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La vida de los de From y tu vida: la dura realidad

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Bueno, ¿qué te parece From, amado lector?. Sí, la serie de la HBO. La del pueblo al que llegas después de ver un árbol cortando una carretera. La del pueblo del que cuando llegas ya no sales nunca. La del pueblo en que salen monstros por la noche que te van a por ti a comerte las entrañas de forma poco civilizada. La del señor negro diciendo cada 30 minutos a alguien «eh, eh, eh, mírame a los ojos», como si fuese Luis Aragonés con Romario.

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From bebe mucho de Lost. Hay que decir que en la primera temporada la trama estaba bastante contenida y no había muchas ramificaciones, pero conforme han ido sucediéndose las siguientes, los años y las eras la trama no puede estar más desparramada. Queda una temporada y todo huele no ya a humo negro sino a tongo gordo, algo más o menos habitual en las series de este siglo. No es nada personal, solo que conforme tienen una buena idea de inicio, desde ahí siguen tirando del chicle hasta que hay agotamiento, aburrimiento y se acaba como narices sea. Qué más da si da lo mismo. Qué es eso de tener pensado el inicio, el nudo y el desenlace, boooo.

Pensando sobre From y buscando información a ver si nuestro CI cercano al de un ladrillo podría estar interfiriendo con el entendimiento y goce de la serie dimos con un reflexión refrescante. Es decir, que puede que la vida en el pueblo de From no fuera tan mala. Es más: es muy posible que vivir en el pueblo de From pueda rivalizar con según qué circunstancias vitales de a saber cuántas personas. Como somos dados a la Ciencia, el discurrir y el malvivir nos pareció un tema interesante al que sin duda merece robar tiempo de dar pabajo en una red social (jajaja, **dete Elon Musk).

  1. Alimentación sana

Te alimentas como si tuvieses 12 años, amado lector. Precongelados, hamburguesas que no valen de verdad 15 euros, pizzas. Eres socio de honor de Just Eat, Domino´s Pizza y varios horrores similares. La última vez que comiste algo de vegetales fue cuando comiste césped estando mamao. A nosotros nos daría pena que palmaras relativamente pronto, pero quien mira muchos Excels desde altas instancias sabe que un ciudadano que tiene ese patrón de comida nunca cobrará pensión.

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Pero pasemos al pueblo de From. Comen verduras que cultivan ellos.  Eso cuando no vas al restaurante y todos a comer cocina hecha de forma no industrial, con amor y equilibrada. De los bosques mágicos donde salen animales no hay chocolatinas, kebaps o etcétera.

Íbamos a decir que es el sitio ideal para comer las calorías necesarias y a poco que uno se mueva pierde ese par de decenas de kilos que le sobran, pero luego vemos a la señora que lleva la mansión (Donna) y nos entran dudas. Esa señora tiene claro sobrepeso, pasa el tiempo y no adelgaza nada.

Esa subtrama no se ha tratado: ¿la señora tiene un depósito de palmeras de chocolate que no comparte con nadie?, ¿se hace filetes por la noche como si no hubiera mañana?, ¿tiene un problema de tiroides no diagnosticado que nos enchufarán como flashback en la última temporada?.

De todos modos, que quede claro: comes más sano, equilibrado, natural en el pueblo de From. Y gratis. GRATIS. ¡¡¡GRATIS!!.

2. Diversión genuinamente analógica

Te gustarán Tik Tok y Twitter, pero eres víctima de cómo este está diseñado. Es decir, lo tienen hecho para que te salgan opiniones muy opuestas a las tuyas, premiando a los más pirados y violentos para así tenerte enfadado y enganchado. Ahí dándole sin parar al dedito, venga otro energúmeno que no representa a nadie soltando barbaridades. Y ojalá, porque bien podría ser un bot supliendo la catarata de odio si es necesario. Y, al final, casi siempre los odios son por chorradas poco importantes, no nos engañemos.

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En el pueblo de From no hay nada de eso. No hay red. No hay internet. No hay Instagram ni Antonio Lobato intentando comprarte o venderte un coche. Lo que tienen es un lago pequeño, mucho campo para andar, actividades agrícolas o de bricolaje (las casas necesitan muchas reparaciones) y muchísimo cotilleo.

Cada poco, entran vehículos nuevos con gente nueva, hay gente nueva conociéndose, viejos novios o novias que aparecen por allí, gente que te puede ir contando qué tal están funcionando los fichajes del madrí este año, etc. La gente se da paseos por el bosque, acampa o se mete en árboles que te llevan a sitios divertidísimos. Hay muchísima conversación con los vecinos de manera distendida.

También hay gente que se va muriendo de formas creativas, muñecos que salen de un lago, una señora que se queda embarazada pero luego van diciendo que no lo estaba, otra señora que tortura de maneras muy creativas y mil cosas más. Es más o menos como Españita, que nunca te aburres de ella.

3. Casa garantizada SIN PAGAR NI TRABAJAR NI PROSTITUIRSE

No vamos a comentar absolutamente nada de cómo está la vivienda, de verdad, no queremos contribuir a ningún suicidio. De verdad.

Pero sí vamos a hablar de la vivienda en From: te dan a elegir entre vivir en la comuna jipi de Donna o en una casa para ti y tu familia. Así, sin pagar nada. Que si quieres no vas ni al campo a recolectar nada y te estás en casa mirando el techo o midiendo las esquinas. No pagas NADA, no tienes por qué hacer NADA para tener una casa ni para seguir en ella.

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Como todo, la utopía de unos es la distopía de otros y al revés. Aquí, como seres más cercanos a las ratas de alcantarilla que a las águilas, estamos con cualquier cosa que implique gratuidad, vagancia, despreocupación y que genere muchos artículos de la prensa económica diciendo que la cosa «x» (sea lo que sea «x») no es sostenible.

4. Ritmos circadianos en orden

Que te crees que no te afecta, eh. Lo de acostarte a las mil para jugar a ese videojuego o eso que llamas «tener vida después del trabajo». Pues claro que te afecta: dormir menos acorta la vida, te envejece y aumenta las probabilidades de que te gusten películas de Zack Snyder. Es pura 100cia, así, con un 100. Ya, ya, que si no el período lunes-viernes serías un borriquito de feria que trabaja, se ducha, cocina y se va a dormir.

Pero fíjate, amado lector, en los del pueblo de From: como tienen monstruos que salen de noche se tienen que recoger pronto. Hasta sale el sheriff negro con una campana por el pueblo a recordar que hay que meterse en las casas para que no te devoren las entrañas. Todo como un reloj, te metes en casita y como en realidad ya no hay nada más que hacer, pues a dormir. Te duermes con la caída del sol y te levantas con su aparición en el cielo. Te empiezas a levantar mucho más descansado, con mejor ánimo, con mucho menos riesgo de infarto, envejeces menos, le viene mejor a tu vida sexual, etc.

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Aquí algún listillo dirá que igual algún humorista te quita el talismán que protege a tu casa, vienen los monstros y te comen las entrañas echando salsa Caesar en ellas. Pues cosa buena para ti no es, no nos engañemos, pero tu muerte contribuirá a la Diversión genuinamente analógica (ver punto 2) con los chistes que harán los demás del pueblo. Que no todo es yo, yo y yo, por Dios.

En fin, desde aquí creemos que está clarísimo dónde uno puede mejorar su calidad de vida y dónde uno va por una pendiente resbaladiza hacia Dios sabe dónde.

Sed felices.

Crítica de ‘El motín’: Jason Statham vuelve para dar su ración de hostias

Hay algo maravilloso en Jason Statham. No importa dónde le pongas. En un avión, en un coche, en una prisión, en un barco, debajo del agua o en mitad de una conspiración internacional que implique a tres gobiernos y media docena de mercenarios. Jason Statham siempre parece tener claro lo que hay que hacer: pegar bien y fuerte.

El problema es que quizá llevamos demasiado tiempo pidiéndole a los héroes de acción que sean indestructibles. Eso, curiosamente, los hace bastante menos interesantes. Porque antes los héroes de acción podían recibir un puñetazo y de verdad parecía que les habían golpeado.

Jason Statham es el auténtico action hero: Más de dos décadas le avalan. Elegimos sus 10 mejores películas

Recordemos a Bruce Willis (aquí puedes recordar sus mejores papeles) en ‘Jungla de cristal’. John McClane no es un superhéroe, sino un hombre que ha tenido la desgracia de estar en el lugar equivocado en el momento equivocado. Le disparan, le golpean, se corta los pies con cristales, la sangre se derrama por su piel, se siente agotado y se desmorona.

McClane no es interesante porque sea capaz de sobrevivir a cualquier cosa, sino porque parece que no debería ser capaz de sobrevivir a todo lo que le está pasando. Tiene miedo, se equivoca y, sobre todo, sufre.

Ahora pensemos en Jason Statham. A Statham le clavan un cuchillo, pero parece que se ha hecho un pequeño corte mientras abría un paquete de Amazon. No pasa nada. Sigue andando. Le pegan una paliza. Sigue andando. Se cae desde cualquier sitio en el que la muerte es segura, se levanta, se sacude el polvo y sigue dando estopa.

No estoy diciendo que esto sea necesariamente malo. Al contrario. Es parte del encanto Statham. Pero sí explica una de las carencias que tienen muchas películas de acción actuales: hemos ganado en espectacularidad y hemos perdido algo de humanidad.

Los héroes modernos son capaces de hacer auténticas barbaridades físicas, pero cada vez cuesta más sentir que el personaje es realmente humano. Cuando se pierde ese componente, el peligro se difumina de la pantalla y la tensión deja paso a la concatenación de escenas de combates pulidas, pero sin esencia. Por eso seguimos mirando hacia atrás. Porque quizá los viejos héroes de acción no fueran tan indestructibles. Quizá simplemente fueran mejores personajes.

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Resumen de ‘El motín’

Es exactamente lo que el público espera. Jason Statham se sube a un barco donde hay malos y una ligerísima conspiración. ¿Qué podría salir mal? Pues bastante. Pero no necesariamente para él. ‘El motín’ es una película consciente de lo que tiene entre manos. No intenta reinventar el cine de acción. No quiere convertir a Statham en un personaje atormentado que pasa 90 minutos intentando reconciliarse con su pasado.

No necesitamos eso. Necesitamos disfrutar con su reparto de hostias. Aquí es donde la película acierta. Porque entiende que Jason Statham no necesita demasiadas explicaciones: necesita un escenario, un problema y enemigos… La solución ya la pone él. (como en la saga de Los Mercenarios)

Jason Statham haciendo de Jason Statham

Hay algo casi entrañable en ver a Statham interpretar a Statham. Porque no es exactamente que todos sus personajes sean iguales. Es que todos parecen estar a cinco minutos de convertirse en Jason Statham. (como en la estupenda Beekeeper).

El tipo competente. El hombre que sabe lo que hace y al que siempre necesitas cuando la situación se complica. ‘El motín’ explota esto sin ningún tipo de vergüenza. Statham interpreta al héroe moderno, duro, atlético y tremendamente eficiente. Un hombre al que pueden clavarle un cuchillo y cuya reacción parece ser: “Bueno. Esto molesta un poco, pero sigo”.

Ese es el Statham que hemos venido a ver. El problema aparece cuando intentamos creer que el personaje está realmente en peligro. Sabemos que puede recibir muchísimo más castigo que cualquier ser humano razonable, y eso elimina buena parte de la tensión.

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La diferencia con ‘Jungla de cristal’

Hago la comparación porque en muchos sitios se ha vendido la peli como Jungla de cristal (aquí puedes leer su retro-análisis), pero en un barco. Nada más lejos de la realidad.

En Jungla de cristal nos preocupa más el hombre detrás del héroe. Hay una escena que resume perfectamente la diferencia. McClane tiene que arrastrarse por los conductos de ventilación, herido, exhausto y sucio. Cuando consigue salir de allí, no parece que haya hecho una excursión por IKEA. Parece que acaba de sobrevivir a una puta pesadilla.

Ahora tenemos los conductos de ventilación de ‘El motín’. La película intenta rendir homenaje a esa tradición claustrofóbica. Tenemos el barco. Tenemos los espacios estrechos. Tenemos a Statham moviéndose por un laberinto metálico.

Pero hay una pequeña diferencia. John McClane parecía un hombre atrapado dentro de un conducto. Statham parece un hombre que está atravesando un conducto porque es el camino más corto hacia la siguiente hostia. En este detalle radica la diferencia entre el cine de acción con alma y el de simple entretenimiento.

Porque los conductos de ventilación de Jungla de cristal no son memorables solo por las escenas de acción, sino porque McClane está hecho polvo dentro de ellos y consigue que el espectador empatice con su situación. El escenario es más que un decorado. Es una extensión de su sufrimiento. Una característica que muchas películas de acción actuales han olvidado.

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Acción: menos hablar, más pegar

El gran acierto de la película es el escenario. Un carguero, pasillos, contenedores, salas de máquinas y tenebrosidad en espacios estrechos. Una cantidad considerable de lugares donde alguien puede aparecer de repente con malas intenciones.

El barco funciona porque limita el movimiento. No hay una ciudad entera para escapar. La película aprovecha bien esa sensación claustrofóbica. Aunque, de nuevo, hay una comparación inevitable. La diferencia es que el Nakatomi Plaza tenía una personalidad que iba creciendo a medida que avanzaba la película. Cada planta era un problema. Cada espacio tenía una función. Cada movimiento de McClane tenía consecuencias.

Cuando ‘El motín’ se pone seria, funciona. Los combates te hacen disfrutar como si estuvieras en una vieja recreativa. Statham se mueve con esa mezcla de velocidad y contundencia que lleva explotando durante más de veinte años. Cuanta menos floritura, mejor. No estamos ante la revolución de las coreografías de acción. Pero tampoco hace falta. La película entiende algo muy sencillo: queremos ver a Jason Statham pelear.

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No queremos verlo hablar durante 17 minutos sobre geopolítica ni un monólogo sobre su infancia. Queremos que alguien le diga algo que no debería haberle dicho. Y que cinco segundos después descubra que ha cometido un error.

El guion es funcional… muy escueto, por decir que existe. Hay una amenaza, un ligero misterio, unos refugiados para que el espectador empatice con la trama y una venganza personal tan fría como inconsistente. Todo ello, envuelto en una conspiración tan simple que parece un juego de niños, no sea que el espectador tenga que pensar en vez de disfrutar de las hostias.

Su historia se reduce a un protagonista con habilidades extraordinarias y una colección de desgraciados que tienen la mala suerte de cruzarse con él. ¿Es original? No hace falta. ¿Es efectiva? Sí.

Pero por lo menos se agradecería un poco más de profundidad en el villano o que tenga algo que lo diferencie del resto de muñecos que sirven de punching ball a Statham. Porque un héroe es tan interesante como el enemigo al que tiene delante. Si Jason Statham parece un dios griego descendido a un carguero para impartir justicia (salido de la misma Odisea), estaría bien que alguien consiguiera, al menos durante un rato, ponerlo realmente contra las cuerdas y que los espectadores pudieran pensar: “¡Joder! Este tío es peligroso”.

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Los villanos: necesitamos a alguien que le haga sudar

Este es uno de los puntos más flojos de El motín. Los antagonistas son una fila de monigotes que caen ante la gravedad de los puños del bueno de Jason. Porque si Statham es prácticamente indestructible, necesitas un enemigo que compense esa falta de vulnerabilidad. Alguien con personalidad, presencia o, por lo menos, inteligencia suficiente para obligarle a cambiar de estrategia.

Aquí está, para mí, una de las grandes diferencias entre el cine de acción clásico y buena parte del actual. No es una cuestión de efectos. Ni de presupuesto. Ni siquiera de coreografías. Es una cuestión de vulnerabilidad.

Un héroe puede ser extraordinariamente competente y seguir siendo humano. McClane puede recibir una paliza, cometer errores y tener miedo. Statham, en cambio, parece diseñado para sobrevivir a cualquier cosa. Y esa diferencia explica buena parte de la tensión que El motín no consigue generar.

Pero también sería injusto pedirle a Statham que sea Bruce Willis. Porque precisamente su gracia está en ser otra cosa. Statham representa al action hero de una época distinta: más cercano al cómic, más físico, más exagerado y consciente de que él mismo se ha convertido en una especie de mitología heroica.

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Dirección: no estorbar también es dirigir

La dirección cumple, algo que en una película de este tipo es más importante de lo que parece. Las escenas de acción se entienden. La cámara no se vuelve loca. El montaje no convierte cada pelea en una colección de planos cortos y convulsiones de cámara. Sabemos dónde está Statham, dónde están los malos y, lo más importante, quién está pegando a quién. Parece una obviedad, pero hay películas con más presupuesto que no atinan con estas simples reglas del cine de acción.

La fotografía, además, apuesta por esos tonos fríos y metálicos que uno espera de una historia ambientada en un carguero. Acero y sombras se mezclan con la humedad del ambiente y ofrecen la necesaria sensación de agobio frente al mar infinito.

‘El motín’ es una película de Jason Statham. Literalmente. Eso puede ser una crítica o un elogio dependiendo de lo que hayas venido a buscar. Si buscas una nueva Jungla de cristal, no. Si buscas otro John Wick, tampoco. Si buscas una película que redefina el cine de acción, puedes ir cerrando tus expectativas.

Pero si has venido a ver a Jason Statham metido en un barco, enfrentándose a tipos peligrosos, atravesando pasillos, metiéndose por conductos y repartiendo hostias con esa tranquilidad como si estuvieras pidiendo un café… Bienvenido a casa. (algo parecido a lo que intentaba hacer Muerte súbita: La Jungla de cristal de Van Damme).

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Conclusión

  • ¿Tiene un guion memorable? No.
  • ¿Tiene villanos que vayan a entrar en el Olimpo del género? Tampoco.
  • ¿Revoluciona el cine de acción? Ni de coña.
  • ¿Me lo he pasado bien viendo a Jason Statham repartir hostias en un barco? Sí.

El motín tampoco tiene esa sensación de peligro físico que hacía que Jungla de cristal fuera mucho más que una sucesión de explosiones. Pero sí tiene a una estrella que ha sabido crear su propio subgénero dentro del cine de acción y eso también tiene su valor. Es el último de una especie de héroes de acción que se niega a desaparecer.

Statham sabe perfectamente cómo utilizarlo. No necesita que nos preocupemos demasiado por él, sino que disfrutemos de sus peleas con toda nuestra adrenalina centrada en la pantalla.

No va a cambiar el género. No va a cambiar tu vida. Pero durante un par de horas puedes apagar el cerebro, sentarte y disfrutar de Jason Statham repartiendo hostias. Y, sinceramente… a veces con eso basta.

 

James Gunn lo siento, me aburres. Quiero a un Batman ya

Pues nada, me levanto con la noticia de luz «verde» (guiño guiño) a un nuevo proyecto de este «nuevo» DCU y «oh la la», otra vez del universo de Superman. Hablamos de The People v. Gorilla Grodd, un falso documental centrado en Jimmy Olsen (Skyler Gisondo), empleado del Daily Planet . La serie de ocho episodios mostrará a Jimmy dirigiendo y protagonizando un programa de crímenes reales que investiga «si Gorilla Grodd fue condenado injustamente en uno de los juicios por asesinato más famosos de Metrópolis», según la sinopsis.

En post anteriores de Las cosas que nos hacen felices, mi compañero Juanma ya nos hablaba del desmoronamiento del nuevo DCU, con tan solo dos películas estrenadas. Y es que días atrás se han cancelado dos series del Capítulo 1 del nuevo DCU llamado Dioses y monstruos. Nos referimos a ‘Waller’ y ‘Paradise Lost’ lo que supone la confirmación definitiva de que el mapa de ruta original se está desmoronando.

James Gunn

Si miramos la ruta marcada hace tres años y medio vemos como el castillo de naipes se derrumba. Series canceladas a cascoporro y adiciones al plan inicial. Se han caído series como Authority, Paradise Lost o Waller pero es que en verano de 2027 no tendremos ni mucho menos The Brave and the Bold porque no tenemos ni un casting de Batman. Y para colmo todas las adiciones al plan del Capítulo Uno, son del mundo de Superman, James Gunn se sacó de la manga inmediatamente una secuela de Superman y ahora un spin-off en forma de comedia, The People v. Gorilla Grodd. 

Queda claro que James Gunn es muy fan del Hombre del Mañana pero obvia al resto de la trinidad de DC, Batman y Wonder Woman que siguen sin casting. El caso resulta más sangrante todavía cuando Batman es un seguro de vida en taquilla. El Batman de Nolan y el de Matt Reeves han dado a Warner muy buenos beneficios.

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Quiero a un Batman ya

Creo que a Gunn se le da mejor escribir historias y dirigirlas que organizar un Universo para una productora como Warner, para eso están los ejecutivos y consultores. A Gunn se le está viendo errático. Presentó un proyecto y lo ha ido desmembrando desde muy pronto. Seguimos sin dos pilares fundamentales de DC, Batman y Wonder Woman. Para colmo tenemos un Batman a la par ajeno a este universo, el de Matt Reeves y Robert Pattinson, lo que crea confusión a los que estén ajenos a esto del DCU y universos compartidos. El colmo sería que un verano se estrenase The Batman Parte II y Batman: The Brave and the Bold.

Gunn se ha ido a lo fácil a lo que conoce y también se ha rodeado de sus colegas (Nathan Fillion y su Lantern). Pero a la hora de la verdad este Dioses y Monstruos se siente tambaleante.

Juanma ya ha hecho hincapié en esto pero es que me da pereza lo que leo sobre lo que se está haciendo del DCU y creo que la solución pasa por poner nombres y caras en la mesa. El DCU necesita ya a un Batman, se ha hablado en los últimos meses de actores de la talla de Jensen Ackles o Alan Ritchson. Me da igual, como si es Perico el de los Palotes pero Gunn del alma mía, sal un poco de Superman y abre el abanico que tu universo se tambalea.

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Conclusiones

Tras tres años y medio de que se anunciase el tan ansiado nuevo DCU, estamos asistiendo a una crisis del mismo. Gunn si bien empezó fuerte con Creature Commandos y Superman, estuvo fallido al dar la escritura de guion de Supergirl a una escritora ajena al mundo de los cómics. Un guion que lejos de lo que Gunn prometió en los inicios de que estaría supervisándolos dando una película genérica, pobre en desarrollo y lejos de la gran historia que Tom King escribió.

No es tarde, la salvación pasa por recuperar a los dos restantes miembros de la trinidad y por esa película en solitario de Lobo, de Jason Momoa. Mientras nos tenemos que comer una comedieta de Jimmy Olsen.

 

Un saludo y sed felices.

 

‘Lanterns’. Episodio 2 | Se despierta un peligro anterior a la luz verde

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Si el primer episodio de ‘Lanterns’ dejó claro que  HBO no buscaba una simple aventura superheroica de capa y superpoderes, este segundo capítulo bebiendo sin miedo de la atmósfera asfixiante de la primera temporada de ‘True Detective’ y ese tipo de la América profunda.

El peso de la pesquisa sigue recayendo sobre un Hal Jordan cínico y cada día más insoportable (en el buen sentido, si lo tiene) y consumido por el desgaste su ‘trabajo’. Jordan no viste el rol de héroe que ayuda a una comunidad, nuestro protagonista investiga desde una obsesión que roza lo insano y amoral. Su dinámica con John Stewart, lejos de suavizarse para dar paso al clásico compañerismo de una buddy movie, se adentra más en situaciones que ponen a ‘junior’ al borde de su paciencia.

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En este episodio, Jordan roza la prepotencia y demuestra que los daños colaterales no van con él. Su forma de actuar está poniendo en una situación embarazosa a la Sheriff y eso no parece importarle demasiado. Más allá de empezar a haber cierta atracción entre ellos.

No sé hacia donde se dirige esta serie, pero están consiguiendo que Hal Jordan sea un personaje con el que cada día resulta más difícil empatizar, pese a que como lantern es un gran investigador.

Lo atractivo de este segundo episodio es cómo la balanza de poder empieza a inclinarse silenciosamente hacia Stewart y eso parece molestar a Jordan. A través de pequeñas pistas y escenas, la serie deja caer algo mucho intrigante: John posee un poder latente que escapa por completo a la comprensión de Hal. No se trata simplemente de disciplina militar o mayor fuerza de voluntad; hay algo más.

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Esta revelación conecta directamente con el giro temático que se vislumbra en el horizonte. Aunque el capítulo se mueve en este pequeño pueblo, hay algo cósmico detrás (más allá de los alienígenas), algo antiguo, un enemigo que los Lanterns conocen muy bien. La serie maneja con acierto esa transición, sembrando pistas que sugieren esto es el primer síntoma de una amenaza espacial ancestral y a escala galáctica.

¿Qué significa el pájaro? ¿Qué problemas tiene Hal con vestir el uniforme de los Green Lanterns? ¿Quién es el misterioso benefactor de ‘la guerrilla’ del pueblo? ¿Por qué no hay nadie enfermo en este pueblo y el hospital está a estrenar? Son muchas preguntas de las que tendremos respuesta (eso espero) durante los siguientes capítulos de esta ficción.

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Conclusión

‘Lanterns’ se consolida en su segundo episodio como una propuesta madura, áspera y valiente, aunque alejada de lo que cabe esperar de una historia de Gren Lanterns. No me importa, la verdad, ya que la historia y las trama que me presenta me son atractivas e interesantes y eso está por encima de los efectos especiales y los constructos.

Solo por los últimos minutos del episodio, cuando John le entrega la linterna a Hal y le lanza la pregunta, ya merece la pena engancharse a ‘Lanterns’.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Lanterns’ de HBO:

Un saludo y sed felices.

Spider-Man: Brand New Day sigue arrasando en la taquilla y apunta a lo más alto de la historia

Bienvenidos, un día más, a vuestra web preferida, a Las cosas que nos hacen felices. ¿Os pensabais que la locura por el trepamuros iba a aflojar a la primera de cambio? Pues va a ser que ni por asomo. Los datos de taquilla que está haciendo Spider-Man: Brand New Day marean a cualquiera y que demuestran que, cuando Peter Parker se pone las pilas, no hay rival en la galaxia que le haga sombra. Ni Batman, ni otro héroe. Ya es la segunda película más taquillera de superhéroes de todos los tiempos. Sólo por detrás de Vengadores: Endgame.

Spider-Man: Brand New Day se acaba de mantener por cuarta semana consecutiva en el codiciado número uno de la taquilla en Estados Unidos. Pero ojo, que lo gordo no es solo que aguante el tipo, sino la cifra escandalosa que lleva acumulada en total.

Spider-Man: Brand New Day, la película que Marvel nos debía

Spider-Man: Brand New Day: 2.200 millones y subiendo

La maquinaria de Sony y Marvel Studios está reventando todos los récords previstos. El último recuento oficial sitúa la recaudación global de la película en la friolera de más de 2.200 millones de dólares. Para que nos entendamos sin líos de traducciones anglosajonas con los billones, estamos hablando de una barbaridad de pasta que coloca a esta entrega directamente en el selecto club de las seis películas más taquilleras de la historia del cine. Y ojo porque las proyecciones dan seguro que acaba entre las cuatro películas más taquilleras de todos los tiempos, con posibilidades de ser la tercera, sólo por detrás de Avatar y Vengadores Endgame.

Es una auténtica locura ver cómo un personaje puramente urbano, que venía de pasar por tramas más íntimas y de reinicios constantes, ha conectado de esta forma tan salvaje con el gran público global. Las salas de cine siguen llenándose fin de semana tras fin de semana, convirtiendo este estreno en un fenómeno generacional en toda regla que desafía cualquier teoría sobre la supuesta fatiga del género.

Spider-Man: Brand New Day

¿Se quedará Vengadores: Doomsday por detrás?

Y claro, ante semejante panorama taquillero, en las barras de los bares frikis ya hemos empezado a hacer números y a debatir sobre el elefante en la habitación. A finales de este mismo año nos espera el estreno de Vengadores: Doomsday, el gran evento coral capitaneado por los hermanos Russo y con la vuelta de Robert Downey Jr. como villano.

A pesar de que el peso mediático de los Vengadores es titánico, son muchos los analistas y compañeros del gremio que empiezan a barajar una teoría más que razonable ya que es muy probable que Doomsday haga menos recaudación final que esta Spider-Man: Brand New Day. Y tiene todo el sentido del mundo. El factor «amigo y vecino», sumado al momento dulce en el que se ha lanzado la película y el boca a boca imparable, han convertido al trepamuros en un titán difícil de batir, incluso para los héroes más poderosos de la Tierra. Las reuniones corales son imbatibles en su fin de semana de estreno, pero las aventuras de Spider-Man tienen una pegada en el público de masas que trasciende cualquier evento galáctico.

Marvel suelta un nuevo trailer en español de Vengadores Doomsday desde el D23

La carrera por el trono de la taquilla sigue más abierta que nunca, pero el listón que ha dejado Peter Parker este año está tan alto que el bueno de Kevin Feige va a tener que sudar tinta para superarlo.

Y vosotros, ¿os esperabais este triunfo absoluto de taquilla o pensabais que el colapso multiversal se iba a desinflar antes?

Un saludo y sed felices.

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 4. Episodio 5

Llegamos a la mitad de la cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds con un simpático quinto episodio en el cual la cosa viene de marionetas y cuyo título es Accidente de Transporte Nivel Cinco.  Creada por Akiva GoldsmanAlex Kurtzman Jenny Lumet, la serie puede ser viste en España a través de Skyshowtime y en América Latina por Paramount+.

Hola otra vez trekkies y no tan trekkies. Aquí estamos para analizar un nuevo episodio de Star Trek: Strange New Worlds, en este caso el quinto, lo cual significa que nos hallamos ya en mitad de esta cuarta temporada. Una entrega que seguramente a muchos nos habrá retrotraído a nuestra infancia televisiva, además de rendir homenaje a algunos de los momentos más icónicos de la franquicia.

Pero pasemos ya mismo a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en esta web nuestros análisis previos de esta y otras series o películas del universo trekkie.

. Análisis de Star Trek: Strange New Worlds

. Análisis de Star Trek: Discovery

. Análisis de Star Trek: Picard

. Análisis de Star Trek: Starfleet Academy

. Análisis de Star Trek: Voyager, a treinta años de su estreno

. Análisis de Star Trek: Lower Decks

. Análisis de Star Trek: Prodigy

. Crítica de Star Trek: Sección 31

Malas Noticias para Spock

La bitácora inicial, a cargo en esta oportunidad de Spock, nos cuenta que van camino a Vulcano, donde él planea reencontrarse con la lógica que últimamente ha perdido. En la zona hay piratas orion y ello torna la ruta peligrosa, así que deben andar con cuidado.

Scotty, en tanto, está interesado en romper el récord de transporte en el espacio al enviar un objeto a treinta mil kilómetros de distancia, específicamente una marioneta llamada “Pequeño Ricky” con la cual sus hermanos lo asustaban de niño. Su idea es transportarla a la nave en que se halla un excompañero suyo de academia con el cual hay una antigua rivalidad y que es justamente quien ostenta el récord vigente.

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Por otra parte, La’an ha cancelado su sesión de baile con Spock y este se siente obviamente decepcionado, pero más todavía cuando le anuncia que ya no quiere continuar la relación. Dice no arrepentirse de nada y que la ruptura no tiene por qué ser una tragedia, pero también que las cosas llegaron a un punto difícil tras los sucesos de la Griffin.

Un desconsolado Spock pasa por el puente de mando y ve a Una y Pike muy entusiasmados con la nueva silla biométrica diseñada por Pelia. Sin saber ya con quien hablar, se comunica con T’Pring (Gia Sandhu), pero no le va mucho mejor que con La’an, pues ella le echa en cara haberla dejado de lado por explorar su costado humano. No obstante, acepta transportarse a la Enterprise para hablar personamente si él se compromete a dejar de lado sus “travesuras”…

Spock sale a instalar unas boyas para el experimento de Scotty, pero mientras lo hace, algo raro ocurre en la Enterprise y los tripulantes se ven transportados uno por uno sin que sepa adónde. La nave desaparece ante los ojos del vulcano, que no logra establecer comunicación. Cuando finalmente reaparece y puede regresar, encuentra a todos convertidos en marionetas con excepción suya. Incluso a T´Pring…

Abordaje

Ha ocurrido un problema durante el experimento de Scotty. Spock logra determinar que las moléculas de la marioneta transportada se dispersaron a toda la nave afectando a sus tripulantes, quienes se enfrentan ahora al problema de no poder manipular los controles con sus manos de fieltro al ser la mayoría táctiles o responder a genomas.

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A todo esto y como era de temer, una nave pirata orion hace presencia en la zona y su capitana Ch’rol (Rachael Harris) se comunica con la Enterprise supuestamente preocupada y ofreciendo ayuda porque sus escaneos detectan una únic forma de vida a bordo. Pike le dice que no es así y que está todo bien, pero un error cometido por Uhura en su condición de marioneta enciende la pantalla y puede entonces Ch´rol comprobar con propios ojos que, salvo el vulcano, lucen todos como marionetas. Viéndolos pues presa fácil, ordena atacar.

Spock hace lo que puede yendo todo el tiempo de un control a otro, pero no es suficiente: los escudos ceden y la Enterprise recibe serios daños. Los motores quedan a un veinte por ciento, por lo que tampoco hay mucha chance de escapar y el abordaje es inminente. Scotty queda atrapado bajo un torpedo y el vulcano intenta liberarlo pero, siendo una marioneta, el anterior consigue salir por sus propios medios y sin sufrir daños.

Ya a bordo, los piratas avanzan hacia el puente de mando y Spock intenta detenerlos, pero termina apresado tras recibir un disparo que lo deja inconsciente. Pike y los suyos tampoco pueden hacer mucho con sus frenéticos pero impotentes golpes de marioneta, en tanto que Pelia es cortada literalmente en dos al tratar de interponerse entre Ch´rol y la silla de mando que ella misma diseñó. Viendo inútil toda lucha, la tripulación opta mejor por escapar y Ch’rol ni siquiera ve sentido a darles caza.

Marioneta al Espacio

Las marionetas escapadas necesitan trazar un plan de acción pero, dadas las limitaciones de su condición, necesitan a Spock sí o sí, comprometiéndose pues Pike a intentar rescatarlo. El vulcano, a todo esto, está siendo interrogado por los piratas en procura de los códigos de control de la nave. Inútil es que amenacen con lanzarlo por la esclusa ya que, en su lógica impecable, sabe bien que no obtendrán lo que quieren si lo matan.

Pero Ch’rol le muestra entonces que han capturado al Pike marioneta que, ante el estupor de Spock, es arrojado al espacio bajo amenaza de seguir haciendo lo mismo con el resto. Desde la esclusa y ante su inminente final, Pike saluda al conmocionado Spock “estrechando su mano” a través del cristal como en Star Trek II: La Ira de Khan e incluso, en situación que podría ser calificada como espejo, comienza a recitar aquello de “las necesidades de muchos”. No puede terminar porque el vacío lo succiona…

Travesuras

En la enfermería, Pelia es cosida manualmente por Chapel que, a pesar de sus cuatro dedos, consigue volverla a unir. Queda claro que las marionetas no mueren ni sienten dolor como los humanos y lo confirman inmediatamente al ver al ingrávido Pike golpear la ventana desde el exterior…

Rescatado este (vaya a saber cómo), el equipo completo se pone a trabajar en un plan sabiendo que solo la unión y el esfuerzo coordinado les darán alguna chance. Y ahora que saben que no pueden recibir daño, cuentan con un buen factor sorpresa en su favor. Ser marioneta, después de todo, puede no ser tan malo y tener sus ventajas…

T´Pring se dirige al lugar en que tienen detenido a Spock y, como Pike, acaba apresada, pero con la diferencia de que esta vez es esa la idea. Cuando el asistente de Ch´ron intenta quemarla con un soplete, la llama no la afecta y, por el contrario, ella invierte las cosas quemándolo a él. Liberando a Spock, dice ahora entender que algunas “travesuras” pueden ser útiles y rescata la búsqueda de conocimiento y la solidaridad en equipo por parte de los humanos. Y admite que el fuego sí le dolió un poco…

En los corredores y formando una torre humana, el resto del grupo se trenza en lucha con los piratas atacándolos en bloque y haciéndoselos pasar mal entre mordidas y pinchazos, sumado a los golpes y descargas eléctricas que reparte el guante que a Pike le ha diseñado especialmente Scotty….

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En el puente de mando, Pike se arroja sobre Ch’ron para hacerla salir de la silla biométrica y Spock se sienta en su lugar. Cuando la capitana pirata intenta echarlo e incluso lo apunta con su arma, el vulcano se mantiene sin embargo impertérrito y ella no entiende que está pasando hasta que empieza a perder el sentido. Lo que Spock ha hecho desde la silla es apagar el soporte vital, con lo que todos los piratas terminan por desmayarse. Y también él…

Despertares

Cuando Spock vuelve en sí, se halla en la enfermería rodeado del resto. M´Benga lo ha salvado colocándole a tiempo una máscara de oxígeno apenas quedar inconsciente, en tanto que los piratas han sido transportados a una celda y Scotty no solo ha descubierto el error de su experimento, sino que además sabe cómo revertirlo.

Algo confundido, el vulcano pregunta por qué entonces siguen luciendo como marionetas, a lo que le responden que hay una última cosa que quieren hacer antes de recuperar su forma humana, lo cual termina siendo una caminata espacial sin trajes ni escafandras.

T´Pring, sin embargo, no se suma a la aventura por no encontrar lógico desafiar las leyes de la física, aunque admite encontrar ahora entrañables algunas “travesuras” de la tripulación en lugar del caos que siempre las consideró. En consonancia, dice a Spock que ahora lo entiende y valora su costado humano, tras lo cual vulcano real y vulcana marioneta se terminan besando…

Pero de repente él experimenta un nuevo despertar y se halla otra vez en la enfermería con T´Pring a su lado, pero no ya como marioneta sino vuelta a su aspecto original. Ella le pone al tanto de que, debido a un fallo en el experimento de Scotty, él ha estado inconsciente desde su regreso a la Enterprise. Y cuando Spock le pregunta por piratas o marionetas, T´Pring no sabe de qué habla: todo ha sido evidentemente un sueño y también, por ende, sus palabras de hace un rato en las que reconocía las virtude humanas.

Y por allí anda el “pequeño Ricky”que, de manera inquietante, parece mirar a Spock como mudo testigo de lo ocurrido y quizás único en saber si lo que vivido por él sucedió o no…

Balance del Episodio

Hacía ya tiempo que sabíamos que esta cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds tendría un capítulo de este estilo, más precisamente desde que en la Comicon de San Diego fuera presentado el adelanto que nos mostró a Pike en modo marioneta. Así que, entre todas las sorpresas que habitualmente nos entrega la serie, esta no lo fue tanto porque estábamos de algún modo avisados.

Las marionetas del episodio fueron diseñadas por la compañía de Jim Henson. Ello hace inevitable que remitan a los Muppets y, por lo menos en mi caso, se agradece porque me retrotrajeron a mi infancia y sospecho que a muchos les habrá ocurrido lo mismo. Juntar a Star Trek con los Muppets es reunir dos mundos muy caros a mis primeros afectos, pero a los que veía por completo separados en aquellos días en que ni siquiera conocía la existencia de la palabra franquicia.

A lo que voy con ello es a que no puedo librarme de la subjetividad para analizar un episodio que ha tenido en mí tan fuerte impacto emocional. Y las marionetas se vieron tan deliciosas y entrañables que me dejaron pensando si no sería buena idea una serie de Star Trek en ese formato, pero bueno, difícil que pudiese prosperar algo así en este tiempo en que son más los proyectos que se cancelan que los que se aprueban.

Por otra parte, la franquicia Star Trek no deja pasar oportunidad de rendirse homenaje a sí misma y esta entrega en particular ha sido en su casi totalidad un enorme guiño a Star Trek: The Next Generation y, particularmente, al episodio Pícaros (06×07), en que que un accidente del transportador hacía que Picard y su tripulación volvieran a tener doce años y debían, en tal condición, recuperar el control de la nave, que había sido tomada por piratas ferengi.

Y si hablamos de guiños, también desfiló por allí el recuerdo de una de las escenas más homenajeadas de la franquicia, como lo es la emotiva despedida entre Kirk y Spock en el filme Star Trek II: La Ira de Khan. Ya sé que puede generar sentimientos encontrados echar una pátina de humor negro sobre el momento que quizás más haya hecho llorar al mundo trekkie, pero más que herejía me pareció sana irreverencia y reconozco que me reí mucho cuando Pike no logró cerrar la icónica frase que hiciera famosa Spock.

De hecho y en general, todo el episodio fue ligero y divertido, aunque también es cierto que, habida cuenta de lo poco que nos queda de la serie (once episodios sumando las dos temporadas), ya sería tal vez hora de dar más continuidad y asumir con más decisión el camino hacia los sucesos de la original.

Ojo, no es tampoco que eso haya estado del todo ausente: las tramas amorosas de Spock apuntaron precisamente en tal dirección. La relación con La’an ya se había hecho demasiado larga y debía terminarse de una vez por todas o nunca podría después entenderse que él la olvide tan facilmente como para nunca más recordarla ni mencionarla. Y la relación con T’Pring, por el contrario, tenía que reaparecer para que el icónico episodio de la serie original titulado La Época de Amok (02×01) adquiriera sentido: ahora lo tiene.

La pega principal del capítulo, por supuesto, es que toda la historia de las marionetas termine en un sueño, recurso por demás manido que no puede menos que generar algo de desilusión. Es cierto que en parte da sentido a lo que no lo tenía, como que no se supiera de qué modo habían rescatado a Pike o bien a la descabellada explicación que da Spock acerca del “efecto marioneta” por la dispersión de las moléculas del “pequeño Ricky”. Estaba claro que era un disparate.

Pero así como algunas cosas pasan a tener sentido al haber sido un sueño, otras lo pierden. Spock no estuvo presente en todas las escenas y algunas, de hecho, involucraban únicamente a las marionetas, lo cual no cuadra con que lo estuviese soñando. Y la decisión de Pike de terminar prescindiendo de la silla biométrica directamente pasa a no entenderse. ¿En qué momento consideró que podía la misma ser un problema si él no fue parte de esa historia onírica?

Pero bueno, en el balance final me gustó el capítulo, sobre todo desde lo emocional. Las marionetas siempre van a retrotraerme a mi infancia y hemos visto un gran trabajo de Ethan Peck interactuando con las mismas, siendo particularmente hilarante el contraste entre su vulcánica inexpresividad y esos simpáticos seres de fieltro ajenos a toda lógica. Inevitable recordar El Show de los Muppets y, especialmente, aquellos sketches en que había algún reconocido artista como invitado especial.

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A ver qué nos trae el próximo episodio, con el que entraremos ya en la segunda mitad de la temporada. Hasta entonces y sean felices…

Retro-Análisis: El infierno del odio (1963). ¿La bondad humana es infinita?

¿La bondad humana es infinita? Esa sería la pregunta que nos podemos plantear al ver la historia que Akira Kurosawa nos propone en El infierno del odio. La película nos llevará, gracias al gran guion que la sustenta, a través de los dilemas morales que afrontan los protagonistas sobre un tema del que siempre es instructivo debatir…  ¿Hasta qué punto tendríamos empatía, bondad o incluso sacrificio personal para ayudar a otra persona? Os daremos nuestra opinión sobre esta obra magna del gran director japonés Akira Kurosawa.

De que trata El infierno del odio

La película nos presenta en sus primeros minutos al personaje protagonista Kingo Gondo (Toshiro Mifune), un empresario que, debido a años de dedicación tiene una vida privilegiada. Vive en la colina cercana a la ciudad, en buen situación económica con una vista de lujo con respecto a los que están en escalafones sociales inferiores.  Y tiene la intención de hacerse con el poder de la empresa en que trabaja por desavenencias con otros inversores e incluso con el jefe.

Su situación personal cambia cuando recibe una llamada telefónica donde se le dice que tienen a su hijo Jun (Toshio Egi) y le exigen el pago de un dinero para recuperarlo. Pronto se dará cuenta de que en verdad no es su hijo el secuestrado, sino el de su chófer personal Aoki (Yutaka Sada) y he allí el dilema.  ¿Pagará con su dinero para recuperar al hijo de un trabajador como en principio hubiera hecho si se trataba del suyo?  ¿O pasarán quizás sus intereses personales por encima de sus valores morales?.

Aspectos que la hacen especial

Podríamos destacar inicialmente el personaje de Gondo. Al principio le vemos discutiendo con inversores la forma de hacerse con la empresa en la que tienen invertido su dinero y dándonos cuenta de que, como empresario, tiene sus prioridades muy claras. Estamos ante un hombre de fuertes convicciones sobre lo que desea y quiere. No es presentado por Kurosawa como un tipo despreocupado de todo y egoísta, pero sí como alguien ambicioso, que ha escalado socialmente hasta el lugar en que se halla y no está dispuesto a renunciar a ello.

Sin embargo, al presentarse la situación con el hijo del chófer, las dudas sobre qué hacer le corroen inicialmente. Tiene por un lado el convencimiento de que tiene que proteger su estatus social, pero, a medida que avanza la historia, vemos cómo Gondo reflexiona sobre lo que realmente tiene el deber de hacer.  Darle la importancia que merecen sus valores morales, y en cierta forma, el ejemplo que debe darle a su propio hijo.

El papel, tanto de los policías como de su mujer Reiko Gondo (Kioko Kagawa), que es quien representa en la historia los sentimientos más emotivos en la historia, le harán decantarse por tratar de ayudar en la resolución del caso.

La decisión de pagar el rescate tiene consecuencias económicas para su personaje pero también supone una victoria moral. Una cosa que nos muestra Akira Kurosawa con esta historia es que no hay buenas y malas personas al 100% sino que según las circunstancias que las envuelven pueden actuar de forma contradictoria.

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El tema de la diferencia de clases es tratado por Kurosawa de forma evidente desde el primer instante. Nos presenta los personajes con suma sencillez pero con una eficacia evidente. La situación de la casa familiar de los Gondo en lo alto de la colina nos da la información necesaria sobre quiénes son y en qué posición social se hallan. Abajo, en la urbe (se ve desde la terraza una imagen de la ciudad a sus pies), la vida de los habitantes es mucho más complicada, como nos iremos enterando a través de las llamadas.

Gondo vive en un lugar abierto, luminoso y elevado, mientras que el secuestrador y demás personajes se relacionan con espacios más oscuros, congestionados y degradados de la ciudad de Yokohama, que es donde el director ubica la historia.  El detalle de que el secuestrador llame a la familia y le comente que hace mucho calor en donde está, contrariamente a lo bien que deben estar Gondo y los suyos con el aire acondicionado, nos informa sobre la diferencia social en que viven.

Otro ejemplo de cómo Gondo ha llegado a su posición tras años de esfuerzo es la escena en que se pone a manipular los maletines donde irá el dinero del rescate para colocarle unos gadgets que permita a la policía localizarlos.  Explica a los presentes que los zapateros también trabajaban antiguamente con maletines y ello nos da la pauta del origen humilde del personaje.  Interesante el momento en que todos los presentes se le quedan mirando en silencio.

La dirección de Akira Kurosawa es otro punto a destacar, especialmente eficaz en la primera parte del filme, la cual transcurre mayormente en un espacio limitado, que es la casa de los Gondo. A través de movimientos de cámara, disposición de personajes y composición de planos, Kurosawa consigue crear un estado de tensión en el que pareciera que estamos ante una función teatral más que ante una producción cinematográfica.

Ese uso narrativo de la cámara nos facilita la conexión emotiva con los personajes y sus relaciones, como también el uso del formato panorámico que coloca a diferentes personajes dentro del mismo encuadre para mostrarnos sus reacciones a los eventos que ocurren en la casa.

El montaje de la película también es para remarcar, ya que Kurosawa controla el ritmo a través del ritmo y sabe bien cuándo prolongar la tensión de una escena en concreto o cuándo acelerar la narración. Una escena muy notable del cambio de la primera parte a la segunda sería es cuando, desde la casa de los protagonistas, vemos el humo de colores salir de una chimenea, un detalle simple que, sin embargo, permite aprecar el cambio narrativo y de ritmo que tendrá la película. La escena transforma un elemento visual de lo más sencillo en una pieza fundamental del suspense.

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La segunda parte del filme nos acerca más al cine policial y eso hace que nos adentremos más en la crítica social que en el drama, como ocurre en la primera. El secuestrador no se presenta solo como un monstruo sin dar explicación de sus acciones, sino que sus razones para el odio hacia Gondo vienen de las diferencias sociales a partir de cómo vive cada uno de ellos.

La película tiene mucho valor, ya que funciona como crítica, pero la parte del thriller es también muy entretenida. Todo el misterio sobre qué habrá pasado con el niño o si podrá la policía encontrar al delincuente no nos despista de la parte social que nos hace reflexionar.

El guion del propio Kurosawa (conjuntamente con Hideo Oguni, Eijiro Hisaita, y Ryuzo Kikushima)  adapta en parte una novela de Evan Hunter llamada King’s Ransom (1959), pero haciendo cambios importantes con respecto a la obra original y dando más importancia y fuerza a la cuestión de la desigualdad entre clases sociales.

En general, estamos ante una de las obras destacables de Akira Kurosawa (si es que hay alguna que no lo sea), llena de interés por los dilemas morales que nos presenta y dando el director una clase magistral al plantar ante nuestros ojos una película que nos hace mantener la atención a lo largo de sus más de dos horas y veinte minutos sin perder un ápice de calidad y aun tratándose de una historia dividida en dos partes. Si no conocéis el cine del maestro Kurosawa, esta es la manera perfecta de tener el primer contacto.

Os dejamos con un artículo sobre otra película japonesa (no de Kurosawa) que merece ser conocida por los fans del cine AQUI

 

 

El cómic de la semana: Space Scouts

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Space Scouts. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hoy, en nuestro clásico Cómic de la semana, nos metemos de lleno en una de las grandes joyitas que nos ha traído recientemente Astiberri, Space Scouts, un tebeo que si lo abres ten cuidado de no impregnarte de polvo estelar. Un cómic maravilloso.

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¿De qué va este percal galáctico, de que va Space Scouts?

Para los que andéis despistados con las novedades, Space Scouts nos traslada a una epopeya de ciencia ficción que mezcla el relato clásico del viaje del héroe con una auténtica carrera de la rata intergaláctica. La historia arranca en un planeta polvoriento que es un claro trasunto a escala de los rincones más marginales de la galaxia. Allí conocemos a Ember, nuestra joven protagonista, a quien de repente le comunican que ha sido seleccionada para participar en el «Space Scout», un concurso televisivo de proporciones titánicas.

A grandes rasgos, estamos ante un battle royale en toda regla, miles de jóvenes con superpoderes de todos los rincones del cosmos compiten en una serie de desafíos mortales donde solo pueden quedar cien. El premio gordo para el gran vencedor no es moco de pavo, ya que se une al panteón de los mayores héroes galácticos y, de paso, su planeta de origen recibe una inyección económica brutal. Todo un honor por el que cualquiera mataría, excepto la propia Ember, a quien toda esta milonga le pesa como una losa y no lo ve nada claro.

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Matt Kindt y David Rubín, Una pareja de baile en estado de gracia

Si este volumen en formato cartoné de 144 páginas funciona como un reloj suizo desbocado es por culpa de sus autores. Por un lado tenemos al guionista Matt Kindt, un tipo que escribe ciencia ficción por los cuatrocostados pero que siempre huye de los tópicos más aburridos. Kindt utiliza los géneros no como una simple ambientación estética, sino para meter el dedo en la llaga de las relaciones humanas, la presión social y el sinsentido de los concursos de popularidad elevados a la máxima potencia cósmica.

Y claro, si el libreto viene cargado de ritmo y dinámica, en el apartado gráfico tenemos al incombustible David Rubín a los lápices y tintas (con la colaboración de Xulia Pisón en el color). Lo de Rubín en este tebeo es un auténtico espectáculo visual. Cada página desborda dinamismo, una composición de viñetas que te vuela la cabeza y unos diseños de personajes que destilan personalidad por cada poro. Su trazo aporta esa mezcla perfecta entre lo palomitero y lo crudo, convirtiendo cada secuencia de acción en una auténtica gozada estática y dinámica a partes iguales.

Un imprescindible para la estantería comiquera

En definitiva, esta edición de Space Scouts publicada por Astiberri demuestra que cuando dos autores con un talento descomunal se juntan fuera de las grandes multinacionales de superhéroes, el resultado es puramente magnético. Es un tebeo dinámico, con una edición de lujo que luce de maravilla en la estantería junto a otras colaboraciones previas de la pareja como Ether.

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Cuando la joven Ember recibe la noticia de que ha sido elegida para participar en Space Scout, un concurso televisivo que reúne a jóvenes de todos los sectores de la galaxia para competir en una serie de desafíos, su mundo se tambalea. Por un lado, quiere salir de la bola de barro que es su planeta natal, Venatu, solo que quiere hacerlo a su manera. Por otro lado, no quiere defraudar ni a su familia ni a su pueblo, puesto que el ganador del concurso, además de convertirse en miembro oficial de los Space Scouts, hace que su planeta de origen reciba una importante cantidad de dinero a cambio. Lo que comienza como un drama adolescente se transformará pronto en una guerra mortal en los confines del universo, donde nada es lo que parece.

A medio camino entre el relato clásico del viaje del héroe y la carrera de la rata, Matt Kindt y David Rubín vuelven a unirse para ofrecernos una obra llena de acción, entretenimiento y aventura.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Astiberri.

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Un saludo y sed felices.

Jason Statham es el auténtico action hero: Más de dos décadas le avalan. Elegimos sus 10 mejores películas

Hoy viernes 21 de agosto ha llegado a las pantallas lo nuevo de Jason Statham, El motín. Pero es que en Prime Video estrenan también su anterior largometraje, Shelter. Sin duda alguna Jason Statham lleva un 2026 muy productivo. Y un 2027 en el que también estrenará dos películas, la secuela de The Beekeeper y Viva La Madness, con dirección de Guy Ritchie, en su enésima colaboración.

El resurgir del action hero

A finales de la década de los 90 habíamos dicho adiós a los action hero de nuestra infancia, Van Damme, Schwarzenegger, Stallone o Willis (aunque este último si tiene grandes títulos en los 2000, como Looper, 16 calles, El caso Slevin, Hostage o Lágrimas del sol entre otras) y el género pasó un poco a la sombra, hasta que en 2002 apareció un rara avis, Jason Statham que venía de hacer distintos roles secundarios en películas de acción, para ocupar el trono de hierro de los action hero en un momento en el que los héroes de capas y mallas venían sustituyendo a los «actioner» que sudaban y sangraban.¿Su carta de presentación? Quizás su mejor película a día de hoy: Transporter.

Con guion de Luc Besson y dirigida por Louis Leterrier con coreografía de Corey Yuen, Statham se luce. Tiene secuencias míticas del cine de acción. Eso unido a su carisma, la convierten en una gran (pequeña)película de acción.

Luego es como todo, lo difícil es quedarse en el trono y más cuando te llega Liam neeson y te hace Venganza, o Keanu Reeves te hace un John Wick o Denzel una saga como Equalizer. Pero siempre va a hacer falta una estrella de acción y aunque en muchas ocasiones Statham ha bordeado la serie B se sigue manteniendo 25 años después en el trono de hierro.

Es por ello que hoy vamos a recordar sus 10 mejores películas. Vamos allá.

10. Los mercenarios (2010)

Lo reconozco. Esta saga no me gusta. Y no quería meterla al ser un reparto coral. Pero bueno Statham y Stallone son los que se llevan la gloria en la saga, así que la he metido con calzador. Además en general Statham es el que más mola en la saga con diferencia. Pero poco que destacar, lo mejor el carisma del actor y la escena en la que va a la cancha de baloncesto a darle cachiporrazos al imbécil que está con la ex.

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9. Redención (2013)

Si en el puesto número 10 he puesto una que ni fu ni fa, a partir de ahora todas las que están me gustan, y mucho. Statham tiene muy buenas películas de género. Redención tiene un dramón de sobremesa que me llega a cansar y es un personaje más hierático (en verdad es más humano) y con menos carisma. El título de Redención espero que no fuese por su personaje porque nuevamente no dejará títere con cabeza cuando vaya a defender a una monja.

8. A working man (2025)

Tras el (inesperado e incomprensible) éxito de The Beekeeper, David Ayer y Jason Statham volvieron a repetir. El argumento está trilladísimo y la acción es bastante genérica. No es la mejor ni de lejos del actor pero oye, sus 110 minutos pasan volando.

7. Beekeeper: El protector (2024)

Bueno. No entiendo lo bien que se habló de esta película y no de otras del actor que son igual o mejores. Pero le ha valido para que vuelva a relanzarse su carrera y eso hay que celebrarlo. El guion tiene ideas del mundo de John Wick, hay una organización clandestina que opera desde el secretismo. Pero al igual que pasase con la película original de Keanu Reeves, aquí ese universo está muy verde por lo que en alguna continuación podría ahondarse más en esto de los Beekeepers.

6. The Mechanic (2011)

Me gustó mucho esta película, la verdad. La forma en la que el personaje de Statham comete esos asesinatos que parecen accidentes. La relación con el personaje de Ben Foster (que gran actor) es otro de los puntos fuertes de una muy buena película que en 2016 conoció una secuela para olvidar.

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5. Operación Fortune (2023)

Guy Ritchie lleva unos años hiperactivo. Ha hecho muchas películas en la última década, algunas muy buenas otras para olvidar y alguna que queda en un podía haber sido mejor como esta Operación Fortune. Es una pena porque Statham brilla siempre que trabaja con el realizador. No obstante la cinta es un agradable pasatiempo de comedia de espías que se ve con facilidad.

4. Safe (2012)

Quizás una de las más infravaloradas y de las que menos se habla. Es la típica película del action hero que tiene que cuidar y proteger a un crío, en este caso a una niña. Es verdad que el papel de Jason Statham es demasiado plano y que solo se dedica a acabar con la triada, pero el componente humano que aporta la pequeña da un poco de enjundia al asunto.

3. El protector (2013)

Guion de Sylvester Stallone. La historia es simple y efectiva. Todo se inicia con una pelea de niños y que desencadenará en una serie de conflictos. Típica ciudad de lugareños en la que Statham pondrá orden. Ojo a James Franco, malo malísimo.

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2. Despierta la furia (2021)

Pues de lo mejor de Jason Statham es esta película con escenas de atracos y de tiros muy conseguida. Statham interpreta a un misterioso guardia de seguridad que acaba de llegar a una compañía de furgones blindados. La coloco la número dos porque tiene muy buena acción y un buen montaje.

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1. Transporter (2002)

Esto es puro cine de entretenimiento. La película nos regala dos escenas míticas, la del taller con el engrudo y la escena del pasillo. Un Statham en plenitud. Las secuelas, remakes y series no llegan ni a la suela de los zapatos.

Se quedan fuera las dos últimas porque no he tenido ocasión de verlas y creo que entrarían en el top, lástima.

Un saludo y sed felices.

Cuando las cuerdas y los metales invaden el frikiverso. Del cine de Robert Rodriguez a la música que inspira a los héroes

A ver, almas de cántaro y devoradores de cultura pop. ¿Os pensabais que en este rincón solo íbamos a hablar de mechas, naves espaciales y combates contra multiversos? Hoy nos toca abordar un tema de esos que cruzan fronteras insospechadas dentro del mundillo, de nuestro frikiverso. Vamos a analizar cómo la música tradicional mexicana, esa que suena con guitarrón y trompetas en cualquier buena celebración, se ha colado hasta la cocina en el cine de acción y en el ocio digital. Y es que cuando un mariachi entra en escena en una producción de culto, la cosa siempre termina con explosiones y ritmo a partes iguales.

Pensemos por un momento en cómo el cine fantástico ha adoptado los sonidos más icónicos de esta cultura. No hace falta irse muy lejos para recordar aquella joya del cine de acción de serie B elevado a los altares que fue El Mariachi de Robert Rodriguez, un ejercicio donde las guitarras escondían mucho más que acordes románticos. Esa dualidad entre la melodía popular y balas en suspensión marcó a toda una generación de espectadores que flipábamos viendo cómo el folclore se fusionaba con el cine de género. Y es que los mariachis no solo ambientan una plaza soleada o una fiesta popular en cualquier pueblo, sino que en la gran pantalla se han convertido en el perfecto preludio musical para que un héroe con gabardina y revólver suelte una frase lapidaria antes de que empiece el tiroteo.

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La música tradicional en los universos de ficción

Lo fascinante de todo esto es ver cómo los compositores de grandes franquicias de superhéroes y videojuegos han sabido rescatar estos instrumentos para dar textura a personajes fronterizos o a secuencias ambientadas en localizaciones latinas. Y es que creo que tenemos que reivindicar nuestras raíces y tradiciones, y no sólo dar por válidas las anglosajonas, que dominan el mundo desde hace años. Desde las composiciones que suenan en los rincones más recónditos del universo Marvel cuando se explora la cultura de personajes de raíces hispanas, hasta los guiños en la animación, y los videojuegos donde una banda sonora de este tipo te avisa de que el nivel se va a poner peliagudo. Al final, el arte de las cuerdas y el traje de cuero trascienden la pantalla para formar parte de nuestro imaginario colectivo friki, demostrando que la buena música no entiende de fronteras ni de universos de ficción.

El peso de estas influencias culturales en el entretenimiento digital y cinematográfico demuestra que la hibridación de géneros es una constante inagotable. Ya busquemos referencias en producciones independientes o en grandes blockbusters, el folclore siempre encuentra hueco para enriquecer la narrativa visual y sonora de aquello que consumimos a diario.

¿Qué opináis de esta mezcla tan peculiar entre la cultura tradicional y los mundos de ficción? Además no sólo es la cultura hispana, incluso desde Asia, la cultura coreana con la música o el anime/manga desde Japón, se van adueñando poco a poco de este mundo globalizado.

Un saludo y sed felices.

Warren Ellis regresa por la puerta grande a Image Comics en 2026.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. El cómic estadounidense vuelve a situar a Warren Ellis en el centro de la actualidad. Image Comics ha anunciado la publicación de Ghost Drive Station, una nueva obra que llegará a las librerías especializadas americanas el 18 de noviembre de 2026.

Warren Ellis regresa a Image con una obra de terror sobre la inmortalidad digital

La editorial publicará en noviembre Ghost Drive Station, una novela gráfica escrita por el autor de Transmetropolitan y Planetary; junto a la artista y diseñadora Lordess Foudre. El anuncio reabre, además, el debate sobre la responsabilidad de la industria cultural ante las denuncias que rodean al guionista.

El proyecto supone el regreso del escritor a una editorial que, cinco años atrás, había declarado públicamente que no volvería a trabajar con él hasta que hubiera reparado el daño causado a satisfacción de las personas afectadas.

Warren Ellis, conocido por títulos como Planetary, Transmetropolitan, Stormwatch, Authority … Firma la obra junto a Lordess Foudre, artista, diseñadora y compositora vinculada a proyectos musicales y visuales de artistas como Soccer Mommy.

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Hago un inciso para dejar AQUÍ, la reseña que tenemos de Planetary la Saga Completa, a cargo de mi querido Carlos María Porras Castaños.

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El argumento de Ghost Drive Station

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La colaboración propone una historia que combina investigación criminal, horror cósmico y especulación tecnológica, tres terrenos especialmente fértiles para un autor acostumbrado a explorar los límites entre el futuro y la condición humana.

La trama sigue a un investigador atormentado que recibe el encargo de desplazarse hasta una estación científica aislada en el desierto. El centro ha dejado de emitir señales y la misión parece, en principio, una operación de búsqueda convencional.

Sin embargo, la llegada del protagonista coincide con el aniversario del peor acontecimiento de su vida, una circunstancia que convierte la investigación en un descenso tanto psicológico como sobrenatural.

En el interior de la instalación, el detective descubrirá que sus responsables trabajaban en un experimento relacionado con la inmortalidad. El proyecto ha fracasado de forma catastrófica y sus consecuencias amenazan con superar los límites de la estación para adquirir una dimensión global.

Image Comics presenta Ghost Drive Station como una obra interesada en la muerte, la identidad y la relación entre la tecnología digital y el deseo humano de prolongar la existencia.

La descripción editorial sitúa al protagonista en la tradición del investigador torturado y moralmente ambiguo, con ecos del true crime y del noir contemporáneo. El relato partirá de una atmósfera próxima a la primera temporada de True Detective para adentrarse después en un territorio de pesadilla asociado a películas como Horizonte Final y al imaginario de los llamados Backrooms.

La mezcla promete una lectura incómoda, en la que la investigación detectivesca funcionará como puerta de entrada a un horror de escala cósmica.

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El escándalo de Warren Ellis

Pero el interés de la noticia no se limita a sus elementos narrativos. El regreso de Ellis a Image se produce después de que decenas de mujeres y personas no binarias denunciaran conductas de abuso sexual y abuso de poder.

A raíz de aquellas acusaciones nació el colectivo So Many of Us, que documentó diversos testimonios y participó en conversaciones orientadas a un proceso de mediación.

En enero de 2023, el colectivo afirmó que, aunque se habían producido avances iniciales, Warren Ellis no había llevado a cabo las medidas que esperaban y que el proceso de rendición de cuentas ya no era posible en aquellas condiciones.

Desde entonces, según la información publicada por la web AIPT, no se han difundido nuevas actualizaciones en la web de So Many of Us.

Warren

Son dos cuestiones diferentes … ¿O no lo son?

La publicación de Ghost Drive Station obliga, por tanto, a separar dos cuestiones que convivirán inevitablemente: La valoración artística de una propuesta de ciencia ficción y terror, y el debate ético sobre las condiciones en las que la industria decide recuperar a un creador cuyos actos son moralmente reprochables y puede que delictivos.

Pero centrándonos en únicamente en el noveno arte, el cómic llegará al mercado con una premisa potente, una colaboración visual singular y una controversia que forma parte inseparable de su contexto.

Esperamos que todo esto haya sido de vuestro interés.

¡Sed Felices!

Dos potentes películas western: Los colonos vs Los asesinos de la luna

 

Los colonos: la violencia en el origen de una fortuna

Los colonos, película chilena dirigida por Felipe Gálvez, se adentra en uno de los episodios más oscuros de la historia de la Patagonia: la violencia ejercida contra los pueblos indígenas durante el proceso de expansión territorial de finales del siglo XIX. La película sigue a tres hombres enviados a recorrer las tierras del poderoso terrateniente José Menéndez en una expedición que pronto se convierte en una campaña de exterminio al más puro estilo Meridiano de sangre. A través de sus personajes, el filme muestra cómo la construcción de una nación y de una fortuna pueden estar cimentadas sobre la sangre de aquellos que fueron considerados un obstáculo para el progreso.

Uno de los aspectos más interesantes de Los colonos es su relación con la familia Braun Menéndez, una de las más poderosas vinculadas históricamente a la explotación ganadera de la Patagonia. La película no se limita a presentar la violencia como un episodio aislado, sino que plantea una pregunta incómoda: ¿Qué hay detrás de las grandes fortunas y de los nombres que han sobrevivido hasta nuestros días?

La historia de los Braun Menéndez, cuya influencia económica y empresarial continúa siendo relevante en la actualidad con reciente presencia en diferentes gobiernos de Chile y Argentina, convierte a la película en una reflexión especialmente perturbadora sobre la relación entre poder, riqueza y violencia histórica.

Felipe Gálvez evita construir un relato convencional. Los colonos parece avanzar como una pesadilla lenta, seca y deliberadamente incómoda. Sus planos largos, sus paisajes inmensos y sus imágenes metafóricas convierten la Patagonia en un territorio casi mítico, pero también un espacio de muerte.

La violencia aparece de manera bizarra, extrema y, en ocasiones, desconcertante, precisamente porque la película se niega a convertirla en un espectáculo convencional. El horror surge de la frialdad con la que los personajes ejecutan sus actos y la naturalidad con que el exterminio puede llegar a formar parte de un proyecto económico y político.

Los colonos (2023) - IMDb

 

Los asesinos de la luna: el crimen organizado contra un pueblo

En Los asesinos de la luna (nuestra crítica en el link), Martin Scorsese aborda otro episodio de violencia colonial, esta vez en los Estados Unidos de principios del siglo XX. La película narra la historia de los miembros de la nación Osage, que descubrieron petróleo en sus tierras y, como consecuencia, se convirtieron en propietarios de una enorme riqueza. Pero ello atrajo la codicia de hombres blancos que comenzaron a conspirar para apropiarse de sus bienes y de sus tierras mediante asesinatos, matrimonios interesados y una red sistemática de corrupción.

La película denuncia así una forma de expropiación que no se produce únicamente mediante la fuerza militar, sino también mediante la manipulación de las leyes, las instituciones y las relaciones familiares. Scorsese muestra cómo el racismo y la avaricia pueden convertir el asesinato en un sistema organizado. La tragedia de los Osage revela que la conquista no siempre termina cuando desaparece la violencia abierta: puede continuar a través de estructuras económicas y legales diseñadas para despojar a una población de su riqueza.

Los asesinos de la luna – Cines Embajadores

 

 Dos perspectivas para contar una misma historia

Las dos películas comparten, en el fondo, un tema esencial: la violencia colonial utilizada para apropiarse de territorios y riquezas. Tanto Los colonos como Los asesinos de la luna muestran sociedades en las que la ambición económica convierte a los pueblos indígenas en un obstáculo que debe ser sometido o eliminado. Sin embargo, ambas abordan el tema desde perspectivas cinematográficas radicalmente diferentes.

Los colonos apuesta por la poesía visual, los planos largos y las imágenes metafóricas. Su narrativa es fragmentaria, misteriosa y muchas veces parece más interesada en crear una atmósfera de horror que en explicarlo todo. La violencia es extraña, brutal y extrema, casi absurda en su crueldad.

Los asesinos de la luna, en cambio, se acerca al relato desde una perspectiva más explicativa y casi documental. Scorsese reconstruye minuciosamente los acontecimientos, muestra las relaciones entre los personajes y permite comprender cómo funciona la maquinaria criminal que rodea a los Osage.

Si Gálvez utiliza el silencio, el paisaje y la sugerencia para provocar una sensación de horror, Scorsese utiliza la narración y la acumulación de detalles para demostrar que ese horror fue real y sistemático. Una película nos hace sentir el vacío de la violencia; la otra nos obliga a comprender su mecanismo.

Dos películas valientes

Precisamente por sus diferencias, Los colonos y Los asesinos de la luna resultan dos obras especialmente valientes. Ambas se atreven a mirar de frente episodios históricos incómodos y cuestionar los relatos oficiales sobre la construcción de las naciones y sus grandes fortunas. Ninguna de las dos ofrece una visión complaciente del pasado.

El mérito de Felipe Gálvez está en su capacidad para convertir la historia en una experiencia sensorial, poética y perturbadora, mientras que Scorsese demuestra la fuerza de un cine narrativo capaz de reconstruir con precisión la dimensión sistemática de un crimen. Son dos estilos opuestos, pero igualmente poderosos: uno sugiere y golpea mediante las imágenes; el otro explica y acusa mediante el relato.

En ambos casos, el cine se convierte en una herramienta para recuperar una memoria que durante demasiado tiempo permaneció en los márgenes. Y ahí reside, quizá, la mayor valentía de ambas películas: recordar que detrás de ciertos territorios, fortunas y nombres ilustres existe también una historia de sangre que no debería ser olvidada.

Cada película encontrara su público pero ambas, sin duda, comparten dos finales potentes difíciles de olvidar.

Genocidio en el fin del mundo: Estado y terratenientes contra los selk'nam | La tinta

La invitación (2026) Olivia Wilde regresa con una comedia incómoda, inteligente y sorprendente

Después de que en 2022 la gran apuesta de Olivia Wilde como directora con Don’t Worry Darling recibiera opiniones mixtas de crítica y audiencias, se ponía en duda el éxito que esta pudiera llegar a lograr dirigiendo. Ahora, luego de unos años de espera, vuelve a la gran pantalla con La invitación, una comedia sobre un matrimonio que decide pasar la noche junto a sus vecinos, en una cena que poco a poco revelando secretos e intimidades de ambas partes.

En 2019 Olivia Wilde dio un salto desde la actuación al rol de directora con Booksmart, una asombrosa comedia adolescent en la cual la escala es pequeña, pero le juega a favor el poder retratar a las protagonistas y ponerlos en situaciones límite para generar espacios de comedia. Luego, en 2022, con Don’t Worry Darling se adentró en un terreno más ambicioso y, para bien o para mal, fue un acercamiento al tema del matrimonio y el desgaste que este puede generar.

Con La invitación, Wilde parece haber logrado un equilibrio entre ambos estilos, logrando dar una película que en ningún momento pretende detenerse en la comedia, sino que se centra especialmente en los personajes y la evolución de sus relaciones.

The Invite' review: Olivia Wilde and Seth Rogen's new film is the best movie I've seen in 2026. Yeah, I'm as surprised as you are | Tom's Guide

Una cena que expone las grietas del matrimonio

La historia sigue a Joe (Seth Rogen) y Angela (Olivia Wilde), un matrimonio venido a menos y en constantes desacuerdos. Sin antes avisarle, Angela decide invitar a una cena a Hawk y Pina, pareja que vive en el departamento de arriba, por el simple hecho de parecerle personas interesantes.

Esto genera peleas y discusiones entre ambos hasta que llegan Hawk (Edward Norton) y Pina (Penélope Cruz), una pareja mucho más libre que parece entenderse mucho mejor y con una relación más estable, a pesar de estar casados ni llevar mucho tiempo juntos. A medida que la noche avanza, las parejas se conocen mejor y descubren poco a poco las partes más íntimas de cada uno de los cuatro.

El guion es una adaptación de la película española Sentimental (2020), pero a cargo de Rashida Jones, adaptando la historia a los problemas convencionales estadounidenses y con una identidad bastante más marcada.   Se construye y se sostiene por las conversaciones entre los personajes, con un enfoque bastante frontal expresando sus dilemas sin subtexto ni de forma subjetiva. Y aunque normalmente decirle al espectador todo el mensaje de frente no da muy buen resultado, en este caso funciona.

Y lo hace porque el tema central es la sexualidad, pero no desde una aproximación erótica o de comedia pura, sino desde sus propios dilemas, lo que, al ser un tema tabú y tan poco tratado, resulta bastante refrescante y a la vez incómodo.  Pone al espectador en una situación bastante especial porque la tensión y la incomodidad se acumulan, desembocando en un momento cómico que, lejos de arruinar el ritmo, está tan bien construido que cae como anillo al dedo.

Igualmente, el tema de la sexualidad no se toca simplemente para incomodar o hacer reír, sino con el sentido de retratar a los matrimonios. Todo se relata a través de conversaciones, pero puestas en contexto representan los problemas de un matrimonio convencional: cómo la cotidianidad se puede convertir en repetición y cómo el preocuparse por las cosas del exterior afecta apreciar lo que se tiene, así como el paso del tiempo, el desgaste de viejos hábitos y la diferencia entre deseo y liberación.

Ello dota a la cinta de un trasfondo donde el espectador puede reflexionar mucho sobre temas que pocas veces se tocan de manera tan directa, con un trabajo de guion impresionante donde todo está construido en base al diálogo y nunca se siente lento o repetitivo.

The Invite' Ending Explained

Puesta en escena al servicio de la historia

En apartados técnicos, La invitación puede sentirse como algo poco impresionante al ser una película de escala pequeña, pero no es falta de capacidad en ese aspecto, sino porque está al servicio de la narrativa. Toda la película sucede en una sola noche y en un solo departamento.

El diseño de producción es muy bueno debido a que refuerza el sentimiento de encierro e intimidad. En una historia de este tipo, muy introspectiva, uno más elaborado o con más localizaciones sería contraproducente. En este caso, el departamento se construye con distintos pasillos estrechos y salones donde siempre hay elementos que encierran más el encuadre y, cuando se tiene un vistazo a los espacios más íntimos, como las salas de trabajo de los personajes, se sienten realmente vivos y suyos.

Asimismo, Olivia Wilde hace un gran trabajo como directora. Aunque se apoya mucho en el diálogo, lo suyo no queda ahí. Con constantes movimientos de cámara, logra que la situación se sienta más tensa y todo vaya simbólicamente en espiral hasta derrumbarse. El uso de planos cerrados ayuda a reforzar la sensación de intimidad y que la química entre los personajes se sienta más fuerte en los momentos de tensión.

En cuanto a las actuaciones, todos son de élite y no decepcionan en ningún momento. Seth Rogen es en quien recae mayormente la parte de comedia, lo que suele ser común en él, pero también tiene sus momentos más sentimentales e introspectivos sin queda atrás del resto del elenco.

Olivia Wilde interpreta a un personaje que desprende ansiedad y nerviosismo, además de hacer un trabajo fantástico con la corporalidad.  El de Edward Norton, por su parte, se siente en ocasiones como el más desconectado, pero ese es precisamente su rol: representar en todo momento la parte más confiada.  Y Penélope Cruz, por último, se roba la pantalla en cada escena, transmitiendo tanta seguridad que su sola presencia llena la historia.

The Invite (2026) [REVIEW] | The Wolfman Cometh

Un cierre que rompe el ritmo

Si bien no es un problema demasiado grande, el final es la parte más débil de La invitación, algo que ya le ocurría a Wilde en Don’t Worry Darling. Esto se debe a que toda la cinta es bastante frontal y directa, recargándose todo en la comedia para dar pequeños respiros al espectador.

En el último acto todo se detiene, el ritmo baja drásticamente y se vuelven conversaciones más cercanas al drama de pareja tradicional que, si bien refuerzan el mensaje, hacen que se sienta un poco fuera de lugar. Igualmente, las últimas escenas, en vez de ser directas, son un poco más subjetivas e interpretativas.  No es que rompan con la narrativa y representan, por cierto, un desenlace lógico, pero sí se sienten como un cambio brusco y algo anticlimático.

The Invite : Movie Review

La invitación es una de las mayores sorpresas del año, regresando a Wilde como directora con una historia incómoda y refrescante por igual que, con sus personajes carismáticos y extravagantes, logra dejar una huella en el espectador.

R.J. Decker (Disney+). El regreso del detective clásico de los noventa que se ahoga en lo correcto

Hubo un tiempo en el que los thrillers de detectives no necesitaban giros cuánticos, conspiraciones gubernamentales a escala global ni saltos temporales para mantenernos pegados a la pantalla. Bastaba con un tipo cínico pero con código de honor, una gabardina gastada, un caso turbio que resolver en una ciudad asfixiante, y un buen puñado de diálogos afilados.

Disney+ ha querido recuperar ese aroma clásico de las novelas policíacas de bolsillo con el estreno de la serie antológica de R.J. Decker, la adaptación televisiva del carismático investigador privado que promete devolvernos la edad de oro del género negro.

La historia nos presenta a R.J. Decker (Scott Speedman), un antiguo fotógrafo de prensa reconvertido en detective privado tras un escándalo que arruinó su carrera. Afincado en una Florida calurosa, sucia y alejada de los focos turísticos, pero aun así, mostrando cierto glamour.

Después de pasar unos años en la cárcel regresa dispuesto a sobrevivir de la mejor forma posible, y eso lo hace aceptando casos sencillos de infidelidades, pequeños hurtos y otras cosas menores, que se complicaran desembocando en peligrosas investigaciones.

La premisa se siente reconfortante, como volver a casa. Sin embargo, tras analizar el pulso de la serie en sus primeros capítulos, la sensación que deja es la de una profunda frustración. Nos encontramos ante otra producción más cortada por el mismo patrón industrial de la plataforma que, en su empeño por gustar a todo el mundo y no arriesgar un ápice, termina por diluir la personalidad de su protagonista, y aburrir al espectador.


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R.J. Decker: un antihéroe con carisma atrapado en un envoltorio predecible

Si hay algo que salva a la serie de la quema absoluta en los primeros compases es la energía y la intriga que el propio personaje arrastra. Hay una garra atrapante en ver a este detective desencantado lidiar con matones de tres al cuarto y millonarios prepotentes. El actor principal clava esa chulería herida y esa mirada cansada del que lo ha visto todo, regalándonos momentos de suspense clásico que funcionan muy bien de forma aislada.

El gran problema es que ese magnetismo se agota pronto porque el desarrollo se vuelve plano y completamente previsible. En lugar de apostar por una atmósfera turbia, asfixiante y con peligro real, la serie cae en la manía típica de la ficción de streaming actual: meter información a cascoporro, introducir personajes secundarios mecánicos que solo sirven para soltar pistas explicativas y encadenar giros de guion de manual para evitar que te pares a pensar (seguro que os suena).

Al final, te das cuenta de que te están vendiendo la moto; la trama está llena de agujeros y las resoluciones de los misterios caen del cielo de la forma más cómoda posible, restándole todo el mérito a la investigación. Decepcionante, y hacen muy difícil no soltar un ‘venga ya’ cuando esto sucede.

R.J. Decker

La paradoja de Disney+: Un ‘noir’ demasiado limpio

El verdadero talón de Aquiles de R.J. Decker es su puesta en escena. El género negro necesita sombras, imperfección, calles que huelan a humedad y personajes moralmente grises que te hagan dudar de todo. Aquí, sin embargo, todo pasa por el filtro higienizado de la factoría. La fotografía es bonita y colorida, los planos están medidos al milímetro para lucir espectaculares en pantallas de alta definición y la violencia es tan pulcra que no asusta a nadie.

Esta falta de oscuridad y garra convierte lo que debería ser un thriller tenso e incómodo en un procedimental rutinario que ya hemos visto mil veces en la televisión en abierto. Los sospechosos cambian de nombre cada episodio simplemente para estirar el metraje y los cliffhangers del final de cada capítulo se sienten artificiales, forzados por el algoritmo para que sigas consumiendo reproducción automática en lugar de por una verdadera necesidad narrativa.

Veredicto final: ¿Merece la pena contratar los servicios de este detective?

Pues, depende de lo que busques. La R.J. Decker está destinada a un público que busque entretenimiento rápido, fácil y totalmente desechable. Incluso si dejas a mitad un episodio no lo vas a echar de menos, y dormirás a pierna suelta sin acabar de verlo (ya me entiendes).

R.J. Decker es otra oportunidad perdida de resucitar el thriller de detectives de la vieja escuela. Empieza con fuerza gracias al carisma de su premisa y a un protagonista que defiende el tipo con uñas y dientes, pero se desinfla a marchas forzadas conforme avanza, dejándonos con una resolución convencional que te deja totalmente indiferente.

Si buscas un entretenimiento ligero para poner de fondo mientras haces la cena, cumple el trámite. Pero si buscas un rompecabezas inteligente, coherente y que respete tu madurez como espectador, es mejor que dejes el caso cerrado.

¿Y vosotros? ¿Os habéis adentrado ya en los pantanos de este misterio en Disney+? ¿Os convence este R.J. Decker moderno, o pensáis que al género negro le hace falta mucha más suciedad y coraje, y menos intentar gustar a un algoritmo acomodado y facilón?

Saludos, y sed felices.