Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos hablaros de Látigo, de Stan Lynde, llega por fin a las librerías españolas de la mano de Laramie Ediciones como un pequeño gran acontecimiento para quienes seguimos mirando al Oeste cada vez que abrimos un cómic, vemos una película o una serie en streaming.
Látigo, de Stan Lynde
Látigo recoge las tiras de prensa protagonizadas por Latigo Cantrell, un pistolero con pasado complejo que se mueve en esa frontera incómoda entre la ley y la justicia poética.
Este volumen arranca con el origen del personaje, lo que permite al lector subirse al caballo desde el primer disparo y entender qué demonios le empuja a empuñar el revólver y, sobre todo, por qué decide hacerlo de determinada manera.
Stan Lynde trabaja con el formato clásico de tira diaria, así que la narración avanza a base de pequeñas dosis, con chistes de carácter, suspense medido y un tono que bascula entre la aventura y el comentario casi costumbrista sobre la vida en el Oeste.
Aquí no hay un western crepuscular al estilo moderno, sino un Oeste que huele a polvo, a cantina y a periódico dominical, con personajes secundarios que entran y salen del cuadro dejando siempre la sensación de un mundo más amplio más allá de la viñeta.
Las dos historias incluidas se leen como una presentación de credenciales perfecta: En la primera, asistimos a la construcción de la figura de Latigo, mientras que la segunda consolida su rol en el ecosistema del western de Stan Lynde, con conflictos donde el gatillo importa tanto como la palabra dada.
Es un western clásico, sí, pero filtrado por el humor socarrón y la mirada humanista que el autor ya desplegó en “Rick O’Shay” y que aquí se afila en torno a un protagonista más ambiguo y carismático.
El volumen publicado por Laramie Ediciones
Laramie Ediciones presenta Látigo en un tomo en tapa dura de 104 páginas, con un formato de aproximadamente 17 x 24 centímetros que se adapta muy bien a la naturaleza horizontal de las tiras de prensa
El interior se reproduce en blanco y negro, con portada en color, respetando el espíritu original y evitando tentaciones de coloreado apócrifo que tantas veces han arruinado otros rescates de material clásico.
La reproducción es limpia, nítida, y permite apreciar tanto el trazo elegante de Stan Lynde como el entintado de Russ Heath en las tiras del origen del personaje, que aportan un plus de densidad y volumen a las figuras sin cargar la página.
El papel offset elegido da buen contraste, sin brillos molestos, y refuerza esa sensación de estar ante un libro-objeto pensado para durar, no ante un simple contenedor de nostalgia rápida.
Se agradece también el cuidado en la presentación general: Desde el diseño de cubierta hasta la claridad de los créditos y la indicación de que estamos ante la primera recopilación de estas historias en España, la edición transmite la idea de proyecto curado, no de relleno de catálogo.
En un mercado donde el western clásico en viñetas sigue siendo minoritario, que un sello pequeño apueste por un tomo así, bien impreso y a un precio contenido dentro de los estándares actuales, dice mucho de su respeto por el lector y por el material.
Myron Stanford “Stan” Lynde nació el 23 de septiembre de 1931 en Montana y creció literalmente rodeado de vaqueros, ranchos y comunidades nativas, en una reserva india, un paisaje humano y físico que marcaría para siempre su obra.
Esa experiencia vital se traduce en una sensibilidad especial para retratar el Oeste no solo como escenario de balaceras, sino como un espacio donde conviven códigos, culturas y contradicciones.
Stan Lynde se hizo conocido primero con Rick O’Shay, una tira de prensa que mezclaba humor, aventura y reflexión moral y que se publicó durante décadas antes de que el autor abandonara la serie por diferencias con el sindicato.
Tras esa etapa, creó Latigo para Field Enterprises, cuyas tiras se publicaron entre 1979 y 1983, consolidando su lugar como uno de los grandes cronistas gráficos del western en el cómic estadounidense.
Además de su trabajo como historietista, Stan Lynde fue también novelista y pintor, siempre orbitando en torno al imaginario del Oeste, hasta su fallecimiento en 2013.
Su obra, sin la estridencia de otros nombres más mediáticos, ha quedado como una referencia discreta pero fundamental para entender cómo el western se adaptó al lenguaje de la tira de prensa sin perder su alma de frontera.
Como lector empedernido de western en cómic, novela, cine y serie, Látigo me ha parecido una bocanada de aire fresco que, paradójicamente, llega desde el pasado.
No estamos ante el brutalismo de un spaghetti ni ante el revisionismo de los westerns modernos, sino ante una forma de contar que confía en el ritmo diario, en el gag de carácter y en la construcción paciente de un héroe ambiguo a base de pequeños gestos.
El gran valor de este volumen está en esa combinación de clasicismo y matiz: Latigo Cantrell no es el típico pistolero plano, y Lynde, desde la primera historia, siembra dudas, remordimientos y un sentido del humor seco que lo acercan más a los personajes que uno se encuentra en la mejor literatura del género que a los maniquíes de tantas películas de serie B.
Para quienes venimos de devorar a autores como L’Amour, Leonard o A.B. Guthrie, hay aquí un parentesco claro en la forma de entender el Oeste como un territorio moral antes que como parque temático de tiroteos.
En el terreno gráfico, el dibujo de Stan Lynde, apoyado en ocasiones por el entintado de Russ Heath, ofrece un equilibrio muy atractivo entre caricatura y realismo, con rostros expresivos y encuadres que aprovechan el espacio limitado de la tira sin perder sensación de paisaje.
No hay barroquismo ni violencia explícita gratuita, pero sí una elegancia narrativa que, como aficionado al género, disfruto tanto como una buena escena de duelo filmada por Peckinpah o un plano general de Ford.
La edición de Laramie funciona, además, como una puerta de entrada ideal: Tomo único, bien acabado, con un punto de rescate arqueológico pero, sobre todo, con vocación de lectura viva, actual.
Si el western es uno de esos géneros que te siguen acompañando año tras año, Látigo no es solo una curiosidad histórica, sino un título que merece su sitio en la estantería, junto a los grandes clásicos y a las nuevas incursiones en la frontera.
Espero que os guste, tanto como me ha gustado a mí.
Hay noticias que te sientan como un jarro de agua fría, y esta última confirmación oficial por parte de los despachos de Marvel Studios es de esas que duelen de verdad en el orgullo friki que todos llevamos dentro. Tras meses de especulaciones, se ha acabado confirmando lo que nadie con dos dedos de frente quería escuchar, la temporada 3 de Daredevil será la última para esta etapa del personaje dentro del UCM.
Y miren, no nos rodeemos de paños calientes ni echemos balones fuera con discursos corporativos de «queremos dejarlo en lo más alto». A mí, personalmente, me parece una auténtica metedura de pata y un desperdicio colosal de talento, de continuidad narrativa y de respeto hacia una de las mejores encarnaciones que ha dado el género de superhéroes en la historia de la televisión moderna.
Un universo urbano con cuerda para rato (y un reparto irrepetible)
Lo que más rabia da de esta decisión es la sensación de oportunidad perdida. Después de todo el via Crucis que vivieron los fans para rescatar al personaje tras la cancelación de Netflix, y de comprobar cómo Charlie Cox como Matt Murdock, Vincent D’Onofrio en la piel de un titánico Wilson Fisk y el resto de secundarios demostraron que el tono adulto, terrenal y de thriller judicial y mafioso encajaba como un guante en la gran maquinaria de Marvel, resulta incomprensible que echen el cierre del chiringuito tan pronto.
Aquí tienes los análisis de todos los capítulos de Daredevil Born Again
¿De verdad me van a decir que un personaje tan rico, con una galería de villanos infinita y un trasfondo callejero tan magnético, no merecía seguir expandiendo su propio rincón en el universo compartido? Las calles de «La cocina del infierno» no son un decorado de usar y tirar, son un ecosistema vivo que pedía a gritos temporadas estables, cruces orgánicos con otros personajes urbanos y un desarrollo pausado que priorizara el drama humano frente al CGI desbocado de las grandes superproducciones cósmicas.
Cortar las alas a esta producción cuando apenas empezaba a volar con libertad bajo el paraguas oficial de Marvel demuestra que los despachos siguen sin entender del todo qué es lo que fideliza a largo plazo a los espectadores más fieles. Nos han dado una de cal y otra de arena, nos devolvieron a los actores que queríamos, pero nos escatiman el tiempo necesario para saborearlos como Dios manda.
El peligro de quemar las señas de identidad
Con este cierre anunciado tras la tercera temporada, otra gran duda que nos asalta a los que llevamos años siguiendo las evoluciones de Daredevil es si Marvel Studios volverá a relegar al limbo al personaje o si simplemente lo utilizará como un cromo intercambiable para cameos rápidos en películas palomiteras.
Al final, nos quedará el consuelo de disfrutar de estos últimos episodios, pero el sabor a podrido de la despedida prematura no nos lo quita nadie.
¿Estáis tan enfadados como yo con esta decisión de ponerle fecha de caducidad a las aventuras de Matt Murdock o pensáis que es mejor una retirada a tiempo?
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. La Fábrica Nacional de Moneda y Timbre (FNMT) convierte el universo de Francisco Ibáñez en una colección de monedas. La serie, compuesta por nueve piezas de edición limitada, estará dedicada a Mortadelo y Filemón y a otros personajes inolvidables del dibujante barcelonés. Las monedas saldrán a la venta el 7 de octubre, con un precio individual de 29 euros.
Colección de monedas de la FNMT en homenaje a Francisco Ibáñez
La Fábrica Nacional de Moneda y Timbre (FNMT) prepara uno de los homenajes más singulares a Francisco Ibáñez. Con motivo del 90º aniversario del nacimiento del creador de Mortadelo y Filemón, la institución acuñará una colección especial de nueve monedas inspiradas en algunos de los personajes más populares de la historieta española.
La emisión fue autorizada mediante una orden publicada en el Boletín Oficial del Estado y pretende reconocer el valor cultural de la obra de Ibáñez.
El lanzamiento supone llevar por primera vez a la numismática oficial el disparatado universo de la T.I.A., las chapuzas de Pepe Gotera y Otilio o las confusiones de Rompetechos.
Francisco Ibáñez, fallecido el 15 de julio de 2023, acompañó durante décadas a varias generaciones de lectores con un humor basado en el absurdo, la crítica social y una extraordinaria capacidad para retratar la vida cotidiana.
La serie estará formada por monedas dedicadas a Mortadelo, Filemón, el Profesor Bacterio, Rompetechos, Ofelia, Pepe Gotera, el Superintendente Vicente, el Botones Sacarino y Otilio. El orden de emisión comenzará con Mortadelo y continuará con el resto de personajes, hasta completar una colección que reúne buena parte del imaginario creado por el dibujante.
Todas las piezas compartirán un diseño común en el anverso. En él aparecerá un autorretrato de Francisco Ibáñez junto a su firma, la palabra «ESPAÑA» dentro de una nube y el año de acuñación, 2026. En el reverso se mostrará a cada personaje a todo color, acompañado por elementos gráficos que evocan el dinamismo y la expresividad de las viñetas originales.
Las monedas tendrán un valor facial de 1,5 euros, aunque su precio de venta será muy superior debido a su carácter conmemorativo y coleccionable. Estarán fabricadas en cobre recubierto con plata de 999 milésimas, tendrán un diámetro de 38,75 milímetros, un peso de 25,8 gramos y el canto completamente liso. La tirada máxima será de 10.000 unidades por personaje.
Fecha de salida y precio de venta
La colección comenzará a comercializarse el próximo 7 de octubre. Cada moneda se presentará individualmente en una coincard y tendrá un precio de 29 euros, IVA incluido. También existirá la posibilidad de adquirir el conjunto completo, acompañado de un álbum o estuche dedicado a Francisco Ibáñez.
El precio de la colección completa será de 261 euros, aunque la preventa permitirá conseguirla por 247,95 euros hasta el 7 de octubre. La edición limitada y el interés que despierta la obra del autor hacen prever una elevada demanda, especialmente entre los aficionados a la numismática y los coleccionistas de cómic.
Dónde comprarlas
Los interesados podrán adquirir las monedas a través de la tienda oficial de la FNMT, en la dirección tienda.fnmt.es, así como en la tienda física de la institución, situada en la Calle Jorge Juan número 106 de Madrid. También estarán disponibles en establecimientos numismáticos especializados, donde ya es posible consultar condiciones de reserva.
Aunque las piezas cuentan con valor facial reconocido por el Estado, su finalidad principal es la colección y la conservación. En teoría podrían utilizarse como medio de pago, pero los comercios no están obligados a aceptarlas como moneda de uso habitual.
Con esta iniciativa, Mortadelo, Filemón y sus compañeros dan el salto de las páginas de los tebeos al metal. La colección no solo recupera la memoria de uno de los grandes maestros de la historieta española, sino que confirma que los personajes de Francisco Ibáñez forman parte de un patrimonio popular capaz de seguir conquistando a lectores y coleccionistas.
Una ocasión única para hacernos con alguna de las monedas o con toda la colección.
Uno de los grandes placeres de coger vacaciones es el permitirme alejarme de estrenos televisivos y cinematográficos e inventarme mis propios ciclos de películas. Es lo menos que puedo hacer tras analizar la fallida tercera temporada de La casa del dragón, cuyos análisis tenéis en esta sacrosanta web. Así que mi deriva como espectador transcurrió, entre otros universos, por el terror gótico de los años noventa. En concreto, aquellas películas centradas en los tan conocidos como grandes monstruos clásicos: Drácula, Frankenstein, el hombre lobo, el doctor Jekyll, el hombre invisible y la momia. Figuras que protagonizaron grandes películas en la época clásica de la Universal allá por los años 30, y, posteriormente, con producción de la Hammer Films en los 50 y 60.
No es el objetivo de este artículo centrarse en aquellas películas, sino dedicar un espacio a obras más olvidadas y, sobre todo, infravaloradas. No solo porque son películas con algunas virtudes (unas más que otras), sino por el intento de ofrecer adaptaciones diferentes a lo que se había realizado antes. Y eso es algo que deberíamos valorar, viviendo en una época en la que casi todas las películas comerciales parecen proyectadas desde los despachos o, directamente, por una inteligencia artificial.
Así que vamos a repasar, sin spoilers, las seis grandes adaptaciones de los grandes monstruos clásicos durante los años 90.
DRÁCULA DE BRAM STOKER (1992), de Francis Ford Coppola.
Sin lugar a dudas, la película que dio lugar a la fiebre del terror gótico de la década y la más querida por la crítica. Tras unos años 80 repleto de fracasos, el antaño poderoso Francis Ford Coppola regresó por todo lo alto con una tercera entrega de su saga El padrino (pese a que no llegaba a las cotas de las dos anteriores películas, la crítica la valoró como un digno final) y con esta Drácula de Bram Stoker, que bien podría haberse llamado Drácula de Francis Ford Coppola.
El director subvirtió la novela sumergiendo a la película en un excesivo tono romántico que fue todo un éxito. Convirtió a Drácula en un antihéroe capaz de las mayores barbaridades por amor. Y a Mina Harker en una mujer algo menos fiel que la de la novela. Poco importa cuando hablamos de una película que es capaz de atraer por igual a través del eros y el tánatos. O, mejor dicho, romanticismo y terror.
FRANKENSTEIN DE MARY SHELLEY (1994), de Kenneth Branagh.
Con producción de un Coppola crecido tras el éxito de su Drácula, era cuestión de tiempo que se apostara por un Frankenstein. Si Drácula de Bram Stoker contaba con un gran reparto de actores en alza, como Gary Oldman, Winona Ryder, Keanu Reeves o Anthony Hopkins, aquí se colocó toda la carne en el asador.
Dirección de un Kenneth Branagh que venía de conquistar a la crítica en repetidas ocasiones: Enrique V, Los amigos de Peter o Mucho ruido y pocas nueces. Protagonismo además del propio director, acostumbrado a estar presente tanto delante como detrás de los focos. Y un reparto impresionante liderado ni más ni menos que por Robert de Niro como el monstruo.
Rodada con la misma intensidad que buscó aunar romanticismo y terror en Drácula de Bram Stoker, Frankenstein se diferencia de la anterior película en un enfoque menos barroco, más realista y mucho más hablado (lo que, por otro lado, concuerda con el tono de la novela original de Mary Shelley). Puede que lo excesivo de su tono no encaje tanto como lo hizo con Drácula, pero es una película injustamente infravalorada y superior, por ejemplo, a la reciente versión de Guillermo del Toro. Otra cosa (ni mejor ni peor, distinta) es la nueva versión de La novia! que se ha estrenado en 2026.
Aprovechando el tirón, aunque Frankenstein no había obtenido los mismos resultados de taquilla que Drácula, se decidió por una adaptación bien distinta. Era el turno de el hombre lobo, personaje que hasta ha tenido su propia adaptación Marvel con La maldición del hombre lobo.
Lobo cuenta con Mike Nichols (El graduado) en la dirección, un reparto encabezado por Jack Nicholson y Michelle Pfeiffer e, incluso, banda sonora de Ennio Morricone. Pero no es una película más grande que la vida al estilo de la Drácula o el Frankenstein de los años 90.
Situada en el presente, narra como un amable y apocado editor literario es mordido por un lobo y comienza a experimentar cambios en su cuerpo. Así, la mordedura del animal funciona como metáfora del florecimiento del instinto en una sociedad invadida por las normas.
En este sentido, Lobo es un logro tanto por la contenida interpretación de Jack Nicholson como por una pausada sucesión de acontecimientos que van aumentando la intriga. Lástima que, cuando los lobos aparecen, la película se venga abajo. Los efectos especiales no han envejecido del todo bien.
Algo similar ocurre con la banda sonora de Morricone, con algunos temas interesantes y otros olvidables. Parece una película cortada en la que, además, contamos con la magnética presencia de Michelle Pfeiffer.
MARY REILLY (1996), de Stephen Frears.
Aunque Lobo fue un tremendo fracaso de taquilla, Hollywood continuó apostando por este renacer con Mary Reilly, adaptación de la novela de 1990 que, a la manera de Hamnet, supone una nueva mirada sobre una obra ya consolidada.
En este caso, la archiconocida historia del doctor Jekyll y Mr. Hyde es contemplada desde el punto de vista de su sirviente Mary Reilly. Ambos están interpretados, respectivamente, por John Malkovich y Julia Roberts en plenas cimas de su carrera.
A la manera de Lobo, Mary Reilly es una adaptación minimalista, prácticamente centrada en la casa victoriana del doctor Jekyll. Sus puntos fuertes son la extraordinaria ambientación victoriana con una Londres repleta de niebla y barro, las interpretaciones del dúo protagonista (aunque John Malkovich no alcanza la excelencia de los clásicos John Barrymore y Fredric March) y un duro retrato de la diferencia de clases en la Inglaterra victoriana que me recuerda a la magistral novela gráfica Desde el infierno, de Alan Moore, donde el autor denuncia la impunidad de Jack el Destripador por el mero hecho de asesinar a prostitutas.
Algo similar ocurre en Mary Reilly. Stephen Frears (Las amistades peligrosas, Los timadores) da más importancia al sufrimiento social de su protagonista que a la intriga de base. Aunque tiene momentos violentos y un ritmo que aumenta poco a poco la tensión, no termina de cristalizar ni como película de terror ni como romance. Eso sí, no mereció el reconocimiento que tuvo, con dos nominaciones a los Razzie.
LA MOMIA (1999), de Stephen Sommers.
Cuando la corriente del terror gótico noventero parecía destinada a desaparecer, con fracasos de taquilla y Razzies ya mencionados, el mayor éxito de esta revitalización de los monstruos clásicos vino de la mano de un género muy alejado del terror.
Porque, en lugar de remitirse al expresionismo alemán de Karl Freund en la película homónima de 1932, La momia es un excelente filme de aventuras, probablemente lo más cercano que ha estado cualquier largometraje de los trepidantes niveles de Indiana Jones.
La momia luce un ritmo endiablado y unos actores en estado de gracia. Mención especial a la brutal química entre Brendan Fraser (nunca ha estado mejor, ni siquiera en sus papeles dramáticos) y una Rachel Weisz que aún no había abrazado el prestigio crítico.
Y claro, los efectos especiales propios de finales de los 90 pueden haber envejecido e incluso lastrado la calidad de la película. Pero, por suerte, este es uno de esos filmes de aventuras en que no es tan importante qué se muestra sino cómo.
La película no es nada del otro mundo, un disfrutable entretenimiento que combina la ciencia ficción, grandes efectos especiales (esa primera transformación) y el terror final a lo Alien. Si acaso, lo más destacado es que este hombre sin sombra, a diferencia de las ansias de conquistar el mundo del original, tiene unos objetivos más terrenales y pasionales. Si conocéis la obra de Verhoeven, ya imaginaréis por dónde voy y que la película va sobrada de sexo y sangre.
Espero que este artículo os haya servido para recordar o acercarse a nuevas películas que merecen ser vistas.
Ayer nos topamos con unas declaraciones que seguro que van a encender el debate entre los más puristas de la ciencia ficción. Con la maquinaria de Prime Video preparando el estreno de la esperadísima serie Blade Runner 2099, una de sus grandes protagonistas ha salido a la palestra para tranquilizar (o escandalizar, según se mire) a los espectadores más nuevos. Ya me diréis que pensáis, pero me suena a que quieren vender la serie como sea.
Las palabras de la oscarizada Michelle Yeoh, co-protagonista de la ficción televisiva están encendiendo la mecha para todos los amantes de la película original de 1982 (aquí retro-análisis).
Durante una reciente entrevista, la actriz ha revelado que, a pesar de estar ambientada cincuenta años después de los acontecimientos de la cinta secuela dirigida por Denis Villeneuve (aquí nuestra crítica), no es estrictamente necesario haber visto las películas anteriores para sumergirse de lleno en la trama de la serie.
¿Ya no hace falta conocer la película de Ridley Scott de 1982? ¿No es tampoco necesario ver la de Villeneuve? ¿Entonces por qué tendría que interesarme esta serie de 2099?
Una puerta de entrada abierta para los nuevos espectadores
Según ha explicado la intérprete, la producción se ha concebido con la suficiente autonomía como para que cualquier espectador que no esté familiarizado con el universo ciberpunk creado originalmente por Ridley Scott pueda disfrutar de la historia sin sentirse perdido desde el primer minuto. La idea del equipo creativo es construir una trama independiente que sirva como nueva ventana a este distópico y lluvioso futuro sin obligar al público a hacer los deberes audiovisuales previos.
Evidentemente, los seguidores acérrimos de la franquicia que devoraron en su día la obra maestra de 1982 y luego Blade Runner 2049 encontrarán guiños por doquier, referencias cruzadas y una expansión del lore sobre los replicantes y la corporación Wallace. Sin embargo, choca un poco que desde dentro se le reste importancia a la necesidad de empaparse de la mitología clásica, sobre todo teniendo en cuenta el peso colosal que tienen los dos filmes dentro de la historia del cine de género.
El futuro del universo ciberpunk en Prime Video
Mientras esperamos que la plataforma de Amazon ponga fecha definitiva de estreno a Blade Runner 2099 y suelte más información y tráileres, este tipo de declaraciones demuestran que el estudio busca ampliar el abanico de público al máximo, intentando pescar tanto a los veteranos de los replicantes como a una nueva generación que quizás no haya tocado jamás una obra de Ridley Scott o Denis Villeneuve.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Estamos en el Hotel Pax Atocha de Madrid, una vez más con Norma Editorial y dos invitados muy especiales (he escrito «espaciales», pero no es así, son especiales): Koldo Azpitarte y Mikel Bao, con motivo de la presentación de su nueva obra, Relaciones Peligrosas.
Relaciones Peligrosas nos cuenta la historia de Enriqueta «Kety» Lewy. A través de su vida, marcada por el exilio, la ciencia, la memoria histórica y las tensiones políticas del siglo XX, Koldo y Mikel han construido un relato que conecta la biografía personal con la gran historia de la neurociencia española y la compleja red de relaciones que rodeó a la Escuela de Cajal.
En Relaciones Peligrosas, la investigación histórica, la ficción y la mirada gráfica se entrelazan para rescatar nombres esenciales como Ramón y Cajal, Pío del Río Hortega o figuras de la ciencia española que no siempre han tenido el lugar que se merecen.
Pero vamos a dar paso a lo importante, que es hablar con los autores para que nos expliquen cómo se articula una novela gráfica histórica con la vigencia de una historia que sigue dialogando con nuestro presente.
Relaciones Peligrosas
Comenzamos la entrevista …
DAve Solís: En todas nuestras entrevistas siempre empezamos con la misma pregunta clásica: ¿Cuál es el primer cómic que leísteis, que recordáis haber leído, o simplemente el que os voló la cabeza y dijisteis «esto es lo mío»?
Koldo Azpitarte: Yo creo que el primer cómic que leí fue uno de Mortadelo y Filemón. Ese no me voló la cabeza [risas], pero fue fundamental porque me acuerdo de que no entendía los chistes en aquel momento y lo releí hasta el final para entender, por ejemplo, que el vinotero que se llamaba Albino Blanco era un juego de palabras. Creo que efectivamente me ha marcado, porque soy una persona que hace muchos juegos de palabras.
Mikel Bao: Es tu tipo de humor. [Risas]
Koldo: Luego los superhéroes fueron fundamentales en mi educación sentimental como lector. Llegada la adolescencia, Alan Moore y Frank Miller fueron mis grandes héroes. Posteriormente, Will Eisner o Paco Roca también entrarían dentro de mi panteón de autores a los que admiro y que han marcado mi forma de escribir y de leer.
DS: Sí, señor.
Mikel: En mi caso, somos de la misma generación y de lecturas muy parecidas. No me acuerdo de cuál fue el primer tebeo que leí porque era muy crío, a menos que te haya marcado de una manera especial. Sí recuerdo el primer tebeo de Marvel: Uno de Thor. Por eso Thor es mi personaje favorito y escribí un libro sobre él en su momento.
A partir de ahí vino la pasión por Marvel: Meterte en ese mundo y no salir. Más adelante descubres que hay autores que de repente lo cambian todo y lo ponen patas arriba, como Frank Miller y Alan Moore.
Más adelante recuerdo un cómic que me dio la medida de hasta dónde se podía llegar y decir «esto puede ser otra cosa», que fue El cuento de una rata mala, de Bryan Talbot. Fue leerlo y decir: «Cuidado, esto ya no es solo una cosa de dramas, culebrón interminable de superhéroes o humor; de repente te encuentras una historia con un montón de dimensiones y de ideas».
A partir de ahí llegó la novela gráfica, por supuesto Paco Roca, y todo lo que te caiga. Por no hablar del manga.
DS: Paco Roca e incluso el manga, sí, señor.
Mikel: El manga es un descubrimiento desde Akira, absoluto. El que no lo haya descubierto no sabe lo que se está perdiendo.
Koldo y Mikel, en la sala de entrevistas del Hotel Pax Atocha de Madrid
DS: Vaya que sí. Vamos a lo importante, que es Relaciones Peligrosas, ¿cómo nace y en qué momento os dais cuenta de que la historia de Kety Lewy debe ser contada?
Koldo: El origen del proyecto surge porque soy médico y admirador de Cajal desde niño; para mí es uno de mis héroes. Cuando terminamos El diablo y el señor Twain, dijimos: «¿Y ahora qué hacemos? Voy a mirar a ver si podemos hacer algo con Cajal, que esto me mola»
Me leí unas cuantas biografías y vi la serie de televisión, pero me di cuenta de que realmente la biografía de Cajal ya estaba bien contada. No había nada nuevo, y nosotros siempre intentamos contar una historia novedosa para nosotros, desde un punto de vista diferente o que hable de nosotros.
Investigando descubrimos la figura de Kety Lewy: bibliotecaria y secretaria de Cajal, que en los últimos años de vida de este ordenó su biblioteca y destruyó correspondencia. Es una figura fascinante porque es hermana de Irene Falcón, quien también fue secretaria de Cajal durante dos o tres años y la mano derecha de la Pasionaria.
Cuando Cajal muere, al cabo de unos años, en la Guerra Civil, Kety se tiene que exiliar y se va con su hermana y La Pasionaria a Rusia.
Allí hacen radio y siguen haciendo política en el exilio, hasta que por una cuestión de faldas (Irene Falcón se enrolla con un checo y eso le sienta muy mal al régimen estalinista) acaban ninguneándolas y se marchan a China. Llegan justo con la revolución maoísta y siguen su periplo en Radio Pekín haciendo programas para España. Su vida es fascinante.
Podríamos haber contado esa etapa, que ya está bastante recogida en «Asaltar los cielos«, la biografía de Irene Falcón. Por eso decidimos centrarnos en la vuelta de Kety a España, en el periodo previo a La Transición, entre 1971 y 1977.
Ese periodo convulso nos ayuda mucho a entender la mirada hacia el pasado y el intento de reconciliación que supuso la Transición. Nos pareció el punto de partida ideal para contar todas las historias que teníamos acumuladas.
Koldo y Mikel, junto con Juan Díaz Canales; en la presentación en Generación X
DS: Superinteresante. La obra parte de una figura real, pero está definida por vosotros como ficción.- ¿Cómo conseguisteis encontrar el equilibrio entre el rigor histórico y las licencias narrativas?
Mikel: La ventaja de la documentación es que te enseña cómo eran las cosas; a partir de ahí, lo que ha hecho Koldo es darle una estructura dramática. Incluyes detalles, personajes y ajustes manteniéndote dentro de un marco realista, sin cambiar la historia, pero dándole forma.
Donde más añadimos es en la parte del «presente». Aparecen personajes ficticios inventados por nosotros que nos sirven para que la historia de Kety en los años 70 se relacione claramente con el pasado. Ese es el juego.
Koldo: Hay una imagen especular entre Kety y Estela: Dos mujeres en momentos históricos diferentes. En uno, la mujer no puede ser científica porque no existía esa posibilidad; en el otro, ya lo es. Son dos mujeres arrastradas por conflictos: Una por la Guerra Civil y la otra por los movimientos revolucionarios contra el franquismo. Nos interesaba crear esa relación para ver la evolución de ambas y cómo se ayudan entre sí.
Página de Relaciones Peligrosas
DS: En la documentación aparecen nombres esenciales de la ciencia española, desde Ramón y Cajal hasta Pío del Río Hortega.- ¿Qué os sorprendió más al investigar este contexto? ¿Qué os encontrasteis que no esperabais?
Koldo: Pío del Río Hortega fue la gran sorpresa. Como fan de Cajal, me hubiera gustado decir que era un hombre perfecto que nunca cometió errores, pero quizá el mayor fallo que tuvo fue expulsar de su círculo a Pío del Río Hortega por motivos que aún no están claros. Ya los tratamos en la obra, pero tampoco es necesario entrar al cotilleo.
Lo importante es saber que Pío del Río Hortega descubrió dos tipos celulares de la microglía, lo que lo convierte probablemente en el segundo neurocientífico más importante de la historia: No entendemos el cerebro si no sabemos qué lo compone, y mientras Cajal descubrió dos tipos de células, Pío descubrió otros dos.
Además (Pió del Río Ortega) fue director del Instituto Nacional del Cáncer y creador de la nomenclatura de los tumores cerebrales que todavía hoy se utiliza. Sin embargo, es una figura olvidada por la ciencia española, ninguneado por ser republicano de derechas, y murió en el exilio sin ser reivindicado.
Teníamos un filón, algo muy potente que contar y compartir con todo el mundo.
Koldo, DAve y Mikel.- Hotal Pax Atocha Madrid.
DS: Desconocía totalmente la existencia de Pío del Río Hortega. Kety Lewy también es un personaje muy poco conocido; me enteré de su existencia al leerme el libro, igual que le pasó a Jaime Martín (lo dice en el prólogo).- ¿Qué os sedujo de ella para convertirla en protagonista y qué os permitía narrativamente frente a otras figuras?
Mikel: Kety es el eje que nos sirve para articular la historia; todo gira alrededor de ella. Eso no significa que no participe: Participa y es testigo de muchísimas cosas. A lo mejor no es quien empuja el balón, pero sabe perfectamente quién estaba allí y hacia dónde iba la jugada.
Por eso sirve de estructura para incluir todo lo que nos parece fascinante de ambas épocas, antes y después de la Guerra Civil. Kety, tanto de joven como de mayor cuando regresa a España, conecta a muchísima gente de distintas ópticas políticas y ambientes. Mantiene una visión ecuánime de las cosas; es consciente de lo bueno y de lo malo.
Koldo: Los comunistas del exilio eran más conciliadores que los del interior en esa época. Queríamos agarrarnos a un personaje dialogante que ofreciera una visión de consenso, representativa del espíritu de la Transición y el principio de la democracia, porque nos parece algo muy actual. Necesitamos volver a figuras de consenso y evitar posiciones maximalistas y radicales que no benefician a la sociedad.
DS: Haciendo un paralelismo con la situación actual, los políticos (todos y de todos los colores) pretenden polarizarnos y situarnos en los extremos, algo que a nosotros no nos viene bien. Les vendrá bien a ellos …
Koldo: No creo que le venga bien a nadie, igual que la Guerra Civil no le vino bien a nadie. Mikel: El Régimen cogía de Cajal lo que le interesaba y lo amplificaba. Pasa hoy en día: No hay figura pública o histórica que no tenga múltiples dimensiones. Puedes coger la parte que te guste, pero existe la otra.
DS: Y nos olvidamos de la que nos nos interese …
Mikel: Por eso Kety mantiene esa postura de entender que a lo mejor el comunismo no era tan utópico ni los franquistas eran todos malos, entre comillas. Es la capacidad de relacionarse con personas muy distintas sabiendo quiénes son y asumiendo que piensan diferente a ti.
DS: Y no pasa nada.
Mikel: Claro. Hoy parece que tienes que ser militante absoluto del «sí» o del «no», sin término medio.
Mikel y Koldo
DS: No hay escala de grises. Haciendo un pequeño off-topic: La semana pasada a mi hija de diez años (tengo dos, una de diez y otra de trece) unos chavales de su edad empezaron a criticar a Pedro Sánchez por su gestión en el asunto de Ceuta, en el colegio.
Le preguntaron a mi hija qué pensaba ella y contestó: «En mi casa no hablamos de política, no somos de ningún partido». Le dijeron que era una «roja imbécil». Ella preguntó qué era ser rojo y le soltaron: «¡Pues ser como Pedro Sánchez!». Me parece aberrante con diez años.
Mikel: Bienvenidos al siglo XXI.
Koldo: Es terrible que se adoctrine a los niños y se exija a la gente posicionarse sobre cuestiones complejísimas sin necesidad. Vivimos en una sociedad donde se tensiona la convivencia desde una actitud rentista.
Nos solidarizamos con Ceuta, por supuesto, porque sufren una situación que nadie desea, pero eso no es el problema ni la solución. El fenómeno de los flujos migratorios tiene una dimensión ética: ¿Podemos permitir que la gente muera de hambre mientras vivimos en la opulencia? Como buen cristiano, diría que no.
No sé qué principios morales estamos transmitiendo cuando nos preocupan más las consecuencias locales que las 150 personas ahogadas antes de llegar. Es un debate más moral que político.
Mikel: La próxima vez dile a tu hija que les proponga hablar de la Guerra Civil para divertirse de verdad; verás cómo le dicen que no entra en el plan de estudios.
Koldo: A los niños hay que enseñarles ética, no política.
Página de Relaciones Peligrosas
DS: Los valores se enseñan en casa y en el colegio se transmiten conocimientos. El problema es que el ritmo de vida hace que traslademos nuestra crispación a nuestros hijos. Yo soy del 78 y en el colegio e Instituto, tampoco llegué a estudiar la Guerra Civil: Se priorizaba la Revolución Francesa, La I y II Guerra Mundial y otros temas.
Mikel: Nunca se llega, no interesa que se llegue. La hija de un amigo que está empezando la universidad lo ha dado de refilón porque el profesor se empeñó. De pequeño también tenía amigos en el barrio que me señalaban diciendo «¡Tú eres español!», y yo solo pensaba: «Déjame en paz, que estoy leyendo mi tebeo».
Koldo: Venimos bastante escarmentados de quienes pretenden decirte cómo tienes que ser.
Mikel, Koldo y DAve
DS: Viví seis años en el País Vasco, conocí los resquicios de ETA y esa atmósfera en la que había un atentado y la gente agachaba la cabeza en los bares. Pero avancemos, que esto tiene mucho que ver con la novela. La obra aborda el exilio, las fracturas ideológicas y la memoria del siglo XX.- ¿Buscabais que funcionara como una lectura sobre nuestro presente?
Mikel: Desde luego. No somos originales al recurrir a ello, pero la frase de que «el pueblo que olvida su historia está condenado a repetirla» es rigurosamente cierta. Cuanto más conozcas tu historia, para bien y para mal, mejor preparado estás para identificar lo que puede volver a suceder.
Koldo: Acaba de salir el Informe PISA con datos preocupantes sobre comprensión lectora. El primer paso para desmantelar el Estado del Bienestar es fomentar la ignorancia.
DS: Ciudadanos muy cualificados técnicamente, pero con escasa capacidad crítica.
Koldo: Exacto, sin pensamiento crítico.
Mikel: Frente a los personajes multidisciplinares de la época, que aunaban ciencia y arte, hoy parece que se fomenta el recelo hacia los científicos con discursos «conspiranoicos» de «nos están engañando».
Página de Relaciones Peligrosas
DS: Mikel, en la parte gráfica la obra asume la responsabilidad de retratar una época, recrear ambientes y personajes reales, manteniendo además el pulso dramático.- ¿Cómo trabajaste el equilibrio entre la documentación y la puesta en escena?
Mikel: Viñeta a viñeta y página a página. Partimos de una documentación visual amplísima para diseñar personajes reconocibles dentro de un estilo accesible de línea clara. Con el guion de Koldo, estructurado viñeta a viñeta pero abierto a cambios sobre la marcha, fuimos levantando el cómic.
Primero aboceté las 256 páginas en esquemas básicos (diagramación, colocación de bocadillos y círculos para las cabezas) de manera que la obra ya pudiera leerse íntegramente en ese formato. Teniendo ese mapa, el proceso es más sencillo: Solo queda dibujar, como decía la famosa escena de Amadeus («la música ya está en la cabeza, el resto es garabatear»).
Aunque sobre la marcha ajustas detalles y viñetas, contar con esa estructura facilita el trabajo. Ha sido un método muy fluido y estamos muy satisfechos: La lectura no tropieza, el dibujo aporta el detalle y la ambientación necesarios para resultar creíble sin pretender ser fotorrealista (lo cual resultaría aburrido existiendo la fotografía) y logramos que los personajes sean identificables a lo largo de las distintas décadas.
DS: Lo habéis conseguido por completo. Yo me lo he leído de principio a fin del tirón, y eso que no suelo frecuentar este género (tiendo más a la ciencia ficción, la fantasía o los superhéroes o el wéstern), pero no podía soltarlo.
Koldo Azpitarte: Es el mayor halago que nos puedes hacer.
Mikel: Es genial escucharlo.
Página de Relaciones Peligrosas.- Kety y Estela.
DS: Koldo, tienes una trayectoria muy ligada a la divulgación y al estudio del cómic.- ¿Cómo cambia el chip al pasar del análisis a la creación del guion?
Koldo: Es un paso natural por amor al medio. Fui dibujante y lo dejé porque me suponía demasiado sufrimiento, pero esa experiencia me ayuda a entender las dificultades del dibujante.
He leído y analizado mucho cómic, lo que me ha permitido asimilar sus códigos narrativos. Al final lo que buscas es contar tus propias historias con la mirada puesta en tus referentes; si algún día alguien me dice que una obra nuestra se parece a una de Paco Roca, seré muy feliz.
Mikel: Para nosotros el mundo del cómic es como un gran muro colectivo donde cada autor va colocando sus ladrillos. Sentir que has aportado una o dos piezas a esa construcción y que a los lectores les llega e interesa es un orgullo enorme. Al plantear una obra debes contar aquello que a ti te gustaría leer y confiar en que conecte con los demás.
DS: Justo lo que decía Michael Ende con La historia interminable.
Página de Relaciones Peligrosas
DS: Hay autores que tienen muchísimo que aportar y con vosotros ha sido un auténtico descubrimiento. Para concluir: si tuvierais que definir Relaciones Peligrosas con una sola frase o eslogan publicitario para un lector profano en la materia, ¿cuál sería?
Mikel: «Una historia que merece la pena ser leída». Así de simple. No hace falta saber de neurociencia, de política ni del exilio; funciona por sí misma como un relato apasionante.
Koldo: «Una defensa apasionada de la ciencia frente a la intolerancia».
DS: Impecable.
Mikel: Suscribo totalmente la de Koldo.
Koldo: Esa resume la intención: Construir una obra conciliadora que rescate figuras injustamente olvidadas y rinda homenaje a quienes dedicaron su vida a hacer un mundo mejor.
DS: Lo habéis logrado con creces. Koldo, Mikel, muchísimas gracias por estos minutos de charla, por compartir vuestra obra y vuestra perspectiva histórica con nosotros. Ha sido un auténtico placer teneros en Las cosas que nos hacen felices.
Recordamos a todos que Relaciones Peligrosas ya está disponible en Norma Editorial (pinchad AQUÍ) y os animamos a acercaros a vuestra librería habitual a por ella. Y como siempre decimos:
Nos queda un solo episodio para finalizar la cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds y analizamos pues el noveno, que lleva por título Había una vez La’an. Creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, la serie puede ser viste en España a través de Skyshowtime y en América Latina por Paramount+.
Hola otra vez trekkies y no tan trekkies. Nuevamente aquí para analizar una nuevo capítulo de esta cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds que, sin el brillo de las dos primeras, viene en general aprobando bien y entregándonos episodios divertidos a la vez que visualmente deslumbrantes como este noveno que hoy nos ocupa.
Casi como anunciando su despedida, pues recordemos que la quinta temporada será la última, la serie no solo rinde homenaje a personajes que han pasado en otros momentos de la misma, sino que además parece tambien estarle diciendo adiós a algunos que nos vienen acompañando este último tiempo, lo cual, desde luego, no puede sino producirnos algo de nostalgia anticipada.
Pero pasemos a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en esta web los análisis previos, tanto de esta como de otras series y películas de la franquicia.
Comenzamos con la bitácora inicial a cargo de La’an contándonos que regresan de una misión relacionada con una boda diplomática, pero que se ha producido un buen revuelo al descubrir ella que el dignatario contrayente era un espía orion, acabando la ceremonia con el rostro de este metido en un pastel y el vestido de la novia incendiado (¿por qué no vimos eso???).
Actitudes como esa son justamente las que preocupan al resto, tanto que Pike pide a M´Benga que le realice a La’an un chequeo que, sin embargo, da como resultado que está en óptimas condiciones para su trabajo.
Por otra parte, se cruzan con un planeta errante de forma extraña (parece el sueño de un terraplanista) y que se mueve con energía propia y desafiando toda ley física, a pesar de lo cual cuenta con gravedad, atmósfera e incluso vida.
Liderando Pike un grupo de desembarco, descubren un mundo de fantasía con pequeñas hadas, un bosque luminoso y un castillo que remite a Disney, como si estuvieran en un cuento un gran planeta medieval, aunque Pelia, por propia experiencia, apunta que huele mejor que la edad media.
La sorpresa llega cuando se cruzan con M’Benga y este se pone en guardia, pero las lecturas de Spock indican que no es realidad M´Benga sino un doble que, identificando a La’an como princesa Talia, se apresta a defenderla espada en mano. Por suerte para ellos (o para él) es ella misma quien lo pone en su lugar apuntándolo con su faser (aunque no vemos cómo termina esa escena).
Comunicados con el verdadero M’Benga en la Enterprise, este llega a la conclusión de que se hallan en el Reino Elíseo, mundo que responde a la historia fantástica de aquel libro que él leía a su hija Rukiya y que, por cierto, ya habían visitado en el pasado (temporada 1, episodio 8), pero no conservan el recuerdo por haberles sido el mismo borrado tras la experiencia.
Por alguna razón, supone, la ciencia que posibilitó aquello sigue activa y deberían andar por allí sus dobles, pues en ese mundo Pike era el cobarde Sir Rauth, Spock el oscuro hechicero Pollux y La’an, en efecto, la princesa Talia. Pelia pregunta por su doble y se decepciona al recordársele que no estaba a bordo de la Enterprise en aquel momento.
La’an no concibe que pueda existir un mundo en el cual la magia sea real y Spock le recuerda que la ciencia muy avanzada es indistinguible de la magia, dando pie la famosa cita de Arthur C. Clarke a que Pelia presuma de haberle alguna vez pasado notas a este y a Stanley Kubrick. Lo que M´Benga supone es que así como aquel mundo imaginario creado por una nebulosa consciente cumplió la función de hacerlo enfrentar sus propios conflictos, es posible que esté ahora haciendo lo propio con La’an para que pueda resolver los suyos.
Para que puedan investigar, se les envían ropajes adecuados para pasar por sus dobles, pero solo sirve para que acaben arrestados, yendo Pike, Spock y Pelia a parar a un calabozo y encontrándose allí con el doble de La’an, la infantil y caprichosa princesa Talia, puesta en cautiverio por la malvada reina Neve.
En cuanto a la La’an original, se encuentra precisamente con dos guardias de la reina que creen que ha escapado y tienen la mala idea de intentar apresarla, recibiendo una paliza. Un justiciero enmascarado se presenta a defenderla, pero mucho no puede hacer y se lleva también su parte…
Al quitarse la máscara, se trata de James Kirk o, mejor dicho, su doble, el príncipe Gallardo, quien dice a La’an (en realidad a Talia) ser su gran amor y llevar meses intentando rescatarla. Ella, sabiendo que sus compañeros están prisioneros, pide que la lleve a los calabozos con la excusa de que olvidó allí su collar y lo necesita para recuperar la memoria que le robó la reina y volver a recordar su amor por él.
Gallardo dice que para ello necesitan la Llave de la Consecuencia, pero la misma se halla oculta en algún lugar del bosque y no sabe dónde. El encuentro casual con Sir Arya (el doble de Ortegas) les ilumina al respecto poniéndoles al tanto de que se halla en poder de un temible monstruo que habita en un siniestro paraje denominado Pantano de la Muerte Infinita.
El Dragón de Hierro
Entretanto, los verdaderos Rauth y Pollux encuentran elementos de la Enterprise y, entre ellos, un comunicador que, al accionar por accidente, les pone en contacto con un alférez que les transporta a bordo por entender que estaban justamente requiriendo eso.
Situación de espejo, pues al notar los sorprendidos recién llegados que todos allí les confunden con unos tales Pike y Spock, intentan como pueden representar los papeles de estos del mismo modo que los originales, sin que ellos lo sepan, están haciendo lo propio con los suyos.
Pollux llega a la conclusión de que se hallan a bordo del dragón de hierro que aparece mencionado en una profecía y que Rauth debe aprender a controlar. Y supone que debe haber por allí versiones sombrías de sí mismos y esa es la razón por la cual todos les confunden. Usando su magia, dispone para ambos atuendos y peinados acordes al contexto para investigar qué está ocurriendo…
Mientras tanto, Pike, Spock y Pelia son llevados ante la reina Neve, que es, recordemos, el doble de Uhura. El intento por convencerla de que son quienes pretenden ser fracasa, pues se da cuenta rápidamente que no son Rauth ni Pollux, sino sus dobles, a los que su consejera Lady Audrey (el doble de Chapel) ve como versiones sombrías ligadas al dragón de hierro, tal el nombre con que identifican a la Enterprise.
La reina no reconoce en cambio a Pelia. Pike aprovecha para presentarla como Benny Russell, la autora del libro en que están metidos, lo cual impacta positivamente en Neve y dice que le encargará escribir un nuevo capítulo, el más grande de la historia. De poco sirve que Pelia diga que está atravesando un bloqueo creativo…
Pike admite que proceden del dragón de hierro, pero busca convencer a la reina de que no son una amenaza, aunque mucho más no puede decir porque tanto él como Spock acaban estáticamente estampados en sendos cuadros por la magia de Neve, que solo instantes antes había hecho lo propio con el doble de M´Benga tras manifestar este su sorpresa de que ella supiera leer.
Neve pone a trabajar a Pelia en el libro y pretende que idee para el nuevo capítulo un modo de derrotar al dragón de hierro. Lady Audrey llega a la conclusión de que para hacerlo necesitan reunir a la princesa Talia con su versión oscura y tomar fuerza a partir de la combinación de luz y sombra…
Baile de Máscaras
Resulta que la cabaña del bosque mencionada por Sir Arya parece ser la de un hombre lobo, pero no hay rastros de él y sí del doble de Una, que resulta ser pareja de la anterior y tiene en su poder la mentada llave. Hay beso entre ambas mientras La’an y Gallardo parten hacia el castillo.
Una vez allí, sin embargo, no está fácil llegar a los calabozos, ya que deben atravesar un baile de máscaras organizado por la reina. Enmascarados pues para la ocasión, cruzan el salón bailando, pero de repente él ve por la ventana la luna llena y comienza a convulsionar. La misma ha sido traída por un hechizo de la reina Neve y el efecto es que Gallardo comienza a transformarse en hombre lobo, revelando así que en realidad era él quien habitaba en el bosque.
Encarnado como tal en medio del salón, provoca tal pánico que todos echan a correr y se encara con La’an, aunque claramente no quiere hacerle daño. La reina, de todas formas, lo estampa en un cuadro como antes a Pike y Spock. La’an se enfurece, pero no menos que la princesa Talia, que en ese momento hace presencia y corre desesperada hacia el cuadro.
La’an se da cuenta entonces que Talia sabía de la dualidad del príncipe pero, a pesar de ello, lo aceptaba como era: luz y sombra. Precisamente lo mismo que necesita Neve que, alegrándose maliciosamente al verlas juntas, extrae sus respectivas esencias merced a un hechizo para hacerlas confluir en un brebaje que le prepara Audrey y que, al beberlo, la convierte en un enorme dragón. Ahora está en condiciones de enfrentar al dragón de hierro…
Danza de Dragones
Vueltas en sí La’an y su doble, esta le echa la culpa por lo ocurrido y comienza un enfrentamiento primero a los golpes y luego con espadas. De pronto, parecieran las personalidades invertidas, siendo Talia la furiosa guerrera y La’an la triste y emocional. Es entonces cuando esta última se da cuenta de que no tienen por qué luchar, ya que la luz y la sombra pueden complementarse…
A todo esto, en la Enterprise y en el papel de Pike, Rauth es convocado al puente de mando por una emergencia para tomar ubicación en la silla o, como él lo llama, el “trono”. El motivo es que una amenaza se acerca y pronto se les aparece un gigantesco dragón batiendo sus alas cual si se hallara en un medio aéreo.
Su fuego golpea la Enterprise debilitando los escudos mientras la tripulación pide desesperadamente órdenes a “Pike”. Este dice que los dragones no vuelan bien si no ven el suelo por debajo y cuando Una, sorprendida, le pregunta cómo lo sabe, responde que ha leído muchos libros de dragones.
Pero los disparos de la nave no logran neutralizarlo y entonces Rauth recurre a Pollux para que utilice un hechizo. Este dice que eso “vaciará los pozos cósmicos” y de más está decir que el resto, que sigue creyendo que son Pike y Spock, no entiende nada. Tras un encendido y épico discurso, Rauth ordena a Pollux proceder y el dragón es golpeado por un gran destello azul que lo reduce nuevamente a la forma de la reina Neve, de quien, mientras flota ingrávida allá afuera, pueden todos comprobar con sorpresa que luce como Uhura.
Todo ha terminado y vuelve a lo “normal”. Pike y Spock son liberados y sus dobles regresados al Reino Elíseo. La’an se muestra particularmente feliz de haber descubierto que puede hacer convivir la luz y la oscuridad de su interior, sin tener por qué vivir escapando a la segunda. Siente que una parte de ella ha quedado allá abajo, pero a la vez ha ganado algo y, casi como graficando sus palabras, por allí anda la perrita Runa, mascota que le obsequió la princesa Talia…
Pike la pone al tanto de que el supuesto planeta no era tal sino una nave y que Pelia está estudiando su ingeniería para llevarla a un lugar seguro donde los dobles puedan vivir en paz y la princesa Talia gobernar junto al príncipe Gallardo. Hablando de este, Kirk se encuentra con La’an y, alegrándose de verla feliz, le pregunta si hay posiblidad de intentar nuevamente. Ella responde afirmativamente y acaban brindando…
Balance del Episodio
Entre tanto cabalgar distintos géneros, no esperaba que la temporada se volviese a tocar con la fantasía de los cuentos de hadas ni, mucho menos, reconectara con el episodio El Reino Elíseo. Debo decir que me molestó un poco porque suena a reciclado y de alguna manera lo es, pero también puede ser indicativo de que la serie ha adquirido ya dentro de la franquicia una personalidad tan propia que ahora también se rinde homenaje a sí misma.
Tiene ello un fuerte componente emocional, sobre todo ahora que la serie ha comenzado a despedirse y daría impresión de hacer repaso de algunas situaciones y personajes que desfilaron en aquella primera temporada que ahora nos parece tan lejana. Y así como el capítulo anterior nos trajo un pequeño homenaje a Hemmer, este nos lo trajo a Rukiya, ambos personajes que hemos querido y perdido de forma muy distinta, muriendo uno y volviéndose inmortal la otra.
Eso sin perjuicio, por supuesto, de homenajes ajenos a la franquicia, como por ejemplo al filme La Princesa Prometida (al que ya rindiera tributo el propio episodio El Reino Elíseo) o a los libros de fantasía de Terry Pratchett, pues no me digan que ese planeta plano no hace acordar mucho a su Mundodisco (aunque también remite en parte a las ilustraciones del artista Roger Dean). Y tampoco faltó el toque Juego de Tronos…
Ha sido un episodio realmente divertido, con un increíble despliegue de vestuarios y efectos visuales (muy bien logrados tanto el dragón como el hombre lobo), pero que además ha vuelto a permitir el lucimiento del elenco y lo digo en conjunto porque esta vez pudieron brillar casi todos por igual al tener que representar más de una versión de sí mismos.
El capítulo, desde luego, gira especialmente alrededor de La’an y ello ha permitido ver a una Christina Chong soberbia al encarnar dos personalidades tan diametralmente opuestas. Creo que merece destacarse eso más que la resolución del arco, pues la reconciliación entre luz y sombra se vio para mi gusto algo simplista y forzada. Ok, ya sé que los cuentos de hadas son así y que los finales tienen que ser felices sin importar cómo…
También Paul Wesley ha estado magnífico dando vida al príncipe Gallardo, más allá de que no quede explicado por qué sí tenía él un doble en el Reino Elíseo y no Pelia, cuando ninguno de ambos estuvo allí en la ocasión anterior. Quizás su presencia era necesaria para que La’an pudiera resolver realmente todos sus conflictos. La propuesta de reconciliación final, de hecho, pareciera así indicarlo, aunque sabemos que hay fecha de vencimiento, pues así como ella no figura en el futuro de Spock, tampoco aparece en el de Kirk.
Lo que sí ha sido un toque tierno fue la llegada de la perrita Runa, pues si bien hemos tenido mascotas en otras naves y en otras series, no veíamos un can a bordo de la Enterprise desde el querido Porthos del capitán Archer en Star Trek: Enterprise que, en rigor de la cronología, seguiría siendo el primero. De todos modos, también su paso será inevitablemente corto y se me ocurre que La’an la llevará consigo cuando le llegue el momento de marcharse.
En cuanto a los dos escenarios en que se desarrolló el capítulo, debo decir que no estuvieron en mi opinión a la misma altura y me desternillé especialmente de risa con Rauth y Polluck en la Enterprise. Genial verles intentar adaptarse al universo tecnológico de la nave sin dejar pasar oportunidad, no obstante, de empinarse un trago en la “taberna” de la misma.
Anson Mount y Ethan Peck han estado fantásticos (nunca mejor dicho) y demostrado que forman una dupla increíble cualquiera sea el contexto. Por momentos quería que siguiéramos allí en lugar de regresar a la otra trama.
No me quedó muy claro lo del final con Pelia. ¿Significa que se nos ha ido ya de la Enterprise? De ser así, y por muy poético que sea imaginarla viviendo en un reino de fantasía, se le estaría dando a Carol Kaneuna despedida algo desabrida considerando lo que para la serie significó su personaje. Ni siquiera la vimos despedirse de Scotty. Ojalá que aún no se haya ido y tengamos todavía oportunidad de verla algo más…
En fin, a pesar de no haber volado a la misma altura en sus dos escenarios, el capítulo se lleva un aprobado y quedamos a la espera del que concluirá la cuarta temporada. Por suerte nos quedará después una quinta y última, más allá de que sean menos episodios.
Les espero, mientras tanto, para analizar el próximo. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…
¿Liga de la Justicia Internacional? Hoy nos metemos de lleno en el Universo Cinematográfico DC y también en el comiquero que está cocinando a fuego lento el bueno de James Gunn. Una mezcla de ambas. Mientras media Internet sigue analizando con lupa cada fotograma y detalle de lo que está por venir en la gran pantalla para los héroes de la editorial, hay un debate candente que no deja de agitar a los fans más veteranos de los cómics.
Una de las cosas que mas vueltas está dando es en torno al rol que jugarán los personajes clásicos asociados tradicionalmente a la Liga de la Justicia Internacional (JLI) en esta nueva etapa cinematográfica, y hasta qué punto el director está sentando las bases para rescatar una de las alineaciones más queridas, caóticas y humanas de papel impreso.
Más que simples cameos: Un equipo con peso propio
Lejos de utilizar a figuras carismáticas como Mister Terrific, Guy Gardner, Hawkgirl o Metamorpho como meros rellenos decorativos o cameos rápidos para hacer bonito, el propio James Gunn ha querido recalcar en varias ocasiones que estos pesos pesados formarán un engranaje fundamental dentro de la trama global. Aunque en este nuevo ecosistema el supergrupo comience operando bajo dinámicas corporativas y gubernamentales financiadas por figuras como Maxwell Lord (en lugar de la clásica embajada en Nueva York patrocinada por la ONU), la esencia del equipo bebe directamente de aquel espíritu desenfadado, coral y lleno de fricciones personales que popularizaron creadores legendarios como Keith Giffen, J.M. DeMatteis y Kevin Maguire a finales de los años ochenta.
Para los lectores de toda la vida, ver cómo se traslada a la gran pantalla esa jerarquía donde Superman interactúa con un grupo de héroes ya organizados, supone un soplo de aire fresco frente a la típica formación fundacional de la Santísima Trinidad (Batman, Superman y Wonder Woman) que nos han repetido hasta la saciedad en el cine durante las últimas décadas.
La gran incógnita es saber si este conjunto de personajes tan variopinto terminará cristalizando de manera oficial bajo el nombre de la Liga de la Justicia Internacional en futuras secuelas o proyectos televisivos derivados. Lo que está claro es que el arquitecto principal del nuevo UCDC sabe perfectamente lo que se hace al rescatar estos descartes de lujo de la recámara comiquera, dándoles el protagonismo que merecen fuera del foco de los focos principales de Gotham y Metrópolis.
¿Os gustó el grupo de héroes tan peculiar que salió en la película de Superman de James Gunn? Ya no digo la película, sino los héroes como Guy Gardner, que parece que sale en otras películas o series de DC.
Puedo decir con gusto que la revista 2000 AD es de lo mejor que me ha pasado en los últimos años, sobre todo gracias a Juez Dredd. Pero esta revista británica que, a partir de los 80, rellenó sus páginas de tramas situadas en gobiernos fascistas, tiene muchos más personajes que retratar. Como Rogue Trooper, al que he podido acercarme en Muerte de un Soldado, historia escrita por el gran Garth Ennis y el dibujante Patrick Goddard.
Mientras Rogue debe sobrevivir en territorio hostil, el Mando militar debe afrontar las consecuencias de haber implantado el cerebro de los soldados caídos en chips militares que funcionaran como herramientas vivas del protagonista.
Escribe Garth Ennis, uno de los grandes guionistas del mundo del cómic de los últimos años. Autor de obras maestras como Predicador, The boys, su etapa de Hellblazer o la mejor de The Punisher, con ese mundo sin superhéroes donde Frank Castle impone su ley. Pero, además, Ennis es un gran apasionado del cómic bélico. Así que es fácil pensar que Rogue Trooper es un personaje diseñado a su medida.
Le acompaña Patrick Goddard, dibujante de corte clásico anclado en los distintos personajes de 2000 AD que utiliza un blanco y negro que le va que ni pintado a una ciencia ficción oscura como la de este Rogue Trooper.
Básicamente, nos encontramos ante una historia en dos tiempos en la que asistimos a Rogue Trooper en medio de un campo de batalla repleto de enemigos despiadados con la “única” ayuda de sus capacidades modificadas genéticamente y de sus herramientas vivas, que poseen la conciencia de sus amigos caídos. Como si eso no trastornara a cualquiera.
Pero, con Garth Ennis, Muerte de un soldado no solo se centra en un campo de batalla desquiciado. Ennis, como buen antibelicista, retrata a una serie de mandos militares más desquiciados todavía que los soldados que mandan.
En definitiva, Rogue Trooper: Muerte de un soldado, es una notable historia bélica que aborda el siempre reprobable uso que el ser humano hace de la tecnología militar, hasta el punto de “resucitar” conciencias con tal de que sean herramientas para combates que nunca libran cara a cara.
Aunque sea en forma de biochips de combate, regresar de la muerte tiene un precio muy alto. Y ese es un secreto que los pasillos del cuartel del Mando Militar prefieren esconder. Tan solo las Muñecas, las equivalentes femeninas de los soldados de la Infantería Genética, están dispuestas a ayudar a Rogue Trooper a desenterrar la verdad. Lamentablemente, eso no será lo único que encuentren enterrado en la zona de Quartz…
Tras sorprender a todos los lectores con Rogue Trooper: El valle de las heridas, Garth Ennis (Predicador, Punisher) y Patrick Goddard (Judge Dredd) vuelven a colaborar en una nueva aventura de uno de los mayores iconos del cómic británico, ambientada en la etapa clásica de Rogue Trooper. Una historia jamás contada con suicidios, muertes y lavados de cerebros en la que Ennis combina su pasión por el género bélico y por los personajes del sello 2000AD.
La maldad nace o se hace. Eso podría ser el resumen de lo que trata La mala semilla. El tema central de esta adaptación cinematográfica bien podría ser dirimir si el ambiente en que uno/a crece, puede o no determinar tu futuro. Está basada en una obra de teatro de Broadway del dramaturgo Maxwell Anderson, el cual a su vez hizo su adaptación de la novela original de William March publicada en 1954 y que fue un éxito en ventas.
De qué trata La mala semilla
La historia tiene su núcleo en el personaje de Rhoda Penmark (Patty McCormack), una niña educada, responsable, disciplinada, atenta y comunicativa que parece incluso más madura que los niños de su edad. Su madre Cristine (Nancy Kelly) está muy orgullosa de su hija y vive una vida tranquila al lado de su marido. Sin embargo, esta imagen idílica se comienza a resquebrajar cuando Claude Daigle, un compañero de clase de Rhoda, aparece ahogado en un lago durante una excursión escolar. Lo que inicialmente es considerado un accidente, debido al extraño comportamiento de Rhoda luego del evento, despierta sospechas en Cristine de que quizás su hija no le esté contando la verdad.
Aspectos que nos la hacen recomendarla
La interpretación de Patty McCormack en el papel de Rhoda seguramente es lo más destacado de una película que basa su magia en los actores y el casi único escenario en el que se desarrolla la acción: la casa familiar.
La joven actriz tenía apenas ocho años cuando se llevó a cabo el rodaje y asombra su forma de mostrar las dos facetas de su personaje: por un lado ternura y obediencia y, por el otro, un espíritu manipulador, agresivo, obsesivo y capaz de cualquier cosa sin tener en cuenta las consecuencias. Su interpretación está basada en pequeños gestos, miradas y cambios de expresión en su rostro que hacen innecesario el exagerar en demasía cada uno de esos registros para hacernos creer que Rhoda es capaz de lo peor.
El contrapunto corresponde aquí a Nancy Kelly en el papel de la sufrida madre Cristine. Su personaje tiene un desarrollo que comienza con una defensa a ultranza de su hija al inicio del filme cuando alguien tiene dudas sobre ella en el caso del niño ahogado, pasa luego por las primeras dudas al encontrar una medalla perteneciente al mismo en la habitación de Rhoda y termina tratando de aceptar una idea sobre su pequeña Rhoda para la que no está preparada. La relación entre ambas es el núcleo de esta historia, con una madre que debe decidir entre proteger a su hija o a los demás de ella.
Melvyn LeRoy como director demuestra con pocos escenarios ser capaz de crear tensión. La mayor parte del filme transcurre en interiores, lo que ayuda a un aspecto teatral. Tiene mayoritariamente lugar en la casa familiar que, a medida que avanza la historia, pasa de ser un espacio de protección y seguridad a uno claustrofóbico. La dirección apuesta más por el terror psicológico que por el convencional, utilizando conversaciones, miradas y silencios para crear una atmósfera que se vuelve cada vez más angustiosa cuando vamos viendo hacía dónde va la historia.
A setenta años de su estreno, La mala semilla sigue siendo una película interesante, ya no por la historia en sí, sino más bien por las preguntas que nos plantea y nos deja luego de visionarla.
Como siempre os comento, los clásicos se tienen que disfrutar con un cierto nivel de generosidad y, sobre todo, no ponerles el filtro de la modernidad. No se puede analizar NUNCA una película realizada hace tantas décadas como si se acabara de estrenar. Pero, sin embargo y aun así, una de las cuestiones que nos presenta LeRoy y que tiene incluso recorrido en pleno siglo XXI es la realidad de que la verdadera amenaza no viene de un monstruo sino de alguien que podría pasar desapercibido en cualquier entorno familiar.
Aspectos como la fotografía, que en otras producciones clásicas podría ser un elemento importante, aquí no destaca tanto debido a que casi todo el metraje transcurre en interiores y en un mismo escenario (de modo similar a La soga de Alfred Hitchcock).
La película tuvo por otra parte un gran desarrollo en taquilla si se tiene en cuenta que, con un presupuesto de un millón de dólares de la época, recaudó cuatro, quedando entre las veinte más taquilleras de 1956 y las diez más populares en Gran Bretaña.
Los problemas de la película con el código Hays
Por lo que hemos podido investigar, los conflictos con el Código de Producción Estadounidense (Código Hays) comenzaron antes del rodaje. Geofrey Shurlock (responsable de la Production Code Administration, PCA) avisó a Jack Warner que la historia de La mala semilla «violaba el espíritu y la letra» del mismo. Incluso llegaron a advertir a otros estudios.
Debido a la trama de la historia, se consideraba que mostrar a menores participando en actos delictivos podía ejercer mala influencia en otros de igual condición. El punto que traía más cola y generaba más controversia tenía que ver con el final de la novela de March, en que Rhoda se salía con la suya.
Eso chocaba de frente con uno de los mandamientos del Código que especificaba que todo crimen debía tener su condena y que ningún hecho delictivo podía favorecer al que lo realizaba. Por esa situación, el final cambia respecto a la novela añadiendo la forma en que Rhoda paga finalmente sus crímenes. Por acción divina dirían algunos. La moralidad del Hollywood de los años 50 da seguramente para un artículo o varios.
En resumen, estamos ante una película que nos plantea preguntas durante su visionado y después, una de personajes y escenarios familiares que pueden llegar a resultar en algún momento incómodos y en la cual sobresalen las brillantes interpretaciones de todos los actores/actrices del cast, especialmente de Patty McCormack como Rhoda, esa niña que parece un ángel, pero que ni mientras duerme lo es.
A quién podemos recomendarla
A todos/as aquellos/as aficionados/as al séptimo arte que quieran conocer el cine que se hacía en los años 50-60 en la América del código Hays. A quien quiera tener una reflexión sobre el tema que trata la película y sus posibles visiones o significados sabiendo que muchas veces hay tantas conclusiones como espectadores viendo. Y si os gustan las películas de terror ambiental, más importante por lo que se percibe que por lo que se ve, pues seguramente esta es la vuestra. Simplificando, para los aficionados/as al cine clásico norteamericano.
Os dejo un enlace de la última película a la que le dedicamos esta sección. Una joya de Akira Kurosawa, pulsad aquí.
¡Qué tendrá el mar para que nos encanten las historias que se ambientan en esa vasta e insondable masa de agua! Y con esto no me refiero solo a las aventuras navales de piratas o a las historias bélicas basadas en submarinos. Me refiero al terror naval, ese subgénero no lo suficientemente explorado y que siempre aporta entretenimiento, como es el caso del cómic 1629…o la horrible historia de los naúfragos del Yakarta, cuya primera parte: El boticario del diablo, acaba de publicar Norma Editorial.
Aunque no lo creáis una vez leáis la historia, 1629 es una historia real: la del motín, naufragio y…lo que ocurrió después en el buque Yakarta, todo un hito en la historia de los crímenes navales.
Los autores son Xavier Dorison, que debutó en el medio con la celebérrima obra El Tercer Testamento y que posteriormente comenzó su larga colaboración con Mathieu Lauffray. Juntos crearon Prophet y un particular homenaje a Robert Louis Stevenson: Long John Silver. Entre sus demás guiones, cabe destacar el que realizó para el spin-off de XIII, XIII Mystery: La Mangosta, donde se explican los orígenes del temible asesino de Vance y Van Hamme. Los tomos de Asgard (publicada originalmente en Francia por Dargaud) constituyen otro de sus proyectos más destacados. Como autor prolífico, Dorison suele trabajar en varias series de cómics simultáneamente. Alternando con facilidad entre las series mencionadas y su último gran éxito, Undertaker, que también tenéis en Norma, ha demostrado su capacidad para trabajar con géneros que van desde la aventura hasta el western y el drama histórico, sin perder nunca la energía de la trama ni la solidez estructural que caracterizan su obra.
Por otro lado, a Dorison le acompaña el dibujante Thimotée Montaigne, que comenzó a trabajar en El Quinto Evangelio. Posteriormente, colaboró con Mathieu Lauffray en el coloreado de Long John Silver, su primera colaboración con el guionista de 1629. Desde entonces, también ha dibujado Malicorne, El Tercer Testamento y El príncipe de la noche.
El punto de partida no puede ser más sugerente: el Yakarta es un buque mercantil dominado por La compañía Holandesa de las Indias Orientales. Eso quiere decir que, por mucho que el Yakarta tenga un capitán, este se ve sometido a las decisiones del sobrecargo, que debe intentar que el barco llegue lo antes posible para ahorrar costes.
A esta tensión inherente se suma un cargamento repleto de dinero y joyas, una tripulación compuesta en su mayor parte por criminales, una joven aristócrata que viaja en busca de su marido y un intrigante boticario que busca detonar ese cóctel para hacerlo explotar y poder quedarse con el tesoro.
El cómic está narrado de forma magistral. Es un thriller con toques de terror que maneja con admirable tensión la vida en un barco con los conflictos mencionados y sorprende que no hubiera más motines en aquel entonces. Las 136 páginas de esta primera parte se leen de un tirón.
El argumento lo tiene todo para que nos tengan en vilo esperando esa explosión de violencia: un entorno cerrado lleno de podredumbre, tanto moral como física…pero es muy meritorio como Dorison gestiona la escalada de violencia in crescendo, acompañada de la realista composición visual de Montaigne.
La mala noticia es que es una primera parte. Esperando estoy a que se publique la segunda y conteniéndome para no leer sobre lo que ocurrió realmente.
UNA PERTURBADORA TRAVESÍA DE LA QUE NO REGRESARÁS SIENDO EL MISMO
Solo los desesperados se arriesgan a embarcar en el Yakarta. A bordo, una tripulación salida de los bajos fondos de Ámsterdam y suficiente oro y diamantes para despertar la codicia más salvaje. Un barril de pólvora sobre un infierno flotante. Invitada improbable en esta travesía hacia la pesadilla, Lucretia Hans se convierte en la única que puede evitar que Jeronimus Cornelius, boticario hereje y arruinado, encienda la mecha… Buen viaje.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Madrid acoge desde hoy, 18 de septiembre, una nueva edición del Madrid Comic Summit, unas jornadas profesionales que convierten durante dos días a la capital en punto de encuentro para autores, editoriales, librerías, distribución y divulgación.
El programa no se limita a celebrar el medio: pone sobre la mesa las preguntas que determinan cómo se crea, se publica, se vende y se sostiene el cómic en España.
Madrid Comic Summit 2026
El Madrid Comic Summit 2026 abre este viernes sus puertas con una vocación muy clara: mirar al cómic como industria cultural, oficio creativo y espacio de comunidad.
Hasta mañana, sábado 19 de septiembre, profesionales de perfiles muy diversos compartirán experiencias y debatirán sobre algunos de los asuntos decisivos para el sector.
No es una cita concebida únicamente para anunciar novedades ni una feria orientada exclusivamente al consumo. El valor del Madrid Comic Summit reside precisamente en reunir las distintas partes de una cadena que a menudo se analiza por separado: Quien escribe y dibuja, quien edita, quien distribuye, quien recomienda y quien finalmente pone un cómic en las manos de sus lectores.
Los responsables de la perpetración del evento es un grupo de enamorados del noveno arte, con Emilio Gonzalo Mallo a la cabeza.
Emilio Gonzalo Mallo
Una apertura desde el oficio
La programación ha arrancado a las 16:30 horas de esta misma tarde, con la inauguración oficial. A continuación, el encuentro ha propuesto una primera tarde centrada en la creación independiente, el aprendizaje profesional y la cultura fanzinera.
José Villarrubia protagoniza la charla “Desde la perspectiva de un colorista”, una oportunidad excelente para reivindicar una labor esencial en la narrativa gráfica que, pese a su peso artístico y expresivo, no siempre recibe el reconocimiento público que merece. El color no es un simple acabado: Determina atmósferas, ritmos, emociones y hasta la forma en que el lector interpreta una página.
Después llegará “Cómo enfrentarse al choque de la profesionalización”, con la guionista Carolina Corvillo y la ilustradora y autora de cómic Natalia Velarde, conocida como Nix. La mesa apunta directamente a uno de los grandes dilemas de quienes empiezan: Transformar una vocación en una actividad profesional sin perder la voz propia por el camino.
La jornada se completa con las presentaciones de Guindazine 2027, con Jesús Moreno y Álvaro Varograf, y Fanzimad 2027, en la que participarán Michael Cubas, Penny Melgarejo y Miguel Babiano.
Que los fanzines ocupen un lugar visible en un encuentro profesional no es casual: Siguen siendo uno de los grandes laboratorios del cómic, un territorio donde nacen autores, formatos, redes de colaboración y maneras distintas de entender la edición.
Las preguntas fundamentales
La jornada del sábado concentrará el grueso de las mesas de debate, con un recorrido que abarca prácticamente todo el ciclo de vida de un tebeo.
La primera, “¿Qué busca una editorial?”, reunirá a Marta Tutone, editora de Liana Editorial, junto a Lucía Ferreira y Álvaro Varograf, de La Granja Editorial.
Para quienes aspiran a publicar, esta es probablemente una de las conversaciones más útiles del programa. Conocer qué valora una editorial (desde la solidez de un proyecto hasta su encaje en un catálogo) puede ayudar a entender que publicar no depende solo del talento, sino también de la preparación, la propuesta, la perseverancia y el conocimiento del mercado.
A las 12:30, dos nombres tan relevantes como Kim y Lorenzo Montatore se sentarán para hablar de “¿Cómo nace un cómic?”. La pregunta parece sencilla, pero contiene todo un universo: La primera idea, la escritura, el dibujo, la documentación, los descartes, el trabajo editorial y las decisiones narrativas que acaban convirtiendo una intuición en un libro.
Por la tarde, el foco se desplazará hacia la circulación de las obras. Alberto González, de SD Distribuciones, y Barsen Sánchez, de Atom Cómics, abordarán “¿Cómo llega un cómic a manos del lector?”. Es una conversación imprescindible en un momento en el que la visibilidad de los títulos, la supervivencia de las librerías especializadas y la distribución condicionan profundamente la bibliodiversidad.
Vivir del cómic
Una de las mesas más esperadas será “¿Se puede vivir del cómic?”, con Clara de Frutos y José Robledo. La pregunta no necesita adornos y tampoco admite respuestas simples: detrás de cada álbum publicado hay condiciones laborales, plazos, derechos, encargos paralelos, autoedición, mercados internacionales y, en demasiadas ocasiones, precariedad.
Hablar de profesionalización significa también hablar de sostenibilidad. El cómic español cuenta con talento de sobra y una producción cada vez más diversa, pero el reconocimiento cultural no siempre se traduce en estabilidad económica para quienes lo hacen posible.
Por eso resulta importante que el Madrid Comic Summit no esquive una cuestión que afecta tanto a autores consolidados como a nuevas generaciones.
El debate final, “¿Hacia dónde va la industria del cómic?”, contará con Such, de la Librería Delirio, y Adriana Recio, de Generación X.
Que el cierre recaiga en dos voces vinculadas a librerías especializadas tiene todo el sentido: estos espacios son comercios, sí, pero también prescriptores culturales, lugares de encuentro y termómetros privilegiados de lo que buscan los lectores.
El reconocimiento a Kim
La clausura incluirá un homenaje a Kim como Maestro del Cómic, junto al gestor cultural Emilio Gonzalo Mallo. El reconocimiento pone el broche a unas jornadas que, además de mirar hacia los problemas y retos del presente, reservan un espacio para celebrar trayectorias fundamentales de nuestra historieta.
Kim no necesita demasiadas presentaciones para el lector de cómic español. Su presencia, además, conecta el Madrid Comic Summit con una tradición crítica, satírica y popular que sigue siendo indispensable para entender la riqueza del medio en nuestro país.
Mucho más que dos días
La lista de invitados de esta edición reúne a autores como Kim, Lorenzo Montatore, José Villarrubia, Carolina Corvillo, Natalia Velarde, Clara de Frutos, José Robledo, Penny Melgarejo o Miguel Babiano; además de representantes de la edición, la distribución, las librerías, la divulgación y el ámbito legal.
Ese cruce de miradas es el principal atractivo del Madrid Comic Summit. Mientras otros eventos ponen el foco en la firma, la compra o la presentación inmediata, estas jornadas reivindican la conversación pausada: La que permite discutir sobre el futuro de un sector con desafíos evidentes, pero también con una extraordinaria capacidad de reinvención.
Madrid tiene hoy una cita con el cómic. Y no solo con sus personajes, sus portadas o sus estanterías: También con las personas que hacen posible que una idea termine convertida en una obra y encuentre, al otro lado, a su lector.
Podéis asistir al Madrid Comic Summit, es un evento gratuito y cercano.
Romeo muerto, extraña, bizarra e impactante. Así es la obra de Santiago Sequeiros. Un ejercicio de estilo tremendo. Con un dibujo impactante entre el art brut y el expresionismo alemán lleno de blancos y negros con una fuerza increíble. Desde la portada a la ultima página encontramos viñetas imposibles de soltar.
Con esta obra Santiago Sequeiros regresa al mundo del cómic tras 25 años de retiro, en los que realizo diversos trabajos como ilustrador. El Cómic en si funciona como ilustraciones propiamente dichas ya que encontraremos dibujos de una potencia increíble, pero que respetaran el relato y se integraran completamente en el mismo no encontrándonos piezas sueltas sino una narración encajada.
Es cierto que la historia es más una inmersión emocional, en las que desfilaremos por escenas en las que se nos transmitirá la soledad, la incomprensión, la pena y el flagelo por nuestras propias perdidas y vicios.
SEQUEIROS, AUTOR DE CULTO.
Santiago Sequeiros es uno de los dibujantes más underground, con una trayectoria notable en revistas de culto españolas como El Vibora o Totem.
Crea el personaje de Ambigú, un detective hermafrodita que trata de refrenar sus instintos sexuales y se flagela con mecanismos propios del Opus Dei.
El autor triunfo en los años noventa consagrándose como una de las referencias del mercado alternativo. Tras un largo parón regresa con sus personajes y su ecosistema pero sin renunciar a su estilo personal.
ANALíZAME ESE CÓMIC, COLEGA
La historia responde a un universo muy personal, lo cual es un atractivo para todos aquellos que busquen cómics diferentes, totalmente al margen de los circuitos comerciales.
El cómic se compone de diferentes escenas de personajes rotos, perdidos en una ciudad donde todo el mundo trata de contener su deseo, pero incapaces de ello, realizaran los actos más obscenos.
La historia coral nos mostrara diferentes momentos de diferentes vidas, pero todas ellas unidas por un mínimo común denominador, la soledad, la culpa y la pena. El dibujo es el artífice de lograr dicho objetivo. Gracias a un trazo sucio, duro y cautivador, transmitirá emociones y nos mantendrá pegados al mismo.
El guion, como en todas las obras del autor, será complejo y nos encontraremos ante un repliegue del mismo en favor de las sensaciones aportadas por dibujo y atmósfera. Podremos encontrar un sentido al final de la obra. Pero no va a ser un guion de bueno, persigue a malo y salva a la chica. Quien busque esto en un universo tan personal como el de Sequeiros se ha equivocado. Más bien la historia muchas veces caminara a ciegas y no sabremos en que momento se encuentra. Ya que empezara con unos personajes y terminara con otros, siempre guiados por el Ambigú y una de sus investigaciones en curso.
No es un cómic fácil de leer, no se dejara domesticar por el lector. El autor tiene claro que quiere contar y tiene claro que para ello no va a narrar una historia lineal al uso. Sino que lo importante llega a través de la atmósfera. Y crear un cómic de dicha manera tiene un merito enorme. Pero paga un precio también alto: La dificultad de leer la obra con emociones y no con trama. Porque la conexión con la historia con esta manera de interpretarla es más difícil y elevada. También la recompensa intelectual para el lector será mayor.
EN RESUMEN
El dibujo es espectacular, totalmente estimulante y presenta ilustraciones surrealistas que no se olvidaran. La historia desaparecerá para dar paso a un mundo sensitivo y la aproximación al cómic con esta apuesta es muy diferente, por lo tanto muy atractiva. Pero a su vez para el que no conecte muy frustrante. Ya que el cómic sorprenderá a todos con sus dibujos y sus planteamientos de página tan originales. Pero si tras escena bizarra y escena bizarra no has conseguido llegar a una simbiosis será fácil cerrar el tomo y abandonar.
Si terminas el cómic acabaras con una sensación triste y como los propios protagonistas, totalmente desamparado. Y es que a veces nada tiene arreglo y eso, Romeo muerto, consigue transmitirlo a la perfección.
Obra diferente a todo lo que existe. Concebida de una manera muy original y llena de locuras estrambóticas para reflejar la represión, el deseo y sentimientos con los que no se atreverían otros cómics. Por tanto lectura diferente, no para todos pero si para los que busquen formas alternativas de narrar y de gozar de la lectura.
Sony Pictures y Marvel Studios han confirmado lo que era un secreto a voces en la industria cinematográfica pero que pocos se atrevían a pronosticar con tanta rotundidad. Tras unas semanas de infarto en la cartelera nacional e internacional, Spider-Man: Brand New Day ha reventado todos los registros históricos habidos y por haber.
Los últimos reportes de recaudación actualizados sitúan a la cuarta entrega protagonizada por Tom Holland en lo más alto del pódium histórico en Norteamérica, superando de manera oficial la barrera de los 936 millones de dólares en la taquilla doméstica. Con esta cifra astronómica, el trepamuros arrebata oficialmente el cetro histórico que ostentaba desde 2015 Star Wars: El despertar de la Fuerza, convirtiéndose en la película más taquillera de todos los tiempos en Estados Unidos y Canadá.
Un fenómeno global que entra en el Olimpo del cine
Pero el huracán desatado por el alter ego de Peter Parker no se queda únicamente en terreno norteamericano. A nivel global, el filme dirigido por Destin Daniel Cretton continúa acumulando hitos insondables tras superar la barrera de los 2.400 millones de dólares en todo el mundo.
Este brutal colchón financiero catapulta directamente a la superproducción hasta el tercer puesto histórico de las películas más taquilleras de la historia a nivel mundial, situándose únicamente por detrás de dos colosos intocables como Avatar de James Cameron y Vengadores: Endgame de los hermanos Russo. Ni el más optimista dentro de los despachos de Sony imaginaba una acogida de esta magnitud cuando la película aterrizó en las salas de cine el pasado verano.
El triunfo de la vulnerabilidad y la calle
Los analistas de la industria coinciden en señalar que el éxito sin precedentes de Spider-Man: Brand New Day no responde únicamente a la inercia del universo comiquero, sino al profundo calado emocional de la propuesta. Tras los eventos de los hechizos y el olvido absoluto, ver a un Peter Parker lidiando con la soledad más absoluta, la madurez y los problemas terrenales en un tono callejero y más íntimo ha conectado de una manera orgánica y visceral con millones de espectadores que abarrotaron las salas una y otra vez.
Con este hito colosal, Tom Holland consolida su estatus absoluto en la cima de la industria, mientras la maquinaria de Marvel y Sony ya mira hacia el futuro con la tranquilidad de haber firmado una de las páginas más brillantes de la historia moderna del ocio en la gran pantalla.
¿Fuisteis de los que contribuisteis a este récord histórico llenando las salas de cine o aún no habéis visto la película?
