Los true crime están de moda. Vamos, true crime o tramas de crímenes reales, que esto es más viejo que Matusalén. Entre las mejores series de 2022 ya aparecen joyas como The Staircase, Encerrado con el diablo o Por mandato del cielo. Ahora, Disney plus estrena El estrangulador de Boston, película que recrea la investigación de una serie de asesinatos de mujeres en el Boston de los años 60.
El estrangulador de Boston narra la historia de Loretta McLaughlin, periodista que trabajaba en la sección de moda y productos de limpieza de un periódico de Boston y que acabó investigando distintos asesinatos de mujeres atribuidos a un asesino en serie, El estrangulador de Boston. Junto con su compañera Jean Cole, ambas tuvieron que enfrentarse al sexismo imperante en el mundo del periodismo de los años 60.
La película está escrita y dirigida por Matt Ruskin, en cuyo currículum consta otra producción, Crown Heights, ganadora del premio del público de Sundance en 2017. Personalmente, no la he visto, así que no puedo opinar de su talento más allá de esta El estrangulador de Boston.
Por lo pronto, Ruskin intenta emular el espíritu de Zodiac, película de David Fincher en la que unos periodistas se obsesionan con el Asesino del Zodiaco, una joya infravalorada que ha terminado ocupando su justo lugar como influyente película de suspense de la que, como he dicho antes, El estrangulador de Boston bebe en forma y fondo.
Es decir, El estrangulador de Boston es un thriller periodístico situado en los años 60 estadounidenses con una paleta de colores desaturados y una progresión de la trama que se caracteriza por la ausencia de visceralidad, tanto a la hora de no mostrar la mayoría de los asesinatos como en el intentar recrear lo confuso y laberíntico de una investigación periodística.
Sin embargo, la película fracasa parcialmente en obtener ese tono. Porque, a diferencia de Zodiac, la frialdad que muestra Ruskin desprende, precisamente, frialdad. Ni rastro de la fascinación que despierta lo absorbente y obsesivo que puede ser investigar a un asesino en serie.
¿Por qué ocurre esto?
El primer acto es notable porque el relacionar los asesinatos, sumado a las dificultades de la protagonista por superar los prejuicios masculinos, despierta el interés del espectador. Sin embargo, con la aparición del estrangulador de Boston, la mayoría de las posibilidades de la película desaparecen al convertirse la trama en una sucesión de los hechos que condujeron a la detención de un sospechoso y a las sorprendentes revelaciones posteriores.
La sensación que deja al final es que la película desaprovecha la fascinante historia original del asesino.
Incluso su fuerte componente feminista queda en nada, exceptuando el citado primer acto y el final de la película.
El mayor aliciente de El estrangulador de Boston es su reparto, liderado por Keira Knightley, una de las mejores actrices de su generación, a la que todos recordamos por Piratas del Caribe y por su afán de hacernos olvidar su Elizabeth con películas como Orgullo y Prejuicio o Expiación. Knightley, protagonista absoluta de la función, está acompañada por Carrie Coon (The leftovers, entre otras series) o Chris Cooper, ganador del Óscar por Adaptation, el ladrón de orquídeas.
La actriz, que cumple en su papel protagonista, está muy sola a lo largo de toda la película. Podríamos esperar más desarrollo en la trama con su marido, indignado por la cantidad de tiempo que la periodista dedica a su trabajo. Pero se limita a unas pocas escenas en las que se dedica a repetir la misma intensidad de conflicto.
Lo mismo ocurre con el detective interpretado por Alessandro Nivola, cuya química con la protagonista está fuera de toda duda pero su papel en la trama está muy limitado. Eso sí: el caso más sangrante es el de Carrie Coon, que interpreta a la veterana periodista que apoyó a Loretta y que solo aparece en contadas ocasiones para generar algún mínimo conflicto que haga avanzar la trama.
En definitiva, El estrangulador de Boston es un entretenido y elegante thriller periodístico que intenta emular a Zodiac pero no lo consigue. Una historia real que desaprovecha tanto las posibilidades de la investigación como las connotaciones sexistas de tener a dos mujeres periodistas en los Estados Unidos de los años 60. Pero, al fin y al cabo, una película que nos da una entretenida tarde de primavera.
ECC ha decido dar una sorpresa a los lectores publicando un integral con las dos miniseries de Dead Body Road del guionista Justin Jordan. Y es una sorpresa porque la primera de ellas ya fue publicada en España en 2015 de la mano de Planeta Cómic mientras que la segunda (Dead Body Road: Bad Blood) estaba inédita. Así que, si te gustan las historias de acción y venganza, de muerte y de crimen organizado, de pueblos apartados donde manda la corrupción, no lo dudes y hazte con este volumen.
Justin Jordan es un guionista que logró cierta fama gracias a la saga de Luther Strode de Image y que también ha colaborada en Boom! Studios y ha hechos sus pinitos en Marvel o DC. Entre medias ha logrado ir sacando tiempo para el que parece su proyecto más personal y que no es otro que el que nos ocupa en este artículo: Dead Body Road. Su intención es ir sacando más miniseries dentro de la misma cabecera, pero siempre con personajes y situaciones distintas. De todas maneras, las únicas que han sido publicadas hasta la fecha son las dos que ocupan el volumen que ha publicado ECC.
La idea que hay detrás de Dead Body Road es la ofrecer historias que recuerdan a las películas de acción de serie B de los años 70 y 80. Ojear las páginas de este volumen casi nos traslada a esas tardes pasadas en los videoclubs eligiendo que película de Charles Bronson o Chuck Norris nos llevabamos a casa. El caso es que Justin Jordan demuestra ser un guionista muy inteligente y capaz contando ese tipo de historias, sin artificios narrativos o argumentales extraños, pero de una manera moderna e inteligente que hace que el lector conecte con ella y se quede atrapado en ese submundo violento y salvaje.
Un atraco que sale mal siempre es un buen arranque para una historia
Las dos historias que recoge este volumen parten de la idea central de la venganza, ya se sabe, un género en sí mismo que sigue vigente en nuestros tiempos (si no que se lo pregunten a Liam Neeson). En la primera de ellas tenemos un atraco que sale mal (otro clásico) en el que muere una joven policía, lo que desencadenará el furibundo ataque de su pareja contra los ladrones, dejando a su paso un reguero de sangre. En la segunda, la frontera entre los “buenos” y los “malos” está mucho más difuminada ya que lo que en principio parece una historia en la que la protagonista tiene que defender a su hermano de la persecución del jefe criminal de la comarca, acaba escondiendo algo mucho más oscuro y trágico.
En ambos casos el peso de la trama la llevan dos personajes muy carismáticos como son Orson Gage y Bree, hombre y mujer de acción que no dudan en hacer lo que sea para lograr su objetivo y que están planamente capacitados para matar a cualquiera que se interponga en su camino. Es curioso que tanto Orson como Bree estén retirados y sean las circunstancias las que los vuelvan a llegar por el camino de sangre y violencia que tantas veces antes habían transitado. En este sentido son dos personajes torturados a los que Justin Jordan sabe dotar de personalidad propia sin inventar nada nuevo, pero haciendo que funcionen muy bien por ese halo de misterio sobre su pasado. Mención aparte merecen los secundarios que acompañan a los protagonistas para darles replica y ofrecer detalles de ese misterioso pasado a la vez que añaden un poco de pimienta a la trama.
Otro clásico, una escena de persecucion a tiros
En lo referente a la parte artística, nos encontramos con dos dibujantes que no pueden ser más diferentes. En la primera miniserie tenemos al gran Matteo Scalera, de sobras conocido por el gran público gracias a Ciencia Oscura. Poco vamos a decir de Scalera, más allá de que siempre es un placer ver sus páginas y de que su estilo sucio y dinámico, viene que ni pintado para plasmar la violencia y la acción del guion que se trae entre manos elevando la historia de Justin Jordan a un nivel superior.
Dead Body Road: Bad Blood, la segunda miniserie, esta ilustrada por Ben Tiesman, dibujante con una trayectoria mucho menor que la de su compañero y al que aún le queda mucho para poder hacerse un nombre. Su dibujo tiene un toque más realista que el de Scalera y pierde buena parte de su dinamismo y espectacularidad, quedándose un poco más que un arte cumplidor, sin añadir nada a la historia que tiene entre manos.
El dibujo de Ben Tiesman queda bastante por debajo del de Scalera
La edición de ECC recoge las dos miniseries de Dead Body Road publicadas hasta la fecha en un volumen encuadernado en tapa dura de 280 páginas por un precio de compra de 32 euros. El único extra que incluye es una galería de las portadas realizadas por Matteo Scalera para las dos miniseries. No hubiera estado de más que se incluyera una pequeña biografía de los autores ya que Justin Jordan y Ben Tiesman no son tan conocidos entre el gran público como Scalera.
En resumen, Dead Body Road ofrece una sesión doble, como esas matinales de domingo en los cines de barrio de antaño, que solo busca entretener y dar a los lectores dos buenas historias cargadas de acción, adrenalina, sangre y mala leche. Y desde luego que lo consigue.
Hoy os traemos una reseña especial, de esas que abren el apetito. La editorial Minotauroha publicado El libro de cocina de la Tierra Media, imprescindible para todos los fans de El Señor de los Anillos, con más de 60 recetas desde Hobbiton hasta Mordor. Vamos al lío.
El libro de cocina de la Tierra Media contiene más de 60 recetas inspiradas en la obra de Tolkien, donde la comida tenía su hueco y su importancia. ¿Quién no recuerda el título de un capítulo titulado Hierbas Aromáticas y Guiso de Conejo? Personalmente siempre me fascinó que de camino a Mordor, perseguidos por orcos, los hobbits dedicasen unos momentos a elaborar un guisote que tenia muy buena pinta.
El libro escrito por Tom Grimm y con fotos de Dimitric Harber, recrea esa y otras recetas, como la Poción de Ent o las Lembas, así como otras que no aparecían en los libros pero que podrían haber tenido su hueco, como el Pescado al gratén al estilo Brandivino o la Tarta del cumpleaños centesimodecimoprimero de Bilbo.
El libro de cocina de la Tierra Media se estructura en 8 partes: Desayuno, Segundo Desayuno, Tentempié de las 11, Almuerzo, El Té de las 4, Cena, Cena Ligera y Bebidas. Por los títulos ya os podéis hacer una idea del contenido de cada una, que incluye recetas de lo más variadas.
La verdad es que, en su inmensa mayoría, no son nada complicadas y los ingredientes son fáciles de encontrar pero también es cierto que para comer El segundo desayuno de Sam a media mañana, a base de judías, bacon, salchichas, setas y bistecs de ternera hay que tener el estómago de un hobbit. O de un orco.
Edición
El libro de cocina de la Tierra Media se presenta en una cuidada edición en tapa dura, con un tamaño de 20 x 2 x 25.5 cm y con una extensión de 160 páginas para detallarnos sus 61 recetas y sus respectivas fotografías. Todo eso en un papel de excelente calidad, con un tono entre marrón claro y sepia que a mi me ha recordado a los pergaminos antiguos, lo que le da al conjunto un cierto encanto.
Hay que decir (y así nos lo indican en la contraportada del libro) que esta obra no cuenta con la autorización del Tolkien Estate ni de la editorial HarperCollins, por lo que es un libro sin licencia oficial. Ellos se lo pierden porque es una de los mejores libros de cocina temáticos que existen actualmente, tanto por la calidad de los contenidos como por la edición.
Valoración final
Los libros de cocina que se inspiran en obras de la cultura popular han experimentado un gran auge en los últimos años. En pleno apogeo de Juego de Tronos ya tuvimos uno que se dedicaba a recrear los manjares descritos por George R.R. Martin en su obra; en Francia, el cocinero Thibaud Villanova edita prácticamente un libro al año de temática friki; Harry Potter también ha tenido su libro recreando famosas recetas de la saga. Y es que la comida forma parte de todo buen universo ficticio que se precie.
Aunque anteriormente ya habíamos visto alguno dedicado a la obra de Tolkien, la realidad es que no le hacía justicia. Con El libro de cocina de la Tierra Media si tenemos la sensación de que el universo del autor ha quedado perfectamente reflejado en sus páginas. Tom Grimm y Dimitric Harber son, ante todo, fans de El Señor de los Anillos y El Hobbit y eso se nota en el cariño que desprende el libro.
¿Realizaremos todas las recetas del libro? Seguramente no ya que son muchas pero si que podemos montarnos una cena temática o darnos un capricho a la hora de desayunar. Echándole imaginación y con poco trabajo en la cocina, podremos trasladarnos a la Comarca o a la Taberna del Pony Pisador y darnos un homenaje al estilo hobbit. Un saludo, sed felices y buen provecho.
The Mandalorian, después del inciso de la semana anterior, vuelve con un capítulo de duración habitual y con una trama más cercana a lo que hemos visto hasta ahora, donde seguiremos explorando el destino de los mandalorianos que lograron escapar a la destrucción de su planeta y veremos cómo sus nuevos integrantes aprenden las costumbres del pueblo. Un capítulo relativamente tranquilo, presumiblemente antes de que lleguen momentos más convulsos.
La calma antes de la tormenta
Bo-Katan y Grogu entrenan junto al resto de miembros de la secta a la que pertenece Din Djarin. Las cosas parecen tranquilas, pero todos sabemos que la calma no puede durar mucho para nuestro sufrido protagonista: una bestia voladora secuestra a un niño de la tribu, y una partida deberá rescatar al joven de las garras del monstruo antes de que lo devore.
Mientras tanto, Grogu aprenderá con la líder de los mandalorianos, y revivirá unos recuerdos traumáticos de su huida del templo jedi.
The Mandalorian: progresa adecuadamente
The Mandalorian siempre ha tenido capítulos de este tipo, en los que no sucede gran cosa y que no tienen un gran peso sobre el argumento principal, pero que suelen servir para fortalecer las relaciones de los personajes o explorar algunos rincones poco valorados del universo de La guerra de las galaxias. En este caso, la persecución del monstruo y el rescate del niño sirven para estrechar los lazos entre Mando y su gente, y para zanjar la rivalidad que ha tenido con Paz Vizsla desde los comienzos de la serie. Suponemos que este guerrero no seguirá criticando a Din Djarin después de que este haya salvado a su hijo.
El episodio se centra en Grogu sin utilizarlo como reclamo comercial ni como mero recurso argumental, mostrándonos su integración dentro de la cultura mandaloriana y el adiestramiento que la líder le da. ¿Es su reacción a la forja una mera asociación visceral de ideas o supone una semilla de oposición a la ideología de los mandalorianos? Desde luego, tendría mucho peso dramático que nuestro protagonista, después de redimirse a ojos de su gente, tuviera que escoger entre ellos o su hijo adoptivo. En todo caso, esta inquietud ha servido como excusa para narrarnos un flashback del ataque clon al templo jedi.
Esta escena, que amplía algo que ya exploramos en la temporada anterior y en El Libro de Boba Fett, no aporta demasiado a la historia del bebé Yoda, y quizás podría haberse resuelto con más rapidez para dar más importancia al futuro de este niño como mandaloriano. Entiendo que hay muchos fans de Star Wars que babean al ver una espada láser, pero una serie como esta debería tener su propia identidad, y este tipo de añadidos tan burdos solo sirven para reavivar la nostalgia por las películas.
La lucha contra el monstruo volador se deja ver, pero tampoco destaca especialmente: quizás las series de gran presupuesto nos han malacostumbrado, pero es mucho menos espectacular que, por ejemplo, la caza del dragón krayt en la segunda temporada. Aunque nos alegramos de ver a estos tres guerreros mandalorianos trabajando juntos y la escena cumple su cometido sin demasiados problemas, la acción es algo confusa y poco inspirada visualmente. Por no mencionar que poner a un niño desconocido en peligro no crea ninguna tensión en una serie tan conocida de Disney: ya suponemos que no lo van a matar.
La mención del mitosaurio, el legendario monstruo mandaloriano que el líder del planeta está destinado a montar, sienta las bases para el regreso de estos guerreros a su pueblo y, quizás, por el comienzo de una rivalidad para hacerse con el trono de Mandalore. Estamos expectantes por ver qué planes tiene Bo-Katan para esta bestia y esperamos que le dure más que el antagonista de este episodio.
Conclusión
The Mandalorian sigue siendo una serie entretenida, pese a todos los inconvenientes que podamos tener con su evolución, pero parece que le está costando coger el ritmo después de que la trama de las dos primeras temporadas (proteger a Grogu y devolverlo al nuevo templo jedi) se haya resuelto de manera tan satisfactoria. Aun así, sigue siendo un contenido muy digno que esperamos que vaya a más conforme el clímax de esta temporada se vaya acercando. No hemos dicho mucho en este artículo, pero es que el capítulo tampoco nos ha contado demasiado.
‘Shazam: La Furia de los dioses’se estrenó el día 17 de marzo y a día de hoy no ha conseguido llegar ni siquiera a su presupuesto. A la fecha lleva recaudados alrededor de 67 millones de dólares en todo el mundo y eso solo son 13 millones más de lo que hizo la primera entrega en un fin de semana en EE.UU.
Son muchos los factores que podrían haber afectado al desempeño de esta secuela en la taquilla mundial, pero Zachary Levi ha sido muy contundente al señalar el marketing como el mayor problema.
Ahí hay que darle la razón al actor, ya que todo el grueso de la promoción y esfuerzo de Warner Discovery se lo está llevando Flash.
Su cercanía con el estreno de la cuarta entrega de John Wick podría también tener alguna influencia, ya que es una cinta muy esperada, así como el cansancio por el cine superheroico o (lo más o probable) la ausencia de ganas del público sobre un universo que saben que no tendrá continuidad.
Son muchas las circunstancias que han afectado a ‘Shazam: La Furia de los dioses’ y lo que es cierto es que cualquier filme debe recaudar (como mínimo) el doble de su presupuesto para no tener pérdidas y actualmente ese objetivo se encuentra muy lejos para el alter ego de Billy Batson.
Shazam! Fury of the Gods
Desde el principio esta producción tuvo muchos inconvenientes, como la negativa de Dwayne Johnson a la aparición de la JSA en la secuela de Shazam, además de los retrasos que la llevaron a tener varias fechas de estreno diferentes.
Sea como fuere, ‘Shazam: La Furia de los dioses’ lleva solo 67 millones recaudados, con un presupuesto de 125, y actualmente la taquilla de Black Adam se antoja espectacular con respecto a la que está teniendo el elegido del mago.
Shazam! Fury of the Gods
A día de hoy, seguro que hay muchos fans, de esos que solemos llamar tóxicos, que estarán dando saltos de alegría por un nuevo batacazo de DC. A esos les sigo diciendo que se lo hagan mirar, porque eso no es sano y que ‘Shazam: La Furia de los dioses’ continua siendo un proyecto de la antigua directiva y que el ‘odiado’ James Gunn no ha tenido nada que ver.
Ojalá la cinta de Flash tenga mejor acogida y que todo el marketing se vea reflejado en la taquilla. Si Tom Cruise dice que es increíble, habrá que darle una oportunidad.
Aquí os dejo el tráiler de ‘Shazam: LA furia de los Dioses’:
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Nuevo Nueve Editores, del mes de abril de 2023. Este mes tenemos Salón. Y uno de los grandes además. Durante los días 31 de marzo y 2 de abril, tendrá lugar el Barcelona Cómic 2023.
Novedades Nuevo Nueve Editores de abril de 2023
Como siempre suelo hacer, voy a comentaros lo que más me llama la atención este mes del catálogo de Nuevo Nueve.
«Héléna terminó dejando la granja familiar y a sus amigos de la infancia para unirse a la prestigiosa Ecole Supérieure de Sioule. De todas las disciplinas deportivas es la más violenta.
¡Un cóctel brutal de rugby y dodgeball que retiene a millones de espectadores en cada partido!
Y los primeros entrenamientos no serán fáciles. Incluso aunque Héléna tenga una fuerza impresionante, ¡el nivel es alto y el ritmo es agotador!
Además, uno de sus compañeros, Soni, demostrará ser un oponente formidable, tanto táctica como físicamente.
Héléna tendrá que encontrar un lugar para sí misma en el despiadado mundo de Sioule donde las palizas, la intimidación y los celos reemplazan la dulzura de la vida en su campo natal».
Lo tendremos disponible el 10 de abril.
Más abajo, os dejo el pdf completo con las novedades de Nuevo Nueve para este mes de abril.
Muy buenas, hace unos días llegó Skyshowtime a mi vida. Una plataforma que llevaba dos años esperando ya que alberga todas las series de uno de los mejores guionistas de los últimos años, Taylor Sheridan. Así que lo primero que hice fue volver a ver las dos primeras temporadas de Yellowstone cuyos análisis os dejo a continuación.
Para el análisis me ceñiré al esquema que siguió mi compañero Pedro para la segunda temporada. Sin más dilación nos ponemos al lío que hay mucho que contar.
Viejos conocidos y nuevos enemigos
Con dos temporadas ya a las espaldas sobra presentaciones de la familia Dutton, así que procederemos a ver en que líos se han metido en esta ocasión.
John Dutton
El patriarca del Yellowstone tras los acontecimientos de la temporada anterior se muda a la zona de verano. En estos primeros capítulos tendremos a un John muy abuelete y en cierto modo existencialista. Le obsesiona el legado.
Respecto al papel de John en la trama principal podemos decir que tiene un rol secundario; está apenas involucrado en el villano de la temporada. No obstante, llegado el momento, cuando John interviene es formidable.
Jamie Dutton
Este personaje va cayendo en barrena, tanto en la familia como en el interés para el espectador. Tiene dos de las tramas secundarias de la temporada pero ni por esas se vuelve interesante: por un lado el flashback con Beth, que nos hace comprender el odio entre los hermanos y por otro lado el descubrimiento de su ascendencia. En este sentido conoceremos a un nuevo personaje que promete ganar protagonismo: Garrett Randall, interpretado por Will Patton.
Tampoco ayuda el rol que toma a final de temporada de ir en contra de la familia, ya que eso lo vimos en la temporada anterior.
Desde luego para mí lo más flojo de la temporada.
Beth Dutton
El personaje más odioso de la serie es la protagonista de la temporada si es que se puede decir eso en una serie coral. El trabajo de la actriz Kelly Reilly es merecedor de todos los premios. En esta ocasión se enfrenta a Roarke Morris, un hombre de negocios astuto (Josh Holloway) que comienza a hacer movimientos para apoderarse del rancho de Yellowstone con el objetivo de construir un aeropuerto.
Durante la temporada veremos varios interesantes encuentros entre Roarke y Beth. Un tira y afloja que se torna en lo mejor de la misma.
Pero Beth también tendrá más tiempo para centrarse en el amor. Esta es la temporada en que Beth asienta la relación con Rip, ofreciéndonos los momentos bonitos de la temporada si es que bonito y Beth pueden ir juntos en una misma frase.
Kayce Dutton
Sin darse cuenta, Kayce ha vuelto a caer en las redes de su padre. Además, la gobernadora ha conseguido convencerlo para que sea el Comisario de Ganadería de Montana.
En su primer día de trabajo como Comisario se ve obligado a matar y ese acto le granjeará el favor de todos los vaqueros de Montana que lo postulan como alternativa a Gobernador.
Su mujer gana protagonismo en esta temporada con una de las acciones más controvertidas de la misma al ir contra un asesino de la Reserva.
Rip
A diferencia de mi compañero Pedro, meto a Rip en la familia: es que se va a casar con Beth y como para no considerarlo parte con la carta que John le escribe al final de la segunda temporada .
Rip es el vaquero más leal del Rancho Yellowstone; ya lo demostró en la difícil segunda temporada en la que el patriarca de los Dutton lo humilló bastante mandándolo con los vaqueros.
En esta temporada nos encontramos con su lado más tierno al anunciarse su matrimonio. Para celebrar su futura unión se va con su amigo Lloyd a tomar cervezas y en el bar se encuentra con un viejo conocido…
Los vaqueros de Yellowstone
Cada temporada van gozando de más protagonismo. En esta ocasión, tienen su propia trama al enfrentarse con dos vaqueros que, pagados por Roarke Morris, no paran de provocar.
Por otro lado, Jimmy se nos enamora de una joven que lo pondrá entre la espada y la pared al hacerlo elegir entre ella y el Yellowstone.
Valoración final.
Esto va viento en popa. Si bien es cierto que para mí es la más floja de las tres temporadas, es un placer disfrutar de esta serie. Los personajes están exquisitamente bien escritos y la trama es genial con la lucha por las tierras. Si bien podemos entender la posición de John Dutton, no desmerece la credibilidad de quienes opinan que esas tierras no pueden pertenecer a una sola mano y pueden dar una ingente mano de obra con la construcción sea de un casino o de un aeropuerto.
La ausencia de un villano de temporada (en la primera tuvimos a Dan Jenkins y Rainwater y en la segunda a los hermanos Beck) le ha restado mucho impacto a la serie. El personaje de Holloway no es el villano que podíamos esperar y se le ve como un hombre de negocios calculador, pero que no participa en la violencia como sí lo hacían los Beck. Luego tenemos a Garrett Randall, quien parece que se puede postular como villano de la siguiente temporada.
Podríamos decir que es la temporada con más vaivenes en cuanto a ritmo se refiere pero no por ello es mala. Como decía, da gusto ver todo lo que ocurre siempre por lo bien contado que está. En esta temporada, Taylor Sheridan es el único guionista y eso se nota para bien. La muy buena dirección ha caído en manos de Stephen Kay, John Dahl y Christina Alexandra Voros.
Y no podemos dejar de mencionar, por supuesto, el impactante final de esta tercera temporada al más estilo El Padrino.
En estos días me pongo con la cuarta temporada y os traeré mi valoración sobre la misma.
Hemos llegado a la mitad de la temporada final de Star Trek: Picard y analizamos el quinto episodio, cuyo título es Impostores y viene con un inesperado regreso. La serie, que tiene a Terry Matalas como showrunner y a Patrick Stewart en el papel protagónico, es emitida por Prime Video.
Bienvenidos una vez más, trekkies y no tan trekkies, a analizar un nuevo episodio de Star Trek: Picard, cuya temporada final ha llegado a su mitad y, con toda la emoción que ello nos implica, entramos en cuenta regresiva. Este quinto episodio nos ha traído de vuelta a un personaje muy conocido por los fans de Star Trek: The Next Generation, aunque lamentablemente… por poco tiempo.
Menos épico y más pausado que los dos anteriores, el episodio no deja de tener su intensidad en intriga que se sigue desbrozando y de un buen clima jalonado por diálogos interesantes. Sin más prólogo, pasemos a analizarlo advirtiendo que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Una Antigua Conocida
Habíamos dejado a Jack Crusher alucinando sobre el cierre de la entrega anterior y así lo encontramos al iniciarse esta. Le vemos ingresar al puente y matar a todos los allí presentes, incluida la alferez LaForge, pero rápidamente tanto él como nosotros nos damos cuenta de que no ha sido real. Definitivamente, algo le está ocurriendo o algo en su interior se está manifestando.
Por otra parte y para nuestro beneplácito, volvemos a tener lectura de bitácora, esta vez no a cargo del almirante Picard sino del “capitán interino” Riker, quien comenta que han reingresado al Cuadrante Alfa y reparado el núcleo warp, pero desconocen con qué situación se encontrarán al tener que comparecer ante la flota. La situación hace acordar al inicio de Star Trek IV: Misión salvar la Tierra, cuando Kirk y los suyos retornaban tras haber literalmente robado la Enterprise.
El problema, de todos formas, se les manifiesta bastante antes de llegar, pues son interceptados por la Intrepid, desde la que se les da aviso de que recibirán a bordo una comitiva presidida por la capitana de la nave: sorprende tanto a Picard como a Riker el que decidan utilizar una lanzadera en lugar del sistema de transportación, pero por alguna razón lo quieren de ese modo.
Un diálogo interesante se produce mientras, a la espera, Picard y Riker van ensayando posibles respuestas ante eventuales acusaciones, apuntando mayormente a que han salvado la galaxia más de una vez. Shaw les recuerda también las veces en que sus cuestionables decisiones pusieron a la Federación en problemas, mencionando sucesos ocurridos tanto en TNG como en las películas Generaciones (1994) e Insurrección(1998). Un lindo repaso más allá del tono acusador y, de todos modos, Shaw luce bastante más afable y amistoso que en los primeros episodios.
Al llegar la comitiva, se encuentran (y nos encontramos) con la sorpresa de que la capitana no es otra que Ro Laren (Michelle Forbes), vieja conocida nuestra a quien no veíamos desde la temporada final de TNG. Por si no recuerdan qué había hecho, empatizó con losmaquis y se sumó a ellos cuando la Federación prácticamente entregó sus mundos en bandeja a los cardassianos. Ello hizo que fuera considerada traidora y llevada a prisión, por lo cual sorprende sobremanera a Picard el verle restablecida en un puesto de jerarquía dentro de la flota.
Laren quiere interrogarlos por separado sobre lo ocurrido con la Titan y el primer turno corresponde a Picard, a quien para su sorpresa lleva a punta de fáser a la holocubierta, que sigue en simulación 10 Forward.
Él le sigue achacando su traición a la Federación y llama su atención que ya no lleve puesto el arete bajorano que, en su momento y con tanta obstinación, se empeñara en usar. Está claro que está sospechando y ella se corta la palma de su mano para mostrarle su sangre a los efectos de que compruebe que no es una cambiante. Picard no parece quedar del todo convencido y menos cuando Ro quiere insistentemente saber sobre Jack.
Técnica Kahless
A bordo de La Sirena, la dupla Worf–Raffi, de la cual no habíamos tenido noticias en la entrega anterior, se sigue afirmando como tal y está en pleno entrenamiento . Tal como viene ocurriendo cuando el primero hace sus ejercicios, la música tiene especial significación y, en este caso, oímos de fondo el Tema Klingon que, compuesto por Jerry Goldsmith, fuera parte de la banda sonora de Star Trek: La Película (1979) para reaparecer después varias veces en la franquicia (incluso en esta serie con la primera aparición de Worf). Siempre eriza la piel volver a oírlo…
Worf quiere ir a la estación Daystrom porque supone que allí puede haber datos del verdadero robo por debajo de la fachada del arma-portal. Sin embargo, parece que alguien no les quiere allí porque encuentran el acceso bloqueado y quien puede decirles cómo entrar es Krinn (Kirk Acevedo), vulcano que oficia como mafioso en los bajos fondos del Distrito 6 y que fuera socio de Sneed, el ferengi decapitado por Worf.
Un dato de color que es pura nostalgia: cuando la inteligencia artificial de La Sirena va rastreando posibles sospechosos y vinculaciones, pasa por allí el nombre de nuestro querido Morn de Luria, aquel cliente vitalicio de Quark en el bar de DS9 que, sin pronunciar jamás palabra alguna en pantalla (aunque Quark decía que con él hablaba), se convirtiera sin embargo en uno de los personajes más simpáticos de toda la franquicia. Qué bueno volver a saber de él y qué mal que la IA le incluya entre posibles sospechosos.
Intentan tender una trampa a Krinn con un emisor móvil proyectando la imagen de Raffi, pero el astuto vulcano descubre el engaño y la cosa termina al revés. Está muy afectado por la muerte de Sneed, a quien consideraba un hermano a pesar de ser ferengi. Les obliga a luchar entre sí en un duelo a cuchillo que remite bastante al entrenamiento y que acaba con la muerte de Worf: se nos parte el corazón, aunque sabemos internamente que no puede ser cierto…
En efecto, el klingon se ha valido de la técnica Kahless para controlar sus latidos y está en realidad vivo, así que se termina cargando completa a la guardia de Krynn y obligando a este a decirles cómo entrar en la estación. Les revela que el sistema tiene ciertas fallas a las que define como “ilógicas” y finalmente, como buen vulcano, entiende que lo más lógico es darles la información.
Un par de referencias interesantes de la escena: el emisor móvil fue inventado en Star Trek: Voyager y, por lo que se ve, parece haber tenido éxito. En cuanto a Kahless, se trata de un personaje de leyenda que es central en la mitología klingon y de quien se cuenta que fingió su propia muerte. Desde la serie original ha tenido más de una referencia en la franquicia e incluso, interpretado por Kevin Conway, le hemos visto como clon en la sexta temporada de TNG.
Los Cambiantes están cambiando
Jack está a bordo de la Titan camuflado como oficial de la misma, ardid ideado por Picard que bien sabe que lo están buscando. Aun así, dos hombres de la Intrepid logran dar con él e intentan llevarlo a bordo de su nave con la ayuda de dos oficiales de la Titan. Jack se resiste y, descubriendo que son cambiantes, acaba con los cuatro haciendo gala de una fuerza sobrehumana.
Estudiando el cuerpo del que había tomado la forma de la alferez LaForge, Beverly descubre que los cambiantes están evolucionando y ahora pueden emular no solo el aspecto externo de sus víctimas, sino también órganos internos e incluso sangre, lo cual explica que tuvieran uno a bordo de la Titan sin ser detectado por los sistemas.
En la holocubierta, el interrogatorio ha devenido en recriminaciones recíprocas: Laren acusa a Picard de haberle querido moldear a su imagen y semejanza, en tanto que él insiste en querer saber por qué ha sido readmitida en la flota. Pero cuando le llega el aviso de Beverly con los resultados de sus investigaciones, las sospechas de Picard se disparan aún más y no puede evitar relacionar con la prueba de sangre a que, por cuenta propia, Laren se sometió para probar su identidad.
Sacando a relucir su as de espadas, la apunta con un arma que pertenecía a Guinan y le pregunta si se acuerda de ella (recordemos que ambas habían tenido un fuerte vínculo). Entre sospechas mutuas, se genera un intenso diálogo en que ambos, a lo Tarantino, se encañonan recíprocamente.
El Arete
Finalmente, y hurgando sus respectivos pasados, logran confirmar sus identidades y ella le revela que está haciendo una investigación y que los cambiantes están infiltrados por toda la flota: se trata, como aventurara el propio Worf, de algo más grande de lo que aparenta y, al igual que en su momento lo hiciera Beverly, le aconseja no confiar en nadie, además de que se larguen de allí apenas parta de regreso a su nave.
Al despedirse entre lágrimas y regresar a la lanzadera, entrega a Picard el arete bajorano por el que este tanto le preguntara. Pero las cosas se complican en la lanzadera: los oficiales junto a Laren se transportan y le plantan un explosivo, con lo cual vamos entendiendo el porqué de que hubieran elegido esa vía de desplazamiento entre naves.
Laren da aviso a la Titan y desde allí intentan transportarla, pero no hay forma porque parece actuar un inhibidor. A los efectos de reducir su influencia, le piden que se les acerque más, pero ella sabe que, llevando un explosivo consigo, probablemente sea ese el objetivo buscado. Por el contrario, entonces, se lanza contra la Intrepid y se estrella contra uno de sus reactores dejándola bastante maltrecha.
Un nuevo problema para Picard y los suyos, considerados responsables de haber atentado contra una nave de la flota.
Mientras se aprestan a dispararles, la Titan logra poner en marcha el motor warp y huir, aunque dan por descontado que les seguirán. El sacrificio de Laren les ha dejado mortificados, particularmente a Picard, con quien tenía un vínculo especial. Le enseña a Riker el arete que le dejó y este descubre que en realidad es un chip conteniendo no solo toda la información correspondiente a su investigación sino además un comunicador que les hace entrar en contacto con Worf…
Una intensa emoción nos asalta al verles y oírles hablar nuevamente entre sí. El klingon, de todas formas, se sorprende de no ver a Laren al otro lado de la comunicación y el largo silencio de Picard y Riker evidencia que, tristemente, deberán ponerle al tanto de los últimos acontecimientos…
Puerta Roja
En la enfermería, Shaw felicita a Jack por haberse cargado a cuatro cambiantes. Lejos de sentirse feliz por el elogio, sin embargo, el joven está sumamente intrigado por lo que le pasa y también su madre. Cuando esta le pregunta cómo se dio cuenta de que eran cambiantes, él ni siquiera dice haberlo hecho.
Beverly además ha notado que no está durmiendo últimamente y lo relaciona con su niñez, cuando tenía pesadillas y temía dormir. Él no lo recuerda o bien recién se entera, pero sabe que algo malo le está pasando y no es para menos cuando en sus visiones los ojos se le ponen rojos mientras se le aparece una puerta de igual color y hay voces que lo llaman a regresar…
Balance del Episodio
Hemos tenido otra vez una gran entrega. Quizás no al nivel de las dos anteriores porque no tuvo tanta carga épica o emotiva, pero sí varios cruces y diálogos interesantes en una trama que se cocina a fuego lento y en la cual comenzamos a confirmar que, como se ha dicho reiteradamente a lo largo de la temporada, estamos ante algo verdaderamente grande.
Y no es de todas formas que la emoción haya faltado: ha estado allí en lugar de pequeños guiños o destellos y tuvo lugar central con la reaparición de Laren, tan repentina e inesperada como su salida de la serie, que está lejos de ser un dato menor pues hacía mucho rato que no veíamos morir a alguno de los habituales de TNG (¿me equivoco o el último fue Data?).
Desde ya que nos duele el verla después de tanto tiempo para despedirla tan rápido, pero su sacrificio tuvo mucho de redención y resarcimiento porque ella no era exactamente una traidora sino alguien que en su momento defendió sus convicciones y sentido de la justicia por la vía equivocada. En ese sentido, el reencuentro con Picard después de la decepción que todo aquello significó para él, ha sido de una gran intensidad y nos ha dejado prendidos.
Por otra parte, vemos ahora conectarse más decididamente las subtramas, sobre todo a partir de que Worf ha establecido, de manera involuntaria, contacto con sus ex- compañeros (me sale más fácil decir eso que ex-superiores). Y al no saber ahora quién es amigo o enemigo o qué tan infectada esté la Federación, se presenta por delante un interesante escenario en la medida en que los tres, junto a la rehabilitada Siete e incluso Shaw, van quedando algo así como “solos contra el universo”.
Jack sigue siendo un gran misterio y más ahora que Beverly nos ha puesto al tanto de que las alucinaciones le vienen acompañando desde larga data. ¿Qué es esa puerta roja y de quiénes son las voces? Nos vemos tentados, claro, de relacionarlo con los cambiantes, pues por alguna razón les reconoce e identifica, pero aún no sabemos de qué modo se vinculan o si él no será, en definitiva, uno más de ellos.
Los guiños, por otra parte, siguen a la orden del día y tienen el delicioso ingrediente de que a veces nos dan deliberadamente la información a medias: cuando Laren le expone su investigación a Picard, él le pregunta si puso al tanto a Janeway de ello. Vaya: ¿qué lugar ocupa entonces ahora en la flota nuestra querida capitana? Y más importante aún: ¿nos tendrán reservada alguna sorpresa? ¿La terminaremos viendo aunque más no sea por un momento? Soñar no cuesta nada, pero qué bueno sería…
Y siguen apareciendo actores de las otras series de Matalas. Qué bueno volver a ver a Kirk Acevedo, de la excelente 12 Monos, interpretando a Krinn.
La mala noticia es que ya hemos llegado a la mitad de temporada y empezamos la cuenta regresiva para despedirnos no solo de Picard sino posiblemente de muchos otros personajes que hemos querido durante más de tres décadas. Pero no nos adelantemos ni lloremos a cuenta y quedemos más bien, por ahora, a la espera de lo que nos traiga el próximo episodio.
Una sola cosa me quedó chirriando: ¿por qué humeaba la Intrepid tras ser impactada por la lanzadera de Laren? Hasta la próxima y sean felices. Larga vida y prosperidad…
‘Super Mario bros.’ tiene el placer de ser la primera adaptación de un videojuego a la gran pantalla y una de las peores. No se podía empezar con peor pie en esto de llevar pixeles al mundo del cine, aunque podríamos decir que sin esta cinta sobre el fontanero más famoso de Nintendo no existiría esta sección. Gracias.
Quizás muchos os hagáis esta pregunta (seguro que no) ¿Por qué no empezar la sección por esta cinta? La explicación es muy simple y corta: Me ha costado encontrar donde verla y mientras tanto he ido viendo las otras joyas que habéis podido leer en las anteriores Reseñas Basura.
‘Super Mario Bros.’ es una película dirigida por Anabel Jankel y Rocky Morton, protagonizada por Bob Hoskins y John Legizamo en los papeles protagonistas de Mario y Luigi Contaba con un guion tan realista que estoy totalmente seguro que quienes lo escribieron tomaron las mismas setas que nuestro bigotudo amigo.
Para ponernos en contexto aclarar que el rodaje de esta película fue un desastre al verse involucradas tres productoras y la propia Nintendo, ya que cada una ponía diferentes exigencias que repercutían en reescrituras diarias del guion. Una curiosidad es que tanto Hoskins como Legizamo decidieron beber whisky entre toma y toma para sobrellevar el bodrio que estaban rodando.
Partamos de una premisa muy clara y es que la trama del videojuego es muy simple: Mario recorre diferentes niveles para rescatar a la princesa Peach de las garras de Bowser, el rey de los koopas. En su camino se enfrenta desde tortugas raras a setas con pies.
En aquella época tampoco es que se currasen mucho los guiones de los videojuegos, pues Gouls ‘n’ Goblins de Capcom tiene exactamente la misma trama, algo que después copiaron los ‘yo contra el barrio’ de la época. Así que puedo entender que nos encontramos ante una historia que podía tener sus dificultades a la hora de llevarla a la gran pantalla.
Lo que no entiendo es como se llegó a lo que vimos en cines. Cualquier parecido con el título original es pura coincidencia, se tiene que recurrir a la técnica manida de mencionar (de forma forzada) los nombres de los personajes para que el espectador pueda reconocerlos. Toad no es una seta, es un humano y los Goomba que son setas marrones con pies han sido convertidos en lagartos antropomórficos que han visitado a un chamán reductor de cabezas.
Es en ese momento cuando miras la pantalla, miras tu cartucho de Nintendo, vuelves a mirar la pantalla y comienza una retahíla de insultos e improperios dignos de un diccionario de vulgarismos.
Todo está mal aquí, empezando por la ambientación del mundo a donde han llevado a Daisy gobernado por Bowser (Dennis Hopper), que tiene ese aspecto futurista tan típico de la época y que parece una marca blanca de ‘Blade Runner’ y ‘The Warriors’ con toques del show de Benny Hill. No consiguieron, ni por error, adaptar algo del videojuego.
‘Super Mario Bros.’ es una sucesión de escenas absurdas que tratan de darle un tono infantil a una película que, por diseño de producción, se encuentra muy lejos de ese público objetivo. Lo que si tiene de pueril es la trama de Bowser para conquistar el mundo gracias al cristal de Daisy.
Ese tono cómico le sienta a la cinta como a un hipopótamo un traje de lentejuelas, me ha resultado más vergonzoso que las escenas de ‘Double Dragon’, y mira que carecían de gracia.
Conclusión
‘Super Mario Bros.’ Es uno de los acercamientos más fallidos al mundo del videojuego, tanto por tono como por adaptación de la trama original. Haciendo algo al estilo ‘Space Jam’ hubiese sido más acertado para plasmar los mundos de Mario.
Cuando gente que no tiene ni idea de historias (como muchos directivos de estudios) meten las manos en los guiones, pues tenemos despropósitos como este. Tramas que no gustan ni a fans del videojuego (eso por supuesto) ni al público que se acerca a la cinta desconociendo su origen.
Si os gusta ‘Super Mario Bros.’ y no habéis visto esta adaptación, os ruego que nunca lo hagáis o tendréis que comenzar a ahorrar para el psicólogo.
Gracias una vez más a Ediciones Minotauro os traemos la reseña de Conan de Cimmeria nº 2/3 1934, el segundo tomo que recopila las historias que Robert E. Howard escribió acerca de su personaje más universal, Conan el cimmerio. Como ya hicimos con el tono anterior, nos centraremos en la edición y muy especialmente en el contenido de la que es, sin duda, la edición definitiva de Conan.
Este Conan de Cimmeria nº 2/3 1934 mantiene las características del tomo anterior en lo que a la edición se refiere. Se presenta en una edición de tapa dura con sobrecubierta e incluye un estuche de cartón para guardar el tomo de 496 páginas, unas cien páginas menos que el tomo anterior, incluyendo también un marca páginas de tela
La ilustración de la sobrecubierta (donde predomina el azul frente al verde del tomo anterior) y que ocupa todo el estuche es nuevamente de Esteban Maroto. Sin embargo encontramos una gran diferencia con respecto al tomo anterior y es que en este, las ilustraciones interiores no son de Mark Schultz sino de Gary Gianni, quien precisamente acompañó a Mark Schultz (guionista) en Principe Valiente.
De gigantescas melancolías y gigantesca fuerza
Por lo que se refiere al contenido hay que señalar que a diferencia del tomo anterior, que reunía hasta 13 relatos de Robert E. Howard, este Conan de Cimmeria nº 2/3 1934 tan sólo contiene tres.
El primero de ellos es El pueblo del Círculo Negro, primera vez en la revista Weird Tales entre los meses de octubre y noviembre de 1934. De este Conan como caudillo de montañeses pasamos al Conan rey del segundo relato que encontramos, el que es considerado como la única novela (por su extensión) que Howard escribió sobre el personaje: La hora del dragón, publicado entre diciembre de 1935 y abril de 1936.
Por último, el tercer relato es el clásico y mítico (gracias a Marvel y a John Buscema) Nacerá una bruja, publicado también en Weird Tales en diciembre de 1934. Si alguien se pregunta el por qué de este salto, hay que decir que estos tomos recopilan los relatos de Howard por fecha de escritura y no por fecha de publicación. De ahí que La hora del dragón anteceda a Nacerá una bruja, porque fue escrito antes de este.
Los tres relatos son de sobra conocidos por los aficionados y han tenido sus respectivas adaptaciones al cómic tanto por parte de Marvelcomo de Dark Horse. Incluyo aquí, aunque no sea el tema de esta reseña, una de las páginas realizadas por el gran John Buscema en su adaptación deNacerá una bruja, icónica de por si y también gracias a la película Conan el Bárbaro de John Milius.
En todo caso, el orden de lectura de estos relatos no tiene porque ser el propuesto en la edición. Al igual que Robert E. Howard narró la vida del cimmerio tal y como le fue dictada desde el pasado hyborio (por lo menos eso contaba), el lector puede optar por leer los relatos en el orden que considere adecuado. Eso no afectará en nada a su lectura y se pueden disfrutar igual.
El tomo Conan de Cimmeria nº 2/3 1934 se completa con un Prefacio del propio Gary Gianni, una Introducción de Rusty Bruke (jefazo y presidente de la Robert E. Howard Fundation) y la ya imprescindible Miscelánea y Apéndices, con notas del autor sobre sus historias, sinopsis de los relatos y la continuación de La génesis de Hiboria por Patrice Louinet que ya teníamos en el tomo anterior.
En resumen, Conan de Cimmeria nº 2/3 1934 continua la fantástica edición de las historias de Conan, uno de los personajes más fascinantes de la historia. Los que no lo conozcan, o aquellos que tan solo tengan por referencia las películas y los cómics, tienen una gran oportunidad para acercarse a la obra original de Robert E. Howard. Los que ya son fans del cimmerio, no se pueden, no nos podemos perder esta nueva edición. Un saludo y sed felices, por Crom.
Muy buenas, os traigo la reseña del número dos de Laberintos, de Charles Burns, historietista e ilustrador estadounidense, célebre por sus cómics de terror de meticuloso estilo, con obras maestras como Agujero negro y Vista final.
Charles Burns
Laberintos, una obra 100% Charles Burns.
Los aficionados a la obra de Burns reconocerán inmediatamente el estilo del autor en su novela gráfica más autobiográfica hasta la fecha. Laberintos nos cuenta la historia de Brian, un joven con mucha imaginación y muy fan del cine de terror y la ciencia ficción, como La invasión de los ladrones de cuerpos de Don Siegel.
En Laberintos el autor nos lleva al difícil camino que supone la adolescencia y los primeros amores. Brian es un chico con un talento para el dibujo el cual utiliza para encerrarse en su mundo. Es un joven aislado socialmente hasta que conoce a una joven, Laurie, sintiéndose muy atraído por ella. Brian obnubilado con sus pensamientos y nuevos proyectos convence a Laurie para que participe en su nueva película de ciencia ficción, rodada en formato Super 8.
En este segundo número se profundiza en los pensamientos de Brian y de Laurie que tiene más protagonismo que en el anterior número.
Las visiones oníricas del joven protagonista no dejan de ser un reflejo de la triste realidad en la que vive, hijo de una madre alcohólica que esconde el vodka en casa, y enamorado en secreto de Laurie.
Laberintos nos habla de los miedos de enfrentarnos a la vida en la adolescencia, nos habla del amor, del fracaso, de la vida mismamente.
Pero Laberintos es mucho más, es ciencia ficción, es terror, es puro pulp. Y aquí el autor nos da pistas de sus gustos. Ya hablábamos de La invasión de los ladrones de cuerpos, pero también se atisba un gusto por Freddy Krueger y Pesadilla en Elm Street. Y es que Laberintos es un homenaje al cine de serie z.
Reservoir Books nos trae una edición de gran calidad y tamaño, con un diseño similar al de la edición francesa.
Todo hace indicar que no veremos la conclusión de Laberintos hasta el primer trimestre del 2024.
Tras las obras maestras Agujero negro y Vista final, llega el segundo tomo de Laberintos, la nueva e inquietante trilogía de tintes autobiográficos de Charles Burns.
«Me doy cuenta de que en mi trabajo surgen a menudo ciertas ideas una y otra vez, como la de que hay una segregación entre el mundo interior y el mundo exterior». Charles Burns
Para Brian y Laurie, respectivamente el joven cineasta atormentado y su nueva musa, ha llegado el momento de empezar a rodar. Toda la troupe acude a grabar las primeras escenas a una cabaña en medio del bosque. Pero apenas transcurren un par de sesiones y las tensiones ya van surgiendo en el seno del pequeño grupo aislado…
Aclamada como su particular versión del Retrato del artista adolescente, en su nueva serie Laberintos Charles Burns entrelaza sutilmente el cine y la vida real. El resultado es una novela gráfica que construye su narración en torno a la relación entre el inconsciente y su representación.
A la espera del siguiente volumen que cerrará la historia, un saludo y sed felices.
Bienvenidos un sábado domingo más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Spawn Edición integral XI. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Como lector estoy muy agradecido a Planeta Cómics por creer en Spawn, y por ende seguir con la publicación de esta magnífica serie empezada por el maestro Todd Mcfarlane en los años 90, en concreto en 1992. ¿Quién lo iba a imaginar?
Y es que Spawn, para los más nuevos que no sepan este dato, lleva ya publicados 340 números en Estados Unidos, sólo de la colección regular. Y eso sin contar los innumerables spin-off de series de personajes que se van sucediendo por la colección madre. Un éxito sin precedentes y de casi imposible réplica al tratarse de una colección fuera de Marvel y DC.
Spawn durante gran parte de los años 90 estuvo en el top de los cómics más vendidos a nivel mundial, aunque con la entrada del nuevo siglo, y algunas historias repetitivas, esa estrella se fue apagando. Pero en los últimos tiempos y con la llegada del número 300, la franquicia se ha ido de nuevo activando, como el Ave Fénix, para volver de nuevo al primer puesto de las listas americanas. Hasta tal punto ha sido esta nueva segunda juventud que el bueno de Todd McFarlane ha lanzado 3 nuevas series paralelas, de por ahora gran calada entre el gran público. Hablamos de Spawn Rey, de Spawn Scorched y de GunSlinger Spawn. Series que complementan a esta de Spawn y agrandan su universo.
Por tanto, si sigues leyendo los cómics más antiguos de Spawn (como este tomo) tienes que saber que la base sigue intacta, y además se irá agrandando en un futuro. Este intregal contiene cómics de 2008 y 2009, realmente no son tan antiguos, y el disfrute de leerlos es enorme.
¿Y porqué hablo de series que vendrán en un futuro, después del número 300, cuando este integral llega justo a los números anteriores al 200? Porque por ejemplo aquí se presenta a GunSlinger de manera mas profunda. Si, ya se que su primer cameo fue en el 119 de Spawn, y que empezó a tomar interés para su colección regular en el 309, que espero que podamos alcanzar alguna vez en estos integrales, pero aquí, en este integral es cuando empezó a ser relevante. Otro dato más para leer este Spawn edición integral XI.
Y es que te podrá gustar más o menos esta colección, pero es evidente que tiene de todo, y creo que además, con el tiempo, va evolucionando hasta convertirse décadas después en una de las series míticas del mercado americano e internacional. Lo mejor de Spawn es el microcosmos que se ha creado alrededor de los personajes. Mundos por arriba y por debajo, un universo que sigue existiendo por si mismo después de 300 números, y aquí en este tomo a punto de alcanzar el 200. Una maravilla oscura y gótica que parece no pasar de moda ni tener fin.
Y es que otra cosa a tener en cuenta es que este tomo tiene una gran saga, tanto en sentido argumental como de extensión llamada Endgame, donde en los guiones vuelve el mismísmo Todd McFarlane y a los lápices Whilce Portacio con ayuda del propio Todd. ¿Qué más podemos pedir?
En definitiva, que si eres fan de Spawn deberías seguir las aventuras actuales, donde Planeta ha dado un giro a sus publicaciones y está editando en tapa dura las 4 series que dije antes (incluyendo Spawn), y si además eres coleccionista de este engendro del demonio, los integrales son la mejor forma de entrar de lleno en este mundo de locura desde el principio.
En este undécimo integral llegamos a un final de etapa con sagas de renombre como FIN DEL JUEGO, a partir de la cual el universo Spawn será completamente diferente.
En 1992, el legendario guionista y dibujante Todd McFarlane creó a su icónico anti-héroe Spawn y el mundo fue testigo del cómic independiente americano más exitoso de la historia. Este integral prosigue la recuperación de las historias que cimentaron el legado de Spawn.
‘¡Shazam!: La furia de los dioses’ se estrenó ayer, cuatro años despues de una primera entrega que tan buenas críticas recogió (90% en Rotten tomatoes). De nuevo con David F. Sandberg al mando y todo el elenco de la cinta de 2019. ¿Estará esta secuela a la altura de la expectativas? Sí y no.
El primer filme contaba con un presupuesto reducido (100 millones) teniendo en cuenta los que se manejan en el género superheróico. Para esta secuela se ha aumentado a 125 millones de dólares y eso también ha afectado a la magnitud del guion, ya que en el de 2019 todo sucedida a menor escala: El enfrentamiento final se llevaba a cabo en una pequeña feria.
‘Shazam’ fue una cinta navideña ‘family friendly’ con mucho corazón que nos introducía a un Billy Batson tratando de encontrar a su madre mientras pasaba por diferentes casas de acogida. Reconozco que fue una película que me funcionó muy bien, sobre todo por el corazón que poseía el guion y el humor tan bien introducido a lo largo del metraje.
Esta segunda entrega ha decidido tirar de billetera y abandonar la posición de ‘película pequeña’ que tuvo la primera y lo hace relativamente bien, ya que los efectos especiales funcionan bien en muchas ocasiones, aunque haya algún que otro chroma o animación de ciertas criaturas que se note peor realizado. Y esto ayuda a que las escenas de acción luzcan bien en la mayoría de las ocasiones.
Lo que hizo grande a ‘Shazam’ de 2019 fue ese drama, muy bien contado, de Billy en busca del paradero de su madre y como acaba encontrando una familia. Aquí dicha familia sigue siendo el leitmotiv de la cinta pero pierde demasiada fuerza para dar paso a la acción y a mucho Shazam y poco Billy Batson.
Quizás reduciendo ciertas escenas que no han aportado muchos, se podía haber exprimido más esa vertiente del guion para que todo el acto final hubiese sido aún más emotivo.
La trama no es una maravilla ni contiene diálogos potentes al más puro estilo de Aaron Sorkin y por momentos nos propone ciertas situaciones que no funcionan del todo y que hacen que la cinta tenga un comienzo brutal y final acorde pero que se desinfla en el medio.
‘¡Shazam!: La furia de los dioses’ me parece inferior a su predecesora aunque es muy disfrutable como película de evasión palomitera para pasar un buen rato en la sala de cine. Además, la primera entrega poseía un villano increíblemente interpretado por Mark Strong, aquí Lucy Liu y Helen Mirren son demasiado genéricas y no llegan a ser memorables.
Quizás ya esté un poco harto de motivaciones banales como conquistar el mundo y la venganza cuando no se saben plasmar en el guion de una manera diferente. La trama se apoya demasiado en clichés que la lastran demasiado y que llegan a aburrir.
La historia de la amor entre Freddy y Ann, aunque cliché, funciona bien y son ese tipo de subtramas las que hubieran hecho grande a la cinta. Al igual que el miedo de Billy a verse obligado a abandonar el hogar de acogida que se ha convertido en su casa. Pero no se explotan. Ahí estaba el corazón de ‘¡Shazam!: La furia de los dioses’.
Conclusión
‘¡Shazam!: La furia de los dioses’ es una cinta que aprueba, aunque no con demasiada nota, ya que no ha conseguido igual a su predecesora en ningún aspecto.
Aunque es más épica, ha perdido parte de ese encanto que en 2019 nos conquistó a todos, además de perder ese humor que nos hacía sonreír, creo que solo un par de chistes me han funcionado de todos los que hay en la cinta.
No es la peor de DC, pero podría haberse mejorado más con un guion que la hiciese crecer más allá de los efectos especiales y toda la destrucción que asola Philadelphia.
He echado de menos a Asher Angel en esta secuela, ya que su presencia es casi un mero cameo que hace perder fuerza a su personaje. Y no me ha funcionado el cambio de actitud entre el Billy Batson adolescente y el superhéroe, ya en la primera entrega resultaba chirriante, pero aquí ya es demasiado inverosímil.
Una cinta entretenida que (si no se le pide demasiado) va a manteneros dos horas muy entretenidos en la sala de cine.
Me ha sorprendido el cameo de Wonder Woman de Gal Gadot, ya que su primera escena en el restaurante, evitando mostrar su rostro me ha llegado a enfadar y me ha recordado al Superman sin cabeza de la primera. Muy divertida toda la escena del entierro y me ha gustado volver a ver la actriz israelí embutida en el papel de Diana Prince.
La primera escena post-créditos de ‘Shazam: La furia de los Dioses’ puedo casi asegurar que ha sido organizada por James Gunn, ya que nos asegura que este personaje tendrá continuidad gracias a la aparición de estos dos personajes de Peacemaker.
Ojala veamos la tercera entrega con Mark Strong de vuelta.
Apple TV+ sigue engordando su pequeño catálogo con series y películas a cuentagotas. Uno de sus últimos estrenos es Embaucadores, película que vamos a analizar en este artículo.
Embaucadores es una película coral en la que se abordan distintas tramas interrelacionadas por sus personajes y con un punto en común: la estafa. Todo comienza con el encuentro entre Tom, un joven que ha abierto una librería con el apoyo financiero de un padre millonario y con algún que otro trapo sucio, junto con Sandy, una chica interesada en comprar un libro. A partir de ahí, se tejen distintas historias en las que un personaje secundario se convierte en el protagonista de la siguiente.
La película cuenta con un reparto potente encabezado por Julianne Moore, ganadora del Oscar por Siempre Alice y protagonista de películas como Magnolia, Lejos del cielo o Kingsman: el círculo dorado; Sebastian Stan, nuestro Soldado de Invierno en el Universo Cinematográfico de Marvel y actor en películas como Fresh o Yo, Tonya; o John Lithgow, uno de los grandes villanos del cine de los 90 y, entre otros, actor en la mítica serie Dexter.
El director de esta Embaucadores es Benjamin Caron, reputado director que se estrena con este largometraje aunque ha dirigido varios capítulos de series de televisión. Suyos son algunos episodios de Wallander, la serie del detective dirigida por Kenneth Branagh; The Crown, Sherlock (el último capítulo de toda la serie le pertenece) o Andor, la serie infravalorada de Star Wars.
Es decir que Caron ya ha manejado antes tramas de suspense como la que dirige en Embaucadores. Solo que este suspense es algo particular. El subgénero de estafadores, con alguna que otra obra maestra en la historia del cine, es amado por el espectador porque, a la vez que algunos personajes son estafados, nosotros también somos engañados por los carismáticos timadores protagonistas.
Se establece así un juego entre la película y el espectador en el que este último se entrega al engaño como el asistente a un espectáculo de magia. Sin excepción, las grandes películas de estafadores se caracterizan por los continuos giros argumentales in crescendo que explotan en el tercio final. Es el modelo que siguen clásicos como El golpe, Casa de juegos o Nueve reinas.
¿Qué aporta de novedad Embaucadores?
En principio, lo que más llama la atención de la película es su estructura episódica. En Embaucadores no asistiremos a una única estafa, sino a múltiples de ellas situadas en cada uno de los capítulos, que son protagonizados por personajes que aparecen en el episodio anterior.
Y esto es la principal virtud y, a la vez, el defecto de la película.
Virtud porque la interrelación entre las distintas historias nos da las mayores sorpresas del largometraje, centradas en el papel de los personajes protagonistas, entre los que encontramos a actores más conocidos como Julianne Moore, Sebastian Stan o John Litgow que se entremezclan con jóvenes promesas como Justice Smith o Briana Middleton.
Y defecto porque, aunque entramos de lleno en la primera estafa, con cada episodio nos percatamos de que la tónica se va a mantener, lo que resta sorpresa. Es decir, que Embaucadores es una película previsible, que es lo peor que se puede decir de una trama de estafadores. Al final, acabamos por esperarnos hasta lo inesperado y, con mucha probabilidad, acertaremos. Y tampoco es que las historias sean sorprendentes… hasta se repiten conceptos ya vistos en algunas de las obras maestras del subgénero.
Por lo demás, la película está construida de forma correcta, contenida, sin alardes. Se aprecia cierta elegancia en la estética y en la música. Las interpretaciones no son memorables, pero tampoco malas. Los más famosos Julianne Moore, Sebastian Stan y John Lithgow cumplen de forma profesional, pero no se les recordará por Embaucadores. Los jóvenes se esfuerzan más y se nota.
En definitiva, Embaucadores no será la película del año, pero al menos cumple en su propósito de darnos un rato de entretenimiento sin alardes, un par de horas de despistes y estafas que acaba pecando de previsibilidad por lo repetitivo de sus episodios y, para aquellos más aficionados al cine de estafas, por lo poco original de su propuesta.
