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¿Por qué hay que ver Slow Horses (2022)?

Si hay un género que no pasa de moda es el del espionaje. Capaz de darnos películas de acción tan notables como El agente invisible o la saga Misión Imposible. O historias más pausadas como El topo o El espía. Toda trama que tenga que ver con esto de averiguar lo que piensa el vecino tiene su atractivo y, además, se puede enfocar de distintas maneras. Prueba de ello es Slow Horses, serie de Apple TV que ya lleva tres temporadas. En este artículo me centraré en la primera, la puerta de entrada a un universo que no debéis perderos.

Los 21 mejores espías de la historia del cine

Slow Horses (se ha mantenido el término inglés en lugar de la traducción obvia: caballos lentos) es una adaptación de la saga de novelas de espionaje de Mick Herron, protagonizadas por el brazo torpe (como Torrente) del MI5, el archiconocido servicio secreto británico. Mientras los grandes espías como James Bond acuden a las grandes oficinas centrales de Regent´s Park, estos trabajan en un cuchitril. No se dedican a grandes operaciones, sino a saquear la basura o seguir a personajes que forman parte de operaciones sin ningún tipo de enjundia. En este equipo de Slow Horses, de caballos lentos, se encuentran los castigados. Espías del MI5 que, por uno u otro motivo, acabaron pifiándola o sin entenderse con sus superiores y fueron desterrados a dicho cuchitril, la Ciénaga.

El jefe de estos Slow Horses es Jackson Lamb, un veterano espía cutre hasta decir basta, cascarrabias y harto de todo que no para de machacar a sus compañeros de equipo. La llegada de River Cartwright, un proyecto de superespía que cometió una torpeza y ha terminado destinado en la Ciénaga, trastocará al equipo, involucrándolo en una trama que mezcla a la ultraderecha y a un cómico de origen árabe.

Dirige todos los capítulos James Hawes, que acaba de estrenar la nueva película de Anthony Hopkins, Los niños de Winton, pero que es todo un veterano de la televisión británica. O lo que es lo mismo, de la mejor ficción televisiva. Doctor Who, Black Mirror y un largo etcétera.

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Lo que más llama a la atención de Slow Horses es su tono. Puede que sea un thriller de espionaje de los de la vieja escuela, repleto de frases lapidarias y giros de guión, pero lo que convierte a la serie es un producto distinto es su peculiar tono cómico.

Slow Horses es una serie a la medida de su personaje protagonista, Jackson Lamb. O lo que es lo mismo, Gary Oldman. Uno de los mejores actores vivos, que ya nos regaló a uno de los mejores espías de la historia del cine con su George Smiley de El topo. Si algo tienen en común Smiley y Lamb, más allá de ser espías de ficción literaria, es la edad, asociada a esa madurez tan cinematográfica que se ve acompañada de las decepciones laborales y vitales. Viven sabiendo que los finales felices no existen. La principal diferencia entre ambos es que, mientras Smiley se defiende con método y rigidez, Lamb enarbola el cinismo.

A Lamb lo veremos con sus calcetines llenos de agujeros, tirándose pedos en un despacho hecho un auténtico desastre y soltando barbaridades porque, al final, la única manera que tiene de enfrentarse a un mundo cruel es siendo cruel con el mundo.

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Pero, por otro lado, Lamb es un superespía. Además, de los de antes. No maneja la informática, sino el contacto personal. No sabemos qué le llevo a ser el jefe de los torpes, pero parece convencido de que su vida útil acabó hace muchos años.

Esa dualidad de Lamb es la que caracteriza al tono de la serie. Y qué mejor actor que Gary Oldman, en su primer papel televisivo, para sujetar Slow Horses. Ya os digo que es una de sus mejores interpretaciones. Y hablamos de George Smiley, Drácula, James Gordon o Winston Churchill.

A Oldman se le une un reparto repleto de elegancia británica. Tenemos a Kristin Scott Thomas (Misión Imposible), a Olivia Cooke (La casa del dragón), Jack Lowden (Dunkerque) o Jonathan Pryce (Juego de tronos), entre otros.

Si hasta la intro musical tiene clase, siendo la última canción (hasta ahora) cantada por el mismísimo Mick Jagger.

En definitiva, Slow Horses es una serie, como tantas otras de Apple TV, a la que merece la pena acercarse. Combina con elegancia el humor negro más burdo con el thriller de espionaje de toda la vida. Y cuenta con uno de los mejores papeles de Gary Oldman. ¿Alguien da más?

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Clear de Snyder y Manapul | Un cómic ‘noir’ vestido de cyberpunk

‘Clear’ de Scott Snyder y Francis Manapul se ha publicado en febrero en España por Norma editorial y ha sido una lectura que me ha conquistado y que me ha reconciliado con un Snyder que no era ‘santo de mi devoción’.

Partamos de la premisa que el género ‘noir’ me encanta y lo disfruto cuando se encuentra bien escrito y este lo está. ‘Clear’ nos lanza a las calles de una ciudad cyberpunk de la mano de un ex-policía convertido en detective privado que se verá envuelto en un caso que se va a volver personal y que lo va a poner a prueba.

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Podríamos decir que ‘no hay nada nuevo en el horizonte’ y que no inventa a rueda (y sería cierto), pero no es lo que se cuenta, sino como se cuenta. Scott Snyder consigue que nos enganche esta trama y que los múltiples giros de guion (que los hay) nos dejen boquiabiertos y con ganas de seguir devorando páginas.

Algo muy curioso de este cómic es su título: ‘Clear’, ya que hace referencia a algo que tendrá mucha importancia en el devenir de la trama que son los ‘velos’. Estos son implantes que hacen que cada persona pueda ver el mundo de la forma en la que lo desee. Son ‘mods’ para no ver el mundo tal y como es.  Sam Dunes, nuestro protagonista utiliza el modo ‘clear’ o sea que ve el mundo sin modificación.

La historia principal arranca con la investigación, por parte de Sam, del suicidio de su exmujer, que obviamente tendrá muchas capas y nada será lo que parece en esta muerte.  Este periplo lo va a llevar a atravesar la ciudad, tratar con gente de altas esferas y otra de dudosa moral. Todo va aponer a prueba a este hombre mientras parte de su pasado vuelve a él a modo de dolorosos recuerdos.

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‘Clear’ sabe coger lo mejor de cada género que maneja, como hizo en su día ‘Blade Runner’ para entregarnos un cómic adictivo y con apartado visual apabullante al que le sienta genial el tamaño BD con el que se nos presenta.

Manapul nos mete de lleno en el género cyberpunk que tan preciosos y peligrosos escenarios maneja. Quienes hayan jugado al título de CD Pojekt Red o a ‘Stray’ sabrán que ese tipo de mundo es muy atractivo y da mucho juego para ambientar historias oscuras repletas de acción y desesperación.

Casi que podía escuchar la música de sintetizador con la que se asocia el género Cyberpunk con cada vuelta de página.

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Conclusión

‘Clear’ ha sido un descubrimiento gratísimo que me ganado desde las primera páginas y ese chiste sobre unos locos y un incendio.

Snyder ha conseguido una historia que bebe de los clásicos del ‘noir’, pero con una identidad y un universo propio que nos van a conquistar.

Personajes rotos y una ciudad con muchos secretos son los pilares de una trama que se crecer con los trazos de Francis Manapul.

Solo digo que Ed Brubaker estaría orgulloso de lo que ha escrito Snyder.

Aquí os dejo la web de Norma Editorial donde encontrar ‘Clear’ y su portada:

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Un saludo y sed felices.

Los detectives muertos (2024) La nueva serie paranormal de Netflix.

Si te gusta lo paranormal estás de suerte; Netflix estrenó el 25 de abril de 2024 Los detectives muertos, una serie antológica que nos recuerda mucho a otras como Nancy Drew o incluso Sobrenatural. La serie se basa en el universo de Sandman, creado por Neil Gaiman, y después de unos primeros momentos inciertos, la plataforma de la N roja se hizo con los derechos para producir esta adaptación de los cómics.

Dos jóvenes, Edwin Payne (George Rexstrew) y Charles Rowland (Jayden Revri), deciden no cruzar a la luz y deambulan por el lado terrenal mientras ayudan al resto de almas en pena a dar el paso al otro lado. Ambos tienen una peculiar agencia de detectives que se dedica a buscar qué es lo que retiene a esas almas en este lado, encontrándose, la gran mayoría de veces, con sorpresas desagradables que tendrán que superar para permitir que sus clientes puedan ‘descansar en paz‘.

Sus vidas darán un giro cuando, en uno de sus casos, conozcan a la medium Crystal (Kassius Nelson). La joven ha sido poseída por un demonio y los detectives muertos tendrán que liberarla de él. Al hacerlo, perderá su memoria y eso comprometerá a los dos jóvenes a continuar con su caso hasta que consiga recuperar sus recuerdos.

Mientras esto sucede, los tres jóvenes formarán un trío peculiar, y juntos se enfrentarán a casos realmente extraños mientras tienen que lidiar con problemas que les acechan y que amenazan con romper la tranquilidad de sus ‘nuevas vidas‘.

Los detectives muertos: unos protagonistas muy diferentes.

Todos necesitamos amigos. En algunas ocasiones, nuestras amistades son muy parecidos a nosotros y precisamente por ese motivo se convirtieron en nuestras personas favoritas. Pero hay otras veces en que hacemos amistad con alguien justamente por todo lo contrario: por lo diferente que somos. Esas diferencias son las que nos complementan y hacen que la relación de amistad fluya y se vuelva sólida.

Los detectives muertos

Pues algo parecido sucede en Los detectives muertos con Edwin y Charles. De primeras tenemos una diferencia en cuanto al momento en que ambos vivieron de unas cuantas decenas de años. Eso hace que haya un sesgo generacional entre ellos que resulta gracioso la mayoría de veces.

Mientras que Charles es un joven educado, y en algunos momentos demasiado estirado, (algo bastante normal para la época en la que creció), Edwin es un joven más rebelde y con unos modales más relajados y mucho más cercanos a la época actual en la que se sitúa Los detectives muertos.

Y no solo eso les diferencia, también sus habilidades son completamente opuestas. Charles es un erudito, conocedor de todos los libros sobre criaturas y monstruos, y también un gran estudioso de la magia. Por el contrario a Edwin se le da mejor lo de defenderse por la fuerza. Como puedes ver, justo lo que los diferencia es lo que hace que ambos se complementen creando una simbiosis perfecta que funciona más que bien.

Ahora cuentan con un nuevo integrante, una medium intrépida, acostumbrada a tratar con fantasmas desde siempre y que ahora será de gran ayuda para este dúo de detectives muertos para resolver sus casos. Solo queda por ver si la joven encaja de algún modo y se crea un combo magistral, o por el contrario todo se vuelve un desastre.

Los detectives muertos: demonios, monstruos y gatos.

Los detectives muertos es una serie interesante. Me ha parecido que su público más objetivo son jóvenes, pero si ya dejaste atrás esa etapa de tu vida, no te preocupes porque puedes verla y pasar un rato entretenido ya que no llega a caer en los tópicos de otras series destinadas a ese público.

Los detectives muertos

El hecho de que cada episodio se dedique al esclarecimiento de un misterio le da una agilidad a la historia que se agradece. Por supuesto que tiene varias tramas que se irán desarrollando durante sus ocho episodios, y tengo que decir que resultan entretenidas todas por igual, aunque alguna de ellas tengan más peso que otras.

En esta primera temporada de Los detectives muertos nos vamos a encontrar con una fauna bastante singular de monstruos y otros seres propios de leyendas o cuentos de terror, pero no es una serie de miedo. Todos ellos tendrán su lugar intrigante convirtiéndose en nuevos casos que tienen que resolver este grupo de amigos.

Por mi parte, decir que Los detectives muertos me ha gustado. He pasado un buen rato viendo sus episodios, y la historia y sus tramas me han parecido amenas de ver.  Así que, si estás buscando una serie entretenida, con misterios paranormales, intriga y algo de drama muy dosificado, te recomiendo que le des una oportunidad a Los detectives muertos, y luego nos cuentas qué te ha parecido.

Qué dice Netflix de Los detectives muertos.

¿Te persigue un fantasma molesto? ¿Un demonio te ha robado tus recuerdos más valiosos? Es el momento de llamar a los Detectives Muertos.

Te presentamos a Edwin Payne (George Rexstrew) y a Charles Rowland (Jayden Revri), «el cerebro» y «la fuerza» de la Agencia de los Detectives Muertos. Edwin y Charles son dos adolescentes nacidos con décadas de diferencia que se conocen tras la muerte, se hacen grandes amigos y son… fantasmas que investigan misterios.

Y harán lo que sea para seguir juntos: escapar de brujas malvadas, del infierno y hasta de la mismísima Muerte. Con la ayuda de la médium Crystal (Kassius Nelson) y de su amiga Niko (Yuyu Kitamura), resolverán algunos de los casos paranormales más desconcertantes del reino de los vivos.

‘Los Detectives Muertos’ está ambientada en el universo de ‘Sandman’ para Netflix y basada en los célebres cómics de Neil Gaiman. La serie, cortesía de Greg Berlanti, ha sido desarrollada para la televisión por Steve Yockey, que ejerce de showrunner con Beth Schwartz, y cuenta con los productores ejecutivos Jeremy Carver y Sarah Schechter. El reparto también incluye a Jenn Lyon, Briana Cuoco, Lukas Gage, David Iacono y RRuth Connell.

Tráiler de Los detectives muertos.

Reseña de Tokyo Vice. Una de las mejores series de los últimos años

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Antes de nada, quiero empezar este artículo con una disculpa. Hoy en día se estrenan cada mes muchas, muchísimas series y películas, demasiadas para poder verlas todas. Aunque desde esta web intentamos analizar o reseñar las que consideramos más interesantes, hay veces que se nos pasan algunas. Por eso aún no habíamos dedicado ningún post a la maravillosa Tokyo Vice, serie que se sumerge en el apasionante mundo de la yakuza y que se puede ver en HBO Max. Aprovechando que ya ha terminado su segunda temporada, que cierra la historia de manera magistral, ha llegado el momento de saldar nuestra deuda y reseñar esta gran serie.

Tokyo Vice es obra del dramaturgo JT Rogers y adapta el libro “Tokyo Vice: An American Reporter on the Police Beat in Japan”, obra del periodista Jake Adelstein y que documenta a modo de ensayo las vivencias del propio Adelstein como reportero en Tokio entre mediados de los años 90 y principios de los 2000. A parte de JT Rogers hay que señalar otro gran nombre detrás de esta serie. Michael Mann, el directo de Heat, es uno de sus productores ejecutivos y además se encarga de la dirección del primer episodio. Toda una garantía de calidad.

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La vida de Jake está a punto de cambiar

Hay que señalar que cuando se empezó a emitir la serie hubo cierta polémica sobre si los hechos que se contaban eran del todo reales o no ya que la vida de Jake en Japón enfrentándose a la yakuza parece demasiado “fantasiosa”. Mi consejo es que hay que disfrutar la serie sin tener en cuenta la veracidad o no de los hechos, viéndola como una ficción más basada y solo basada en hechos reales.

En cuanto a la historia en sí, seguiremos la vida del joven Jake Adelstein (interpretado por Ansel Elgort) en el Tokio de los 90, cuando logra entrar a trabajar en uno de los periódicos más prestigiosos de todo Japón. En el devenir de su trabajo empieza a investigar a la yakuza (para el que no lo sepa, más o menos una equivalencia a la mafia italiana, pero con las peculiaridades propias de la cultura nipona).

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Jake y Samantha investigando los bajos fondos de Tokio

Jake se hará amigo de Samantha Porter (Rachel Keller) una joven estadounidense con un turbio pasado que trata de labrarse un camino como escort y de Sato (Shô Kasamatsu) un miembro de bajo rango de una de las familias más poderosas de la yakuza. Entre los tres se establece de primeras un triangulo amoroso que con el trascurrir de los episodios irá quedando atrás cuando las relaciones entre los tres jóvenes se consoliden de manera definitiva, algo que sienta muy bien a la serie ya que alargar la trama romántica hubiera sido muy aburrido.

Jake contará además con la ayuda de Hiroto Katagiri (Ken Watanabe), un policía decidió a acabar con la yakuza cueste lo que cueste, sobre todo cuando Jake y el propio Katagiri acaben enfrentándose al malvado Shizo Tozawa (Ayumi Tanida), uno de los yakuza más peligrosos de Tokio.

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Jake y Katagiri en las calles de Tokio

La serie es brillante por varios motivos. A lo largo de sus 18 episodios (8 en la primera temporada y 10 en la segunda) vamos a ver un vibrante thriller policial de investigación que no deja de usar ninguna de las características propias del género. La manera de mostrarnos la investigación periodística de Jake y como esta acaba enredándose con el trabajo de Katagiri es sencillamente genial. Nos permite ver como se trabaja tanto en los periódicos como en la policía japonesa algo que es muy interesante por las diferencias con la cultura occidental a la que estamos acostumbrados.

Porque esa es otro de los puntos fuertes de Tokyo Vice. La cultura japonesa no deja de estar de moda (solo hay que ver lo fuerte que ha pegado otra serie ambientada en Japón como es Shogun) y aquí vamos ver como se vivía y trabajaba en el país del sol naciente, llamando la atención muchos detalles como esos locales de alterne donde escort masculinos y femeninos trabajan de una manera muy distinta a la occidental, o como viven y mueren los yakuzas, con un código de honor muy particular o mil detalles más que harán las delicias de los amantes de Japón.

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El amenazador Shizo Tozawa con una de sus amantes

Tampoco podemos dejar de comentar lo bien hiladas que están las turbias relaciones que se establecen entre la yakuza y los poderes fácticos de la sociedad. La organización criminal tiene sus tentáculos bien metidos en los medios de comunicación, en la policía e incluso en los poderes políticos. Esto hace muy, pero que muy complicada la labor de Jake y Katagiri y de alguna manera tiene su consecuencia lógica en un gran final de la serie, que viene a presentar la única manera de luchar contra la yakuza y como se vive el código de honor propio del país del sol naciente.

Pero es que además de un ser un soberbio thriller policial de investigación, ‘Tokyo Vice’ es también la historia de un joven que se descubre a sí mismo en un mundo desconocido y su lucha por hacer bien su trabajo y denunciar las injusticias que presencia, cueste lo que cueste. Sin olvidar el carácter global de la obra en la que todos los protagonistas, no solo Jake, tienen un arco argumental rico y emocionante que los hace crecer y evolucionar. Es una verdadera gozada ver a Jake relacionarse con Samantha y Sato, y como se va consolidando su amistad en un mundo peligroso. Como también esta perfectamente trazada la relación de Jake con Katagiri, el joven idealista y el policía que trata de hacer su trabajo lo mejor posible en unas circunstancias complicadas estrechando poco a poco lazos con un extranjero que acaba siendo su gran apoyo. Sin olvidar a Emi Muruyama (Rinko Kikuchi), la jefa de Jake en el periódico que será un gran apoyo para el joven reportero y que nos muestra los difícil que era ser una mujer independiente en el Tokio de los 90.

Por último, no podemos obviar la gran producción de la serie. Dejando de lado el gran trabajo de los actores, todos brillantes, la factura técnica es magnífica. Se nota que no se ha escatimado en gasto y tanto el apartado artístico como técnico es perfecto, a la altura de las mejores series de los últimos años.

Si te gustan las buenos thriller de investigación y te apasiona la cultura japonesa, esta es tu serie. Tiene todo lo necesario para mantener al publico pegado a la pantalla, una buena historia, un ritmo perfecto, grandes personajes interpretados de manera brillante y un final a la altura de todo lo anterior. En resumen, una de las mejores series de los últimos años.

Análisis de Shogun. Temporada 1. Episodio 10 y final: El sueño de un sueño

Bienvenidos al análisis del último episodio de Shogun, una de las series del año. Y si, parece ser que no habrá más. La historia queda más o menos cerrada, eso ya irá a gusto de cada uno pero Shogun es una serie cara y con una pre y post-producción que lleva demasiado tiempo (empezaron en el 2019, según han dicho). Una lastima porque queríamos más pero esto es lo que hay. Vamos al lío.

El gran manipulador

El episodio se inicia con un flashforward, John Blackthorne anciano, en la cama, sosteniendo una cruz mientras sus nietos admiran sus espadas. ¿O es sólo un sueño? ¿Acaso toda la serie ha sido un Los Serrano? No temáis. No han caído en ese recurso fácil. Supongo que cada cual lo interpretará a su manera. La mía es que se trata de un sueño, de una visión que Blackthorne tiene cuando se halla entre la vida y la muerte. La cruz actúa aquí como la peonza de Origen y es determinante que, en las escenas finales, Blackthorne la tire al mar.

¿Es el sueño de Blackthorne como anciano, el sueño del sueño al que alude el título del episodio? Creo que puede ser una visión de cómo sería su vida si regresara a Inglaterra, algo que ya sabemos que no sucederá porque, como dice Toranaga, su destino es quedarse en Japón.

John Blackthorne

De vuelta al presente, Mariko-Sama (esa Anna Sawai que nos tiene locos) ha muerto pero su sacrificio ha servido para que todo el mundo pueda abandonar Osaka. Esa era la intención de Toranaga desde el principio, que los rehenes saliesen del castillo de Ishido sin derramar más sangre de la necesaria.

Además, Mariko ha comprado la libertad y la vida de Blackthorne haciendo un trato con los portugueses, a cambio de hundir el barco de Blackthorne. Cuando regresan a Ajiro, el inglés ve como Toranaga anda buscando traidores por toda la aldea y en honor al sacrificio de Mariko, ofrece su propia vida a cambio de que finalice el castigo a la aldea. Lo que no sabe es que quien quemó el barco fue el propio Toranaga.

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Yoshi Toranaga es el señor del viento, parece que lo maneja a su antojo, como le dice Yabushige en su última escena. Yabushige, el traidor, el trepa, el crápula, ha perdido la cabeza, metafórica y literalmente. Toranaga sabe que fue él quien abrió la puerta a los ninja que acabaron con Mariko y le obliga a cometer seppuku. Ningún episodio de Shogun sin que nadie se abra las tripas. El propio Toranaga le corta la cabeza de un solo tajo.

En esa conversación con Yabushige nos descubren los planes de Toranaga, el gran manipulador de la serie, ni héroe ni villano pero un hipócrita y un mentiroso, como todos los poderosos. Alguien que se ha servido de todos sus vasallos y del anjin para llegar a lo que siempre ha querido: ser Shogun de Japón.

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Valoración del episodio

Quizás este episodio final no ha sido lo que esperábamos. Queríamos sangre, queríamos lucha y samuráis blandiendo sus katanas pero se han salido por la tangente, han vuelto ha darnos un episodio más intimista y nos han servido una elipsis en forma de sueño, de flashforward que también ha servido para rebajar algo los costes.

Según he podido leer, la batalla de Sekigahara involucró a dos ejércitos con un número verdaderamente enorme: el Ejército Oriental de Tokugawa contaba con 75.000 hombres, mientras que el Ejército Occidental de Ishida eclipsaba ese número con 120.000 hombres. Tanto samurái en pantalla habría sido demasiado para las arcas de la productora (que recordemos que es FX, no Disney+). En fin, que estamos demasiado acostumbrados a Juego de tronos y que está bien algo diferente.

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A destacar la evolución final de John Blackthorne, con Cosmo Jarvis dando su mejor versión cuando se enfrenta a Toranaga. Brillante cuando está a punto de seppukuarse y Toranaga lo detiene. El anjin le divierte y ha servido de distracción a sus enemigos.

También hay que destacar los momentos de intimidad que tiene Blackthorne con Fuji. Una pena que no terminen juntos y que ella se meta a monja. Igualmente nos apena el final de Yabushige. Era un cabrón pero era nuestro cabrón. Sin duda uno de los mejores personajes de la serie que no duda en despedirse con un poema de mierda.

En fin, que hemos tenido otro capitulazo. No el que esperábamos, eso si, pero si el que nos merecíamos y el que se merecían los personajes.

Valoración final de la serie

¿Qué decir de Shogun que no hayamos dicho ya? Pues que ha sido un pedazo de serie que irá directa a lo mejor del año. Con una producción impecable, centrada en la ambientación (ese vestuario es de Emmy), con personajes bien desarrollados y alguna que otra escena impactante, Shogun es una serie exquisita. Deberíamos estar hablando de ella en bares y plazas pero me temo que tanta plataforma de streaming diluye ya cualquier fenómeno. Hace diez años, el impacto habría sido otro.

Personalmente me habría gustado verla de un tirón. Creo que el formato semanal no le ha favorecido demasiado. Hay demasiados personajes y demasiadas intrigas, por lo que es fácil perderse de una semana a otra. Igual es que me estoy volviendo viejo.

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Por lo demás, Shogun ha optado por alejarse de la épica de sangre y espada y ha optado más por lo íntimo, dando lugar a momentos memorables, incluso poéticos. En este último episodio hemos tenido unos cuantos: Yabushige, medio loco en el jardín; Blackthorne al enterarse de que Fuji había decidido meterse a monja; Muraji revelando su verdadera identidad samurái a Blackthorne; o Buntaro, el pobre Buntaro, dejando a un lado su amargura y ayudando al anjin a sacar su barco del mar.

Por último, decir que Shogun me ha sabido a poco. Querría una serie más larga, más planes de Toranaga, más traiciones de Yabushige, más Buntaro y más Muraji y sobre todo más Anna Sawai, que no la conocemos en persona pero nos tiene muy locos.

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Gracias a todos los que nos habéis leído y os habéis pasado por aquí a saludar. Nos leemos en otros posts. Un saludo, sed felices.

Análisis de Star Trek: Discovery. Temporada 5. Episodio 4

Nuevo episodio de Star Trek: Discovery y por lo tanto nuevo análisis. Nos toca hoy el cuarto, que no solo sigue reconectando con la franquicia sino que además rinde homenaje a la propia serie ahora que transita su temporada final. Creada por Bryan Fuller y Alex Kurtzman, la misma puede ser vista por Skyshowtime para España y por Paramount+ para América Latina.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Si algo queda claro es que la quinta temporada de Star Trek: Discovery comienza a transitar terreno de despedida. Enfrentar lo Extraño, su cuarto episodio, así lo demuestra, pues no es que hayamos avanzado gran cosa (casi nada) en cuanto a la trama principal, pero la excusa del viaje temporal ha servido para revivir temporadas anteriores y hasta traernos un enfrentamiento entre la Michael de la primera y la de la quinta que nos hace tomar conciencia de cuánto ha cambiado y cuán distinta era en sus comienzos, cuando aún era una rebelde amotinada que no podía soñar con ser capitana de la Discovery.

Pero pasemos mejor a ver qué nos ha dejado este episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

El Precio de la Libertad

El inicio del episodio nos retrotrae quince horas antes del final del anterior, con Moll y L’ak negociando con un traficante por algún dispositivo del que nada sabemos, pero del cual este decide aumentar su precio a último momento. Ya sabemos para esta altura que Moll es una muchacha astuta y se anticipa a todo, así que previendo que haría eso, le ha envenenado y así logran quitarlo de en medio y quedarse con lo que buscan.

Por primera vez vemos discrepar a Moll y L’ak, que hasta aquí parecían tirar en la misma dirección. A él se le advierte pesimista con respecto al futuro que, según dice, les está cercando contra un muro. Por el contrario, ella se muestra optimista y, antes de besarlo, le dice que la tecnología de los Progenitores les hará libres y ya no tendrán que vivir huyendo y con precio a sus cabezas. Dicho ello, le insta a tomar prisa porque la Discovery no estará durante mucho tiempo más en Trill

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Cronófago

También Michael y Rayner muestran su primer conflicto desde que él fuera nombrado por ella como primer oficial en la Discovery. Para hablar en privado, se transportan fuera del puente y Rayner manifiesta a Michael que le molesta su tendencia a escuchar en demasía a su tripulación o sumarse a sus charlas más triviales que, según él, nada aportan.

Michael le remarca que lo que parece trivial puede no serlo cuando se trata de manejar una tripulación que, a diferencia de lo que él considera, es muy disciplinada. Además le recuerda que es ella quien da las órdenes, por lo que las cosas se hacen a su modo: se contradice un poco con lo que antes le manifestara sobre contar con que no siempre diera el sí a todo. Rayner acepta de mala gana, aunque dejando la pregunta de qué pasaría si el modo de él fuera mejor que el de ella. No hay respuesta…

A todo esto y usando a Adira, Moll ha logrado introducir a la Discovery el dispositivo “comprado” al traficante. Se trata de un “bicho temporal”, especie de insecto que corre por entre las instalaciones de la nave y, según advierte Stamets, por momentos desaparece.

Para cuando Michael y Rayner regresan al puente, ya es tarde: el bicho ha hecho de las suyas. La tripulación (incluso Saru) está en el piso inconsciente y luciendo uniformes antiguos. Todo está cambiado, las luces parpadean y la Discovery daría impresión de estar transitando un agujero de gusano.

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Pronto se hallan en dique seco y en el siglo XXIII, cuando la nave estaba siendo puesta a punto. Pero allí no se detiene la cosa: momentos después se hallan en plena batalla contra Control, aquella inteligencia artificial desarrollada por la Sección 31, lo cual nos lleva a la segunda temporada. Y un momento después se están enfrentando a Osyraa y los piratas de Orión; Stamets está a un paso de perder la vida y termina salvado por Reno, con quien tuviera un tenso cruce en el episodio anterior pero eso fue en otro tiempo y en este ella ni siquiera le conoce.

De allí al siglo XXXIII, para encontrarse con una Discovery de ventanas cerradas y un interior cubierto de polvo mientras en el ambiente suena Qué será, será en la versión de Doris Day de 1956 y una Zora de tono triste (si es que tal cosa cabe a una inteligencia artificial) les anoticia de que ya todos ellos han muerto y la tecnología de los Progenitores, finalmente, ha caído en manos equivocadas, lo que pueden confirmar al mirar al exterior y ver la sede de la Federación destruida en mil pedazos que flotan en el espacio…

El panorama no puede ser más devastador y la Discovery parece estar saltando en el espacio y el tiempo fuera de todo patrón y control. Rayner lo relaciona con lo que llama cronófago Krenim, dispositivo remanente de la Guerra Temporal y en su momento utilizado para lanzar a las naves enemigas hacia un torbellino espacio-temporal que las sacara momentáneamente de batalla. No es deus ex machina: se trata de una nueva conexión con arcos algo olvidados de la franquicia y que en este caso particular remite a Star Trek: Voyager (temporada 4, episodio 4).

Trabajo en Equipo

A Michael se le ocurre que el único que podría ayudarlos es Stamets, ya que debido a su ADN de tardígrado (Rayner la mira sin entender), vive fuera del tiempo y no es por lo tanto víctima de bucles ni saltos temporales o, mejor dicho, puede atravesarlos con conciencia de los mismos, tal como les sucede a ellos por haber estado afectados al transporte en el momento de producirse el ataque del cronófago contra la Discovery.

El problema, claro, es que deben encontrar una época en que Stamets esté vivo y a tal fin Zora les ayuda a reconstruir el patrón de los saltos temporales y espaciales de la Discovery que, una vez establecido en su forma cónica, les permite regresar al siglo XXIII. Por aquellos días, a Stamets se le veía más malhumorado y en efecto, le vemos actuar ese rol para comportarse de modo creíble a los ojos de sus compañeros de entonces.

Abordado y puesto al tanto de la situación por Michael y Rayner, manifiesta que la forma de neutralizar el efecto es con un estabilizador crónico, pero para ello se requiere eliminar al cronófago y no hay forma de hacerlo mientras la nave esté sujeta a saltos tan poco espaciados. La solución es someterlo a la relatividad del tiempo externo a la nave, lo cual solo puede lograrse desactivando la burbuja warp para no darle tiempo suficiente a hacer de las suyas entre salto y salto.

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Entremedio, Michael tiene un par de encuentros. Uno de ellos es con Book, pero en su versión del pasado; parecen ir hacia un momento íntimo, pero debe contenerse en virtud de la urgencia de la situación. Le costó…

El segundo encuentro es más preocupante, pues es con ella misma, pero en su versión antigua, es decir, la Michael rebelde y belicosa del principio de la serie. Por mucho que intente convencerla de que viene del futuro, no tiene éxito y su homóloga del pasado la toma por una cambiaformas sin creerse ni por asomo que ella pueda llegar a ser capitana el día de mañana. Acaban trenzándose en lucha que recién finaliza cuando la Michael del futuro logra dejar inconsciente a su versión joven con el toque vulcano. A pesar de que ya no la oye, le anima a nunca darse por vencida ante el futuro que se le avecina por más oscuro que se le presente.

Para inhabilitar la burbuja warp, necesitan la ayuda de la tripulación, por lo que Michael y Rayner se dirigen al puente con la difícil tarea de convencer a sus integrantes de que ella es su capitana del futuro. Ante la obvia incredulidad, Michael comienza a contar cosas del pasado de cada uno que solo alguien muy allegado podría conocer y el momento más fuerte es cuando debe decirle a Airiam (Hannah Cheesman) que morirá sacrificándose por la tripulación.

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Sus palabras surten efecto. Todos quedan convencidos y particularmente Airiam, quien reconoce que ese sacrificio es efectivamente algo que ella haría. El equipo se aboca, por lo tanto, a desactivar la burbuja al tiempo que Rayner, notablemente cambiado, se pone a disposición de Stamets para ayudarle con el estabilizador. Pero hay más problemas: la Michael joven ha vuelto en sí e irrumpe armada en el puente junto al teniente Rhys, siendo esta vez el propio Rayner quien, utilizando el método antes puesto en práctica por su capitana, consigue convencerlos al evocar cosas que sabe de ellos.

Y todo vuelve a foja cero: el dislate temporal ha terminado y la cosa vuelve a la normalidad en la Discovery habiendo pasado solo seis horas que, desde ya, han permitido ganar tiempo a Moll y L’ak, por lo cual hay que ir cuanto antes tras ellos. Rayner está definitivamente distinto: lo ocurrido le ha hecho ver cuán importante es conocer a la tripulación, como también trabajar en equipo en lugar de hacerlo aisladamente.

Balance del Episodio

Ya para esta altura podemos decir sin temor a equivocarnos que estamos viendo la mejor temporada de la serie y creo que no caben dudas de que este ha sido hasta aquí el mejor episodio de la misma. Los problemas del pasado para encontrar una cierta consistencia han quedado atrás y la serie se mueve ahora muy cómoda al relacionarse con otras o, como aquí hemos visto, con el propio devenir que le ha hecho llegar hasta aquí.

En efecto, siguen apareciendo vinculaciones con otras series: primero fue TNG al retomar el arco de los Progenitores (fundamental en esta temporada), luego fue DS9 al traer de regreso el ritual Zhian’ Tara y ahora es el turno de STV al recuperar al cronófago.

Los viajes temporales, lo sabemos bien, no son ajenos a la franquicia. Por el contrario, forman parte de la misma desde los tiempos de la serie original y, de hecho, La Ciudad en el Límite del Tiempo (quizás su episodio más icónico, conocido en Latinoamérica como La Ciudad al Borde de la Eternidad) tenía mucho que ver con ellos. Pero aquí han servido particularmente para que podamos contrastar a los personajes con sus versiones pasadas y tomar conciencia de los cambios que han experimentado, casi como si ya para esta altura fueran nuestros hijos.

Ello ha permitido entregar buenas actuaciones, pues tanto Sonequa Martin-Green como Anthony Rapp han debido rescatar lo que ya no son e incluso, en el segundo caso, actuarlo dentro de la ficción misma. Hay también un delicado trabajo de maquillaje para caracterizarlos físicamente, pues Michael no luce fisonómicamente hoy como al principio de la serie y lo mismo cabe para Tilly (Mary Wiseman), que aquí volvió a verse como en la primera temporada. Y no se puede dejar de mencionar la factura visual del episodio, cuyos efectos han estado por encima de la media.

Vuelvo a insistir en el tono de despedida que la serie va tomando a medida que se acerca a su final y qué mejor que hacerlo rindiendo homenaje no solo al resto de la franquicia sino también a la propia STD, que ya acumula nostalgia por derecho propio.

Es posible, de todos modos, que algo de lo que en esta entrega hemos visto nos genere dudas o encontremos aparentes contradicciones que en realidad no lo son. La mayor quizás sea por qué Stamets no se encuentra con una versión joven suya como sí lo hace Michael, pero no hay que olvidar que su caso es enteramente distinto…

Si Michael y Rayner quedaron atrapados en los saltos temporales teniendo conciencia de los mismos, ello se debió a que, como fue dicho, estaban transportándose al momento del ataque del cronófago: bastante fortuito, pero no incoherente. Lo de Stamets es otra cosa: su ADN de tardípedo le hace vivir fuera del tiempo, por lo que nunca puede encontrarse con una versión suya anterior ni futura ya que, esté en el tiempo en que esté, sigue siendo único y siempre el mismo…

La otra duda es si al contarle Michael a Airiam sobre su final, no terminará influyendo en la decisión de autosacrificarse que tomará esta en la segunda temporada (episodio 9). La respuesta es no: como nos fue dicho, todo vuelve a cero una vez que el cronófago ha sido eliminado, lo cual significa que el tiempo retoma el devenir que llevaba antes del primer salto. Ello hace que, salvo Michael, Rayner y Stamets, el resto no van a recordar nada de lo ocurrido porque es como si nunca lo hubieran vivido. El autosacrificio de Airiam, entonces, responde por completo a una decisión suya propia y no a influencia externa…

Por último, el episodio ha servido para hacer ver a Rayner lo importante de escuchar a los demás y valorar su aporte. Y aunque todavía nos quedan pistas para seguir el rastro de la tecnología de los Progenitores, es de creer que lo que de aquí en más venga lo harán trabajando todos juntos…

En concreto, un gran episodio para una temporada que va muy bien y una serie que, bienvenido sea, ha encontrado definitivamente su lugar en la franquicia. Si tengo que poner una objeción es que me hubiera gustado volver a ver a Jason Isaacs en el papel de Lorca, a quien se menciona pero no aparece.  Otra: ¿no debería Zora haber detectado la presencia del cronófago?

A ver qué nos trae el próximo episodio, con el cual estaremos ya llegando a mitad de temporada. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…

Novedades de Nuevo Nueve Editores de mayo de 2024. 5 años y otras 5 obras este mes.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el inmenso placer de presentaros las cinco obras que nos traerá el bribón de Ricardo Esteban y Nuevo Nueve Editores, para este mes de mayo.

En esta iniciativa que ha tenido la editorial madrileña en su quinto aniversario, 5 años 5 cómics, este mes nos presentan otras cinco interesantes obras.

Peeeroooo … Aunque todas ellas son de grandísima calidad, vamos a recomendaros dos de ellas.

Novedades de Nuevo Nueve de mayo de 2024

1.- El Viento en los Sauces.

Nuevo

«¿Qué le pasa a Topo? ¿Le habrán dado en la cabeza los primeros rayos del sol?
Allí está, dejando alegremente su polvoriento agujero para descansar junto al río. Allí conoce a Rata, hacen amistad y se embarcan hacia ¡un picnic improvisado!
Las aventuras épicas de los personajes sirven de pretexto al autor para pintar tiernos cuadros bucólicos, trabajados hasta la más mínima brizna de hierba.

Nuevo

Huele a heno, a barro. Respiramos. Nos relajamos. Nuestro barco va con la corriente. Un hilo de agua pasa, animado, entre nuestros dedos arrugados y entumecidos.
La vida es bella, un cambio de escenario garantizado.
Michel Plessix reinterpreta ‘El Viento en los Sauces de Kenneth Grahame, un clásico de la literatura inglesa, de manera magistral».

Lo tendremos disponible el 6 de mayo, con un P.V.P. de 40€. Podéis reservarlo en la web de Nuevo Nueve, pinchando aquí.

2.- La voz de las bestias, el ansia de los hombres.

Nuevo

«Brunhilde es una líder lobo. Vivió al final de la Edad Media, ese período incierto en el que el cristianismo luchó intensamente por ganarse a las poblaciones principalmente rurales.
Nómada, considerada una bruja, debe desconfiar de los bandidos, las bestias, los esclavistas y, en ocasiones, de la bienvenida de los aldeanos.

Nuevo

Cuando llega a un valle forestal en el suroeste de Francia, descubre una situación terrible: la gente es asesinada atrozmente en el bosque, mutilada, y el pueblo está convencido de que un demonio o un hombre lobo campa a sus anchas. Ella es la primera sospechosa.
Ayudada por Paulin, un vagabundo comerciante ambulante que se encuentra en el camino, se ve rápidamente obligada a liderar la investigación de estos asesinatos».

Tendremos disponibles esta obra el 13 de mayo, con un P.V.P. de 30€. Lo podéis reservar en la web de Nuevo Nueve pinchando aquí.

Y hasta aquí nuestras recomendaciones de las novedades de Nuevo Nueve, previstas para el mes de mayo.  Más abajo, os dejamos el pdf completo. Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

 

 

El Justo Reconocimiento a Cecilia Roth

El Premio Platino de Honor entregado el último fin de semana a Cecilia Roth es una gran excusa para repasar su impresionante trayectoria y los méritos que la hacen digna de esta y tantas distinciones ganadas a lo largo de su carrera.

Es argentina, pero ha filmado tanto en España que es justo considerarla de dos mundos.  En la entrega de los Premios Platino a la producción iberoamericana, Cecilia Roth ha recibido el Platino de Honor por su trayectoria (aquí artículo), sumando así un nuevo galardón a una impresionante lista.

Llegó a España junto a sus padres a fines de los setenta, exiliada su familia debido a la dictadura que tomó el poder en Argentina.  Había allí debutado en cine con No toquen a la Nena (Juan José Jusid, 1976) y actuado en Crecer de Golpe (Sergio Renán, 1977).

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Con esos antecedentes, llegó a Madrid en coincidencia con el post franquismo y fue convocada por directores de renombre como José Luis Garci, Pedro Masó y Juan José Porto.   Su posicionamiento en el radar de los cineastas de culto, no obstante, se lo dio Iván Zulueta, quien la consagró en Arrebato (1979), filme vanguardista en que Cecilia componía a la ex de un director de películas clase B interpretado por Eusebio Poncela.

Los ’80, coincidiendo con el destape, la tendrían como musa de Pedro Almodóvar, bajo cuyas órdenes rodaría Pepi, Lucy, Bom y otras Chicas del Montón (1980), Laberinto de Pasiones (1982), Entre Tinieblas (1983) y ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984), tocándole compartir cartel con estrellas de la talla de Imanol Arias, Antonio Banderas o Marisa Paredes e incluso sacándose chispas con una Carmen Maura en su mejor momento como actriz fetiche del director manchego.

Fue precisamente al ver Laberinto de Pasiones en un cine de Buenos Aires que un joven Fito Páez quedó enamorado de ella y predijo que algún día serían pareja, lo que efectivamente ocurriría en la década siguiente y hasta le dedicaría más de una canción.

Cecilia volvería a trabajar para Almodóvar en Todo sobre mi Madre (1999), filme de tono existencialista que trataba temas como la maternidad, el sida o la identidad de género y en el cual compartía cartel con Penélope Cruz y, una vez más, Marisa Paredes.  Repetiría en Hable con Ella (2002), Los Amantes Pasajeros (2013) y Dolor y Gloria (2019), donde volvería a coincidir con Cruz y Banderas.   Lo que se dice, diría Joaquín Sabina, una «chica Almodóvar«.

Por cierto, no deja de ser un dato interesante que haya estado en las dos películas por las cuales Almodóvar ganó un Oscar, es decir Todo sobre mi Madre y Hable con Ella (uno como mejor filme en lengua no inglesa y el otro por guion).

En el primer caso y en el que puede ser considerado el papel de su carrera, interpreta a Manuela, enfermera argentina que supervisa trasplantes de órganos en el Hospital Ramón y Cajal de Madrid hasta que vive en carne propia el drama de su hijo atropellado y muerto en un accidente, lo cual deriva en que sea ella misma la encargada de ubicar su corazón en un hombre que vive en La Coruña.  Una trama que de algún modo es secuela de La Flor de mi Secreto (1995), donde estudiantes de medicina buscaban convencer a familiares en duelo de la donación de órganos.

Además del Oscar como película extranjera, Todo sobre mi Madre obtuvo ocho Premios Goya, entre ellos el de mejor actriz protagónica para Roth que, en un año inolvidable, se quedó también con el premio del cine europeo a la mejor actriz europea (primera vez para una latinoamericana) y fue asimismo reconocida con el Fotograma de Plata.

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En cuanto a Hable con Ella, al día de hoy única película hablada en español en alzarse con el Oscar a mejor guion, Cecilia no tiene el papel principal, pero sí integra un impresionante elenco coral que incluye a Javier Cámara, Darío Grandinetti, Geraldine Chaplin, Lola Dueñas, Paz Vega, Leonor Watling y Caetano Veloso entre muchos otros.

Entre los realizadores argentinos, quien mayor provecho le ha sacado fue Adolfo Aristarain (otro con peso propio en España), quien no solo fuera su mentor en calidad de productor (tal como la propia Cecilia reconociera este pasado fin de semana al recibir el Premio Platino), sino que además la dirigió en Un Lugar en el Mundo (1992) y en Martín Hache (1997) valiéndole ambas ganar respectivamente el Goya en España y el Cóndor de Plata en Argentina como mejor actriz principal.

Vale recordar que Un Lugar en el Mundo (Goya como mejor película iberoamericana y en la cual compartía cartel con José Sacristán, Federico Luppi, Hugo Arana y Leonor Benedetto) fue además nominada al Oscar como mejor película extranjera, solo que en representación de Uruguay por haber presentado Argentina otra película.  Lamentablemente (porque tenía grandes chances) acabó excluida de la premiación final por considerar la Academia que no había suficientes elementos para considerar al filme como uruguayo.

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Marcelo Piñeyro, en tanto, la dirigió en Cenizas del Paraíso (1997), donde compartía cartel con Leticia Brédice y Héctor Alterio, para volver a hacerlo en Kamchatka (2002) junto a Ricardo Darín Alejandro Agresti, por su parte, lo hizo en Una Noche con Sabrina Love (2002), en donde Roth daba vida a una sexy conductora televisiva y estrella de cine de adultos, papel que le valió hacerse con el Colón de Plata a la mejor actriz en el Festival de Huelva.

También ha actuado a las órdenes de Héctor Olivera (Antigua Vida Mía), Daniel Burman (El Nido Vacío) y Luis Ortega (El Ángel) sin olvidar la fallida experiencia como director de Fito Páez en Vidas Privadas (2001).  Ello además de sus papeles en series (Nueve Lunas), miniseries (Trátame Bien, Epitafios), así como en la producción original de Netflix Crímenes de Familia (2020).

Una actriz completa, Cecilia Roth, que filmó con los mejores directores y compartió elencos con las figuras más sobresalientes, tanto en Argentina como en España y consiguió una cosecha envidiable de premios muy merecidos.

En la canción titulada precisamente Cecilia del álbum Enemigos Íntimos, Fito Páez y Joaquín Sabina la definen en cuerpo y alma: «Cecilia busca amores imposibles; por eso fue posible nuestro amor, Cecilia tan altiva y tan sensible, tan diva y tan de nadie como yo, mi gozo, mi veneno, mi pasión”.

Y corrigiendo lo dicho al principio de que es una actriz de dos mundos, hay que decir que es más bien una actriz del mundo entero.  Por muchos años más de Cecilia Roth…

Hasta la próxima y sean felices…

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Las variaciones Grimm (2024) Los cuentos de siempre contados como nunca.

Ha llegado a Netflix un interesante proyecto de animación japonesa: Las variaciones Grimm. La mini serie antológica está creada por uno de los artistas de manga de más renombre, Clamp. Bueno, en realidad Clamp está formado por cuatro mujeres dibujantes de mangas cuyo diseño particular les ha servido para conseguir el éxito con los mismos.

Ahora se han atrevido a saltar a la pequeña pantalla con esta serie que tiene como idea darnos una nueva visión de los cuentos de hadas más famosos de los hermanos Grimm desde una perspectiva más oscura y siniestra, cambiando incluso los escenarios donde trascurren, la época e incluso a los propios protagonistas; pero manteniendo la esencia para que el espectador sea capaz de reconocer de qué cuento es la adaptación que nos presentan.

Son un total de seis episodios de menos de una hora de duración cada uno que nos llevarán por cuentos tan conocidos como La Cenicienta, Hansel y Gretel o Caperucita Roja.  El hilo que une estos cuentos que forman Las variaciones Grimm, es la breve introducción que se produce al principio de cada episodio.

Veremos a los propios hermanos Grimm ocupados en recopilar los cuentos populares. Y también conoceremos a la pequeña Charlotte, la dulce e inocente hermana menor que será la encargada de darle una vuelta a cada cuento para traernos una versión menos ‘amable‘ de ellos.

Las variaciones Grimm

A estas adaptaciones de cuentos se unen también unas bastante curiosas de clásicos musicales que nos van a resultar muy familiares. Con guitarras incorporadas y melodías modificadas, son un acompañamiento ideal para estas peculiares versiones. Sin duda, en muchas ocasiones, se convertirán en protagonistas de las escenas y ayudarán al espectador a meterse en las historias que nos proponen Las variaciones Grimm.

Lo único que creo que ha ido en contra de algunos episodios es su duración. Algunas tramas se han estirado demasiado y acaban convirtiéndose en historias que parece que sus autoras no supieran cómo terminar.

Las variaciones Grimm: Seis cuentos muy imaginativos.

Si soy sincera tengo que decir que empecé a ver Las variaciones Grimm intrigada por cómo podrían ser esas adaptaciones de los cuentos populares que todos conocemos. Estamos en una época en que básicamente no existen las princesas y en la cual las mujeres no necesitan ser rescatadas, tal y como nos demostró Damsel. Así que sentía mucha intriga por ver esas adaptaciones y tengo que decir que me han sorprendido.

La Cenicienta.

Empezamos Las variaciones Grimm con un clásico que todos recordamos por un príncipe y un zapato de cristal. La transformación que vamos a ver nos hará sentir incómodos presenciando una situación bastante perturbadora. Cenicienta no es la dulce chiquilla que tenemos en mente, y tampoco sus hermanastras son malvadas.

Ya nos avisa Charlotte: las princesas no tienen por qué ser buenas y esto es lo que vamos a ver en esta versión que nos sirve como introducción para saber qué esperar de esta miniserie.

Caperucita Roja.

Sin duda es la más extraña de todas las adaptaciones que te vas a encontrar en esta miniserie. Diría que si no fuera porque el título la delata, es bastante difícil saber que hablamos de Caperucita Roja por sus primeros minutos. Tengo que añadir que es la más sangrienta de todas las historias.

Un mundo distópico donde los lobos son completamente diferentes de lo que nos cuenta el cuento, aunque con las mismas intenciones para con sus pobres víctimas. Pero, en este caso, nada saldrá conforme a lo esperado.

Hansel y Gretel.

Otro famoso cuento que todos conocemos de nuestra niñez y del que se han hecho algunas adaptaciones bastante especiales. En esta ocasión la historia se convierte en una intriga por descubrir si la bruja del bosque es realmente malvada detrás de esa amabilidad que muestra.

Las variaciones Grimm

El misterio nos atrapa en esta trama que se transforma y acaba convertida en algo sorprendente, que para nada se espera el espectador al empezar a verla. Y el caso es que nos van dejando pistas muy claras de lo que nos vamos a encontrar, pero nuestra mente se empeña en seguir el cuento, y aquí nada es como esperábamos.

El zapatero y los duendes.

Una adaptación bastante inquietante donde los duendes se transforman en una niña con malos modales que se dedica a recriminar al zapatero, que esta vez es un escritor, su fracaso.

Una historia que nos habla de la vida, de su sentido y de cómo encontrar nuestro camino en ella. Algo que no es fácil, pero en esta ocasión nuestro protagonista tendrá una ayuda extra que hará que todo sea más sencillo, aunque tenga que renunciar a otras cosas para conseguirlo.

Los músicos de Bremen.

Transformada en un ciber western, esta historia de amistad nos lleva a conocer a un particular grupo de mujeres y cómo son capaces de adaptarse a los cambios, además de tener la capacidad de conseguir siempre lo que quieren.

Quizá sea la más light de todas las historias donde las protagonistas son en realidad las heroínas de esta trama que muestra unas supervivientes que buscan su lugar en el mundo.

El flautista de Hamelín.

Esta es la más larga de todas las adaptaciones que vas a ver en Las variaciones Grimm y creo que le sobra la mitad. Es la que menos me ha gustado de todas y la que más difícil se hace identificar con su cuento.

Nos trae la historia de una pequeño pueblo que vive aislado y de una historia de amor no correspondida y cuyo desenlace resulta sórdido. Un profesor con un secreto turbio; y su alumna, una joven que parece vivir su vida conforme su abuela quiere, aunque su alma busca otra cosa.

Qué dice Netflix de Las variaciones Grimm.

Los cuentos de los hermanos Grimm se reinventan de forma atrevida en Netflix. Con diseños de personajes de CLAMP y la animación de WIT Studio.

Había una vez dos hermanos, Jacob y Wilhelm, que recopilaron cuentos de hadas de todo el país y los plasmaron en un libro. Pero hay algo más en esa historia. También tenían una hermana mucho menor, Charlotte, inocente y curiosa, a quien querían con locura. Un día, mientras los hermanos le contaban un cuento como de costumbre, vieron una expresión un tanto melancólica en su rostro. «¿De verdad creéis que vivieron felices y comieron perdices?», preguntó.

Las páginas de los cuentos de los hermanos Grimm, escritos por Jacob y Wilhelm, se presentan desde la perspectiva de Charlotte, quien ve las historias de sus hermanos de una forma diferente.

Tráiler de Las variaciones Grimm.

5 novelas para regalar el día del libro

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El libro es esa herramienta fantástica que logra que nuestro corazón interconecte con la razón. Las emociones se abren como un catálogo al que miras con curiosidad, y mientras tus ojos se mueven al son de las letras vas descubriendo como tu imaginación enlaza el mundo que te rodea con la lectura.

Puede que sea magia o solo ensoñaciones, pero una cosa esta clara, el libro dentro de sus páginas contiene una ambición sin límites, donde una buena novela es capaz de ampliar tu visión de la vida, de concebir el mundo desde nuevas perspectivas que huyen de la rigidez mental, y sobre todo, es capaz de hacerte disfrutar a través de tu imaginación creando tus propias imágenes de la historia que nos cuenta.

Por eso, desde Las Cosas que nos Hacen Felices, queremos recomendarte algunos de estos encuadernados compañeros que te ofrecerán múltiples aventuras una vez abras sus páginas. He de decir, que me tira mucho el género de la fantasía, de creciente popularidad gracias al streaming, pero en esta lista hay diferentes recomendaciones de libros de diversos géneros literarios.

  1. Los Jardines de la Luna. Steven Erikson

Quería intentar evitar poner en la lista grandes sagas literarias, pero últimamente en las listas que voy leyendo se está dejando un poco olvidada esta fastuosa serie de novelas. El libro de Los Jardines de la Luna, es la primera novela de la saga de fantasía épica de Malaz: El Libro De Los Caídos. Como una buena historia de fantasía se merece, la narración tiene múltiples capas de violencia, intrigas y magia, que se entrelazan hasta desembocar en una lucha de poder de grandes dimensiones, para conquistar el imperio de Malaz.

Un libro denso que narra una trama bastante compleja. Está repleta de muchos personajes, que al principio hace que nos cueste seguir el hilo de la historia, pero una vez te adentras en el mundo de Malaz logra apabullarnos con su potente historia. Tiene una narración estructurada, que ofrece una ambiciosa propuesta de fantasía que parece edificada a través de piezas de puzle que encajan a la perfección. Un libro difícil, que merece la pena por la originalidad de sus planteamientos.

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  1. Siega. Neal Shusterman

Este es uno de esos textos que uno descubre por curiosidad, de esas veces que estás dando una vuelta por la librería, de repente, un libro te llama la atención por la portada, no sabes porqué pero te lo llevas, y te sientes satisfecho cuando estas devorándolo en tu cuarto después de comprarlo.

La sinopsis dice: “Antes, las personas morían por causas naturales. Existían asesinos invisibles llamados enfermedades, el envejecimiento era irreversible y se producían accidentes de los que no se podía regresar. Ahora, todo eso ha quedado atrás y sólo perdura una verdad muy simple: la gente tiene que morir. Y esa es la tarea de los segadores. Porque en un futuro donde la humanidad controla la muerte, ¿Quién decide cuándo y cómo sembrarla?”

Una narración con una voz potente, que consigue estremecerte con la información que se da sobre los segadores, con agilidad en sus diálogos y con acertados giros inesperados cuando la trama lo necesita. Un libro que se disfruta mientras te deja pequeños detalles para reflexionar.

un libro, un buen regalo

  1. La Vieja Guardia. John Scalzi

Si hay una manera de calificar este libro, la palabra es diversión. Toma referencias de otras grandes novelas de ciencia ficción tan clásicas como, Tropas del Espacio de Heinlein o La Guerra Interminable de Haldeman. La trama nos cuenta que tras vivir una vida relativamente tranquila en la Tierra, los seres humanos, el mismo día en que cumplen setenta y cinco años, son enrolados en las Fuerzas de Defensa Coloniales, el ejército que lucha por la supervivencia de la humanidad en el universo.

La novela está repleta de descubrimientos tecnológicos que nos dejan asombrados. Sus escenas de acción están bien descritas, haciéndote sentir como las batallas explotan en tu imaginación. Apasionante y de una originalidad sorprendente. Un libro divertido, inventivo, genuino, que te lleva por un carril de emociones de líneas onduladas, desde la alegría hasta la tristeza, mientras te invita a la reflexión sobre la necesidad del ser humano de estar asiduamente en una guerra.

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  1. Las Guerras De La Amapola. R. F. Kuang.

Esta novela quizás está siendo un poco eclipsada por el éxito del momento que es Alas De Hierro, pero no por eso deja de ser un gran libro que ha sido finalista de los prestigiosos premios Hugo, Nebula y World Fantasy. Por mi parte decir, que creo que estamos ante una futura gran figura de la narrativa fantástica. Una narrativa ágil e inteligente que consigue refrescar los viejos códigos literarios, con un estilo corto y directo, capaz de rascar en nuestra emoción más profunda para empujarnos a seguir devorando páginas.

La trama sigue a Rin, una huérfana de piel oscura de la provincia del Gallo. Cuando supera una prueba llamada el Keju, que sirve para encontrar a los jóvenes con más talento del imperio, le permite entra en la academia militar más elitista del país, Sinegard. Sus compañeros le hacen la vida imposible por su color, su pobreza y su género. Pero Rin descubre que posee una aptitud especial para el mítico arte del chamanismo, lo que la convierte en una poderosa adversaria.

No pienses que la novela se centra en una escuela, comienza desarrollando a los personajes para que el lector pueda entender la historia y las tradiciones del país donde se desarrolla la misma, Nikan. A partir de su entrada en Sinegard, se desata una batalla de proporciones bíblicas, donde la religión, los hombres, los dioses y el chamanismo se enfrentan en una guerra descarnada y cruel.

La Guerra de la Amapola

  1. El Cuarto Mono. J.D. Barker

El libro de novela negra del momento. Un detective de la policía de Chicago investiga el caso de un asesino en serie que ha estado aterrorizando la ciudad. Su modus operandi consiste en enviar tres cajas blancas a los padres de las víctimas que secuestra y mata: una primera con una oreja, una segunda con los ojos y otra con la lengua; para finalmente dejar abandonado el cuerpo sin vida en algún lugar.

Un buen thriller, con un ritmo frenético que te atrae y no decae a lo largo de sus páginas. El libro contiene las suficientes escenas desagradables como para darte escalofríos, pero que ayudan a explicar ciertas motivaciones del asesino mientras se desentrañan los secretos de su infancia. Personajes fríos y secos que ayudan al desarrollo de una trama que pone la punta de los dedos, con los que pasas las hojas, gélidos. Un libro, que en muchos de sus pasajes truculentos abraza la ironía, con un tono de humor oscuro que se refleja en la forma con la que están construidos sus diálogos.

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Bonus Track. La Historia Interminable. Michael Ende.

Un libro atemporal, un cuento que rebosa imaginación, pasión y aventura. Una novela que siempre se puede volver a leer, regada de pequeños detalles y mensajes ocultos, para descubrir nuevos matices en su lectura. La historia de Bastián puede ser la de cualquier niño del planeta que se atreva a soñar, convirtiendo el símbolo del Áuryn en el estandarte de la libertad, la creatividad y la fantasía.

A quien no le gustaría tener a Fújur, el dragón blanco de la suerte, para montado sobre su lomo viajar por un reino rebosante de leyendas, parajes místicos y criaturas mágicas. Un viaje que nos hará madurar, aprender a superar las adversidades y desarrollar nuestra creatividad, todo a través de la aventura de los protagonistas carismáticos, de esta obra cumbre de la fantasía literaria. ¿A qué esperas para empezar el viaje que nunca olvidarás?

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Reseña de Entre el cielo y la tierra. Un difícil y apasionante viaje a la mente rota de un maltratador

Sallybooks es una editorial que se caracteriza entre otras cosas por ofrecer productos arriesgados, muy alejados del cómic comercial, y en los que se pueden encontrar obras de la más variada naturaleza. Fruto de esta idea ha publicado Entre el cielo y la tierra, un libro incatalogable escrito por Elchinodepelocrespo (seudónimo de Juan Alcudia) con arte de Manuel Romero y que supone una adaptación de un relato corto del mismo nombre aparecido en el libro de Juan Alcudia Hijo de un dios caníbal.

El resumen de la editorial de este libro es el siguiente: Antoine es fotógrafo de guerra. Lleva años retratando miseria, masacre y muerte. Está empapado de sangre por fuera y por dentro. Antoine se aísla en una urbanización fantasma. Quiere olvidar el mundo y hundirse en su miseria. Dos entes se lo impedirán: un árbol centenario que se nutre del cadáver de un regicida y la mujer que Antoine amó y maltrató vuelta de entre los muertos.

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Lo primero que hay que señalar es que estamos ante una obra muy, pero que muy exigente con el lector. La historia es complicada de seguir ya que mezcla varias historias que se van dando la mano de una manera un tanto extraña. Tenemos como parte principal la vida de Antoine, el fotógrafo protagonista que trata por todos los medios de salir a flote después de haber tocado fondo tras una vida dedicada a la muerte siendo un reputado fotógrafo de guerra. Por otro lado, está la historia del árbol que parece haber maldecido el nuevo hogar de Antoine y cuya influencia se siente presente en la desquiciada mente de nuestro protagonista. Y por último hay partes en prosa en las que el escritor nos cuenta una antigua fabula de dos hermanos que vivieron una vida tormentosa en un reino de fantasía.

Además, hay que tener en cuenta que el pobre Antoine está totalmente desquiciado, algo que parece agravarse como he dicho por la maldición del árbol centenario. Esto hace que muchos pasajes del libro sean ensoñaciones oníricas en las que en ningún momento tenemos claro que es lo que está pasando realmente ya que todo parece fruto de una mente enajenada, dando lugar a escenas de lo más escabrosas y hasta cierto punto repulsivas.

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Y para complicar aún más la cosa, los autores se dedican a experimentar con las posibilidades formales del medio. Así, en cuanto a la parte del guion, tenemos partes en prosa o páginas del diario de la pareja de Antoine que nos cuenta como fue su tormentosa relación. Pero el que está completamente desatado es Manuel Romero, ofreciendo múltiples soluciones gráficas para plasmar un relato tan complicado como este. Hay páginas a color y en blanco y negro mezcladas con otras en las que hay que girar el libro para ir siguiendo el camino de locura espiral del protagonista, sin olvidar composiciones extrañas y arriesgadas que sirven para subrayar la locura del protagonista.

También hay que señalar que estamos ante un libro para ADULTOS, algo que la editorial señala varias veces en su página web. Los autores tratan temas muy turbios y complicados de manera bastante cruda, con imágenes muy explicitas de contenido sexual y violento que pueden generar bastante rechazo.

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Lo mejor del libro es el retrato que hace de la mente trastornada de un maltratador, dejando pistas de cual puede ser el origen de su comportamiento. Un personaje que en el fondo no se considera “malo”, si no que las circunstancias le han llevado a ser así. Además, se ha dejado envolver por la muerte, sintiendo por ella una insana atracción que le ha hecho ser muy bueno en su trabajo de fotografiar la crueldad de la guerra sin tener demasiado claro por que se dedica a ello.

Muy pocas veces podemos viajar a la mente de un personaje así, repito, un maltratador obsesionado con la muerte con el que es difícil que el lector llegue a empatizar. Por eso la labor de los autores brilla en este aspecto, ya que a pesar de que Antoine es tan desagradable, su vida nos acaba interesando, queremos saber como ha llegado a este punto y por eso seguimos leyendo y participando en un viaje en el que el choque emocional al leer sus páginas está asegurado.

Lo malo es que las otras partes del relato acaban quedando un poco inconexas con respecto a la historia principal. Podemos aceptar que la historia del árbol puede llevar a la locura a Antoine, aunque personalmente prefiero pensar que él ya está totalmente roto y a punto de explotar de por sí. En cuanto al cuento de los dos huérfanos, no le acabo de encontrar el punto de unión con el tono general de la obra.

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La edición de Sallybooks recoge la obra en un volumen encuadernado en tapa dura de 312 páginas que incluye el relato corto en el que se basa a modo de extra además de una breve semblanza de los autores. El precio de venta es de 32 euros.

En resumen, Entre el cielo y la tierra es una obra adulta, complicada y difícil, por lo que cuenta y por como lo cuenta. Va a exigir un esfuerzo por parte del lector ya que es un libro duro, con partes bastantes desagradables y a veces complicado de seguir. Pero a cambio ofrece un viaje emocional apasionante a la mente fracturada de un protagonista roto con el que no es necesario empatizar, solo dejarse llevar en su camino hacia la locura y el autodescubrimiento.

Aquí os dejo la web de Sallybooks donde encontrar ‘Entre el cielo y la tierra’

UN saludo y sed felices.

Cascaborra Ediciones se viene a vivir a Toledo y nos monta la 1ª edición del Toledo Cómic Fest. Apuntad la fecha: 26, 27 y 28 de abril de 2024.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el inmenso placer de presentaros un nuevo punto de encuentro para los aficionados del arte secuencial. Hoy queremos presentaros el Toledo Cómic Fest.

¿A quién se le ha ocurrido semejante idea?

Os lo pienso decir ahora mismo. El culpable de todo esto tiene nombre y apellidos: Julián Olivares, el alma de Cascaborra Ediciones.

Pero esto no se ha consumado de la noche a la mañana. Como todas las grandes historias … Todo tiene un principio …

Cascaborra Ediciones.

Cascaborra Ediciones nació a finales del 2016. La editorial vio la luz a causa del afán de Julián Olivares, barcelonés nacido en 1980 y enamorado de la Historia y del Cómic.

La línea editorial de Cascaborra Ediciones se centra en la edición y distribución de cómic, centrada en la historia de España, donde hasta hace poco había un gran vacío de ofertas.

Confiando en autores e ilustradores patrios, su meta es conseguir una colección de títulos que entretengan al lector sin dejar de lado la parte didáctica.

Toledo

Desde hace algunos años, Cascaborra ha participado en la Feria del Libro de Toledo, consiguiendo ofrecer a toledanos y turistas, un gran número de títulos de gran calidad a un precio muy competitivo.

No contento con ello, en septiembre de 2023, Julián Olivares decidió abrir una tienda física en pleno casco histórico de Toledo y a escasos metros del Alcázar de la Ciudad Imperial, que cuenta con todo el catálogo de la editorial.

La Librería Cascaborra se encuentra en la calle Santa Fe, a escasos metros de la estatua de Cervantes, entre el museo de Santa Cruz y Zocodover, con vistas al Alcázar de Toledo

Pinchad aquí para obtener su ubicación.

Toledo

Toledo Cómic Fest 2024

«Sumérgete en un universo donde la creatividad y la pasión por el cómic se fusionan con la magia histórica de Toledo.

Como el evento de cómics más emocionante de la región, el Toledo Comic Fest es un escaparate vibrante donde los fans del cómic y la cultura pop se reúnen para celebrar su amor por los héroes y las historias que nos inspiran.

En el corazón de la ciudad imperial de Toledo, nuestro festival se erige como un homenaje a la creatividad y la imaginación desenfrenada.

Desde las emocionantes exhibiciones de artistas locales e internacionales hasta las cautivadoras charlas y talleres, cada rincón del Toledo Comic Fest está diseñado para transportarte a mundos fantásticos y emocionantes aventuras.

Antes de sumergirte en nuestra emocionante programación, te invitamos a maravillarte con nuestro increíble cartel, creado por la talentosa artista María Dolores Reyes, conocida como Meik.

Su impresionante obra captura la esencia del evento y nos transporta a un mundo lleno de fantasía y emoción».

Toledo

Esta primera edición del Toledo Cómic Fest, se encontrará plagada de un gran número de autores que harán las delicias de todos los aficionados.

  • Meik 
  • Pedro Camello (sábado 27)
  • Kenny Ruiz (sábado 27 y domingo 28)
  • Bea Gutiérrez
  • El Torres
  • Alicia Palmer
  • Carolina Corvillo
  • Gol (sábado 27)
  • Sergio García
  • Miguel Can (sábado 27)
  • Cecilia Moreno (sábado 27)
  • Carlos Peinado (domingo 28)
  • Rafael Jiménez
  • Toni Kudo
  • Daniel Viñuales 
  • Carlos Azagra 
  • Encarna Revuelta
  • Julián Olivares 
  • David Lorenzo (sábado 27)
  • César Herce
  • César Verdúguez (sábado 27 y domingo 28)
  • Salva del Viso (sábado 27)
  • Jesús del Viso (sábado 27)
  • Olga Carmona (sábado 27)
  • Doc Pastor
  • Jos (sábado 27 y domingo 28)
  • Angel Bernuy (sábado 27)
  • Juanra Fernández (sábado 27)
  • Gabriel Gamora (sábado 27)
  • Francisco Maldonado

Toledo

«Únete a nosotros mientras exploramos los límites de la imaginación y celebramos el arte del cómic en un entorno único y lleno de historia.

Tanto si eres un aficionado veterano como si estás descubriendo el mundo del cómic por primera vez, el Toledo Comic Fest te ofrece una experiencia inolvidable llena de diversión, creatividad y comunidad.

¡Ven y forma parte de esta celebración única donde las leyendas del cómic se encuentran con la majestuosidad de Toledo!

Descubre la emoción de nuestra programación repleta de eventos, charlas, talleres y más».

¡Prepárate para vivir una experiencia que nunca olvidarás!

Tenéis más información del Toledo Cómic Fest pinchando AQUÍ y también el la web del Excmo. Ayuntamiento de Toledo (aquí).

Os invito a seguir el perfil de Cascaborra Ediciones en Facebook (aquí), para que no os perdáis ninguna novedad acerca del Toledo Cómic Fest y podáis estar en el día a día de la editorial.

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Os esperamos durante el fin de semana del 26, 27 y 28 de abril. Echad un ojo a toda la información y sobre todo …

¡Sed Felices!

¡Nuevo Tráiler de ‘Deadpool y Lobezno’! Con mucho Lobezno al ritmo de Madonna

Marvel Studios ha lanzado el segundo tráiler de la esperada película ‘Deadpool y Lobezno’, y hay que reconocer que han conseguido conquistarnos.  En el primer avance no vimos nada de Logan más allá de su sombra, así que este nuevo tráiler ha generado muchas expectativas. Que ha cumplido.

Más allá de ver el traje amarillo y azul que nunca hemos visto en la gran pantalla (aunque eche de menos la máscara), se han centrado en todo lo que es el personaje, dejando a un lado al personaje interpretado por Ryan Reynolds.

deadpool y lobezno

La cinta promete no perder ni un ápice de su humor negro, absurdo y continuar rompiendo la cuarta pared tanto o más como las anteriores.  Y sí a eso le sumamos las ganas que tenemos todos de volver a ver a Hugh Jackman vestido de nuevo como Lobezno, pues nos encontramos ante una película que no genera mucho ‘hype’.

Los combates apuntan maneras y esa ‘buddy movie’ entre dos personas que no se toleran puede ser el punto álgido de esta propuesta.

Que larga se va a hacer la espera hasta que ‘Deadpool y Lobezno’ llegue a los cines el 25 de julio. Marca esa fecha en tu calendario.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Deadpool y Lobezno’:

Un saludo y sed felices.

Rebel Moon (parte 2): la guerrera que deja marcas, entre el bostezo, la desidia y la tomadura de pelo

Netflix ha estrenado la esperada (o no) segunda parte de Rebel Moon, la épica (o no) odisea de Zack Snyder en una galaxia muy, muy lejana. La primera parte dejó mucho que desear. La segunda… en fin, que cuando pensábamos que Zack no podía hacerlo peor, nos equivocamos. Vamos al lío.

Los Amish del espacio

En una luna lunera de cuyo nombre no puedo acordarme, vivían unos amish acojonados porque les iban a quitar su cosecha. En eso que llegaron unos guerreros y les ayudaron a cosechar. A cámara lenta, eso si, que despacito se cosecha mejor. Tras la cosecha, los guerreros enseñaron a los amish a luchar, llegaron los malos, hubo tiros, hubo muertos y al final ganaron los buenos. Y colorín, colorado, esta peli ha terminado.

Si, amiguitos. Esto es lo que hay. Durante más de una hora (¡más de una hora en una película que no llega a las dos horas porque hay que descontar los créditos finales!) el bueno de Zack se dedica a no contar nada de nada. Los amish cosechan, los guerreros hablan, los pajaritos cantan y las nubes se levantan pero en Rebel Moon (parte 2): la guerrera que deja marcas no pasa absolutamente nada. La trama no avanza y nosotros bostezamos. Bostezamos mucho.

rebel moon

Da la sensación de que a Zack se le terminaron las ideas en la primera parte, que por lo menos fue más palomitera. Es más, se le acabaron esos fondos de pantalla en movimiento tan chulos que nos dejaron a todos impresionados.

Si en su primera parte alabamos ese poderío visual que caracteriza al cineasta y que era de lo poco, por no decir lo único, que podíamos salvar, en esta segunda parte ni eso. Si, hay algún que otro destello, como cada vez que aparece Jimmy, el robot pacifista (totalmente desaprovechado, aunque Anthony Hopkins habrá cobrado un pastón) pero poco más.

rebel moon

Tras más de una hora de bostezo, empieza la acción pero ya no impacta como en la película anterior. A Snyder se le nota algo desganado y ya no se corta en copiar máquinas de combate (esos tanques son clavaditos a los de la batalla final de Star Wars: El ataque de los clones) o a la hora de copiar escenas (seguimos con Star Wars, porque lo de la nave cayendo y los protagonistas luchando por no perder el equilibrio ya lo vimos en Star Wars: La venganza de los sith).

Nada nuevo en el espacio

Los problemas que señalamos en Rebel Moon (parte 1): La niña de fuego persisten e incluso se acentúan. Diálogos tópicos y vacíos, personajes mal desarrollados (¿de verdad no se le ocurrió otra cosa que sentarlos a una mesa para que cada uno cuente su historia?) y una historia que ya hemos visto y que encima parece agotada. No le daremos más vueltas. Es lo que hay.

Mientras veía esta Rebel Moon (parte 2): la guerrera que deja marcas no dejaba de pensar en qué pena, que la historia presenta conceptos interesantes que se quedan en nada, que Snyder y sus co-guionistas han vislumbrado un mundo que podría ser muy rico y se han conformado con bosquejarlo, que como serie o mejor incluso, como videojuego, Rebel Moon (parte 2): la guerrera que deja marcas habría funcionado de película. Como película, lo siento pero no funciona.

rebel moon 2

Lo malo es lo que se nos viene. Por si fuera poca vergüenza, Rebel Moon (parte 2): la guerrera que deja marcas termina con un descarado «continuará», clara señal de que no se han dado cuenta de que la han pifiado. Dudo mucho que, tal como se esta poniendo el tema, Netflix les suelte la pasta para rodar una tercera parte. Desde luego ya sería el colmo que financiasen a Snyder y cancelasen El problema de los tres cuerpos.

Encima hay que aguantar a Zack Snyder diciendo que hombre, que su director’s cut será mucho mejor. Vamos a ver, Zack, ¿no te han dejado hacer lo que te ha dado la gana? ¿A que viene castigarnos con cuatro horas y pico si eres consciente de que el producto deja que desear? De verdad, ya es hora de decirlo: los director’s cut son una tomadura de pelo, la confirmación de que el producto inicial es malo, de que encima lo sabían y que han estafado al espectador.

Sin embargo mucho me temo que picaremos. Y es que no estamos aquí por la historia (que ya hemos visto y sabíamos que era mala) sino porque nos pica la curiosidad por saber si Zack Snyder ha hecho, por fin, una buena película. Ya veremos si soy yo o algún otro incauto el que caerá en la trampa. Hasta entonces, un saludo y sed felices.