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Crítica de Avatar: Fuego y ceniza, cuando James Cameron vuelve a volarte la cabeza aunque ya sepas el truco

Vamos a decirlo claro desde el principio, sin rodeos ni flechitas azules: “Avatar: Fuego y ceniza” es un espectáculo descomunal. Una apisonadora visual. Una de esas películas que te hacen mirar la pantalla con cara de “¿pero esto cómo narices lo han hecho?”. James Cameron vuelve a demostrar que, cuando se pone serio con la tecnología, el resto del cine juega en otra liga… o directamente en otro planeta. He intentado hacer una crítica de Avatar: Fuego y ceniza lo mas honesta posible, porque ahora viene la parte en la que no digo tantas cosas bonitas.

Ahora bien. Y aquí viene el “pero”, que es grande como un ikran con resaca: como tercera parte de la saga, no cuenta nada nuevo. Nada. Cero. La innovación se ha quedado aparcada en Pandora con el motor encendido.

Y aun así… ojo, que me ha gustado más que “El sentido del agua”. Sí, lo he dicho.


Crítica de Avatar el sentido del agua. Entre documental y gran película de acción


Crítica de Avatar: Fuego y ceniza

Un espectáculo que te pisa la cara (con cariño)

Visualmente, Avatar: Fuego y ceniza es una barbaridad. No hay otra palabra. Cameron sigue siendo ese señor obsesivo que no duerme hasta que cada plano parece una demo técnica del futuro. Todo es gigantesco, hiperrealista, orgánico, vivo. Pandora vuelve a sentirse como un lugar real, no como un fondo de pantalla caro.

Las nuevas localizaciones volcánicas, el uso del fuego, las texturas, los colores… todo está tan cuidado que parece que puedas quemarte si te acercas demasiado a la pantalla. Es cine que no se ve, se experimenta. Y en una sala grande, con buen sonido y buena imagen, es una fiesta sensorial que justifica el precio de la entrada sin pestañear.

Aquí no hay discusión posible. Cameron no compite con nadie. Cameron compite consigo mismo.

El problema es que ya hemos estado aquí antes

El gran fallo de Avatar: Fuego y ceniza no está en lo técnico ni en lo visual. Está en el guion, que vuelve a ser solamente correcto. Funcional. Previsible. Seguro. Demasiado seguro.

La primera Avatar fue un antes y un después por el 3D. No porque inventara nada narrativamente, sino porque cambió la forma de vivir una película en el cine. La segunda sorprendió con el rodaje bajo el agua, una locura técnica que volvió a empujar los límites del medio.

¿Y esta tercera?

Pues nada. No hay gran salto. No hay “esto no se ha hecho nunca”. No hay sensación de estar viendo el futuro del cine. Es más de lo mismo, solo que más grande, más caro y más pulido.

La historia vuelve a recorrer caminos conocidos, conflicto, choque cultural, amenazas humanas, decisiones familiares, discursos ecologistas envueltos en CGI de lujo. Todo funciona, pero nada sorprende.

Y eso, para una saga que siempre ha presumido de ir un paso por delante, se nota.

avatar fuego y ceniza peli 3

Personajes que cumplen pero no evolucionan

Los personajes siguen ahí, reconocibles, sólidos, pero también algo estancados. No hay grandes giros emocionales ni evoluciones que te descoloquen. Sabes quién va a hacer qué, quién va a sacrificarse, quién va a aprender la lección y quién va a volver a liarla.

No es que esté mal contado. Es que está contado sin riesgo. Cameron prefiere la épica clásica, el camino seguro, la emoción calculada. Y eso, después de dos películas, empieza a pesar.

Entonces ¿por qué me ha gustado más que la segunda?

Aquí viene la parte interesante.

El sentido del agua era técnicamente alucinante, sí, pero también excesivamente larga, más dispersa y emocionalmente más fría. Parecía un documental de las ballenas. Avatar: Fuego y ceniza es más directa, más intensa, con un ritmo algo mejor medido y un tono más contundente.

Hay más acción, más tensión y menos sensación de estar viendo un documental submarino con presupuesto infinito. El fuego, la destrucción y el conflicto le dan a esta entrega una energía más agresiva, menos contemplativa, que funciona mejor como espectáculo cinematográfico.

No innova, pero entretiene como un demonio. Y eso, en una película de más de tres horas, ya es decir mucho.

Conclusión. Cameron sigue mandando, aunque esta vez sin revolucionar nada

Avatar: Fuego y ceniza es una proeza tecnológica, una película impresionante, absorbente y tremendamente entretenida. Es cine evento, cine de sala grande, cine que recuerda por qué este medio sigue siendo algo especial.

Pero como tercera parte de la saga, no aporta nada realmente nuevo. Ni a nivel narrativo ni a nivel técnico. Es la confirmación de un estilo, no su evolución.

Aun así, funciona. Y funciona muy bien. Porque cuando James Cameron hace “más de lo mismo”, ese “más de lo mismo” sigue estando muy por encima de la media.

No es revolucionaria. No cambia las reglas del juego. Pero te lo pasas en grande. Y al final, sales del cine pensando:

“Vale, no me has sorprendido… pero cabrón, cómo me has hecho disfrutar”.

Y eso, aunque ya no sea nuevo, sigue teniendo mucho mérito.

Un saludo y sed felices.

Novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026

Casi acabando el año es hora de repasar el avance de novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026. La plataforma de streaming empieza el año con el estreno de la segunda temporada de THE PITT, la serie original de Max ganadora de cuatro Premios Emmy, seguido de los estrenos de la cuarta temporada de la serie dramática original de HBO INDUSTRY y el debut de la serie dramática original de HBO El caballero de los siete reinos, situada un siglo antes de los acontecimientos de Juego de Tronos

Novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026

Series

9 de enero

The Pitt (Temporada 2). Serie Max original

Dentro de las novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026 destaca la serie dramática sobre la sala de urgencias de un hospital, THE PITT. Se trata de un análisis realista de los retos a los que se enfrentan los trabajadores sanitarios en la América actual, visto a través de la lente de los héroes de primera línea que trabajan en un hospital moderno de Pittsburgh.

La primera temporada, que se estrenó en enero de 2025, recibió 13 nominaciones a los premios Emmy, y ganó cinco, entre ellos el de mejor serie dramática, los primeros premios Emmy para Noah Wyle (actor principal), Katherine LaNasa (actriz secundaria) y Shawn Hatosy (actor invitado), y el de mejor reparto. También ha obtenido dos nominaciones a Los Globos de Oro y tres a los Critics Choice Awards, entre ellas la de mejor serie dramática en ambos casos.

12 de enero

Industry (Temporada 4). Serie original

En la cima de sus carreras y viviendo la vida que se propusieron como graduadas de Pierpoint, Harper (Myha’la) y Yasmin (Marisa Abela) se ven envueltas en un juego del gato y el ratón de alto riesgo y que las lleva por todo el mundo cuando una prometedora empresa fintech irrumpe en la escena londinense.

Mientras Yasmin navega por su relación con el fundador de la empresa tecnológica, Sir Henry Muck (Kit Harington), y Harper se ve arrastrada a la órbita del enigmático ejecutivo Whitney Halberstram (Max Minghella), su retorcida amistad comienza a deformarse y a encenderse bajo la presión del dinero, el poder y el deseo de estar en la cima.

Primal (Temporada 3). Serie original Adult Swim

Combinando arte y acción trepidante, las dos primeras temporadas siguieron a Spear mientras formaba un vínculo inesperado con un dinosaurio casi extinto y más tarde hacía el sacrificio definitivo tras un enfrentamiento final que resultó fatal.

La tercera temporada de PRIMAL comienza con un giro impactante que resucita a Spear en una nueva forma, despojado de su memoria y humanidad, y lo obliga a vagar por un mundo brutal y salvaje como una sombra de lo que fue.

Mientras Spear lucha contra paisajes salvajes y enemigos mortales, los débiles ecos de su pasado comienzan a despertarse, lo que lo lleva a un reencuentro emotivo y explosivo que pondrá a prueba los límites de la supervivencia.

19 de enero

EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS. Nueva serie original

Sin duda, una serie de las más esperadas dentro de las novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026. Un siglo antes de los acontecimientos de Juego de Tronos, dos héroes inverosímiles vagaban por Poniente… un joven ingenuo, pero valiente caballero, Ser Duncan el Alto, y su diminuto escudero, Egg.

Ambientada en una época en la que la dinastía Targaryen aún ocupa el Trono de Hierro y el recuerdo del último dragón aún no se ha borrado de la memoria colectiva, grandes destinos, poderosos enemigos y peligrosas hazañas esperan a estos improbables e incomparables amigos.

novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026

ESPECIALES

24 de enero

Real Time with Bill Maher. Serie original

Permitiendo a Maher ofrecer su perspectiva única sobre temas de actualidad, el programa continúa con su monólogo inicial, entrevistas individuales con invitados destacados, mesas redondas con panelistas y su característica sección «Nuevas reglas».

DOCUMENTALES

23 de enero

Mel Brooks: The 99 Year Old Man! Nueva serie documental original

MEL BROOKS: THE 99 YEAR OLD MAN! explora la vida, la carrera, las amistades y los amores del legendario escritor, director, productor e intérprete Mel Brooks. Brooks, uno de los satíricos más atrevidos de Hollywood desde los primeros años de los sketches cómicos televisivos hasta sus éxitos cinematográficos y teatrales, ha reflejado la condición humana como un espejo deformante y ha utilizado la risa como vía para la resiliencia, la conexión y la alegría durante casi un siglo.

27 de enero

33 Photos From The Ghetto. Nuevo documental original

33 PHOTOS FROM THE GHETTO cuenta la historia de las únicas fotografías conocidas del interior del gueto de Varsovia durante el levantamiento de abril de 1943 y su brutal represión que no fueron tomadas por las fuerzas alemanas.

Las imágenes, tomadas en secreto por el bombero polaco de 23 años Zbigniew Leszek Grzywaczewski, que fue testigo de la devastadora respuesta al levantamiento como miembro del Servicio de Bomberos de Varsovia, presentan un raro relato civil de uno de los momentos más oscuros de la Segunda Guerra Mundial.

PELÍCULAS

8 de enero

How to have sex

16 de enero

Alien: Romulus

24 de enero

Canina


Y hasta aquí el avance de novedades y estrenos de HBO Max para enero del 2026. Espero que tengáis un estupendo año.

Saludos y sed felices.

Estuvimos en la premiere de El médico II. Crítica sin spoilers

Hay películas que uno ve con ilusión genuina. Otras con curiosidad profesional. Y luego están las que ves en primicia, con libreta en mano, intentando convencerte de que igual el problema eres tú. El médico II, que se estrena el 1 de enero de 2026, pertenece peligrosamente a esta tercera categoría. La fuimos a ver en la premiere y nos quedamos con ganas de más.

Y ojo, empecemos bien, que aquí no todo es darle palos a la película. Tiene cosas muy chulas y es recomendada en algunos aspectos de la misma. Vayamos pues.

Lo bueno es que se nota el dinero, el oficio y las buenas intenciones

La película entra por los ojos. La fotografía es elegante, cuidada, casi de anuncio de perfume histórico. Todo está bonito, bien iluminado, con planos que parecen pedir a gritos un premio técnico o, como mínimo, un aplauso educado. No hay chapuzas visuales, no hay sensación de serie de sobremesa disfrazada de cine grande. Eso suma y eso dice que al menos han puesto recursos y profesionales del medio

El reparto, además, cumple. Y no poco. Hay actores solventes, gente con presencia, con tablas, con esa capacidad de decir frases solemnes sin que te dé vergüenza ajena. Nadie está mal. Nadie cobra sin trabajar. Hasta aquí, bien. Podemos ver a Tom Payne, Aidan Gillen al que todos conocemos como «Meñique» en Juego de Tronos, Owen Teale, Liam Cunningham o Emily Cox.

El problema es que una película no vive solo de verse bien y de que sus actores sepan dónde está la cámara. Y aquí muchas veces parecen perdidos. Cambian de opinión sobre la marcha, se arrepienten de actos que les llevan a una consabida muerte…

El médico II

Lo flojo es cuando todo es tan bonito que no duele nada

El médico II tiene un pecado capital, es demasiado educada. Todo está tan pulido, tan suavizado, tan cuidadosamente edulcorado, que la historia pierde peso. Donde debería haber conflicto hay azúcar. Donde debería haber riesgo hay una música que te avisa de cómo tienes que sentirte, por si no te habías dado cuenta.

La película no se atreve a incomodar, y eso, en una historia que debería tocar emociones profundas, se nota muchísimo. Quiere emocionar, pero sin despeinarte. Quiere conmover, pero sin molestarte. Y así es complicado que algo se te quede dentro.

Ritmo y emoción. Es aquí es donde el pulso se pierde

Hay un problema claro de ritmo. La narración avanza, sí, pero lo hace sin urgencia, sin nervio, sin esa sensación de “esto importa ahora”. Las escenas se suceden con corrección, pero pocas dejan huella.

Y emocionalmente es donde viene el mayor tropiezo. La película no termina de tocarte. Sabes cuándo deberías emocionarte, cuándo deberías sentir algo grande, pero la conexión no llega.

Sales del pase de prensa pensando: “está bien hecha” y eso, para una historia así, es quedarse muy corto.

el medico II CAPTURA 2

Conclusión: correcta, bonita… y olvidable

El médico II no es una mala película. Y eso es casi lo peor que se puede decir. Es regular, agradable de ver, técnicamente cuidada, con actores que cumplen y una factura impecable. Pero le falta riesgo, le falta alma, le falta ese latido que convierte una historia en algo memorable.

Demasiado pastelosa, demasiado contenida, demasiado preocupada por gustar a todo el mundo. Y al final, cuando intentas agradar a todos, acabas emocionando a pocos.

Probablemente funcione con cierto público. Probablemente tenga su recorrido. Pero uno sale con la sensación de que, con todo lo que tenía para ser grande, se conforma con ser correcta.

Y eso, en cine… duele más de lo que parece.

Un saludo y sed felices.

‘El barrio de los deseos’ | Una fábula cotidiana con corazón y esperanza en tiempos difíciles

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‘El Barrio de los deseos’ es una novela escrita por Paco Hernández y publicada por HarperCollins que vio la luz a finales del mes de octubre con una premisa llamativa. Una mezcla perfecta entre magia, cotidianeidad y personajes con un pasado y presente poderosos y emotivos.

Una obra que encuentra su lugar entre el drama contemporáneo y la fábula clásica. Un retrato de aquellos los barrios obreros de los años ochenta con seres humanos que tratan de reconstruirse tras una pérdida devastadora.

Carol ha sufrido una gran pérdida, y lleva el día a día como puede con la ayuda de sus amigos: María, Lucas, Félix y Luis, quienes también tienen sus propios problemas. Sin embargo, todo toma un giro inesperado cuando aparece en escena Juan, un amigo de la infancia de Carol que dejó el barrio hace veinte años y ha vuelto para montar un restaurante.

Ambos guardan en secreto algo que ocurrió una noche cuando tenían diez años, algo relacionado con La princesa y el Lucero del Alba, un cuento de hadas sobre una princesa que debe pedir un deseo mágico. Podría ser anecdótico si no fuera porque con la llegada de Juan a algunas personas del barrio se les han comenzado a conceder sus deseos más íntimos…

Dicen que existe un barrio,

más allá de las vías,

donde sus gentes han vuelto a soñar.

En el que escuchan atentamente

los anhelos de otras personas.

Ten cuidado, vigila lo que dices,

a quién abres tu corazón,

o tus deseos podrían hacerse realidad.

el barrio de los deseos

‘El barrio de los deseos’ tiene muchos aciertos, y quiero empezar por el que más me ha conquistado: la inclusión de un cuento infantil. Lo que podría parecer un mero adorno acaba siendo una pieza fundamental para entender la evolución de los personajes. Es una fábula que nos recuerda que, a menudo, nos obsesionamos tanto con la meta que olvidamos disfrutar del maravilloso viaje que nos lleva hasta ella.

Es un cuento con moraleja, como los que nos leían nuestros padres y abuelos; esas enseñanzas que también encontrábamos en muchas series animadas de los años 80 con las que me he criado. Es ese ejercicio de nostalgia (de la buena) lo que hace que esta novela tenga tanto corazón, que todas las piezas encajen y que su historia nos conquiste al cerrar la última página.

Paco utiliza la fábula a modo de juego, no solo para que la ‘historia real’ respire o para aportar ese toque infantil, sino para dar mayor peso a todo lo que ocurre más adelante en el barrio. ‘La montaña’ es el enemigo a batir, como lo son los traumas y los golpes que nos da la vida (porque nos los da a todos) y que nos hacen ser quienes somos.

La novela cuenta con una trinidad de personajes, a cuál más interesante y bien escrito, que nos enamoran desde el primer momento: Carol, Lucas y Juan. Tres personas marcadas por el dolor, la culpa y la pérdida que se reconstruyen de formas muy diferentes, y con las que es muy fácil empatizar conforme avanza la trama.

Al escribir personajes es fácil caer en arquetipos: el que se levanta tras un golpe, el villano o el gigante amable. Podríamos pensar que esta obra camina por esa senda trillada, pero pronto la abandona para que los protagonistas sean algo más que un cúmulo de traumas que desembocan en un optimismo fácil. El dolor es palpable, la sombra de la culpabilidad es evidente y el camino de redención se siente orgánico.

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He mentido un poco al mencionar solo a tres protagonistas, ya que hay un cuarto igual de importante: el barrio. El barrio del Maquinista es un personaje en sí mismo, no solo por lo que sucede en él, sino por ser ese reducto de vecindad que nos traslada a una infancia que los que crecimos en los 80 echamos de menos. La novela recupera esos lazos afectivos y el sentimiento de pertenencia que existía entre los vecinos hace más de cuatro décadas.

La prosa de Hernández es directa y está cargada de una sensibilidad que nunca llega a ser empalagosa. Su mayor logro es hibridar el realismo de personajes cotidianos con el aire sobrenatural de los «milagros» del barrio, mostrando cómo el ser humano necesita creer en la magia para hacer su vida más llevadera.

La metáfora final de los globos aerostáticos es visualmente potente (se nota que Paco se ha formado entre obras de gran fuerza visual como los cómics) y resume una idea sencilla: a veces, para solucionar un problema que parece irresoluble, solo necesitamos alejarnos y cambiar la perspectiva para ver el dibujo completo de nuestra vida.

Conclusión

‘El barrio de los deseos’ es una lectura tierna que se atreve a tocar temas oscuros, como la muerte y la culpa, sin apartar la vista de esa luz que siempre hay al final del túnel. Es una lectura que acaricia el corazón y humedece los ojos. En definitiva, Paco Hernández ha escrito una carta de amor a la bondad. Una obra que nos recuerda (como dijo Michael Jackson en Man in the Mirror) que para cambiar el mundo hay que empezar por uno mismo.

Tenéis ‘El barrio de los deseos’ en cualquier librería, en formato Kindle en Amazon y en audiolibro en Audible. No hay excusa (ni mejor época del año) para hacerse con esta obra tan interesante, tierna y emotiva.

@pacohdez77

#elbarriodelosdeseos @HarperCollins Ibérica #booktok #booktoker #booktokespañol #libro En la bio os dejo el enlace de preventa!

♬ sonido original – De todo un Paco

Un saludo y sed felices.

Crítica Valor Sentimental. Trier ahonda en las relaciones humanas

Joachim Trier, es un director que no es un novel en lo que a dramas personales se refiere, anteriormente a Valor Sentimental, el director noruego nos había introducido en películas como Reprise (2006) centrada la trama en dos jóvenes escritores en Oslo, (aquí da comienzo a su llamada «trilogía de Oslo») siguiendo por un drama sobre un ex-drogadicto en Oslo, August 31st (2011).

Luego rodando en inglés realizó El amor es más fuerte que las bombas (Louder Than Bombs,2015) que trata un drama sobre las consecuencias que ocurren en un núcleo familiar (compuesto por un padre y dos hijos) luego de la pérdida de la madre, fotógrafa de guerra interpretada por Isabelle Huppert. En esa ocasión, Trier ahonda en las relaciones humanas, por lo que es un habitual de los dramas familiares desde sus inicios.

Trier en su siguiente película entró en el cine fantástico de la mano de Thelma (2017) donde una joven universitaria lidia con unos poderes sobrenaturales que son reprimidos por si misma. Y llegamos a la última producción antes que la que nos ocupa, La peor persona del mundo (The Worst Person in the World, 2021) comedia dramática sobre una mujer en sus treinta la cual tiene una crisis personal y sentimental profunda que pone fin a la trilogía de Oslo. Ha sido su éxito más destacado.

Que nos cuenta Valor Sentimental

Valor Sentimental es un drama familiar íntimo y emocional que sigue a Nora y Agnes, dos hermanas que se ven obligadas a enfrentar su pasado cuando su padre Gustav, un director de cine de renombre que se había distanciado de ellas, regresa tras años de ausencia. Gustav ofrece a Nora, una actriz de teatro, el papel principal en su próxima película, pero ella rechaza la propuesta, lo que provoca tensiones y resentimientos familiares. A partir de ese momento y también a raíz de la llegada de la sustituta de su hija en el papel protagonista, Rachel, provocará una catarata de sentimientos y situaciones de reproche entre los familiares.

Critica Valor sentimental Affeksjonsverdi

Los aspectos que la convierten en especial y en la mejor de 2025

Joaquim Trier tiene la capacidad de hacernos partícipes de historias muy humanas, dramáticas en su mayoría y con siempre el elemento de que cuando terminas de visionarlas, siempre te queda la reflexión como ejercicio ante lo que propone. Si algo destaca de su Valor Sentimental es su capacidad para hacer que formes parte del drama como un observador exterior, llegando en cierta manera a entender los diferentes puntos de vista que tienen sobre la historia de la familia.

Las interpretaciones de Stellan Skarsgard como Gustav Borg, un director de cine famoso que abandonó a sus hijas hace años y regresa a sus vidas en el sepelio de su ex mujer, las de Renate Reinsve (La peor persona del mundo,2021) como Nora la hija mayor, e Inga Ibsdotter Lileaas (Una vida Maravillosa, 2023) como la menor son magníficas. Elle Fanning como Rachel, la actriz joven que viene a interpretar a la protagonista de la historia de Gustav acaba de cerrar el círculo de grandes performances.

Es evidentemente como todo lo que hace Trier una película que basa su éxito en el guion, en la historia que quiere mostrarnos. Aquí tenemos varios temas que construyen la trama entre los que podemos entrever el drama familiar que nos muestra el director a modo de metáfora a través del paso del tiempo en la casa familiar y las grietas que en ella han dejado las heridas de las personas que la han habitado. Separación de los padres, suicidio de la abuela paterna, reencuentro entre el padre y las hijas, etc.

Se toca el tema del aprovechamiento de esas vivencias dramáticas del pasado por parte del padre para su próxima película, incluyendo el casting de Nora la hija mayor para que interprete el papel de su abuela y la negativa de ésta a protagonizarla y las consecuencias que ello conlleva. (La aparición de Rachel en escena).

Tenemos también una sub trama entre las hermanas donde vemos como Nora tiene desde el momento en que su familia se rompe años atrás un sentimiento de rabia, que la lleva a momentos de depresión, situaciones autodestructivas, y a alejarse de su hermana, la cual, siempre la ha tenido como su núcleo de refugio en momentos difíciles. La escena hacia el final donde se abrazan y se confiesan lo mucho que se quieren es uno de los momentos más emotivos del film.

Fuerademenu valorsentimental trier

Podemos destacar como Trier a través de la puesta en escena y del dispositivo meta-cinematográfico (película dentro de película) nos muestra como el cine puede curar heridas pero a la vez reabrir las del pasado. La puesta en escena es sobria y centrada en desarrollar la trama principal en torno a los diálogos entre los personajes, y se juega con los flashbacks que alternan recuerdos de la familia con escenas de anteriores películas del personaje de Skargard para darnos a entender que la memoria a veces funciona según nuestras propias subjetividades. A destacar también la banda sonora de Hania Rani (incluida la canción de Terry Callier, Dancin´Girl).

Como debemos tener claro, Valor Sentimental es una película pequeña en formato, pero emocionalmente potente. La forma en como vemos avanzar los personajes hacia una especie de redención, perdón, sanación, es brillante y discreta. Esa escena final con las miradas cruzadas de Nora y su padre luego de finalizar la última escena del film es maravillosa. No es necesario verbalizar los sentimientos, basta con mostrarlos. Seguramente si la comparamos con La peor persona del mundo, aquella es más generacional, cómica en más de un momento, en cambio la que nos ocupa hoy, es más adulta, agridulce, y tiene ese fondo dramático que la hizo merecedora del Gran Premio del Jurado del festival de Cannes este año.

A quien podría interesarle Valor Sentimental

Todos los que seáis fans de Joaquim Trier no os la podéis perder, también los que disfrutáis con las historias dramáticas que tienen a la familia como su núcleo argumental y que basan su trama en las relaciones entre personajes, y en general a aquellos que queréis conocer otras maneras de hacer cine alejadas del show business americano.

Os dejo el enlace de otra película que este año ha tocado temas personales de forma dramática. AQUI.

 

 

Top mejores Animes 2025: las series imprescindibles que no te puedes perder

El 2025 ha sido la confirmación del anime como fenómeno mundial, respaldado en taquilla con el súper éxito de Kimetsu No Yaiba en los cines de todo el planeta (y de la que se espera con ansias su segunda y tercera parte). Ha sido un año espectacular para los fans del anime, con el regreso de series populares, despedidas de sagas queridas y producciones originales que han sorprendido por su calidad técnica.

Desde historias repletas de acción y fantasía, pasando por comedias románticas hasta dramas emocionantes, el anime sigue apostando por ofrecer propuestas innovadoras, lo que le permite seguir evolucionando para generar diferentes narrativas que atraigan a todo tipo de espectadores. En este artículo encontrarás un listado con los mejores animes de 2025, una selección de series imprescindibles que no te puedes perder si quieres estar al día con lo más destacado del anime.

‘Gachiakuta’

Sin duda una de los estrenos más impactantes del año. Un anime con una audaz potencia visual, repleto de acción y misterio que desborda imaginación en cada centímetro de sus secuencias. Gachiakuta nos presenta un mundo crudo y desigual, con sus dosis ajustadas de drama en el que el dolor y la injusticia se convierten en la parte más importante de la ecuación que da vida a la aventura (algo que no terminó de conseguir la película Damsel).

Rudo un chico de los barrios bajos de una ciudad flotante, es exiliado al borde del abismo, un lugar donde se encuentran los desechos de los ricos. Una basura que ha generado unos monstruos feroces a los que se enfrentan un grupo llamado los Limpiadores. Rudo tendrá que aprender a manejar su dolor, su odio y su poder para ser capaz de enfrentarse a las enormes bestias de la basura.

Una serie con una estética poderosamente atractiva y una narrativa que se balancea entre la supervivencia y el largo camino de la venganza. Su tono oscuro y sus escenas estilizadas de combate lo han convertido en uno de los mejores estrenos del año.

‘Takopi’s Original Sin’

Una sorpresa que se ha agarrado a las emociones más íntimas de los espectadores para volarlas en mil pedazos de melancolía y desesperanza. Su tono melodramático y su historia sorprendente alejada de los géneros habituales del anime, la han convertido por derecho propio en uno de los mejores animes del año.

Nos cuenta la historia de Takopi, un extraterrestre proveniente del planeta Happy que llega a la Tierra con el objetivo de hacer felices a los humanos con la ayuda de sus objetos. El alien se encuentra con Shizuka, una niña que sufre bullying y con tendencias suicidas, que carga con una depresión gravísima. Tras verla tan triste, Takopi decide algo muy claro: hacerla feliz sea como sea.

Vaya por delante que se trata de un anime bastante duro, en el que no se suaviza nada de las peores emociones que hacen sufrir al ser humano.

original sin

My Hero Academia’ (final del anime)

La parada final del mejor anime de superhéroes que existe (no le vendría mal echarle un ojo a los creativos de Marvel). Un final que ha estado a la altura de las expectativas y que ha elevado las pulsaciones y la adrenalina a límites estratosféricos. Izuku Midoriya y sus compañeros de academia han conseguido construir un relato en el que la heroicidad parte del corazón y del compañerismo.

Con unas secuencias de combates espectaculares que han culminado en una de las mejores experiencias audiovisuales de la temporada. Mostrando un antagonista tan brutal como carismático, una legión de personajes interesantes y repleto de aristas psicológicas, y una historia que logra condensar la emoción, la tensión y la acción en ese punto de ebullición que hace florecer el espíritu de la aventura en todo su esplendor.

‘Dan Da Dan’ (Temporada 2)

Tras una primera temporada que sorprendió por su mezcla de comedia, acción y elementos sobrenaturales, DAN DA DAN ha regresado con una creciente dosis de intensidad (aquí puedes leer reseña del manga). Un anime que triunfa gracias a su caótica historia llena de espíritus, aliens y monstruos que se entremezclan en un batiburrillo de drama, comedia, fantasía y ciencia ficción. Un caos que transpira diversión, humor y creatividad por cada una de sus secuencias.

Esta segunda temporada ha elevado el tono de anarquía y de espectacularidad visual. Okarun y Momo siguen siendo tan carismáticos que se comen la pantalla y tienen una batalla final épica de esas que nunca se olvida. Aunque el ritmo haya sido algo desigual, sigue siendo una serie ambiciosa, diferente y con una producción técnica sobresaliente.

‘Solo Leveling’ (Temporada 2)

El regreso más esperado del año no defraudó a sus seguidores (la tercera temporada nos mantiene expectantes). Una narrativa que sigue explorando el ascenso de Sung Jin-Woo en un mundo repleto de mazmorras y amenazas cada vez más peligrosas. Sigue manteniendo la frescura y la potencia visual de unos combates extraordinarios, a los que se añade un mejor desarrollo de personajes.

La trama se beneficia del juego que se entabla entorno al poder real de Jin-Woo, secretos y revelaciones que se convierten en elementos que dan profundidad y mantienen la intriga en el espectador. Aunque lo mejor del anime es su brillante animación, gracias a unos extraordinarios combates repletos de movimientos fluidos y con una intensa brutalidad que hacen vibrar la pantalla. Cada pelea convierte sus secuencias en una experiencia visualmente impresionante.

solo leveling

‘Dr. Stone Science Future’

La ciencia puede ser maravillosa gracias a Senku y sus divertidos avances tecnológicos (pincha si quieres ver una reseña del anime). Una trama bien hilvanada que logra transportar la tensión a tu respiración mientras ves los capítulos. Una aventura extraordinaria que se convierte en fuente de conocimiento para el espectador mientras ríe, llora y sufre con su espléndido y estimulante grupo de personajes.

Llegamos a la etapa clave en el que Senku y su grupo tienen que reconstruir la civilización y enfrentarse a un antagonista igual de inteligente. Una historia que genera interesantes conflictos ideológicos; ¿La ciencia sirve para obtener poder o para genera libertad a las personas? Un choque de ideas que da profundidad a una narrativa absorbente que mantiene el equilibrio perfecto entre entretenimiento y divulgación científica. Un anime extraordinario que no deberías perderte.

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‘Kaiju No. 8’ (Temporada 2)

Sigue siendo uno de los mejores animes de acción del año (siendo uno de los animes más vendidos del 2024). Una hermosa y fluida animación que centellea con pasión en la pantalla, capaz de intensificar la épica de los combates contra los kaijus. Una acción intensa que devora cada segundo de tus emociones gracias a una sublime detonación audiovisual.

Kafka sigue siendo un protagonista alejado de los clichés del anime; un adulto que había abandonado sus sueños. Sin embargo, nos presenta un personaje que es capaz de enfrentarse a las adversidades y a sus miedos internos. Un viaje no exento de dolor en el que solo hay una manera de descubrir ese conflicto entre lo que somos y lo que queremos ser, que no es otra cosa que seguir caminando.

Aunque su ritmo se resiente en algunos capítulos, sigue manteniendo el encanto de una narrativa melodramática que conmueve al espectador. La historia de Kafka sigue desarrollando una mágica aurea de anime legendario gracias al trazo firme de su argumento. Con unos personajes humanizados que se quiebran ante el dolor, pero capaces de no perder su carisma mientras luchan contra sus sentimientos. Sus escenas de batallas son espectaculares a las que se añaden las gotas de dramatismo necesaria para que queden clavadas en nuestra memoria para siempre.

kaiju

‘Clevatess’

Una de las sorpresas de la temporada de verano, es este anime de fantasía oscura que mezcla acción visceral, política y las diferencias morales entre distintas especies. Con una riqueza audiovisual que eleva la calidad de la serie por la que desfilan unos personajes bien desarrollados que dan profundidad y consistencia a su trama. Sin embargo, lo más destacable es su cruda narrativa que entremezcla las emociones de la venganza con los dilemas morales. Teniendo un enfoque más oscuro, reflexivo y existencialista sobre la condición humana y sus vulnerables imperfecciones.

Desarrolla un potente world-building tenebroso y amenazante que es atractivo para los fans de la fantasía. Una serie prometedora, adictiva y violenta, que se sustenta en un sombrío mundo medieval que combina escenas de combate intensas, una narrativa madura y unos personajes admirables que evolucionan emocionalmente a lo largo de la temporada. Una fantasía oscura que tiene identidad propia y se disfruta de principio a fin.

‘To Be Hero X’

Un anime diferente que ahonda en la otra cara de los superhéroes. Una historia profunda y delicada que impacta vehemente en el espectador. Planteada en una sesión de arcos que dejan respirar a sus personajes, un espacio que beneficia su desarrollo y que consigue que podamos empatizar con sus dramáticas historias.

Su animación asombrosa es capaz de reflejar en muchas ocasiones la luz y la oscuridad que se encuentra en los sentimientos de los protagonistas. Una descarga visual hermosa y melancólica capaz de acompañar con delicadeza los temas que va tratando el anime como el valor de confianza, el miedo, la corrupción en el mundo de los héroes y el estado mental que quiebra el sueño de convertirse en superhéroe. Un anime que no tiene miedo a experimentar para romper con lo convencional.

'To Be Hero X'

‘El Verano en que Hikaru murió’

Una intensa serie de terror rural que utiliza el misterio como base para construir una fábula sanguinaria. Sus imágenes logran componer un retrato tenso y escalofriante de la dualidad de su personaje principal, o es un dios o una naturaleza sobrenatural. El misterio y los enigmas sin resolver logran sintonizar con las emociones del espectador, algo que permite perdonar su ritmo irregular que tiene demasiados momentos contemplativos (y alguna que otra crítica que ha recibido Netflix por su traducción).

Un thriller que mezcla el terror, lo esotérico y el drama adolescente bajo una aparente capa de inocencia narrativa que explora temas profundos como el duelo, la identidad, la amistad y la pérdida de lo que amamos. La historia está sustentada en un miedo psicológico, más cercano al drama introspectivo con elementos sobrenaturales que al miedo tradicional con monstruos asesinos.

‘Sanda’

Un anime que ha pasado injustamente desapercibido en la plataforma de Prime Video. Una historia que mezcla con altas dosis de entretenimiento el misterio, la acción, el drama y la comedia oscura. Kazushige Sanda es un estudiante de secundaria que descubre que es descendiente de Santa Claus, lo que le permite transformarse en un Santa musculoso y con poderes (otro Papa Noel diferente lo puedes encontrar en la película de Red One). Una propuesta excéntrica y original que desarrolla temas más profundos como la identidad, la madurez y las expectativas sociales.

Su trama logra una acertada crítica social con ecos de ciencia ficción futurista obsesionada con la eternidad del hombre. Contiene una premisa intrigante entretejida entre toques de comedia absurda, creando un contexto distópico que mezcla la iconografía navideña con la acción salvaje y desenfrenada. Tiene un estilo de animación atractivo que logra distinguirse visualmente de otros animes de fantasía. Una serie diferente que merece la pena descubrir por su concepto original y arriesgado.

Sanda

‘Tierra, sangre, conocimiento: Sobre el movimiento de la Tierra’

Otro anime extraordinario que ha pasado de puntillas en la programación de Netflix. Partimos de la base que no es un serie ligera ni fácil de ver, algo que queda lejos de sus intenciones. Se aleja de la acción convencional para ofrecernos un drama histórico-filosófico que gira en torno a una idea tan simple como revolucionaria: la Tierra se mueve.

Una trama en el que la ciencia es tratada con seriedad narrativa, donde las teorías astronómicas son el núcleo emocional de la historia (si quieres una propuesta de este estilo puedes disfrutar de la la serie Fundación). Unas teorías que nos dicen que para lograr el progreso individual y social debemos ser capaces de cuestionar nuestras convicciones. La serie explora los miedos y dilemas tanto de la religión como de los seres humanos, desgranando con una extrema sensibilidad las complejas relaciones entre la fe y la razón. Gracias a sus fenomenales diálogos, una exquisita animación y una sólida narrativa filosófica, esta serie se posiciona como uno de los mejores guiones de anime de la temporada.

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‘Lord of Mysteries’

La animación china sigue creciendo con historias capaces de volarte la imaginación. Lord of Mysteries es una serie que te atrapa en sus intrincados juegos enigmáticos, que tiene una calidad audiovisual que te deja sin aliento y una narrativa repleta de misterios con mil capas. Una mezcla de fantasía oscura, inquietud y thriller steampunk ambientado en un mundo similar a la Inglaterra victoriana (si te gustan este tipo de historias no te pierdas el cómic de M.O.R.I.A.R.T.Y El ladrón de las mil caras).

Puede costar al principio encontrarle sentido, es algo confusa y da pocas explicaciones con mucha información nueva, un ritmo frenético y una simbología que cuesta entender. Sin embargo, es lo que lo hace tan especial, ya que cuando te sumerges en su mundo rico en detalles logras ir entendiendo todas sus referencias… algo que aumenta la sensación de sorpresa y diversión de nuestro cerebro. Una trama que tiene ecos de horror lovecraftiano, un universo extenso con una rica iconografía sobrenatural y unas secuencias elegantemente poéticas. Un anime con una refinada producción artística, una BSO vibrante, un guion que mueve las neuronas y una excelsa calidad audiovisual.

En definitiva, el 2025 ha sido un año extraordinario para el anime, ofreciendo títulos que van desde emocionantes aventuras de fantasía, hasta historias profundas, reflexivas y visualmente impactantes. Ya sea que busques emociones fuertes, misterios que te atrapan o historias que te hagan pensar, en este listado encontrarás grandes series con las que disfrutar del maravilloso mundo del anime (aquí puedes encontrar un listado con los animes más premiados de la historia).

Un saludo y sed felices.

Avance del Plan Editorial de Panini Cómics DC 2026

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Las circunstancias mandan hace tan solo unas horas, Panini Cómics España nos ha presentado su Plan Editorial para DC Comics en 2026. Vamos a verlo un poco.

2026 será un año clave para Panini Cómics y su gestión de DC en España. Tras su desembarco en 2025, la editorial afronta su primer ejercicio completo con un plan editorial que apuesta por tres pilares claros: actualidad, clásicos y recuperación de líneas históricas.

El resultado es un catálogo amplio, cohesionado y con una intención evidente: consolidar a DC en el mercado español bajo un enfoque global y sostenido.

Avance Panini Cómics del Plan Editorial DC para 2026

Panini Comics España ha publicado el avance de su plan editorial para DC Comics en 2026, consolidando su primer año completo de gestión del catálogo tras el desembarco en 2025.

Este plan amplía la era ALL IN y la Línea ABSOLUTE, incorpora eventos como DC K.O., nuevos títulos y una recuperación masiva de clásicos y Vertigo.

El documento detalla una estructura clara con actualidades mensuales, recopilatorios y ediciones de lujo, accesible para todos los lectores.

Línea ABSOLUTE y Actualidad

Se fortalece con seis series mensuales en comic-book: ABSOLUTE BATMAN, SUPERMAN, WONDER WOMAN, GREEN LANTERN, MARTIAN MANHUNTER y FLASH, sumando en abril el especial ABSOLUTE EVIL.

Superman destaca con ALL IN SUPERMAN UNLIMITED (mensual, con cruces a DC K.O.), SUPERMAN de Phillip Kennedy Johnson (comic-book con lomo en meses pares) y ALL IN SUPERGIRL (trimestral desde enero).

Batman incorpora ALL IN BATMAN de Matt Fraction y Jorge Jiménez (comic-book con lomo desde febrero), mientras continúan ALL IN DETECTIVE COMICS (mensual), BATMAN Y ROBIN: AÑO UNO (hasta marzo) y series como NIGHTWING, HARLEY QUINN, CATWOMAN y BATGIRL; Batwoman se une en noviembre.

Wonder Woman mantiene ALL IN WONDER WOMAN (mensual) y TRINITY: HIJA DE WONDER WOMAN (hasta mayo).

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Evento DC K.O. y One-Shots

DC K.O. arranca en marzo como serie principal (comic-book hasta agosto), con spin-offs como DC K.O. ALL FIGHT MONTH ESPECIAL (mayo), KNIGHTFIGHT (julio, con Batman), TITANES (abril y julio), THE FLASH (abril y julio) y JEFE FINAL (julio).

Entre los one-shots en comic-book con lomo destacan SIRENAS DE GOTHAM: DESORBITADAS (enero), DC PRIDE 2026 (junio) y DC’S ZATANNIC PANIC! (octubre).

Clásicos y Recopilatorios

DC PREMIERE ofrece tres lanzamientos mensuales de AMANECER DE DC, como TITANES: BEAST WORLD (enero) o ABSOLUTE BATMAN 1 (diciembre), marcando el fin del periodo inicial de lanzamientos.

Líneas como DC MUST-HAVE (JLA/JSA: PECADOS Y VIRTUDES), DC FINEST (impares, como GREEN ARROW: EL CAZADOR ACECHA) y ARCHIVOS DC (pares, como BATMAN EN LOS CINCUENTA) rotan mensualmente.

DC COMPACT trae accesibles tomos mensuales como SUPERGIRL: IDENTIDAD SECRETA, mientras Vertigo recupera mensualmente PREDICADOR, SANDMAN MYSTERY THEATRE y LA COSA DEL PANTANO DE ALAN MOORE, con nuevas series desde finales de 2026.

Bibliotecas DC como SUPERMAN, GREEN LANTERN DE GEOFF JOHNS y nuevas como WONDER WOMAN (bimestral desde noviembre) completan la oferta.

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Otras Líneas Destacadas

Ediciones de lujo incluyen JLA: TIERRA 2 (abril), MR. MIRACLE (marzo) y BLACK LABEL como STRANGE ADVENTURES (febrero).

DC LIMITED EDITION trae ómnibus como BATMAN DE JAMES TYNION IV Y JORGE JIMÉNEZ (enero) y colecciones completas como LOBO (junio).

Facsímiles icónicos como DETECTIVE COMICS 27 (marzo) y crossovers con Marvel, como SUPERMAN VS. SPIDERMAN, enriquecen el año.

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Pero no os queremos cansar más … Justo aquí debajo, os dejamos el pdf completo presentado por Panini Cómics España, con su Plan Editorial DC para 2026.

Echadlo un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Hasta siempre Brigitte Bardot (1934-2025), diva del cine mundial y referente indiscutido de la sensualidad y la irreverencia

A los noventa y un años de edad nos dejó Brigitte Bardot, la rubia que enamoró a todo el mundo y que, icono de la belleza y el desenfado, dejó la actuación para dedicar su vida a defender los derechos de los animales.  Musa del director Roger Vadim y de otros grandes cineastas, desarrolló también carreras como modelo, cantante y escritora.

Había nacido un 28 de septiembre de 1934 en París. A diferencia de otras divas de su tiempo como Marilyn Monroe o Sophia Loren, sus orígenes no fueron humildes sino burgueses al ser hija de un poderoso industrial. Ello, sin embargo, no le implicó crecer sin problemas pues la joven Brigitte Bardot destacó desde pronto no solo por su belleza sino también por su carácter independiente y conducta irreverente que le llevaron ya a los siete años a estudiar danzas enfrentándose a los deseos de su padre, que no quería para ella un destino ligado al arte.

Sus primeras clases de ballet gozaron no obstante de los auspicios de su madre y las tuvo a las órdenes del coreógrafo ruso Boris Knyazev.  Nunca más literal la expresión ya que este era conocido por la férrea disciplina que impartía a sus estudiantes, al punto de castigarles con un látigo si se comportaban de modo negligente o hacían las cosas mal. Allí le tocó ser compañera de estudios de Leslie Caron, quien saltaría a la fama años más tarde junto a Gene Kelly en el filme musical Un Americano en París (1951).

Un hecho fortuito disparó a los trece años su carrera en el modelaje, al tocarle reemplazar a último momento a una chica que no pudo participar en una sesión de fotos para una revista. Y de allí el gran salto al cine, debutando en 1952 en la comedia francesa Locos de Amor, dirigida por Jean Boyer.

En los siguientes cuatro años le llovieron los papeles, siempre menores, pero que fueron haciendo su rostro conocido para productores y directores, al punto de tener incluso los primeros para realizaciones americanas, como Acto de Amor (Anatole Litvak, 1953), en la cual compartía cartel con Kirk Douglas, o Helena de Troya (1956), en donde, a las órdenes del prestigioso Robert Wise, interpretaba a Andraste, la doncella de Helena.

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Pero fue sin duda el director Roger Vadim quien la lanzó a la fama con Y Dios creó a la Mujer (1956), que la convirtió no solo en icono de belleza y sensualidad, sino también de desenfado y liberación. Lo paradójico era que el propio Vadim, para ese entonces su esposo, la había rechazado en otro casting algunos años antes.

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En esa película, además, compartió cartel con Jean Louis-Trintignant (aquí nuestro artículo sobre su trayectoria con motivo de su fallecimiento en 2022), cuya carrera también cobraría impulso de allí en más y, años después, se convertiría en el tercero en discordia que provocaría el divorcio entre Brigitte y Roger.

El papel de Juliette al que ella daba vida en esa película venía a romper con la forma en que habitualmente se mostraba a las mujeres en cine. No porque renunciara a la femineidad que, por el contrario, destilaba a mares, sino porque lo hacía de un modo casi despreocupado en el que se fusionaban ingenuidad y sensualidad sin límites ni encorsetamientos. La escena en que baila descalza sobre la mesa es al día de hoy recordada como una de las más eróticas en la historia del séptimo arte.

Tanto ella como el filme ayudaron además a disparar la fama de Saint-Tropez, balneario de la Costa Azul en el cual el mismo fue rodado y que se convertiría en destino turístico obligado de allí en más. Y la película significó para Brigitte el éxito masivo y su elevación a carácter de diva, eclipsando su presencia en los festivales de la época a las de Sophia Loren o Gina Lollobrigida, que eran quienes habitualmente robaban los flashes de las cámaras en la mayoría de los eventos.

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En los años que siguieron no paró de filmar, siendo convocada por prestigiosos realizadores franceses en títulos como La Verdad (Henri-Georges Clouzot, 1960), El Desprecio (Jean-Luc Goddard, 1963) o Viva María! (Louis Malle, 1965). Incluso se interpretó a sí misma en el filme americano Querida Brigitte (Henry Koster, 1965), en el que James Stewart daba vida a un profesor de matemática cuyo hijo estaba obsesionado con ella.

Su último papel relevante antes de retirarse por decisión propia de la actuación lo tuvo en Las Petroleras (Christian-Jaque, 1971), spaghetti western que la tenía como estrella principal junto a Claudia Cardinale, la otra gran diva a la que hemos tenido que despedir este año. Y no olvidemos por supuesto su carrera como cantante con cinco álbumes y múltiples singles lanzados entre 1963 y 1970, ni como escritora, con cinco títulos publicados entre 1978 y 2006, incluyendo su autobiografía.

A partir de 1974, y en coincidencia con sus cuarenta años, se retiró de la actuación para dedicarse a otra de las grandes pasiones de su vida: la defensa de los derechos de los animales, que se inició con sus campañas contra el consumo de pieles de foca (dando incluso lugar a prohibir la importación en varios países, entre ellos Francia) y que dio lugar, a partir de 1986, a su propia fundación.

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Desde los noventa, y tras su casamiento con su cuarto esposo, el político Bernard d’ Ormale, sus opiniones mostraron un fuerte acercamiento a la derecha francesa y sus declaraciones acerca de la inmigración o el Islam la convirtieron en blanco de organizaciones progresistas o de izquierda e incluso objeto de multas.

En los últimos años había tenido ciertos problemas de salud, sometiéndose a un par de internaciones y una cirugía, difundiéndose en algunos medios y redes sociales el rumor de su fallecimiento, finalmente dado por falso. Esta vez no es rumor: a los noventa y un años y en la propia Saint-Tropez que ella misma ayudó a impulsar, Brigitte nos dejó hace algunas horas.

La Fundación Brigitte Bardot anuncia con inmensa tristeza el fallecimiento de su fundadora y presidenta, la señora Brigitte Bardot, actriz y cantante mundialmente reconocida, que decidió abandonar su prestigiosa carrera para dedicar su vida y su energía a la defensa de los animales y a su Fundación”, expresa el comunicado que acaba de dar a conocer la organización que ella fundó.

Y, más allá de las controversias que puedan haber suscitado sus opiniones en las últimas décadas, nos queda el recuerdo imborrable de alguien que revolucionó la pantalla y sacudió la cultura de su época con una sensualidad salvaje e independiente, amén de muy femenina.  Hasta siempre Brigitte, te vamos a extrañar

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Presentación del Plan Editorial Panini Marvel 2026.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos hablaros del Plan Editorial de Panini Cómics España Marvel en 2026. Vamos a comentarlo …

Plan Editorial Panini Marvel 2026

Panini Cómics presenta su avance del Plan Editorial Marvel para 2026, destacando más de dos décadas publicando en España con eventos clave como La Era de Revelación Mutante y el Fin del Universo Ultimate.

Eventos Principales

La Era de la Revelación arranca en enero con la obertura en Patrulla-X y salta diez años al futuro, afectando series como Asombrosa Patrulla-X, Indestructible Patrulla-X y El Último Lobezno, culminando en mayo.

Otros hitos incluyen el cierre de arcos de Muerte (como Las Mazmorras de Muerte en agosto), el relanzamiento de Los Vengadores precedido por Armagedón, y SpiderMan alcanzando el #1000 USA a fin de año.

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Series Actuales

Continúan Los 4 Fantásticos (Ryan North y Humberto Ramos), El Asombroso SpiderMan (con crossover Espiral de Muerte en verano), Miles Morales: Spider-Man y Nuevo Veneno, todos en comic-book con lomo.

Vengadores de Jed MacKay finaliza en verano, mientras estrenan El Mortal Thor (Al Ewing y Pasqual Ferry) en febrero e Iron Man (Joshua Williamson y Carmen Carnero) en julio.

Clásicos y Formatos Especiales

Marvel Premiere lanza mensualmente recopilaciones como Ultimate Spider-Man y Vengadores de Jed MacKay.

Marvel Saga TPB recupera etapas como El Asombroso Spider-Man «A lo Grande«.

Destacan Ómnibus como Invasión Secreta (febrero), integral de Capitán América (abril) y Deluxe autoconclusivos como Hulk de Cates y Ottley (mayo).

Crossover Marvel/DC

Marvel

Sí. En el primer semestre del año, se publicará el clásico SUPERMAN Y SPIDERMAN, en edición facsímil.

Marvel Limited Edition

Quería destacar tres títulos. Los que más me llaman la atención:

1.- Los Nuevos Defensores: Asalto al Imperio

Esta edición recopila la épica saga de Los Nuevos Defensores (New Defenders #1-12 USA), donde el equipo enfrenta la amenaza del Imperio de Rupert Dockery, un magnate que busca dominar el mundo a través de Spider-Woman y otros héroes.

Escrita por J.M. DeMatteis y dibujada por Paul Ryan, marca el fin de la era de Los Defensores con acción intensa y giros dramáticos, ideal para fans de equipos no convencionales.

2.- Namor de John Byrne

Reúne Namor: The Sub-Mariner #19-40 USA, completando la revolucionaria run de Byrne que revitalizó al Príncipe de Atlantis con raíces salvajes, conflictos submarinos y la trama de «Semilla de Maldad«.

A lo largo del año, se publicarán dos volúmenes (de un total de cuatro), en el formato Marvel Limited Edition en TPB.

3.- Alpha Flight de Bill Mantlo 1 y 2.

Panini incluye Alpha Flight de Bill Mantlo en su línea Marvel Limited Edition para 2026, como reedición premium de la etapa post-Byrne del equipo canadiense.

Continuando las aventuras iniciadas por John Byrne con Mantlo al guion, explorando amenazas como el regreso de enemigos clásicos, dinámicas internas del equipo (Guardián, Vindicator, Sasquatch) y crossovers tempranos que definen su identidad superheroica canadiense.

Destaca por su acción intensa, desarrollo emocional de personajes secundarios y arte dinámico de los 80, ideal para fans nostálgicos.

Pero no os queremos cansar más … Justo aquí debajo, os dejamos el pdf completo presentado por Panini Cómics España, con su Plan Editorial Marvel para 2026.

Echadlo un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: El Tambor de Hojalata (1979). El niño que decidió no crecer en la Alemania nazi

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En nuestra sección de retro-análisis, hacemos hoy repaso de El Tambor de Hojalata, provocador filme del realizador alemán Volker Schlöndorff.

Estamos ante una de esas películas incómodas de ver e incluso de analizar.  El Tambor de Hojalata es una de esas producciones que, a través de una historia provocadora, trata de hacernos meditar sobre hechos que tuvieron lugar en el pasado de una Alemania diezmada por la pobreza y las consecuencias de las Guerras Mundiales. Un retrato a través de su protagonista, un niño que decidió no crecer físicamente, aunque sí moralmente como veremos en estas líneas.

Qué nos cuenta El tambor de Hojalata

La película nos cuenta la historia de Oskar Matzerath (David Bennent) durante la depresión de la Primera Guerra Mundial y los hechos que dan lugar al ascenso del nazismo y por ende a la Segunda Guerra Mundial. Decide no crecer más a la edad de 3 años como rechazo al mundo adulto que le rodea, donde la violencia, la hipocresía y el oportunismo se hallan instalados de forma permanente. Le acompaña siempre un tambor de hojalata, el que con cada golpe de sus baquetas trata de reflejar la realidad de la sociedad alemana en la que transcurre la película. Los acontecimientos históricos van sucediéndose de manera inexorable mientras la degradación social avanza igual de rápido que la guerra.

Razones por los cuales la recomendamos

Por su fondo de crítica social sobre el nazismo, y en general sobre la sociedad adulta donde los códigos que Oskar tiene en su niñez son ninguneados por unos adultos incapaces de mantener sus valores, los cuales adaptan al momento histórico que viven. Para Oskar darse cuenta de como es el mundo adulto le hace tomar una determinación, no crecer más. No quiere llegar a adulto.  La infancia aparece como refugio perverso desde el cual eludir la responsabilidad histórica.

El director Volker Schlöndorff construye una película muy simbólica, entre lo grotesco y lo absurdo (por ejemplo el hecho de la caída de Oskar para dejar de crecer), donde pone de manifiesto la cobardía de la sociedad germana ante el horror del totalitarismo.

Visualmente también podemos destacar El Tambor de Hojalata por su elaborada recreación de la época en la cual transcurre la historia y una puesta en escena donde se mezclan el realismo histórico con elementos surrealistas. La música y el propio tambor ejercen un papel muy importante en la trama de la historia siendo partícipes de la tragedia y momentos esperpénticos (ese mitín nazi en el que acaba con todo el mundo bailando un vals por culpa del tambor es un ejemplo) que son la base de la historia de la película.

Evidentemente todo esto no hubiera tenido la repercusión que causó en la época en que se estrenó sin la brillante actuación de David Bennent como Oskar.  Recordemos que el filme, coproducción alemana-francesa-polaca, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes (mejor película ex equo con Apocalypse Now) y el Oscar de la Academia a mejor película de habla no inglesa.

Su influencia es notoria en lo que se llamó Nuevo Cine Alemán, un movimiento que trató de replantear la identidad cultural del país tras la Segunda Guerra Mundial. Evidentemente ayudó el hecho de su difusión internacional y la forma de tratar temas espinosos del pasado de Alemania sin caer en el dramatismo clásico. Su uso de la sátira y los momentos grotescos para tratar temas históricos traumáticos, a través de lo que se llama narrador no confiable (porque son relatos contados desde la memoria y recuerdos subjetivos) ayudaron a que películas posteriores trataran la infancia desde un punto perturbador y no idealizado.

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Cómo fue recibida por público y crítica

Este tipo de película acostumbra a polarizar al público y a la crítica especializada. Desde su estreno en 1979, ha estado marcada por el reconocimiento internacional, pero también por generar una fuerte controversia. Especialmente por su evidente tono provocativo y su intención de incomodar al espectador, sobre todo al germánico. En el apartado de la crítica especializada, los que estaban a favor, valoraron la fidelidad al espíritu de la novela de Günter Grass (Premio Nobel de Literatura) y la capacidad del filme para abordar esos temas tan complicados desde la sátira, lo absurdo y lo grotesco, alejándose así del tipo de drama habitual en este tipo de producciones.

En cambio, en el otro lado de la balanza estaban los que se ofendieron por el tono provocador del filme, por ser moralmente ambiguo o difícil de digerir. El hecho de que el personaje de Oskar descubra la sexualidad muy joven, sumado a escenas donde se le incluía en algún tipo de contexto perturbador, alimentaron la crítica a la película. Por suerte esos años pasaron y hoy en día se reinterpretaron esas críticas para entender que el verdadero poder y valor radicaban justamente en la provocación. Hoy en día es considerado un clásico moderno.

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A quién recomendamos El Tambor de Hojalata

A todos aquellos que quieran descubrir una joya del séptimo arte incómoda y satírica sobre unos hechos dramáticos que acontecieron en el siglo XX y que marcaron a la sociedad europea, incluso a la mundial durante décadas.  También a quien sea seguidor del cine germano de mediados del siglo pasado, el llamado Nuevo Cine Alemán. Aún siendo incómoda de ver os aseguro que no os arrepentiréis de haber entrado en su mundo particular.

Os dejamos AQUí nuestro listado con las mejores películas sobre la Segunda Guerra Mundial.

El cómic de la semana: Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaes

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semanaHoy destacamos Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaesAl final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hay momentos en la vida del lector de cómics que no se olvidan. El día que te llega una caja de un crowdfunding es uno de ellos. No es Amazon. No es un algoritmo. Es alguien que ha estado meses dejándose la piel para que tú tengas eso entre las manos. Y ahora, por fin, ha llegado.

Las copias de Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaes ya están circulando, y uno no puede evitar sonreír como cuando te traen un plato que sabes que se ha cocinado a fuego lento. Este tercer volumen no solo continúa la saga, la hace mejor, la complica y la lleva a ese punto donde ya no vale mirar hacia otro lado. Quizás es el tomo que más me ha gustado. Y lo mejor es que en pocos meses se podrá comprar en todas las librerías de España.

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VERKAMI – Gadiro, embajador de la Atlántida. Un nuevo proyecto de Serendipia Editorial para este verano de 2022.


 

Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaes ya no es solo un símbolo, es un problema

Si en los tomos anteriores Gadiro jugaba a ser puente entre mundos, aquí se convierte directamente en daño colateral con piernas. La víctima de azaes no va de casualidades bonitas, va de cómo las decisiones, propias y ajenas, te empujan aunque no quieras.

El título no engaña. Gadiro se ve atrapado en una cadena de hechos que parecen aleatorios, pero que acaban teniendo una lógica cruel. Política, intriga, traición y ese runrún constante de que la Atlántida no es precisamente un lugar donde te aplaudan por tener buenas intenciones.

Aquí el cómic se vuelve más adulto, más tenso, menos épico de postal y más épico de consecuencias.

Una narrativa que se nota pensada, no improvisada

Este volumen huele a planificación. A historia que sabía a dónde quería llegar desde el principio. Nada se siente metido con calzador. Los diálogos mejoran, los silencios dicen cosas y las decisiones importan.

No hay prisa. No hay concesiones al lector vago. Gadiro La víctima de azaes confía en que quien lo lea está dentro de la historia y quiere sufrir un poco. Y eso, en cómic independiente, es una bendición.

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El arte: cada página parece decir “esto es personal”

Visualmente, el cómic mantiene identidad propia. No busca parecerse a nadie grande. No quiere imitar estilos americanos ni franceses. Tiene voz propia, y eso se agradece.

La Atlántida se siente viva, densa, antigua. Los personajes no posan, tienen vida propia. Hay miradas que cuentan más que un monólogo de cinco páginas. Y cuando la acción aparece, lo hace con contundencia, sin fuegos artificiales gratuitos.

Manuel Veiga sigue siendo el escritor de esta tercera entrega. Está con nosotros desde el primer tomo, y Adrián M. García es el dibujante del segundo y tercer tomo, y espero que siga con nosotros muchos más tomos.


El cómic de la semana: Gadiro II La serpiente de Bóreas


 

El crowdfunding: cuando apoyar merece la pena

Y ahora lo importante, esto no habría sido posible sin la gente que creyó antes de tener el cómic en las manos. Gadiro La víctima de azaes es un tomo que nace de la confianza entre autor y lector, no de una reunión de marketing.

Recibirlo ahora, recién salido del empaquetado, tiene algo casi ceremonial. Es el premio a la paciencia y a creer que el cómic nacional puede hacer cosas grandes sin pedir permiso.

Conclusión: Gadiro ya no juega en ligas pequeñas

La víctima de azaes es el volumen que confirma que Gadiro no es un experimento, es una serie sólida, con personalidad y ambición. Simplemente avanza y te arrastra con él.

Si estabas dentro desde el principio, este tomo te recompensa. Si llegas ahora, aún estás a tiempo.

Porque hay cómics que se compran. Y otros que se esperan. Y este, sin duda, merecía la espera.

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La Isla-Continente de la Atlántida en su apogeo, antes del hundimiento, se extiende desde Madeira a las Islas cercanas a Mesoamérica, y está dividida en 10 Reinos (siguiendo la descripción de Platón).

Sin apenas descanso, Gadiro y sus compañeros, tras su misión en Bóreas, reciben noticas muy preocupantes, el reino de Azaes está en grave peligro, lo que les lleva solicitar la intervención del embajador de la Atlántida.

En el reino de Azaes, la primogénita, Amairani, ha estado sufriendo ataques repetidos todas las noches, siendo violada y golpeada, sin que sean visibles las huellas de tales ultrajes en su cuerpo… únicamente, su hermana Bela es capaz de descubrir el “infierno” por el que está pasando.

Desconcertados y sin saber que hacer, deciden recurrir a Gadiro y al druida Wythrin, quienes acompañados de Dhembo, Naeem y la espía de Atlas, Sapphira, se dirigen urgentemente a Azaes.

Mientras tanto, Xail, la prometida de Gadiro y última descendiente de los extintos aztecas, queda en Athlán, recuperándose de las heridas sufridas en su anterior misión en el reino de Bóreas; pero lejos de estar a salvo, será víctima de una conspiración para matarla, por parte de Atlas, la amante de este y el general atlante Helder.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Serendipia y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaes

Un saludo y sed felices.

Las cosas que nos hacen felices opinan: las mejores películas de 2025

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Tres de nuestros redactores eligen las mejores películas que nos dejó este 2025.

FERNANDO ARÉVALO

5- Misión Imposible: Sentencia final (2025), de Christopher McQuarrie.

El final de una de las sagas más importantes de acción del siglo y probablemente de la historia llegó este año con Misión Imposible: Sentencia final, que, a pesar de no ser una película excelente ni la mejor de la saga, es impresionante en muchos aspectos.

Verdaderamente se siente como lo mejor que el cine blockbuster tiene para ofrecer. Cuenta con logros técnicos incomparables y genialidades en sus escenas de acción colosales. Ninguna otra película del año ha tenido secuencias como la del submarino o todo el tercer acto con la pelea en los biplanos.

En la última entrega de la saga no se alcanzó la perfección fílmica, pero para el espectador fue una demostración de lo que toda gran película de estudio debería ser: llena de momentos impactantes e incluso sentimentales. Fue el año perfecto para cerrar esta saga, dejando un gran legado y marcando una huella imborrable en el cine de acción.

Misión imposible: cómo ver las 7 primeras películas de la saga de acción de Tom Cruise en el streaming | MIX | GESTIÓN

4- The brutalist (2024), de Brady Corbet

Aunque compitió en los Oscar de marzo y ganó varios premios, hay que recordar que su estreno en cines fue durante el presente año. El brutalista es una cinta poco convencional, de casi cuatro horas, donde la historia que se nos presenta es una de introspección y que puede llegar a sentirse como si no contara nada.

Nada más lejos de la realidad. El brutalista es una película que se siente colosal en todo momento. Presenta algunas de las mejores interpretaciones de todo el siglo en prácticamente todo su reparto, ofreciendo Adrien Brody la mejor actuación de su carrera y dando Guy Pearce, aunque algo olvidado, la interpretación más impresionante de la película a través de un personaje de lo más despreciable.

Tiene posiblemente la mejor fotografía de todo el año. Grabada en VistaVision, cuenta con escenas y planos que se sienten como presenciar un clásico en la actualidad. Su historia es tremenda: una introspección del sueño americano y de cómo, en la escalera de dicho sueño, siempre habrá personas dispuestas a hacer cualquier cosa para devolverte al primer peldaño.

Guy Pearce, nominado al Oscar, sobre The Brutalist: “En tiempos de TikTok y déficit de atención, una película de tres horas y media actúa casi como antídoto” | GQ España

3- Bugonia (2025), de Yorgos Lanthimos.

Yorgos Lanthimos es un director, cuanto menos, polémico, que no siempre es del agrado de todos y que en su última película pareció conectar con el público en un momento en que su fórmula con Emma Stone parecía estar desgastada. Bugonia llegó para demostrar todo lo contrario.

Puede seguir siendo demasiado excéntrica y alejada de la realidad para algunas personas, pero la calidad de la cinta es incontestable. Presenta una historia más que necesaria en nuestros tiempos, con críticas a las grandes corporaciones y a cómo el último escalón de la sociedad es pisoteado a antojo por las personas más poderosas, que parecen no afrontar las consecuencias.  Pero, sobre todo, es un profundo retrato de la soledad.

Las actuaciones son de las mejores del año, con una Emma Stone alcanzando nuevos niveles en una interpretación exigente, tanto física como psicológicamente, que realiza a la perfección, dando uno de los personajes más icónicos de su filmografía. A su vez, Jesse Plemons ofrece una actuación desoladora, en la que resulta imposible no sentir al menos algo de compasión por él, pese a sus actos sádicos.

Bugonia es una película que se sale de lo convencional y mantiene un estilo que no es para todos, pero Yorgos Lanthimos logra contar su historia con maestría, demostrando que su trabajo es de lo más interesante del panorama actual

Reseña de 'Bugonia': ¿quién está a cargo de este planeta? - The New York Times

2- Una batalla tras otra (2025), de Paul Thomas Anderson.

Paul Thomas Anderson, uno de los mejores directores vivos, volvió a la gran pantalla este año con una cinta que se siente como si estuviéramos presenciando su mejor trabajo hasta la fecha.

Una batalla tras otra es una de las películas más aclamadas del año y con justa razón. Combina la crítica social con una sátira inteligente que, al mismo tiempo, funciona como un thriller que te mantiene al borde del asiento. Unir tantos elementos de distintos géneros a veces resulta arriesgado, pero el director lo consigue con una facilidad que parece simple, aunque es mucho más compleja de lo que aparenta.

Cuenta con interpretaciones que muy probablemente estarán en primera línea durante la temporada de premios, con un Sean Penn totalmente transformado, que en la categoría de reparto parece tener poca competencia este año; un Leonardo DiCaprio que regresa a las salas con un papel sumamente distinto y destacado dentro de su filmografía; y un Chase Infinity que, en su primer papel profesional, ofrece un desempeño que será recordada como uno de los mejores debuts actorales.

Una batalla tras otra no solo es una gran película en lo técnico, sino que al mismo tiempo es una cinta sumamente importante por su mensaje y no debería pasar desapercibida por esa misma razón.

One Battle After Another” captures the pulse of the present - The Rice Thresher

1- Blue Moon (2025), de Richard Linklater.

A nivel personal, Blue Moon me parece la mejor película vista en el año. Tal vez no tenga logros técnicos notables, pero narrativamente no se ha visto nada igual en todo el año y me atrevería a decir que en lo que va de década.

Richard Linklater es el director más indicado para retratar una historia sostenida exclusivamente por el diálogo y con una carga de tristeza y melancolía tan grande que solo puede ocultarse tras una falsa felicidad. Blue Moon es una película sumamente triste sobre el olvido y cómo el mismo llega inevitablemente a cada persona en algún momento.

Es una cinta como ninguna otra. Nadie más que Linklater se atreve a retratar temas tan profundos e importantes como el amor, los demonios del pasado y la soledad con tanta sencillez, dotando a la historia de una delicadeza y belleza que filmes con mayores logros cinematográficos no alcanzan.

Ethan Hawke ofrece mi actuación favorita del año. En sus simples miradas se cuenta una historia distinta a la de la propia película. Hay tanta ambición perdida, tanta melancolía, tanta envidia en sus gestos, que resulta imposible no considerarla una de las mejores interpretaciones del año. Siendo una película sostenida exclusivamente por el diálogo y en la que él es el único personaje con una profundidad real, se trata de un trabajo actoral impecable.

Blue Moon no deja indiferente a nadie y que, en su narrativa, alberga algunos de los cuestionamientos más bellos jamás planteados.

Ethan Hawke, Richard Linklater, Andrew Scott on Filming 'Blue Moon'

FERNANDO VÍLCHEZ

Llega la Navidad y, con ello, una de las secciones más míticas de esta nuestra sacrosanta web: Las cosas que nos hacen felices opinan. 2025 ha sido año algo flojo para el cine. De hecho, tres de las películas de mi lista han tenido un estreno muy limitado en cines o bien han ido directamente a las plataformas. Vamos a ello.

5-La evaluación (2024), de Fleur Fortune.

La ciencia ficción ha estado presente desde, prácticamente los inicios del cine. Al fin y al cabo, Viaje a la luna es de 1902. Y podemos decir, después de viajes planetarios, robots e inteligencia artificial, que el futuro ya está aquí. Tanto que parece estar más en auge la ciencia ficción minimalista que las grandes aventuras espaciales como Dune o Interstellar.

De esa corriente más intimista es La evaluación, ópera prima de Fleur Fortune en la que ser padres se ha convertido en una elección para unos pocos seres humanos excepcionales.

Pero ni siquiera los científicos Himesh Patel y Elizabeth Olsen están preparados para la prueba a la que les someterá la evaluadora Alicia Vikander. Al final, por muy enrevesado que sea el futuro, La evaluación habla de algo tan actual como la pérdida progresiva del contacto con lo real y, sobre todo, del terremoto vital que supone ser padres. Es decir, sentir como dejas de ser el protagonista de tu propia vida.

Nuestra crítica de La evaluación

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4-Nuremberg (2025), de James Vanderbilt.

La sorpresa del año.

Parecía que ya estaba todo dicho sobre el juicio de Nuremberg y cualquier producción que aborde aquella época se rueda a la sombra de la mítica Vencedores o vencidos. Además, está protagonizada por Russell Crowe, un ídolo para todos los que crecimos con Gladiator o Master and commander pero que lleva años relegado a papeles de serie B.

Y nadie se esperaba que Nuremberg encontrara su propia voz centrándose en la relación entre Hermann Goering, el cargo nazi más alto con vida en aquel juicio, y el psiquiatra Douglas M. Kelley, enviado para evitar que ninguno de los acusados se suicidara. Kelley aprovecha esta situación para averiguar si la mente nazi es distinta del resto de la humanidad. En definitiva, si el propio mal es una característica de todas las personas o solo de unos pocos.

Así, Nuremberg es un modélico thriller psicológico y judicial de ritmo electrizante y con grandes interpretaciones. Aún no sé como Russell Crowe no suena para las nominaciones a los grandes premios.

Nuestra crítica de Nuremberg

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3-Una casa llena de dinamita (2025), de Kathryn Bigelow.

Un día cualquiera, un misil nuclear de procedencia desconocida amenaza con atacar a los Estados Unidos. Lo que podría parecer un thriller más de despachos, con mucha gente hablando de cómo enfrentarse al fin del mundo, se convierte en un ejercicio de suspense a punto de explotar a cada minuto que pasa.

Bigelow, una experta en esto de rodar escenas tensas, confecciona una original estructura en la que volvemos una y otra vez a la noticia de que un misil ha sido lanzado contra el país más poderoso de la Tierra, solo que desde distintos puntos de vista (desde la jefa de turno de la sala de control del Pentágono al mismísimo presidente de los Estados Unidos).

Aquí lo importante no es conocer la procedencia del misil, sino que, por mucho cargo que ocupe una persona, todos tienen sus sueños, necesidades y deseos. Y tienen miedo. No tanto a su propia muerte como a ser responsables de un devastador ataque nuclear.

Nuestra crítica de Una casa llena de dinamita

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2- Los domingos (2025), de Alauda Ruíz de Azúa.

Quien diga que el cine no es un arte político se equivoca. Y más con la cantidad de películas que este año se han posicionado claramente en forma de los totalitarismos (véase Una batalla tras otra).

Por eso sorprende la naturaleza equidistante que Alauda Ruíz de Azúa, que venía de generar debate tanto con Cinco lobitos como, sobre todo, con la serie Querer.

En Los domingos, la directora nos expone la situación de Ainara, una chica dulce y sensata de diecisiete años que quiere ser monja ante la sorpresa de su familia, dividida entre la pasividad de su padre y la beligerancia de su tía.

No esperéis a malignos sacerdotes o monjas manipuladoras. Los domingos observa de forma natural y nos posiciona a cada uno de los espectadores. Los habrá que se posicionen con la Iglesia. Otros que se sentirán identificados por la actitud del padre y los que, por la decisión de Ainara, sufrirán como su tía.

Al final, lo que queda es una decisión firme e impropia de una chica de 17 años y lo que ello sacude a la gente que la quiere. Y debate, mucho debate. Como toda gran película que deja poso.

Nuestra crítica de Los domingos. 

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1- The order (2025), de Justin Kurzel.

En este ranking tenemos thrillers históricos, ciencia ficción minimalista o dramas familiares. Pero no hay nada como un buen policiaco.

The Order cuenta la historia real del agente del FBI que persiguió a un grupo terrorista rural que buscaba derrocar al gobierno estadounidense para instaurar un país que no permite la inmigración y coloque a los negros de nuevo como esclavos.

Aquí lo importante no es el mensaje, que nuevamente emparenta con la actualidad estadounidense, sino como lo cuenta. The order es un thriller sucio, duro y expeditivo que enfrenta a un policía alcohólico cuyo corazón está a punto de explotar a cada minuto frente a un frío, calculador e inclemente villano. Jude Law y Nicholas Hoult, el duelo interpretativo del año.

Al final, tanto por lo que cuenta como por cómo lo cuenta, la mejor película del año.

Nuestra crítica de The order.

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CARLOS PORRAS

Para mi sería más fácil hablar de las cinco decepciones de 2025 más que de las cinco mejores y es que creo que, salvo honrosas excepciones, han habido demasiados chascos de películas que aspiraban a ser de las mejores, como es el caso de Puñales por la espalda 3, sin ir más lejos o F1, y también me los he llevado con El contable 2, Havoc, Del cielo al infierno o la última que he visto para intentar meterla en la lista, la interesante 28 años después. Se ha quedado a las puertas de entrar en mi top Frankenstein, de Guillermo del Toro y una que me duele enormemente no meterla Misión Imposible: Sentencia Final.

5- ALTO KNIGHTS (2025), de BARRY LEVINSON.

Sinceramente esta película ha superado mis expectativas y es que considero que ni Barry Levinson ni Robert de Niro están en su mejor momento. Sí que me llamaba por ser el guionista Nicholas Pileggi y, siendo precisamente lo mejor de la cinta, he de decir que Levinson y de Niro brillan también.

Alto Knights destila aroma al cine de antes, con esa Nueva York de antaño y esa Mafia criminal y ostentosa.

En unos tiempos en los que el cine ha cambiado, cintas como Alto Knights deben ser recomendadas y metidas en este tipo de listas.

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4- The Brutalist (2024), de Brady Corbet.

La biografía ficticia del visionario arquitecto László Toth, que llega a Estados Unidos para reconstruir su vida, su obra y su matrimonio con su esposa Erzsébet tras verse obligados a separarse durante la guerra a causa de los cambios de fronteras y regímenes, es una de mis películas favoritas del año. Dicho esto, tampoco es perfecta y tiene dos o tres cosillas que me hacen bajarla al notable, como su excesiva duración (3 horas 35 minutos). Pero la cinta es una maravilla y Adrien Brody vuelve a regalarnos otra maravillosa interpretación.

Nuestra crítica de The Brutalist.

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3- Una batalla tras otra (2025), de Paul Thomas Anderson

Esto sí que es una sorpresa. No es mi director predilecto Anderson, al menos no el de las últimas películas, ya que Boogie nights y Magnolia me encantan pero tras Pozos de ambición le perdí la pista. Pero esta me llamó la atención y he de reconocer que lejos de ser «la película del año» (maldito eslogan) la he disfrutado muchísimo.  Me ha parecido que los actores hacen grandes interpretaciones: Leonardo Dicaprio que le está cogiendo el gusto a hacer personajes extravagantes y Sean Penn como el malo malísimo Coronel Lockjaw.

Una batalla tras otra triunfa por la combinación acertada de géneros, siendo una película de crítica social llena de comedia en forma de sátira y salpicada con acción.

Nuestra crítica de Una batalla tras otra.

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2- Sinners (2025)

Cuando vi Sinners lo hice sin pretensiones. No me gustan en demasía ni su director Ryan Coogler ni su actor Michael B. Jordan, pero he de reconocer que me gustó mucho la película. Salvando las distancias, el cambio de género que maneja me recuerda a Abierto hasta el amanecer.

Sinners lo tiene todo para ser una de las películas del año, grandes personajes, muy buena música y una gran historia y ambientación.

Un delicioso relato pulp sureño al que quizás le sobran unos minutos en su excesiva duración.

Nuestra crítica de Sinners.

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1- Una casa llena de dinamita (2025), de Kathryn Bigelow.

Pues echando la vista atrás, es la película que más me ha gustado del año. Y sinceramente siendo de la directora Kathryn Bigelow no me extraña y es que espero cada película suya con mucho interés desde aquella cinta distópica maravillosa que fue Días Extraños.

Una historia contada desde diferentes puntos de vista, nada original y que puede llegar a hacerse pesada, pero que no ocurre aquí. La dirección de actores, el montaje y la historia funcionan a la perfección para darnos para mí la película del 2025. ¿La historia? Un misil de origen no identificado es lanzado desde mitad del océano Pacífico en dirección a Estados Unidos; la Casa Blanca comienza una carrera contrarreloj para determinar quién es el responsable y cómo actuar en respuesta. Mientras tanto, tendremos dilemas morales y éticos, además de mentiras, muchas mentiras.

Nuestra crítica de Una casa llena de dinamita.

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Un saludo y sed felices. Feliz 2026.

Se acerca el Dunesday. Si no hay cambios Dune 3 y Vengadores: Doomsday se estrenarán el mismo día

Aunque no estamos seguros de lo acertada que resultará esta estrategia, Warner Bros no tiene actualmente planes de retrasar el estreno de Dune 3 (Título aún no oficial) con respecto a la fecha de estreno de Vengadores: Doomsday. Se acerca el Dunesday.

Cuando se supo que Marvel Studios y Warner Bros habían programado el estreno de sus grandes películas de 2026, Vengadores: Doomsday y Dune: Part Three, para el mismo día (18 de diciembre), se dio por sentado que WB cambiaría la tercera entrega de la saga de ciencia ficción de Denis Villeneuve para otra fecha. Y no es que Dune tenga mala taquilla. Justo al revés, Dune es un blockbuster, pero es que la película de los Vengadores puede ser una de las taquilleras de todos los tiempos, y ante eso la película de Villeneuve poco puede hacer.

Sin embargo, fuentes internas creen que Warner Bros no tiene intención de cambiar la fecha de estreno de Dune 3, lo que significa que tenemos que prepararnos para el «Dunesday» (el día de Dune con Doomsday).

Dunesday

Según Matt Belloni en el podcast The Town y Jeff Sneider en The Hot Mic, WB se mantiene firme en su decisión, ya que «reclamaron la fecha primero y han confirmado que no van a ceder». La decisión de WB de atrincherarse, cerrar las compuertas y enfrentarse cara a cara con Doomsday sugiere que esperan replicar el éxito de Barbenheimer, pero esta sería una apuesta mucho más arriesgada.


Barbenheimer, un fin de semana de ensueño


 

Barbie y Oppenheimer eran películas muy diferentes dirigidas a públicos muy distintos, pero hay mucho más en común entre los espectadores de Doomsday y Dune 3. Estamos seguros de que muchos cinéfilos estarían deseando vivir la experiencia y planearían sesiones dobles (aunque hay que tener en cuenta que es probable que ambas películas superen las tres horas de duración), pero, al fin y al cabo, es difícil imaginar que ninguna película pueda competir con Doomsday.

Algunos creen que WB acabará cediendo y adelantará el estreno de Dune 3 a octubre o noviembre, pero, por el momento, se mantienen firmes.

Vengadores: Doomsday y Vengadores: Secret Wars han sufrido recientemente importantes retrasos, y ahora Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026, mientras que Secret Wars lo hará el 17 de diciembre de 2027. Por esos retrasos, han coincidido el mismo día Dune 3 y Doomsday.

Ambas películas de los Vengadores serán dirigidas por los hermanos Russo, que también regresan al UCM después de dirigir Capitán América: El soldado del invierno, Capitán América: Civil War, Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame.

«Poder crear historias y explorar personajes dentro del Universo Marvel ha cumplido el sueño de toda nuestra vida, y hemos descubierto una poderosa conexión con el público en cada película que hemos hecho. Estamos encantados de colaborar una vez más con Kevin, Lou y todo el equipo de Marvel para llevar esta épica aventura narrativa a lugares nuevos y sorprendentes tanto para los fans como para nosotros mismos»

Un saludo y sed felices.

Reseña de Días de Inmortalidad: Cuando el barrio era eterno

Habitar Días de inmortalidad es como imaginarse que encuentras una cinta de cassette de tu grupo favorito de los años 80 en el bolsillo de un vaquero que creías que ya no existía. Te llena de nostalgia, sorpresa y un poco de arrepentimiento por no haber apreciado eso antes. El cómic Días de inmortalidad es como eso. El tándem de autores lo componen Eliseo García y Javier Urrea, y no te prometen héroes con superpoderes. En lugar de eso, te invita a explorar una inmortalidad más normal y persistente: la de alguien que se cree que vivirá para siempre.

La escena comienza en un Madrid de principios de los años 80, una ciudad que no es la que salía en los anuncios de turismo sino un laberinto de barrios donde la Movida madrileña, con su glamur y luces de neón, apenas susurró a través de una puerta entreabierta. En este lugar, hay un grupo de jóvenes con nombres sacados de un póster de banda rock: Beli, Chicle, Rata, Mugre, Chino, Mono, Tarzán, Francis, Rocky, Pepepótamo, Pelas y Negrín. Estos chicos están en una especie de encrucijada entre ser jóvenes y lo que les espera después. Lo que les da miedo es convertirse en adultos, algo que no saben muy bien qué es, pero les parece muy abrumador.

Reseña de Días de inmortalidad: Cuando el barrio era eterno

Los autores son directos: olvídate de los carteles de colores suaves y los peinados imposibles de La Movida. La música de fondo es diferente aquí: heavy, punk y rock urbano. Es como si un viejo tocadiscos hubiera mezclado el Ride the Lightning con el sonido de los alquileres que no se pagan y las esquinas que huelen a porro.

Al seguir a estos protagonistas por lugares como parques, bares, parques de recreativos y descampados, uno tiene la sensación de que está leyendo un diario colectivo. En este diario, la inmortalidad no se mide por la cantidad de siglos que se viven. En su lugar, se mide por esas tardes que nunca se olvidan porque parecen infinitas. Son tardes en las que el reloj parece tener prisa por pasar, pero tú, en cambio, no pareces envejecer.

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Lo especial de Días de inmortalidad es que el título no se refiere a cosas como espadas mágicas o hechiceros que viven para siempre. En realidad, se trata de algo que nos afecta a todos y que puede ser muy duro: la idea de que nunca creceremos. Una persona inmortal no es alguien que no puede morir, sino alguien que piensa que la vida le debe muchas cosas: momentos que duran para siempre, amores que nunca terminan y noches de diversión con amigos.

No obstante, detrás de esa poética ilusión de perpetuidad, se halla una realidad más áspera. El barrio no es un paraíso de risas y guitarras, sino un campo de batalla donde la heroína, el alcohol, la violencia de género, el machismo y la homofobia acechan como sombras que no se disipan con un solo rasgueo de guitarra. Los personajes no sobreviven a golpes de supervillanos con capas, sino a choques cotidianos: miradas que juzgan, padres que no entienden, oportunidades que se fugan como humo de tabaco. En ese ir y venir se revela que la verdadera inmortalidad quizás sea el recuerdo que uno deja atrás, más que cualquier futuro mitológico.

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La escritura y el dibujo van juntos, casi fusionados, como dos amigos que han pasado muchas noches sin dormir. Urrea dibuja con un estilo que recuerda a los fanzines de antes, cuando hacer fotocopias era algo especial y el papel siempre salía arrugado.

El dibujante logra captar cada movimiento, cada herida que no se ve en el alma de los jóvenes. Capta cada detalle que ocurre en la escena y lo plasma con su arte. Es una delicia pararse en cada página para observar punto por punto todos los objetos clavados con exactitud. García escribe con una voz que parece ser de alguien que cuenta historias en la calle. El guionista crea diálogos que son tan auténticos, que casi se pueden escuchar los insultos, las risas y las canciones que se entrelazan.

Leer esta obra publicada por la editorial Drakul es también enfrentarse a un espejo de nuestras vidas: ver a esos muchachos que creían que podían con todo, como si la vida fuera una hoja en blanco siempre disponible. Es comprender que la inmortalidad no es quedarse vivo para siempre, sino no olvidar lo que fuimos.

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También nos encontramos con humor en la historia, no todo es un drama de nuestras vidas y de lo que fuimos. Sin embargo, no es el tipo de humor falso que se ve en las comedias románticas, más bien todo lo contrario. Es el tipo de humor que sale en momentos tristes. Es como un chiste que solo entiendes tú y tus colegas. Cuando alguien tiene problemas para decir la palabra amor. O cuando le haces un simple gesto a tu amigo y, sin palabras de por medio, no podéis parar de reír. El lector termina soltando una carcajada porque reconoce lo absurdo de ser joven. Queríamos cambiar el mundo, pero el mundo nos cambió a nosotros.

Días de inmortalidad es básicamente una historia sobre los cambios de la vida. Es sobre dejar atrás una adolescencia que creías eterna y convertirse en adulto, dejar atrás las ilusiones para darse cuenta de que la vida no dura para siempre. Lo que realmente queda son los recuerdos y las cicatrices que uno tiene después de vivir con mucha pasión. Eso es lo que realmente significa ser inmortal. Cuando terminas de leer el libro, te sientes muy satisfecho, como si hubieras disfrutado de algo muy especial lleno de recuerdos y, al mismo tiempo, revives tus propias experiencias y te das cuenta del tiempo que todo eso quedó atrás y no volverá.

 

Ficha técnica

Editorial: Editorial Drakul, S.L.

Autores: Eliseo García y Javier Urrea

Idioma: Castellano

Número de páginas: 128

Encuadernación: Tapa blanda

Fecha de lanzamiento: 10/04/2025

Año de edición: 2025

Colección: Likantro

ISBN: 9788412807073