El estudio MAPPA produjo la adaptación de uno de los mangas más populares de los últimos años: Chainsaw Man (Hombre Motosierra). Se trata de un shonen al que no le falta acción, humor negro y mucha, pero mucha, sangre. El primer episodio estrenó este 12 de octubre y esta primera temporada contará con 12 capítulos.
Al inicio de Chainsaw Man conocemos a Denji, un joven con una vida bastante austera: debido a una deuda que heredó de su padre, debe trabajar para la mafia. Se trata de una deuda impagable que, claramente, lo tendrá esclavizado de por vida. Para pagarla, corta árboles, vendió un ojo, un riñón, un testículo y se desempeña como cazador de demonios.
Junto a Denji vemos a Pochita. Una especie de mascota, similar a un perro o a un cerdo, que es un demonio. Tiene la particularidad de que entre los ojos le sobresale la punta de una motosierra. Es un ser bastante tierno, debo decir. Acompaña a Denji desde que se conocieron en el funeral del padre del joven.
En pocos minutos, vemos como Denji caza un demonio con Pochita y lo entrega a la mafia. Debido a intereses, costos inventados y gestores (el cuerpo se vende en el mercado negro), ese botín no alcanza para solventar ni un 1 por ciento de la deuda. Denji vuelve a su casa (un monoambiente de chapa sin cama) y lamenta la vida que lleva.
La animación de MAPPA es buena, se nota la calidad que ya ha demostrado este estudio en animes como Jujutsu Kaizen o Shingeki no Kyojin (Ataque a los titanes). En el caso de Chainsaw Man mezcla 2D con CGI y los colores son lúgubres, como la vida de Denji.
Pobre Denji, parece que todo le sale mal
Denji, quien varias veces es tratado como un perro, es llamado para cazar a un nuevo demonio pero en este caso es una trampa. El líder de la mafia le confiesa que se alió con un demonio para ganar su poder. Sin embargo, el demonio tiene otros planes: posee a la mafia completa y decide matar a todos los cazadores de demonios.
Por esto, el demonio que se autodenomina Zombi (y que tiene un aspecto grotesco que hace acordar al final de Paprika) manda a todos sus poseídos a matar a Denji. Este corre por su vida junto a Pochita pero es alcanzado y, en una escena bastante violenta, es atravesado por cuchillas y espadas mientras grita de sufrimiento.
Algo está claro: la serie quiere que empaticemos con su sufrimiento. Denji vive en la pobreza, víctima de una enfermedad que heredó de su madre y de una deuda eterna que heredó de su padre. Solo sueña con tener un rico desayuno (pan con mermelada), una novia con quien jugar videojuegos y dormir en una cama cómoda.
Al comienzo del animé lo vemos sufrir, lo vemos fallar y hasta lo vemos morir. Y ahí tenemos un flashback: cómo conoció a Pochita. Este demonio estaba herido y Denji le dio su sangre para que se sane. Así se gestó la amistad. Una amistad tan grande que el joven le dijo que, si algún día moría, le permitiría al demonio poseer su cuerpo. El bienestar de Pochita era lo único que le preocupaba si él no estaba.
Chainsaw Man: acción y un momento de gore total
Y Pochita lo posee pero se une con él y lo deja vivir. A cambio, le pide a Denji que le muestre sus sueños. Tras esto, el protagonista se despierta, ve que está vivo, que tiene su cuerpo y que del pecho le sale una piola para activar la motosierra.
El demonio Zombi no puede creerlo y ataca con todo. Denji activa su “modo demonio” y comienza un momento de acción muy violento. Mucha sangre, mucho gore, con un Denji que se desquita de todo su sufrimiento y no deja a ningún demonio con vida. No le es difícil: tiene una motosierra en la cabeza y en los dos brazos.
Luego llega un equipo de cazadores de demonios del Gobierno, la llamada División de Seguridad Pública y ven la escena. Conocemos a Makima, que venía a deshacerse del demonio Zombi. Al ver a Denji, todavía endemoniado, lo abraza y el joven vuelve a verse normal.
Le pregunta si quiere morir como un demonio o si quiere trabajar para ella como si fuera su perro. Él solo pregunta si se desayuna bien y accede a formar parte del equipo. Fin, termina el capítulo y nos deja con ganas de más.
El estreno de Chainsaw Man fue tendencia en las redes sociales. Gran parte del público del anime esperaba esta adaptación y la verdad superó las expectativas: buena animación, muy linda música y mucha acción que no escatimó en sangre. Veremos cómo avanza la historia y si se mantiene tan arriba como en su inicio.
¡Seguiremos la primera temporada capítulo a capítulo! Sean felices…
Menuda noticia para empezar el día. Varios medios americanos confirman que Harrison Ford se unirá al Universo Cinematográfico Marvel interpretando al General Ross, anteriormente interpretado por el fallecido William Hurt.
Cierto es que el UCM fiche a un actor como Ford no es nada nuevo, precisamente en otra película del héroe de barras y estrellas, El Soldado de Invierno, salió Robert Redford.
De momento poco se sabe, pero todo el mundo habla de la importancia de Ross en los eventos que salpicarán a Hulk y el Capitán América, por eso de hacer un nuevo casting para el personaje.
Si bien debemos suponer que el papel importante de Ford será en la película «Thunderbolts«, el personaje hará su debut como decíamos en la próxima Capitán América.
¿Y qué papel toma Ross en Thunderbolts? Para quienes no lo sepan Ross se convierte en el «Hulk rojo» en las páginas de Marvel Comics. Pero habrá que ver como lo hacen en el UCM.
Sea como sea y aunque varios medios lo dan por hecho toca cruzar los dedos. Se trata de una las mayores incorporaciones en todos estos años del UCM. Si Ford comienza su arco en Capitán América: New World Order, sería el primer paso en el arco del Red Hulk de Ross, que luego podría conducir directamente a Thunderbolts. Dado que ambas películas están programadas para mayo y julio de 2024, respectivamente, eso significaría una dosis doble de Ross de Ford durante la Fase 5.
Capitán América: New World Order llegará a los cines el 3 de mayo de 2024 mientras que Thunderbolts está programado para el 26 de julio de 2024.
Bienvenidos a un nuevo análisis de The Old Man, la serie que parece que será una de las mejores del año. Mientras veía este episodio (menos introspectivo y más apasionante que los anteriores) no pude evitar pensar que posiblemente esté a la altura de la primera temporada de Homelande incluso de Better Call Saul. Os dejo el enlace a los análisis anteriores de The Old Man y vamos al lío.
Unos 6 minutos de metraje es lo que tarda Dan Chase (Jeff Bridges) (lo llamaremos así para no liarnos) en dejarle claro a Zoe que no tiene más remedio que huir con él. ¿A dónde? Pues a Los Ángeles, donde Chase es conocido como Henry Dixon, otra de sus identidades. Ahí descubrimos que Chase tiene más dinero de lo que aparenta, gracias a sus inversiones en una compañía llamada Finanzas Corsair. El plan de Chase es usar su compañía para tocarle las narices a un tal Sulejman Pavlovic.
Por lo visto, Sulejman Pavlovic le guarda tanto rencor a Faraz Hamzad como este le guarda a Chase. Y no debe ser poco porque en los flashbacks del episodio descubrimos que Chase capturó a Pavlovic cuando era el comandante de una guarnición rusa en Afganistán y se lo entregó a Hamzad para que sirviese de escarmiento. Queda en el aire qué pasó realmente y como Pavlovic escapó de una muerte casi segura.
Mientras, Zoe ha decidido sacar tajada de la situación. Se ha dado cuenta de que Chase no es un muerto de hambre y ha decidido ayudarle a cambio de la mitad de todo lo que tiene. A Chase no le quedará otra que aceptar porque ha hecho pasar a Zoe por su mujer y esta ha amenazado con pedir el divorcio, lo que acarrearía una investigación en sus empresas para determinar qué puede corresponderle.
En el filo de la navaja
Ahí es donde se halla la hija de Chase, Emily. Las sospechas de Harold Harper han ido en aumento y ya está convencido al 99% de que Angela / Emily es un topo en su departamento del FBI. A eso ha contribuido la llamada de Julian Carson, advirtiéndole de que Chase se estaba dando a la fuga cuando él llegó para matarlo.
El problema para Angela es que Harold ha jugado fuerte y ha conseguido una entrevista con Faraz Hamzad. Es posible que haya algo más que el deseo de venganza hacia Chase por haberse fugado con su mujer. Por otra parte, también es posible que la mujer de Chase tuviese más influencia de la que hemos visto hasta ahora tanto en Chase como en Hamzad. En todo caso, esta es una oportunidad única para Emily para conocer de verdad a su madre, ya que le cuenta a Waters en el bar que su madre se hallaba como ausente, como si faltase la mitad de su ser.
Encajando las piezas
Ya hice referencias en el análisis del episodio anterior a los rompecabezas de The Old Man y a la hora de escribir sobre esta serie me doy cuenta de que hay que ir encajando las diferentes escenas como si fuesen las piezas de uno. La serie va saltando de personaje en personaje, del presente al pasado, conectando las diferentes escenas una con otra. Para eso se sirven de diferentes recursos de forma muy hábil.
Ahí tenemos por ejemplo el uso del teléfono, de las conversaciones entre Chase y su hija, para saltar de una escena a otra, sin mostrarnos nunca a los dos partes, sin intercalar planos de uno u otro. Se muestra a Emily y se oye a su padre pero cuando Emily cuelga es cuando se pasa a Chase.
Algo similar sucede cuando el joven Chase (entonces Johnny) está en Afganistán y ve a Abbey Chase como un fantasma del futuro, mostrándo que en realidad lo que se nos presenta son los recuerdos de Chase. No hay un narrador omnisciente. Es Dan Chase / Johnny Koehler quien siempre está presente en los flashbacks.
Posibles piezas
Dado que acerté al adivinar que Angela Adams era en realidad Emily Chase, vamos a jugar a lo que podría suceder. Hay dos aspectos del episodio que pueden dar mucho juego en el futuro. Uno es Stuart Lewis, el encargado de las finanzas de Henry Dixon en Los Ángeles. ¿Podría ser hijo ilegítimo de Dan Chase?
No lo veo muy probable pero le comenta que su madre fue recepcionista de la empresa y él impidió que la despidieran cuando estaba embarazada. Algo pillado por los pelos pero no veo la necesidad de comentar ese detalle si no es para establecer que Chase es buena persona, cosa que ya sabíamos, que no es tan malo como lo pintan.
El otro es el viaje de Angela / Emily para reunirse con Faraz Hamzad. Es muy probable que Hamzad reconozca a su ex-mujer en los rasgos de Emily, con lo que ella podría estar en un grave peligro. También está por ver la reacción de Harold, que sospecha de ella pero no creo que haya establecido aun la relación. Tan sólo tiene sospechas de traición pero la causa puede dejarle descolocado.
Lo dejamos aquí. Seguiremos la semana que viene con The Old Man, serie que se vuelve cada vez más apasionante. Un saludo, sed felices.
Desde Argentina, Disney+ nos trae Tierra Incógnita, serie de terror juvenil que apela a fórmulas conocidas, pero es adictiva y, sobre todo, muy entretenida.
Los parques de diversiones suelen ser un elemento bastante recurrente en el género de terror. Vaya a saber la razón, pero siempre nos provocan algo siniestro y si están cerrados o abandonados, mucho más. Tierra Incógnita, serie argentina y original de Disney+, rescata una vez más ese tópico con un resultado por demás potable y entretenido…
No hay que buscarle gran originalidad: a lo largo de ocho episodios dirigidos en su totalidad por Sebastián Pivotto, es una propuesta de terror y misterio juvenil que abreva en It, en Stranger Things, en títulos clásicos de los ochenta como Los Goonies o Noche de Miedoyen series noventeras del tipo Pesadillas o El Club de Medianoche. También se pueden establecer vínculos con Riverdale, sobre todo cuando se pone más sobrenatural…
La Noche de las Luces
La historia se ubica en un ficticio paraje costero denominado Cabo Qwert (novedoso denominar una localidad haciendo referencia al teclado universal de ordenadores y máquinas de escribir). Sigue básicamente a los hermanos Dalaras, quienes ocho años atrás han perdido a sus padres Alberto y Julia en un misterioso incidente que los lugareños, con temor, recuerdan con el nombre de Noche de las Luces y que tuviera lugar en Tierra Incógnita, parque de diversiones hoy abandonado y del cual la pareja era entonces propietaria.
Esa noche, según cuentan, se encendieron todas las luces del parque y ya no se volvió a saber del matrimonio, cuyos hijos fueron criados por sus abuelos Santiago (Osmar Núñez) y Aurora (Silvia Kutika), padres de la desaparecida Julia y de los cuales el primero guarda especial hermetismo sobre aquellos sucesos y vive en constante paranoia, al punto de echar cinco cerrojos a la puerta de calle.
Los Personajes
Eric (Pedro Maurizi), el mayor de los hermanos, ha estado algún tiempo alejado de Cabo Qwert y está convencido de que sus padres siguen vivos.
Al enterarse que, en plan de vídeo casero y con espíritu de diversión, un grupo de jóvenes ha filmado allí a una figura encapuchada trazando una forma circular sobre el empañado parabrisas de un auto, no vacila en regresar pues reconoce allí al uróboros, mítica serpiente que se devora a sí misma y coincidente en forma con el perímetro del parque y el brazalete que su madre dejara como protección a su hermana menor.
Uma (Mora Fisz), por cierto, era pequeña cuando aquello ocurrió y desde entonces ha dejado de hablar.
En contra de la voluntad de su abuelo, Eric está decidido a regresar a Tierra Incógnita a los fines de recabar datos sobre sus padres y tratar de determinar qué pasó, para lo cual cuenta con la ayuda de su amigo Pablo (Thomas Lepera), creyente compulsivo de fenómenos paranormales mediáticos y teorías “conspiranoicas” (es de los que creen que los gobiernos están manejados por “reptilianos”).
Pero el parque abandonado no es lo único que pone los pelos de punta en Cabo Qwert: en las cercanías y sobre la costa hay también una cueva con pinturas rupestres dejadas siglos atrás por los niktu, tribu que habitaba el lugar y a quienes parece en tales representaciones verse aterrados o huyendo de algo.
Todo ello lleva a asociar con El Espanto, mito local que hace referencia a una extraña y terrorífica criatura mencionada en canciones infantiles del lugar. Carmen (Carla Pandolfi), hermana de la desaparecida Julia y por ende tía de los hermanos, es quien oficia allí como guía de visitas turísticas y, según se percibe, no tiene una relación del todo buena con su padre.
Al igual que en las películas slasher, no falta un jefe de policía parco e inoperante, a la vez que enigmático y sospechoso. Es el caso de Daniel Rojas (Lautaro Delgado), quien está a cargo de la seccional local y mantiene con respecto al pasado un hermetismo semejante al de Santiago, además de prohibir celosamente cualquier acercamiento al parque.
Tampoco falta, por cierto, la inevitable banda de jóvenes acosadores que hacen bullying y que en este caso tienen como víctimas predilectas a los hermanos Dalaras. Su líder Axel Rojas (Tomás Kirzner) es hijo del jefe de policía y está en una relación con Lila (Azucena Zhoue) por quien Eric siente especial atracción y pareciera ser mutuo: un tipo de triángulo que vuelve a remitir a Los Goonies.
Hay también algunos personajes secundarios interesantes que, al parecer, han quedado algo trastornados tras la Noche de las Luces. Don Celestino (Horacio Massari), vendía alfajores cuando el parque funcionaba y, con aire ido y rostro turbado, sigue haciéndolo en sus adyacencias aun sin haber casi clientes.
También hay una vecina sin nombre que, con pelo revuelto y expresión desquiciada, habla permanentemente sobre “la maldición” y alza su dedo acusador contra los Dalara. Y dos hermanas gemelas llamadas Tina y Fina (Sofía y Rocío Boggi respectivamente), un tópico que en el terror es bastante recurrente desde El Resplandor pero con la particularidad de que se balancean de pie sobre sendos columpios y dicen absolutamente todo a dúo y coordinado, hasta cuando responden alguna pregunta: bastante creepy…
Y ya que usamos esa palabra, maravilloso el restaurante Creepy Pasta (como el Pop´s de Riverdale, pero siniestro), al igual que el perfil psicótico de su propietario.
La llegada de Pablo coincide con una nueva “noche de las luces” y ello pone en alerta a los vecinos que se muestran hostiles hacia los Dalaras por considerarlos responsables de los misteriosos hechos, más todavía con la desaparición de un joven en el parque y una pareja en las cuevas, a los que después se ha visto en estado zombificado y con ojos anaranjados…
Balance de la Temporada
La historia, como hemos dicho, no es que sea la gran originalidad, pero está bien narrada y, sobre todo, con personajes bien construidos que generan empatía: es fundamental en una propuesta de este tipo que no nos dé lo mismo lo que les vaya a pasar. Las actuaciones son, en general, correctas y eso, junto con el carisma del elenco, ayuda a que se vean creíbles, siendo uno de mis favoritos Thomas Lepera en el rol de Pablo, que es quien tiene a su cargo algunos de los momentos más divertidos.
Los capítulos cortos (cuarenta minutos promedio) y la agilidad del guion hacen que esta primera temporada se devore de un tirón. Los toques de comedia están bien dosificados y no se abusa de ellos, sino que se los intercala en justa medida con la trama de misterio.
En cuanto a los momentos de terror, son, desde ya, bastante soft: no hay que olvidar que estamos ante una propuesta de tono juvenil y que forma parte de la plataforma de Disney+. Pero no hay que pensar erróneamente que sea una serie “para toda la familia”: la calificación, según países, varía de mayores de diez a trece años y, en verdad, no la aconsejo para niños pequeños, pues no hay escenas sangrientas ni gore, pero sí momentos que pueden resultarles traumáticos…
La ambientación del parque está muy bien lograda y obviamente plagada de laberinto, carrusel y muñeco de sonrisa perversa. Según pude averiguar, no se trata de un parque abandonado, sino que fue montado expresamente para la serie mientras que la fachada corresponde a una antigua fábrica militar ya en desuso de la localidad de Pilar, provincia de Buenos Aires.
La fotografía y la iluminación en escenas nocturnas contribuyen a hacer la historia atractiva y, solo por decir algo, deberían quizás ponerle más presupuesto al cgi en una hipotética segunda temporada que espero exista porque el final nos deja totalmente pendientes. Si ya han visto la primera, dejo abajo y con debida advertencia SPOILER un resumen de cómo quedó. Si no lo han hecho, no aconsejo seguir leyendo, pero sí que la vean…
Cómo quedó la Historia (AVISO SPOILER)
Finalmente, la criatura conocida como El Espanto, que viene sembrando terror en la zona desde la época de los niktu, es un cambiaformas: cada vez que ataca a alguien se apodera de su cuerpo y así va pasando de uno al otro, siendo además capaz de presentarse en formas relacionadas con los terrores personales de cada uno. Tiene algo de mito de Proteo, del demogorgon de Stranger Things y de la criatura de It.
Alberto Dalaras había descubierto la presencia de algo sobrenatural en Cabo Qwert y decidió capitalizarlo con un parque de diversiones pero no logró controlar a la criatura que, según los jóvenes han podido averiguar, rehúye el frío y prefiere el calor, razón por la cual el parque está poblado de matafuegos con su contenido a temperaturas bajo cero.
La buena noticia es que Uma ha vuelto a hablar, en tanto que Eric ha iniciado relación con Lila, quien ha abandonado a Axel, del que nos enteramos en escena post-créditos que trabaja en asociación con su padre, el jefe de policía. Este, a su vez, ha tenido en el pasado una historia de triángulo amoroso con los esposos Dalaras, ya que estaba enamorado de Julia, lo cual significa que hay una especie de herencia de desplante y resentimiento transmitiéndose de padres a hijos. En esa escena final, incluso, le vemos junto a su hijo entregar víctimas al Espanto, lo cual significa que encubren algo que aún no conocemos…
Me da mucha pena que entre las víctimas del Espanto haya estado el bueno de Don Celestino, al igual que una de las gemelas (no sé si Tina o Fina) pero, por otra parte y mientras el grupo de jóvenes logra controlar a la criatura atacándola con frío, Eric llega a oír voces superpuestas que, presume, son las de las víctimas que podrían en algún lado seguir vivas, incluyendo a sus padres.
En fin, todas preguntas que nos quedan de frente a la segunda temporada que, repito, espero que veamos. Hasta pronto y sean felices…
Rick y Morty sabe lo que queremos. Nos ha dado peleas interdimensionales, grandes villanos con planes que abarcan distintas temporadas, parodias descacharrantes de distintos subgéneros de la fantasía y la ciencia ficción y ahora, por fin, nos ha dado dinosaurios. Hay que reconocer que los dinosaurios mejoran todo lo que tocan, al igual que los zombis o los robots. Mejoran las películas, los cómics, los videojuegos y… ¿la sociedad globalizada? Comprobémoslo a continuación, junto a los desdichados protagonistas de esta serie, en Morque JuRícksico.
Rick y Morty contra los dinosaurios
El planeta Tierra, dentro del universo de Rick y Morty, ya ha recibido la llegada de distintos visitantes del espacio, pero ningunos como estos. No son alienígenas, sino los habitantes originales del globo, los dinosaurios. En lugar de extinguirse, la mayoría de estos seres abandonaron el planeta azul para visitar distintos mundos y traerles su sabiduría. Ofrecen a los líderes globales la posibilidad de tomar el relevo para convertir el mundo en un paraíso. Y, contra todo pronóstico, lo consiguen.
El paro sube al 100%, pero nadie pasa hambre. Se han acabado las guerras, se ha acabado la intolerancia y la contaminación. Se han acabado todos los males del mundo. ¿Todos? No. El aburrimiento campa a sus anchas, y eso no solo hará que Beth casi pierda la cabeza, sino que también motivará al presidente de Estados Unidos para llegar a un pacto con Rick para derrocar a estos seres. El científico loco intentará sacar los trapos sucios de estos gobernantes tan benevolentes, pero puede ser que no tengan ninguno.
La ociosidad, el trabajo y el aburrimiento
Discutí hace poco junto a unos compañeros de trabajo lo que haríamos de contar con millones de euros. Para mi sorpresa y horror, había gente que juraba que seguiría trabajando aún pudiendo renunciar a ello porque no sabría qué otra cosa hacer. De eso trata este episodio, en el que todo el planeta se encuentra con el tiempo libre para lidiar consigo mismos y en el que no todos reciben este cambio con alegría. Cuesta acostumbrarse a la ausencia de tareas, como podrá atestiguar quien haya pasado una temporada larga en paro, y el capítulo lo demuestra muy bien.
De nuevo, Jerry se beneficia de la invasión, como cuando la Federación Galáctica dominó la Tierra, pero esta vez demuestra su cambio de personalidad al enfrentarse a los dinosaurios cuando deciden publicar su novela de forma anónima. Esto refleja también una triste verdad sobre la naturaleza humana: por muy deseable que sea una utopía, siempre habrá alguien que prefiere su gloria personal al bien común. Por supuesto que tenía que ser Jerry quien lo hiciera. Y por supuesto que también tenía que ser Rick.
La travesía a través del espacio para hallar el secreto de los nuevos dueños del mundo es toda una delicia, con algunos chistes desternillantes y unos guiños maliciosos a la saga Parque Jurásico y al Universo Cinematográfico de Marvel, así como a las políticas religiosas de ciertos países. Ver a estos pobres dinosaurios tratando de poner orden en un planeta de desagradecidos malcriados como nosotros es tan gracioso como lamentable. Las últimas víctimas de Rick nos caen bien, pero ya imaginábamos cómo iban a acabar.
Entre gag político y gag político, agradecemos el retorno de Keith David como el presidente, uno de los secundarios más carismáticos de esta serie y que se está convirtiendo en casi un miembro del elenco principal, mucho más divertido que los profesores del colegio de Morty o sus compañeros. No podíamos abandonar esta reseña sin mencionar la hilarante escena poscréditos, que coge una broma al azar para terminar un episodio agridulce con una carcajada. Viva el humor absurdo.
Conclusión
Este capítulo destaca por someter a los personajes a una situación extrema, esta vez no por lo desagradable que resulta, sino por todo lo contrario. La mejor comedia se basa en lo inesperado, y lo más inesperado en Rick y Morty es que las cosas salgan bien. Por ello, explorar lo que hacen estos personajes en una utopía da lugar a unas situaciones que el guión ha aprovechado magistralmente.
La serie hará un parón para volver en noviembre. Estaremos allí para comentarla, ya que estamos quedando encantados con esta nueva tanda de episodios. Ojalá se mantenga la buena racha.
Muy buenas. Sean bienvenidos. Hoy toca hablar de Planetary, un cómic muy especial. Una serie recurrente cuando se habla de listados con los 10 mejores cómics de la historia.
Para que veais la trascendencia que tiene. Una saga de 27 números que no tuvo la periodicidad que los lectores hubiesen querido y que se alargó desde 1998 a 2009. Ya os podéis imaginar que la espera entre números se prolongaba a menudo durante meses, y al final incluso años. John Cassaday entre 2004 y 2008 estuvo colaborando con Joss Whedon en Astonishing X-Men, lo que ralentizó Planetary bastante.
¿Y qué es Planetary? Pues acompañadme en esta reseña y os diré que es y sobre todo que me ha parecido. Antes os dejo con otra reseña de Planetary de la web.
Pues parece fácil de explicar pero a medida que va avanzando la historia te das cuenta de que es algo más complejo. Planetary es una organización internacional que actúa al margen de los gobiernos. Son los exploradores de la Historia Oculta del Planeta. Tenemos tres protagonistas: Jakita Wagner, una post-humana con fuerza, agilidad, velocidad y sentidos aumentados. El Batería es capaz de comunicarse con cualquier tecnología y por último pero no por ello menos importante tenemos a Elijah Snow, nacido el 1 de enero de 1900. Tiene control sobre la temperatura y el frío.
Pero como decía esta sinopsis es muy superficial y es que cuanto más números avanzas más te das cuenta que Planetary homenajea la cultura popular del siglo XX.
Planetary toma prácticamente todas las partes conocidas de la tradición de los superhéroes, la ciencia ficción (monstruos de películas, científicos locos, etc.) y la tradición de la ficción pulp y las une de una manera habil,oscura, inquietante y completamente fascinante. Veremos muchas historias que nos sonarán. Así tenemos la némesis de Planetary, Los Cuatro, que son parecidos a Los 4 Fantásticos.
O también tendremos a unas variaciones de Superman, Wonder Woman y Green Lantern que serán víctimas de los Cuatro. Doc Savage, Sherlock Holmes, Drácula o Tarzán serán protagonistas puntuales también en esta ambiciosa propuesta.
Hay muchas más referencias, unas más claras de ver, otras más escondidas. Pero si no las entiendes no pasa nada, el cómic es igualmente adictivo.
Warren Ellis y John Cassaday.
Poco se puede decir de estos dos autores que no se haya dicho ya. Por una parte tenemos al guionista Warren Ellis. Es impresionante el control y la sabiduría que tiene de la cultura popular americana del siglo pasado. Después está esa contínua emoción que otorga a la obra y no menos importante el carisma de sus protagonistas.
La historia va en un in crescendo que deja los vellos de punta. Desde unos números iniciales donde nuestros héroes van dando tunbos por el universo arreglando desaguisados «puntuales» hasta llegar a una historia global contra «Los Cuatro», sin olvidar que se nos cuenta en números para mí imprescindibles los orígenes de Jakita y «Bate».
Luego está el arte de John Cassaday. Otorga a la obra un sentido del detalle y un estilo cinematográfico brutal. Tenemos epicidad a raudales, desde monstruos gigantes a viajes transdimensionales. Por decirlo de alguna manera, Cassaday no solo capta sino que supera lo que la imaginación de Ellis sugiera dando lugar a una obra bastante redonda en este sentido.
Planetary. La saga completa.
Este tomo recopila todo Planetary. Veintisiete números de la colección original, así como los especiales Planetary Preview, Planetary/Authority: Gobernar el mundo, Planetary/JLA: Terra Occulta y Planetary/Batman: Night on Earth, que cuentan con la colaboración de autores como Phil Jiménez, Andy Lanning o Jerry Ordway.
Es verdad que a mi juicio son especiales bastantes prescindibles pero se agradece que estén incluidos.
Estamos ante un tomo bastante voluminoso, en formato cartoné de tapa dura. El cómic contiene 832 páginas a color con un tamaño de 156 x 239 mm. Ese tamaño supone que esté jibarizado, lo que pone el grito en el cielo de más de un lector. Yo personalmente no tengo pega alguna y así ya he disfrutado a precios muy recomendados de Sleeper y La muerte de Superman.
Elijah Snow, Jakita Wagner y el Batería recorren el mundo en busca de rarezas y prodigios. Integrantes de la organización internacional conocida como Planetary, son los exploradores de la historia oculta del planeta, aquellos que trazan las fronteras invisibles de un mundo fantástico. En su empeño, se toparán con los cuatro, poderoso grupo interesado en que algunos secretos permanezcan como tales… a cualquier precio.
Warren Ellis y John cassaday nos ofrecen este relato épico y complejo sobre una fuerza de pacificación interdimensional cuya tarea consiste en seguir el rastro de pruebas de actividad sobrehumana. Estos arqueólogos del misterio descubren secretos y relatos paranormales y desconocidos, como un superordenador de la segunda guerra mundial que accede a otros universos, un espíritu fantasmagórico de la venganza, una isla perdida habitada por monstruos moribundos, un portal que conduce al tiempo onírico o un objeto alienígena que vaga a la deriva por nuestro sistema solar.
Planetary – La saga completa recopila los 27 números de la colección original, así como los especiales Planetary Preview, Planetary/Authority: Gobernar el mundo, Planetary/JLA: Terra Occulta y Planetary/Batman: Night on Earth, que cuentan con la colaboración de autores como Phil Jiménez, Andy Lanning o Jerry Ordway.
A los noventa y seis años partió Angela Lansbury, recordada para siempre por su papel como Jessica Fletcher en Se ha escrito un Crimen, pero también por una vasta carrera cinematográfica y teatral, con personajes icónicos y entrañables como La Bruja Novata.
De ascendencia irlandesa por línea materna (su madre fue la actriz Moyna MacGill), Angela Lansbury había nacido en Londres en 1925, pero durante los bombardeos de la Alemania nazi contra la capital británica en 1940, su familia migró a New York y allí estudió actuación desde su adolescencia.
Por ese entonces, el prestigioso actor Peter Ustinovse acababa de casar con su hermanastra y ello le sirvió de contacto para una rápida entrada en el mundo de Hollywood, ya que con solo diecisiete años resultó elegida para participar en el rodaje de Gaslight, la cual, dirigida por George Cukor y estrenada en 1944, fue conocida en España como Luz que agoniza y en Latinoamérica como Luz de Gas. Ello le valió no solo compartir cartel con estrellas de la talla de Ingrid Bergman,Charles Boyer o Joseph Cotten sino también su primera nominación para el Oscar como actriz de reparto.
Aun sin obtener finalmente la preciada estatuilla, esa interpretación le hizo ganar rápido prestigio en la industria cinematográfica y sería nominada otra vez al año siguiente por El Retrato de Dorian Grey (Albert Lewin, 1945), adaptación de la célebre obra de Oscar Wildeen donde dio vida a Sibyl Vane.
Siguieron otros títulos de gran suceso a cargo de directores de renombre como El Estado de la Unión (Frank Capra, 1948), Los Tres Mosqueteros (George Sidney, 1948), Sansón y Dalila (Cecil B. DeMille, 1949), El Bufón de la Corte (Melvin Frank, 1955) o El Largo y Cálido Verano (Martin Ritt,1958), para volver a ser nominada al Oscar porEl Mensajero del Miedo (John Frankenheimer, 1962), aunque nuevamente sin obtenerlo. En paralelo a su carrera cinematográfica, se fue también labrando un prestigio sobre las tablas de Broadway siendo sin duda su papel más consagratorio el que hizo en el musical Mame, en cartel entre 1966 y 1969.
A partir de 1970 se radicó en Irlanda, tierra de su madre, y tomó la ciudadanía de dicho país, no obstante lo cual no dejó de actuar en Hollywood, teniendo un papel que personalmente recuerdo con mucho cariño en La Bruja Novata, película de los estudios Disney de 1971 dirigida por Robert Stevenson que hizo las delicias de mi infancia combinando maravillosamente live action con animación en el estilo de Mary Poppins. Ese papel, además, tenía mucho de autobiográfico ya que su personaje se hacía cargo de tres niños que habían quedado huérfanos y sin hogar durante los bombardeos alemanes contra Londres.
Otro papel icónico lo tendría en Muerte en el Nilo, adaptación de la célebre novela de Agatha Christie a cargo de John Guillermin en donde el rol principal estaba a cargo justamente de Peter Ustinov, el casi cuñado que diera el primer espaldarazo a su carrera.
También, ya en los noventa, participó en producciones animadas de Disney como La Bella y la Bestia(1991), donde dio voz a la señora Potts, o Anastasia (1997) donde hizo lo propio con Marie Romanov, abuela del personaje principal. Incluso su voz estuvo presente en el mundo de los videojuegos, tal el caso de Kingdom Hearts 2 (2006).
Pero para el gran público su rostro terminó sin dudas siendo conocido por el gran éxito televisivo que significó Se ha escrito un Crimen(Murder, She wrote, conocida en Latinoamérica como Reportera del Crimen), donde, en lo que constituía todo un guiño a la mencionada Agatha Christie y específicamente a su personaje Miss Marple, interpretaba a Jessica Fletcher, profesora de inglés ya jubilada que, tras haber enviudado, se lanzaba a escribir novelas de misterio y terminaba valiéndose de ello para resolver crímenes por cuenta propia.
La serie se mantuvo en el aire entre 1984 y 1996 y Angela estuvo nominada al Emmy durante todos y cada uno de esos años pero también injustamente sin estatuilla. La Academia de Hollywood, al menos, la reconoció en 2013 con un Oscar honorífico y a lo largo de su carrera se alzó con cinco premios Globo de Oro, otros tantos Tony por su labor en teatro y hasta, como cantante, un Grammy de la industria musical, pero el Emmy siempre le fue esquivo a pesar de haber estado nominada dieciocho veces, doce de ellas, como dijimos, por su papel de Jessica Fletcher.
Cultivadora siempre de un perfil bajo y alejado de grandes eventos, simpatizó con el Partido Laborista en Gran Bretaña y con el Partido Demócrata en Estados Unidos. Contrajo matrimonio dos veces: la primera fue una experiencia fallida, pues se casó con el artista Richard Cromwell, quien era gay y buscaba vanamente que esa unión le ayudase a cambiar su sexualidad. Sus segundas nupcias fueron con el inglés expatriado Peter Pullen Shaw, con quien tendría dos hijos.
Ayer, a los noventa y seis años y a apenas cinco días de cumplir noventa y siete, su vida se apagó en Los Angeles mientras dormía plácidamente, pero no seguramente su estrella que quedará brillando con tantos papeles queribles e inolvidables jalonando una carrera que sirvió y servirá de inspiración a muchos.
Hasta siempre Angela. Gracias por todo y por tantos buenos momentos…
Bienvenidos a la rebelión. Bienvenidos al análisis del episodio 6 de Andor, donde tenemos el desenlace de la trama que transcurre en Aldhani. Esta por ver si iniciaremos una nueva trama en un nuevo planeta en el siguiente episodio. Por el momento, os dejo el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío.
Esto es un atraco
Al final todo es cuestión de dinero. Las rebeliones no son gratis y no se pagan con sudor sino con créditos galácticos. De ahí el robo perpetrado por Cassian Andor y sus compinches. Con buen tino, el episodio se centra casi exclusivamente en ellos, dajando de lado cualquier otra trama hasta el final, cuando vemos las reacciones de Luthen, Mon Mothma y el Imperio en Coruscant.
Antes de la traca final, descubrimos que uno de los integrantes del comando rebelde, Taramyn (Gershwyn Eustache Jnr) fue un soldado de asalto, un precursor de Fin. Es una pena que no su historia no vaya más allá, ya que muere en la huída.
Igual destino sufre Nemik (Alex Lawther), no sin antes desvelar que es un idealista puro, muy diferente de Cassian, que actua más como mercenario cínico. Por lo menos de momento ya que al final, cuando exige su paga y largarse al más puro estilo Han Solo, se queda con el manifiesto rebelde escrito por Nemik. Antes de eso, Cassian mata a Skeen (Ebon Moss-Bachrach), demostrando que no se mueve solo por dinero.
El plan se lleva a cabo casi a la perfección pero, por supuesto, no sale del todo bien. Tras la espectacular fuga a través del fenómeno conocido como El Ojo, con cazas tie incluidos (me encanta que nos enseñen cómo se suben los pilotos esos chismes), tan sólo Cassian, Cinta (aislada por el momento en Aldhani) y Vel quedan con vida.
Así actúan los Imperios
La actuación del Imperio Galáctico en Aldhani es casi de manual. Nada más empezar el episodio, se muestra le discusión entre Nemik y Cassian acerca de si vale la pena luchar por la libertad, la justicia y los derechos. Nemik se muestra un idealista, invitando a no conformarse, a no mostrarse agradecido; Cassian es más cínico, o si se quiere más pragmático porque, aunque no lo muestre, si cree en todos esos valores pero no puedes luchar por ellos si te dejas matar. «¿A ti te parezco agradecido?» es la frase que mejor define al personaje en este episodio.
Por otro lado y en contraposición a esa conversación, el Comandante Beehaz define muy bien como actuan los Imperios, dando lo justo para que parezca que te respetan, que son tus amigos pero en realidad desestimulando la libertad y poniendo piedras en el camino. Eso es lo que le hacen a las tribus que habitan Aldhani, intercambiando pieles que al final acaban en la hoguera.
Y es que ya hemos dicho que Andores una serie más adulta de lo que estamos acostumbrados desde que Disney cogió las riendas de Star Wars pero también resulta una serie muy política, tomando partido por un bando que representa unos ideales. En realidad ha sido así desde que George Lucas parió la historia. Siempre ha resultado muy evidente que el Imperio representaba unos actos y una parafernalia que eran una clara alusión al nazismo.
Valoración del episodio
El sexto episodio de Andornos ha dado lo que esperábamos de él, la traca final del plan ideado por Luthen Rael, con fuga incluida, muertes heroicas y no tan heroicas. Hemos tenido tensión, acción y una historia que discurre con lógica y alguna sorpresa. El final ha dejado a Cassian Andor en una nueva situación. Lo malo es que la historia juega un poco en su contra. Sabemos el destino del personaje. Lo que nos cuentan es cómo llegó allí.
Queda por ver cómo continua la historia. Estamos en el ecuador de esta primera temporada y faltan algunos personajes por aparecer, como Saw Gerrera (Forest Withaker). También nos queda por ver la reacción del Imperio al golpe perpetrado por Cassian y compañía; y no nos olvidamos del ex-subinspenctor Syril Karn, al que dejamos al cuidado de su amorosa madre en el episodio anterior. Nos leemos la próxima semana. Un saludo y que la fuerza os acompañe.
Hace unos días mi compañero Enrique Ortega nos anunciaba que Blade retrasaba su producción hasta 2023, cuando debía comenzar este próximo mes, podéis leerlo aquí.
Pues este retraso ha provocado un baile de fechas de estrenos en la Fase 5 del UCM y de Disney en general.
Ya os anuncié en su momento las fechas de la Fase 5. Pues tened en cuenta que algunas cambian:
Chevalier: 27 de abril, 2023.
A Haunting in Venice: 15 de septiembre, 2023.
Blade: 6 de septiembre, 2024 (anterior: 3 de noviembre, 2023).
Kingdom of the Planet of the Apes: 24 de mayo, 2024.
Deadpool 3: 8 de noviembre, 2024 (Anterior: 6 de septiembre, 2024).
Los Cuatro Fantásticos: 14 de febrero, 2025 (Anterior: 8 de noviembre, 2024).
Película de Marvel desconocida: 7 de noviembre, 2025 (Anterior: 14 de febrero, 2025).
Vengadores: Secret Wars: 1 de mayo, 2026 (Anterior: 7 de noviembre, 2025).
Película de Marvel desconocida 2: Eliminada del calendario (Anterior: 1 de mayo, 2026).
¿Consecuencias? Pues que el inicio de la Fase 6 del UCM se retrasa. Recordemos que comenzaba con Los Cuatro Fantásticos en noviembre de 2024.
En cuanto tengamos más noticias al respecto os las traeremos.
Hubo un tiempo en que uno iba a ver una película de miedo a…pues eso, a pasar miedo. Por suerte (para algunos, por desgracia), en los últimos años ha aparecido una corriente mal llamada “terror elevado”, con directores como David Robert Mitchell, Robert Eggers o Jordan Peele, que se aleja del susto fácil para adentrarnos lentamente en atmósferas malsanas donde el mensaje adquiere una importancia impropia de un género destinado a disfrutar. Sin embargo, el cine, como todo lo que nos hace feliz, no debería entender de exclusiones y, como nos gusta abrazar a todo el mundo, sea de la condición que sea, damos la bienvenida a Smile, el regreso del terror… ¿subterráneo?, el de los sustos de toda la vida, que podéis disfrutar en el cine.
Después de presenciar un incidente extraño y traumático que involucra a un paciente, la Dra. Rose Cotter comienza a experimentar sucesos aterradores que no puede explicar. A medida que un terror abrumador comienza a apoderarse de su vida, Rose debe enfrentar su inquietante pasado para poder sobrevivir y escapar de su nueva y horrible realidad.
Vamos al meollo. ¿Me ha gustado la película?
Pues sí. Claro que sí. Que si no, no estaría escribiendo un artículo sobre una película estrenada hace una semana en cines que no estaba presente en ninguna de las listas de lo más esperado del año.
Y Smile me ha gustado porque funciona plenamente en lo que importa en una película. En forma y fondo.
No esperéis en Smile el acercamiento al terror de películas como It follows, Nop o La bruja. La película es de las de terror de toda la vida. De sustos esperados y no tan esperados in crescendo y una trama concisa y que se dirige a nosotros de forma cortita y al pie, sin dobles sentidos ni mensajes crípticos carne de foro de internet.
En ese sentido, lo mejor que se puede decir de Smile es que da lo que promete. Lo que no es fácil en el cine actual.
Pasemos al fondo, al mensaje. Hemos dicho que Smile es puro disfrute terrorífico. Lo que, por cierto, daría para otro artículo. El cómo uno disfruta en el cine pasándolo mal. Insisto, esto es asunto que da para otro artículo; no me quiero enrollar más de la cuenta.
El hecho de que Smile sea terror sin pretensiones no quiere decir que su historia no esconda un sustrato reflexivo. Otra cosa es que Parker Finn, director que debuta con esta película, no deja que el mensaje sobrepase la diversión que nos ofrece Smile con cada uno de sus sustos.
Lo que es muy positivo, porque la sutilidad de dejar traslucir el mensaje sin subrayarlo hace que nos identifiquemos con su protagonista, una estupenda Sosie Bacon (por cierto, hija de Kevin Bacon, al que queremos profundamente).
¿Y cuál es el mensaje? Sin destripar la película, a lo que asistimos es a la progresiva desconexión de la realidad de una psiquiatra a la que comienzan a sucederle cosas extrañas que solo ella puede ver…
Tal vez sea porque soy psiquiatra, pero me es imposible no establecer un paralelismo con la enfermedad mental, en la que, en sus casos más graves, tu mundo se derrumba y únicamente encuentras la incomprensión y el rechazo de los que te rodean. Y encima, incluso en el improbable caso de que caigas en la cuenta de lo que está ocurriendo, no puedes resolverlo por ti mismo. Necesitas la ayuda de una sociedad que te da la espalda. Una tragedia en la que todavía queda mucho que avanzar, por mucho que se estén empezando a visibilizar los trastornos mentales.
En definitiva, Smile es una película de terror de las de toda la vida, que da lo que promete. Tiene sustos, ambientes ya conocidos (psiquiátricos, cabañas perdidas, casas oscuras, cárceles…), y una trama sencilla y bien planteada. Lo mejor, que funciona. Te mete el mal rollo en el cuerpo y la tensión aumenta progresivamente a medida que avanza la película. Vamos, lo esperable en toda película de terror.
Encima, su sustrato, toda una reflexión sobre el abandono, la incomprensión y hasta la indefensión que sufre la persona con una enfermedad mental, nos alcanza directo en el corazón entre grito y grito. Encima, el leitmotiv villanesco de la película es el lado perturbador de la sonrisa… ¿Un buen zasca al pensamiento positivo? Me has ganado para siempre, Parker Finn.
Por fin, después de muchos años, llegamos a la recta final de The Walking Dead. Ya sólo quedan ocho episodios para el final de la serie (aunque ya sabemos que sus protagonistas van a seguir en nuestras pantallas gracias a varios spin-off). Así que mejor vamos a ponernos al lío y empezar con los análisis finales, comenzando por el de “Aislamiento”, el capítulo 19 de la tercera temporada.
Después del parón ya tenemos claro que el enfrentamiento de nuestros protagonistas con Lance Hornsby por un lado y con el sistema corrupto de la Mancomunidad por otro es inevitable. Así que los responsables se dejan de tonterías y se lanzan a preparar todas las piezas para esa gran batalla en un episodio vibrante.
La acción empieza con el grupo formado por Maggie, Daryl, Gabriel, Aaron, Negan y su mujer enfrentándose a Lance y sus hombres. Una vez que se han abierto las hostilidades tienen claro que alguien debe ir a la Mancomunidad a poner sobre aviso al resto de sus amigos y proteger a sus hijos. El elegido es Negan ya que es al único al que no conocen y que logra entrar gracias a la ayuda de Mercer. El jefe de seguridad sabe que Daryl y sus amigos no son la verdadera amenaza y tal y como previmos, de momento está del bando de los “buenos”.
En la Mancomunidad, la investigación publicada por Connie sobre Sebastian ha tenido el efecto deseado. La gente se manifiesta protestando y pidiendo que se juzgue al muchacho, pero Pamela Milton, su madre, no está por la labor.
Las protestas en La Mancomunidad
La encargada de cuidar a los niños es Carol, que como es más lista que el hambre ve venir los problemas y se zafa de la vigilancia de dos agentes enviados para buscarlos. Encontrándose luego con Negan y Jerry, deciden que este último ponga a los jóvenes a salvo mientras Carol va con Negan a buscar a Sebastian para tener un as en la manga. En el camino, Negan le cuenta que se ha casado y que su mujer está fuera esperándole embarazada.
Como los problemas siempre llegan de dos en dos, un enjambre de zombies se acerca a la Mancomunidad y Mercer logra reclutar a la Rosita para que lo ayude. Le dice que puede contar con ella contra las amenazas de fuera, pero que, dentro de los muros de La Mancomunidad, se debe a su familia.
Rosita y Mercer contra los zombies
Carol y Negan logan encontrar a Sebastian y lo llevan con su madre, que le abofetea y recrimina haberla humillado. Él, como era de esperar en un niñato malcriado, le dice que todo es mentira. Entonces Carol decide jugarse la carta que tenía guardada y propone un trato para que todos puedan salir beneficiados.
Fuera, el grupo de Maggie decide meterse en las alcantarillas para flanquear a los hombres de Lance y atacarles por la espalda. La mujer le dice a su amigo Daryl que sabe lo importante que era Leah para él y lo agradecida que está por haberla matado para salvarle la vida. La trampa surte efecto a medias, ya que las fuerzas acaban igualadas con todos apuntando a todos, pero Daryl ha logrado atrapar a Lance y le tiene prisionero con su cuchillo en el cuello.
Daryl tiene en sus manos la vida de Lance
Valoración del episodio
Gran vuelta a la acción de la serie en un capítulo que empieza con una pequeña recopilación de los mejores momentos de toda la trama narrados en primera persona por Judith. Nos recuerdan a los personajes que se han convertido en parte de la familia, así como a aquellos que fueron sus peores enemigos y cómo el amor entre todos logro superarlos. No es un mal comienzo para la recta final de la serie.
El gran villano muestra sus cartas
En cuanto a la trama, el enfrentamiento final entre nuestros protagonistas y La Mancomunidad está servido. Es buena idea hacer un pequeño recordatorio para ver a quién se han enfrentado antes, todos villanos muy peligrosos, pero muy alejados de lo es que es ir a la guerra ante un ejército mejor equipado y preparado. Aunque hay que decir que los soldados enemigos, además de parecerse a los Stormtroopers de Star Wars, tienen su pésima puntería.
Por eso es tan importante poner a salvo a los niños que están dentro de los muros y coordinarse con los supervivientes que todavía están allí. También lo es contar con aliados poderosos como puede ser Mercer o tener algún as en la manga, de lo que se encarga la siempre previsora Carol.
La serie tiene la oportunidad de crecer ya que todos hemos visto que los más badass de todos siempre serán Daryl, Negan, Carol y demás, capaces de enfrentarse con cualquier enemigo. Lance es el peligro más claro, pero la corrupción dentro de La Mancomunidad también tiene que ser atacada si quieren tener posibilidades de sobrevivir. Hay que exponer de manera definitiva a los Milton. Y eso es algo que los supervivientes nunca habían tenido que hacer. El choque con un poder establecido y enorme es el gran argumento de este final de temporada y promete ser apasionante.
Tres años después de su polémico final, volvemos a Poniente y al universo ideado por la mente maestra de George R. R. Martin. En un mundo dominado por Netflix, el fenómeno televisivo (junto a Perdidos) del siglo XXI fue la fantasía épica con dejes de telenovela familiar Juego de Tronos. Ahora es el turno de La Casa del Dragón, precuela centrada en los Targaryen.
En Las cosas que nos hacen felices somos muy aficionados al mundo creado por George R. R. Martin, como se puede comprobar con todos nuestros artículos.
Lo mejor que se puede decir de La casa del dragón es que me repito más que un disco rallado. Nuevamente, estamos ante el enésimo mejor episodio de lo que llevamos de serie, lo que es señal de que las semillas plantadas de forma pausada y discutible en los primeros capítulos de La casa del dragón han crecido con fuerza. Las consecuencias las vemos en este Señor de las mareas.
Han pasado seis años desde el final del último episodio, con la casa del Dragón más dividida que nunca. Por un lado, Viserys y Alicent continúan en Desembarco del rey, mientras que Rhaenyra y Daemon viven una existencia plácida en Rocadragón. Un acontecimiento adverso volverá a reunir a la familia de nuevo.
Dicho suceso es la desaparición, con mala pinta, de Corlys Velaryon, el señor de Marcaderiva. Inmediatamente, aunque su muerte no está confirmada, su hermano Vaemond quiere el trono por motivos de linaje. Al fin y al cabo, el legítimo heredero, Jace, no es un Velaryon.
Por ello, se organiza una reunión en Desembarco del Rey para dirimir la cuestión de la sucesión. Porque claro, Viserys siempre había mantenido que su nieto heredaría Marcaderiva. Pero el rey ya no es lo que era.
Sin duda, el mayor acierto de la serie es apostar por todo lo que hizo grande y de calidad a Juego de Tronos. Los fuegos de artificio desaparecieron hace episodios y quedan unos personajes a los que ya conocemos bien. Y claro, eso explica que un episodio sin apenas espadazos (apenas) cuente con algunos de los momentos más épicos y emocionantes no ya de La casa del dragón, sino de todo el universo Juego de Tronos.
Grosso modo, el capítulo se divide en tres partes claramente diferenciadas, utilizando como eje a Viserys Targaryen, el rey que siempre quiso a su familia unida.
Como era de esperar, la llegada de Rhaenyra y Daemon a Desembarco del rey no ha sido la soñada. Aprovechando la enfermedad de Visery, consumido por el dolor y hasta las cejas de leche de amapola (algo así como la morfina de Poniente), los Hightower han tomado el poder del reino. No ya Alicent, a quien vemos desenvolverse como reina, sino Otto, la Mano y el verdadero instigador de la progresiva desTargaryerización de la Fortaleza Roja.
La cosa pinta mal para Rhaenyra, ya que el bando Hightower se ha hecho con el mando de todos los estamentos de gobierno y tienen un candidato para Marcaderiva: el mismísimo Vaemond, hermano de Corlys. Aunque Alicent tiene sus reservas, Otto apuesta firmemente por el candidato.
Entretanto, Rhaenyra hace dos movimientos: uno con la cabeza y otro con el corazón. El primero es acercarse a Rhaenys, que parece haber acudido a la capital con su propia candidatura (y la verdad que yo apostaba por ella), ofreciéndole a sus dos hijos en matrimonio con las hijas de Laena, formando un vínculo Targaryen-Velaryon de cara al reino.
Por el otro, tanto Daemon como ella visitan al rey, consumido por la enfermedad y con un vendaje que le tapa media cara. Entre frases de cariño por el tiempo que llevaban sin verse, Rhaenyra le suplica al rey que defienda su derecho de sucesión.
Así, llegamos a la madre de todos los momentos épicos del universo Juego de Tronos. En una sala presidida por Otto Hightower en el trono y, justo antes de que Rhaenyra defienda la sucesión de su hijo, entra el rey.
Curioso que, en su momento físico más desgastado, caquéctico y supurando por las heridas, veamos al Viserys más regio. No dejándole que nadie le ayude, salvo su hermano, Daemon. Al final, el tiempo lo cura todo, desnuda el alma de orgullo y únicamente deja a un hermano ayudando al otro a mantener la corona sobre la cabeza. Increíble.
Viserys decreta que sea Rhaenys, la esposa de Corlys, quien decida, ya que ella conocía la voluntad del todavía señor de Marcaderiva. Y Jace, hijo de Rhaenyra, se confirma como heredero al trono de la casa Velaryon, por mucho que Vaemond se opusiera, que para esos momentos tenemos la firmeza del rey y la espada de Daemon.
Tras la sucesión, llega la última cena.
Puede que la escena más legendaria del episodio sea la entrada de Viserys en el salón del trono, pero qué tensión se respira en la cena familiar. Viserys consigue algo parecido a una reconciliación entre Rhaenyra y Alicent y, por un momento que a Viserys se le hace eterno, todos sonríen. Pero tanto una como la otra han sembrado un odio que ahora no es tan difícil de extirpar en sus hijos.
Especialmente preocupante es el caso de Aemond, que se pronostica desde ya como uno de los grandes personajes de la temporada. Es como un mini Daemon con un punto más psicópata, más desquiciado. Capaz de dejar en ridículo a sus sobrinos y herederos al trono en público.
Por suerte para él, Viserys se pierde esta escena. Es el personaje más recto de lo que va de serie, coherente en sus virtudes y en sus defectos. Lo bueno y lo malo conviven en él igual que la dualidad de su rostro. Abandona este mundo en paz, a la búsqueda de su gran amor pero, fiel a su estilo, se equivoca al, en sus últimos momentos, confundir a Alicent con Rhaenyra y depositar en ella la profecía de la Canción de Hielo y Fuego. Lo que Alicent puede interpretar como un deseo de que sus hijos reinen….y eso que, pese a Otto, el hacha de guerra parecía enterrada.
Deadpool 3 ha sido anunciado por el propio Ryan Reynolds hace unos días lo que ha desatado el hype en gran parte de los fans pero parece ser que en esta nueva entrega no veremos a uno de sus personajes icónicos.
El controvertido actor y comediante TJ Miller asegura que no quiere trabajar con la estrella de Deadpool, Ryan Reynolds, después de vivir un incidente con en él en el set de rodaje. Recordemos que Miller ha interpretado en las anteriores entregas de Deadpool a Weaser, el controvertido dueño de la cantina que frecuenta el héroe y donde queda manifiesta una sólida amistad entre los dos.
Según lo informado por Entertaiment Weekly , Miller apareció en el podcast The Adam Carolla Show y reveló que no volverá a trabajar en Deadpool 3 después de una pelea con Reynolds. Él dijo: «¿Volvería a trabajar con él? No, no volvería a trabajar con él». Según Miller, ambos actores tuvieron un incidente «extraño» en el set que tensó su relación. El comediante manifestó: «Tuvimos un momento realmente extraño en Deadpool donde dijo: ‘Hagamos una toma más’. Y luego, como personaje, fue horriblemente malo conmigo como si yo de verdad fuera Weasel».
El comediante alegó que Reynolds lo menospreciaba usando el nombre de su personaje: «Así que me dijo: ‘¿Sabes qué es lo mejor de ti, Comadreja? No eres la estrella, pero haces suficiente exposición para que sea divertido, y luego podemos irnos y volver a la película real'». Durante el podcast, Miller también llamó a Reynolds «inseguro» y se refirió al próximo Deadpool 3, que está siendo desarrollado por Marvel Studios. El actor afirmó que no aceptaría protagonizar la película incluso si le pagaran el doble, afirmando que no siente la necesidad de involucrarse.
Miller dejó claro que su postura sobre Reynolds no era necesariamente permanente y que podría cambiar de opinión en el futuro. Explicó: «He dicho eso sobre Michael Bay, y ahora somos amigos, y volvería a trabajar con él». Sin embargo, los fans no deberían ser demasiado optimistas acerca de ver a Weasel en una futura entrega de la franquicia, ya que Miller no cree en «hacer algo durante más de cinco años». Él dijo: «Creo que es extraño simplemente regresar y jugar a ser Weasel 10 años después».
Si bien gran parte del elenco y el equipo de Deadpool 2 no está involucrado en la próxima película de Marvel Cinematic Universe, a Reynolds se le unirá al menos un personaje importante de las películas X-Men de Fox : Wolverine. El actor Hugh Jackman confirmó recientemente que repetirá su papel icónico en Deadpool 3 , aunque los detalles sobre su participación son escasos. Recientemente, se informó que Zazie Beets, quien interpretó al mutante Domino, también estaba en conversaciones para regresar.
Deadpool 3 está programado para llegar a los cines el 6 de septiembre de 2024.
Esto que ha manifestado Miller no es nada nuevo. Y no solo en la industria del cine. A veces dos caracteres no casan ni se soportan pero los espectadores no son conscientes de ello. Lo que vemos es un papel, una interpretación, y a veces tendemos a pensar que esa misma relación existe en la vida real. Muchas veces la realidad está totalmente en las antípodas de nuestra percepción. Y no solo con la relación entre dos actores. También llegamos a equívocos en cuanto a la personalidad de los actores o cualquier otra persona famosa. Porque alguien sea un buen actor, futbolista o presentador no quiere decir que sea una gran persona. De hecho muchas veces, por desgracia no es así.
Lo bueno del cine es que nos cuentan historias y como tales, se pueden modificar y evolucionar a sus personajes. Por tanto puede ser que en esta tercera entrega de Deadpool simplemente Weasel no aparezca y nadie diga nada, o puede que se busque una historia que justifique su ausencia. A veces las circunstancias son las que llevan a una historia por un camino u otro. Y eso es algo bonito. Un universo en constante movimiento. Deadpool es de los personajes de Marvel con lo que más disfruto en el papel. He llegado a reír de verdad con él y sus páginas están cargadas de acción. Y con lo realmente fastidiado que está, su humor es una lección para todos. Así que estaré preparado para disfrutar de esta tercera entrega. Con Weasel o sin él.
Penúltima entrega de esta primera temporada de El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder con un episodio mucho más oscuro que los anteriores cuyo título es El Ojo. La serie, inspirada en la obra de J.R.R. Tolkien y creada por Patrick McKay y J.D. Payne, es emitida por Prime Video.
Bienvenidos una vez más, humanos, elfos, hobbits y por qué no algún orco a nuestro encuentro semanal con El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder, esta vez con una séptima entrega que, a falta de solo una para concluir la temporada, se aparta de la épica de la anterior y asume un tono mucho más introspectivo y pesimista, aunque con destellos de optimismo entre líneas. Hay referencia, además, a dos personajes más que remiten a Tolkien, aunque solo llegamos a ver a uno de modo tan fugaz como impactante.
En esta semana que pasó hemos tenido además la buena noticia (algunos detractores de la serie dirán que no lo es, pero yo nunca celebro cancelaciones) de que desde el lunes 3 de octubre se ha comenzado a rodar la segunda temporada de la serie, que ha mudado su localización a las afueras de Londres.
¿Se viene entonces un recorte de presupuesto? Esperemos que no; hasta donde se sabe, es porque Amazon ha montado allí sus propios estudios y ello permitiría un control más cercano: recordemos que la primera temporada, pandemia mediante, acabó demandando un año y medio de realización. Sería una pena que desaparecieran los maravillosos paisajes de Nueva Zelanda, pero habrá que esperar…
Hay mucho para analizar de este episodio, así que pasemos a hacerlo ya mismo advirtiendo que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden leer aquí nuestros análisis anteriores.
El Esposo Perdido
Primero que nada: el título del episodio es tramposo, casi un clickbait. Llamándose El Ojo, cualquiera que haya leído a Tolkien o visto las películas de Jackson asociará con el Ojo de Sauron y con el cercenamiento del dedo por parte de Isildur ya que es después de ello que Sauron queda reducido a condición de ojo. Pero el único ojo en aparecer lo hace apenas comenzar y es el de Galadriel despertando en el campo de batalla con todo rojo en derredor: inicio, eso sí, que anuncia la entrega más oscura en lo que llevamos de serie…
Cómo sobrevivió a una erupción volcánica es un gran misterio y ya veremos que no solo aplica a ella, pero la escena es fílmicamente impactante, sobre todo cuando el pandemónium de fuego y cenizas es atravesado por un caballo con el lomo en llamas. Comienzo a preguntarme por qué en tantas series (y tan distintas) la escena más icónica o fílmicamente mejor lograda tiene que ver con un caballo: The Walking Dead, Peaky Blinders, Los Tudor, Star Trek: Strange New Worlds. Se los dejo como tema a investigar…
Galadriel se encuentra con Theo. Él se siente culpable por haber entregado la empuñadura y ella por haber guiado a los numenorianos al desastre: primera vez en toda la serie que muestra alguna inseguridad; ojalá le sigan despuntando rasgos de “humanidad” por más elfa que sea. Galadriel le consuela con la importancia de la intención por sobre los hechos, pero él está devastado porque cree haber perdido a su madre y a Arondir, de quienes aún no hay rastro. Le pregunta si le ha tocado perder seres queridos y ella menciona a su hermano Finrod y a… su esposo Celeborn…
Paréntesis: Celeborn, a quien oímos en esta serie nombrar por primera vez, es, en efecto, el esposo de Galadriel en la mitología tolkieniana. Y que ella diga que lo ha perdido ha hecho estallar a los fans en las redes sociales. ¿Celeborn muerto? Se supone que, en el futuro, gobernará junto a Galadriel el reino de Lothlórien, en donde algún día recibirá a Frodo y los suyos.
Pero ella dice que lo ha “perdido” durante una guerra del pasado (obviamente la de Morgoth), no que haya muerto. “No le he vuelto a ver después de eso” expresa, así que doy por descontado que se halla desaparecido y le veremos en alguna próxima temporada. Calma: el cánon puede estar golpeado, pero no destruido. Y créanme: Celeborn está vivo…
Tierra Muerta
Tras una entrega sin noticias, volvemos a los pelosos, hasta aquí la subtrama más inconexa. Al llegar con sus carromatos al paraje denominado La Arboleda, lo encuentran totalmente socarrado y devastado, convertidos los árboles en simples tocones quemados y los frutos en carbones chamuscados.
Sadoc (¿soy el único al que ese nombre le suena a sigla de sindicato u obra social?) afirma que ese tipo de ignominias aparecen muy cada tanto y solo cuando un nuevo mal se despierta, lo que dirige irremisiblemente las miradas hacia El Extraño. Paradójicamente, pide a Nori que interceda ante él para solucionar el asunto, pues ha quedado visto, tras el ataque de los huargos, que tiene intención de ayudarles. Poppy no ve bien abusar de su generosidad pero, sin que nadie se lo pida, El Extraño se acerca a un árbol y le habla. Gran guiño cuando alguien dice que “los árboles no hablan” y Sadoc replica que algunos sí: vaya si lo sabremos…
Pero cuando coloca sus manos sobre la corteza y pronuncia unas palabras en una lengua extraña, el árbol se sacude, quiebra y casi aplasta a dos niñas, entre ellas Nori. Por muy buenas que sean sus intenciones y como él mismo dejara entrever dos episodios atrás, es un peligro para la comunidad y su rostro evidencia pesar y culpa mientras todos le echan miradas de temor y recelo, incluida Nori…
Roca y Fuego
La trama de Khazad-Dum también ha regresado y sigue siendo la más interesante. Elrond propone al rey Durin III proveerles caza, grano y madera durante cinco siglos si se les permite acceso al mithril. En un buen diálogo, el monarca le pregunta por qué deberían confiar en un elfo, a lo que, en ingenioso giro, Elrond aduce ser medio elfo, permitiéndole ello una mirada más externa y capaz de ver en los elfos lo que ellos no…
El rey parece impresionado por la respuesta y así cree también interpretarlo su hijo Durin IV, al que pide ver en privado. Percepción equivocada: le cuenta que cuando Aulë creó a los enanos, lo hizo con roca y fuego; la primera los hace resistentes al paso del tiempo y el segundo aceptar la inevitable verdad de que todas las cosas, a la larga, mueren. Tal destino cabe también a los elfos y no corresponde ayudarles a burlar la muerte, o sea: no hay mithril…
Con los ojos al borde de las lágrimas, Durin IV clama por su amigo, pero su padre insiste en que el destino de los elfos fue escrito hace demasiado tiempo y grandes males podrían caer si les ayudasen a burlarlo. Disa estalla en furia cuando su esposo le va con la noticia y le alienta a desoír los necios consejos de su padre para seguir excavando por su cuenta. Él repone que no se trata solo de su padre sino del rey y no puede marchar en su contra.
En emotiva escena, se despide de Elrond, quien hasta le devuelve la pieza de mithril que le obsequiara. Pero cuando este se marcha y el enano, con furia, la deposita sobre la mesa, ve a su lado cobrar vida a una mustia hoja del árbol cuyo retoño le dejara Elrond tiempo atrás. Lo que su amigo ha dicho sobre el mithril es cierto…
Camino de Cenizas
En las Tierras del Sur, a las que quizás ya deberíamos dejar de llamar así, Isildur ha encontrado sin vida a Otamo entre la tirantería de una vivienda derrumbada. Se advierte un fuerte sentimiento de culpa ya que su amigo nunca hubiera estado allí si él no hubiera provocado irresponsablemente aquel episodio con las jarcias.
No volvemos a saber de Isildur en el resto de la entrega y quien más lo sufre es, obviamente, Elendil, quien le presume muerto por haber encontrado sin jinete a su montura. Juntando fuerzas, se aboca a reunir a los supervivientes entre la espesa ceniza (extrañamente, nadie tose). La reina Míriel sigue con vida pero ha perdido la vista y no quiere que ello se sepa a los efectos de evitar sembrar desánimo: marcha altiva en su cabalgadura, aunque guiada por Elendil.
Galadriel y Theo, separados de los demás, marchan por su cuenta en procura de encontrarlos. En la noche y mientras están ocultos al amparo de un tocón, un grupo de orcos con antorchas cruza por el camino y uno se acerca para olisquear el aire: imposible no relacionar con el Nazgûl…
Theo echa mano al pomo de la espada que Galadriel le ha entregado pero, por fortuna, no son descubiertos: el olor de la ceniza confunde al orco y el grupo sigue su camino; toda una escena referencial a La Comunidad del Anillo, más aún que aquella de Theo en el pozo. Cuando se han marchado, Galadriel dice al joven que retomarán el camino al alba. “¿Qué alba?” pregunta este con aire de desconsuelo…
Veta Madre
Contrariamente a la voluntad de su padre, Durin IV ha hecho regresar a Elrond y retomado el trabajo en la mina. En maravilloso diálogo, la conversación deriva hacia los nombres de los enanos y Elrond se burla de su tendencia a mencionar siempre padres o abuelos. Durin objeta que los enanos tienen nombres secretos que solo revelan a sus “hermanos” y parece a punto de pronunciar el suyo cuando Elrond le detiene pidiendo que lo deje para otro momento. Amé esta escena…
Durin retoma su trabajo y da con una oquedad en la roca: una impresionante gruta desciende hasta donde se pierde la vista junto a la mayor veta de mithril que hubieran pensado hallar.
Azorado, comparte el hallazgo con su amigo pero son descubiertos por el rey que, decepcionado, hace expulsar al elfo y da a su hijo una lección sobre su nacimiento y su destino de “mover montañas”. Este repone que no puede hacerlo si no lo deja siquiera cavar un mísero hoyo… Más aún: le echa en cara su actitud con Elrond, a quien dice considerar como si tuvieran una misma madre. Ofendido y disgustado, su padre le arranca el collar real espetándole que ya no le pertenece.
Durin IV se lamenta luego ante su esposa por haberle fallado a su amigo y esta le insiste en que labre su propio destino para ser rey por sobre su hermano. Durin III ordena sellar la mina pero antes, en gesto por demás significativo, arroja al abismo la revivida hoja de árbol que, depositándose en el fondo, se consume en fuego junto a la tan inconfundible como escalofriante presencia de un balrog. Ya sé que nadie me preguntó, pero ese debería haber sido el cliffhanger final del episodio y no el que fue…
Flores Amarillas
Los pelosos temen ahora al Extraño y este debe marcharse. Sadoc siente pena por él y al momento de despedirle le señala la ubicación del asentamiento humano más próximo. Allí, dice, podrán quizás ayudarle a encontrar esas estrellas que busca y a las que su gente no ve desde hace por lo menos mil años, cuando vivían en tierra muy lejana…
Apesadumbrado, El Extraño se marcha y nadie se percata de que una pequeña flor amarilla crece tras él. Al otro día, el lugar vuelve a verse fértil y los árboles poblados de carnosas manzanas: no hace falta decir quién ha sido el responsable.
En un arroyo cercano, Poppy encuentra una gran huella y le va con la noticia a Nori. Se trata de las tres misteriosas mujeres embozadas de blanco a quienes hemos visto dos episodios atrás y que en los créditos aparecen como La Asceta, La Nómada y La Moradora: la sensación que es que siguen el rastro de flores amarillas.
Nori intenta distraerles pero sin éxito y su padre, ingenuamente, azuzarles con una antorcha. Una de ellas (La Asceta, según interpreto) extingue la llama al solo contacto, pero en realidad la captura y arroja contra el campamento haciéndolo arder.
Cuando al otro día, devastados, los pelosos buscan rescatar lo más que pueden de entre los rescoldos, el padre de Nori pronuncia un emotivo discurso exaltando la lealtad como principal virtud de su pueblo e instando a enfrentar las dificultades por más adversas que sean: me viene a la cabeza el alegato de Sam a Frodo hacia el final de La Comunidad del Anillo…
Haciendo su propia interpretación, Nori decide ir tras El Extraño, a quien considera uno de los suyos. Elige, por lo tanto, apartarse del sendero una vez más, aunque esta vez no solo se le suma Poppy, sino también su madre Mari y el propio Sadoc, aun afirmando que “todos vamos a morir”.
Mordor
El grupo de supervivientes se está acercando a la costa, pero el caballo de Isildur no quiere seguir. Un dolido Elendil le libera y el corcel echa a galopar de retorno a campo traviesa . Se encuentran con Galadriel y Theo que, con alegría, descubre que tanto su madre Bronwyn como Arondir siguen vivos. Pero la presencia de la elfa causa disgusto en Elendil, quien se culpa por haberla rescatado del mar y busca convencer a su reina de abandonar esas tierras cuanto antes y embarcar de regreso a Númenor.
Míriel, sin embargo, no culpa a Galadriel: por el contrario, afirma que sus enemigos no saben lo que han iniciado y aunque acepta marchar de regreso a Númenor, lo hace pensando en regresar con un ejército mayor. Viendo partir los barcos, Arondir se pregunta si cumplirá su promesa y Galadriel está segura de que lo hará. Lo que no llego a entender es por qué ahora Míriel usa una venda sobre los ojos cuando no quería que se conociera su ceguera…
Bronwyn, en tanto, anuncia que reunirá a los aldeanos para llevarlos a una colonia numenoriana al otro lado de una cordillera que, sospecho y suponiendo consonancia con Tolkien, debe ser Pelargir, la ciudad portuaria de Gondor. Lo harán bajo el liderazgo de Halbrand, quien ha recibido una fea herida pero sigue vivo y es aclamado y vitoreado como rey por los campesinos.
Lejos de allí y entre las cenizas, una escena similar se vive con Adar reclutando a los orcos que han quedado dispersos y, en escena casi idéntica, le lanzan vítores como rey de las Tierras del Sur mientras él, en cambio, prefiere designarlas por su nuevo nombre. En efecto, como cierre del episodio, de modo poco imaginativo y algo tosco, vemos esfumarse ese nombre para ser reemplazado por Mordor…
Balance del Episodio
En claro constraste con la entrega anterior, hemos tenido una entrega mucho menos épica, más oscura y de atmósfera introspectiva, triste y depresiva. No es que sea un mal episodio: quizás menos consistente, pero es lógico al volver a coexistir las subtramas separadas.
Tanta desesperanza puede verse chocante en cualquier historia inspirada en Tolkien pero hay entre líneas destellos de esperanza durante todo el episodio: los habitantes de las Tierras del Sur vitoreando a su nuevo rey (quizás sin saber su verdadera identidad), el discurso del padre de Nori, Míriel prometiendo regresar o Bronwyn reorganizando a los campesinos.
Es un episodio plagado de culpas, pero también de decisiones. Nori se culpa por haberse salido del sendero para auxiliar al Extraño; Durin de fallarle a su amigo; Theo de haber entregado la empuñadura; Elendil de haber rescatado a Galadriel y esta a su vez de haber llevado a los numenoreanos a una catástrofe. Pero todos toman decisiones rupturistas salvo quizás Elendil, todavía absorbido por el dolor y la culpa.
Lo que no se entiende es el absurdo intento por crear suspenso con la supuesta muerte de Isildur cuando sabemos perfectamente que en el futuro cercenará el dedo de Sauron. Si lo hacen pensando en quienes nunca hayan leído a Tolkien ni visto las películas de Jackson, entonces ignoran que no hay casi nadie siguiendo esta serie en tal condición. Otro tanto con respecto al débil cliffhanger final: ¿cuál es la sorpresa de mostrarnos que las Tierras del Sur han pasado a ser Mordor cuando ya lo sabíamos sobradamente del episodio anterior? ¿De verdad creyeron que seguía habiendo suspenso alrededor de eso?
Al reaparecer las tramas separadas, Elrond y los enanos vuelven a recuperar su lugar como arco más interesante: cada línea de diálogo entre ellos es brillante y el vínculo entre Elrond y Durin muy fuerte y emocional gracias a los grandes desempeños de Robert Aramayo y Owain Arthur. Y a pesar de algún que otro invento, como esa leyenda de los enanos forjados con roca y fuego, sigue siendo la subtrama que se mantiene más aferrada a Tolkien, ahora incluso con la aparición del balrog que, en gran paradoja, termina despertando tanto por la ambición de los enanos como por el férreo compromiso de amistad de Durin.
Ha sido además un episodio de buenas actuaciones, más que cualquiera de los anteriores y es lógico considerando el clima introspectivo. Lloyd Owen ha estado magnífico encarnando a un Elendil devastado por la probable pérdida de su hijo y seguramente lamentando no haber construido con él un vínculo efectivo: no lo dice, pero se desprende de su rostro y eso es lo que define a un gran actor.
Hasta el diálogo entre Galadriel y Theo ha estado interesante y eso que, a mi juicio, son los dos personajes más insufribles de la serie. Pero debo admitir que el chispazo de “humanidad” en ella me despierta alguna esperanza de que vaya empezando a ser la que conocemos y, de hecho, ya lo hizo en este episodio: más reflexiva que impulsiva (conteniendo incluso los impulsos de Theo), más consejera que guerrera.
En cuanto a la trama de los pelosos, sigue sin saberse hacia dónde va y menos todavía con esas tres que parecen androides alienígenas salidos de algún manga. Tampoco hemos podido avanzar mucho en nuestras sospechas sobre Halbrand ya que le hemos visto bien poco. Y no sé qué pensar de Adar… No se entiende por qué aparece liberado: si fue por el cataclismo, bien podrían habérnoslo mostrado o explicado. Pero además me está costando determinar su lugar en la historia: si juega con Sauron o contra él. Espero que el último episodio de la temporada nos arroje algo más de luz…
Por lo pronto, creo que ha sido una buena entrega en el balance final, pero con muchas cuestiones aún débiles o en la nebulosa. A ver qué nos trae la próxima. Hasta entonces y sean felices…
