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Jason Statham es el auténtico action hero: Más de dos décadas le avalan. Elegimos sus 10 mejores películas

Hoy viernes 21 de agosto ha llegado a las pantallas lo nuevo de Jason Statham, El motín. Pero es que en Prime Video estrenan también su anterior largometraje, Shelter. Sin duda alguna Jason Statham lleva un 2026 muy productivo. Y un 2027 en el que también estrenará dos películas, la secuela de The Beekeeper y Viva La Madness, con dirección de Guy Ritchie, en su enésima colaboración.

El resurgir del action hero

A finales de la década de los 90 habíamos dicho adiós a los action hero de nuestra infancia, Van Damme, Schwarzenegger, Stallone o Willis (aunque este último si tiene grandes títulos en los 2000, como Looper, 16 calles, El caso Slevin, Hostage o Lágrimas del sol entre otras) y el género pasó un poco a la sombra, hasta que en 2002 apareció un rara avis, Jason Statham que venía de hacer distintos roles secundarios en películas de acción, para ocupar el trono de hierro de los action hero en un momento en el que los héroes de capas y mallas venían sustituyendo a los «actioner» que sudaban y sangraban.¿Su carta de presentación? Quizás su mejor película a día de hoy: Transporter.

Con guion de Luc Besson y dirigida por Louis Leterrier con coreografía de Corey Yuen, Statham se luce. Tiene secuencias míticas del cine de acción. Eso unido a su carisma, la convierten en una gran (pequeña)película de acción.

Luego es como todo, lo difícil es quedarse en el trono y más cuando te llega Liam neeson y te hace Venganza, o Keanu Reeves te hace un John Wick o Denzel una saga como Equalizer. Pero siempre va a hacer falta una estrella de acción y aunque en muchas ocasiones Statham ha bordeado la serie B se sigue manteniendo 25 años después en el trono de hierro.

Es por ello que hoy vamos a recordar sus 10 mejores películas. Vamos allá.

10. Los mercenarios (2010)

Lo reconozco. Esta saga no me gusta. Y no quería meterla al ser un reparto coral. Pero bueno Statham y Stallone son los que se llevan la gloria en la saga, así que la he metido con calzador. Además en general Statham es el que más mola en la saga con diferencia. Pero poco que destacar, lo mejor el carisma del actor y la escena en la que va a la cancha de baloncesto a darle cachiporrazos al imbécil que está con la ex.

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9. Redención (2013)

Si en el puesto número 10 he puesto una que ni fu ni fa, a partir de ahora todas las que están me gustan, y mucho. Statham tiene muy buenas películas de género. Redención tiene un dramón de sobremesa que me llega a cansar y es un personaje más hierático (en verdad es más humano) y con menos carisma. El título de Redención espero que no fuese por su personaje porque nuevamente no dejará títere con cabeza cuando vaya a defender a una monja.

8. A working man (2025)

Tras el (inesperado e incomprensible) éxito de The Beekeeper, David Ayer y Jason Statham volvieron a repetir. El argumento está trilladísimo y la acción es bastante genérica. No es la mejor ni de lejos del actor pero oye, sus 110 minutos pasan volando.

7. Beekeeper: El protector (2024)

Bueno. No entiendo lo bien que se habló de esta película y no de otras del actor que son igual o mejores. Pero le ha valido para que vuelva a relanzarse su carrera y eso hay que celebrarlo. El guion tiene ideas del mundo de John Wick, hay una organización clandestina que opera desde el secretismo. Pero al igual que pasase con la película original de Keanu Reeves, aquí ese universo está muy verde por lo que en alguna continuación podría ahondarse más en esto de los Beekeepers.

6. The Mechanic (2011)

Me gustó mucho esta película, la verdad. La forma en la que el personaje de Statham comete esos asesinatos que parecen accidentes. La relación con el personaje de Ben Foster (que gran actor) es otro de los puntos fuertes de una muy buena película que en 2016 conoció una secuela para olvidar.

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5. Operación Fortune (2023)

Guy Ritchie lleva unos años hiperactivo. Ha hecho muchas películas en la última década, algunas muy buenas otras para olvidar y alguna que queda en un podía haber sido mejor como esta Operación Fortune. Es una pena porque Statham brilla siempre que trabaja con el realizador. No obstante la cinta es un agradable pasatiempo de comedia de espías que se ve con facilidad.

4. Safe (2012)

Quizás una de las más infravaloradas y de las que menos se habla. Es la típica película del action hero que tiene que cuidar y proteger a un crío, en este caso a una niña. Es verdad que el papel de Jason Statham es demasiado plano y que solo se dedica a acabar con la triada, pero el componente humano que aporta la pequeña da un poco de enjundia al asunto.

3. El protector (2013)

Guion de Sylvester Stallone. La historia es simple y efectiva. Todo se inicia con una pelea de niños y que desencadenará en una serie de conflictos. Típica ciudad de lugareños en la que Statham pondrá orden. Ojo a James Franco, malo malísimo.

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2. Despierta la furia (2021)

Pues de lo mejor de Jason Statham es esta película con escenas de atracos y de tiros muy conseguida. Statham interpreta a un misterioso guardia de seguridad que acaba de llegar a una compañía de furgones blindados. La coloco la número dos porque tiene muy buena acción y un buen montaje.

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1. Transporter (2002)

Esto es puro cine de entretenimiento. La película nos regala dos escenas míticas, la del taller con el engrudo y la escena del pasillo. Un Statham en plenitud. Las secuelas, remakes y series no llegan ni a la suela de los zapatos.

Se quedan fuera las dos últimas porque no he tenido ocasión de verlas y creo que entrarían en el top, lástima.

Un saludo y sed felices.

Cuando las cuerdas y los metales invaden el frikiverso. Del cine de Robert Rodriguez a la música que inspira a los héroes

A ver, almas de cántaro y devoradores de cultura pop. ¿Os pensabais que en este rincón solo íbamos a hablar de mechas, naves espaciales y combates contra multiversos? Hoy nos toca abordar un tema de esos que cruzan fronteras insospechadas dentro del mundillo, de nuestro frikiverso. Vamos a analizar cómo la música tradicional mexicana, esa que suena con guitarrón y trompetas en cualquier buena celebración, se ha colado hasta la cocina en el cine de acción y en el ocio digital. Y es que cuando un mariachi entra en escena en una producción de culto, la cosa siempre termina con explosiones y ritmo a partes iguales.

Pensemos por un momento en cómo el cine fantástico ha adoptado los sonidos más icónicos de esta cultura. No hace falta irse muy lejos para recordar aquella joya del cine de acción de serie B elevado a los altares que fue El Mariachi de Robert Rodriguez, un ejercicio donde las guitarras escondían mucho más que acordes románticos. Esa dualidad entre la melodía popular y balas en suspensión marcó a toda una generación de espectadores que flipábamos viendo cómo el folclore se fusionaba con el cine de género. Y es que los mariachis no solo ambientan una plaza soleada o una fiesta popular en cualquier pueblo, sino que en la gran pantalla se han convertido en el perfecto preludio musical para que un héroe con gabardina y revólver suelte una frase lapidaria antes de que empiece el tiroteo.

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La música tradicional en los universos de ficción

Lo fascinante de todo esto es ver cómo los compositores de grandes franquicias de superhéroes y videojuegos han sabido rescatar estos instrumentos para dar textura a personajes fronterizos o a secuencias ambientadas en localizaciones latinas. Y es que creo que tenemos que reivindicar nuestras raíces y tradiciones, y no sólo dar por válidas las anglosajonas, que dominan el mundo desde hace años. Desde las composiciones que suenan en los rincones más recónditos del universo Marvel cuando se explora la cultura de personajes de raíces hispanas, hasta los guiños en la animación, y los videojuegos donde una banda sonora de este tipo te avisa de que el nivel se va a poner peliagudo. Al final, el arte de las cuerdas y el traje de cuero trascienden la pantalla para formar parte de nuestro imaginario colectivo friki, demostrando que la buena música no entiende de fronteras ni de universos de ficción.

El peso de estas influencias culturales en el entretenimiento digital y cinematográfico demuestra que la hibridación de géneros es una constante inagotable. Ya busquemos referencias en producciones independientes o en grandes blockbusters, el folclore siempre encuentra hueco para enriquecer la narrativa visual y sonora de aquello que consumimos a diario.

¿Qué opináis de esta mezcla tan peculiar entre la cultura tradicional y los mundos de ficción? Además no sólo es la cultura hispana, incluso desde Asia, la cultura coreana con la música o el anime/manga desde Japón, se van adueñando poco a poco de este mundo globalizado.

Un saludo y sed felices.

Warren Ellis regresa por la puerta grande a Image Comics en 2026.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. El cómic estadounidense vuelve a situar a Warren Ellis en el centro de la actualidad. Image Comics ha anunciado la publicación de Ghost Drive Station, una nueva obra que llegará a las librerías especializadas americanas el 18 de noviembre de 2026.

Warren Ellis regresa a Image con una obra de terror sobre la inmortalidad digital

La editorial publicará en noviembre Ghost Drive Station, una novela gráfica escrita por el autor de Transmetropolitan y Planetary; junto a la artista y diseñadora Lordess Foudre. El anuncio reabre, además, el debate sobre la responsabilidad de la industria cultural ante las denuncias que rodean al guionista.

El proyecto supone el regreso del escritor a una editorial que, cinco años atrás, había declarado públicamente que no volvería a trabajar con él hasta que hubiera reparado el daño causado a satisfacción de las personas afectadas.

Warren Ellis, conocido por títulos como Planetary, Transmetropolitan, Stormwatch, Authority … Firma la obra junto a Lordess Foudre, artista, diseñadora y compositora vinculada a proyectos musicales y visuales de artistas como Soccer Mommy.

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Hago un inciso para dejar AQUÍ, la reseña que tenemos de Planetary la Saga Completa, a cargo de mi querido Carlos María Porras Castaños.

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El argumento de Ghost Drive Station

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La colaboración propone una historia que combina investigación criminal, horror cósmico y especulación tecnológica, tres terrenos especialmente fértiles para un autor acostumbrado a explorar los límites entre el futuro y la condición humana.

La trama sigue a un investigador atormentado que recibe el encargo de desplazarse hasta una estación científica aislada en el desierto. El centro ha dejado de emitir señales y la misión parece, en principio, una operación de búsqueda convencional.

Sin embargo, la llegada del protagonista coincide con el aniversario del peor acontecimiento de su vida, una circunstancia que convierte la investigación en un descenso tanto psicológico como sobrenatural.

En el interior de la instalación, el detective descubrirá que sus responsables trabajaban en un experimento relacionado con la inmortalidad. El proyecto ha fracasado de forma catastrófica y sus consecuencias amenazan con superar los límites de la estación para adquirir una dimensión global.

Image Comics presenta Ghost Drive Station como una obra interesada en la muerte, la identidad y la relación entre la tecnología digital y el deseo humano de prolongar la existencia.

La descripción editorial sitúa al protagonista en la tradición del investigador torturado y moralmente ambiguo, con ecos del true crime y del noir contemporáneo. El relato partirá de una atmósfera próxima a la primera temporada de True Detective para adentrarse después en un territorio de pesadilla asociado a películas como Horizonte Final y al imaginario de los llamados Backrooms.

La mezcla promete una lectura incómoda, en la que la investigación detectivesca funcionará como puerta de entrada a un horror de escala cósmica.

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El escándalo de Warren Ellis

Pero el interés de la noticia no se limita a sus elementos narrativos. El regreso de Ellis a Image se produce después de que decenas de mujeres y personas no binarias denunciaran conductas de abuso sexual y abuso de poder.

A raíz de aquellas acusaciones nació el colectivo So Many of Us, que documentó diversos testimonios y participó en conversaciones orientadas a un proceso de mediación.

En enero de 2023, el colectivo afirmó que, aunque se habían producido avances iniciales, Warren Ellis no había llevado a cabo las medidas que esperaban y que el proceso de rendición de cuentas ya no era posible en aquellas condiciones.

Desde entonces, según la información publicada por la web AIPT, no se han difundido nuevas actualizaciones en la web de So Many of Us.

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Son dos cuestiones diferentes … ¿O no lo son?

La publicación de Ghost Drive Station obliga, por tanto, a separar dos cuestiones que convivirán inevitablemente: La valoración artística de una propuesta de ciencia ficción y terror, y el debate ético sobre las condiciones en las que la industria decide recuperar a un creador cuyos actos son moralmente reprochables y puede que delictivos.

Pero centrándonos en únicamente en el noveno arte, el cómic llegará al mercado con una premisa potente, una colaboración visual singular y una controversia que forma parte inseparable de su contexto.

Esperamos que todo esto haya sido de vuestro interés.

¡Sed Felices!

Dos potentes películas western: Los colonos vs Los asesinos de la luna

 

Los colonos: la violencia en el origen de una fortuna

Los colonos, película chilena dirigida por Felipe Gálvez, se adentra en uno de los episodios más oscuros de la historia de la Patagonia: la violencia ejercida contra los pueblos indígenas durante el proceso de expansión territorial de finales del siglo XIX. La película sigue a tres hombres enviados a recorrer las tierras del poderoso terrateniente José Menéndez en una expedición que pronto se convierte en una campaña de exterminio al más puro estilo Meridiano de sangre. A través de sus personajes, el filme muestra cómo la construcción de una nación y de una fortuna pueden estar cimentadas sobre la sangre de aquellos que fueron considerados un obstáculo para el progreso.

Uno de los aspectos más interesantes de Los colonos es su relación con la familia Braun Menéndez, una de las más poderosas vinculadas históricamente a la explotación ganadera de la Patagonia. La película no se limita a presentar la violencia como un episodio aislado, sino que plantea una pregunta incómoda: ¿Qué hay detrás de las grandes fortunas y de los nombres que han sobrevivido hasta nuestros días?

La historia de los Braun Menéndez, cuya influencia económica y empresarial continúa siendo relevante en la actualidad con reciente presencia en diferentes gobiernos de Chile y Argentina, convierte a la película en una reflexión especialmente perturbadora sobre la relación entre poder, riqueza y violencia histórica.

Felipe Gálvez evita construir un relato convencional. Los colonos parece avanzar como una pesadilla lenta, seca y deliberadamente incómoda. Sus planos largos, sus paisajes inmensos y sus imágenes metafóricas convierten la Patagonia en un territorio casi mítico, pero también un espacio de muerte.

La violencia aparece de manera bizarra, extrema y, en ocasiones, desconcertante, precisamente porque la película se niega a convertirla en un espectáculo convencional. El horror surge de la frialdad con la que los personajes ejecutan sus actos y la naturalidad con que el exterminio puede llegar a formar parte de un proyecto económico y político.

Los colonos (2023) - IMDb

 

Los asesinos de la luna: el crimen organizado contra un pueblo

En Los asesinos de la luna (nuestra crítica en el link), Martin Scorsese aborda otro episodio de violencia colonial, esta vez en los Estados Unidos de principios del siglo XX. La película narra la historia de los miembros de la nación Osage, que descubrieron petróleo en sus tierras y, como consecuencia, se convirtieron en propietarios de una enorme riqueza. Pero ello atrajo la codicia de hombres blancos que comenzaron a conspirar para apropiarse de sus bienes y de sus tierras mediante asesinatos, matrimonios interesados y una red sistemática de corrupción.

La película denuncia así una forma de expropiación que no se produce únicamente mediante la fuerza militar, sino también mediante la manipulación de las leyes, las instituciones y las relaciones familiares. Scorsese muestra cómo el racismo y la avaricia pueden convertir el asesinato en un sistema organizado. La tragedia de los Osage revela que la conquista no siempre termina cuando desaparece la violencia abierta: puede continuar a través de estructuras económicas y legales diseñadas para despojar a una población de su riqueza.

Los asesinos de la luna – Cines Embajadores

 

 Dos perspectivas para contar una misma historia

Las dos películas comparten, en el fondo, un tema esencial: la violencia colonial utilizada para apropiarse de territorios y riquezas. Tanto Los colonos como Los asesinos de la luna muestran sociedades en las que la ambición económica convierte a los pueblos indígenas en un obstáculo que debe ser sometido o eliminado. Sin embargo, ambas abordan el tema desde perspectivas cinematográficas radicalmente diferentes.

Los colonos apuesta por la poesía visual, los planos largos y las imágenes metafóricas. Su narrativa es fragmentaria, misteriosa y muchas veces parece más interesada en crear una atmósfera de horror que en explicarlo todo. La violencia es extraña, brutal y extrema, casi absurda en su crueldad.

Los asesinos de la luna, en cambio, se acerca al relato desde una perspectiva más explicativa y casi documental. Scorsese reconstruye minuciosamente los acontecimientos, muestra las relaciones entre los personajes y permite comprender cómo funciona la maquinaria criminal que rodea a los Osage.

Si Gálvez utiliza el silencio, el paisaje y la sugerencia para provocar una sensación de horror, Scorsese utiliza la narración y la acumulación de detalles para demostrar que ese horror fue real y sistemático. Una película nos hace sentir el vacío de la violencia; la otra nos obliga a comprender su mecanismo.

Dos películas valientes

Precisamente por sus diferencias, Los colonos y Los asesinos de la luna resultan dos obras especialmente valientes. Ambas se atreven a mirar de frente episodios históricos incómodos y cuestionar los relatos oficiales sobre la construcción de las naciones y sus grandes fortunas. Ninguna de las dos ofrece una visión complaciente del pasado.

El mérito de Felipe Gálvez está en su capacidad para convertir la historia en una experiencia sensorial, poética y perturbadora, mientras que Scorsese demuestra la fuerza de un cine narrativo capaz de reconstruir con precisión la dimensión sistemática de un crimen. Son dos estilos opuestos, pero igualmente poderosos: uno sugiere y golpea mediante las imágenes; el otro explica y acusa mediante el relato.

En ambos casos, el cine se convierte en una herramienta para recuperar una memoria que durante demasiado tiempo permaneció en los márgenes. Y ahí reside, quizá, la mayor valentía de ambas películas: recordar que detrás de ciertos territorios, fortunas y nombres ilustres existe también una historia de sangre que no debería ser olvidada.

Cada película encontrara su público pero ambas, sin duda, comparten dos finales potentes difíciles de olvidar.

Genocidio en el fin del mundo: Estado y terratenientes contra los selk'nam | La tinta

La invitación (2026) Olivia Wilde regresa con una comedia incómoda, inteligente y sorprendente

Después de que en 2022 la gran apuesta de Olivia Wilde como directora con Don’t Worry Darling recibiera opiniones mixtas de crítica y audiencias, se ponía en duda el éxito que esta pudiera llegar a lograr dirigiendo. Ahora, luego de unos años de espera, vuelve a la gran pantalla con La invitación, una comedia sobre un matrimonio que decide pasar la noche junto a sus vecinos, en una cena que poco a poco revelando secretos e intimidades de ambas partes.

En 2019 Olivia Wilde dio un salto desde la actuación al rol de directora con Booksmart, una asombrosa comedia adolescent en la cual la escala es pequeña, pero le juega a favor el poder retratar a las protagonistas y ponerlos en situaciones límite para generar espacios de comedia. Luego, en 2022, con Don’t Worry Darling se adentró en un terreno más ambicioso y, para bien o para mal, fue un acercamiento al tema del matrimonio y el desgaste que este puede generar.

Con La invitación, Wilde parece haber logrado un equilibrio entre ambos estilos, logrando dar una película que en ningún momento pretende detenerse en la comedia, sino que se centra especialmente en los personajes y la evolución de sus relaciones.

The Invite' review: Olivia Wilde and Seth Rogen's new film is the best movie I've seen in 2026. Yeah, I'm as surprised as you are | Tom's Guide

Una cena que expone las grietas del matrimonio

La historia sigue a Joe (Seth Rogen) y Angela (Olivia Wilde), un matrimonio venido a menos y en constantes desacuerdos. Sin antes avisarle, Angela decide invitar a una cena a Hawk y Pina, pareja que vive en el departamento de arriba, por el simple hecho de parecerle personas interesantes.

Esto genera peleas y discusiones entre ambos hasta que llegan Hawk (Edward Norton) y Pina (Penélope Cruz), una pareja mucho más libre que parece entenderse mucho mejor y con una relación más estable, a pesar de estar casados ni llevar mucho tiempo juntos. A medida que la noche avanza, las parejas se conocen mejor y descubren poco a poco las partes más íntimas de cada uno de los cuatro.

El guion es una adaptación de la película española Sentimental (2020), pero a cargo de Rashida Jones, adaptando la historia a los problemas convencionales estadounidenses y con una identidad bastante más marcada.   Se construye y se sostiene por las conversaciones entre los personajes, con un enfoque bastante frontal expresando sus dilemas sin subtexto ni de forma subjetiva. Y aunque normalmente decirle al espectador todo el mensaje de frente no da muy buen resultado, en este caso funciona.

Y lo hace porque el tema central es la sexualidad, pero no desde una aproximación erótica o de comedia pura, sino desde sus propios dilemas, lo que, al ser un tema tabú y tan poco tratado, resulta bastante refrescante y a la vez incómodo.  Pone al espectador en una situación bastante especial porque la tensión y la incomodidad se acumulan, desembocando en un momento cómico que, lejos de arruinar el ritmo, está tan bien construido que cae como anillo al dedo.

Igualmente, el tema de la sexualidad no se toca simplemente para incomodar o hacer reír, sino con el sentido de retratar a los matrimonios. Todo se relata a través de conversaciones, pero puestas en contexto representan los problemas de un matrimonio convencional: cómo la cotidianidad se puede convertir en repetición y cómo el preocuparse por las cosas del exterior afecta apreciar lo que se tiene, así como el paso del tiempo, el desgaste de viejos hábitos y la diferencia entre deseo y liberación.

Ello dota a la cinta de un trasfondo donde el espectador puede reflexionar mucho sobre temas que pocas veces se tocan de manera tan directa, con un trabajo de guion impresionante donde todo está construido en base al diálogo y nunca se siente lento o repetitivo.

The Invite' Ending Explained

Puesta en escena al servicio de la historia

En apartados técnicos, La invitación puede sentirse como algo poco impresionante al ser una película de escala pequeña, pero no es falta de capacidad en ese aspecto, sino porque está al servicio de la narrativa. Toda la película sucede en una sola noche y en un solo departamento.

El diseño de producción es muy bueno debido a que refuerza el sentimiento de encierro e intimidad. En una historia de este tipo, muy introspectiva, uno más elaborado o con más localizaciones sería contraproducente. En este caso, el departamento se construye con distintos pasillos estrechos y salones donde siempre hay elementos que encierran más el encuadre y, cuando se tiene un vistazo a los espacios más íntimos, como las salas de trabajo de los personajes, se sienten realmente vivos y suyos.

Asimismo, Olivia Wilde hace un gran trabajo como directora. Aunque se apoya mucho en el diálogo, lo suyo no queda ahí. Con constantes movimientos de cámara, logra que la situación se sienta más tensa y todo vaya simbólicamente en espiral hasta derrumbarse. El uso de planos cerrados ayuda a reforzar la sensación de intimidad y que la química entre los personajes se sienta más fuerte en los momentos de tensión.

En cuanto a las actuaciones, todos son de élite y no decepcionan en ningún momento. Seth Rogen es en quien recae mayormente la parte de comedia, lo que suele ser común en él, pero también tiene sus momentos más sentimentales e introspectivos sin queda atrás del resto del elenco.

Olivia Wilde interpreta a un personaje que desprende ansiedad y nerviosismo, además de hacer un trabajo fantástico con la corporalidad.  El de Edward Norton, por su parte, se siente en ocasiones como el más desconectado, pero ese es precisamente su rol: representar en todo momento la parte más confiada.  Y Penélope Cruz, por último, se roba la pantalla en cada escena, transmitiendo tanta seguridad que su sola presencia llena la historia.

The Invite (2026) [REVIEW] | The Wolfman Cometh

Un cierre que rompe el ritmo

Si bien no es un problema demasiado grande, el final es la parte más débil de La invitación, algo que ya le ocurría a Wilde en Don’t Worry Darling. Esto se debe a que toda la cinta es bastante frontal y directa, recargándose todo en la comedia para dar pequeños respiros al espectador.

En el último acto todo se detiene, el ritmo baja drásticamente y se vuelven conversaciones más cercanas al drama de pareja tradicional que, si bien refuerzan el mensaje, hacen que se sienta un poco fuera de lugar. Igualmente, las últimas escenas, en vez de ser directas, son un poco más subjetivas e interpretativas.  No es que rompan con la narrativa y representan, por cierto, un desenlace lógico, pero sí se sienten como un cambio brusco y algo anticlimático.

The Invite : Movie Review

La invitación es una de las mayores sorpresas del año, regresando a Wilde como directora con una historia incómoda y refrescante por igual que, con sus personajes carismáticos y extravagantes, logra dejar una huella en el espectador.

R.J. Decker (Disney+). El regreso del detective clásico de los noventa que se ahoga en lo correcto

Hubo un tiempo en el que los thrillers de detectives no necesitaban giros cuánticos, conspiraciones gubernamentales a escala global ni saltos temporales para mantenernos pegados a la pantalla. Bastaba con un tipo cínico pero con código de honor, una gabardina gastada, un caso turbio que resolver en una ciudad asfixiante, y un buen puñado de diálogos afilados.

Disney+ ha querido recuperar ese aroma clásico de las novelas policíacas de bolsillo con el estreno de la serie antológica de R.J. Decker, la adaptación televisiva del carismático investigador privado que promete devolvernos la edad de oro del género negro.

La historia nos presenta a R.J. Decker (Scott Speedman), un antiguo fotógrafo de prensa reconvertido en detective privado tras un escándalo que arruinó su carrera. Afincado en una Florida calurosa, sucia y alejada de los focos turísticos, pero aun así, mostrando cierto glamour.

Después de pasar unos años en la cárcel regresa dispuesto a sobrevivir de la mejor forma posible, y eso lo hace aceptando casos sencillos de infidelidades, pequeños hurtos y otras cosas menores, que se complicaran desembocando en peligrosas investigaciones.

La premisa se siente reconfortante, como volver a casa. Sin embargo, tras analizar el pulso de la serie en sus primeros capítulos, la sensación que deja es la de una profunda frustración. Nos encontramos ante otra producción más cortada por el mismo patrón industrial de la plataforma que, en su empeño por gustar a todo el mundo y no arriesgar un ápice, termina por diluir la personalidad de su protagonista, y aburrir al espectador.


Los 7 mejores cómics de ciencia ficción


R.J. Decker: un antihéroe con carisma atrapado en un envoltorio predecible

Si hay algo que salva a la serie de la quema absoluta en los primeros compases es la energía y la intriga que el propio personaje arrastra. Hay una garra atrapante en ver a este detective desencantado lidiar con matones de tres al cuarto y millonarios prepotentes. El actor principal clava esa chulería herida y esa mirada cansada del que lo ha visto todo, regalándonos momentos de suspense clásico que funcionan muy bien de forma aislada.

El gran problema es que ese magnetismo se agota pronto porque el desarrollo se vuelve plano y completamente previsible. En lugar de apostar por una atmósfera turbia, asfixiante y con peligro real, la serie cae en la manía típica de la ficción de streaming actual: meter información a cascoporro, introducir personajes secundarios mecánicos que solo sirven para soltar pistas explicativas y encadenar giros de guion de manual para evitar que te pares a pensar (seguro que os suena).

Al final, te das cuenta de que te están vendiendo la moto; la trama está llena de agujeros y las resoluciones de los misterios caen del cielo de la forma más cómoda posible, restándole todo el mérito a la investigación. Decepcionante, y hacen muy difícil no soltar un ‘venga ya’ cuando esto sucede.

R.J. Decker

La paradoja de Disney+: Un ‘noir’ demasiado limpio

El verdadero talón de Aquiles de R.J. Decker es su puesta en escena. El género negro necesita sombras, imperfección, calles que huelan a humedad y personajes moralmente grises que te hagan dudar de todo. Aquí, sin embargo, todo pasa por el filtro higienizado de la factoría. La fotografía es bonita y colorida, los planos están medidos al milímetro para lucir espectaculares en pantallas de alta definición y la violencia es tan pulcra que no asusta a nadie.

Esta falta de oscuridad y garra convierte lo que debería ser un thriller tenso e incómodo en un procedimental rutinario que ya hemos visto mil veces en la televisión en abierto. Los sospechosos cambian de nombre cada episodio simplemente para estirar el metraje y los cliffhangers del final de cada capítulo se sienten artificiales, forzados por el algoritmo para que sigas consumiendo reproducción automática en lugar de por una verdadera necesidad narrativa.

Veredicto final: ¿Merece la pena contratar los servicios de este detective?

Pues, depende de lo que busques. La R.J. Decker está destinada a un público que busque entretenimiento rápido, fácil y totalmente desechable. Incluso si dejas a mitad un episodio no lo vas a echar de menos, y dormirás a pierna suelta sin acabar de verlo (ya me entiendes).

R.J. Decker es otra oportunidad perdida de resucitar el thriller de detectives de la vieja escuela. Empieza con fuerza gracias al carisma de su premisa y a un protagonista que defiende el tipo con uñas y dientes, pero se desinfla a marchas forzadas conforme avanza, dejándonos con una resolución convencional que te deja totalmente indiferente.

Si buscas un entretenimiento ligero para poner de fondo mientras haces la cena, cumple el trámite. Pero si buscas un rompecabezas inteligente, coherente y que respete tu madurez como espectador, es mejor que dejes el caso cerrado.

¿Y vosotros? ¿Os habéis adentrado ya en los pantanos de este misterio en Disney+? ¿Os convence este R.J. Decker moderno, o pensáis que al género negro le hace falta mucha más suciedad y coraje, y menos intentar gustar a un algoritmo acomodado y facilón?

Saludos, y sed felices.

Sin ley, sin orden y con Ryan Gosling. El director Shawn Levy destapa el caótico panorama galáctico de Star Wars: Starfighter

Bienvenidos, un día más, a vuestra web favorita, a Las cosas que nos hacen felices. Recién salidos del revuelo del D23, la maquinaria comiquera y cinematográfica no descansa, y portales como ComicBookMovie nos traen nuestra dosis de frikadas diarias. Y es que al parecer el director Shawn Levy ha abierto el tarro de las esencias en una reciente entrevista para soltar unos cuantos detalles jugosos sobre Star Wars: Starfighter, la esperadísima película que protagonizará Ryan Gosling y que aterrizará en los cines el 28 de mayo de 2027. Y ojito, porque lo que se nos viene encima no tiene nada que ver con lo que hemos visto hasta ahora en la gran pantalla.

Una galaxia sin ley ni orden central

Lo más llamativo de lo que ha contado Levy sobre esta nueva aventura ambientada cinco años después de los eventos de El ascenso de Skywalker es el estado en el que se encuentra la galaxia tras la caída definitiva del Emperador Palpatine y la Primera Orden en la Batalla de Exegol.

Lejos de establecerse una paz idílica o una República fuerte desde el primer minuto, el director ha confirmado que nos adentraremos en un periodo de completo desconcierto.

Ausencia de autoridad. Según explica Levy, la galaxia se encuentra en un momento donde no existe ningún tipo de orden ni ejecutor gubernamental central que mantenga el cotarro a raya.

Supervivencia pura. Sin una superpotencia galáctica firme, todo el mundo se busca la vida como puede en un entorno caótico y marcadamente inexplorado.

Inspiración obrera. Para darle empaque a esta situación, el cineasta ha confesado que se ha inspirado en un tono muy de clase obrera, casi a lo Rebeldes (The Outsiders) de Francis Ford Coppola, huyendo de los despachos de altos vuelos para centrarse en los márgenes.


Todos los artículos en la web de Star Wars


 

Star Wars: Starfighter

Kade Auberon y el «lado malo» de la galaxia

En medio de este panorama desolador es donde entra en juego el personaje de Ryan Gosling, Kade Auberon. Lejos de ser un héroe consagrado o un caballero con vocación mesiánica, el protagonista procede de lo que el director define claramente como «el lado equivocado de la galaxia».

Un tipo sin privilegios de cuna, con cierto toque canalla y de clase trabajadora, cuyo destino colisiona por pura casualidad con la nave estelar más rápida jamás construida. Y es aquí donde el director se adorna para que intuyamos que será una aventura clásica bien contada.

Por tanto parece que no será una secuela al uso, y que se alejará de las sagas imperiales que tanto tiempo llevamos soportante los auténticos fans de la saga. Esperemos que tenga mejor desempeño.

¿Tenéis ganas de ver a Ryan Gosling surcando el espacio más salvaje o preferís la seguridad de las viejas tramas imperiales?

Un saludo y sed felices.

Análisis de The Walking Dead: Dead City. Temporada 3. Episodio 4

 

Continuamos analizando la tercera temporada de The Walking Dead: Dead City, en este caso con su cuarto episodio titulado Encontrado y Perdido. Creada por Eli Jorné y emitida por AMC+, la serie spin-off sigue a Maggie y Negan en la New York postapocalíptica.

Hola otra vez, caminantes y sobrevivientes.  Nuevamente aquí para analizar un nuevo capítulo de The Walking Dead: Dead City, en este caso el tercero de una cuarta temporada que se sigue mostrando muy errática, con personajes e incluso comunidades que entran y salen como si nada y sin quede claro con qué necesidad argumental.  En medio de todo ello, el probable (y no anunciado) despunte de una nueva relación para Maggie y… un terremoto en New York.

Pero pasemos mejor ya mismo a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en nuestra web los análisis previos, tanto de esta como de las demás series de la franquicia.

Análisis de The Walking Dead: Dead City

Análisis de The Walking Dead

Análisis de Fear the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: World Beyond

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon

Análisis de The Walking Dead: The Ones who live

 

La Comerciante

Comenzamos con Maggie y Luis viajando a través de los bosques en furgoneta, ella al volante.  El motivo de su viaje es que, habiendo crecido la comunidad con la llegada de los migrantes, se están quedando sin insumos ni suministros médicos y, para conseguirlos, deben ir a Beacon en busca de alguien a quien llaman La Comerciante (Folake Olowofokeyu).

Luis se acuerda de los días en que llevaba a su esposa Marisol a pasear en auto su pasado hasta que un día se fue a buscar a sus padres y nunca regresó, después de lo cual él no volvió a conducir.  A pesar de la nostalgia y tristeza del momento, hay entre ambos miradas y sonrisas que hasta ahora no habíamos visto y que sin duda algo presagian.  Él saca una mano por la ventanilla como si volara y Maggie le imita.

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Al llegar a la cabaña de La Comerciante, esta les recibe con desconfianza, instándoles a dejar sus armas en la furgoneta.  Una vez dentro, le manifiestan su necesidad de suministros y ella dice poderles conseguir todo, pero tienen que ofrecer a cambio algo realmente valioso.  Maggie le muestra entonces los planos del Croata y le habla sobre la posibilidad de obtener energía a partir de los caminantes.  La mujer muestra interés, a la vez que reflexiona que algo así sería peligroso en las manos equivocadas, a lo que Maggie da la razón…

Pero, por otra parte, sabe que si están allí es porque se hallan con la soga al cuello y no tienen muchas opciones, pues en definitiva lo que importa es la autoprotección y, más que querer ellos un trato, lo necesitan.   Se compromete a conseguirles los suministros, pero para ir a buscarlos les pide la furgoneta hasta el otro día, lo que implica para Maggie y Luis tener que pasar la noche en la cabaña y sin armas.  No es una opción atractiva, pero es la única…

La Oferta

En New York, entretanto, Negan se suma a la recolección de caminantes junto a Hershel, Dillard, Renata y otros del Refugio.  Dillard recibe un elogio de Renata y se emociona por haber pasado mucho tiempo de la última vez que una dama le hiciera alguno.  Todo parece normal, pero mientras cargan los zombies en el camión, no advierten que por debajo del mismo está resquebrajándose el asfalto…

Surgen problemas al llevar los caminantes a sus jaulas.  Uno bien horrendo y corpulento se corta al ser ingresado en la suya y despide un viscoso ácido que hace patinar a Fabián, uno de los sobrevivientes llegados de The Bricks, quien queda en el piso a merced de sus dientes.  Estando la jaula cerrada, Negan se las compone para ingresar por encima de la reja y salvar la vida de Fabián destrozando con su bate la cabeza del atacante.

El acto heroico le vale que Renata lo lleve al único apartamento que queda vacío en el edificio y le ofrezca quedarse allí.  Sorprendido de la súbita generosidad, Negan se pregunta irónicamente si será ella Renata Claus y si el inesperado regalo se deberá a que el niño Negan se ha estado portando bien.

Ella responde que él ha hecho suficiente mérito ayudando en la recolección de caminantes y salvando la vida a Fabián.  No obstante, dice aún no confiar en él del todo y sabe que ha matado a la Dama, pues esta había comido momentos antes de acabar con un cuchillo en el corazón y no tiene sentido que lo hiciera para después suicidarse.  Se compromete, aun así, a mantener el secreto y le invita a pensar la oferta…

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A la Luz de la Luna

En Beacon, y habiéndose ausentado momentáneamente La Comerciante con la furgoneta,  Maggie y Luis juegan al jenga.  Él vuelve una vez más sobre su pasado y, haciendo autocrítica, manifiesta que quizás no haya sido para Marisol el hombre que ella necesitaba y de allí que no haya vuelto.  Maggie reflexiona asimismo sobre el suyo y cómo dedicó buena parte de su vida a cuidar de la seguridad de Hershel, quien ahora no la necesita.

La conversación es interrumpida por alguien que golpea a la puerta y resulta ser un tal Gerald, que viene desde un campamento cercano buscando a La Comerciante.  No confiando, lo atan a una silla y Maggie lo somete prácticamente a un interrogatorio.  Él dice que la suya es una comunidad presbiteriana y, habida cuenta de su conocimiento al respecto, ella le expone a un examen sobre conocimiento bíblico del cual sale claramente aprobado.

Les invita a visitar su campamento y se encuentran con una comunidad alegre que prepara, como todos los meses, el festejo de la luna llena.  Maggie les habla del proyecto del metano y cuánto podría beneficiarles, pero Gerald, muy conservador, prefiere preservar el estilo de vida que allí han construido, sin electricidad y casi sin tecnología.

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Llegada la noche, todos se entregan al baile e invitan también a Maggie y Luis, que se suman jocosos a la diversión general.  La cosa se pone más melosa al volverse la música relajada pero, cuando parece comenzar a producirse el beso entre ambos, ella se aferra al anillo de bodas que siempre lleva al cuello y corta todo clima romántico diciendo que deberían regresar.

Ya en la cabaña y al otro día, ella se disculpa por su actitud pero él dice entender perfectamente y, por el contrario, le agradece que lo haya escuchado al hablarle de Marisol, lo cual necesitaba.  La Comerciante, a todo esto, ya está de regreso con la furgoneta y los suministros…

La Tierra Tiembla

En New York, Renata pregunta a Negan si pensó en la oferta y este responde que llegó a la conclusión de que si le ofrecen el departamento es para tenerlo vigilado.  Ella le replica que es él quien no confía en sí mismo o quizás sea que no quiere construir vínculos para no seguir perdiendo gente.  Touché…

Maggie y Luis llegan con los suministros y hay felicidad por ver la despensa abarrotada, pero de pronto todo comienza a temblar como en un terremoto y el asfalto vuelve a resquebrajarse, pero ahora de modo mucho más drástico.

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Dillard lo adjudica a los socavones que ha ido creando por debajo de la ciudad el desgaste de los edificios, pero lo peor es que el temblor libera a los caminantes del camión y al pánico por el mismo se suma el ataque zombie masivo…

Maggie se desespera al perder entre el caos su anillo matrimonial y arriesga tontamente su vida al pretender encontrarlo, pero es rescatada a tiempo por Negan.  Mientras la calle se hunde y algunos edificios se desploman, los miembros del Refugio buscan un lugar seguro hasta que todo pasa, pero la despensa de suministros ha quedado prácticamente reducida a la nada misma…

Balance del Episodio

La premisa general del capítulo ha girado en torno a los problemas que tienen los personajes para dejar su pasado atrás y comenzar a construir un futuro.  A todos les cuesta: A Maggie, a Negan y a Luis.  En el caso de Maggie, está claro que ha dejado atrás la muerte de Glenn, pero no a Glenn.  Queda evidenciado en su renuencia a iniciar una nueva relación y en su particular fijación con el anillo de bodas que, más que un recordatorio de su fallecido esposo, termina siendo casi su propia presencia, además del McGuffin del episodio, como el reloj lo fuera en el anterior.

Más allá del amago de beso y por mucho que hable de abrir nuevos caminos, Luis tampoco da impresión de poder librarse de Marisol, pues sabido es que si estás queriendo avanzar en una relación con alguien, lo peor que puedes hacer es hablarle todo el tiempo de tu ex.  Además, a diferencia de Maggie, no está oficialmente viudo y le carcomen tanto la duda como la culpa de no saber si es que su Marisol falleció, no pudo volver o bien no quiso hacerlo.

Negan la tiene todavía más difícil en esto de romper con el pasado.  No es solo que no pueda librarse del bate.  Sumarse a una nueva comunidad y aceptar el ofrecimiento de Renata significa para él, además, dejar de ser quién es y pasar a vivir bajo reglas que no son las suyas.  Y la pregunta que se hace ella acerca de si es que no confía en sí mismo o que teme crear vínculos para perderlos nuevamente le toca fibras íntimas al traer el reciente y triste recuerdo de la pérdida de Ginny, en cuyo cuidado había depositado la posibilidad de su propia redención.

Pero el gran problema del capítulo es el mismo que en general viene trayendo una temporada que avanza en base a situaciones traídas por los pelos y a las que nunca se dio contexto previo para que estuviésemos preparados.  En ningún momento, por ejemplo, me dio la impresión en episodios anteriores de que estuviera naciendo algo entre Maggie y Luis y de pronto los tenemos simulando volar como Jack y Rose en la proa del Titanic, pero en furgoneta…

Ni hablar del terremoto, pues recién en este episodio vimos el asfalto resquebrajarse para después encontrarnos con un infierno sísmico en pleno Manhattan.  Y, atendiendo a lo dicho por Dillard, no me termina de quedar claro si el mismo respondió a un movimiento telúrico propiamente dicho (muy raro en New York) o a los socavones como consecuencia del desgaste de los edificios (¿tuvo algo que ver aquella explosión del Croata?).  En cualquiera de ambos casos, creo, deberíamos haber percibido antes señales de que podía ocurrir algo, lo cual no significa que nos dijeran específicamente qué…

Por otra parte, y como viene siendo costumbre, personajes y comunidades enteras siguen entrando y saliendo de la serie como si nada y sin que su paso deje huella en la misma.  Me había creado ilusiones e incluso temores con La Comerciante, cuya insistente cantinela sobre la autoprotección me hizo prever el peor escenario… pero nada.  Quizás tengan que volver a recurrir a ella ahora que han perdido suministros y alimentos; ya lo veremos…

Otro tanto para Gerald y su alegre campamento presbiteriano.  Me dio, desde luego, el temor de que tanta religiosidad acabara siendo sinónimo de fundamentalismo, pero no.  Y si bien es para celebrar que hayamos salido del lugar común de que toda nueva comunidad que aparezca tenga que terminar siendo necesariamente peligrosa, tampoco es cuestión de que sea totalmente irrelevante para la trama, como ha sido este el caso.

En definitiva, hemos llegado a la mitad de la temporada final con otro capítulo flojo y poco sustancioso.  Parece que estuviéramos viendo episodios desconectados y autoconclusivos, en todo caso con un cliffhanger final para dar sensación de continuidad.  El problema central que en cada uno se plantea no tiene demasiada relación con el anterior o el próximo.  Y estando tan cerca de la conclusión, no puede sino darme pena que una serie que me gustaba acabe por despedirse sin haber encontrado un rumbo

A ver si el próximo capítulo cambia algo.  Les espero para analizarlo.  Hasta entonces y sean felices…

 

 

 

El espejismo de ‘Dioses y Monstruos’: Cómo el nuevo DCU de James Gunn empieza a desmoronarse con más cancelaciones

En  2023 James Gunn y Peter Safran comparecieron ante el mundo con una promesa bajo el brazo: orden, visión de autor y un plan inquebrantable a diez años vista. El primer capítulo, bautizado como ‘Dioses y Monstruos’, no solo venía a sepultar los restos del caótico universo cinematográfico anterior, sino a garantizar que en DC Studios no se volvería a rodar nada sin un guion terminado ni se anunciarían proyectos al vacío.

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Tres años después, la realidad del calendario ha golpeado con dureza: las recientes cancelaciones de las series ‘Waller’ y ‘Paradise Lost’ no son un simple reajuste de producción, sino la confirmación definitiva de que el mapa de ruta original se está desmoronando.

El golpe sobre la mesa es devastador para la credibilidad del estudio. Por un lado, la serie de Amanda Waller, concebida como el gran puente orgánico entre temporadas y spin-off directo tras ‘Peacemaker’, ha terminado disolviéndose entre retrasos, cambios de enfoque y problemas de agenda hasta ser descartada por completo. Por otro lado, la herida abierta con ‘Paradise Lost’ es todavía más sangrante: vendida a bombo y platillo como un drama político y mitológico al estilo de Juego de Tronos en Themyscira, su cancelación fulminante deja al rincón de las amazonas totalmente huérfano antes siquiera de haber nacido.

Además, el propio planteamiento resultaba completamente ilógico desde el principio: pretendían explorar la intriga y los orígenes de Themyscira antes incluso de haber presentado, casteado o consolidado a Wonder Woman en este nuevo universo, empezando la casa por el tejado. Sumado a proyectos como Booster Gold, Swamp Thing o The Authority, que permanecen atrapados en un limbo que huele a que no verán la luz.

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Esta cascada de bajas ha provocado una situación alarmante: la ausencia total de la Trinidad de DC. Mientras el público confiaba en ver los cimientos de una nueva Liga de la Justicia, nos encontramos en un escenario desconcertante donde Batman y Wonder Woman brillan por su ausencia. ‘The Brave and the Bold’ continúa sin fecha, sin casting y en un silencio sepulcral mientras Matt Reeves sigue a su propio ritmo aislado en Gotham, y Diana de Themyscira ni siquiera tiene una película en desarrollo activo, quedando relegada a meros rumores de un guion siendo escrito.

Estamos ante un universo compartido de superhéroes que no es capaz de poner en marcha a sus dos mayores iconos mundiales y que además va cancelando sus proyectos satélites no es un universo en expansión, sino una franquicia en clara retirada.

Con el horizonte despejado a golpe de tijeretazo, el futuro de DC Studios se ha estrechado de forma casi dramática. Más allá de la llegada de la serie ‘Lanterns’ para HBO y de apuestas aisladas de género como el proyecto de ‘Clayface’, todo el peso y la supervivencia de la compañía descansan exclusivamente sobre los hombros del Hombre de Acero. La obsesión del estudio pasa ahora por exprimir al personaje mediante su secuela ‘Man of Tomorrow’, mientras en paralelo se anuncian o priorizan desarrollos secundarios y series que jamás formaron parte del plan maestro original, como la de Jimmy Olsen.

Se cancelan las grandes apuestas estructurales que iban a construir el universo, pero se improvisa con proyectos menores que no estaban contemplados en el calendario.

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La consecuencia inevitable de todo este caos es una profunda pérdida de confianza por parte de los aficionados. James Gunn parecía la figura capaz de emular el orden de Marvel Studios. Sin embargo, el estudio está volviendo a caer en los mismos vicios de siempre: improvisar sobre la marcha. Si el destino de todo el DCU depende únicamente de que la secuela de Superman funcione en taquilla, nunca existió un plan maestro real; solo fue otra maniobra de marketing, y los fans de DC ya están demasiado agotados como para seguir creyendo en promesas rotas.

Un saludo y sed felices.

Análisis de La casa del dragón. Temporada 3. Episodio 8 y final de temporada.

Dos años después del titubeante final de la segunda temporada, volvemos a Poniente y al universo ideado por la mente maestra de George R. R. Martin. En un mundo dominado por Netflix, el fenómeno televisivo (junto a Perdidos) del siglo XXI fue la fantasía épica con dejes de telenovela familiar Juego de Tronos. Ahora es el turno de La Casa del Dragón, precuela centrada en los Targaryen.

Análisis de los capítulos de La casa del dragón.

Análisis de los capítulos de Juego de Tronos.

Análisis de los capítulos de El caballero de los siete reinos

Y terminó. Habrá que esperar otros dos años para una nueva temporada, la última, de La casa del dragón.

Los que hayáis leído mis análisis sabéis que este arco argumental que comienza en la batalla del Gaznate y finaliza con la de Ladera no me ha despertado mucha simpatía. Es más, incluso me ha cabreado en algún que otro episodio.

Este fin de fiesta que ha supuesto el octavo capítulo no ha hecho sino demostrar lo endeble de una serie impecable desde lo visual pero rotundamente fallida desde el punto de vista narrativo.

Así, no repasaré las virtudes estéticas de las escenas más épicas (que, aun así, están planteadas de una forma muy convencional) o el deslumbrante diseño de producción. Al fin y al cabo, ya solo les faltaba haberla pifiado en este aspecto para que La casa del dragón fuera un desastre total.

En su lugar, vamos a hacer un repaso general de lo que ha dado la evolución de los personajes principales de la serie en esta tercera temporada para darnos cuenta de que, en esencia, prácticamente no hemos avanzado nada.

Comenzamos con los presuntos personajes principales de la serie: Rhaenyra Targaryen y Alicent Hightower. Esta tercera temporada ha supuesto la constatación de que el duelo entre ambas ya no existe y debería haber dejado de existir hace tiempo.

Lo de Rhaenyra es incomprensible. La serie nos ha estado colocando constantemente en su posición, convirtiéndola en la heroína de esta historia. Una dignataria que no tomaba malas decisiones, sino que otros las tomaban por ella.

De repente, una vez ocupa el trono, la vemos cada vez más desbordada ante todo lo que implica gobernar (bien) para, de repente, convertirse en una líder cruel y sin escrúpulos, con decisiones sin freno como mandar a Alicent a acabar con su propio hijo. O pedir a Daemon que le haga quedar bien en Ladera para luego ordenar el asesinato del Septón Supremo.

El que Rhaenyra caiga mal no debería ser un problema; Tywin Lannister tampoco era foco de simpatía, pero se pide un poco de coherencia en el personaje. Porque es muy difícil de entender que, tras haber sucumbido a la tentación con Mysaria a final del séptimo capítulo, de repente la exilie en el siguiente. Eso sí, Rhaenyra no contaba con que Gusano Blanco permaneciera en Desembarco del Rey y seguro que la tendremos liderando una posible revuelta popular contra la reina de los Negros.

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Lo de Alicent es harina de otro costal. Porque, básicamente, es un personaje de relleno. Su importancia en la trama es nula, relegada tras sus hijos, los verdaderos enemigos de Rhaenyra. Sus idas y venidas no aportan nada y más vale que le den un final digno en lugar de seguir arrastrándola por la serie como alma en pena, ahogada en su inutilidad narrativa.

Continuamos con Daemon, uno de los pocos personajes capaces de moverse en el gris propio del mundo fantástico creado por George R.R. Martin y que, al igual que en la segunda temporada, se muestra francamente desaprovechado. La metáfora perfecta es su papel en la batalla de Ladera, que comienza montando primero a caballo y después en Caraxes para posteriormente volver a ejercer como jinete. Un buen ejemplo de cómo desaprovechar tu mayor activo en combate y un símil perfecto de lo que los creadores de la serie han hecho del personaje interpretado por Matt Smith.

Pasamos a los cuatro hijos de Alicent.

Probablemente uno de los mejor tratados haya sido Aegon, visto lo visto el verdadero enemigo de Rhaenyra desde el principio. El rey ungido por los Siete cuya subtrama ha sido lamentable de principio a fin y que solo ha resucitado cuando… bueno, cuando su dragón ha sido devuelto a la vida. Parecía que el muchacho iba a recibir una cierta cura de humildad durante su periplo con ser Larys pero un dragón es un dragón. Y, en el caso de los Targaryen, el principal argumento para su narcisismo.

Mención aparte para Aemond Targaryen, el jinete de dragón más peligroso de la serie, asesino de uno de los hijos de Rhaenyra y usurpador del trono que, tras una temporada narrativamente igual que la de Daemon en Harrenhal, se deshace como un azucarillo y se convierte en el fiel secuaz de su hermano Aegon. Lamentable cambio de registro incoherente y sin sentido, fruto de una mala construcción del carácter de un personaje.

Proseguimos con Daeron, empeñado en que las tácticas de su tío Ormund son nefastas cuando el buen hombre, aunque sea un villano de opereta, no para de acertar. Al final de la temporada está ilocalizable y veremos a ver qué le ocurre. Mucho me temo que será pasto de las llamas de los dragones de los hermanos Targaryen.

Y, finalmente, nos centramos en Haelaena, una mujer de carácter melancólico cuyo final estaba más que claro. Probablemente haya sido de los arcos argumentales más acertados.

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Eso por no hablar de subtramas tan mal tratadas como la del triángulo amoroso entre Baela, Addam y Alyn, construida solo en base a un par de escenas. O el cambio repentino de personalidad de Corlys Velaryon, de la ira por no ver a sus bastardos aceptados a ser un remanso de paz en el último episodio. O el inane papel de Dan Fogler como Consejero de la Monedad.

En definitiva, la tercera temporada de La casa del dragón nos viene a confirmar la decadencia de la serie. La primera temporada fue todo un acierto, retratando una ruptura familiar un tanto especial al referirse al clan más importante de un reino y, encima, con dragones de por medio.  Posteriormente, los guiones han estado tan mal construidos que es difícil empatizar con las pérdidas sufridas, quedarse con los distintos personajes de esta tragedia o, sencillamente, entender las decisiones de muchos de estos personajes.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

‘Lanterns’. Episodio 1 | Un noir rural/cósmico con el sello inconfundible de HBO

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Hoy se ha estrenado el primer capítulo de ‘Lanterns’ y dos cosas hay que tener claras, que estamos ante una trama criminal rural al estilo ‘True Detective’ y que ‘El Verde’ va a ser secundario (por ahora). Eso sí, este primer episodio no podría ser más prometedor.

Desde el comienzo, la sombra de la serie detectivesca de HBO se proyecta de manera indiscutible. La historia nos lleva al típico pueblo de la América profunda donde todo el mundo se conoce y nunca pasan cosas extrañas.

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‘Lanterns’ se aleja, intencionadamente, de la apariencia y el ritmo de títulos como ‘Superman’ o ‘Peacemaker’. Este episodio piloto apuesta por una narrativa más mundana en el mejor de los sentidos y, aunque la mitología de fondo sea la de los cómics, con mención a los guardianes, al sector 2814 o al origen de Hal Jordan, la trama se siente terrenal, sucia y humana.

El caso que investigan tiene sus toques espaciales que harían que un Green Lantern lo investigase; no se resuelve con constructos verdes a la primera de cambio, sino con interrogatorios en despachos mal iluminados, personajes que no son lo que muestran, secretos y un ligero toque a ‘banshee’.

Algo que ayuda a que esa atmosfera sea atractiva y que lleve al espectador a entrar en esta historia es el diseño de producción. El sello de calidad de HBO se respira en cada fotograma. La fotografía, la puesta en escena y las localizaciones transmiten esa textura rural y cruda que aleja a la serie de la estética genérica de pantalla verde.

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‘Lanterns’, como ya anunciaron, no se presenta como una aventura de superhéroes al uso, sino como un thriller policial que bebe mucho de ‘True Detective’ y donde lo alienígena es solo la chispa para contar una historia que promete.

Si el tono y la ambientación construyen el escenario, los actores son quienes hacen real y atractivo el capítulo.

El Hal Jordan de Kyle Chandler es presentado como un veterano curtido, cínico y emocionalmente desgastado. Un mentor atípico que parece tener pocas o ningunas ganas de ser el instructor de nadie. El actor sabe darle a Jordan un aura de imprudencia mezclada con aire de cascarrabias atractivo.

Por otro lado, está el John Stewart de Aaron Pierre que es el contrapunto perfecto; meticuloso, firme, con una estricta brújula moral intacta que va a chocar con el cinismo de su maestro.

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Lo mejor del episodio es, sin duda, la dinámica entre Hal y John. Hay una fricción constante cargada de tensión y humor, pero sustentada por un extraño respeto mutuo implícito. Los diálogos fluyen con naturalidad y la complicidad entre ambos actores sostiene muchas escenas.

Conclusión

Es evidente que aún es muy pronto para juzgar si la serie será redonda en su totalidad, ya que esto no es más que una primera toma de contacto y presentación de personajes. Sin embargo, las bases que sienta este piloto son muy interesantes y con mucho potencial pese a que veamos poco de lanterns en ‘Lanterns’.

La serie no solo acierta en el tono y en su pareja protagonista, sino que va planteando tramas y secundarios con muchísimo gancho, destacando especialmente figuras como la sheriff o su suegro, personajes que añaden capas de intriga local, fricción y misterio a la investigación.

Si se logra mantener este pulso de true crime cósmico y desarrollar con acierto todo lo que se insinúa en este primer capítulo, el viaje merecerá mucho la pena.

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El punto negativo es que no me ha gustado la escena de ‘2026’ que ha habido al final de capítulo.

Y para finalizar, creo que ha sido un acierto mantener el juramento de los Green Lanterns que hemos conocido y no la nueva traducción de Panini, tan rimbombante.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Lanterns’ de HBO:

Un saludo y sed felices.

El mapa de ruta definitivo de Marvel Studios. Así queda el calendario de películas tras la Comic-Con y la D23

Bienvenidos, un día más a vuestra web preferida Las cosas que nos hacen felices. Tras la resaca del finde, y con los súbditos de Kevin Feige trabajando como esclavos este verano en la San Diego Comic-Con y en el reciente D23, ya tenemos películas que anotar para los próximos años. Después de tanto rumor de pasillo, filtraciones de dudosa procedencia y bailes de fechas, ya tenemos el el mapa de ruta definitivo de Marvel Studios.

2026. El año que cierra filas y apunta al colapso

El presente curso cinematográfico de Marvel viene cargado hasta los topes. Tras el pistoletazo de salida del verano con la esperada Spider-Man: Brand New Day, la recta final del año se pone calentita de verdad con el plato gordo que todos estamos esperando.

Spider-Man: Brand New Day, la película que Marvel nos debía

Vengadores: Doomsday (18 de diciembre de 2026). El evento por excelencia del año. Con los hermanos Russo de vuelta tras las cámaras y el fichaje estelar (y rocambolesco) de Robert Downey Jr. enfundándose la máscara de Doctor Doom, esta película promete dinamitar el tablero de juego tal y como lo conocemos.

Marvel suelta un nuevo trailer en español de Vengadores Doomsday desde el D23

2027. Directos hacia las Secret Wars

Si 2026 sirve para colocar las piezas en el tablero, 2027 marca el clímax absoluto de esta etapa del multiverso antes de pulsar el ansiado botón de reseteo.

Vengadores: Secret Wars (17 de diciembre de 2027). La culminación de la Saga del Multiverso. Todo apunta a que este mastodonte cinematográfico cerrará la puerta a una era para dejar el terreno preparado a las nuevas incorporaciones comiqueras que llevan años pidiendo pista en los despachos de la compañía.

Nuevos rumores de Vengadores Secret Wars con un giro oscuro (Posibles spoilers)

2028. La llegada oficial de los Mutantes y nuevas caras

Y aquí es donde la cosa se pone verdaderamente interesante para los clasicones como nosotros. Tras cerrar las grandes tramas del multiverso, Marvel Studios abre la puerta de par en par a la nueva generación. Espero que les salga bien.

X-Men (5 de mayo de 2028). ¡Por fin! Tras el bombazo del casting anunciado en el D23 con nombres como Sadie Sink (Jean Grey) o Kit Connor (Cíclope) bajo la dirección de Jake Schreier, la Patrulla-X tendrá por fin su película oficial integrada en la continuidad principal del UCM.

¡Bombazo en el D23! Marvel revela por fin el reparto oficial de los nuevos X-Men para el cine

Ghost Rider (28 de julio de 2028). El Motorista Fantasma regresa a la gran pantalla por todo lo alto, con un fichaje tan sonado como el de Ryan Gosling para quemar rueda en verano.

La Comic-Con de San Diego arde con Ryan Gosling como Ghost Rider y el nuevo Pantera Negra que nadie vio venir

Black Panther 3 (15 de diciembre de 2028). La nación de Wakanda volverá a ocupar las fechas navideñas bajo la batuta de Ryan Coogler, centrada en la evolución de T’Challa II.

Guía de lectura de Black Panther (Pantera Negra)

¿Qué nos espera más allá? 2029 y el futuro

Aunque el horizonte más lejano empieza a dibujar fechas reservadas en el calendario para 2029 (con proyectos que los mentideros sitúan en torno a una hipotética Shang-Chi 2 o secuelas de los mutantes y los 4 Fantásticos), lo cierto es que la hoja de ruta de Marvel vuelve a tener un rumbo claro y estructurado.

Una vez superado el terremoto de las Secret Wars y con la nueva alineación de los X-Men ya bregando en las salas de cine, Marvel no piensa frenar la maquinaria. Al contrario. El estudio ya ha asegurado paradas clave en el calendario para mantener la rueda girando sin descanso.

Aunque los títulos definitivos se guardan bajo llave en las cajas fuertes de Disney, las piezas del puzzle empiezan a encajar si miramos los ciclos de producción de las franquicias más potentes de la casa.

¿Qué se esconde tras esas codiciadas fechas de mayo y julio de 2029? Las apuestas en los foros y portales especializados no paran de sumar nombres propios. Aquí tenéis las principales especulaciones que circulan ahora mismo:

¿Una nueva entrega del trepamuros?. Con todo el tinglado post-multiversal recolocándose, la maquinaria de Sony y Marvel siempre mira de reojo la posibilidad de seguir expridiendo las aventuras del amigo y vecino más famoso de Nueva York. Las fechas de verano son territorio natural para Peter Parker o Miles Morales.

Secuelas directas de la nueva era mutante. Si los X-Men se estrenan oficialmente en mayo de 2028, para 2029 la franquicia ya debería estar pidiendo una segunda parte o un spin-off enfocado en alguno de sus personajes principales (como Lobezno, Tormenta o Cíclope en solitario).

El regreso de los Thunderbolts o nuevos equipos. Tras comprobar cómo ha funcionado el sector y la respuesta del público con los antihéroes, dejar un hueco en julio para una continuación o para un proyecto colateral del estilo encajaría como un guante en la estrategia del estudio.

Sorpresas cósmicas y místicas. Con el flanco mágico y sobrenatural abierto de par en par (recordemos los experimentos con los personajes más oscuros y los universos paralelos), no se descarta que alguna de estas fechas sirva para dar la campanada con una secuela de personajes que hayan quedado huérfanos de cabecera propia tras el cierre de la saga actual.

Un saludo y sed felices.

¡Se nos ha pirado la cabeza con los videojuegos! El hate desmedido a Insomniac por Marvel’s Wolverine y la salud mental en el sector

Bienvenidos, un día más, a vuestra web de Las cosas que nos hacen felices. ¿Podemos parar un momento los pies y reflexionar sobre el rumbo que están cogido los chats/foros de los videojuegos? Justo esta tarde hemos estado hablando en el foro interno de la web sobre lo que acaba de soltar la propia gente de Insomniac Games. Y es que a uno se le quitan las ganas de entrar en redes sociales. El último sainete montado alrededor de la demostración de Marvel’s Wolverine ha vuelto a demostrar que, como fandom, a veces se nos va la olla de una manera tan absurda como peligrosa. El hate desmedido a Insomniac por Marvel’s Wolverine.

De «gráficos de PS2» a perder el norte por completo

La jugada es de traca. Los desarrolladores de Insomniac han tenido que alzar la voz y pedir públicamente un poco de cordura y freno por el bien de la salud mental de los trabajadores. ¿El motivo? La presión irrespirable y el linchamiento gratuito que se ha desatado en internet tras mostrar material del juego de Logan.

Que si el juego es «súper pasillero», que si los gráficos parecen sacados de la época de PlayStation 2, o la genialidad de que la pelea contra el jefe Centinela es una copia del videojuego de Ben 10. ¡De traca, oiga! La gente está fatal, pero mal, con un nivel de bilis que asusta.

Como bien comentaban Toni Garrido, Pedro Pérez, Carlos María o Raúl en el grupo de redacción, parece que cada puñetero lanzamiento de un juego exclusivo se convierte automáticamente en el blanco perfecto para recibir mucho más odio del que humanamente toca. Se critica por criticar, se busca el meme destructivo y se machaca el trabajo de años de cientos de personas desde la comodidad del sillón de casa.

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El elefante en la habitación. La salud mental de los desarrolladores

Nos llenamos la boca hablando de juegazos, de optimizaciones, de tramas complejas y de motores gráficos de última generación, pero luego se nos olvida que detrás de cada pantalla hay seres humanos de carne y hueso. El estrés brutal que supone estrenar un título Triple A ya es de por sí una auténtica burrada. Si a eso le sumas una comunidad de internet con la pistola cargada 24×7 dispuesta a destripar cualquier avance o demo técnica con comentarios mezquinos, el cóctel explosivo está servido.

Los directivos de Insomniac han tenido que salir a pedir piedad. Literalmente. Y debería darnos vergüenza ajena como colectivo friki que se llegue a ese punto. Una cosa es la crítica constructiva (la de toda la vida, la que se debate en la barra del bar o en los comentarios con respeto) y otra muy distinta es este acoso digital constante que convierte el desarrollo de videojuegos en un infierno laboral.

Creo que todos nso tenemos que calmar un poquito. Los videojuegos están para disfrutarlos, para evadirnos, para debatir si Lobezno (Wolverine) debe llevar la máscara clásica o si la pelea con los Centinelas mola más o menos, pero sin perder el norte. Respetemos el curro ajeno y dejemos respirar a los estudios.

Y vosotros, ¿qué opináis de esta deriva tóxica que hay montada en redes cada vez que se enseña algo nuevo?

Un saludo y sed felices.

Muere a los 36 años Hayden Panettiere, la inolvidable animadora de Héroes

Bienvenidos, un día más, a vuestra web preferida, bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy de felices tienen pocas. Hay días en los que escribir en la web se hace cuesta arriba, y lamentablemente hoy nos toca dar una de esas noticias que te dejan helado y sin ganas de bromas. Hace apenas unas horas, los principales portales norteamericanos y los representantes de la familia confirmaban la trágica noticia: Hayden Panettiere ha muerto a los 36 años.

Al menos para mí, que soy mayor que ella, puedo decir que Hayden Panettiere fue una estrella que creció ante mis ojos. Para toda una generación de seriéfilos (no se si existe esta palabra) y amantes de la fantasía y ciencia ficción, el nombre de Hayden Panettiere va indisolublemente ligado a uno de los fenómenos televisivos más grandes de los 2000. ¿Quién no se acuerda de aquel lema que recorría los foros de medio mundo? «Salva a la animadora, salva al mundo». Efectivamente, ella era Claire Bennet, la joven con la capacidad de regenerarse milagrosamente en Héroes, la serie de la NBC que nos encantaba a todos los que flipábamos con los superhéroes antes de que el UCM colonizase las carteleras.

Muere a los 36 años Hayden Panettiere

Pero su trayectoria venía de mucho antes. Desde pequeña estuvo vinculada a las pantallas, poniendo voz a la princesa Dot en Bichos, una aventura en miniatura de Pixar, pasando por películas tan recordadas como Titanes: Hicieron historia (Remember the Titans), o petándolo años después en la pequeña pantalla metiéndose en la piel de la estrella del country Juliette Barnes en la serie Nashville (lo que le valió dos nominaciones a los Globos de Oro) y dejando su sello en el cine de terror moderno participando en la franquicia Scream (tanto en la cuarta entrega como en Scream VI como Kirby Reed).

La noticia de su fallecimiento, ocurrido en un domicilio en Carolina del Sur según los primeros reportes policiales, ha caído como un jarro de agua fría en la industria. En los últimos años, la actriz había sido increíblemente valiente y transparente al hablar de sus duros enfrentamientos contra la adicción, la depresión postparto y los demonios personales derivados de haber crecido literalmente bajo los focos desde la infancia. Sin ir más lejos, este mismo año había publicado sus memorias (This Is Me: A Reckoning), donde se abría en canal sobre las luces y las sombras de su paso por la fama, un camino que también se vio ensombrecido recientemente por la dolorosa pérdida de su hermano menor Jansen.

Compañeros de profesión y amigos no han tardado en llenar las redes de mensajes de despedida, recordando su talento desbordante, su cercanía y una fragilidad que contrastaba con la fuerza brutal que desprendía frente a las cámaras. Se nos va una cara icónica de la televisión fantástica y del cine de nuestra adolescencia, una actriz a la que la vida le golpeó fuerte pero que siempre intentó levantarse.

Descansa en paz, Hayden. Siempre serás nuestra animadora favorita.

Un saludo y sed felices.