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Crítica de El teléfono del señor Harrigan (2022), un Stephen King menor para pasar el rato

Netflix ha estrenado El teléfono del señor Harrigan, adaptación de un relato corto de Stephen King, incluido en su recopilación de relatos La sangre manda. Dirigida por John Lee Hancock y producida por Ryan Murphy (American Horror Story) y Jason Blum (Blumhouse Productions), la cinta cuenta con Donald Sutherland y Jaeden Martell como protagonistas.

Revisando críticas en internet, he llegado a la conclusión de que no hay consenso acerca de esta nueva producción de Netflix. Para algunos es un peñazo y para otros una lograda adaptación así que, sin miedo, vamos a contaros lo que nos ha parecido.

Nunca llames al más allá

El teléfono del Sr. Harrigan cuenta la relación que se establece entre Craig (Jaeden Martell), un adolescente que ha perdido a su madre, y John Harrigan (Donald Sutherland), un viejo multimillonario que contrata al joven para que le lea libros, ya que su vista ya no es lo que era. A lo largo de los años, el joven y el anciano establecen una relación de amistad que irá más allá de la muerte.

Ambientada en un pueblo de Maine (como no), la película es más una historia de inciación a la vida adulta que una de terror (en este sentido, da más miedo el matón que persigue a Craig que todo lo demás junto). En todo caso tiene elementos de suspense, un suspense que viene dado más por lo que sabemos a través del tráiler y por ser Stephen King quién es. Es la relación entre Harrigan y Craig la que centra gran parte del metraje, una relación que podría haberse llevado de otra forma pero que tampoco es ningún desastre.

el telefono del señor harrigan

Y es que El teléfono del Sr. Harrigan ni es una obra maestra ni tampoco un bodrio absoluto. No he tenido la sensación de peñazo que otros han tenido, no aburre y tiene el ritmo justo. Eso si, estamos ante una película made in Netflix, de esas que despuntarán durante un par de semanas y olvidaremos el resto del año.

Lo mejor es la interpretación de Donald Sutherland y algunas sorpresas (por otro lado algo previsibles) que esconde la cinta. Por lo demás, se queda algo corta en algunos pasajes, como a la hora de retratar el lado oscuro del señor Harrigan, se podría haber potenciado algo más la parte sobrenatural y su final es un tanto abrupto.

Un Stephen King menor

No se si El teléfono del Sr. Harrigan es o no una buena adaptación. No he leido el relato en que se basa y tratándose de un relato corto tampoco había que esperar demasiado de la película (aunque a decir verdad, Cuenta conmigo también se basa en un relato corto del mismo autor y es una gran película). Aun así, cualquier historia de Stephen King merece la pena, aunque sea considerada una obra menor.

telefono harrigan

El error o más bien el handicap al adaptar un relato del mal denominado a veces rey del terror, son las expectativas generadas. Stephen King es más un autor costumbrista que se sirve de elementos sobrenaturales para contar lo que le interesa. Lo que de verdad le importa a King son sus personajes, sus relaciones, las vivencias. Lo demás es secundario. En esta ocasión no puede ser menos y el elemento sobrenatural no es la parte central de la historia.

Esta historia le sirve a Stephen King (y también a los responsables de la película; es una obviedad pero King se impone a todos ellos) para reflexionar no sólo sobre el tránsito de la adolescencia a la vida adulta (tratado en muchas obras suyas) sino también sobre los pelígros de la sociedad digital, de los teléfonos móviles e internet.

El teléfono del Señor Harrigan 5

Acierta el señor Harrigan al describir el futuro, aunque también es cierto que hacerlo a toro pasado es muy fácil. También es muy elocuente la escena donde todos los adolescentes están sentados en la cafeteria sin relacionarse entre ellos, tan sólo con sus móviles, al igual que la relación entre Craig y la chica que le gusta, que se muestra exclusivamente a través del móvil. Todo eso le sirve al autor para reivindicar lo que de verdad importa: la literatura.

En resumen, El teléfono del Sr. Harrigan es una película que no pasará a la historia ni del séptimo arte en general, ni de Netflix en particular, pero es entretenida, se deja ver y te entrán ganas de coger el material original y lanzarte a la lectura. Juega a su favor que apenas dura una hora y media, así que tampoco perderéis mucho tiempo. Un saludo, sed felices.

Especial retro-análisis: 10 años de Arrow

El 10 de octubre de 2012 se estrenaba, en la cadena The CW, una serie llamada a marcar un pequeño hito en televisión. Hoy somos 10 años más viejos y también lo es Arrow, las aventuras de Oliver Queen en la pequeña pantalla. Rememoramos esos 10 años y esa serie en este retro-análisis especial. Al lío.

Le has fallado a esta ciudad

Arrow contaba el regreso de Oliver Queen a Star City tras naufragar 5 años antes en una isla llamada Lian Yu. Oliver se convertía en Arrow, el justiciero enmascarado que mataba a los integrantes de una misteriosa lista por ladrones, asesinos y corruptos. Al mismo tiempo, la historia nos contaba las andanzas de Oliver en Lian Yu mediante flashbacks intercalados en la trama del episodio, mostrando como un cayetano de los de toda la vida adquiría su destreza con el arco y las flechas a base de pasarlas canutas.

Esa estructura usando flasbacks y cambiando a flashforwards, se mantuvo a lo largo de 8 temporadas en las que Oliver Queen pasaba de vigilante asesino a superhéroe venerado, de despiadado a blandengue, rodeado de un elenco de secundarios que le marcaban el paso a seguir. De esas 8 temporadas, la primera fue brillante, las dos siguientes resultaron buenas, la cuarta fue catastrófica y a partir de ahí un sainete que ya va por gustos.

Curiosamente fue en esa cuarta temporada cuando Arrow pasó a ser Green Arrow, quitándose el complejo que arrastraba desde el principio, el que le impedia reconocer que venía de un personaje de cómics con una larga trayectoria, aunque algo ridículo. Curiosamente también fue en esa cuarta temporada cuando la serie se volvió más blandengue, Oliver Queen menos sanguinario y asesino y las escenas de cama y algo de carne empezaron a brillar por su ausencia.

Arrow 10 anos Cosas Felices

Reconozcamos que excepto en algunas etapas (en concreto las de Dennis O’Neil y Neal Adams y la de Kevin Smith como guionista, con posteriores aportaciones de Jeff Lemire y Andrea Sorrentino) Green Arrow no daba para mucho. Era un tipo con un arco y unas flechas que era más bien un sucedaneo de marca blanca de Batman.

Conscientes de eso, los creadores de la serie Greg Berlanti, Marc Guggenheim y Andrew Kreisberg plagiaron y adaptaron sin disimulo muchos de los conceptos, situaciones y villanos del hombre murciélago. Tuvimos una Arrow-Cueva, un Alfred llamado John Diggle, una Oráculo, un Ra’s Al Ghul, … un no parar.

Stephen Amell / Oliver Queen

Hablemos de los tres principales personajes de Arrow, porque si nos extendemos más nos dan las uvas. Stephen Amell fue Arrow, Oliver Queen, a lo largo de 8 temporadas. Fue de menos a más, evolucionando de pijo buenorro acartonado a padre y marido comprometido con todo. El personaje acabó por aceptar su complejo de Peter Parker, aquel en el que uno se siente responsable y culpable de absolutamente todo, sacrificándo su vida para salvar el universo.

Porque en este punto hay que decir que Arrow se convirtió, gracias en gran parte al apoyo de una numerosísima base de fans, en la piedra angular de todo un universo televisivo que adquirió el nombre de Arrowverso, con series derivadas que se cruzaban entre ellas, eclosionando en un mega-evento llamado Crisis en Tierras Infinitas en el que tuvimos todo un quién es quién de DC Cómics, desde el Flash televisivo Grant Gustin al Superman de Brandon Routh, e incluso el de Smallville.

Arrow

David Ramsey / John Diggle

El mayordomo / guardaespaldas de Oliver Queen, el Alfred de la serie, fue John Diggle, encarnado por David Ramsey. Fue el único personaje, junto al propio Oliver Queen, que estuvo desde el principio al final como protagonista. Era el más necesario del elenco porque John fue la brújula moral de Oliver Queen. Excéptico al principio, acabó por apoyar la causa de su patrón, pasándo incluso a tener su propio nombre de superhéroe, Spartan. Al final, John adopta la identidad de John Stewart y se encuentra un anillo verde, con lo que se da a entender que formaría parte de los Green Lanterns en el futuro.

Arrow John Diggle

Emily Bett Rickards / Felicity Smoak

También sale en todas las temporadas pero en la primera fue un personaje recurrente y en la última una invitada. Interpretada por Emily Bett Rickards, empezó como informática / hacker / vecinita de enfrente y gracias al apoyo de los fans se convirtió en el amor definitivo de Oliver Queen, en un claro ejemplo de más vale caer en gracia que ser gracioso.

En la cuarta temporada, Ollicity ya era oficial. Felicity hacía de todo, desde freir un huevo a detener un misil. Si John Diggle era la moralidad encarnada, Felicity era la marisabidilla repelente que te susurra al oido de forma inaguantable cuando te vas de parranda con tus amigos. En las últimas temporadas la cosa se suavizó un poco pero tuvimos un par que fue el gran lastre de Arrow.

Arrow Felicity

Otros personajes

Tuvimos más personajes, algunos mejores y otros no tanto, entre los que hay que destacar a Laurel Lance y su padre, Quentin Lance, interpretados por Katie Cassidy y Paul Blackthorne. El caso de Quentin fue curioso, pasando de policia perseguidor de Arrow y enemigo declarado de Oliver (al que culpaba de la muerte de Sarah, su otra hija) a su más firme defensor.

Para justificar todos estos cambios, los guionistas se esforzaban sobremanera por justificar el comportamiento de Arrow en las primeras temporadas, un esfuerzo que los responsables de The Walking Dead asumieron y aplicaron a Negan, otro personaje que sufrió el virus Felicity, ese que te hace ser imprescindible porque los fans así lo quieren aunque te des de tortas con tu propia esencia.

Entre los villanos tuvimos a uno que para mi fue el mejor, aunque también sufrió de ese virus, de ese retorcer la historia para justificar sus actos injustificable. Tuvimos a otros, como el Richard Diaz / Dragon interpretado por Kirk Acevedo o el Prometheus de Josh Segarra que dieron mucha caña a Oliver pero el más carsmático, el más socarrón, el que aguantó mecha casí hasta el final fue Marcolm Merlyn, encarnado por un John Barrowman que le daba a la serie todo el glamour y la sofisticación que hacia falta. Su simple presencia ya justificaba ver el episodio.

Arrow John Barrowman

Lo que Arrow significó

Que se cumplan 10 años del primer episodio de Arrow nos hace a todos 10 años más viejos. Todo el mundo tendrá sus propios recuerdos. Los mios empienzan viendo Arrow de forma pirata en el ordenador, encantado de la vida porque una adaptación de un personaje que conocía de los cómics lucía bien en la pequeña pantalla. Más que bien. En realidad la primera temporada de Arrow fue para enmarcar y con ella conseguí enganchar a mi mujer a las series del Arrowverso, señal de que mala no era.

Tres años después, en septiembre de 2015, llegué a esta santa web con un artículo sobre Conan. Habían empezado lo que es una seña de identidad de Las cosas que nos hacen felices, los análisis de series. Habían empezado por True Detective y las visitas se habían disparado. Creo que aquello puso a la web en el mapa porque cuando digo que se dispararon me refiero a que empezaron a contarse por miles y miles.

Había intención de hacer lo mismo con las series del Arrowverso (creo que The Flash empezaba o iba por su segunda temporada) y la de Arrow estaba libre. Una leyenda urbana cuenta que una chica iba a encargarse de ella pero mandó por error un video subido de tono al wassap que utilizamos en la web y muerta de vergüenza se fue casi sin despedirse.

Debo decir que no llegué a ver el susodicho vídeo pero ahí estaba Arrow, libre para meterle mano, con tan mala suerte que fue en esa cuarta temporada en la que la serie cayó en picado.

Alguna vez metí la pata, como aquella en la que puse en las primeras líneas que Felicity no había muerto en el episodio anterior, sin pensar que esas líneas eran lo primero que se veía cuando subíamos el post a las redes sociales. Ni que decir que nos pusieron a caldo y nos llamaron de todo. Desde aquí, disculpas por ese y otros errores que pudiese cometer.

Hoy, años después, recuerdo Arrow más con cariño que con pesar. Era una época más sencilla, donde las series de superhéroes no tenían el listón tan alto y donde se podía tratar el tema con más dignidad (¿alguién ha dicho Hulka o Caballero Luna?).

A Arrow y a todo el Arrowverso le pesó (y mucho) la competencia con Marvel, más en concreto con las series de Netflix, con esa aureola de producto adulto que aspira a romper los datos de audiencia. Era muy difícil mantenerse en el candelero con un producto young adult cuando Daredevil brillaba en el streaming.

A pesar de eso, a pesar de su aire de culebrón adolescente (spoiler: el 99% de los cómics de superhéroes lo son), de sus errores reiterados, Arrow merece un lugar destacado en la historia de la televisión y de las adaptaciones de cómics. Paradojas de la vida, a fecha de hoy para ver la serie hay que acudir a Netflix. Os dejo un enlace a nuestros análisis de Arrow, para que veáis que el tiempo no pasa en balde. Un saludo, sed felices.

Nuevo y Espectacular Tráiler de Miércoles (Wednesday) nos presenta al Tío Fétido y a… Christina Ricci

Netflix dio a conocer nuevo adelanto de Miércoles, la serie spin-off de La Familia Addams a cargo de Tim Burton y protagonizada por Jenna Ortega. Tanto o más impactante que el anterior, nos muestra por primera vez a un personaje y una actriz muy queribles para los fans.

Ya hace un tiempo que en esta web venimos siguiendo las novedades en torno a Miércoles, la serie de Tim Burton centrada en el personaje de La Familia Addams conocida como Wednesday en inglés original y como Merlina en varios países de América Latina.

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Ya hace casi dos años habíamos hecho el anuncio de la confirmación de la serie y de la primera experiencia televisiva de Burton (aquí el artículo). En agosto de este año tuvimos ya un primer e impactante tráiler (aquí pueden verlo) y ahora Netflix acaba de lanzar un segundo adelanto que sigue destilando estética burtoniana por todas partes pero que, además, nos presenta por primera vez a uno de los más entrañables personajes de la familia Addams…

Nos referimos al querible tío Fétido (tío Lucas para América Latina), el mismo que en los sesenta fuera interpretado por Jackie Coogan y en los noventa por Christopher Lloyd, recayendo esta vez el rol en Fred Armisen. Casualmente el actor está a cargo de una de las voces en Super Mario Bros. La Película, cuyo tráiler también se dio a conocer en estos días (pueden verlo aquí).

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Pero no es el único golpe emocional de este nuevo tráiler. También tenemos la presencia de Christina Ricci, quien justamente diera vida a Miércoles en las películas de los noventa y que ahora aparece presentándose como la “señorita Thornhill” y siendo, al parecer, profesora en la academia Nevermore, adonde la protagonista ha sido enviada por sus padres. Se caen así las especulaciones de que la actriz pudiese interpretar una versión adulta de Miércoles en algún flashforward: el suyo será un personaje recurrente y, según se ve, antagónico del principal.

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Fuera de ello, el tráiler nos vuelve a mostrar a Cosa (Dedos para América Latina) y si bien ya habíamos visto a Catherine Zeta-Jones como Morticia en el tráiler anterior, aquí tiene algo más de diálogo y podemos apreciar mejor lo bien que le calza el personaje: hasta la llegamos a ver con su característico hábito de retirar los pétalos de las rosas en lugar de las espinas. Y creo que Jenna Ortega en el papel de Miércoles ya se ha ganado a los fans solo con los tráileres…

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Impactante también (y muy adecuado) el fondo musical, versión orquestal del clásico Paint it Black (Píntalo de Negro) de los Rolling Stones, cuyo título y letra no solo van perfecto con la estética de la serie, sino también con que Miércoles, tal como manifiesta su madre, es “alérgica a los colores” (recordemos que el negro no es técnicamente un color sino justamente la ausencia del mismo).

Y si hablamos de clásicos, prestar atención porque se desliza un homenaje al Nosferatu de 1922 (en el año justamente de su centenario) y vuelve a sonar, como en el avance anterior, el ya icónico chasquido de dedos, aunque, por aparecer de espaldas, no se llega a apreciar quién lo hace: ¿Christina Ricci?… Se oye justo antes de que aparezca así que bien podría ser.

El estreno, tal como no podía ser de otra manera y así lo había este redactor aventurado en el anterior artículo, será un miércoles: la cita es el 23 de noviembre y en lo personal estoy muy impaciente. ¿Les ocurre lo mismo? Hasta pronto y sean felices…

Retro-Análisis | Langoliers de Stephen King (1995): Nunca fue tan peligrosa una cabezada durante un vuelo

Bienvenid@s amantes del VHS y de la era analógica a otro Retro-Análisis más en esta sección que trata de ser semanal y que os trae joyas (o no) del siglo XX que me gusta rescatar para que los más jóvenes las conozcan y los más veteranos las recuerden.

‘Langoliers’ proviene de una época en la que las películas para televisión eran muy abundantes. Actualmente ocurre igual pero ahora se suele invertir tanto o más presupuesto que en una cinta para cine.

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¿Dormir en el avión? No, gracias.

Cuando me propuse volver a visionar esta adaptación del maestro Stephen King tenía serias dudas si debía hacerlo. Siempre he recordado esta cinta y ‘Apocalipsis’ (The Stand’) con mucho cariño y a veces ese sentimiento nos edulcora el producto. He de decir que esta vez no ha sido así, pero con alguna que otra pega, la verdad.

‘Langoliers’ nos cuenta la historia de un vuelo a Boston que sufre un misterioso suceso: a excepción de un grupo pequeño de viajeros, el resto ha desaparecido sin dejar más que sus pertenencias, incluso los pilotos de la aeronave.

Pronto conocemos que hay algo que los une a todos: estaban dormidos durante el evento.

Este variopinto grupo deberá descubrir qué ha ocurrido mientras trata de comunicarse con el exterior y busca un lugar seguro donde aterrizar.

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Esta cinta televisiva está dividida en dos partes y es la primera, personalmente, la que me gusta más. Toda la intriga sobre lo ocurrido, ese desconocimiento y tensión están muy bien llevados.

Es cierto que cuando descubrimos qué ha ocurrido, la respuesta es impactante y nos da una visión algo diferente de un tema muy trillado.  Todos sabemos que Stephen King es un gran escritor con muchas novelas y experiencia a sus espaldas y eso se nota.

También es cierto que hay muchos momentos en los que hay mucho diálogo sobreexplicativo para situar al espectador y que no se pierda en lo desconcertante de la trama.

No nos engañemos: la calidad visual de ‘Langoliers’ es la de una de esas películas de Antena 3 de los domingos por la tarde. Aunque si se consigue superar ese primer rechazo por ese aspecto tan de cine cutre, podremos disfrutar de esta interesante propuesta.

Quizás con un mayor presupuesto hubiésemos tenido algunas escenas visualmente más impactantes, como la llegada a ese aeropuerto totalmente desierto.

Como ya he mencionado, el aspecto cutre de ‘Langoliers’ juega en su contra, al igual que alguna que otra actuación no demasiado acertada, como la de Bronson Pinchot que supongo que quiso alejarse de su imagen en ‘Primos lejanos’ y resultó demasiado estridente.  Aunque su trasfondo es el que da sentido a los langoliers y el que mayor profundidad y dramatismo posee.

Es muy obvio que parece que los personajes que se encuentran en este embrollo son los justos y necesarios para que avance la historia y tengamos un final feliz, pero… ¿En que película no lo son?

Vamos a entrar en lo más cutre de esta película televisiva: los efectos especiales. Hay muy poco, la verdad, pero la palma se la lleva la puesta en escena de los langoliers, que resulta casi cómica y en ningún momento general miedo.

Personalmente me hubiese inclinado por efectos prácticos más que digitales, pero que en esa época de los 90 el auge por los gráficos por ordenador tuvo más peso. Básicamente las criaturas resultan ser albóndigas mutantes con muy mala leche… al menos en su aspecto.

Conclusión

Una cinta televisiva muy entretenida que gestiona muy bien la tensión antes de descubrir lo que está sucediendo.

Hay que tener en cuenta que enfrentarse a ‘Langoliers’ es saber que estamos ante algo de una calidad visual más que dudosa, pero la historia merece la pena. Hay que estar muy acostumbrado a la serie B para ver esto sin desistir a los 5 minutos.

Revisionarla es un acto de nostalgia noventera que se disfruta, sobre todo para quienes no conozcan la trama y se vean sorprendidos por el trasfondo que nos narra Stephen King.

Además, tenemos cameo del escritor en la recta final, que, aunque caracterizado, es muy reconocible.

Dadle una oportunidad a ‘Langoliers’, creo que no os va a defraudar.

Un saludo desde el sótano de la Batcueva.

Crítica de La maldición del hombre lobo (Werewolf by Night), lo mejor de Marvel en televisión en lo que va de año

Una grata sorpresa. Eso es lo que es La maldición del hombre lobo (Werewolf by Night), el especial de unos 40 minutos que Marvel Studios ha estrenado en Disney+, una producción de la que no esperábamos nada y que resulta ser lo mejor de Marvel en televisión en lo que llevamos de año. La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida. Vamos al lío.

Los monstruos existen

Ya lo decían los hermanos Winchester. Y también existen en el UCM. La maldición del hombre lobo (Werewolf by Night) es su presentación en sociedad. Ulysses Bloodstone, el gran cazador de monstruos, ha muerto y se organiza una competición para ver quién es su sucesor, el que heredará su amuleto,la piedra de sangre. Entre los candidatos figuran su hija Elsa (Laura Donnelly), quien hace años se distanció de su padre, y un tal Jack (Gael García Bernal), que no es lo que parece y está ahí para salvar a su amigo. A partir de aquí, spoilers.

La maldicion del hombre lobo

No será novedad para los true believers marvelitas pero sí para los que no conozcan a los personajes de los cómics. Porque Jack es Jack Russell, el hombre lobo marveliano creado por Gerry Conway y Mike Ploog en Marvel Spotlight (1972), en una época en la que Marvel se acercó al género del terror creando clásicos como La tumba de Drácula. Por cierto, que han clavado al personaje según lo dibujaron en los cómics.

WereWolf by Night
Marvel Comics

La popularidad de Jack Russell le llevó a su propia serie, Werewolf by Night, en cuyo número 32 debutó el hoy famoso Caballero Luna como su archienemigo. Pero la cosa no queda ahí. A mitad del episodio se descubre que el amigo de Jack, el monstruo al que tiene que salvar, es ni más ni menos que El Hombre Cosa, Man-Thing para los amigos.

Todo aquel que sienta miedo arde ante el toque del Hombre Cosa

Creado por Stan Lee, Roy Thomas, Gerry Conway y el dibujante Gray Morrow,  Man-Thing apareció por primera vez en Savage Tales # 1 (mayo de 1971). Se trata de un científico, Ted Sallis, que se inyecta un producto químico para salvar a su novia, cae en los pantanos de Florida y sale transformado en un monstruo a cuyo contacto arde todo aquel que tiene miedo.

En base a sus poderes, derivados de su sensibilidad y su empatía, escritores de renombre como Steve Gerber o Chris Claremont pusieron sus ojos en El Hombre Cosa, creando historias que lo vincularían a la mística marveliana, transformándolo en guardián del Nexo de todas las realidades, introduciendo en sus páginas a personajes como Howard El Pato y recreándose en historias de lo más lisérgicas, propias del ambientillo de los 70.

Man Thing

Esto sí es un Monsterverso y no lo de Universal

En La maldición del hombre lobo (Werewolf by Night) Marvel se sirve de sus propios personajes, que a su vez se basan en creaciones anteriores, para homenajear a los monstruos de Universal como no supieron hacerlo en la propia Universal cuando perpetraron aquello de La Momia, esperpento de Tom Cruise que pretendía ser el principio del Universo Monster o algo parecido.

De forma sorprendente, Marvel lo hace con elegancia, respetando a los clásicos de los que bebe, en blanco y negro, recreando hasta los títulos de crédito de películas clásicas y con un uso de la música brillante. Y lo más sorprendente (o no) es que el director de este especial es el músico Michael Giacchino, un habitual de las bandas sonoras del UCM y que hace aquí su debut en la dirección. El guión corre a cargo de Heather Quinn (que trabajó en la serie Hawkeye) y Peter Cameron.

la maldición del hombre lobo

La historia es sencilla, una simple cacería que se complica y en la que algunos personajes no son lo que parecen, pero está contada de tal forma que se convierte en una pequeña joya dentro del UCM. Michael Giacchino impone un tempo lento al principio, con la llegada de Jack a la mansión de Ulysses Bloodstone y se recrea en la batalla final, con la sangre salpicando la cámara.

Eso sí, en riguroso blanco y negro para que no les suban la calificación por edades, qué tontos no son. Aún así, no estamos ante un producto apto para menores de 10 ó 12 años. Las escenas en las que salpica la sangre, algún destripamiento y gente ardiendo al contacto de Man-Thing, no son aptas para un público infantil por muy en blano y negro que sean.

La maldición del hombre lobo (Werewolf by Night) es un sentido homenaje a las historias de monstruos de Universal, a las películas de Boris Karloff y Bela Lugosi pero también a las historias pulp de la década de los 30, aquellas en las que se contaban historias de organizaciones secretas, de monstruos, de cazadores. Una demostración de que Marvel, si quiere, puede hacer algo más que encasquetarnos tonterías. Un saludo, sed felices.

El cómic de la semana: La emperatriz abandonada, el manhwa que arrasa

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos La emperatriz abandonada. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

La emperatriz abandonada, el manhwa que arrasa

Si os fijáis bien, aquí en el cómic de la semana no vemos muchos mangas, y menos manhwas, pero hoy presentamos La emperatriz abandonada, un cómic del que hace unos meses sería imposible que me hubiera interesado, y menos leído. Un descubrimiento.

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Pero ya venía sobre aviso con Solo Leveling, del cual ya hemos hablado en la web en repetidas ocasiones. Un manhwa que nos encanta. Para los más novatos el manga es eso, el cómic producido en Japón que se lee al revés que en occidente y es casi siempre en blanco y negro. Un manhwa es el manga producido en Corea del sur, que se lee como en occidente, y al menos por lo que se, es a color. Y ojo porque se edita como Webtoon que son tiras verticales para leer en los móviles y las tablets. Sólo que hay webtoons tan famosos (Solo leveling, la emperatriz abandonada y lo que tenga que venir) que te los acaban publicando en papel. Y gracias a estas ediciones yo los puedo disfrutar.

Y ojo, que me los leo y encantado. En la emperatriz abandonada puede parecer al principio que será una historia romántica simplona, pero no es ni lo uno ni lo otro.

En primer lugar quiero decir que el dibujo es bueno, pero nada destacable. A ver si lo se explicar. Es un dibujo de estudio, un dibujo que es bonito de ver, muy manga, pero que tampoco transmite nada diferente. Algo convencional pero que no se sale de la norma, no trasmite emociones al lector. Eso si, es mucho mejor que el de algunos mangas que parecen realizados por niños. Tampoco es que el diseño de los trajes de época sean innovadores, pero al menos se han molestado en ver patrones acordes con una especie de renacimiento europeo; y ese glamour se traslada a las páginas de la emperatriz abandonada. Al menos en el aspecto gráfico no creo que estropeé la lectura a nadie. Un notable.

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¿Pero de que va esto? No hago spoilers porque lo que cuento son las primeras páginas, y además ya viene en la contraportada. Resulta que la protagonista Aristia, la elegida por el oráculo para ser la futura emperatriz, va a ser ejecutada en la guillotina. Y zas, cabeza cortada. Así de primeras empieza esta obra. Sin tapujos. Captando adeptos. Nos cuentan un poco del odio del emperador hacia esta muchacha por algo su pasado y finalmente vemos como la protagonista renace en su cuerpo de 10 años, para reinscribir la historia, sabiendo el final que le depara.

Sin contar nada más, es una historia de alguien que tiene una segunda oportunidad. Y a todo esto, decir que el joven emperador se decanta como esposa a Jieun, una chica que vino de otra dimensión y es conocida como la niña bendita.

¿Podrá Aristia escapar de su destino? ¿Qué relación tiene con Jieun?

A mi esta historia me ha enganchado, y quiero seguir leyendo más y más de este folletín. La edición en Corea ya tiene 8 volúmenes, por lo tanto hay cuerda para rato.

La edición de Norma es excelente. Todas las páginas a color, incluso viene una especie de póster en la primera página, la cubierta viene con solapas y con relieve. Para mi una compra y lectura segura.

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UNA NUEVA OPORTUNIDAD DEL DESTINO

¡Por fin un nuevo y colorido manhwa! La vida de Aristia La Monique ha dado un inesperado giro de 180 grados. Ha pasado de ser la futura emperatriz del imperio a renacer en su cuerpo 7 años atrás. Esta nueva oportunidad le brindará la posibilidad de no volver a cometer los mismos errores del pasado, pero ahora que conoce cómo es realmente la gente de la corte ¿decidirá retomar sus planes del pasado o le dará a su vida un nuevo rumbo?

POSAVASOS MAGNÉTICO DE REGALO SOLO CON LA PRIMERA EDICIÓN

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Norma editorial y el enlace a la editorial pinchando aquí.

La emperatriz abandonada

Un saludo y sed felices

Cocaine Bear, película basada en un hecho real sobre un oso que ingirió gran cantidad de cocaína

Llevo unos días loco con esta película. Y no sabía si hablaros sobre Cocaine Bear. Pero después de leer la historia real que hay detrás no he podido resistirme y aquí os traigo la historia del oso que se puso hasta arriba de droga.

Cocaine Bear, más conocido como Pablo EscoBear.

Genial el sobrenombre. Un alarde de ingenio. Al parecer esta historia está basada en el siguiente suceso:

En 1985, el ex oficial de narcóticos y traficante convicto Andrew C. Thornton II lanzó una bolsa de lona con cocaína desde su avión ya que llevaba demasiada carga. Thornton saltó al vacío finalmente dejando el vehículo en piloto automático y murió debido a que su paracaídas no funcionó.

La policía descubrió el cuerpo de Thornton en Knoxville. Cargaba con 14 millones de dólares en cocaína atada a la cintura, armas y llevaba puesto chaleco antibalas.

El caso es que tres meses después, un cazador descubrió a EscoBear sin vida rodeado de 40 contenedores de cocaína abiertos. Al parecer ingirió aproximadamente 35 kilos.

El cuerpo del oso fue mantenido intacto por un taxidermista y estuvo mucho tiempo en exhibición. Hoy, tras pasar por varias manos, no se sabe en dónde está.

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La película.

La película es una libre versión de este suceso. Y es que estoy leyendo por la red que el oso, cocainómano perdido, empieza a atacar y matar a diestro y siniestro.

Está dirigida por Elizabeth Banks y es una de las películas póstumas del actor Ray Liotta. También integran el elenco los actores Keri Russell, O’Shea Jackson Jr., Alden Ehrenreich, Jesse Tyler Ferguson, Kristofer Hivju, Christian Convery, Brooklynn Prince y Margo Martindale.

La película llegará a las salas de cine en España el 5 de abril de 2023, y si bien ya cuenta con su poster oficial, el trailer aún no fue lanzado al público.

cocaine bear

Un saludo y sed felices.

 

Análisis de She-Hulk: Abogada Hulka. Episodio 8. A croar y a por todas

Bien, bien y mil veces bien. Después de ver “A croar a por todas”, octavo capítulo de la primera temporada de She-Hulk: Abogada Hulka, no puedo estar más entusiasmado y feliz. Ya me he desahogado un poco así que os doy la bienvenida al análisis de esta semana sin poder quitarme la sonrisa de la boca después de disfrutar por fin de la muy anunciada y deseada visita del Daredevil de Charlie Cox a la serie de nuestra abogada verde favorita.

Aquí puedes ver los análisis de los episodios anteriores de la serie

Y es que amigos, este episodio demuestra el potencial que tenía la serie y que los responsables no han sabido aprovechar. Una vez que ha quedado más que claro que la historia funciona gracias a los personajes invitados, nada mejor que presentar un team-up al más puro estilo de los cómics para ver juntos en acción a Hulka y Daredevil. Pero de manera natural, sin forzar la historia, sin bromas absurdas que sacan de la trama, sólo haciendo que dos personajes geniales interactúen tal y como son.

La trama parte de un enfrentamiento en los juzgados entre Hulka y Matt Murdock, la identidad secreta de Daredevil, abogado como nuestra protagonista. Eugene Patillio, un niño rico insufrible y mimado compra a Luke Jacobson, el sastre de los superhéroes, un traje de rana para hacerse un nombre como luchador contra el crimen. Ya tenemos aquí la versión UCM del personaje Rana Saltarina, uno más de ese fondo de armario de la editorial que tan bien están funcionando en esta serie. Pero el traje funciona mal y acaba con las piernas quemadas por lo que decide demandar a Luke. Como su padre es cliente VIP del bufete de Hulka, a nuestra amiga no le queda otra que aceptar representarle, aunque ese le cueste su “amistad” con el sastre, que dice que no volverá a hacer un traje para Jen.

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Rana Saltarina version UCM…¿No os recuerda a Kick-Ass?

En el capitulo cinco ya habíamos visto que Luke hacia los trajes de Daredevil, así que lo más lógico es que sea Matt quien le defienda. El juicio es una verdadera gozada, con alguna perla para los fans del UCM como la constatación de que los Tratados de Sokobia ya no están en vigor. Gracias a sus supersentidos, Matt averigua que Eugene usó combustible para cohetes en el traje cuando en las instrucciones ponía que el combustible debería ser otro. Así pues, la culpa del accidente es del propio Rana Saltarina por lo que Luke y Matt ganan el juicio.

De todas maneras, Matt es buena gente y después invita a tomar una copa a Jen, haciendo muy buenas migas. Genial el diálogo cuando dice a Jen que tal vez debería usar sus habilidades para ayudar a la gente además de trabajar como abogada. Toda una declaración de intenciones sabiendo de parte de quien vienen estas palabras.

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Matt llegando al juzgado, un momento muy esperado

La cosa no pasa a mayores ya que suena el móvil del abogado y se tiene que marchar corriendo. Poco después llaman a Hulka. Eugene pide ayuda ya que está huyendo de un atacante misterioso y nuestra protagonista decide que ya es hora de sacar del armario su traje de superhéroe, que luce genial, por cierto. Cuando llega se encuentra a Daredevil intentando apresar a la Rana Saltarina y se produce el típico enfrentamiento entre los dos que tantas y tantas veces hemos visto en los cómics. Las escenas de acción están bien llevadas, sobre todo por los movimientos del Diablo Guardian. Finalmente, Hulka le desenmascara y cuando descubre que es Matt este le cuenta que Eugene ha secuestrado a Luke para que le haga un nuevo traje. Una vez aclarado todo, toca colaborar, y es que ya se sabe, antes de ser amigos toca pegarse un poco, una tradición en los cómics muy bien llevada a la serie.

Entre los dos personajes asaltan el almacén donde Rana y sus secuaces (¿o esbirros?) tienen prisionero a Luke. Después de unas pocas leches más, Daredevil y Hulka logran liberar al sastre y apresar al “villano”. Luke entierra el hacha de guerra y decide volver a trabajar para Jen y menos mal, ya que dentro de nada hay una gala en la que le van el premio a la mejor abogada del año y necesita un buen traje con urgencia.

Cuando la policía se lleva a Eugene, pasa lo que tenía que pasar. La química entre Matt y Jen es enorme y acaban en la cama. Parece que por fin nuestra amiga ha podido encontrar un hombre en condiciones. Ojito a como Daredevil se marcha a la mañana siguiente, con el traje de superhéroe y descalzo andando por la calle como si tal cosa con cara de felicidad. Muy divertido.

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El paseo de la vergüenza versión UCM

No se vaya, aún hay más

Aunque todo parece haber acabado, incluso así nos lo dice Jen a los propios espectadores, el capítulo sigue para que veamos la gala en la que van a premiar a una Hulka que va con un vestido espectacular. Y es que Luke es mucho Luke. En la gala Jen se encuentra con sus padres y ve a su jefe hablando con Todd, uno de los pretendientes con lo que tuvo una cita cuando probó la app de ligoteo y que luego resultó ser uno de los mejores clientes del bufete y que está un poco obsesionado con Hulka.

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Hulka con su traje de gala

Cuando Jen es llamada al escenario (junto con otras «ganadoras»), su discurso es interrumpido. Inteligencia toma el control de la pantalla gigante que hay detrás del escenario y proyectan una retórica anti-Hulka, incluido todos los datos pirateados de su teléfono y lo que es peor, su noche de pasión con Josh, una brutal invasión de su privacidad que saca de las casillas a nuestra protagonista. Destroza la pantalla provocando el pánico en la sala al romperse varias columnas y paredes. En la persecución de los hombres de Inteligencia Hulka está muy pero que muy cerca de perder el control. Las advertencias de su primo sobre la ira parece que no estaban muy equivocadas después de todo. Al final se queda quieta, entregándose a la policía, avergonzada y con razón mortificada. El plan de Inteligencia ha salido perfecto y la Salvaje Hulka ha quedado a la vista de todos.

Valoración del capítulo

“A croar a por todas” tiene todo lo que la serie debería tener y que nos han estado escatimando hasta ahora. Hay su pequeña dosis de juicio, sus pequeñas bromas a costa de personajes de tercera, su humor absurdo en dosis justas, y lo que más falta hacía, mucha de acción. Mezclando todo esto por fin tenemos un episodio prácticamente perfecto. No era tan difícil.

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Vamos a pegarnos un poco antes de ser amigos

Es cierto que la aparición de Daredevil es un plus muy importante. Había empezado a temer que fuera sólo un cameo, pero ha acabado siendo un team-up en toda regla que ha funcionado muy bien. Me ha gustado mucho que primero se hayan enfrentado en el juzgado, es un detalle genial teniendo en cuenta el trabajo de los dos protagonistas. Después un pequeño intercambio de tortas antes de colaborar. Como mandan los cánones.

La química entre los dos es muy buena y el trabajo tanto de Charlie Cox como de Tatiana Maslany es brutal, sencillamente te los crees todo el rato. Parte del mérito está en el tratamiento de Daredevil que es perfecto. No es tan oscuro como en su serie de Netflix, pero tampoco es un tonto a las tres que hace bromas sin ton ni son. El Diablo Guardián que todos queremos y amamos es perfectamente reconocible (a pesar del traje amarillo). Sus escenas de acción, sin ser tan espectaculares como en Netflix, están bastante logradas. Y el uso de la sintonía de esa serie para presentarlo me ha gustado y me recuerda a lo de los mutantes en Ms. Marvel.

Una vez acabado el team-up toca ir poniendo las fichas en su lugar para el último episodio. Y se hace de una manera brutal y descarnada que deja de lado las tontunas que hemos visto antes. Otra vez genial, redondeando un capítulo que demuestra que podríamos haber tenido una serie magnífica.

Para acabar una reflexión. Todo el mundo está esperando que el jefe de Inteligencia sea un personaje grande de los cómics. El favorito de las apuestas es El Líder, dada su vinculación con Hulk. Pero yo creo que hay otra posibilidad. El tal Todd da mucha pero que mucha grima y esta obsesionado con nuestra protagonista. ¿Y si él es el Rey Hulk?

Ya tenemos Tráiler de la Película de Super Mario Bros.

Llega Super Mario Bros. La Película y Nintendo acaba de dar a conocer el primer tráiler. ¿Los fans? De momento encantados con las imágenes y delirando de felicidad…

Finalmente Nintendo dejó caer el manto de hermetismo que cubría la realización de Super Mario Bros. La Película. Tras haber, hace pocos días, dado a conocer el primer cartel promocional, ahora lanzó primer tráiler y, a juzgar por las primeras reacciones, los fans están felices.

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Recordemos que se trata de la tercera adaptación al cine de la famosa serie de videojuegos desarrollados por la firma japonesa, que ya tuvieran en 1986 una adaptación en anime y en 1993 una película live action muy poco recordable, salvo por una gran banda sonora y un muy desperdiciado Bob Hoskins.

Se trata, en esta oportunidad, de un filme de animación cgi producido por Ilumination Entertainment en colaboración con la propia Nintendo. Llevar a la pantalla el fascinante y casi surrealista mundo del célebre videojuego no es tarea fácil por cuanto implica dotar a la adaptación de una historia que dé sentido a lo que (deliberadamente) no lo tiene.

Por lo pronto, el tráiler se ve verdaderamente bien y tanto el diseño de Mario como la estética general lucen muy semejantes a lo que conocemos de los videojuegos, lo cual no puede sino ser una grata noticia para quienes a lo largo y ancho del mundo los hemos amado. También es una sorpresa la impactante presentación de Bowser, clásico villano de la historia, a quien desde ya veremos invadir el Reino Champiñón y secuestrar a la princesa Peach: no puede ser de otra forma…

Si hubo que esperar casi treinta años por una nueva adaptación, ello tiene sin duda que ver con que la fallida experiencia del filme de 1993 hizo que Nintendo no estuviese dispuesta a ceder nuevas licencias cinematográficas hasta estar segura de que se hiciera justicia al material de origen: a primera vista y a juzgar por lo que se ve en el tráiler, la espera valió la pena…

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La película cuenta con la dirección de Aaron Horvath y Michael Jelenic, dupla también responsable de Teen Titans Go!. En caso de escuchar la cinta en idioma original, viene con impresionante reparto coral de voces que incluye a Chris Pratt (Super Mario), Anya Taylor-Joy (princesa Peach), Charlie Day (Luigi), Jack Black (Bowser), , Keegan-Michael Key (Toad) y Seth Rogen (Donkey Kong).

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Además y para beneplácito de los fans, Koji Kondo, autor de la icónica música original, aparece involucrado en la banda sonora.

Recordemos que, creado por Shigeru Miyamoto, el videojuego es uno de los más vendidos de todos los tiempos, tanto que el año pasado una copia de NES fue vendida en dos millones de dólares convirtiéndolo así, además, en el más caro de la historia.  Y ha tenido, desde luego, adaptaciones a cómic y a manga.

En fin, ¿qué les ha parecido el tráiler? ¿Tendremos esta vez la adaptación que merece Super Mario Bros.? De momento, el estreno está pautado para el 7 de abril de 2023 y la distribución correrá por cuenta de Universal. Hasta pronto y sean felices…

Cyberpunk 2077, The Witcher entre los 5 bombazos anunciados por CD Projekt RED

Cyberpunk, The Witcher y CD Projekt RED han sacudido internet en este y otros planetas con un anuncio de 5 nuevos títulos de sus franquicias estrella más una nueva.

Los videojuegos anunciados son los siguientes: Un nuevo juego de Witcher con nombre en código «Sirius» desarrollado por el estudio The Molasses Flood, una nueva trilogía de Witcher por CD Projekt RED, un nuevo juego de Witcher con nombre en código «Canis Majoris» una ‘third-party’, un nuevo juego Cyberpunk 2077 con nombre en código «Orion» por el nuevo estudio de Boston de CD Projekt RED, y una nueva IP con nombre en código «Hadar», también por CD Projekt RED.

Y quien mejor que el propio estudio para hablar de sus proyectos, así que aquí os dejo todo lo que han anunciado con palabras textuales del propio Adam Kicinski, presidente y CEO conjunto de CD Projekt RED:

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Sirius (Molasses Flood)

«El juego Molasses Flood, cuyo nombre en código es ‘Sirius’, está ambientado en el universo de Witcher y se está creando con el apoyo de los desarrolladores de CD Projekt RED. Diferirá de nuestras producciones pasadas, en el sentido de que está dirigido a un público más amplio. Junto con la experiencia de un solo jugador, los jugadores podrán jugar con otros, ya que ‘Sirius’ contendrá multijugador.

Nueva trilogía de ‘The Witcher’ (CD Projekt RED)

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Polaris

“Otro proyecto, cuyo nombre en código es ‘Polaris’, es el juego que abre la nueva saga Witcher, amplía aún más la narración de mundo abierto conocida de The Witcher 3: Wild Hunt. Habrá tres juegos en la saga y nuestro objetivo es entregarlos durante un período de seis años a partir del lanzamiento de Polaris. Es una declaración audaz ya que estamos hablando de tres producciones a gran escala, pero realmente lo decimos en serio y tenemos un plan sobre cómo lograrlo. Tanto la segunda como la tercera entrega se beneficiarán, en términos tecnológicos, de las bases establecidas durante el desarrollo de Polaris. De esta manera, nuestro objetivo es suavizar el proceso de desarrollo y, al mismo tiempo, mantenernos creativamente ambiciosos.”

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Canis Majoris (Una Third-Party)

«El próximo proyecto, cuyo nombre en código es ‘Canis Majoris’, será otra producción completa de Witcher. Será creado por un estudio externo del que Michal acaba de hablar, encabezado por desarrolladores experimentados que han trabajado en juegos anteriores de Witcher. Tecnológicamente, planeamos usar Unreal Engine 5 y el conjunto de herramientas que estamos creando para Polaris.

Cyberpunk 2077

«Como has visto, están sucediendo muchas cosas en el mundo de The Witcher, así que saltemos al futuro distópico.

Phantom Liberty (Expansión Cyberpunk 2077 por CD Projekt RED)

«Este año planeamos lanzar […] una gran expansión para Cyberpunk 2077, titulada ‘Phantom Liberty’.

Cyberpunk

Orión (por CD Projekt RED)

«Otro proyecto en el que queremos centrarnos es Orion, de nuevo es un nombre en clave, el próximo juego de Cyberpunk que dará rienda suelta al máximo del potencial que ofrece este universo. Nuestros ambiciosos planes requerirán mucho trabajo, dedicación y un mayor crecimiento del equipo.

«Hablando de eso tengo noticias importantes para compartir. Estamos creando un nuevo estudio con sede en América del Norte. Junto a The Molasses Flood, que se centrará únicamente en Sirius, estamos estableciendo un equipo en Boston, que junto con nuestro equipo existente con sede en Vancouver establecerá CD Projekt RED North America. Este estudio se encargará de liderar el desarrollo de Orion. Este movimiento nos permitirá aprovechar plenamente el grupo de talentos de América del Norte».

CD Projekt RED Outlook 10 04 22 New IP

Hadar (por CD Projekt RED)

«Me complace anunciar que CD Projekt RED ha comenzado la exploración creativa en una tercera IP completamente distinta, con nombre en código ‘Hadar'», dijo Michal Nowakowski, vicepresidente senior de desarrollo de negocios de CD Projekt RED. «Habíamos empezado a pensar en ello hace unos años. Los primeros trabajos conceptuales comenzaron en 2021 y, por primera vez en nuestra historia, la PI se está incubando completamente dentro de CD Projekt RED. Es importante entender que todavía no estamos haciendo un juego. Estamos trabajando en la base de este nuevo entorno.

CD Projekt RED – Multijugador

«Eso sería todo sobre los nuevos juegos, pero tenemos más que compartir con ustedes hoy. Si bien creemos que nuestros juegos y mundos que creamos dentro de ellos están contando grandes historias que impactan a muchos, también creemos que dejar que los jugadores interactúen entre sí creará nuevas experiencias para ellos. Al hacerlo, no queremos hacer que la experiencia de un solo jugador sea más pequeña de ninguna manera debido a esa dirección. Lo que es importante, Unreal Engine 5, nuestro nuevo motor, ofrece un marco tecnológico sólido, lo que nos permite desarrollar multijugador para la mayoría de nuestros futuros títulos. Nuestro enfoque para desarrollar competencias en línea, y una amplia visión general de los cambios tecnológicos que ocurren en el Grupo, son presentados por los miembros de la Junta responsables de estos respectivos campos».

Con todo esto anunciado no podemos más que comenzar a ahorrar para poder tener los videojuegos anunciados, ya que CD Projekt RED es símbolo de calidad, pese a los malos primeros pasos de Cyberpunk 2077. Las aventuras de Geralt de Rivia son espectaculares y su mundo brutal, así que no queda más que rendirse a la evidencia de que el estudio polaco es uno de los mejores que existen actualmente en el panorama.

Un saludo, chuns.

Análisis de Rick y Morty. Temporada 6. Capítulo 5

Rick y Morty es la prueba de que no hay personaje malo: durante sus primeras temporadas, Jerry Smith era con diferencia el miembro de la familia más impopular, acercándose peligrosamente en las conversaciones del fandom a Meg de Padre de familia. Sin embargo, en la tercera temporada su arco dio un vuelco al experimentar su divorcio, que le obligó a ser más asertivo, y ahora hemos tenido algunos episodios no solo centrados en él sino en los que, sin abandonar su patetismo, se convierte en el héroe de la historia. Final DeSmithtation es uno de esos ejemplos.

Rick y Morty… digo, y Jerry

Los Smith van a comer a un restaurante en el que les sirven galletas de la fortuna. La mayoría recibe los típicos mensajes motivacionales y ambiguos, pero al patriarca de la familia le toca un augurio que le hará perder el sueño: el papel de la galleta asegura que acabará manteniendo relaciones sexuales con su madre. Sus hijos se burlarán de él por tomarse demasiado en serio esta profecía, pero Rick se muestra sorprendentemente comprensivo y decide ayudarle.

Rick y Morty

Aunque al principio cree que este mensaje es una patraña, las pruebas que realizará le llevan a deducir una terrible verdad: existe una enorme conspiración detrás de las galletas de la suerte. Rick y Jerry investigarán a los proveedores de estos aperitivos mientras tratan de evitar que la amenaza se acabe cumpliendo. Pero, como es bien sabido desde los tiempos de Sófocles, intentar cambiar el destino puede acabar provocando lo que uno intenta evitar

Destino, mindfulness e incesto

Sin una gran profundidad, este capítulo sigue siendo muy divertido, y supera con mucho al episodio de la temporada pasada donde se produce una invasión a escala global de espermatozoides. Estos veinte minutos comparten con aquella infausta entrega el humor verde de brocha gorda, pero ha sido mucho mejor recibido sencillamente porque es más gracioso. La química entre Rick y Jerry, que ahora aceptan a regañadientes la existencia del otro, eleva Final DeSmithtation, y resulta conmovedor ver cómo el científico loco entiende qué se siente al ser ridiculizado por las propias creencias.

Asimismo, la revelación final sobre el origen de estas galletas es brillante, con una crítica nada velada hacia los vendehumos de la motivación y el crecimiento personal. La villana del episodio, a la que no vemos ni durante cinco minutos, resulta odiosa por lo mucho que se parece a los interminables imitadores de Elon Musk que intentan vendernos un nuevo curso que solucionará todos nuestros problemas y que nos permitirá adoptar una imbatible mentalidad de tiburón.

Rick y Morty

Las escenas de acción son increíblemente creativas: Rick, cual genio maligno de la saga Wishmaster, trastoca los deseos que aparecen en las galletas de la fortuna para manipular a sus oponentes, en giros crueles que se suceden a una velocidad abrumadora. Asimismo, el clímax de su misión es una escena tensa como la de la mejor cinta de acción, ya que no involucra la muerte de ningún personaje (algo impensable a estas alturas), sino algo no solo posible sino que ya se produjo a mayor escala la temporada pasada.

De nuevo aparece el tema del incesto en este producto. Aunque está presente desde el segundo episodio, en el que Summer se insinúa a Morty dentro de un sueño, los creadores llevan un par de años desatando sobre su audiencia los chistes más soeces sobre este asunto. ¿Se trata de alguna obsesión inconfesable de los guionistas, que están usando la serie como terapia, o de mera provocación? ¿Son incapaces de ocultar sus perversiones o, por el contrario, se burlan del puritanismo del público de forma deliberada? No lo sé, pero yo me he reído, y eso es lo único que debería importar.

Conclusión

Rick y Morty nos da un capítulo que provoca carcajadas constantes y que nos muestra cómo han cambiado sus personajes principales. Durante las dos últimas temporadas, a estas alturas, ya había sectores numerosos del fandom que señalaban una decadencia en la calidad. No parece ser el caso durante esta sexta temporada, en la que los episodios más importantes para los personajes se dan cita con otros más desenfrenados y gamberros. Rick y Morty siempre ha alcanzado sus cotas más altas al moverse en este equilibrio que de momento se está manteniendo impecablemente.

Kelsey Grammer y Paramount+ confirman el regreso de Frasier

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Notición. Y sorprendente. Según cuenta Deadline, Paramount+ ha confirmado oficialmente la secuela de Frasier, mítica serie de los 90 protagonizada por Kelsey Grammer y que regresará próximamente al papel.

No tenemos muchos más datos pero se sabe que Grammer retomará su papel y que ejercerá de productor ejecutivo. El desarrollo de la sería quedará en manos de los escritores Chris Harris (Cómo conocí a vuestra madre) y Joe Cristalli (Life In Pieces) y se sabe que situarán al psiquiatra Frasier Crane en una nueva ciudad y rodeado de nuevos personajes, por lo que en principio se salen de la ecuación su padre (el fallecido John Mahoney), su hermano (David Hyde Pierce) y la fisioterapeuta inglesa Daphne Moon (Jane Leeves), aunque tampoco se descartan apariciones especiales…

Para los jovenes milenials, Frasier estuvo al aire durante 11 temporadas entre 1993 y 2004 en la cadena NBC y era a su vez un spin-off de la mítica serie Cheers, donde Frasier hacia su debut como parroquiano del bar. Kelsey Grammer encarnaba a un psiquiátra reconvertido en locutor radiofónico que era a su vez un auténtico neurótico, un personaje que superó a la serie en la que debutó y se convirtió en historia de la televisión.

Está por vez si en esta fiebre de reboots y revivals que nos invade y tantos años después, Frasier tendrá un hueco, y más teniendo en cuenta la horrible experiencia que ha supuesto ultimamente Como conocí a tu padre. En todo caso, le echaremos un ojo. Eso si, esperamos que regrese Eddie. Un saludo, sed felices.

Análisis de Andor. Temporada 1. Episodio 5

Bienvenidos a la rebelión. Bienvenidos al análisis del episodio 5 de Andor, la calma antes de la tormenta. Si, es un episodio de transición y me parece que la estructura de la serie será esa: pequeñas trilogías, tres episodios de principio, nudo y desenlace. Veremos si se confirma pero si tenemos en cuenta que esta primera temporada consta de 12 episodios, las cuentas salen. Os dejo el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío.

Madre no hay más que una y a ti te encontré en la calle

Eso es lo que debe pensar el pobre subinspector Syril Karn, que se pasa todo el episodio oyendo como su madre le afea que no ha llegado a nada en la vida. Todo eso mientras le sirve un clásico del menú Star Wars, la leche azul. leche azul en cereal.

Puede que muchos no se acuerden pero apareció ya en el Episodio IV: Una nueva esperanza.  Según declaró Mark Hamill, la bebida en cuestión tenía un sabor bastante desagradable y beberselo fue todo un desafio.

En el universo Star Wars, la leche azul es producida por banthas hembras y se usa para hacer mantequillas, galletas, quesos e incluso yogures. Los visitantes del parque temático Galaxy’s Edge pueden comprar bebidas de leche azul pero si no podéis ir a Galaxy’s Edge no os preocupéis. El gran (en todos los sentidos) Thibaud Villanova tiene la receta en su imprescindible libro Star Wars a la carta.

Mientras el pobre Siryl aguanta el chaparrón, Cassian Andor continua en Aldhani preparando la incursión en la base del Imperio. La verdad es que pasa poca cosa, aparte de tener sus más y sus menos con el resto del comando rebelde. Especialmente intersante es la conversación entra Cassian y Kreed acerca de sus tatuajes. Uno de ellos es un «krayd head». Posiblemente haga referencia a algun tipo de pandilla pero sabemos que un dragón krayd es la criatura a la que se enfrento Din Djarin en Tattoine al principio de la segunda temporada de The Mandalorian.

andor

Cassian y Kreed, a pesar de no llevarse muy bien, se tienen algo de respeto, reconociéndose el uno al otro como hermanos.

Lesbianas galácticas

Me llamó la atención el comentario de Kreed al respecto de Cinta, diciéndole a Cassian que se olvide, que ya comparte catre. No lo señala pero creo que si lo comparte con alguién es con Vel. Si, en Star Wars hay lesbianas pero no se por qué en Disney parece que les da vergüenza decir las cosas claras. Ya mostraron un morreo de refilón al final del episodio IX, como si les costara lo suyo y ahora han vuelto a la mismo.

Cinta

Mientras tanto, en Coruscant, vemos algún atisbo de la vida conyugal y familiar de Mon Montha, con un marido de vuelta de las cosas y una hija rebelde de esas que quieres mandar a Alderaan cuando la Estrella de la Muerte pase por allí. También vemos a Luthen Rael esperar la tormenta. Y es curioso ver en su almacén las dos piedras perdidas de Sankara que le faltarón a Indiana Jones en su segunda aventura.

Piedras Indiana Y es que en Disney+ siempre están con sus bromas. En el episodio anterior resulta que sacaron el látigo de Indiana Jones congelado en carbonita pero como estábamos todos mirando hacia otro lado, ni nos dimos cuenta. Si es que son…

Latigo carbonita

Por su parte, los imperiales, con Dedra Meero a la cabeza, están empezando a sospechar que lo que parecen simples robos aislados esconden algo más, un patrón de algo más gordo. Aun están en babia pero tu y yo lo sabemos, que esos robos son el principio de la rebelión, el equipamiento de la Alianza Rebelde.

Valoración del episodio

No os voy a engañar. Esperaba más. Quería que Cassian y su grupo se hubiesen embarcado ya en el robo del asentamiento imperial pero, como he comentado al principio, empiezo a ver una estructura: cada tres episodios tendremos un historia casi auto-conclusiva, un principio (el episodio anterior), un nudo en el que apenas hay acción y en el que las piezas se mueven en el tablero (este episodio en cuestión) y un episodio final (el siguiente) donde podemos tener la traca definitiva.

Y es por eso que sacaron los tres primeros de golpe y es por lo mismo por lo que habría que cuestionar el que saquen los episodios a uno por semana. Este episodio puede que haga decaer el interés pero, a pesar de todo, es un muy buen episodio, centrado en los personajes y sus relaciones. Hay una explicación, un por qué vamos a donde vamos, aunque llev tiempo. Y nosotros nos vamos hasta el próximo análisis. Un saludo, sed felices y que la fuerza os acompañe.

Fans dispuestos a boicotear el nuevo libro de George R.R. Martin acusando de racistas a los coautores

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El creador de ‘Canción de Huelo y Fuego’ y ‘La Casa del Dragón’, George R.R. Martin, no se libra de la polémica ni mudándose a las tierras más al norte del muro. Ya no solo por llevar más de una década sin continuar la saga de Jon Nieve y compañía, sino por haber decidido comenzar otros proyectos alejados de eso. Como el libro ‘The Rise of the Dragon: An Illustrated History of the Targaryen Dynasty, Volume One’ que sale a la venta este 25 de octubre.

Ahora las redes sociales se han cebado con los dos colaboradores del escritor, Linda Antonsson y Elio M. García Jr, a los que acusan de comentarios racistas en su blog hace ya algunos años. Muchos denunciando el comportamiento problemático y la «historia de racismo» de los coautores de este nuevo libro mientras otros instaron a Martin a cortar lazos con la pareja.

Elio y Linda

Antonsson y García han insistido a Variety que se sienten atacados por expresar sus puntos de vista sobre las obras originales de George R.R. Martin.

Las publicaciones de esta pareja datan de más de una década, muchas veces nos olvidamos que todo lo que se sube a la red se queda ahí, y se quejaban básicamente algunas elecciones del casting de Juego de Tronos. De personas de color interpretando a personajes blancos:  Nonso Anozie para el papel de Xaro Xhoan Daxos.

george r.r. martin

Aunque más recientemente, Antonsson escribió esto sobre el personaje de Corlys, interpretado por Steve Toussaint en ‘La casa del Dragón’: «No hay valyrios negros y no debería haber ninguno en el espectáculo».

Ambos colaboradores han declarado que sus mensajes fueron sacados de contexto y que no tienen ningún problema con un casting inclusivo, pero apuntilló: «la diversidad no debe triunfar sobre la historia».

También explicó que si se cambiase a un personaje negro por alguien blanco, tendrían la misma opinión al respecto.

Variety también intentó hablar con Martin y la editorial del libro, pero el primero se negó a responder y Ten Speed Press no respondió a la petición. El escritor aún no se ha pronunciado en relación a todo este revuelo que se ha armado.

George R.r. martin

Las redes sociales son un arma de doble filo y en una época en la que cualquier palabra, de alguien con cierto alcance, se puede malinterpretar y ser el comienzo de un linchamiento mediático, es difícil agradar a todos.

Vamos a ver como acaba esta guerra que tiene toda la pinta de acabar peor que algunas de las que vimos o leímos en Juego de Tronos.

Aprovecho para dejar el extracto de la charla de George R.R. Martin y Stephen King:

Valar Morghulis.