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¿Ricardo Darín será El Eternauta de Netflix? El Rumor es Fuerte

En las últimas horas y desde la noche de los Oscar, se ha ido instalando el rumor de que Ricardo Darín podría ser el elegido de Netflix para interpretar a Juan Salvo en la serie que adaptará El Eternauta. Te contamos qué se sabe y qué dijo el actor…

Desde que allá por principios de 2020 Netflix diera a conocer su proyecto de llevar a la pantalla y a formato de serie el legendario cómic El Eternauta (aquí el artículo que publicamos en su momento), las noticias fueron llegando con cuentagotas y en medio de un gran hermetismo.

El Eternauta3

En el medio, claro, pasó la pandemia y no es poca cosa, sumado a las crecientes dificultades económicas de Netflix cuya situación actual no es hoy la misma de tres años atrás (aunque repuntando en los últimos meses).

Sin embargo y a pesar de los temores de cancelación prematura, el proyecto siempre se mantuvo en pie e incluso hace unos seis meses un supuesto e impactante cartel promocional revolucionó las redes y reavivó las expectativas de que se venía la adaptación (aquí el artículo). Si bien desde la empresa dijeron en ese momento que el mismo no era oficial, tampoco agregaron mucho al respecto y ello hizo pensar que, oficial o no, bien pudo tratarse de una estrategia de marketing.

Mucho se ha especulado en todo este tiempo, además, acerca de quién sería el actor que daría vida a Juan Salvo, el personaje de la inmortal obra de H.G. Oesterheld y Francisco Solano López. Se había hablado, entre otros, de Rodrigo de la Serna, quien goza de cierto nombre internacional por haber interpretado a Palermo en la exitosa serie La Casa de Papel. También se habló, y con mucha más fuerza, de Federico D’Elía, actor argentino que ha protagonizado la exitosa serie local Los Simuladores y que tiene gran parecido físico con el personaje de las viñetas.

Sin embargo, en las últimas horas, una verdadera bomba se ha instalado y es que el elegido de Netflix sería Ricardo Darín. El rumor comenzó a circular off the record en la noche misma de entrega de los últimos premios Oscar, ya que salió, al parecer, de la propia comitiva argentina que en dicha ceremonia representó al filme Argentina 1985 que, recordemos, estuvo nominado como mejor película internacional (aquí la crítica de un servidor).

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Con el correr de las horas, sin embargo, el rumor fue cobrando cada vez más fuerza; ello se debe en parte a que una de las empresas involucradas es K & S, productora que ha sido responsable de muchos de los filmes protagonizados por Darín. Además, hay quienes especulan con que su participación en la serie no se limitaría solo a lo actoral, ya que el actor tiene, junto a su hijo, su propia productora Kenya Films, responsable justamente de Argentina 1985.

Consultado al respecto, el actor no confirmó pero tampoco descartó. “Nada confirmado aún. No puedo hablar hasta ese momento”, fue lo que manifestó y que bien podría ser entendido como que existen negociaciones, pero no todavía un contrato firmado.

De confirmarse la noticia, sería un importante golpe publicitario para Netflix al momento de promocionar la serie ya que la idea es lanzarla para todo el mundo y Darín es, precisamente, el actor argentino más conocido internacionalmente, gracias a éxitos como Nueve Reinas, El Hijo de la Novia, El Secreto de sus Ojos, Relatos Salvajes y la ya mencionada Argentina 1985. De esos cinco filmes, cuatro fueron nominados al Oscar como mejor película extranjera y uno se lo llevó, en tanto que el restante ha sido éxito de taquilla en Estados Unidos y reversionado por Hollywood.

El Eternauta, recordemos, es una historia escrita en los años cincuenta y ambientada en una Buenos Aires devastada por una nevada mortal y una invasión alienígena ante la cual los sobrevivientes intentan construir una resistencia. Recientemente ha sido relanzada en España por Planeta Cómic (aquí el artículo de mi compañero Juanjo para nuestra sección El Cómic de la Semana) y ello crearía también un contexto ideal. En Italia, recordemos, goza de altísima popularidad aún al día de hoy.

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En fin, solo nos queda esperar, pero lo bueno del asunto es que el proyecto de El Eternauta sigue en pie y de confirmarse lo de Darín, sería un plus para atraer incluso a públicos que no estén emparentados con el cómic o no sepan de su existencia. Yo sigo insistiendo en que me gustaría que, aunque sea para papeles menores, Netflix lograra convocar a Viggo Mortensen o a Anya Taylor-Joy, ya que ambos han pasado su adolescencia en Argentina y hablan español con perfecto acento local, pero bueno, habría qué ver cuáles son las posibilidades económicas de Netflix hoy en día.

Mientras tanto, ¿cómo lo ven a Darín para Juan Salvo? Hasta pronto y sean felices…

Análisis de Superman & Lois. Temporada 3. Episodio 1. Más cerca

Bienvenidos a una nueva temporada de Superman & Lois, la tercera, ya disponible en HBO Max. Han pasado 27 días desde que Clark construyó una nueva Fortaleza de la Soledad en medio del océano para compartir con su familia. Lana Lang se afianza en su papel de alcaldesa de Smallville y Clark comienza a trabajar para el Smallville Gazette, mientras que el general Sam Lane cerró las minas de kryptonita X para evitar que volviera a caer en malas manos.

Mientras, inquieta como siempre, Lois está decidida a investigar a Bruno Mannheim y su estatus como líder del sindicato del crimen global Intergang. Jordan, por su parte, sigue entrenando con su padre y Jon intenta seguir con su vida de “adolescente normal” sacándose el carnet de conducir.

Enlace a los análisis anteriores de Superman & Lois.

Mientras habla con Darlene Irons, la hermana de John Henry en este mundo, Lois descubre que puede estar embarazada y comparte esa gran noticia que podría cambiar su vida con Clark al regresar a la granja. Clark y Lois  se lo cuentan luego a John y Lana, a quien Lois admite que está emocionada ante la perspectiva de volver a ser madre.

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Lois no sabe qué pensar sobre su posible embarazo

En otro orden de cosas, Sam Lane se interesa por pasar tiempo con Natalie Irons (su nieta en otra tierra), pero la chica se molesta bastante ya que el fin último del soldado es reclutarla para un programa del Departamento de Defensa.

Jordan pone en peligro un rescate de Superman por lo que su padre reprende al joven por ponerse en peligro a sí mismo y a los demás al actuar imprudentemente sin controlar del todo sus poderes. Pero no es el único problema de Jordan ya que Sarah sigue insistiendo en ser solo su amiga a pesar de conocer el secreto de sus poderes y de que él quiera algo más.

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Jordan usando sus poderes para intentar salvar la situación

En Smallville surgen nuevos problemas para la alcaldesa al descubrirse que el instituto local está lleno de moho negro y habrá que gastarse un montón de dinero en solucionar el problema. Lana hace malabares con las ruinosas y caóticas cuentas de la ciudad que le dejó su antecesor, pero logra reasignar una partida para acabar con el moho. Aunque el ex-alcalde George Dean le advierte que es peligroso mover ese dinero de donde estaba.

Pero siempre hay un momento para la alegría en Smallville y más si es el cumpleaños de Jonathan y Jordan, que la familia Kent celebra con una gran fiesta al aire libre en su granja a la que parece invitada toda la ciudad.

En dicha fiesta van pasando varias cosas, como un acercamiento entre Kyle Cushing y Chrissy Beppo que acaba en una noche de pasión, aunque Lana casi tropieza con Chrissy a la mañana siguiente cuando va a casa de Kyle para darle sus papeles de divorcio firmados… un acto que la periodista presencia en silencio fuera de la vista.

También vemos a Jonathan alternar con sus amigos y a Jordan aceptar la situación en la que está su relación con Sarah. El momento cumbre es la proyección de un video de la familia Kent a lo largo de los años, imágenes que acaban de convencer a Clark de que sí estaría bien tener otro hijo.

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Jonathan con sus amigos

Pero ya sabemos que la alegría nunca es completa así que nuestro héroe tiene que marcharse cuando un Atom-Man con poderes ataca Metrópolis (es el personaje que se enfrentó a Superman y Lois en sus inicios en el capítulo 1×11). Cuando parece que el villano va a derrotar a nuestro héroe, es asesinado por un asaltante invisible que le dispara pero sin que haya balas.

Antes de que Superman pueda seguir investigando aparece un nuevo personaje, Onomatopeya, que con su capacidad para manipular el sonido distrae al Hombre de Acero para desaparecer con el cadáver de Atom-Man.

Finalmente, Darlene llama a Lois para decirle que, para decepción suya y de Clark, no está embarazada.  Pero sufre síntomas inexplicables que requieren más pruebas médicas, Y en un laboratorio secreto, Bruno Mannheim y Onomatopeya supervisan a unos científicos que, haciendo experimentos con el cuerpo de Atom-Man, logran revivirlo.

Valoración del episodio

Después de conocer cómo los protagonistas se amoldan a sus nuevas situaciones, vamos a ver en este capítulo varios momentos de aprendizaje que hacen que los protagonistas vayan creciendo poco a poco de la manera en que la serie lo ha logrado hacer en sus mejores momentos.

El primero de ellos es Jordan, que pasa de la felicidad de entrenarse con su padre a la frustración de no poder ayudarlo en la batalla del final.  Aunque parezca no gustarle, acepta las ordenes de Superman de no intervenir hasta que no esté preparado. Eso, unido a cómo acepta que Sarah solo quiera ser su amiga (bueno, tampoco es que tenga demasiadas opciones, pero ya me entendéis), puede sentar las bases del crecimiento de un personaje que es uno de los más sosos de la serie. A ver si poco a poco empieza a espabilar y quitar esa cara de pánfilo que tiene.

Otro personaje que también aprende algo es Sam Lane, un hombre duro que no sabe tratar bien a las personas, pero que parece sincero cuando se acerca de verdad a Natalie disculpándose por intentar reclutarla.

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Superman contra Atom-Man

En cuanto al futuro de la temporada, se nos presentan varias tramas. La primera de ellas es la situación de la alcaldía de Smallville, en la que está clarísimo que hay algo turbio en esos fondos que el ex-alcalde no quiere que se muevan.

El villano principal parece que será Bruno Mannheim, líder Intergang, y habrá que estar atentos a lo que quiere conseguir con esos experimentos que vemos al final de capítulo. Mención aparte merece la aparición de Onomatopeya como su lugarteniente. Es un personaje creado por Kevin Smith en su etapa al frente de la colección de Green Arrow, aunque su versión en esta serie es bastante más terrorífica y tiene poderes metahumanos que parecen otorgados por Bruno Mannheim.

Otro punto de interés es el de quién dispara a Atom-Man. ¿Es el propio Onomatopeya o hay algún otro jugador oculto?

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El inquietante Onomatopeya

También parece que será muy importante la investigación de Lois sobre el John Henry de esta tierra.  Según cuenta su hermana, antes de morir fue un soldado que vendió armas y tecnología a Intergang y a Lex Luthor, cambiando totalmente su manera de ser según una Darlene que no entiende cómo pudo traicionar a su país. Está claro que esta historia esconde muchas cosas. Y ojo a la mención a Lex Luthor ya que está confirmado que veremos al carismático villano en esta temporada.

Hasta aquí todo lo positivo, que es mucho y bueno. Pero también hay algunas cosas que me han chirriado bastante. Lo primero es lo de siempre. Qué cansinos que son los guionistas con los Cushing. Sarah sigue pareciéndome una niñata malcriada que después de decir que solo quiere ser amiga de Jordan, al final acaba poniéndole ojitos. Va a volver loco al chaval.

Y eso de liar la relación de Lana y Kyle añadiendo a Chrissy me parece de culebrón y de una falta de imaginación desbordante. Parece que hay que liar a todos los personajes con alguien.

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Darlene Irons apunta a ser un personaje importante en esta temporada

En cuanto al polémico asunto  del recast del personaje de Jonathan poco hay que decir. El actor encargado de darle vida a partir de ahora, Michael Bishop, hace un trabajo correcto, aunque tengo que decir que Jordan Elsass había logrado hacer suyo al personaje y ser uno de los más carismáticos de la serie. Es una pena que unos problemas mentales hayan apartado al actor de la serie. De todas maneras, parece que los responsables siguen sin saber muy bien qué hacer con Jonathan en contraposición con su poderoso hermano.

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Michael Bishop/Jordan Elsass

En resumen, la temporada 3 de Superman y Lois comienza con buen pie, volviendo a mezclar con acierto el drama familiar (genial la forma de tratar todo el tema del posible embarazo) y la historia de superhéroes, logrando mantener  de momento al mínimo el drama juvenil. Sería deseable que se dejaran de tramas amorosas de culebrón, pero bueno, al menos se presentan nuevas tramas y villanos que prometen emociones fuertes.

Análisis de The Mandalorian. Temporada 3. Capítulo 3

The Mandalorian nos trae el capítulo más largo de esta hornada, de alrededor de una hora, en el que veremos cómo Din Djarin se reconcilia con su tribu. Pero, a pesar del nombre de esta serie, el personaje principal apenas aparece durante este episodio, y el protagonismo recae en un secundario que hasta ahora no nos había importado nada. Sin embargo, esto no resulta tan disruptivo como en El Libro de Boba Fett, y la subtrama probablemente tendrá su importancia dentro de los desarrollos que la serie ha ido introduciendo durante sus dos primeras temporadas.

The Mandalorian… más o menos

Din Djarin, que ha conseguido bañarse en las aguas de Mandalore, regresa junto a su secta, dispuesto a demostrar su valía y a revelar a su pueblo que su mundo natal es habitable. Junto a su aliada Bo-Katan, se encontrará con varias sorpresas, la primera de ellas en forma de naves imperiales que intentarán acabar con ellos. Pero esto no es tan impactante como la reacción de su líder a la antigua miembro de la Guardia de la Muerte.

The Mandalorian

Mientras tanto, en Coruscant, el científico al que vimos extraer células de Grogu está en un programa de rehabilitación que le permite usar sus talentos para el bien de la Nueva República. Sin embargo, la paz que parece haber conseguido se ve interrumpida por la idea de que podría retomar su vieja investigación. Por una buena causa, por supuesto.

Todo lo que siempre quiso saber sobre la Nueva República (y nunca se atrevió a preguntar)

Este capítulo ha resultado ser toda una sorpresa: después de unos episodios disfrutables pero continuistas dentro del tono establecido por la serie, esta entrega decide centrarse en la vida cotidiana de la República, retomando el fascinante escenario de Coruscant que conocimos en las precuelas y presentando en muy poco tiempo a un protagonista con el que resulta muy fácil empatizar.

Eso es lo que hace el episodio: humanizar a los imperiales y hacer más grande la galaxia de Star Wars, echando un vistazo a la actitud de las élites ante los renegados del Imperio. Habría sido sencillo sustituir este capítulo por media hora de Mando dando espadazos contra enemigos de cualquier tipo y explicar luego en una frase cómo Moff Gideon consiguió el material científico que parece estar buscando, pero en su lugar se nos ha ofrecido una historia muy interesante y un ejercicio encomiable de construcción de mundos.

The Mandalorian

El capítulo muestra las luces y las sombras de la Nueva República, incidiendo en un tema que el denostado episodio VIII mostró: las élites de la Galaxia y su indiferencia ante los sistemas políticos. Pero esto es solo el telón de fondo para una historia desgarradora que, igual que las aventuras de Mando beben del cine de samuráis, coquetea con el género negro. Tenemos a un protagonista taciturno y traumatizado, bajos fondos, un macguffin y hasta una femme fatale. Solo que esta, en vez de querer hacerse rica vendiendo cuadros o cobrando el dinero del seguro tras un asesinato, busca una herramienta para facilitar el regreso del Imperio.

Esta historia, que no tendría mucho sentido en Tatooine o en Hoth, se beneficia del planeta-ciudad de Coruscant, que teníamos ganas de ver después de tantos escenarios repetitivos. Con un final pesimista, consigue presentar de manera muy eficaz la amenaza a batir, y esperamos que Mando consiga vengar a este pobre científico cuyos crímenes han sido perdonados a cambio de colaborar con los vencedores y que, después de todo, solo estaba siguiendo órdenes. Eh, espera un momento

Conclusión

Podríamos haber hablado de cómo Mando ha reclamado su honor como mandaloriano, o de cómo Bo-Katan se encontrará con la dificultad de integrarse en una sociedad tan rígida como la de Din Djarin, o de cómo el adorable bebé Yoda de las primeras temporadas apenas hace nada y parece haber sido incluido en este arco exclusivamente para vender muñecos. Pero esta desviación de la trama principal ha sido tan osada y tan excelente que eclipsa todo lo demás.

Frente al spin-off de Boba Fett (o, peor aún, la serie de Obi-Wan Kenobi), este episodio demuestra que se siguen pudiendo hacer cosas interesantes con una franquicia tan desgastada como La guerra de las galaxias. Por lo visto, Andor también sigue este camino, y me alegra que la franquicia permita historias tan dispares entre sí. Sin duda, veré el capítulo de la semana que viene con más entusiasmo.

Oda a RRR (2022), el pepinazo del año.

No sé a vosotros pero, cuando pasan los Oscars, a mí me entran las ganas de tragarme todas las películas nominadas que no he podido ver. Es la cosa de vivir en una ciudad pequeña, que no he tenido la oportunidad de ver La ballena o Tar. Y mirad que soy un gran fan de ir al cine, pero jamás podía esperar que una de las mejores películas del año pasado me la ofreciera Netflix. Hablo de RRR, un verdadero pepinazo de película a la que le voy a dedicar no ya una crítica, sino un tributo, una oda.

Nuestro repaso a los Oscar 2023

Pero primero, situémonos. RRR es una producción india de Netflix. Es decir, una película perteneciente a Bollywood, todo un mundo cinematográfico, con sus propias reglas y códigos independientes del cine occidental. Además, con una taquilla tan potente como la americana.

En sí, RRR cuenta la historia de dos grandes líderes de la independencia india durante la ocupación británica en los años 20 del siglo XX.

Pero claro, lo que producido por la BBC sería un drama colonial con interpretaciones teatrales y una gran contención o un espectáculo repleto de aventuras para todos los públicos si fuera de Disney aquí está producido por Bollywood. Y, visto lo visto, viva Bollywood.

Porque RRR es un auténtico despiporre. A todos los niveles.

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Empezando por su título, que es una anagrama de Rise, Roar, Revolt. Resurgir, rugir y rebelarse. Sin ningún tipo de complejos, como las tres horas que dura la película.

En principio, los dos protagonistas son dos figuras reales, dos leyendas de la independencia india del Raj británico, Bheem y A. Rama Raju. Pero claro, hablamos de RRR. La escena de presentación de Bheem es dándose puñetazos con un tigre de bengala. La de Raju, enfrentándose él solo a una multitud de cientos de personas con la única ayuda de una porra.

Excesiva desde el principio, la película podría ser considerarse hasta políticamente incorrecta según la mire. Los indios son todos buenísimas personas, mientras que no hay un solo británico (de hecho, solo hay una británica) que se libre de la quema en RRR. Pero es que da igual, uno solo asiste a escena tras escena con la boca cada vez más abierta, alucinando de lo muy en serio que se toma el no tomarse nada en serio.

En RRR encontramos impresionantes rescates de niños en ríos, asaltos a una cárcel, persecuciones por la ciudad o flagelaciones. Parece mentira que “solo” haya costado 72 millones de dólares, porque el acabado de sus escenas es de películas de más de 200 millones. Más espectacular que Top Gun: Maverick o Avatar: The way of wáter. Hasta James Cameron dijo que la había visto tres veces y admiraba su calidad.

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Con tanta escena espectacular y una duración de tres horas, se podría pensar en momentos valle que alarguen en exceso la película, que nos hagan mirar el móvil o el reloj. ¡Nada de nada! El director de RRR, amparado en los códigos de Bollywood, solo busca dar el todo por el todo. Todo sirve, todo se acumula y todo funciona.

El mejor ejemplo de esto y una de las muchas escenas espectaculares de la película es la conocida escena de Naatu Naatu, flamante ganadora del Oscar a mejor canción original.

En una historia dramática y espectacular con abundantes escenas de acción y en la que se construye una historia de amistad masculina sin tapujos y que puede chocar al espectador occidental, de repente nos regalan un número musical, un duelo de baile impresionante que te saca de la película para que alucines con lo que estás viendo y que regreses a ella con más fuerza que antes. La presencia de canciones es una constante en RRR, a lo Disney, pero una cosa es eso y otra la rompedora introducción de un número musical en mitad de una película histórica. Desde ya, la mejor escena de 2022.

En definitiva, RRR es la película que uno debería desear ver en el cine. Una joya del cine de acción que acumula elemento tras elemento, asaltándonos con un espectáculo irrefrenable que no satura sino que llena como pocos blockbusters han hecho en los últimos años. Qué os voy a decir, RRR es un auténtico pepinazo que merece toda clase de reconocimiento y que, si te entregas a un sentido de la narrativa alejado del habitual americano, quedará en tu memoria por mucho tiempo.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Novedades de ECC Ediciones de junio de 2023

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos las novedades de ECC Ediciones para el mes de junio de 2023.

Llega el momento de compartir los lanzamientos previstos para junio. Ante el inminente estreno de la película, calentaremos motores con la edición integral de la épica saga Flashpoint escrita por Geoff Johns y dibujada por Andy Kubert, y celebraremos el mes de la diversidad LGTBQ+ con la antología Orgullo 2023.

En ECC Manga os presentamos hasta cuatro nuevas licencias. A la cabeza de todas, Junji Ito y El pueblo del éter, la esperada temporada 2 de El umbral de lo siniestro. Al que se suman los tomos únicos Hinatsugi, el pueblo de las muñecas y Cautivado por ti, así como el inicio de Suzuki solo quiere vivir tranquila.

Seguimos ampliando el catálogo DC Young Adult en el sello Kodomo con la recuperación de Harley Quinn: Cristales rotos y también el sello ECC Cómics con dos debuts: Odio este sitio, el nuevo título made in Skybound y Mañana. Y nos despedimos con Salitre, la historia de dos hermanos cuyo destino estará marcado por una importante decisión que cambiará sus vidas.

Un saludo y sed felices.

VERKAMI – Sombras de Aokigahara. Leviathan Labs. Fecha límite 9 de abril de 2023.

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Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros un nuevo crowdfunding, de la plataforma Verkami. Hoy os presentamos un muy interesante proyecto: Sombras de Aokigahara. Editado por Leviathan Labs.

Sombras de Aokigahara

Existen lugares a lo largo y ancho de nuestro planeta, que parecen estar marcados por la tragedia, lo oscuro, incluso lo sobrenatural… Y están muy cerca de nosotros. Demasiado cerca.

Uno de ellos es el Bosque de Aokigahara, un mar de verdor situado a los pies del Monte Fujiyama, y que se ha convertido, con el tiempo, en una auténtica leyenda tétrica, ya que entre sus árboles se ha cometido innumerables suicidios.

Un paraje como este es el caldo de cultivo perfecto para que, en el mundo de la ficción, concretamente, el Cómic, se puedan crear historias que se desarrollen en el lugar.

Aokigahara

Dicho y hecho, el guionista José Luis Vidal se embarca junto a cinco talento de las viñetas, Arianna Calabretta, Pauli Junquera, Cen, Francisco Asencio y Fran Mariscal en un viaje a través del tiempo, en el que en diferentes épocas vamos a acompañar a una serie de personajes, cuyas vidas tomarán un rumbo inesperado en el momento en el pongan el pie en el sombrío bosque.

Aokigahara

Un joven y tímido scout, un aviador en la Segunda Guerra Mundial, una adorable anciana a la que todos los niños quieren, el peculiar trío que componen el equipo técnico de un programa basura y, finalmente, un yakuza que ha traicionado la confianza del que hasta ahora ha sido como un padre para él…

Aokigahara

Estos son, a grandes rasgos, los protagonistas de los relatos de este volumen que lleva por título Sombras de Aokigahara.

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El proyecto, que será publicado por la editorial Leviathan Labs, busca la financiación necesaria a través de una campaña de crowdfunding en la exitosa plataforma Verkami, en la que, ofreciendo diferentes y atractivas recompensas se pretende alcanzar el presupuesto necesario para la edición y el pago los autores.

Pinchad aquí para acceder a toda la información del proyecto en Verkami

 

Este proyecto merece ver la luz. Por trabajo, por ganas, por ilusión, por calidad de sus autores (nuestros autores).

¡Tenemos hasta el 9 de abril para hacerlo!

¡No esperéis al último momento.!

Como siempre, os deseo …

¡Que seáis Felices!

Análisis de Perry Mason. Temporada 2. Episodio 2: Capítulo 10

Bienvenidos a un nuevo análisis de Perry Mason. Tras el episodio anterior, los acontecimientos se precipitan. Entramos de lleno en el caso principal de esta segunda temporada y ya se ve que Perry lo pasará mal. Vamos con el enlace de episodios anteriores y al lío.

Directos al grano

Los primeros minutos del episodio nos muestran a Brooks McCutcheon (Tommy Dewey) muerto en su coche y la detención a toda mecha de los hermanos Gallardo, principales acusados del asesinato. En su poder se ha encontrado una moneda de oro que el difunto siempre llevaba encima. Hamilton Burger (Justin Kirk) anuncia que se hará justicia y que se ayudante principal, Thomas Milligan (Mark O’Brien) llevará el caso. Parece que por el momento no tendremos un clásico enfrentamiento Mason vs. Burger.

El que parece que tendrá más protagonismo de lo esperado es Sunny Grace, esa suerte de Juan Roig interpretado por Sean Astin que pretende abrir un supermercado en cada barrio de la ciudad (siempre precios bajos, amigos). Perry y Della siguen siendo sus abogados y verán en él una fuente de ingresos estable para financiarse mientras llevan el caso de los Gallardo de gratis.

Perry y Della

El peso de Emily Dobson no sólo recae sobre Perry Mason en forma de fracaso sino también como un éxito. Mason es visto como el defensor de los desheredados, el defensor de aquellos en los que nadie cree, el defensor enfrentado al sistema. A él acuden la tía de los Gallardo y la mujer de uno de ellos, porque Perry Mason es quien salvó a Emily Dobson de la horca para que acabase suicidándose.

Porque si, porque Perry Mason sucumbirá y aceptará el caso. No es ningún spoiler. Ya lo sabíamos. El tipo tiene alma de boy scout y más cuando se huele que no cuadran las cosas. Alertado por Strickland de que el asesinato no se produjo a quemarropa, Perry se convertirá en un antecesor de Grissom para determinar que los hermanos no pudieron matar a Brooks a distancia, calculando altura y ángulo del disparo de forma artesanal pero efectiva.

Mientras Mason investiga por su cuenta, Della parece haber asumido el caso cuando ya negocia con Hamilton en una velada a la que acude como acompañante. Es significativo que tanto ella como él se vean obligados a esconder sus preferencias sexuales, lo que queda patente en la frase de la mujer de Mateo Gallardo, que le dice que lo tiene fácil porque puede permitirse ser ella misma, cosa que sabemos falsa.

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Nuevos personajes

Aparecen en este episodio nuevos personajes que se añaden al reparto. Uno es un viejo conocido al que vimos la temporada anterior y en el pasado episodio, el detective Holcomb (Eric Lange), corrupto hasta la médula y socio de Brooks McCutcheon en ese casino flotante en aguas internacionales, libre de impuestos. En este episodio Mason se salva gracias a una buena treta pero seguro que aparece de nuevo en próximos episodios.

En la velada de la alta sociedad conocemos a la anfitriona, Camilla Nygaard (interpretada por Hope Davis), personaje inspirado en la magnate del petróleo Emma Summers, una mujer con una fuerte personalidad, emponderada para la época en la que vive y que quizás sirva de inspiración a Della.

Por último vemos como la ex-mujer de Perry parece que le ha perdonado su pasado de detective alcohólico ahora que es un respetado abogado y juntos acuden a conocer a la profesora del hijo de Perry, la señorita Ginny Aimes, interpretada por Katherine Waterston. No se qué papel tendrá. ¿Un futuro romance con Perry? Parece que entre ellos puede haber algo y además, no fichas a Katherine Waterston sólo para un cameo.

Katherine Waterston

Perry vs. El Sistema

Perry Mason no lo tendrá fácil. Ya se ha visto en la vista para fijar la fianza que el juez no está precisamente de su parte. Tampoco el resto de la sociedad, que veía a Brooks como uno de sus puntales y a su padre como un pilar. Lo que no sabe la sociedad (como de costumbre) es que Brooks estaba prácticamente en la bancarrota, que su casino flotante hacía aguas por todos lados (literal y figuradamente) y que había sido citado por el Gran Jurado, esa misteriosa y fascinante institución americana.

La muerte de Brooks McCutcheon le ha venido muy bien a más de uno y sospecho que a su padre el primero, quien parece dejar una nota con un número de teléfono entre sus pertenencias incautadas a modo de cebo para quien lo encuentre. De igual modo, la muerte de Brooks está relacionada con la muerte de un tal Goldstein, cuyas cajas de productos frescos y no tan frescos aparecen por lo menos un par de veces en el episodio. La primera en el supermercado de Sunny Grace y la segunda en la cocina del barco-casino.

Perry Mason

Por cierto que cuando Perry y Drake intentan subir al barco vemos un apunte más de porque fue una gran idea que Paul Drake, al contrario que en la serie original y en las novelas, fuese negro. El cambio de raza permite a los guionistas apostar por la crítica racial. Drake no lo tendrá fácil tampoco tras caer en la trampa de Strickland para acusar a uno de los más destacados hombres de color de la ciudad.

En ese barco nos ha llamado la atención esas máquinas tragaperras de la época. ¿En qué época se inventaron? Pues buscando por ahí hemos visto que allá por 1895. En 1935 las máquinas tragaperras ya circulaban por todo el país y habían dejado beneficios superiores a los 20 millones de dólares de la época. Os dejo el enlace a un interesante artículo sobre el tema pero aún así llamaremos a un experto para que nos certifique si esas máquinas son auténticas o de pega.

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Esa citación del gran jurado aparece como un posible móvil de la muerte de Brooks pero no hay que fiarse. Nada es lo que parece en esta gran serie. Lo dejamos aquí. Nos leemos la semana que viene. Un saludo, sed felices.

Análisis de Los Winchester. Temporada 1. Episodio 13 y final: Ey, esa no es forma de decir adiós

Bienvenidos al análisis del último episodio de Los Winchester. Hemos llegado al final de la temporada y quizás también de la serie. Bueno, en mi opinión debería ser el punto y final pero eso no depende de mí. Los Winchester han servido de epílogo a Sobrenatural y sería mejor dejarlo pero ya decidirá Jensen Ackles. Os dejo con el enlace a los episodios anteriores y vamos al lío.

Hey, That’s No Way To Say Goodbye

El título del episodio remite directamente a una canción de 1967 del gran Leonard Cohen. Your eyes are soft with sorrow. Hey, that’s no way to say goodbye. Algo así se nos ha quedado cuando ha finalizado este episodio 13 de Los Winchester.

Y es que el episodio es pura nostalgia, puro fan service para los adictos a la serie madre. Recapitulemos: el episodio empieza con un prólogo en el que vemos a John recibir la carta de su padre de manos de su propio hijo, Dean Winchester. Inevitable emocionarse y más cuando vemos aparecer a Bobby Singer (Jim Beaver) y llamarle imbécil.

De vuelta al presente de la serie, la Scooby pandilla busca una forma de acabar con los akrida. Saben que el objeto en poder de Ada le costará a quien lo utilice un trozo de su alma. Mientras, Sam Campbell está de vuelta con una pista, una antigua cazadora que ha contactado con él y que dice tener información sobre el hombre misterioso que no es de este mundo.

Dean

La antigua cazadora resulta ser una tal Joan Hopkins (Kelly Sullivan) y se revela como la reina akrida en persona. Según cuenta, se hartó de cazar, se puso hasta las cejas de esencia de monstruo y fue desterrada por los cazadores y los hombres de letras al mundo akrida. Allí les dió un objetivo, nuevos mundos que conquistar y la destrucción de la raza humana. También les cuenta que el hombre misterioso está muerto, lo ha mandado a él y a su coche a través de un portal y ya no regresará.

Total, que mientras Sam, John y Mary se encontraban con ella, sus lacayos aprovechan para entrar en la guarida de los hombres de letras y Lata acaba poseída. Al final es liberada con el cristal de Ada, con lo que ya no pueden usarlo para acabar con la reina. La otra opción es intentar traer de vuelta al hombre misterioso de dónde sea que esté utilizando el Ostium pero a la inversa. Sucede que lo que aparece es el Chevrolet Impala que todos conocemos, el bebé de Dean. Imposible que no se te pongan los pelos de punta a ritmo de The Whoo.

Al igual que sucediera en Sobrenatural, el Impala resulta determinante. Al no ser un objeto de este mundo, Mary consigue acabar con la reina akrida atropellándola. Aquí es cuando empieza el festival: en su enfrentamiento, Mary y el coche atraviesan un portal y poco después regresa el coche con Dean al volante.

El Multiverso está de moda

Si, no es casualidad que una película sobre el tema haya ganado el Oscar. Se confirma lo que ya muchos sospechaban: Los Winchester no transcurre en el mismo universo que Sobrenatural sino en uno paralelo. Dean estaba dando vueltas por el cielo y se le ocurrió visitar otros mundos donde, quizás, su familia tuviese un final feliz. Se revela también que los akrida son unos seres creación de Chuck, es decir de Dios, el último recurso, la última arma de destrucción masiva por si fracasaba.

Como sabemos, Chuck fracasó estrepitosamente pero quedaba ese último cabo por atar. Junto a Dean no sólo aparece Bobby sino también Jack (para los neófitos, el hijo de Lucifer y una humana que consiguió restaurar el mundo tras su destrucción), quienes le dicen a Dean que debe regresar a casa, es decir al cielo, que ya está bien de cacerías y que el mundo, una vez, ha sido salvado.

Así se muestra que John y Mary Winchester tendrán una nueva oportunidad, una donde un demonio de ojos amarillos no arruine su vida. Por lo menos ya cuenta con el revolver de Samuel Colt que todo lo mata para defenderse y con un diario que les servirá de guía, el de James Hetfield.

Y así, John y Mary emprenden su camino, por esas carreteras americanas semi-desiertas, rumbo a una nueva vida. A la caza. Con Ramble On de Led Zeppelin en el radio cassette, que para eso el que conduce elige la música.

Valoración final

Como ya hemos señalado al principio, Los Winchester sirve de epílogo a Sobrenatural. La cadena en la que se emite, The CW, ha sufrido drásticos recortes y el destino final de la serie no está claro pero si terminan aquí no pasaría nada.

Al quedar establecido que es una realidad de otro universo, la verdad es que se ha perdido gran parte del encanto y poco queda por contar. Si, es un lienzo en blanco, o por lo menos más en blanco que cuando empezaron pero también está claro que la serie ha bebido demasiado de la serie original.

Los Winchester ha intentado distanciarse de Sobrenatural pero no lo ha conseguido. Por un lado han creado todo un elenco de personajes, la llamada Scooby pandilla, que apuntaba maneras pero ese mismo elenco, ese tener más personajes en pantalla reclamando su lugar, les ha pasado factura.

Carlos apuntaba a personaje trascendental y se ha quedado a medio desarrollar. Latika resulta algo sosa y la madre de John y Ada Monroe han aparecido y desaparecido a gusto del guionista de turno. Ha faltado en la serie algún personaje realmente carismático y quizás por eso han recurrido a Dean, Bobby y Jack en la traca del episodio final, conscientes de que no lo habían conseguido.

winchester

También podemos acusarles de tener demasiada prisa en la resolución de la historia. Si en el episodio anterior consiguieron crear tensión y miedo, aquí han ido a toda castaña y se han pasado. De repente los akrida tienen el poder de desaparecer con un chasquido, luchan todos con espadas sin venir a cuento (como si fuesen Los Inmortales peró con The Doors de música de fondo) y todo parece justificado con tal de que aparezca Jensen Ackles para salvar la función.

En resumen, siendo sinceros hay que reconocer que Los Winchester se ha quedado a medio camino, la serie carece de entidad propia en demasiados momentos e intenta compensar sus errores y su falta de gancho recurriendo a actores invitados provenientes del original.

Eso si, yo he disfrutado al regresar a un mundo y a unos personajes que tras 15 temporadas me dejaron huérfano. No se puede negar que Jensen Ackles le ha puesto todo el cariño y ha intentado que el producto tuviese un cierto equilibro entre lo nuevo y lo viejo, aunque no lo haya conseguido. Quizás con más episodios y menos personajes, con más tiempo y con una historia más clara lo habrían logrado.

Hasta aquí llegamos. Un saludo a todos los que nos habéis leído. Sed felices and carry on.

«La Edad Perdida» de Le Gris y Poli: el apocalipsis medieval del año 1000

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Hoy volvemos con otra edición de Yermo Ediciones en español. En este caso hablamos del primer tomo de «La Edad Perdida», cómic del guionista Jerome Le Gris y de Didier Poli en el dibujo. Este primer tomo se recopila bajo el nombre «El fuerte de las Landas» y tiene 56 páginas. Vale 17 euros.

La Edad Perdida

La Edad Perdida es una historia postapocalíptica. Aunque no parte del siglo XX, que es lo más común en el género, sino en la Edad Media: justo en el inicio del año 1000 el fuego cayó sobre la Tierra y arrasó toda la civilización, convirtiendo a la Humanidad en un grupo de seres apiñados en cuevas, apenas centrados en sobrevivir a duras penas y olvidando poco a poco los avances civilizatorios hasta ese momento, hasta el punto de olvidar cómo la agricultura o la escritura.

A partir de ahí veremos los inicios de peleas y disputas entre varios pequeños grupos, entre ellos el de la protagonista, con un secreto del pasado presuntamente olvidado de fondo. Desde el principio La Edad Perdida transmite la desesperanza y la rutina a través de los colores marrón claro, gris y amarillento del cielo, con la soledad que transmiten los escenarios y la melancolía de las panorámicas. Se ha perdido mucho, y la mayoría de lo perdido se ha ignorado.

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La propia historia vuelve sobre el eterno tema del fin del mundo no como una explosión del planeta o extinción completa. Otra vez el Apocalipsis es una forma de reducir el número de seres humanos, de recluirlo a integrarse en tribus y a transladarlo a una vida brutal, corta y, claro, difícil. Aquí desde la destrucción de la civilización del medievo el ser humano ha llegado al punto de crear algo parecido a las federaciones de tribus o a acuerdos más o menos establecidos entre éstas.

Hay algo parecido a una institución rudimentaria de resolución de conflictos (no de forma democrática ni nada por el estilo, claro) pero lo que hace avanzar la trama y que no estemos ante un cómic de costumbrismo postapocalíptico es, como hemos dicho, un conocimiento del pasado que se creía perdido. Los protagonistas se encontrarán que su limitado y pequeñísimo mundo cambia de manera radical debido a la existencia de ese recordatorio del mundo perdido civilizado. Y que, como es de esperar, el conflicto que viene tras el descubrimiento es profundamente violento y arrasador de toda su rutina y expectativas.

La Edad Perdida no escatima en violencia cuando es necesaria pero sin muchos bailes y coreografía. Es decir, las escenas son rápidas, contundentes, claras y con escasez de épica. Siguen la estela de Las Tierras de Arrán, quizás con más suciedad y aún más realismo. Es decir, nada de peleas en inferioridad sin bajas o heridas que las vendamos y a esperar que seguro que va bien. Todo va en el mismo sentido de transmitir la sensación de constante peligro, inferioridad y amenaza que está sobrevolando constantemente las cabezas de los protagonistas.

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También se prescinde de grandes explicaciones, ni siquiera en las partes clásicas de «la gran revelación» de toda historia. Se va mucho al grano sin muchos rodeos, lo cual va en sintonía de una historia ambientada en una época a la que se ha dado la marcha atrás para despojar de casi todo avance técnico o civilizatorio. En La Edad Perdida no sufrimos el síndrome Bendis y cada viñeta tiene su sentido a la hora de hacer avanzar la trama, no encontrando prácticamente nada de relleno o de ir estirando el chicle.

Podemos decir que el final de este primer tomo es un claro intento de dejarnos con ganas de más, abriendo el mundo que nos presentan desde el principio. Lo visto hasta ahora tiene acción, tiene intriga, un ritmo bien medido y está dibujo con un estilo que, insistimos, concuerda perfectamente con el ambiente y con lo que se trata de transmitir. No hay cosas particularmente nuevas pero hay buen oficio y los clichés no son muy acentuados ni estropean la experiencia de leer el cómic.

En resumen, primer tomo prometedor y resultón, que sin ser realmente algo nivel Tierras de Arrán sí es entretenido sin grandes alardes ni grandes fallos evidentes.

Sed felices.

Análisis de Star Trek: Picard. Temporada 3. Episodio 4

Nuevo episodio de Star Trek: Picard y, por lo tanto, nuevo análisis. Hoy nos toca el cuarto de esta temporada final y su titulo es Situación: nadie gana. La serie, que tiene como showrunner a Terry Matalas y es protagonizada por Patrick Stewart, se emite por Prime Video.

Bienvenidos nuevamente trekkies y no tan trekkies para analizar otro episodio de esta tercera temporada de Star Trek: Picard que sigue por lo alto y por encima de las dos primeras. La entrega que hoy nos ocupa es la cuarta y viene con muchos ingredientes ya presentes en la anterior (tanto que se podrían considerar juntas como uno de esos episodios dobles tan caros a la franquicia), pero definitivamente ha calado más hondo en cuanto a lo emocional.

Nos trajo un par de revelaciones importantes y ha hurgado algo más en los personajes introducidos en esta temporada como para que vayamos entendiendo mejor sus motivaciones. Hay mucho para contar, así que mejor empezar ya mismo, cumpliendo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden aquí echar ojo a nuestros análisis anteriores.

Una Historia que no vimos

Otra vez flashback sobre el inicio: en este caso cinco años atrás para mostrarnos a Picard en el icónico 10Forward a punto de dar cuenta de un almuerzo cuando es abordado por varios cadetes de la flota que quieren escuchar de su boca el relato de lo ocurrido con los Hirogen.

Él dice no ser un gran contador de historias, pero accede ante la ensoñada admiración que exhiben los jóvenes, como si estuvieran ante una leyenda viviente y de hecho es así, pues esto ocurre temporalmente con Picard ya retirado y elevado a mito.

En cuanto a la situación con los Hirogen (en que Worf, supuestamente, convirtió a los cazadores en cazados), no rebusquen en su memoria: nunca ocurrió en Star Trek: The Next Generation ni en ninguna de las cuatro películas de esa tripulación…

Los Hirogen, hasta donde recuerdo, solo aparecieron en Star Trek: Voyager y habitaban en el Cuadrante Delta: de hecho, algunos le preguntan cómo fue que cayeron al Cuadrante Alfa y si pidió consejo a la capitana Janeway para lidiar con ellos. Picard responde que enfrentaron el problema como siempre: manteniéndose firmes y unidos, anunciando así que no será diferente en este episodio.

Descenso a la Nebulosa

Vueltos al presente, la Titan sigue cayendo hacia el pozo de gravedad del centro de la nebulosa y aunque está sacando energía de donde puede para mantener el soporte vital, parecen condenados. Ni siquiera pueden ya mantener los escudos y encima son impactados cada tanto por escombros y asteroides que son succionados, al igual que ellos, por el pozo.

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Quizás sea una locura, pero me vino a la cabeza ese gran relato de Edgar Allan Poe que es Un Descenso al Maelström, en que el protagonista, en su frágil embarcación, se veía arrastrado al centro de un inmenso remolino entre montones de restos de naufragios. Ya veremos que la resolución del episodio no está tan lejos de la del cuento…

Tras haberle echado del puente, Riker decide ir a ver a Picard para decirle, a modo de disculpa, que tenía razón: si bien ya no pueden escapar al amargo final para el que restan solo cuatro horas, el mismo era inevitable aunque hubieran decidido no enfrentar a la Verdugo.

En un gran diálogo cargado de emoción y magníficamente actuado, Riker habla de su hijo y el día en que debió enterrarlo. Aunque solo fueran dos metros, dice haber tenido la sensación de que se hundía en un pozo infinito: analogía devastadoramente triste y poéticamente bella para la situación actual en que se hallan. Aconseja a su amigo que, quedando tan poco tiempo, lo aproveche para conocer a su hijo…

Buscando Cambiantes

Riker también hace una visita a Siete y como capitán interino la autoriza “extraoficialmente” a buscar al cambiante que tantos problemas viene ocasionándoles. Es otro momento fuerte: él no la conocía hasta unos episodios atrás, pero le deposita un voto de confianza que emociona tratándose de dos personajes que, sin haberse cruzado antes, son muy queridos para el universo “trekkie”. Y a Riker le bastó con muy poco para darse cuenta de quién es Siete: bien por él…

Ella encuentra muerto al alférez cuya forma fue tomada por el cambiante: lleva algunos días sin vida, lo que significa que la criatura se hallaba a bordo ya antes de que acudieran al rescate de Beverly y Jack. Se advierte algo muy grande detrás de todo…

Siete pide ayuda a Shaw por conocer la nave mejor que nadie. Este sugiere buscar rastros en cubos o habitáculos, pues los cambiantes no pueden permanecer demasiado tiempo en su forma falsa y dejan residuos cada vez que descansan (imposible no pensar en Odo). En efecto, Siete encuentra lo buscado, pero cuando lo lleva a enfermería para analizarlo, un oficial intenta detenerla y es, obviamente, el cambiante. Ella le dispara, pero él logra escapar en su forma viscosa.

Un Imbécil de Chicago

Siguiendo el consejo de su amigo, Picard ha montado una réplica del 10 Forward para hablar con Jack. Cuando nos preguntamos cómo puede la holocubierta seguir funcionando con la energía racionada, Picard parece leernos el pensamiento y explica que es alimentada por una célula independiente, además de reivindicar el valor de “santuario” que tiene ante situaciones como la que atraviesan.

Intenta convidar a su hijo vino de la finca, pero este prefiere el whisky barato: simple y efectiva forma de decirnos que ni él ni nadie tiene por qué ser fiel copia de su padre…

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Jack se pregunta por qué su madre le dio el nombre de su primer esposo y Picard repone que él hubiera hecho lo mismo, pues Jack Crusher fue su gran amigo.

Le cuenta un episodio en que ambos, en escapada clandestina junto a dos muchachas, tomaron “prestada” una lanzadera, pero al regresar fueron impactados por una lluvia de micrometeoritos que les dejó incomunicados y sin sistema de navegación, por lo que debieron regresar prácticamente a ciegas. Otra historia de la cual nada sabíamos, pero que el desarrollo del episodio evidenciará no contada al azar…

La charla es interrumpida por Shaw, quien ha estado oyendo y viene a contar su propia historia, la cual tiene que ver con una batalla que sí hemos visto en la franquicia: el terrible enfrentamiento contra un cubo borg y la consecuente muerte de once mil personas mientras él, por alguna razón, era seleccionado entre diez para sobrevivir.

Vamos entendiendo mejor a Shaw y su animadversión hacia Picard e incluso hacia Siete. Carga con el síndrome y la culpa del superviviente al no saber por qué él, “un imbécil de Chicago”, como se autodefine, estuvo entre los elegidos. Y culpa a Picard, que en ese momento dirigía el ataque borg como Locutus.

Está claro que se refiere a Wolf 359, batalla que, a caballo entre la tercera y cuarta temporada de TNG, tuviera lugar en el episodio doble Lo Mejor de Ambos Mundos. Pero además, la acusación contra Picard por su pasado borg nos remite a una recriminación casi idéntica de Benjamin Sisko en el primer episodio de Star Trek: Espacio Profundo Nueve (recordemos que también él había sobrevivido a dicha batalla).

Picard da por concluidas holosesión y charla, no obstante lo cual su hijo empatiza con él y sale detrás suyo.

Dolores de Parto

Beverly ha descubierto cierto patrón en el comportamiento del centro de la nebulosa y, fiel a su formación profesional, lo relaciona con contracciones de parto cada vez menos espaciadas. El pozo parece absorber materia que transforma en olas de energía que arroja cada tanto. Se les ocurre que pueden, justamente, desviar la última energía  que les queda en el soporte vital para montar sobre una de las mismas a los fines de recargar el núcleo warp y largarse. Un plan muy Star Trek…

En la Verdugo, volvemos a tener noticias de Vadic tras haberse desentendido de la caza de la Titan. Importante revelación: es una cambiante. La vemos, en efecto, desprenderse de una mano para, a través de ella, comunicarse con algún superior que se presenta en forma vaporosa.

Vadic es recriminada por no estar persiguiendo a la Titan y ella se justifica con que es un suicidio hacerlo, a lo que se le replica que el suicidio es no hacerlo.  En su papel (nuevo para nosotros) de cordero sumiso, termina aceptando volver a la nebulosa.

Aging Trash — STAR TREK: PICARD s03e04 "No Win Scenario" Amanda...

David y Goliat

A bordo de la Titan, se aprontan para poner en marcha el plan trazado y se requiere la colaboración de todos, inclusive de Shaw, a cuyos servicios de “sucio mecánico” se recurre para poner en marcha las nacelas.

Mientras lo está haciendo, se le presenta la alférez LaForge diciendo que la han enviado para ayudarle, pero rápidamente aparece Siete para desmentir tal orden. La apunta con su arma y cuando la joven se refiere a ella como “teniente Jansen”, se da cuenta de que es el cambiante y la liquida: la verdadera LaForge siempre se dirige a ella como “Siete”…

En la Titan y valiéndose de toda la energía, inclusive la del soporte vital, se aprestan a subirse a la próxima ola sabiendo perfectamente que ya no hay plan B. Riker deja la navegación a Picard, único con experiencia “a ciegas”.

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Al llegar la ola, consiguen “surfearla” y ser arrastrados lejos del pozo mientras se recarga la energía. Pero se topan frente a frente con la nave de Vadic y Riker tiene una idea genial, de esas que los trekkies aplaudimos de pie…

Atrapando con el rayo tractor uno de los asteroides succionados por el pozo, lo arrojan contra la Verdugo que, sin tiempo de levantar sus escudos, queda a la deriva como consecuencia del brutal impacto: como David a Goliat, la han derrotado con una “simple piedra”.

La energía de la Titan ha quedado rehabilitada por completo, así que logran poner en marcha el motor warp y escapar de la nebulosa no sin antes comprobar, extasiados, que la analogía con el parto que hiciera la doctora Crusher era totalmente acertada: del pozo emergen fantasmales formas de vida con aspecto entre medusas y calamares. Si nos trae a la memoria el primer episodio de TNG, a Picard también, pues dice “Fairport” en clara referencia al mismo (Encuentro en Fairport).

Y si quedaba lugar para otro golpe al corazón en un episodio tan cargado de emociones, tenemos lectura de bitácora en off a cargo de Picard. ¿Están intentando recordar cuando la oímos con su voz por última vez? Hace veintiún años, en Star Trek: Némesis (2002).

Y lo de “encontrar nuevas formas de vida” cobra más significación que nunca…

Familia

Volvemos al flashback y a Picard aleccionando a los jóvenes cadetes sobre el valor de la unidad y cooperación. Se les ve radiantes de felicidad, pero por detrás de ellos hay un muchacho en el cual, para nuestra sorpresa, reconocemos a Jack, de cuya existencia Jean-Luc aún nada sabe…

Le pregunta por su familia y Picard responde que nunca necesitó una porque la suya siempre fue la flota. Vaya revelación el saber que su hijo ya le había conocido: de hecho, podemos ahora entender la desazón y el rechazo por la figura paterna…

Pero quedan todavía zonas oscuras. Picard cierra su bitácora diciendo que aún no se ha terminado de esclarecer quién es Vadic o por qué busca con tanta obsesión a Jack. Y una última imagen nos muestra al joven lidiando con “alucinaciones” auditivas en las que alguien parece llamarle…

Balance del Episodio

La tercera temporada de Star Trek: Picard sigue superándose: creo que estos dos últimos episodios han sido lo mejor de la serie y no ha de ser casual que ambos estén dirigidos por Jonathan Frakes.

Hemos vuelto a tener diálogos brillantes, grandes actuaciones e impresionantes escenas de épica espacial (¿no alucinaron con el rayo tractor haciendo de gomera?), pero creo que el aspecto emotivo ha sido incluso más fuerte que antes. Detalle interesante, por otra parte, que los flashbacks nos hagan no solo regresar a lo que ya sabíamos, sino que además nos ilustren sobre lo ocurrido fuera de nuestra vista.

El guion demuestra especial cuidado por desarrollar los personajes nuevos de esta temporada: Shaw nos cayó terriblemente antipático en su presentación, pero ahora lo entendemos un poco. Jack no nos caíga, digamos, de maravillas, pero nos da una perspectiva diferente el conocer el origen de su frustración como hijo. A Vadic se la veía exultante y ahora nos da una imagen sumisa en la medida en que sabemos que hay alguien por encima.

Se viene sugiriendo que hay algo grande detrás del asunto y el que Vadic esté recibiendo órdenes parece confirmarlo. Y la revelación de que es un cambiante no es poca cosa. Tal como ha dicho Picard, aun nos falta saber mucho sobre ella…

Lo mismo para Jack. Esa escena final en la que parece alternar frenéticamente visión con realidad me trajo a la memoria a William Hurt en un gran filme de Ken Russell: Un Viaje Alucinante al Interior de la Mente (Estados Alterados para América Latina). ¿Quiénes le llaman? ¿Será acaso también él un cambiante como ha sugerido un lector en los comentarios del análisis anterior? ¿De los “buenos” quizás? ¿Habrá escapado o traicionado a su facción? No pareciera ello condecirse con la historia contada por Beverly ni con la frustración manifestada por él en el último flashback, pero… ¿será posible que haya muerto y sido reemplazado?

Todo está por verse, pues a pesar del tono de final que pareció tener el episodio, aún no hemos llegado ni a la mitad de temporada. Está además la trama de Worf y Raffi, de la cual no hemos tenido noticias en este episodio por más que en el anterior hayamos visto que está conectada con los sucesos de la Titan. ..

Por otra parte, una entrega tan marcada por la emoción no quitó lugar a la lógica y racionalidad que tantas veces han sacado de apuros a las distintas tripulaciones del universo trekkie. Fue con lógica que Spock salvó a la Enterprise de Khan y fue también la lógica la que salvó a la Titan del pozo y de la Verdugo.

De hecho, he mencionado por allí Un Descenso al Maelström, que debe ser uno de los relatos más racionales de Poe. En el mismo, el personaje se salvaba del remolino estudiando el comportamiento del mismo y utilizándolo a su favor; no fue aquí distinto…

Lo bueno, como antes hemos dicho, es que no hayamos llegado siquiera a mitad de temporada porque de momento viene muy, pero muy bien y podemos estar agradecidos de que la cosa apunte para que Picard y los suyos tengan la despedida que merecen…

En relación a ello, no puedo describir la sensación de volverlo a oír decir «engage» o recitar la bitácora.  Lo mismo que volver a ver a Deanna Troi (Marina Sirtis), no ya esta vez en flashback sino en tiempo actual y en comunicación subespacial con Riker.

A ver qué nos trae el próximo episodio. Gracias por leer y les espero.

Sean felices: larga vida y prosperidad…

Crítica de Halo, La serie. Una historia entretenida que no gustará a los fans de los videojuegos

Con la llegada a España de SkyShowtime por fin podemos disfrutar en nuestro país de una de esas series que por motivos incomprensibles todavía estaban inéditas a pesar de tener un remarcable interés. Nos referimos a Halo, La Serie, adaptación televisiva de un famoso videojuego que ha vendido 81 millones de copias y cuya saga comprende seis juegos principales además de multitud de obras secundarias.

Halo es principalmente un shooter en primera persona donde prima la acción ante todas las cosas y ambientado en un universo de ciencia ficción donde la humanidad está en guerra contra unas aterradoras criaturas conocidas que pertenecen a la alianza conocida como El Covenant. La principal arma a nuestra disposición es un grupo de soldados alterados genética y tecnológicamente a los que se conoce como Spartans  y están bajo el mando del poderoso Jefe Maestro.

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El Jefe Maestro

Está claro que con este argumento se puede armar una buena serie, sobre todo si además está implicado Steven Spielberg como productor ejecutivo a través de su compañía Amblin Television. Esto hace que estemos ante un nivel de producción elevado en el que hay presupuesto necesario para plasmar el universo del videojuego. Pero a pesar de todo, Halo, La Serie no ha logrado ser el éxito que se podía esperar. Algo que se debe a varios factores.

Lo primero que hay que señalar es que esta serie transcurre en Línea de Tiempo Silver, una realidad paralela a los videojuegos. Y esto, por supuesto,  trae algunos cambios que nos gustarán nada a los fans. En principio esto no tiene por qué ser algo necesariamente malo siempre y cuando se respete el espíritu de la obra original. Pero siento decir que ese no es el caso.

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Uno de los soldados del Covenant

La serie empieza cuando Madrigal, un desértico planeta del que se obtiene un recurso natural necesario para los viajes estelares, sufre un cruel ataque por parte de las fuerzas de El Covenant. Aunque el Jefe Maestro llega con sus Spartans para acabar con ellos, solo sobrevive Kwan Hu, la hija del caudillo local, aunque la fuerzas de la UNSC (Comando Espacial de las Naciones Unidas) logran hacerse con un artefacto antiguo que es lo que parece que quería El Covenant. El problema es que cuando John-117 toca el artefacto, empieza a recordar su vida pasada antes de convertirse en Spartan y descubre cosas muy turbias que le hacen replantearse su papel en la UNSC.

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La joven Kwan Hu

Así que deja huir a Kwan Hu, a la vez que dentro del seno de la UNSC empiezan las disensiones entre las distintas fuerzas políticas que la componen mientras se investiga qué es el misterioso artefacto que puede ser clave en la guerra. Poco a poco, John-117 va recuperando su humanidad perdida mientras se embarca en la búsqueda de un segundo artefacto que también persigue El Covenant, usando para tal fin a Makee, una humana a la que salvaron de niña y ahora trabaja para ellos.

Si estás deseando ver cómo el Jefe Maestro machaca aliens sin piedad, olvídate. En toda la serie solo hay batallas en el primer episodio, el sexto y el último, siendo el final el único momento donde se recuerda de verdad el ambiente del videojuego.

A los guionistas no parece importarles que Halo sea fundamentalmente un juego de acción en el que John-117 es una verdadera máquina de matar sin sentimientos. El problema es que en esta producción los guionistas se empeñan en presentar una versión muy diferente del Jefe Maestro que conocemos para mostrarnos su origen y cómo va recuperando su humanidad hasta que llega a fusionarse totalmente con Cortana, la IA que le acompaña en los juegos. Es cierto que justo al final, podemos intuir que, de cara a una posible segunda temporada, podremos ver al Jefe Maestro al que estamos acostumbrados, pero…

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El «nacimiento» de Cortana

Esta idea de alejarse del espíritu del videojuego es algo que hemos visto en múltiples adaptaciones, por ejemplo, en la horrible Resident Evil de Netflix. No cabe en mi cabeza por qué los productores compran unos derechos para luego hacer un producto que poco o nada tiene que ver con su versión original. En la mayoría de los casos solo sirve para enfadar a los fans y es prácticamente garantía de fracaso.

El caso contrario lo tenemos en la estupenda The Last Of Us, una serie que demuestra un respeto y un mimo al material original que la hacen brillar sobremanera a pesar de tener algunos pequeños cambios.

Pensando en el público que no conoce los videojuegos

Dejando claro que Halo, La Serie no es un producto dirigido a los fans acérrimos del videojuego, ¿qué ofrece para el público en general? Al menos en este sentido la serie sí que funciona como un producto entretenido sin mayores pretensiones para los aficionados a la ciencia ficción. La historia funciona y mantiene el interés gracias a un acertado tratamiento de personajes y al misterio de los artilugios. No es que invente nada, pero al menos no es aburrida, aunque le falta y le sobran cosas para aspirar a algo más.

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El artefacto que es clave en la historia

Todo el asunto de la joven Kwan Hu y la situación del planeta Madrigal saca al espectador de la trama principal. Y además recuerda muy mucho a un Dune de marca blanca (un planeta desértico que tiene un recurso natural necesario para la navegación en la que una misteriosa hermandad deja el futuro en manos de una joven huérfana después de que su familia sea brutalmente asesinada).

Está claro que tiene que haber una conexión entre las dos historias de cara a una posible segunda temporada pero, mientras tanto, lo que el espectador quiere ver es todo lo que sucede en torno al Jefe Maestro, la UNSC y la búsqueda de los artefactos.

Tampoco hubiera estado de más que hubiera más acción, quedándose un poco pobre en este apartado. Al menos hay unos guiños muy bien traídos en las batallas con esas tomas en primera persona que tanto recuerdan al videojuego. En cuanto al apartado técnico, no llega a deslumbrar ni tampoco es que sea horrible, con unos diseños de criaturas y de escenarios bastante logrados.

En resumen, Halo, La serie es una producción que seguramente decepcione a los fans acérrimos de los videojuegos pero que sí puede ofrecer un rato entretenido a los aficionados a la ciencia ficción, algo que en estos tiempos no es nada desdeñable.

Osario Norte se deja ver unos minutos en el 26 Festival de Cine de Málaga

El pasado sábado 11 de marzo una ambientada sala del Rectorado de la Universidad de Málaga, dentro de los actos del Festival de Cine de Málaga, fue testigo de un primer vistazo al largometraje documental Osario Norte, del director gaditano José Manuel Serrano Cueto.


Osario Norte”, que lleva el subtítulo de “Los últimos días de San Valentín”, cuenta la vida, pero sobre todo la muerte, del prolífico actor argentino Jorge Rigaud. Tras su paso por Sudamérica, Hollywood y Francia, Rigaud se hace famoso en España por representar a San Valentín en “El día de los enamorados” y “Vuelve San Valentín”, así como gran cantidad de filmes de todo tipo, entre los que cabe destacar “Pánico en el Transiberiano”. Rigaud fallece en extrañas circunstancias tras un accidente de tráfico, sumido en la soledad. Cuando Serrano Cueto descubre que el actor está enterrado en Leganés, comienza una cruzada para sacarle del olvido.


 

El acto tuvo lugar en la Sección Cinco Minutos. Antes de la proyección habló el productor del largometraje documental, Jorge Rivera, quien comentó que la película se encuentra actualmente en fase de posproducción a falta de grabar alguna escena importante y de añadirle efectos de sonido y música. A partir de ahí el objetivo es que Osario Norte comience un recorrido en festivales a partir de otoño y luego un estreno en salas a base de eventos.

Osario Norte
Fotografía de Eloy Muñoz. Festival de Cine de Málaga.

Los asistentes disfrutaron posteriormente de 10 minutos del documental en los que se pudo ver parte de una entrevista al recientemente fallecido director Eugenio Martín o un fragmento de una conversación entre Serrano Cueto y Pedro Casablanc, donde charlan sobre la posibilidad que Rigaud fuese un agente al servicio del franquismo.

Tras la proyección se procedió a una charla con el director y el productor de la cinta moderada por el escritor y cineasta Luís Alegre.

Un coloquio que junto a la emisión de los 10 minutos provocó que la sala se emocionara tras conocer más del periplo vital de Jorge Rigaud, un reputado actor que tras conocer el éxito en Francia, Argentina y finalmente en España, acabaría sus días malviviendo y siendo olvidado enterrado en una fosa común del Cementerio de Leganés.

Es por ello que Serrano Cueto trata de recuperar la memoria de Jorge Rigaud, haciendo con Osario Norte arqueología cinéfila recuperando del olvido al actor argentino, advirtiendo además del peligro de, como él lo llama, «la fugacidad del éxito«, denunciando que instituciones o entidades deberían velar para que los artistas como Rigaud no acabasen relegados al desamparo y olvido tras una vida dedicada al cine.

En cierta forma este trabajo no se aleja en demasía de Contra el tiempo (2012), un largometraje documental del director, nominado a mejor película documental en los Goya 2013, en el que el cineasta rendía homenaje a los actores secundarios del cine de género rescatando sus nombres y sus papeles más destacados.

En cuanto tengamos más novedades de este proyecto os mantendremos informados.

Un saludo y sed felices.

VERKAMI – Servet. Médico, teólogo y filósofo condenado a muerte.

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Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos el primer artículo del año, de nuestra colaboración con la plataforma de mecenazgo Verkami. Y tenemos el placer de presentaros Servet. Un justo homenaje del noveno arte a este crucial personaje.

Esta iniciativa, parte de ese gran enamorado del cómic histórico, que es Ángel Serrano Morena, director de Mancha Cómic, promotor de 84 Ideas y director de Serendipia Editorial.

¡Ahí es nada!

Pero no pienso seguir elogiando a Ángel. Aquí los protagonistas son otros. Vamos con ello …

Servet. Un proyecto Verkami de Serendipia Editorial.

Servet

Miguel Servet Conesa, también conocido con el sobrenombre de «Revés«, fue un médico, teólogo y filósofo, que nació en Villanueva de Sigena (Aragón) en 1511 y falleció en Ginebra en 1553.

Fue un personaje fundamental, firme defensor del pensamiento libre, que luchó contra la corrupción de la iglesia católica, enfrentándose a la doctrina establecida.

Sin embargo, por lo que es mundialmente conocido fue por ser el descubridor de la circulación pulmonar de la sangre.

¡Fue condenado a muerte por enfrentarse a católicos y protestantes por igual!

Servet

Servet es una fabulación biográfica, que narra la trayectoria de este fascinante personaje. Sin él, el mundo tal y como lo conocemos hoy en día, hubiera sido bastante diferente.

Este magnífico tebeo se centrará en hitos de la vida de Servet y nos describirá el entorno histórico en el que se encuentra en cada momento. España, Francia, Italia, Suiza, Lyon, París, Bolonia…

«De la coronación de Carlos V a su muerte en la hoguera por hereje, SERVET es un recorrido lleno de momentos reveladores, de ideas revolucionarias y de personajes de la talla de Calvino o Juan de Quintana, los cuales dialogan con el médico forjando su carácter y reafirmándolo en sus convicciones.»

Servet

El equipo artístico

Javier Marquina. Guionista y divulgador. Nacido en Huesca en 1975.

Servet

Colaborador de diversos medios digitales y en papel, presentador de radio en programas como «Ondas Gamma» o «Solo hablamos de historietas», reseña cómic en su canal de YouTube en las llamadas «Microrreñas».

Es además, fundador del sello Inuit Ediciones y vicepresidente de de ARGH!, Asociación Profesional de Guionistas de Cómic.

Publicó su primer cómic largo, Abraxas, en 2018 y con él ganó el premio al mejor guion aragonés en el Salón del Cómic de Zaragoza ese mismo año. A partir de ahí, no ha dejado de trabajar. Ha escrito títulos como Aquí nunca pasa nada, 1585:Empel, Playa Honda, Cómo hacer un cómic sin tener ni puta idea (nominado a mejor fanzine en el Cómic Barcelona de 2021), Whope y los Señores de la Plaga, Progenie (del que tenemos reseña pinchando aquí), Alien Albion, Balas de punta hueca, la segunda parte de Abraxas; Haber elegido muerte y Apocalipsis Yokai, primer cómic de su editorial Inuit publicado bajo el paraguas de ECC Ediciones.

Como próximos lanzamientos podemos destacar un cómic sobre la figura de Miguel Servet con Serendipia Editorial, Ilsa, una aventura protagonizada por una de las más carismáticas protagonistas de Abraxas y el 14 de marzo , de la mano de ECC y de nuevo con Rosa Codina, se publicará Cómo salvar la industria del cómic sin tener ni puta idea, un tebeo que, espera, dé mucho que hablar.

Servet

Roberto García Peñuelas. Dibujante.

Servet

Nació en Sevilla el 28 de agosto de 1993, desde muy pequeño, mostró gusto y aptitudes para las disciplinas artísticas, particularmente el dibujo.

Cursó el Bachillerato de Artes Plásticas y Diseño en la Escuela de Arte “José María Cruz Novillo”, Cuenca 2009/2011, con Matrícula de Honor, y el Grado en Bellas Artes en la Universidad de Castilla-La Mancha, campus de Cuenca 2011/2015, así como un Máster Universitario de Investigación en Prácticas Artísticas y Visuales en la misma facultad, 2015/2016.

En 2018, concluyó el Ciclo Formativo de Grado Superior de Cómic en la Escuela de Arte “José María Cruz Novillo”.

Destacan sus aptitudes en el dibujo, en todas sus variantes, desde las técnicas tradicionales hasta las digitales, el color tradicional con acuarela y óleo y el digital, el modelado 3D con aplicaciones informáticas y el cómic, tanto en los planos, secuenciación y composición como la parte más puramente de dibujo.

Las aficiones e intereses le transportan al estudio de la anatomía humana y animal, así como vestuario, armas y armaduras, arquitectura, paisajes, iluminación y atmósfera, aplicado especialmente a los terrenos de la alta fantasía, ficción gótica y ciencia ficción.

Servet

Pero la realización de Servet, también ha contado con la imprescindible labor de José Luis Corral Lafuente. Profesor, escritor e historiador español.

Premio de las Letras Aragonesas 2017, Aragonés del año 2015 y medalla de Plata en el XXXIV Festival Internacional de Cine y TV de Nueva York, ha dirigido programas de radio y TV, colabora en varios medios de comunicación y ha sido asesor histórico de Ridley Scott en la película 1492. La conquista del paraíso.

Pero para que os podáis hacer una idea del contenido de este maravilloso tebeo, justo debajo, os dejo el vídeo oficial de presentación del mismo.

Una vez que habéis visto el vídeo de presentación de Servet … Os dejo justo aquí debajo el …

ENLACE DIRECTO A LA CAMPAÑA DE VERKAMI

Participad en este interesantísimo proyecto. Estoy seguro que os vais a arrepentir si no os decidís.

Espero que os haya gustado …

¡Sed Felices!

Trailer Final de Super Mario Bros: La Película (2023).

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. El pasado 9 de marzo, Nintendo nos presentó el trailer final de Super Mario Bros: La Película. Una gran noticia para los que somos fans absolutos de este maravilloso personaje.

Super Mario Bros: La Película

Un lejano día 7 de octubre de 2022, mi amigo y compañero Rodolfo del Bene, nos trajo aquí, la noticia y presentación inicial de Super Mario Bros: La Película.

Bros

Como ya nos recordó Rodolfo, Super Mario Bros fue creado por Shigeru Miyamoto y ha sido uno de los juegos más vendidos de todos los tiempos.

Este grandioso personaje, trascendió del universo de los videojuegos y se adaptó al cine, en 1993, al anime y como no, al manga, por Planeta Cómic.

Bros
Película de 1993

En principio, seguiremos con el calendario previsto y Super Mario Bros: La Película, se estrenará el 7 de abril. Ya nos queda menos …

Como ya he dicho antes, el pasado 9 de marzo, Nintendo nos ofreció a los aficionados, el trailer final en su página web y en sus RRSS. Casi todo ya está dicho.

Bros

Debo confesar que he sido fan de todos los videojuegos del personaje desde sus inicios. Recuerdo allá por los añorados años 80′, cómo iba con mis dos hermanos a los salones recreativos que había debajo de mi casa, a jugar partidas de 25 pesetas en el primero de los juegos de Mario Bros. Pero eso, eso es otra historia …

Más abajo, os dejo el enlace al trailer completo y presentación de Super Mario Bros: La Película, que nos ha ofrecido Nintendo desde su canal de YouTube.

Mirad, ansiad, disfrutad y …

¡Sed Felices!