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Reseña de The Holy Roller. Una macarrada para reírse viendo a neonazis sangrar

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20 noviembre, 2025

Reseña de The Holy Roller. Una macarrada para reírse viendo a neonazis sangrar

Rick Remender es uno de los mejores guionistas de los últimos tiempos, sobre todo ahora que parece haber recuperado el pulso creativo tal y como podemos ver en la genial Los Sacrificadores. Por eso es una gran noticia que Norma haya publicado otra de sus creaciones, The Holy Roller, en la que el escritor comparte la labor de guionista con dos peculiares compañeros, el comediante Andy Samberg y el músico Joe Trohman. El dibujo corre a cargo de Roland Boschi con color de Moreno Dinisio. Vamos a ver en este artículo qué ha salido de esta curiosa mezcla de mentes creativas.

El resumen de la editorial es el siguiente: El exjugador profesional de bolos Levi Cohen se ve obligado a abandonar su trabajo soñado y regresar a su localidad natal para encargarse del cuidado de su padre, enfermo de cáncer. Allí, descubre muy pronto que su ciudad ha sido tomada por una banda de neonazis. Con la única ayuda de su colección de bolas para poder defenderse, Levi se convierte en Holy Roller, un superhéroe experto en bolear villanos que luchará para liberar su hogar de la garra de un complot fascista ¡y conseguir un pleno contra el crimen organizado!

Tras leer este resumen uno se queda con cara de… ¿pero buenooo, esto que eeessss? ¿Un superhéroe que usa bolas de bolos?¿Contra neonazis? En fin, la confianza de un servidor en Remender es casi infinita. Qué demonios, habrá que darle una oportunidad, pensé.

La idea original de la serie es de Joe Trohman guitarrista y cofundador del grupo musical Fall Out Boy, que también ha hecho sus pinitos en la animación y el cómic, con obras como Rifters y The Axe. Es él quien atrae al proyecto a los otros dos guionistas para sacar la obra adelante dentro del sello de Giant Generator, propiedad de Remender.

En cuanto a Andy Samberg, es conocido por ser el protagonista de la comedia Brooklyn Nine-Nine y por los videos virales que ha realizado para el Saturday Night Live. En ellos hace gala de un humor entre absurdo y surrealista que funciona muy bien, tomándose todo a broma para ofrecer una mirada a la vida en EEUU cargada de crítica. Y eso es lo que nos vamos a encontrar en el cómic que nos ocupa. Una crítica al auge del movimiento neonazi en EEUU que a, través del humor, desgrana lo absurdo de esta ideología en nuestros tiempos y los intereses económicos que tiene ocultos detrás.

Para ello nada mejor que enfrentar a los neonazis contra un héroe judío que tiene como único poder su habilidad jugando a los bolos (aparte de ser un exmarine). El guion no es nada del otro mundo y tira de todos los lugares comunes propios del género. El hombre que tiene que volver a una ciudad donde tiene enemigos que le desprecian desde su infancia, el amigo de la niñez que ahora es un genio tecnológico y le ayuda con su arsenal, el amor perdido que quiere recuperar, el padre enfermo o las reticencias de un héroe que al principio no quiere asumir su papel pero se verá obligado a hacerlo. Hemos visto todo esto mil veces, pero nunca desde un prisma tan surrealista como el que los guionistas nos presentan en esta historia.

Hay algún que otro intento de elevar un poco el tono de la historia a través de algunos giros de guion, pero el problema es que se ven venir de lejos y no tienen demasiado impacto. Así que lo principal es hacer que el lector se lo pase bien, se ría y se divierta, mientras ve como el protagonista machaca nazis, algo que siempre es bien. Y si ya de paso se puede leer entre líneas y ver el subtexto de la obra y su crítica social, pues mucho mejor. También es cierto que no hay que ser muy avispado, ya que el mensaje queda muy claro desde el principio.

Quien espere encontrar una sesuda crítica al auge de la extrema derecha, puede irse olvidando. The Holy Roller es principalmente una comedia absurda de la mano de Andy Samberg, con unos diálogos afilados y divertidos y un apilamiento de situaciones surrealistas que parecen sacadas de sus videos de SNL. Esa es la principal virtud y a la vez la principal pega de este cómic. Es necesario que el lector entre en el juego que los guionistas proponen, que tenga ganas de divertirse con sus ocurrencias y con sus idas de olla. Si no lo hace, la lectura se puede hacer un poco bola ya que es demasiado plana y sencilla, con unas metáforas de brocha gorda que solo funcionan desde el prisma cómico.

En cuanto al apartado artístico, Roland Boschi hace un buen trabajo, con un dibujo atractivo que brilla sobre todo en las escenas de acción. A veces puede resultar un poco “feísta”, pero ese tono queda como anillo al dedo en una historia macarra como esta. Además, el color de Moreno Dionisio sirve para dotar de mayor empaque a los lápices de su colega, así que nada que objetar en este sentido.

La edición de Norma recopila en un solo volumen de tapa blanda y sobrecubiertas los nuevos números de la edición original. Perfecto para poder disfrutar de toda la historia de una vez y en un solo libro. Incluye como extras una galería de portadas, las normales y las alternativas, además de un cuaderno de bocetos. También una breve biografía de los autores. El precio de venta es de 34,50 euros.

En resumen, The Holy Roller no deja de ser una macarrada, una broma entre amigos que necesita que el lector entre también en la broma para poder disfrutar de ella. En caso contrario, la lectura de esta historia se puede hacer pesada y aburrida a pesar de contener una buena dosis de crítica social y unos buenos diálogos. Así que ya lo sabéis, si queréis pasar un rato divertido viendo como machacan a unos nazis, esta es vuestra obra, si no, pues a otra cosa mariposa.

Análisis de It: Bienvenidos a Derry (It: Welcome to Derry). Temporada 1. Episodio 4

Rodolfo Del Bene

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20 noviembre, 2025

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Análisis de It: Bienvenidos a Derry (It: Welcome to Derry). Temporada 1. Episodio 4

Continuamos analizando It: Bienvenidos a Derry (It: Welcome to Derry), que expande el universo de Stephen King al hacer de precuela a su novela It y muy especialmente a las dos adaptaciones cinematográficas de Andy Muschietti, quien desarrolla la misma junto a su hermana Bárbara y a Jason Fuchs, también showrunner. Hoy, el cuarto episodio…

Bienvenidos nuevamente a Derry, hoy para analizar el cuarto episodio cuyo título (espantoso y kilométrico) es El Gran Mecanismo Giratorio del Funcionamiento de Nuestro Planeta y con el cual llegamos a mitad de temporada. Un capítulo de It: Bienvenidos a Derry que se permite otra vez llevarnos atrás en el tiempo, pero esta vez mucho más atrás, a la América precolombina y a los primeros colonos para contarnos un origen de It que no había sido hasta ahora abordado en ninguna adaptación, pero que se condice en gran medida con el que se cuenta en la novela.

Pasemos pues a ver qué nos ha dejado el episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Fotos de Nada

Tras la disparatada escena de cementerio del episodio anterior, los niños, felices de tener finalmente fotografías que demuestran lo que vieron, se las llevan al jefe de policía Bowers con la esperanza de convencerle. Sorpresa: al chequear este las imágenes, no hay ningún espectro y solo en una se ve la silueta del payaso que Will lograra fotografiar en la cripta…

Todo el esfuerzo ha sido inútil: Bowers y los suyos se ríen de las imágenes en las que solo ven lápidas o excrementos de paloma y toman por estatua al supuesto payaso. Los niños no salen de su asombro y Lilly estalla, lo cual lleva a Bowers a advertirle que volverá a Juniper Hills si persiste con sus locuras y al resto que dejen de merodear por cementerios en la noche. Ojo, que más allá de que lo diga él, el segundo no es mal consejo…

Pez Payaso

Charlotte ha descubierto las fotos en la habitación de Will y ello lleva a este a tener que contarle sobre los acontecimientos del cementerio, pero teme hablar al respecto con su padre por temor a un eventual castigo, habida cuenta de que estuvo allí en plena noche y sin autorización. Su madre dice que, para conectar, padre e hijo deberían compartir más tiempo juntos…

Leroy, en efecto, lleva a Will al río para enseñarle a pescar con mosca, pero como esta es una serie en la cual todos hacen tonterías, lo deja por un momento solo para ir al auto en busca de más carnada. Como si en la zona no hubiera ocurrido absolutamente nada con niños en el último tiempo…

Un pez de colores vistosos se acerca entonces a Will y cuando se inclina para verlo mejor, del agua emerge un brazo quemado que lo jala hacia abajo. Mientras patalea inútilmente por liberarse, ve en el atacante a su propio padre, solo que en llamas y con los ojos encendidos.

Por suerte y alertado por los gritos, el verdadero Leroy acude en su ayuda y logra, a duras penas, evitar que su hijo muera ahogado, aunque no ve en ningún momento al agresor. Un conmocionado Will le dice a su padre que fue atacado por alguien que tenía su rostro y, obviamente, Leroy cree que su hijo delira, pero la expresión le cambia por completo cuando ve marcas de arañazos en sus brazos y un globo rojo flotando entre los árboles a la vera del río…

Black Spot

Charlotte insiste en su lucha contra las injusticias y así como en su momento decidiera intervenir en auxilio de aquel niño al que golpeaban salvajemente, está ahora convencida de que Hank está en la cárcel solo por ser negro. Pero hay algo que no cierra en el testimonio de este, pues si bien es cierto que no estaba en el cine la noche de la masacre, también lo es que no estuvo en casa como manifestara en su declaración. Charlotte quiere ir a verle, por más que a su esposo no le guste que ande haciendo las veces de abogada o hurgando donde no debe.

Por cierto, Leroy y sus amigos afroamericanos han recibido de los militares un antiguo almacén abandonado que esperan poner en condiciones para convertirlo en bar o restaurante. Todo indica que se trata del futuro Black Spot, del cual sabemos por la novela de King (e incluso por alguna breve mención en las películas de Muschietti) que acabará incendiado por una secta racista.

En privado, Leroy le cuenta a Hallorann de las visiones de su hijo con la esperanza de que le dé alguna pista al respecto, pero este dice no saber nada más allá del hecho innegable de que en la zona hay una presencia maligna que desconoce y a la cual sería quizás conveniente dejar en paz…

En la seccional de policía, Charlotte solicita hablar con el detenido, petición que Bowers le niega por no ser abogada ni familiar, pero cuando ella hace referencia a lo ilegal de las circunstancias de la detención, se ve acorralado y acaba por permitírselo.

Una vez con Hank, ella le asegura que saldrá en poco tiempo debido a las irregularidades del proceso, pero que es necesario que cuente la verdad de lo ocurrido aquella noche, particularmente en dónde estaba. Él se niega a dar una respuesta y su rostro nervioso evidencia que teme a las consecuencias, lo que lleva a Charlotte a preguntarle qué puede ser peor que el crimen que se le endilga.

Finalmente, Hank se quiebra y le dice que esa noche estuvo con una mujer blanca y casada. Que lo acusen de ser un asesino de niños puede hacer que termine en Shawshank para siempre, pero confesar algo como eso significaría que simplemente lo cuelguen del árbol más cercano…

Ojos de Caracol

Lilly ha regresado al colegio y, obviamente, se convierte en centro de todas las miradas. Marge la aborda con la aparente intención de recomenzar la relación desde cero y, para confirmarle su amistad, la pone al tanto de que Tim, uno de los estudiantes más guapos del instituto, gusta de ella.

Lilly, obviamente, se emociona, pero desconoce que todo es una trampa en modo Carrie: las líderes de grupo quieren jugarle una broma pesada y que se acerque a Tim para que este la ponga en ridículo ante todo el colegio. Desde luego que Marge es parte, pero la culpa la lleva a ir al baño en busca de Lilly para decirle la verdad…

No llega a hacerlo. Mientras Lilly se halla en uno de los retretes y ella intenta sincerarse, se le hinchan horriblemente los ojos y se extienden hacia afuera como si fuesen los de un caracol semejante a los que ese mismo día viera durante la clase de biología…

Desesperada, corre hacia el taller de carpintería e intenta amputárselos con un cortador. Lilly llega a tiempo para quitarle el instrumento e impedírselo, pero no consigue evitar que, en segundo intento, se los acabe cercenando con una sierra sinfín.

Rendida, Marge cae al piso y cuando el resto de los jóvenes llegan al lugar para ver el motivo de tanto alboroto, no solo la ven sangrar por los ojos sino además, y encima de ella, a Lilly sosteniendo el cortador mientras jura angustiadamente no haber hecho nada…

Paranoia

En negra humorada que hace analogía con la escena anterior, Charlotte se halla en la cocina cortando vegetales cuando es abordada por Leroy, a quien le ha llegado la noticia de su visita a la comisaría. Intenta disuadirla de su insistencia en involucrarse pues cualquier cosa podría ser usada en contra de ellos, además de recordarle un pasado aparentemente militante que la hizo alguna vez ser arrestada. Sonriendo y de modo críptico, Charlotte le dice que no se preocupe por ella, aunque no manifiesta claramente que vaya a dejar el asunto de Hank…

En la noche, Will no puede dormir (no es para menos) y se pone a ver por la ventana con su telescopio. Da un respingo de terror y comienza a gritar al distinguir fuera de la casa al payaso de la cripta, lo que hace a su padre entrar presurosamente en la habitación. Puesto al tanto por el niño de lo que este ha visto, sale a la calle, pero no ve a nadie y se queda vociferando que no molesten a su familia. Está claro que, en su paranoia, cree que lo que está sucediendo está relacionado con el racismo, las investigaciones de su esposa o aquellos enmascarados que quisieron amedrentarle.

El “Galloo”

En cercanías de la base, hay indígenas manifestando y los militares se preguntan qué buscan o por qué les molestan tanto las excavaciones. Taniel, de hecho, es arrestado y sometido a interrogatorio, pero nada dice al respecto…

Recurren entonces a Hallorann para que use el “resplandor” con él. Así, este puede entrar en su mente y trasladarse a su niñez, cuando le repetía a su tía Rose la historia del “galloo”, nombre dado por los aborígenes a la criatura caída del cielo millones de años atrás, antes incluso de que la humanidad pisase el planeta.

Fueron justamente los pueblos nativos quienes, por accidente, descubrieron su presencia y, desde ese momento, respetaron su coto de caza en el bosque occidental. Hasta que llegaron los colonos blancos que, como sabemos, siempre crean problemas. Estos entraron sin miramientos ni cuidado alguno en dicho bosque y ello provocó no solo que fueran masacrados sino que el ambiente del galloo ya no le contuviera.

Para poder pues limitar su accionar, recurrieron a trozos del mismo meteorito que lo había traído, el cual en realidad era una especie de prisión que lo contenía. En efecto, y tras descubrir que una daga hecha con material del mismo le mantenía a raya, tres valientes muchachas ingresaron al bosque para buscar más fragmentos, teniendo incluso que enfrentarse a la criatura bajo el aspecto de un sacerdote blanco venido con aquellos colonos masacrados.

Con las piezas obtenidas, se hicieron “pilares” que, enterrados, demarcaron un perímetro para dejar a la criatura confinada y que no pudiera salir de allí. Pero, claro, la acción actual de los grupos militares pone en peligro los mismos y podría, por consecuencia, desatar un infierno en la Tierra: la bíblica liberación de la bestia en su versión más literal…

Luego de la traumática y dolorosa experiencia, Taniel regresa al presente y al calabozo en que lo mantienen detenido mientras Halorann sonríe porque ya ha obtenido la información requerida…

Balance del Episodio

Esta entrega me ha gustado bastante más que la anterior. Ya sé que no es decir mucho y que la serie sigue mostrando problemas, pero hemos avanzado algo y sobre todo en la trama de los adultos, ya que la de los niños parece estancada en el eterno “loop” de querer mostrarnos un terror cada vez mayor que el anterior, cuando la realidad es que solo nos muestran uno cada vez más desagradable: la escena de Marge y los “ojos de caracol” es la mejor prueba.

Es que no hay por donde tomar el hecho de que, después de tanto hecho escabroso, los niños sigan moviéndose a su antojo por todo Derry sin la mirada y supervisión de los adultos. Hay, de hecho, una escena que deliberadamente no he mencionado en la reseña porque la reservé para este balance, que es cuando Lilly, Ronnie, Will y Rich se reúnen en el gimnasio para acordar los pasos a seguir tras el fracaso de las fotos.

Cuando se preguntan por qué simplemente It no los mató en el cementerio, llegan a la conclusión de se alimenta de su miedo: aterrarlos es su forma de prepararlos y sazonarlos para acabar devorándolos. Incluso recurren para combatir el miedo a unas píldoras que Lilly sustrajo a su madre y que parecen diazepam o algo semejante…

Allí tenemos dos problemas: por un lado, la conclusión a la que llegan es la misma a la que arribara el “club de los perdedores” en It (2017), es decir que es un reciclaje que no aporta nada nuevo; por otro, se contradice con la forma en que It atacó a los niños en el cine, donde aparentemente no se tomó mucho tiempo para sazonar nada. Hasta aquí vemos pues que la criatura a veces asusta y otras mata, sin quedar claro el porqué de ese dualismo en su personalidad…

Lo de la trampa estilo Carrie para ilusionar a Lilly y hacerla pasar el ridículo rinde claro tributo a King pero, a diferencia de aquella icónica historia plasmada en su primera novela y llevada al cine luego por Brian De Palma, no conduce a nada. En Carrie, el escarnio y la humillación en público eran no solo el prólogo a lo que se venía, sino también su causa. En este caso, el que Lilly acabe sorprendida como aparente autora del ataque contra Marge no guarda relación alguna con el plan urdido por las líderes y lo vuelve, por el contrario, inútil y superfluo dentro del guion.

No sabemos qué pasará ahora con Lilly, pero solo espero que si vuelve a Juniper Hills, sirva al menos para mostrarnos algo de lo que hace tan temido el nombre de ese sitio en lugar de presentárnoslo casi como una colonia de vacaciones, tal cual viéramos en el episodio anterior. Y también, por supuesto, para darle algo más de protagonismo a Madeleine Stowe, a quien hasta ahora apenas hemos visto en sendas pero breves escenas de estos dos últimos capítulos.

Pero insisto en que lo más importante vino del lado de los adultos y tanto Chris Chalk como Taylour Paige o Jovan Adepo han entregado, en ese sentido, soberbias actuaciones en este episodio: el elenco afroamericano se está luciendo y más ahora que la trama adulta se ha puesto más atrapante. Más aún: por primera vez he oído en la serie algunos diálogos interesantes.

El impacto mayor, no obstante, se lo lleva sin dudas ese “flashback” (en realidad no lo fue) que ocupa los quince minutos finales del episodio y que, más que hacer de tráiler a las próximas temporadas, nos retrotrae en cambio al origen de It, ese que se menciona en la novela y que nunca fue llevado a la pantalla, pues allí, precisamente, la criatura tenía un origen extraterrestre e incluso extradimensional, al cual se le ha buscado aquí un interesante giro al unirlo con tradiciones y leyendas de los aborígenes americanos.

Sorprende, de todos modos, que hayan pasado de no contarnos nada a contárnoslo todo, pues dábamos por sentado (yo por lo menos lo hacía) que conoceríamos el origen de It recién al finalizar las tres temporadas pautadas. Pero de pronto ya sabemos todo y cabe preguntarse cómo harán para sostener el interés y el suspenso de aquí en más, sobre todo teniendo en cuenta que apenas hemos llegado a mitad de la primera temporada y el enigma del origen ya está resuelto en su casi totalidad.

Otra cuestión a propósito de la trama aborigen es que quizás se parezca demasiado al planteo de Depredador: La Presa (2022, aquí la crítica de quien suscribe), donde nos ponían al tanto de que el cazador del espacio ya había llegado a la Tierra mucho antes, siendo en esa ocasión vencido por una muchacha guerrera nativa, exactamente igual que aquí. Y lo de los “objetos mágicos”, es decir los fragmentos del meteorito-prisión en el cual It llegó a la Tierra, me hace también chirriar un poco por tener muy poco que ver con el espíritu original de la novela.

En definitiva, un episodio mejor que el anterior, pero que sigue mostrando las falencias de la serie en más de un aspecto. Sorprendente, eso sí, desde lo visual, especialmente por la fotografía y ambientación del “flashback indígena” que constituyó prácticamente un episodio dentro de otro, aunque no tanto por los efectos visuales que siguen haciendo aguas.

La escena de Marge, por ejemplo, en su pretendido horror físico, acabó estando más cerca de La Máscara (1994) que de las películas de Sam Raimi o David Cronenberg a las que probablemente haya pretendido homenajear. Y lo del sacerdote blanco dando paso a la criatura se vio tan fuera de foco como los fantasmas del cementerio. Muy impactante, en cambio, la imagen del alce, además de cercana a las leyendas aborígenes americanas.

Por último, destacar algunos guiños muy caros al público cinéfilo. La escena en que Will ve a Pennywise desde la ventana de su habitación es imposible de no relacionar con aquella tan icónica de La Noche del Cazador (1955, aquí retro-análisis de un servidor) e incluso con La Ventana Indiscreta (1954), filme por demás emblemático del inmortal Alfred Hitchcock, que de suspenso y terror sabía algo…

En el balance, hemos avanzado algo y superado en parte el terrible bache del tercer episodio. A ver ahora cómo sigue. Les espero para analizar el quinto, con el cual ingresaremos ya en la segunda mitad de temporada.

Hasta entonces y sean felices…

Reseña de La Casa de Huéspedes: Un viaje introspectivo a través de la memoria y la identidad

Libros

Jason Mauri

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20 noviembre, 2025

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Reseña de La Casa de Huéspedes: Un viaje introspectivo a través de la memoria y la identidad

Ana Lena Rivera reinterpreta la Guerra Civil Española, entrelazando dolor y resiliencia en una narrativa que desafía el olvido y reivindica las voces de las mujeres

En La casa de huéspedes, Ana Lena Rivera construye un edificio narrativo cuya arquitectura se sustenta en un doble pilar: memoria e identidad. La novela se adentra en la Guerra Civil española y sus secuelas no para revisitar acontecimientos históricos ampliamente estudiados sino para arrojar luz sobre los espacios íntimos donde la Historia, con H mayúscula se filtra y cambia los destinos individuales. Rivera aborda este territorio con la mirada casi arqueológica de alguien que descubre los silencios familiares, las capas superpuestas de dolor, culpa y supervivencia que reflejan el legado emocional de múltiples generaciones.

El espacio central es una casa de huéspedes, un microcosmos del país dividido. La devastación parcial causada por la bomba es más que un giro dramático de la trama, simboliza el declive moral y social que recorre toda la novela.

De los escombros surge la acción que constituye el núcleo de la trama: Ángela rescata al niño, un gesto que se mueve ambiguamente entre la compasión y la desesperada necesidad de encontrarle sentido al caos. Rivera le da al edificio una atmósfera casi orgánica: respira, se agrieta, envejece. Allí conviven clases sociales, expectativas de vida y contradicciones morales, como en un agujero humano, donde en cada habitación se escuchan los ecos, los susurros de lo que el tiempo quiere borrar.

El equipo de personajes (especialmente las mujeres que apoyan la historia) está construido con una clara profundidad psicológica. Elvira y Ángela, personajes de orígenes opuestos pero unidos por el destino, muestran dos formas de afrontar el desastre. El primero simboliza el punto de inflexión del exilio, el sentimiento de alienación incluso frente al propio pasado; el segundo es un intento de reescribir la identidad a través del secreto, teniendo en cuenta la dimensión ética de la maternidad. Estas mujeres son más que simples herramientas para contar historias.

Rivera aporta humanidad, contradicciones y una voz que a veces oscila en líneas poéticas de melancolía reprimida. En resumen, son supervivientes que intentan recuperar su agencia en un país que también quiere recuperarse a sí mismo.

Desde un punto de vista formal, la novela recurre a la fragmentación polifónica y temporal, imitando el mecanismo de la memoria. Su desarrollo no es lineal sino espiral, repite sus pasos, reconstruyendo un mosaico cuyo significado sólo se revela cuando todos los elementos encajan. Esta estrategia, común en las recreaciones históricas contemporáneas, tiene aquí una resonancia particular porque se trata de una historia en la que la identidad es un tejido que se desgarra y se reconstruye.

La autora ha logrado equilibrar hábilmente los documentos históricos y la ficción. A diferencia de obras excesivamente didácticas, Rivera no abruma la trama con datos; Los conecta como corrientes subyacentes que dan autenticidad al paisaje social. Uno de los mayores logros de la novela es su exploración de la maternidad no como un concepto idealizado sino como un espacio de conflicto. La apropiación del niño es el acto inicial que revela una cuestión moral que atraviesa generaciones: ¿Hasta qué punto los secretos pueden sostener a una familia? ¿Dónde está la línea entre el instinto protector y la apropiación? El siguiente eje temático es el sentimiento de culpa entendido en un sentido existencial.

Los héroes cuyos pecados no se mencionan se transmiten como un legado invisible. Rivera trabaja aquí dentro de la tradición de la narración de posguerra, en la que el trauma no se representa, sino que se filtra a través de gestos, vacilaciones y silencios cotidianos, casi como un héroe más.

En esencia, La casa de huéspedes es una novela de protesta: luchar contra la memoria contra el olvido, luchar contra las voces de las mujeres contra la marginación histórica, luchar contra la identidad contra las fuerzas que intentan borrarla. Su mayor fortaleza es su capacidad para combinar la sensibilidad literaria con el rigor histórico y emocional con la construcción intelectual de Rivera. Algunos capítulos pueden ser densos y requerir una profunda participación del lector; Pero es esta densidad la que permite que la obra vaya más allá de la mera recreación histórica y avance hacia un territorio más amplio: una novela que cuestiona los fundamentos de la existencia humana.

Sólida académica y literariamente, La casa de huéspedes es una contribución significativa a la narración española contemporánea, explorando la Guerra Civil desde una perspectiva personal y generacional. Esta obra hace más que contar una historia: la explora, la examina y se la devuelve al lector con una amplia responsabilidad moral y emocional.

Ficha técnica

Editorial: Grijalbo

Colección: Grijalbo Narrativa

Idioma: Castellano

Número de páginas: 544

Encuadernación: Tapa dura

Fecha de lanzamiento: 09/09/2025

Año de edición: 2025

ISBN: 9788425365133

Reseña de Tomcat: Una biografía de altura y motores. Publicado por Norma Editorial.

DAve Solis

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19 noviembre, 2025

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Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tengo el placer de compartir con vosotros la reseña de Tomcat, una obra publicada por Norma Editorial que aterrizó como uno de los lanzamientos más esperados por los amantes del cómic europeo y la aviación.

Tomcat: una biografía de altura y motores

La novela gráfica Tomcat, escrita por Anastasia Heinzl y dibujada por Romain Hugault, se convierte en una lectura indispensable para cualquier fan de la aviación, la historia y la igualdad de género.

Este cómic narra la vida de Kara Hultgreen, la primera mujer piloto de cazas F-14 Tomcat en la Armada estadounidense, y lo hace combinando el rigor histórico con la espectacularidad visual que caracteriza a Hugault, maestro del dibujo aeronáutico.

Un vuelo que desafió límites

El relato arranca el 25 de octubre de 1994, cuando el F-14 pilotado por Kara Hultgreen intenta aterrizar en el Portaviones Abraham Lincoln y, por un fallo de reactor, se estrella en el mar, fuera de control.

Pero Tomcat es mucho más que el accidente: es la crónica de una vida dedicada a romper barreras, a superar el techo de cristal en un mundo tan masculino y exigente como el de la aeronáutica militar.

Kara Hultgreen se convierte, gracias a esta novela gráfica, en símbolo de la perseverancia y la lucha por la igualdad.

Norma Editorial y su apuesta por lo legendario

Norma Editorial publica Tomcat en formato cartoné, que cuenta con un tamaño de 23,5 x 31,5 cm y 72 páginas en color, haciendo justicia al apartado visual que tan bien maneja Hugault y permitiendo que el lector se sienta en la cabina de uno de los aviones de combate más famosos del siglo XX.

El cómic se sostiene en una documentación meticulosa, tanto en la recreación de las escenas de vuelo como en el contexto histórico y militar de los años noventa.

La obra pertenece al género de aviación y biografía, y se recomienda para lectores que disfrutan tanto del cómic moderno como del clásico europeo. La calidad del papel y la impresión potencian el detalle del dibujo, un aspecto clave en los trabajos de Hugault.

Pinchad AQUÍ para obtener más información desde la web de Norma Editorial.

Narrativa y dibujo: dos motores para el lector

Romain Hugault pone su experiencia y pasión por la aviación al servicio del guion de Heinzl, regalándonos viñetas llenas de movimiento, con un tratamiento casi fotográfico de los aviones, portaviones y paisajes.

El color resalta el dramatismo de la historia y lleva al lector a empatizar con Kara Hultgreen, cuya determinación se convierte en el verdadero hilo conductor de la obra.

Heinzl construye una biografía equilibrada, sin caer en el morbo del accidente, sino elevando el valor humano y profesional de su protagonista.

Quiero hacer un pequeño inciso para invitarte a echar un vistazo a todas nuestras reseñas sobre cómics AQUÍ.

Más que aviones: una historia de igualdad y sacrificio

Tomcat no es solo un cómic sobre cazas supersónicos y maniobras imposibles. Es la historia de una mujer que se negó a aceptar el papel secundario y marcó una senda para futuras generaciones.

A través de las páginas, vemos a Kara enfrentarse al escepticismo de sus compañeros, a la dureza de la formación, a la exigencia de la misión y al precio de romper moldes.

La biografía gráfica se convierte así en un homenaje a todas las pioneras y, por extensión, a la gente que lucha por sus sueños sin importar el contexto.

Conclusión: una lectura que despega desde la emoción

Tomcat es, en definitiva, una joya dentro del catálogo actual del cómic europeo. Su capacidad para enganchar al lector desde la primera página, su potencia visual y el mensaje inspirador de superación convierten este título en una de las obras necesarias para comprender la evolución del papel de la mujer en el ámbito militar y en la cultura popular.

Roman Hugault y Anastasia Heinzl han construido una biografía gráfica que, como Kara Hultgreen, desafía el «status quo» y vuela más allá de lo convencional.

¿Te gustan los cómics de aviación, las historias humanas y los relatos de superación?

¿Te llama la atención un apartado gráfico imponente?

¿Quieres leer una buena historia?

Entonces Tomcat tiene reservado un asiento para ti en la cabina. Prepárate para despegar.

Pero sobre todo … Sobre todo me gustaría que te prepararas realmente para …

¡Ser totalmente Feliz!

Skybound e Image Comics lanzan la miniserie Monstruos de Universal: El Fantasma de la Ópera

Jason Mauri

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19 noviembre, 2025

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Skybound e Image Comics lanzan la miniserie Monstruos de Universal: El Fantasma de la Ópera

La nueva interpretación de Tyler Boss y Martin Simmonds promete sumergir a los lectores en una aterradora historia ambientada en la icónica Ópera de París

Skybound Entertainment e Image Comics, en colaboración con Universal Products & experiences, anunciaron el 17 de noviembre el cómic de Universal Monsters: The Phantom of the Opera (Monstruos de Universal: El fantasma de la Ópera), una nueva miniserie de cómics compuesta por cuatro números, creada por el aclamado equipo de Tyler Boss (You’ll Do Bad Things) y Martin Simmonds (Monstruos de Universal: Drácula, Departamento de la verdad). Esta fascinante reinvención de El fantasma de la ópera sumergirá a los lectores en la famosa ópera en febrero de 2026. Bajo el espléndido candelabro, la música vuelve a cobrar vida. Tyler ¡Boss y Martin Simmonds ofrecen una nueva y aterradora perspectiva sobre la historia que pensabas conocer!

Tyler Boss comentó: «Lo que distingue a El Fantasma de la Ópera de otros monstruos de Universal es que es la única historia de fantasmas dentro de la colección. Con el inquietante ambiente de la Ópera de París y la inminente producción de Fausto, no podía imaginar un colaborador más adecuado que Martin Simmonds para dar vida a esta historia».

Por su parte, Martin Simmonds expresó su entusiasmo al regresar al mundo de Universal Monsters: “Estoy emocionado de volver a El Fantasma de la Ópera, esta vez trabajando con Tyler Boss. No hay mejor escenario para nuestra inquietante historia sobrenatural que la magnífica arquitectura de la Ópera de París y las calles del París de principios del siglo XX”.

La carrera de la joven soprano Christine se ve amenazada tras una serie de crímenes violentos en la Ópera de París. Sin embargo, el espectáculo debe continuar, y Christine se dará cuenta de que nadie, ni siquiera la misteriosa voz que susurra desde el balcón, parece estar presente. Cuando un viejo amigo regresa para investigar estos ataques, Christine descubrirá su conexión con la verdad y con el hombre conocido como… el Fantasma de la Ópera.

El Fantasma de la Ópera encantará tanto a nuevos como a viejos aficionados con su desarrollo sin precedentes que se avecina. Diggs López, editor en jefe de Skybound, declaró: “Tyler Boss y Martin Simmonds han creado una historia aterradora en su exploración de El Fantasma de la Ópera, repleta de crueldad, tensión y todos los elementos propios de una pesadilla operística. Es emocionante ver cómo estos dos narradores reinterpretan una historia que los fans aún no han experimentado de esta manera, pero que seguramente les entusiasmará”.

La colaboración entre Skybound y Universal Products & Experiences marca otro hito en una relación que abarca casi una década, incluyendo películas, videojuegos y ahora cómics. Monstruos de Universal: El Fantasma de la Ópera es la sexta entrega de la serie Universal Monsters, después de Drácula de James Tynion IV y Martin Simmonds, que recibió una nominación al Premio Eisner al Mejor Ilustrador/Artista Multimedia; Monstruos de Universal ¡El Monstruo de la Laguna Negra Vive! de Ram V, Dan Waters y Matthew Roberts; Frankenstein de Michael Walsh; La Momia de Faith Erin Hicks; y El Hombre Invisible de James Tynion IV y Danny.

Después de El Fantasma de la Ópera, se lanzará una nueva serie limitada de Universal Monsters, que reunirá a los nombres más destacados del cómic con los monstruos más emblemáticos de la cultura pop dentro de la línea de cómics de terror más exitosa en la actualidad.

Seguramente, no tardaremos en ver en España de la mano de la editorial Moztros estas nuevas obras publicadas en Estados Unidos por Skybound Entertainment y Image Comics en colaboración con Universal Products & experiences.

«No tenéis ni p*** idea» (Prime video): Luis Enrique, referente vital

Raúl Sánchez

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19 noviembre, 2025

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«No tenéis ni p*** idea» (Prime video): Luis Enrique, referente vital

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Cómo nos gusta el fútbol, estimado pueblo. Y mira que sabemos que quienes organizan el cotarro deben estar entre las organizaciones más corruptas, casposas e impresentables del mundo, que ya es decir. Es buscar cinco minutos sobre la FIFA, sobre la UEFA, sobre la Federación Española de Fútbol o el Comité Técnico de Árbitros español y es descender a los abismos de la locura y el asco. Si algo vale la pena de este podrido mundillo es precisamente por personajes como Luis Enrique. Luis Enrique entrenador, ojo.

Gracias al documental «No tenéis ni p*** idea» que ahora está en Prime Video es fácil entender el porqué. En resumen, el documental trata del día a día de Luis Enrique, entrenador del París Saint Germain, club regado por montañas de dinero a fondo perdido por Catar. El París Saint Germain gana las ligas francesas como si nada, pero las montañas de dinero son para competir y ganar la competición de las competiciones de clubs: la Liga de Campeones. El documental se centra en sus rutinas diarias, en sus charlas con los jugadores y equipo técnico, en los partidos decisivos en Liga de Campeones y en su forma de ver las cosas al respecto de su hija, fallecida siendo muy pequeña. Y, claro, su relación con la prensa.

Si en algo es fascinante Luis Enrique, por lo que entra por los ojos, es por su tratamiento a la prensa. Hay vídeos y vídeos de contestaciones cortantes al reporterismo que suele hacer preguntas en las ruedas de prensa. Todo el documental está impregnado de la razón del porqué hace esto, hasta el punto que el título del documental, «No tenéis ni p*** idea», se le ocurre en la mitad del documental mientras habla del periodismo deportivo, proponiendo que el debería tener dicho título. De forma clara y nítida, Luis Enrique habla de intereses contrarios. Por una parte, él como entrenador quiere a sus jugadores, cuerpo técnico, directivos y demás trabajando en grupo, en sintonía, con los mínimos conflictos posibles. Por otro lado, el reporterismo tiene por principal objetivo conseguir arrancar de cada rueda de prensa una declaración escandalosa, polémica o chocante para poder llevarla a la portada de su periódico o traspasarla al grupo de personas que menos se merecen su sueldo: los tertulianos deportivos. Polémicas y campañitas que pueden desestabilizar a jugadores, entrenadores o directivos. La evolución en los últimos 20 años ha sido de cerrar informátivamente los clubs de tal modo que el mensaje y el relato se controla desde los mismos, entendiendo que los llamados medios de comunicación son empresas que tienen sus propios intereses y agenda, que pueden ser favorables a informar o guardar silencio en función de sus propios intereses económicos y políticos. En realidad el grueso de rumores y exclusivas son filtraciones autorizadas por los propios clubs, ya que desde hace demasiado nadie investiga nada.

Ante esto tenemos varias escuelas a la hora de afrontar la pantomima que llevan siendo desde hace demasiado las ruedas de prensa. La más normal, que es la de soltar respuestas aburridas, repetitivas y casi intercambiables (escuela Ancelotti). La menos normal, que es tomarse la pantomima en serio, perder los papeles y, en definitiva, o no haber entendido qué es una rueda de prensa o dejarse llevar por la ansiedad y los nervios (escuela Xavi Hernández). Luego hay quienes, como Guardiola, Simeone o Mourinho, saben de qué va esto, les va la marcha y son tan inteligentes que usan la propia jauría de tertulianos para el mensaje que ellos quieren transmitir. Y, al final, está Luis Enrique, que tampoco se engaña respecto a lo que hay pero renuncia a dar ningún mensaje, no soporta la pantomima y abiertamente es hostil a gente que, en verdad, no son más que una complicación a su trabajo. Una que utilizada como Guardiola o Mourinho puede remar a tu favor, pero complicación de base. Luis Enrique es el auténtico entrenador punk que señala la absurdez de tantas preguntas absurdas, las mil trampas que ponen para luego generar polémica, se niega a responder a preguntas bobas o directamente se ríe de los apellidos de un reportero. Ni más ni menos lo que hacen los comentaristas y tertulianos deportivos, con sus chistecitos con apellidos extranjeros, su nula autocrítica o su corportarismo feroz como alguien ose meterse con un periodista que mienta o manipule. Luis Enrique es su espejo, y no les gusta. Claro. El espejo refleja que mañana desaparecen las ruedas de prensa obligatorias en toda competición y realmente no estaríamos peor informados ni se perdería nada más allá del pan de sujetos que viven de, vamos a decirlo, inventarse conflictos o ser cadenas de transmisión de agentes, clubs o diversos intereses económicos.

En el propio documental habla de este conflicto de intereses o del pesimismo crónico de los periodistas españoles, obsesionados siempre con el peor escenario posible a la hora de preguntar. Luis Enrique llega a decir que se bajaría el sueldo gustoso si no tuviera que volver a dar ruedas de prensa. Aquí la pregunta que nunca he oído es si este pensamiento está muy extendido, y desde aquí intuimos que sí. Y no es miedo a la libertad de prensa, el derecho a la información y demás excusas de los asistentes a las ruedas de prensa. Es consciencia del conflicto de intereses real del que nunca nunca nunca hablan. Pero que todos en el mundillo conocen y actúan en consecuencia. Es decir, una de las cosas en las que se forman a los canteranos de muchísimos clubs desde hace mucho es precisamente en contestaciones a preguntas de la prensa, gestión de las redes sociales y comunicación.

Después del tema correveidiles tenemos la propia filosofía futbolística de Luis Enrique. El protagonista es el ejemplo de filosofía moderna de fútbol de la segunda década del siglo XXI: obsesión en detalles técnicos, uso intensivo de los datos, minuciosidad técnica, hipercontrol de los movimientos de los jugadores, liderazgo y protagonismo respecto a los jugadores. Viendo a los equipos de Luis Enrique está claro que es más cercano a Jurgen Klopp que a su mayor opuesto: Del Bosque (autogestión de los jugadores, nulidad de trabajo táctico, foco en la gestión de las jerarquías y estados de ánimo, libertad total de los jugadores en ataque, filosofía de juego defensiva). Como persona inteligente y mentalmente positiva que es, habla maravillas de su mejor jugador, Mbappé, pero deja perlitas sobre cómo lo que le gustaría es casi tener a robots a los que va dando indicaciones en tiempo real. Vaya, que le gustaría que el fútbol real fuera el videojuego FIFA. Así, queda patente algo que le emparenta con Guardiola o Thomas Tuchel: es un obseso del control absoluto, del miedo al caos y a lo que no controla…que es lo opuesto a Ancelotti o Zidane, entrenadores que se sienten bien en la indefinición. Hace poco se ha dado cuenta que en ataque es necesario dar algo de libertad para evitar la predecibilidad de los mismos, pero la base es la que es.

El documental de Luis Enrique es fantástico para entender la mentalidad de deportista de élite. La exhibe durante todo el documental. A saber: confianza en la victoria pero no darla por supuesta, ni una derrota ni una victoria pueden trastocar mucho emocionalmente para poder seguir compitiendo, plena confianza en sus posibilidades, positivismo de lo que se tiene, confianza en el futuro y, en definitiva, energía a raudales. Es complicadísimo mantenerse así siempre y desde luego es un pack mental muy complicado de tener y aún más de mantener. De ahí que, claro, los deportistas de élite son sujetos psicológicamente extraños, que bordean el trastorno maníaco con más frecuencia que la población normal. En el caso de Luis Enrique literalmente tenemos a alguien que no puede estar mucho tiempo sentado, cuidado. Y que desborda energía, positivismo y confianza. Ninguna duda que es un ser abrasivo y cargante pero tampoco que en el ámbito de auténticos niñatos que es el mundillo de los futbolistas muy probablemente sea lo necesario. A sus excelentes resultados nos remitimos, incluída su etapa en la selección española de fútbol. Quien siga pensando que lo hizo mal que mire la plantilla que tenía, compare con las de otras selecciones de la Eurocopa a la que fue y piense cómo narices consiguió llegar a semifinales. Y, además, rompiendo el tabú del tiqui-taca como religión, cosa que aprovechó después De la Fuente.

Quizás lo más compartido del documental es la parte en la que intenta convencer a Mbappé de que tiene que defender como lo hacía Jordan con sus Bulls. Siempre con la idea de que el muchacho no defiende, que la culpa de que el PSG no ganara la Liga de Campeones era suya y demás. En realidad el PSG ganó al año siguiente la Liga de Campeones dejándose otro pastizal en excelentes futbolistas, no es que fuera quitar a Mbappé y listo. Pero esa parte habla mucho de Luis Enrique como alguien que transmite a su mejor jugador que tiene que defender y bajar al barro como el que más. Trata a los jugadores como si él fuera el entrenador, es decir, su jefe. Es algo que hasta hace dos días era durísimamente críticado por nuestra tertulianada deportiva: que si se mata al jugador, que si el fútbol es poesía y no una fábrica, etc. En el mundo real el PSG de Luis Enrique dió el año pasado, en el que ganó la Liga de Campeones, un espectáculo impresionante, con una de las mayores exhibiciones que yo he visto en una final contra un equipazo como el Inter de Milán.

En definitiva, documental totalmente necesario para todo futbolero, aficionado al fútbol o, en general, curiosos sobre gestión de grupos humanos. Incluso por los que simpatizamos por todo sujeto valiente, punk o simplemente que no pide perdón por ser optimista. No mencionamos aquí la parte de la hija por ser, honestamente y por mucho que Luis Enrique siga aplicando su optimismo a prueba de bomba, durísima para todo el que sea padre.

Sed felices.

Dynamite Entertainment y Universal Distribution unen fuerzas

Jason Mauri

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18 noviembre, 2025

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Dynamite Entertainment y Universal Distribution unen fuerzas

El nuevo acuerdo no exclusivo permitirá una mayor diversidad de productos en Estados Unidos y Canadá, consolidando la estrategia de ambas compañías en la industria del entretenimiento

Dynamite Entertainment ha dado un paso significativo en su estrategia de distribución al firmar un acuerdo no exclusivo con Universal Distribution, que abarcará mercados especializados y para fanáticos en Estados Unidos y Canadá. Este acuerdo se presenta como parte de los esfuerzos de Dynamite para consolidar su presencia en el competitivo mundo del cómic y el entretenimiento, mientras que Universal busca fortalecer su posición como líder en la distribución de productos relacionados con cómics, juegos y pasatiempos en América del Norte.

El acuerdo no solo refuerza la colaboración entre ambas compañías, sino que también complementa el acuerdo existente entre Dynamite y Universal en Canadá. Lunar, otro distribuidor, continuará manejando la distribución de Dynamite en ese mercado. Esta estrategia multifacética permite a Dynamite diversificar sus canales de distribución y llegar a una audiencia más amplia al expandir su alcance en los Estados Unidos, un mercado vital para la industria del cómic.

Angelo Exarchacos, director ejecutivo de Universal Distribution, destacó la lógica detrás de esta alianza. En un comunicado, mencionó: «Hemos construido relaciones sólidas en Canadá y, al expandirlas al mercado estadounidense, podemos ofrecer a los minoristas una mayor diversidad y valor a medida que ampliamos nuestra red de distribución». Este enfoque sugiere que Universal está comprometido a aumentar su influencia y proporcionar una variedad más rica de productos a los minoristas, lo que a su vez beneficiará a los consumidores finales.

Nick Barrucci, director ejecutivo y editor de Dynamite Entertainment, también expresó su entusiasmo por esta asociación, afirmando que «Universal ha sido un socio confiable en Canadá durante décadas a través de nuestro marketing«. Barrucci agregó que está deseoso de trabajar junto a Universal en los planes emocionantes para 2026, lo que sugiere que ambas empresas tienen expectativas altas sobre el futuro de su colaboración.

Es importante mencionar que Dynamite se une a un selecto grupo de editoriales al asociarse con Universal, que ya incluye a DC, cuyas operaciones fueron anunciadas en septiembre. Este crecimiento sigue la adquisición de las operaciones de Diamond Games por parte de Universal durante su proceso de quiebra. Con una trayectoria de distribución de cómics en Canadá y ahora utilizando el inventario y las capacidades de Alliance, Universal está bien posicionado para expandir su influencia en el mercado estadounidense.

Esta nueva asociación entre Dynamite Entertainment y Universal Distribution representa una oportunidad emocionante tanto para los editores de cómics como para los minoristas, ya que promete una mayor diversidad en la oferta de productos y una capacidad mejorada para satisfacer las demandas de los fanáticos del cómic en América del Norte.

El Festival de Angoulême en Crisis

Jason Mauri

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18 noviembre, 2025

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La decisión de extender el contrato con la organización de Franck Bondoux desata protestas y amenaza la viabilidad del emblemático evento de cómics

El destino del Festival de Angoulême está en riesgo, dado que la polémica organización 9e Art+ y su dueño Franck Bondoux volverán a asumir el papel de organizadores del principal evento de cómics internacional en Francia, comenzando en 2028.

La controvertida compañía de Bondoux fue autorizada a seguir al mando del festival en una decisión reciente de la Asociación FIBD, que posee el evento. El nuevo acuerdo mantendría a su poco popular firma, 9e Art+, en control del festival durante nueve años más después de que termine el contrato vigente en 2027, extendiéndose hasta 2036. Editores y creadores han expresado su desacuerdo y cada vez hay más cancelaciones que hacen que la edición de enero de 2026 se vuelva cada vez más complicada.

El festival, que presenta tres mercados grandes en varios pabellones por la ciudad, atendiendo a diferentes gustos del cómic comercial, alternativo y manga, está enfrentando múltiples cancelaciones de stands.

El mercado alternativo Nouveau Monde tendrá problemas para llenar su gran espacio; por otro lado, Manga City, que exhibe manga y cómics del este asiático, ha visto una reducción drástica debido a la salida de Ki-oon, una reconocida editorial francesa con populares series de manga como My Hero Academia, Frieren, Apothecary Diaries y Jujutsu Kaisen.

También ha surgido información de que varias filiales de grandes grupos editoriales con stands en el mercado comercial Monde des Bulles están comenzando a actuar y el mercado de derechos internacionales también ha sufrido bajas.

El lunes, un comunicado publicado en la página web de Humanité y firmado por veinte ganadores del Gran Premio, incluyendo a Julie Doucet, Posy Simmonds, Art Spiegelman y Chris Ware, afirmaba: “A medida que proliferan los llamados al boicot, los ganadores del Gran Premio coinciden en que es hora de cerrar el capítulo de 9e Art+ para que el Festival pueda reencontrar, con nuevos organizadores, los valores que cimentaron su prestigio internacional. Sin un cambio rápido y significativo, es probable que la edición de 2026 sea la última.”

También el lunes, un comunicado del Syndicat des éditeurs alternatifs, que agrupa a 51 editores alternativos, criticó la decisión, solicitó un cambio de dirección y reveló que Bondoux había hecho amenazas de acciones legales a finales de septiembre contra entidades públicas involucradas en el proceso de convocatoria abierta si 9e Art+ no conseguía el contrato. “La SEA demanda la renuncia de Delphine Groux (presidenta de la Asociación FIBD), cuya falta de responsabilidad y resistencia han impedido cualquier diálogo que los representantes de artistas y editoriales intentaron establecer”. Al mismo tiempo, “La SEA pide la disolución de 9e Art+ y que sus equipos sean integrados en la nueva estructura que se encargará de organizar el festival.”

El Syndicat national de l’édition, que reúne a las principales editoriales de cómics y novelas gráficas como Casterman, Dargaud, Dupuis, Lombard y Delcourt, ha publicado un aviso indicando que dejará de colaborar con el festival a partir de 2027.

En enero, el SNE advirtió que podría retirarse en 2026 si no se garantizaba una convocatoria abierta y clara para encontrar otros organizadores. Luego, durante el verano, su postura se volvió más flexible y confirmó su presencia en 2026, aunque mostraron dudas sobre participar en 2027 sin aseguramientos.

En su comunicado, el SNE afirma que la Asociación FIBD ha actuado de manera engañosa hasta ahora. La SNE comentó, “Aparte de este compromiso, la confianza de los miembros ha sufrido tanto que no podrán seguir su relación después de 2026 sin aclaraciones ni respuestas satisfactorias sobre la nueva organización del evento, su planeación, estructura, gobernanza y accionistas. Sin la transparencia necesaria, el grupo de cómics de la SNE no estará presente en 2027 ni en ediciones futuras.”

La relación entre Cité de la BD y la gestión del festival por parte de 9e Art+ ha sido complicada y su director general, Vincent Esches, habría decidido no colaborar. Es posible que, si no hay un acuerdo ni una propuesta antes del 20 de noviembre, la Asociación FIBD decida ceder totalmente la gestión del festival a 9e Art+, lo que generaría aún más descontento en la industria del cómic francófono, uno de los mercados más relevantes a nivel mundial.

En julio, ante la creciente presión pública por no renovar el contrato de 9e Art+, se lanzó una búsqueda de organizadores alternativos para el festival. Se permitió que 9e Art+ participara, pero el tiempo para que los candidatos se prepararan fue durante el verano, cuando muchas empresas en Francia están cerradas o tienen menos personal.

De hecho, los candidatos tuvieron solo unas semanas para formar equipos y presentar una propuesta completa antes del 17 de octubre. Se cree que unos seis candidatos se presentaron, incluyendo al operador regional Côte Ouest, la organizadora de la Feria del Libro de París, Paris Livres Événements, RX France y la firma italiana Visiona.

Tres finalistas tenían que hacer presentaciones orales el 31 de octubre, antes de la decisión del 8 de noviembre, pero para el 29 de octubre solo quedaban en la competencia dos candidatos: Cité de la BD y 9e Art+. La situación se volvió sospechosa en octubre cuando se supo que la Asociación se había negado a incluir a un tercero calificado para supervisar la toma de decisiones y la evaluación de los concursantes.

Cada vez más casas editoriales han hecho anuncios públicos sobre su retiro del festival. Entre las que ya han informado de su salida están L’Association y Çà et là, que se retiraron en octubre. Desde el 8 de noviembre, se han sumado Super Loto, Exemplaire, Six pieds sous terre, Magnani, Atrabile y la editorial de manga Ki-oon.

Hasta ahora, las grandes editoriales no han dado declaraciones públicas, pero si Glénat, Delcourt, el grupo Média Participations o el grupo Madrigall deciden salir, el festival podría enfrentar una situación mucho más complicada. El organismo que los representa, el Syndicat National de l’Édition, ya ha confirmado que sus miembros no asistirán en 2027, pero ha dejado la decisión para 2026 a la elección de los miembros. Se ha confirmado que Denoël Graphics, una subsidiaria de Gallimard, también se ha retirado.

Los organizadores de la petición, que ha recogido más de 2000 firmas, el Syndicat des Travailleurs. euses Artistes-Auteurs y MeTooBD, publicaron rápidamente un comunicado el sábado. En él, instan a los firmantes y a otros profesionales del sector a boicotear la feria o, si tienen una obligación contractual de asistir, a acortar su presencia en espacios profesionales y negarse a firmar ejemplares, lo cual es muy atractivo para los asistentes. Chris Ware, Posy Simmonds, Art Spiegelman y Joe Sacco son algunos de los nombres internacionales más renombrados que apoyaron la petición hace meses. Otro sindicato de autores, el Syndicat national des auteurs et des compositeurs, ha emitido también un comunicado pidiendo una movilización similar.

Se ha añadido otro lema, «Boicot al FIBD 2026», como parte de una protesta basada en la información filtrada sobre una programación simbólica centrada en las mujeres para ocultar el machismo tóxico asociado con el evento. Esto ha cobrado importancia entre los profesionales tras las revelaciones impactantes publicadas en enero por la revista Humanité sobre la supuesta violación de una contratista en 2024 y su despido por parte de Bondoux después de que se denunciara el incidente internamente.

La situación del Festival de Angoulême llega en un momento complicado para la industria en Francia, que este año enfrenta una fuerte recesión que ha llevado a algunas editoriales a cerrar o a recurrir al financiamiento colectivo para superar la falta de liquidez. Además, las librerías en todo el país están teniendo dificultades o incluso han cerrado. Una posible causa es la percepción de una sobreabundancia y saturación en el mercado, con demasiadas editoriales y nuevos lanzamientos para que el modelo siga siendo sostenible.

Tráiler de Vaiana en castellano

Mario Losada

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18 noviembre, 2025

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Ya tenemos aquí el Teaser tráiler de Vaiana en castellano.

El teaser no enseña gran cosa, recordemos que esto es Disney, maestro absoluto del “te doy dos planos y te vendo media infancia”, pero transmite exactamente lo que tenía que transmitir, un regreso al mar, al mito, y al Pacífico.

La protagonista esta vez es una Vaiana real, de carne, hueso y probablemente tras 300 ensayos para que el pelo le quede dramáticamente bien, se planta frente al océano como quien va a pedirle explicaciones a la vida.

Visualmente, el teaser deja claro que Disney quiere lucir músculo con colores cálidos, cámara de primer plano y música muy pegadiza. Y aunque no vemos demasiado en el tráiler, se intuye que la cosa tira hacia lo épico, lo íntimo y, sobre todo, lo polinesio sin adulterar, que ya tocaba.

No aparece Maui todavía, y quizá mejor, porque si enseñan al semidiós demasiado pronto, el teaser se convierte en “El show de La Roca (Dwayne Johnson) con pelito animado”, pero la vibra está ahí. El espíritu aventurero, la tradición, la identidad y un mar que quiere ser el personaje principal, se atisban en este teaser.

En resumen, este avance pinta bien. Y por eso os pongo ya mismo el Teaser tráiler de Vaiana en castellano.

Un saludo y sed felices.

Expectantes con la temporada 3 de Solo Leveling

Anime / Manga

Mario Losada

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17 noviembre, 2025

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Expectantes con la temporada 3 de Solo Leveling

Si algo ha demostrado Solo Leveling con su segunda temporada es que el fenómeno va mucho más allá del webtoon original. Tras 24 capítulos que han mantenido enganchados tanto a fans veteranos como a nuevos espectadores, el cierre de esta segunda tanda de episodios ha dejado más preguntas que respuestas, y eso no puede ser casualidad. Y lo mejor de todo es que ya se confirmó que una tercera temporada ya está en marcha, y en redes ya se empieza a especular con cuál podría ser su arco argumental principal.

La segunda temporada nos ha llevado a través de algunos de los momentos más icónicos de la historia de Jin-Woo. Hemos visto su consolidación como cazador de rango S, sus enfrentamientos cada vez más sobrenaturales, y una evolución que ha pasado de lo físico a lo existencial. No es solo más fuerte: es más consciente del mundo que le rodea y de que ese mundo es solo una parte de algo mucho mayor.

Reseña de Solo Leveling volúmenes 1-3: la explosiva nueva sensación Manhwa

El último capítulo dejó una escena final que parece sacada directamente del libro de las grandes pistas narrativas. Jin-Woo observa una imagen fugaz, un destello de lo que parece ser un recuerdo de otra vida, o quizá una visión del pasado de los Monarcas. No se dice mucho. No se explica nada. Pero la intención es clara, ya que hay un misterio aún mayor por resolver, y Jin-Woo está a punto de enfrentarse a él. Estos detalles hacen que las series enganchen, que creen curiosidad y que no solo sean puñetazos y patadas. Viva Solo Leveling.

Lo curioso es que el anime no está adaptando exactamente igual que el webtoon o que la novela original. El anime está tomando caminos propios, acortando ciertos diálogos, eliminando tramas secundarias y centrando todo en el viaje personal del protagonista. ¿Funciona? A nivel de ritmo, sí. El anime es ágil, directo, y logra transmitir la sensación de amenaza creciente sin perder la esencia de Jin-Woo. Pero también hay quien echa de menos algo del desarrollo secundario que el webtoon supo construir con más calma. Y en esto me vuelvo a meter porque esto me parece un gran acierto, ya que cada medio tiene su forma de narrar y su propio ritmo. Adaptar literalmente una novela al manga, manhwa en este caso o al anime es un error. Cualquier tipo de adaptación tiene que hacerse acorde al medio al que lo haces, y en este caso el ritmo visual del anime es distinto del de el manhwa. Y os puedo decir que para mi la adaptación del anime de Solo Leveling está siendo la acertada.

En cuanto a la la tercera temporada todo pinta bien por los precedentes. La animación de la segunda temporada ha mejorado respecto a la primera parte, la música sigue siendo una de sus señas de identidad, y la audiencia no ha bajado. Si a eso le sumamos que el material base aún tiene mucho por adaptar, especialmente en lo que respecta a la guerra entre Monarcas y Gobernantes, es lógico pensar que A-1 Pictures ya está trabajando para mejorar la adaptación del webtoon al anime. Soy positivo.

Aún no hay fechas para la temporada 3 de Solo Leveling, pero creedme que se espera con avidez. Los rumores apuntan a que se estrenará a finales de 2026 o principios de 2027. Eso si, los fans ya están haciendo cábalas y teorías en foros y redes sociales, y algunos incluso han empezado a leer el webtoon para buscar pistas sobre esa última escena enigmática… Lo dejo caer.

Un saludo y sed felices.

Crítica de El Centro. Un exigente thriller de espionaje en el que cuesta entrar pero que deja con muy buen sabor de boca

Juanjo Avilés

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17 noviembre, 2025

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Crítica de El Centro. Un exigente thriller de espionaje en el que cuesta entrar pero que deja con muy buen sabor de boca

Movistar Plus+ ha consolidado un atractivo catálogo de thrillers españoles en los que añade a una gran factura técnica la colaboración de alguna institución pública para dar mayor verosimilitud a la historia que se cuenta. Tenemos como ejemplo Antidisturbios, con el asesoramiento de la Dirección General de la Policía (aunque a los sindicatos policiales no les hizo mucha gracia la serie) o La Unidad, con la colaboración de miembros reales de la unidad antiterrorista de la Policía Nacional. En ambos casos el resultado son dos series estupendas que merecen mucho la pena. Así que no es de extrañar que Movistar repita la jugada en su nueva producción, El Centro, que en este caso cuenta con la colaboración del CNI (Centro Nacional de Inteligencia).

El Centro tiene el mismo formato de todas las producciones Movistar, es decir, seis episodios de más o menos una hora de duración (disponibles para ver de un tirón), lo que hace que se prescinda casi totalmente de tramas secundarias. Esto hace que la historia se centre en la resolución del caso que se plantea y siempre con una innegable intención de ser lo más realistas posibles, alejándose de las fantasías de las series de acción y espionaje que vemos muchas veces en producciones norteamericanas.

michelin — Michelín, el protagonista de la serie

La historia de El Centro sigue las vivencias de un grupo de agentes del CNI liderados por Vicente Alfaro «Michelín» (Juan Diego Botto), que tienen que hacer frente a la amenaza que supone para la seguridad nacional la posible presencia en España de un agente ruso, nombre en clave Volkov, que llega a nuestro país después de asesinar a Morata, un agente del CNI en El Salvador mientras Michelín y sus hombres oían lo que iba pasando. En El Salvador colaboraba con Morata otro periodista español que también es asesinado, por lo que su pareja, la periodista Elsa Díaz (Elena Martín) se toma como algo personal descubrir que ha pasado y acabará colaborando por necesidad con el CNI. La trama involucrará también a un empresario español centrado en los medios de comunicación llamado Enrique Adaro (Tristán Ulloa) que parece tener relación con Volkov. Y para complicar aun más las cosas, pronto se descubre que hay un topo entre los hombres de Michelín así que no le queda otra que pedir ayuda a Iñaki Olano (David Lorente), otro agente del CNI que conforma un equipo especial para tratar de descubrir al culpable de las filtraciones.

olano — Olano, el encargado de cazar al topo

El principal problema de El Centro, es que la historia que quiere contar es muy compleja y abarca varios aspectos: la investigación sobre Volkov y Adaro, la trama de las pesquisas de Elsa y el intento de atrapar al topo. Esto hace que el primer capítulo se haga un poco bola, al tener que presentar a todos los personajes y situaciones lo más rápido posible ya que no olvidemos que la serie tiene solo seis capítulos. Esto puede abrumar al espectador que en momentos se siente perdido entre la amalgama de personajes y situaciones.

elsa — Elsa, una periodista decidida a contar la verdad

Pero una vez superado este escollo, la serie logra despegar, sobre todo a partir del tercer episodio en el que ya se han dispuesto todas las piezas del tablero y las historias comienzan a fluir conectando de manera muy inteligente todas las tramas. Si acaso la de la periodista es la que más cojea ya que, en el ambiente realista en el que se mueve la serie, un personaje de este tipo, tan idealizado y sin fisuras morales, chirríe un poco.

Hay que avisar que el que espere una serie de espías de acción va a quedar muy decepcionado. El Centro es una historia que se mueve en despachos y reuniones, con hábiles diálogos, recordando en cierta medida a la serie norteamericana La Agencia, con la que guarda muchos parecidos. Así pues, el aspecto técnico de la serie que nos ocupa remarca este aspecto con una fotografía y una iluminación fría y aséptica que queda perfecta para el tono realista que siempre se busca.

Y a pesar de que la serie prescinde casi por completo de tramas secundarias, si que se puede observar el afán de sus responsables en dejar claro el coste que tiene este duro trabajo para los agentes del CNI y sobre todo, que su labor nunca tendrá el reconocimiento que se merecen por la propia naturaleza secreta de su trabajo.

También hay que elogiar el trabajo de todos los actores, encabezados por un sobrio Juan Diego Botto y un maquiavélico Tristán Ulloa, ambos soberbios en sus interpretaciones. Aunque sin duda el personaje favorito del publico acabará siendo el personaje al que da vida David Lorente, un cínico con un negro sentido del humor que se come la pantalla cada vez que aparece.

En resumen, El Centro es un gran thriller de espionaje al que le cuesta arrancar y que exige plena atención del espectador. Una vez superado estos escollos la historia atrapa gracias a una inteligente dosificación de la información a través de los capítulos y al juego del gato y el ratón que se establece entre los investigadores que persiguen a Volkov y Adaro por un lado y al que hay entre Olano y sus hombres con el topo del CNI. Las dos tramas son interesantes y están perfectamente medidas para que las relaciones que se van estableciendo entre los distintos personajes atrapen al espectador una vez que este entre en el juego. Además, la historia queda perfectamente cerrada, sin que esto sea impedimento para que Movistar pueda hacer más temporadas si le interesa (ojalá).

Crítica de Frankenstein (2025), tan bella como vacía y fría.

Fernando Vílchez

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17 noviembre, 2025

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Crítica de Frankenstein (2025), tan bella como vacía y fría.

En este mundo cinematográfico marcado por los proyectos de encargo, las películas gestionadas en despachos o el imparable avance de la IA, existen pocas figuras como la de Guillermo del Toro. Un auténtico fanático del cine de género, del terror gótico y del fantástico, al que siempre se le nota la pasión que imprime a todas sus películas. La última de ellas, Frankenstein, se estrenó en Netflix a principios de Noviembre y vamos a hablar de ella.

Adaptación (una más) del inmortal novelón de Mary Shelley, la película cuenta la historia de Victor Frankenstein, un brillante médico que decide dar vida a una criatura construida a base de órganos y miembros de distintos cadáveres. Pronto, su creación se volverá en su contra.

Tres cosas destacan en esta Frankenstein de Guillermo del toro. Y dos de ellas no precisamente para bien.

Lo primero es que es una película de…pues eso, de Guillermo del Toro. Reconozco, como he dicho antes, la pasión que pone en todas sus películas y su afinidad por los mismos géneros que a mí me atraen. Pero también que la inmensa mayoría de sus películas nunca llegan a apasionarme. Sí, todas se caracterizan por diseños de producción apabullantes pero, al final, lo estético le pierden tanto al director mexicano que no termina de profundizar en lo que realmente importa en una película: la historia y sus personajes.

Las 25 mejores películas góticas de la historia del cine

Y esto, quitando su maravillosa El laberinto del fauno, su mejor obra, le ocurre en prácticamente todas sus películas. De hecho, Frankenstein es tanto una adaptación más de la novela de Mary Shelley como una mezcla de todas las estéticas y temáticas de todas sus películas. Que esto de que el verdadero monstruo sea el ser humano lo hemos visto en La sombra del agua, Pinocho o El callejón de las almas perdidas.

Lo segundo es que es otra película de Frankenstein. Y aquí no puedo dejar de pensar en Drácula, otro icónico personaje de la literatura de terror totalmente saturado, con el decepcionante Nosferatu de Robert Eggers a la cabeza y la próxima Drácula de Luc Besson.

Las 5 mejores películas de Frankenstein

La icónica novela no solo ha tenido adaptaciones directas (la clásica de 1931, con una secuela de culto en 1935, la de la Hammer films de 1957 o la moderna de 1994), es que la esencia de la creación que se revela ante su creador la tenemos en películas como la muy reciente y superior Pobres criaturas, con Emma Stone convertida en una criatura femenina que busca su libertad a través del sexo.

Por lo tanto, es inevitable pensar que, si un cineasta tan apasionado de los monstruos y la estética gótica como Guillermo del Toro quiere adaptar una novela ya vista varias veces en cine debe ser por una muy buena razón. Y, vista Frankenstein, queda claro que el motivo ha sido la estética.

Porque Frankenstein no aporta nada nuevo a lo que ya hemos visto en distintas películas. El patetismo de la criatura, la incomprensión que sufre por la sociedad, el complejo de Dios de su creador, el prólogo en el Polo Norte…todo eso estaba en las adaptaciones previas, siendo la de 1994, dirigida por Kenneth Branagh y con Robert de Niro como el monstruo, la que más se parece a la actual.

Solo que aquella versión conseguía incidir mucho más en la tragedia de Victor Frankenstein, quedando el interpretado por Oscar Isaac en esta película como un “mad doctor” más con ansias de poder y un absoluto desprecio por su criatura simplemente porque su padre era así con él. Un argumento tan simple como manido en el mundo del cine.

¿Qué nos queda entonces? El tercer aspecto que caracteriza a este Frankenstein y el que más destaca: la estética. Es increíble la cantidad de dinero que se ha podido invertir en decorados, vestidos, efectos prácticos… Por mucho que pasen los años, el Frankenstein de Guillermo del Toro no envejecerá como tampoco lo hará El señor de los anillos (y sí El hobbit). Seguro que será nominada a varios Oscar y espero que los consiga.

En definitiva, Frankenstein es una película impresionante desde el punto de vista visual, una delicia estética para quitarse el sombrero pero que no compensa las carencias de un guión que impide involucrarse con los personajes y que sobreexplica demasiado (fallida voz en off mediante). Lo de que el monstruo sea el creador ya lo dejó claro Mary Shelley en 1819, así que no hacía falta decirlo tantas veces.

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Retro-análisis: Alguien voló sobre el nido del cuco (1975), a 50 años de su estreno.

Fernando Vílchez

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16 noviembre, 2025

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Retro-análisis: Alguien voló sobre el nido del cuco (1975), a 50 años de su estreno.

La historia del cine está plagada de películas míticas por uno u otro motivo, pero pocas han alcanzado el impacto, a todos los niveles, de Alguien voló sobre el nido del cuco, estrenada hace cincuenta años. Así que vamos a aprovechar esta fecha tan señalada para analizarla tanto desde el punto de vista contextual como del cinematográfico y, cómo no, del psiquiátrico. Este es un artículo con spoilers del argumento de la película, pero avisaré antes de desvelar detalles de la trama. De todas formas, mejor id a verla antes de leer este artículo. Es una película que hay que ver al menos una vez en la vida.

Todos los retro-análisis de Las cosas que nos hacen felices

Pero, antes de empezar, ¿De qué va Alguien voló sobre el nido del cuco?

Básicamente, es la historia de Randle Patrick McMurphy, un hombre condenado por violar a una menor que ingresa en un hospital psiquiátrico, donde desatará el caos en un régimen marcado por la rigidez de sus normas y la anulación de la voluntad de los pacientes.

UNA HISTORIA CONTRACULTURAL

Para hablar de Alguien voló sobre el nido del cuco, es imprescindible centrarse en tres nombres: el escritor Ken Kesey, el productor Michael Douglas y el director Milos Forman.

Ken Kesey escribió la novela de Alguien voló sobre el nido del cuco basándose en sus vivencias como administrativo en un hospital de veteranos y como cobaya humana en un experimento de la CIA en el que le prescribían drogas psicoactivas buscando el control mental del individuo. Así, Kesey consumió drogas como LSD, Mescalina o psilocibina, convirtiéndose en un adicto y en un abanderado del movimiento de la Contracultura estadounidense de los años 60 y 70, que antecedió al movimiento hippie.

Esto es importante porque Kesey no escribió la novela para denunciar las prácticas psiquiátricas que se realizaban en aquel entonces (algo sobre lo que luego hablaré más detalladamente en el análisis de la película desde el punto de vista psiquiátrico), sino como una metáfora de la lucha del hombre libre contra un sistema que nos dice continuamente cómo debemos comportarnos.

La novela tuvo un éxito inmediato y los derechos fueron adquiridos por el mítico actor y productor Kirk Douglas (protagonista de, entre otras películas, Espartaco). Douglas era un activista muy consciente de que la sociedad estadounidense estaba cambiando y quiso sacar adelante una película basada en la novela de Kesey.

Sin embargo, distintos avatares fueron retrasando el proyecto y, a principios de los años 70, le cedió los derechos a su hijo Michael Douglas, toda una estrella de los años 80 y 90 estadounidenses (Wall Street, Instinto Básico, etcétera) pero que, en aquel entonces, ejercía de productor con el mismo nivel de activismo que su padre.

Douglas se empeñó en que el director fuera Milos Forman, cineasta emblema de la llamada Nueva Ola Checoslovaca que criticaba abiertamente el régimen comunista del país. De hecho, Forman se tuvo que marchar a Estados Unidos ante la dura represión que sufrió. Para él, Alguien voló sobre el nido del cuco era su propia historia, en la que el hospital psiquiátrico era una metáfora del Partido Comunista.

Por tanto, la película no fue concebida desde la sensibilidad hacia los pacientes con trastorno mental grave, sino como un símbolo de protesta de la contracultura estadounidense contra los valores imperantes en la sociedad de la época.

LA EXPLOSIÓN DE UN ACTOR ICÓNICO

Kesey, contratado para escribir el guión de su propia novela, se retiró pronto de la producción por no respetar al narrador original de la novela, el jefe indio. En su lugar, tanto el director como el productor optaban por dar el protagonismo a Randle Patrick McMurphy, el elemento alborotador del sistema. Kesey pasó el resto de su vida condenando la película.

En cuanto al reparto, Forman quería a una estrella de Hollywood para el papel protagonista, para así reforzar la tendencia natural del resto de actores a otorgarle el papel de líder frente al personal del hospital. Aunque se barajaron nombres tan variopintos como Marlon Brando, Burt Reynolds (la elección del director) o Gene Hackman, el estudio propuso a Jack Nicholson (uno de los actores más importantes de la historia del cine).

Aunque actualmente es imposible imaginarse a otro actor interpretando a R.P. McMurphy, fue el primer papel de Jack Nicholson dando vida a un personaje inestable e impredecible. Ya sabéis, El resplandor, su Joker, Infiltrados o Mejor, imposible.

Pero en aquellos años, Nicholson era el actor abanderado del Nuevo Cine Americano que debutó con Easy Rider (donde tiene un papel fundamental) y, posteriormente, con películas como El último deber o Chinatown.

En cuanto al resto del reparto, Alguien voló sobre el nido del cuco supuso el debut de actores como Christopher Lloyd (Doc en Regreso al futuro) o Danny De Vito.

Y claro, está Louise Fletcher, la enfermera Ratched, que fue fichada para la película tras interpretar a un personaje secundario en Ladrones como nosotros.

La película se rodó en el Hospital Estatal de Oregón, un instituto psiquiátrico real. De hecho, el director del hospital, el doctor Dean Brooks, es el que interpreta al psiquiatra John Spivey en la película. El rodaje estuvo enrarecido por la inmersión de todos los actores en papeles desquiciados. Y también aparecen pacientes ingresados en la película.

TRAMA (A PARTIR DE AQUÍ, SPOILERS DE LA PELÍCULA)

La película comienza con la entrada de Randle Patrick Murphy al hospital psiquiátrico. Acusado de haber violado a una menor de 15 años, finge tener una enfermedad mental para librarse de la cárcel. Lo que no sabe es que ha terminado en una institución todavía peor en la que, a diferencia de tener que cumplir una pena determinada, puede estar ingresado de por vida si el psiquiatra así lo determina.

Poco a poco, el carácter inconformista de McMurphy va influyendo en el resto de pacientes del pabellón y lo pone frente a frente con la enfermera Ratched, líder del personal que atiende a los enfermos. Intenta que cambien los horarios de televisión para ver el Mundial de béisbol, pero no lo consigue porque Ratched exige que voten incluso los que no tienen voluntad para votar.

Al sacar McMurphy a los pacientes al mar en un barco, contactan con una vida que ellos querrían vivir, alejados de las normas y la falta de voluntad que se les impone en el hospital. Comienzan a cuestionarse por qué les racionan los cigarrillos o por qué tienen que hablar de temas dolorosos que no les apetece tratar.

Finalmente, McMurphy, el jefe indio sordomudo y otro paciente son llevados a terapia electroconvulsiva por haber infringido las normas del centro. Ahí descubre McMurphy que el jefe indio ha engañado a todo el mundo y no es sordomudo. Juntos traman un plan para escapar: organizar una fiesta con chicas del mundo exterior en el pabellón.

La fiesta termina en caos y con uno de los pacientes, un joven dominado por el miedo a su madre, durmiendo con una de las chicas. La enfermera Ratched le amenaza con contárselo a su madre y este, desesperado, se suicida.

McMurphy, que no ha podido escapar, intenta matar a la enfermera y, por ello, es lobotomizado, perdiendo toda su voluntad. El jefe indio, sabiendo que se ha convertido en una leyenda entre los miembros del pabellón, asfixia a McMurphy para que los demás no vean lo que el sistema ha hecho con él y escapa del manicomio.

LO QUE OCURRE CUANDO SE CUESTIONAN LOS VALORES ESTABLECIDOS.

El título de la película hace referencia a los últimos versos de un poema que aparece en el libro:

“…había tres gansos en la bandada: uno voló hacia el este, uno voló hacia el oeste y uno voló sobre el nido del cuco”.

Es decir que cada uno, en función de un sinfín de circunstancias, va a dirigir su vida de una forma u otra. En concreto, los tres gansos de la película son Billy, McMurphy y el jefe indio.

Billy, internado voluntariamente y con un síndrome neurótico marcado por una madre dominante a la que teme, se acaba contagiando de las ideas subversivas de McMurphy y hace frente al sistema, personificado en la enfermera Ratched. Sin embargo, aunque es consciente de que vive reprimido, es incapaz de abandonar el sistema y se suicida.

McMurphy despierta las mentes dormidas de los pacientes del pabellón hasta el punto de convertirse en una leyenda entre los internos. Sin embargo, se convierte en un mártir del sistema al ser abolida su voluntad.

El jefe, que había fingido su postura frente al sistema, es el que acaba alcanzando la libertad real y mantiene viva la esperanza de la contracultura al acabar con la vida de McMurphy para que los demás no sepan lo que el sistema ha hecho con su líder. Pero la contracultura, la rebelión, queda como un ideal. Los internos continúan haciendo su rutina como si McMurphy jamás hubiera entablado relación con ellos.

ANÁLISIS PSIQUIÁTRICO: UNA PELÍCULA ESTIGMATIZANTE

Como hemos visto hasta ahora, Alguien voló sobre el nido del cuco es una fábula que habla sobre la lucha del individuo contra el sistema. Pero se ha convertido desde su estreno en la película más emblemática sobre la salud mental en la historia del cine, siendo más bien una metáfora política que una trama médica.

Y esto tiene su importancia, porque Alguien voló sobre el nido del cuco es una película que aporta una visión distorsionada sobre los tratamientos psiquiátricos, hasta el punto de convertir a personas que buscan ayudar a los enfermos mentales en seres autoritarios que quieren controlar la voluntad de aquellos que no convienen al sistema.

Esta corriente de pensamiento, centrada en la psiquiatría como método de control social y no como especialidad médica, aún tiene vigencia incluso entre los propios médicos. Es lo que se conoce como antipsiquiatría, y en los años de la contracultura estuvo en auge, coincidiendo con el cambio del modelo psiquiátrico de los manicomios donde los pacientes se pasaban la vida entera a la psiquiatría comunitaria, donde conviven con el resto de la sociedad.

Y si hay estupendas películas para ayudar a entender las enfermedades mentales, desgraciadamente la imagen de la terapéutica psiquiátrica está muy dañada por lo que el cine ha mostrado de ella. Casi todas las películas icónicas sobre la salud mental resaltan la ineficacia de los tratamientos y la figura represora del psiquiatra que, en el mejor de los casos, es un inepto y, en el peor, un villano.

Estas películas no existirían sin Alguien voló sobre el nido del cuco, en el que la inmensa mayoría de los pacientes que vemos no padecen un trastorno mental grave que justificaría un ingreso en la realidad. O que les administran pastillas sin que sepan qué están tomando. O que los grupos terapéuticos solo sirvan para señalar lo que uno hace de distinto con respecto a las normas sociales. Y eso sin mencionar la terrible imagen que se da de la terapia electroconvulsiva, una técnica que ha salvado vidas y que en la película se utiliza como herramienta de control social. Igual que la lobotomía, técnica que a finales de los 60 estaba prohibida y que en la película supone el último paso para la anulación de la voluntad del individuo.

La realidad es que McMurphy jamás habría ingresado en un hospital psiquiátrico y, si por alguna casualidad hubiera fingido estar enfermo, habría salido a los pocos días rumbo a la cárcel tras un periodo de observación.

Desgraciadamente, y esto no es un problema como tal de la película, las personas que siguen viendo hoy en día Alguien voló sobre el nido del cuco siguen pensando que los psiquiatras somos figuras castigadoras, que la medicación únicamente sirve para atontar y controlar la voluntad del individuo y que en los hospitales psiquiátricos se hace de todo menos tratar.

Y la realidad es que ayudamos, como cualquier otro médico, a las personas desde el entendimiento de sus circunstancias personales e intentamos por todos los medios que vivan la vida que quieran vivir. Que la medicación les ayuda a llevar una vida plena y autónoma y que lo que se busca en las estancias hospitalarias, en su mayoría breves, es que la persona vuelva cuanto antes a la sociedad de la que viene.

IMPACTO

El impacto de Alguien voló sobre el nido del cuco fue pleno a todos los niveles.

Fue un éxito de taquilla rotundo y ganó los cinco Oscar principales: mejor película, mejor director para Milos Forman, mejor actor para Jack Nicholson, mejor actriz para Louise Fletcher y mejor guion adaptado. Tan solo Sucedió una noche (1934) y El silencio de los corderos (1991) ostentan tal honor.

Además, supuso el empujón definitivo a la carrera de Jack Nicholson, que ya nunca más se separaría de esa imagen inestable que tanto le caracteriza. Y marcó para siempre la carrera de Louise Fletcher, que jamás se repondría de haber interpretado a una de las mejores villanas de la historia del cine (de hecho, existe una precuela del personaje en forma de serie de televisión, llamada Ratched).

En 1993, la película fue seleccionada para su Preservación en el Congreso de Estados Unidos. Y lo merece, por ser una película brillante desde todo punto de vista cinematográfico y una fuente inagotable de debate tanto en su mensaje real (la lucha del individuo contra el poder establecido) como metafórico (la psiquiatría como herramienta de control social y no como terapéutica médica).

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El cómic de la semana: La luna nos persigue 1

Mario Losada

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15 noviembre, 2025

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El cómic de la semana: La luna nos persigue 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Blacksad Integral 4. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Aquí tenéis el enlace a todos los artículos de la sección de El cómic de la semana

La luna nos persigue 1 de Daniel Warren Johnson y Riley Rossomo

Vale, respira hondo, que esto no es una historia de princesas mágicas ni de aventuras facilonas. La luna nos persigue 1 (porque habrá un segundo tomo), publicado hace un mes por Norma Editorial, es un cómic que te agarra por la garganta y no te suelta hasta el final.

Escrito por Daniel Warren Johnson (ese tipo que crea mundos rotos con tanta facilidad que dan ganas de llorar) y dibujado por Riley Rossmo, este tomo de 144 páginas es tan deslumbrante como conmovedor. Contiene los 5 primeros números de una aventura de 10 americanos, por lo tanto se acabará en el futuro tomo 2. Una historia corta y directa, de gran calidad.

Una historia tan familiar como inquietante

En el centro de todo están Sam y Duncan LaMarr, una pareja con el alma hecha pedazos, porque hace medio año su hija Penny fue secuestrada por algo que no es tan fácil de explicar, una entidad maligna llamada «La Cascada».

El rescate de su hija, de Penny no será simple. Habrá fantasía, monstruos, lágrimas y, seguro, un poco de magia que sangra. Más abajo dejo una breve sinopsis de la editorial, pero creedme que la historia está bastante chula. Un cómic recomendado.

Warren Johnson + Rossmo = combo letal

Si la premisa ya pone los pelos de punta, el arte se encarga de rematar la faena. Rossmo es un descubrimiento, un autor que no conocía. Wareen Johnson por su parte aporta su pulso narrativo fuerte, esa mezcla de épica emocional y brutalidad poética. Y Rossmo hace que cada dibujo parezca un susurro al oído, una pincelada que te empuja al abismo.

Las páginas no solo se leen, transmiten el dinamismo de la página. Hay una atmósfera oscura, cargada de melancolía y de esperanza al mismo tiempo. Esa sensación de “todo puede ir mal, pero no puedo dejar de mirar”.

¿Qué lo hace peligroso para el lector?

Porque no es solo una aventura fantástica, es una historia de dolor real. De padres que han fallado, de seres mágicos que no son tan puros, de la lucha para recuperar algo que quizá nunca será lo mismo. Y eso hace más daño que cualquier monstruo.

No es una lectura para desconectar completamente, es para sentir con fuerza, para sientas lo que ocurre y para que, al cerrar el tomo, te preguntes si la fantasía sirve para salvar lo que amamos o solo para recordarnos lo que perdimos.

¿Por qué debería importarte este cómic?

Porque es una historia de amor familiar llevada al límite y porque además nos muestra que la fantasía no es el final, sino es el medio para explorar lo real. Wareen Johnson y Rossmo no están para tonterías, quieren que te rompas, que sueñes, que llores.

Y, sinceramente, leer esto es una manera perfecta de reconciliarte con el cómic como algo más que “héroes y explosiones”, esto es arte.

La luna nos persigue 1 no es solo el título de un cómic, es la sensación de que algo te sigue, algo grande, algo mágico y peligroso. Si estás dispuesto a cruzar ese puente, Norma te ha dejado una joya en las manos, hermosa, oscura, feroz y tierna al mismo tiempo.

EL ACLAMADO GUIONISTA Y DIBUJANTE DANIEL WARREN JOHNSON SE UNE AL EXTRAORDINARIO ARTISTA RILEY ROSSMO PARA OFRECERNOS UNA HISTORIA TAN DESLUMBRANTE COMO CONMOVEDORA

Sam y Duncan LaMarr aman a su hija Penny más que a nada en el mundo. Pero hace medio año, fue secuestrada por La Cascada, una fuerza maligna de la que apenas saben nada. Ahora, Sam y Duncan tendrán que luchar codo con codo junto a las criaturas mágicas que Penny tanto amaba, en un intento desesperado por traerla de vuelta… antes de que sea demasiado tarde.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Norma Editorial y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Un saludo y sed felices.

Fotos de Nada

Pez Payaso

Black Spot

Ojos de Caracol

Paranoia

El “Galloo”

Balance del Episodio

Ana Lena Rivera reinterpreta la Guerra Civil Española, entrelazando dolor y resiliencia en una narrativa que desafía el olvido y reivindica las voces de las mujeres

Tomcat: una biografía de altura y motores

Un vuelo que desafió límites

Norma Editorial y su apuesta por lo legendario

Narrativa y dibujo: dos motores para el lector

Más que aviones: una historia de igualdad y sacrificio

Conclusión: una lectura que despega desde la emoción

La nueva interpretación de Tyler Boss y Martin Simmonds promete sumergir a los lectores en una aterradora historia ambientada en la icónica Ópera de París

El nuevo acuerdo no exclusivo permitirá una mayor diversidad de productos en Estados Unidos y Canadá, consolidando la estrategia de ambas compañías en la industria del entretenimiento

La decisión de extender el contrato con la organización de Franck Bondoux desata protestas y amenaza la viabilidad del emblemático evento de cómics

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