La noticia se conoció a última hora del viernes, pero su fallecimiento, víctima de un derrame cerebral a los 77 años, se produjo el 21 de febrero en Longmont, Colorado. Dan Simmons había nacido en Peona, Illinois, en 1948, y si bien mostró desde niño afición a escribir y la practicó luego en paralelo con la docencia, no fue sino hasta 1982, ya con treinta y cuatro años, que se produjo su despegue gracias a la ayuda de otro grande, Harlan Ellison, a quien siempre consideró mentor y amigo.
Antes de seguir me gustaría dejar enlace a un artículo que publicamos en la web en 2020 de Los cantos de Hyperion, para mi la mejor saga de ciencia ficción de todos los tiempos
Y si bien Simmons es fundamentalmente conocido por su obra de ciencia ficción (acabo de hablar de Hyperion), también el terror fue un género que visitó con frecuencia con novelas como Verano de Noche (1991), La Canción de Kali (1985), Los Vampiros de la Mente (1988) o The Terror (2007) que, insertando el horror en el marco de la historia real de una perdida expedición en el Ártico a mediados del siglo XIX, acabó siendo adaptada años después a una serie cuyos análisis pueden leer en esta web.
En cuanto a Verano de Noche, recibió en su momento críticas por sus semejanzas con It, pero la defensa llegó impensadamente del propio Stephen King, quien la llenó de elogios como también lo haría unos años después con Los Vampiros de la Mente, a la que definió como una de las tres mejores novelas de terror del siglo XX. De hecho, fue uno de quienes expresó este fin de semana sus condolencias por la partida:
“Muy triste noticia lo de Dan Simmons. Mi familia completa ha leído Los Vampiros de la Mente. Creo que es la única novela que hemos leído los cinco”
Un tipo que nunca se conformó con lo fácil
Dan Simmons no era un autor cualquiera. Antes de convertirse en escritor a tiempo completo, fue profesor de primaria, un tipo que ya entonces enseñaba con historias imaginativas que hacía dibujar a sus alumnos. Eso, sin saberlo, era un preludio perfecto para su carrera literaria posterior.
Su obra es amplia y diversa, atravesando sin complejos géneros como la ciencia ficción, el terror, la novela histórica y el thriller, a menudo mezclándolos en una sola historia para crear algo que nunca se quedaba en lo típico.
Ganó premios importantes (entre ellos el Premio Hugo, el World Fantasy Award y varios premios Bram Stoker) y sus libros se tradujeron a más de 20 idiomas. Pero más allá de los galardones formales, la gente que leyó sus libros sabía lo que realmente importaba: las historias se te metían bajo la piel.
Los mundos que nos dejó, especialmente ese que parece eterno: Los cantos de Hyperion
Entre sus obras, hay algunas que simplemente no se olvidan como Los cantos de Hyperion (recuerdo el enlace que dejé al principio del artículo), un ciclo monumental que combina ciencia ficción épica con una estructura narrativa inspirada en Los cuentos de Canterbury y que muchos lectores consideran una obra cumbre del género. Da la casualidad que en el top de las mejores sagas de Ciencia Ficción de todos los tiempos, Los Cantos de Hyperion para un servidor está situada en el primer puesto. Os dejo de nuevo enlace a un nuevo artículo porque hay sagas muy interesantes.
Lo suyo no eran “novelas ligeras de avión de verano”, eran mundos enormes, personajes complejos, ideas filosóficas escondidas detrás de monstruos futuristas o exploraciones imposibles. Historias que te dejaban pensando más de lo que esperabas.
No era solo fantasía especulativa, era carne y hueso
Lo que distinguió a Simmons de otros autores no fue solo lo bien que escribía, sino cómo lo sentía. No se limitó a crear monstruos y planetas lejanos, exploró la condición humana en cada paso. Sus personajes no eran superhéroes invencibles, sino gente con miedo, con dudas, con debilidades… pero también con coraje.
Y esa mezcla de géneros lo convirtió en un autor único, difícil de encasillar. Podías empezar leyendo un cuento suyo de terror absoluto y terminar con una reflexión profunda sobre la fe, el arte o la memoria. Eso no lo hace cualquiera.
Un legado que sigue vivo en cada página que queda por leer
Dan Simmons deja atrás un legado enorme. Más de 30 novelas y colecciones de relatos, traducidas y leídas por millones de personas en todo el mundo. Autores, lectores y críticos coinciden en que ha sido una de las voces más valientes de la literatura de género de las últimas décadas.
Se va un autor que defendió que los géneros no son muros, sino puertas. Un autor que nos dijo que no hay límites estrictos entre terror, historia, ciencia ficción o thriller, y que los libros pueden hacerte pensar, sentir y, sí, también estremecerte.
Un adiós sentido, no solemne
Para quienes crecimos o nos enamoramos de la lectura a través de sagas como Los cantos de Hyperion, su muerte sí nos importa. Es como si uno de esos escritores que siempre parecía que estaría ahí, con una nueva historia bajo la manga, nos dijera: “hasta aquí mi viaje”. Pero, como ocurre con los grandes, lo que queda ya no se va.
Las historias de Dan Simmons seguirán ahí. Para inspirar a nuevos lectores. Para hacer que alguien, quizá dentro de años, abra Hyperion y sienta exactamente lo mismo que muchos sentimos la primera vez, que la imaginación no tiene límites.
Y si eso no es un buen legado para un escritor, entonces no sé qué lo es.
En la noche del sábado tuvo lugar en Barcelona la 40° Edición de los Premios Goya que, como es sabido, distinguen a año lo mejor del cine español. Los Domingos se alzó con cinco galardones, entre ellos el de mejor película, aunque la película más premiada de la noche fue Sirat con seis.
A veintiséis años de aquella noche en que Pedro Almodóvar arrasara con Todo sobre mi Madre, la ciudad de Barcelonavolvió a vestirse de gala este sábado a la noche para volver a ser anfitriona de una entrega de los Premios Goya, en este caso la cuadragésima. Y la cosa estuvo más o menos dentro de lo esperado al dirimirse todo básicamente entre Los Domingos (aquí nuestra crítica) y Sirat que, llegando respectivamente con trece y once nominaciones cada una se quedaron, también respectivamente, con cinco y seis.
La película de Alauda Ruiz de Azúa, no obstante, ganó mayormente en rubros de los considerados principales, incluidos los de mejor película y dirección, en tanto que la de Óliver Laxe, a pesar de obtener más premios, se impuso mayormente en rubros técnicos. El filme noruego Valor Sentimental (aquí nuestra crítica) se quedó con la distinción a mejor película europea como menos de una semana antes lo hiciera con el de mejor película de habla no inglesa en los Premios BAFTA (aquí el artículo), en tanto que la argentina Belén se alzó con el premio a mejor película iberoamericana.
En un guiño a la ciudad, Luis Tosar y Rigoberta Bandini , conductores de la ceremonia, entraron al escenario del Auditori delCentre de Convencions Internacionals cantando Hoy puede ser un Gran Día, del catalán Joan Manuel Serrat, para dar luego paso a una ceremonia que, como era de prever, estuvo cruzada ya desde la alfombra roja por alusiones a la situación en Medio Oriente y especialmente referencias a Donald Trump por parte de varios realizadores y actores.
Tampoco se ahorró dardos por elevación Susan Sarandon al recibir el Goya de Honor Internacional. «Donde yo estoy, en medio del caos y la represión – manifestó la prestigiosa actriz estadounidense al agradecer –, esto me ayuda a sentirme menos sola…, que soy parte de una comunidad mayor» . Por cierto, no es este su primer premio en tierras españolas, pues ya había sido galardonada con el Sant Jordiy el Donostia del Festival de San Sebastián. Eso además del Oscar, BAFTA y demás lauros obtenidos a lo largo y ancho del planeta.
Les dejamos abajo el listado completo destacando en negrita para cada terna el ganador o ganadora…
Mejor Película
‘La Cena’
‘Los Domingos’
‘Maspalomas’
‘Sirat’
‘Sorda’
Mejor Actor Protagonista
Alberto San Juan por ‘La Cena’
Miguel Garcés por ‘Los Domingos’
José Ramón Soroiz por ‘Maspalomas’
Mario Casas por ‘Muy lejos’
Manolo Solo por ‘Una Quinta Portuguesa’
Mejor Actriz Protagonista
Ángela Cervantes por ‘La Furia’
Patricia López Arnaiz por ‘Los Domingos’
Nora Navas por ‘Mi amiga Eva’
Susana Abaitua por ‘Un Fantasma en la Batalla’
Antonia Zegers por ‘Los Tortuga’
Mejor Actor de Reparto
Miguel Rellán por ‘El Cautivo’
Juan Minujín por ‘Los Domingos’
Kandido Uranga por ‘Maspalomas’
Tamar Novas por ‘Rondallas’
Álvaro Cervantes por ‘Sorda’
Mejor Actriz de Reparto
Elvira Mínguez por ‘La Cena’
Nagore Aramburu por ‘Los Domingos’
Miryam Gallego por ‘Romería’
Elena Irureta por ‘Sorda’
María de Medeiros por ‘Una Quinta Portuguesa’
Mejor Dirección
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los Domingos’
Aitor Arregi y José Mari Goenaga por ‘Maspalomas’
Carla Simón por ‘Romería’
Óliver Laxe por ‘Sirat’
Albert Serra por ‘Tardes de Soledad’
Mejor Guion Original
Alauda Ruiz de Azúa, por ‘Los Domingos’
Jose Mari Goenaga, por ‘Maspalomas’
Óliver Laxe y Santiago Fillol, por ‘Sirat’
Agustín Díaz Yanes, por ‘Un Fantasma en la Batalla’
Avelina Prat, por ‘Una Quinta Portuguesa’
Mejor Guion Adaptado
Guillermo Galoe y Víctor Alonso-Berbel por ‘Ciudad sin Sueño’
Celia Rico Clavellino por ‘La Buena Letra’
Joaquín Oristrell, Manuel Gómez Pereira y Yolanda García Serrano por ‘La Cena’
Carla Simón por ‘Romería’
Eva Libertad por ‘Sorda’
Mejor Dirección Novel
Ion de Sosa por ‘Balearic’
Jaume Claret Muxart por ‘Estrany Riu’
Gemma Blanco por ‘La Furia’
Gerard Oms por ‘Muy lejos’
Eva Libertad por ‘Sorda’
Mejor Actor Revelación
Toni Fernández Gabarre por ‘Ciudad sin Sueño’
Julio Peña por ‘El Cautivo’
Hugo Welzel por ‘Enemigos’
Jan Monter Palau por ‘Estrany Riu’
Mitch por ‘Romería’
Mejor Actriz Revelación
Nora Hernández, por ‘La Cena’
Blanca Soroa, por ‘Los Domingos’
Elvira Lara, por ‘Los Tortuga’
Llúcia García, por ‘Romería’
Miriam Garlo, por ‘Sorda’
Mejor Película Europea
‘Cónclave’ (Reino Unido)
‘La Chica de la Aguja’ (Dinamarca)
‘On Falling’ (Portugal)
‘Un Simple Accidente’ (Francia)
‘Valor Sentimental’ (Noruega)
Mejor Película Iberoamericana
‘Belén’ (Argentina)
‘ La Misteriosa Mirada del Flamenco’ (Chile)
‘La Piel del Agua’ (Costa Rica)
‘Manas’ (Brasil)
‘Un Poeta’ (Colombia)
Mejor Película Documental
‘Todos somos Gaza’
‘Eloy de la Iglesia. Adicto al Cine’
‘Flores para Antonio’
‘Tardes de Soledad’
‘The Sleeper. El Caravaggio perdido’
Mejor Película de Animación
‘Bella’
‘Decorado’
‘El Tesoro de Barracuda’
‘Norbert’
‘Olivia y el Terremoto Invisible’
Mejor Montaje
‘Ciudad sin Sueño’
‘Los Domingos’
‘Los Tigres’
‘Sirat’
‘Un Fantasma en la Batalla’
Mejor Dirección de Fotografía
‘Ciudad sin Sueño’
‘Los Domingos’
‘Los Tigres’
‘Maspalomas’
‘Sirat’
Mejor Maquillaje y Peluquería
‘El Cautivo’
‘Gaua’
‘La Tregua’
‘Maspalomas’
‘Sirat’
Mejores Efectos Especiales
‘Enemigos’
‘Gaua’
‘Los Tigres’
‘Sirat’
‘Un Fantasma en la Batalla’
Mejor Diseño de Vestuario
‘El Cautivo’
‘Gaua’
‘La Cena’
‘Los Domingos’
‘Romería’
Mejor Música Original
‘El Talento’
‘Leo & Lou’
‘Los Tigres’
‘Maspalomas’
‘Sirat’
Mejor Canción Original
‘Caigan las Rosas Blancas’
‘Flores para Antonio’
‘Hasta que me quede sin Voz’
‘La Cena’
‘Parecido a un Asesinato’
Mejor Sonido
‘El Cautivo’
‘Los Domingos’
‘Los Tigres’
‘Sirat’
‘Sorda’
Mejor Dirección de Arte
‘El Cautivo’
‘La Cena’
‘Los Tigres’
‘Maspalomas’
‘Sirat’
Mejor Dirección de Producción
‘Ciudad sin Sueño’
‘El Cautivo’
‘Los Domingos’
‘Los Tigres’
‘Sirat’
Mejor Cortometraje de Ficción
‘Ángulo Muerto’
‘Sucre’
‘El Cuento de una Noche de Verano’
‘Sexo a los 70’
‘Una cabeza en la pared’
Mejor Cortometraje Documental
‘Disonancia’
‘El Santo’
‘La Conversación que nunca tuvimos’
‘The Painter’s Room’
‘Zona Wao’
Mejor Cortometraje de Animación
‘Buffet Paraíso’
‘El Corto de Rubén’
‘Carmela’
‘El Estado del Alma’
‘Gilbert‘
Goya de Honor
. Gonzalo Suárez
Goya de Honor Internacional
. Susan Sarandon
Y eso es todo por ahora; nos reencontramos en poco más de dos semanas para los Oscar. Hasta entonces y sean felices…
1942. Un año convulso a nivel internacional con una Guerra Mundial en proceso, con millones de muertos y desplazados, con un régimen totalitario llevando a cabo una limpieza étnica de Europa, terreno abonado para propagandas patrióticas de ambos bandos en contienda, o, para el caso que nos ocupa, producciones cinematográficas que satirizan el conflicto. Ernst Lubitsch satiriza precisamente el régimen nazi a golpe de humor teatral gracias a su película Ser o no ser (To be or not to be). Y nace un clásico del séptimo arte.
Qué nos cuenta la película Ser o no ser
Una compañía teatral dirigida por un matrimonio, los Tura, representa en Varsovia una obra en donde se hace una parodia del régimen nazi. La misma es censurada por las autoridades polacas para evitar provocar la ira del tercer Reich, coincidiendo con la ocupación de las tropas germánicas del país.
La troupe teatral deberá representar la obra en la vida real para tratar de sobrevivir, a la vez que ayuda a la resistencia en su lucha contra los invasores. Su papel será infiltrarse en el aparato militar del enemigo a través de disfraces, suplantaciones de identidad (para así desbaratar un plan de espionaje) y salvar a miembros de la resistencia.
Puntos destacables que nos ayudan a recomendarla
Sin lugar a dudas, lo primero que tenemos que destacar de manera positiva es el llamado «toque Lubitsch». Como es sabido, Lubitsch destaca por su narrativa elegante, los diálogos afilados y una confianza absoluta en la complicidad del espectador. La película tiene la capacidad de convertir el teatro en metáfora de la política.
En Ser o no ser, Ernst Lubitsch, a través de los acontecimientos en que coloca a sus personajes, teniendo estos que sobrevivir mintiendo, fingiendo e improvisando diferentes papeles, sugiere que el nazismo es una grotesca representación basada en el miedo, la propaganda y la obediencia ciega. Al ridiculizar a los mandamases nazis, les arrebata esa especie de «aura» de poder. Convierte la comedia en un arma crítica.
La construcción de personajes. Este es otro punto alto. El dúo protagonista interpretado de manera magistral por Carole Lombard (Maria Tura) y Jack Benny (Joseph Tura) constituye la base de todo lo que huele a humor en esta película. Desde el gag recurrente del monólogo de Hamlet que cada vez que Tura interpreta en el escenario deriva en que un joven se levante de la platea para ir con la esposa del intérprete (el ego y los celos del primero son un juego divertido), hasta el talento de Lubitsch para ridiculizar a los nazis poniéndoles en situaciones absurdas, todo es para remarcarlo.
La escena en donde Tura hace creer a los alemanes que él es el espía real en lugar de quien realmente lo es, muerto en el sillón, es brillante, y todo ayuda a que la película alcance múltiples sentidos para el espectador.
Joseph Tura es un actor vanidoso, celoso de la fidelidad de su esposa María y obsesionado con su talento. Ella, por su parte, es una actriz inteligente, carismática y que sabe reconocer el poder que tiene sobre los hombres.
Al principio de la película podría parecer que estamos ante una comedia matrimonial con trasfondo bélico, pero a medida que avanza el filme, nos damos cuenta de que realmente va derivando hacia el progreso del personaje de Joseph desde el narcisismo inicial hasta el heroísmo final para intentar salvar a toda la compañía. Así, la película traza un arco de crecimiento moral que enriquece su dimensión cómica.
El montaje y el ritmo. Lubistch demuestra su absoluto dominio del ritmo a través de escenas de tensión coreografiadas de forma casi teatral. Entradas y salidas de escena, puertas que se abren y cierran, personajes que se esconden en habitaciones contiguas. El montaje fluye naturalmente, y los diálogos son rápidos, ingeniosos, cargados de segundas intenciones, cosa que ayuda a que el ritmo sea el adecuado y mantienen la narrativa. La puesta en escena no está centrada en el dramatismo excesivo, sino más bien mantiene un tono más ligero, sin restar evidentemente gravedad a la situación, sino haciéndola más punzante.
Ficción y realidad. Lubitsch juega con la ficción y la realidad. El que los actores representen en teatro caricaturas de oficiales nazis y que fuera de los escenarios les toque para su propia supervivencia hacer lo mismo, por ejemplo, hace que la línea entre una y otra se vaya difuminando. Con ese detalle, parece Lubitsch estarnos diciendo que nuestra identidad es una construcción performativa en constante evolución. Esa idea, gracias al director, se integra en la trama de manera natural y contribuye a hacer su temática más sofisticada.
A quién podemos recomendar Ser o no ser
Primero de todo, a aquellos/as que disfruten con películas de la llamada «época clásica» del séptimo arte. También es perfecta para quienes quieran descubrir joyas de tiempo atrás y especialmente amantes de la comedia clásica. Y, en general, puede gustar a todo/a cinéfilo/a ávido de un tipo de cine que por los tiempos que corren ya no es posible producir, pero que, generación tras generación, va ganando entre el público nuevos adeptos.
Os dejamos el enlace a un artículo en donde nos recomiendan 5 películas de comedia del mismo subgénero. AQUI.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Black Hammer Spiral City. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Hay cómics que te hacen sentir como si hubieras metido el corazón en una centrifugadora a toda potencia. Y luego está Black Hammer Spiral City, el último tomo de la familia Black Hammer que llega a España con toda la mala leche hermosa que uno puede desear de una historia de superhéroes, pero no “de superhéroes de camiseta y mallas”, sino de esos con trauma, cicatrices, historia y puñetazos que duelen fuera de la viñeta. Aunque si, también llevan mallas.
¿Qué carajos es Black Hammer Spiral City?
Antes de meternos en lo jugoso, va un mini contexto real, Black Hammer nació en 2016 de la mano de Jeff Lemire y Dean Ormston como un cómic que homenajea, deconstruye y revisa todo el universo superheroico desde la perspectiva de personajes que ya no son héroes. Viejos, rotos, perdidos, con vidas reales y consecuencias reales.
¿Realmente no sabes nada de Black Hammer? No te voy a hacer ahora una sinopsis de toda la saga, eso lo puedes buscar en Internet. Pero sólo decirte que es jodidamente bueno.
¿De qué va Spiral City?
Spiral City es la ciudad que no se va aunque tú te vayas. Es esa hermana zahorí del aburrimiento que te recuerda tus errores. Literalmente.
Aquí, Lemire y el equipo nos empujan a caminar por una metrópolis que está tan viva como un personaje más. No es solo escenario es reflejo, es espejo, es calabozo pintado de neón y fealdad hermosa. La ciudad retuerce recuerdos, hace preguntas incómodas, trae fantasmas y te mira como si supiera exactamente por qué estás nervioso.
Los personajes de Black Hammer vuelven aquí con pesos en la espalda, héroes que han perdido el rumbo, que han caído del pedestal, que todavía lucha pero quizás no contra villanos tradicionales. Aquí luchan contra lo que la ciudad les devuelve de ellos mismos.
Eso es lo que hace que Spiral City funcione tan bien puesto que es superheroico, pero sin esa pompa de “soy el bueno y ya está”. Aquí la ciudad castiga, confunde, te rompe y te da un abrazo que duele.
El tono: melancolía con espada y dolor con capa
Una de las cosas que hace único a este cómic es cómo mezcla lo trágico con lo absurdo sin que suene forzado. No es comedi, pero hay momentos que te sacan una risa amarga porque dices: “Joder, eso me ha pasado hasta a mí”.
La ciudad es un personaje sarcástico, cruel y, a veces, absurdo. Si Gotham tuviera un hermano bipolar más feo y con un diploma en humillación psicológica, sería Spiral City. Y los héroes que caminan por ella no solo se enfrentan a villanos externo, se enfrentan a la parte de su historia que preferirían olvidar.
Eso hace que la lectura sea atractiva, incómoda y, al mismo tiempo, extrañamente liberadora.
El dibujo y la atmósfera a más de uno le echan para atrás
Visualmente, Spiral City no es un cómic brillante tipo feria de colores. Aquí el arte es más bien sucio, grumoso, vivaz, como si cada página tuviera polvo de ciudad quemada y recuerdos rotos incrustados. Las sombras, los fondos son laberintos, y las figuras humanas tienen esa imperfección que las hace sentir reales, aunque estén en mundos que no existen. En definitiva, a una gran mayoría de lectores este tipo de dibujo no les atrapa, y eso es un problema.
Os dejo el orden de lectura recomendado por Dark Horse:
Black Hammer 1 (Orígenes secretos) – Universo de Black Hammer
Black Hammer 2 (El suceso) – Universo de Black Hammer
Sherlock Frankenstein y la legión del mal – Universo de Black Hammer
Doctor Star y el reino de los mañanas perdidos – Universo de Black Hammer
Black Hammer 3 (La Edad sombría parte 1) – Universo de Black Hammer
Black Hammer 9 (Spiral City) – Universo de Black Hammer
Tras los sucesos del Segundo Cataclismo y la reconstrucción del universo, Spiral City se encuentra en una nueva era. Muchos de sus héroes han vuelto, pero en vez de encontrarse con desfiles de bienvenida, las marchas anti-superhumano copan las calles de la ciudad. El sentimiento de repulsión a los superhéroes va en aumento, alimentado por los sucesos recientes y avivado por Malcolm Gold, el antiguo líder de T.R.I.D.E.N.T.E., que ahora se presenta a alcalde de Spiral.
Además, con el cierre del Asilo Spiral, muchos de sus internos superhumanos con enfermedades mentales y considerados de bajo riesgo han quedado libres, concentrándose en el decrépito barrio apodado Supertown: cuatro manzanas que quedaron arrasadas por los recientes ataques del Anti-Dios y que ahora se han convertido en una zona con una población creciente de superhumanos sin techo que no tienen otro sitio al que acudir.
Jeff Lemire y el legendario dibujante Teddy Kristiansen dan una nueva visión al universo Black Hammer y abren el debate sobre la polarización de la sociedad actual y el auge de los sentimientos nacionalistas, recuperando a algunos de los personajes más entrañables de la serie.
Hay obras que iluminan y hay obras que duelen.Pepe, de Carlos Giménez, consigue las dos cosas a la vez, como una herida que arde pero que al mismo tiempo nos esclarece y nos recuerda que, incluso en la maraña de la memoria, persiste la ternura. Es un cómic que no se deja leer con ligereza; exige al lector un pulso acompasado, casi reverencial, para entrar en el mundo íntimo de José González, el dibujante detrás del mito gráfico de Vampirella.
Giménez, como suele hacer en sus obras testimoniales, no ofrece una biografía convencional; más bien construye un relatocoral donde la voz del narrador se entrelaza con las de los amigos, colegas y conocidos que orbitaban alrededor del protagonista. Todas esas voces, en conjunto, levantan un retrato más humano que heroico, más dolido que glorioso.
Lo notable de Pepe es la forma en la que el historietista madrileño desmonta, pieza a pieza, el mito del genio inalcanzable para revelar al hombre vulnerable que vivió detrás del éxito. José González aparece aquí no como un escultor de imágenes perfectas, sino como un ser hecho de contradicciones: tímido y seductor, apocado y brillante, disciplinado hasta el absurdo y a la vez incapaz de sostener la estructura cotidiana de su propia vida. Giménez reconstruye su figura desde la complicidad y desde el afecto; se nota que hay un respeto profundo, pero también una enorme sinceridad, una voluntad de narrar al ser humano tal cual fue, sin suavizar ni suavizarse.
El trazo de Giménez —esa línea limpia, segura, luminosa— opera como una suerte de claroscuro emocional: a pesar de su aparente sencillez, está cargado de matices, de gestos silenciosos, de miradas que explican más que cualquier palabra. Sus viñetas tienen algo de confesión diaria: cada gesto, cada pausa, cada risa compartida o cada silencio incómodo es registrado con una naturalidad que se agradece. No hay sensacionalismo, no hay estridencia. Hay, en cambio, un ritmo pausado que acompaña la fragilidad del relato, como si el dibujante buscara ponerse a la altura de su amigo, no desde arriba, no desde la distancia, sino caminando a su lado.
La obra, recientemente publicada en una edición total e integra por Reservoir Books, retrata con precisión casi quirúrgica la época en la que González desarrolló su talento: el Madridgris, asfixiante, de la posguerra; los estudios de dibujo donde los jóvenes artistas sobrevivían como podían; los encargos que se sucedían sin descanso; las ilusiones de ascender profesionalmente en un entorno adverso.
Giménez, que vivió y sufrió ese mismo mundo, lo describe no desde la nostalgia, sino desde la memoria crítica. Sabemos que allí hubo camaradería, bromas y sueños compartidos, pero también explotación, precariedad y una presión constante que rozaba la deshumanización. Todo esto está presente en Pepe, pero filtrado a través de la mirada afectuosa del autor, que sabe encontrar belleza incluso en los rincones más ásperos.
En muchos momentos, el cómic se convierte en una meditación sobre el acto mismo de dibujar. González aparece como un obseso de la línea, un devoto del detalleminucioso, casi enfermizo, que puede pasar horas perfeccionando una mano, una pestaña, un pliegue en la tela. Giménez narra estas obsesiones con una mezcla de admiración y compasión, consciente de que esa búsqueda de perfección alimentó su grandeza, pero también su desgaste. Hay en esas páginas una reflexión profunda sobre el precio del talento: sobre cómo el don puede ser un castigo y la genialidad a veces una cárcel de la que es difícil escapar.
Si algo distingue a Pepe dentro de la obra de Giménez es su tono elegíaco. No es un lamento, pero sí un homenaje que se sabe tardío, consciente de lo irrepetible. El narrador se dirige a González como quien habla con un fantasma querido: alguien que ya no está, pero cuya presencia se siente en cada gesto, en cada evocación. Esa conversación imaginaria, casi susurrada, se convierte en el eje emocional del libro. Hay melancolía, pero también gratitud; hay tristeza, pero también celebración. Cuando Giménez recuerda episodios cómicos —las torpezas de González, sus manías, sus despistes célebres— lo hace con un brillo cálido, como quien revive por un instante a un amigo perdido.
La estructura fragmentaria del cómic —saltos temporales, anécdotas encadenadas, recuerdos que se solapan— funciona como un álbum de memoria donde cada página es un testimonio. No hay un clímax tradicional ni un cierre dramático; hay, más bien, un ritmo vital que avanza con la cadencia de la vida misma. El lector acompaña la trayectoria de González desde promesa juvenil hasta artista reconocido para luego presenciar su declive físico y anímico. Y, sin embargo, pese a la dureza de ciertos episodios, nunca hay morbo ni sensiblería. Giménez escribe desde la intimidad, pero nunca desde la invasión.
Al terminar Pepe, queda la sensación de haber conocido a un hombre complejo, vulnerable, entrañable. No es un héroe ni un mártir; es, sencillamente, un artista que vivió como pudo, que amó el dibujo con una pasión casi absoluta y que dejó una huella imborrable en quienes lo conocieron.
Giménez nos lo devuelve con humanidad y con ternura, demostrando que la amistad puede convertirse en obra de arte. Porque Pepe no es solo un cómic biográfico: es una carta de amor a un amigo, un intento de sostener su memoria para que no se diluya en el tiempo, una manera de decirle al mundo que José González existió y que fue, por encima de todo, un ser humano digno de ser recordado.
Netflixabandona su intento de comprar Warner Bros. Discovery. Como bien ilustra la imagen de la cabecera, podemos afirmar que Bob Esponja es el nuevo propietario de Superman y compañía.
Al final, la plataforma de streaming liderada por Ted Sarandos y Greg Peters ha desistido de su intento de hacerse con una de los mayores estudios de Hollywood y todas sus franquicias (que no son pocas y tampoco cualquier cosa). Los directivos han declarado que:
Siempre hemos sido disciplinados, y al precio requerido para igualar la última oferta de Paramount Skydance, el acuerdo ya no es financieramente atractivo, por lo que declinamos igualar la oferta de Paramount Skydance.
La oferta presentada por Paramount Skydance, propiedad del multimillonario David Ellison (o más bien habría que decir que propiedad de su padre) ha sido insuperable, unos 31 dólares por acción, más una serie de complementos.
De esta forma, Paramount Skydance, quien ya cuenta con numerosas franquicias televisivas y cinematográficas (ver imagen anterior) será propietaria no sólo de Warner Bros. (franquicias de Harry Potter, DC Cómics, etc) sino también de HBOy otros canales por cable, como CNN, TNT, TBS y Food Network.
Hay que recordar que Paramount ya intentó comprar Warner Bros. el año pasado pero Warner optó por abrir un proceso de venta que culminó con un acuerdo entre la mayor y Netflix (incluyendo HBO en el lote) por 27,75 dólares por acción, o lo que es lo mismo, unos 72.000 millones de dólares (83.000 millones contando la deuda de Warner Bros., de la que obviamente debían hacerse cargo).
Paramount Skydancesubió la apuesta y ofertó 30 dólares por acción y quedarse con toda la morralla de redes por cable que Netflixno quería (a pesar de lo que muchos piensen, en Netflixno tienen un pelo de tontos). Total, que la broma saldrá por 108.000 millones de dólares, calderilla para los oligarcas que ahora mismo dominan los U.S.A.
Los directivos de Warner Bros. han afirmado que:
Warner Bros Discovery anunció hoy que su Junta Directiva, después de consultar con sus asesores financieros y legales independientes, ha determinado que la propuesta previamente divulgada de Paramount Skydance constituye una Propuesta Superior de la Compañía, según se define en el acuerdo de fusión con Netflix.
Habrá que ver cómo repercute esto en los consumidores y aficionados, sobre todo a nivel de contenidos y tratamiento de personajes. Es obvio que las presiones políticas de la Casa Blanca, que no se han cortado un pelo en señalar que lo de Netflix no les gustaba un pelo, han influido en la decisión de los ejecutivos de Warner de vender la compañía a Paramount, que ve así como tendrán pocos problemas a la hora de finiquitar la transacción.
Por otro lado, Netflixseguirá a lo suyo, aunque tendrá que buscarse otra excusa para subirnos los precios, que ya no valdrá eso de que hay que pagar más por ver a Batmano Harry Potter.
Quienes parece ser que están encantados de la vida son los fans de Zack Snyder y del Snyderverso, que ven como su ídolo está más cerca de volver a castigarnos con su versión de los héroes de DC. No podemos esperar a volver a ver esos ceños fruncidos con los que disfrutamos hace años.
Recordemos que en Netflix ya demostraron que sabían rectificar cuando le dieron una patada a Zack a finales del año pasado, cancelando sus proyectos. Ya lo hemos dicho: los de Netflix no tienen un pelo de tontos.
En el extremo contrario, habrá que ver qué pasa con James Gunn y su nuevo universo DC, pero tranquilos que aún queda para que todo esto cristalice y seguro que tardamos tiempo en ver los resultados. Lo que es seguro es que el panorama en Hollywood puede cambiar radicalmente. Malos tiempos para la lírica, me temo. Un saludo e intentad ser felices mientras podáis.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de hablaros de CifiMad, en su edición de 2026. Fuenlabrada (Madrid) nos espera …
CifiMad 2026
La convención CifiMad regresa con su edición 2026 del 27 de febrero al 1 de marzo en el Hotel Las Provincias de Fuenlabrada (Madrid), reuniendo a cientos de fans de la ciencia ficción, fantasía y fándom.
Historia y esencia
CifiMad existe desde 2009 como un evento organizado por fans para fans, sin ánimo de lucro, con colaboración de clubes españoles como el Club Star Trek Cochrane Madrid y Fanvención.
Se centra en actividades participativas como charlas, concursos y exposiciones, priorizando la comunidad sobre el mero merchandising.
Fechas y ubicación
Viernes 27 feb: 16:00-20:30 h.
Sábado 28 feb: 10:00-20:30 h.
Domingo 1 mar: 11:00-19:00 h.
El Hotel Las Provincias (C. de Zaragoza, 2, Fuenlabrada) facilita acceso fácil en coche o transporte público.
Mary Oyaya (Luminara Unduli en Star Wars Episodio II) y Nalini Krishan (Barriss Offee en la misma saga) son las estrellas principales, con sesiones de fotos, autógrafos y Q&A.
También acude José Luís Angulo, voz de Voldemort en doblaje español.
Programa clave
El viernes arranca con charlas como «Próxima parada: la Luna» y fiesta temática «Wild Wild Cifi» (Cowboys vs Aliens).
El sábado destaca el concurso de cosplay (infantil a las 13:00, adultos a las 16:00), paneles con invitadas, exhibiciones de sables láser y gala nocturna.
El domingo, Visio-Trek y cierre con Cinecifi. Incluye CifiKids con manualidades y gymkanas para toda la familia.
Día
Destacados
Viernes
Charlas Star Trek/Doctor Who, fiesta temática.
Sábado
Cosplay, Q&A Star Wars, rifas solidarias (CifiCausa: Burrolandia).
Domingo
Encuentro clubes Star Trek (60 aniversario), cortos frikis.
Pases online cerrados, pero disponibles en evento: fin de semana 18€, día sábado 12€ (niños <12 gratis). Fotos/autógrafos con invitadas: 20€ individual, 30€ doble; cenas/gala aparte (25-35€). Packs alojamiento+cena desde 113€/persona en doble.
Cosplay y solidario
Concurso con premios para individual/grupal, mejor prop/actuación; inscripción in situ hasta 15:30h sábado. CifiCausa apoya Burrolandia con rifas frikis.
¡No te lo pierdas si eres fan de Star Wars, Star Trek o fantasía: un fin de semana inolvidable cerca de Madrid!
Tras una larga espera llega a nosotros por intermedio de Disney+ la segunda temporada de The Artful Dodger (El Maestro de la Evasión), la serie que, creada por James McNamara, David Maher y David Taylor para Sony Pictures, hace de spin-off a la vez que de secuela a la inmortal novela Oliver Twist de Charles Dickens. La analizamos…
Hola otra vez, ¿cómo han estado estos poco más de dos años? Para ser honesto pensé en algún momento que no nos volveríamos a encontrar, sobre todo por lo mucho que demoró en ser confirmada la segunda temporada de The Artful Dodger (seis meses). Hubiera sido en verdad una pena si se cancelaba pues la primera, aun con sus puntos flojos, salía más que airosa del difícil desafío de no solo continuar sino además ampliar el universo creado por el enorme Charles Dickens en el siglo XIX.
Y eso es precisamente lo que continúa haciendo esta segunda temporada que, una vez más con ocho episodios, mejora a la primera sin dejar de mantener el equilibrio entre el legado a la inmortal obra en que se basa y la búsqueda de nuevos horizontes. Después de todo, ya no estamos en los húmedos y lóbregos callejones de la fabril y hacinada Inglaterra sino en la soleada Australia, sin que ello signifique que la desigualdad y la corrupción no estén presentes, sino que, en todo caso, asumen nuevas formas y rostros.
Pero pasemos pues a ver qué ha ocurrido en esta segunda temporada de The Artful Dodger, cumpliendo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA e invitando, si aún no lo han hecho, a visitar aquí el análisis que en su momento este redactor hiciera de la primera…
El Juego del Ahorcado
Habíamos quedado al final de temporada anterior con Jack (Thomas Brodie-Sangster) salvándole la vida a Belle (Maia Mitchell), pero acabando en prisión acusado de haber asesinado al inspector Gaines. Retomamos seis meses después y ella no le ha visto desde entonces, pero está intentando salvarle de la horca al haber dado con un testigo que podría testimoniar a su favor.
Pero la ejecución se adelanta de manera sorpresiva y llega al momento preciso de verle pender de la soga. En llanto, acude a descubrirle el rostro y resulta que no es Jack, sino otro preso que Fagin (David Thewlis) ha puesto en su reemplazo: un asesino múltiple que prefirió ese destino antes que el tristemente célebre penal de la Tierra de Van Diemen.
Fagin tiene todo listo para sacar a Jack de Australia, pero este no quiere y, de hecho, sigue practicando clandestinamente la medicina a las órdenes del doctor Sneed (Nicholas Burton)y del anciano y alcohólico profesor MacGregor (Kym Gyngell). Allí se lo encuentra Belle y hay recriminaciones mutuas por los seis meses de incomunicación sin que ninguno de ambos sepa que Fagin ha destruido cada carta a fin de que Jack se quitara a la joven de su cabeza para no acabar muerto.
De hecho, los casacas rojas le andan a la caza y lo capturan gracias a una zancadilla de Henry Boxer (Luke Bracey), inspector llegado de Inglaterra en reemplazo del fallecido Gaines. Logra, no obstante, obtener libertad condicional por la inesperada ayuda de Sneed, quien manifiesta necesitar sus servicios médicos por estar sobrepasados los hospitales. Boxer acepta, pues en efecto existe tal beneficio si el reo puede brindar un servicio útil a la sociedad. Y Fagin será su tutor y garante…
De más está decir que nada de ello gusta a Lady Jane (Susie Porter), quien pone como condición que Jack no se acerque a su hija ni esta ejerza la medicina aunque, en privado, le enseña luego una carta de recomendación al Real Colegio de Cirujanos cuyo curso está dispuesta a dejar seguir si se olvida de Hawkins.
Asesinatos en Serie
Un hermano del gobernador al que apodan Dickie (Jeremy Sims) ha llegado a Port Victory y da impresión de libertino e inescrupuloso, además de haber tenido en el pasado algo con su hoy cuñada. Trae consigo un joven ayudante llamado Phineas (Zac Burgess), con el cual la eterna casamentera Fanny (Lucy-Rose Leonard) entra en rápida relación.
Lady Jane, a todo esto, quiere acomodar a su hija con el recién llegado Boxer, pero este se muestra más galante y respetuoso que acosador y se le ve, de hecho, de hecho, más interesado en resolver una serie de crímenes en el suburbio marginal de Devil´s Elbow, con víctimas apuñaladas pero extrañamente luego suturadas. Pide asesoramiento médico a Belle, a la vez que le recomienda no andar por esa zona que visita tan seguido para asistir a los necesitados.
Fiesta de Disfraces
Jack y Belle no deberían verse, pero se las terminan apañando siempre para hacerlo cada vez que necesitan mutua ayuda o consejo médico, ya sea para una transfusión (inédita en la colonia) o para tratar una epilepsia. Es en uno de esos encuentros que él se anoticia de las cartas que ella le enviara día a día, lo cual deviene en fuerte encontronazo con Fagin.
Pero a la vez la pareja sufre cortocircuito propio cuando, mientras operan una mujer a bordo de un carruaje en movimiento, Belle cree percibir que Jack lo disfruta. Le recrimina que tienen diferentes formas de entender la medicina y la vida, a lo que él replica que las diferencias deberían unirles en lugar de separarlos.
Fagin, en tanto, contacta a un juez que, soborno mediante, podría dejar en libertad a Jack, pero implica quince mil libras. Como Fagin siempre tiene una solución a mano, ha robado un maletín oficial que le decepciona al principio por estar lleno de cartas, pero una de ellas incluye una concesión por veinte mil libras para invertir en tierras…
Sale pues a la pesca de ricachones de poca monta a los que venderles acres que quizás ni siquiera existen para así crearse cierto “prestigio” y atraer a la red a peces más gordos. Pero para falsificar un documento oficial y que parezca auténtico, necesitan uno original y solo pueden obtenerlo en la Casa de Gobierno, donde una fiesta de disfraces les sirve de ocasión ideal para infiltrarse.
En la misma, Jack y Belle se encuentran nuevamente e incluso coinciden en ayudar a una niña que dice ver a un niño triste y a la que Jack interpreta como epiléptica. Fanny, en tanto, tiene junto a Phineas un momento cerámico a lo Ghost, pero el romanticismo llega a su fin cuando él engancha su cabello en el torno y acaba desnucado para desesperación de Fanny…
Descubierta por Fagin, este se ofrece a hacer desaparecer el cuerpo si ella le ayuda a falsificar un documento oficial. Al acceder la joven y ver Fagin el resultado, queda impresionado por su caligrafía y le augura un gran futuro criminal, emocionando a Fanny el saberse dueña de una habilidad.
Pan por Metro
Fagin logra estafar a unos cuantos con el asunto de tierras, pero la cantinera Rotty (Brigid Zengeni), en venganza por sus deudas en comida y bebida, le arruina todo al poner en evidencia su prontuario. Por suerte, aparece Fanny, quien siente culpas de que Phineas haya sido dado por desaparecido y se considera su asesina. Teme que el cuerpo acabe siendo hallado, pero Fagin la tranquiliza con que hace bien su trabajo.
En agradecimiento, ella le pasa el dato de que habrá un intercambio cultural con Francia y la delegación de dicho país buscará convencer a los ingleses de las ventajas de adoptar su metro patrón que, hecho en platino, han traído a tal efecto: música para los oídos de Fagin, que comienza a urdir un plan y Jack ofrece su ayuda a cambio de una porción del metal para sus operaciones.
Llegado el evento, Fagin se presenta con un carrito de pan y provoca tal tumulto que, haciendo caer el metro patrón y cubriéndolo Fanny con su vestido, logran robarlo y dejar en su reemplazo una baratija sin peso ni valor. Indignados, los franceses denuncian robo, pero Edmund y Dickie replican que los ladrones son ellos al quererles estafar con un metro falso.
Fagin, Jack y Flashy (Aljin Abella), de todos modos,terminan perdiendo el metro en el alcantarillado con una inundación, pero al menos saben que el gobernador no los busca. Así se los comunica Fanny, quien es admitida como nuevo integrante en la banda.
Operación Fallida
En Devil´s Bow y luchando contra los prejuicios por su origen social, Belle reconoce en una muchacha un aneurisma aórtico, mismo problema sufrido por ella. Necesita a Jack, pero no hay forma de encontrarlo porque está en pleno robo, así que reúne coraje e intenta ella misma hacer la intervención. Pide ayuda a Sneed, pero aun así la paciente acaba falleciendo.
Belle está desconsolada y encima Sneed acude a contarle a su madre que sigue practicando la medicina. Sorpresivamente, sin embargo, la defiende llegado el momento y argumenta que la necesita por estar los hospitales desbordados. En cuanto a la joven fallecida, dice que Belle tomó las decisiones correctas y los pacientes, simplemente, “a veces mueren”.
El Confesor
Boxer se presenta en la residencia de los Fox dando parte de que han encontrado el cuerpo de Phineas, dejado al descubierto por la inundación del sumidero. Insiste a Belle en que no siga visitando Devil´s Elbow y la reacción de Lady Jane es la menos pensada, pues para evitar que su hija ronde lugares peligrosos la asigna con Sneed al hospital.
Ello hace a la joven compartir ámbito de trabajo con Jack y, aun cuando Sneed les dé diferentes turnos, no es tonto y sabe que acabarán encontrándose, por lo que les sugiere “manejar los riesgos” si quieren que haga la vista gorda.
Fanny, temerosa del castigo divino, se dirige a la iglesia en busca de perdón y quien le termina tomando confesión es el corrupto e inescrupuloso Darius Cracksworth (Tim Minchin), que consigue así información valiosa para arreglar cuentas con su odiado Fagin.
Mientras tanto, alcohol y juego de oca de por medio, hay en la residencia del gobernador problemas entre este y su hermano, quien le acusa de no estar cumpliendo debidamente sus funciones y dejar que su esposa tome las decisiones importantes. Furioso, Edmund (Damien Garvey) expulsa a Dickie y este, en venganza, le pone al tanto de que no fue el primer hombre en la vida de Jane…
El Explorador
Fagin, a todo esto, ha vuelto a vender tierras, ahora con el apoyo de Rotty merced a un porcentaje. Pero siempre alguien interfiere y cae en la ciudad un supuesto explorador llamado Ludwig Leichhardt (Toby Schmitz) que, en plan de vender libros, dice haber estado en el centro de Australia y su descripción de hielo y muerte no concuerda con las verdes praderas que promociona Fagin. Retándolo a debate, Leicchardt busca ridiculizar su falta de conocimientos, pero Jack cae a tiempo con el dato de que el tipo es un fraude y no es ningún explorador.
El negocio de las tierras, por tanto, se reactiva y la estrategia funciona, pues Dickie compra acres por veinte mil libras. Pero un aparente funcionario de la Compañía Británica de Indias Orientales arriba a Port Victory y no es otro que Uriah Heep (Benedict Hardie), sucio y artero personaje conocido por los lectores de Dickens. Cuando pregunta por el destino de los fondos de la Corona, Dickie le informa de la reciente compra de tierras, pero no le interesa y recrimina que el principal objetivo siguen siendo los salitrales…
No eres mi Hija…
A todo esto, continúan los asesinatos que Boxer adjudica a alguien con buenos conocimientos de cirugía, lo cual hace sospechoso a Jack. Este sigue teniendo sus encuentros a escondidas con Belle y, en uno de ellos, son vistos por Lady Jane mientras duermen en la despensa del hospital.
Anoticiada Belle por la enfermera Hetty (Vivienne Awosoga) de que su madre estuvo allí, se dirige presurosa a hablar con ella y la encuentra destruyendo las cartas de recomendación mientras le anuncia que hablará con Boxer para que ejecute la sentencia contra Jack.
Después de que Belle le llora e implora, accede a no hacerlo, pero dice ya no reconocerla como hija e incluso, tras marcharse esta, habla de todos modos con Boxer para que arreste a Jack por los asesinatos. Se produce entre ambos una discusión porque el inspector es muy legalista y no comulga con arrestos sin pruebas, pero Jane replica que ella es la ley allí y no hay más que hablar…
La Coartada
Sabiendo Darius que Dickie ha comprado tierras, va a verlo para contarle que Fagin es un hombre inescrupuloso que trabaja para el diablo e incluso lo jura sobre la Biblia. Dickie va entonces en busca de Fagin para exigirle de regreso su dinero, pero resulta que se lo han robado…
Belle, mientras tanto, va a pedir techo a Jack, lo cual disgusta a Fagin pero al joven poco le importa. La situación se tensa cuando aparece Fanny y Fagin menciona que está trabajando con ellos. Belle no puede creer que Jack no abandone jamás su mundo de delito y, encima, arrastre a su hermana. Todo queda mal y ambas se marchan…
Pero los caminos de Jack y Belle siempre vuelven a cruzarse cuando alguno requiere asesoramiento del otro y ello ocurre cuando a él se le presenta como paciente Uriah Heep con el problema de que… orina por el ombligo.
En tanto, sigue habiendo nuevos crímenes y Boxer cae al hospital, pero los testigos coinciden en que Jack estuvo siempre allí, eliminándole ello como sospechoso y entendiendo el inspector que su presunción era equivocada.
Afuera, encuentra a Belle llorando y le ofrece un pañuelo bordado por su difunta esposa, de quien le cuenta que falleció años atrás y pensó que quedaría viudo para toda la vida hasta que la conoció. Algo parece surgir…
Dinamita
Dado que ya nadie tiene las veinte mil libras, Heep termina yendo a ver personalmente a Fagin para decirle que necesita llevar a Inglaterra el dinero o bien una cabeza y lo más probable es que sea la suya. Fagin insiste en que no hay fraude y las tierras existen, pero a Heep poco le importa porque a la Corona solo le interesa el salitre.
Fagin miente diciendo que lo tiene e incluso también cuando Heep le pregunta si tiene una nitrera. Quedan en encontrarse para una demostración, pero Fagin ni siquiera tiene idea de qué es el salitre y hasta lo toma por el nombre de un pirata.
Cuando se entera que es uno de los ingredientes de la pólvora, monta una demostración que es puro engaño, pues mete cartuchos de dinamita dentro de una montaña de mineral y lo hace estallar. Pero Darius descubre el fraude y corre a contarle a Heep, lo que convierte la cabeza de Fagin en objetivo inmediato…
El Asesino
Un brote de cólera ha estallado en Port Victory sin que se sepa cómo se propaga o se cura. Sneed lo adjudica al aire de los barrios pobres y hace poner en cuarentena Devil´s Elbow a pesar de los ruegos de Jack y Belle.
Aun así, estos van allí por su cuenta y se encuentran con Boxer, lo cual genera un cierto triángulo de incomodidad. Jack sospecha que el mal está en el agua y Boxer colabora en la investigación, cayendo así en casa del hermano del profesor MacGregor para enterarse que sufre de cáncer y su hermano ha prometido operarlo, lo cual le hace caer en la cuenta de que está haciendo pruebas y es el asesino.
Al ir en su búsqueda, descubre que ha herido a Sneed y está a punto de abrirlo mientras se queja de cuánto lo han ninguneado por senil. Se produce una pelea y MacGregor golpea deliberadamente a Boxer en su pierna mala haciéndole ver las estrellas, pero este acaba ultimándolo con una jeringa que recoge del piso.
No eres su Hija…
Sabiéndose buscado, Fagin ruega a Jack que le administre algún suero para fingirse muerto en modo Julieta y este termina accediendo a pesar de sus rencores. Cuando llegan Heep y Darius, pues, lo encuentran “muerto” y, por mucho que el segundo insista, el primero no quiere llevarse a Inglaterra una cabeza infectada.
La madre de Belle, en tanto, ha caído también víctima de la epidemia y no tiene más remedio que someterse a Jack. Ella le pregunta por qué lo hace y él responde que simplemente porque son médico y paciente.
A solas con su hija, Lady Jane le confiesa que su padre no es Edmund, sino su tío Dickie, con quien pensaba casarse muchos años atrás pero la plantó yéndose a Ceilán y de allí que le preocupe tanto que ella acabe por correr igual suerte. Su familia arregló casarla con Edmund, a quien ruega que no cuente nada pero no es necesario porque no solo ha escuchado todo, sino que siempre lo supo y nunca dejó de ver a Belle como su hija.
Dickie se aparece exigiendo un título por las veinte mil libras y se lo entregan o al menos es lo que cree, pues en realidad es una confesión de chantaje firmada que le ha preparado Fanny en complicidad con su madre.
Lady Jane se ha curado y todo parece llevar camino de final feliz, pero Jack no está allí, sino que ha marchado a embarcarse nuevamente en la marina por entender que su mundo y el de Belle son diferentes. Enterada esta última parte rauda al muelle antes de que zarpe el buque pero, como con la horca, llega tarde y a la vez no, pues el barco partió, pero Jack no…
Una vez más, todo parece estar bien pero lo último que vemos es a Fagin despertar en un ataúd varios metros bajo tierra y maldecir a Jack…
Balance de Temporada
No solo me alegra que estemos analizando una segunda temporada, sino además haber tenido razón en mi deseo de que la hubiera, pues el universo dickensiano se ha seguido ampliando y para bien.
Es que hay que reconocer que The Artful Dodger es una apuesta de época arriesgada que implica enormes gastos y no todo el mundo ha leído a Dickens como para justificarlos en audiencia. Sin embargo, contra temores de cancelación o recortes presupuestarios, en esta segunda temporada la producción se luce con una paleta de colores deslumbrante expresada en magníficos vestuarios, peinados y escenarios que se ven realzados por la gran fotografía.
Y si la paisajística que podría uno relacionar con Australia sigue sin aparecer, está plenamente justificado en lo desconocido que para la época era aún el interior del territorio, reflejado ello en la proliferación de estafadores y charlatanes que constituyen sin duda una realidad histórica.
Y más allá de habérselo aquí apropiado un farsante (habitual en una época en que no había televisión ni internet), el nombre Ludwig Leichhardt no es inventado, sino que así se llamó justamente un explorador que investigó por esos días las prácticamente desconocidas botánica y zoología australianas.
Pero a lo que voy es a que, ausente por ignoto el interior australiano, tiene sentido que la historia destile Dickens por todos lados al transcurrir mayormente en ciudades costeras en formación que reproducen como espejos las desigualdades sociales, corrupción política, marginalidad y problemas sanitarios de su metrópoli.
Y si hablamos de Dickens, es una pena que haya desaparecido tan pronto Oliver Twist después de su fugaz aparición sobre el final de la temporada anterior y más aún estando interpretado por el bueno de Hal Cumpston, pero de haberse vuelto su personaje más recurrente, se corría el riesgo de que la serie fuese absorbida por la fuerza literaria que este implica cuando el título hace en cambio alusión a Jack Hawkins a través de su famoso apodo.
De todas formas, siguen apareciendo personajes de Dickens y el más impactante ha sido sin duda Uriah Heep por no corresponderse con la novela Oliver Twist sino con David Copperfield, lo cual nos pone ante un interesante crossover que va construyendo un único y gran universo dickensiano. Como datos de color, se ha dicho que Dickens dio a ese personaje sus rasgos de personalidad basándose en el escritor Hans Christian Andersen y si se están preguntando si la reconocida banda británica Uriah Heep tomó su nombre de él, la respuesta es sí…
Paradójicamente, nos vamos separando del célebre autor inglés en otros aspectos, algo lógico al avanzar la serie. En ese sentido, se advierte fundamentalmente el lugar central cada vez mayor que adquiere la historia de amor de Jack y Belle, justamente el personaje femenino menos dickensiano.
Es cierto que a veces cansa un poco tanto encuentro y desencuentro, como también que suena a mucho que, sin ninguna formación universitaria, Jack sea no solo responsable de la primera operación de aorta en Australia, sino también de la primera transfusión de sangre y de descubrir nada menos que el origen y cura del cólera…
Pero las buenas actuaciones de Thomas Brodie-Sangster y Maia Mitchell dan a la pareja una química que la hace creíble y atractiva. En general, todo el elenco está muy bien, aunque los laureles de la temporada se los lleva un increíblemente formidable David Thewlis, lo cual no debería sorprendernos si le hemos visto antes, pero el lugar que ha ido adquiriendo el personaje de Fagin le da posiblidades mayores que las de Remus Lupin en las películas de Harry Potter o Ares en Wonder Woman (2017), por citar ejemplos.
Es que si algo caracteriza a The Artful Dodger es el saber dar suficiente desarrollo a sus personajes, lo cual queda demostrado en el crecimiento que en esta temporada ha tenido Fanny, con mayor protagonismo y gran desempeño de Lucy-Rose Leonard. Y gran incorporación, por cierto, la de Boxer que, sostenido por un solvente Luke Bracey, se erige como un policía respetuoso de las leyes y por entero diferente a Gaines, además de introducir un tercero en discordia en la historia de Jack y Belle. Quizás el único personaje caricaturizado sea Darius, más cerca de Pierre Nodoyuna o el Coyote que de un villano de Dickens.
La banda sonora me sigue a veces chocando al incorporar música de rock (se repiten artistas australianos como AC/DC o Wolfmother) en un contexto decimonónico, pero debo admitir que a veces se ajusta muy bien y crea un efecto divertido, como en la caótica escena de persecución con Blur de fondo (de los pocos no australianos incluidos) o que mientras Fagin prepara los explosivos suene T.N.T., de AC/DC.
En definitiva, The Artful Dodger ha crecido con su segunda temporada y ello no puede sino alegrarnos. Lleva bien el equilibrio entre seguir el universo dickensiano y despegarse lo necesario para construir algo nuevo, proponiendo un atractivo cóctel de época que, amparado en las grandes actuaciones y mezclando romance, thriller, drama médico, comedia negra y denuncia social, se erige como una de las grandes propuestas de hoy.
¿Habrá tercera temporada? Esperemos que sí, pues más allá de que la mayoría de los arcos se hayan cerrado y parezca haber un final feliz para Jack y Belle (quizás demasiado), tenemos rondando aún a Uriah Heep y despertando bajo tierra (en guiño más de Poe que de Dickens) al impagable Fagin, de quien queremos imperiosamente ver más.
Ojalá nos reencontremos aquí para analizarla cuando llegue. Hasta la próxima y sean felices…
Llegamos a mitad de la primera temporada Star Trek: Starfleet Academy (Academia de la Flota Estelar), la serie que, creada por Gaia Violo, es la duodécima (novena en live action) de una franquicia que en este 2026 cumple sesenta años, El quinto episodio, que hoy nos ocupa, se titula Serie Aclimatación Mil (suena raro pero termina teniendo sentido) y puede ser visto por Skyshowtimepara España y por Paramount+ para América Latina.
Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Casi sin darnos cuenta estamos ya a mitad de temporada y por suerte el quinto episodio de Star Trek: Starfleet Academy confirma el buen rumbo del anterior después de que la serie pareciera despeñarse en el tercero. Una entrega que tiene esta vez en su centro a Sam, pero que además conecta emocionalmente con Star Trek: Deep Space 9, una de las series tan queridas como rara vez homenajeadas en la franquicia, así como con los personajes a los que hace ya más de tres décadas aprendimos a querer a través de la misma.
Pero pasemos a ver mejor qué ha ocurrido en el episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden en nuestra web echar ojo a nuestros análisis previos, tanto de esta como de otras series y películas de la franquicia.
El relato en off viene esta vez a cargo de Sam que, entre coloridos textos en pantalla, comienza celebrando el hecho de ser única entre tantas especies que pueblan la galaxia. Dice haber sido creada por fotónicos, los que a su vez habían sido antes creados por orgánicos que los utilizaron como sirvientes, pero después de la Quema adquirieron conciencia propia y forjaron una civilización de manera independiente en el planeta Kasq, de donde justamente ella procede.
De hecho, nos enteramos que Sam (cuyo nombre es sigla de Serie Aclimatación Mil, que es como se titula el episodio) fue creada especialmente para actuar como “emisaria” y está en la Academia a los fines de conocer y entender a los orgánicos, pues los fotónicos necesitan saber hasta qué punto pueden confiar en ellos en caso de restablecer relaciones o si la la larga terminarán otra vez convirtiéndolos en sus sirvientes.
La misión que le han encomendado no es fácil, pues lo que ella ve en los orgánicos es que no hay un patrón rígido en su conducta y son bastante imprevisibles. Pero, manteniéndose firmes en que Sam cumpla su objetivo, le encargan inscribirse en un seminario titulado “Explicando la Confrontación”…
El mismo, sin embargo, ya está iniciado y está difícil convencer a Illa (Tawny Newsome), profesora cardassiana a cargo, de que la acepte, aunque termina comprometiéndose a hacerlo si logra llevar a cabo una prueba consistente en resolver el misterio de Benjamin Sisko, lo cual interesa sobremanera a Sam por haber sido este el emisario más famoso en la historia de la Federación.
El corazón, por supuesto, nos late a mil al escuchar el nombre de un personaje tan entrañable, el cual, según lo que Sam llega a investigar (y que sabemos), desapareció sin dejar rastro después de haber sido nombrado emisario de los Profetas, deidadas incorpóreas adoradas por los bajoranos que le confirieron tal dignidad y para quienes no murió, sino que trascendió hacia algo superior.
Sam tiene una semana de plazo para lograr ser admitida en el seminario o, lo que es lo mismo, para resolver el misterio de Sisko. De no conseguirlo, su misión como emisaria habrá terminado y deberá regresar a Kasq, lo que plantea para ella un eventual escenario de frustración por la posibilidad de perder contacto con los amigos que en la Academia ha hecho.
Sopa y Anguilas
Mientras tanto, vuelve a haber problemas entre los cadetes de la Academia y los de la Escuela de Guerra, sobre todo después de que Darem intenta demarcar en el atrio zonas de influencia con un rayo de luz, pero el asunto se termina cuando pasa Jett Reno y directamente se lo lleva.
En cuanto a Kelrec, espera nervioso la llegada de la rectora de la Escuela de Guerra en Alpherat, con la cual hay un posible acuerdo en puerta, pero sus zalameros planes para recibirla son torpes y hasta peligrosos, como calentar el Océano Pacífico para que pueda ella soltar allí las anguilas de fuego que tiene como mascotas.
Anoticiada Nahla, se ofrece a ayudarlo de buena fe y realizan un simulacro de cena en el cual ella hace el papel de la canciller y participan también el Doctor y Reno. La cosa es complicada, sobre todo cuando se busca reproducir las costumbres y utensilios de los alpheritas (sus cucharas para sopa, por ejemplo, llevan un agujero en el centro), y más aún cuando un pez alienígena al plato se desinfla ruidosa y literalmente delante de Kelrec, provocando el fastidio de este y la risa del resto.
Ofendido, se queja de que no lo toman en serio y Nahla le pide que confíe, pero Kelrec saca trapos al sol y le echa en cara pretender que confíe en ella cuando en su momento abandonó la Flota, dejando así en evidencia la razón del manifiesto rechazo que desde un principio le mostró.
El comentario, desde luego, descoloca a Nahla, quien le recrimina no conocer el contexto de su decisión en aquel momento. “Si juzgas sin contexto, te costará mucho que la gente confíe en ti”, le dirá después en privado, terminando Kelrec por rever su postura y acabar ambos riendo, especialmente de lo mal que él tocó la flauta durante el ensayo de cena.
Una Noche en el Museo
Sam se pone a indagar sobre el misterio de Sisko y no es que sus compañeros le den mucho ánimo: Darem no entiende el sentido y Caleb dice que solo se trata de un cuento para niños bajoranos. Más colaborativa, Nahla le recomienda visitar el Museo Benjamin Sisko.
Allí, revisando el árbol familiar de Benjamin, se encuentra con que la madre de este fue una profetisa bajorana, con lo que su destino ya estaba de algún modo escrito. No es un descubrimiento alentador para Sam, pues implicaría que un emisario no puede escapar al mismo y su misión se halla ya prefigurada sin margen para la invidualidad o la decisión personal.
A través de un Orbe de los Profetas busca de todos modos establecer contacto con Benjamin para que la ilustre al respecto pero, casi como si las líneas se cruzaran, quien aparece ante ella en versión holograma no es él sino su hijo Jake que, para emoción de los fans, vuelve a estar interpretado por Cirroc Lofton, ya adulto.
Este no puede ayudarla mucho en cuanto al rol de un emisario, pues dice no haber conocido a su padre de esa forma sino como gran hombre y experto en cocina, especialmente en la preparación del gumbo, aquel plato tradicional de Luisiana del cual Benjamin (como bien sabemos por Star Trek: Deep Space 9) tenía una receta secreta y altamente valorada.
Las Leyes Divinas
Cuando pone al tanto a Illa de su experiencia en el museo, esta le cuenta del restaurante de Sisko, cuyo lugar ocupa hoy el bar y comedor en el que los cadetes suelen hacer sus fiestas. Para entender mejor las cosas, Sam prepara la receta de gumbo con las instrucciones de Illa y se la da a probar a sus compañeros mientras Jay, enterado de que estuvo en contacto con Jake, la anoticia de que este escribió un libro sobre su padre que jamás terminó.
Un ajuste provocado por Caleb en el sistema de Sam permite a esta disfrutar de los sabores e incluso… emborracharse. Termina cantando y bailando, pero a la par de ello los cadetes de la Academia vuelven a tener un encontronazo con los de la Escuela de Guerra (mientras paradójicamente Caleb y Tarima se besan afuera) e incluso Sam golpea a uno de ellos. La trifulca termina con varios hospitalizados y un Doctor muy decepcionado con el comportamiento de Sam, quien se excusa con que solo quería saber sobre Benjamin Sisko. Él no puede ayudarla mucho porque no lo conoció, aunque sí a su hijo.
La cuestión, pues, es que por mucho que indague o busque replicar experiencias, no hay para Sam modo de saber qué pasó con Sisko y así se lo termina, con resignación, comunicando a Illa, la cual, no obstante, le dice que todo es aprendizaje y le pregunta por lo tanto qué aprendió…
Sam responde que lo que extrae de su investigación es que lo importante no es cómo murió Benjamin, sino lo que su vida significó para otros. Satisfecha al oírle decir eso, Illa le dice que entonces no hay fracaso, pues aprendió mucho y, dicho ello, le enseña el libro escrito por Jake que finalmente sí había terminado, pero no hizo público para mantener íntimo y cercano el vínculo con su padre.
Tras leerlo, Sam va a hablar nuevamente con el holograma de Jake, quien le dice que no es cierto que la vida de un emisario esté previamente determinada, ya que su padre, en definitiva, tomó su propia decisión y, al hacerlo, salvó a millones de personas. Sam agrega que también fue mucho lo que perdió y sacrificó, pero Jake lo ve como ganancia y si bien no tiene ninguna respuesta certera acerca de que pasó con su padre o dónde se halla, manifiesta sentir cercana su presencia todo el tiempo.
Al volver a hablar con Illa y contarle de su charla con Jake, Sam tiene intriga por cómo sabía de los tomates en la receta del gumbo, dato que no encontró en ningún lado. En otro de los momentos altamente emotivos del capítulo, Illa aparta sus cabellos descubriendo las marcas que la identifican claramente como trill, además de confesarle que su verdadero nombre es Illa Dax, mientras el corazón nos late deprisa nuevamente.
La siguiente conversación de Sam es con sus creadores fotónicos, a los cuales, por mucho que les disguste, pone al tanto de que que no ha logrado ingresar al seminario, pero no piensa por ello regresar a Kasq ni resignar su rol de emisaria, cuya importancia ahora entiende. Envía además un mensaje a Benjamin Sisko agradeciéndole y diciéndole que estará allí cuando quiera o necesite hablar.
Y las palabras finales de cierre, justamente, son dichas en off por el propio Benjamin: “Las leyes divinas son más simples que las humanas; por eso se necesita toda una vida para comprenderlas. Solo el amor puede comprenderlas. Solo el amor puede interpretar estas palabras como deben ser interpretadas”..
La emoción que nos embarga no puede ser mayor al oír después de tantos años la voz de Avery Brooks y no solo eso, sino el tema principal de DS9 acompañando los créditos finales. Todavía estoy temblando…
Balance del Episodio
Por fin tuvo DS9 el homenaje que se merecía. Conocida, según países de habla hispana, como Abismo Espacial Nueve o Espacio Profundo Nueve, la que fuera en su momento la tercera serie live action de la franquicia fue emitida durante siete temporadas entre 1993 y 1999, marcando gran diferencia con las que la habían precedido por no transcurrir mayormente a bordo de una nave sino en una estación espacial, lo cual devino casi por consecuencia en un tono más oscuro que le confirió un estilo propio y la distinguió del resto de la franquicia.
Pero salvo por aquel capítulo de Lower Decks (3×06) en que la tripulación de la USS Cerritos visitaba la icónica estación o por algún momento aislado de la tercera temporada de Star Trek: Picard, DS9 no había recibido aún dentro de la franquicia el merecido tributo y ya era hora, por lo que Starfleet Academy se gana un punto extra después del excelente episodio de la semana anterior que, si voy a ser sincero, fue para mí superior a este, pero la buena noticia es que la serie pareciera seguir encontrando su tono y su rumbo. Espero que no se hayan bajado muchos después del anodino y olvidable tercer capítulo.
En general, Serie Aclimatación Mil ha girado sobre un concepto ya presente justamente en Vox Excelso, pero en el cual se profundiza: el de saber poner las cosas en contexto y verlas desde el punto de vista del otro. Esa misma lógica, antes aplicada a Jay y ahora a Sam, termina siendo válida también para la historia en paralelo de Kelrec que, honestamente, me fastidió por momentos un poco por darme la impresión de que cortaba clima pero, visto el cierre del capítulo, creo que ha quedado claro que ambas tramas conducían a lo mismo.
Y es un gran acierto que no se le haya dado solución al enigma de Benjamin Sisko por mucho que nos haya torturado la cabeza durante todos estos años a quienes amamos el universo trekkie. Se prefirió, con mejor criterio, mantenerlo como tal y dejar una respuesta abierta, pero que apunta sobre todo a valorar el camino recorrido (lo mismo sobre lo que reflexionaba Nahla al inicio del capítulo anterior) y, muy especialmente, a lo que uno deja en los demás y que permanece en el tiempo como esas estrellas ya muertas cuya luz nos sigue llegando.
Fue muy emocionante volver a oír hablar del bueno de Benjamin como también ver a Jake ya crecido. En algún momento me llegué a preguntar si veríamos también a su padre, pero recordemos que Avery Brooks se retiró de la actuación después de aquella serie y podemos considerar un lujo haber vuelto a escuchar su voz que, según pude indagar, no fue registrada especialmente para el capítulo sino que lo que oímos es un poema suyo que grabó por su cuenta y cuyo uso autorizó para aparecer aquí; de allí el agradecimiento final.
Pero si con todo lo de los Sisko no bastara, nos hemos encontrado además con que la instructora Illa es en realidad el simbionte trill que, en la forma deJadzia Dax, fuera en su momento interpretado por Terry Farrell…
Y tiene, desde luego, sentido que no tenga el mismo rostro porque ha ido pasando de un cuerpo al otro y es una gran decisión que quien lo interprete sea Tawny Newsome, cuya voz conocemos de Lower Decks por dar vida a Beckett Mariner y a quien ya habíamos visto en versión live action en aquel inolvidable episodio de Star Trek: Strange New Worlds que fue Esos Viejos Científicos (2×07), del cual pueden aquí leer el análisis de un servidor. Además, es una de las escritoras del capítulo…
En fin, creo que hemos vuelto a ver un muy buen episodio más allá de que no supere al anterior, a mi juicio hasta aquí el mejor de esta primera temporada que llega a su mitad.
Y si bien me molestó al comienzo el tono influencer que se le pretendió dar a Sam mientras desfilaban textos coloridos de estilo adolescente o hasta infantil con fuertes reminiscencias de Dr. Seuss, fue por suerte un espejismo y la serie ha definitivamente acertado en estos dos capítulos al no apelar a la nostalgia por la nostalgia misma, sino usarla con inteligencia y como inspiración para los nuevos personajes como Sam que, con una gran interpretación de Kerrice Brooks, se ha echado a la espalda este quinto episodio.
A ver qué nos depara el sexto, que les espero aquí para analizar. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…
Finalmente ya tenemos el póster y el último tráiler de Mortal Kombat II. Recordemos que esta película estaba programada para su estreno en octubre de 2025, pero se retrasó para mayo de 2026, y ahora realmente estamos todos ansiosos por verla.
Toda la atención del póster y del tráiler se centra en Johnny Cage (Karl Urban), la estrella de cine de acción en decadencia a la que Lord Raiden encarga la misión de salvar el día.
Queda claro de inmediato que Johnny es el nuevo protagonista de esta franquicia, ya que Cole Young, interpretado por Lewis Tan, pasa a un segundo plano mientras disfrutamos de una serie de debuts y regresos de personajes icónicos de Mortal Kombat. Cole era un personaje bastante polémico, por lo que no es de extrañar que haya quedado relegado a un segundo plano.
Más allá de eso, las Fatalitiesse suceden a un ritmo vertiginoso y, visualmente, esta secuela parece mucho más acorde con los videojuegos. Para los fans de la primera entrega, promete ser una película imprescindible, y parece que se han abordado muchas de las críticas que se le hicieron a esa película (una buena noticia para aquellos a los que no les gustó la adaptación del videojuego de 2021).
Las primeras reacciones a Proyecto Salvación acaban de llegar, y parece que los cineastas Phil Lord y Christopher Miller han creado una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia.
Las primeras reacciones en las redes sociales sobre Proyecto Salvación, y todas ellas son abrumadoramente positivas.
Varios críticos la han aclamado como una obra maestra, elogiando la interpretación de Ryan Gosling, protagonista de Barbie, y reconociendo el mérito de los cineastas Phil Lord y Christopher Miller por haber creado una película de ciencia ficción perfecta.
Nadie se atreve a mencionar al coprotagonista de Gosling, un misterioso alienígena que conoce en su viaje por el cosmos. Sin embargo, los tráileres ya lo han desvelado, mientras que en el libro Proyecto Salvación se trataba como un giro sorpresa.
El pasado mes de noviembre, el autor de la novela Andy Weir justificó la decisión diciendo:
«En realidad, es más bien una decisión de marketing de Amazon MGM, pero la idea era que nadie fuera a entrar en el cine sin saber nada de Rocky. No se trata de una situación del tipo «Darth Vader es el padre de Luke»».
«Este es un elemento central y fundamental de la trama del que todo el mundo va a hablar y que todos los que han leído el libro ya conocen»
«Todos los tráilers están diseñados para atraer al público a las salas, y queremos que ese público vaya a ver la película. Queremos que la gente vaya y diga: «Quiero saber qué está pasando»».
#ProjectHailMary is masterful and so beautifully done. A truly heartwarming story of humanity and friendship. A superb performance from Ryan Gosling – a career best. Greig Fraser’s cinematography is exquisite to perfection. pic.twitter.com/MmslrWF7Wl
#ProjectHailMary is profound and profoundly moving, an absolute masterpiece of hope and humanity. It’s also insanely entertaining – funny, thrilling, surprising and hopeful. As cheesy as it is to say “we need this movie right now,” well, we do. And I’m so thankful it’s here. 🪐🌎 pic.twitter.com/OOYgMXkCJE
In #ProjectHailMary, the coldness of the cosmos is replaced w/ warmth, its expansiveness & grandiosity reframed as an invite to behold & wonder. A visually rich odyssey fueled by a propulsive, emotional core. Pemberton’s score is celestial & coruscating; need a Rocky plushie asap pic.twitter.com/ZXPCDGcvUx
Project Hail Mary is PHENOMENAL! This movie is a masterpiece. It is way funnier than I expected it to be, it never feels its runtime, and it is truly heartwarming. I laughed, I cried – I fell in love with Rocky! Ryan Gosling is one of the best working today. WOW! #ProjectHailMarypic.twitter.com/PkhAgZSvqc
PROJECT HAIL MARY was far from the film I was expecting. Less an epic space adventure and more of an intimate look at companionship and finding catharsis in the vastness of space. Ryan Gosling’s doing an amazing one man show for most of this. Rocky: new little guy alert! pic.twitter.com/bSweKcX7G9
Project Hail Mary is an epic cinematic achievement.
Phil Lord and Chris Miller somehow manage to raise the bar once again, delivering what is not only their most ambitious film to date, but arguably their most accomplished.
Lord and Miller have created a MASTERPIECE with #ProjectHailMary . Ryan Gosling gives a career defining performance that will go down in history. Fans of the book should be ecstatic! Watch in #Imax to experience some of the most stunning outer space sequences ever. Incredible! pic.twitter.com/To93JKmO8j
PROJECT HAIL MARY: Phil Lord and Christopher Miller’s must-see space odyssey blasts off as the first great blockbuster of 2026. Out-of-this-world cinematography from Greig Fraser reaches for the stars while anchored by a stellar Ryan Gosling performance. This movie ROCKS! pic.twitter.com/gvtn42yikb
Aunque no ha revelado qué personaje interpretará en la película, Christian Bale ha confirmado que protagonizará la secuela de Heat, de Michael Mann.
«No te encariñes con nada de lo que no estés dispuesto a abandonar en 30 segundos si sientes que el peligro acecha a la vuelta de la esquina».
El año pasado nos enteramos de que la secuela de la aclamada película policíaca de Michael Mann, Heat, protagonizada por las leyendas del cine Al Pacino y Robert De Niro, seguía adelante oficialmente tras encontrar un nuevo hogar en United Artists, después de que Warner Bros. acordara permitir a Mann buscar un nuevo distribuidor para el proyecto.
Se rumoreaba que varios actores importantes estaban en la lista para interpretar los papeles principales de la película, y recientemente se informó de que Christian Bale (El caballero oscuro) se reuniría con Mann para la secuela.
Ahora, Bale ha confirmado que protagonizará la película, aunque no ha revelado qué personaje interpretará.
Leonardo DiCaprio, que lleva tiempo vinculado al proyecto, sigue estando confirmado para interpretar uno de los papeles principales, y se rumorea que Austin Butler, Adam Driver y Bradley Cooper también están interesados en participar, aunque los informes del sector aclaran que «no se ha hecho ninguna oferta a estos actores».
Hay mucha rumorología respecto a quien hará tal papel y quien hará aquel otro. Podría poner aquí todo lo que se ha ido diciendo, todos los rumores, pero por el momento creo que es mejor ser prudentes y no dar noticias hasta que no sean totalmente oficiales.
Los showrunners Alfred Gough y Miles Millar dieron a conocer que Winona Ryder, de reciente suceso en Stranger Things y sobrada experiencia en la filmografía de Tim Burton, se suma al elenco de Miércoles(Wednesday) para su tercera temporada, agregando así su nombre al de la ya anunciada Eva Green. Pero hay más…
Cuando se piensa en actrices fetiche de Tim Burton, es obvio que el primer nombre que se nos viene a la cabeza es el de su ex esposa Helena Bonham Carter, pero a la zaga le viene, sin dudarlo, Winona Ryder, que ha estado bajo su dirección en cuatro películas y un videoclip. Pues ahora y en una nueva jugada de impacto de Netflix, la actriz que acaba de finalizar su participación interpretando a Joyce Byers en Stranger Thingsse suma a la tercera temporada de Miércoles, otro de los grandes éxitos de la plataforma.
Y no será la primera vez que Winona comparta elenco con Jenna Ortega bajo la tutela de Burton, quien oficia como productor de la serie y suele incluso dirigir un par de episodios por temporada: ya han estado también juntas en Beetlejuice Beetlejuice (2024) o, si lo prefieren y como se conoce en España, Bitelchús Bitelchús, de la cual pueden leer aquí nuestra crítica al momento de su estreno.
Tanto Miércoles (Merlina para Latinoamérica) como la ya finalizada Stranger Things son dos de los mayores sucesos de Netflix, lo cual, unido a la fuerte asociación que el público hace entre Burton y Ryder, provoca que la incorporación de esta última genere alta expectativa y más aún cuando viene a sumarse a la de Eva Green, otra luminaria que ha trabajado con Burton y que fuera hace pocos meses anunciada para la tercera temporada en el rol de la tía Ophelia, hermana de Morticia.
Y allí no queda la cosa porque se suman también Chris Sarandon, Noah Taylor, Oscar Morgan y Kennedy Moyer, nombres que acaban de ser anunciados junto con el de Winona y terminan de confirmar que la nueva temporada contará con un rutilante elenco de figuras entre las nuevas y las que ya forman parte de la serie como Catherine Zeta-Jones, Luis Guzmán o la propia Jenna. Y por favor, que no desaparezca Evie Templeton que, junto con Steve Buscemi, se devoró la segunda temporada (bueno, quizás sí desaparezca y quienes siguen la serie me entienden).
“Es un siniestro deleite abrir de nuevo las puertas de la Academia Nevermore al comenzar la producción de la tercera temporada. Agradecemos a nuestros invencibles elenco y equipo por su continuo compromiso con la fatalidad y la tristeza. A los fans, su paciencia, sus voraces comentarios en línea y sus retorcidas teorías que han inspirado pesadillas. Esta temporada damos la bienvenida a los nuevos estudiantes y profesores, y desenterramos algunos secretos de la familia Addams que llevan largo tiempo en descomposición . No digan que no se los advertimos” reza el comunicado de los showrunners Alfred Gough y Miles Millar.
Si bien no tenemos aún anuncio con respecto a probable fecha, se presume que la tercera temporada de Miércoles arribará a Netflix en 2027 Lo que sí se sabe es que ya el rodaje ha comenzado en Dublin, Irlanda, y que el personaje interpretado por Winona lleva por nombre Tabitha, aunque no se ha dado información sobre su historia personal dentro de la ficción o qué tipo de vinculación pueda tener con la Academia Nevermore o con la familia Addams.
Estaremos desde luego a la caza de novedades en la medida en que vayan llegando y cumplo en invitarles si lo desean a echar un ojo a los análisis hechos por un servidor de las temporadas anteriores de Miércoles.
Un nuevo rumor sobre Vengadores Doomsday afirma revelar la muerte de dos personajes muy importantes durante el primer acto de la película y muchos fans no estarán contentos de decir adiós a estos dos personajes favoritos. Por tanto si no te quieres tragar posibles spoilers no sigas leyendo.
Las aparentes filtraciones sobre la trama de Vengadores Doomsday se suceden a medida que se acerca el estreno de la película y la última podría dividir a los fans que tienen ciertas expectativas sobre este éxito de taquilla mundial. ¿Llegará a las cifras de Vengadores Infinity War o End Game?
Anteriormente se habían filtrado rumores (habrá que ver si es verdad o no) que, para salvar su realidad, los X-Men se verán obligados a destruir los mundos que estaban a punto de colisionar con el suyo. Esto no difiere mucho de los cómics, donde los Illuminati se vieron obligados a tomar medidas drásticas para salvar la Tierra-616.
Se ha hablado mucho sobre el comienzo de Vengadores Doomsday, con Deadpool y Lobezno (Wolverine) llegando al mundo de SpiderMan, interpretado por Tobey Maguire. Se supone que luchan, y @MyTimeToShineH ha lanzado una bomba, si es que es cierto.
Informan de que «Spidey, interpretado por Tobey, y Lobezno (Wolverine), interpretado por Hugh [Jackman], mueren al comienzo de Avengers: Doomsday».
Suponiendo por un momento que perecen en una incursión, esto sería toda una declaración de los hermanos Russo, ya que buscan recalcar la gravedad de las incursiones y lo que significan para el multiverso en general.
Es comprensible que la mayoría de fans no estemos contentos al ver morir a estos dos personajes en los primeros cinco minutos de Vengadores Doomsday. Sin embargo, vale la pena tener en cuenta que múltiples fuentes han afirmado que tanto Maguire como Jackman tendrán papeles importantes en esta película (y en Vengadores Secret Wars).
Con innumerables variantes en el multiverso, podrían ser versiones de SpiderMan y Lobezno que sean parecidas aunque completamente diferentes a las que conocemos de las películas. Recordemos que Marvel Studios utilizó un truco similar al comienzo de Doctor Strange en el multiverso de la locura con ese falso Strange.
Por ahora, solo se trata de un rumor y es mejor tomarlo con cautela.