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El manga La isla de los longevos: mix de géneros que funciona

La isla de los longevos aventura donde se mezcla la ciencia ficción, la venganza, el erotismo y toques zombis en una mezcla imposible que a pesar de todo funciona y crea una lectura agradable llena de preguntas y misterios que desearas resolver. Poco a poco y sin darte cuenta te tendrá atrapado.

AUTOR Y PUBLICACIÓN EN JAPÓN

El manga La isla de los longevos cuenta con un trasfondo particular tanto en su autoría como en su trayectoria dentro del mercado japonés. Hiro Tomono es el autor completo de la obra, encargándose tanto del guion original como de la ilustración y dibujo de cada capítulo.

Su dibujo destaca por un enfoque realista y detallado, ideal para plasmar el suspense y la tensión psicológica de la trama, además de no rehuir de escenas explícitas o de body horror cuando la manipulación biológica de la historia lo requiere.

Comenzó a publicarse en mayo de 2020. Se serializa de manera capitular en la revista Manga Action de la editorial Futabasha, una de las revistas más longevas y respetadas de Japón, mediante capítulos semanales o quincenales que se recopilan periódicamente en tomos en formato tankōbon.

No es un fenómeno de masas global al nivel de los superventas pero goza de un éxito de nicho muy sólido. Prueba de su estabilidad en el implacable mercado del manga japonés es su publicación desde 2020. Las series que no venden o no gustan al público son canceladas rápidamente por las editoriales tras apenas 2 o 3 tomos. El hecho de que La isla de los longevos haya superado la barrera de los 14 tomos y sume años de publicación ininterrumpida demuestra que cuenta con un colchón de lectores fieles y constantes.

La Isla de los longevos está publicada en España por la Editorial Hidra.

La isla de los longevos

EL MANGA

La isla de los longevos trae una historia con ecos a El juego del calamar o a la película Old boy. Indaga en la venganza a través de unos octogenarios rejuvenecidos por el gobierno japones para disponer de nueva mano de obra. Todos ellos en periodo de prueba, en una isla donde se esconden múltiples secretos.

‘Oldboy’, la sádica película que inició el boom coreano con la venganza más retorcida de la historia del cine

Con esa premisa cercana al reality en la que ver como sobreviven los diferentes protagonistas a las trabas que se les presentan, y algún que otro zombi inesperado, hace que La isla de los longevos se desarrolla como un producto de puro entretenimiento. El primer volumen contiene multitud de temas interesantes, los cuales sirven para apuntalar el misterio, podrían desarrollarse más por ejemplo la idea original: rejuvenecer gente con el único fin de tener trabajadores nuevos. Una idea tan potente apenas pasa de puntillas, pero crea el marco de una historia interesante.

Las viñetas son rápidas y el arte secuencial es fluido. El autor crea una lectura cómoda e interesante, sabe en que momentos introducir el drama, el misterio y las preguntas. Esta acertada construcción de la narrativa hace que un producto planteado como mero entretenimiento se eleve y haga que conectemos con la trama. Un acierto a la hora de crear.

La historia contendrá una carga erótica en las viñetas notable. Y tendrá peso en la historia. Igual que con otros temas nos mostrara un argumento interesante como el impulso sexual llegado la vejez, que ya se trataba en otros cómic como El arte de volar. Pero igualmente, a pesar de aparecer y ser de interés solo se nos mostrara a modo de marco, no indagando más en ello.

La isla de los longevos 1

RESUMEN

Los elementos mencionados a pesar de ser muy variados hacen masa, encajan y el lector acepta el trato dejándose llevar por la historia. El cómic original va por su tomo catorce en Japón, lo que abre la pregunta de si la historia puede dar pie a tantos giros y si tanto vericueto argumental no llegara a desgartar la historia. El tiempo nos dirá si el chicle se puede estirar tanto o si será un nuevo Perdidos.

De momento el primer volumen cumple su premisa: Entretiene.

El gran ausente del material promocional ¿Por qué Marvel esconde a este personaje clave de Vengadores: Doomsday?

La maquinaria de Marvel Studios está «calentando» el estreno de Vengadores: Doomsday, pero las piezas del puzle promocional nunca terminan de encajar como el fandom espera. Hay tantos personajes que impera del miedo de no aprovecharlos a todos por igual. Echando un vistazo a los análisis que circulan hoy mismo por los portales norteamericanos, hay un detalle que ha encendido todas las alarmas en los foros especializados. Hay un personaje principal al que el marketing oficial ha ignorado por completo, y los seguidores, con cierta lógica, ya temen lo peor.

Un silencio sospechoso en carteles y avances

Mientras los tráilers y los pósteres (me encanta el plural de póster) se centran en acaparar los focos con el regreso de Robert Downey Jr. como Doctor Doom, la incursión de los X-Men y el despliegue galáctico habitual de estas superproducciones, la ausencia sistemática de uno de los rostros más importantes de la saga en los materiales promocionales empieza a oler a cuerno quemado.

No estamos hablando de un cameo secundario ni de un mutante de relleno. Se trata de una figura con galones dentro del entramado de Marvel que, de un tiempo a esta parte, ha desaparecido de la ecuación publicitaria de forma chirriante. Ni rastro en los avances principales, ni mención en los resúmenes oficiales de personajes, ni presencia en las piezas promocionales que Disney va soltando con cuentagotas. Pinta mal para Ava Starr, alias Ghost, y ojo tampoco pinta bien para Rondador Nocturno de los X-Men.

Marvel suelta un nuevo trailer en español de Vengadores Doomsday desde el D23

¿Crónica de una muerte anunciada de cara al nuevo universo?

Claro, en el ecosistema de internet, donde la especulación es el pan nuestro de cada día, el silencio de los despachos se interpreta rápidamente como una sentencia de muerte creativa. La teoría que corre como la pólvora es cristalina, si Marvel está escondiendo a este personaje en el marketing, es porque su participación en Vengadores: Doomsday tiene fecha de caducidad muy temprana.

Ghost ha sido prácticamente invisibilizada en los pósteres, avances y publicidades varias principales de la película. En cuanto a los X-Men, Rondador Nocturno no ha tenido mucho más protagonismo que Ghost y, efectivamente, se rumorea que el duende azul caerá durante la batalla contra los Centinelas.

Recordemos que esta película y su sucesora (Secret Wars) van a funcionar como la gran trituradora y el reinicio definitivo del tablero de Marvel Studios. Con el bueno de Victor von Doom arrasando líneas temporales y reescribiendo la realidad, los sacrificios de peso van a estar a la orden del día. Si un peso pesado brilla por su ausencia en toda la campaña publicitaria, las papeletas para que caiga en combate en el primer acto de la película (o para que su destino quede sellado de forma trágica antes del borrón y cuenta nueva del UCM) se disparan exponencialmente.

Vengadores Doomsday

Habrá que comprobar si Marvel se guarda un As bajo la manga para los trailers definitivos de las próximas semanas o si, por el contrario, los fans tienen toda la razón y nos vamos a llevar un buen disgusto con el destino de este héroe.

¿Hay más personajes que creéis que están ocultando su muerte intencionadamente? ¿Cuales son vuestras apuesta de cara a la masacre que se avecina?

Un saludo y sed felices.

Presentación y reseña de A los pechos me remito. Norma Editorial. Hoy 22 de octubre, a las 18:30h en Generación X de Tirso.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros una experiencia personal, una vivencia que merece la pena ser contada, una vida que merece ser vivida. Queremos hablaros de la historia de Jess y su obra A los pechos me remito, publicado por Norma Editorial.

A los pechos me remito: Vivir, reír y seguir siendo uno mismo

Pechos

Jess recibe, durante unas vacaciones en Budapest, el resultado de una punción: Cáncer de mama. A partir de ese momento comienza un largo periplo de pruebas, quimioterapia, cirugías, efectos secundarios, decisiones médicas, miedos y secuelas emocionales.

La autora narra el proceso en primera persona, desde el diagnóstico hasta la reconstrucción, la mastectomía bilateral, la detección de la mutación BRCA1 y la posterior extirpación de los ovarios.

Lo notable es cómo la historia se sostiene sin caer en el dramatismo fácil. Jess conserva su humor, sus amistades, sus viajes, sus conciertos, su afición por RuPaul’s Drag Race, Operación Triunfo, la música, los videojuegos y la cultura pop.

Esas referencias no funcionan como adorno nostálgico, sino como el lenguaje con el que la protagonista se reconoce y resiste cuando todo parece desmoronarse.

El cómic también aborda lo que suele quedar fuera de los relatos médicos: La ansiedad posterior, la depresión menopáusica, la dificultad de reincorporarse al trabajo, los vínculos que se rompen y los que se fortalecen, y la reconstrucción de una nueva vida tras el alta.

Presentación en Generación X Tirso

Pechos

El encuentro reunirá a Jess y David Güell con la artista y mediadora cultural Clara López y la psicóloga Marisa Páez, quien además participa en el dossier final del libro.

No será una presentación convencional: Promete ser una conversación sobre salud, memoria, acompañamiento y la manera en que el cómic puede hablar de lo más difícil sin dejar de sonreír.

Generación X Tirso

Calle Conde de Romanones 3. Distrito Centro. 28012 – Madrid.

Hoy 22 de octubre, a las 18:30h

Pinchad AQUÍ para obtener ubicación.

La edición de Norma Editorial

Norma Editorial publica A los pechos me remito como álbum cartoné de 104 páginas a color, en formato 17 x 24 centímetros, con un precio de 24,95 euros. La primera edición está fechada en octubre de 2026.

La edición incluye, además del relato gráfico, un valioso aparato final con testimonios, recomendaciones para familiares y amistades, información sobre la autoexploración y un extenso dossier avalado por profesionales de la salud.

Ese complemento convierte la novela gráfica en algo más que un testimonio: es también una herramienta de información, prevención y apoyo emocional.

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Pinchad AQUÍ para obtener más información de A los pechos me remito, desde la web de Norma Editorial.

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Biografía de los autores

Jess Marozof es redactora y guionista barcelonesa. Convirtió en cómic la experiencia que vivió tras su diagnóstico de cáncer de mama, apoyándose en el diario personal que escribió durante aquellos años. Para ella, escribir fue una forma de sanar, ordenar el dolor y honrar su propia historia.

David Güell, nacido en Barcelona en 1980, estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y lleva más de dos décadas trabajando como ilustrador y creador visual. Su dibujo combina la energía del cartoon con una gran capacidad expresiva, capaz de pasar de la carcajada a la emoción contenida sin forzar el tono.

La complicidad entre ambos es evidente: Jess aporta verdad, ritmo y una voz personalísima; David traduce esa voz en viñetas vivas, cercanas y llenas de detalles.

Pechos

Valoración personal

A los pechos me remito es una de esas obras que llegan en el momento justo y se quedan. Tiene la valentía de mostrar el cáncer sin edulcorarlo, pero también la inteligencia de no convertirlo en una sentencia.

Jess no desaparece tras el diagnóstico: Sigue siendo una mujer con ganas de viajar, de ir a conciertos, de reírse, de equivocarse, de querer y de empezar de nuevo.

Es, ante todo, una historia de superación personal y de ganas de vivir. No porque prometa que todo se arregla, sino porque demuestra que se puede atravesar la oscuridad sin perder del todo la propia luz. El humor no niega el dolor: Lo hace más soportable y más compartible.

Recomendable para todo el mundo, pero especialmente para quienes hayan vivido una enfermedad grave, para sus familias y para cualquiera que necesite recordar que detrás de un diagnóstico siempre hay una persona completa. Jess y David Güell firman un cómic necesario, generoso y profundamente vital.

Venid a Generación X Tirso, conoced a los autores de A los pechos me remito, conoced a Jess y a David y …

¡Aprended a Ser Felices!

De la ciencia ficción a la realidad: Astrónomos descubren la primera estrella de color verde de la historia

La primera estrella de color verde conocida. La realidad suele superar a la ficción de las formas más extrañas posibles y lo que nos acaba de regalar la astronomía moderna parece sacado directamente de una novela pulp de los años cincuenta o de un manual de rol galáctico. ¡Por fin se ha descubierto de forma oficial la primera estrella de color verde de la historia!. Nos hemos topado con un descubrimiento que ha dejado boquiabiertos a los científicos y con los ojos como platos a todos los frikis del espacio exterior.

Y ojito, porque la historia detrás del hallazgo tiene un componente de terror cósmico que encaja perfectamente con estas fechas.

Un cadáver estelar devorando planetas (o cómo se pinta una estrella de verde)

Para entender esta locura hay que viajar hasta un objeto conocido como WD J1330+6435, una enana blanca situada a unos 284 años luz de nosotros. Para los no iniciados, una enana blanca es básicamente el densísimo cadáver que queda cuando una estrella como nuestro Sol agota su combustible y muere. Hasta ahora, los manuales de astrofísica dictaban que estas cenizas cósmicas brillaban en tonos blancos, azulados o anaranjados según su temperatura. Las estrellas verdes, nos decían los científicos, eran una ilusión óptica o pura fantasía de los astrónomos aficionados.

Sin embargo, un reciente estudio de la Universidad de Warwick publicado en RAS Techniques and Instruments ha demostrado que nos equivocábamos por completo. ¿Qué ha pasado aquí? Pues que este «zombi estelar» se ha dedicado a devorar restos rocosos y material de su propio sistema planetario tras expirar, tragándose literalmente planetas enteros como si fuera un villano cósmico de tebeo.

Todo ese festín caníbal ha llenado su atmósfera de elementos como el sodio, calcio y litio. La densísima atmósfera de la enana blanca hace que el sodio absorba por completo la luz de las longitudes de onda naranjas y rojas, provocando un efecto secundario alucinante, un resplandor verde fantasmal que, si estuviéramos parados en un planeta cercano mirando al cielo, nos dejaría contemplando un astro de un verde radiactivo totalmente irreal. Una estrella de color verde.

la primera estrella de color verde

La ciencia ficción haciéndose realidad ante nuestras narices

Lo divertido de todo esto es ver cómo los propios científicos admiten que el hallazgo parece sacado de un relato de Isaac Asimov o Ray Bradbury. Imaginarte en la superficie de un exoplaneta alienígena levantando la vista y viendo una estrella de color verde brillando en mitad de la negrura del cosmos es de esas cosas que te reconcilian con el frikismo más puro del universo.

Además, los investigadores han descubierto que este fenómeno no es único y otras enanas blancas analizadas pueden llegar a brillar en tonos rosas, púrpuras o cian dependiendo de la dieta de restos planetarios que se hayan tragado. Vamos, que el vecindario galáctico es mucho más psicodélico de lo que nos creíamos.

¿Qué os parece este descubrimiento? ¿Os molaría mudaros a un mundo iluminado por una estrella verde u os da demasiado respeto el menú de este zombi estelar?

Un saludo y sed felices.

Crítica de Al este del Edén (2026), ambiciosa adaptación que busca derribar a sus referentes a golpe de Florence Pugh

Hace ya un tiempo que Netflix busca el prestigio crítico con ambiciosas adaptaciones de grandes novelas del siglo XX. Lo vimos con Cien años de soledad o El gatopardo. Ahora ha sido el turno de Al este del Edén, serie que debe lidiar no con uno, sino con dos referentes con los que la comparación es inevitable. Y el resultado es sorprendente, porque Al este del Edén es una de las mejores series del año, aunque no esté exenta de algunos problemas propios de las producciones televisivas actuales.

Nuestros análisis de Cien años de soledad, tanto de la primera temporada como de su segunda, así como de su final. 

Como he dicho antes, la serie cuenta con dos referentes imbatibles en la cultura popular. Por un lado, Al este del Edén es una novela publicada en 1952 por John Steinbeck, ganador del premio Nobel. Por otro lado, ya tuvo una adaptación en forma de película elevada a la categoría de mito por ser una de las tres producciones en las que intervino el malogrado James Dean.

En el caso de la película dirigida por Elia Kazan (abuelo de Zoe Kazan, creadora de la serie), la trama se centraba únicamente en el último tercio de la novela, por lo que el formato serie puede venir bien para poder adaptar la historia de principio a fin.

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A lo largo de siete capítulos de una hora de duración, Al este del Edén se centra en distintas generaciones de la familia Trask desde la Guerra Civil Americana (década de 1860) hasta la Primera Guerra Mundial. Dos hermanos enfrentados por el amor de su autoritario padre terminan por separarse definitivamente ante la irrupción de Cathy Ames, mujer cuyos actos afectarán profundamente a los distintos miembros de la familia.

La serie es un drama familiar con tintes culebronescos que abarca distintas etapas y personajes. La columna vertebral y el personaje de mayor interés para Zoe Kazan es la villana Cathy Ames, considerada una de las grandes psicópatas de la historia de la literatura y que aquí cuenta con el angelical rostro de Florence Pugh, en una magistral interpretación con ecos de Lady Macbeth, una de las películas que la descubrió. Que estos papeles sirvan para que la actriz no se enquiste en su vertiente Marvel y siga apostando por papeles que nos sorprendan.

Pugh da vida a un ser fuera de toda moral, un arquetipo que incluso coquetea con la estética vampírica a medida que la historia avanza. Su interpretación es, de largo, lo mejor de la serie y lo que hace que Al este del Edén crezca con respecto a otras que se centran en dramas familiares.

Eso sí, su mayor virtud es también fuente de un gran defecto. Steinbeck jamás pretendió dar una explicación de la actitud de la villana. Simplemente, es un ente generador del caos familiar de los Trask. Aquí se le otorga una perspectiva feminista e, incluso, un episodio de abuso infantil que en la novela no existe y que juega con el mito de que detrás de todo villano existe un trauma. Aún así, la serie no justifica los salvajes actos de Cathy Ames porque, sencillamente, su maldad va mucho más allá del contexto social en el que se encuentra.

Suyos son los mejores momentos de la serie, hasta el punto de que el primer episodio, protagonizado por los hermanos Trask, está por debajo de la calidad global de Al este del Edén.

En general, el resto del reparto no está a la altura de Pugh, exceptuando Hoon Lee como el silencioso criado y testigo de las distintas tragedias que afectan a la familia Trask, y Ciaran Hinds como Samuel Wilson, amigo de la familia en sus primeros años en California.

De los hermanos, Mike Faist está desaprovechado y aparece bastante poco con respecto a Christopher Abbot, el otro personaje clave de la historia cuya pasividad no le hace precisamente agradable ni como esposo ni como padre.

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La serie aprovecha la trama familiar a lo largo de más de cincuenta años entre finales del siglo XIX y principios del XX para tejer una fábula sobre el libre albedrío y el determinismo. Es decir, si los hijos no solo asumen los pecados de sus padres, sino también la maldad o bondad de estos.

Y, como buena superproducción de Netflix, el diseño, ambientación y fotografía son espectaculares. Da gusto ver Al este del Edén.

En definitiva, Al este del Edén es una notable superproducción de época que mete la pata intentando explicar el origen del mal de su personaje más carismático, pero que cuenta con un nivel de producción impresionante y una interpretación volcánica de Florence Pugh que la convierten en una de las series más recomendables de lo que va de año.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

 

Reseña de ABC Warriors vol. 1. Un nuevo acierto de Dolmen Editorial en su Línea Albión.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de hablaros un nuevo acierto de Dolmen Editorial, en su Línea Albión. Esta vez, queremos hablaros de ABC Warriors vol. 1. Tenemos a los mandos de la nave a Pat Mills y lo acompaña una excelsa tripulación en el arte.

ABC Warriors vol. 1

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En el universo de ABC Warriors la guerra lo ha devorado todo. Cuando los humanos ya no podían sostener el conflicto, fueron los robots quienes tomaron el relevo y cuando incluso ellos se volvieron demasiado frágiles para tanta carnicería, surgió esta peculiar unidad de combate, una escuadra de máquinas preparadas para lo imposible.

La premisa no puede ser más 2000 AD: Exagerada, salvaje, imaginativa y con ese regusto a ciencia ficción sucia, gamberra y tremendamente divertida que hace que una historia entre por los ojos desde la primera página.

Pat Mills presenta aquí a personajes que ya son puro culto para cualquier amante del cómic británico: Hammerstein, Joe Pineapples, Blackblood, Mongrol, Masa o Mek-Moto forman un grupo tan disparatado como eficaz.

Y precisamente ahí está una de las claves del tebeo: no importa solo lo que hacen, sino cómo se relacionan entre sí, cómo chocan sus personalidades, cómo sobreviven en un escenario donde todo parece diseñado para la destrucción.

La obra avanza con ritmo, con acción constante y con esa sensación de aventura trepidante que uno espera de las mejores series nacidas en las páginas de 2000 AD.

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La edición de la obra

Dolmen Editorial presenta este primer volumen dentro de su Línea Albion como una edición pensada para poner orden y contexto a un clásico imprescindible. El tomo reúne las aventuras en orden cronológico, algo que se agradece muchísimo en una serie con una trayectoria tan larga y tan ligada a la historia del cómic británico.

El libro llega en formato de tapa dura, con 280 páginas en blanco y negro y color, en un tamaño de 20 x 28 centímetros, y con un precio de 34,90€. Son datos que hablan de una edición cuidada, robusta y orientada a coleccionistas, pero también a lectores que quieran entrar en estas historias con una presentación a la altura de su importancia.

Además, la selección de autores gráficos convierte el tomo en una pequeña fiesta visual. No estamos ante una obra de un solo estilo, sino ante un mosaico de talentos que han definido buena parte del imaginario del cómic británico moderno. Y eso, lejos de romper la experiencia, le da al volumen un pulso muy especial, como si cada episodio aportara una nueva capa de energía al conjunto.

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Pinchad AQUÍ para obtener más información sobre este título, desde la web de Dolmen Editorial.

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El imponente equipo artístico.

Detrás del guion está Pat Mills, uno de los grandes nombres del cómic británico y una figura fundamental en la historia de 2000 AD. Su nombre está asociado a algunas de las series más importantes del sello, y eso ya da una idea de por dónde van los tiros: Imaginación desbordante, crítica, violencia estilizada y una capacidad enorme para construir mundos que parecen a punto de estallar en cualquier momento.

En el apartado gráfico, el volumen reúne a auténticos gigantes: Brett Ewins, Carlos Ezquerra, Dave Gibbons, Brendan McCarthy, Mick McMahon, Kevin O’Neill y Simon Bisley. Cada uno de ellos ha dejado una huella profunda en el cómic de ciencia ficción y aventura, y aquí aportan ese trazo reconocible que ha hecho grande a la casa 2000 AD.

Carlos Ezquerra es una referencia absoluta en el cómic británico, mientras que Dave Gibbons es un nombre inseparable de la historia moderna del medio. Kevin O’Neill, Simon Bisley, McMahon o McCarthy, por su parte, representan distintas formas de entender la fantasía, la exageración y la violencia visual. Juntos construyen una obra que respira personalidad por todos lados.

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Valoración personal

A mí ABC Warriors me entra por el mismo sitio por el que me entran siempre las mejores historias de 2000 AD: Por su capacidad de ser entretenida sin pedir permiso, por su energía casi punk y por ese sentido del espectáculo que nunca se toma demasiado en serio a sí mismo.

Aquí hay ciencia ficción de la buena, de la que va al grano, te atrapa con una idea potente y luego te lleva de una escaramuza a otra con una sonrisa torcida.

Si además uno viene vacunado por años de leer cómic británico, el disfrute es mayor, porque reconoce ese tono tan particular que mezcla violencia, ironía y aventura espacial con una naturalidad admirable. Las historias de 2000 AD siempre han sabido ofrecer tramas trepidantes, personajes memorables y dibujantes sobresalientes, y este volumen encaja de lleno en esa tradición.

No es solo una edición recomendable para completistas o nostálgicos. También lo es para cualquier lector que quiera descubrir por qué el cómic británico sigue siendo una de las grandes canteras de la ciencia ficción en viñetas. ABC Warriors vol. 1 tiene pulso, tiene músculo y tiene el suficiente descaro como para recordarnos por qué seguimos volviendo a estas series una y otra vez.

¡Sed Felices!

Mis primeras impresiones del sello Midnight de Marvel: Fantastic Four, X-Men y Spider-man

El estreno del sello Midnight por parte de Marvel Comics ha generado un nivel de conversación brutal entre los lectores habituales. La propuesta de reinterpretar a las franquicias de La Casa de las Ideas bajo un prisma de terror puro, body horror y oscuridad sin concesiones prometía agitar un catálogo a veces acomodado en las fórmulas tradicionales. Tras devorar de una sentada las tres entregas inaugurales que abren esta línea (Midnight Spider-Man 1, Midnight X-Men 1 y Midnight Fantastic Four 1), el balance inicial deja sensaciones de todo tipo, dos aciertos notables y una propuesta de presentación bastante más contenida de lo esperado.

Midnight Fantastic Four 1. Una presentación correcta pero escueta

Comenzando por la Primera Familia, la aproximación de Benjamin Percy y Kev Walker al universo de Los 4 Fantásticos se posiciona como el arranque más frío de la tanda. La premisa de convertir la sed insaciable de conocimiento de Reed Richards en una imprudencia que desencadena horrores antiguos sobre la Tierra funciona bien sobre el papel, pero el desarrollo de este primer número resulta excesivamente funcional.

El cómic se enfoca de manera casi exclusiva en presentar a los personajes en su nuevo contexto distorsionado y en colocar las piezas sobre el tablero. Apenas hay espacio para la acción o para desarrollar el conflicto dramático antes de llegar a la última página. Aunque el apartado visual de Kev Walker aporta esa atmósfera turbia y enfermiza que requiere el sello, este número uno se siente más como una prólogo/introducción que como una grapa con entidad propia. Cumple como aperitivo, pero deja la sensación de haberse quedado corto en ambición.

Primeras impresiones de Midnight Fantastic Four 1: Colocando las piezas en el tablero del terror cósmico

Midnight Spider-Man 1. Terror corporal y distopía en el origen del trepamuros

La sorpresa positiva de esta primera oleada llega con el trabajo de Phillip Kennedy Johnson y ScieTronc en la cabecera del trepamuros. En lugar de ofrecer un simple cambio estético, Midnight Spider-Man 1 deconstruye el mito de Peter Parker llevándolo al terreno del body horror más vísceral.

Ambientado en una distopía con tintes ciberpunk donde Oscorp ejerce un control absoluto, la picadura de la araña se convierte en una mutación monstruosa que transforma el cuerpo del joven héroe de 17 años. El guion maneja con maestría la tensión narrativa y el apartado gráfico captura la repulsión física del proceso de transformación. Es una revisión valiente, con un ritmo vertiginoso y una personalidad visual que destaca de inmediato dentro del lote de lanzamientos.

Primeras impresiones de Midnight Spider-Man 1: Ciberpunk, activismo y una reescritura arrolladora del mito del trepamuros

Midnight X-Men 1. Fanatismo religioso y opresión mutante

Cerrando la trinidad de estrenos, la propuesta para la Patrulla-X firmada por Jonathan Hickman aborda una faceta mucho más sombría del conflicto entre especies. Aquí los mutantes no buscan la coexistencia armónica ni la integración. La trama sumerge al lector en una guerra de tintes religiosos y sangrientos donde la supervivencia exige cruzar líneas morales absolutas.

Hickman vuelve a demostrar su capacidad para estructurar una mitología compleja desde la primera página. El tono es denso, violento y maduro, apoyado en una narrativa que se toma su tiempo para asentar el peso de la desesperación que rodea a los protagonistas. Es un número inicial sólido que establece de forma clara las reglas de este nuevo ecosistema y deja ganas inmediatas de continuar la lectura.

Primeras impresiones de Midnight X-Men 1: Una guerra multibando en marcha, vampiros mutantes y un caos visual

Balance general del experimento

En conjunto, el sello Midnight arranca con una base firme. Salvo el tropiezo relativo de unos 4 Fantásticos que pecan de precavidos, tanto Spider-Man como X-Men ofrecen propuestas potentes, bien ejecutadas y con la valentía suficiente para justificar la existencia de esta línea alternativa. Habrá que comprobar en los siguientes números si mantienen el nivel o si el factor sorpresa termina diluyéndose.

¿Habéis podido echarle un ojo a estos tres primeros números? ¿Cuál os ha convencido más? ¿Queréis que haga un artículo más extenso de cada número?

Un saludo y sed felices.

Del detective privado al mundo sin salida: 8 películas que explican la evolución del cine negro PARTE II

Cuando la oscuridad del detective dejó de estar fuera

Si el noir clásico nació alrededor de un detective que todavía confiaba en sus propias reglas, el cine negro moderno terminó cuestionando incluso la posibilidad de que esas reglas sirvieran para algo. El enemigo dejó de estar necesariamente en las calles y comenzó a esconderse dentro de los propios protagonistas.

Del detective privado al mundo sin salida: 8 películas que explican la evolución del cine negro PARTE I

5. L.A. Confidential (1997) — Curtis Hanson

El último gran homenaje al noir clásico

Durante años muchos pensaron que el cine negro pertenecía al pasado. Curtis Hanson demostró lo contrario con L.A. Confidential, una película que mira al Hollywood clásico mientras revela la corrupción que existía detrás de esa imagen perfecta.

No hay lirismo en su puesta en escena: es cine negro en estado puro. Con sus crímenes, corrupción y, sobre todo, violencia. Hanson apuesta por una narración ágil, vibrante y repleta de testosterona para manufacturar un Noir despiadado y sin concesiones.

Ambientada en los años cincuenta, sigue a tres policías muy diferentes que intentan sobrevivir en un departamento lleno de secretos, ambición y violencia. La película funciona como un puente entre épocas. Tiene detectives, conspiraciones y una estética heredada del viejo Hollywood, pero también una visión más moderna y crítica.

Una película en la que destacan tres componentes: una narrativa trenzada que le da profundidad a la historia, unos personajes perfectamente delineados y bien interpretados, y un elegante despliegue de secuencias violentas bien ejecutadas.

Kevin Spacey, Russell Crowe y Guy Pearce construyen personajes que empiezan creyendo en sus propias ideas de justicia y terminan descubriendo que la realidad es mucho más complicada de lo que pensaban. Kim Basinger (rompiendo con su imagen de la película de Nueve Semanas y Media) rescata el glamour de la femme fatale sin caer en estereotipos, otorgándole una sensibilidad que cala en el espectador.

En su debe, quizás con un poco más de ambición por parte del director podríamos estar hablando de una obra de arte comparable a El Padrino. También que hay momentos en los que la estética del cine negro acaba imponiéndose sobre el argumento, algo que da lugar a que la trama termine por convertirse en una historia demasiado enredada y no permita que el espectador se despiste si quiere entender la cinta.

Un neo-noir elegante, inteligente y lleno de personalidad, que se convierte en una película de detectives modélica, trepidante y contundente.

6. Memories of Murder (2003) — Bong Joon-ho

La investigación como fracaso humano

El cine negro moderno ya no busca únicamente resolver un crimen. A veces lo más importante es mostrar cómo esa búsqueda destruye a quienes intentan encontrar la verdad.

Dos detectives investigan una serie de asesinatos en una Corea rural donde las herramientas, los métodos y la propia sociedad parecen incapaces de encontrar respuestas (descubre las mejores películas sobre corrupción policial).

Bong Joon-ho (director de Mickey 7) convirtió una investigación policial real en una de las grandes películas criminales de cine negro del siglo XXI. Un thriller impresionante, excelentemente dirigido con la habitual espectacularidad de su realizador, que no renuncia a la mordacidad inherente al ser humano.

Su guion desgrana con todo lujo de detalles la pureza del cine policíaco y dota de intensidad a unos personajes con alma propia. Gracias a sus acertados giros, logran hilar una historia cautivadora que te atrapa sin remedio. A lo que ayuda su exquisita fotografía, que radiografía con precisión el intimismo de los personajes.

Su destreza argumentativa y su excelente técnica narrativa logran una mixtura de géneros magistral: mezcla suspense, humor negro y tragedia con una facilidad sorprendente. Lo que empieza como una investigación criminal acaba convirtiéndose en un retrato de la frustración y la impotencia de los detectives por resolver el caso.

Aunque una de sus mayores críticas es esa mezcolanza de géneros, ya que puede descentrar el tono de la cinta. Un tono que varía entre momentos de extrema crudeza y la comedia negra, y que roza lo absurdo en algunos métodos policiales. Esto puede romper la intriga del espectador que no esté acostumbrado a la narración asiática. Tampoco ayuda su ritmo desordenado, que expone demasiados callejones sin salida y una densidad burocrática que genera cierta frustración.

Gracias a su tono sombrío, envuelto en un ambiente pesadillesco, la película equilibra el Noir con la ambición del thriller psicológico, que se intensifica con planos salvajemente hermosos que parecen desprender los sonidos del mundo, ecos que acechan entre las sombras para reclamar su lugar, como el furor del viento y la lluvia lúgubre.

Aquí el detective ya no es un héroe que domina la situación. Es alguien perdido intentando comprender un mundo que no puede controlar. Cuenta con un final soberbio que no te puedes perder.

Memories of Murder

7. A History of Violence (2005) — David Cronenberg

El enemigo está dentro

La película demuestra que los grandes directores son capaces de desplegar su talento por obras que aparentemente son menores, pero que, sin embargo, ocultan joyas cinematográficas. David Cronenberg tomó los elementos clásicos del cine negro: la violencia, la identidad oculta y el pasado criminal, para convertirlos en un drama psicológico.

Con su lenguaje propio, impregnado con un barniz melancólico, logra darle una lectura profunda a una historia que parece simple. Un estudio soberbio sobre la violencia, sus desencadenantes y sus consecuencias, que se convierte en un análisis crítico sobre una sociedad que trata de ocultar que esa violencia forma parte de la humanidad y de su historia.

Viggo Mortensen interpreta a Tom Stall, un hombre tranquilo cuya vida cambia cuando un incidente revela que quizá no es quien todos creen. Su interpretación es convincente, repleta de matices sutiles, y Maria Bello aporta una dignidad heroica a su personaje. La dualidad amor/violencia que se establece entre el matrimonio es una de las mejores bazas de la película.

La película plantea una pregunta fundamental del neo-noir moderno: ¿podemos escapar realmente de nuestro pasado? Responde con un ritmo pausado, pero con escenas contundentes que reflejan la transformación, física y mental, de su protagonista.

Cronenberg no está interesado únicamente en la violencia física, sino en la violencia que permanece escondida dentro de las personas. Centrada en un pasado que queremos olvidar, pero del que siempre cuesta alejarse.

La cámara capta con astucia esos pequeños detalles que van subyugando la vida actual por la pasada, gracias a unas escenas de violencia coreografiadas con un silencio imperceptible pero demoledor, sin la necesidad de las grandes pirotecnias del cine de acción.

Es una película sobria, incómoda y mucho más profunda de lo que parece inicialmente, que tiene un final sublime, de esos que te hacen pensar cuando salen los títulos de crédito.

8. Prisioneros (2013) — Denis Villeneuve

El noir del siglo XXI: culpa, obsesión y desesperación

Denis Villeneuve llevó el cine negro moderno hacia un territorio todavía más siniestro con Prisioneros. Algo que ha replicado al dar una nueva dimensión al cine de ciencia ficción con Dune (podeís leer la reseña de Dune 2026 o si quereís de la retro-reseña de dune 1984).

Cuando dos niñas desaparecen, un padre desesperado decide tomar la justicia por su mano mientras un detective intenta resolver el caso siguiendo las reglas.

La película recupera una idea fundamental del noir: la búsqueda de la verdad puede transformar a una persona hasta hacerla irreconocible.

La lluvia constante, los colores apagados y la sensación de amenaza permanente convierten cada escena en una experiencia asfixiante. Su complejidad argumental y sus giros de guion mantienen la tensión del relato, que se apoya en una atmósfera oscura, actuaciones viscerales y creíbles, una fotografía que capta el tono sombrío de la trama y una banda sonora que acentúa la sensación de angustia y desasosiego.

La habilidad del director nos regala secuencias con un montaje elaborado que juegan con los códigos del suspense, un juego de luces y sombras que da forma a las personalidades y las acciones de los protagonistas. Su banda sonora aporta un estilo minimalista y claustrofóbico que realza la angustia psicológica de la historia.

No es una película fácil debido a su crudeza explícita de tortura, algo que puede incomodar a la audiencia. Su premisa deprimente, acentuada por un ambiente lúgubre y desesperanzador, dificulta que sea una experiencia de puro entretenimiento. Tampoco ayuda su excesivo metraje, que se extiende demasiado.

Aquí ya no hay detectives elegantes ni códigos de honor. Solo quedan personas intentando sobrevivir en un mundo donde las respuestas pueden ser tan dolorosas como las preguntas. Una cinta que no rebosa originalidad, pero sí la intensidad suficiente para lograr sacudir las emociones de los espectadores.

Conclusión: el cine negro nunca desapareció, solo cambió de rostro

Desde Philip Marlowe caminando por las calles de Los Ángeles hasta los detectives derrotados de Memories of Murder o los personajes obsesionados de Prisioneros, el cine negro ha evolucionado porque la sociedad también lo ha hecho.

El detective clásico buscaba descubrir la verdad. El cine negro de los años setenta descubrió que la verdad podía estar enterrada bajo capas de corrupción. Y el neo-noir moderno llegó todavía más lejos: a veces la mayor amenaza no es el mundo exterior, sino aquello que llevamos dentro.

Esa es la razón por la que estas películas sobre detectives siguen fascinando décadas después. Porque detrás de cada crimen, cada investigación y cada misterio siempre hay una nueva pieza que encajar en el rompecabezas del mundo.

Del detective privado al mundo sin salida: 8 películas que explican la evolución del cine negro PARTE I

Carl El Mazmorrero Vol.1 | Adorad a vuestra princesa y disfrutad de la mazmorra

Salir a Seattle de noche, en calzoncillos de corazones, chaqueta y unas Crocs rosas para rescatar a la gata de tu exnovia ya es bastante humillante; que justo en ese instante una corporación alienígena aplaste todos los edificios de la Tierra para transformar el planeta en un macabro programa de telerrealidad intergaláctico es tener muy mala suerte.

Bajo esta premisa tan delirante arranca Carl el Mazmorrero: La Novela Gráfica, la adaptación del fenómeno literario de Matt Dinniman que Norma Editorial publica en una cuidada edición rústica de trescientas páginas a color. Con guion adaptado por Tevagah y el dibujo del estudio Laurel Pursuit, este primer volumen convierte el fin del mundo en el espectáculo más salvaje, irreverente y adictivo.

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Quienes hayan pasado cientos de horas disfrutando de videojuegos RPG se sentirán como en casa desde el minuto uno, porque esta obra no solo toma prestadas las mecánicas del rol, sino que entiende a la perfección a los jugadores. Al cruzar las escaleras hacia la Mazmorra, la realidad se vuelve una interfaz viva: menús flotantes, barras de salud, puntos de experiencia, asignación de estadísticas y un inventario donde cabe cualquier basura que Carl decida saquear ‘por si acaso’.

Cualquier veterano de títulos como Diablo o Baldur’s Gate se verá reflejado en la frustración de empezar la partida con un equipamiento ridículo, a nivel 1, sufriendo con cada enemigo. A esto se suma una Inteligencia Artificial cargada de mala leche, que reparte ‘logros desbloqueados’ profundamente sarcásticos y cajas de botín por cometer estupideces o aplastar duendes de formas poco ortodoxas, mientras su guía Mordecai intenta explicar un tutorial en medio del caos.

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Sin embargo, por muy brillantes que sean los guiños gamer y la acción desenfrenada, hay una estrella indiscutible que se roba cada viñeta del cómic: la Princesa Dónut. Lo que empieza siendo una gata persa  a la que Carl carga a regañadientes da un giro magistral cuando el felino se come una «galleta para mascotas mejorada» obtenida en un cofre legendario. De repente, Dónut adquiere conciencia humana, la capacidad de hablar y estadísticas mágicas desproporcionadas. Lejos de convertirse en una mascota fiel y agradecida, emerge como una diva aristocrática, caprichosa e hilarante. Su obsesión con su tiara y su habilidad para disparar proyectiles mágicos son oro cómico puro.

El carisma arrollador de Dónut eclipsa a cualquier monstruo de la mazmorra, convirtiendo su dinámica con Carl en el verdadero motor de la historia; de hecho, su encanto es tan alto que va a ser la protagonista indiscutible.

Trasladar un género tan denso en datos como el RPG al lenguaje del noveno arte era un reto mayúsculo, pero el equipo artístico lo resuelve con una fluidez envidiable. En lugar de saturar la página con textos interminables, las ventanas de estado, las descripciones burlonas de los objetos y los mensajes del ‘juego’ se integran de forma orgánica en los combates. El apartado visual es muy clásico del webtoon, de línea limpia, expresiva y colores vivos.

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EN CF: TODOS LOS CÓMICS QUE PUEDES ENCONTRAR RESEÑADOS EN NUESTRA WEB


Carl el Mazmorrero logra ese equilibrio entre la sátira feroz contra el entretenimiento extremo, las mecánicas de estos dungeon crawler y la comedia de colegas más disparatada. Tanto si vienes de devorar las novelas originales como si buscas una lectura fresca que hable el idioma de los videojuegos sin tomarse en serio a sí misma, abrir las páginas de este tomo equivale a que te toque un objeto mítico en tu primer cofre de botín. Prepárate para subir de nivel, reír a carcajadas, platinar este título y, sobre todo, arrodillarte ante la majestuosidad felina de la Princesa Dónut.

Aquí os dejo la página de Norma editorial donde encontrar Carl El Mazmorrero:

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Un saludo y sed felices ¡Level Up!

Crítica de La Agencia temporada 2. La mejor serie de espionaje vuelve a lo grande cargada de intrigas y conflictos personales

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La segunda temporada de La Agencia ya está disponible en SkyShowtime y sus diez nuevos capítulos tienen la intención de consolidar su apuesta por un thriller de espionaje alejado de los artificios habituales del género. Con Michael Fassbender al frente de un reparto de lujo, la serie vuelve a sumergirnos en un mundo de operaciones encubiertas, secretos y lealtades cuestionables, donde las decisiones profesionales pueden tener consecuencias devastadoras en la vida personal de sus protagonistas. Recordemos que la serie es una adaptación estadounidense de la serie francesa Oficina de infiltrados (Le Bureau des Légendes).

Crítica de La Agencia. Una serie de espías realista y con un reparto de lujo

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Martian no teme ensuciarse las manos

Esta nueva temporada continúa explorando las contradicciones de unos agentes obligados a ocultar su verdadera identidad incluso a las personas más cercanas. Una propuesta que destaca por su tono sobrio y su reparto de lujo, y que tiene la virtud de equilibrar mejor las diferentes tramas que mantiene abiertas.

Martian, entre el deber y los sentimientos

Brandon Martian (Michael Fassbender) vuelve a ocupar el centro de la historia. El agente de la CIA debe enfrentarse a nuevas complicaciones profesionales mientras intenta gestionar una vida personal cada vez más difícil. Su relación con Samia Zahir (Jodie Turner-Smith) vuelve a ser el principal motor dramático de la serie, poniendo de manifiesto la incompatibilidad entre los sentimientos y un trabajo en el que cualquier debilidad puede convertirse en un peligro.

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Samia Zahir empieza la temporada en un situación muy complicada

La serie acierta al presentar el conflicto sentimental como algo más que un añadido romántico. Las relaciones personales condicionan las decisiones de los protagonistas y pueden comprometer operaciones enteras. En este universo, confiar en alguien supone asumir un riesgo que no siempre merece la pena.

Otro punto positivo es como los guionistas juegan con la personalidad de Martian, mostrándolo como alguien frio que no tiene ningún problema en traicionar a sus compañeros e incluso a su país con tal de lograr lo que quiere en última instancia: que Samia sea libre. Esa dicotomía entre el tempano de hielo que es en su trabajo y lo volcánico que resulta cuando se trata de Samia es lo que hace que el personaje sea realmente interesante. Permite a Michael Fassbender lucirse al ofrecer dos caras tan opuestas para un mismo personaje. En muchas ocasiones el espectador se siente agobiado viendo a Martian hacer malabares con múltiples pelotas sin que se vea una salida fácil a los problemas en los que él mismo se ha metido

A las dificultades de nuestro protagonista se suman las sospechas de posibles traiciones dentro de la propia organización y las operaciones internacionales que amplían el alcance de la historia. La desconfianza se convierte así en una constante: nadie parece disponer de toda la información y cualquier compañero puede esconder algo.

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Este personaje traerá de cabeza a nuestros protagonistas

Por otro lado, hay varias tramas que acompañan a la de Martian complementando y dando mayor profundidad al argumento principal a la vez que dotan de mayor poso a la temporada. La historia de la agente Ruiz Morata (Saura Lightfoot-Leon) cobra más importancia y queda totalmente claro a donde quieren ir los guionistas con ella, algo que no pasaba en la primera temporada. Owen (John Magaro) cobra mayor importancia y su relación con Blair (Ambreen Razia) sirve de contrapunto positivo a la relación romántica un tanto tóxica de Martian y Samia. Sin olvidar el placer que siempre supone ver en pantalla a Jeffrey Wright, dando vida a Henry, el jefe de Martian, que en esta ocasión está empeñado en descubrir al topo que opera en la Agencia.

Un espionaje alejado de los tópicos

Uno de los mayores atractivos de La Agencia sigue siendo su manera de abordar el género. Aquí no encontramos a un espía invencible que resuelve cualquier problema a base de persecuciones y tiroteos. La tensión nace de las conversaciones, las sospechas, la información incompleta y las decisiones tomadas en despachos donde cada palabra puede tener consecuencias.

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Owen no dudará en demostrar su valia

La serie apuesta por un ritmo pausado que permite observar el funcionamiento de los servicios de inteligencia y el desgaste psicológico que provoca trabajar constantemente bajo presión. Los protagonistas deben interpretar comportamientos, anticiparse a sus adversarios y convivir con la posibilidad de que una equivocación arruine meses de trabajo.

Esta aproximación resulta refrescante para quienes buscan un thriller más adulto y menos espectacular. Cuando las distintas piezas comienzan a encajar, la serie demuestra su capacidad para mantener el interés sin recurrir constantemente a grandes golpes de efecto.

Un reparto de auténtico lujo y una factura técnica a la altura

Si hay un apartado que sostiene la ficción, es el interpretativo. Michael Fassbender, Jodie Turner-Smith, Jeffrey Wright o Richard Gere (Bosko, el jefe de la CIA en Londres) completan un reparto de primer nivel, reforzando el peso de las intrigas institucionales.

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Tres actorazos al servicio de la CIA

Todos ellos contribuyen a dotar de credibilidad a una historia en la que las interpretaciones importan tanto como los acontecimientos.

Visualmente, esta segunda temporada mantiene una estética sobria y elegante. Los despachos, los espacios institucionales y los escenarios internacionales contribuyen a construir una atmósfera fría, apropiada para un universo en el que la confianza es un bien escaso.

La fotografía evita el espectáculo gratuito y concede especial importancia a los rostros y los pequeños gestos. La puesta en escena acompaña el tono de la narración, mientras que el montaje y la música refuerzan la tensión sin necesidad de subrayar constantemente cada giro argumental.

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‘Gremlin’ va a conocer los sacrificios a pagar en su trabajo

El resultado es una producción cuidada que entiende que el espionaje no necesita grandes explosiones para resultar interesante.

En resumen, una gran serie de espías que mejora con esta nueva temporada

La segunda temporada de La Agencia confirma las virtudes de una ficción que apuesta por el espionaje psicológico, los conflictos morales y las relaciones personales. Michael Fassbender continúa siendo su principal reclamo, acompañado por un reparto sobresaliente y una producción que mantiene un nivel técnico notable.

Una de sus principales bazas es el aumento de intrigas y operaciones internacionales que sirven para ampliar el universo de la serie y para dotarla de mayor empaque. La relación Martian-Samira sigue siendo el eje central, pero ya no es el único foco de interés de la serie.

La Agencia se mantiene como una propuesta recomendable para quienes prefieren los thrillers de espionaje que apuestan por la inteligencia antes que por la acción constante. Una serie adulta, elegante y con personalidad propia que demuestra que, en el mundo de los secretos, las decisiones más peligrosas no siempre se toman sobre el terreno.

La segunda temporada no solo mantiene el nivel de la anterior. Las nuevas tramas secundarias son muy interesantes y dan como resultado una historia más redonda. Hay buenos personajes, grandes interpretaciones y suficientes dilemas para seguir explorando este universo.

Análisis de Outlander: Sangre de mi Sangre. Temporada 2. Episodio 5

Llegamos a la mitad de la segunda temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre con su quinto episodio titulado Perdóname, Padre.  Creada por Matthew Roberts y basada en los personajes creados por la escritora Diana Gabaldon, la serie de Starz puede ser vista en España por Movistar+ y en Latinoamérica por Disney+.

Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo, aquí de nuevo para analizar otro episodio de Outlander: Sangre de mi Sangre y hoy nos toca el quinto, con el cual llegamos a la mitad de esta segunda temporada. La revuelta jacobita ha entrado ya en su fase bélica, generando ello que Brian y Henry combatan en bandos enfrentados. Julia tiene que lidiar con el delirio psicótico de Seema y Ellen tiene mucha mala suerte…

Pero pasemos mejor a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos de Outlander: Sangre de mi Sangre y aquí los de su ya concluida serie madre Outlander.

Conversaciones de Castillo

Comenzamos con Colum rezando. Le habla en parte a Dios y en parte a su fallecido padre, lamentándose entre lágrimas de no haber sabido continuar su legado y llevar a cabo acciones que, por el contrario, terminaron hundiendo al clan. Pregunta si la lección que debe aprender es que no se puede encontrar el amor si no es a costa de sangre, así como si habrá para esta altura perdón para él.

Ned le anoticia de la traición de Lord Lovat, quien ha tomado Inverness, y de que Dougal se ha encontrado en el sur con las fuerzas de Mar. Reflexionando junto al fuego, muestran incertidumbre por la batalla y las posibles consecuencias de una eventual derrota, pero Ned busca tranquilizar a Colum con que ha sido una gran decisión poner las propiedades a nombre de Ellen, cuyo nombre no quedará pegado a la revuelta.

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Colum, torturado por las culpas, trae a colación el recuerdo de su padre, de quien Ned manifiesta que su debilidad era Ellen, lo cual lleva al primero a lamentar haber sido precisamente él quien expuso a su hermana y la convirtió en escudo en lugar de protegerla.

La tercera conversación (si se puede considerar como tal a la primera) la tiene Colum con su esposa. Hablan del hijo en camino y ella pregunta qué ocurrirá si es niña, pero él dice que en ese caso estará más que agradecido de que no tenga que cargar con la responsabilidad de liderar a hombres que luego le abandonen o traicionen. Y si es niño, le enseñará lo que su padre no le enseñó: que el poder no se adquiere por herencia, sino que se gana y se resguarda…

Mujeres en Conflicto

Como viéramos al final del episodio anterior, Seema mantiene encerrada a Julia mientras sigue amenazante y daga en mano. Algo ingenuamente, esta pretende convencerla de que descanse y duerma, pero desde ya que no quiere.

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Discuten sobre Henry, procurando Julia hacerle entender que lo que él le haya dicho habrá sido solo por amabilidad y por ver en ella un depositario para su tristeza y soledad. Pero Seema está convencida de que él regresará a ella y que, por mucho que manifieste amar a Julia, se olvidará de ella en cuanto ya no esté de por medio. Una forma bastante directa de decir que piensa matarla, sin que se entienda por qué no lo hace de una vez por todas en lugar de andar explicando su plan de vida…

Nada dice cuando Julia le pregunta por el bebé, de lo que esta deduce que piensa quedárselo. Si no era lo que pensaba, ahora lo piensa, pues el rostro de Seema se ilumina al vislumbrar que el niño nunca recordará el rostro de su madre biológica y terminará creciendo con una sustituta del mismo modo que en alguna parte lo estará haciendo Claire. Algo así como decirle a Julia que ya perdió una hija y ahora perderá también un hijo. Duro…

Pero, en un momento de distracción, Julia logra hacer que pierda la daga y se le echa encima como una leona enfurecida mientras oímos de fondo su propia voz leyendo una de las cartas a Henry. Apretando con fuerza el cuello de Seema, no para hasta dejarla exánime…

Un momento después llega Davina trayendo al pequeño William en brazos y Julia siente un gran alivio de ver al bebé bien y de que Seema no se lo hubiese finalmente llevado a ningún lado. De hecho, Davina no tiene idea de lo ocurrido y, cuando pregunta por Seema, Julia le responde que “se ha ido”, lo cual es bastante cierto…

Vencedores Vencidos

Brian y Dougal, unidas ahora las fuerzas lideradas por este último a las del conde de Mar, se aprestan para la batalla de Sheriffmuir, pero las miradas entre ambos lo dicen todo y, especialmente, la del segundo, que insiste arreglar cuentas cuando la guerra haya concluido.

Hay arenga de ambos lados, tanto del propio Dougal a los jacobitas como del duque de Argyll a las fuerzas de la Corona en que están alineados Henry y Bug. Este quiere saber sobre el reino de las hadas y Henry le cuenta que estas qusieron quitar de su memoria el recuerdo de su hija, pero no lo lograron, ya que el mismo se reactivó al volver a ver a su esposa. Bug le pregunta si ha estado ya en la guerra y responde que “en las más grande de todas”.

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La lucha comienza y se libran combates cuerpo a cuerpo bajo la humareda del fuego de artillería. Rupert Mackenzie cae muerto ante la dolida mirada de su primo Dougal, que traduce su dolor incrementando la furia. En un momento, Brian y Henry se encuentran cara a cara, pero se quedan mirándose estáticos uno al otro mientras la escena transcurre alrededor de ellos en cámara lenta y, entre el fragor del combate, los hombres siguen luchando sin que nadie les moleste ni interrumpa su momento…

Vemos luego la batalla ya concluida y, aunque del lado jacobita hay quienes hablan de victoria, Dougal no lo ve así, pues sabe que las fuerzas de Argyll se han replegado para reorganizarse y quiere salir a darles caza antes de que consigan hacerlo. Pero cuando más tarde vemos que se están contando muertos y atendiendo heridos, llega al galope Alec MacMahon (Michael Cooke) trayendo noticias de que la supuesta retirada era en realidad una trama y Dougal ha caído en la misma siendo capturado.

Fiel a la promesa hecha a Maura de que lo traería con vida, Brian se apea a su montura para salir en plan de rescate presumiendo que Dougal ha sido llevado a Fort William y, haciendo lo propio, Murtagh sale a acompañarlo aun cuando lo vea como un corto camino a la horca…

En el campamento de los leales a la Corona, tampoco está claro el vencedor de la batalla y Bug se sorprende de que Henry no haya desertado, como daba por descontado que haría. Henry se justifica en que, por mucho que quiera volver a sus seres queridos, no podría el resto de su vida mirarles a la cara si huía como un cobarde y, por otra parte, tampoco le gustaría enfrentar la ira de Murdina si llegase esta a enterarse que dejó abandonado a su esposo. Ambos ríen…

Por otra parte, alguien se acerca a felicitar a Henry por su desempeño en la batalla y se le presenta como el capitán Lord Gerard Grey (Digby Edgley), quien justamente ha capturado a Dougal y cuyo nombre nos hace de inmediato establecer relación con alguien a quien conocemos bien de la serie principal; ya hablaremos de ello. Por lo pronto, quiere saber en dónde ha adquirido Henry sus habilidades de combate y este le dice que es una larga historia que se compromete, aunque de manera algo tácita, a contarle algún día…

Encuentros al Costado del Camino

Ellen y Grace, en tanto, hacen un alto en su viaje de regreso. Conversando acerca de Murtagh, la primera dice a la segunda que, al mirarla este, reconoce en sus ojos lo mismo que en los de Brian al hacer lo propio con ella. Interpreta además que Grace es para Murtagh un enigma que no logra terminar de descifrar. Qué quieren que les diga: Ellen parece la clásica muchacha que, para aliviar su conciencia, quiere emparejar con una amiga suya al pretendiente que ha rechazado.

Pero cuando se echan a dormir, Ellen despierta con el cañón de un arma en la mejilla y su primera presunción de que se trata de un ladrón se desvanece al ver allí a Robert Mackinney (Macleod Stephen), a cuyo padre ella ha matado. Obviamente busca venganza y, tras atarlas, dice a Ellen entre dientes que no la llevará a cabo de manera rápida porque quiere que sienta por sí misma el dolor que a él le ha provocado. Ella busca convencerlo de que deje ir a Grace, pero él la considera su cómplice si estaba a su lado…

Ellen busca entonces conmoverlo por el lado de que no es igual a su padre ni tiene por qué serlo, además de hablarle de Janet, su propia hermana también fallecida en los hechos que llevaron a la muerte de James Mackinney. Golpeado en su conciencia, Robert acaba libérándolas y, mientras corta sus ataduras, Ellen le dice que no hay debilidad en lo suyo, pues se requiere mucho más coraje para bajar una espada que para alzarla…

No tiene de todas formas chance de decirle mucho más porque alguien golpea en la nuca a Robert dejándolo inconsciente para luego echarse a Ellen al hombro como lo haría un bárbaro de las montañas, lo que en buena medida es. Y descubrimos entonces que se trata de Balloch (Chick Allan), el matón que Lord Lovat envió a buscarlas…

Balance del Episodio

Después de tanto anuncio y preámbulo, llegamos a mitad de temporada con la revuelta jacobita ya en curso y eso es bueno porque, más allá de que la historia nos espoilee cruelmente el resultado final de la misma, el universo Outlander siempre se enriquece cuando se codea con los hechos. La batalla de Sheriffmuir, en efecto, ocurrió en noviembre de 1715 y, tal como aquí se muestra, su definición quedó inconclusa, terminando en todo caso el bando de la Corona con una victoria estratégica antes que bélica.

Eso sí: entre las fuerzas jacobitas al mando del conde de Mar y las inglesas comandadas por el duque de Argyll se supone que participaron en la batalla unos dieciocho mil hombres, número que no se condice mucho con lo visto en pantalla y que, muy convenientemente, las imágenes disimularon al centrarse de manera especial en los enfrentamientos cuerpo a cuerpo antes que que en el combate abierto. Es cierto que las formaciones de batalla de ambos bandos están muy bien recreadas, pero también lo es que no hemos vuelto a ver en la franquicia otra Culloden.

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Tanto durante la lucha como después de la misma hubo situaciones que quedaron irresolutas, siendo la más notable el cara a cara entre Henry y Brian, del cual no nos dieron siquiera indicios de qué pasó o qué hicieron respectivamente ambos a continuación. Sorprende ese bache porque no era un encuentro menor tratándose de dos de los personajes principales de la serie. Y, por supuesto, no podía faltar el clásico cliché de que todos se siguieran matando alrededor mientras ellos se tomaban todo el tiempo del mundo para mirarse fijamente.

Me gustó la conversación sobre las hadas y el modo ingenioso en que Henry se las compuso para contarle de todos modos a Murtagh lo que prácticamente le pasó, aunque más no sea en metáfora. Me sigue llamando la atención, eso sí, el modo repentino y no del todo explicado en que se fue gestando la amistad entre ambos.

Y gran detalle la aparición de Gerard Grey que, desde luego, es el padre de John, lo que da lugar entonces a una interesante paradoja porque el hijo de quien apresó a Dougal Mackenzie será un día el que salve la vida de su sobrino Jamie Fraser. Y si hablamos de paradojas, está a punto de producirse otra si Brian rescata a Dougal en cumplimiento de la palabra que empeñó ante Maura. ¿Mantendrá el segundo sus amenazas hacia el primero en caso de que así sea?

Lo que sí puede ocurrir es que todo ese asunto mantenga demasiado entretenido a Brian como para acudir al rescate de Ellen ahora que ha sido raptada, aunque con el tono feminista sobrexplicado que viene trayendo la serie, no me encaja demasiado ella como damisela en apuros y quizás termine apañándoselas sola de todas formas, como ya lo hizo en Leoch.

Lo que no se puede negar es que tanto ella como Grace tienen muy mala suerte, pues bastó que hicieran un alto en su camino para que en ese lugar fueran encontradas tanto por Robert MacKinney como por el matón de Lovat. Y pensar que uno a veces se queja de que todo pareciera estarle en contra…

Fuera de todo ello, hemos visto un capítulo correcto en el cual han cobrado especial protagonismo las culpas, las que respectivamente afectan a Colum por no sentirse un heredero a la altura y a Brian por sentirse niñero de Dougal aun cuando no haya estado siquiera presente al momento de ser este capturado.

Habrá que ver cómo siguen las cosas en el próximo episodio, con el cual entraremos ya en la segunda mitad de la temporada. Les espero aquí para analizarlo. Hasta entonces y sean felices…

¿Cambio de rumbo en Gotham? James Gunn confirma que los planes para el Batman del UCDC han evolucionado

Ya sabemos de sobra cómo se las gastan en Hollywood con los planes a largo plazo, te los venden a bombo y platillo en una presentación idílica y, con el paso de los años, la realidad es otra. Y eso es lo que está pasando con el Batman de James Gunn.

Echando un ojo a lo último que se cuece en las webs norteamericanas, nos hemos enterado de que el mismísimo James Gunn ha soltado una perlita en redes sociales que ha puesto todo patas arriba. A la pregunta directa de un fan sobre si los planes creativos para el Batman del nuevo UCDC habían cambiado desde el anuncio oficial de The Brave and the Bold en 2023, la respuesta del mandamás de DC Studios fue tajante por su contundencia telegráfica, un simple y rotundo «Yep» (Sí).

James Gunn confirma que los planes para el Batman del UCDC han evolucionado

¿Adiós al plan original con Damian Wayne o simple evolución de guion?

Un monosílabo de esta categoría lanzado por el arquitecto del cotarro desata inmediatamente el pánico y las teorías conspiranoicas en internet. Recordemos que el proyecto inicial se vendió bajo la premisa de adaptar los cómics de Grant Morrison introduciendo de golpe a Damian Wayne (el hijo de Bruce) como el nuevo Robin, planteando una dinámica de padre e hijo bastante radical.

Cuando los fans han intentado rascarle más información sobre si el bueno de Damian sigue en la ecuación, o si han mandado parte del enfoque a la trituradora, Gunn ha optado por el clásico «esperad y ved». Entre que el director asignado (Andy Muschietti) anda con la agenda movida y que se han ido afinando los libretos de la casa, está claro que la película ha mutado sobre la marcha en los despachos.

¿Veremos a un Bruce Wayne más joven de lo previsto inicialmente? ¿Habrá bailes de fechas para no pisarle la capa al Batman de Matt Reeves? Lo único seguro es que el Caballero Oscuro del UCDC se está cociendo a fuego lento, pero la receta del papel original ya ha sufrido modificaciones en la cocina.

¿Qué pensáis de este volantazo creativo? ¿Hay volantazo creativo? ¿Tenéis ganas de ver a Damian Wayne en la gran pantalla o preferíais que adaptasen una etapa más clásica y solitaria del murciélago?

¿Acción fuera del planeta y cameo del Caballero Oscuro? Los jugosos rumores sobre Superman Man of Tomorrow

Un saludo y sed felices.

Retro-Análisis: Lo que el viento se llevó (1939). El inicio de la etapa dorada en Hollywood

Si Lo que el viento se llevó es o no el inicio de la etapa dorada de Hollywood puede llevar a una discusión más o menos larga. Unos dirán que la misma tuvo lugar a partir de los años 50, otros que antes, que fue la de los 40 y, como siempre digo, para opiniones, colores. A mi parecer a partir de los años 40 del siglo pasado y durante al menos veinte años, la excelencia de la industria americana alcanzó cinematográficamente su cénit. Y una de las películas de las que podemos decir que hicieron que ese fenómeno ocurriera es sin duda Lo que el viento se llevó.

Qué nos cuenta Lo que el viento se llevó

Scartett O’hara (Vivien Leigh) vive en la opulencia de una plantación de Georgia llamada Tara. Su vida tranquila y llena de lujos da un vuelco de ciento ochenta grados cuando estalla la guerra entre el norte y el sur, evento que destruye justamente su estatus social y el de muchas familias sureñas.  Y, mientras ello ocurre, su obsesión amorosa (e inalcanzable) por Ashley Wilkes (Leslie Howard) y su tumultuosa relación con Red Buttler (Clark Gable) marcarán su destino y el de las personas que la rodean.

Qué la hace especial 87 años después de su estreno

Se dice pronto el que una película tenga 87 años y siga siendo tan magnética para quien la descubre, o como yo, la revisione y le siga enamorando. Las razones serían muchas y trataremos de descubrirlas en esta maravilla del séptimo arte.

Personajes que son iconos del cine.  Es evidente que el núcleo de esta epopeya cinematográfica es el personaje de Scarlett O’hara, interpretado de manera magistral por una magnética Vivien Leigh.  Es imposible no enamorarte de su vitalidad, de su inmadurez, de sus caprichos. Leigh construye un personaje con un coraje a prueba de bombas que, a medida que avanza la trama de la película basada en la novela de Margarett Mitchell, demuestra tener muchos matices. Solo por ese personaje ya vale la pena ver las casi cuatro horas de metraje.

Scarlett es caprichosa, vanidosa, inmadura, egoísta y sobre todo manipuladora. Todo eso lo percibimos al conocer al personaje pero, a medida que discurren los eventos y, específicamente, la guerra, vemos sus defectos mutar hacia virtudes más que destacadas. Su voluntad de resistencia y de supervivencia, sumadas a su tenacidad por recuperar lo que antaño fuera Tara, hacen de Scarlett uno de los personajes más importantes ya no solo de la película sino de la historia del cine.

El contrapunto de Scarlett es el cínico, aventurero y pragmático Rhett Butler en manos de un maravilloso Clark Gable. Su personaje y el de Scarlett chocan desde el minuto uno en una batalla de voluntades que tendrá encuentros y desencuentros a medida que avance la historia. De hecho, Rhett es el único que sabe ver a través de las máscaras de Scarlett y, en consecuencia, también el único que en verdad sabe cómo es realmente ella. Se establece entre ambos un juego de seducción y orgullo que desencadena en uno de los finales más dramáticos de la historia del cine.

Y Mammy, por supuesto.  Cómo olvidarnos de Mammy en la piel de la actriz Hattie McDaniel cuando fue esta la primera actriz afroamericana en ganar el Oscar de la Academia.  Aunque su papel pueda parecer secundario en la historia que la película cuenta, el mismo refleja bien la importancia que tienen los mal llamados actores o actrices de reparto, sin los cuales no podríamos destacar ni esta ni otras producciones cinematográficas.

Su rol de «chacha» de la família O’Hara y su relación con Scarlett (míticos esos momentos en los que le reprende por sus travesuras) es el de un personaje que nos acompaña a lo largo de la historia que acontece en pantalla y cuyo aporte es a mi entender vital en varios momentos de la trama.

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Aspectos que la convirtieron en icono del cine

Technicolor. Esta es la palabra que define el aspecto visual de esta película. La fotografía de Ernest Haller, quien sería después conocido, entre otras producciones, por Alma en suplicio (Mildred Pearce, 1945) o Rebelde sin causa (Rebel without a case, 1955), destaca por esos planos de amaneceres encendidos, atardeceres saturados por un rojo sangriento o la espectacular escena de la quema de Atlanta donde varios estilos fotográficos se conjuraron para ofrecer a los espectadores un momento inolvidable.

El diseño de producción de William Cameron Menzies otorga categoría de obra pictórica a cada uno de los encuadres y composiciones, como esas vistosas escenas de coloridos bailes y maravillosos vestuarios que muestran tal paleta de colores que parece imposible contar cuántos distintos hay en pantalla. Los escenarios de Tara, la mansión donde viven Rhett y Tara o la pasión por los detalles en la ambientación hacen de Lo que el viento se llevó un hito del cine.

Por otra parte, si algo es reconocible para quien ve esta película desde el minuto uno es la banda sonora de Max Steiner, sin duda, uno de los mejores compositores de bandas sonoras de la historia del séptimo arte.  El famoso e inolvidable » Tema de Tara» es inconfundible para quien la haya escuchado una sola vez y destaca por encima de una banda sonora que está llena de emoción y dramatismo.

Y el trabajo que como director hace Victor Fleming, obviamente, es uno de los aspectos principales de esta producción de casi 240 minutos. Su buen hacer dirigiendo este gigante en forma de celuloide y su equilibrio entre el drama y los elementos épicos son elementos más que remarcables.

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El mensaje que transmite Lo que el viento se llevó

La lucha por la supervivencia que transmite la película sigue vigente hoy en día en una sociedad muchas veces fracturada por las diferencias sociales que la atraviesan. La resiliencia del personaje de Scarlett y su obsesión por recuperar ya no solo su status social anterior, sino también, e incluso más, el orgullo de pertenencia a la tierra que la vio nacer, nos da el mensaje de que no hay nada más importante que los valores relacionados a la familia y, justamente, a la propia tierra.

Podemos recomendar esta película a quien quiera conocer cuáles fueron los comienzos del star system, de las estrellas hollywoodienses, del poder de los estudios y de una de las mejores décadas del cine clásico como es la de los 40. Sí, esta película se estrenó en 1939, pero se puede englobar sin ningún problema dentro de lo que se definió como cine clásico en la década siguiente.

Sus estrellas Leigh y Gable fueron y serán siempre iconos por lo que representaron al protagonizar una de las mejores y más emblemáticas producciones de la historia del cine, una que, por cierto, se alzó con nada menos que diez premios Oscar (ocho competitivos y dos honoríficos), incluyendo mejor película, director, actriz principal y actriz de reparto .

Os dejo, por si os interesa, otra review referida a otro gran filme que es también parte de la historia del cine: Ben – Hur (1959), con Charlton Heston. AQUÍ.

El cómic de la semana: Las Ciudades Oscuras. Integral 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Las Ciudades Oscuras. Integral 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hoy tenemos el inmenso placer de presentaros una obra monumental de la ciencia ficción de todos los tiempos. Las Ciudades Oscuras. Integral 1. Nos lo ha traído (como no podía ser de otra manera) Norma Editorial.

Las Ciudades Oscuras. Integral 1.

Ciudades

Hablar de Las Ciudades Oscuras es hablar de una de las grandes cumbres del cómic europeo y, sin exagerar, de una obra fundamental para cualquier lector que ame la ciencia ficción.

Benoît Peeters y François Schuiten comenzaron este proyecto en 1982 y desde entonces han construido un universo que mezcla literatura fantástica, arquitectura imaginaria y una extraña melancolía urbana que no se parece a nada más.

Norma Editorial inaugura ahora su edición integral en cuatro tomos con un primer volumen que reúne Las murallas de Samaris, La fiebre de Urbicande, Los misterios de Pdhry y El archiuista, cuatro historias que, juntas, trazan una puerta de entrada excepcional a este mundo.

Ciudades

El viaje por las cuatro historias

En Las murallas de Samaris se abre la senda con una ciudad enigmática, cerrada sobre sí misma, donde la apariencia importa tanto como la verdad.

El protagonista llega a un lugar tan hermoso como inquietante, y pronto comprende que la ciudad esconde una lógica propia, casi viva, en la que nada resulta del todo fiable. Es una historia de descubrimiento, pero también de desorientación, de esas que dejan al lector con la sensación de haber entrado en un sueño geométrico.

La fiebre de Urbicande es probablemente el álbum que mejor resume la ambición intelectual de la serie. Un objeto de forma simple, una estructura aparentemente inocente, altera el equilibrio de la ciudad y desencadena un crecimiento que parece desafiar cualquier control humano.

Peeters y Schuiten convierten esa idea en una reflexión sobre el orden, la expansión, el poder y la fragilidad de las utopías urbanas. Es ciencia ficción en estado puro, pero también una parábola sobre cómo las ciudades pueden cambiar a quienes las habitan.

En Los misterios de Pdhry, la saga vuelve a apostar por el misterio y la exploración. La narración avanza entre atmósferas densas y una sensación constante de que el mundo oculto siempre es más importante que el visible.

Aquí el peso de la arquitectura y del entorno sigue siendo decisivo, porque en Las Ciudades Oscuras el espacio nunca es un simple decorado: Es parte esencial del relato.

Cierra el volumen El archiuista, una historia que introduce una mirada más reflexiva sobre la memoria, la catalogación y la conservación del conocimiento.

Su presencia en el tomo tiene mucho sentido, porque actúa como una especie de síntesis del proyecto: comprender las ciudades oscuras exige también archivarlas, interpretarlas y aceptar que el saber nunca es del todo completo. Esa mezcla de aventura, ensayo y poesía visual es una de las grandes virtudes de la obra.

Ciudades

Una edición a la altura

Norma Editorial presenta este primer libro en formato cartoné, con 328 páginas a color y un tamaño generoso de 22,3 x 29,7 cm, ideal para disfrutar del despliegue gráfico de Schuiten.

El volumen tiene un PVP de 48 euros, una cifra lógica para una edición integral de estas características, pensada como libro de fondo y objeto de colección.

La apuesta editorial es clara: Ofrecer una edición cuidada para una obra que exige espacio, respiración y una reproducción solvente de sus detalles. En este caso, el formato no solo acompaña a la obra; la potencia.

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Pinchad AQUÍ para obtener más información de Las Ciudades Oscuras. Integral1; desde la web de Norma Editorial.

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Ciudades

El imponente equipo artístico

François Schuiten nació en Bruselas en 1956 y creció fascinado por la arquitectura, una influencia decisiva en todo su trabajo posterior. Aunque no llegó a estudiar esa disciplina de manera formal, convirtió edificios, ciudades y perspectivas imposibles en el núcleo de su imaginario visual.

Benoît Peeters, nacido en París en 1956, también se crió en Bruselas y compartió pupitre con Schuiten durante años, una relación que acabaría dando lugar a uno de los dúos más singulares del cómic contemporáneo. Escritor, teórico y narrador, Peeters ha sabido dar a la serie una base literaria y conceptual muy poco habitual en el medio.

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Valoración final

Como aficionado a la ciencia ficción, me parece imposible no rendirse ante la grandeza de Las Ciudades Oscuras. No estamos ante una serie que aspire únicamente a entretener o a sorprender con una idea brillante: Estamos ante una obra que construye una mitología propia y que utiliza la ciudad como metáfora de la memoria, del poder y de los límites del conocimiento.

Esa capacidad para unir emoción, pensamiento y belleza visual es lo que la convierte en una lectura fundamental.

Además, su vigencia es extraordinaria. Aunque nacida hace décadas, sigue dialogando con preocupaciones muy actuales: La expansión urbana, la fragilidad de los sistemas, la tensión entre progreso y control, o la necesidad de preservar la memoria frente al desgaste del tiempo. Pocas obras de ciencia ficción en cómic han logrado un equilibrio tan fino entre imaginación desbordante y solidez conceptual.

En definitiva, este primer integral no solo inaugura una edición cuidada de una serie mítica, también reafirma el lugar de Las Ciudades Oscuras entre los grandes clásicos del género. Para cualquier lector que ame la ciencia ficción en cómic, en literatura o en cine, es una obra que no debería faltar en nuestra biblioteca.

Echadlo un ojo, adentraos, disfrutadlo …

¡Y seréis Felices!