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Astiberri, premio a 25 años de apuesta por el cómic de autor.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Queremos destacar el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural 2026, otorgado a Astiberri Ediciones.

Astiberri Ediciones

Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural 2026

Hace unos días, mi querido amigo y compañero Mario Losada publicó las novedades de Astiberri Ediciones previstas para este mes de julio (AQUÍ).

Hoy queremos seguir hablando de Astiberri Ediciones por su merecido reconocimiento. La editorial ha sido reconocida con el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural 2026 por su aportación al cómic y por la ambición artística de un catálogo que el jurado considera referente en la edición independiente. El galardón subraya también su capacidad para consolidar autores nacionales y tender puentes con creadores internacionales.

El Ministerio de Cultura ha concedido a Astiberri el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural 2026, un reconocimiento que pone en valor dos décadas y media de trabajo al servicio del cómic y la novela gráfica. El jurado ha destacado la contribución de la editorial vasca a situar el cómic “a la categoría de alta literatura”, así como la ambición artística de un catálogo marcado por el sello de autor.

En su fallo, el jurado ha subrayado que Astiberri se ha convertido en un referente del panorama independiente gracias a ediciones cuidadas y a una línea editorial que aborda asuntos como la memoria histórica, el periodismo de guerra, la biografía y la crítica social. También ha valorado su papel en la consolidación de autores nacionales y en la traducción de voces internacionales relevantes.

La propia editorial ha celebrado el premio como un reconocimiento inesperado en su 25 aniversario y ha agradecido la confianza de autores, libreros, bibliotecas, distribuidoras, prensa cultural y lectores. El anuncio refuerza la idea de que el cómic ocupa ya un lugar central en la cultura editorial española.

Vamos a recomendar varios títulos de Astiberri para celebrar el premio.

1.- Bone. Integral.

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Gran novela gráfica de fantasía y aventura de Jeff Smith, protagonizada por tres primos expulsados de Boneville que acaban perdidos en un valle lleno de criaturas extrañas, humor y peligro. A partir de ahí, la historia sigue a Fone Bone y sus encuentros con Thorn, la abuela Ben, un dragón rojo y unas temibles mostrorratas, mientras se va revelando una conspiración mayor.

Es una obra muy extensa, publicada en cartoné, a color, con 1376 páginas, y esta edición de Astiberri es de 2025. También destaca por haber sido muy premiada y reconocida como una de las grandes novelas gráficas modernas.

2.- Dieter Lumpen. Integral.

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Este volumen integral reúne las aventuras de un personaje elegante y ambiguo, más cercano al aventurero clásico que al héroe convencional, y lo lleva por escenarios como Turquía, China, Venecia y el Caribe.

Es una recopilación de los cinco álbumes de la serie, publicada por primera vez en 1981 y cerrada en 1994, e incluye un prólogo de Tim Sale y un texto final de Celia Macías Castejón. La edición de Astiberri tiene 264 páginas, es en color, en formato cartoné y pertenece a la Colección CMYK.

3.- Peter Pan de Kensington.

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Adaptación de José Luis Munuera que recupera el origen menos conocido de Peter Pan a partir de El pajarito blanco de J. M. Barrie. La historia sigue a Maimie y a un Peter Pan fascinante y extraño en una aventura nocturna por los jardines de Kensington, con hadas, una reina mágica y un enigma que resolver antes del amanecer.

Es un álbum de fantasía y aventura con enfoque familiar, publicado en 2024, en color, en cartoné y con 96 páginas. Munuera le da un tono personal pero fiel al espíritu de Barrie, con su habitual estilo sensible y semirrealista.

4.- Lobo de Lluvia. Edición Integral.

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Western atípico e intimista en el que Bruce protege al indio Lobo de Lluvia, mientras varias familias quedan atrapadas en una persecución llena de tensiones, venganzas y amores cruzados. La obra mezcla los elementos clásicos del género con una mirada más humana sobre la diferencia, el diálogo entre pueblos y el papel de la mujer.

Está dibujado por Rubén Pellejero y guionizado por Jean Dufaux, y esta edición recopila la historia en 128 páginas a color, en formato cartoné.

5.- En busca del unicornio.

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Adaptación de la novela de Juan Eslava Galán que mezcla aventura, historia y humor en una expedición al África subsahariana en busca de un cuerno de unicornio que supuestamente puede salvar al reino. La trama sigue a Juan de Olid y a sus ballesteros en una misión tan disparatada como legendaria, con el trasfondo del reinado de Enrique IV de Castilla.

Es una edición en papel de 160 páginas, a color, en cartoné y publicada por Astiberri en 2019.

Y hasta aquí estas recomendaciones para celebrar el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural 2026, otorgado a Astiberri Ediciones por el Ministerio de Cultura de España.

¡Enhorabuena!

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: El Dorado (1966). Hawks repite la fórmula y le funciona

Hawks repite la fórmula y le funciona. El título nos hace una especie de spoiler sobre lo que es El Dorado. Una segunda versión de uno de los clásicos más celebrados del cine del Oeste: Río Bravo. Tiene la misma estructura, icónicos personajes casi calcados (para algo es Howard Hawks su director) y el mismo mito cinematográfico al frente: John Wayne. Al final de la crítica os dejaremos la review que le hicimos a la primera en nuestra web.

Sobre que trata El Dorado

La historia sigue a Cole Thornton (John Wayne) un pistolero profesional que llega a la ciudad de El Dorado. Rechaza la oferta de trabajo del terrateniente de la zona, Bart Jason (Edward Asner), porque sabe que aceptarla le llevaría a enfrentarse con un viejo amigo, J.P. Harrah (Robert Mitchum), sheriff de la localidad, cuya situación personal (alcoholismo) le impide desarrollar su labor como representante de la ley, por lo que Thornton decide ayudarle en su lucha contra los forajidos de Jason.

Parece la misma película, pero no lo es…

Howard Hawks realizó en 1959 una de sus grandes obras cinematográficas, Río Bravo. Existe la leyenda de que la misma fue la respuesta que Hawks y Wayne, ambos muy conservadores, dieron políticamente a Solo ante el peligro (Fred Zinnemann, 1952).

En la que nos ocupa, El Dorado, se repiten elementos de aquella: tenemos a Wayne como el pistolero que está de vuelta de todo, al sheriff cuyos problemas con las mujeres le hacen caer en el alcoholismo (en la primera Dean Martin, aquí Mitchum) y al viejo cascarrabias que funciona como personaje paternal del de Wayne (Walter Brennan en Río Bravo y aquí un más que correcto Arthur Hunnicutt), al igual que como gancho humorístico.

El personaje del joven pistolero que es hábil con las armas se repite aquí también, y mientras en la película de 1959 ese rol lo interpretó un joven cantante de country de nombre Rickie Nelson, en esta ocasión tenemos a James Caan en uno de sus primeros papeles. El terrateniente o villano de la anterior producción recayó en la figura de John Russell (Nathan Burdette) y aquí lo hace en el televisivo (serie Lou Grant) Edward Asner, como Jason.

Como nexo emotivo (y como interés romántico también), tanto en Río Bravo como en El Dorado tenemos personaje femenino importante. En la primera fue la magnífica Angie Dickinson quien cumplió ese rol, mientras que aquí es llevado a cabo por la actriz Charlene Holt.

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Sin querer compararlos, es difícil no hacerlo finalmente. Las tramas más o menos se desarrollan de la misma forma, la lucha entre el bien y el mal, los problemas derivados de relaciones personales, etc. Soy muy fan de esta El Dorado, pero como siempre digo, creo, que está situada un poco por debajo de su predecesor.

Aspectos que la hacen merecedora de nuestra atención

Uno de los elementos más destacables de El Dorado es cómo Hawks trata los códigos tradicionales del cine Western, evitando llevar tanto el interés hacia las escenas de acción o el más que evidente enfrentamiento entre el bien y el mal para hacerlo, en cambio, hacia la relación entre los personajes. Como es habitual en muchas de sus películas, Hawks trata como temas la camadería y colaboración entre estos para la consecución de un objetivo. El grupo de hombres que forman el núcleo del filme son imperfectos y, debido a ello, deben colaborar para salir airosos de sus problemas.

La química entre Wayne y Mitchum constituye el núcleo de la historia que nos cuentan aquí. El primero representa los valores de competencia y valentía aun llegado a una edad en la que muestra cansancio y vulnerabilidad. El segundo, en cambio, representa muy bien el papel de una persona también con valores, pero derrotada por sus propios demonios. Su personaje es quizás el más complejo del filme ya que oscila entre la tristeza, el humor y la dignidad. La amistad entre ambos, basada en pequeños gestos y escenas compartidas, representa la base de la historia que Hawks desarrolla.

El tercero en discordia sería James Caan que también aporta ese enfrentamiento generacional que hay entre Wayne, Mitchum y él mismo. Su personaje aporta juventud e inexperiencia, pero evitando Hawks convertirlo en un simple aprendiz; con su carisma, aporta al grupo personalidad sin romper el equilibrio narrativo.

Hawks utiliza además una puesta en escena muy simple pero efectiva, evitando los excesos visuales y centrándose en las diferentes narrativas. Cada escena parece estar construida para desarrollar la historia de manera sencilla, sabiendo centrar la atención del espectador en lo que a él le interesa, es decir las relaciones humanas.

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La esencia dramática de la película es aderezada por momentos de humor que hacen que la tensión de la historia se tome su tiempo. Un humor, por cierto, muy ligado al propio estilo del director y que ayuda a mantener un ritmo agradable.  Trata temas serios como la decadencia física, el envejecimiento o la pérdida del prestigio y la dignidad, pero claramente sin caer en la depresión. Digamos que la diferencia con Río Bravo es que esta representaba a personajes parecidos, pero en su «prime», mientras que aquí el tiempo ha pasado y la madurez lleva a la vejez.

Podemos, en resumen, destacar El Dorado como una película muy entretenida, llena de los valores típicos del género del Oeste y salpicada por grandes actuaciones de sus protagonistas, sobre todo del binomio Wayne/Mitchum.  Ello además de un humor muy reconocible en el cine de Hawks y un ritmo narrativo muy bien planeado y ejecutado por este. No la definiría como una «secuela» o segunda parte de Río Bravo, porque aun compartiendo elementos muy similares, El Dorado tiene su propia personalidad y carisma.

Os dejamos la crítica de la película Río Bravo que hicimos para nuestra web. AQUÍ

El cómic de la semana: Benito Boniato: El héroe del cómic. 1982‑1985. El regreso del anti‑héroe castizo de los Hermanos Fresno

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Benito Boniato: El héroe del cómic 1982-1985.

Benito Boniato: El héroe del cómic 1982-1985

Hay personajes que, más que protagonistas de un tebeo, parecen viejos amigos que vuelven a llamar a tu puerta. Benito Boniato es uno de ellos.

Y con este volumen, Benito Boniato: El héroe del cómic. 1982‑1985Dolmen Editorial confirma que no solo ha rescatado una serie mítica, sino también una forma muy concreta de entender el humor en viñetas.

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Si el anterior tomo, La saga de los Boniato, funcionaba como presentación y declaración de intenciones, aquí encontramos a los hermanos Carlos y Luis Fresno en plena forma, afinando el tono y explotando todo el potencial del eterno estudiante de Bachillerato más castizo de la historieta española.


Tenemos reseña de Benito Boniato: La saga de Los Boniato, pinchando AQUÍ.

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Un héroe a regañadientes … Y a la bruguerana

El volumen se abre con la última historia larga de la serie, la que da título al libro: El héroe del cómic. En ella, harto de ser un pobre diablo condenado a suspensos, broncas paternas y desdichas sentimentales, Benito decide plantarse y discutir con sus propios autores para exigir “aventuras de verdad”.

A partir de ahí, el personaje se reencarna en distintos tipos de héroe de tebeo: Western, ciencia ficción, aventuras clásicas … En una cadena de homenajes tan divertida como cariñosa hacia los géneros que todos hemos leído alguna vez.

Lo realmente interesante es que, por mucho traje que le encasqueten, Benito sigue siendo Benito. Su esencia no cambia: un chaval normal, con preocupaciones muy poco épicas, arrastrado a escenarios más grandes que él.

Los Fresno juegan ahí con una idea muy Bruguera: el héroe que nunca está a la altura del papel que le toca, pero que nos gana precisamente por esa humanidad tan a ras de suelo.

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1982‑1985: cuando la serie encuentra su sitio

Tras esa historia larga, el tomo recopila una buena cantidad de historietas cortas publicadas originalmente entre 1982 y 1985, la etapa en la que todo el universo de Benito ya está completamente asentado.

Volvemos al instituto, al piso familiar, a los amigos y a esas miserias y alegrías cotidianas que se leen hoy con una sonrisa cómplice: Exámenes imposibles, economía doméstica, amistades a prueba de suspensos y padres que intentan sobrevivir como pueden a la adolescencia de su hijo.

En estas páginas se ve a la perfección cómo los Fresno dominan el equilibrio entre gag, costumbrismo y ternura. La estructura de página es clásica, heredera directa del tebeo de humor español, pero la narrativa es clara, precisa y muy moderna en su ritmo.

Y, sobre todo, late esa sensación tan de la casa Bruguera: el mundo siempre conspira un poquito contra el protagonista … Pero la risa acaba imponiéndose.

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Humor costumbrista con perfume franco‑belga

Gráficamente, Benito Boniato sigue siendo una rara avis: un personaje claramente español dibujado con una sensibilidad muy cercana a la escuela franco‑belga. Fondos llenos de detalles, secundarios expresivos, ropa y objetos cuidados, una planificación limpia que hace que cada chiste entre solo.

No hay barroquismos gratuitos, pero sí un mimo evidente por que cada viñeta aporte información y ambiente.

Ese “sabor Bruguera” del que tanto se habla no es solo cuestión de nombres propios, sino de actitud. Páginas pensadas para llegar al gran público, para leerse rápido, pero construidas con oficio y respeto al lector.

Aquí no hay cinismo ni crueldad gratuita: Los Fresno practican un humor cariñoso con mala leche, en el que nadie sale indemne, pero todos conservan su dignidad.

Benito mete la pata, Julito es un trasto, los padres pierden la paciencia … Y en esa imperfección está precisamente la gracia.

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La edición de Dolmen Editorial que mima al lector

En el apartado de edición, Dolmen vuelve a estar a la altura del material que maneja.

Tapa dura, buen papel, reproducción cuidada del color y 232 páginas que recopilan las historietas en orden, permitiendo ver la evolución del personaje sin saltos ni remiendos.

A ello se suman los habituales extras de la casa: Material gráfico adicional y textos que contextualizan la obra y la trayectoria de los hermanos Fresno.

No estamos ante un tomo barato, pero sí ante un volumen pensado para durar en la estantería, revisitarse y, sobre todo, compartirse.

Es fácil imaginar a lectores veteranos poniéndoselo delante a hijos, sobrinos o alumnos para enseñar cómo era ese humor “de antes” que, leído hoy, sigue funcionando de forma sorprendente.


Pinchad AQUÍ para obtener más información del volumen, desde la web de Dolmen Editorial.

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Conclusión: nostalgia bien entendida

Benito Boniato: El héroe del cómic. 1982‑1985 no es simplemente una operación de nostalgia. Es la confirmación de que los Fresno crearon uno de los grandes personajes del humor español de los ochenta, capaz de soportar sin complejos la relectura décadas después.

Funciona de maravilla como lectura independiente, pero gana enteros si ya has disfrutado de La saga de los Boniato y ves cómo todo encaja en un retrato coherente de una época y una generación.

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Ya que estamos … Pinchad AQUÍ para obtener más información del tomo anterior, Benito Boniato: La saga de Los Boniato. Lo tenéis disponible en la web de Dolmen Editorial.

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Si creciste con Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape, Superlópez y compañía … En estas páginas vas a encontrar un territorio muy familiar.

Si llegas nuevo, descubrirás que el cómic popular de aquellos años tenía una personalidad arrolladora y un corazón enorme.

Benito seguirá suspendiendo, tropezando y renegando de su destino, pero a nosotros solo nos queda ponerle matrícula de honor en algo mucho más importante: hacernos pasar un rato estupendo.

Y eso, en los tiempos que corren, no es poca cosa.

Echadlo un ojo, disfrutadlo y sobnre todo …

¡Sed Felices!

Anunciar desde cero un universo completo de DC fue una pésima idea

El actual fracaso en taquilla de Supergirl pone definitivamente en evidencia un muy mal cálculo inicial de James Gunn. Aprender de ese error podría ser la única forma de salvar en cine a DC y, quizás, al género completo de superhéroes. ¿Se está aún a tiempo?

Cuando hace un par de años James Gunn anunciaba el inicio de un nuevo universo de DC, seguramente una pregunta nos restalló a muchos en la mente. ¿Qué pasaría si un solo eslabón de todo ese vasto universo fallaba? Pues el actual fracaso en taquilla de Supergirl nos hace ver que en definitiva era una pregunta válida, así como que anunciar a bocajarro un universo completo fue una verdadera tontería…

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Sorprende que, viniendo de Marvel, Gunn no fuera consciente de que no era ese el modo en que se había justamente construido el UCM. No se anunció un universo completo de la noche a la mañana, sino que las películas fueron llegando de a una y, en todo caso, se fue construyendo el mismo en la medida en que iban funcionando y quedaba abierta la posibilidad de articularlas.

No solo eso, sino que además estábamos en otros tiempos. El agotamiento que el género superheroico ha producido en el público debido a la saturación de oferta es hoy una realidad; no estamos en 2018. Y con ello no quiero decir que el género haya muerto para siempre, sino que quizás esté en espera de su próxima resurrección, pero decididamente no era momento para hacer un anuncio de esa índole ni, por supuesto, para Supergirl.

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Tanto DC como Marvel vienen en los últimos tiempos comprobando una cosa y es que, hoy por hoy, las únicas películas que les están funcionando en cine son las de Spider-Man y las de Batman, es decir las de aquellos personajes que exceden al género por estar incorporados a la cultura popular de modo prácticamente institucionalizado. Quizás también las de Deadpool, debido sobre todo a que el tono satírico y humorístico ha pegado decididamente en una franja de público juvenil que espera con ansias cada nueva entrega del antihéroe.

Pero muy poco más. Alguno me podrá objetar que a Superman (aquí nuestra crítica) no le fue mal, pero tampoco es que haya sido el éxito arrollador capaz de disparar un nuevo universo. Y no estamos hablando de que las películas estrenadas hasta el momento en la era Gunn sean buenas o malas, como tampoco discutiendo si el rumbo dado por este a la compañía es mejor que el de Snyder o viceversa. No es esa aquí la cuestión…

De lo que se trata es de que hubo una torpe decisión empresarial. Un viejo dicho reza que quien coloca todos los huevos en una sola canasta es un estúpido. Apostar todo a un universo que ni siquiera había nacido era una jugada altamente arriesgada y más aún en momentos en que el género de superhéroes estaba (y está) claramente languideciendo.

Seguramente ocurrirá que cuando dentro de poco se estrene la nueva película de Spider-Man y sea un éxito arrollador (porque lo será), volveremos a engañarnos creyendo que el mismo sigue gozando de buena salud pero será, justamente, un engaño. Ni el éxito de Spider-Man ni el de Batman son demostrativos de que los superhéroes estén gozando de buena salud, del mismo modo que las giras con entradas agotadas de AC/DC o Iron Maiden no son prueba que el rock esté hoy atravesando su mejor momento.

Me da realmente mucha pena que a Supergirl le esté yendo mal en taquilla. Por lo que quiero a DC y por lo que quiero al personaje, que ahora ha pasado a sumar dos fracasos en pantalla grande y quizás haya que esperar otras cuatro décadas para que Kara vuelva a tener otra oportunidad con película propia. Pero claramente hay momentos en que la emoción, la nostalgia o el amor por los cómics deben ceder lugar al cálculo empresarial y resulta evidente que Supergirl llegó en mal momento, del mismo modo que también lo hiciera The Flash (aquí nuestra crítica) cuando ya el público estaba algo abarrotado de multiversos.

Ahora, el futuro es un interrogante y, por supuesto, la continuidad de James Gunn. Pero más allá de que se decida o no su alejamiento, lo importante sería que tanto él, como DC, Warner e incluso Marvel se dieran cuenta que deben dejar descansar el género superheroico por algunos años. Y concentrarse en esos dos o tres personajes que antes he mencionado mientras el resto aguarda en hibernación la llegada de mejores tiempos. Si ese mensaje de la taquilla no es entendido y persisten en seguir saturando la oferta, se corre serio riesgo de matar al género para siempre. Y eso sí que sería doloroso…

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Que no ocurra. Hasta la próxima y sean felices…

¿Por qué ya no hay peliculas con héroes como Indiana Jones o Luke Skywalker?

¿Por qué ya no hay peliculas con héroes como Indiana Jones o Luke Skywalker? Durante gran parte del siglo XX, el cine estuvo dominado por héroes como Indiana Jones, Marty McFly o Luke Skywalker. Eran personajes capaces de protagonizar aventuras espectaculares, pero también de transmitir dudas, miedos y conflictos profundamente humanos. Muchos espectadores perciben que el cine contemporáneo ha sustituido este tipo de héroe por figuras más cercanas al espectáculo físico y a la acumulación de efectos visuales: personajes que corren, saltan, golpean y destruyen, pero que raramente dejan una huella emocional comparable. La cuestión es si realmente ha desaparecido el gran héroe cinematográfico o si simplemente ha cambiado la forma de construirlo.

Uno de los factores fundamentales es que los héroes clásicos estaban definidos por sus limitaciones. Indiana Jones podía ser inteligente y valiente, pero tenía miedo a las serpientes, se equivocaba y sufría derrotas. Marty McFly no era un guerrero invencible, sino un adolescente inseguro que debía aprender a confiar en sí mismo y a asumir las consecuencias de sus decisiones. Incluso Luke Skywalker, dentro de un universo de fantasía espacial, era esencialmente un joven campesino enfrentado a dudas sobre su identidad, el poder y la responsabilidad.

La vulnerabilidad convertía a estos personajes en figuras cercanas. El espectador no admiraba únicamente lo que podían hacer, sino la manera en que afrontaban sus debilidades. El héroe no era alguien superior al ser humano corriente, sino alguien que encontraba el valor para actuar a pesar de sus limitaciones. En buena parte del cine actual, especialmente en el género de superhéroes, la espectacularidad física ha desplazado parcialmente esta dimensión. Muchos protagonistas poseen habilidades extraordinarias desde el inicio y el conflicto se reduce a la escala de la destrucción o al aumento progresivo del poder del personaje.

Otro elemento importante es la presencia de temas filosóficos y existenciales en las grandes aventuras del pasado. La saga de Star Wars no era únicamente una historia sobre batallas espaciales. Su núcleo giraba alrededor del bien y el mal, la tentación del poder, la redención y la relación entre destino y libertad. La Fuerza funcionaba casi como una reflexión espiritual inspirada en tradiciones religiosas y filosóficas diversas.

De manera similar, Regreso al futuro utilizaba los viajes temporales para explorar cuestiones relacionadas con la identidad y la responsabilidad individual. Marty descubría que pequeñas decisiones podían transformar completamente la vida de una familia y comprendía hasta qué punto el presente depende de los actos del pasado. La ciencia ficción actuaba como una herramienta para plantear preguntas humanas y no únicamente como un espectáculo visual.

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Las aventuras de Indiana Jones y la ultima cruzada también escondían reflexiones sobre la familia y aceptar que el hijo ya es un adulto, ese paso fundamental y humano de todas las relaciones familiares. El arte de todas estas peliculas es que detrás de las aventuras había algo más que contarnos, algo que nos es común a todos, porque todos nos rompemos y porque todos tenemos la posibilidad de ganar pero también de perder.

Esto no significa que el cine contemporáneo carezca completamente de profundidad, pero sí que la industria ha evolucionado hacia modelos económicos diferentes. Las grandes producciones actuales deben funcionar simultáneamente en mercados muy diversos y para públicos globales. El lenguaje visual de la acción es universal y se entiende en cualquier país sin necesidad de grandes matices culturales. Una persecución o una explosión son comprensibles para cualquier espectador del mundo; un debate filosófico sobre el destino, la moral o la identidad exige más tiempo y una mayor implicación emocional.

Además, las franquicias modernas suelen construirse como universos interconectados que producen películas y series de manera continua. Esto obliga a mantener personajes disponibles durante largos periodos y dificulta cerrar sus arcos narrativos. Los héroes clásicos, en cambio, estaban diseñados para vivir transformaciones claras. Luke Skywalker completaba un viaje espiritual definido. Marty McFly aprendía una lección concreta sobre sí mismo. Incluso Indiana Jones evolucionaba emocionalmente a lo largo de sus aventuras.

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También ha cambiado la relación del público con la figura heroica. Durante décadas, el cine buscó personajes admirables a los que aspirar. En la actualidad existe una mayor fascinación por los antihéroes, los personajes moralmente ambiguos y las figuras traumatizadas o contradictorias. El espectador contemporáneo suele desconfiar de los héroes demasiado perfectos y prefiere protagonistas complejos o incluso rotos.

Sin embargo, sería injusto afirmar que el gran héroe humano y complejo ha desaparecido por completo. Personajes recientes como Paul Atreides continúan explorando cuestiones filosóficas relacionadas con el poder, el sacrificio y la identidad ( recordando siempre que  es una saga literaria de hace ya varias décadas y que ahora vivimos su remake cinematográfico tras la aventura de David Lynch y los proyectos inconclusos de Jodorowsky).

Quizá en medios alternativos al cine podemos encontrar todavía la construcción de estos personajes carismáticos, ya sea en series como Narcos que nos presenta a un Pablo Escobar siempre perseguido por un destino fatal o los protagonistas de juego de tronos que juegan constantemente en el limite de no saber si triunfaran o morirán, cargándoles de tensión y empatía. Incluso en el mundo del cómic, muy prolífico para estos personajes, encontraremos al perfecto antihéroe: el Capitán Maní de Dioses Mancos siempre empujado a elegir y a pesar con la culpa, pues ¿Qué es lo correcto? o el propio John Blacksad testigo de las inmundicias que trata de arreglar en un mundo que ya no tiene arreglo. En estos medios todavía se construyen historias sobre humanos dispuestos a hacer algo heroico cuando todo indica lo contrario.

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Diálogos filosóficos en Capitán Maní: Dioses Mancos

En conclusión, la sensación de que ya no existen héroes como Indiana Jones, Marty McFly o Luke Skywalker tiene una base real, pero no absoluta. Aquellos personajes estaban construidos alrededor de la vulnerabilidad, el crecimiento personal y las preguntas filosóficas, mientras que parte del cine comercial actual prioriza la velocidad narrativa y el impacto visual. El problema no es que los héroes modernos corran, salten o provoquen explosiones, sino que a menudo esas acciones sustituyen al conflicto humano en lugar de servir para expresarlo. Los grandes héroes del pasado no eran memorables por vencer enemigos más poderosos, sino porque sus aventuras hablaban, en el fondo, de las dudas, los miedos y las aspiraciones de cualquier ser humano.

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Novedades de Dolmen Editorial de julio de 2026. Tenemos mucho 2000 AD y nuevos packs promocionales.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. En estos días tan frescos, os queremos presentar las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de julio. Tenemos mucho 2000 AD y debemos estar atentos a los packs promocionales.

Novedades Dolmen Editorial de julio de 2026

Como siempre, vamos a seleccionar los títulos que más nos llaman la atención de las novedades de Dolmen, previstas para este mes.

1.- Albión.

Dolmen

Albión es un cómic de Alan Moore, Leah Moore, John Reppion y Shane Oakley en el que unos jóvenes intentan liberar a antiguos superhéroes británicos que fueron borrados de la historia y convertidos en ficción. La premisa juega con la idea de que personajes clásicos del cómic británico fueran reales y siguieran existiendo en secreto.

Tendremos disponible este título el próximo 30 de julio. Pinchad AQUÍ para obtener más información desde la web de Dolmen.

2.- Juez Dredd: La guerra del apocalipsis.

Dolmen

Juez Dredd: La guerra del apocalipsis cuenta cómo una Guerra de Bloques en Mega-City Uno desemboca en un gran ataque nuclear, y Dredd debe liderar la resistencia para evitar que la Tierra quede arrasada. Es una macrohistoria clásica y muy importante del personaje, con tono de ciencia ficción bélica y gran escala.

También lo tendremos disponible el próximo 30 de julio. Pinchad AQUÍ para obtener más información desde la web de Dolmen Editorial.

Y hasta aquí la selección de novedades del mes de julio de la editorial mallorquina. Justo un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todo el catálogo de publicaciones, previstas para este mes.

Echad un ojo, disfrutad, no paséis mucho frío y sobre todo …

¡Sed Felices!

Novedades Dolmen Julio 2026 by David Solis

Crítica de Normal (2026): un pueblo normal, una carnicería de caos, sangre y humor negro

En un momento en el que el cine de acción contemporáneo oscila entre la autoconciencia nostálgica y la reiteración de fórmulas industriales, Normal emerge como una anomalía tan caótica como estimulante. Un festival de hostias en el que la confusión, el desorden y la falta de estructura liberan el caos absoluto para crear una película repleta de adrenalina y diversión.  

Bajo la apariencia de un thriller criminal se esconde un festival de violencia, humor negro y giros imprevisibles que convierte el desorden narrativo en su principal virtud. Lejos de buscar una estructura convencional, la película abraza la anarquía para ofrecer una experiencia desatada, repleta de adrenalina y diversión, como si fuera el hijo bastardo de John Wick criado por los hermanos Coen. (No deberías perderte la estupenda serie Fargo)

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Normal, un pueblo que deshonra su nombre

Nos encontramos en un pueblo de Minnesota llamado Normal, donde la normalidad es todo menos cotidiana. Tras la muerte del anterior sheriff en circunstancias sospechosas, el cargo recae de forma provisional en Ulysses, un hombre pacífico que parece cualquier cosa menos el héroe que la situación necesita.

Todo cambia cuando una pareja de forasteros atraca el banco del pueblo y descubre, sin pretenderlo, el verdadero secreto de Normal. Sus habitantes están dispuestos a hacer cualquier cosa para proteger su peculiar modo de vida y ocultar los oscuros secretos que mantienen unida a la comunidad. Ulysses, que hasta ese momento solo intentaba escapar de los fantasmas de su pasado, se ve obligado a decidir entre seguir huyendo o enfrentarse a una espiral de violencia que amenaza con devorarlo.

El extraño lugar repleto de personajes sospechosos

Normal es un lugar donde la normalidad solo existe en el cartel de la entrada. Una de las pistas que nos indican que en ese lugar ocurre algo fuera de lo normal es la decoración del bar local, con filas de escopetas que, por alguna extraña razón, su dueño prefiere mantener cargadas. La comisaría, repleta de artillería, parece preparada para resistir un asedio militar, y sus habitantes parecen estar siempre al filo de la sospecha con un arma bajo la ropa.

El punto de partida de este caos es la normalidad que parece sostener la respetabilidad de un pueblo pequeño que, solo en apariencia, funciona como un entorno apacible. Ese contraste entre la aparente tranquilidad del entorno y la amenaza constante funciona como el verdadero motor de la historia. La llegada del nuevo sheriff activa el mecanismo de los tropos de un policial rudimentario para sorprender al espectador, rompiendo sus expectativas, y empuja el relato hacia un territorio cada vez más imprevisible. Ese eje policiaco se transforma en una propuesta irracional, loca e irreverente que funciona como una comedia de sketches desestructurada que implosiona en litros de sangre.

Dirigida por Ben Wheatley y protagonizada por Bob Odenkirk (que repite papel de acción como en Nadie), la película utiliza las convenciones del thriller únicamente para dinamitar sus propios cimientos mediante una combinación de humor negro, violencia seca y una lógica narrativa que se vuelve progresivamente más extravagante.

Bob Odenkirk en Normal

La odisea cinematográfica de Normal

Y me remito a la Odisea (pronto se estrena la nueva película de Nolan) porque el viaje que realiza nuestro sheriff bonachón, que no quiere meterse en problemas, lo empuja sin remedio a vivir una aventura repleta de muertes, peleas y actos desmedidos provocados por unos personajes que parecen querer, al igual que pasaba con Odiseo, que no regrese al pueblo para poder seguir teniendo su tan placentera normalidad. Como le pasaba al héroe clásico, cada obstáculo lo conduce a otro todavía más absurdo, convirtiendo su viaje en un descenso continuo hacia el caos.

A ello ayuda una fotografía que construye una tensión constante, captando el tono crepuscular de la iconografía del pequeño pueblo americano y su progresiva descomposición hacia los infiernos. Los encuadres amplios enfatizan la violencia frente a la geometría tranquila del espacio urbano. Pero esa estabilidad visual de planos abiertos que resaltan la calma se ve sistemáticamente interrumpida por irrupciones de violencia filmadas con una crudeza aséptica.

El ritmo también juega un papel fundamental. La primera parte se toma el tiempo necesario para presentar a los personajes y definir sus personalidades antes de lanzarse a una sucesión de enfrentamientos donde el número de cadáveres no deja de aumentar. Una fragmentación rítmica que rompe la lógica para terminar con un frenesí carnicero en el que la mortalidad del pueblo asciende bruscamente. El montaje aprovecha ese contraste para convertir la sorpresa inicial en una diversión cada vez más salvaje gracias a una serie de secuencias que combinan acción y comedia negra con gran eficacia.

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Lejos de buscar la fluidez clásica del thriller (si te gusta este género no te puedes perder el cómic: El Depravado), la película se organiza en torno al remolino que causa la deconstrucción de su trama, que se convierte en un festival de violencia sin complejos. Una serie de bloques narrativos que se niegan a quedarse quietos ante la cotidianidad y se superponen constantemente unos a otros en una progresión constante de golpes, muertes y sangre. Esa estructura fragmentada convierte cada escena en una nueva oportunidad para reventar cualquier sensación de estabilidad y mantener la incertidumbre hasta el desenlace.

La banda sonora funciona como un elemento más de distorsión que erosiona cualquier intento dramático. La música se transforma en un mecanismo irónico que desactiva cualquier tentación de solemnidad, adecuándose a la perfección a los esquemas tonales de su brutalidad. Incluso los traumas del protagonista quedan absorbidos por una espiral de violencia tan absurda como divertida.

Interpretaciones

Bob Odenkirk sostiene el centro inestable del relato con una interpretación que rehúye el heroísmo convencional. Su Ulysses se construye desde la pasividad reactiva más que desde el carácter impulsivo del típico protagonista policial. Sin proponérselo, termina convertido en el eje del caos generalizado y en el centro de una guerra que nunca buscó protagonizar.

Incluso cuando la violencia lo obliga a actuar, mantiene una actitud contenida, casi desconcertada, que convierte cada estallido de acción en un momento todavía más cómico. Esa pasividad inicial hace que su evolución resulte mucho más convincente cuando termina abrazando el caos que lo rodea. No intenta frenarlo; simplemente sobrevive a él.

A su alrededor, Lena Headey (quien también destaca en el cine de acción con Gunpowder Milkshake) y Henry Winkler aportan personajes cargados de ambigüedad moral que enriquecen el retrato de una comunidad donde nadie parece completamente inocente y todos esconden algún interés. Ambos refuerzan la idea de que en Normal nadie es exactamente quien aparenta ser.

En conjunto, las interpretaciones entienden perfectamente el tono de la película. Todos abrazan el exceso con absoluta naturalidad, haciendo que el disparate nunca pierda credibilidad. Gracias a ese equilibrio entre contención y desmesura, el reparto consigue que incluso los momentos más extravagantes resulten sorprendentemente verosímiles. Los diálogos aparentemente cotidianos se transforman en una fuente constante de tensión e ironía, reforzando la sensación de que cualquier conversación puede desembocar en un baño de sangre.

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Conclusión

Normal puede leerse como una variación contemporánea del cine criminal norteamericano filtrado por una sensibilidad corrosiva cercana a los hermanos Coen. Su humor negro nunca suaviza la violencia; al contrario, la prolonga y la convierte en una fuente constante de diversión y un genuino e incómodo placer culpable.

Esa apuesta estilística no está exenta de riesgos. La acumulación de giros y la discontinuidad tonal pueden resultar excesivas para parte del público y, en algunos momentos, la película roza el descontrol narrativo. Sin embargo, esa misma falta de contención constituye también su mayor atractivo.

Más que enfrentar la normalidad con el caos, Normal demuestra que ambos conceptos siempre han convivido bajo la misma superficie. Un terreno fértil para sacar lo peor de la condición humana y que nos deja una idea interesante: el caos no interrumpe la normalidad, sino que revela las infinitas posibilidades que puede tener la violencia a través de una comedia gamberra, cínica y extremadamente violenta que encuentra en el exceso caótico su principal virtud. 

 

Análisis de La casa del dragón. Temporada 3. Capítulo 2.

Dos años después de su titubeante final, volvemos a Poniente y al universo ideado por la mente maestra de George R. R. Martin. En un mundo dominado por Netflix, el fenómeno televisivo (junto a Perdidos) del siglo XXI fue la fantasía épica con dejes de telenovela familiar Juego de Tronos. Ahora es el turno de La Casa del Dragón, precuela centrada en los Targaryen.

Análisis de los capítulos de La casa del dragón.

Análisis de los capítulos de Juego de Tronos.

Análisis de los capítulos de El caballero de los siete reinos

Uno podría pensar que, tras el trepidante primer capítulo de la tercera temporada de La casa del dragón, las piezas se tendrían que resituar en posteriores capítulos de ritmo más sosegado.

Nada más lejos de la realidad, esta temporada ha arrancado como aquellas tres últimas temporadas de Juego de Tronos. Con la necesidad de contar cuanto antes todo lo que sucede en la guerra y dando una sensación de urgencia de la que carecía la fallida segunda temporada.

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El capítulo empieza como terminó el anterior, con el cuerpo de Jace flotando en el Gaznate. Los Negros han ganado la batalla, pero… ¿a qué coste?

Rhaenyra está, como es de esperar, rota de dolor y se encierra en su habitación a olvidarse de todo. Pero se ha activado el modo acelerado de La casa del dragón y, en unos minutos, ya vemos como Daemon la convence para retomar el mando y viajar a Desembarco del Rey para ocupar el trono ahora que Aemond se ha marchado a Harrenhal.

Volvemos un segundo a Daemon. Si algo se empeña en retratar La casa del dragón es la estupidez y prepotencia de los nobles sobre el pueblo llano. Es uno de los temas narrativos que vertebra la serie y, probablemente, el más acertado de todos ellos.

Tras una temporada en la que Daemon se viene abajo y fue sostenido por la bruja Alyn Rios, este se niega ni siquiera a contemplar la posibilidad de aceptar lo que ella pide: Harrenhal.

Las consecuencias de su negativa tardan poco (recordad, modo acelerado) en fructificar, ya que Aemond saquea Harrenhal él solo con su dragón y acaba herido a merced de Alyn. Sospecho que la bruja utilizará todos sus trucos para utilizarlo como arma arrojadiza contra Daemon.

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Y con esto de la “conquista” de Harrenhal por un solo hombre llegamos a una de las decisiones argumentales que más se repiten en esta La casa del dragón y en las temporadas más flojas de Juego de Tronos. En un mundo de fantasía épica presuntamente realista y en la que nadie es imprescindible… ¿Cómo es posible que Rhaenyra y Daemon se introduzcan solos en la Fortaleza Roja con sus dragones fuera y únicamente contando con la habilidad guerrera del rey consorte? A mí no me cabe en la cabeza, igual que tampoco entiendo que Aemond se adentre solo en Harrenhal con su dragón sobrevolando el castillo.

Si la pareja sobrevive es gracias al trabajo de Alicent, que se ha dedicado a tirar por tierra la defensa de la ciudad para que Rhaenyra pueda entrar y ha puesto a los Capas Doradas a favor de ella.

A diferencia de Rhaenyra y su falsa sensación de poder, queda claro que Alicent está a merced tanto de su hijo Aemond como de los miembros del Consejo Real. Y, aún así, apuesta de forma recalcitrante por la paz entre las dos. En este sentido, la actriz Olivia Cooke transmite mejor el conflicto del personaje que su homóloga de los Negros, Emma D’Arcy.

Así, mientras la familia Velaryon se reúne de nuevo, Rhaena encuentra el amparo de la maquiavélica Jeyne Arryn en el Valle y mientras Aegon y ser Larys viajan a Refugio del Grajo a por sus fieles tropas, tenemos a Rhaenyra por fin en el Trono de hierro.

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Y no hay mejor lugar para retomar el conflicto intestino de La casa del dragón: el de dos mujeres que eran amigas y que han destrozado su familia (y su reino) por un poder que, en el fondo, no ostentan realmente. Porque ambas son puras fachadas tras las que se esconden los que realmente toman las decisiones.

Rhaenyra es reina de nuevo y obtiene su autoridad de la ejecución de Otto Hightower, el verdadero arquitecto de los Verdes y padre de Alicent, que contempla con horror lo que ha hecho su rival y, supongo, se atormenta porque, en el fondo, sabe que es culpa suya.

El episodio termina con los Verdes prácticamente derrotados, aunque queda la incógnita de Aemond, que seguro regresará con fuerza, y de Daeron, que va con Ormund Hightower hacia Desembarco del Rey. Aunque parece que un ejército no será suficiente para la gran cantidad de dragones de parte de Rhaenyra.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

El caso Holst. La fórmula de Netflix para destrozarte los nervios en 6 episodios

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El género del nordic noir lleva años demostrando que nadie filma el invierno, la culpa y los secretos enterrados como los creadores escandinavos. Sin embargo, el verdadero reto para este tipo de producciones no suele estar en sorprender con su primera entrega, sino en ser capaces de mantener el listón en una continuación.

Cinco años después de que una inquietante cadena de crímenes en Copenhague dejara al público completamente conmocionado con El caso Hartung, la plataforma de streaming ha decidido rescatar su universo de suspense más icónico con el estreno de El caso Holst. Esta segunda temporada funciona como una antología independiente de seis episodios que no solo expande la madurez de sus protagonistas, sino que refina la fórmula del thriller psicológico hasta convertirlo en una de las experiencias más adictivas del año.

Alejándose de la necesidad de estirar tramas que ya habían quedado perfectamente cerradas en el pasado, esta nueva entrega apuesta por la reinvención manteniendo intacta su atmósfera lúgubre y asfixiante. La premisa vuelve a reunir a la icónica pareja de detectives formada por Naia Thulin (Danica Curcic) y Mark Hess (Mikkel Boe Følsgaard), cuyos caminos se cruzan de nuevo ante un escenario criminal completamente distinto, pero igual de perturbador.

Lo que comienza como la investigación en torno al hallazgo de una mujer desaparecida cambia rápidamente a un perverso juego del escondite orquestado por una mente meticulosa y sádica. A través de este punto de partida, la serie teje una red de tensión que atrapa al espectador desde el primer minuto sin necesidad de recurrir a los típicos chiclés comerciales que prometen sin dar nada a cambio.


Crítica de Las ovejas detectives (2026). Un meta whodunit animalista

Crítica de El agente secreto (2025), no todo es narrativa e imagen


Un nuevo tablero de juego: La evolución del misterio

El gran triunfo de esta segunda temporada radica en su inteligente cambio de mecánicas. Si la primera etapa de la serie destacaba por ese folclore macabro ligado a los entornos rurales y los fetiches estacionales, El caso Holst traslada la amenaza hacia un terreno puramente psicológico y urbano. El antagonista de esta historia no busca el misticismo, sino el control absoluto y la humillación de sus víctimas, utilizando elementos de la vida cotidiana para transformarlos en herramientas de terror.

El suspense no se dosifica a través de grandes escenas de acción, sino mediante la construcción de una paranoia constante que afecta tanto a los personajes como a quien está al otro lado de la pantalla.

El caso Holst avanza con un ritmo implacable, medido al milímetro, donde cada pista descubierta por la policía parece formar parte de un guion previamente escrito por el propio criminal. Este enfoque de ‘carrera contrarreloj’ refresca por completo la dinámica de la serie, obligando a los investigadores a abandonar los métodos tradicionales de la burocracia policial para adentrarse en la mente de un acosador que siempre parece ir un paso por delante de la ley.

La dirección de los episodios sabe cuándo dilatar el tiempo y cuándo acelerar la edición, logrando que los cincuenta minutos de cada capítulo se pasen en un suspiro.

El caso Holst

El caso Holst: la complejidad humana

Más allá de la trama de asesinatos, el verdadero corazón de la serie sigue siendo la química gris y compleja de sus dos protagonistas. Danica Curcic y Mikkel Boe Følsgaard vuelven a demostrar por qué son dos de los rostros más sólidos del panorama audiovisual europeo actual. Retomar a Thulin y Hess cinco años después de los eventos originales permitía un desarrollo de personajes fascinante, y el guion lo aprovecha con creces.

Ambos detectives regresan marcados por el desgaste profesional y las cicatrices emocionales de su pasado común, lo que añade una capa de incomodidad y magnetismo a cada una de sus interacciones en pantalla. No estamos ante los típicos héroes de acción infalibles; son seres humanos rotos, cansados y falibles que encuentran en la obsesión por resolver el caso la única forma de lidiar con sus propios demonios internos.

Las miradas, los silencios compartidos en el coche patrulla y la desconfianza mutua inicial elevan el tono dramático de la serie, haciendo que el espectador se preocupe tanto por la resolución del crimen como por la vida privada de sus protagonistas. Si eres de los no le va el romanticismo, tranquilo, porque esos momentos no son nada empalagosos ni tampoco están metidos a calzador. La relación entre ambos se desarrolla de forma natural, tanto que no te das cuenta de que está sucediendo. 

Una serie auténtica con un giro demoledor

Visualmente, El caso Holst continúa siendo un tratado de cómo la puesta en escena puede convertirse en un personaje más de la historia. La fotografía abandona los tonos ocres de la primera temporada para moverse por una paleta de colores mucho más fría, metálica y aséptica, acorde con el entorno urbano en el que se desarrolla la investigación.

Los polígonos industriales, los apartamentos solitarios de Copenhague y los bosques invernales despojados de hojas construyen un lienzo de desolación bellísimo pero profundamente hostil.

El caso Holst

El diseño de sonido merece una mención aparte en este análisis. El uso sutil pero perturbador de melodías infantiles y ruidos ambientales amplifica la sensación de que las víctimas, y los propios policías, están siendo observadas constantemente desde las sombras. Es una producción que respeta la inteligencia del espectador, que no necesita subrayar los giros de guion con música estridente y que confía plenamente en el poder de la atmósfera para generar un malestar genuino y duradero.

Todo esto contribuye a que el espectador se encuentre ‘cómodo’ disfrutando de una serie que parece tener una ruta de viaje muy clara, y por la que es fácil desplazarse. ¡Qué lejos de la realidad estábamos! Sigo sin entender la motivación que pudo llevar a su creador a meter semejante giro en El caso Holst. No quiero hacer spoiler, pero diré que ese giro te descoloca provocando sentimientos encontrados en el espectador. Tuve dudas entre si sería una buena idea seguir viéndola, o dejarla en ese momento. En serio, ¿era necesario que pasara eso?

Digamos que después de ese giro la serie pierde fuelle. El ambiente cambia, y todo se vuelve pesado, lleno de un hastío donde lo importante es resolver el caso y pasar a otra cosa. Pero no decaigas: incluso con este antes y después, El caso Holst merece la pena verse. Recuerda que es un noir, nada es de color de rosa aquí.

Conclusión: una cita obligatoria para los amantes del suspense

El caso Holst se consolida no solo como una dignísima continuación, sino como la confirmación de que estamos ante una de las mejores antologías criminales de la década actual. Consigue el difícil equilibrio de ofrecer una historia completamente nueva y accesible para aquellos que se acerquen al universo por primera vez, sin traicionar en ningún momento la esencia sombría que enamoró a los seguidores de la obra original.

Si estás buscando una serie de suspense que no te tome por tonto, que cuide el drama humano con la misma delicadeza que la intriga policial y que te mantenga teorizando hasta el último segundo del sexto episodio, este estreno es, sin duda, tu próximo visionado obligatorio. Una obra sobria, contundente y redonda que demuestra que el mejor thriller siempre se sirve frío.

Nuevo tráiler de La Odisea en español

El nuevo tráiler de La Odisea ya está en YouTube y, si alguien tenía dudas de que Christopher Nolan no iba a hacer una película enorme, ya puede ir borrándolas. Más de dos minutos de imágenes espectaculares que dejan claro que Universal no está vendiendo una película más, sino uno de los grandes acontecimientos cinematográficos del año.

Lo mejor es que el avance no cae en el error de destriparlo todo. Hay batallas, tormentas, barcos y la sensación constante de que el viaje de Odiseo va a ser tan físico como emocional. Matt Damon parece haber encontrado un personaje perfecto para sostener el peso de una historia que lleva casi tres mil años fascinando al mundo.

Y es que no hablamos de una historia cualquiera, hablamos de la Odisea de Homero. Eso si, y lo digo ya. ¿Porqué le llaman Odiseo en vez de Ulises?

Después de ver este nuevo tráiler, una cosa está bastante clara, Nolan no quiere adaptar simplemente un clásico. Quiere que salgamos del cine pensando que, casi tres mil años después, el viaje de Odiseo (Para mi será siempre Ulises) sigue siendo el mayor relato de aventuras jamás contado. Y, viendo estas imágenes, dan muchas ganas de embarcarse otra vez.

Un saludo y sed felices.

Novedades de HBO Max para julio 2026

Con las vacaciones llamando a la puerta, queremos compartir contigo las novedades de HBO Max para julio 2026. Este mes vuelve uno de los personajes más queridos de ‘The Big Bang Theory’ con el estreno de la comedia original de Max STUART NO CONSIGUE SALVAR EL UNIVERSO. También llega PRESIDENTE CURTIS, una nueva aventura del universo ‘Rick y Morty‘; y la nueva serie de Russell T. Davies TIP TOE.

Además, tras su paso por las salas de cine, llegan a la plataforma las películas LA AHORCADA y A UNA ISLA DE TI. Y no nos olvidamos de los episodios semanales de una de las series más importantes de la plataforma: La casa del dragón.

Novedades de HBO Max para julio 2026: SERIES

16 de julio

TIP TOE. Nueva serie

TIP TOE es una nueva serie dramática original de cinco episodios protagonizada por Alan Cumming y David Morrissey.  Narra la historia de Leo y Clive, vecinos en Manchester desde hace casi 15 años. Pero justo cuando la vida debería estar estabilizándose, el mundo que les rodea se vuelve cada vez más tenso.

Las palabras se convierten en armas, las opiniones se radicalizan y, poco a poco, dos vecinos se convierten en enemigos acérrimos en un tenso thriller suburbano que pone en tela de juicio todo lo que consideramos seguro. La serie está repleta de personajes vibrantes y salpicada del ingenio y humor característicos de Russell T. Davies.

24 de julio

STUART NO CONSIGUE SALVAR EL UNIVERSO. Nueva serie original

La temporada, compuesta por diez episodios, se estrena el viernes 24 de julio. Los nuevos episodios se estrenarán los viernes siguientes. La serie está protagonizada por Kevin Sussman (Stuart), Lauren Lapkus (Denise), Brian Posehn (Bert) y John Ross Bowie (Barry).

Stuart Bloom, propietario de una tienda de cómics, tiene la misión de restaurar la realidad después de romper un dispositivo construido por Sheldon y Leonard, lo que provoca accidentalmente un Armagedón multiversal. Stuart cuenta con la ayuda de su novia Denise, su amigo geólogo Bert y el físico cuántico y auténtico grano en el culo Barry Kripke.

 

Por el camino, se encuentran con versiones de otros universos de los personajes que hemos llegado a conocer y amar en ‘The Big Bang Theory’. Como sugiere el título, las cosas no salen bien.

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27 de julio

PRESIDENTE CURTIS. Nueva serie Adult Swim

Dentro de las novedades de HBO Max para julio tenemos esta serie de animación adulta ambientada en el universo de Rick y Morty; PRESIDENTE CURTIS está protagonizada por el ganador de un Emmy Keith David junto a Stephanie Beatriz y Jim Rash.

La serie sigue al presidente Andre Curtis (David) y a su excéntrico equipo mientras se enfrentan a todo tipo de crisis de las que Rick Sánchez nunca se molestaría en ocuparse, desde la diplomacia interdimensional hasta investigaciones paranormales y fenómenos inexplicables.

Novedades de HBO Max para julio 2026: DOCUMENTALES

1 de julio

BANG MY BOX: LA HISTORIA DE ROBYN BIRD. Nuevo documental original

Antes de Internet y de la omnipresencia de los influencers en las redes sociales, estaba Robin Byrd: la animada y desenfadada presentadora de televisión de acceso público de Nueva York, ataviada únicamente con su característico bikini negro de croché.

Entre 1977 y 1998, Robin creó, produjo y presentó el programa nocturno de llamadas en directo que incorporaba actuaciones y entrevistas con artistas del entretenimiento para adultos y artistas experimentales.

Cada programa terminaba con una canción y un baile subidos de tono, lo que convirtió su programa homónimo, sin complejos, en una plataforma nacional para la positividad sexual y la libertad de expresión.

A punto de cumplir 70 años, Robin se enfrenta a su lugar en la historia y a la decisión de entregar toda una vida de recuerdos a los archiveros, al tiempo que cuida con ternura de Shelly, su marido desde hace 50 años.

Con un rico material de archivo y entrevistas íntimas, la película reflexiona sobre la carrera de Robin y recorre su vida actual en la ciudad de Nueva York, así como en Fire Island, donde ha sido una residente muy querida por décadas.

Novedades de HBO Max para julio 2026:  PELíCULAS

1 de julio

Ha nacido una estrella

2 de julio

Dunquerque

Tenet

5 de julio

Un profeta

Emilia Pérez

9 de julio

A UNA ISLA DE TI 

Harry es un chef algo estirado al que le acaban de romper el corazón en el altar, por lo que se deja convencer por su mejor amiga para pasar unas vacaciones en su tierra natal, Gran Canaria. Allí, Harry se enamora de la isla, de su gente, de sus playas y de su comida… pero lo que no esperaba era enamorarse del padre de su mejor amiga.

11 de julio

Furia de titanes

Ira de titanes

Troya

12 de julio

Secretos de un escándalo

16 de julio

No te preocupes, querida

19 de julio

Oh, Canadá

23 de julio

LA AHORCADA

Una cantautora se suicida en el jardín de su amante después de ser abandonada por este. Pero su fantasma se queda en la mansión. Sus ansias de venganza desencadenarán una espiral de locura, horror y muerte que convertirá la vida de la familia en un infierno. Solo la pequeña Patti, médium espiritista, entenderá la naturaleza del Mal al que se enfrentan…


Hasta aquí el anticipo de novedades de HBO Max para julio 2026. Espero que hayas encontrado algo que añadir a tu lista para ver este verano mientras descansas en la playa o en la piscina. Aquí nos quedamos de guardia para traerte todas la novedades del mundo del streaming.

Saludos, y sed felices.

Series y Películas que se estrenan en Disney+ en Julio 2026

Llegan este mes a Disney+ El Diablo viste de Prada 2, la segunda temporada de X-Men ’97, la comedia española Olivia y la quinta entrega de Los Descendientes.

Hola otra vez. Comienza un nuevo mes y aquí estamos para compartir las novedades de Disney+ de julio. Lamentablemente, debemos decir que a la fecha Disney no nos ha hecho llegar el listado oficial correspondiente ni lo ha publicado, lo cual nos deja más que huérfanos. Por respeto a ustedes, sin embargo, hemos investigado por nuestra cuenta y cumplimos al menos en informar las principales novedades de la plataforma para este mes. Desde ya que es muy poco, pero no hemos tenido acceso a más y queríamos cumplir, aunque se nos hace cada vez más difícil.

Entre las series, los amantes de Marvel y especialmente de los más famosos mutantes de la ficción, están de parabienes porque arriba la segunda temporada de X-Men’97, la cual encuentra al equipo dividido luego de detener la caída del Asteroide M y esa es la razón por la que la trama se desarrolla en dos líneas temporales diferentes, una en el futuro postapocalíptico y otra en el Antiguo Egipto.

Si han visto la primera temporada de esta serie animada, pero no tienen del todo presente qué sucedió, les dejo aquí el análisis en nuestra web a cargo de mi compañero Pedro. La segunda consta de nueve episodios, de los cuales los tres primeros llegan de un solo tirón el 1 de julio y el resto lo seguirán haciendo luego semanalmente.

 

Siguiendo con las series, Disney+ sigue apostando por la ficción española y lo bien que hace. Olivia es una comedia familiar en torno a la historia de Mario Rey (Pablo Chiapella), quien es el meterólogo más famoso del país, pero un error de su parte y la consecuente tormenta mediática alrededor le obligan a huir del foco de la opinión pública y refugiarse junto a su hija Olivia (María Schiwinning) en un olival de Jaén perteneciente a su padre.

Ello hace tomar a Olivia conocimiento de que su abuelo vive cuando lo daba por muerto, así como también de la mala relación que este sostiene con Mario, pues hace ya tres décadas que padre e hijo no se hablan y, sin embargo, necesitan hacer causa común ante el panorama que se cierne sobre la familia. La serie está creada por Flipy (Campamento Flipy, Olmos y Robles) y llega a la plataforma con sus seis episodios desde el 1 de julio.

 

Entre las películas, y tras su paso con gran éxito por los cines, llega El Diablo viste de Prada 2 que, desde luego, es secuela de la ya icónica de veinte años atrás y que, además de tener nuevamente a David Frankel en la dirección, vuelve a contar con las actuaciones principales de Anne Hathaway y Meryl Streep dando una vez más vida respectivamente a Andrea Sachs y Miranda Pristley. Otros del elenco original que repiten personaje son Emily Blunt y Stanley Tucci, en tanto que se incorporan Lucy Liu y Kenneth Branagh.

La película original de 2006 se volvió icónica de la comedia ejecutiva y del cine vinculado al mundo de la moda y, si así lo desean, les invito a leer el retro-análisis que hiciera este servidor con motivo de cumplirse veinte años del estreno de la misma.

 

Siguiendo con las películas, pasamos a un estreno absoluto, como lo es Los Descendientes: Viaje al Mundo Oscuro, musical adolescente que es secuela directa de The Rise of Red (2024), además de quinta entrega de la franquicia Los Descendientes que, recordemos, se ambienta en un universo en el cual se unen las narrativas de las películas clásicas animadas de Disney.

En esta oportunidad, se exploran las consecuencias de los viajes en el tiempo que han alterado el mismo en lo que tiene que ver con las vidas de Caperucita Roja y Chloe Charming, respectivamente hijas de La Reina de Corazones y Cenicienta, así como en la irrupción de un villano muy especial, como lo es el Sombrerero.

Kimmy Gatewood debuta como directora en la franquicia y los papeles principales vuelven a ser interpretados por Kylie Cantrall y Malia Baker, mientras que la canción Perfect Princess , que encabeza la banda sonora, ya ha sido lanzada en mayo a modo de adelanto; aquí pueden oírla y ver el videoclip.

Estreno el 16 de julio.

 

Entre las documentales, Pompeya: Antes del Desastre es una docuserie de tres episodios producida por National Geographic y conducida por Tom Hiddleston. A partir de la más reciente evidencia arqueológica, la misma busca, alternando investigación con dramatización, recrear cómo fueron los últimos días de la ciudad de Pompeya antes de la devastadora erupción del Vesubio en 79 d.C., así como rastrear qué tanta influencia pudieron haber tenido algunas decisiones individuales.

Estreno el 23 de julio.

 

Y eso es todo. Quisiéramos, desde ya, poder brindarles más, pero es lo que hemos podido recabar ante la falta de información y espero, al menos, que hayan encontrado algo de su gusto e interés. Nos encontramos el próximo mes para comentar los estrenos de agosto, aunque para esta altura depende de Disney…

Hasta entonces y sean felices…

Estrenos de Prime Video en julio 2026: qué ver este mes

El verano ya está aquí, y empezamos el mes de julio haciendo un repaso por los estrenos de Prime Video en julio 2026: desde el esperado regreso al universo de Una rubia muy legal con la precuela Elle, hasta thrillers intensos como El Guardián: Último refugio. Si buscas qué añadir a tu lista de pendientes, aquí tienes todas las novedades que llegan a la plataforma este mes

De entre los estrenos de Prime Video en julio 2026 tenemos que hablar de la primera temporada de Elle sigue a Elle Woods (Lexi Minetree) antes de que se sintiera como un ‘pez fuera del agua’ en Harvard. La conocemos en 1995, en pleno instituto, desenvolviéndose en un entorno lleno de altibajos, donde lidia con amistades complicadas, romances prohibidos y decisiones de moda bastante cuestionables. A lo largo de todo este proceso, Elle encuentra en su familia su principal apoyo y refuerza aún más el vínculo con su madre, demostrando que pueden superar cualquier cosa que la vida les depare siempre que se tengan la una a la otra. Con cada reto al que se enfrenta, Elle se acerca más a la Elle Woods que todos conocemos y amamos.

Seguimos con la serie de ocho episodios Cómplices hasta el final que sigue Debbie Claybourne (Octavia Spencer) y Judith Burton (Hannah Waddingham), una amigas desde siempre que piensan que lo saben todo la una de la otra, excepto que Judith resulta ser una asesina internacional. Cuando resurge una persona misteriosa del pasado de Judith y un encargo va muy mal, sus mundos dan un vuelco cuando se ven forzadas a huir juntas. Se trata de una carrera contrarreloj y un viaje de carretera por Europa con las fuerzas del orden, asesinos de élite y algunos criminales muy peligrosos pisándoles los talones.

Y más estrenos de Prime Video en julio 2026: el 10 de julio nos llega el estreno de Boulevard: Hasley (Eve Ryan), una chica con una lista de sueños sin cumplir, y Luke, un chico complejo y vulnerable marcado por un pasado trágico, encuentran en el boulevard un refugio donde descubrir si el amor puede vencerlo todo.

Y para los amantes de las historias tensas llenas de drama y peligro, Prime Video nos propone En la boca del Diablo. La aventura de un grupo de amigos de la universidad en Tailandia se vuelve mortal cuando quedan atrapados en cuevas sumergidas con un peligroso depredador. A medida que se agota el oxígeno, los conflictos del pasado emergen en su desesperada lucha por la supervivencia.

Por último, destacamos entre los estrenos de Prime Video en julio 2026 la NBA Summer League 2026 Las Vegas. Un total de 38 partidos que se celebrarán del 9 al 19 de julio. Te dejo por aquí la programación de los partidos: NBA en Prime (España) – Schedule

Estrenos de Prime Video en julio 2026


El libro negro de las Horas (Prime Video, 2026) Atrapada en un guion demasiado rígido

Crítica de La maldición de Widow’s Bay


Estrenos de Prime Video en julio 2026

1 de julio del 2026

  • Elle. Serie precuela de Una rubia muy legal.
  • Hotel Transilvania 2. Película.
  • Gran Turismo. Película.
  • Dune. Película.
  • Memorias de una Geisha. Película.

3 de julio del 2026

7 de julio del 2026

  • El club de los milagros. Película.
  • The Ghost in the Shell. Serie.

8 de julio del 2026

  • From Old Country Bumpkin to Master Swordsman T2

estrenos de Prime Video en julio 2026

10 de julio del 2026

  • Atrapando a un monstruo. Serie.
  • Boulevard. Película.
  • La feria. Serie.

15 de julio del 2026

  • Cómplices hasta el final. Serie.

17 de julio del 2026

  • Coka Chicas. Película.
  • The surfer. Película.

29 de julio del 2026

  • La boca del diablo. Película

31 de julio del 2026

  • Batman: El cruzado enmascarado T2.
  • Evolution. Película.
  • El homenaje. Serie.

Espero que entre los estrenos de Prime Video en julio 2026, hayas encontrado algo que te ayude a pasar el calor de forma más leve. Os deseo un feliz verano de campo, playa, piscina o sofá.

Saludos, y sed felices.

Dragones y Mazmorras: Héroes de las tierras fronterizas. Región de la espesura

Buenas a todos los amantes del rol,

No hace demasiado que nos llegó la última caja de inicio de Dragones y Mazmorras, y esto siempre es algo que celebrar. Si has logrado tenerla entre tus manos, habrás notado que tiene un peso considerable; y es que no han ahorrado en material para que puedas preparar tus partidas.

Mi intención principal no es reseñar o comentar todo lo incluido en la caja. Para ello ya hay multitud de webs que puedes buscar. Mi propósito es acompañarte a dirigir la aventura La Espesura, una de las tres historias introductorias que incluye la caja. Si os gusta este artículo, en el futuro podría escribir sobre las otras dos restantes.

Contenido de Dragones y Mazmorras: Héroes de las tierras fronterizas.

Como os decía, no voy a entrar demasiado en profundidad, pero es obligatorio que me detenga para comentar la gran cantidad de material que encontramos en esta caja de inicio. Tenemos fichas de personajes, enemigos, PNJs y una gran cantidad de mapas a color. Nada de esto es obligatorio para jugar a rol, pero la verdad es que ayuda bastante, sobre todo si son tus primeras partidas. Al ser una caja de inicio, este cometido de «iniciarte» lo cumple con creces. Además, trae dados y un libro de reglas. Estas reglas no están simplificadas ni mutiladas como suele ser habitual en estas cajas de inicio, lo cual es fantástico: hace que el salto hacia el Manual del Jugador no sea tan alto y tengas la certeza de disfrutar del juego completo.

Tengo que aplaudir las fichas de las clases que incluye, ya que vienen sin especie ni trasfondos predefinidos, a diferencia de otras cajas del pasado. Esto es fantástico, ya que permite crear personajes diferentes y al gusto del jugador. Además, si varios jugadores quieren repetir clase, o si vais a ser más de cuatro en la mesa, basta con imprimir las fichas y crear diferentes opciones para contentar a todos.

¡Atención! A continuación describiré la aventura de La Espesura destripando su contenido. Si piensas jugarla como jugador, no te recomiendo seguir leyendo. Este texto está es para Directores de Juego (DM) que tengan intención de dirigirla.

Hay que insistir en que estas aventuras son iniciales, por lo que no esperes historias complejas ni épicas. Sin embargo, siempre puedes modificarlas o añadirlas a tu gusto. Podrías tomártelas como «semillas de aventura». Tendrás bastante trabajo si quieres unir las tres tramas en una sola campaña, pero no es algo a lo que Dragones y Mazmorras no nos tenga ya acostumbrados. Te recomiendo que juegues cada aventura si buscas alguna para 1 a 3 sesiones. Eso sí, si incluimos las 3 aventuras tenemos para bastantes sesiones.

En cuanto al progreso, está diseñado para que todo el grupo suba un nivel al completar un encuentro en cada una de las cuatro regiones. Esta progresión ocurre una sola vez; si ya son nivel 3, no volverán a subir. Al ser tres aventuras, el juego está limitado a dicho nivel. Esto tampoco hay que tomárselo como un límite estricto: si buscas ampliar la historia, puedes adaptar los encuentros para niveles mayores, aunque ten en cuenta que el material de la caja se te quedará corto.

La Espesura

Esta aventura nos lleva a las zonas silvestres de las Tierras Fronterizas, donde habitan multitud de peligros y animales voraces. Las tres aventuras están hechas para jugarse con total libertad, pero, salvo que tengas otra idea en mente, diría que La Espesura es la más fácil de conectar con el resto. Además, jugar en un entorno abierto ayuda a los jugadores primerizos a familiarizarse con las pruebas de habilidad de manera ágil. Para los DM novatos, también es una buena oportunidad para empezar a usar tablas de encuentros aleatorios y familiarizarse con las mecánicas del juego.

Una vez desplegado el fantástico mapa, puedes preguntar a los jugadores dónde quieren estar y hacia dónde quieren dirigirse. Si han desarrollado el trasfondo de sus personajes, es posible que tengan un objetivo claro; si no lo tienen, puedes explicarles las diferentes regiones. Yo recomiendo empezar por el Sendero, pero si los jugadores no son principiantes, siempre es más interesante que decidan ellos mismos.

Mapa caja inicio tierras fronterizas

Región 1: El Sendero

Este camino se ubica hacia el oeste rumbo a la Fortaleza de la Frontera, y hacia el este conecta con las cuevas. Entre los encuentros indicados, puedes empezar por el clásico carro saqueado en el camino para plantar la semilla de los bandidos con los que se toparán después. Registrar zonas en DnD es un clásico: te ayudará a diferenciar las tiradas de Inteligencia (Investigación) y Sabiduría (Percepción), a dar pistas para el futuro e incluso darles algún objeto interesante.

Si mi memoria no me falla, en la caja de inicio de La mina de Phandelver también comenzábamos con un carro, aunque algo más mortal.

Una vez dejemos el dichoso carro atrás tenemos el encuentro con la simpática viajera humana Mallyn, una buena oportunidad para ayudar a los jugadores a interpretar sus respectivos personajes. Puedes utilizar una tirada de Carisma para narrar alguna aventura épica que el PNJ haya tenido en el pasado (o inventártela con la tirada de engaño). Siempre es divertido encontrar un personaje con el que puedan hablar sin sacar las armas, así que dales un tiempo considerable.

Mallyn dnd Heroes tierras fronterizas

El siguiente encuentro es con el posadero enano Haldryck, y a mi parecer es algo menos interesante. Yo propondría a los jugadores que intenten cazar algún alce u otra presa por el camino. Si son principantes, les ayudará a practicar las tiradas de ataque en un entorno seguro (salvo que quieras incluir a un alce enfurecido defendiendo a su cría). Como Haldryck es posadero, puede ser interesante conectarlo con la aventura de la Fortaleza para dar más lógica a la historia y que los jugadores vean las consecuencias de sus actos.

Al final de esta región llega el encuentro que hemos estado preparando: el ladrón Pral y sus bandidos. Algún jugador podría reconocerlo por los carteles de «Se busca» con una tirada de inteligencia. Si tus jugadores son primerizos, recuérdales que no todos los encuentros deben terminar en combate y que a veces es mejor retirarse. Seguramente luchen igual, pero al menos les hará pensar. Al ser un encuentro inicial, equilíbralo al máximo; la mortalidad en nivel 1 es muy alta. Dale tiempo al grupo para pensar opciones alternativas: engañarlos, persuadirlos, intimidarlos o pagar lo que te piden. Ten en cuenta que Pral original es un ladrón, no un asesino. Si reduce a los personajes a 0 Puntos de Golpe, simplemente les robará el dinero y estos despertarán al cabo de una hora.

Región 2: El Bosque

Otro clásico del género. Este bosque se encuentra al norte de la fortaleza y es famoso por sus robustos robles, grandes setas y fuentes de magia primigenia.

Al poco de caminar, se encontrarán con una cabaña habitada por Xanthe, una elfa ermitaña. El manual no da mucha profundidad a este personaje, así que te recomiendo que te enfoques en el rol y aproveches para que les explique qué peligros esconde el bosque, siempre que los jugadores no se muestren hostiles. Puedes enlazar a Xanthe con los siguientes eventos: tal vez ha sido hostigada por los duendes que habitan el bosque y les pide el favor de que los convenzan para detener sus fechorías.

El encuentro original con los duendes entrenando no me convence; me parece soso para unas criaturas que son tan divertidas de interpretar. Te recomiendo cambiarlo: haz que los duendes se dediquen a gastar bromas pesadas a los viajeros (asustarlos, esconderles objetos preciados). No tienen por qué ser villanos. Pueden aparecer mientras los personajes descansan para atarles los cordones, pintarles la cara o colgarles el equipo en una rama alta.

Si los jugadores se ganan la simpatía de los duendes o de Xanthe, podrían descubrir la ubicación del Manantial Sagrado (revelando que las bromas de los duendes eran para protegerlo). Si lo encuentran, te sugiero darles algo más que los simples 5 puntos de curación del manual; por ejemplo, 1d4 Puntos de Golpe temporales si ya tienen la vida al completo. Incluso puedes otorgar efectos personalizados: el estado inventado Feliz (+1 a todas las tiradas durante 1 hora) o un nivel de agotamiento si su comportamiento en el lugar sagrado no es adecuado o anteriormente se han enemistado con los duendes. Si algún personaje busca respuestas sobre su historia personal, sus aguas podrían reflejar una pista. Algo así como el espejo de Galadriel.

Esta región finaliza con un ritual de sectarios. Como de costumbre, el manual se queda corto. Te recomiendo que vayas más allá narrando los efectos ambientales: el cielo se vuelve gris, los pájaros huyen en bandada y el ambiente se vuelve gélido son algunos ejemplos. Para hacerlo más memorable, puedes añadir un cadáver que se levanta como zombi al culminar el ritual. Un zombi siempre está bien.

Región 3: El Cenagal

Viajamos a un humedal peligroso, lleno de fango denso y aguas estancadas. Me encantan estas ubicaciones porque son misteriosas y permiten usar monstruos muy temáticos. Cuando se adentren en él, narra la atmósfera: el olor a podrido, el zumbido molesto de los mosquitos y el croar de las ranas. Por otro lado, el fango podría actuar como terreno difícil.

Como primer encuentro tenemos a las estirges, todo un clásico. Yo les daría la oportunidad de evitarlas mostrándoles el «cebo»: a lo lejos se distingue el cadáver de un animal (o de un explorador que estaban buscando) cubierto de estas criaturas dándose un festín con él. Si deciden registrar el cuerpo del explorador, pueden encontrar una carta que esconda algún secreto que enlace con la historia.

El siguiente punto es el campamento del espía. La opción original del manual (donde un jugador controla al espía) puede dificultar el juego. En su lugar, te propongo enfocarlo desde la urgencia: el pícaro está gravemente envenenado en su cabaña. Necesita atención médica urgente (una tirada de Medicina o magia curativa del clérigo). Si lo salvan, a cambio les revelará la ubicación de un tesoro o les entregará un mapa con la ubicación de un tesoro de un cenagal, que podría pertenecer a los hombres lagartos. Si no pueden curarlo, puede susurrarles que necesita un antídoto que se elabora con las glándulas de los hombres lagarto de la zona, lo que genera un gancho natural para el siguiente encuentro.

Dnd La espesura

La región termina con el combate contra los hombres lagarto. Ten mucho cuidado con estos: son enemigos serios para personajes de  nivel 1. Te recomiendo poner un máximo de dos si el grupo es de cuatro jugadores. Si son más o tienen experiencia, puedes jugar con la táctica: los hombres lagarto conocen su hábitat perfectamente, por lo que utilizarán el agua y la vegetación para ser invisibles y realizar emboscadas, enseñando a los jugadores cómo jugar con el entorno en el combate.

Región 4: El Soto de Alerces

Al cruzar el cenagal, llegamos a una zona de montaña baja cubierto por un soto de alerces. Aquí el primer encuentro es un enemigo que no debemos infravalorar: el fuego. Cuidado con ese daño de 2d6, ya que puede desvivir fácilmente a un personaje de nivel 1. No abuses de los jugadores; morir en un incendio es frustrante para un jugador principiante -e incluso para uno experimentado-. Utilízalo mejor como un elemento de tensión para dividir al grupo u obligarles a tomar decisiones rápidas bajo presión.

La persecución del fuego los llevará hacia una zona cubierta de telarañas. Si un jugador se separó del grupo durante el incendio, podría quedar atrapado aquí tras fallar una tirada de salvación de Destreza, obligando al resto a adentrarse en el nido para rescatarlo. Para ayudar a la exploración, puedes poner sobre el mapa cuerpos atrapados en las telarañas, uno de los cuales brilla con un objeto valioso para captar . Si los jugadores son ingeniosos y usan el fuego del encuentro anterior para quemar las telarañas sin mayores problemas, se merecen un dado de Inspiración.

Al salir de las arañas, los ruidos los conducirán ante una patrulla de hobgoblins. El libro conecta este encuentro con las Cuevas del Caos, lo cual es un correcto cierre para la aventura. Dale un motivo de peso al grupo para investigar las cuevas: si buscan hacer el bien, los hobgoblins podrían custodiar a un prisionero importante de la Fortaleza; si buscan oro, los personajes pueden escuchar un rumor sobre el tesoro que guardan los osgos allí dentro. Si el combate es inevitable, divide a los hobgoblins entre atacantes cuerpo a cuerpo y a distancia para mostrarles cómo juegan tácticamente un grupo usando coberturas y demás.

El último encuentro de la región, los piñones, es bastante flojo en el manual, prácticamente una broma. Una idea es moverlo para ubicarlo antes del encuentro de lo hobgoblins o darle efectos mágicos directos a los piñones. Si tus jugadores terminan la sesión y no saben qué hacer a continuación, utiliza los encuentros aleatorios para guiarlos: haz que una cría de dragón rojo sobrevuele la zona en dirección a las Cuevas del Caos, o introduce un PNJ moribundo que les encomiende la misión antes de expirar.

Conclusión

La Espesura es un escenario de inicio correcta que cumple muy bien la función de enseñar los conceptos básicos del juego y presentar a algunos de los monstruos más icónicos de la franquicia. Sin embargo, si ya tienes algo de experiencia como DM, notarás enseguida que los encuentros son monotemáticas y requieren ese toque extra de preparación por nuestra parte para brillar y conectar.

Sin duda, el uso del material que contiene la caja es la gran excusa para jugar estas partidas y si buscas jugar esta caja de inicio solo por sus aventuras, no te recomiendo su compra.

Si os ha gustado este análisis, no olvidéis dejármelo en los comentarios. Decidme si os gustaría que prepare las guías para las dos aventuras restantes de la caja: Las Cuevas del Caos y La Fortaleza de la Frontera.