Bienvenido un mes más a vuestra sección preferida. Como todos los meses, os dejamos dos cómics recomendados por crítico que salen a la venta este mes en España. Espero que os puedan sacar alguna duda y podamos guiarlos con alguna joya. También os recuerdo que es nuestra opinión personal y puede no coincidir con la vuestra. Allá vamos con La lista de la compra del mes de mayo de 2026.
Juanjo Avilés
1. Geiger 2. Planeta. 24 euros. Geiger es el comic que supuso el punto de partida de Ghost Machine, el nuevo universo compartido creado por Geoff Johns y que tan buen sabor de boca nos dejó con su primer volumen. Ahora ha llegado el turno de volver al paramo radiactivo para ver las nuevas aventuras del Hombre Brillante con sus nuevos compañeros en busca de un improbable cura para su enfermedad. Aunque tendrán que enfrentarse a la multitud de amenazas que los persiguen, entre ellos el soldado robot Chatarra Joe que se ha librado de sus amos militares y que tiene una nueva misión: «Encontrar al Hombre Brillante». Un comic con sabor a aventuras clásicas con el toque personal de un guionista experto como Geoff John que sabe como nadie contar historias entretenidas y a la vez hacer crecer poco a poco esta nueva franquicia.
2. Escape 1. Norma Editorial. 22 euros. Rick Remender y el dibujante español Daniel Acuña se reúnen años después de su gran etapa en Imposibles Vengadores para traernos un emocionante thriller bélico en el que los personajes son unos animales antropomórficos al estilo de Blacksad. El protagonista es Milton Shaw, un piloto de bombardero atrapado tras las líneas enemigas en una guerra contra un imperio despiadado. Remender se ha inspirado en las vivencias de su abuelo, piloto de la Segunda Guerra Mundial, para hacer una reflexión sobre la violencia, el coraje necesario para enfrentarse al horror y el trauma de la guerra que luce espectacular gracias al arte de un Daniel Acuña que ofrece uno de los mejores trabajos que ha hecho hasta la fecha. Este libro ofrece los primeros seis números de la serie (los publicados en EEUU hasta ahora). Y para los más sibaritas, Norma ofrece un libro especial exclusivo para España que incluye entre otros extras y en un cartoné a gran tamaño, el primer número con el arte de Daniel Acuña limpio de bocadillos por un precio de 20 euros.
Mario Losada
1. Elric 5 (El nigromante). Yermo ediciones. 18 euros. Tras años de espera llega el quinto álbum, el primero de la segunda saga de Elric, llamado el nigromante. Vuelven Blondel y Cano, pero ahora cuentan con los dibujos de Valentin Secher. Uno de los mejores cómics europeos de aventuras que vais a leer. Y si aún no tenéis los primeros cuatro álbumes, ahora es buen momento para comprarlos.
2. DC Must Have. Superman Hijo Rojo. Panini cómics. 20 euros. De la brillante mente de Mark Millar nos llega esta historia, recogida en la colección DC Must Have. Probablemente uno de los mejores cómics del hombre de acero de todos los tiempo. ¿Qué hubiera pasado si la nave de Superman hubiera aterrizado en la Unión Soviética de la guerra fría? ¿Cómo sería el mundo, como serían las relaciones entre las grandes superpotencias? ¿Y cómo sería Superman? Una obra maestra en un sólo tomo en tapa dura.
DAve Solis
Los Campbell. Relato completo. Nuevo Nueve Editores. 45€. Este tomo reúne en un solo volumen la gran saga pirata de José Luis Munuera, una aventura clásica que combina acción trepidante con humor y melancolía. El álbum nos presenta a Campbell, un antiguo pirata que ha decidido colgar la espada y las pistolas para criar a sus hijas Icata y Génova en una isla aparentemente tranquila. La paz se rompe cuando un amor del pasado aparece asesinada, un criminal reclama castigo y un tesoro perdido vuelve a marcar el rumbo de sus vidas. Obligado a enfrentarse de nuevo a Inferno, su enemigo más íntimo y atormentado, Campbell se verá arrastrado a una odisea llena de duelos, intrigas y secretos familiares, donde la aventura de capa y espada convive con la nostalgia por un pasado del que es imposible huir.
2. Tex. Patagonia. Laramie Ediciones. Enlace de compra a la web de cARTEm Cómics. 29€. Laramie Ediciones nos presenta un álbum autoconclusivo en el que Tex y su hijo Kit abandonan el Lejano Oeste para viajar hasta La Patagonia argentina, respondiendo a la llamada de auxilio del oficial Ricardo Mendoza. Lo que empieza como una misión para mediar en un conflicto con los pueblos indígenas se convierte en una pesadilla bélica cuando un nuevo general transforma la operación en una campaña de exterminio sin concesiones. Boselli firma un western crepuscular, con fuerte carga política y moral, donde Tex deja de ser simple aliado del ejército para enfrentarse a él cuando la única orden pasa por arrasar a los indígenas. En ese escenario de territorio vasto y hostil, el cómic despliega un relato de decisiones límite, lealtades puestas a prueba y violencia sin retorno, reforzado por el dibujo en blanco y negro de Frisenda y un volumen de más de 200 páginas en formato álbum grande. Sin duda, una delicia para los amantes del noveno arte en general y del western en particular.
Carlos Trujillo
Hunger and the Dusk 2. Yermo ediciones. 22,95 euros. Una serie que se ha convertido en una agradable sorpresa a descubrir. Hunger and the Dusk es un cómic que combina acción, fantasía y una narrativa oscura que te atrapa desde la primera página. La historia sigue a personajes complejos, humanos y orcos, enfrentados a un mundo donde la supervivencia y los secretos del pasado se entrelazan de manera intrigante. El guion, obra de Willow Wilson, logra equilibrar momentos de tensión con introspección emocional, haciendo que cada decisión de los protagonistas tenga peso y resonancia.
Chris Wildgoose logra impactar visualmente, el cómic destaca por un estilo artístico detallado y con una acertada atmósfera de aventura y violencia, con paletas de colores vibrantes que reflejan el tono sombrío de la guerra. Contiene escenas de acción dinámicas y fluidas, con interesantes primeros planos que logran capturar las diferentes emociones de sus personajes. Hunger and the Dusk es una obra que seduce tanto a los amantes de la fantasía oscura como a quienes buscan personajes profundos y conflictos moralmente complejos. Una lectura imprescindible para quienes disfrutan de historias que combinan una estética cuidada, emoción y tensión narrativa.
2. Extremity.Norma.39.5 euros. Una joya reeditada de la fantasía postapocalíptica del brillante autor Daniel Warren Johnson. Extremity nos transporta a un mundo devastado y brutal donde las heridas físicas marcan tanto como las cicatrices. Kayoko es una joven que pierde a su familia a manos de una tribu despiadada llamada The Takers. Empieza un camino de venganza y autodescubrimiento mientras aprende a manejar las armaduras vivas llamadas Exos. Armaduras capaces de amplificar tanto la fuerza física como la vulnerabilidad emocional de quien las porta.
El cómic mezcla elementos de fantasía épica y tecnología biomecánica, creando un universo visual y narrativo intenso, donde la violencia no es gratuita, sino un reflejo de trauma, duelo y supervivencia. Daniel Warren Johnson deslumbra con un estilo enérgico y visceral. Páginas repletas de una energía contagiosa gracias a sus combates intensos, coreografiados casi como secuencias de acción cinematográfica. Su trazo suelto y ligero, casi caótico, refuerza el tono emocional crudo de la historia. Los colores vibrantes enfatizan tanto la brutalidad de las batallas como los momentos íntimos de introspección de los personajes. Johnson logra transmitir las emociones de una manera física: la desesperación, la rabia y la vulnerabilidad de los personajes se palpan en cada viñeta.
Extremity es una obra que golpea con fuerza, una historia oscura y compleja con un sabio manejo de la acción y la exploración psicológica. No es un cómic ligero: la violencia y los dilemas morales pueden resultar intensos, pero eso es parte de su impacto. Johnson demuestra, una vez más, ser un narrador excepcional, capaz de combinar espectacularidad con profundidad. Una obra que estaba descatalogada y que ahora puede ser tu oportunidad para adquirirla… no la dejes pasar.
Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.
El último material promocional, las nuevas promos de la temporada 2 de X-Men 97 ponen el foco en el nuevo diseño de Apocalipsis (En Sabah Nur) de la temporada 2, y en los equipos de X-Men que veremos reunirse tanto en el pasado (3000 Antes de Cristo) como en el futuro (3960 Después de Cristo).
Muy en línea con el diseño visto en los cómics y en X-Men: La serie animada, estamos seguros de que notarás el formidable cañón que tiene en lugar de brazo. Se espera que Apocalipsis sea el gran villano de la serie cuando esta regrese, y es probable que resucite a Gambito como Muerte, uno de sus Cuatro Jinetes.
También tenemos una nueva imagen de En Sabah Nur, y la confirmación de que Cíclope, Jean Grey, Lobezno y Tormenta están atrapados en una época, y Magneto, Pícara, Bestia y Rondador Nocturno se encuentran en otra bien distinta.
A pesar de que esta imagen está por todas las redes sociales e incluso de que ya se pueden reservar los Funko Pops de la temporada 2, Marvel Animation no ha anunciado la fecha de estreno de la temporada 2 de X-Men 97 ni ha revelado ningún fragmento. Esperemos que eso cambie en las próximas semanas.
Morfo es uno de los personajes destacados en este material promocional, y el actor JP Karliak ya adelantó el arco argumental del mutante en una entrevista con Fortress of Solitude.
«Me enorgullece decir que a Morph lo mataron en la serie animada original de los noventa, pero, por suerte, en esta no corre esa suerte. Todavía. [Risas]»
«El viaje de Morph en la temporada 1 de X-Men 97 consistió realmente en superar el trauma de la serie original, reintegrarse en el equipo, encontrar a esta familia elegida y superar el trauma con ingenio y todo eso».
«Creo que veréis simplemente una continuación de ese crecimiento y de ese viaje lejos de la pesadilla de ser asesinado, resucitado y controlado mentalmente por un villano muy malvado»
«Lo que siempre he bromeado es que quiero algo mejor para Morph. [Risas]. Wolverine es un gran personaje, pero es un montón de traumas, y creo que Morph necesita tener menos de eso en su vida».
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de mayo. En mi opinión, tenemos dos platos fuertes: Príncipe Valiente Integral 1943-1950 y Benito Boniato: Estudia Bachillerato. Os pasamos la nota de prensa de la editorial mallorquina.
Prince Valiant, la obra maestra de Harold R. Foster, es una epopeya legendaria del cómic mundial que combina aventura, historia y arte con un nivel de detalle inigualable.
Publicada semanalmente desde 1937, narra las hazañas del valeroso caballero Val en tiempos del rey Arturo, convirtiéndose en un referente absoluto del cómic clásico por su belleza gráfica, su profundidad narrativa y sus valores universales: el honor, la justicia, la amistad y el amor.
En este volumen, el Príncipe Valiente y la reina Aleta, víctima de su secuestro, vagan por el desierto. Val está enfermo, enloquecido, debilitado. Y es Aleta quien se las apaña para que ambos sobrevivan. Y mientras la tragedia da paso a la comedia, el odio deja hueco para el amor, con uno de los besos más esperados de la historia del cómic.
Cómic. 21X28. Tapa dura. 240 páginas. Color. 39,95€
ISBN: 979-13-88074-15-8
Descubre las primeras aventuras de Benito Boniato, sus sufridos compañeros y sus aún más sufridos profesores en esta recopilación imprescindible. Ya seas un coleccionista de toda la vida o un lector con ganas de carcajadas frescas, este volumen demuestra que, aunque pasen los años, ¡Benito Boniato nunca suspende en diversión!
Este volumen recoge íntegramente y de forma cronológica las primeras aventuras de Benito Boniato publicadas por Carlos y Luis Fresno, correspondientes a los años 1977 y 1979. Estas páginas también incluyen entre sus extras varias portadas, posters y una extensa entrevista exclusiva con los autores.
Se incluye la continuación de las siguientes obras:
Las asesinas de la soledad / El ruiseñor de dos cabezas / Herejías / Cine de verano / Una obra maestra / Segmento / Loquios / Kane / El de la batamanta / La revolución de los pinceles / Actor aspirante
¡Sumérgete en el maravilloso mundo de la novela gráfica!
Una revista que reúne algunas de las mejores historias de novela gráfica del panorama nacional e internacional. Una cuidadosa selección de relatos dibujados, variados en tono y estilo, creados por autores y autoras de primera línea. Un recorrido vibrante por estilos, géneros y sensibilidades que demuestra por qué la historieta vive uno de sus mejores momentos.
Descubre un caleidoscopio de géneros, aventuras y sensaciones, recogidas en un volumen al alcance de tu mano.
Dibujo: Dave Gibbons, Steve Dillon, Jesús Redondo, Alan Davis y vv.aaa.
Cómic. 20X28. Tapa dura. 272 págs. B/N y Color. 39,90€
ISBN: 979-13-88074-66-0
Alan Moore es uno de los autores más importantes de la historia del cómic. Antes de transformar el medio con sus cómics publicados en Estados Unidos, Moore dio sus primeros pasos en la revista 2000AD. En esas páginas, el autor de Watchmen o V de Vendetta perfeccionó su talento y dio rienda suelta a su imaginación, demostrando ser ya todo un maestro en historias cortas.
Este es el primer volumen de una serie que recopila todas las aportaciones de Alan Moore en 2000AD, desde Future Shocks a Abelard Snazz pasando por sus anuales con los ABC Warriors o Rogue Trooper.
La mayoría inéditas en España, aquellas publicaciones contaron con la colaboración de dibujantes de la talla de Dave Gibbons (Watchmen), Steve Dillon (Predicador), Jesús Redondo (Nemesis the Warlock), Ian Gibson (La balada de Halo Jones), Bryan Talbot (Grandville), Alan Davis (Harry 20 en High Rock), Brendan McCarthy (Juez Dredd), Eric Bradbury (Rogue Trooper), Brett Ewins (Bad Company) y muchos más.
Tintín es mucho más que una de las grandes creaciones del cómic europeo: es también un testigo privilegiado del siglo XX. A través de las aventuras del joven reportero, Hergé reflejó los grandes acontecimientos políticos, sociales y culturales de su tiempo, desde el período de entreguerras hasta la Guerra Fría, pasando por el colonialismo, los totalitarismos, la carrera espacial o las revoluciones del mundo contemporáneo.
En este libro, Bartomeu Castell analiza de forma rigurosa y accesible la obra completa de Las aventuras de Tintín como un auténtico espejo de la historia del siglo XX. A partir del estudio de cada álbum y del contexto vital de su autor, se desvela cómo la ficción de Hergé dialoga constantemente con la realidad histórica. Una obra imprescindible para comprender a Tintín no solo como icono cultural, sino como una clave fundamental para entender el mundo en el que fue creado.
Revista. 100 páginas. Color. 4,50 € Fecha de salida: Mayo de 2026
¿Es un pájaro? ¿Es un avión? No… ¡Es el esperadísimo crossover entre el Hijo de Krypton y el amistoso vecino Spiderman! Con el talento de autores como Mark Waid, Jorge Jiménez, Tom King, Jim Lee o Daniel Sampere, este especial que cruza una vez más a los universos Marvel y DC es uno de los cómics más importantes del año, y en estas páginas hablamos largo y tendido sobre él.
Pero no se vayan, que aún hay más. En este número también incluimos una entrevista con Juan Ferreyra, un extenso repaso a la trayectoria de Lobo, un análisis de la serie limitada Nueva Historia del Universo DC y una pieza dedicada a hablar esa curiosa simbiosis entre los superhéroes y la Edad Media. Ah, y un año más (y ya van más de treinta…), fieles a su cita aquí llegan los Premios Dolmen. Y, por supuesto, las noticias, reseñas y columnas habituales, como manda la tradición.
Cuando el protagonista de Luna creciente sobre el Támesis acaba de despedir en el aeropuerto a una amante de temporada, septembrina y tempestuosa, una llamada desde Londres le hace saber que su padre ha muerto. La noticia indeseada pulsa las teclas de la memoria y hace desfilar ante nosotros toda una vida —la del padre— excepcional, agitada, vivida con una intensidad emocional que provoca la admiración del hijo.
En esta obra, Gabriel Janer Manila combina, con la elegancia a la que nos tiene acostumbrados, una prosa altamente lírica y medida con una narración a ratos brutal, crepuscular, capaz de sumergirse en las profundidades de los misterios de la vida y de la muerte.
Y hasta aquí las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de mayo.
El año 2026 se perfila como uno de los más ambiciosos para la ciencia ficción en el cine. Grandes franquicias, adaptaciones literarias y nuevas apuestas originales llegarán tanto a salas como a plataformas de streaming, consolidando el género como uno de los más potentes del entretenimiento actual.
Los amantes de este maravilloso género están de enhorabuena. Se está produciendo una elevada cantidad de títulos que generan entusiasmo entre los fans. Cantidad y calidad se dan la mano, apostando por una ciencia ficción seria, madura y con ganas de sorprender a los espectadores (como ha ocurrido con el reciente estreno, Proyecto Salvación).
Este género nos permite asomarnos a futuros distópicos, apocalípticos y creativos, que logran encandilarnos y nos invitan a echar a volar la imaginación hacia horizontes desconocidos y nuevos universos.
Ya nos acaba de llegar, de hecho Buena Suerte, Pásalo Bien, no Mueras, el nuevo trabajo de Gore Verbinski (el director de Piratas del Caribe) con su habitual mezcla de locura, caos y excesos con tintes de ciencia ficción. Se trata de una enmarañada comedia con toques filosóficos que utiliza los bucles temporales como eje narrativo y de la cual ya pueden leer aquí la crítica de quien suscribe.
Pero vayamos ahora a lo que queda aún por llegar en este 2026.
Cold Storage (Turno de Noche)
La comedia, el terror y la ciencia ficción se dan la mano para mostrarnos una trama de supervivencia biológica. Basada en la novela homónima de David Koepp (guionista de Parque Jurásico), nos cuenta cómo dos empleados de una instalación secreta deben sobrevivir a su turno nocturno. El peligro es un hongo mutante altamente contagioso que escapa de su prisión y amenaza con extinguir la humanidad.
Con la presencia de Liam Neeson (el Ra’s al Ghul de Batman Begins), convertido en un veterano agente de bioterrorismo, la propuesta gana atractivo. Si a ello añadimos un hongo gamberro, extremadamente contagioso, que amenaza con la extinción masiva, el resultado apunta a un delirio festivo de ciencia ficción. No reinventará el género, pero sí puede ofrecer un espectáculo disfrutable.
Estreno: 24 de abril de 2026.
Star Wars: The Mandalorian and Grogu
Vuelve el pequeño jedi que ha cautivado el corazón de medio planeta. Ambientada en la era de la Nueva República, la historia se sitúa diez años después de El Retorno del Jedi (no os perdáis el cómic Las guerras de Lucas) y antes de El Despertar de la Fuerza. Lucasfilm pone todos sus esfuerzos por ofrecer un gran espectáculo que devuelva la gloria a la saga en los cines.
Adaptación de una leyenda urbana viral en internet que aspira a convertirse en uno de los estrenos más inquietantes del año dentro de la ciencia ficción-terror. La historia sigue a una terapeuta que debe adentrarse en una dimensión extraña para rescatar a un paciente desaparecido. Los Backrooms son laberintos infinitos de habitaciones amarillas, pasillos vacíos y espacios de otra dimensión.
Se perfila como el gran éxito del año para el terror psicológico envuelto en capas de ciencia ficción que trata temas que siempre han interesado a los fans del género. Un filme de horror e incomodidad constante en mundos extraños que bordean la locura. El material original tiene una atmósfera potente, ideal para el terror psicológico.
Estreno: 5 de junio de 2026.
El Día de la Revelación
La vuelta del genial director Steven Spielberg (que hizo soñar a toda una generación) a la ciencia ficción ya está despertando la curiosidad y la ilusión entre los grandes aficionados al género. Un tráiler sugerente, catártico y lleno de misterio ha logrado que la revelación sea una cuestión de Estado. Cada vuelta del director al género suele convertirse en un pequeño acontecimiento.
La cinta abordará, con la intensidad narrativa de su director, el primer contacto entre la humanidad y una especie alienígena. El maestro del cine entendido como espectáculo nos deja una inquietante pregunta: “¿Qué pasaría si se te demostrara, de forma irrefutable, que no estamos solos en el universo?”
Estreno: 12 de junio de 2026.
Hope
Ciencia ficción con estilo surcoreano que nos presenta un thriller de intriga y suspense. La historia sigue a los habitantes de un pueblo portuario que se enfrentan a una amenaza desconocida tras un hallazgo en las afueras, desencadenando una lucha desesperada por la supervivencia.
Cuenta con un reparto lleno de estrellas: Michael Fassbender, Alicia Vikander (la inolvidable Lara Croft), Hwang Jung-min, Jo In-sung, Hoyeon Jung y Taylor Russell. Una cinta que muestra un estilo visual impactante, capturando la naturaleza salvaje del bosque donde se desarrolla la acción. Una cinta que está llamando la atención por su mezcla de géneros que incluye ciencia ficción, misterio y cine de catástrofes. Puede convertirse en una de esas sorpresas que crecen gracias al boca a boca.
Estreno: julio de 2026 (sin determinar).
El Final de Oak Street
¿Será la consagración de David Robert Mitchell como un director a tener en cuenta? La respuesta la tendremos con esta interesante historia en la que un misterioso fenómeno cósmico arranca, literalmente, una calle llamada Oak Street, sacando a sus habitantes de su entorno urbano y transportándolos a un lugar desconocido.
La premisa tiene como motor el misterio, entremezclado con la tensión y la supervivencia, para generar altas dosis de incertidumbre e intriga en los espectadores. Sus primeras imágenes nos muestran una atmósfera inquietante y progresiva que usa el espacio como elemento narrativo. Todo ello se apoya en un concepto simple pero efectivo: el terror en un entorno cotidiano. Una idea que, si está bien ejecutada, podría destacar por su originalidad dentro del género.
Scott promete ofrecernos un thriller de supervivencia con una fuerte carga emocional. Hay un ligero parecido a Soy Leyenda: un hombre que sobrevive en un mundo devastado por una pandemia y acompañado por su perro. Pero esta vez el protagonista tiene un antiguo avión que le permite explorar los restos de la civilización. Esperemos que la cinta nos descubra nuevas sensaciones y logre hacer evolucionar la idea del hombre solitario frente al apocalipsis.
Estreno: 28 de agosto de 2026.
Los Juegos del Hambre: Amanecer en la cosecha
Volvemos a Panem para explorar lo sucedido durante la quincuagésima edición de los Juegos del Hambre. Una nueva historia que profundiza en uno de los personajes más queridos de la saga, Haymitch Abernathy. En esta ocasión, la trama se enfoca en lo sucedido veinticuatro años antes de la saga original. Un proyecto que presenta una narrativa intensa y emocional que conmoverá a todos los fans.
Dirigida nuevamente por Francis Lawrence (director de Constantine y de La Larga Marcha), quien diseñará una nueva experiencia con juegos mortales que prometen elevar el riesgo y encarecer la supervivencia. Unos juegos especialmente brutales que se convirtieron en una de las ediciones más peligrosas que cimentaron las bases del carácter de Abernathy, marcado por el trauma y la pérdida. Un regreso que tendrá un enfoque más oscuro, pero sin perder la fiel esencia del universo original.
Estreno: 20 de noviembre.
Dune: Parte 3
Sin duda, el gran acontecimiento de la ciencia ficción solemne del año. Una película grandiosa, repleta de calidad en todos sus aspectos técnicos, narrativos y audiovisuales, que cerrará una de las mejores trilogías del género que ha dado la historia del cine. Pinchando puedes consultar: crítica Dune: parte 1; crítica Dune: parte 2 y por si tenéis curiosidad también un retro-análisis de Dune (1984).
Esta tercera entrega profundizará en el caos, la tensión y los conflictos internos de un universo que parece estar pagando el precio de la cruzada santa conocida como la yihad. Su final promete una épica más siniestra y dramática: una tragedia que se cuece lentamente bajo los ojos, consumidos por la especia, de un Paul Atreides desafiante, poderoso y letal. Es, probablemente, la película más esperada por los fans del género.
Estreno: 18 de diciembre.
Klara y el Sol
Taika Waititi (director de la estupenda serie de piratas Nuestra bandera significa muerte) adapta una novela de Kazuo Ishiguro, la historia de una robot-amiga artificial llamada Klara, que es comprada para cuidar a una adolescente enferma llamada Josie. A través de su mirada inocente y observadora, aprenderá cómo funcionan las emociones humanas, como el amor, la fe y el sacrificio. Klara cree que el Sol tiene el poder de curar a la niña, lo que la llevará a tomar decisiones extremas para salvarla.
Una cinta que se moverá entre el terreno emocional y la comedia juguetona, elementos típicos del director neozelandés. Una historia de ciencia ficción delicada y contemplativa, centrada más en las emociones que en la acción. Explorando los límites entre programación y humanidad, pasados por el filtro de la intuición y el amor, que contiene dosis de humor tierno y un tono mágico cercano a la fanta-ficción.
Estreno: previsto para 2026. Aún sin fecha exacta confirmada.
Conclusión
2026 será un año clave para los fans de la ciencia ficción. La combinación de grandes blockbusters y propuestas originales garantiza una oferta variada, con contenido para todos los gustos. Desde epopeyas espaciales hasta relatos íntimos sobre la humanidad y el futuro, todo apunta a que estamos ante una de las mejores etapas recientes del género. Será difícil no sentir cierta ilusión ante esta diversidad de notorios estrenos.
El próximo remake de Enredados de Disney ha incorporado a otra gran estrella a su reparto, Diego Luna, protagonista de Andor que se unirá a Teagan Croft, Milo Manheim y Kathryn Hahn, la voz de Agatha All Along, en la película live action de próxima realización.
The Hollywood Reporter ha revelado que la estrella de Andor, Diego Luna, se ha unido al reparto de la película de acción real de Disney, Enredados. La película animada se centraba principalmente en Rapunzel, Flynn Rider y Madre Gothel, lo que significa que solo quedan unos pocos personajes secundarios por asignar.
Así pues, en un giro interesante, la publicación ha sabido que Luna interpretará a un personaje creado específicamente para la película, además de confirmarse que el rodaje de Enredados comenzará en España el próximo mes.
No está claro si Luna tendrá que cantar, pero es probable que tenga un papel importante en la historia dada la fama que ha alcanzado en los últimos años. El actor obtuvo nominaciones a los premios Emmy, Globo de Oro y Critics Choice por su trabajo en Andor, la precuela de Rogue One: Una historia de Star Wars.
Enredados supone el próximo gran proyecto de Luna en Hollywood, ya que ha estado ocupado trabajando en Ashes (Ceniza en la boca), un drama que ha dirigido y coescrito y que adapta la novela en español. También ha protagonizado Mexico 86 de Netflix, que explora justamente cómo México llegó a ser sede del Mundial de 1986.
Hay que recordar que la adaptación de acción real de Disney de Enredados ya tiene como protagonistas principales a Teagan Croft y Milo Manheim. La primera interpretará a Rapunzel y es conocida sobre todo por su papel de Raven en la serie de televisión de DC, Titans. Por su parte, Manheim, la estrella de The Zombies, asumirá el papel de Flynn Rider.
Va a ser interesante ver cómo aborda Disney Enredados. A lo largo de los años, el estudio ha sido criticado tanto por ceñirse demasiado a los dibujos animados originales como por dar grandes giros que no han calado entre el público, por lo que encontrar en este caso el equilibrio adecuado será crucial.
Aún no se ha revelado la fecha de estreno de Enredados.
Universal Pictures ha lanzado nuevo adelanto de La Odisea, de Christopher Nolan, con el acento del mismo está más puesto en la historia familiar de Odiseo y el sentimiento de pérdida que involucra.
La expectativa es grande. La Odisea está cada vez más cerca y, después de aquel primer avance que viéramos en diciembre de 2025, muchos quedamos absortos e impactados ante la propuesta visual con la cual Christopher Nolan adapta el célebre e inmortal poema de Homero. El nuevo tráiler que acaba de dar a conocer Universal Pictures no solo complementa y amplía el anterior, sino que claramente impone un tono distinto.
Mientras que aquel, con muy pocas líneas de texto, se centraba de modo casi excluyente en Odiseo (Matt Damon) y privilegiaba especialmente los aspectos estéticos (el filme está realizado de manera íntegra con cámaras IMAX) y épicos (guerra, mares, tormentas, etc.), el nuevo da mayor protagonismo a Penélope (Anne Hathaway), Telémaco (Tom Holland) y el pérfido Antínoo (Robert Pattinson), que pretende quedarse con la mano de la presunta viuda y el trono de Ítaca.
Ello pone particular acento en la historia familiar subyacente al poema de Homero y en la idea de pérdida, al punto de incluso iniciarse con el diálogo entre Palas Atenea (Zendaya) y Odiseo que ha perdido no solo el camino de regreso sino también sus propios recuerdos por el embrujo de Circe.
Tenemos pues un tráiler más humano e introspectivo, pero no por ello exento de la monumentalidad que el filme destila en cada cuadro; no es que estén ausentes la guerra, el naufragio, los mares embravecidos ni el cíclope (del cual tenemos un nuevo vistazo bastante escalofriante), pero sí queda claro que están esta vez en segundo plano y el nuevo tráiler funciona, en tal sentido, como contracara o más bien complemento del anterior.
Trinity Jo-Li Bliss, protagonista de Avatar: El sentido del agua, ha revelado que, si finalmente se lleva a cabo, Avatar 4 será una película completamente diferente a sus predecesoras. Esto incluirá un salto temporal.
Hubo un tiempo en el que el plan del cineasta James Cameron de cinco películas para la franquicia de Avatar parecía algo seguro. Al fin y al cabo, las fechas de estreno de la cuarta y la quinta entrega llevan fijadas desde hace tiempo para 2029 y 2031. Sin embargo, las cosas cambiaron cuando Avatar: Fuego y ceniza «solo» recaudó 1.400 millones de dólares en todo el mundo.
Tras el éxito arrollador de Avatar (2.900 millones de dólares) y Avatar: El sentido del agua (2.300 millones de dólares), Disney estaba preocupada por el rendimiento de la tercera entrega, y ahora quiere que Cameron haga sus secuelas «más baratas y más cortas» (si él está de acuerdo con eso es otra cuestión).
La actriz Trinity Jo-Li Bliss, ha revelado cuánto de Avatar 4 ya ha rodado. Bliss también confirmó los rumores de que se planea un salto temporal en las películas de ciencia ficción tras la última victoria de los N’avi sobre la RDA.
«Rodamos una pequeña primera parte, y eso es antes de ese salto temporal épico, que va a ampliar mucho la historia, desde los planes de los personajes hasta los ecosistemas de Pandora» «Apenas hemos arañado la superficie de lo que sabemos sobre este mundo, estos personajes y hasta dónde pueden llegar».
«Así que espero de verdad que podamos continuar con ello. Pero sí, rodamos un poquito, y lo recuerdo bien. De hecho, aunque tenía nueve años, porque era una especie de salto temporal. Ahora tengo 16. ¿No es una locura?».
«Sí que sé cuántos tenemos» « Supongo que eso es lo mejor, porque Avatar: El sentido del agua y Fuego y ceniza se hicieron pensando en Avatar 4 y 5, y es una historia completa que espero que podamos terminar, porque Avatar: El sentido del agua y Fuego y ceniza son básicamente una sola historia, y Avatar 4 y 5 van a ser algo totalmente distinto, un capítulo completamente nuevo».
Se ha informado anteriormente de que alrededor del 22 % (una cifra sorprendentemente concreta) del cuarto capítulo ya está rodado. Y, mientras que Cameron contrató a Rick Jaffa y Amanda Silver para escribir la segunda y tercera películas, encargó a Josh Friedman y Shane Salerno la tarea de dar forma a los capítulos cuarto y quinto.
¿Podrá Cameron hacer sus secuelas de Avatar con menos presupuesto y con una duración más corta? ¿Y querrá siquiera hacerlo? Esa es la gran pregunta ahora mismo, pero podría ser posible si esas próximas entregas fueran opuestas. Se dice que serán tan radicalmente diferentes de Avatar: Fuego y ceniza como lo fue Star Wars de El Imperio contraataca. ¿Será verdad?
Cameron ha sido claro en cuanto a no permitir que otro director continúe la franquicia de Avatar sin él, e incluso ha barajado la idea de terminar su historia de Pandora en forma de libro. Aún queda mucho tiempo hasta la fecha de estreno de Avatar 4, anunciada previamente para el 21 de diciembre de 2029, pero aún está por ver si se cumplirá.
La recta final de ‘The Boys’ está demostrando que la serie ha alcanzado un punto de no retorno donde la depravación y la locura ya no son el clímax, sino el ruido de fondo. En esta pareja formada por los episodios cuarto y quinto de la última temporada, asistimos a una evolución de Patriota que, paradójicamente, empieza a perder su capacidad de impactar y su carisma oscuro. El líder de los Siete está tan desatado y su mente se ha roto de tal forma que sus arrebatos violentos ya no se sienten como giros de guion, sino como otro día más en la oficina.
¿Soy el único que piensa en la muerte de Julio César cuando ve cada capítulo de esta temporada?
Esta sensación de fatiga ante el horror es el eje sobre el que pivotan estas dos entregas, donde incluso los momentos más esperados por el fandom parecen quedar sepultados bajo el peso de una narrativa que avanza demasiado lentamente y que ya solo sabe escalar hacia el caos, dejando por el camino personajes que parecen haber perdido el rumbo y su importancia.
La búsqueda del V-1 es el MacGuffin de la temporada, pero ya cansa mucho, que siempre sea un callejón sin salida todo lo que hay sobre eso.
En el cuarto episodio, la serie intenta anclar el caos en algo humano antes de que de desate la guerra que nos están prometiendo de forma velada, pero se topa con un problema de coherencia en sus figuras más potentes. El arco de Annie con su padre biológico ofrece un respiro necesario, un recordatorio de que todavía quedan vínculos reales en un mundo consumido por el marketing de Vought. Cierto es que me vino un ligero ‘tufo’ a que Luz estelar no verá los créditos finales del último capítulo.
Querer cerrar el círculo ahora y porque sí, me ha resultado de esas conversaciones que suelen tener los personajes protagonistas de esas películas de guion torpe antes de morir. ‘Que ganas tengo de volver a ver a mi hijo cuando salgamos de esta’ o ‘Cuando me jubile tendré esa casita en la playa que siempre quise’.
Y ojo, que me parece bien que se cierren las historias de los protagonistas, pero mi problema viene cuando la gestión de dichos personajes empieza a sentirse errática, especialmente en el caso flagrante de Soldier Boy. A estas alturas, el legendario ‘super’ está siendo profundamente infrautilizado. Tras haberlo presentado como la fuerza definitiva, ahora deambula por la trama en un limbo de motivaciones confusas: un momento parece decidido a ver a su hijo muerto y al siguiente actúa como su protector bajo una lógica de «linaje» que no termina de cuajar.
Da la sensación de que los guionistas lo recuperaron por que la audiencia amó a Jensen Ackles (quien no lo haría) y ahora no saben muy bien qué hacer con él más allá de tenerlo como ‘deus ex machina’.
La trama está muy estancada y el quinto episodio, intenta compensarlo con una explosión de ‘fan-service’ y nostalgia, trayendo la esperada reunión del elenco de ‘Supernatural’. Ver a Jensen Ackles, Jared Padalecki y Misha Collins compartir pantalla es un disfrute para los que seguimos aquella mítica serie de los hermanos Winchester. Sin embargo, incluso este hito televisivo, con el cameo de un Seth Rogen, solo consiguen unas escenas divertidas en un momento en que lo divertido debería dejar paso a un final apoteósico.
Que maratón repita en 4 o 5 ocasiones lo que hizo A-Train con la novia de Hughie es estirar el chicle.
Creo que la sutileza y la crítica le sientan mejor a esta serie, como el guiño directo a los escándalos de Sean «Diddy» Combs. El hallazgo de cantidades industriales de aceite de bebé de la marca ‘Puff Baby’ en medio de un escenario de depravación absoluta es ‘The Boys’ en su estado más puro. Es una parodia mordaz que desnuda la impunidad de las élites.
Esta temporada se está dejando llevar tanto por la figura de un Patriota cuya psicopatía ya ha tocado techo, que la dejado a un lado la historia. Cuando este decide acabar con Dinamita de una forma tan gratuita como brutal, el espectador apenas parpadea. Sobre todo, porque desde el comienzo de la conversación se ve venir el desenlace. Hemos llegado a un punto en el que el asesinato de un personaje principal ya no genera horror, sino una fría confirmación de que la sorpresa ha muerto por exceso de su uso.
El regreso de Edgar ha sido otra ocasión perdida de antagonista interesante. Por otro lado el momento del noticiario en el que Dinamita reniega de su iglesia y acusa al sacerdote de haber abusado de niños es desgarrador gracias a la interpretación de Valorie Curry. Mis dieces a su actuación.
Conclusión
Todo se está ralentizando todo en esta ultima temporada de ‘The Boys’ que tengo la sensación que Amazon Prime vídeo se guarda todo para los tres capítulos que quedan, toda la pólvora en solo tres disparos.
Eric Kripke ya ha mencionado que el final no va a gustar a todos, ¿quizás se prepare para un ‘Juego de Tronos’? ¿Nos está preparando para una recta final que va a decepcionar? Creo que se les ha calado el coche en la línea de salida y ahora van a tener que acelerar más de la cuenta para ponerse al día.
Con un Patriota operando en un nivel de mesianismo desquiciado que está perdiendo su carisma de némesis y un Soldier Boy que parece una veleta que no sabe ni por donde sopla el viento.
El verdadero clímax no será la próxima explosión de ira, sino ver si la serie es capaz de cerrar estos hilos antes de que el espectador desconecte por pura saturación o se acaben los episodios que quedan.
«Top Gun 3» está en fase de desarrollo, y por lo que parece que ya ha comenzado la búsqueda de un director. Un nuevo informe ha revelado algunos nombres que Paramount podría estar barajando para ponerse al frente de la próxima película de Tom Cruise.
Aunque Ellison quizá se haya precipitado un poco al anunciar la película, ya que aún queda mucho para que entre en producción, ahora tenemos la confirmación oficial de que, efectivamente, se está escribiendo un guion. Sin embargo, esto no es precisamente una novedad. Ehren Kruger, coguionista de Top Gun: Maverick, fue contratado para escribir el guion hace dos años, y se cree que Christopher McQuarrie también está involucrado, tras haber revelado el año pasado que había dado con la historia de la secuela.
Sin embargo, lo que no se reveló en ese reciente anuncio fue el nombre del director de la secuela. Joseph Kosinski dirigió Top Gun: Maverick, pero, dado que está ocupado con Miami Vice 85, se ha confirmado que no volverá para la secuela. Como es lógico, muchos fans dieron por hecho que Cruise recurriría a su colaborador de toda la vida, Christopher McQuarrie, para ponerse al mando, pero parece que McQuarrie tampoco está entre los candidatos después de que las dos últimas películas de Misión Imposible no obtuvieran los resultados esperados en taquilla.
En su lugar, McQuarrie se encargará de una secuela de Conan el Bárbaro con Arnold Schwarzenegger y se encuentra en las primeras fases de desarrollo de una película basada en Battlefield con Michael B. Jordan.
Con Kosinski y McQuarrie fuera de la carrera, ¿quién está realmente en liza para el puesto?
Sneider informa de que entre los nombres que se barajan se encuentran Jon M. Chu (Wicked; G.I. Joe: La venganza), Joachim Rønning (Tron: Ares; Piratas del Caribe: La venganza de Salazar) y el dúo de directores formado por Adil El Arbi y Bilall Fallah (Bad Boys: Ride or Die; Ms. Marvel). Hay algunos otros nombres en liza, pero por ahora siguen siendo un misterio. En cualquier caso, si alguno de los directores mencionados se hiciera con la película, sería la primera vez que trabajarían con Cruise.
Ahora bien, queda por ver si Top Gun 3 será la próxima película de Cruise tras Digger, de Alejandro G. Iñárritu, sobre todo teniendo en cuenta todos los demás proyectos que tiene en diversas fases de desarrollo. Sin embargo, sin duda parece una prioridad para el estudio, al que sin duda le vendría bien un éxito tras su reciente adquisición de Warner Bros.
El reciente estreno de la secuela de El Diablo viste de Prada sirve como pretexto para hacer repaso de la película de David Frankel que, con una brillante Meryl Streep sólidamente acompañada por las entonces ascendentes Anne Hathaway y Emily Blunt, pasó a ser referencia indiscutida de la filmografía relacionada con el mundo de la moda y la cultura fashion. Un 20 de abril de 2006 tenía su preestreno en el Lincoln Center de New York…
Bienvenidos a un nuevo retro-análisis, hoy para hablar de El Diablo viste de Prada (en inglés original The Devil wears Prada y en Latinoamérica El Diablo viste a la Moda), película de 2006 que, dirigida por David Frankel, fue un exitazo de taquilla y se convirtió sin dudas en el filme icónico de la moda (lo que no había logrado en la década anteriorPrêt-à-Porter, de Robert Altman). El reciente estreno de su secuela nos da una buena excusa para echarle repaso…
La última década del siglo pasado y la primera de esta fueron sin duda de la moda. Las transmisiones de los desfiles arrasaban en audiencia, los nombres de las modelos eran tan conocidos como los de las estrellas de rock y los diseñadores eran los nuevos rostros de la industria. Hasta en una entrega de Premios Oscar se presentaron los ternados para mejor vestuario en modo desfile.
No es que hoy todo eso haya desaparecido, pues el de la moda sigue siendo indiscutiblemente un ámbito ligado al éxito, el dinero y esa sensación de vida inaccesible que nos pasa muy pero que muy lejos, pero claramente perdió el lugar de preeminencia cultural que tenía en aquellos días y ya analizaremos las razones. Lo importante aquí es que justamente en ese contexto se estrenó el título que nos ocupa.
El Diablo viste de Prada está basada en la novela homónima de Lauren Weisberger publicada en 2003 que fue todo un éxito en ventas y de la cual 20th Century Fox adquirió los derechos cuando ni siquiera estaba aún terminada. La misma tenía mucho de autobiográfico, pues la autora que, al igual que la protagonista, se había trasladado a New York en busca de trabajo, se desempeñó durante diez meses en la redacción de la revista Vogue a las órdenes de Anna Wintour, famosa por haber posicionado a la publicación bien alto, pero también por su estilo de liderazgo demandante y tiránico.
David Frankel contaba para ese entonces en su haber con un único largometraje como director (Rapsodia en Miami), pero había ganado en 1997 el Oscar al mejor cortometraje por Querido Diario, así como un Emmy en 2005 por la dirección del episodio piloto de la serie Entourage, de HBO. Fue, de hecho, el primero en quien pensó Wendy Finerman, productora igualmente oscarizada por Forrest Gump (1994).
El guion recayó en manos de Aline Brosh McKenna (después de haber probado borradores con otros tres), quien venía de un par de comedias románticas (Three to Tango, Las Leyes de la Atracción) y a la cual Frankel encargó que hiciera los cambios necesarios sobre la novela original que, según él, castigaba en demasía a la jefa de redacción Miranda Priestly, equivalente de Wintour en la trama.
A fine de hacer la historia más realista, McKenna recurrió al testimonio de varias personalidades de la moda, pero no la tuvo fácil con el terror a Wintour y su guadaña editorial. De hecho, se dice que amenazó a quienes aparecieran en el filme haciendo de sí mismos, siendo el diseñador Valentino Garavani y las modelosHeidi Klumy Bridget Hall prácticamente los únicos que se atrevieron. Gisele Bündchen pidió no aparecer como sí misma ni tan siquiera como modelo (en esos días era la mejor paga del mundo), por lo que interpreta a una asistente más en la redacción de Runway, revista que hace las veces de Vogue.
Para el papel de Miranda fueron consideradas Michelle Pfeiffer, Glenn Close yCatherine Zeta-Jones, mientras que Meryl Streep fue inicialmente descartada por “demasiado seria”. Después se evaluó que su presencia daría al filme una buena reputación a priori y, además, se supo que Anna Wintour estaba dispuesta a cambiar su perspectiva de la película si el personaje era interpretado por ella. La paga inicial, no obstante, fue considerada baja por la actriz y hubo que duplicársela para que acabase aceptando.
Extraño fue el caso de Emily Blunt, pues más de cien actrices audicionaron para el que acabaría siendo su personaje que, al igual que ella, se llama Emily. Lo curioso fue que Blunt no estuvo entre ellas, sino que un agente de casting la vio y escuchó por absoluta casualidad mientras audicionaba para Eragon (2006), película para la cual no fue finalmente seleccionada, y quedó gratamente impresionado por su estilo y el acento británico que buscaban. La llevó con Frankel y rápidamente fue contratada.
La Historia
Andrea Sachs (Anne Hathaway) es una periodista universitaria que, viniendo de graduarse en Northwestern (Illinois), arriba a New York en busca de una oportunidad laboral que consigue en la redacción de la prestigiosa revista de modas Runway como segunda asistente de Miranda Pristley (Meryl Streep), famosa jefa de edición de la cual, sin embargo, nunca ha oído hablar.
Nada sabe de ese mundo glamoroso y ello le dificulta encajar, sumado a que va descubriendo lo pedante, implacable y demandante que puede llegar a ser Miranda, que la ningunea permanentemente por su hablar, su vestuario o su peinado y le exige cosas de lo más descabelladas e incluso ajenas a la publicación (como el manuscrito del nuevo libro de Harry Potter aún inédito para regalárselo a sus hijas).
Andrea deberá aprender a los golpes los avatares de su nuevo empleo y a convivir con el resto de sus compañeros de trabajo, especialmente la primera asistente Emily (Emily Blunt), quien está obsesionada con la perspectiva de acompañar a Miranda en un próximo viaje a París para la Semana de la Moda y con la cual entrará en involuntaria competencia. Y conocerá a Nigel (Stanley Tucci), director de moda de la revista que se irá convirtiendo en su mentor, así como a Christian (Simon Baker), periodista con el que entablará una amistad que irá dando paso a la atracción mutua..
Pero todo ello le significará a la vez una redefinición de su vida y, sobre todo, de la relación con su novio Nate (Adrian Grenier), un sencillo muchacho que sueña con ser chef y se siente relegado al verla tan enfrascada en su trabajo y en un mundo al que siempre consideró frívolo y superficial.
Metáfora del Poder
Como decíamos al principio, la moda, el glamour y la industria fashion siguen teniendo una gran importancia, pero claramente no ya el lugar que ocupaban en los noventa o dos mil. ¿La razón? Pues la proliferación de los casos de anorexia y bulimia fue sin duda uno de los factores clave al dar lugar a campañas de concientización sobre los peligros de buscar compulsivamente patrones estéticos socialmente establecidos como deseables, pero que exigen al cuerpo más allá de lo posible y saludable.
La moda comenzó pues a rodearse de un aura maldita. Se la veía, algo exageradamente, como la única responsable de todo y se comenzó a difundir la idea de que uno debe aceptarse como es sin pensar que un tipo de cuerpo sea mejor o más deseable que otro. Si a ello agregamos la imagen de frivolidad y éxito fácil (otra vez exagerada) que siempre la moda conllevó, fue casi lógico que se la demonizase por desviar a los jóvenes de objetivos que implicaran una mayor cultura del esfuerzo.
Jamás consideré (como suele creerse) que la gente de la moda sea estúpida. Que representen, o incluso lleven, una vida de glamorosas frivolidades no debe hacer pensar que son imbéciles. Cuando en un desfile vemos un atuendo espantosamente recargado de algún color o saturado con un motivo determinado, los diseñadores saben perfectamente que lo más posible es que casi nadie lo compre ni lo use, pero el público retendrá la tendencia a través de la exageración y cuando alguien vea en una vitrina algo que lleve mínimamente ese color o motivo, sabrá que eso es lo que “se usa”.
Es manipulación, sí, pero no menos que la puedan ejercer los gobiernos, el sistema educativo, la prensa o incluso el cine. Y es en su relación con el poder de convicción donde la moda adquiere su mayor fuerza y a ello apunta especialmente la película que nos ocupa. Baste como ejemplo el discurso del suéter azul cerúleo que pronuncia Miranda y que no en vano se volvió tan icónico, pues sintetiza a la perfección el funcionamiento de los más sutiles mecanismos de poder al decirle a Andy que esa prenda que lleva puesta es el resultado de muchas decisiones, aunque crea que simplemente la “eligió” en una tienda.
Esa dicotomía entre elegir y creer que se elige envuelve y atrapa a Andrea, que cambia para encajar hasta que lo logra y, al hacerlo, supera tanto a sus propios compañeros de trabajo como a sí misma, pero lo que está haciendo no es crecer, como en principio supone, sino solo adaptarse y, con ello, resignar inevitablemente parte de su vida anterior. De alguna forma, vender su alma al diablo del que habla el título del filme.
Y cuando, muy avanzada la película, descubre impensadamente humanidad en Miranda, entiende que también su jefa es un engranaje y, al igual que ella, tampoco elige: su discurso del suéter hablaba también de sí misma.
La historia que cuenta The Devil wears in Prada puede parecer a primera vista ligera y, de hecho, está presentada como tal: no busca los simbolismos de ni la sátira feroz de Zoolander (2001), pero contiene, aun así y bajo su formato de comedia romántica pasatista, una profunda lectura sociológica y filosófica que no salta a primera vista.
Hay quienes acusan al filme de suavizar el tono de la novela para hacerlo más digerible y menos corrosivo hacia el sistema y el mundo de la moda. No puedo hablar porque no la he leído, pero sí decir que la crítica social, quizás más sutil, está presente en el filme de todas formas.
Un Memorable Trío de Actrices Principales
Miranda está lejos de ser la clásica villana caricaturizada, lo cual es mérito de la guionista McKenna al hacer más humano al personaje de la novela, pero también, y qué duda cabe, de ese coloso de la actuación que es Meryl Streep, a quien le valió este papel ser nominada para el Oscar y quedarse con un Globo de Oro. No eleva la voz ni llena cada aparición en pantalla con gritos o gestos y, sin embargo, impone respeto con su sola presencia y nos hace estar atentos de manera hipnótica a cada cambio en la expresión de su rostro.
Y Anne Hathaway, que es una gran actriz de comedia (es aquí donde me gusta y no como Catwoman, por ejemplo), sale airosa del difícil desafío de hacerle de antagonista. Ni qué decir Emily Blunt, que está brillante interpretando a quien se desvive por ascender, pero se siente a la vez limitada en su potencial y estalla en crisis depresiva cuando, pasándole por encima, Miranda elige a Andrea para acompañarle en su viaje a París.
Entre el elenco masculino, Stanley Tucci se luce como siempre y es una pena que, aunque con dos Globos de Oro y una nominación al Oscar en su haber, esté siempre condenado a papeles secundarios. También está muy bien Simon Baker, a quien le faltaban aún algunos años para interpretar a Patrick Jane en la exitosa serie El Mentalista. Y Adrian Grenier, aunque su personaje no esté muy bien desarrollado en su relación con Andrea y, visto hoy, puede verse más tóxico que romántico (aunque yo ya lo vi de ese modo en aquel momento): ¿será esa la razón por la cual no lo llamaron para la secuela? Vaya a saber…
Sobre Ropa y Música
No se puede hablar de El Diablo viste de Prada sin hacer, desde ya, referencia al vestuario que, responsabilidad de Patricia Field, le valió al filme su otra nominación al Oscar, además de la de Streep (aunque no ganó en ninguna de las dos categorías ). Es que el atuendo forma parte también parte de la metáfora del poder, pero también representa el ascenso social: cada cambio de indumentaria implica ir un escalón más arriba.
Y desde luego que, aun si le quitamos ese enfoque, el filme hace las delicias de quienes gustan solo de ver ropa y no buscan tanta profunda y aburrida lectura entre líneas por detrás de la estética, lo cual de ningún modo está mal. Y si no, pregunten a los fans de la serie Emily en París (aquí los análisis de un servidor).
La música juega también su parte: la partitura de Theodore Shapiro cumple su función tanto en los momentos emotivos orquestales como en los que llevan algo más de groove o acid jazz (lo que toca ese bajista, mi madre), pero además se complementa a la perfección con un amplio cancionero no compuesto especialmente, pero fácil de relacionar con el mundo del glamour y no tanto por los artistas involucrados, sino por el clima que proponen, desfilando así (expresión muy adecuada) Madonna, U2, Jamiroquai, Moby o Alanis Morissette, entre otros. Ambas bandas sonoras (la de Shapiro y las canciones) fueron editadas en álbumes separados.
Eso sí: a pesar de que la película se haya vuelto icónica en relación con la moda, ningún tema musical de su banda sonora logró quedar tan ligado a ese mundo como lo hiciera más de una década antes Here comes the Hotstepper(Ini Kamoze) que, incluido en la película Prêt-à-Porter, quedó indisolublemente ligado por años a desfiles y pasarelas. Gran paradoja considerando que el filme de Robert Altman no alcanzó el carácter icónico de El Diablo viste de Prada, aunque en mi modesta opinión y contra las críticas que en su momento lo denostaron, está medio escalón por encima sin ser por ello perfecto.
Valoración y Legado
Entre tanta virtud que le he señalado al filme, no he hablado de lo que no me convence y que (además del flojo tratamiento de la relación entre Andrea y Nate) es el tono de moraleja edificante en el final. Quizás sea más compatible con el carácter de comedia buscado (y el éxito de taquilla así lo avala), pero creo que un final moralmente más ambiguo hubiera sentado mejor a la propuesta.
Fuera de eso, no cabe duda de que la película funciona o no tendría veinte años después el lugar emblemático que sigue preservando ni tampoco, por estas horas, una secuela en los cines. Las formidables actuaciones, desde ya, contribuyen a su vigencia.
Con un presupuesto de treinta y cinco millones de dólares, El Diablo viste de Prada recaudó casi diez veces su costo. David Frankel dirigió siete largometrajes más desde entonces, pero ninguno tan exitoso, aunque sí sucesos de taquilla nada despreciables con Una Pareja de Tres (2008) o Si de Verdad quieres… (2012). Y, al menos por las primeras cifras, parece haber comenzado realmente bien con El Diablo viste de Prada 2(2026).
Anne Hathaway quedó definitivamente convertida en estrella y ese 2006 apareció en la lista de las cincuenta personas más bellas del mundo según la revista People. Interpretaría luego a la Agente 99 en Superagente 86 de Película (2007), a la Reina Blanca en Alicia en el País de las Maravillas (2009) y, de modo menos convincente, a Selina Kyle en El Caballero Oscuro: La Leyenda renace (2008). Ganaría el Oscar como Fantine en Los Miserables (2012) y tendría también papeles icónicos para Christopher Nolan en filmes como Interstellar(2014) oLa Odisea (2026), próxima a estrenarse y en la cual da vida a Penélope.
Emily Blunt daría también inicio a una carrera rutilante con celebrados papeles enAl Filo del Mañana (2014), La Chica del Tren (2016), Un Lugar en Silencio (2017), Jungle Cruise (2021) y, por supuesto, Oppenheimer(2023), que le valió el Oscar como mejor actriz de reparto. Tuvo además nada menos que ocho nominaciones para el Globo de Oro, premio que ganó en 2006 por el telefilme La Hija de Gideon. Y de Meryl Streep creo que no hace falta hablar. ¿O sí?…
El Diablo viste de Prada es una película que entretiene y genera un buen rato si simplemente se la ve como pasatista o mostrario de ropa, pero que lleva una interesante reflexión sobre el poder si se la sabe leer entre líneas. Su carácter icónico es innegable.
Dio lugar en Broadway a un musical con canciones a cargo de Elton John y se impuso como influencia casi obligatoria para mucho de lo que vendría después, hasta el día de hoy. La mencionada serie Emily en París, de hecho, tiene bastante del filme que nos ocupa y la jefa Sylvie (Philippine Leroy-Beaulieu), remite bastante a Miranda, lo mismo que Cat Grant (Calista Flockhart), la autoproclamada “reina de los medios” en la serie Supergirl (aquí los análisis de otro servidor).
La invitación a redescubrir el filme queda hecha y el estreno de la secuela es, desde ya, una buena excusa para hacerlo. Hasta la próxima y sean felices…
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos La trilogía de Contrato con Dios de Will Eisner. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Hay cómics que te entretienen. Hay cómics que te flipan. Y luego está la trilogía de Contrato con Dios de Will Eisner, que directamente te mira a los ojos y te dice: “mira, chaval, la vida es esto y no siempre es bonita”.
Y claro, vienes con la mentalidad de “me voy a leer un cómic tranquilito”, y lo que te llevas es una experiencia que te deja un poco tocado. Tampoco roto del todo, pero sí como cuando sales de ver una peli muy buena y necesitas diez minutos en silencio para recomponerte.
Norma ha recuperado ahora este mastodonte en un pack con los tres tomos con más de 550 páginas en blanco y negro que básicamente son historia viva del cómic.
Esto no es un cómic. Es el momento en que todo cambió
Vamos a decirlo claro, aquí nació eso que hoy llamamos “novela gráfica”. Y no como etiqueta de marketing para que no te dé vergüenza leer cómics en el metro. No. Aquí nació de verdad.
En 1978, Eisner decidió contar historias adultas, con problemas reales, con personajes que no llevaban capa ni máscara. Y lo llamó novela gráfica porque quería que se tomara en serio. Y claro, le salió esto.
Una obra que no va de salvar el mundo, sino de sobrevivir en él. Que no habla de héroes, sino de gente normal intentando no venirse abajo. Que no te da respuestas, pero te deja preguntas que te acompañan bastante rato.
Dropsie Avenue, el barrio donde pasa la vida (y todo lo demás)
Las tres partes que componen la trilogía son Contrato con Dios, Ansia de vivir y Avenida Dropsie y giran alrededor de un mismo escenario, un barrio ficticio del Bronx.
Y lo fascinante es que ese barrio se convierte en protagonista.
En la primera obra ves historias concretas, humanas, muchas veces duras. De hecho, la historia principal nace del dolor personal de Eisner tras la muerte de su hija, y eso se nota. No es impostado. No es drama barato. Es real.
En la segunda vuelves al mismo lugar, pero con otras vidas, otros conflictos, como si el barrio respirara por sí mismo.
Y en la tercera ya no hablamos de personas concretas, sino del propio barrio como entidad. Lo ves crecer, cambiar, degradarse, evolucionar, como si fuera un ser vivo con mala suerte.
Lo incómodo. Aquí no hay escape
Esto es importante decirlo, porque alguien tiene que hacerlo, este cómic no es para todos los públicos ni para aquellos que buscan un final feliz.
Aquí no vienes a desconectar. Vienes a enfrentarte a temas como la fe, la frustración, la pobreza, el paso del tiempo o la injusticia. Cosas ligeritas, vamos.
Pero lo curioso es que, aun siendo duro, no es deprimente. Porque también hay humanidad, pequeños momentos de luz, gente intentando salir adelante como puede.
Es como la vida misma, pero sin filtros de Instagram.
Eisner dibujando como si estuviera contando secretos
El dibujo aquí no busca lucirse. No hay poses épicas ni splash pages para colgar en la pared. Lo que hay es narrativa pura.
Cada viñeta está pensada para contar algo. Para transmitir emoción. Para hacerte sentir incómodo o cercano, según toque. Y lo hace con una naturalidad insultante.
Porque parece fácil, hasta que te das cuenta de que no lo es en absoluto.
Un clásico que perdura (y eso es buena señal)
Que esto se siga leyendo hoy y siga funcionando dice mucho. Muchísimo.
Porque no depende de modas, ni de referencias pop, ni de giros locos de guion. Depende de algo mucho más complicado, entender a las personas.
Y ahí, Eisner juega en otra liga. Eisner tiene un don, por eso es un grande.
La conclusión es que esto hay que leerlo, aunque no te apetezca.
Contrato con Dios y otras historias de los tenements
Eisner presenta cuatro historias sobre la vida en la avenida Dropsie, un barrio del Bronx, en Nueva York. La historia que da título a la obra fue la forma en la que el autor procesó la muerte de su hija Alice, de dieciséis años.
Ansia de vivir
Revisitamos el vecindario de la avenida Dropsie para conocer más historias cuotidianas de sus habitantes y, quizás, encontrarle sentido a la vida.
Avenida Dropsie
Un barrio, como una persona, crece, evoluciona, madura, e incluso muere. A través de las historias de sus habitantes, veremos los cambios que sufre la avenida Dropsie durante más de un siglo.
Como todos los meses, compartimos las novedades de Disney+, que este mayo nos trae como principales el episodio especial y único The Punisher: One Last Kill y la película Send Help, del maestro Sam Raimi.
Bienvenidos sean a un nuevo mes de novedades en Disney+, en este caso las del mes de mayo que, creo, nunca vinieron tan pobres en cantidad, pues lo que se dice estreno una vez más, no vienen muy cargadas, pero sí con algunos títulos de peso que ya pasamos a recorrer.
Reinaldo Marcus Green (director deEl Método Williams) está a cargo de un proyecto del cual, recordemos, Bernthal había declinado en un momento participar, pero quedó al parecer convencido con el rumbo que se le dio al personaje en Daredevil: Born Again, según él más cercano al espíritu original. En esta oportunidad, Castle intentará llevar una vida tranquila en la cual dejar atrás todo sentimiento de venganza pero, como es de esperar, le será imposible.
Estreno el 13 de mayo.
Fuera de ello y siguiendo con series, lo único que puede ser llamado estreno (por lo menos para la plataforma) es RJ Decker, serie creada por Rob Dohertyque fue puesta al aire por ABC en el mes de marzo y que está basada en la novela Doble Golpe (1987), de Carl Hiaasen. Con Scott Speedman en el papel principal, sigue justamente a R.J. Decker, un fotógrafo de prensa que ha ido a parar a prisión por una agresión cometida en estado de angustia emocional debido al asesinato de un amigo.
Salido de su reclusión, busca iniciar una nueva vida como investigador privado en el sur de Florida junto a su actual esposa, que es policía, y a su ex, que es periodista, además de una abogada adinerada con aires de femme fatale. Al encontrarse con un crimen para resolver que reviste características similares a aquel que le tocara tan de cerca, se verá obligado a meterse en el sombrío mundo de Tampa, tan turbio como los pantanos del lugar y lleno de revelaciones insospechadas.
Estreno en la plataforma el 6 de mayo.
Entre las películas se destaca especialmente Send Help (Enviad Ayuda), ya que viene con el detalle de estar dirigida nada menos que por el gran Sam Raimiy protagonizada por Rachel McAdams, quien interpreta a una estratega corporativa que, tras un accidente aéreo, queda varada en una isla deshabitada junto al director ejecutivo de su empresa, siendo los únicos sobrevivientes de la tragedia.
La historia de supervivencia en una isla desierta puede sonar a muchas veces vista (Náufrago, Perdidos, El Lago Azul, Seis Días y Siete Noches), pero estando Sam Raimi de por medio es de creer que tendrá algún giro especial y, en este caso particular, parece tener que ver más con la propia tensión entre los dos sobrevivientes que con peligro externo.
Estreno el 7 de mayo.
Siguiendo con las películas (bah, mejor dicho con la única que nos queda), llega a la plataforma Playa de Lobos, comedia negra de suspenso psicológico hispano-argentina que, con dirección del gallego Javier Veiga, fuera estrenada en los cines en diciembre de 2025.
Protagonizada por el español Dani Rovira (ganador del Premio Goya por Ocho Apellidos Vascos) y el argentino Guillermo Francella (protagonista de la serie El Encargado), ha cosechado buenas críticas en su paso por las salas y su historia parte del encuentro casual entre un trabajador de la playa y un turista que, poco a poco, se irá revelando justamente como no tan casual.
Estreno el 8 de mayo.
Bueno, y no hay más, les dije que era poco. Pero no podemos dejar de mencionar que además tenemos nuevas temporadas de series ya en curso, como las segundas de Rivales, Deli Boys o la documental Tucci en Italia, de National Geographic y conducida por el inmenso Stanley Tucci. También la segunda parte de la quinta de Colegio Abbott, la cuarta de El Encargado (aquí nuestros análisis) y, ya en el terreno de la animación, nuevos cortos de la adorable perrita australiana Bluey y nada menos que el episodio 800 de Los Simpson, que llega el 27 de mayo como parte de su ya estrenada temporada 37.
Sin más, al listado…
SERIES
. El Encargado (temporada 4, 1 de mayo)
. RJ Decker (temporada 1, 6 de mayo)
. Tucci en Italia (tempora 2, 12 de mayo)
. The Punisher: One Last Kill (episodio especial único, 13 de mayo)
. Rivales (temporada 2, parte 1, 15 de mayo)
. Bluey (nuevos cortos, 20 de mayo)
. Colegio Abbott (temporada 5, parte 2, 27 de mayo
. Deli Boys (temporada 2, 28 de mayo)
PELÍCULAS
. Send Help (7 de mayo)
. Playa de Lobos (8 de mayo)
DOCUMENTALES
. Bienvenidos al Wrexham Football Club (temporada 5, 6 de mayo)
. Tucci en Italia (temporada 2, 12 de mayo)
Y esto es todo por este mes. Esperando que hayan encontrado algo de su gusto e interés, nos volvemos a encontrar en junio. Hasta entonces y sean felices…
Algo bueno que tiene la ciencia ficción es que consigue trasladar problemas filosóficos y conflictos morales a nuestra actualidad, para avisarnos de que el comportamiento de la humanidad nos puede llevar a mundos futuros sombríos o apocalípticos. El subgénero de los viajes en el tiempo nos ofrece la oportunidad de descubrir qué hacemos mal para cambiar ese futuro tenebroso en el que se convierte el mundo.
Partiendo de esta premisa, Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras es una versión irreverente, creativa e imaginativa que logra tener su propia personalidad (algo parecido a la hipnótica Donnie Darko). Sus virtudes la colocan, aun a pesar de sus fallos, como un referente de las películas de bucles temporales, ya que tiene la habilidad de ejecutar con maestría, ritmo y precisión una intrincada red de ideas sorprendentes y desmitificadoras sobre la IA. Su elaborada puesta en escena rebosa frescura e inteligencia, sacando al espectador de su letargo y obligándolo a pensar.
Argumento y créditos
Su trama nos cuenta cómo un hombre, con una pinta curiosa, dice venir del futuro. En ese bar tiene que reclutar a un variopinto grupo de personas para salvar el mundo. Durante una noche, este grupo de improvisados héroes deberán derrotar a una amenazante inteligencia artificial que ha conquistado el planeta.
Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras está protagonizada por Sam Rockwell, Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz, Asim Chaudhry, Tom Taylor y Juno Temple. El director de la película es Gore Verbinski (el responsable de la primera trilogía de Piratas del Caribe). Su guionista es Matthew Robinson y Jim Whitaker es el encargado de la fotografía. El compositor de la banda sonora es Geoff Zanelli. Las productoras de la película son: 3 Arts Entertainment, Constantin Film y Blind Wink Productions.
La comedia como puerta de entrada a una reflexión más incómoda
Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras supone el regreso de Gore Verbinski a un terreno en el que se maneja bien: la mezcla de una propuesta fantástica repleta de acción y humor. Hay que reconocer que tiene una marcada personalidad a la hora de rodar, gracias a una mirada visualmente ambiciosa. Aunque su tendencia a los excesos pirotécnicos lastra su acabado final.
La película nos plantea un relato en varias capas: desde una divertida aventura de ciencia ficción hasta una comedia salvaje que oscila entre lo surrealista y lo lúdico. Sin embargo, debajo de esas capas se encuentra un mensaje profundo que deja algunas inquietantes preguntas sobre nuestro futuro y el uso que hacemos de la tecnología.
Un futuro que nos consume y devora hasta convertirnos en espontáneos parásitos de la vida, que huyen de la realidad para abrazar la falacia de la virtualidad. Destaca especialmente la secuencia en la que los jóvenes del instituto destrozan una obra clásica como Ana Karenina mientras siguen mirando sus móviles. El pasado, la lectura y el pensamiento parecen extinguirse tras los cristales luminosos de un móvil. A continuación (en un claro homenaje a El Pueblo de los Malditos de John Carpenter), los jóvenes furiosos porque les interrumpen la señal del móvil, persiguen a los profesores en una manada carente de emociones humanas, mostrando inquietantes conductas psicópatas.
Un reparto sólido entregado al caos
En cuanto a los actores, Sam Rockwell sobresale con un personaje que se balancea entre el histrionismo y la locura, que consigue arrancarnos más de una sonrisa. Él se lo pasa genial y el público también. El resto del reparto es un conjunto de piezas sólidas que manejan con acierto los momentos de diversión, ofreciendo los recursos necesarios para obtener resultados satisfactorios.
Mención especial para Juno Temple, cuya trama relacionada con su hijo resulta realmente perturbadora (aunque con un gag genial sobre los anuncios), y para Haley Lu Richardson, quien desde esa mirada lánguida y afligida compone con sensibilidad, ese prisma de la soledad emocional de quienes se sienten diferentes por vivir desconectadas de las redes. Desconexión que se basa en una idea tan original como sugerente: la de tener alergia a la tecnología.
No todo funciona como un reloj. Tiene un ritmo irregular que afecta especialmente a los flashbacks, lo que provoca que la película se alargue en exceso. Su registro cómico, tendente a la exageración, hace que algunas reflexiones se pierdan entre incoherencias y chistes que debilitan su propuesta. Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras se esfuerza en ofrecer un ritmo frenético igual que el que ofrecen las redes sociales, pero la dopamina se pierde entre algún discurso fuera de tono, un final caótico que crea confusión y un ritmo que se desinfla por su duración desmesurada.
Conclusión
Una película construida para captar la atención del espectador, obligándole a pensar, reflexionar e implicarse en la historia para sacar conclusiones. Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras logra diseñar un universo narrativo singular que varía entre lo extravagante y lo reflexivo. Un universo repleto de instantes de comedia que conviven con la acción y el entretenimiento, una mezcla que impulsa este extraño, sombrío y peligroso viaje para luchar contra las malévolas influencias de la inteligencia artificial. (Aquí puedes leer un interesante artículo sobre cómics, robots y tecnología)
Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras es el divertido, apocalíptico y caótico enfrentamiento final entre la humanidad y la IA. Una guerra en la que está en juego algo más que la supervivencia: la capacidad de decidir nuestro propio destino. Una batalla que nace de la peligrosa tendencia a buscar la felicidad en lo virtual, que trasciende lo personal para convertirse en una lucha por preservar nuestra identidad frente al dominio del algoritmo.
En definitiva, Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras se convierte en una incisiva, revoltosa y turbulenta advertencia sobre en qué puede convertirse la sociedad: seres sin personalidad sometidos al nuevo dios de la tecnología, al que le hemos entregado nuestra atención, nuestra vida social y, en última instancia, quiénes somos.
Estreno el 10 de abril de 2026 en salas de cine españolas. A continuación os dejamos con el tráiler:
Como esto es un no parar de novedades, Netflix estrenó el pasado viernes Depredador dominante, título un tanto flojo para el original Apex, la nueva película de Baltasar Kormákur con, ni más ni menos, que Charlize Theron y Taron Egerton como protagonistas.
Una mujer aficionada a la aventura se adentra en un parque natural de Australia acosada por la culpa de la muerte de su novio cuando escalaban una montaña en Noruega. Allí se verá perseguida por un asesino en serie.
Depredador dominante es una película de Baltasar Kormákur, director noruego especialista, en sus producciones norteamericanas, en tramas donde la naturaleza no es solo un personaje más, sino un enemigo demasiado poderoso para los protagonistas. Ocurre en Everest, con esa expedición de turistas que sale terriblemente mal, y en La bestia, con ese padre de familia enfrentado a un león que quiere acabar con sus hijos.
La trama no es la cima de originalidad. De hecho, no es la primera vez que vemos en pantalla grande como se enfrentan los seres humanos en una naturaleza hostil. Lo vimos en Colorado Jim, uno de los mejores westerns de los años 50, con un despiadado cazarrecompensas que está dispuesto a todo con tal de llevar, vivos o muertos, a unos bandidos como única forma de redimirse ante una mujer que le ha abandonado. Una travesía que realiza a través de unas montañas tan escarpadas como su corazón.
También lo vemos en Defensa, con un grupo de cazadores pijos asolado por unos lugareños que no desean forasteros en sus tierras. O en La presa, con un agente del FBI que persigue a un discípulo reconvertido en criminal. Y qué decir de Acorralado, el primer Rambo. O Río salvaje. O Máximo Riesgo, esa Jungla de cristal en la montaña con Sylvester Stallone.
Depredador dominante reúne muchos de los tópicos de este tipo de cine en un lujoso serie B pese a las estrellas que la protagonizan.
Tenemos a una Charlize Theron cada vez más alejada de los papeles dramáticos de la primera década de los 2000. Recordemos que tiene un más que merecido Oscar por Monster. Tanto como que, en los últimos años, su carrera se encuentra en una tibia decadencia.
La contrapartida es el infravalorado Taron Egerton, protagonista de la saga Kingsman y que ha participado en películas tan notables como Eddie el Águila, Rocket Man o Tetris. Es carismático y tiene presencia, pero sus últimos estrenos siempre han ido directos a plataformas. Y, por mucho que se diga, un actor se encuentra en primera línea cinematográfica cuando sus películas se muestran en pantalla grande.
Ambos cumplen en un enfrentamiento que peca de previsible pese a ser entretenido. Depredador dominante se sitúa en un parque natural en lo más profundo de Australia. Las imágenes del paisaje son impresionantes, y minimizan el gran conflicto que tenemos entre manos.
La lucha se ve venir de lejos, convirtiéndose en una entretenida películas más sobre la cacería humana. Charlize Theron se muestra estoica, tanto que pueda llegar a no emocionar. Por el contrario, Egerton está excesivo como el asesino que le persigue. Como suele ocurrir en este tipo de historias, el villano marca la tensión y, con ello, la calidad de Depredador dominante.
Al final, la historia tiene un giro interesante, pero la película peca de poco ambiciosa. En otras ocasiones, menos de dos horas de duración es algo beneficioso. En el caso de Depredador dominante, nos quedamos con muchas cuestiones en el aire, como los motivos del villano o el papel de los cazadores que aparecen en el parque.
En definitiva, Depredador dominante es una entretenida historia de supervivencia con unos protagonistas carismáticos que podría dar mucho más de sí, pero que se queda corta. Netflix se conforma con una trama encorsetada que deja demasiadas explicaciones sin respuesta y que cuenta con unos personajes superficiales que, sobre todo en el caso del villano, se beneficiarían de alguna que otra capa más.
