asegurando que se la sabe entera. Fletcher acepta, pero le advierte que si falla, quedará fuera de la banda. Andrew interpreta impecablemente y la banda gana el primer premio.
A partir de entonces, Fletcher lo nombra batería principal, sorprendiendo al resto. Andrew empieza a sentirse superior e incluso, en una cena familiar, menosprecia los logros de sus parientes asegurando que prefiere morir joven y ser recordado antes que vivir sin dejar huella.
Más tarde, Fletcher trae de vuelta a Conolly y les hace competir. Considera que este toca mejor y lo designa batería titular, relegando a Andrew. Poco después, Andrew rompe con Nicole, diciéndole que solo es una distracción para su carrera. Ella, dolida, le reprocha su actitud y se marchan.
En otro ensayo, Fletcher aparece visiblemente afectado y les pone una grabación de un antiguo alumno suyo que se había suicidado, explicándoles que fue miembro de la mejor banda del país. Luego, en clase, Fletcher empuja a Andrew, Tanner y Conolly hasta la extenuación, obligándoles a repetir a un ritmo cada vez más rápido mientras les grita e insulta. Finalmente, Andrew logra seguir el tempo perfecto y Fletcher lo confirma como batería principal.
En otra competición, Andrew sufre un accidente de tráfico de camino al evento, pero aun herido llega al escenario. Intenta tocar, pero lo hace mal por el dolor y Fletcher lo expulsa definitivamente. Andrew, fuera de sí, lo ataca frente a todos. Tras el incidente, su padre y una abogada le explican que el alumno fallecido en realidad se suicidó a raíz de los métodos abusivos de Fletcher y le piden que testifique contra él. Andrew finalmente acepta.
Tiempo después, Andrew ha dejado la música. Una noche entra en un club de jazz y encuentra a Fletcher tocando. Este le cuenta que fue despedido por culpa de alguien que le denunció y que ahora dirige una banda en un prestigioso festival de jazz. Conversan sobre cómo buscaba formar al próximo gran músico y cita la anécdota de Charlie Parker y Jo Jones, justificando su dureza.
Antes de irse, Fletcher le propone a Andrew tocar en la próxima presentación. Tras pensarlo, acepta. Se prepara y trata de retomar contacto con Nicole, pero descubre que ya tiene pareja.
El día del evento, Fletcher engaña a Andrew anunciando un repertorio distinto al que habían ensayado, dejándole sin partituras ni preparación. Humillado, Andrew abandona el escenario, pero después regresa y empieza a tocar por su cuenta. Su actuación sorprende a todos, incluso a Fletcher, que termina siguiéndole junto al resto de la banda. Andrew despliega todo su talento en un solo apoteósico que demuestra su maestría. Maestro y alumno se miran con complicidad y Andrew cierra la pieza mostrando su dominio absoluto de la batería ante el público.
¿Cuál es el mensaje?
Muchas veces el mensaje de la película es malinterpretado, ya que a menudo se confunde con una cinta motivacional. En realidad, la obra muestra los peligros de la obsesión. Si bien Andrew logra su objetivo y aquello que tanto deseaba a lo largo del filme, no le ha salido gratis: lo ha perdido todo. Ya no está en el conservatorio, no mantiene vínculos más allá de la relación con su padre y, por encima de todo, se ha hecho daño a sí mismo. Por la obsesión de convertirse en un gran batería sufrió accidentes, abusos psicológicos y un enorme desgaste personal.
La película mantiene en todo momento un ritmo frenético y acelerado. Esto no es casual: se busca que el espectador sienta lo mismo que Andrew, cómo todo le afecta y cómo cada situación resulta tan estresante y asfixiante. No parece algo que cualquiera quisiera experimentar. El filme nos muestra cómo el protagonista se va deteriorando cada vez más; al principio practicaba con normalidad y al final termina haciéndose sangrar las manos.
Andrew es la encarnación de hasta dónde puede llegar la obsesión. Cuando una persona está cegada por la perfección, nunca está satisfecha. Esto se refleja en el hecho de que Andrew sí tocaba al tempo correcto y con gran precisión; lo hacía a la perfección y aun así nunca era suficiente. En realidad, aquello que le llevó al límite era lo mejor que podía dar en ese momento, pero Fletcher nunca se lo reconoció.
Terrence Fletcher
La de J.K. Simmons, en este papel, ha sido catalogada como una de las mejores interpretaciones de la década y no es para menos: de hecho, le ha valido el Oscar como mejor actor de reparto. Todas las escenas en las que aparece su personaje son memorables: desde su forma de hablar ya impone y con su sola presencia resulta aterrador. Cada vez que entra en pantalla sentimos miedo de lo que pueda ocurrir, ya que queda claro que su personaje, aparentemente, no tiene límites.
Desde la primera escena se nos muestra como alguien prácticamente superior, alguien a quien todos guardan un gran respeto que, en realidad, es miedo. Vemos cómo no tiene el menor remordimiento a la hora de hacer sentir inferiores a sus alumnos solo por el simple capricho de querer descubrir al siguiente gran batería. Comprendemos que no busca que exista “el próximo Charlie Parker”, sino que lo que desea es ser él quien lo descubra. Por ello, no se comporta así solo con Andrew, sino que intuimos que ha hecho lo mismo con la mayoría de sus estudiantes.
El desempeño de J.K. Simmons es impecable: en todo momento, con su voz y sus gestos, transmite una tensión constante, como si estuviera a punto de destrozar a Andrew, pero al mismo tiempo dota al personaje de carisma. Sus bromas y comentarios sarcásticos logran que, de manera contradictoria, resulte un poco más cercano. Si su personaje solo sirviera para atormentar a Andrew, probablemente lo odiaríamos, pero gracias a la mezcla de carisma y presencia que Simmons le imprime, terminamos sintiendo cierta fascinación hacia él, lo que resalta aún más la grandeza de su interpretación.
El ritmo
El ritmo de la cinta es excelente. En una historia que habla de la obsesión, mostrándola en sus excesos; el ritmo frenético y sin espacio para el respiro resulta impecable. La película dura apenas una hora y cuarenta minutos, pero suceden tantas cosas y tan rápido que parece mucho más larga; al inicio del tercer acto da la impresión de que llevamos horas inmersos en la trama cuando en realidad solo ha transcurrido poco tiempo.
La cinta no concede pausas. Incluso los momentos aparentemente más calmos no lo son en realidad. Un buen ejemplo es la escena de la cena familiar: empieza como un encuentro tranquilo, pero poco a poco la conversación se convierte en un bombardeo de información que transforma lo que parecía un simple diálogo en una situación tensa e incómoda.
Esto alcanza su punto álgido en las secuencias musicales. El ritmo y el montaje se entrelazan a la perfección con la música, de modo que la presión de Andrew por destacar y tocar de forma impecable la sentimos también como espectadores. Así, estas escenas resultan aún más impactantes y convierten a la música en un personaje más. Y un recurso narrativo fundamental.
Lo visual
Al mismo tiempo, la película destaca de forma notable por su aspecto visual, especialmente por el uso del color a lo largo de toda su duración. La cinta recurre de manera constante al amarillo, símbolo de la pasión de Andrew por la batería y, al mismo tiempo, recurso para reforzar el aura del jazz, que es lo que llena de vida y energía a nuestro protagonista.
Otro color que adquiere gran relevancia es el verde. Muchas veces, sobre todo en escenarios más oscuros, aparece una tonalidad verdosa que transmite la toxicidad del ambiente, mostrando cómo ese mundo va arrastrando a Andrew a una espiral de obsesión. El jazz, aunque es su pasión, se contrapone con el hecho de que Andrew está arruinando el resto de su vida por no conocer sus propios límites.
Un detalle especialmente interesante se aprecia en la primera escena en la que Andrew y Fletcher aparecen juntos: cada uno viste con colores totalmente opuestos, blanco y negro. A medida que avanza la trama, Andrew va oscureciendo progresivamente su vestimenta hasta llegar, en la última escena, a vestir completamente de negro. Este recurso visual simboliza cómo ambos personajes terminan situándose en el mismo plano y compartiendo una misma mentalidad.
El final
Sin duda, el mejor momento de la cinta es su final, donde todos los elementos que funcionan a lo largo de la película se combinan para entregar una escena icónica. Andrew, en su punto más bajo, cuando creemos que ya lo ha perdido todo, se levanta y comienza a tocar de manera impresionante. Durante todo el filme vemos cómo Fletcher ha tenido más peso visual y narrativo que él, pero en esta escena todo cambia.
Andrew se adueña del escenario y de la cámara, que pasa a seguir cada uno de sus movimientos. Los cortes, los planos y la edición se rigen por lo que hace con su batería. Dentro de la propia narrativa, se apodera también de la orquesta: Fletcher pierde por completo el control y solo le queda acompañar a Andrew. Al principio se muestra molesto, pero poco a poco se da cuenta de que está presenciando una de las mejores interpretaciones que ha visto en su vida.
La escena, llena de cortes frenéticos, se siente como un clímax absoluto. Aunque solo estemos viendo a un batería tocar, la puesta en escena lo eleva a la categoría de un héroe en el fin del mundo. Andrew continúa sin detenerse, la música ya es suya y Fletcher, al verlo, termina apoyándole, dándole espacio para brillar. Entre todos los músicos talentosos del lugar, Andrew emerge como la figura principal, atrapando por completo al espectador.
En el último instante, Andrew baja el ritmo y se detiene brevemente. Mira a Fletcher y, por primera vez, ambos aparecen en igualdad de condiciones. Con una simple sonrisa entendemos que los dos han alcanzado su objetivo. Después, Andrew retoma el ritmo y cierra la pieza, poniendo fin también a la película.
Es un desenlace brillante. No necesitamos saber si Andrew se convirtió en el mejor batería de todos los tiempos ni si su relación con Fletcher mejoró. Lo único que importa es que ambos personajes completaron su arco y alcanzaron lo que buscaban, dejando en el espectador una sensación de plena gratificación.
Whiplash es una película magnífica que, aunque sea reciente, es una de las mejores del siglo y que a su vez nos muestra con un gran mensaje los peligros de la obsesión por la perfección.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamosLas Aventuras del Capitán Torrezno, volumen 2. Una maravilla del noveno arte, nacida en España gracias a una excelente edición de Astiberri Ediciones.
“Hace muchos, muchos años, en un destartalado sótano de la madrileña calle Valverde, un viejo funcionario creó sin saberlo una civilización de fundamentalistas religiosos, recolectores de cacahuetes y nostálgicos de la estufa eléctrica.
En medio de este caos de guerras fratricidas e histeria colectiva aterriza un personaje de dudoso origen, achatada figura y pocas trazas de redentor, su nombre es Capitán Torrezno”.
Antes de dar comienzo a la reseña de este segundo volumen, podéis echar un ojo a la reseña del primer volumen pinchando aquí.
Las aventuras del Capitán Torrezno volumen 2: Limbo sin fin y Extramuros es una parte clave de la saga de Santiago Valenzuela, una de las series fundamentales del cómic español del siglo XXI.
En esta entrega, la ciudad de Deeneim enfrenta su mayor peligro cuando el enemigo se encuentra a las puertas.
Entre la fantasía, el costumbrismo y la ciencia ficción, el Capitán Torrezno, un personaje inesperado y poco heroico, se convierte en la única barrera entre la ciudad y la destrucción.
Este volumen recopila los tomos Limbo sin fin y Extramuros, originalmente publicados en 2003 y 2004, e incluye contenido extra como ilustraciones y portadas originales.
Además, Extramuros fue nominada a mejor obra y mejor guion en el Salón del Cómic de Barcelona de 2005.
Limbo sin fin es el tercer tomo de Las aventuras del Capitán Torrezno.
En este volumen, la ciudad de Deeneim enfrenta una amenaza inminente: los centauros del desierto de los tártaros avanzan con fuerza, poniendo en peligro su existencia.
En medio de este caos, el Capitán Torrezno, un personaje poco convencional y con escasas cualidades heroicas, se convierte en la última línea de defensa.
A pesar de su apariencia desaliñada y su actitud despreocupada, su ingenio y su capacidad para sobrevivir en situaciones extremas lo llevan a desempeñar un papel crucial en la historia.
Extramuros es el cuarto tomo de Las aventuras del Capitán Torrezno.
En esta historia, la ciudad de Deeneim enfrenta una crisis aún mayor. Los centauros del desierto de los tártaros han llegado a las puertas de la ciudad, y la batalla por la supervivencia se vuelve inevitable.
En medio de este conflicto, el Capitán Torrezno, un personaje inesperado y con pocas trazas de héroe, se ve obligado a desempeñar un papel crucial.
A pesar de su apariencia desaliñada y su actitud despreocupada, su ingenio y capacidad para adaptarse a situaciones extremas lo convierten en una pieza clave en la defensa de Deeneim.
La presente edición de Astiberri Ediciones.
Debo decir que esta reedición se antojaba necesaria. El Capitán Torrezno ha sido publicado en nuestro país en tres editoriales diferentes. Esta edición de Astiberri es la edición definitiva.
Estamos en rústica con solapas, que cuenta con un papel poroso de alto gramaje, que hace agradable su lectura. El tomo tiene unas pedidas de 21×29,7cm, consta de 256 páginas en glorioso blanco y negro (excepto 8 páginas de extrasa color) y cuenta con un P.V.P. de 27€.
Este primer tomo, se encuentra disponible desde el 18 de enero de 2024 y podéis adquirirlo en vuestra librería habitual, en grandes superficies o en la web de Astiberri si pincháis aquí.
No obstante, justo aquí debajo, os dejo un avance para que podáis disfrutar de las primeras páginas.
Santiago Valenzuela. El creador de estas aventuras.
Santiago Valenzuela García. Nacido en San Sebastián (Guipúzcoa), en 1971. De casta le viene al galgo, puesto que su padre es el escritor orensano José Eduardo Valenzuela (de 97 años de edad).
Volviendo al padre del Capitán Torrezno … Licenciado en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, en la especialidad de grabado. Ha trabajado como ilustrador en diversos medios como el diario El País y otros medios de comunicación.
Casi todo su tiempo, lo dedica al cómic. En Astiberri ha publicado El Lado Amargo (2005) y El gabinete del doctor Salgari (2007). También es colaborador en diversas revistas como Tos, Humo, Cretino y Dos veces breve.
En el año 2001, dio vida a Las Aventuras del Capitán Torrezno, que hoy nos está publicando Astiberri Ediciones en este formato de gran calidad.
Valoración final de la obra.
Cuando hablamos de Las Aventuras del Capitán Torrezno, no estamos hablando de un cómic cualquiera. Nació en el año 2001 y vio la luz en la editorial De Ponent y se publicaron sus siete primeros álbumes. Más tarde, Panini publicó otros tres tomos.
Pero la vida del Capitán Torrezno no acabó ahí. En 2023, Astiberri Ediciones ha decidido recopilar toda la obra del Capitán Torrezno desde el principio y además, continuar donde lo dejaron las anteriores editoriales.
Debo decir que la edición de Astiberri es una maravilla. Tenemos calidad a un buen precio, en uno de los cómics más originales e imaginativos del panorama español.
Las Aventuras del Capitán Torrezno es una extraña combinación (que funciona de manera excepcional) de cómic underground y fantasía. Sus historias son trepidantes y el dibujo es excepcionalmente bueno. Bueno de verdad.
Además, como buen cómic underground y de contracultura, añade una crítica a la religión y a los fanatismos sin sentido.
En este segundo volumen, la historia va tomando más cuerpo, el dibujo va evolucionando y te deja con más ganas de seguir.
En definitiva … Tenemos la oportunidad de disfrutar de un pedazo de tebeo de aventuras en un mundo fantástico, cuyo sublime dibujo hace que pases una página detrás de otra y no puedas parar. En ningún momento.
Mi consejo es: “Id a por ello. No os vais a arrepentir“. Y como os digo siempre … Echad un ojo, disfrutad y …
La nueva serie de HBO venía avalada por ser del creador de Mare of Easttown. Y sinceramente, se nota que tenemos a Brad Ingelsby, y es que la atmósfera, el desarrollo de personajes y el devenir de la historia con los cliffhangers nos recuerdan a su anterior serie. Pero donde allí todo era bueno (para mí esa miniserie es de lo mejor de HBO en la última década), aquí en Task encontramos muchas luces, pero también sombras que estropean un trabajo redondo.
Nota aclaratoria: Esto no es un análisis de estos capítulos sino una opinión de lo que me ha parecido el inicio de Task. Valoraré si hago un artículo sobre el resto de episodios o si dejarlo aquí.
Demasiado drama familiar en el drama familiar
Creo que Ingelsby esta vez se ha pasado de frenada. Aquí todos los personajes están al borde del suicidio, todos son oscuros, buscan la redención, y se resume en una frase que se escucha en un momento de la temporada «Los hombres malos toman buenas decisiones».
Mostrar este tipo de personajes tan acosados por el drama familiar es un lastre, se nos muestran sin alegría, empapados en alcohol y autodestrucción, lo cual abruma por lo oscura que se vuelve la serie. Este fue un aspecto que lastró la temporada dos de True Detective, en la que todos los personajes estaban a punto de llevarse un arma a la cabeza.
Aqui en Task, tenemos a Tom Brandis (Mark Ruffalo), agente federal curtido que tiene un drama familiar muy gordo y que afecta lógicamente a toda la familia. No lo voy a contar aquí porque se nos va contando a cuentagotas y aunque está muy bien hilvanado es demasiado gore y trágico, dejando al personaje sin redención aparente (llega a decir sobre un miembro de la familia «nunca podré perdonarlo»).
En el lado opuesto tenemos a Robbie Prendergrast (Tom Pelphrey), un «padre de familia» con una doble vida: de día trabaja recogiendo basura y de noche junto a un par de amigos lidera una banda de tres en la que. con unas máscaras terroríficas, roba a distintas bandas de narcotraficantes, hasta que un robo sale mal y las consecuencias serán catastróficas.
Prendergrast no se queda atrás en cuanto a drama familiar y el personaje vive acuciado por las deudas y la pérdida de su hermano.
Una banda de ladrones típica de comedia barata
Sinceramente, lo que le ocurre a la banda protagonista es muy posible que ocurra. Son unos «mataos» y, como tal, se lía un tiroteo con consecuencias funestas que marcarán el destino de la serie.
El tema es que es improbable que el FBI tarde en localizarlos porque son torpes hasta rabiar. Por lo que, en sucesivos capítulos, quiero pensar que será una persecución.
Pero es que para rizar el rizo, Prendergrast toma una serie de decisiones que claman al cielo. Yo me creo que una persona en esa situación tome ese tipo de decisiones erróneas, pero lo que me cuesta creer es que el FBI no lo pille en dos minutos.
Valoración final
Task es un paso atrás en cuanto a la serie predecesora de Ingelsby, que si bien era también un culebrón de cuidado, tenía a una inconmensurable Kate Winslet, además de un cliffhanger de órdago que no mencionaré por si alguien no la ha visto.
Por lo demás, Task es buena serie, teniendo lógicamente un impecable apartado técnico, una gran dirección y una ciudad igual de depresiva que sus personajes.
Personalmente tengo ganas de ver cómo acaba, pero dudo mucho que Task entre en la categoría de las mejores series de 2025.
Hubo un tiempo en el que la televisión no estaba relacionada con la épica. Sí, puede que en los 2000 se estrenaran obras maestras como Los Soprano, A dos metros bajo tierra o The wire. Pero las grandes batallas pertenecían a la pantalla grande, con Gladiator o la trilogía de El señor de los anillos. Todo esto cambió con Juego de Tronos, serie de la cual, desde entonces, toda plataforma ha intentado replicar su éxito. Ahora es el turno de Apple TV+, la productora que más dinero invierte en series que nadie ve, y su El gran guerrero, historia que aborda la unificación de Hawaii en el siglo XVII.
A PARTIR DE AQUÍ, SPOILERS DEL NOVENO Y ÚLTIMO EPISODIO DE EL GRAN GUERRERO.
Tenía que llegar el clímax de la primera temporada para que el cocreador, guionista y protagonista de la serie, el actor Jason Momoa, dirigiera su último capítulo. Sorprende que, en un mundo donde cada nuevo estreno de Netflix se convierte en un fenómeno de masas, la producción personal de toda una estrella como Jason Momoa prácticamente ha pasado de largo en las webs dedicadas a las series televisivas.
Hasta ahora, sabiendo que soy más seguidor del Jason Momoa serio de Juego de Tronos o See en lugar del cachondo de Aquaman, en El gran guerrero tenemos tres tazas de las duras expresiones de nuestro protagonista. Pero ahora tengo la certeza de que hay un director interesante en Momoa, cuyo episodio es el mejor de la temporada.
Y eso que, a nivel argumental, poco hay que decir sobre lo que ocurre. Tenemos una batalla en la que el bando de Keoua se ve reforzado por la creencia de que la erupción volcánica ha sido fruto de los dioses. Los guerreros de Hawaii tienen unas creencias tan fuertes que son capaces de arrancarse los dientes con tal de mostrar su lealtad. Es en esos gestos tan bárbaros donde El gran guerrero se crece.
Por otro lado, se resuelven prácticamente todos los conflictos en el bando de K’aiana. Su hermano confiesa su relación con su mujer y le perdona. Es nombrado como jefe de guerra y la mujer del rey termina como consejera. Por cierto, si hay algo que se postula para la segunda temporada es la tensión entre K’aiana y la mujer del rey.
Posteriormente, con la banda sonora de Hans Zimmer de fondo, comienza la preparación de la batalla, la mejor escena de El gran guerrero. Durante más de veinte minutos, asistimos a la lucha bárbara y encarnizada entre los dos bandos, magníficamente rodada por Jason Momoa. Eso sí, sin el impacto de otras batallas de la televisión, como todas las rodadas por Miguel Sapochnik en Juego de Tronos, las vistas en Shogun o las de See, que sigue siendo la mejor serie de Jason Momoa.
La batalla termina tal y como esperábamos, con las tropas de K’aiana derrotando a las de Keoua de forma implacable, con el uso clave de las armas de fuego. Heke consigue vengarse del guerrero que la violó y K’aiana acaba con Keoua en un duelo que recuerda al de Simba y Scar en el Rey León.
Hawaii parece unificada bajo el mando de Kamehameha, pero Kahekili, desquiciado tras casi matar a su hijo, promete venganza contra K’aiana. Y eso que apenas sabemos nada de futuros extranjeros que se acerquen a la isla…
Termina El gran guerrero, una lujosa superproducción de Apple TV+ que no destaca especialmente en ningún aspecto. Tiene paisajes bonitos, apuesta por idiomas exóticos, cuenta con un reparto carismático y no repara en detalles para explorar el impacto de la cultura hawaiana.
Pero sus escenas no alcanzan el impacto de series similares ni cuentan con personajes memorables. Su trama es previsible pero no deja de ser una producción de aventuras tan entretenida como olvidable.
En el mundo del cine también hay épocas en las que parece que los astros se agrupan. O, mejor dicho, que a determinadas productoras les interesa un personaje y se lanzan varias producciones similares, todas ellas de aparente interés. Ocurrió con Pinocho allá por el 2022, con la versión de Guillermo del Toro y la de Robert Zemeckis o, incluso, con Ulises, con Ralph Fiennes interpretándolo en 2025 y Matt Damon en La odisea de Christopher Nolan en 2026. Ahora es el turno de Frankenstein, ya que la versión de Guillermo del Toro la tendremos para finales de octubre en cines y Netflix y se acaba de estrenar el tráiler de The bride!, adaptación de La novia de Frankenstein prevista para marzo de 2026.
The bride! no adapta como tal la magistral Frankenstein de Mary Shelley, sino la reverenciada La novia de Frankenstein, secuela de la mítica película homónima de 1931, la que aún sigue aportando la imagen canónica del personaje.
En esta ocasión, la historia se readapta a los años 30 para mostrarnos a un Frankenstein que, con la ayuda del doctor Euphronius, resucitan a una chica asesinada para convertirla en la novia del monstruo, lo que pone a la pareja en el punto de mira de la sociedad y de la policía.
Planteada como una Bonnie & Clyde gótica, la premisa me interesa más que ver la enésima recreación decimonónica del Frankenstein de Del toro. Además, la directora es Maggie Gyllenhaal, actriz conocida por su papel, entre otros, en El caballero oscuro y que debutó en la dirección con la muy interesante La hija oscura.
Y tiene repartazo. Jessie Buckley, una de las actrices más en boga, como La novia. Christian Bale, como siempre disfrutando de modificar su aspecto, como Frankenstein. Pero también tenemos a Jake Gyllenhaal (hermanísimo de la directora), Penélope Cruz, Annette Benning o Peter Sarsgaard entre otros.
Para mí, una de las películas más esperadas de 2026.
Con más preguntas que respuestas, llegó a su cierre la primera temporada de Alien: Planeta Tierra. Analizamos lo que nos ha dejado la misma y, de manera especial, este octavo episodio final cuyo título es Los Verdaderos Monstruos. Creada por Noah Hawley, la serie puede ser vista en Disney+.
Hola otra vez, mis queridos xenomorfos. Ha concluido la primera temporada de Alien: Planeta Tierra y deja sensaciones encontradas. Hasta dos episodios atrás, la serie venía bien y mejorando, pero se estancó en el anterior y termina concluyendo la temporada con una entrega algo caótica que no cierra ninguna de las subtramas ni termina de dar a ciertos personajes el desarrollo que hubieran merecido.
Pero basta de preámbulo y pasemos pues a ver qué nos ha dejado este octavo y último episodio de la temporada, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Somos Fantasmas
Después de los sucesos del episodio anterior y la “traición” de Joe a último momento, los niños híbridos están en una celda y Nibs acusa a Curly de haberlos entregado, reponiendo esta que, de haberlo hecho, no estaría allí con ellos.
Marcy le cuenta de las tumbas, incluso de la suya propia, pero ella dice que en todo caso pasaron a una existencia mejor e inmortal. Para Marcy, en cambio, pasaron a ser entes que no son niños ni adultos y cuando Nibs acota “somos fantasmas”, se queda pensando en que lo que hacen los fantasmas es asustar, así que ya es hora de dejar de temer para pasar a ser temidos.
Toda la escena es vista a través de los monitores por Kavalier hasta que Marcy emite los sonidos que la conectan con el alien que, fuera de las instalaciones, acusa recibo. Súbitamente, todo el sistema monitorizado se interrumpe y Kavalier queda a ciegas, presumiblemente por obra de ella.
En comunicación con Kirsh, pregunta por qué mantienen vivo a Morrow, replicando el synth que puede servir ante la inminente invasión de la isla por parte de Yutani y es mejor obrar con inteligencia.
Haciendo alarde de su apodo, el “niño prodigio” objeta que nadie tiene tanta como él, pero Kirsh le echa en cara que sus trastornos no le permiten controlar sus impulsos y le dice algo de una medicación antes de que la comunicación se interrumpa, no pareciendo esta vez obra de Marcy sino de Yutani, para esas horas en plan de invasión.
Irritado y luego de enviar a decir a Kirsh que se ocupe de restablecer las comunicaciones, Kavalier se queda mirando al pulpojoveja y es obvio que sigue pensando en darle un cuerpo humano pero, reflexionando en voz alta, concluye en que, por las dudas, será conveniente alguien débil.
Morrow vs. Kirsh
Marcy, desde su encierro, sigue manejando la tecnología a su antojo. Encierra en un elevador a los ex compañeros de Joe que andan a la búsqueda de alienígenas escapados y activa una secuencia de autodestrucción. Y mientras Sylvia bebe para ahuyentar culpas, le invade sus monitores con imágenes de los niños antes de ser híbridos, repitiéndose particularmente en que Marcy, aun con su aspecto anterior, le preguntaba si estarían bien. En su angustiada ira, Sylvia destruye el ordenador…
Se advierten en Marcy sentimientos encontrados hacia su hermano, a quien ve por los monitores compartir celda con Morrow. Está resentida de que haya preferido a sus compañeros de fuerza por sobre Nibs y se le cruzan imágenes del pasado, cuando estando ella enferma, le enviaba cartas que él, sin jamás visitarla, leía a bordo de un vehículo blindado de lucha urbana. Smee, no obstante, le recuerda que Joe les ayudó y es uno más de ellos…
Aun con sus dudas, pues, ella usa su habilidad para abrirles la puerta de la celda, situación que es aprovechada por Morrow para golpear al guardia y darse ambos a la fuga. Joe dice que irá por los niños y Morrow le aconseja salvar a todos los que pueda porque destruirá el lugar, dicho lo cual se dirige a los laboratorios en busca de Kirsh…
Allí lo encuentra y se produce un enfrentamiento que acaba con el sintético boqueando líquido blanco mientras Morrow le enrostra su condición de simple máquina. Pero cuando está a punto de rematarlo, un sonido le distrae y Kirsh aprovecha para atraparle y asfixiarlo hasta hacerle perder el sentido: la desventaja de ser un poco humano…
Ni Marcy ni Wendy
Kavalier tiene la pésima idea de visitar a los “niños perdidos” en su celda o, mejor dicho, desde afuera de ella, pero antes de que se llegue a dar cuenta de algo, la puerta está abierta y , con una risa nerviosa, se da cuenta que está expuesto. Les cuenta su propia historia y nos enteramos que fue el hijo de un padre borracho y violento al que un día hizo asesinar por un hombre sintético que él mismo fabricó a los seis años (¿Atom Eins?).
Cuando ellos le dicen que no son su propiedad, responde de manera poco cortés y la cosa se pone tensa. Se le van encima y el guardia los apunta con un arma, pero antes de que llegue a utilizarla es destrozado a golpes por Nibs. Marcy le dice a Kavalier que corra y es lo que hace. Ella dice que irá tras él y da instrucciones al resto de separarse e ir por Sylvia, Kirsh, Morrow y los soldados. Curly dice que ahora se llama Jane…
Joe, mientras tanto, es el elegido como receptor del pulpojo, con lo que es la segunda vez en la temporada que alguien proyecta convertirlo en receptáculo de un alienígena: sí que es mala suerte la suya, pero a la larga y una vez más la cosa termina bien para él. Llevándolo engañado con que tiene una propuesta para hacerle que le implicará poder irse con su hermana y no tener que pagar por el pulmón que recibió, Atom Eins le encierra en la habitación de la oveja, cuya celda transparente luce ahora vacía.
Al ver al joven, el pulpojo salta de su globo ocular y va en su búsqueda, lo cual motiva un forcejeo en el cual Joe lleva las de perder hasta que Marcy hace súbita entrada y, de un puntapié, arroja a la criatura a lo lejos dejándola algo aturdida.
Joe intenta terminar de destruirla, pero es golpeado por Eins y lo mismo Marcy que, instantes después, ve al pulpojo, ya recuperado, ir en busca de su hermano. Una vez más, lo arroja lejos y Eins intenta atacarla pero, al ser sintético, ella logra paralizarlo a voluntad mientras él mira hacia todos lados sin entender mucho. El pulpojo, en tanto, escapa de la habitación…
Mientras el pulpojo escapa de la habitación, Joe se disculpa con Marcy por el modo en que actuó con Nibs; ella le recrimina el no haberla considerado persona, como a todos ellos. Dice, por cierto, no saber qué es: ni niña, ni adulta, ni Marcy ni Wendy. Y si algo le gusta de los alienígenas es que son sinceros. Él pregunta por Kavalier y ella responde que anda por allí escondiéndose, pero con alguien especial buscándole, dicho lo cual sale en su persecución…
No eres Peter Pan
Nibs encuentra, en efecto, a Sylvia mientras Smee y Arush hacen lo propio con un destartalado Kirsh que pretende darles órdenes pero termina atado, y un indefenso Morrow que, por mucho que argumente no haber dañado a la madre de Aarush, termina nuevamente inconsciente, pero esta vez de un golpe.
El grupo de seguridad al que antes perteneciera Joe, mientras tanto, ha conseguido escapar del ascensor, pero tienen la mala suerte de encontrarse con la planta alienígena que, escapada, se traga literalmente a su líder, quien patalea en el aire hasta terminar colgando inerte y no está mal.
En los corredores, Kavalier se comunica con sus fuerzas de seguridad para ponerlas al tanto de que va camino a la aeronave y ofrece un millón a quien lo encuentre. Antes que ellos, sin embargo, lo encuentra el xenomorfo, lo que deja al “niño prodigio” paralizado por el terror.
Un grupo armado llega en su apoyo, pero también arriban Joe y Wendy, que ordena a la criatura hacerlos pedazos. “Creo que me oriné encima” dice Kavalier antes de quedar nocaut con un puntapié de Joe en pleno rostro…
Sobre el final, vemos que el fugado pulpojo ha encontrado en la playa el cuerpo del desdichado Arthur y, repitiendo el horrible acto de arrancarle el globo ocular y pasar a ocupar su lugar, toma posesión del mismo.
En paralelo, la isla es invadida por las fuerzas de Yutani mientras Marcy y el resto de los niños tienen a Kavalier, Ellis, Morrow, Kirsh y Sylvia encerrados en la que antes fuera su propia celda, por cuyo exterior se desplaza el xenomorfo, amenazante y con la rescatada cría que creciera dentro de Arthur.
Marcy impreca al niño prodigio, atado, atado en lo alto en una especie de crucifixión que recuerda a la famosa escena del guardia de la cárcel en El Silencio de los Corderos.
Ella le echa en cara que jamás fue Peter Pan, pues nunca fue un niño que no creció sino solo un hombrecito mezquino y estúpido que respondió al odio de su padre convirtiéndose en él. Y remata diciendo que ahora el mando lo tienen ellos. Kavalier asiente mientras ríe estúpidamente, como durante prácticamente toda la temporada…
Lamentablemente, y tras haber ido de menor a mayor hasta el sexto episodio, duele decir que la temporada ha desbarrancado con los dos últimos y de manera más marcada en este. No solo no ha respondido ninguna de las preguntas que fue planteando, sino sumado otras y terminado por introducir sobre su final más de un forzado deus ex machina.
¿En qué momento pasó Marcy (o Wendy) a dominar tan fácilmente a voluntad todo lo que sea mecánico, electrónico o sintético? ¿Cuál era el plan de Kirsh, que parecía tener meticulosamente preparado algo que nunca vimos? ¿Y qué fue eso que dijo de la medicación antes de cortarse la comunicación con Kavalier?
¿Y en qué quedó lo de Morrow, que se había propuesto justamente matar a Kavalier? Creía que al menos llegaríamos a ver eso, pero no solo no ha ocurrido sino que el final de su personaje (por lo menos final hasta aquí) ha sido decepcionante para lo interesante que se perfilaba.
Ya he hablado en el análisis anterior de lo poco que ha hecho valer Kavalier su supuesto título de “niño prodigio”. Durante toda la temporada le vimos comportarse como un imbécil y este último capítulo no fue la excepción.
La ausencia, que reclamábamos, de un pasado que explicase su personalidad pretendió ser subsanada con unas pocas líneas de diálogo en las que habló de un padre golpeador y borracho al que asesinó, pero para el peso que tuvo el personaje a lo largo de la temporada, ameritaba un buen flashback, quizás incluso de episodio completo, como el que nos contó la historia de la Maginot.
De Sylvia no sé qué decir, salvo que fue (y es) otro personaje carente de interés. Solo mantuvo una pasiva pose de culpa durante toda la temporada y también aquí faltó un buen flashback que nos permitiera conectar con su sentir con respecto a los niños convertidos en híbridos.
Ni siquiera se enteró de lo ocurrido con Arthur, lo cual podría haber introducido algún giro en su personalidad llevando el personaje a una dimensión diferente y más rica. Y aunque él esté ahora revivido como pulpojo, no sería creíble que, en caso de cruzárselo en la próxima temporada, ella simplemente corriera a sus brazos sin percibir nada extraño…
Y ya que lo nombro: el pulpojo, al que inclusive me tuve que esmerar en dar un nombre (figura mencionado como T. Ocellus, pero me gusta más el mío). ¿A qué se debe su comportamiento? ¿Es simplemente su biología lo que le lleva a ir parasitando sucesivamente distintos cuerpos o hay algo más?¿Qué obtiene de ello?
Si es, como se nos ha mostrado, una criatura inteligente capaz incluso de conocer el número pi (disparatadamente contradictorio con su actitud), podría pensarse que habrá entonces un plan de su parte, pero hasta aquí no tenemos la menor idea ni se nos ha dado una mínima pista. Ergo: deja de interesar. Por lo menos a mí…
Por otra parte y de modo algo cargoso, se nos ha remarcado hasta el último capítulo (incluso desde el propio título) que los verdaderos monstruos no son los alienígenas, sino las corporaciones.
Una cantinela que terminó cansando de tan reiterada y tampoco es que venga a reinventar la franquicia, pues ese planteo ya estaba presente en las dos primeras películas y de manera bien manifiesta en la segunda, expuesto por la propia Ripley en poquísimas palabras y sin necesidad de repetirlo de modo cansino hasta el hartazgo.
Entre lo más interesante de la temporada, hay que hacer justicia con las muy buenas actuaciones de Babou Ceesay, Timothy Olyphant, Lily Newmark, Adarsh Gourav, Jonathan Ajayi o David Rysdahl, quienes claramente se han destacado sobre el resto a lo largo de los episodios sin olvidar, desde ya, el muy buen desempeño de casi todos en el quinto episodio, con el largo flashback de la Maginot.Y ya que hablamos del mismo, merecen igualmente remarcarse los maravillosos guiños retrofuturistas, presentes durante toda la temporada pero de modo especial en ese capítulo.
También ha sido interesante el planteo existencial sobre la identidad, especialmente marcado en el estatus intermedio de los niños híbridos, el cual se ha ido acentuando con los capítulos aunque, lamentablemente, se lo termina simplificando al borrar súbitamente y de un plumazo las diferencias de percepción entre ellos, que ahora dan impresión de compartir todos una misma causa y un mismo bando. Una pena, porque los duelos dialécticos de Marcy con Curly daban para más…
En fin: no se puede decir que la temporada haya sido un desastre porque hasta el sexto episodio venía funcionando bastante bien y parecía ir encontrando su camino, pero el final fue tan decepcionante que nos deja con la desabrida sensación de no haber concluido nada sino simplemente en espera del próximo capítulo, aunque con la diferencia de que no llegará en una semana sino en un año o dos.
Como en su momento he manifestado, nunca me convenció la premisa de que los xenomorfos hubieran llegado a la Tierra antes de los sucesos de la Nostromo. Le quita justamente singularidad a los mismos, pues después de habernos mostrado lo que ocurrió en la Maginot, la impresión es que lo de la Nostromo terminara siendo banal.
Y creo que eso es lo peor que puede pasarle a una precuela: si algo hizo grande a Black Sails es que jamás despojó de su carácter especial a La Isla del Tesoro, sino que, por el contrario, nos dejó con deseos de releer la novela de Stevenson o ver alguna de sus muchas adaptaciones a la pantalla. Algo semejante puede decirse de Bates Motel: nunca le quitó carácter singular y único a la magnífica película que nos legara Alfred Hitchcock (aquí retro-análisis).
Pero, lamentablemente, no es eso lo que hace Alien: Planeta Tierra con respecto a la inolvidable película de Ridley Scott de 1979, sino que, en un verdadero sacrilegio, la convierte en simple anécdota. Y lo más decepcionante es que quien está detrás de ello es Noah Hawley, responsable de la que es para mí la mejor serie en lo que va del siglo (Fargo, de la cual pueden leer aquí los análisis).
Quizás la razón sea que no está aquí en lo suyo, siendo evidente que se lleva mucho mejor con el humor negro, la ironía, el absurdo y los imponderables argumentales que no deben ser confundidos, como aquí ocurre, con deus ex machina.
Habrá que ver qué nos trae la siguiente temporada y me gustaría de corazón que la cosa mejorase, pero el caos en que han sumido a la trama pareciera en cambio anunciar más confusión y quizás nuevas preguntas sin respuestas. ¿Y tienen pensado, según se dice, hacer cuatro? Honestamente no se avizora cómo y es de temer que, al dilatarse tanto, se le siga quitando a las películas de la franquicia eso que en su momento las hizo únicas, sobre todo a las dos primeras.
De todos modos, estaremos aquí al pie del cañón cuando la segunda temporada llegue. Gracias por haberme acompañado en estos análisis. Hasta entonces y sean felices…
Hoy en día, en el mercado audiovisual tan sobresaturado que tenemos, con muchas plataformas y decenas de estrenos cada semana, parece que cada vez más los espectadores buscamos series que nos sorprendan y que nos ofrezcan algo nuevo, desdeñando un poco los productos de corte más clásico. Pero a veces son precisamente esas producciones con el sabor de siempre las que más alegrías pueden ofrecernos. Este es el caso de Tierra de Mafiosos, serie de diez episodios de más o menos 50 minutos de duración que ya podemos disfrutar completa en SkyShowtime.
¿Y que nos ofrece Tierra de Mafiosos? Pues el enésimo acercamiento de Guy Ritchie a las historias de mafiosos que tan bien se le dan. El británico dirige los dos primeros capítulos de la serie, mientras que Ronan Bennett y Jez Butterworth se encargan de escribir y producir la temporada entera, donde un estupendo Tom Hardy ejerce de protagonista acompañado de unos maravillosos Pierce Brosnan y Helen Mirren.
Tom Hardy es el peligroso Harry De Souza
Ya solo por los nombres implicados apetece dar una oportunidad a una serie que no decepciona en ningún momento. La trama gira en torno a Harry De Souza (Tom Hardy), un solucionador de problemas que trabaja para la familia Harrigan, donde ocupa un puesto importante dentro de su jerarquía de mando. Los problemas empiezan cuando el hijo del jefe de los Stevenson, una familia rival, desaparece y el último que lo vio con vida es Eddie Harrigan (Anson Boon), nieto de Conrad (Pierce Brosnan) y Helen Harrigan (Helen Mirren), las cabezas visibles de la familia para la que trabaja Harry
Desde ese momento el afán de Harry será evitar una guerra entre familias que puede llegar a ser muy sangrienta y costosa para todo el mundo. Para ello contará con la ayuda de Kevin Harrigan (Paddy Considine), padre del problemático Eddie y el mejor amigo de Harry desde que los dos estuvieron juntos en un correccional de adolescentes.
Harry y Kevin, dos amigos contra el mundo
El problema es que todo parece ir en contra de los planes de Harry y Kevin, ya que desde dentro de la familia Harrigan parece que hay quien está muy interesado en que estalle la guerra, sin olvidar la trastornada personalidad de Conrad y Helen, los jefes de la familia. Hasta cierto punto, parece que el único normal de todos es el pobre Kevin, aunque descubriremos que también lleva un peso a la espalda muy duro de sobrellevar.
Además Harry tiene que lidiar con los problemas que tiene en su propia familia ya que su mujer y su hija empiezan a estar cansadas del trabajo de nuestro protagonista y de los problemas que este conlleva.
Los Harrigan, una familia muy peculiar
Con todos estos ingredientes los responsables de Tierra de Mafiosos nos ofrecen un thriller de mafiosos en el que se entremezclan con acierto intriga, la acción más salvaje y sangrienta, cierto aire de melodrama familiar, diálogos con chispa y un humor gamberro y sin prejuicios que sirve para desengrasar después de ver algunas escenas y situaciones realmente fuertes. Todo contado con un ritmo trepidante ya que en cada episodio hay una revelación insospechada o un giro de guion que no vemos venir y que hace que el espectador quede atrapado en medio de un mar de muertes a cada cual más truculenta.
Por si todo esto fuera poco, el principal interés de la serie es el magnífico trabajo de todos sus actores. Tom Hardy llena la pantalla con su imponente presencia, ofreciendo un Harry intimidante no solo por su capacidad para la violencia, sino por su inteligencia y astucia, que será puesta a prueba una y otra vez. El actor muestra todas las emociones de su personaje a través de su mirada cansada pero decidida en un magnífico ejercicio de contención que hace que en ningún momento Harry se vuelva una caricatura del típico gánster sádico y violento que hemos visto muchísimas veces.
Para personajes trastornados ya tenemos a los jefes de la familia Harrigan, con Pierce Brosnan y Helen Mirren totalmente desatados y que parece que se lo están pasando en grande, sobre todo el ex007, con un papel totalmente alejado de los típicos caballeros a los que suele dar vida.
En resumen, Tierra de Mafiosos no inventa ni ofrece nada nuevo, pero lo que cuenta y como lo cuenta lo hace de manera perfecta. Tenemos una guerra de mafiosos en la que no faltan las traiciones, las muertes mas sangrientas posibles y las escenas de acción trepidantes. Todo acompañado con unas tramas secundarias que dan personalidad a los personajes sin obstaculizar la historia principal que lleva al espectador a un viaje trepidante a través del submundo mafioso de Londres.
Como punto final señalar que la serie ya ha sido renovada para una segunda temporada que se anticipa apasionante por el final de estos diez primeros capítulos.
Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.
Para hablar de la serie «Muertos S.L» que se puede ver, no os lo vais a creer, en Netflix debemos aclarar varias cosas antes. Al contrario que muchas páginas pedantes en esta santísima y serenísima casa somos de reír. En general de muchas cosas, de casi todo en realidad. Nos resultan especialmente graciosos los Jorge de Burgos de la vida, que creen que la risa hace que nos convirtamos en monos, en gente bobalicona o incluso feliz. La gente seria que nunca se ríe: esa si que es adulta. Todo el día estreñidos, el entrecejo juntito y flexionado. Viktor Frankl contaba en «El hombre en busca del sentido» que él, que pasó por varios campos de concentración nazis, escuchó a unos cuantos que sabían que iban al matadero hacer chistes y reírse. En 2025 aún tenemos a gente que escucha dos chistes en una película o serie y recurre a los lugares comunes para hacerse pasar por alguien muy inteligente y adulto. Ayh arroba policía que me ponen bromas en el café. Ninguno de ellos nunca es la mitad de listo ni complejo que Berlanga o Mel Brooks, pero ahí les tienes, recordando siempre al inmortal Jorge de Burgos, el más terrible villano de todos los tiempos junto a Craso del Espartaco de Kubrick.
Aquí disfrutamos de Muertos S.L. Disfrutamos de la risa elevada pero especialmente de la no elevada. Disfrutamos con los shows de humor absurdo y con el humor de caca, culo, pedo, pis. También puede ser porque abundan los españoles en el blog, ya que la comedia es el género por excelencia del cine español. En fin, hablar de la comedia en el siglo XXI en España es hablar de la Hora Chanante y de Aquí no hay quien viva/La que se avecina. Que al final son cosas que se han mezclado muy exitosamente, como sabe cualquiera que haya visto la comedia más exitosa de la historia de este país. De ahí han salido ya la muy divertida «Machos Alfa» y de lo que se trata hoy, «Muertos S.L.»
«Muertos S.L.» es, a grandes rasgos, una mezcla de las ideas de los hermanos Caballero (La que se avecina) con claras influencias de la espectacular The Office. Se han alejado del habitual entorno familiar o de amigos a los que les pasan cosas, algunas del curro pero muy secundariamente, a centrarse en un entorno laboral de pequeña pyme española. En una muy especial, en una funeraria en la que trabajan como una decena de personas. Todo gira en torno al espectacular Carlos Areces, que interpreta a la mano derecha del dueño. La serie comienza con la muerte de éste, pasando toda la serie a girar en torno a las triquiñuelas malvadísimas, conspiraciones chapuceras, cizañas malintencionadas y actos moralmente horribles que lleva a cabo el protagonista para ser él que asuma el mando de la funeraria. Es el trepa español por excelencia. Se nota a años luz lo muchísimo que Carlos Areces disfruta interpretando a seres mezquinos, malvados y lamentables. Lo borda. Es sensacional.
Alrededor del protagonista en «Muertos S.L.» hay un elenco de secundarios a cada cual más memorable. Ninguna comedia sobrevive con un solo personaje gracioso, claro. Tenemos a la recepcionista hipocondríaca e inocente. Tenemos a un conductor de coche funebre que es básicamente Emilio de Aquí no hay quien viva pasado de vueltas. Tenemos al espectacular tanatopractor autista, aficionado a ir a conferencias de genocidios. También a la viuda del antiguo dueño, que es una mezcla entre inocente, buena persona y profundamente subnormal que no se entera de nada…pero vergonzosamente creíble. Y, por supuesto, destaca y brilla el yerno de la viuda, un pijo inútil fan de Steve Jobs, totalmente absorbido por los vídeos de Youtube sobre emprendimiento y psicología positiva, que se encargará de aparecer como una bomba de estupideces, pérdida de tiempo y dinero para todos. Sí, interpretado por Diego Martín, que siempre hace el mismo papel, pero amado pueblo: aquí llega a su cima de ser aborrecible y sacarnos carcajadas ante las muchas chorradas que se inventa para ayudar a la empresa/torturar a todo el mundo.
Los episodios de Muertos S.L. son cortos, en la tradición más estadounidense, rechanzando la clásica duración de una hora española. Es otro punto a su favor: prácticamente siempre los episodios se cierran con un enganche de algo terrible que va a suceder, dando siempre ganas de más. Si la serie funciona bien no es solo por que el nivel de los actores sean bueno, claro, sino por haberse centrado, como en The Office, en las dinámicas del mundo del trabajo. Y en hacerlo con las particulares cosillas/mierdas/glorias del mercado laboral español. Así, en este empresa familiar, tenemos al patriarca que ha hecho siempre lo que ha querido, al calientasillas eterno que sueña con liderar el cotarro, el becario joven que se arrastra por casi nada, el señor mayor que solo piensa en jubilarse, el enchufado pijo inútil, la concienciada social, el borrachuzo y golfo…es magistral cómo otra vez los hermanos Caballero captan las esencias tragico-cómicas del día a día del país y te hacen reír como un mandril delante de la pantalla.
Como lo es la forma de hablar del negocio: la muerte. En «Muertos S.L.» se meten directamente con los últimos momentos, con lo de llorar, con la tragedia de perder a un ser querido. Y lo retuercen para encontrar los momentos ridículos, las cosas profundamente humorísticas que vienen, precisamente, de la enorme variedad que tienen las personas en este mundo. Es imposible tratar con mucha gente y que no haya comedia. Hablemos de lo que hablemos. Aquí se da un paso más y se hace comedia de las peticiones estrafalarias de los familiares, de las circunstancias de los fallecidos y los embolados que implican para los trabajadores, de velatorios en los que no todo el mundo está vivo y otros en los que no hay muerto.
¿Cómo se pueden meter en «Muertos S.L.» en tantos fregados, incluso cosas como el feminismo, la gordofobia o la acondroplasia? Pues con humor negro, de manera honesta, pero con humor negro. Un humor que está rodado con la ya conocida forma de narrar de The Office, con esos zooms descontrolados a las caras en los momentos más surrealistas que fuerzan casi siempre los jefes o las personas que toman decisiones. Hay tantas cosas terribles que te sacan una risa que no podríamos parar de contarlas, pero no queremos arruinar las sorpresas a nadie. Precisamente como no es humor sectario ni de parte se percibe como algo honesto: no te están dando ningún sermón desde un partido político concreto. Por eso la serie a pesar de tener muy mala baba con temas que en otros ámbitos llevan a grandes polémicas aquí no las hemos tenido.
Aunque nadie debe engañarse: en el retrato del funcionamiento de la PYME, de sus dinámicas, su lenguaje impostado, del propio comportamiento de los que trabajan allí, de las triquiñuelas y de lo tragicómico de tantas situaciones surrealistas de los personajes en su ámbito laboral hay una clarísima intención de desguazar las miserias, contradicciones y al final humor (cuando se ve desde la distancia) de nuestro amado mundo laboral español de las bajas alturas.
HBO lanza el tráiler oficial y el cartel de la serie dramática original IT: BIENVENIDOS A DERRY, que se estrenará el 27 de octubre.
Los ocho episodios de la temporada se estrenarán semanalmente hasta el final de temporada el lunes 15 de diciembre.
La serie ha sido desarrollada para televisión por los cineastas Andy Muschietti y BarbaraMuschietti («IT», «IT: Capítulo dos», «The Flash») y Jason Fuchs («IT: Capítulo dos», «Wonder Woman», «Argylle»). Andy Muschietti dirige varios episodios de la serie original.
Sinopsis: Ambientada en el universo de «IT» de Stephen King, IT: BIENVENIDOS A DERRY se basa en la novela «IT» de King y amplía la visión establecida por el cineasta Andy Muschietti en las películas «IT» e «IT: Capítulo dos».
Reparto: Jovan Adepo, Taylour Paige, Chris Chalk, James Remar, Stephen Rider, Madeleine Stowe, Rudy Mancuso y Bill Skarsgård.
Créditos: Producida por HBO y Warner Bros. Television, desarrollada para televisión por Andy Muschietti, Barbara Muschietti y Jason Fuchs, IT: BIENVENIDOS A DERRY está basada en la novela «It» de Stephen King. Andy Muschietti y Barbara Muschietti (a través de su productora Double Dream), Jason Fuchs, Brad Caleb Kane, David Coatsworth, Bill Skarsgård, Shelley Meals, Roy Lee y Dan Lin son los productores ejecutivos. Fuchs, que escribió el guion del primer episodio, y Kane son los coproductores ejecutivos del proyecto.
Abrí el tráiler de Wicked parte II esperando un poco de brillo musical, una escena brutal de duelo entre Elphaba y Glind, pero no, pero lo que vi fue tensión, oscuridad y luz, amistad y traición, pero sobre todo buena facturación en la edición. Wicked parte II (Wicked: For Good), la secuela que debe culminar una de las adaptaciones más queridas del musical, acaba de soltar un tráiler que no viene de paseo. Viene a maravillar.
Desde el primer segundo escuchas esa tensión sofocada ya que tenemos a Elphaba escondida, haciendo acusaciones en el aire, mientras miradas cargadas de odio y planos de Oz que parecen campos de batalla espiritual, se ciernen en el tráiler. No hay risas tontas ni trajecitos bonitos en exceso (algo hay, pero no en exceso como acabo de decir) pero este tráiler apuesta por lo emocional, por lo dramático, por lo que uno siente cuando sabe que una amistad pudo salvarse, pero decidió romperse.
Veredicto
Este tráiler de Wicked parte II es una bocanada llena de sabor agriducle, ya que te mete en Oz otra vez, no como turista, sino como alguien que sabe que va a quedarse con el viento en la cara. Si logran que la película esté a la altura de lo que prometen en este tráiler, vamos a tener una despedida con mayúsculas.
El 21 de noviembre lo he marcado en rojo. Oz no será igual después de esto.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Del 25 al 28 de septiembre, Málaga se transformará en el corazón europeo del entretenimiento con la llegada de la San Diego Comic-Con Málaga 2025.
¡Y nosotros estaremos allí para contároslo todo!
¡Como medio de comunicación acreditado!
San Diego Comic-Con Málaga 2025
Cultura pop, leyendas vivas y cuatro días de pura fantasía
Tendremos a Arnold Schwarzenegger como invitado de honor, una colección artística única y más de 300 horas de programación, el evento promete emociones para fans, creadores y familias.
La jornada inaugural arrancará con la presentación del cartel oficial diseñado por Jorge Jiménez, artista de DC Comics.
El mítico Arnold Schwarzenegger protagonizará el primer gran panel, donde se repasará su trayectoria desde que era un icono del culturismo a leyenda de Hollywood que ha conseguido llegar a ser.
Y además:
Panel sobre el futuro del cómic europeo.
Apertura del espacio B2B para medios, editoriales y creadores.
Talleres interactivos y zona cosplay para los más creativos.
Viernes 26: Zombies, viñetas y narrativa visual
El universo de The Walking Dead llegará con fuerza gracias a AMC, que presentará un panel exclusivo con Norman Reedus y Melissa McBride.
Y como esto es un evento relacionado con el noveno arte, las editoriales Panini Cómics y Norma Editorial nos revelarán sus próximas novedades.
No debemos olvidar:
Proyecciones de cine fantástico y animación.
Talleres de guion gráfico y creación de personajes.
Espacios para networking y entrevistas.
Sábado 27: Superestrellas del cómic y explosión creativa
El sábado es el día grande y como no podía ser de otra manera, reunirá a dos grandes titanes del cómic como Jim Lee (DC Comics) y Peach Momoko (Marvel Comics).
No debemos olvidar el Concurso Internacional de Cosplay, que será uno de los momentos más esperados del San Diego Comic-Con Málaga y contará con participantes de toda Europa.
Además:
Zona gaming y eSports con torneos y demos.
Actividades familiares: Cuentacómics, juegos de rol adaptados y zona infantil.
Encuentros con autores y firmas exclusivas.
Domingo 28: Homenajes, premios y mirada al futuro
La jornada final rendirá homenaje a los 50 años de Comic-Con, con una mesa redonda sobre su impacto global.
Además, se entregarán premios al:
Mejor cosplay.
Mejor ilustrador emergente.
Mejor corto de animación.
El panel de despedida ofrecerá un adelanto de lo que traerá Comic-Con Málaga 2026.
Bonus: Arte único y sinergias creativas
Uno de los grandes atractivos del evento es la colección “One of Ones” de ECG. Presentará cuatro piezas únicas que fusionan arte, tecnología y narrativa visual.
Además, el espacio B2B facilita encuentros entre medios, marcas y creadores, consolidando así a Málaga como capital cultural europea.
Guía Rápida para Asistentes:
Ubicación: Palacio de Ferias y Congresos de Málaga (FYCMA).
Fechas: Del 25 al 28 de septiembre de 2025
Entradas y acreditaciones: Disponibles (si quedan) en la web oficial.
Cómo llegar a la San Diego Comic-Con Málaga 2025:
En coche: El Palacio se encuentra cerca de la Autovía del Mediterráneo y del Aeropuerto Internacional Pablo Ruiz Picasso.
Puedes seguir las indicaciones hacia el centro de la ciudad y tomar la Avenida José Ortega y Gasset, nº 2.
En autobús: Las líneas 4, 19 y 20 conectan el Palacio con el centro de Málaga. La línea 16 también te lleva directamente al recinto.
En tren: Varias líneas de tren pasan cerca del Palacio, lo que facilita el acceso desde distintos puntos de la ciudad y la provincia.
En bicicleta: Málaga cuenta con una amplia red de carriles bici, lo que permite desplazarse de forma segura y agradable por toda la ciudad.
En metro: Toma la línea 2 del metro y bájate en la estación “Palacio de los Deportes”. Desde allí, solo tendrás que caminar unos minutos hasta el recinto.
Lo que no te puedes perder:
Arnold Schwarzenegger como invitado de honor.
Cartel oficial de Jorge Jiménez (DC Comics).
Colección exclusiva “One of Ones” de ECG: 4 piezas únicas.
El fenómeno del anime es imparable (como muestra el reciente éxito de Clevatess). De ser un nicho para fans ha crecido hasta convertirse en una elección para los espectadores por encima de la tradicional animación de occidente… el reinado de Disney se está tambaleando ante el empuje de filmes como ‘Guardianes de la noche: La Fortaleza Infinita’.
Tras ver la película, decidí dejar reposar mis ideas. Kimetsu no Yaiba se ha ganado un lugar entre mis animes favoritos y quizás por eso salí del cine con sentimientos encontrados. No sabía muy bien cómo empezar esta reseña: la experiencia visual fue impresionante, pero el resultado final me dejó algo frío. ¿Expectativas demasiado altas? Tal vez.
Lo cierto es que la cinta se disfruta. Mantiene ese estilo visual tan característico y deslumbrante que la ha hecho famosa. Sin embargo, el larguísimo y anticlimático flashback final me pareció una decisión narrativa desafortunada. Creo que el formato de película no era el adecuado para esta parte final y quizás este tramo de la historia habría funcionado mejor dividido en episodios.
El drama y la redención, elementos clave del ADN de Guardianes de la Noche, terminan sintiéndose forzados y rompen el ritmo, quedándote helado después de haber tenido las emociones a flor de piel con el glorioso combate que se estaba desarrollando (aquí podéis descubrir algunos de los mejores combates de la historia del cine).
Argumento de ‘Guardianes de la noche: La Fortaleza Infinita’
La película nos sitúa justo después del entrenamiento de los Pilares. Tanjiro, Zenitsu, Inosuke y el cuerpo Matademonios quedan atrapados en una dimensión misteriosa y cambiante, donde finalmente se enfrentarán cara a cara con la amenaza directa de Muzan Kibutsuji. Se desata una guerra total entre los cazadores y los demonios del que dependerá la supervivencia de la humanidad (no os perdáis The Bondsman, donde Kevin Bacon caza demonios). Lo que sigue es una sucesión frenética de combates espectaculares, revelaciones dramáticas y decisiones que cambiarán el destino de los personajes. Todo ello, en las profundidades de un misterioso lugar donde se desarrollará la batalla final… La Fortaleza Infinita.
Lo negativo de ‘Guardianes de la noche: La Fortaleza Infinita’
El problema del ritmo es evidente en muchos pasajes de ‘La Fortaleza Infinita’; se nota que su estructura proviene de una narrativa episódica y hay momentos en que las transiciones entre escenas se sienten forzadas o mal medidas. Eso hace que su duración de casi dos horas y media no siempre logre mantener la tensión. Este es un aspecto que tiene que mejorarUfotable, encontrar una forma de adaptar los arcos del anime al formato cinematográfico sin que el espectador sienta que está viendo una versión extendida de varios capítulos pegados. Sobre todo, para aquellos espectadores noveles que se sientan atraídos por el ruido que ha generado la mediática campaña de promoción.
Narrativamente, la película arrastra algunos vicios de la serie: diálogos previsibles, poca profundidad temática y una estructura centrada en su deslumbrante ejercicio visual. Estos pequeños detalles forman una resolución narrativa sólida pero no brillante, debido a que el impacto se produce en lo visual gracias a sus estilizadas y elegantes peleas. Guardianes de la noche siempre fue una historia de venganza sencilla y ligera, pero falta esa garra por arriesgarse en la narrativa, por ofrecer profundidad en sus diálogos y darle dimensión al contexto del sacrificio que proviene del drama de las emociones humanas.
Lo positivo de ‘Guardianes de la noche: La Fortaleza Infinita’
A pesar de sus errores, Guardianes de la Noche sigue siendo un anime excepcional. Probablemente el mejor shonen actual (os recomiendo leer ‘Dos Espadas’ de Kenny Ruíz), que ha tenido la valentía de ofrecer una violenta fisicidad en sus batallas, mezclando con solvencia el drama, la comedia y la acción. Convirtiéndose en un maravilloso espectáculo visual que ha abierto las puertas del anime al espectador más convencional. Una serie ágil y directa que engancha capítulo tras capítulo sin perder fuerza.
Un anime que es divertido pero que tiene un eje dramático potente que vertebra todas las emociones posibles a través de sus batallas. Tiene un diseño de personajes absolutamente arrebatador, una pléyade de personalidades con características cautivadoras que consiguen hacerte empatizar tanto con los héroes como con los villanos.
Ufotable se supera técnicamente. Las animaciones son espectaculares, con un uso del color, la luz y el movimiento que convierte cada batalla en un ejercicio artístico insuperable. ‘Guardianes de la noche: La Fortaleza Infinita’ es una exhibición audiovisual difícil de igualar, con una estética atractiva que representa las respiraciones de forma fluida y elegante, que se desliza con delicadeza entre los combates generando una explosión de colores vibrantes en la pantalla. Una animación espectacular, digna de estar entre los mejores animes de la historia.
Otra idea genial ha sido el paisaje en el que se desarrolla la historia, ya que el Castillo Infinito se vuelve un personaje más, otorgando la posibilidad de múltiples puntos de acción y generando diferentes espacios donde delinear su exquisita animación. Esto permite una gran variedad de planos, ángulos y escenarios que enriquecen la acción y elevan la propuesta estética.
‘La Fortaleza Infinita’ ofrece una sucesión de escenas con arquitecturas imposibles, demonios inquietantes y explosiones radiantes. Todo ello compone una obra de arte de imaginería visual. Un ritmo frenético en el que no dejan de pasar cosas para encandilar al espectador… el tiempo se detiene mientras aguantas la respiración viendo la plenitud de sus secuencias hasta el punto de llegar a ser excitante y asombroso.
Conclusión
Aun a pesar de su pequeño pecado con el ritmo, ‘La Fortaleza Infinita’ es una obra de arte, una oda a la animación en la que se disfruta de cada uno de sus minutos. Cada batalla se presenta como un acontecimiento único e irrepetible, una delicia envuelta en un caramelo que se saborea al compás de sus bellas imágenes. Su animación hermosa, fluida y vibrante logra que percibamos cada sutil detalle de los momentos de acción, pero también de los instantes emotivos y sentimentales.
Cuenta con una banda sonora que acompaña en todo momento las palpitaciones que siente el público ante lo que está viendo en pantalla, cumpliendo con su misión de crear una atmósfera que une con precisión las imágenes con cada latido emocional del espectador.
Como apunte final siendo fan del anime, tengo que decir que es verdad que la serie Kimetsu no Yaiba siempre muestra flashbacks donde se conoce el pasado de los personajes (en realidad es un recurso típico del anime que a veces corta la acción en el momento menos indicado), lo cual nos hace empatizar con los protagonistas, ya sean demonios o cazadores.
Sin embargo, el flashback final, aunque aporta contexto a un personaje importante, aparece en el peor momento posible y diluye por completo la emoción acumulada durante el clímax. Aunque ‘La Fortaleza Infinita’ sigue manteniendo la esencia tonal del anime, esa larguísima propuesta corta el ritmo de forma brusca y rompe la intensidad de la batalla. Un recurso mal ubicado que deja una sensación anticlimática justo en el cierre de la película. Un final que deja con muchas dudas y que no termina de ser creíble por lo forzado de su autorredención.
Siguiente nivel
‘Guardianes de la noche: La Fortaleza Infinita’ merece la pena verse en una pantalla de cine. Su animación te deja con todos los sentidos de tu cuerpo en alerta para no perderte ningún detalle. Los efectos especiales convierten la pantalla en un torbellino de energía y pasión.Sangre, peleas, acción, melancolía, dolor, muerte, redención… el anime tiene una alta gama de emociones que te harán disfrutar de una grandiosa cinta de animación.
La Fortaleza Infinita es una experiencia visual arrolladora que ningún fan del anime debería perderse. No es perfecta, pero es cine de calidad, que eleva a Guardianes de la Noche al siguiente nivel de la animación.
A continuación, os dejo el tráiler de ‘Guardianes de la noche: La Fortaleza Infinita’:
Con su tercer episodio, continuamos analizando la tercera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon que, en sus andanzas y desventuras, lleva (o trae) a nuestra pareja protagonista a España. Creada por David Zabel, la serie puede ser vista en AMC+.
Bienvenidos nuevamente, caminantes y sobrevivientes. Aquí estamos para analizar un nuevo episodio de la tercera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon, en este caso el tercero, cuyo título es El Sacrificio y, ya a partir de ello, es complemento y contracara del segundo, que se titulaba La Ofrenda.
Daryl está obsesionado con reparar el barco y reemprender el trunco viaje a América, en tanto que Carol hace buenas migas con el padre de Roberto y Justina se siente tan mal de que Alba haya sido elegida en su lugar que termina tomando una impactante decisión. Pero pasemos ya a ver qué nos ha dejado este nuevo capítulo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que, pinchando en los correspondientes links, pueden leer en esta web los análisis tanto de esta como de las demás series de la franquicia.
Guillermo está furioso por la desaparición de sus tres matones, los cuales, recordemos, fueron ajusticiados por Daryl y uno de ellos directamente arrojado a los caminantes desde la muralla. Este era el único sobreviviente del grupo que lo había previamente pasado mal al cruzarse con él durante el día, de lo cual también Guillermo está al tanto, pero desconoce el responsable.
En tono recriminatorio, pregunta a Federico qué clase de comunidad tiene allí que alguien les grita al llegar, una americana cuestiona las costumbres locales y sus hombres desaparecen o directamente son muertos en las cercanías. Se pregunta si son merecedores de la beneficencia del Alcázar y, después de probar el vino y dictaminar que es una mierda, se retira dejando preocupado a Federico, quien da orden de aprontar todo para que los americanos se vayan cuanto antes.
Daryl, de todas formas, ya está en planes de irse. Necesita, eso sí, reparar el barco que ha quedado en la playa y por un momento fija la atención en el panel solar que alimenta de energía a la comunidad. En tono retórico, Carol le pregunta si no estará pensando en robárselo y él no lo niega: ese es nuestro Daryl…
Roberto se ofrece a acompañarle a ver a quien podría ayudarlo con lo del barco. Se trata de alguien con larga experiencia de marino que vive en un faro de la costa.
Al llegar, sin embargo, Daryl se encuentra con que en realidad es una mujer de cabello canoso llamada Valentina (Irina Björklund) que, junto con otros dos sujetos, les reciben armados y ella en particular con un lanzador de arpones.
Una vez que Roberto logra calmarlos (en buena medida con aceitunas), Valentina pone al tanto a Daryl de que sabe algo de navegación, pues ha pasado treinta años al mando de un crucero. Y al verla un momento después besarse con los otros dos, él se anoticia de que los tres son amantes.
Cuando Daryl logra convencerla de echarle un vistazo al barco, ella lo encuentra lleno de agujeros y con el timón en condiciones irreparables. Aunque busca con ello desalentarle y que abandone la loca idea de poner a flotar nuevamente ese cascajo, Daryl pregunta dónde se puede conseguir un timón y, ya resignada, le termina diciendo que en las cercanías hay un antiguo astillero al cual Roberto podría guiarle en el vehículo de ella.
Por el camino, el muchacho le pregunta a Daryl sobre Estados Unidos y, específicamente, sobre New Jersey, a la cual desea conocer debido a su interés por las canciones de Bruce Springsteen. Le muestra además el Camino de Santiago junto a la costa y la estatua que, evocando al apóstol que protege a los viajeros, sigue aún recibiendo ofrendas de los peregrinos que lo recorren…
Caminantes Marinos
Al llegar al astillero, Daryl revisa una a una todas las embarcaciones, pero ninguna tiene timón. Hasta que descubre una que se halla escorada en la playa con el suyo tapado por el agua, lo cual al parecer le ha dejado a salvo de saqueadores y ladrones: pronto sabrán bien por qué…
Mientras Daryl se trepa a la popa del barco para desengancharlo desde adentro, Roberto recoge el timón del agua, pero percibe que hay algo en esta y se siente intranquilo. Una toma subjetiva y submarina nos confirma que, en efecto, algo se está acercando…
No es un tiburón. Un caminante emerge de las aguas y el susto hace que Roberto deje caer el timón. Daryl baja al zombie de un disparo en la cabeza, pero conmina al joven a salir urgente del agua porque podría haber más y no se equivoca, pues al instante comienzan a aparecer de entre la espuma como buzos en misión especial.
De todas formas y como rápidamente pueden comprobar, no solo hay zombies en el agua, sino también en tierra y por todo el astillero y Daryl se dedica a derribarlos uno a uno con el rifle hasta que no le quedan balas.
Haciéndose entonces de un ancla, inicia un revoleo de cabezas, en medio del cual y armándose de coraje, Roberto vuelve al agua y recupera el timón. Teniendo pues ya lo que habían ido a buscar, se marchan presurosos de allí.
En el camino de regreso, Daryl detiene la marcha del vehículo al pasar por la estatua del Camino de Santiago y cuando todos pensamos que será para robar alguna de las ofrendas que le pueda ser de utilidad, lo que hace es dejar a los pies del apóstol el cubo de Rubik que perteneciera a Laurent. Consultado al respecto por Roberto, le cuenta que perteneció a un niño que conoce y que probablemente, para esta altura, ya tenga otro.
Una Muchacha por otra
Carol encuentra a Antonio (Eduardo Noriega), el padre de Roberto, viendo El Ángel Exterminador(Luis Buñuel, 1962) en un microcine que él mismo ha montado. Cuando le pregunta de dónde obtiene las películas, le habla de “misiones de rescate” que, junto a Roberto, realizan cada tanto por los clubes de arte. Carol lo ve como un pasatiempo peligroso y él le pregunta si acaso no se arriesgaría para salvar un Van Gogh o un Picasso. Esas películas, dice, son el legado necesario para que las generaciones venideras sepan cómo fue el mundo previo al apocalipsis. Parece haber buena química entre ambos…
Al salir de la sala, Carol se encuentra con Justina, a quien encuentra apesadumbrada por una especie de “complejo del sobreviviente”, pues la llena de culpa el haber ya salido airosa de seis Ofrendas consecutivas (dejando entrever en ello la mano de su tío) y se siente muy mal por Alba, de quien manifiesta que no podrá vivir sin su madre y viceversa. Lo ve como una injusticia considerando que ella no tiene padres y, por lo tanto, nadie que la extrañe. Carol la entiende, pero le consuela con que no puede hacer otra cosa y la joven da impresión de aceptarlo…
Cuando vuelve a casa de Antonio en la noche, encuentra la mesa servida como esperando compañía y amaga marcharse para dejarle intimidad, pero resulta que la compañía que él espera es ella. Durante la cena, Antonio manifiesta preocupación por Justina, cuyo complejo de culpa le hace a él temer que quizás se entregue como Ofrenda en lugar de Alba. El rostro de Carol acusa recibo, pues no puede evitar relacionar con lo que la muchacha le dijera antes.
Rápidamente, sale a buscarla y encuentra a Federico dando a los moradores un dolido discurso en el cual les anoticia de que, a pesar de sus objeciones, Justina se ha terminado entregando a los del Alcázar en sustitución de Alba. Ya es tarde, pues…
Balance del Episodio
Un correcto capítulo de transición y poco más que ello. Incurre, de hecho, en lugares comunes del género postapocalíptico y de la propia franquicia como los estados dictatoriales que subyugan a las comunidades de sobrevivientes en su propio beneficio.
El Alcázar parece en ese sentido ser algo así como la versión hispánica de la República Cívica Militar en América o Pouvoir en Francia, pues parece regla que, allí donde vayamos, haya siempre quien se aprovecha sin ética alguna del sufrimiento y necesidades del resto. De algún modo, es la historia de Europa tras la caída del Imperio Romano.
Lo del enroque final con Justina ofreciéndose en lugar de Alba es también un sacrificio del tipo que suele verse seguido, así que no es lo que pueda decirse un giro sorpresivo y, en todo caso, preanuncia que la incipiente sociedad de mentor y discípulo entre Daryl y Roberto seguirá adelante y quizás durante toda la temporada, especialmente a partir de que el joven, al regresar, se anoticie de que la muchacha a la que ama ya no está en Solaz del Mar…
Es para celebrar, por otra parte, que estemos volviendo a ver a ese Daryl frío como el hielo, pero que se escuda en su aparente insensibilidad para protegerse de aquello que le hace daño, en este caso el recuerdo de Isabelle y Laurent, pues cuando parecía ya haberse olvidado de ambos, nos sorprendió y conmovió con lo del cubo, un fugaz rapto emotivo de parte de alguien que se empeña en ocultar sus sentimientos de los demás y de sí mismo, pero que no puede evitar que cada tanto alguno se le escape…
Y hablando de escapársele cosas, creo que justamente su falta de compromiso emocional con Carol está llevando la historia hacia un triángulo amoroso que quizás ni sospecha, pues salta a la vista la atracción mutua entre esta y Roberto, pero Daryl, que siempre tiene platea preferencial para ver todo como una mezcla de espía y voyeur, parece de momento no enterarse. Habrá que ver cómo reacciona, pues no da con el tipo de alguien que haga evidentes sus celos, pero es difícil creer que no los tenga.
Personaje interesante Valentina. Una lástima que la hayamos visto tan pocos minutos, pero se me ocurre que tendrá papel más destacado en lo que venga y, quizás, se convierta en el aliado que Daryl en este momento necesita, aunque cuesta imaginar cómo se las apañará para convencerla de sumarse a su causa (¿con aceitunas tal vez?).
Lo que sí está claro es que la alianza entre la ballesta y el arpón puede dar buenos frutos y el hecho de que ella sea una veterana de la navegación y del poliamor le agrega un condimento extra, como también que viva en un faro. Ignoro la razón, pero las historias de faro me cautivaron desde la niñez y siempre creí que a la gente de faro le pasan cosas de faro, distintas que al resto, así que por allí hay también una interesante veta a ser explotada que espero no se desaproveche.
Por último, me divirtió lo de los zombies acuáticos y ni hablar de Daryl revoleando el ancla, como adaptando el universo de la franquicia al medio náutico. Me pareció interesante asimismo la referencia al Camino de Santiago y no pude evitar quedarme pensando si los caminantes no serán de algún modo los peregrinos del futuro. Ah, y en lo personal me encantó también la referencia a Bruce Springsteen, uno de mis artistas favoritos.
En definitiva, un episodio lleno de lugares comunes, pero a la vez emotivo y que nos ha traído algún personaje interesante que, esperemos, no maten enseguida, además de hacernos reencontrar con la versión de Daryl que más no gusta: esa que desconoce la sonrisa y que no tiene prurito en robar o matar, pero que se emociona con un cubo de Rubik…
Les espero para analizar el cuarto episodio y sean felices…
