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Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 4. Episodio 4

Rodolfo Del Bene
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Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 4. Episodio 4

Continuamos analizando la cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds, en este caso con su cuarto episodio titulado Un Caso de Claroscuro que viene, precisamente, con formato noir en blanco y negro.  Creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, la serie puede ser vista en España por Skyshowtime y en América Latina por Paramount+.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies.  Una vez más aquí para analizar otro episodio de Star Trek: Strange New Worlds que, ya para esta altura, bien sabemos que gusta sorprendernos con jugando con los géneros.  Y así como las dos entregas previas de esta cuarta temporada lo hicieron con el terror y la comedia, este cuarto episodio lo hace con el cine noir estilo cuarenta.

La cosa viene entonces en blanco y negro, pero esto es Star Trek, así que hay una excusa acorde que lo justifica.  Pasemos pues a ver qué ha ocurrido en el capítulo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en esta web nuestros análisis previos, tanto de esta como de otras series y películas de la franquicia.

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Planeta Noir

Comenzamos con bitácora a cargo de Una que, en una lanzadera y en su primera misión como comandante, se dirige con Uhura y M´Benga a rescatar una sonda que, sobrecalentada y luego apagada, ha ido a parar por inercia al sistema Mat’Aar, en territorio klingon.  Deben, por lo tanto, evitar que sea descubierta por estos, al igual que andar con cuidado de no ser detectados porque podría el asunto derivar en guerra fría.

Lo particular es que allí todo se ve en blanco y negro debido a la alteración que, en la percepción de los colores, provocada por el espectro infrarrojo de la estrella del sistema.  Logran dar con la sonda y transportarla, pero un crucero imperial D7 hace súbita presencia y, desde la Enterprise, Pike recomienda ocultarse en el planeta Mat’Aar 12 y mantenerse «invisibles» hasta que puedan ir a buscarlos.

Apenas ingresar a la atmósfera, son detectados por un sistema de alerta, aunque no identificados: saben que alguien ha llegado, pero no quién.  Dejándola oculta y replicando vestimentas del lugar, salen a andar por una ciudad de estética retrofuturista con pobladores que lucen sombreros y abrigos largos como los de los cuarenta.  Siendo un planeta ocupado, llama la atención no ver ningún klingon, pero pronto ven imágenes holográficas de estos impartiendo órdenes e instrucciones a los locales.

Un sujeto llamado Roman (Demore Barnes) les sale al cruce y parece reconocer a Una, pero la llama Nevette y dice que la daban por muerta, lo que hace evidente que alguien allí se le parece mucho. Presentando a sus acompañantes como dos nuevos reclutas, Una es puesta por este al tanto de que la requieren en el cuartel general por un asunto y, al llegar, descubren que el mismo funciona en un bar tan retro como todo allí, con naipes y… pianola.

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M´Benga dice por lo bajo que Roman es un claro colaboracionista klingon a juzgar por el brazalete y Una es llevada a ver a una prisionera de la «resistencia» a la que están interrogando sin éxito en busca de información.  Pidiendo estar a solas con ella, se lleva la sorpresa que la muchacha también la llama Nevette, pero no la ve como enemiga sino como alguien de su bando.

Sabiendo que será torturada hasta quebrarla, ruega a Una que se haga cargo del liderazgo y le informa que la frecuencia es 34.6 megaherzios sin que esta, desde luego, entienda mucho.  Tras ello, comienza a largar espumarajos por la boca y convulsiona hasta morir con claros síntomas de envenenamiento.

Un líder militar klingon se hace presente y M´Benga lo reconoce como el comandante Kor (Andy McQueen), descendiente de Kahless, el Inolvidable y… gran conocido nuestro (ya volveremos).  Este se muestra decepcionado de que la prisionera haya muerto y hay tensión con Nevette, a quien incluso amenaza con pérdida de privilegios.

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Una, siempre representando su papel, dice que el que la joven se haya quitado la vida solo muestra la cobardía que caracteriza a los traidores.  A Kor parece complacerlo y considera a Nevette como una de sus más leales subordinadas.

M´Benga y Uhura descubren que en el bar hay miembros infiltrados de la resistencia y usan la música de la pianola para transmitir información.  No pueden permanecer mucho más allí, por lo que Una sugiere ir a la lanzadera y esperar ser contactados por la Enterprise.

Al salir, sin embargo, se encuentran con que hay guardias klingon pidiendo identificaciones.  Un hombre que no la tiene recibe una descarga al intentar escapar y Uhura  tiene el reflejo de ayudarlo, pero solo sirve para llamar la atención y que le requieran también la suya.

No teniéndola, Uhura acaba detenida y Una quiere intervenir, pero M´Benga le advierte que no podrán ayudarla si son también arrestados.  Un hombre se les acerca y, presentándose como Ha’Lem, resulta ser el bartender que minutos antes vieran en la barra.  Es miembro de la resistencia y enésimo en tomar a Una por Nevette, pero el primero en hacer referencia a esta última como líder del movimiento.

Se compromete a ayudar a Uhura a recuperar su libertad falsificando una tarjeta de identificación, pero necesita que Una (Nevette) le dé la suya propia, habida cuenta de que los klingon han hecho cambios de seguridad.  Ella manifiesta, obviamente, no llevarla encima y él le recomienda que comience a hacerlo en lugar de tenerla siempre en su oficina, lo cual les da la pauta de dónde buscarla.

Señal Misteriosa

En la Enterprise, Spock y La’an están inspeccionando la sonda rescatada y ella se pregunta si los klingon les habrán enviado un caballo de Troya, aclarándole al vulcano que es algo que está en la Odisea.  Este apunta que conoce a los griegos y que la sonda estuvo solo ciento sesenta horas en territorio klingon, tiempo que, sin embargo, ella considera suficiente.

Descubren un chip alterado, pero nada ha sido introducido y sí, en cambio, extraída información.  Y las sospechas de La’an  se ven aumentadas por una misteriosa señal de comunicación que Spock relaciona con el crucero klingon, aconsejándole no dejarse llevar por la paranoia que la viene afectando últimamente.

No dándose por vencida, ella va a ver a la nueva y muy poco simpática cadete vulcana que, al parecer, es especialista en el tema.  A pesar de su renuencia inicial, termina ayudándola y descubre con sorpresa que la señal es de ida y vuelta, teniendo su origen en las habitaciones de Scotty.

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Yendo pues La’an a verlo, este le dice algo muy parecido a lo expresado por Spock sobre las señales de los klingon que, de hecho, tienen en esa zona del espacio un carácter casi fantasma debido a la propia influencia de la estrella que les hace ver todo en blanco y negro: ni siquiera pueden detectar sus naves.  Ella se marcha, poco convencida…

Debo quedarme o debo irme…

Uhura es sometida a interrogatorio y los klingon quieren saber los planes de la resistencia, específicamente con respecto a cierta fábrica de municiones, pero ella no tiene idea y afirma ser solo una aldeana (ambas cosas reales, por cierto).  Kor amenaza pues llevar un paso más allá sus sádicos métodos de tortura mental…

Mientras tanto, Una y M’Benga logran introducirse en la oficina de Nevette y no hay rastro de la tarjeta.  Hasta que un dispositivo facial reconoce el rostro de ella y una puerta secreta revela una sección oculta en la cual no solo encuentran lo que buscan, sino también imágenes del planeta antes de la ocupación klingon, así como también listas de familias que fueron al parecer ayudadas por Nevette a escapar y… los planos de la fábrica de municiones.

Los klingon están cerrando la atmósfera del planeta con un campo de fuerza que vaporizará cada nave que entre o salga sin autorización.  Y la idea de la resistencia es desbaratar el mismo a través de un detector de proximidad que esperan robar del depósito de municiones  y provocará (en la frecuencia de 34.6 Mhz) un impulso electromagnético capaz de desactivarlo.

El hallazgo más impactante, de todos modos, es cuando encuentran en una cámara criogénica el cuerpo ya sin vida de Nevette.  Una se siente como viéndose muerta a sí misma y M´Benga procura hacerle entender que, por mucho que se le parezca, no es ella.

Ha’Lem logra replicar la tarjeta que consiguieron y Uhura es liberada con una severa advertencia de Kor.  Al reencontrarse con sus compañeros, los pone al tanto de que ha escuchado hablar a los klingon en un dialecto raro y que traman un golpe de estado que pondrá al planeta aún más bajo su yugo, convirtiéndolo en abierta dictadura y eventual puesto de avanzada ante la Federación.

Una entra en un dilema.  Por mucho que M´Benga le insista en que no es su guerra, duda entre irse cuando tengan la oportunidad o quedarse a ayudar a los rebeldes.  Y recuerda que, siendo niña, su familia no se sumó a la lucha contra quienes ocuparon la colonia: una culpa que, aunque no específicamente suya, le acompañó después de por vida.

Por otra parte, resulta que el buscado detonador se activa al cruzar un puesto de avanzada klingon, lo que significa que se trataba de una misión suicida.  Aunque M´Benga quiera convencer a Una de que no tiene por qué ser ella quien la lleve a cabo,  esta se introduce en la fábrica de armas y logra apropiárselo, pero es interceptada por Roman, quien sabe que es una impostora por ser precisamente él quien mató a la verdadera Nevette.

Intenta dispararle pero, en el forcejeo, Una le quita el arma y, para sorpresa de Roman, lo deja ir.  Obviamente, este parte a avisar a los klingon, pero no sabe que ella le puso en el bolsillo el detonador, así que, al pasar el puesto de control, una gran explosión deja todo sin energía y desactiva el campo de fuerza del planeta.

Gracias a ello, la Enterprise logra no ser vista y rescatar al trío de desembarco, previo a lo cual Una se despide de Ha´Lem, ya al tanto de que no es Nevette pero pidiéndole, aun así, que se quede a liderarlos.  Ella lo agradece, pero manifiesta no pertenecer allí y que la resistencia ya tiene un líder de todas formas…

Colores

En la Enterprise, La’an ha puesto al corriente a Pike de sus sospechas, dándole este vía libre para investigar la señal misteriosa.  Sin embargo, y por mucho que hurgue, no logra encontrar cómo ni dónde se pueda haber producido la extracción de información.  Hasta que va a ver a Chapel y esta confiesa su culpa…

Resulta que la nave médica Yang, en la cual ella sirvió mucho tiempo y tiene amistades, cruzó en algún momento a la zona klingon sin autorización y ese dato no puede ser conocido ni siquiera por la Federación o devendrá en sanciones y despidos.  Les quiso, pues, dar una mano borrándolo y apela a su amistad con La’an para que actúe del mismo modo…

Es así que cuando Pike pregunta luego a La’an por el resultado de su investigación, le responde que lo más importante que logró averiguar es que Scotty y Ortegas son ahora amigos, pero nada sobre la señal y sus sospechas eran infundadas…

De regreso en la lanzadera, M´Benga informa que Ha´Lem ha logrado ya sacar a muchas familias de Mat’Aar 12.  Pero Una lamenta que no podrá sacar a todos y la respuesta klingon terminará a la larga llegando.  Él no puede evitar relacionar con la clásica encrucijada del médico entre lamentar las vidas que no logró salvar y celebrar las que sí.

Ella se pregunta si ha hecho lo correcto y él le cuenta que debió una vez matar a un líder tiránico para salvar las vidas de los internos de un hospital.  Concluye que nada es blanco o negro en el preciso momento en que Uhura avisa que están dejando el sistema Mat’Aar y el rostro de Una, en imagen muy simbólica, va pasando al color…

Balance del Episodio

Ha sido este un capítulo en blanco y negro, pero sobre todo de grises, tanto en la fotografía como en el desarrollo de los personajes.  Clarísimo el homenaje a los años cuarenta, ya sea al cine negro o al filme quizás más icónico del Hollywood de esa década como lo es Casablanca (aquí retro-análisis).  Tenemos un bar, un bartender, un piano (aunque mecánico) y la escena en que el himno de guerra klingon es acallado por el rítmico golpear y palmotear de los locales es referencia harto evidente.

No es, por cierto, la primera vez que la franquicia rinde tributo al legendario filme de Michael Curtiz: lo ha hecho en el episodio Siempre nos quedará París de TNG (01×21) y en Ganancias y Pérdidas, de DS9 (02×18).  Tampoco es la primera vez que se mete con el género gansteril y basta con recordar en la serie original el episodio La Ciudad al Fin de la Eternidad (01×28), para muchos el más icónico del universo trekkie.

Pero lo  interesante es el modo en que se recurrió al blanco y negro o, mejor dicho, a la escala de grises para crear un paralelismo entre la estética del capítulo y el desarrollo de los personajes.  Ello se aprecia tanto en el dilema de Una como en la historia que sobre el cierre cuenta M´Benga, pero también, aunque de modo más marginal, en la decisión que toma Chapel de ocultar información y en la de La’an, que hace lo propio para proteger a una amiga.

La analogía queda más que clara cuando M´Benga reflexiona que no siempre las cosas se presentan siempre blancas o negras o cuando, a continuación, el rostro de Una va volviendo al color en la medida en que dejan atrás la influencia de la estrella Mat’Aar.  La reflexión sobre los difusos límites entre el bien y el mal no es ajena a una franquicia que nunca esquivó los dilemas morales y, en este capítulo en particular, queda más  que plasmada en la deliciosa fotografía que ayudó a graficar las ambivalencias.

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Hemos tenido, por otra parte, oportunidad de reencontrarnos con el comandante Kor o, mejor dicho,  encontrárnoslo por primera vez si nos atenemos a la cronología de la franquicia, pues volveremos a saber de él en la serie original, en la animada de los setenta y en tres episodios clave de DS9.  Esta sería, por lo tanto, su presentación formal y siempre reconforta saber que los guionistas no olvidan que SNW es una precuela.

Y buen detalle histórico/mitológico que La’an relacione al caballo de Troya con la Odisea,  ya que es allí donde Homero hace referencia al mismo a través de indirectas historias narradas por terceros y no, como suele creerse, en la Ilíada, donde no hay mención (la historia más conocida y pormenorizada del caballo, incluso, no la cuenta Homero, sino el poeta romano Virgilio en la Eneida).

Ahora bien, así como el episodio sale airoso en lo estético y lo simbólico (además de entregarnos un gran trabajo de Rebecca Romijn), hay cuestiones que se ven algo forzadas.  Puedo perdonar que una estrella provoque el efecto del blanco y negro, pues ya no quedan dudas de que esta cuarta temporada se permite más licencias y pone las necesidades narrativas por encima del rigor científico, pero queda sin ser explicado por qué había un doble de Una en Mat’Aar 12 y, honestamente, no me deja muy conforme la explicación de M´Benga acerca de que lo raro es que no se encuentren con sus dobles más seguido, habida cuenta de lo vasto que es el universo.  Como dos episodios atrás, volvemos a dejar cosas sin explicar…

Ha habido también unos cuantos baches argumentales.  El plan de la resistencia para desactivar el campo de fuerza quedó un poco en la nebulosa y no llegué a entender cómo dieron Una y M´Benga con la oficina de Nevette cuando no podían simplemente preguntar la dirección sin delatarse al hacerlo.  Tampoco por qué  Roman, habiendo él mismo matado a Nevette, no denunció desde un primer momento a Una como impostora ante los klingon.  Y, con respecto a estos últimos, ¿por qué el traductor universal no puede traducir sus dialectos y Uhura sí?

En definitiva, me ha gustado este cuarto episodio, pero más desde su estética y su significación que atendiendo a los pormenores de su trama, que han hecho bastante agua.  Creo que el tercero sigue siendo hasta aquí el mejor de la temporada.

A ver qué nos trae el próximo.  Hasta entonces y sean felices.  Larga vida y prosperidad…

 

 

El cómic de la semana: A.I.D.P. Integral 10

Mario Losada
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El cómic de la semana: A.I.D.P. Integral 10

Bienvenidos un sábado domingo más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos A.I.D.P. Integral 10. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Si hay algo que define nuestra relación de amor-odio con las estanterías de casa es la artillería pesada que nos sueltan de vez en cuando las editoriales, y en este caso cualquier integral de este maravillo mundo de Mike Mignola. Si ya tenemos la espalda destrozada de cargar con los tochacos de Hellboy, el universo extendido decidió hace tiempo que los agentes de la A.I.D.P. (la Agencia de Investigación y Defensa Paranormal) no iban a ser menos en esto de ocupar espacio vital en formato de lujo.

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Hace ya unas semanas que se plantó en las librerías especializadas el A.I.D.P. Integral 10, ese mastodonte de lomo verde que corona por todo lo alto una de las etapas más salvajes, oscuras y corales de todo el Mignolaverso. Hoy, en nuestro clásico El cómic de la semana de Las Cosas que nos hacen felices, nos toca despiezar este tomo no para deciros lo obvio de si mola o no mola (que ya sabemos de sobra que juega en otra liga), sino para meternos directos en daros mi opinión

El fin de los días: ¿Qué se esconde dentro de este volumen?

Si habéis seguido la pista de los tomos anteriores, sabéis que la colección llevaba tiempo mutando. Pasamos de las primeras misiones de campo de corte clásico a un escenario postapocalíptico donde la Tierra se ha ido literalmente al garete.

Este décimo volumen recopila el tramo final y definitivo de la macro-saga «El infierno en la tierra» (Hell on Earth). Aquí ya no hay misiones de infiltración discretas ni expediciones rutinarias a casas encantadas, sino que lo que tenemos entre manos es una guerra abierta y desesperada contra la extinción de la humanidad a manos de monstruos lovecraftianos, plagas lovecraftianas y divinidades primigenias que han decidido que nuestro planeta sea su patio de recreo particular.

Las tramas convergen de manera implacable y los frentes abiertos en distintas partes del globo colisionan en un clímax donde ningún personaje tiene asegurado el billete de vuelta. Es una lectura densa, atmosférica, que te atrapa desde el principio y te obliga a pasar las páginas con el corazón en un puño, viendo cómo el mundo que conocían Kate Corrigan, Johann Kraus y el resto de supervivientes se desmorona pedazo a pedazo.

Los arquitectos del horror

Si este monumental tomo funciona como un reloj suizo macabro es, en gran medida, por el dream team que hay detrás de los lápices y los guiones. La batuta principal recae sobre las espaldas de John Arcudi y el propio Mike Mignola, los arquitectos que idearon cómo expandir el universo más allá de las fronteras de Hellboy para dotar a la agencia de una personalidad propia, mucho más coral, trágica y terrenal.

Arcudi maneja los tempos del drama como pocos en el cómic americano actual. Sabe perfectamente cuándo frenar la acción para que veamos el desgaste psicológico de unos personajes que llevan años arrastrándose por el barro y cuándo desatar el caos absoluto.

En el apartado gráfico, el volumen es una auténtica gozada visual gracias a la labor de artistas de la talla de James Harren, Max Fiumara, Laurence Campbell y los trazos de colaboradores habituales que entienden a la perfección la atmósfera opresiva de la casa. El dibujo de Harren, por ejemplo, aporta una dinamita y una visceralidad frenética a las escenas de acción que contrasta maravillosamente con el terror estático y geométrico que exigen los momentos más místicos.

Y, por supuesto, es imposible hablar del apartado estético sin hincar la rodilla ante Dave Stewart. Su paleta de colores es el pegamento invisible de todo el tebeo. Sin su color, este universo no sería lo que es.

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He creado una guía de lectura en Whakoom para que podáis seguirla en esa plataforma con todas las portadas.

  • Hellboy (Edición integral) 1
  • Hellboy (Edición integral) 2
  • AIDP (Edición integral) 1
  • AIDP (Edición integral) 2
  • AIDP (Edición integral) 3
  • AIDP (Edición integral) 4
  • Hellboy (Edición integral) 3
  • Sir Edward Grey – Cazador de brujas (Edición integral) 1
  • Bogavante Johnson (Edición integral) 1
  • Bogavante Johnson (Edición integral) 2
  • AIDP (Edición integral) 5
  • AIDP (Edición integral) 6
  • AIDP (Edición integral) 7
  • Hellboy (En el infierno) (Edición integral) 4
  • AIDP (Edición integral) 8
  • Abe Sapiens (Edición integral) 1
  • AIDP (Edición integral) 9
  • Abe Sapiens (Edición integral) 2
  • AIDP (Edición integral) 10
  • Abe Sapiens (Edición integral) 3
  • Sir Edward Grey – Cazador de brujas (Edición integral) 2

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EL ESPERADO FINAL DE LA SAGA DE EL
INFIERNO EN LA TIERRA

METAMORFOSIS

EL FIN DE LOS DÍAS

LLEGA LA HORA

La A.I.D.P. intenta defender la Tierra de uno de los míticos Ogdru Jahad, el dragón que las leyendas dicen que traerá el fin del mundo. Los agentes deben destruirlo, así como multitud de monstruos que está creando, pero los costes de la batalla serán más altos para unos que para otros.

Mientras, el director del Servicio de Ciencias Especiales ruso Iosif Nichayko, busca la ayuda de Varvara para que le guíe en el Infierno.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Norma editorial.

A.I.D.P. Integral 10

Un saludo y sed felices.

Marvel suelta un nuevo trailer en español de Vengadores Doomsday desde el D23

Mario Losada
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Marvel suelta un nuevo trailer en español de Vengadores Doomsday desde el D23

Bienvenidos, un día más, a vuestra (y mía) casa comiquera en la red, Las Cosas que nos hacen felices. ¿Os pensabais que nos íbamos a ir a dormir tranquilos este fin de semana después del aluvión de noticias que ha soltado Kevin Feige en el D23? ¡Pues claro que no! Cuando todavía nos estamos recuperando de ver los fichajes oficiales para los nuevos mutantes, la maquinaria del UCM ha decidido darnos el coup de grâce con el plato fuerte del postre, el nuevo trailer en español de Vengadores Doomsday.

Hace literalmente unas horas, durante el panel principal de la convención en Anaheim, Marvel Studios ha reventado Internet liberando por sorpresa el primer tráiler oficial en castellano de Vengadores Doomsday. Y ojito, porque la cosa viene cargadita de tensión, multiverso y un cambio de tercio absoluto que nos deja a todos con el culo torcido.

¡Bombazo en el D23! Marvel revela por fin el reparto oficial de los nuevos X-Men para el cine

El desembarco definitivo. Las piezas se van colocando de cara a ese gran evento cinematográfico que marcará un antes y un después en la historia reciente de Marvel en la gran pantalla.

Una antesala histórica para el cine de superhéroes.

Con el estreno fijado en el horizonte para final de año, cada segundo de metraje que sueltan los hermanos Russo y compañía se analiza con lupa en los foros de medio mundo. Ver cómo suena ya el doblaje oficial en castellano de este adelanto nos mete de lleno en la recta hacia el evento comiquero más mastodóntico de la década. (Recuerdo que la saga de Thanos es de la década pasada) La vieja guardia se despide, las nuevas incorporaciones piden paso, y el caos amenaza con arrasar con todo lo que creíamos conocer.

Y vosotros, ¿ya habéis analizado fotograma a fotograma este primer avance de Vengadores: Doomsday o preferís llegar virgen a la butaca del cine?

Un saludo y sed felices.

¡Bombazo en el D23! Marvel revela por fin el reparto oficial de los nuevos X-Men para el cine

Mario Losada
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¡Bombazo en el D23! Marvel revela por fin el reparto oficial de los nuevos X-Men para el cine

A ver, seguidores de Las Cosas que nos hacen felices, dejad lo que estéis haciendo. Llevamos años esperando el momento en que Kevin Feige dijera esta boca es mía respecto a cómo van a saltar los mutantes al redil oficial del UCM tras la compra de Fox. Pues bien, la bomba ha estallado hace apenas unas horas en el D23 Expo 2026, y el listado de actores que formarán la nueva Patrulla-X de la gran pantalla nos ha dejado a todos con la boca abierta, o al menos a muchos de nosotros. Ya tenemos el reparto oficial de los nuevos X-Men.

Apunta la fecha en el calendario porque la maquinaria ya se ha puesto en marcha con vistas a un estreno fijado para el 5 de mayo de 2028, bajo la batuta del director Jake Schreier (el mismo de Thunderbolts). Pero vamos a lo jugoso, que es lo que nos quita el sueño, ¿quién es quién en esta nueva era?

Los elegidos para la gloria mutante

Lo que se ha presentado en el escenario de Anaheim no son meros rumores de pasillo, sino la alineación oficial confirmada por la propia Marvel. Agárrate fuerte porque hay nombres muy, muy sonados:

Sadie Sink como Jean Grey. Un secreto a voces que ya venía haciendo correr ríos de tinta tras su paso por el entorno de Spider-Man en Spider-man Brand New Day, y que por fin se consolida como el pilar central de esta nueva generación.

reparto oficial de los nuevos X-Men

Kit Connor como Scott Summers (Ciclope). El bueno de Connor cambia las dinámicas adolescentes de otras series por las gafas de sol de rubí y el liderazgo del equipo.

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Christopher Abbott como el Professor X (Charles Xavier). Un fichaje de un actor de altísimo nivel que promete darle una profundidad tremenda al mentor de los mutantes.

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Samara Weaving como Emma Frost (La Reina Blanca). Si alguien dudaba de la elegancia, el hielo y la mala leche que exige la Reina Blanca, la elección de Weaving clava el perfil a la perfección.

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Inde Navarrette como Rogue (Pícara). Una de las incorporaciones más celebradas por el fandom para encarnar a la sufrida mutante sureña.

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Maya Boyd como Storm (Tormenta). La actriz aportará presencia escénica y fuerza a una de las divas comiqueras por excelencia.

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La gran sorpresa: ¿Villano de categoría?

Por si el plantel principal fuera poco, la guinda del pastel la ha puesto Adam Driver, cuya incorporación se ha confirmado mediante un mensaje en vídeo que ha revolucionado el auditorio. Lejos de los rumores que lo situaban en otros bandos, Driver encarnará a Nathaniel Milbury, la identidad humana del infame Mister Siniestro. Casi nada al aparato. Tener a un actor de su calibre enfundado en la mente retorcida y obsesionada con la genética de Siniestro le da un empaque al villano que ya quisieran otras fases del estudio.

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¿Qué significa esto para el futuro?

Mientras que la vieja guardia de la época de Fox se despide definitivamente con Vengadores Doomsday, Marvel Studios ha trazado una línea clarísima hacia el futuro. Ya no estamos ante meros cameos en el multiverso, sino ante un casting cerrado, pensado desde cero para integrarse en el engranaje principal de la casa.

La acogida en redes no ha tardado en polarizarse, como suele pasar en esta bendita familia comiquera, los que aplauden la frescura y el talento puro de los fichajes frente a los clásicos puristas que miran con lupa cada elección.

¿Vosotros qué opináis? ¿Os convence esta alineación para arrancar la nueva era de los mutantes en el cine o echabais en falta a algún otro nombre en el banquillo?

Un saludo y sed felices.

Guía de verano: 7 novelas gráficas que no te puedes perder

El Escritor Nómada
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Guía de verano: 7 novelas gráficas que no te puedes perder

El verano es el momento perfecto para perderse entre las viñetas inesperadas de una gran historia. Ya sea con la arena bajo los pies, en el refugio fresco de una biblioteca o disfrutando de una tarde perezosa en casa, pocas cosas apetecen más que abrir un buen cómic y dejarse llevar por mundos llenos de aventuras.

Las novelas gráficas tienen esa capacidad especial de transportarnos a lugares imposibles, así como de emocionarnos y conseguir que durante unas horas olvidemos todo lo que nos rodea. Fantasía, ciencia ficción, terror, aventuras y grandes historias humanas se dan cita en este listado de siete obras que merecen acompañarte durante las vacaciones.

7 novelas gráficas recomendadas para leer este verano

1. Cadáveres exquisitos. Norma editorial. 

Si lo tuyo es moverte entre la tensión y lo salvaje, con una melodía grave de acción e historias que exploren la brutalidad hasta el límite, Cadáveres Exquisitos (aquí la reseña) es una de esas lecturas que llegan para sacudirte. James Tynion IV, acompañado por un grupo de artistas internacionales, construye una brutal historia de supervivencia donde el humor negro, la violencia y la crítica social se mezclan en un cóctel explosivo.

La premisa ya deja claro por dónde van los tiros: cada cinco años, las familias más poderosas de Estados Unidos organizan un juego macabro en el que doce de los asesinos más peligrosos del mundo son enviados a un pequeño pueblo de Maine durante Halloween. Solo uno podrá salir con vida.

Tynion IV vuelve a demostrar su talento para crear conceptos extremos con personajes repletos de matices. Sus protagonistas no son simples víctimas o monstruos; detrás de cada decisión hay miedo, rabia y desesperación. Una trama divertida, irreverente y salvaje que se disfruta de principio a fin. El apartado gráfico acompaña perfectamente esa sensación de caos. Es una obra incómoda, sanguinolenta y excesiva, pero precisamente ahí está parte de su encanto. Sus dibujos aportan una energía visual arrolladora que convierte cada página en una experiencia tan incómoda como fascinante.

Sangre, locura y supervivencia en una historia tan salvaje como adictiva. De esas capaces de tenerte enganchado una tarde verano sin mirar el móvil durante un buen rato.

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2. Las Guerras de Lucas: Episodio II. Norma editorial. 

Una saga que ha marcado la historia del cine como Star Wars da para mucho juego. Tras el éxito de la primera entrega, Laurent Hopman y Renaud Roche regresan para contarnos una de las aventuras más apasionantes detrás de las cámaras: el complicado nacimiento de El Imperio contraataca.

Convertido en una leyenda de Hollywood, George Lucas decidió apartarse de la dirección y asumir el enorme riesgo de financiar la secuela con su propio dinero. Lo que parecía una apuesta segura acabó convirtiéndose en una producción llena de problemas, dudas y tensiones personales que pusieron en peligro todo el proyecto.

Hopman construye un guion que combina precisión documental y emoción, exponiendo no solo cómo se hizo una película, sino también el enorme sacrificio que existe detrás de cualquier gran creación y mostrándonos algunas de las decisiones que acabarían cambiando la historia del cine. El dibujo de Renaud Roche aporta un genuino ritmo cinéfilo, recreando con enorme personalidad algunos de los momentos más iconográficos de la saga. Sus páginas recrean rodajes, reuniones y momentos históricos con una energía muy cinematográfica.

Una lectura imprescindible de este verano para los amantes de Star Wars… y para cualquiera que disfrute descubriendo cómo nacen aquellas obras que, por designios de la Fuerza, acaban convirtiéndose en leyenda. (no te pierdas la reseña sobre las Guerras de Lucas).

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3. Descender. Integral 1. Astiberri

La ciencia ficción también tiene un hueco en esta lista gracias a una de las mejores obras de Jeff Lemire. Descender nos propone una emocionante odisea espacial donde la acción convive con una profunda reflexión sobre la identidad, el miedo y la necesidad de encontrar un lugar en el universo.

Hace una década, unos gigantescos robots conocidos como los Cosechadores aparecieron en el espacio y arrasaron los mundos del Consejo Galáctico Unido. Desde entonces, los androides viven perseguidos y prohibidos. En medio de ese escenario despierta TIM-21, un pequeño robot que puede esconder la respuesta al mayor misterio de la galaxia.

Lemire vuelve a demostrar su enorme sensibilidad para construir personajes inolvidables. Una habilidad que le permite transformar lo simple en una densa propuesta cósmica que acaba por devorar las emociones de los lectores. Pocas historias de ciencia ficción consiguen mezclar espectáculo, emoción y preguntas sobre la humanidad como Descender. (Pinchando tienes un análisis del cómic) 

El dibujo de Dustin Nguyen deslumbra con unas acuarelas de una belleza extraordinaria que convierten cada planeta en un auténtico espectáculo visual. Sus personajes transmiten una ternura y una humanidad que logran calar en el lector, aportando un extra de emoción a su lectura.

Una aventura espacial emocionante, conmovedora y perfecta para viajar este verano sin moverte de la hamaca.

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4. Sláine: El Dios Cornudo. Edición 35 aniversario. Norma Editorial. 

Pocas obras representan mejor la fantasía heroica más salvaje que Sláine (conoce más sobre el personaje con el cómic de la semana). Esta edición recupera una de las etapas más legendarias del personaje creado para la revista 2000 AD, donde la mitología celta, la magia y la violencia se unen para construir una epopeya inolvidable.

La historia tiene todos los ingredientes de la fantasía heroica clásica: dioses antiguos, monstruos, batallas imposibles y un protagonista que parece capaz de atravesar cualquier enemigo a base de fuerza y furia. Sláine deberá unir los diferentes reinos de Tir Nan Og para hacer frente a los fomorianos, una amenaza que representa el caos y la destrucción. Una historia repleta de batallas, conspiraciones y antiguos dioses que mantiene intacta toda su fuerza décadas después de su publicación.

Pero lo que convierte esta edición en algo especial es el trabajo de Bisley. Sus páginas tienen una energía difícil de igualar: cuerpos gigantescos, escenarios llenos de movimiento y una sensación constante de estar contemplando una ilustración que podría colgarse en una pared.

Un autor que revolucionó el mundo del cómic con ilustraciones cargadas de fuerza, movimiento y brutalidad que siguen siendo tan impresionantes hoy como hace treinta y cinco años. Una fantasía épica y desatada que sigue siendo una referencia imprescindible, ya sea verano o no, para cualquier amante del género.

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5. Birthright Vol. 1 y 2. Yermo Ediciones

Si te apetece perderte en un mundo de magia, criaturas fantásticas y grandes aventuras, Birthright es una apuesta segura. Joshua Williamson y Andrei Bressan parten de una premisa brillante: un niño desaparece y regresa años después convertido en un guerrero adulto que asegura haber estado luchando en un reino fantástico.

A partir de ahí, la serie mezcla la épica de la fantasía con un intenso drama familiar donde la pérdida, las heridas del pasado y las decisiones de los personajes adquieren tanto peso como la acción. Porque el verdadero conflicto no es solo salvar un reino mágico: también es descubrir qué ha ocurrido con una familia rota por una desaparición que nadie consigue superar.

Mientras Williamson mantiene el misterio y el ritmo con continuos giros de guion, Andrei Bressan da vida a un universo espectacular repleto de criaturas, magia y escenarios dinámicos que se entremezclan con el drama intimista de la vida cotidiana. Sus paisajes insólitos y sus escenas de acción resultan espectaculares, pero la historia funciona porque debajo de las capas de fantasía hay emociones muy humanas.

Una serie que engancha desde sus primeras páginas y que resulta perfecta para devorar durante las vacaciones de verano, ya que su segunda parte sale a la venta este mes de agosto.

CÓMIC DE VERANO

6. Bone (edición integral). Astiberri

Hay obras que deberían estar en la biblioteca de cualquier aficionado al cómic y Bone pertenece, sin discusión, a esa categoría. Jeff Smith consiguió crear un clásico capaz de conquistar a lectores de cualquier edad mezclando humor, aventura y una de las mejores historias de fantasía jamás contadas en viñetas.

Lo que parecía una aventura divertida termina siendo una historia sobre la amistad, la valentía y el paso del tiempo. Un viaje protagonizado por los entrañables primos Bone que termina convirtiéndose en una épica repleta de antiguas profecías, criaturas fantásticas y personajes imborrables como las amenazadoras mostrorratas. Una historia que es capaz de crecer junto al lector y hacerse más grande a medida que va calando en su imaginación.

Su dibujo, de apariencia sencilla e influenciado por la animación clásica y el estilo cartoon, es una auténtica lección de narrativa. Consigue crear un contraste visual entre las formas simples de los personajes y los fondos de fantasía épica y detallada del entorno. La expresividad de los personajes, la elasticidad de los movimientos y el ritmo físico de los escenarios convierten cada página en un auténtico placer para la vista.

Si todavía no has leído Bone, este verano tienes la excusa perfecta para descubrir, entre la pausa de los chapuzones, un clásico del noveno arte.

BONE EN VERANO

7. Nocturnos. Norma editorial. 

Nocturnos es una de las propuestas más especiales de los últimos años. Una novela gráfica diferente y evocadora que logra quedarse en nuestro cerebro mucho después de cerrar sus páginas. Laura Pérez construye un relato donde lo cotidiano y lo onírico se entrelazan para crear una historia repleta de misterio, belleza y emoción. (Aquí puedes leer la reseña de Nocturnos).

Uno de los grandes logros de la autora es su extraordinaria capacidad para crear atmósferas que envuelven al lector desde la primera página, con escenarios silenciosos, imágenes cargadas de simbolismo y una narrativa cercana a la poesía visual. Cada trazo desprende una personalidad arrebatadora, mientras el tenue uso de la luz y el contraste convierte cada viñeta en pequeñas pinceladas de arte: los detalles, la luminosidad, los espacios vacíos, los gestos de los personajes y la delicada composición de sus planos.

Una novela gráfica hipnótica, delicada e íntima, ideal para quienes este verano quieran descubrir una historia capaz de emocionar tanto por lo que cuenta como por la belleza con la que lo hace.

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El verano tiene algo especial para leer cómics. Quizá sea la tranquilidad de una tarde sin prisas, el sonido del mar mientras avanzas páginas o ese momento en el que decides leer un poco y acabas atrapado durante horas.

Siete historias, siete viajes y un mismo destino: hacerte disfrutar del cómic. Elige la que más te llame, abre la primera página y deja que las viñetas conviertan este verano en una aventura inolvidable.

¿Es John Blacksad el mejor héroe de comic español?

Dolores Hardcore
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¿Es John Blacksad el mejor héroe de comic español?

¿Es John Blacksad el mejor héroe de comic español?

Blacksad, creado por Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido, es mucho más que una colección de historias detectivescas ambientadas en unos Estados Unidos poblados por animales antropomórficos. Bajo su apariencia de novela negra clásica, la serie publicada por Norma Editorial construye un retrato progresivamente más complejo de su protagonista, John Blacksad: un detective privado que intenta mantener unos principios morales en un mundo donde la corrupción, el racismo, la violencia, el dinero y el poder parecen tener siempre las mejores cartas.

Con un dibujo espectacular que evoluciona desde el oscuro al brillo, integrando planos geniales, luces y sombras que engrandecen la historia y saben leer la emoción correcta para cada momento, y un guion que le añade un ritmo tremendo, cambiando de escena cada cuatro páginas o incluso cada dos en los momentos clave sin perder ni un ápice de trama. Blacksad construye uno de los aspectos técnicos más impresionantes de los últimos años. Aparte de esto, la serie nos regala uno de los últimos grandes personajes del noveno arte.

Es quizá el héroe de cómic español más conocido de los últimos tiempos. También hay que destacar a Kain de El cazador de rayos o al  Capitán Maní de Dioses mancos, sin duda la mejor novela grafica de ciencia ficción de los últimos años, un cómic sucio y realista con temas adultos y filosóficos, donde replantearnos totems y constituyéndose como el ultimo referente importante de la ciencia ficción adulta.

Vamos a ver la evolución del personaje John Blacksad desde los matices oscuros hasta la resignación por un mundo difícil de cambiar.

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1. Un lugar entre las sombras: nace el detective

El primer álbum presenta a John Blacksad como un detective privado solitario, duro y bastante cínico. El caso comienza con el asesinato de Natalia Wilford, una antigua amante de Blacksad y famosa actriz de Hollywood.  Lo que inicialmente parece un crimen pasional termina conduciendo hasta las altas esferas del poder y la riqueza.

Aquí aparece una característica fundamental del personaje: Blacksad no soporta que alguien poderoso pueda utilizar su posición para quedar impune. Su investigación lo enfrenta tanto a criminales como a policías y personas influyentes.

La historia establece desde el principio su relación problemática con la violencia. Blacksad no es un asesino frío, pero tampoco es un héroe que confíe en la justicia institucional. Cuando comprende que el sistema puede estar manipulado, está dispuesto a actuar por su cuenta.

Ese detalle resulta fundamental para entender toda su evolución posterior: Blacksad cree en la justicia, pero no siempre en la legalidad.

También conocemos su relación con Smirnov, el policía que representa una especie de conciencia externa para él. Smirnov sabe que Blacksad puede ser peligroso, pero también reconoce que el detective posee unos principios.

En este primer álbum, Blacksad todavía parece tener bastante claro dónde está la frontera entre el bien y el mal. Sin embargo, la serie irá demostrando que esa frontera se vuelve cada vez más borrosa.

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2. Arctic Nation: Blacksad frente al odio

Arctic Nation es probablemente el álbum que convierte a Blacksad en algo más que un noir clásico.

La historia gira alrededor de la segregación racial y de una organización supremacista inspirada claramente en los movimientos racistas estadounidenses. Blacksad investiga la desaparición de una niña y termina descubriendo una comunidad dominada por el odio racial, la violencia y los abusos.

Aquí, el propio Blacksad deja de ser solamente investigador y pasa a convertirse en objetivo del sistema que está investigando.

El álbum es especialmente importante porque demuestra que Blacksad no es neutral. Puede intentar observar los acontecimientos como detective, pero cuando presencia determinadas injusticias, interviene.

Su relación con Weekly también empieza a adquirir importancia. Weekly es casi lo contrario de Blacksad: vulgar, entrometido y aparentemente poco serio, pero con una enorme capacidad para encontrar información. La pareja acaba funcionando como uno de los grandes motores de la serie.

La oscuridad de Blacksad aumenta en este álbum. Su violencia ya no responde únicamente a la defensa propia o a la investigación de un asesinato: comienza a utilizarla como instrumento para enfrentarse a quienes considera responsables.

Es un momento importante porque aparece una de sus principales contradicciones: quiere combatir la violencia, pero muchas veces responde a ella utilizando más violencia.

3. Alma roja: política, paranoia y Guerra Fría

Con Alma roja, Díaz Canales cambia el escenario y lleva a Blacksad al ambiente político e intelectual de la Guerra Fría.

El protagonista se mueve entre artistas, intelectuales y científicos mientras Estados Unidos vive la paranoia anticomunista. La investigación termina relacionada con la carrera nuclear y la persecución ideológica característica de la época.

Aquí, Blacksad se enfrenta a un enemigo diferente. En los primeros álbumes combatía criminales relativamente identificables. Ahora el enemigo es el sistema político, la propaganda y la paranoia colectiva.

Esto provoca una evolución importante del personaje. Blacksad descubre que no basta con encontrar al culpable de un crimen. Hay situaciones en las que todos los personajes son, en mayor o menor medida, víctimas de un contexto político mucho más grande que ellos.

Además, empieza a verse una faceta más intelectual del detective. Sigue siendo un hombre de acción, pero aprende a desconfiar de las apariencias y de las versiones oficiales.

Su oscuridad también cambia: ya no procede solamente de su violencia, sino de su capacidad para manipular situaciones y personas cuando considera que el objetivo lo merece.

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4. El infierno, el silencio: el descenso personal

En El infierno, el silencio, Blacksad viaja a Nueva Orleans para encontrar al músico Sebastian «Little Hand» Fletcher. La ciudad introduce otro tipo de oscuridad: jazz, drogas, superstición, corrupción y ambientes nocturnos.

Norma describe la misión como una carrera contra el tiempo para localizar al músico desaparecido.

Este álbum es fundamental porque el caso se vuelve más psicológico. Blacksad entra en un mundo en el que los personajes están destruidos por sus propios deseos y adicciones.

Aquí vemos al protagonista mucho más vulnerable. Ya no es simplemente el detective que llega, investiga y se marcha. El ambiente empieza a afectarle personalmente.

Una de las claves de este episodio es precisamente esa sensación de contaminación moral: cuanto más se introduce Blacksad en determinados ambientes, más difícil resulta que salga de ellos completamente limpio.

El detective mantiene su código, pero cada vez le cuesta más.

5. Amarillo: el hombre detrás del detective

Amarillo cambia radicalmente el tono. Blacksad acepta conducir un coche hasta Texas, pero el vehículo es robado por Chad Lowell. La persecución termina convirtiéndose en una investigación relacionada con asesinatos, el FBI, un circo y nuevos personajes.

Es probablemente el álbum que más se aleja del noir urbano clásico y más se aproxima a una road movie.

Pero esa modificación del escenario tiene una función narrativa muy importante: Blacksad deja de ser solamente el detective y comienza a aparecer el hombre que existe detrás del detective.

Su encuentro con Chad es especialmente significativo. En lugar de limitarse a identificarlo como delincuente, Blacksad acaba comprendiendo sus circunstancias y estableciendo una relación mucho más compleja con él.

También aparece su hermana Donna, lo que introduce una dimensión familiar que apenas habíamos visto.

Por eso, Amarillo puede interpretarse como una etapa de madurez. Blacksad empieza a comprender que no todas las personas que cometen delitos son monstruos y que no todos los que parecen respetables son inocentes.

Es una evolución moral importantísima.

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6 y 7. Todo cae: poder, amor y corrupción

Todo cae supone el regreso de Blacksad a Nueva York y funciona como una historia dividida en dos álbumes.

En la primera parte, Blacksad recibe el encargo de proteger al líder de un sindicato de trabajadores del metro. El conflicto termina enfrentándolo a la mafia, los intereses empresariales y una red de corrupción relacionada con el magnate Lewis Solomon. La trama combina sindicatos, teatro, periodismo y corrupción urbanística.

En la segunda parte, el regreso de Alma Mayer introduce además un elemento emocional. Alma pertenece al pasado sentimental de Blacksad y reabre heridas que él creía cerradas. Paralelamente, Weekly queda relacionado con el asesinato de Iris Allen, mientras las sospechas apuntan hacia Solomon y su gigantesco proyecto de construcción.

Aquí encontramos al Blacksad más maduro.

Ya no se trata únicamente de resolver un asesinato. Se trata de enfrentarse a estructuras de poder capaces de absorberlo todo: dinero, política, policía, medios de comunicación y crimen organizado.

El título, Todo cae, funciona incluso como descripción del propio universo moral de Blacksad. Los personajes poderosos construyen imperios aparentemente sólidos, pero todos tienen una debilidad.

Y Blacksad también.

Su relación con Alma demuestra que el detective no ha conseguido escapar de su pasado. Puede enfrentarse a criminales armados, pero tiene mucha más dificultad para luchar con sus propios sentimientos.

La evolución de John Blacksad

La evolución de Blacksad puede dividirse en cuatro etapas.

Primero tenemos al detective vengativo. En Un lugar entre las sombras, su motivación es muy personal: el asesinato de alguien que amaba.

Después aparece el detective social. En Arctic Nation y Alma roja, comprende que los crímenes individuales son síntomas de problemas políticos y sociales mucho mayores.

La tercera etapa corresponde al hombre vulnerable de El infierno, el silencio y Amarillo. Blacksad comienza a comprender que él mismo forma parte de ese mundo imperfecto que intenta juzgar.

Finalmente, llegamos al detective desencantado pero todavía moral de Todo cae. Ya no cree que pueda arreglar el mundo. Lo que intenta es impedir que los más poderosos hagan todavía más daño.

Y ahí está precisamente la grandeza del personaje: Blacksad no se convierte en mejor persona, sino en una persona más consciente de sus propias contradicciones.

Blacksad: They All Fall Down • Part One HC :: Profile :: Dark Horse Comics

Conclusión: Blacksad como héroe noir

La gran diferencia entre Blacksad y un héroe tradicional es que no intenta salvar el mundo. Intenta encontrar la verdad. Y, cuando puede, hacer justicia. Pero sabe que ambas cosas no siempre coinciden.

A lo largo de los siete álbumes, John Blacksad pasa de ser un detective solitario dominado por sus heridas a convertirse en un hombre que entiende mucho mejor la complejidad del mundo. Sigue siendo violento, desconfiado y solitario, pero también se vuelve más empático.

La serie utiliza cada investigación para quitarle una capa al personaje. Primero conocemos al detective, después al hombre violento, posteriormente al hombre vulnerable y finalmente al hombre que comprende que ni siquiera él puede permanecer completamente limpio dentro del mundo que investiga.

En ese sentido, Blacksad es una historia sobre crímenes, pero también sobre la imposibilidad de conservar una moral absolutamente pura en un mundo moralmente corrupto.

Y esa es la decisión más oscura de Blacksad: no convertirse en uno de los monstruos que persigue, sino aceptar que, para enfrentarse a ellos, a veces tendrá que acercarse peligrosamente a convertirse en uno.

DCU de CF Studios | Superman: El Hombre del mañana

Juanma Martín
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DCU de CF Studios | Superman: El Hombre del mañana

Lleva años rondando por mi cabeza (desde que acabó el DCEU) la idea de crear mi propio universo compartido a modo de forma de acabar con el aburrimiento. Es por ello que hoy comienza el DCU de CF Studios (Cosas Felices Studios).

La idea es ir escribiendo artículos con cada película de este universo compartido, con una breve sinopsis de la cinta en cuestión, el casting de los actores y actrices principales y la escena post-créditos que la una con la siguiente.

He decidido comenzar con ‘Superman’ y antes de entrar en la sinopsis quiero presentar al elenco protagonista de esta primera cinta del DCU.

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Superman: El Hombre del Mañana (Sinopsis)

Clark Kent lleva pocas semanas intentando adaptarse al ritmo frenético de la redacción del Daily Planet. Entre cafeterías, entregas a contrarreloj y el aprendizaje de la dinámica de trabajo junto a la ambiciosa Lois Lane y sus compañeros, Clark compagina su vida civil operando en secreto como «El Borrón»: un vigilante novato con sudadera y vaqueros que realiza sencillos rescates cotidianos por las calles.

La rutina salta por los aires durante el desplome de una grúa gigante en una zona de obras. Clark interviene, pero la inexperiencia y el estruendo del metal doblado aterrorizan a la multitud. Abrumado por el miedo de los ciudadanos ante su fuerza bruta, Clark huye a un callejón.

Flashback 1 (La Fragilidad del Mundo): De niño en la granja, Clark destroza el porche jugando al béisbol y cree que «rompe todo lo que toca». Jonathan Kent toma sus manos y le enseña: «El mundo es frágil, Clark; tus manos tienen que ser las más amables».

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De vuelta al presente, Lois Lane se cuela en el callejón. Clark, para no revelar su rostro, se eleva flotando de espaldas al sol, quedando como una majestuosa silueta en contraluz. Desde el aire, la reprende por ponerse en peligro y le arroja un comunicador encriptado: «Pertenece a LexCorp. Luthor provoca el caos para vender su propia seguridad. Destapa la verdad, Lois», tras lo cual desaparece con un estallido sónico.

Lois publica la acusación sin pruebas sólidas. Lex Luthor la desacredita públicamente en rueda de prensa presentándose como víctima, provocando un boicot publicitario contra el periódico que obliga a Perry White a prohibirle seguir el caso.

Esa misma noche, Lois sufre un violento ataque anónimo (un vehículo sin matrícula intenta embestirla en una calle oscura) para intimidarla y silenciarla. Lejos de amedrentarse, el atentado le confirma que ha tocado una fibra sensible. Decidida a destapar la verdad, arranca una investigación clandestina fuera de su horario laboral.

Clark, sintiéndose profundamente culpable por haberla puesto en la diana de LexCorp y temiendo por su vida, se ofrece a ser su compañero de investigación. Durante largas noches entre archivos, nace una complicidad profunda mientras Clark usa sutilmente su súper-velocidad y súper-oído para ayudarla sin delatarse. Juntos descubren que una filial fantasma de LexCorp financió toda la red criminal de la ciudad.

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Flashback 2 (La Herencia): Recordamos cuando Clark descubrió la nave e historia de Krypton a los 18 años. De vuelta al presente, Martha le entrega el traje confeccionado con las telas de la nave: «Es hora de dejar de esconderse».

Para borrar las pruebas, Luthor activa su Titán Mecánico y lo envía a destruir el Archivo Digital de la ciudad, dejando a Lois atrapada en el edificio en llamas. Clark viste el traje por primera vez y desciende como Superman. El combate es brutal; el robot usa armas sónicas y destruye los pilares del edificio. Exhausto y superado, Superman duda de su capacidad.

Flashback 3 (El Adiós): Recuerda las palabras de Martha al irse de Smallville: «Camina con ellos como un hermano. Tu mayor poder es la esperanza que inspiras».

Con fuerzas renovadas, Superman rescata a Lois y a los civiles, sobrecalienta con su visión térmica al Titán y le arranca el núcleo antes de que explote. Metrópolis estalla en vítores ante la sonrisa cálida de su nuevo protector.

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Aprovechando el caos de la pelea, un equipo de LexCorp borra todos los servidores físicos. Luthor culpa al «hackeo de una potencia extranjera», dona millones para reconstruir la ciudad y sale totalmente impune ante la ley.

En el Daily Planet, se publica la histórica portada escrita por Lois bautizándolo oficialmente como SUPERMAN. Aunque frustrada por la impunidad de Luthor, Clark le promete a Lois que la verdad saldrá a la luz, asumiendo su doble misión: proteger el mundo en los cielos como Superman y combatir a los corruptos en la Tierra como periodista.

Escena Post-Créditos

Tras los créditos principales, la pantalla se funde a negro. De repente, la cámara nos lleva al interior de una Batcueva sumergida en las sombras. Solo vemos la silueta de Batman, de espaldas, sentado en su enorme silla frente a un muro de monitores de tecnología militar de Wayne Enterprises.

En las pantallas se reproducen en bucle, desde múltiples ángulos, metrajes encontrados de la batalla de Metrópolis: vídeos de móviles de ciudadanos, cámaras de seguridad y satélites. Los sistemas informáticos calculan en tiempo real la trayectoria de vuelo de Superman, la temperatura de su visión térmica y su fuerza de impacto.

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Batman pulsa una tecla mecánica con un sonido seco. Todas las pantallas laterales se apagan y la pantalla central se congela en un plano cerrado de la cara de Superman.

Batman se inclina levemente hacia adelante, la luz parpadeante del monitor recorta las orejas de su capuchón en la pared de piedra de la cueva, y la escena se corta bruscamente a negro.

Aquí os dejo el póster de ‘Superman: El Hombre del Mañana’:

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Un saludo y sed felices.

Análisis de The Walking Dead: Dead City. Temporada 3. Episodio 3

Rodolfo Del Bene
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Análisis de The Walking Dead: Dead City. Temporada 3. Episodio 3

Continuamos analizando la tercera temporada de The Walking Dead: Dead City, en este caso con su tercer episodio titulado Emigrantes. Creada por Eli Jorné y emitida por AMC+, la serie spin-off sigue a Maggie y Negan en la New York postapocalíptica.

Hola otra vez, caminantes y sobrevivientes. Aquí estamos para analizar un nuevo capítulo de The Walking Dead: Dead City, serie a la cual allá por sus inicios este redactor definió como la más oscura de la franquicia, pero que cada vez toma un tono más luminoso y esperanzado que, más allá de que esté bien o mal, ocurre quizás demasiado pronto considerando que aún quedan cinco capítulos para acabar la serie y creo no exagerar si digo que el episodio que el que nos ocupa deja en cambio la sensación de que nos quedara solo uno.

Pero pasemos mejor a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden en esta web leer los análisis previos, tanto de esta como de las demás series de la franquicia.

Análisis de The Walking Dead: Dead City

Análisis de The Walking Dead

Análisis de Fear the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: World Beyond

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon

Análisis de The Walking Dead: The Ones who live

La Sombra de una Duda

Comenzamos con Maggie yendo a buscar a Negan al bar de Dillard, encontrando primero a este enfrascado y embelesado con sus gusanos y su cadena alimenticia, lo que despierta en ella una mezcla de ternura y admiración. Dillard habla del ciclo de la vida y de cómo a la larga, terminamos volviendo de un modo u otro, ya sea desde una raíz o desde un gusano. Está totalmente pirado, ya lo sabemos, pero no hay manera de que nos caiga mal…

Ya escaleras arriba, Maggie se encuentra con Negan y le “informa” del “suicidio” de la Dama, de lo cual él sabe bastante aunque se haga el tonto y ella algo sospeche, pues la expresión de su rostro denota dudas que no necesitan ser dichsa. Negan dice a Maggie que la muerte de la Dama terminará siendo para ella un alivio y probablemente tenga razón…

Pero hay otro motivo por el que Maggie ha ido a verle y es ponerle al tanto de que, con los otros miembros del refugio, está trabajando en desbrozar el Central Park para convertirlo en terreno de cultivo, tarea a la que le gustaría sumarlo. Negan lo toma como broma y suelta la carcajada, pero pronto se da cuenta que Maggie habla en serio…

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Bandos en Conflicto

Por otra parte, Negan está queriendo que Dillard deje de vivir en su propio mundo y vea de una vez por todas a los caminantes como lo que son y no como mascotas. A tal fin, le ofrece su bate para acabar con uno que tiene fuera del bar y del cual están dando cuenta las ratas: un acto de humanidad, casi. Pero Dillard sigue en su delirio y no puede hacerlo porque en el gruñir del caminante oye “ayúdame”…

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Los mayores problemas, no obstante, tienen lugar en Central Park, donde, atraídos por las luces de la Estatua de la Libertad, comienzan a llegar en botes los supervivientes a los que viéramos sobre el final del episodio anterior.

Y resulta que son dos bandos: los primeros en arribar proceden de Belleville y dicen haber sido atacados por los de Newark, que redujeron prácticamente su comunidad a cenizas, pero los de Newark dan la versión exactamente contraria. En cualquier caso, hay por ambos lados montones de heridos y se les brinda asistencia en el refugio más allá de quién tenga la verdad en este conflicto Liliput – Blefuscu.

Entre los asistidos se encuentran los respectivos líderes Claudia y Bauer, cada uno de los cuales exige atención prioritaria para los suyos. Negan no le ve sentido a querer ayudar a todos aun cuando lo de traer más gente, le recuerda Maggie, haya sido idea suya. Y encima tiene que entregar su whisky por falta de alcohol.

Luis corre de acá para allá y Hershel ayuda en todo lo que puede, pero es demasiada gente y comienza a flaquear la energía. Y eso no es lo peor, sino que los que van muriendo empiezan a revivir zombificados y, en cuestión de minutos, el hospital es un caótico pandemonium que convierte al capítulo en una mezcla de drama médico con película asiática de zombies.

Mientras intenta reactivar la energía en la zona de los tanques de metano, Negan se ve atacado por caminantes y es inesperadamente Dillard quien, habiendo aprendido al parecer la lección, le salva la vida dos veces acabando con sus atacantes.

En el sobrepasado hospital, uno de los heridos es mordido y tienen que amputarle la pierna, debiendo Maggie dejarlo previamente nocaut a falta de anestesia. Bajo las instrucciones de Luis, Hershel practica cirugías, pero se siente mal cuando se le muere un paciente por el cual, de cualquier modo, ya no se podía hacer mucho (clásico lugar común de las series médicas).

Vivir en lugar de sobrevivir

Parece estar claro que no se puede atender a todos y alguien debería irse, por lo que, en busca de la verdad sobre quién comenzó todo, Negan somete a los líderes a una prueba de “piñata” que retrotrae a sus más sádicos días y en la cual entrega un bate a Dillard después de vendarle los ojos. La idea es que el temor a recibir un golpe letal les haga confesar, pero no da resultado y Negan concluye que lo mejor sería dejar directamente que los bandos se maten entre sí.

Así se lo plantea a Maggie y Renata que, de manera impensada, está esta vez de su lado. Maggie les recuerda, sin embargo, que ellos tres fueron enemigos en el pasado y eso no les impidió dejar todo atrás. Y si bien sabe cuán importante pueda ser su propia experiencia por haber ya liderado dos comunidades, no discute a Renata su condición de líder y deposita en ella su confianza para tomar la mejor decisión.

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Finalmente, logran a duras penas controlar la situación y Luis dice a Maggie que Hershel ha sido toda una estrella. El muchacho, sin embargo, sigue mal por el paciente que perdió y Maggie le recuerda a cuántos salvó. Y, en emotivo gesto que remite a la serie original, le entrega el reloj de bolsillo que perteneciera a su padre y que ahora quiere que él tenga. Y aunque no lo nombre específicamente, se hace imposible que no acuda a nuestra mente el recuerdo de Glenn.

En los campos de cultivo, Maggie arenga a los migrantes con que ha llegado la hora de dejar de sobrevivir para empezar a vivir. Uno a uno (en otra escena cliché) van tomando los instrumentos de labranza y poniéndose a la labor. No es el caso de Claudia y Bauer, que prefieren usarlos para enfrentarse entre sí y acaban ambos muriendo en off. Ciento cuarenta y seis de los ciento cuarenta y ocho, sin embargo, han decidido dejar todo atrás.

El bar de Dillard, a todo esto, vuelve a estar lleno de gente como lo habrá estado en sus mejores días y nuevamente con clientes vivos y reales. Sin embargo, y a pesar de dar impresión de haber dejado de ver a los caminantes como mascotas, él se ha quedado al menos con uno de ellos, con el cual el vínculo pareciera ser diferente. ¿Su novia…?

Balance del Episodio

Les decía al comenzar que hemos visto prácticamente un episodio con pinta de final y, en efecto, es la sensación que deja. Aquella oscuridad tan especial que desde un primer momento diferenció a la serie del resto de la franquicia va quedando cada vez más lejos. Y así como los dos primeros capítulos de la temporada dieron la sensación de buscar excusas forzadas para que Maggie y Negan siguieran en New York, este pareciera encaminarse a que se queden definitivamente allí…

La cuestión, claro, es que aún nos quedan otros cinco capítulos para que la serie llegue a su fin y parece haber cierto aceleramiento en el desarrollo de algunos personajes. Ya hemos hablado de cómo Maggie dejó todo atrás con sorprendente rapidez y lo mismo, incluso más, se aprecia en Hershel, ya ni por asomo el adolescente irritantemente rebelde de las temporadas anteriores. Ni hablar de lo rápido que aprendió la profesión de médico o cirujano, bastándole un par de semanas para asimilar lo que llevaría años de universidad, residencia, prácticas, etc.

Es para celebrar, eso sí, que hayamos abandonado en esta temporada uno de los lugares comunes más repetidos de la serie, como era el que cada nueva comunidad que se presentaba amistosa en un comienzo terminara a la larga siendo peligrosa. Aquí hemos visto más bien el proceso contrario y hasta una interesante dinámica entre Maggie y Renata, sabiendo la primera correrse del rol de líder que le veníamos viendo desde la muerte de Glenn y delegándolo en la segunda sin perjuicio de aportar experiencia.

El problema es que nos vamos quedando sin villanos y eso hace que a la serie le falten antagonismos que nos dejen enganchados a la espera del siguiente capítulo de aquí al final. No sé a ustedes, pero a mí francamente no me genera gran ansiedad lo que pueda ocurrir en el próximo y eso es algo que no debería ocurrir cuando estamos a tan poco.

Ya la temporada se cargó al Croata y a la Dama, lo que nos deja en cada entrega conociendo villanos cada vez más fugaces y descartables. Los dos de este capítulo dieron risa y fueron tan estúpidos que se mataron entre sí (lo que ni siquiera vimos). Una resolución simplista en consonancia con la que en esta temporada se viene dando a cada nueva situación, además de dejar la sensación de que el problema eran únicamemente los líderes: como si dijéramos que la Segunda Guerra Mundial fue provocada solo por Hitler y Mussolini.

Lo que sí me pareció emocionante fue la escena del reloj. Es cierto que lo habíamos perdido un poco de vista y no está del todo claro el recorrido desde que fuera robado de la tumba de Glenn. Pero conecta justamente con el recuerdo de este último y con la serie principal de un modo que no puede menos que golpear en el corazón a quienes hemos seguido fielmente la franquicia y no solo representa un legado sino un cambio: si Maggie se lo dio recién ahora a Hershel, es porque entiende que su hijo ha cambiado y encontrado su lugar…

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Y me sigue enterneciendo Dillard como personaje. Él también ha tenido que hacer un cambio, pero no lo logra del todo. Negan lo convenció de renunciar a ver a los zombies como mascotas o amigos, pero está claro que hay uno (una) que le genera algo especial y no podemos dejar de preguntarnos si es la suya una elección casual o ese caminante representó en vida alguien para él. ¿Un antiguo amor tal vez? Habrá que ver si la serie nos da una respuesta, pero si se prefiriera dejar para siempre el asunto en el misterio, tampoco estaría mal…

En definitiva, no creo que hayamos visto un episodio desastroso. De hecho, me pareció mejor que los dos anteriores, pero los lugares comunes, las resoluciones simplistas y el seguir quemando personajes, conflictos y antagonismos dejan la sensación de que quizás la serie no tenga ya por delante mucha narrativa por recorrer. Ojalá me equivoque…

Hasta la próxima y sean felices…

¿Se ha convertido Guy Gardner en el mismísimo Nick Fury del DCU? Nathan Fillion ficha por la serie animada de Mister Miracle

Mario Losada
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¿Se ha convertido Guy Gardner en el mismísimo Nick Fury del DCU? Nathan Fillion ficha por la serie animada de Mister Miracle

A ver, queridos amigos de la web ¿os pensabais que con ver a Nathan Fillion enfundado en el traje del Linterna Verde (Green Lantern) más macarra de la galaxia ibais a tener suficiente? Pues va a ser que no. La maquinaria del nuevo Universo DC de James Gunn no descansa ni debajo del agua, y la última exclusiva que acaba de estallar en los portales norteamericanos nos ha dejado a más de uno con la ceja levantada, como a Carlo Ancelotti.

Resulta que el bueno de Nathan Fillion va a repetir papel, sí, pero cambiando el set de rodaje real por el estudio de grabación. El actor se va a incorporar oficialmente al reparto de Mister Miracle, la esperadísima serie de animación para adultos que está preparando DC Studios.

El pegamento del nuevo universo DC

Lo divertido de todo esto (y lo que comentan los mentideros yankis) es el papel que parece estar adjudicándole el amigo Gunn a este Guy Gardner. Entre su aparición en la película de Superman, su paso por El Pacificador, la inminente serie de Lanterns y ahora esto en formato animado, el personaje se está convirtiendo por la puerta de atrás en el maldito Nick Fury de este nuevo tinglado comiquero. El tipo va saltando de un proyecto a otro como el que no quiere la cosa, uniendo tramas y demostrando que es el pegamento perfecto para que todo parezca interconectado sin que huela a cartón piedra.

Según ha confirmado el propio showrunner de la serie, Tom King (que de esto sabe un rato largo, habiendo guionizado una de las etapas comiqueras más recordadas del personaje), traer la energía macarra y pasada de rosca de Fillion (como Guy Gardner) a un terreno tan particular como el de los Nuevos Dioses, Scott Free y Big Barda va a ser una auténtica gozada. Lejos de desentonar con el tono más íntimo o bizarro de la obra de King, la presencia del Linterna Verde (Green Lantern) promete aportar ese contrapunto socarrón que tanto nos mola.

Nathan Fillion

¿Qué podemos esperar de Mister Miracle?

La serie, que adapta en formato de animación para adultos el aclamado cómic de Tom King y Mitch Gerads, promete no andarse con chiquitas. Ver a Scott Free intentando mantener la cordura entre escapadas imposibles, los tejemanejes de Darkseid y la amenaza constante del Apocalipsis en pantalla, con esta conexión directa al universo cinematográfico y televisivo, hace que el hype suba como la espuma.

Lo mejor de todo es que se confirma que la animación del DCU mantendrá una línea coherente y que los actores cruzarán la frontera entre imagen real y dibujo cuando haga falta. Vamos, que nos vamos a hartar de ver a Nathan Fillion metiéndose en todos los charcos habidos y por habidos.

¿Vosotros qué opináis? ¿Os mola esta idea de tener a Guy Gardner como el hilo conductor omnipresente de todas las series y películas, o preferís historias más independientes y aisladas? ¿El nuevo Nick Fury?

Un saludo y sed felices

Las 6 series de DC que debes ver antes de Lanterns para entender el nuevo DCU

El Escritor Nómada
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Las 6 series de DC que debes ver antes de Lanterns para entender el nuevo DCU

Lanterns promete ser una de las grandes apuestas de la nueva etapa de DC Studios. La serie nos llevará al lado más cósmico del universo DC con John Stewart como protagonista, mezclando misterio, ciencia ficción y una historia más cercana al thriller policial.

Antes de que los anillos de poder vuelvan a brillar, estas seis series permiten descubrir las diferentes caras del universo DC: desde el heroísmo clásico de Superman hasta las conspiraciones cósmicas, el misterio detectivesco y las historias más atrevidas de la editorial. Y no, no me he olvidado de Peacemaker pero si quieres una información completa puedes leer la excelente reseña de nuestro compañero Juanma Martín.

serie lanterns

Mis aventuras con Superman (2023-actualidad)

Una de las mejores reinterpretaciones recientes del Hombre de Acero y la demostración de que todavía se pueden contar historias originales sobre Superman sin perder la esencia del personaje. La serie apuesta por un Clark Kent joven, todavía en sus primeros pasos como héroe, mientras construye su amistad con Lois Lane y Jimmy Olsen en el Daily Planet.

Con una animación inspirada en el anime y un ritmo muy dinámico, consigue equilibrar acción, humor y emoción mientras desarrolla el conflicto de Clark por encontrar su lugar entre la humanidad y su herencia kryptoniana. Al mismo tiempo, amplía la mitología de DC con nuevas versiones de personajes como Lex Luthor, Brainiac o los Green Lantern, sin perder nunca de vista la evolución de sus protagonistas.

Repleta de espectaculares escenas de acción, su mayor virtud consiste en mostrar cómo un héroe aprende a asumir el peso de convertirse en el símbolo de esperanza del planeta. Una evolución que conecta perfectamente con el enfoque que DC Studios quiere dar a sus nuevos personajes. (aquí podéis leer la reseña del Superman de Gunn).

  • N.º de temporadas: 3
  • N.º de episodios: 30
¿Por qué verla antes de Lanterns?

Porque comparte la misma idea de construir un universo DC moderno que enganche a los aficionados al cine. Además, nos sirve como una excelente puerta de entrada a la escala cósmica que definirá la serie Lanterns.

Batman: Caped Crusader (2024-actualidad)

El gran atractivo de Batman siempre ha sido que es mucho más que un vigilante enmascarado. Es un héroe oscuro que se mueve entre las sombras de la ciudad mientras combate sus propias tinieblas. Un detective brillante que combate el crimen convirtiendo Gotham en un escenario donde cada caso esconde una nueva conspiración.

Esta serie recupera precisamente esa faceta detectivesca que tantas veces queda eclipsada por la acción. Ambientada en una Gotham dominada por la corrupción, el crimen organizado y las conspiraciones, la producción adopta un marcado estilo de cine negro que encaja perfectamente con el origen del personaje.

Bruce Wayne vuelve a resolver casos siguiendo pistas, interrogando sospechosos y enfrentándose a una ciudad donde la línea que separa el bien del mal nunca está del todo definida. Una serie que engancha por su elegante apartado visual, inspirado en los cómics clásicos y deudora del estilismo de la gran serie animada de los noventa.

Aunque su ritmo es más pausado que el de otras producciones recientes, esa decisión permite desarrollar mejor tanto a los personajes como los misterios que rodean Gotham, ofreciendo una historia que prioriza la investigación por encima de las grandes secuencias de acción. Una magnífica serie de animación que recupera la esencia del Caballero Oscuro más clásico y convierte cada episodio en un pequeño thriller detectivesco. (descubre el estupendo análisis de su primera temporada y aquí el de la segunda).

  • N.º de temporadas: 2
  • N.º de episodios: 20
¿Por qué verla antes de Lanterns?

Porque Lanterns también tendrá una importante carga detectivesca. James Gunn ya ha adelantado que la serie mezclará ciencia ficción con un thriller policial, y Batman: Caped Crusader demuestra cómo DC sabe construir historias de investigación donde el misterio resulta tan importante como los propios superhéroes.

Watchmen (2019)

La serie creada por Damon Lindelof demostró que el universo DC puede ofrecer historias más maduras y ambiciosas para la televisión. Lejos de limitarse a adaptar el cómic de Alan Moore (quien prepara una serie sobre V de Vendetta), la producción funciona como una secuela que amplía su mitología para construir un relato sobre el poder, la memoria, el racismo y la identidad.

Su narrativa está llena de misterios, saltos temporales y giros que obligan al espectador a prestar atención a cada detalle. Poco a poco, todas las piezas del rompecabezas terminan encajando hasta construir una historia tan compleja como apasionante. Ayuda a ello, un extraordinario apartado visual y algunas de las mejores interpretaciones que ha dado el género de superhéroes.

No es una serie sencilla ni busca convertirse en un entretenimiento ligero, pero precisamente esa ambición narrativa la ha convertido en una de las mejores producciones basadas en personajes de DC.

  • N.º de temporadas: 1
  • N.º de episodios: 9
¿Por qué verla antes de Lanterns?

Porque demuestra que DC puede apostar por historias adultas con profundidad narrativa que muestran cómo los personajes pesan mucho más que los efectos especiales. Si Lanterns mantiene el tono de thriller que han prometido sus responsables, Watchmen es una excelente muestra del potencial que tiene ese enfoque.

Young Justice (2010-2022)

Es hora de reivindicar esta serie, que a veces pasa desapercibida injustamente. Es una de las series que mejor ha explorado el universo compartido de DC, aportando una mayor profundidad a sus personajes, contexto y narrativa.

Lo que comienza como la historia de un pequeño grupo de héroes adolescentes acaba evolucionando hacia una enorme saga repleta de conspiraciones, invasiones alienígenas, organizaciones secretas y amenazas capaces de poner en peligro todo el planeta.

Cabe destacar su habilidad para crear un relato intenso y una certera construcción de su rico lore. A medida que avanzan las temporadas aparecen decenas de héroes y villanos procedentes de prácticamente todos los rincones del universo DC, logrando que el espectador tenga la sensación de estar viendo un universo vivo y atractivo en el que todo está conectado.

Puede que precisamente la enorme cantidad de personajes pueda resultar algo abrumadora en algunos momentos, y que algunos personajes estén mejor desarrollados que otros, pero también convierte a la serie en una de las adaptaciones más completas de los cómics. Teniendo en cuenta sus geniales escenas de lucha, combates espectaculares y su trasfondo dramático es sin duda, una de las mejores series que ha realizado la factoría DC. Teniendo una fuerza visual como la del anime de Guardianes de la Noche)

  • N.º de temporadas: 4
  • N.º de episodios: 98
¿Por qué verla antes de Lanterns?

Porque es la forma más natural de introducirse en la escala cósmica del universo DC. Además de presentar numerosas amenazas extraterrestres, también aparecen los Green Lantern Corps y otros elementos espaciales que ayudan a comprender la enorme dimensión del universo que explorará Lanterns.

Doom Patrol (2019-2023)

Probablemente sea la serie más inclasificable que ha producido DC en los últimos años. Bajo su humor absurdo, sus situaciones surrealistas y sus extravagantes villanos se esconde una historia profundamente humana sobre personajes rotos que intentan aceptar quiénes son.

Cada miembro del equipo carga con traumas, inseguridades y conflictos personales que terminan siendo mucho más importantes que sus propios poderes. Esa mezcla de drama, comedia y ciencia ficción convierte a Doom Patrol en una experiencia completamente diferente dentro del género superheroico.

Su libertad creativa le permitió explorar ideas que pocas series de superhéroes se atreverían siquiera a plantear, demostrando que DC funciona especialmente bien cuando rompe las reglas de su propio universo ofreciendo nuevos y frescos caminos para los superhéroes.

  • N.º de temporadas: 4
  • N.º de episodios: 46
¿Por qué verla antes de Lanterns?

Porque representa la faceta más imaginativa de DC. Si Lanterns consigue trasladar al audiovisual la inmensidad del cosmos y las ideas más extrañas de su historia, necesitará esa misma capacidad para abrazar conceptos de ciencia ficción sin perder el componente humano.

Creature Commandos (2024-actualidad)

El primer proyecto del reinicio audiovisual del nuevo DCU sirve como carta de presentación para lo que James Gunn (aunque el fracaso de Supergirl puede ser una losa) quiere construir durante los próximos años. En lugar de apostar por los héroes más conocidos, la historia reúne a un peculiar grupo de monstruos y soldados para enfrentarse a amenazas que nadie más puede detener.

La serie mezcla acción, humor negro y personajes poco convencionales para mostrar que esta nueva etapa no seguirá siempre el camino tradicional. Su estilo puede resultar extraño al principio, pero precisamente esa personalidad es uno de sus mayores atractivos. Lo mejor de la serie es su ritmo frenético que logra que resulte disfrutable y entretenida. A ello contribuyen una animación sobresaliente y un excelente diseño artístico que potencian tanto las escenas de acción como el humor negro característico de James Gunn.

Como principal punto débil, el uso excesivo de flashbacks resulta repetitivo y termina cortando el ritmo de la serie. La potencia de sus escenas de acción nos ofrece una marea de violencia, muertes y asesinatos que se disfruta bajo sus capas gamberras de humor negro.

Si tuviera que elegir una serie imprescindible de esta lista para entender el futuro del DCU, sería esta. Capítulos dinámicos y divertidos, Creature Commandos funciona como una declaración de intenciones sobre la libertad creativa que tendrá este nuevo universo superheroico.

  • N.º de temporadas: 1
  • N.º de episodios: 7
¿Por qué verla antes de Lanterns?

Porque marca el punto de partida para entender el tono, la filosofía y la manera en la que James Gunn está construyendo este nuevo Universo: historias conectadas, personajes con mucho carácter y libertad creativa. Este aperitivo te ayudará a disfrutar mucho más de Lanterns, que busca convertirse en una de las piezas clave de esta nueva etapa.

Estas seis series representan las diferentes caras que hacen del universo DC un lugar tan único: desde el optimismo de Mis aventuras con Superman hasta el misterio de Batman: Caped Crusader, pasando por la complejidad de Watchmen, la escala cósmica de Young Justice, la libertad creativa de Doom Patrol y el nuevo camino que abre Creature Commandos.

Todas ellas demuestran que DC no depende de un único estilo, sino de su capacidad para explorar géneros diferentes y reinventar sus personajes sin perder su identidad. Una preparación perfecta para una nueva etapa que promete ampliar los límites del universo de la editorial. El camino hacia Lanterns empieza aquí.

 

Tengo muchas más ganas este año de Neagley, spin-off de Reacher, que de la propia cuarta temporada de Reacher

Carlos María Porras Castaños
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Tengo muchas más ganas este año de Neagley, spin-off de Reacher, que de la propia cuarta temporada de Reacher

Ojo cuidado. Hoy vuelve Reacher. Hoy estamos de celebración.

Reacher es de lo mejor en series de Prime Video. Mucha culpa de ello lo tiene Alan Ritchson y el carisma que le imprime al personaje. También es cierto que tras dos grandísimas temporadas repletas de acción y unas historias que acompañaban bien, la tercera temporada fue, al menos para mí, un absoluto desastre, con una historia chapucera que lastró toda la temporada. No obstante tengo absoluta fe en la cuarta.

Pero si en agosto tenemos a Reacher, en septiembre llega su spin-off Neagley y ahora mismo, debido a lo que os comentaba antes, me apetece mucho más. Y es que el personaje de Neagley es chulísimo. Ella está siempre atenta a que a Reacher no le pase nada y es incluso más peligrosa en ocasiones.

Además, reparte estopa y se basta sola, no le hace falta un Reacher al lado. Neagley es un pedazo de personaje femenino y si la serie está a la altura del personaje estaremos ante un gran entretenimiento.

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Apunten fechas: Cuarta temporada de Reacher el 12 de agosto y Neagley nos llegará apenas un mes después, el 16 de septiembre.

Tráiler de Reacher

Tráiler de Neagley

Un saludo y sed felices.

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 4. Episodio 3

Rodolfo Del Bene
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Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 4. Episodio 3

Continuamos analizando la cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds, esta vez con su cuarto episodio titulado Mejor Amigo Humano, que viene con tono de comedia y hasta un impensado homenaje a Resacón en Las Vegas. La serie puede ser vista por Skyshowtime para España y por Paramount+ para América Latina.

Hola otra vez trekkies y no tan trekkies. Ya estamos acostumbrados a que Star Trek: Strange New Worlds nos sorprenda seguido y este tercer episodio de la cuarta temporada lo confirma nuevamente, pues después de dos entregas oscuras y una de ellas muy terrorífica, nos encontramos con una ligera, a la vez que lisérgica comedia como para distender el clima.

Y al igual que el episodio anterior tenía en su dirección a una especialista en terror como Axelle Carolyn, el que nos ocupa tiene justamente a una en comedia como Yana Gorskaya (Lo que hacemos en las Sombras) y guion a cargo de Kathryn Lyn (Star Trek: Lower Decks).

Pero pasemos a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en esta web los análisis previos tanto de esta como de otras series y películas de la franquicia.

. Análisis de Star Trek: Strange New Worlds

. Análisis de Star Trek: Discovery

. Análisis de Star Trek: Picard

. Análisis de Star Trek: Starfleet Academy

. Análisis de Star Trek: Voyager, a treinta años de su estreno

. Análisis de Star Trek: Lower Decks

. Análisis de Star Trek: Prodigy

. Crítica de Star Trek: Sección 31

Un Merecido Descanso

Tenemos de inicio bitácora doble, creo que por primera vez en la franquicia. Ortegas nos cuenta por un lado que están en camino hacia el sistema rodaxiano atravesando una ruta complicada, pero se jacta de que para ella no lo es. Scotty, por su parte, dice desconfiar precisamente de la piloto y por ello ha instalado alertas para los momentos en que hace maniobras demasiado temerarias. Hay tensión: él la llama arrogante y sabelotodo; ella grosero y controlador.

El motivo del viaje es que Pike mediará en conversaciones de paz entre dos bandos en guerra civil y resurge la cuestión de que el turno alfa necesita urgente un descanso. Muy apropiadamente, un alienígena llamado Dendru (Dave Foley) les tienta en un spot publicitario con Cesnar, planeta de recreación y placer sin tecnología compleja y cuya atmósfera tiene propiedades embriagantes que hacen vivir a cada visitante su propio viaje personal.

Restando aún dos semanas para el encuentro con los rodaxianos y teniendo, por lo tanto, tiempo de sobra para el merecido descanso, hacia allí se dirigen y, apenas abrir la compuerta de la lanzadera, se ven embriagados por las lisérgicas virtudes de la atmósfera y todo se les empieza a curvar…

Un Amigo Imaginario

Ortegas despierta en una revuelta habitación de hotel sin idea de cómo llegó ni por qué tiene una mano enyesada. Más extraño todavía es que ande por allí un tribble y se lleva tamaño susto al hallarse cara a cara ante un mugato que termina siendo Scotty disfrazado, de lo cual se entera después de haberle propinado varios golpes.

Alguien llama a la puerta y es Dendru con una carta en papel para Pike. Ortegas aprovecha para quejarse de los efectos colaterales de la atmósfera como la resaca y Dendru replica que a veces las emociones negativas no permiten disfrutar, además de aclararle que no hay ya reembolso posible. Un ferengi, casi…

No saben dónde se halla Pike, por lo que van a ver si está con Spock, pero encuentran a este solo y preocupado por estar experimentando alucinaciones en las que habla con James Kirk e incluso juega al ajedrez con él. Además, los ve a ellos como si fueran plantas…

Dice que lo último que supo de Pike es que iba a la fiesta de Uhura y, apenas ellos se marchan, se le presenta Kirk y el vulcano se pregunta por qué lo está viendo, llegando a la conclusión de que ha de ser por la necesidad de tener un “mejor amigo humano” al que exponer sus dudas, miedos y conflictos…

Es Verde…

Ortegas y Scotty encuentran a Uhura de pura parranda, pero ni noticias del capitán. Desalentados, se dirigen al bar y se encuentran, para su sorpresa, con un espectáculo de karaoke en el que Una interpreta muy decorosamente Total Eclipse of the Heart, de Bonnie Tyler, solo que… en klingon.

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Siguen las sorpresas: el barman que prepara bebidas (o algo así) es M’Benga, vestido muy alegre y con colores festivos. Sirve a Scotty una bebida y cuando este pregunta qué es, le responde simplemente “es verde”: todo un guiño sobre el cual ya regresaremos.

Se enteran que Pike ha ido a un salón de tatuajes y allí lo encuentran riendo sin control mientras en el brazo le tatúan (obviamente) un caballo. Al leer la carta, se entera que el encuentro con los rodaxianos será en dos horas y no en dos semanas como estaba previsto, pues estos han decidido adelantarlo y van camino a la Enterprise. Ordena pues a Scotty y Ortegas que vayan por la lanzadera…

Pero cuando estos lo hacen, la misma ya no se halla donde la habían dejado. Scotty dice que nadie puede haberla movido sin el chip duotrónico, pero… tampoco es que él lo tenga. Ortegas le recrimina haber estado tan embriagado que ni recuerda lo que hizo y razón no le falta, pero ya sabremos que él no es el único…

Mis Pensamientos a tus Raíces…

Les queda ubicar la lanzadera por medio del tricorder, pero Scotty dejó precisamente el suyo precisamente a bordo de ella. Van nuevamente por Uhura para pedirle el suyo y se los presta a condición de que se pidan disculpas por sus constantes discusiones. A regañadientes lo hacen y ninguno suena sincero, pero ya tienen el tricorder. Poco les dura: a Scotty se le cae desde una planta alta y acaba hecho pedazos…

Les queda como última posibilidad hackear el ordenador del sistema de seguridad para ubicar la lanzadera, pero Scotty no se siente capaz y van nuevamente por Spock, que los sigue viendo como plantas. Sin embargo, en donde debiera estar el ordenador no hay ninguno y sí, precisamente…, una planta. Ante la azorada mirada de sus compañeros, el vulcano la identifica como tecnología fotosintética y establece conexión telepática, consiguiendo averiguar que la lanzadera se halla oculta tras un letrero en la azotea de un edificio.

No es tan fácil como parece. La zona es controlada por una pandilla violenta y ello les hace requerir los servicios de La’an, a quien encuentran enseñando un arte marcial llamada anbo-jutsu. Esta les acompaña y logra no solo vencer con suma facilidad al jefe de la pandilla sino que los demás la reconozcan como líder por haberlo hecho.

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Al entrar a la lanzadera, Spock encuentra un chip de grabación y quienes allí aparecen son los propios Ortegas y Scotty, él con su traje de mugato. Alegres y borrachines, explican que han encontrado una anomalía en la lanzadera y decidieron esconderla antes de que fuera utilizada para malos fines. Y el chip duotrónico, revela en la grabación la propia Ortegas, fue escondido por ella misma en su falso yeso…

Ya en la lanzadera, comprueban que algo no anda bien, pero son golpeados por desconocidos y aparecen después con las cabezas cubiertas y atados a sendas sillas. Mientras forcejean por liberarse, se sinceran sobre sus respectivos pasados. Scotty dice que sus seis hermanos le echaban la culpa de todo a él y reconoce que… tenían razón. De modo análogo, Ortegas cuenta que ella culpaba a su hermano Beto de todo lo que ella hacía mal.

Pero de pronto se aparece otra vez Dendru y les pone al tanto de que, si bien la carta para Pike era real, fue suya la idea de hacérsela llegar por intermedio de ellos para que pudieran así tener su propio viaje personal. Y, con tono de consejo, dice a Ortegas que puede seguir enfadándose con todo o buscar entender por qué siente la necesidad de hacerlo.

Fuegos de Artificio

A pesar de la anomalía en la lanzadera, Scotty logra al menos ponerla en condiciones para llegar a la Enterprise, lo que permite a un tatuado Spike llegar a las conversaciones de paz. Pero entre los efectos de la atmósfera de Cesnar, que tardan una hora en irse, y el modo naif en que les habla de construir unidad a partir de las diferencias, su gestión es un fiasco y los rodaxianos se sienten agraviados de que no entienda su idiosincrasia.

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Mientras tanto, Scotty y Ortegas trabajan con la lanzadera y siguen sincerándose. Ella dice que quiso ser ingeniero y no pudo, mientras él reconoce haber querido ser piloto y fracasado. Cada uno de ambos, pues, reacciona ante su propia frustración por no haber sido lo que quería y de allí que se traten mal…

Encuentran un artefacto que, una vez en manos de Scotty, reconoce este como una bomba reactiva que estallará apenas la suelte. Ortegas parte presurosa en busca de Pike, pero lo encuentra ocupado en sus infructuosas gestiones de paz.

Va pues por Spock y este comprueba que el explosivo responde a una combinación química terriblemente destructiva. Scotty se ofrece a sacrificarse saliendo en la lanzadera para hacerlo estallar lejos, pero Ortegas no está dispuesta a dejar que lo haga solo y quiere acompañarlo.

Spock plantea como solución que ambos salgan de la nave y los transportará a la Enterprise una fracción de segundo antes de la explosión. Así lo hacen y Kirk se le aparece nuevamente a Spock para ayudarle en la operación mientras este se pregunta por qué lo sigue viendo cuando los efectos de la atmósfera de Cesnar debieran haber ya pasado.

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La lanzadera estalla a lo lejos mientras Scotty y Ortegas logran felizmente ser transportados a la Enterprise a tiempo, pero el efecto inesperado es que, al ver los rodaxianos la explosión y la involuntaria función de fuegos artificiales que le sigue, felicitan impensadamente a Pike por haber reproducido el ritual de paz de su cultura, lo que les hace olvidar diferencias y acordar los términos para alcanzar la misma.

Un Amigo Real

La bomba reactiva, se sabe luego, fue colocada por un fanático rodaxiano que quería evitar el fin de la guerra, pero lo importante en la Enterprise es que Scotty y Ortegas lograron zanjar definitivamente diferencias y entender que podían trabajar eficientemente juntos.

No solo eso: además, una bofetada de Kirk y el hecho de que los demás también lo vean pone a Spock al tanto de que no se trataba de una alucinación, sino que siempre estuvo realmente allí e incluso en Cesnar, donde se hallaba igualmente vacacionando. Preocupa al vulcano haberle contado todos sus secretos, pero Kirk prefiere rescatar el vínculo que han logrado y hay abrazo…

Los créditos finales muestran partes de la grabación de Scotty y Ortegas que no habíamos visto y volvemos a escuchar en klingon la canción que alguna vez, en el lejano siglo XX, hiciera famosa Bonnie Tyler…

Balance del Episodio

Como hemos dicho al principio, ha sido un episodio ligero y lisérgico, pero fundamentalmente divertido y termina por ser más sólido y funcionar mejor que los dos anteriores, aun cuando los mismos puedan haber tenido momentos visuales superiores.

El homenaje a Resacón en Las Vegas (película de 2009 conocida en Latinoamérica como ¿Qué pasó ayer?) fue de lo más impensado y buena muestra de cómo la serie no solo guiña el ojo a su propia franquicia, sino a toda la iconografía audiovisual instalada en la cultura popular desde que la misma naciera sesenta años atrás. El planeta Cesnar, con sus placeres y luminarias, es una especie de Las Vegas gigante y el que Ortegas y Scotty se vean obligados a reconstruir qué pasó por no recordar nada nos transporta sin duda a la película de Todd Phillips.

Pero no deja de ser Star Trek y el tributo, por lo tanto, no excluye la autorreferencia, siéndonos imposible no sonreír con ese tribble que, de manera inexplicable, da vueltas por la revuelta habitación de hotel como aquella gallina del filme, de la que tampoco sabíamos qué diablos hacía allí.

Ni hablar del impagablemente épico momento musical de Una, interpretando en klingon una canción tan icónica y que probablemente haya marcado la juventud de muchos, como Total Eclipse of the Heart. Imposible no reírse a la vez que emocionarse, aunque lo que seguramente los responsables de la serie nunca pensaron es que la escena fuera a terminar siendo un homenaje no calculado a Bonnie Tyler que, tristemente, nos dejó hace poco más de un mes, con la temporada ya claramente filmada, pero aún no estrenada. Si se hubiese querido hacerlo, no salía tan bien…

Dos pegas se le pueden señalar al capítulo y las dos tienen que ver con Scotty. Una es que, siendo la serie una precuela, no hay suspenso en verlo llevarse la bomba a riesgo de estallar con ella cuando sabemos que es uno de los personajes más importantes de la serie original y, por lo tanto, es imposible que muera. La otra es que la tensión entre él y Ortegas, que ha tenido aquí un lugar central, no nos había sido presentada como conflicto tan marcado en episodios anteriores; apenas algún comentario despectivo de ella hacia los ingenieros y de Scotty hacia los pilotos, pero no mucho más.

Sin embargo, hay que decir que el contrapunto estuvo muy bien manejado, llevándolo Melissa Navia y Martin Quinn con gran química y pudiendo este último mostrar las habilidades de comediante que le han caracterizado en producciones mayormente británicas como Los Amantes o Derry Girls. Y el arco sirvió para que los personajes fueran capaces de dejar atrás sus diferencias y valorar el trabajo en equipo, lo cual es inseparable del espíritu trekkie.

Además, Scotty fue también protagonista de un fabuloso guiño que, muy cada tanto, hace presencia en la franquicia. Cuando le pregunta a M´Benga qué es esa bebida alcohólica que le sirvió y este, con un encogimiento de hombros, solo atina a decir “es verde”, se está homenajeando al episodio Reliquias de Star Trek: La Próxima Generación (06×04), en el cual era Data quien daba esa respuesta a Scotty al servirle una bebida similar. Lo que a su vez era homenaje al episodio de la serie original titulado Por cualquier otro Nombre (02×22), en donde era Scotty quien respondía eso al preguntarle un alienígena qué bebía.

Pero volviendo sobre la cuestión de las duplas y amistades, no cabe duda de que el momento más fuerte del capítulo por lo que a futuro implica ha sido el nuevo encuentro entre Kirk y Spock, siendo muy emocionante que el vulcano, creyendo a Jim una ilusión, le revelara no solo sus más profundos secretos sino también su necesidad de tener un “mejor amigo humano”. Por algo es ese el título del episodio.

La amistad entre ambos, que había tenido su gran primer acercamiento de fusión mental en la temporada anterior, sigue dando sus pasos y es lógico que así sea, pues estamos viendo una precuela y la idea es que, cuando todo finalice con la quinta temporada, las cosas lleven naturalmente hacia los sucesos de la serie original.

Y aunque nos duele el sabido destino de Pike y el tener que despedirnos en algún momento de unos cuantos miembros de esta tripulación que hemos aprendido a querer, no puede haber nada mejor que el que las cosas terminen exactamente donde todo empezó…

Hasta la próxima y sean felices. Larga vida y prosperidad…

George R.R. Martin reapareció el 3 de agosto en su blog personal … ¡Pero no dice nada de Vientos de Invierno!

DAve Solis
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George R.R. Martin reapareció el 3 de agosto en su blog personal … ¡Pero no dice nada de Vientos de Invierno!

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. George R. R. Martin, aclamado autor de Canción de hielo y fuego reaparece en su blog tras varios meses de silencio y reconoce que ha tenido que enfrentarse a la tristeza, la pérdida de amigos y el deterioro asociado a la edad.

George R. R. Martin habla por primera vez de su depresión:

“Han pasado tantas cosas que ha sido abrumador”

George R. R. Martin sufre depresión

George R. R. Martin ha decidido romper su silencio. El escritor estadounidense, creador del universo literario que dio origen a Juego de tronos, ha reconocido públicamente que padece depresión después de varios meses sin publicar en su blog personal.

En una entrada titulada «Más vale tarde que nunca«, el escritor explica que su última publicación se remontaba al 19 de febrero. Desde entonces, asegura, ha vivido un año especialmente complicado: “Han pasado tantas cosas que ha sido abrumador”.

George

El autor señala que ha experimentado momentos de felicidad y emoción, pero también etapas marcadas por la tristeza, la pérdida de personas cercanas y la depresión.

“Puede que lo peor esté por venir”, escribe el autor, que cumplirá 78 años el próximo 20 de septiembre. “Hacerse viejo no es divertido”, añade con una franqueza poco habitual en una figura pública acostumbrada a hablar de mundos imaginarios, batallas dinásticas y criaturas fantásticas, pero mucho menos de sus propias vulnerabilidades.

Entre la tristeza y la esperanza

La confesión del escritor conecta con algunos de los temas centrales de su obra. En las historias de George R.R. Martin, los sueños suelen cumplirse de manera imperfecta y casi siempre llevan aparejada una pérdida. Sin embargo, sus personajes también encuentran motivos para resistir en los escenarios más oscuros.

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Mi compi Fernando Vílchez, nos habló de esta grandiosa saga de libros AQUÍ. Hace ya muuuuucho tiempo.

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“También ha habido momentos maravillosos. Supongo que así es la vida”, apunta el autor en su blog. La reflexión resume una de las constantes de Canción de hielo y fuego: La convivencia entre la tragedia y la esperanza, entre la violencia de la historia y la necesidad de encontrar un sentido en medio del caos.

George

Martin ya había escrito meses atrás sobre la muerte de amigos íntimos y de figuras relevantes del mundo artístico y literario. En una entrada publicada en febrero lamentaba que hubiera habido “mucha muerte” a su alrededor y hablaba de la dificultad de afrontar la pérdida de personas queridas.

Un año de celebraciones

La situación personal del escritor contrasta con el buen momento que atraviesan sus creaciones en televisión. El caballero de los Siete Reinos, adaptación de sus relatos sobre Dunk y Egg, ha recibido nueve nominaciones a los Emmy, incluida la de mejor serie dramática.

George R.R. Martin, que participa como productor, ha expresado públicamente su orgullo por la adaptación y espera asistir a la ceremonia del próximo 14 de septiembre, aunque reconoce que su presencia dependerá de diversas circunstancias.

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Y como no … Tenemos análisis de los capítulos de El Caballero de los Siete Reinos, pinchando AQUÍ

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Además, este verano se ha estrenado la tercera temporada de La casa del dragón, serie basada en Fuego y sangre, mientras que en Londres se representa Juego de tronos: El rey loco, una obra teatral desarrollada con el asesoramiento del propio escritor.

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¿Tenemos análisis de La casa del dragón? 

¡Qué pregunta! Pinchad AQUÍ.

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Este contexto vuelve a situar a George R.R. Martin en el centro de la actualidad cultural, aunque sus lectores siguen pendientes de su gran asignatura literaria: Vientos de invierno, sexta entrega (en principio penúltima) de Canción de hielo y fuego. La novela lleva más de quince años de espera, desde la publicación de Danza de dragones en 2011.

George
¡Ojalá podamos leerlo pronto!

La presión de los lectores

En los últimos meses, el escritor también ha hablado de la presión que soporta por parte de algunos seguidores. En una entrevista concedida a The Hollywood Reporter, relató su malestar después de que le preguntaran si permitiría que otro escritor continuara su saga cuando él muriera. Más tarde, aseguró haber leído comentarios en internet que se burlaban de su edad y de su posible fallecimiento.

“Nadie necesita esa mierda”

La nueva publicación de George R.R. Martin no ofrece novedades concretas sobre Vientos de invierno, pero sí algo quizá más importante: El retrato de un autor que, pese a la expectación permanente que rodea su obra, atraviesa las mismas dificultades emocionales que cualquier otra persona.

Esperamos que este grandioso escritor se recupere y nos traiga al fin, las dos novelas que cerrarán una de las mejores sagas de fantasía de todos los tiempos.

¡Sed Felices!

¡Demonios y exorcismos mutantes! Marvel anuncia por sorpresa X-Orcists

Mario Losada
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¡Demonios y exorcismos mutantes! Marvel anuncia por sorpresa X-Orcists

X-Orcists ya está aquí. A ver, almas de cántaro y devoradores de grapas, ¿os pensabais que la Patrulla-X solo sabía repartir estopa a base de puñetazos y garras de adamantium? Pues va a ser que no. Acaba de saltar la liebre en los despachos de Marvel hace literalmente unas horas (noticia fresquísima de este mes de agosto de 2026) y la cosa viene con olor a azufre y magia negra de la buena.

La Casa de las Ideas acaba de anunciar oficialmente X-Orcists, una nueva miniserie de cinco números que llegará a las tiendas norteamericanas este próximo mes de noviembre de 2026. Y ojito, porque no es un invento cualquiera de relleno, sino el siguiente paso dentro de las historias de tinte místico que tanto nos están poniendo los pelos de punta últimamente.

¿Quiénes están detrás del aquelarre?

Para empezar, repite el equipo creativo que ya nos dejó fritos con sus anteriores incursiones en el lado oscuro, la guionista Ashley Allen y el dibujante Germán Peralta vuelven a unir fuerzas para encargarse de este desmadre. Si te moló lo que hicieron con las historias de Magik, prepárate, porque aquí la apuesta sube varios enteros.

La trama arranca cuando un demonio bastante chungo consigue escapar de las dimensiones del Limbo y empieza a sembrar el pánico tanto entre humanos como entre mutantes. Ante semejante percal, ¿quién acude al rescate? Pues la mismísima Magik (Illyana Rasputin), que de demonios y dimensiones infernales sabe un rato largo.

X-Orcists

Un equipo de «exorcistas» muy poco ortodoxo

Lo divertido del percal, y lo que promete dar momentazos antológicos en los cómics, es la compañía que se busca Illyana para montar su particular agencia de control de plagas infernales:

Juggernaut, que se apunta a un bombardeo con tal de repartir mamporros a algo tangible.

Madelyne Pryor, la Reina del Limbo, que de aliada traicionera y magia peliaguda entiende un rato.

Y un ramillete de personajes vinculados al lado místico de Marvel que prometen completar un escuadrón de «exorcistas» mutantes de lo más pintoresco.

Además, los mentideros editoriales ya han soltado el cebo, ya que dicen que esta invasión demoníaca no es casualidad, sino la antesala del regreso de un importante supervillano clásico de los X-Men cuya vuelta podría poner en jaque la mismísima magia mutante. Casi nada.

¿Por qué deberíamos creer en esta miniserie?

Porque entre tanta pelea contra los Centinelas y tramas políticas de despachos o de Krakoa, de vez en cuando apetece que los mutantes se metan de lleno en el género de terror sobrenatural. Una miniserie de cinco números cerrada, escrita por gente que entiende al personaje y con un toque macabro, es justo el caramelo que necesitamos para noviembre.

¿Qué os parece la idea? ¿Tenéis ganas de ver a Magik, a Madelyne Pryor y Juggernaut haciendo de exorcistas improvisados o preferís las batallitas de toda la vida contra los Centinelas?

Un saludo y sed felices.
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