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Vuelve la Tierra Media. ¿Bendición cinéfila o secuela innecesaria tras el trauma de El Hobbit?

Sí, el título no está equivocado, Vuelve la Tierra Media. Warner Bros. Pictures y el núcleo duro de aquella magistral trilogía original (con el bueno de Peter Jackson a la cabeza de la producción junto a Fran Walsh y Philippa Boyens) llevan meses moviendo los hilos para traernos de vuelta a la gran pantalla las nuevas películas de El Señor de los Anillos, una de las mejores trilogías de la historia del cine.

La primera piedra de esta nueva etapa será The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum (La caza de Gollum, con el propio Andy Serkis dirigiendo y volviendo a enfundarse el traje de captura de movimiento para interpretar a Sméagol), cuyo estreno está fijado para diciembre de 2027. Y ojo, que no viene sola, ya se ha confirmado que hay más proyectos en marcha, como esa otra película provisionalmente titulada The Lord of the Rings: Shadow of the Past, guionizada entre otros por la propia Boyens y el mismísimo Stephen Colbert. Y esta película sería una continuación de El Señor de los Anillos.

¿Fidelidad a Tolkien o desastre tipo El Hobbit?

Ante semejante percal, en la redacción de Las cosas que nos hacen felices se nos mezclan los sentimientos de forma peligrosamente schrödingeriana. Jajaja. Por un lado, tenemos la trilogía original de El Señor de los Anillos encumbrada con justicia en el olimpo de las mejores adaptaciones cinematográficas de la historia del cine (por no decir directamente la número uno). Aquello fue una maravilla, una comunión irrepetible, un respeto casi absoluto al material original de J.R.R. Tolkien, artesanía pura de maquetas, dirección sobresaliente y un mimo milimétrico. Si, se que no sale Tom Bombadil, ¿y qué?

Pero claro, la procesión va por dentro, y el pánico está más que justificado cuando recordamos lo que pasó años después con El Hobbit. Aquella infortunada trilogía estirada artificialmente como el chicle de un paquete de caramelos Vidal, convertida en un parque de atracciones digital saturado de efectos de ordenador, secuencias circenses absurdas y una falta de respeto alarmante al espíritu de los libros, dejó a más de un purista con un trauma cinematográfico difícil de curar. ¿Van a volver a tropezar con la misma piedra corporativa o han aprendido la lección?

Vuelve la Tierra Media

Con los libros en la mano y el canon por bandera

La clave para que esto no termine en catástrofe reside única y exclusivamente en el respeto a los textos. La caza de Gollum y los recovecos temporales que se sitúan entre los sucesos de El Hobbit y el arranque de La Comunidad del Anillo cuentan con suficientes notas, apéndices y documentación oficial escrita por el propio Tolkien como para edificar una historia sólida, adulta y con enjundia dramática.

De hecho, saber que el proyecto recupera a tótems veteranos como Sir Ian McKellen (Gandalf) o Elijah Wood (Frodo), junto a fichajes de peso como Jamie Dornan metiéndose en la piel de un joven Aragorn, demuestra al menos que no estamos ante un reboot descerebrado, sino ante una expansión legítima supervisada por los arquitectos originales de la Tierra Media.

Metiéndonos de lleno en lo que se sabe de The Lord of the Rings: Shadow of the Past, el proyecto aborda una parcela muy concreta de la obra de Tolkien. La película se va a basar directamente en los textos canónicos de La Comunidad del Anillo, centrándose específicamente en esos capítulos iniciales (el tramo que va desde la salida de Bolsón Cerrado hasta la llegada a Bree) que Peter Jackson tuvo que recortar, resumir o dejar fuera en su día por cuestiones de ritmo cinematográfico.

La historia utilizará una estructura de marco temporal situada unos catorce años después de que Frodo pusiera rumbo a las Tierras Imperecederas. En esta línea, Sam, Merry y Pippin emprenden un viaje para rememorar aquellos días, mientras la hija de Sam, Elanor, descubre un misterio oculto.

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Por tanto, sí se adapta estrictamente a los escritos de Tolkien, rescatando pasajes literarios tan icónicos como el encuentro con los Elfos liderados por Gildor o el terrorífico paso por el Bosque Viejo y los Túmulos, tramos que se quedaron fuera de los cines y que ahora cobrarán vida propia en la gran pantalla.

Vuelve la Tierra Media. ¿Tenéis el corazón dividido ante este regreso a la Tierra Media o confiáis en que Peter Jackson y Andy Serkis recuperen la dignidad de la mejor trilogía fantástica de todos los tiempos?

Un saludo y sed felices.

200 millones de dólares para Elden Ring o la gigantesca y arriesgada apuesta de A24 para llevar este videojuego al cine

La industria del cine está cambiando a un ritmo endiablado y las adaptaciones de videojuegos han pasado de ser el apestado de Hollywood a convertirse en los nuevos reyes de la taquilla. Recordad Resident Evil. Hay un titular vía Wall Street Journal que deja tiritando a cualquiera que sepa un mínimo de cómo funciona el negocio. A24 va a gastarse casi 200 millones de dólares en la película de Elden Ring.

Una cifra mareante, colosal y que supone una apuesta a todo o nada para una productora que, hasta hace bien poco, era conocida por hacer cine independiente de bajo presupuesto y alto empaque artístico. Como la película sea un fracaso manda a la productora a la bancarota.

Alex Garland, formato IMAX y el presupuesto de un superventas

Para situarnos en contexto y entender la magnitud de todo esto, hasta la fecha la película más cara de la historia de A24 era Civil War, que rondaba los 50 millones de billetes verdes o lechugas. Multiplicar esa cifra por cuatro implica meterse de lleno en la liga de Marvel Studios, Disney o Warner Bros, pero con una diferencia sustancial, ya que aquí no hay una red de seguridad ni un conglomerado multinacional gigante detrás para amortiguar un posible golpe.

Al frente del barco está nada menos que Alex Garland (Ex Machina o Aniquilación) escribiendo y dirigiendo esta locura. Además, la película se está rodando directamente con cámaras IMAX para su estreno fijado en marzo de 2028, lo que garantiza que visualmente nos van a reventar las pupilas.

Ex Machina, la obra maestra atemporal de Alex Garland

En el reparto ya están confirmados nombres de la talla de Cailee Spaeny, Nick Offerman o Kit Connor, entre otros. Todo para intentar trasladar a la gran pantalla el universo místico, oscuro y despiadado creado por Hidetaka Miyazaki y George R.R. Martin, un videojuego que lleva vendidas más de 30 millones de copias en todo el mundo.

¿El nuevo hito de la fantasía o el fantasma de Warcraft?

Claro, aquí es donde al friki curtido le entra el tembleque. Que un videojuego venda decenas de millones de unidades no te garantiza absolutamente nada en la taquilla de un cine. Ahí tenemos el precedente de la película de Warcraft en 2016, que a pesar de tener detrás a una de las franquicias más multitudinarias de la historia del videojuego, se pegó un batacazo de época en el mercado estadounidense y se quedó en unos escuetos 439 millones a nivel global.

Crítica de Warcraft: El Origen. Fantasía con prisa para los más fanáticos

Adaptar Elden Ring no es trasladar una narrativa tradicional de tres actos, es meter la mano en un pozo de lore fragmentado, descripciones de objetos, jefes finales desalmados y una atmósfera opresiva donde el protagonista apenas habla. Lograr que esa experiencia encaje en dos horas de metraje de gran espectáculo cinematográfico sin pervertir la esencia del juego es un encaje de bolillos tremendo.

Si les sale bien, A24 y Garland pueden firmar una especie de El Señor de los Anillos de la generación gamer. Si sale mal, el agujero financiero para el estudio independiente va a ser de los que hacen época.

¿Creéis que Elden Ring en el cine puede ser la gran obra maestra de la fantasía oscura o que gastarse 200 kilos en esto es una locura kamikaze?

Un saludo y sed felices.

El emperador tirano se asoma al abismo: ¡Brutal tráiler final de Dune Parte Tres!

La maquinaria de Warner Bros. no da tregua. Acaban de soltar el tráiler final de Dune Parte Tres. Denis Villeneuve nos mete de lleno, a apenas unas semanas de su estreno en cines e IMAX el próximo 18 de diciembre, en la recta definitiva de una de las trilogías de ciencia ficción más importantes de lo que llevamos de siglo.

Este tráiler definitivo va más allá y nos confirma lo que los lectores de El mesías de Dune (Dune parte Tres adapta esta novela) ya sabían de sobra, pero que cinematográficamente pinta demencial. Paul Atreides ha vivido lo suficiente como para convertirse en el villano de su propia historia.

Ambientada casi dos décadas después de los eventos de la segunda entrega, la película nos presenta a un Timothée Chalamet enfundado en el trono como un emperador implacable y atormentado por las consecuencias sangrientas de su cruzada. Lo que mola del tráiler es ver cómo se teje la conspiración en su contra, con una Chani (Zendaya) desatada aliándose con el mismísimo Scytale de Robert Pattinson y el regreso de un Duncan Idaho convertido en ghola (Jason Momoa).

Acción a raudales, tono de thriller político asfixiante y un Paul Atreides cayendo en desgracia ante el fuego de su propio imperio. Diciembre no está muy cerca y a la vez muy lejos.

¿Os da pánico ver cómo termina la caída de este mesías oscuro? ¿Iréis a ver antes Vengadores Doomsday o Dune Parte Tres?

Crítica de Dune Parte 2: Una de las mejores películas de la Ciencia Ficción de todos los tiempos

Crítica de Dune, de Denis Villeneuve. El peliculón que sí o sí hay que ver en el cine (ahora con vídeo de Youtube)

Un saludo y sed felices

Primeras impresiones de Midnight X-Men 1: Una guerra multibando en marcha, vampiros mutantes y un caos visual

Cerramos nuestro viaje por las entregas inaugurales del nuevo sello sombrío de Marvel y le llega el turno a la cabecera que, de entrada, planteaba el reto más complejo de toda la iniciativa, Midnight X-Men 1, una grapa escrita por Jonathan Hickman y con el espectacular apartado artístico de Mateus Manhanini. Y si tuviera que definir este arranque en pocas palabras, os diría que es el contrapunto radical de lo que vimos en las otras dos colecciones ya que aquí nadie te lleva de la mano, no hay origen que valga y el tebeo te lanza de cabeza a una piscina llena de sangre, facciones en pie de guerra y alianzas imposibles.

Primeras impresiones de Midnight Fantastic Four 1: Colocando las piezas en el tablero del terror cósmico

Primeras impresiones de Midnight Spider-Man 1: Ciberpunk, activismo y una reescritura arrolladora del mito del trepamuros

Cero explicaciones. La partida ya ha empezado y tú estás en medio del tiroteo

Lo más chocante de este número uno es cómo rompe la estructura habitual a la que estamos acostumbrados. Mientras que Midnight Fantastic Four se centraba en contarnos los antecedentes remotos de la tragedia y Midnight Spider-Man nos mostraba paso a paso la dolorosa conversión de Peter Parker en ese entorno ciberpunk, Hickman decide tirar por la calle de en medio y pasar olímpicamente de las presentaciones.

En Midnight X-Men 1 no hay flashback que valga ni recuadros explicativos para situarte en el mapa. La guerra ya lleva años activa, el mundo ha saltado por los aires tiempo atrás y la historia te suelta a traición en mitad de una contienda brutal donde rige una especie de «paz tácita» o tregua armada entre facciones que está a punto de saltar por los aires en cualquier segundo.

Esto hace que la lectura resulte innegablemente enrevesada en un primer pase. Son muchísimos conceptos arrojados a la cara del lector en cuestión de veintidós páginas. Se siente como si hubieras entrado al cine a ver una película y te hubieras perdido los primeros cuarenta minutos. Sabes que las cosas están feas, entiendes la tensión, pero te cuesta colocar cada pieza en su casilla correspondiente.

Vampiros, clérigos y facciones en conflicto: ¿Quién lucha contra quién?

A poco que vas rascando la superficie del guion, te das cuenta de la maraña geopolítica que ha montado Hickman dentro de la raza mutante. Por un lado tenemos la facción de los vampiros mutantes, una comunidad de chupasangres en la que nada menos que Tormenta ejerce como una de las líderes indiscutibles de la estirpe. Pero claro, dentro de los propios vampiros la cosa tampoco es una balsa de aceite y hay luchas internas sangrientas. Ahí tenemos a Gambito, que anda haciendo la guerra por su cuenta y masacrando a otros vampiros como si no hubiera un mañana.

Por otro lado encontramos a la facción de los mutantes tradicionales intentando sobrevivir entre dos fuegos y la figura misteriosa de Rondador Nocturno, que se mueve en las sombras en una posición bastante ambigua. Kurt Wagner viste como un obispo de la fe, pero mantiene un pacto directo con la propia Tormenta, dejando en el aire si sus lealtades responden al credo, a los vampiros o a un bien mayor que aún no llegamos a atisbar.

Y como si no hubiera suficiente dinamita sobre el tablero, los humanos no se quedan cruzados de brazos. El cardenal William Stryker comanda la facción de los puristas religiosos humanos con sus acólitos fanatizados, dispuestos a erradicar cualquier aberración que lleve el gen X o los colmillos puestos. Una auténtica ensalada de tortas entre cuatro o cinco bandos donde las alianzas cambian en cada viñeta y nadie es del todo bueno ni del todo malo.

Midnight X-Men

Un apartado gráfico brutal y ultrarrealista que roza la fotografía

Si el guion es un rompecabezas de alta intensidad, el dibujo de Mateus Manhanini es directamente una maravilla que te entra por los ojos y te deja patidifuso.  Estamos ante un apartado visual tremendamente realista, con una iluminación digital y un tratamiento de las caras y las anatomías que por momentos pareces estar contemplando fotografías de personas reales o fotogramas de una película de gran presupuesto.

Es un trabajo fino, limpio, tremendamente vistoso y pulcro. Ahora bien, ¿es el dibujo ideal para un cómic de terror y sangre? Ese es el gran debate. Al ser una gráfica tan estilizada y casi cinematográfica, el tebeo pierde un poco esa textura de suciedad o decrepitud tétrica que uno le presupone al sello Midnight. Aun así, la calidad gráfica es innegable y el diseño de ropajes, las secuencias de combate y la expresividad de los personajes son una auténtica gozada visual que justifica de sobra detenerse en cada página.

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Un potencial enorme que necesita aire para desarrollarse

En conclusión, este primer contacto con los X-Men del sello Midnight deja un sabor de boca tan fascinante como desconcertante. Es una grapa que apenas ha rascado la corteza de un universo gigante. Potencialmente, y gracias al despliegue de alianzas, combates espectaculares y traiciones cruzadas, puede llegar a ser con mucha diferencia la mejor colección de las tres si consiguen asentar el rumbo y aclarar un poco los roles de cada facción. Por ahora, nos quedamos con la sensación de haber presenciado el primer tiro de una guerra mundial mutante a la que todavía le queda muchísimo por desarrollar.

¿Habéis conseguido aclararos con la maraña de facciones de estos X-Men o habéis salido tan desorientados y con ganas de más como un servidor?

Un saludo y sed felices.

Hasta siempre, querido Chekov: nos dejó Walter Koenig

Tristeza en el mundo trekkie. A los noventa años, y por causas naturales, falleció en su casa de North Hollywood el actor Walter Koenig, quien inmortalizara en la serie original de Star Trek y en las primeras siete películas de la franquicia al inolvidable alférez Pavel Chekov. Su excompañero George Takei, que diera en las mismas vida a Sulu, lo despidió con sentidas palabras.

Hoy el corazón trekkie está de luto. Y más aún al considerar que, con la partida de Walter Koenig, quien interpretara en la serie original y en siete películas al alférez, navegante y posteriormente teniente Chekov, son cinco ya los que nos han dejado de los siete principales del elenco que encarnaba la tripulación original de la Enterprise.: la última de ellas Nichelle Nichols, la teniente Uhura, hace cuatro años (abajo nuestra nota publicada en aquel momento).

Hasta siempre, Teniente Uhura: Adiós a Nichelle Nichols

Solo sobreviven William Shatner, que a los noventa y cinco años parece estar mejor que todos nosotros, y George Takei, con sus ochenta y nueve.  “Tengo el corazón apesadumbrado – manifestó justamente este al conocerse la noticia -. Walter Koenig, nuestro querido Pavel Chekov, falleció esta madrugada. Walter y yo nos conocimos en el puente de la Enterprise en los años sesenta y hemos seguido siendo amigos desde entonces…”

Hijo de inmigrantes lituanos y descendiente de judíos rusos, había nacido un 24 de septiembre de 1936 en Chicago, pero se crió en New York. De hecho, cuando Gene Roddenberry le convocó para interpretar a un tripulante de origen ruso en la serie original de Star Trek, se basó en el acento de sus propios padres para construir el del personaje, tan característico que hacía inevitable que nos cayera simpático el solo oírlo.

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Estudió en su juventud psicología pero, tras tomar una clase de actuación, decidió que su destino era otro. Y no fue por cierto Star Trek la primera oportunidad en que fue llamado por Roddenberry, ya que antes había estado en la serie El Teniente (1963), también suya, además de pasar por otras como Mr. Novak, Gidget, Alfred Hitchcock Presenta o Yo soy Espía.

Pero no caben dudas de que fue el personaje de Chekov el que le quedó para siempre ligado e identificado, tanto que incluso tuvo después problemas para vencer el encasillamiento. Su presencia en la serie encajaba perfectamente con la intención de Roddenberry de constituir una tripulación inclusiva y mutiétnica. Y si eso era ya de por sí un desafío para los estándares de televisión de la época, ni hablar de que el personaje fuera ruso cuando el mundo estaba en plena guerra fría.

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El entrañable Pavel Chekov se caracterizaba por su juventud, ingenuidad y espíritu optimista, además de un marcado orgullo ruso que le hacía atribuir dicho origen a muchos inventos u obras famosas aun cuando el dato fuera dudoso. Y, en claro guiño a la juventud y cultura pop de esos años, su peinado estaba inspirado en Davy Jones, miembro de The Monkees. Si desean saber más sobre la serie original de Star Trek, les invito a leer el artículo de este redactor publicado hace algunos meses con motivo del 60° aniversario.

Las Series que nos hacen Felices: Star Trek (1966-1969), a sesenta años del nacimiento de la franquicia

Ya en los setenta, tuvo apariciones en episodios de series como Los Starlost, Colombo, Ironside o Family, entre otras. Y el cine rescató su personaje de Chekov en 1979 al ser llevada por primera vez Star Trek a la pantalla grande, repitiéndolo luego en otras seis entregas hasta llegar a 1994.  Eso sin olvidar que además interpretó, entre 1994 y 1998, al oficial de policía Alfred Bester (nombre que homenajeaba a un gran escritor de ciencia ficción) en la serie Babylon 5.

Y se dio a conocer recientemente que ganó en 2026 el Premio Platino que, a pesar del nombre, no tiene nada que ver con los galardones que se entregan al cine iberoamericano, sino que se trata de una mención especial dentro del Independent Short Awards a la que se hizo acredor por su actuación en el cortometraje Mr. Fleischmann.

El teatro también supo de su trabajo y a principios de los noventa, por ejemplo, encarnó una versión madura de Tom Sawyer en la obra The Boys in Autumn, donde el icónico personaje creado por Mark Twain se encontraba después de muchos años con su gran amigo de infancia Huckleberry Finn, coincidentemente interpretado por Mark Lenard, otro ex-Star Trek. Y lo suyo no se limitó únicamente a la actuación, ya que también tenía un costado de escritor que se vio plasmado en guiones para cine y televisión, así como en obras teatrales e incluso en cómics.

“Hoy lamentamos el fallecimiento de Walter Koenig, cuyo talento, calidez e interpretaciones inolvidables dejaron una huella duradera en generaciones de seguidores de todo el mundo”, reza el comunicado oficial dado ayer a conocer por los representantes del actor.

El mundo trekkie, como dije al principio, está de luto. Extrañaremos muchísimo a nuestro querido Chekov y quizás el mejor homenaje sean las palabras finales que en su mensaje deja su excompañero de elenco George Takei: “A los fans que lo amaron por tantos años, gracias. Él los amaba también. Descansa en paz, mi querido amigo. Continúa navegando con rumbo firme”.  Nada para agregar…

Hasta siempre, Walter. Hasta siempre, Chekov. Gracias por tanto. Larga vida y prosperidad…

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Misericordia. Siete maneras de morir (2026). El placer de contar historias. Cartem Cómics.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos hablaros de una obra de nuestra querida Cartem Cómics. Os vamos a hablar de Misericordia: Siete maneras de morir. Guionizado por el gran maestro Jean Van Hamme. Vamos con ello …

Misericordia. Siete maneras de morir

Misericordia

Jean Van Hamme regresa con Misericordia. Siete maneras de morir, un volumen construido a partir de siete relatos independientes que comparten una misma inquietud: La muerte y las distintas formas en que puede presentarse ante nosotros.

El autor belga no plantea un tratado solemne sobre el final de la vida, sino una colección de historias breves en las que caben la ironía, la crueldad, la sorpresa y, en ocasiones, un humor tan negro como eficaz.

Cada episodio propone un escenario y unos personajes diferentes. Van Hamme juega con las expectativas del lector y conduce las tramas hacia desenlaces que buscan provocar una reacción inmediata.

Algunas historias funcionan como pequeños mecanismos de suspense; otras se acercan más a la fábula moral o al relato de humor macabro. En todas ellas se reconoce el gusto del guionista por la narración clásica, la construcción precisa y los giros que obligan a releer mentalmente lo ocurrido.

La estructura permite una lectura cómoda y flexible. Se puede disfrutar el álbum de una sentada o regresar a él de manera ocasional, como quien recupera un libro de relatos para degustar una historia concreta.

Esa variedad es, precisamente, una de sus principales virtudes: no todas las propuestas persiguen el mismo efecto ni utilizan idénticos recursos narrativos.

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La edición de Cartem Cómics

Cartem Cómics incorpora Misericordia. Siete maneras de morir a su catálogo con una edición concebida para quienes disfrutan del cómic europeo y de los grandes nombres de la historieta francobelga. El volumen presenta los relatos de manera clara y permite que el lector se concentre en lo esencial: la palabra de Van Hamme y el trabajo gráfico de los distintos dibujantes.

La naturaleza antológica de la obra hace especialmente importante la reproducción de las páginas. Cada historia posee su propia personalidad visual, por lo que el álbum ofrece una sucesión de estilos y atmósferas que enriquecen la lectura. El resultado es un cómic de sobremesa, de esos que invitan a detenerse en los detalles y a saborear la propuesta sin prisas.

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Pinchad AQUÍ para obtener más información de Misericordia. Siete maneras de morir desde la web de Cartem Cómics.

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Jean Van Hamme y el resto del equipo

Jean Van Hamme es una de las figuras fundamentales del cómic europeo contemporáneo. Nacido en Bruselas en 1939, comenzó su trayectoria profesional en la publicidad y la escritura antes de convertirse en guionista de referencia. Su nombre está ligado a series tan populares como Thorgal, dibujada por Grzegorz Rosinski; XIII, junto a William Vance y Largo Winch, con dibujos de Philippe Francq.

Su obra se caracteriza por el dominio de la aventura, el thriller y la intriga, además de por una extraordinaria capacidad para mantener el ritmo y administrar la información. En Misericordia, esa experiencia se pone al servicio de relatos concisos, donde cada página debe cumplir una función narrativa.

El apartado gráfico corre a cargo de varios artistas (Aimée de Jongh, Ricard Efa, Christian Durieux, Jose Luis Munuera, Emmanuel Bazin, Dominique Bertail, Djief), cuyas miradas permiten diferenciar las historias y dotarlas de una atmósfera particular. Esa diversidad visual acompaña bien la variedad de tonos del guion y evita que el conjunto resulte uniforme.

Misericordia

Valoración final de la obra

Como gran admirador de Jean Van Hamme, resulta inevitable acercarse a este álbum con unas expectativas elevadas. Conviene decirlo desde el principio: Misericordia. Siete maneras de morir no es una de las grandes obras maestras del autor ni posee la ambición narrativa de XIII, Thorgal o Largo Winch. No estamos ante una obra destinada a ampliar sus límites como guionista.

Pero esa comparación tampoco debería perjudicar su lectura. Van Hamme demuestra aquí que incluso en un formato menor sabe contar historias con oficio, elegancia y sentido del entretenimiento. Cada relato es como una tarde de café en otoño: Agradable, reposada y reconfortante, aunque no vaya a cambiar nuestra vida.

Por eso recomiendo la lectura de Misericordia. Es un álbum honesto, variado y bien construido, perfecto para quienes disfrutan de los relatos breves, del humor negro y del talento de uno de los grandes guionistas del cómic europeo.

Echadlo un ojo, disfrutado y sobre todo …

¡Sed Felices!

Primeras impresiones de Midnight Spider-Man 1: Ciberpunk, activismo y una reescritura arrolladora del mito del trepamuros

Continuamos este desembarco individualizado por las viñetas más oscuras del nuevo sello de La Casa de las Ideas. Y si con la Primera Familia (Midnight Fantastic Four 1) nos quedamos con ganas de un pelín más de chicha, lo que nos ha regalado este Midnight Spider-Man 1 (con los guiones firmados por Phillip Kennedy Johnson y los lápices de ScieTronc) es un auténtico cómic como la copa de un pino. De los tres lanzamientos iniciales con los que la editorial ha inaugurado la línea, me atrevo a decir de carrerilla que este es el que mejor ha sabido leer la jugada, un arranque apasionante, valiente en sus giros y que te deja con la boca abierta de par en par.

Primeras impresiones de Midnight Fantastic Four 1: Colocando las piezas en el tablero del terror cósmico

Primeras impresiones de Midnight X-Men 1: Una guerra multibando en marcha, vampiros mutantes y un caos visual

Un mapa de poder distópico, Oscorp por encima de los gobiernos

Lo primero que enamora de esta aproximación es cómo Phillip Kennedy Johnson reescribe el terreno de juego. Olvidaos del clásico Queens de toda la vida y de la rutina apacible de un estudiante de instituto. Aquí nos topamos con un entorno puro de distopía corporativa, un universo donde gigantes empresariales como Oscorp han sobrepasado por completo la soberanía de los estados y los gobiernos tradicionales, dictando el destino de la sociedad con mano de hierro.

En medio de esta maraña de opresión nos presentan a un Peter Parker que es pura dinamita ideológica. Es un muchacho profundamente idealista, comprometido y metido hasta las trancas en el activismo social en contra del yugo corporativo. La tragedia vuelve a ser el motor de su vida, pero con matices muy distintos, ya que de la tía May no hay ni rastro (se insinúa que está desaparecida o directamente perdida en las sombras del sistema), mientras que sobre sus padres pende la sombra de la muerte a manos de la propia estructura de Oscorp.

Peter vive únicamente con su tío Ben, tratando de mantenerse a flote mientras sus actos de protesta llaman la atención de la mismísima megacorporación, que decide reclutarlo en un intento por controlar esa mente privilegiada, o neutralizar su amenaza desde dentro.

Midnight Spider-man

Un arranque que sí quema etapas y un cliffhanger de infarto

A diferencia del tono pausado de Midnight Fantastic Four, aquí la narración no pierde ni un solo minuto. El guion de Kennedy Johnson va al grano desde las primeras viñetas, construyendo una tensión in crescendo que culmina con la mítica picadura de la araña, pero con un enfoque orgánico y turbio que dinamita las convenciones de la franquicia.

La manera en la que el tebeo retrata el accidente y el estado posterior en el que queda sumido Peter Parker es sencillamente espectacular. No hay espacio para las bromas ni para el descubrimiento festivo de los poderes, lo que presencia el lector es una transformación dramática, traumatizante y con unas consecuencias devastadoras para su entorno más cercano. El cierre de esta primera entrega se despacha con un cliffhanger atronador que deja a Peter y a su tío en una situación completamente límite, dejándonos ver solo el principio de lo que promete ser un descenso a los infiernos visual y narrativo de primer orden.

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Un apartado visual atípico al que cuesta acostumbrarse, pero que funciona

Si nos detenemos en el apartado artístico, el trabajo de ScieTronc deja unas sensaciones de lo más curiosas. No es el tipo de dibujo al que el lector habitual de Spider-Man está acostumbrado, desde luego. Su estilo se aleja por completo del dinamismo estilizado o de la pulcritud comercial que suele acompañar al trepamuros tradicional.

ScieTronc opta por un trazo mucho más anguloso, expresivo y con un uso de las sombras y de los encuadres que roza lo claustrofóbico. Al principio chirría un poco a la vista porque desencaja con las referencias clásicas que tenemos grabadas a fuego en el cerebro, pero en cuanto la trama coge velocidad te das cuenta de que es el envoltorio idóneo para esta Nueva York distópica. Capta a las mil maravillas la suciedad de la tecnología de Oscorp, el tono opresivo de las calles y, sobre todo, el impacto físico del terror que sufre el propio Peter en sus carnes.

En definitiva, este número uno ha superado con creces las expectativas. Es una relectura fresca, valiente y con muchísimo dinamismo que nos deja en lo más alto de la cúspide para lo que está por venir en los próximos números.

¿Le habéis metido ya mano a este primer contacto con el Spidey del sello Midnight? ¿Os ha gustado este giro más oscuro del trepamuros?

Un saludo y sed felices.

Análisis de Outlander: Sangre de mi Sangre. Temporada 2. Episodio 6

Ingresamos a la segunda mitad de la segunda temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre con su sexto episodio titulado Pequeñas Misericordias.  Creada por Matthew Roberts y basada en los personajes creados por la escritora Diana Gabaldon, la serie de Starz puede ser vista en España por Movistar+ y en Latinoamérica por Disney+.

Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Aquí nuevamente para analizar otro episodio de Outlander: Sangre de mi Sangre y hoy es el turno del sexto, con el cual entramos ya de lleno en la segunda mitad de esta segunda temporada. Una entrega que enfrenta a un cada vez más atormentado Dougal con las consecuencias de la batalla de Sheriffmuir y a Ellen con una lastimosa noticia de la cual aún debe poner al corriente a Brian. Y nos topamos por primera vez con un personaje adolescente cuya versión adulta conocemos bien de la serie principal.

Pasemos pues a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos de Outlander: Sangre de mi Sangre y aquí los de su ya concluida serie madre Outlander.

Invitada y no Invitada

Comenzamos con Julia y Davina sepultando a Seema entre la neblina mientras a lo lejos vemos el castillo Leathers. Julia está mortificada por tener que cargar el resto de su vida con la muerte de una desdichada mujer que nunca fue amada en la suya. Davina la consuela con que no tuvo altenarnativa y, de haber dudado, sería ella quien ahora estaría siendo sepultada.

Al regresar al castillo, encuentran ya de regreso a Lord Lovat, ufano y exultante tras su “éxito” en la toma de Inverness. Llaman a este la atención las marcas que Julia luce en el rostro y ella las explica echándole la culpa a las zarzas. Él pregunta por Seema y le dicen que decidió irse, que nunca se encontró a gusto allí. Él lo lamenta por cuanto le brindaba en la cama y quiere pronto otra muchacha porque “no es bueno dejar que el lecho de un hombre se enfríe”.

Dice además que preparen todo todo para recibir a un invitado que termina en realidad siendo una invitada, pues se trata de la vidente Maisri, a la cual supuestamente llamó para hacer una lectura.

Por otra parte, ya Ellen ha sido llevada allí por Balloch. Está furiosa e incluso llama a Lovat traidor y “demonio de casaca roja”, a lo cual él responde recordándole de quién es hija y por qué llamaban Jacobo el Rojo a su padre más allá del color de cabello. Le destaca como virtudes su obstinación y energía, entendiendo por qué Brian se enamoró de ella, pero la ve muy mal agradecida tras haber sido, según él, rescatada.

Ellen pregunta por qué no fue llevada a Leoch y Lovat responde que Balloch es su sirviente, así que era de esperar que la llevase a Leathers, no obstante lo cual se compromete a enviarla de regreso a su castillo una vez que haya descansado y compartido comida y vino.

Regreso sin Gloria

En Leoch, Colum está consternado por las noticias que llegan de la guerra, particularmente por la traición de Lovat, pero también porque ha llegado Grace para ponerle al tanto del rapto de su hermana, aunque la criada no logra identificar al responsable ni reconocer el clan por el color del kilt. Solo dice que se trataba de un hombre rústico y está segura de que no era un Mackenzie.

Hablando luego en privado con Ned, Colum se pregunta qué deberían hacer y su consejero le recuerda que, hasta que regresen los que han partido a combate, no tienen hombres suficientes para salir a buscar a Ellen aun si quisieran hacerlo. A Colum le preocupa que, en caso de morir ella, los títulos de propiedad vuelvan a sus manos y ello les deje endebles ante la Corona en caso de que pretendiera despojarles de los mismos tras la revuelta. Ned le pregunta entonces, y con razón, si le desvela más la suerte de su hermana o la de sus tierras…

Al regresar los hombres del campo de batalla, el panorama no puede ser más devastador: la tropa luce hecha una desgracia mientras las mujeres buscan desesperadamente a sus esposos y las madres a sus hijos. John Cameron, brazo en cabestrillo, se reencuentra con Jocasta y pone al tanto de las malas nuevas a Colum y a la angustiada Maura, especialmente de la falta de noticias sobre Dougal, al que se presume capturado prisionero luego de salir imprudentemente con sus hombres en persecución de los casacas rojas. Agrega, de todas formas, que dos Fraser han partido en su búsqueda…

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Vino Maldito

En Leathers y llegada la cena, todo se ve demasiado cordial y Lovat luce una impostada amabilidad. Maisri toma la mano de Ellen y le anoticia de que Brian sigue vivo, aunque por otra parte percibe la presencia de lo que denomina “el llamado de la muerte”.

De pronto, Ellen comienza a descompensarse y debe ser llevada a una habitación por Davina y Julia. Allí se descubre a sí misma sangrando y, con angustia, revela su estado de preñez. Julia también comienza a sentirse mal y Davina cae pues en la cuenta de que lo que hizo Maisri fue colocar en el vino alguna poción para volverlas infértiles, tal el motivo por el cual Lovat la hizo venir. Julia va pues a recriminárselo y él se justifica en que no quiere más herederos Fraser fuera del que ya tiene.

Ellen, a puro dolor, teme haber perdido su bebé y, en las sombras, Davina la ayuda a salir del castillo para llegar a Leoch y ser allí debidamente atendida…

Rescate en la Noche

En Fort William, Dougal está atado a un poste y siendo torturado por los casacas rojas en exigencia de que les diga cuáles son los planes del conde de Mar, pero nada les dice y tampoco es que sepa tanto considerando que salió en persecución de los ingleses por propia cuenta.

El capitán Grey ordena a un joven cadete que lo golpee, pero lo hace con tan poca fuerza que solo genera la burla del cautivo, lo que lleva al avergonzado muchacho a tomar del fuego y acercársela al rostro, aunque sin mejores resultados: Dougal sigue sin soltar palabra. Grey dice al joven que ya está bien y, al hacerlo, lo llama Randall, un apellido que, desde luego, nos hace encender alarmas.

En la noche, Brian y Murtagh se acercan ocultos en un bote y se cargan sin problemas tanto al soldado que se acerca a inspeccionar como al guardia que, bajo amenaza, les dice dónde tienen preso a Dougal. Digamos que todos son por allí bastante estúpidos…

Dougal, en tanto, y redoblada la apuesta de tortura, ha sido puesto junto a su compañero Angus en una celda sometida al ascenso de la marea, lo cual les condena irremisiblemente a acabar muriendo ahogados a menos que proporcionen la información que siguen negándose a dar. Pero Brian y Murtagh llegan entonces al rescate y, tras eliminar también al guardia a cargo, se abocan a la tarea de abrir la reja superior de la celda, lo cual, a duras penas, consiguen finalmente valiéndose de una improvisada barreta.

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Logran de ese modo rescatar a Dougal, pero no llegan a tiempo con Angus, quien ya ha perdido la vida ahogado. Dougal no quiere dejarlo allí, pero Brian le convence de que deben largarse lo antes posible. Por el camino, se cruzan con el joven Randall y Dougal está a un paso de ultimarlo, pero Brian le disuade de ello al comprobar que el muchacho se ha orinado en sus pantalones. “Es solo un niño”, dice…

En lugar de matarlo, pues, lo dejan inconsciente en el interior de un baúl y quedamos preguntándonos qué hubiera pasado con la línea temporal del universo Outlander si Brian no detenía a Dougal…

Buzón para dos

De regreso a la finca de los Grant, Bug pregunta a Henry si sigue pensando en abandonarlos y este le repregunta si ama a su esposa, dejando así entrever que nunca dejará de buscar reencontrarse con la suya. Bug objeta que el momento fue durante la batalla y Henry le recuerda que, de haber escapado entonces, él estaría muerto.

A pesar de mantenerse firme en que debería quedarse, Bug se ofrece al menos a servir de nexo para hacerle llegar mensajes a Julia y así es como logra concertar un encuentro en cercanías de Leathers. Ella se sorprende de la compañía que trae Henry, pues recuerda que la última vez que vio a Bug, quería matarlo. Él le explica que ahora le debe un favor por haberle salvado la vida y Julia entiende, como nosotros, que las cosas cambian muy rápido en esta serie…

Henry se compromete a seguir buscando las gemas y acuerdan mantener correspondencia, para lo cual apartan una piedra suelta que utilizarán de allí en más como buzón…

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Balance del Episodio

Buen episodio, con mucha acción y emociones más allá de los ya habituales disparates argumentales como la facilidad asombrosa con que Brian y Murtagh logran entrar en una fortaleza militar inglesa de alta seguridad, siendo casi gracioso verles despachar a soldados profesionales como a muñecos de trapo. A propósito, el lugar utilizado para recrear Fort William es Blackness, castillo del siglo XV en cercanías de Edimburgo que, efectivamente, funcionó por mucho tiempo como prisión.

Pero no hay ninguna duda de que el momento más fuerte del arco de Fort William (y quizás del capítulo) fue la aparición de “Black Jack” Randall en versión adolescente. Hay que decir, por cierto, que Finley Glasgow, el joven actor que lo interpreta, guarda bastante semejanza física con Tobias Menzies, quien le diera vida a su versión adulta en la primera temporada de la serie principal.

Hace chirriar un poco, eso sí, el que siempre se acaben cruzando todos con todos como si la historia escocesa de ese tiempo solo hubiera sido hecha por un puñado de personas. Pero bueno, hay que entender que así funciona el fanservice y de todas maneras fue interesante ver a Black Jack como alguien en quien está empezando a germinar un sadismo que pugna con fuerza por salir fuera.

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Y que le terminen perdonando la vida no deja de ser una enorme paradoja, pues lejísimo puede estar Brian de saber que ese muchacho por el cual sintió misericordia torturará un día de manera brutal a su propio y aún no nacido hijo.

Y las paradojas no se agotan allí, pues también nos ponemos a pensar cómo podría haber seguido todo en caso de que Brian dejara simplemente que Dougal lo asesinase (y estoy seguro de que muchos bregábamos por ello). Es allí donde todo se enreda porque no lo sabemos…

Es cierto que Black Jack es antecesor de Jack Randall, esposo de Claire, pero no lo es directamente porque la línea de descendencia que lleva a este último procede en realidad de Alex Randall, su hermano menor. Aun así, no hay que olvidar que, de acuerdo al canon, Black Jack se va a casar con la viuda de este una vez que muera y ya no tenemos forma de saber entonces cómo podrían haberse seguido hilvanando los acontecimientos.

Lo que sí podemos decir con toda seguridad es que toda esa secuencia de torturas que Black Jack practicó a Jamie en la primera temporada de la serie principal nunca hubiera existido, como tampoco las consecuencias psicológicas y físicas que las mismas dejarían en este último.

Pero tranquilos, a no torturarnos demasiado la cabeza porque nos va a terminar doliendo de verdad y, después de todo, ya se nos ha repetido en este universo muchas veces y hasta el cansancio que el tiempo se niega a ser alterado y la línea siempre acaba inexorablemente por imponerse. Lo que ocurrió, ya no puede ocurrir de otra manera.  Y a propósito: el Angus que muere en la celda mareal no es el mismo que conocemos de la serie principal que, de hecho, es aún niño para cuando ocurren los acontecimientos de esta precuela.  Una vez más, tranquilos, la línea temporal sigue sin cambios…

El otro momento fuerte del capítulo, por devastador, ha sido sin duda la pérdida de su embarazo por parte de Ellen, una noticia que seguramente desgarrará a Brian cuando se entere, del mismo modo que exacerbará el odio cada vez mayor que ya siente por su padre.

Lo del vino fue una jugada realmente sucia (como todas las de Lord Lovat) y habrá que ver qué consecuencias pueda traer, aunque ya sabemos que, en el caso de Ellen, la supuesta infertilidad terminará por no ser tal o no habría Jamie. Hay por estas horas, sí, muchas especulaciones en redes sociales acerca de que Brian y Ellen podrían terminar adoptando al pequeño William, pero no está claro el camino hacia ello. Y lo que no podemos saber es qué tanto efecto haga el vino en Julia, pues en su caso no tenemos idea sobre futuros e hipotéticos embarazos…

El que me está cansando un poco (o bastante) es Colum con sus dilemas morales. Ned le acertó una estocada mortal al deslizar que quizás se preocupe más por las tierras que por su hermana, pero ya está bien con toda esa cuestión de no saber qué camino tomar o si está a la altura del legado que representa. O quizás sea que me está hartando Séamus McLean Ross con su permamente expresión de ojos llorosos y dientes apretados: me gustaba su actuación al principio de la serie, pero ya se reitera demasiado en ese único recurso.

En conclusión, y amén de alguna que otra pega, repito que no ha sido un buen episodio y, como viene siendo costumbre en esta serie, nos deja un par de intrigas con respecto a lo que se viene. ¿Conseguirán Henry y Julia viajar finalmente en el tiempo, aunque sea una vez más? ¿Cómo reaccionará Brian al enterarse que Ellen perdió su embarazo? ¿Hará las paces con él Dougal, ahora que lo rescató y salvó?

Les espero para analizar el próximo episodio y veremos si algunas de esas preguntas comienzan a ser respondidas. Hasta entonces y sean felices…

The Greatest American Hero vuelve por su 45º aniversario en forma de cómic.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros un proyecto de la plataforma Kickstarter: The Greatest American Hero 45th Anniversary Graphic Novel. La inolvidable serie televisiva de los años ochenta protagonizada por William Katt prepara su regreso en formato de cómic.

AMP Comics ha anunciado una campaña de Kickstarter para financiar una novela gráfica de lujo que recuperará a Ralph Hinkley, el profesor convertido accidentalmente en superhéroe.

The Greatest American Hero 45th Anniversary Graphic Novel

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Hay personajes que nacieron para encarnar una época y que, sin embargo, conservan una extraña capacidad para reaparecer cuando menos se les espera. Ralph Hinkley, aquel profesor de instituto interpretado por William Katt en The Greatest American Hero, fue uno de ellos.

Su traje rojo, su capa y, sobre todo, su absoluta incapacidad para entender el manual de instrucciones de sus poderes convirtieron a la serie en una de las propuestas superheroicas más singulares de la televisión estadounidense de los años ochenta.

Ahora, 45 años después de su estreno, el personaje volverá en una nueva novela gráfica que busca financiación a través de Kickstarter.

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Pinchad AQUÍ para obtener más información en de The American Greatest Hero en Kickstarter.

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El proyecto, promovido por AMP Comics, se presenta como una edición deluxe de más de 120 páginas y cuenta con la colaboración de la herencia creativa de Stephen J. Cannell, creador de la serie original, así como con la implicación de William Katt, rostro inseparable de Ralph Hinkley.

Un superhéroe diferente

En plena fiebre contemporánea por recuperar franquicias de los ochenta, The Greatest American Hero sigue destacando por una idea tan sencilla como efectiva:

¿Qué ocurriría si un hombre corriente recibiera poderes extraordinarios, pero perdiera las instrucciones para utilizarlos?

La respuesta de la serie fue un superhéroe torpe, vulnerable y muy alejado de la solemnidad habitual del género. Ralph Hinkley podía volar, ser invulnerable o desarrollar habilidades casi ilimitadas, pero rara vez sabía cómo activarlas correctamente.

Esa condición convirtió cada aventura en una mezcla de acción, comedia y desastre doméstico, con un protagonista que debía compaginar su vocación docente con una misión para la que nadie le había preparado.

El cómic promete recuperar precisamente esa esencia. La campaña habla de “una aventura más” junto a Hinkley y su famoso supertraje, aunque por ahora no ha desvelado demasiados detalles argumentales. El reto será trasladar al lenguaje del cómic aquel tono desenfadado que hizo de la producción televisiva algo distinto a los relatos convencionales de superhéroes.

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Una campaña para coleccionistas

El proyecto no se limitará al cómic. La campaña incluirá artículos exclusivos, prendas de ropa y material firmado por William Katt, un incentivo evidente para los seguidores veteranos de la ficción y para quienes han convertido el coleccionismo nostálgico en una forma de reivindicación cultural.

AMP Comics, responsable de la iniciativa, se define como una editorial y compañía de entretenimiento independiente dedicada a desarrollar propiedades originales y licenciadas para cómics, cine y televisión. Su catálogo incluye títulos como House of Lowther, NeverWars y Prodigal Son, y la empresa asegura que distribuye sus publicaciones mediante compañías como Simon & Schuster, Diamond, Universal y Lunar Distribution.

El respaldo oficial es una de las claves de la propuesta. Los nombres, personajes y elementos asociados a The Greatest American Hero se utilizan bajo licencia de Stephen J. Cannell Productions, mientras que el contenido nuevo del tebeo pertenecerá a AMP Comics.

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Hago un inciso AQUÍ, para que podáis ver entradas de la web sobre otros proyectos de Kickstarters.

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Más que nostalgia

No todas las recuperaciones de una marca histórica tienen el mismo sentido. Algunas se limitan a poner un logotipo conocido sobre un producto nuevo; otras intentan comprender qué hizo especial a la obra original.

En el caso de The Greatest American Hero (El Gran Héroe Americano), el potencial está en mantener la humanidad de Ralph Hinkley: No un salvador perfecto, sino alguien que tropieza, se equivoca y sigue adelante aunque no tenga un manual para resolverlo todo.

Quizá esa sea la verdadera razón por la que el personaje todavía despierta cariño. Frente a los universos compartidos, los multiversos y los héroes casi divinos, Ralph Hinkley recordaba que salvar el día puede ser mucho más difícil (y divertido) cuando ni siquiera sabes aterrizar.

Estaremos atentos a este proyecto, mientras tanto …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: Sin Perdón (1992). El final de un género mítico

¿Supuso el estreno de Sin Perdón / Los Imperdonables (Unforgiven, 1992) el final de un género mítico, como  digo en el título?  ¿O solo se trató  de un capítulo más en la brillante historia del western dentro del cine hollywoodiense? La respuesta a continuación.

Qué nos cuenta Sin Perdón

William Munny (Clint Eastwood), un viejo y retirado asesino, vive en una granja criando cerdos con sus dos hijos pequeños.  Para mejorar su vida, decide aceptar un último encargo que es vengar a una prostituta a la que han apalizado unos vaqueros. Acompañado de su viejo amigo de aventuras Ned Logan (Morgan Freeman) y del novato pistolero The ‘Schofield Kid’ (Jaimz Woolvett), llegará a un pueblo gobernado con mano de hierro por el sheriff Little Bill Daggett (Gene Hackman).

Qué aspectos la hacen merecedora de nuestra recomendación

Sin duda, estamos ante uno de los westerns más icónicos del género. Existen muchos aspectos, tanto técnicos como interpretativos para elevar este filme al top de las mejores películas del oeste. Solo con fijarnos en Clint Eastwood como figura emblemática del séptimo arte podemos llegar a entender que se trata de un producto muy especial.

Eastwood empezó en esto del cine del oeste de la mano de gente como Sergio Leone con sus participaciones en la famosa trilogía del dólar. Luego vinieron muchas películas en las que fue perfeccionando su estilo personal como El jinete pálido, El fuera de la ley o Cometieron dos errores, entre otras, para llegar finalmente a Sin perdón.

En 1992 , el cine norteamericano asistió a un momento crucial con el funeral de un género luego de unos últimos fallidos proyectos cinematográficos y a la vez vio cómo Sin Perdón se convertía en un clásico inmediato. Fue tanto un éxito de taquilla como una película premiada en los premios Oscar al recibir cuatro estatuillas (incluyendo Mejor Película y mejor Director). Sin duda, estamos ante la deconstrucción del western de frontera, y a la vez uno de los ejemplos de madurez narrativa de la historia del séptimo arte.

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Aspectos que la hacen especial

El brillante guion de David Webb Peoples introduce un cambio notorio con respecto al previo cine del género al hacer que el motor de la trama de la película no sea la justicia moral, sino más bien el interés monetario de los personajes por necesidad personal o bien la propia y cruda venganza.  En el inicio de la película hay únicamente miseria.  No hay honor, sino solo personajes que tratan de encontrar una redención de la cual los entresijos del propio título original hagan pensar que quizás (solo quizás) sea realmente imposible.

Las interpretaciones son brillantes. Y ya no solo la de Clint Eastwood como William Munny, el asesino al que le persiguen los fantasmas del pasado, sino incluso las de personajes que pueden parecer más secundarios como el de English Bob, interpretado por Richard Harris. Todos tienen su importancia en la trama y todos son necesarios. Evidentemente, como siempre digo en referencia a películas de otros géneros como los de acción o superhéroes, el antagonista es vital. Si tienes uno de nivel, la película funciona. Y aquí el rival de Eastwood tiene un nombre mítico: Gene Hackman.

Adiós a Gene Hackman (1930-2025), inmensa y prolífica gloria del cine

Su caracterización como el sheriff Little Bill Daggett es una maravilla. Ese representante de la ley que está más cerca de ser un cacique que alguien que imparta justicia tiene en Hackman un acierto total de casting. Y qué podemos decir de Ned Logan en la piel del gran Morgan Freeman, ese compañero de antiguas aventuras de William que, incluso teniendo una vida ordenada y tranquila, decide no dejar solo a su amigo y seguirle hacía un destino no deseado.  Y personajes como los  de Jaimz Woolvett (The ‘Schofield Kid’), Frances Fisher (Strawberry Alice) o incluso W.W. Beauchamp (Saul Rubinek), periodista que acompaña a English Bob, completan un excelente cast.

La impactante fotografía de Jack N. Green es otro punto para remarcar. La película huye visualmente de los cielos claros y azules del famoso Technicolor del western clásico para presentarnos, en cambio, distintos escenarios en que los grises dominan la escena, comenzando por el lugar en que vive el personaje de Eastwood y terminando por Big Whiskey, el pueblo donde todo tendrá lugar.  En la fotografía de Green podemos ver la suciedad, el barro, la tristeza y la lluvia persistente que convierten al pueblo en un personaje más.

La dirección de Clint Eastwood es desde ya también destacable.   Mal no lo puede hacer jamás un director que ha aprendido tanto de gente como Sergio Leone (su colaboración en la trilogía del dólar), Don Siegel (Dos mulas y una mujer), Ted Post (Cometieron dos errores) o John Sturges (Joe Kidd).

Si a ello sumamos las influencias confesadas por el propio Eastwood del Ethan Edwards de Centauros del desierto (John Ford) para componer su William Munny (personajes ambos que distan de ser típicos héroes sino que son más bien todo lo contrario), además del uso del sonido de disparos reminiscente del utilizado en Raices Profundas, entenderemos cómo Eastwood consigue llevar a cabo de manera magnífica la dirección de este filme.

La música por otra parte, nos ofrece un ambiente minimalista en cuanto a su uso. Lennie Niehaus, compositor de jazz, se ocupa de mantener la banda sonora en su justa medida, sin melodías arrolladoras sino al revés. Tenemos la anécdota de que el tema «Claudia’s Theme» no fue creado por Niehaus, sino por el propio Clint Eastwood al piano. Y es un hecho que la banda sonora deja tener su importancia a aspectos sonoros como el viento, la lluvia o el ya mencionado sonido de los disparos.

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A quién podemos recomendar esta película

Evidentemente, a quien disfrute con el género que marcó varias décadas en la época dorada del séptimo arte, el western.  También a quien quiera conocer un tipo de cine que se toma su tiempo en arrancar, pero que es una joya sin duda alguna. Y, cómo no, a los fans de Clint Eastwood que quieran verle en uno de sus papeles más significativos, sin olvidar al resto de grandes actores que aparecen en la película.

Os dejamos una guía en cuatro partes sobre las películas más destacadas del género. AQUÍ

 

 

El cómic de la semana: Rook: Éxodo vol. 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Rook: Éxodo vol.1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Cuando un grupo de autores de primerísimo nivel decide dar un portazo a las grandes editoriales para montar su propio chiringuito creativo, en Las cosas que nos hacen felices nos frotamos las manos. Eso es precisamente lo que ocurrió con la fundación de Ghost Machine (antes era Mad Ghost), un sello independiente impulsado por nombres de la talla de Geoff Johns (erróneamente atribuido a veces como «J.J. Jon», pero que todos conocemos de sobra por sus etapas doradas en Green Lantern o Flash) y por sensacionales dibujantes como Iván Reis, Bryan Hitch, Gary Frank y en esta reseña Jason Fabok. Tras triunfar en el mercado estadounidense de la mano de Image Comics, Planeta Cómic nos trae al fin a las librerías españolas el esperado primer volumen de Rook: Éxodo, y os adelanto desde ya que la espera ha merecido la pena hasta el último céntimo.

Rook: Éxodo, un futuro distópico donde la naturaleza es el mayor arma de guerra

La premisa de Rook: Éxodo nos sitúa en un futuro lejano y desolador. La Tierra ha dejado de ser un hogar habitable para la humanidad, lo que obligó a las grandes corporaciones a financiar la terraformación de un planeta de reemplazo conocido como Éxodo. Durante décadas, este nuevo mundo funcionó como un edén tecnológico gracias a la arquitectura biológica diseñada por la corporación Better World. Para controlar la fauna y los ecosistemas de este planeta sintético, se crearon los llamados Warden Helmets (cascos de control), unos dispositivos de altísima tecnología que permiten a sus portadores vincularse mentalmente con distintas especies animales para coordinar el equilibrio del planeta.

El problema llega cuando el motor planetario de Éxodo sufre un colapso cataclismico y la infraestructura corporativa abandona a los colonos a su suerte. En mitad de este sálvese quien pueda, los pocos Wardens que quedan con vida han utilizado sus cascos no para salvar el mundo, sino para convertirse en señores de la guerra despóticos que luchan por los recursos escasos.

Aquí es donde entra nuestro protagonista, Rook, un antiguo técnico de la corporación que solo busca sobrevivir en los restos de este mundo en ruinas mientras controla y se comunica con una bandada de cuervos. Sin embargo, cuando los recursos energéticos se agotan y el planeta amenaza con congelarse del todo, Rook se ve arrastrado a un conflicto brutal contra otros gobernantes que controlan especies tan temibles como osos, lobos o aves de rapiña.

Rook: Éxodo

Geoff Johns en su salsa y un Jason Fabok directamente tocado por la varita

En el apartado del guion, Geoff Johns demuestra por qué es uno de los mejores contadores de historias del cómic moderno. Liberado de las ataduras de la continuidad tradicional de los superhéroes de DC, el guionista construye un universo denso, original y con unas reglas de ciencia ficción brutales desde la primera página. El ritmo no decae en ningún momento puesto que hay espacio para el desarrollo de personajes, para la intriga política entre facciones y para una acción desenfrenada que te mantiene pegado al asiento.

Pero si el libreto funciona como un reloj suizo, lo de Jason Fabok en el apartado artístico es directamente de otra galaxia. El dibujante canadiense firma aquí uno de los mejores trabajos de toda su carrera. Su estilo hiperrealista, hiperdetallado y con una fuerza narrativa salvaje, se adapta a la perfección a la magnitud de esta epopeya espacial. Cada splash page es un espectáculo visual, la textura del plumaje de los cuervos, la ferocidad en la mirada de los animales bajo el control mental, los paisajes desolados de Éxodo y el diseño biomecánico de las armaduras van a hacer que os detengáis varios minutos en cada página para disfrutar del nivel de detalle. Es un dibujo con una escala cinematográfica alucinante.

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El nacimiento triunfal de la línea Ghost Machine

Este primer volumen de Rook: Éxodo no solo cumple de sobra como historia autoconclusiva dentro de su primer arco, sino que sienta las bases de lo que promete ser uno de los universos de ciencia ficción más interesantes del cómic independiente actual. La iniciativa de Ghost Machine demuestra que cuando a los creadores se les da libertad absoluta para ser dueños de sus propias licencias, el resultado suele ser una obra hecha con pasión, mimo y una calidad desbordante.

Dentro de la línea Ghost Machine hay más universos propios, y el que destaca por su variedad de obras es el de Los sin nombre, donde podemos ver series como Geiger o Casaca roja y spin-offs como Chatarra Joe. En el universo de Los sin nombre todas las colecciones están relacionadas y llevan un ritmo de lectura alucinante. Para todos los seguidores de esta línea dentro de Ghost Macine he subido un orden de lectura en Whakoom que iré actualizando regularmente.

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¡LUCHA O HUYE! Esta es la decisión a la que debe enfrentarse el hombre conocido únicamente como Rook.

Dentro de cientos de años, el clima de la Tierra se ha deteriorado de forma drástica, y la mayor parte de la población ha huido a otros planetas en busca de una nueva vida. Después de que la granja de su familia quedara reducida a cenizas, Rook compró un billete de ida a Éxodo.

Éxodo, un planeta terraformado, fue creado por la corporación Mundo-Mejor y ofrecía un hogar donde la naturaleza, incluida su población de animales modificados genéticamente, estaba completamente bajo control humano, en manos de los llamados guardas.

Pero cuando el motor planetario de Éxodo falló misteriosamente, el poder de los guardas cayó en malas manos, desató el caos y provocó una evacuación masiva… al menos para quienes podían permitírselo. Los demás, como Rook y sus aliados, entre ellos Dire Wolf y Swine, deben huir o luchar contra las fuerzas que intentan hacerse con el control de lo que queda de Éxodo.

Están en clara desventaja…

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Planeta Cómic y el enlace a la editorial pinchando aquí.

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Un saludo y sed felices.

Análisis de Crystal Lake. Temporada 1. Los Orígenes de Jason Voorhees y, muy especialmente, de su madre

A través de HBO Max para España y de Universal + para América Latina, se halla ya disponible con sus ocho capítulos la primera temporada de Crystal Lake, la serie que, creada por Brad Caleb Kane, echa una mirada sobre el pasado de Jason Voorhees, el mítico asesino slasher de las películas de Viernes 13. Inevitablemente, la misma es también y sobre todo la historia de Pamela Voorhees, lo cual es lógico.

Está claro que las precuelas están tan de moda como la tendencia a sobreexplotar títulos clásicos ligados al terror. Ocurrió el año pasado con It: Bienvenidos a Derry o Alien: Planeta Tierra y este mismo mes, aunque no sea precuela, con Carrie (pueden pinchar los links para leer los respectivos análisis de quien suscribe). Es ahora el turno de Crystal Lake, serie precuela de la saga de películas Viernes 13 (Martes 13 para algunos países) que tuviera como principal protagonista a uno de los más icónicos asesinos del cine slasher: Jason Voorhees.

Pero Crystal Lake no es tanto su historia como la de su madre Pamela Voorhees (Linda Cardellini) y tiene sentido que así sea porque, siendo una precuela, los hechos que narra deberían supuestamente conducir a la película de 1980 en que no solo acababa ella siendo la pieza clave, sino que Jason ni siquiera aparecía, salvo como parte de una pesadilla en la cual emergía del lago ya sobre el final.

Para reubicarnos en contexto, aquel filme se iniciaba en los años cincuenta con el doble asesinato de una pareja de coordinadores del campamento de vacaciones Crystal Lake. Después nos enterábamos que ello ocurría justo a un año de que en el lago cercano muriera ahogado el niño Jason Voorhees, al cual la mencionada pareja no cuidó en aquel momento por estar muy entretenida: demasiado…

Un salto temporal nos llevaba luego a finales de los setenta, con el campamento funcionando nuevamente tras haber sido cerrado y una serie de misteriosas y horrendas muertes en la zona que llevaban a pensar en Jason, de quien nunca se había hallado el cuerpo.

La Historia

La serie que nos ocupa introduce un cambio temporal, pues el episodio en que se ahoga el joven Jason (Callum Vinson) no ocurre aquí en 1957 sino en 1971. El motivo de tal decisión, explicó el showrunner Brad Caleb Kane (también involucrado en It: Bienvenidos a Derry) fue hacer más reciente al dolor de Pamela a fines de darle mayor dramatismo y también sentido.

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Es por ello que en los primeros capítulos nos movemos a caballo de dos líneas temporales separadas por nueve meses: la primera nos muestra a Jason todavía viviendo con su madre y afectado por hidrocefalia, haciendo su aspecto físico que los demás lo ridiculicen y vean como a un monstruo.

La segunda línea temporal transcurre con el niño ya supuesta y largamente ahogado. Pero su madre, al no haber sido nunca encontrado el cuerpo, se niega a aceptarlo y lo pasa mirando el lago a la espera de que en algún momento regrese. Para colmo de males, John Christy (Brian J. Carter), propietario de Crystal Lake, está en plan de reabrir el campamento y no puede sino poner ello todavía peor a Pamela al ver la despreocupada felicidad que al respecto todos exhiben.

Cuerpos horriblemente mutilados y destrozados comienzan a aparecer por los bosques y los lugareños les echan la culpa a los osos. Pamela sabe que no es así y también Levon Brooks,(William Catlett), el jefe de policía local que es el clásico oficial honesto de pueblo chico, aunque tiene un pasado no tan limpio que luego iremos conociendo. Es de los pocos que sienten empatía por ella y hasta parece haber atracción mutua, lo que no le impide a él permitirse dudar del origen de Jason e incluso de si Pamela le está realmente contando toda la historia.

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A fines de investigar, pues, Levon recurre a su hermana Briana (Devin Kessler), que es periodista, y el pasado de madre e hijo se va revelando cada vez más escabroso en la medida en que presenta vínculos con cierto proyecto científico llamado Argonaut (clara referencia a Jason, líder de los argonautas en la mitología griega), a cargo el mismo de una empresa corporativa de la cual tanto Pamela como el niño viven ahora a escondidas.

Lo que no…

Me fastidia de un tiempo a esta parte la tendencia de las precuelas a sobreexplicar lo que no es necesario. Hay franquicias que, por sus mismas características, lo permiten mejor que otras, tales los casos, por ejemplo, de Star Trek, Star Wars o las de superhéroes, de las cuales es incluso propiedad casi intrínseca la existencia de baches que pueden y llaman a ser rellenados con mejor o peor suerte.

Distinto es el caso de las que se basan en clásicos títulos del cine de terror o ciencia ficción que no lo ameritaban tanto. Así, por ejemplo, me hace chirriar terriblemente que el gobierno estadounidense supiera de la criatura de It desde tiempo atrás y quisiera utilizarla para la guerra fría. O que el xenomorfo de Alien hubiera llegado a la Tierra antes de los sucesos de la Nostromo por todos conocidos y en medio de una guerra de las corporaciones por apropiarse del mismo.

Algo semejante me pasa con la premisa de esta serie: lo que daba terrorífico encanto a Jason era su carácter misterioso y no me termina de caer bien que, para darle un origen y justificar una historia, haya que relacionarlo con radiación, guerra fría o intereses empresariales, para esta altura lugares comunes harto repetidos…

Jason Voorhees funcionaba como una figura asociada a un lugar concreto y a una serie de muertes. Una precuela puede, desde ya, enriquecer ese universo sin necesidad de convertirlo en parte de una maquinaria explicativa más amplia de la que necesita. Hacer lo contrario lleva en cambio a la extraña paradoja de que cuanto más importante sea el monstruo como parte de un entramado conspirativo, menos importante se vuelve como figura de terror en sí misma, pues ya no nos inquieta por lo que es, sino por la función que cumple. Explicar el origen, pues, no lo hace más interesante.

Dejando entonces en claro que la premisa de Crystal Lake no me encanta, cabe luego la pregunta de si, a pesar de la misma y aun en caso de aceptarla, la serie logra de todas formas funcionar como historia sólida y coherente. Y allí sí: al menos en su primera temporada, Crystal Lake deja un sabor de boca bastante mejor que las series de It, Alien o Carrie. Veamos pues qué es lo que sí funciona…

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Lo que sí…

Lo primero que impacta positivamente de la serie es la continuidad de localizaciones pues, al igual que la película original, ha sido rodada mayormente en Blairstown, New Jersey, e incluso en los mismos lugares específicos, pudiendo reconocerse calles, locales y edificios que lucen como entonces o bien se los acondicionó para que así sea.

La ambientación de los setenta es formidable, ya sea en autos, peinados o vestuarios y muy acertadas las referencias cinéfilas a figuras de la pantalla que tenían renombre en la época como los casos de Paul Newman, Elliott Gould o Julie Newmar.

También se destaca la banda sonora que, además del aditamento especial de estar compuesta por Harry Manfredini, mismo autor que en las películas de la franquicia, recala especialmente en artistas setenteros que a veces no son necesariamente de los más obvios, pero que sí sonaban mucho a principios de la década como Blue Öyster Cult, The Osmonds, Funkadelic, Neil Diamond o James Gang.

La parte visual está muy bien lograda y la fotografía se luce espectacularmente en el séptimo episodio, en rigor un extenso flashback ambientado en los cincuenta (por el nacimiento de Jason, que la serie ubica en 1959) con una magnífica paleta de colores primarios que remite mucho a la estética pin-up de aquellos años y que está perfectamente complementada desde lo sonoro por la música de Manfredini, la cual se adapta a la ocasión con un delicioso toque cincuentero.

Los efectos se pueden ver algo gamberros, pero ojo que es parte de la intención, pues se nota que la idea es que los ataques o las propias muertes slasher respondan a las mismas características que tenían en las películas: si te dan un golpe en la cara, por lo tanto, directamente te la deshacen o te dejan colgando la mandíbula, cuando no un ojo al estilo Glenn Rhee. Un toque de humor negro que debe ser entendido como tal…

Para los nostálgicos de la franquicia, hay desde ya momentos y escenas que remiten de manera inequívoca a los filmes. Así, por ejemplo, y si bien Jason no usó hasta la tercera película el machete que sería luego inseparable del personaje, aquí le vemos exultante de niño sostener por primera vez uno (¿no es tierno?). Y su madre, de todas formas, echa mano de esa herramienta como arma en un par de oportunidades confirmando el “de tal palo, tal astilla”.

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Hay también una escena con una joven senderista de aire independiente y despreocupado que llega al bar preguntando a los lugareños por Crystal Lake a fines de encontrarse allí con el resto de sus amigos. Imposible no sentirse transportado a aquella otra que, en circunstancias similares, se convertía en la primera víctima del filme de 1980. Y hay asimismo alguien (no diré quién) que, en su desesperada carrera, mete el pie en una trampa para osos y queda a merced de su perseguidor, lo cual remite a la película de 2009.

No faltan, por supuesto, los personajes que se repiten, pues los instructores que descuidan a Jason son, como en la película original, Claudette y Barry, aquí interpretados por Danielle Kotch y Phoenix Parnevik. La escena en que mueren (no es spoiler al ser uno de los momentos claves de la franquicia) está replicada tal cual, pero con un poco más de información al espectador debido al cambio de perspectiva: no se trata de un giro, sino de algo que supuestamente no habíamos visto.

Y también, como no podía ser de otra forma, anda por allí Ralph (Nick Cordileone), aquel desequilibrado mental al que seguramente recordamos en las dos primeras películas andando en bicicleta y advirtiendo permanentemente que “todos morirán”. Aquí nos anoticiamos de que buena parte de su locura tiene que ver, según se nos dice, con el haber estado en dos guerras: tal como lo entiendo, Corea y Vietnam.

Pero lo bueno es que todas esas referencias no están puestas de modo que la nostalgia devore a la trama, sino que más bien le dé marco. Y los guiños no se agotan únicamente en los títulos de la franquicia, sino que se extienden al género del terror como si todo fuera un mismo universo.

Hay así momentos gore que hacen acordar a Hostel (2005), como también un guiño muy sutil a Festín de Sangre (1963), considerada por muchos como la película que inició ese subgénero.  Y no es dato al azar que la única niña que se acerca a Jason y quiere ser su amiga se llame Grace Snell, un apellido que no puede menos que remitirnos a Sue Snell, quien fuera precisamente en la historia de Carrie la única en mostrar arrepentimiento después de la humillación a que sometían a esta en las duchas del colegio.

La trama, por otra parte, está en todo momento bien llevada y, aunque la metahistoria agregada pueda hacer chirriar como a mí me ocurre, lo bueno es que no termina de subsumir todo el microuniverso de Crystal Lake, sino que el mismo sigue teniendo personalidad propia. El ahogamiento de Jason, por ejemplo, no tiene que ver con ninguna empresa ni organización secreta sino con la falta de atención de sus cuidadores, como debe ser…

Las actuaciones son igualmente sólidas y, al ser prácticamente el centro de la historia, se destaca muy especialmente Linda Cardellini en el papel de Pamela Voorhees. Pero también merece mención William Catlett como ese policía que nos cae simpático aunque su pasado nos genere dudas y que es incluso capaz de guardar en el refrigador de su casa restos humanos descompuestos que ha encontrado en los bosques y que esperan por el forense. La niña Gwendolyn Sundstrom también se luce en el papel de Grace.

Balance de Temporada

A pesar de todos mis prejuicios y de lo que ya aclaré que no me gusta, Crystal Lake me deja, al menos en su primera temporada, una buena sensación. Termina por ser un thriller bien contado y salpicado (literalmente) con elementos de cine B: mucha sangre a chorros, de esa que sale disparada como con manguera a presión.

No es que no tenga lugares comunes (en el fondo es slasher, a no olvidarlo) ni que por momentos no se parezca a cosas que ya hemos visto (el asalto a la comisaría del octavo episodio es muy parecido al que no hace tanto nos mostraran en El Instituto, serie de la cual pueden leer aquí los análisis de un servidor), pero se deja ver, entretiene y, cuando apela a la nostalgia, no lo hace para convertirla en trama sino para encauzarla.

De momento aprueba pero, claro, habrá que ver si en una eventual segunda temporada la propuesta logra mantener el equilibrio que en esta primera ha sabido Kane imprimir a la serie. Hasta la próxima y sean felices…

Primeras impresiones de Midnight Fantastic Four 1: Colocando las piezas en el tablero del terror cósmico

Tras el tremendo revuelo que armamos en la web con el análisis general del nuevo sello de terror de La Casa de las Ideas, tocaba arremangarse y desgranar número a número, con todo el detalle que se merece, lo que nos está ofreciendo esta vertiente alternativa tan particular. Y qué mejor forma de ponernos manos a la obra que arrancando este repaso individualizado con la cabecera que inauguraba oficialmente el menú de la Primera Familia, Midnight Fantastic Four 1, una obra firmada en los libretos por Benjamin Percy y que cuenta con los lápices de Kev Walker. Un primer contacto que, si tuviera que resumirlo en una sola idea rápida, os diría que se toma las cosas con una calma bastante inusual para los tiempos vertiginosos que corren en el cómic norteamericano.

Primeras impresiones de Midnight Spider-Man 1: Ciberpunk, activismo y una reescritura arrolladora del mito del trepamuros

Primeras impresiones de Midnight X-Men 1: Una guerra multibando en marcha, vampiros mutantes y un caos visual

Un apartado visual detallista que bebe directamente del trazo caricaturesco

Lo primero que a uno le entra por los ojos nada más hojear las primeras páginas del tebeo es, indiscutiblemente, el apartado artístico desplegado por Kev Walker. A cualquier lector con unos cuantos kilómetros de estantería a sus espaldas le va a venir a la cabeza de forma casi inmediata ese trazo dinámico, anguloso y ligeramente deformado que tanto le hemos visto ejecutar a Chris Bachalo en algunas de sus etapas más memorables dentro de la industria.

Se trata de un estilo de dibujo innegablemente limpio en las formas, brutalmente detallista a la hora de retratar los intrincados instrumentos de laboratorio y los paneles de control de la tecnología punta, pero que a la vez dota a las expresiones faciales y a las anatomías de los personajes de un aire marcadamente caricaturesco.

¿Funciona esta elección estética para una línea editorial que te están vendiendo a bombo y platillo como un sello centrado en el terror cósmico y el body horror? Bueno, la respuesta tiene su miga y conviene matizarla. El trabajo gráfico de Walker es notable en lo técnico y entra con muchísima soltura por los ojos, pero al apostar de forma tan clara por esa narrativa visual de brocha más expresiva y menos opresiva, el lector no llega a experimentar en ningún momento esa sensación genuina de miedo real, de claustrofobia o de incomodidad visceral que uno esperaría encontrar al abrir las páginas de un producto publicado bajo la marca Midnight. Es un enfoque artístico curioso y muy vistoso en lo estético, pero que indudablemente le rebaja varios decibelios a la tensión tétrica y oscura que pedía a gritos el concepto original de la serie.

Midnight Fantastic Four

Reed Richards, Victor von Doom y la sombra atómica de la Zona Negativa

Si nos adentramos en el terreno estrictamente narrativo, el guion concebido por Benjamin Percy opta deliberadamente por no apretar el acelerador en ningún momento de la entrega. Este primer número se plantea, de principio a fin, como un meticuloso ejercicio de contextualización, presentación de dinámicas y colocación de fichas sobre el tapete.

La trama centra casi el cien por cien de su metraje en la figura de un obsesivo Reed Richards sumergido hasta el cuello en sus investigaciones científicas sin medir las consecuencias. Lo verdaderamente jugoso de este arranque es ver cómo el guion no coloca al mismísimo Victor von Doom como el archienemigo acorazado que todos conocemos, sino en el rol de su asistente personal y mano derecha en el laboratorio durante los compases previos al inevitable desastre que cambiará sus vidas para siempre.

El detonante que comienza todo este entramado cósmico se remonta de forma muy inteligente a los experimentos de la célebre prueba Trinity en el desierto de Jornada del Muerto (Los Álamos, Nuevo México) durante el desarrollo del Proyecto Manhattan que lideró J. Robert Oppenheimer en los años cuarenta (espero haber escrito todo correctamente y no haberme equivocado con los datos). Aquella primera detonación atómica de la historia de la humanidad no solo cambió el destino geopolítico de nuestro planeta, sino que en este universo alternativo abrió una brecha invisible e irreparable en el propio tejido de la realidad.

Esa grieta terminó conectando las profundidades de nuestra dimensión con un abismo de auténtica pesadilla situado en la Zona Negativa, desatando sobre el cosmos el acecho silencioso de unas criaturas espaciales de evidente corte lovecraftiano.

Por cierto, que me lo dejaba en el tintero. El trágico accidente que tiene lugar antes en las instalaciones del laboratorio de Reed sirve para sellar definitivamente el aciago destino de Victor, dejándonos sobre la mesa ese primer atisbo turbio y amenazante de lo que terminará desencadenándose en el futuro a medio plazo de este universo.

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El resto de la familia con cameos casi testimoniales y una partida por arrancar

Llegados a este punto, la pregunta que muchos os estaréis haciendo es meridianamente clara, ¿qué papel juegan los demás miembros del emblemático cuarteto en este inicio de andadura? Pues, lamentablemente, para aquellos lectores que esperasen ver acción desatada, superpoderes o batallas monumentales desde las primeras viñetas, la experiencia puede resultar un tanto descorazonadora.

Sue Storm, Johnny Storm y Ben Grimm hacen acto de presencia en las páginas de este número inaugural de manera casi testimonial. Aparecen lo justo y necesario para que el lector constate que están metidos en el meollo de la investigación y que forman parte del círculo cercano del proyecto, pero la grapa no se adentra en ningún momento en su psicología, en sus motivaciones personales ni en cómo les está afectando internamente toda esta alteración de la realidad.

En resumidas cuentas, este primer volumen de Midnight Fantastic Four es un tebeo que ni siquiera ha empezado a jugar la partida sobre el tablero de juego, sino que se ha limitado estrictamente a sacar las piezas de madera de la caja, desempolvarlas, alinearlas sobre las casillas de salida y enseñarte las reglas básicas antes de lanzar el primer dado. Estamos ante una introducción correcta, elegante en sus formas y narrativa sólida, pero innegablemente contenida en sus pretensiones, que termina delegando la responsabilidad de arrancar de verdad la artillería pesada para los siguientes números de la colección.

¿Habéis tenido ya la oportunidad de hincarle el diente a esta nueva aproximación de la Primera Familia dentro del sello Midnight? ¿Os convence este tipo de dibujo tan cercano al estilo de Bachalo?

Un saludo y sed felices.

Nos deja Tom Skerritt, el rostro sereno del cine de culto

El cine y la televisión acaban de perder a uno de esos secundarios de oro que hacían mejor cada plano en el que aparecían. A los 93 años de edad, nos ha dejado Tom Skerritt, un actor todoterreno que dejó una huella imborrable en la cultura pop y en el corazón de los que crecimos pegados a la pantalla disfrutando del género sin complejos.

Para varias generaciones de cinéfilos, su nombre estará unido para siempre al del Capitán Dallas, el templado y atormentado comandante de la nave Nostromo en Alien, el octavo pasajero (1979). Aquella secuencia agobiante adentrándose por los conductos de ventilación con el detector de movimiento en la mano, sigue siendo una lección magistral de tensión cinematográfica que ningún aficionado al terror y a la ciencia ficción podrá olvidar jamás.

Retro-Análisis: Alien, el octavo pasajero

Un pilar en los clásicos que marcaron época

Pero reducir la trayectoria de Skerritt al universo de los xenomorfos sería quedarse muy corto. El actor de Detroit demostró una versatilidad brutal a lo largo de seis décadas de carrera. Fue el pragmático y siniestro sheriff Bannerman en La zona muerta (1983), la brillante adaptación de David Cronenberg sobre la obra de Stephen King, donde compartió pantalla de forma magistral con Christopher Walken.

Retro Análisis: La Zona Muerta (1983)

También se puso a las órdenes de Tony Scott como el carismático comandante Mike «Viper» Metcalf en Top Gun (1986), aportó su presencia en la disparatada MAS*H (1970) de Robert Altman, se las vio con los fenómenos paranormales en Poltergeist III (1988) y brilló en la televisión dando vida al inolvidable sheriff Jimmy Brock en la mítica serie Picket Fences, papel que le valió un merecidísimo premio Emmy en 1993.

Retro-análisis: Top Gun, cuando Tom Cruise se convirtió en Tom Cruise

La elegancia de un secundario imprescindible

Tom Skerritt pertenecía a esa estirpe de intérpretes curtidos que no necesitaban estridencias para adueñarse de la escena. Con esa mirada sobria, su característica templanza y una naturalidad aplastante, aportaba credibilidad a cualquier universo. Ya fuera comandando una nave espacial a la deriva, patrullando un pueblo atormentado por visiones premonitorias o instruyendo a pilotos de caza, Skerritt siempre transmitía la sensación de que las cosas estaban bajo control, hasta que el monstruo o la tragedia irrumpían en el encuadre.

Se nos va un grande de la época dorada del cine de género, pero nos queda un legado cinematográfico gigante que revisionar una y otra vez.

¿Cuál es el papel de Tom Skerritt que guardáis con más cariño en la memoria?

Un saludo y sed felices.