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Reseña de Juez Dredd: América. Cuando la democracia se convierte en delito. Publicado por Dolmen Editorial.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de comentar una obra clave del cómic británico. Vamos a hablar de Juez Dredd: América. Publicado por Dolmen Editorial.

Juez Dredd: América.

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En tiempos donde la palabra “libertad” se pronuncia con sospecha y la democracia parece más una promesa que una realidad, llega a España una obra que no solo incomoda, sino que interpela.

Juez Dredd: América, publicado por Dolmen Editorial dentro de su Línea Albion, es mucho más que un cómic de ciencia ficción: es una bofetada política disfrazada de distopía.

Hacemos un pequeño inciso para emplazaros a echar un ojo a la Línea Albion de Dolmen Editorial, pinchando AQUÍ.

Originalmente publicada en la revista británica 2000 AD, esta historia escrita por John Wagner y dibujada por Colin MacNeil se ha convertido en una de las narrativas más emblemáticas del universo del Juez Dredd.

Y no por sus escenas de acción ni por su estética cyberpunk, sino por la crudeza con la que retrata el conflicto entre libertad individual y control estatal.

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Una historia incómoda.

La protagonista, América Jara, es una joven que crece en Mega-City Uno, una metrópolis donde los Jueces ejercen un poder absoluto. Su amigo de la infancia, Bennett Beeny, elige el camino del éxito y la adaptación, mientras ella se radicaliza y se une a Guerra Total, una organización insurgente que lucha por restaurar la democracia.

El reencuentro entre ambos, años después, es el eje emocional de una historia que no ofrece redención, sino reflexión.

Wagner construye un relato que incomoda porque no hay buenos ni malos, solo decisiones.

¿Es legítimo rebelarse contra un sistema que ha erradicado el crimen a costa de la libertad?

¿Puede la democracia sobrevivir en un entorno donde la seguridad lo justifica todo?

Estas preguntas resuenan con fuerza en cada página y el lector se ve obligado a tomar partido… o a cuestionar sus propias convicciones.

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Estética y narrativa: una sinfonía sombría.

El arte de Colin MacNeil es tan contundente como el guion. Su trazo, a veces expresionista, a veces minimalista, acompaña la evolución emocional de los personajes y la degradación moral del entorno.

Las páginas respiran tensión, melancolía y violencia contenida. La paleta de colores, lejos de buscar espectacularidad, refuerza el tono sombrío de la historia.

La edición de Dolmen incluye además relatos complementarios firmados por autores como Garth Ennis, Alan Grant, John Higgins y John M. Burns, que expanden el universo de América y exploran las consecuencias de sus actos.

El resultado es un volumen de 160 páginas en tapa dura, que no solo recopila una obra clave del cómic británico, sino que la presenta con el respeto editorial que merece.

Pinchad AQUÍ para obtener más información sobre Juez Dredd: América, desde la web de Dolmen Editorial.

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Hago un inciso para precisar que en Las cosas que nos hacen felices somos fans absolutos de 2000 AD en general y de Juez Dredd en particular.

Tenemos reseña de Juez Dredd: Dredd vs. Muerte pinchando aquí.

También tenemos reseña de Juez Dredd: La Película. Edición 30º Aniversario pinchando aquí.

Más que un cómic, una advertencia.

Juez Dredd: América es una obra que trasciende el género. No es solo una historia de acción ni una distopía futurista. Es una advertencia sobre los peligros del autoritarismo, el conformismo y la erosión de los derechos civiles.

En un momento histórico donde las democracias se tambalean y los discursos polarizados ganan terreno, esta obra resuena con una actualidad inquietante.

Dolmen Editorial acierta al traerla por primera vez al público español y lo hace con una edición que honra su legado. Porque América no es solo un personaje: es una idea. Y como toda idea poderosa, puede cambiarlo todo… o destruirlo.

Os invito a adentraros en Juez Dredd: América. Un cómic controvertido, crítico, incómodo para los poderes fácticos y con mucha acción.

Echadle un ojo, disfrutadlo y sobre todo …

¡Sed Felices!

Las cosas que nos hacen felices opinan: Los Mejores Cómics de 2025.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Un año más, desde esta casa queremos desearos unas Felices Fiestas: Feliz Navidad, feliz salida y mejor entrada en el nuevo año, rodeados de lecturas, tebeos y buena compañía.

Y, como ya es tradición, cerramos el curso con nuestra particular selección de Los Mejores Cómics publicados (o recuperados) en 2025 en España, una mezcla de novedades, integrales soñados y ediciones que hacen justicia a clásicos imprescindibles.

Como siempre, esta lista no es un ranking, ni pretende sentar cátedra: el orden es estrictamente aleatorio, fruto del caos organizado que reina en nuestras estanterías y de los distintos gustos de quienes escribimos aquí.

Dicho esto… Vamos al turrón. Estos son, para Las cosas que nos hacen felices, los mejores cómics de 2025 … Los que más nos han gustado … Vamos a ello …

Mejores cómics de 2025

1.- Príncipe Valiente. Integral 1. 1937-1943. Dolmen Editorial. 59,95€.

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Dolmen Editorial, arranca por fin una edición integral en condiciones de la obra maestra de Hal Foster, en gran formato, excelente reproducción y materiales de lujo, recogiendo las planchas dominicales comprendidas entre 1937 y 1943.

Un clásico absoluto de la historieta de aventuras que, casi un siglo después, sigue siendo una lección de narrativa, épica y elegancia gráfica.

2.- Dime tu Nombre. Editorial Moztros24,90€.

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El primer proyecto de producción propia de Moztros apuesta por una historia de tono fantástico y emocional, que juega con la identidad, los traumas y los secretos que arrastran sus protagonistas.

Una obra autoconclusiva que consolida a la editorial más allá de las licencias superheroicas, demostrando que también puede impulsar proyectos de autor de gran personalidad.

3.- Hoy me ha pasado algo muy bestia. Tomo 1. cARTEm Cómics. 25€.

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Cartem Cómics lanza la edición definitiva de esta historia de superhéroes a pie de calle ambientada en una Barcelona contemporánea, donde un tipo corriente despierta un poder extraordinario que le obliga a replantearse su vida y sus límites.

El cómic mezcla sátira, cultura pop y acción con una mirada muy cercana a la violencia cotidiana, convirtiéndose en una lectura tan entretenida como incómodamente reconocible.

4.- Rogue Trooper. Tomo 2. Dolmen Editorial. 32,90€.

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Segunda entrega de las aventuras del soldado genético azul salido de las páginas de 2000 AD, en la que continúan las misiones suicidas, la crítica antibelicista y la ciencia ficción bélica más contundente.

Una recuperación imprescindible para los amantes del cómic británico clásico, presentada en una edición cuidada que permite disfrutar como merece del arte de los grandes autores de la revista.

5.- El Prisionero de las Estrellas. cARTEm Cómics. 34,95€.

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cARTEm Cómics recopila en un solo tomo, con nuevo coloreado, uno de los grandes clásicos de la ciencia ficción española firmados por Alfonso Font, donde un fugado del Penal del Diablo trata de sobrevivir en un mundo opresivo y kafkiano.

Ciencia ficción adulta, políticamente afilada y visualmente poderosa, que demuestra por qué Font es uno de los nombres imprescindibles del boom del cómic adulto de los ochenta.

6.- Katanga. Integral. Norma Editorial39,50€.

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Norma Editorial reúne en un integral esta explosiva mezcla de thriller político, cine de aventuras y denuncia colonial firmada por Fabien Nury y Sylvain Vallée, ambientada en el convulso Congo de los años sesenta.

Un relato duro, vibrante y sin concesiones, que convierte la lucha por los diamantes en un viaje salvaje por la cara más oscura de la historia reciente.

7.- Silent Jenny. Nuevo Nueve Editores. 45€.

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Un relato mudo que demuestra hasta qué punto la historieta puede contar emociones, violencia y ternura sin una sola línea de diálogo, sólo con la fuerza de sus imágenes. Una obra pequeña en apariencia, pero contundente en su impacto, que confirma la apuesta de Nuevo Nueve por propuestas arriesgadas y muy personales.

8.- La Carretera. Edición de Lujo en blanco y negro. Norma Editorial. 49€.

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La adaptación gráfica de la novela de Cormac McCarthy regresa en una edición de lujo en blanco y negro que potencia el tono desolador y casi espectral del viaje de ese padre y ese hijo por un mundo devastado.

Un volumen pensado para coleccionistas que quieran perderse (otra vez) en uno de los relatos postapocalípticos más duros y hermosos de la literatura reciente.

9.- El Diablo y Coral. Norma Editorial. 25€.

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Una historia de fantasía oscura y realismo mágico donde una niña y una presencia infernal cruzan sus caminos, en un relato que habla de la infancia, la culpa y los miedos que arrastramos toda la vida.

Con un dibujo atmosférico y una narración contenida, el cómic se convierte en una fábula inquietante y a la vez delicada, perfecta para quienes disfrutan con las historias de terrores cotidianos.

10.- Huracán sobre Nuevo México. Norma Editorial. 24,95€.

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Western, thriller y drama humano se dan la mano en esta historia donde un huracán real y otro metafórico arrasan la vida de sus protagonistas en la frontera norteamericana.

Una obra que reivindica el western como género vivo, capaz de hablar de violencia, racismo y familia con una puesta en escena espectacular. Realizada por Víctor Barba, uno de los mejores autores del panorama nacional actual.

11.- Clovd 1. La Dama de Birka. Nuevo Nueve Editores. 25€.

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Nuevo Nueve incorpora a su catálogo este título de ciencia ficción onírica, donde realidad y sueño se mezclan en un relato de identidades fragmentadas y mundos imposibles.

Visualmente sugerente y narrativamente ambicioso, es una de esas lecturas que invitan a regresar una y otra vez a sus páginas para descubrir nuevos detalles.

12.- Juez Anderson: Satán. Dolmen Editorial. 26,90€.

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La telépata más famosa de Mega-City Uno se enfrenta a un caso que huele a puro horror sobrenatural, en una historia que mezcla la tradición del terror británico con el universo futurista de Juez Dredd.

Un tomo perfecto para quien disfrute con el cruce entre ciencia ficción, crimen y demonios interiores, con un dibujo que no escatima en atmósfera.

13.- Starman. Ómnibus 1. Panini Cómics. 52€.

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Panini da el pistoletazo de salida a la que probablemente sea la edición definitiva en castellano del Starman de James Robinson y Tony Harris, uno de los grandes clásicos modernos del cómic de superhéroes.

Una serie que mezcla legado, nostalgia, artefactos mágicos y crecimiento personal en una carta de amor al Universo DC y a la imaginación superheroica.

14.- Historias de la Guerra. Tomo 1. Aleta Ediciones. 29,90€

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Aleta Ediciones recopila en este primer volumen algunos de los relatos bélicos más contundentes de Garth Ennis, donde el foco se pone en las personas y no en las batallas, en la culpa y no en la gloria.

Un tomo ideal para entender por qué Ennis es uno de los grandes cronistas de la guerra desde el cómic, capaz de combinar rigor histórico y emoción sin caer en el panfleto.

15.- Rita Candela. A orillas de la suerte. cARTEm Cómics. 36€

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Cartem nos presenta a Rita Candela, una protagonista que se mueve entre el costumbrismo y lo mágico en una historia sobre las segundas oportunidades, las pequeñas decisiones y los golpes de fortuna.

Con un tono luminoso y un dibujo cercano, es una lectura perfecta para quienes busquen emociones cotidianas con un puntito de maravilla.

16.- Blacksad. Edición 25º Aniversario. Tomo 1. Norma Editorial. 35€.

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Norma celebra el 25 aniversario del gato detective más famoso del cómic europeo con una nueva edición cuidada, que recupera sus primeras historias con extras y materiales de archivo.

Una oportunidad inmejorable para reencontrarse con el noir animalista de Díaz Canales y Guarnido o para descubrirlo por primera vez en la que quizá sea su mejor edición en castellano.

17.- Perramus. Edición Integral. Astiberri Ediciones45€.

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Astiberri recupera en integral la monumental obra de Breccia y Sasturain, una alegoría política sobre la dictadura argentina cargada de surrealismo, simbolismo y viñetas inolvidables.

Una obra mayúscula en la que el trazo experimental de Breccia alcanza cotas de expresividad difíciles de igualar, imprescindible para entender la historia del cómic latinoamericano.

18.- Marshall Bass. Edición Integral. Astiberri Ediciones. 45€.

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El western más sucio y áspero regresa en formato integral, siguiendo las desventuras del primer marshal negro del Oeste, entre racismo, corrupción y violencia a plena luz del día.

Una serie que reescribe el género desde la crudeza y el realismo, ideal para quienes quieran un western adulto, sin filtros ni idealizaciones.

19.- Lucky Luke de Goscinny y Morris. Integral. Norma Editorial.

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Norma continúa la canonización del vaquero más rápido que su sombra con integrales dedicados a la etapa clásica de Goscinny y Morris, donde se definió de verdad la personalidad de la serie.

Humor, ritmo, secundarios inolvidables y un dibujo que marcó época hacen de esta edición una compra segura para cualquier amante del cómic franco-belga.

20.- Las Aventuras del Capitán Torrezno 5. Babel. Astiberri Ediciones. 30€.

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Nueva entrega de la saga monumental de Santiago Valenzuela, donde la sátira política, la fantasía desbordada y el castellano más exuberante imaginable se dan la mano.

Un tomo que sigue demostrando que el Capitán Torrezno es uno de los proyectos más singulares del cómic español contemporáneo, tan exigente como gratificante.

21.- Contrapaso. Mayores, con reparos. Norma Editorial. 29,50€.

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La nueva obra de Teresa Valero regresa al Madrid de la posguerra con un caso que hurga en las heridas del pasado, la censura y las violencias silenciadas.

Con el mismo equilibrio entre intriga, documentación y crítica social que el primer Contrapaso, Valero firma otra obra mayor del cómic europeo reciente.

22.- Galdós y la Ceguera. Nuevo Nueve Editores. 22€.

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Un cómic que se adentra en los últimos años de Benito Pérez Galdós, cuando la pérdida de visión y el peso del tiempo se cruzan con su legado literario y político.

Una obra sensible, que habla de la vejez, la memoria y la creación, ideal tanto para galdosianos convencidos como para quienes quieran acercarse al escritor desde otro ángulo.

23.- Miracleman. Marvel Ómnibus. Panini Cómics. 75€.

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Panini recopila en un ómnibus de lujo la etapa revolucionaria de Miracleman, una de las obras que cambiaron para siempre la manera de entender el superhéroe adulto en los años ochenta.

Un imprescindible absoluto para quien quiera asomarse a la deconstrucción del mito superheroico, con una edición a la altura de su condición de clásico.

24.- Astro City. Metrobook 1. Planeta Cómic45€.

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Arranca en castellano el formato Metrobook para Astro City, la ciudad donde Kurt Busiek y Brent Anderson cuentan historias de superhéroes desde el punto de vista de la gente corriente.

Un tomo perfecto para descubrir por qué Astro City es, desde hace décadas, una de las series más queridas por los lectores que buscan humanidad detrás de las capas y los poderes.

25.- Invencible. Tomo 1. Planeta Cómic. 60€.

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Nueva edición en tomos de la serie de Robert Kirkman y Ryan Ottley, que arranca como un homenaje luminoso al superhéroe clásico y termina convirtiéndose en una montaña rusa de violencia, drama familiar y giros brutales.

Este primer volumen es una puerta de entrada ideal para quienes hayan llegado a la serie por la adaptación animada o para quienes quieran revisitarla en un formato más cómodo.

26.- The Walking Dead. Tomo 1. Planeta Cómic. 45€.

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Planeta vuelve a abrir las puertas del apocalipsis zombi de Kirkman en una edición en tomos que recupera los primeros compases del viaje de Rick Grimes y compañía.

Terror, melodrama y comentario social se combinan en un cómic que definió el género zombi en el siglo XXI y sigue funcionando como un reloj.

27.- Benito Boniato. Tomo 3. Dolmen Editorial. 39,95€.

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Dolmen continúa la recuperación de este clásico del humor publicado originalmente en los ochenta, con nuevas remasterizaciones y materiales adicionales para nostálgicos y nuevos lectores.

Humor blanco, costumbrismo y un dibujo inconfundible convierten este tercer tomo en otra ración de pura arqueología divertida del tebeo español.

28.- Wells Fargo + Pony Express. Laramie Ediciones. 25,50€.

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Laramie continúa su labor de rescate del western clásico en viñetas con este volumen dedicado a dos series que mezclan aventura, paisaje y leyenda en la América de diligencias y jinetes del correo. Un tomo que hará las delicias de los amantes del western europeo de toda la vida, presentado con mimo y respeto por el material original.

29.- Sin City. Integral 1. Norma Editorial. 39,50€.

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Norma inicia una nueva edición integral de la saga negra de Frank Miller, recogiendo en este primer volumen las historias que definieron el universo de Basin City, entre sombras, violencia extrema y romanticismo torcido.

Una oportunidad magnífica para revisitar, en gran formato y con buena reproducción, uno de los hitos del cómic noir contemporáneo.

30.- La Bella Otero. Confesiones. Cascaborra Ediciones. 19€.​

Mejores

Cascaborra dedica un volumen a la figura de Agustina Carolina Otero, la Bella Otero, recorriendo su vida desde el humilde origen gallego hasta convertirse en una de las grandes estrellas de la belle époque europea.

Con un enfoque biográfico muy cuidado y un dibujo elegante, el cómic combina documentación histórica y drama personal para radiografiar luces y sombras de un mito del espectáculo.

Esto ha sido todo por nuestra parte. Esperamos que encontréis, en este listado de títulos, algo interesante o que os hayamos descubierto alguna obra que se os había pasado por alto.

Antes de marcharnos, podéis pinchar AQUÍ para ver todos los artículos de LAS COSAS QUE NOS HACEN FELICES OPINAN.

También podéis hacer alguna aportación en los comentarios. Quizá nosotros también podamos descubrir alguna obra que no conocíamos.

Solo una cosa mas … ¡Felices Fiestas! … ¡Buenas salida de 2025! … ¡Feliz año nuevo 2026!

Y por supuesto …

¡Sed Felices!

Tráiler Oficial de Vengadores: Doomsday (2026). Tendremos de vuelta a Steve Rogers.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Marvel ha lanzado el primer tráiler de Vengadores: Doomsday, la nueva gran reunión del Universo Cinematográfico Marvel que llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026.

Vengadores: Doomsday (2026)

El adelanto muestra un tono claramente apocalíptico, con colapso del multiverso, batallas a gran escala y la sensación de que estamos ante un punto de no retorno para muchos héroes.

Doomsday

El tráiler confirma además el regreso de viejos conocidos como Steve Rogers y otros Vengadores veteranos, junto con nuevas incorporaciones procedentes de Wakanda, los X‑Men y los Cuatro Fantásticos.

Pero el gran atractivo es la presencia de Doctor Muerte, interpretado por Robert Downey Jr., llamado a convertirse en el gran villano de esta etapa.

Quiero hacer un pequeño inciso para invitaros a pinchar AQUÍ, para ver todas las entradas de trailers en la web.

Doomsday

Con los Hermanos Russo de vuelta tras las cámaras y un teaser que recupera la épica oscura de “Infinity War” y “Endgame”, “Vengadores: Doomsday” apunta a ser el gran evento superheroico de 2026, de esos que en una web como Las cosas que nos hacen felices se viven como auténtica fiesta friki de final de año.

Pero menos cháchara y vamos a disfrutar del tráiler oficial de Vengadores: Doomsday. Echadlo un ojo, disfrutadlo y sobre todo …

¡Sed Navideñamente Felices!

Tráiler oficial de La Odisea (2026). Nolan en estado puro.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros el tráiler oficial de La Odisea (2026). Vamos a echar un ojo y vemos qué nos va a presentar en esta ocasión Christopher Nolan.

Tráiler Oficial de La Odisea (2026).

Odisea

Universal Pictures ha lanzado el primer tráiler oficial de La Odisea, la nueva epopeya mitológica de Christopher Nolan que adapta el clásico poema de Homero y promete ser uno de los grandes estrenos de 2026.

El avance apuesta por un tono épico y muy físico, con guerra, criaturas míticas y mucha IMAX, confirmando que Nolan quiere convertir este viaje de regreso a casa en todo un evento de pantalla grande.

Quiero hacer un pequeño inciso para invitaros a pinchar AQUÍ, para ver todas las entradas de trailers en la web.

Un Nolan en clave mitológica

La Odisea lleva el estilo del director de “Origen” e “Interstellar” al terreno de la mitología griega, con Matt Damon como Odiseo, rey de Ítaca, embarcado en un largo y peligroso regreso tras la Guerra de Troya.

El tráiler enseña un puñado de imágenes potentes: el campo de batalla devastado, el interior del caballo de Troya y barcos sacudidos por olas reales, dejando claro que la película quiere que el espectador “sienta” el viaje.

Odisea

Reparto de lujo y estreno

El avance también confirma un reparto coral de primer nivel con Matt Damon, Anne Hathaway, Tom Holland, Zendaya, Lupita Nyong’o, Robert Pattinson y Charlize Theron, entre otros.

La película, descrita por el estudio como una “mythic action epic” rodada íntegramente con la última tecnología IMAX, llegará a los cines el 17 de julio de 2026, fecha ya clásica en la filmografía reciente de Nolan.

Pero no nos demoremos más … Un poquito más abajo, os dejamos el esperado tráiler oficial de La Odisea (2026).

Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

¡Feliz Navidad!

Los 6 mejores libros para regalar en Navidad: opciones para todos los gustos

Encontrar el regalo perfecto con el que sorprender en navidades no siempre es fácil, pero hay algo que nunca falla: un buen libro. Esta época del año es el momento perfecto para sorprender con una buena historia, de esas que te enganchan hasta la última página, con tramas imaginativas repletas de emoción, tensión e inspiración narrativa que convergen en ese pacto de sensaciones invisibles que se establece entre el lector, el escritor y la plácida lectura.

Por eso, hemos seleccionado seis libros imprescindibles para regalar estas Navidades. En este listado encontrarás fantasía, thriller, ciencia ficción y aventuras que harán las delicias de cualquier amante de los buenos libros. Desde mundos mágicos hasta investigaciones escalofriantes, aquí encontrarás la recomendación ideal para acertar con tu regalo navideño.

Mestizos. Stephen Graham Jones.

Un escritor muy interesante que se ha convertido en uno de los autores más importantes del terror contemporáneo, ganando los premios Bram Stoker y Shirley Jackson a la mejor novela de terror en el año 2020. El hombre lobo es un monstruo clásico cuya fama ha crecido con el paso de los años, gracias a multitud de películas e historias (como la estupenda Rey Lobo de Netflix).

Graham Jones transforma todos los tópicos sobre el hombre lobo para construir una novela desmitificadora, audaz y cínica. El viaje de una familia lobezna en forma de road movie que mezcla con acierto el terror, el humor gamberro y la crítica social a través de un retrato cotidiano de esa América profunda bañada en misticismo y tradiciones esotéricas (si eres fan de las películas góticas pinchando encontraras un listado con algunas de las mejores que ha dado el cine).

El autor logra subvertir las convenciones que giran alrededor de este mítico monstruo para crear una atmósfera nihilista que se debate entre lo terrorífico y la comedia negra. Con una narrativa directa y una sensibilidad única, Jones consigue crear un relato inquietante que deja huella en los lectores. El autor busca dar respuesta a la cotidianidad diaria de la vida de un hombre lobo en la actualidad, siempre huyendo, viviendo en precariedad y con trabajos temporales, sin obviar su instinto animal y el placer de la caza. Una realidad que puede ser aterradora o divertida como la importancia de sacar la basura diariamente (algo que descubrirás si lees el libro).

En definitiva: un libro ideal para quienes buscan un terror distinto, más íntimo y con una gran carga emocional.

mestizos

El Susurrador. Donato Carrisi.

La novela ideal para los aficionados al thriller oscuro, con un ritmo trepidante en el que las escenas avanzan a toda velocidad mientras te sorprende, te cautiva y devora tus horas porque no puedes parar de leer. El susurrador se ha convertido en una lectura imprescindible para los amantes de las novelas policíacas. Carrisi logra tejer una trama inquietante y adictiva gracias a su habilidad singular para elaborar perfiles psicológicos de asesinos en serie. Un libro complejo repleto de giros psicológicos, una atmósfera perturbadora y de suspense que levita sobre las letras para producir escalofríos al lector.

El susurrador es uno de esos thrillers que impactan en la memoria para siempre (echadle un ojo a esa maravilla que es Moonshine de Brian Azzarello). La desaparición de varias niñas nos llevará a una investigación llena de giros que desafían todas las expectativas del lector. Con un ritmo impecable, que no decae, la novela mantiene la tensión hasta el final… momento en el que te das cuenta de que te falta el aliento después de tan inmersivo viaje entre secretos y revelaciones fascinantes.

En definitiva: Un libro adictivo que te atrapa sin remedio, que no ofrece ni tregua ni red de seguridad a los lectores. El regalo perfecto para quienes aman los misterios enrevesados y el suspense de alto nivel.

susurrador

Ciudad de Jade. Fonda Lee

Ganadora del World Fantasy Award, Ciudad de Jade es una hábil mezcla de mafias familiares, poderes místicos y luchas de honor en una urbe vibrante inspirada en la ciudad de Hong Kong. Acción, intriga política y un worldbuilding espectacular hacen de su lectura una joya para amantes de la fantasía urbana.

Fonda Lee construye un mundo robusto e interesante donde el jade otorga poderes sobrehumanos mientras dos familias influyentes luchan por el control de la ciudad. Con una ambientación exquisita, acción cinematográfica y personajes llenos de matices, que convierten el libro en un explosivo cóctel de fantasía mística, artes marciales, crimen organizado y drama familiar (también te recomiendo la violenta historia de artes marciales del cómic: Huérfana y las Cinco Bestias).

Lee desarrolla una trama fascinante sobre la lucha de clanes mafiosos, una guerra que está impregnada de una magia eficaz y sencilla. A destacar, la laboriosa creación del mundo que bebe de las fuentes de la fantasía para elaborar una rica iconografía que se siente viva y realista. La sociedad, las tradiciones, la economía y la magia desfilan por sus páginas destilando una exquisita verosimilitud que introduce al lector de manera natural y fluida en la historia creada por la autora. Gracias al carisma que desprenden los personajes su lectura se hace ágil y entretenida a los que se añaden unas escenas de acción brillantemente ejecutadas.

En definitiva: un libro esencial para los amantes de la fantasía, el regalo ideal para quienes buscan historias intensas, intrincadas y con un universo que te absorbe entre sus páginas.

ciudad de jade

Mientras Escribo. Stephen King.

Un escritor siempre de actualidad (gracias a sus adaptaciones cinematográficas como La Larga Marcha o la serie IT: Bienvenidos a Derry), que desglosa el arte de escribir de una manera divertida, mordaz y amena, siendo uno de los mejores libros que existen sobre el duro oficio del escritor.

Mientras Escribo combina memorias personales con consejos prácticos del genial maestro del terror. King repasa su infancia, sus primeros pasos como autor y los momentos que marcaron su carrera, a la vez que comparte técnicas, hábitos y reflexiones de una manera ágil y entretenida. Una lectura que desnuda el oficio del escritor desde la sencillez cotidiana, el esfuerzo y la perseverancia frente a los obstáculos que cualquier escritor o lector curioso disfrutará.

En palabras del maestro: «Si quieres ser escritor, lo primero es hacer dos cosas: leer mucho y escribir mucho. No conozco ninguna manera de saltárselas. No he visto ningún atajo». Y que mejor que disfrutar de las experiencias del rey del terror, para conocer los entresijos narrativos que se esconden tras los muros indescifrables de la escritura. El libro tiene tres partes diferenciadas: La vida, memoria y recuerdos del escritor, La caja de herramientas. Repleto de consejos útiles y prácticos sobre el oficio de narrar, donde King nos descubre algunos aspectos de cómo es su proceso creativo o nos aclara dudas literarias.

En definitiva: Una obra inspiradora, cercana y honesta, que es el regalo perfecto para quienes sienten pasión por contar historias y quieren entender cómo se construyen desde dentro.

mientras escribo

Trilogía El mar Quebrado. Joe Abercrombie

Aunque clasificado como novela juvenil (que no lo es), se encuentran todos los aspectos crudos que le han otorgado fama a su autor (aquí puedes leer la reseña de su última novela Los diablos). Aunque la violencia y la crueldad están reducidas, sigue teniendo escenas brutales, personajes feroces y grandes secuencias de guerra. El libro es una fantasía épica accesible y entretenida, ideal para iniciarse en la lectura de Abercrombie, destacando su siempre vertiginoso ritmo, sus personajes complejos y una oscura ambientación vikinga. Un conjunto que, aunque no alcanza la profundidad de sus obras más famosas, cumple de sobras con su objetivo de ser una lectura adictiva y placentera.

La Sinopsis dice: “Yarvi, el hijo menor del rey, nació con una malformación en una mano que ha llevado a todo el mundo, incluso a su propio padre, a considerarlo «medio hombre». Por eso, en lugar de formarse como guerrero, al igual que el resto de varones de su estirpe, se ha dedicado a estudiar para convertirse en uno de los clérigos del reino. Sin embargo, en la víspera de la última prueba para ingresar en esta poderosa orden de sabios, a Yarvi le llega la noticia de que su padre y su hermano han sido asesinados. Él es el nuevo rey.”

El autor británico padre del Grimdark, logra componer una variante vikinga de fantasía con un tono sombrío y rudo, en el que la violencia sigue orbitando alrededor de los personajes como la única forma de escapar a su destino. Abercrombie suaviza un poco el tono, aunque sigue teniendo esa habilidad para inundar sus novelas de pasajes oscuros y personajes carismáticos (que evolucionan con la trama), y, sobre todo, esa destreza para cautivar con la construcción de un mundo apasionante, en el que la fantasía y la magia se hilvanan en un escenario de corte realista y medieval.

En definitiva: Es la elección perfecta si quieres tener unas navidades épicas. Esta trilogía será capaz de enardecer tus tardes invernales gracias a la fuerza de sus personajes, que es una de las mayores virtudes de las historias narradas por Abercrombie.

portada trilogia mar quebrado critica abercrombie joe cosas felices

Ritmathista. Brandon Sanderson.

A estas alturas, Sanderson se ha convertido en una super estrella de la literatura (gracias a la creación del Cosmere), por eso siempre es bueno leer algunos de sus trabajos menos conocidos e injustamente infravalorados. El Ritmathista fue mi segunda incursión en el mundo del autor, la primera fue Elantris que es muy recomendable para adentrarse por primera vez en los mecanismos de magia del escritor.

Un libro que habla de academias de magia que tienen un sistema mágico mucho más profundo que cualquier novela de Rowling. Un método en el que la magia se crea con dibujos de tizas que te hacen volar la imaginación. Gracias a sus reglas detalladas en gráficos consigue que observes la magia de una manera que nunca antes habías visto.

La historia nos narra la vida de Joel un imaginativo y talentoso estudiante de la Academia Armedius. Un lugar donde jóvenes procedentes de todas Las islas Unidas vienen a labrarse un futuro, incluidos los misteriosos y fascinantes Rithmatistas que son un grupo de élite que se encarga de proteger a la humanidad. Estos magos son capaces de dar vida a los trazos hechos con tiza en forma de escudos de protección o líneas de vigor, líneas capaces de lanzar ataques a distancia y romper las barreras enemigas. Este venerado grupo es el encargado de enfrentarse a los temidos Tizoides, despiadadas criaturas que amenazan la vida de la humanidad.

Es un libro ligero, ameno y rápido de leer, pero Sanderson lo convierte en un mundo rico en detalles que lo hacen interesante. El autor es capaz de partir de una premisa simple, que sabe explotar gracias a sus intrincados sistemas de magia, para ofrecer un relato repleto de posibilidades y atractivo para los lectores. Una trama sencilla en la que se busca que la construcción del mundo brille en su lugar, algo que consigue de sobras para mantenernos enganchados a su lectura.

Aunque su tono sea ligero con aspecto de novela juvenil, su magia de tiza junto con el misterio alrededor de la Rítmica la convierten en un relato con ideas complejas repleta de matices, lo que le otorga una increíble profundidad a su narrativa y una agradable sensación de aprendizaje. Al final de cada capítulo hay un dibujo que explica una técnica realizada con la tiza, algo que sirve para empatizar con Joel y sentir que estas aprendiendo magia junto a él.

En definitiva: Un libro para disfrutar del calor del hogar en unas navidades junto a Brandon Sanderson, un autor capaz de crear historias, mundos y sistemas mágicos tan variados como consistentes.

rithmatista

Estos seis libros ofrecen variedad, calidad literaria y experiencias intensas, lo que los convierte en regalos ideales para estas Navidades. Tanto si buscas sorprender a un lector exigente como si quieres introducir a alguien en un nuevo género, aquí encontrarás la opción perfecta.

 

Reseña de Sweet Home. Un gran thriller de terror psicológico que nos llega desde Corea

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Sweet Home es el título de un webtoon (manhwas o mangas coreanos digitales que se optimizaron para la lectura en pantallas, con un diseño vertical de arriba a abajo) que empezó a publicarse en Corea del Sur y que alcanzó unas cotas notables de éxito gracias al buen hacer de sus responsables, Kim Carnby (guion) y Hwang Young-chan (dibujo), los cuales nos presentan un thriller de terror psicológico que cuenta incluso con una serie en acción real en Netflix. En España Norma se ha atrevido con su publicación y ya tenemos disponible el primer tomo de la obra en un volumen de 324 en rústica.

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El resumen de la editorial es el siguiente: Cha Hyunsu es un joven antisocial que, tras perder a su familia en un accidente de coche, se muda a un viejo y destartalado apartamento. Sin embargo, poco a poco comienza a notar cosas raras en su nuevo edificio, pero no parece ser exclusivo de los apartamentos Green Home; pronto la frase “primeros síntomas de monstruolización” se convierte en la más buscada de Internet. ¿Qué demonios está ocurriendo?

La historia nos presenta a Cha Hyunsu, una persona realmente odiosa, un joven que sólo quiere que su familia le deje en paz para poder jugar tranquilamente a sus videojuegos. Cuando sus padres y su hermana mueren en un accidente de tráfico no le queda otra que vender su casa e irse a vivir en un apartamento, donde rápidamente se da cuenta de que la vida puede ser más complicada de lo que creía y empieza a pensar seriamente en el suicidio.

Pero el destino le tiene preparada una sorpresa. En su edificio empiezan a pasar cosas muy extrañas y el joven ve como algunos de sus vecinos se transforman en monstruos de pesadilla. Aunque el problema va más allá de los apartamentos Green Home, ya que en todo el mundo parece que está ocurriendo el mismo fenómeno. Ante esta situación a Cha Hyunsu no le quedará otra que empezar a confiar en la gente y aliarse con los vecinos que aún son humanos para intentar sobrevivir a este apocalipsis.

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Es curioso notar como el título de la obra hace referencia de manera irónica al tópico de “hogar, dulce hogar”. En este caso el hogar se convierte en el refugio último de los personajes ante el horror que se vive fuera del edificio de apartamentos, convirtiéndose más que en un hogar, en una suerte de prisión de la que no se puede salir.

Como en muchas otras obras apocalípticas, el centro del relato no son los propios monstruos, si no la evolución de Cha Hyunsu. Poco a poco conocemos algo del pasado del joven, que sufrió bullying y que no supo superar las cosas malas de la sociedad para acabar encerrándose en sí mismo y volverse una persona egoísta y amargada. Ahora descubre a su pesar que realmente quiere vivir y que, para ello, pese a no tener la más mínima gana, deberá colaborar con otras personas.

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Una historia de este tipo no podría vivir sólo de un protagonista, así que, con el transcurso de las páginas, los vecinos de Cha Hyunsu empezarán a cobrar importancia, dando la replica al joven y haciendo crecer el relato con sus propias tramas.

En cuanto al dibujo, la labor de Hwang Young-chan es sencillamente perfecta. El uso de tonos ocres y apagados subrayan la tristeza de la situación y el diseño de sus monstruos, más inquietantes que aterradores, sirven para que el lector se haga eco del peligro que viven los personajes sin necesidad de mayores estridencias. También ayuda y mucho el ritmo casi cinematográfico que el artista sabe imprimir a sus composiciones.

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La edición de Norma presenta un libro de 324 que sirve como perfecta presentación de este apasionante Sweet Home, a falta de irse publicando más tomos que nos permitan ir profundizando en la historia. Se echa en falta algún extra para poner en situación al lector, ya que lo único que ofrece es un brevísimo semblante de los autores en la solapa de la portada. El precio de venta al público es de 16,95 euros.

En resumen, Sweet Home es una obra perfecta para los que, como yo, nunca hayamos leído un cómic coreano. Estamos ante un cómic interesante, con muchos niveles de lectura que atrapa sin remedio gracias a un guion que presenta la historia de manera pausada, tomándose su tiempo en presentar el nudo principal de la historia para ir generando tensión en el lector. Y una vez que estas atrapado en sus páginas es imposible no seguir leyendo, viendo como Cha Hyunsu evoluciona y crece como personaje y como los protagonistas se enfrentan a una amenaza horrible que les obliga a permanecer en su bloque de apartamentos y a colaborar, les guste o no. Por mi parte, estoy deseando hacerme con el segundo volumen.

El perfume de tu actor favorito: el nuevo merch que arrasa

Imagina poder “llevar” a tu actor o actriz favorito contigo con solo ponerte un perfume. Actualmente es posible: muchos famosos del cine y la TV han lanzado fragancias propias, convirtiendo los aromas en un tipo de merchandising personalísimo. La personalidad y las fragancias están íntimamente conectadas, siendo el perfume el complemento de moda que mejor transmite sensaciones, así que no sorprende que un ídolo aproveche esto para acercarse más a sus fans.

Por ejemplo, la actriz Jennifer Aniston (de la serie Friends) presentó en 2010 su primera fragancia, bautizada simplemente “Jennifer Aniston”. En España, el actor Antonio Banderas (el malagueño famoso de Hollywood) lanzó hace más de 15 años varias líneas de perfumes de gran éxito junto al grupo Puig. A nivel internacional también destaca Ariana Grande, quien ha creado varias fragancias muy populares. Estos son solo algunos ejemplos reales de cómo el merchandising aromático de celebridades ha ganado fuerza en los últimos años.

El perfume de tu actor favorito

Ejemplos reales de fragancias de famosos

Jennifer Aniston (EE. UU.)
La actriz de Friends lanzó en 2010 su primera fragancia, llamada Jennifer Aniston. Fue un gran estreno en el mundo de la belleza, al punto que Aniston decidió usar su propio nombre como marca.

Ariana Grande (EE. UU.)
La cantante y actriz de series juveniles creó exitosas colecciones de perfumes (AriSweet Like CandyThank U, Next, entre otros) que han arrasado entre su público joven. Su incursión en el mundo de la belleza ha sido especialmente exitosa, al igual que la de otras grandes estrellas internacionales.

Antonio Banderas (España)
El famoso actor comenzó su línea de fragancias en 1997 y desde entonces ha lanzado decenas de aromas masculinos y femeninos, como Blue Seduction y Queen of Seduction. Sus perfumes se convirtieron en superventas y durante años han sido auténticos bestsellers.

Otros ejemplos
Además de estos casos, muchos otros actores y actrices han lanzado perfumes: celebridades como Jessica Simpson, Eva Longoria o Paula Echevarría han incursionado en el sector de la belleza con su nombre, y grandes figuras internacionales como Lady Gaga o Zendaya demuestran que la tendencia es claramente global.

Cada uno de estos ejemplos confirma que un aroma personalizado funciona como un puente directo entre la estrella y el fan: el comprador no solo adquiere un perfume, sino una conexión con su ídolo.

El perfume de tu actor favorito

Ventajas de lanzar tu propia línea de perfumes

Lanzar una fragancia personal no es una idea al azar, sino una estrategia clara de marketing. En el sector de la perfumería se considera una forma eficaz de consolidar la marca personal del famoso, ya que permite introducir líneas de productos relacionadas con su imagen y entrar de manera más cercana en la vida cotidiana de los fans. En términos prácticos, un perfume propio ayuda a definir el estilo del artista mientras genera ingresos adicionales.

Entre las principales ventajas se encuentran:

Marketing y marca personal

Crear una fragancia permite a la celebridad ampliar su presencia más allá de la pantalla y reforzar su imagen pública. El nombre del actor o actriz se asocia así a un producto tangible y memorable.

Conexión emocional con los fans

El perfume es un producto profundamente personal. Cuando el famoso participa en su diseño, el resultado refleja sus gustos, recuerdos y preferencias olfativas. Para los fans, usar ese aroma significa llevar una parte simbólica de su ídolo, algo que va mucho más allá del simple consumo.

Ingresos adicionales y popularidad

El negocio de las fragancias de celebridades es altamente rentable. El uso del perfume está muy extendido y forma parte de la rutina diaria de millones de personas, lo que garantiza una demanda constante. Si la fragancia pertenece a una figura querida, las probabilidades de éxito comercial aumentan considerablemente.

Personalización ilimitada

A diferencia de un producto estándar, una fragancia de celebridad puede personalizarse al máximo. Desde la elección de notas y familias olfativas hasta el diseño del frasco, el nombre y la campaña publicitaria, todo puede adaptarse para reflejar la identidad del artista, reforzando la autenticidad del producto.

Producción a gran escala y optimización de costos

Cuando la demanda es alta, resulta clave fabricar perfumes a gran escala para reducir costos unitarios y maximizar la rentabilidad. Existen modelos flexibles dentro de la industria, como trabajar con perfumes a granel para vender, que luego se personalizan mediante el envasado, el etiquetado y la imagen de marca del artista. Este enfoque facilita el crecimiento del proyecto, mejora los márgenes de beneficio y permite adaptarse rápidamente a la demanda del mercado.

En conjunto, estas ventajas explican por qué una fragancia personal puede convertirse en un éxito asegurado: conecta emocionalmente con el público, refuerza la marca del famoso y aprovecha un mercado ampliamente consolidado.

Al final, el perfume de tu celebridad favorita es mucho más que un simple aroma. Es una estrategia de marca y una forma directa de conectar con los fans. Con una producción bien planteada y una identidad clara, este tipo de merchandising aromático tiene garantizado un público fiel. ¿Te animarías a probar el perfume de tu actor o actriz predilecto? Para muchos fans, la respuesta es evidente: sí, sin dudarlo.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Bruma 1. El despertar del dragón. Un éxito en Francia que nos ha traído Astiberri Ediciones.

¡Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices! Hoy queremos hablar de un cómic que acaba de llegar a las librerías, una obra bien hecha que puede fascinar tanto a pequeños como a adultos: Bruma 1. El despertar del dragón, publicado en España por Astiberri Ediciones.

Bruma 1. El despertar del dragón

Bruma

Un cuento de brujas y autodescubrimiento

La historia arranca en un bosque, con una niña llamada Bruma que, antes siquiera de aprender a hablar, fue hallada junto a un misterioso grimorio. Ahora, Bruma es espabilada, terca y con un único gran anhelo: ¡Convertirse en bruja!

Cuando su padre adoptivo le revela la existencia de ese libro mágico, la vida de Bruma da un vuelco. Y, como buena protagonista testaruda y llena de curiosidad, se lanza de cabeza a su destino, sin importar lo accidentado que pueda resultar el viaje.

La primera peripecia mágica de Bruma no es precisamente un éxito: lejos de preparar la pócima perfecta o realizar hechizos espectaculares, la niña desencadena una niebla tan densa que cubre todo el pueblo.

Sin arredrarse, y convencida de sus poderes, Bruma recluta a su inseparable cerdito negro, Hubert, y a su amigo Hugo y juntos, deciden adentrarse en el siempre inquietante bosque prohibido. Allí, según la leyenda, habita un dragón que parece estar detrás de todos los extraños sucesos.

Bruma

Fantasía para niños… y para todos

Uno de los grandes aciertos de este cómic es su tono fresco, desenfadado y lleno de humor. Bruma no es la bruja perfecta y es incapaz de realizar con éxito un solo hechizo, pero nunca pierde la confianza ni las ganas de aprender.

Es un personaje cabezota, valiente y entrañable, que rápidamente se gana nuestro afecto. No resulta difícil vernos reflejados en sus meteduras de pata infantiles, en su perseverancia y en la ilusión con la que emprende cada reto.

La relación entre los personajes es otro gran pilar de la historia. Hugo, amigo leal hasta el final y el irresistible cerdito Hubert, forman un trío perfecto para sostener el relato, con diálogos ágiles y situaciones que provocan una sonrisa constante.

Hay guiños a la tradición mágica y mitológica, pero siempre desde un prisma actual y con ese toque entrañable que la distingue de otras obras parecidas.

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El arte: un festín para la vista

Si algo hace que leer “Bruma” sea un placer aún mayor, eso son los dibujos de Carine Hinder. Cada página estalla en color, dulzura y dinamismo: personajes con grandes ojos expresivos, bosques que parecen salidos de un cuento de hadas y criaturas fantásticas que encenderán la imaginación de cualquiera.

El trazo redondeado y alegre de Hinder es el complemento perfecto para el guion de Jérôme Pelissier, que mezcla misterio, humor y aventura con gran acierto.

De hecho, el apartado gráfico es uno de los motivos por los que el cómic funciona tan bien. Hay un cuidado en los pequeños detalles: la textura del bosque, el ambiente brumoso, las escenas de acción llenas de movimiento y, por supuesto, la expresividad de los personajes en cada situación.

Bruma

Premios y adaptación en marcha

No es casualidad que, desde su publicación en Francia, “Bruma” se haya convertido en un pequeño fenómeno: más de 225.000 ejemplares vendidos y premios tan relevantes como BDGest’, Splash!, Quai des bulles Planète BD.

Tanto la crítica como el público han abrazado este primer volumen de la serie, y el Estudio Folivari ya está preparando una adaptación audiovisual.

Edición de Astiberri: cuidada y atractiva

La edición española de Astiberri está a la altura: tapa dura, papel de calidad y una impresión impecable que respeta el colorido y la vitalidad del original.

El libro invita a ser hojeado, releído y, sobre todo, compartido con lectores jóvenes que busquen aventuras con mensaje, pero también con cualquiera que disfrute con las buenas historias bien contadas.

Pinchad AQUÍ para obtener más información desde la web de Astiberri.

Os voy a dejar un pequeño avance de la obra justo aquí debajo:

Valoración Final de Bruma.

Bruma. El despertar del dragón, es de esos álbumes que reivindican la literatura infantil-juvenil como territorio donde la imaginación y la emoción crecen de la mano.

Es imposible no sonreír viendo a Bruma tropezar, levantarse, empeñarse en aprender a ser bruja (aunque las pócimas salgan mal) y guiar a sus amigos por senderos llenos de misterios y descubrimientos.

Es, en definitiva, un cómic recomendable tanto para los más pequeños de la casa como para los fans de la fantasía, los cuentos y las aventuras clásicas.

No dejéis pasar esta brillante novedad. Adentraos en el mundo de Bruma, disfrutad, reíd y, sobre todo…

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: Vértigo (1958). De ser una incomprendida a icono de su director

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En 1958, año de su estreno, la película Vértigo no tuvo apoyo del público (no fue un éxito comercial) ni de los críticos, que la definían como lenta, compleja y demasiado larga. Durante la década de los 70, debido al interés por la figura del director, tuvo un resurgimiento, ayudado en los años 80 por su vuelta a los cines para alegría de los espectadores. Esa fue la razón por la que hoy en día Vértigo ha pasado de ser una incomprendida a icono de su director, Sir Alfred Hitchcock. En este artículo analizaremos la importancia de una de las mejores películas de la historia del cine.

Qué nos cuenta Vértigo

La película sigue la figura de John «Scottie» Ferguson (James Stewart), un detective retirado de la policía de San Francisco al que un amigo, Gavin Elster (Tom Helmore) contrata para que siga a su mujer Madeleine (Kim Novak), de quien le cuenta que tiene tendencias suicidas. Scottie la sigue por toda la ciudad e incluso la salva cuando cae a la bahía de San Francisco.  Pero lo que comienza como un simple trabajo derivará en obsesión de Scottie por Madeleine.

Razones para recomendaros Vértigo

Son varios los aspectos que podemos destacar de esta producción. Comenzando por el guion de Alec Coppel y Samuel A. Taylor basado en la obra literaria de Pierre Boileau y Thomas Narcejac de nombre D’entre les morts (De entre los muertos), siguiendo por la banda sonora de Bernard Herrmann (habitual colaborador del director), la fotografía de Robert Burks o la propia dirección del director británico, Vértigo fue, es y será algo especial. Seguramente como la mayoría de productos salidos del talento excepcional que su director atesoraba.

Estamos ante un thriller psicológico que ahonda en las obsesiones de nuestro personaje protagonista, Scottie, mientras gracias a los planos que construye Hitchcock nos obliga a convertirnos en cómplices de todo. Abundan los enfoques subjetivos desde la perspectiva del personaje del detective.  En la siguiente sección vamos a desgranar los diferentes aspectos que la hacen especial.

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Fotografía, música, guion, interpretaciones, y demás virtudes de Vértigo

El guion sería una de las armas más útiles para convencer al público de que estamos ante un muy buen trabajo cinematográfico. Ese giro argumental que tenemos en el momento en que desaparece de la trama Madeleine para luego emerger Judy nos da más información de la que en principio creíamos. De hecho, uno de los temas más determinantes de la película no es la obsesión de Scottie por la figura (no física inicialmente) de Madeleine, sino más bien por la imagen tan inalcanzable que representa al principio. Luego trata de reproducir esa obsesión en Judy con el resultado ya sabido para quien la haya visto con anterioridad.

La parte visual tiene mucha relevancia en esta película y el trabajo de Burks lo pone de manifiesto. El uso del efecto «Dolly Zoom» en las escenas donde tenemos que mostrar el problema del vértigo en el personaje de Scottie es simplemente brillante, por no nombrar el uso de los colores para reflejar los distintos estados de ánimo. Ese verde para plasmar la escena en que Scottie ve a Judy transformada en Madeleine al salir del baño, como si un espectro fuera, es de una brillantez sin parangón. El verde conecta la vida y la muerte.

Luego tenemos la espiral, la cual aparece en diferentes momentos del filme: en los créditos del inicio, en el moño de la propia Madeleine, en el tronco del árbol, en la escalera del campanario.  Ese efecto está colocado en esos momentos para plasmar la obsesión y el estado físico del protagonista, a la vez que del propio espectador que se convierte en cómplice de los acontecimientos. El efecto «Dolly Zoom» que se utiliza en varias de las escenas de esta película nos permiten ver el estado mental del protagonista y sus problemas con la altura.

El hecho de que Hitchcock nos muestre la historia a través de la mirada de Scottie (Stewart) y nos convierta en cómplices de sus obsesiones y traumas por Madeleine/Judy ayuda mucho a la comprensión de hasta qué punto su situación personal nos sirve de motor para el filme. La música de Bernard Herrmann es otro de los puntos destacables y nos tendríamos que hacer la pregunta de cuándo algo por él compuesto no lo haya sido en una producción del maestro del suspense.

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Los leitmotivs que Herrmann usa para los distintos personajes son magníficos, mostrándonos incluso sus estados anímicos, en tanto que análisis hechos por especialistas nos avanzan que la estructura tonal de la música sigue la evolución psicológica del protagonista. El montaje de la propia película nos lleva por los distintos estados mentales del personaje de Scottie, desde una cierta fluidez en escenas como cuando sigue a Madeleine por la ciudad, a cortes más abruptos que demuestran su estado mental quebrado, por ejemplo en la escena de su pesadilla.

Cómo fue recibida y a quién se la recomendamos

En la época en que fue estrenada, 1958, algunos críticos la encontraron demasiado compleja, lenta, lo que resultó en reseñas mixtas. Tampoco fue un gran éxito de taquilla por lo que en ese tiempo fue vista como una obra menor del director ya que recaudó mucho menos que el presupuesto de la producción. Es un ejemplo claro de película adelantada a su tiempo, no comprendida por muchos en ese momento, pero que pasados los años, gracias a gente como Cahiers du Cinema y proyecciones en los años 80 la han llevado al lugar que le corresponde, a ser considerada como una de las mejores películas de la historia del séptimo arte.

¿A quién se la podemos recomendar? Primeramente a quien quiera revivir la película si ya la hubiera visto hace tiempo porque es una experiencia extraordinaria cada vez que la puedes visionar. Cómo no, a quien no la haya visto nunca y quiera descubrir una película que se adelantó a su tiempo y sigue siendo una influencia viva para muchos directores. Y claro, a los fans del maestro del suspense como quien os escribe estas líneas, incondicional del director británico desde mi juventud. Descubrir su cine ha sido una de las mejores cosas que me han pasado como amante del séptimo arte.

Os dejamos un par de artículos en nuestra web tratando películas y aspectos del genio británico.

Alfred Hitchcock y sus madres 

Extraños en un tren

60 Años de Psicosis: Todo lo que querías saber

 

El cómic de la semana: Marvel Gold Excalibur 4

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semanaHoy destacamos Marvel Gold Excalibur 4Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Marvel Gold Excalibur 4, el regreso de Alan Davis

Hay semanas en las que uno abre el tomo recién comprado, lo huele como si fuera vino del bueno, y sabe que está ante un cómic de gran reserva. Y ese tomo es este Marvel Gold Excalibur 4, señoras y señores. Una maravilla, con el regreso de Alan Davis a la colección. Y está vez lo hace como guionista y dibujante, y se sale como autor completo. Creo que cuando los creadores se fueron de la serie, y me refiero naturalmente a Chris Claremont y Alan Davis, la colección pegó un bajonazo de tres pares de narices. Y lo digo sinceramente, si en ese tomo no pusiera «tomo 3», casi seguro que no lo hubiera comprado, hubiera pasado directamente a este tomo 4.

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Y es que este volumen recoge los números USA 42 al 58, y algún extra para engordar el tomo, que tengo que decirlos, no están mal, pero tampoco son los más maravillosos del mundo. Y sí, estamos en esa etapa gloriosa donde Excalibur seguía siendo ese experimento británico del universo mutante, con humor, bizarradas y viajes dimensionales. Y ojo, porque este tomo ya se mete en los años 90, cuando X-Men batió el récord Guinness del cómic más vendido de todos los tiempos, y cuando X-Force era la segunda colección más vendida del mundo.


Conoce cuáles son los 10 cómics más vendidos de todos los tiempos


 

Qué esperar al abrir esta joya mutante

Si vienes buscando solemnidad mutante y drama estilo Patrulla-X llorando bajo la lluvia, aquí no los vas a encontrar. Aquí tenemos aventuras que parecen escritas después de un buen cubata y ganas de juerga. Excalibur es otro rollo, otra manera de disfrutar los cómics mutantes, y además dibujado por uno de los artistas más grandes de todos los tiempos, Alan Davis.

Este tomo es esa etapa donde el humor británico salpica entre puñetazos, giros imposibles y criaturas que podrían haber salido de un sketch de Monty Python después de inhalar cualquier sustancia ilegal.

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Por qué merece tu tiempo (y tu sueldo)

Porque Excalibur, gracias a un Alan Davis como autor completo, entra en este punto de su historia dónde representa ese rincón raro de Marvel donde todo podía pasar sin que nadie en Nueva York se enterara. Libertad creativa pura.

Porque leerlo hoy es ver germinar ideas que luego Marvel explotó hasta el mareo, mundos alternativos, líneas temporales en espiral, amenazas cósmicas de andar por casa… y todo envuelto en aventura sin complejos.

Y porque, está bien escrito, es divertido, y está muy bien dibujado. No todos los mutantes tienen que llorar mientras se cuestionan su existencia. Algunos pueden reírse, viajar a dimensiones disparatadas y repartir estopa al estilo de Alan Davis.

¿Vale la pena?

Si amas los mutantes pero estás cansado de crossovers y funerales, Excalibur es como ese bar oculto donde aún sirven pintas sin reguetón.

Marvel Gold Excalibur 4 no solo preserva un pedazo delicioso de la historia mutante, te recuerda que el cómic puede ser aventurero, libre y un poco idiota sin perder el corazón.

Tras un tomo 3 decepcionante además de intrascendente, este tomo 4 puede incluso el mejor de la colección. Lo digo totalmente en serio. La etapa de Alan Davis no acaba aquí, continuará en un futuro tomo 5, que evidentemente lo comentaremos en Las Cosas que nos hacen felices.

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Contiene: Excalibur 42-58, Excalibur: XX Crossing y material de Marvel Comics Presents 110

¡Alan Davis regresa a Excalibur como autor completo! El legendario artista se hace con las riendas de la serie para elevarla a nuevas cotas de grandeza… ¡y locura! La Tecno-Red desata el caos. El Cuerpo de Capitanes Britania lleva a Brian a juicio. Meggan busca respuestas alrededor de su pasado. Excalibur afronta la llegada de Kylun y Cereza. ¿Qué es la Anti-Fénix y quién ha estado moviendo los hilos desde el nacimiento de Excalibur? ¡El mejor Excalibur empieza aquí!

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Panini y el enlace a la editorial pinchando aquí.

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Un saludo y sed felices.

Reseña. Corrientes de dolor y resiliencia: un viaje a través de Río Veneno de Beto Hernández

Hay libros que se leen como quien atraviesa un río: uno avanza a tientas, sintiendo bajo los pies la corriente traicionera, las piedras ocultas, el rumor oscuro de algo que no termina de verse. Río veneno de Beto Hernández es precisamente ese cauce turbio donde la vida de Luba, su infancia rota, su juventud voraz, su ascenso inexplicable fluye como un agua espesa que arrastra deseos, mentiras, cuerpos y culpas. Este cómic no se limita a narrar una historia; es un viaje a través de las complejidades y las contradicciones humanas, un retrato crudo de la lucha por la existencia en un mundo que muchas veces parece desprovisto de esperanza.

Corrientes de dolor y resiliencia: un viaje a través de Río Veneno de Beto Hernández

Desde la primera página que encontramos en esta nueva edición publicada por La Cúpula, el lector se sumerge en un ambiente cargado de inquietud. No hay inocencia posible aquí. Desde el principio se percibe un temblor, un mundo a punto de desmoronarse, una respiración contenida antes del desastre. La escritura y la ilustración de Beto funcionan como una ventana a un universo desgarrador, donde las cicatrices de la memoria se hacen palpables. Es como si cada trazo y cada palabra fueran un eco de vivencias pasadas, un recordatorio de que aquello que ha sido vivido no se borra fácilmente.

Luba aparece primero como un rumor: una niña sin amparo, una muchacha que crece en los márgenes, un cuerpo que reclama su derecho a existir aun cuando todo alrededor insiste en devorarla. A medida que avanza en su camino hacia la vida adulta, los fantasmas de su pasado la siguen con una persistencia abrumadora, como un animal hambriento que conoce demasiado bien el olor de su presa. Cada paso que da hacia adelante está marcado por la sombra de las pérdidas, las traiciones y las decepciones.Rio veneno Beto Hernandez cosas felices e1766172494636

Nadie ama sin herir, nadie necesita sin destruir un poco. El amor se presenta como un pacto hecho con uñas, un abrazo que desemboca en abandono, un deseo que se encuentra entrelazado con el miedo. Los hombres que rodean a Luba son delincuentes, músicos fracasados, políticos corruptos o figuras paternas degradadas que se aferran a ella con la misma desesperación con que se aferrarían a una cuerda en medio de un naufragio. Sin embargo, Luba no es un objeto pasivo ni una víctima indefensa. Ella emerge con la furia de un fuego antiguo, encendido por dentro de un modo que ni la violencia, ni la pobreza, ni la traición logran extinguir. Su resistencia es un acto de rebeldía en un mundo que busca aplastarla.

Beto Hernández no narra una historia convencional; construye un territorio emocional. Sus viñetas son habitaciones cerradas donde resuenan discusiones a media voz, camas revueltas, bares impregnados de sudor y política, esquinas donde los disparos se mezclan con la música y el olor a fruta podrida. La narración avanza como un animal herido, a saltos y sobresaltos, siguiendo una lógica fragmentada que recuerda los recuerdos dispersos de una mente atormentada. Cada viñeta invita al lector a descifrar un rompecabezas complejo, donde cada pieza revela una verdad oculta sobre la naturaleza humana.

A través de Luba y los personajes que orbitan a su alrededor, Río veneno aborda la violencia como un idioma más, una herramienta de comunicación que puede herir y destruir. Hay cuerpos usados como monedas, silencios que amenazan con estallar, miradas que esconden traiciones. Sin embargo, también hay pequeños destellos de humanidad, una caricia sincera, un gesto torpe de ternura, un instante fugaz de conexión que iluminan brevemente el panorama sombrío. Estos momentos son escasos, pero fundamentales, pues sirven como recordatorios de que, detrás de la brutalidad, hay seres humanos que anhelan ser vistos y comprendidos.Río veneno de Beto Hernández

Leer Río veneno es dejarse arrastrar por esa corriente oscura y tumultuosa. No es una limpia ni amable, sino una que mancha, que obliga a mirar lo que preferiríamos callar: el peso del pasado, la herencia del dolor, los pactos que hacemos para sobrevivir, las máscaras que adoptamos cuando la vida exige más fuerza de la que poseemos. El lector se convierte en un testigo de un mundo donde las decisiones tienen consecuencias devastadoras y donde la lucha por la supervivencia puede llevar a sacrificar lo que uno más ama. Al final, cuando se cierran las páginas, queda la impresión de haber sido testigo de todo lo ocurrido en esta magnífica obra.

 

FICHA TÉCNICA

Editorial: La Cúpula

Encuadernación: TOMO RUSTICA

Idioma: CASTELLANO

Autor: BETO HERNÁNDEZ

Nº de páginas: 196

Colección: NOVELA GRAFICA

ISBN: 978-84-10264-43-4

Fecha de edición: 13/11/2025

Año de edición: 2025

 

«Aliens: Dark Descent» (PC, Playstation4 – 5, XBOX One): en tu cuarto sí escucharán tus gritos

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Hemos vuelto de entre los muertos para hablar de cosas de Aliens. ¿Y quién no?, pensará el astuto lector que recuerde cómo vamos a película, serie o videojuego relacionada con el bicho cada poco tiempo. Pero desde este modesto pero vibrante sitio queremos reivindicar cosas de hace años de nuestro xenomorfo favorito. Incluso reivindicar cosas de la Europa decadente que lleva unos añitos pintando los morros en el asunto de los videojuegos a la teóricamente gloriosa Estados Unidos. Es decir, vamos a hablar de Aliens: Dark Descent, del estudio francés Tindalos Interactive.

Lo hacemos por nuestra voluntad de ensalzar las cosas pequeñas. Los videojuegos que no tienen el presupuesto de una superproducción de Hollywood, los cómics o nuestra cuenta corriente. Aliens: Dark Descent no puede presumir de animaciones faciales, cinemáticas de quitar el hipo ni nada así, y lo fía todo a lo esencial en un videojuego. Es decir, la jugabilidad. Increíble pero cierto.

La historia es algo más o menos funcional que, sin ser insultante, tampoco nos va a sorprender. Muchos años después de lo que pasó en las tres primeras películas un grupo de marines, científicos y etc., se quedan atrapados en una nave espacial con serios daños. La misma está en un planeta en el que había colonias humanas. Bueno, también hay aliens. Muchos aliens. Más aliens que nunca. Hay un bello sistema, a lo Warhammer 40k, para purificar el planeta con muchísimas explosiones en unos cuantos días. El videojuego irá de cómo hacemos expediciones a distintas partes del planeta, recuperamos piezas, reparamos la nave, rescatamos a gente que pueda hacer levantarse la nave e incluso huir antes de la gran mascletá.

El juego recuerda en parte a nuestros amados X-COM, ya que al principio nos pasearemos por las distintas localizaciones de la nave, investigamos mejoras, curamos soldados, compramos armas, vemos los niveles de experiencia de cada uno y les ponemos habilidades o armamento. Hasta aquí la parte estratégica. Y luego vamos a la parte táctica, en la que nuestro puñado de marines van a mapas enormes, con varias plantas, a realizar una serie de objetivos antes de volver a la nave nodriza con lo que buenamente hayan conseguido coger.

Y aquí empieza la gozadera: manejamos al grupo de marines como si fueran un solo hombre. Damos órdenes en general y solitos disparan si ven corriendo hacia ellos cosas que quieren comérseles . ¿Y qué vamos a hacer nosotros?. Pues desde indicarles por dónde ir, dónde parar, dónde encarar, dónde usar todos los instrumentales que llevamos (minas, bombas, lanzallamas, curarse, soldar puertas, etc), cuándo correr y cuándo usar habilidades. Como decimos, las órdenes van al grupo de una manera que una vez te la explican no es necesario pensar cómo hacer tal cosa o la otra: el control y el interfaz de las cosas que eres capaz de hacer no puede ser más elegante, rápido ni directo.

El resultado de esto es que la acción es frenética, agobiante y desmadrada en su número de balas y explosiones. Aunque, claro, eso es cuando hay que desmadrarse. Porque Aliens: Dark Descent castiga enormemente que vayamos matando todo lo que veamos. Cuantas más veces nos vean los xenomorfos más agresividad habrá en la zona…y los aliens son infinitos. Sí. Es decir, cuantas más veces nos vean los aliens más aliens habrá en el mapa y más cada vez siguiente que nos vean. Y empezarán a mandarte aliens enormes que parecen tanques. Cada vez será más y más y más difícil. Y aunque hay mucha munición por los mapas tampoco es que sea precisamente infinita.

Cuando te das cuenta de esta mecánica, el juego pasa a ser la segunda película de Aliens. Estás siempre en una posición de inferioridad, tienes que ir con el culo pelao escondiéndote en las esquinas y viendo el dispositivo de movimiento. E incluso tener cuidado porque algunos no se mueven (los huevos y algún alien que está echándose la siesta). Debes elegir qué gozaderas de balaceo y explosiones son inevitables porque la violencia aquí es quirúrjica. Eso sí, cuando toca no puede ser más gozosa por la cantidad de cosas distintas que podemos hacer y que son más cuanto más nivel tengan los marines que hayamos elegido para la misión.

Lo cual nos lleva a que los marines se mueren y no resucitan. Incluso, por lo que sea, la exposición a pelearse con bichos que intentan comerte o llevarte a que se te coman sus crías (que también lo intentarán, cuidado) les provoca estrés. En fin, que hemos educado a una generación a no aguantar nada y así nos ha salido una generación de cristal. Siendo un fastidio, debemos dejarles en el psiquiatra, que se relajen y no les dé un infarto o desarrollen traumas… aunque da igual, porque desarrollarán traumas sí o sí. Uno robará botiquines porque es un yonqui, el otro te herirá a los compañeros por ser un broncas, otro se pondrá más nervioso de lo normal cuando vea aliens, otro que como no vea el partido del aleti es que no sale a matar aliens… así hasta desear que entren estos de una vez y nos coman a todos.

En fin, que iremos recuperando androides, suministros, científicos, viendo qué ha pasado en cada colonia, conociendo a grupos de humanos que han desarrollado un culto siniestro respecto a los aliens, muchos testimonios de gente aislada que no sabía lo que se les venía encima y mil pruebas de que la empresa detrás de las colonias está dirigida por unos inmensos bastardos a los que hay pocas cosas que les pudieran pasar que no fueran merecidas. Tendremos carreras con bichos por miles, fases de parapetarse y aguantar un tiempo en una posición mientras vienen miles de bichos, fases de ir en sigilo entre miles de bichos y, aunque no te lo creas, miles de bichos.

Es complicado aburrirse en Aliens: Dark Descent por el cambio, cada poco, de mecánica jugable. Ya hemos dicho: pasamos del sigilo a la exploración, a la defensa de una posición, a saber que hay una reina en esa sala y prepararnos a conciencia para el enfrentamiento. Aunque el juego es en tiempo real se puede y se debe ralentizar o pausar para pensar en nuestras opciones. Hay que pensar siempre sobre cómo volver las cualidades de los aliens en su contra, cómo usando hasta el vómito las balizas de señalización, que no solo marcan el movimiento en el mapa sino que pueden sobrecargarse haciendo un ruido espantoso y atrayendo a todos los aliens de la zona. Si hemos puesto balizas en otro punto del mapa y las activamos, para allá iran las criaturitas. Y como eso todo. Desde aquí recomendamos poner muchas minas y muchas balizas siempre que se pueda. ¿Qué haces leyendo pudiendo poner otra mina y otra baliza?. Es más, en plan miserable verás pronto que poner balizas cerca del megatanque que nos deja en la misión es algo vergonzosamente tramposo y necesario: el megatanque nunca deja de tener munición y mata todo a su alcance.

Al final, irás viendo que, por lo que sea, en un planeta infestado de aliens no queda tanta gente que reclutar, así que digamos que debes mimar hasta al último marine que tengas. Cada muerte es dolorosísima y sentida, sobre todo porque eres tú el que querrías haberles matado con tus manos cuando se fuman otro botiquín por ser unos yonquis. En fin, que tanto cambio de dinámica jugable hace que no termines de cansarte ni acostumbrarte ni aburrirte demasiado. También contribuye a que no es juego eterno y tiene una duración media, más que adecuada para un videojuego así.

Por ir acabando, Aliens: Dark Descent es posiblemente más divertido de jugar que el famoso y proclamado mejor juego del asunto, Alien Isolation. Tiene una historia más de andar por casa, pero en cuanto a cosa jugable y disfrutona es muy superior, y lo es con muchos menos recursos técnicos y económicos. También tiene elementos originales recordando a partes del mítico videojuego español Commandos y a partes de Darkest Dungeon. Es un videojuego favorito de nadie pero disfrutable por casi todos, además de ser algo refrescante jugablemente y divertido a rabiar. A nadie se le hará pesado y te pica para hacer los mapas del modo más cuidadoso posible. Ha pasado un tiempecito y no está caro, Pueblo.

Sed felices.

Análisis de It: Bienvenidos a Derry (It: Welcome to Derry). Temporada 1. Episodio 8. Final de Temporada

Y llegamos al cierre de la primera temporada de It: Bienvenidos a Derry analizando su octavo y último capítulo cuyo título es Fuego de Invierno. La serie, que se emite por HBO Max, expande el universo de Stephen King al hacer de precuela a su novela It y muy especialmente a las dos adaptaciones cinematográficas de Andy Muschietti, quien desarrolla la misma junto a su hermana Bárbara y a Jason Fuchs, también showrunner.

Bienvenidos a Derry una vez más, esta vez para dar cierre a la primera temporada. Un cierre, por cierto, con más acción que terror y que deja los caminos abiertos no solo hacia una hipotética segunda temporada sino también hacia El Resplandor y quizás incluso a algún spin-off que haga de puente. Aunque visualmente avasallante, el final vuelve a hacer patentes los problemas que en general ha mostrado la serie y los potencia al buscar superlatividad y grandilocuencia de un modo exagerado que no solo se ve como una mezcla de cosas conocidas, sino que poco tiene que ver con el universo que Stephen King creó para It.

Talismanes, fantasmas y paradojas temporales confluyen en este episodio que a continuación analizamos para luego hacer balance de temporada. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordar que pueden leer aquí los análisis previos.

¿Daga o Anillo?

Una espesa niebla que parece sacada de otra historia de Stephen King se apodera de Derry al despertar la criatura de su letargo. Por qué esta vez ocurre de este modo y no en ocasiones anteriores es un misterio, pero un gris manto invernal cubre la ciudad y Pennywise sale a hacer de las suyas.

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En el colegio, los estudiantes son convocados al gimnasio y el director les habla casi como marioneta hasta que, con espanto y entre gritos de horror, los niños ven cómo es decapitado por Pennywise, que sostiene su cabeza por las cuencas de los ojos (eso ya lo hizo Daryl Dixon). Las fauces del payaso se abren y las “luces de muerte” ponen a todos en trance mientras comienzan a levitar y, luego, al son de su música, van tras él como si del Flautista de Hamelin se tratase.

IT: Welcome to Derry' Episode 8 Recap: "Winter Fire" (Season 1 Finale)

Pero Ronnie, Lilly y Marge, conmocionados tras los sucesos del Black Spot y la reciente muerte de Rich, han faltado al colegio y, desde el mirador, ven con asombro cómo la niebla cubre todo y, al descender, encuentran todo empapelado con volantes que dan por desaparecidos a todos los niños del instituto. En su incredulidad, van al colegio para comprobarlo y descubren que, en efecto, no hay nadie, salvo el cuerpo decapitado del director, además de volantes aquí y allá con más nombres y fotos de estudiantes desaparecidos, entre ellos Will.

Quieren ir a rescatarle y la daga podría servirles, pero la bicicleta no soporta a tres y optan por el camión del lechero, que ha quedado allí abandonado tras morir este último y manifestando Marge saber conducirlo de tanto haberle visto. La cosa no sale bien y por el camino vuelcan, debiendo seguir a pie. Un momento de tensión se produce al desatarse una pelea por la posesión de la daga, que termina en manos de Lilly, quien ve como justo que sea ella quien deba sufrir el daño que la misma provoca. De pronto, la daga es el Anillo Único y Lilly Frodo, o quizás Gollum

Todos al Río

En la base, Leroy recibe un llamado y un burlón Pennywise le anoticia de que tiene a Will. Después de que Charlotte entra en crisis y le recrimina haber dicho en su momento que allí estarían a salvo, Leroy va a ver a Hallorann en busca de ayuda, ya que este estuvo conectado con el payaso y dentro de su mente. Le encuentra lidiando con sus propios fantasmas (nunca tan literal) y hasta llevándose un arma a la boca para intentar suicidarse, pero cuando Leroy le pone al tanto de que se trata de Will, cambia de actitud y decide ayudar.

Rose y Taniel dicen que la culpa por la niebla y el regreso de It es de los militares que destruyeron el pilar, por lo que habría que encontrar la daga para reemplazarlo y, como Dick se toma un té de maturin (perdón, pero tengo que relatar lo que ocurre con la misma frialdad con que el verdugo deja caer el hacha), sabe que la misma se halla en poder de Lilly.

La daga, cuenta Rose aumentando las conexiones con Tolkien, puede volver loco a su portador si este está demasiado tiempo expuesto a ella. Lo que hay que hacer es enterrarla bajo un antiguo pino junto al río que marca no sé qué punto para que los pilares queden interconectados.

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Bueno, o algo así, yo que sé. Lo cierto es que todos van al río: Pennywise con los estudiantes secuestrados que, ojos en blanco, levitan sobre la capa de hielo (ah, porque con la niebla se congeló el río); Ronnie, Lilly y Marge llevando la daga; Dick, Leroy y Taniel siguiendo el rastro de la misma y los militares buscando que nadie logre evitar la ola de horror. A tal fin, justamente, es que disparan contra el grupo de Leroy costándole una herida a este y la vida a Taniel que, en general, no ha tenido mucha suerte en la temporada…

A dormir…

La daga comienza de pronto a brillar y Marge tiene una visión del payaso anoticiándole de que ella será en el futuro la madre de Richie Tozier, uno de los que justamente acabará dándole muerte. Convertida de pronto la niña en Sarah Connor, Pennywise se abalanza sobre ella, pero siempre ocurre algo cuando ataca a alguien de ese grupo y en esta oportunidad Hallorann le deja congelado en pleno ataque. Sí, también hay un poco de Matrix

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Ello permite a los niños ganar tiempo para llevar la daga hasta el árbol, pero la misma se resiste. El general Shaw, a todo esto, se acerca a la estática imagen de Pennywise azorado de comprobar finalmente su existencia. Pero su plan siempre fue estúpido y no tiene por qué ser diferente esta vez: en cuanto pasa el efecto de congelamiento, la criatura le reconoce de aquel encuentro de tantos años atrás y termina devorándolo.

Leroy acribilla a balazos a Pennywise pero siempre vuelve a revivir, aunque eso da aún más tiempo a los niños para que puedan llevar la daga al árbol, lo cual sigue complicado, pero entra en ayuda el fantasma de Rich y terminan haciéndolo. La niebla acaba (aunque por alguna razón el río no se descongela) y Pennywise, derrotado, termina volviendo a su confinamiento y letargo tras haber estado a nada de salir hacia el mundo…

Caminos que se abren

Hay funeral para Rich, pero este anda dando vueltas por allí siendo solo visto por Hallorann, quien anoticia al padre del niño de que la mano que siente sobre su hombro es la suya. Marge está sacudida por la revelación de Pennywise y se queda rumiando sus palabras acerca de que pasado y futuro son para él lo mismo. La conclusión a la que arriban (sí, unos niños) es que este percibe el tiempo de manera diferente y quizás intente volver atrás para matar a sus padres. Por otra parte, hay beso entre Ronnie y Will…

Dick, en tanto, anuncia que se marcha a Londres para trabajar como cocinero y se pregunta qué podría pasar de malo en un hotel. La referencia, claro, hace alusión a El Resplandor, aunque el Overlook no estaba en Londres sino en Colorado y ello hace presumir que Halloraan tendrá todavía otras experiencias por vivir antes de ingresar a esa otra historia icónica. ¿Alguien dijo spin-off?…

Una escena post-créditos nos lleva al año 1988 (justo antes de los sucesos de la primera película) y vemos a una ya anciana Ingrid Kersh (Joan Gregson) internada en Juniper Hill. Una mujer que pende del techo tras haberse suicidado es observada con desasosiego por su propia hija, en quien reconocemos a Beverly Marsh, interpretada como en la película, por Sophia Lillis. Ingrid la consuela con que “nadie que muere en Derry muere realmente”.

Balance de Temporada

Confieso que me hizo doler la cabeza volver a contar semejante descalabro. A veces las cosas tienen tan poco sentido que uno ni siquiera sabe cómo reseñarlas. En un solo episodio hemos visto fusionarse La Niebla, El Resplandor (hasta allí vamos bien), El Señor de los Anillos, Regreso al Futuro, Terminator, El Sexto Sentido, El Pueblo de los Malditos, El Flautista de Hamelin y Stranger Things, más alguna pincelada Marvel.

Que Muschietti es hombre de desmesuras ya ha quedado harto evidente, al punto de pintar para heredero de Ryan Murphy, pero en este capítulo de cierre de temporada cualquier límite ha sido superado y lo peor de todo es que, desvirtuando el cáracter de la historia original, la resolución se ha basado más en la acción que en el terror. No muy King que digamos…

La visibilidad que ha tenido Pennywise en esta temporada va en contra del carácter misterioso que tiene en la novela y adaptaciones. De pronto resulta que se había enfrentado prácticamente con todo Derry y hasta el ejército de Estados Unidos.  No solo eso, sino que ha pasado de ser una criatura voraz que solo busca alimentarse y en todo caso usa artes de engaño con sus víctimas, a ser una capaz de elaborar meticulosos planes.

Y ya que hablamos de planes, el de Shaw, como toda la trama militar, jamás se entendió y acabaron por volver terriblemente lineal y sin matices a un personaje que pintaba interesante y hasta simpático. Una lástima…

Lo de la daga como talismán terminó en abuso. Jamás nos habíamos anoticiado de que hubiera objetos mágicos que contenían a It y ahora resulta que había muchos e importantísimos. Y si a ello agregamos fantasmas bienhechores, el despropósito no puede ser mayor.

Ojo: la temporada ha tenido algunos aciertos, sobre todo cuando los flashbacks nos llevaron al pasado para mostrarnos el origen de Pennywise en una forma que en modo alguno se contraponía con la esencia de la historia original.  Nos quejábamos, eso sí, de que habían contado demasiado y nos preguntábamos en consecuencia cómo harían para dar sustento a unas eventuales segunda y tercera temporada (hasta ahora no confirmadas). Ahora lo sabemos: haciendo viajar al payaso en el tiempo y jugando con las paradojas, lo cual, desde luego, no parece buen camino ni mucho menos cercano al universo y espíritu de It.

Hay, no obstante, algunos puntos para destacar en este episodio final: los efectos visuales, de los que más de una vez nos quejamos, estuvieron esta vez a la altura más allá de la sobrecarga visual. Bill Skarsgård ha entregado asimismo un trabajo notable y lo mismo Chris Chalk.  Y muy fuerte desde lo emocional la presencia de Joan Gregson en la escena post-créditos por ser este su último rol antes de fallecer en junio de este año.

En cuanto a la conexión con El Resplandor, es mucho más interesante que lo que pueda prometer esta serie de aquí en más, tanto que me tienta más un spin-off que una segunda temporada (aunque a la vez me hace temer que terminen contándonos que en Londres había ocurrido algo mucho más terrible que los sucesos del Overlook).

Pero la temporada, en el balance final, no deja buen sabor de boca y me pregunto si no sería bueno que esto que hemos visto no fuese considerado canon para la franquicia, sino simplemente una historia alternativa o what if. Por mucho que me esfuerce, no puedo aceptar que Pennywise se haya enfrentado con medio Estados Unidos antes de hacerlo con el club de los perdedores.

Y dado que los flashbacks estuvieron acertados, cabe preguntarse si no hubiera sido mejor rodar una película en lugar de una serie. Una que se abocase simplemente a contar el origen de It. O, por qué no, una miniserie en cuatro episodios, dedicando uno a 1962, otro a 1935, otro a 1908 y otro a la trama indígena previa.

Habrá que ver qué pasa ahora, sobre todo en la medida en que la compra de Warner por parte de Netflix (aquí artículo) introduce un signo de interrogación en la continuidad de todas las series de HBO. En lo personal, creo que la serie será continuada pues los índices de audiencia han sido buenos y Netflix no mata gallinas de huevos de oro ni revienta globos rojos. La cuestión, claro, es que, vista la tendencia a ir siempre un paso más allá en la desmesura, es de temer que el despropósito se haga aún mayor

Les espero, no obstante, para analizar la segunda temporada cuando llegue. Hasta entonces y sean felices…

Los informes de las proyecciones de prueba de Supergirl son en su mayoría positivos

Ya se conocen las primeras reacciones de las proyecciones de prueba de Supergirl, y además de proporcionar información sobre la duración y los personajes, parece que la película es buena… pero no excelente. Y para mi esto no es una sorpresa. Me alegra que sea «buena», y lo dejo entre comillas, pero tenía claro que no iba a ser la maravilla del siglo. Mientras me lo pase bien en el cine, es ahora mismo más que suficiente.

Con el estreno de Supergirl previsto para el próximo verano, parece que DC Studios ya ha comenzado a realizar proyecciones de prueba de la película.

Daniel Richtman fue el primero en informar de que ayer se llevó a cabo una proyección de prueba, revelando que «solo ha oído cosas buenas de varias personas». Sin embargo, @Cryptic4KQual, que filtró el tráiler y la duración, nos ha dado otro punto de vista bastante contrario al de Richtman.

«Sí, Supergirl tuvo una proyección de prueba»

«Aproximadamente 2 horas y 5 minutos. Por lo que he oído, las opiniones no fueron muy buenas, pero no era una mala película. Algunas escenas brillaron mucho más que otras. Milly es elogiada por su interpretación del papel. Lobo tiene dos peleas. El villano es decepcionante».

Superman también recibió críticas mixtas en los preestrenos, pero finalmente consiguió una puntuación del 83 % en el Tomatómetro de Rotten Tomatoes y se ganó a los fans a lo grande.

Que Lobo tenga dos escenas de lucha es emocionante, ya que se trata solo de su presentación en el Universo DC, y teóricamente le veremos en futuras películas. Por desgracia, el villano llamado Krem de las Colinas Amarillas ha sido tildado de «decepcionante». Ojo esto es lo peor de la película para mucha gente. Parece que Matthias Schoenaerts, el actor elegido parece una versión muy genérica del villano de Supergirl: La mujer del mañana, a juzgar por el tráiler.

En cuanto a la duración, seguro que irá cambiando el metraje hasta la definitiva versión en el cine. Ser buena, sin llegar a ser excelente, puede ser suficiente para Supergirl, teniendo en cuenta lo mucho que se ha peleado por esta película.

Os recuerdo que el objetivo de una proyección de prueba es averiguar qué funciona y qué no, por lo que DC Studios ahora puede averiguarlo, hacer los cambios necesarios y tal vez incluso remodelar partes de la película con nuevas tomas.

Supergirl, la nueva película de DC Studios que llegará a la gran pantalla, se estrenará en los cines de todo el mundo el próximo verano de la mano de Warner Bros. Pictures, y estará protagonizada por Milly Alcock en el doble papel de Supergirl/Kara Zor-El. Craig Gillespie dirige la película a partir de un guion de Ana Nogueira.

Cuando un adversario inesperado y despiadado ataca demasiado cerca de casa, Kara Zor-El, alias Supergirl, se une a regañadientes a un compañero inesperado en un épico viaje interestelar en busca de venganza y justicia. Alcock protagoniza la película junto a Matthias Schoenaerts, Eve Ridley, David Krumholtz, Emily Beecham y Jason Momoa.

 

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Un saludo y sed felices.