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¿Qué esperamos de Avatar: Fuego y Ceniza?

Bueno, bueno, bueno… que suenen los tambores de Pandora y que alguien le quite el tanque de oxígeno a James Cameron, porque vamos ahora a los cines del planeta Tierra. Vuelven los Na’vi, vuelve el 3D que te hace sentir que te has metido en un acuario, y vuelve el único director del planeta capaz de invertir el PIB de un país entero en una película… y que aún así le salga rentable. Sí, amigos: Avatar está de vuelta. Avatar: Fuego y Ceniza.

Y según las últimas noticias que han saltado desde el mismísimo corazón de Hollywood, Cameron ya tiene todo listo para la nueva entrega de su epopeya azul. Una producción que promete ser más grande, más ambiciosa y, probablemente, más húmeda (porque si algo hemos aprendido de El sentido del agua es que este hombre tiene una obsesión con los líquidos).


Crítica de Avatar el sentido del agua. Entre documental y gran película de acción


 

Avatar: Fuego y Ceniza, más bichos, más drama y más… de todo

Parece que esta nueva película va a expandir aún más el mundo de Pandora. Lo que en la primera era un bosque y en la segunda un océano, ahora podría convertirse en… quién sabe, ¿un volcán? ¿una tundra? ¿un globo azul enorme que arde? Lo cierto es que el equipo de Cameron ha filtrado que veremos nuevos clanes Na’vi, nuevas criaturas y, por supuesto, nuevos humanos empeñados en demostrar que la estupidez es la verdadera constante del universo.

Y si hay algo que Cameron sabe hacer (además de hundir barcos y romper récords de taquilla), es construir mundos tan detallados que parece que podría mudarse a vivir allí Elon Musk en un cohete eléctrico.

El presupuesto. Madre mía, el presupuesto

Los rumores apuntan a que la nueva Avatar costará un ojo de la cara, medio riñón y probablemente el alma de tres productores ejecutivos. Porque, seamos sinceros, las películas de Cameron no se hacen, se invocan con dinero de otros universos, porque no hay tanto en este planeta. Cada frame cuesta lo mismo que un coche. Pero eso sí, luego llegan las cifras y el tío te planta mil millones de dólares en taquilla como quien compra pan.

Así que si alguien duda de que Avatar: Fuego y Ceniza vaya a triunfar, recordad que James Cameron tiene un pacto con el diablo, con el océano y probablemente con algún Na’vi que hace que no se usen efectos especiales.

Avatar: Fuego y Ceniza

¿Y los protagonistas? ¿Sigourney Weaver otra vez? ¿Un Jake Sully versión yogui?

Sí, el reparto vuelve. Sam Worthington, Zoe Saldaña, y, por supuesto, Sigourney Weaver, que ya debe de tener un bono vitalicio para aparecer en todas las películas de Cameron, aunque su personaje haya muerto, revivido y renacido como Na’vi.

Lo mejor de todo es que, según los avances del rodaje, esta vez los actores han pasado meses enteros bajo el agua, en escenas rodadas con tecnología tan avanzada que Cameron podría haber grabado una boda real en la luna y nadie lo notaría.

La pregunta del millón: ¿la necesitamos?

Esa es la cuestión. ¿Hace falta otra Avatar?

Probablemente no. Pero la vamos a ver igual. Porque aunque digamos que estamos hartos de pitufos azules gigantes, y sermones ecológicos, cuando Cameron te pone una de sus escenas de acción con una banda sonora que flipas, se te olvida todo.

Y lo sabes.

Así que sí, volveremos a Pandora. Volveremos a ver volar a Jake Sully sobre su dragón fluorescente mientras los humanos hacen de las suyas. Volveremos a salir del cine diciendo “bueno, esta vez no era para tanto» y tres días después volveremos a verla en IMAX.

Un saludo y sed felices.

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon. Temporada 3. Episodio 7. Final de Temporada

Con su séptimo episodio titulado Solaz del Mar, llegó a su fin la tercera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon y hacemos análisis de lo que nos ha dejado este tour por la España postapocalíptica que se continuará en la cuarta. Creada por David Zabel, la serie es emitida por AMC+.

Hola otra vez, caminantes y sobrevivientes. Aquí estamos para analizar un nuevo episodio de The Walking Dead: Dead City, en este caso el que cierra una tercera temporada que en el balance final deja sensaciones algo desabridas más allá de algunos buenos momentos aislados y del impacto emocional de que la franquicia esté transitando tierras españolas y del clima de western spaghetti que en general ha tenido.

Pero pasemos mejor a ver qué nos ha dejado este séptimo y último episodio de la tercera temporada no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden en esta web echar ojo a nuestros análisis previos, tanto de esta como de las otras series de la franquicia.

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon

Análisis de The Walking Dead

Análisis de Fear The Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: World Beyond

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: Dead City

Análisis de The Walking Dead: The Ones who Live

 

El Turista Francés

Comenzamos por el Camino de Santiago viendo cómo una figura embozada se detiene justamente ante la estatua del apóstol en la costa. Entre las ofrendas a los pies de la misma, se detiene con especial atención en el cubo de Rubik que dejara en su momento Daryl y, al quitarse la capucha, nos encontramos con la sorpresa de que es… ¡Codron! (Romain Levi).

Primera vez que tenemos noticias de él en toda la temporada, pues nada supimos desde aquellos incidentes con los fantasmas del túnel. Se advierte en su gesto que reconoce el objeto como perteneciente a Laurent (supongo que debe ser el único que queda en el mundo), de quien tampoco supimos nada más. Ignoramos qué hace Codron allí o cómo ha llegado pero, sea como sea, no volveremos a verle hasta el final del capítulo.

Pulpo a la Gallega

Carol consigue llevar a Roberto al faro para que Valentina y los suyos le atiendan. La idea es esperar a que llegue Antonio y que Daryl traiga de regreso a Justina para luego, todos juntos, zarpar con destino a América. Pero las horas pasan y Carol se inquieta ante la falta de noticias de Antonio, lo cual le hace prever que probablemente la haya llevado mal con Federico.

Valentina intenta tranquilizarla con que no ha pasado demasiado tiempo, pero Carol está convencida de que en Solaz del Mar no le van a dejar llevársela de arriba, así que decide regresar allí de incógnito ocultándose en una camioneta (en esta serie todos los controles de vehículos son pésimos) con la cual Rodo y Daniel, los compañeros de Valentina, consiguen pasar la muralla diciendo llevar camisas, un pulpo y una caja de mostaza devuelta por el mar. Parece parte de una relación feudal que sostienen con el gobierno de la comunidad para que se les deje vivir en paz en el faro.

Marionetas

Daryl y Paz, en tanto, llegan a Sevilla y están en cercanías del Alcázar. En un campamento de trabajadores se alistan como tales y se les entregan sendas máscaras que, según se les dice, cumplen la función de que los miembros de la élite local no vean directamente al rostro de sus empleados. Yo diría que cumplen más bien función de excusa argumental para que Daryl y Paz puedan entrar al Alcázar sin ser reconocidos, pero sigamos…

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La tarea asignada es servir durante la fiesta de gala en la cual, en presencia del rey, se llevará a cabo el ritual de emparejamiento, consistente en que las muchachas flamantemente recibidas en ofrenda sean exhibidas ante los jóvenes de la clase gobernante para que cada uno elija con cuál quedarse.

Guillermo, a todo esto, está algo disgustado con Elena, a quien echa en cara cómo miraba a esa “vaquera”, en clara referencia a Paz. Mientras es vestida y preparada para la ceremonia, Justina pide luego a Elena que la ayude a escapar, pero esta busca convencerla de que acepte su situación con resignación y, como ella también debió hacer en su momento, entender que ese es su nuevo hogar. Justina insiste en que no pertenece allí.

Llegan la fiesta y el ritual. Un cierto suspenso se produce cuando los jóvenes eligen una a una a las muchachas y Justina queda para el final, pues según le adelantaron no le espera un futuro nada halagüeño si nadie la elige (bastante irreal porque, por su aspecto, debería ser primera o a lo sumo segunda en ser elegida). El hecho es que finalmente hay quien la toma para sí…

Mientras el rey bebe, ríe y llena de elogios a su heredero Guillermo, se lleva a cabo una función de marionetas zombies, es decir caminantes movidos por hilos (algo parecido habíamos ya visto en Francia). Daryl, mientras tanto, sirve las mesas pero a la primera oportunidad intenta escabullirse y llegar a Justina. Un guardia le descubre y se deshace de él con un cabezazo, tras lo cual libera a las “marionetas” que, entre el pánico generalizado, comienzan a atacar y morder a diestra y siniestra.

Justina le pide que la saque de allí al muchacho que la ha elegido y este lo hace, pero Daryl va tras ellos mientras dice a Paz que vaya por Elena. Haciéndole caso, esta se dirige hacia las habitaciones de su amiga y se encuentra con la sorpresa de que tiene un hijo, con lo cual entiende ahora por qué quería volver.

Pero en ese momento Paz recibe un golpe con un objeto contundente de parte de un desencajado Guillermo cuya imagen, al verle desde el piso, despierta en ella dolorosos recuerdos, pues al parecer esa situación ya había ocurrido en el pasado con los mismos protagonistas. De hecho, él la reconoce y, furioso, le acusa de querer llevarse a su esposa y amenaza con que de todos modos “se irán juntas”. No tiene tiempo de nada: Elena lo atraviesa desde atrás con una espada y termina boqueando en el piso mientras ambas jóvenes huyen con el niño.

Con un cuchillo, Justina intenta liberarse del joven que la ha escogido, pero él logra arrebatárselo y se pone violento mientras se le echa encima acusándola de haberle manipulado. Por suerte interviene a tiempo Daryl (siempre hay alguien en esta serie) y lo acaba. Liberan también a Alba y el resto de las muchachas y provocan un incendio que hace arder el Alcázar.

Pero ha llegado el momento de separar caminos. Paz dice que llevará a Elena y el resto de las muchachas al refugio en Barcelona, donde se quedará con ellas. En sentida despedida, Daryl le dice que no lo habría logrado sin ella, pero cuando Paz replica que habría tenido éxito de todas formas, él acaba admitiendo que quizás sí: es Daryl, no hay nada que hacerle. El mismo que un momento después parte en motocicleta junto a Justina mientras de fondo suena el Concierto de Aranjuez, de Joaquín Rodrigo.daryl dixon las cosas felices.99050 e1761179853255

Perros Sueltos

En Solaz del Mar, Marga duda del accionar de su hijo Federico en relación a lo ocurrido con Justina y así se lo plantea, pero este insiste en que la joven marchó al Alcázar por propia voluntad y le pregunta si va a confiar en su palabra o en la de una americana a la cual apenas conoce. Ella le da la razón, pero a la vez le recomienda hablar a los pobladores para aclarar todo y alejar sospechas.

En cuanto a Carol, ha logrado introducirse en el pueblo junto a Rodo y Daniel que armados y ocultos ( bueno, más o menos), ven y oyen a Federico dar el discurso que su madre le pidió que diera. Pero claro, cuenta las cosas a su modo y como más le conviene, por lo cual, mostrando los cuerpos sin vida de los guardias del Alcázar, echa la culpa de todo a los americanos que así pagaron la hospitalidad recibida. Lo increíble es que no vea a Carol y el resto, asomados a la esquina y haciendo exhibición de armas.

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Haciendo traer a Antonio, lo presenta como el traidor que colaboró con los americanos, tras lo cual le dejan colgado y le someten a tortura pública para que diga dónde está Daryl y cuáles son sus planes.

En la noche, Carol y los suyos logran rescatar a Antonio (una suerte que no le hayan dejado ninguna vigilancia) y unos amigos de este les esconden y muestran una vía de escape a través de túneles. Anoticiado Federico, manda que suelten a los “perros” que, en definitiva, no son otra cosa que caminantes o, como se los llama en Galicia, “huecos”.

Sin Barco

Daryl y Justina llegan finalmente al faro, pero se encuentran con que un par de esbirros de Federico han tomado posesión del lugar y uno de ellos apresa a la muchacha. Calma, que siempre hay alguien: Valentina interviene justo a tiempo matando al captor de Justina mientras Daryl da cuenta del otro y seguidamente se anoticia de que Carol ha ido en busca de Antonio.

Lo que no sabe es que ambos han sido atrapados en Solaz del Mar luego de que un supuesto amigo de Antonio les entregó a Federico a cambio de medicamentos para su esposa. Sin embargo, Federico les deja ir, aunque dice que seguramente no lo harán y tiene razón, pues en la calle se halla Roberto encadenado a los cuerpos ya sin vida de Rodo y Daniel. Intentan liberarle, pero se les vienen encima los “perros” mientras Federico y los suyos miran tranquilamente desde lo alto.

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Siempre hay alguien: desde un balcón, Daryl abre fuego y se inicia un tiroteo en el que Federico echa nuevamente mano a la ametralladora, pero en ese momento aparece en plena calle Justina acusándole públicamente y a viva voz de haber estado mintiendo. Está rodeada de caminantes y la madre de Federico impele a su hijo a que le salve, por lo cual este abre fuego sobre los mismos y el propio Daryl colabora.

La situación, no obstante, le ha dejado en evidencia ante todos y, lo que es peor, ante su propia madre que, dolida y decepcionada, le abofetea en público. Enardecido y sabiendo que les ha estado mintiendo durante tanto tiempo, el pueblo se subleva y le captura. Se viene Fuenteovejuna, pero Justina clama por clemencia para que no acaben convirtiéndose en lo mismo que él (gran error, ya veremos) y el destino de Federico termina siendo un calabozo. Los pobladores, no obstante, temen una represalia del Alcázar, pero Daryl les da la feliz noticia de que el mismo ya no existe y no habrá más ofrendas.

Hay emotivo reencuentro entre Roberto y Justina, y ahora todos se aprontan para regresar en el barco, aunque Valentina recibe la triste noticia de la muerte de Rodo y Daniel, con lo que ya son tres los compañeros por ella perdidos desde la llegada de Daryl y Carol. Mientras ello ocurre, en Solaz del Mar, Federico logra en el calabozo convencer a su madre de que lo libere con el argumento de que ya perdió un hijo y no querrá perder dos (aquí tampoco hay vigilancia).

En la noche, Daryl reflexiona con Carol acerca de su situación. Dice que toda la vida se lo ha pasado huyendo y luchando, lo cual queda visibilizado en flashbacks que nos llevan a los dramáticos días de infancia, cuando le tocara justamente escapar de un entorno familiar violento.

Pero la charla es interrumpida por Federico, que abre fuego contra el grupo y una vez más tenemos tiroteo. Consigue escapar, pero sus disparos, no sé bien por qué, provocan un incendio en el barco al cual el grupo mira tristemente arder mientras piensan que muy probablemente ya no podrán regresar a América o, al menos, no de momento. A lo lejos, Codron escucha las explosiones y ve las llamas…

Balance de Temporada

Hay que decir que para ser un episodio de cierre de temporada, ha sido terriblemente soso y por demás previsible, además de repleto de detalles fortuitos o sin sentido, algo que lamentablemente se ha ido volviendo cada vez más frecuente en la serie hasta llegar al paroxismo. Esperaba una definición más imaginativa del rescate de Justina, pero el arco del Alcázar se cerró de modo tan poco creíble como el de Solaz del Mar y la temporada con su peor capítulo

No sé la cantidad de veces que hubo alguien a punto de morir y en el último aliento era salvado por alguien más que salía de la nada o casualmente se encontraba por allí, algo que fue común a toda la temporada. ¿Es posible que los guionistas insistan una y otra vez en repetir hasta el hartazgo un recurso tan manido e insufrible?

Ni hablar de lo fácil que es entrar y salir de Solaz del Mar o, peor aún, del Alcázar, que nos lo habían pintado imponente y temible, pero terminó devorado por un simple incendio. O de los recursos ya usados en otros episodios, como si no hubiera imaginación u olvidaran que ya echaron mano de ellos (prefiero pensar eso y no que nos toman por idiotas que no recordamos nada).

Lo de las marionetas, por ejemplo, ya lo habíamos visto y de modo más imaginativo con aquella orquesta de caminantes atados a sus instrumentos. Y lo de soltar a los zombies por parte de Daryl fue igual a lo que él mismo hiciera dos episodios atrás con los que tiraban del tren en el que fuera, al margen y dicho sea de paso, el mejor capítulo de la temporada. Repetir en el séptimo capítulo idénticos giro y recurso que los utilizados en el quinto habla de una preocupante falta de ideas

Y el hecho de que el barco terminara en llamas no es ninguna sorpresa porque se promocionó tanto que la cuarta temporada transcurriría también en España que ya todos sabíamos perfectamente que el intento transatlántico no saldría bien. Lo que no vimos venir fue la reaparición de Codron que, por cierto, nos llena de preguntas. Si cayó allí de manera totalmente fortuita, estamos ante otra de las increíbles casualidades de la serie, pues el camino que Daryl y Carol recorrieron para llegar fue demasiado particular y accidentado, con Londres y naufragio de por medio.

Difícil que Codron haya pasado por todo lo mismo a menos que su presencia allí no sea azarosa y esté siguiendo el rastro de Daryl y Carol. De ser así, no podemos imaginar cuáles son sus intenciones porque la cosa había quedado extraña bajo el Canal de la Mancha. Y es, desde luego, un absoluto disparate que relacione sin más al cubo con Daryl y Laurent como si solo hubiera uno: muy cerca de mi casa los venden a montones. Hubiera sido mejor y más creíble establecer la relación con un macguffin igualmente identificable, pero único e inequívoco.

En cuanto a los personajes introducidos por la temporada, la serie se encargó de sacar rápidamente de en medio a los que pintaban de algún interés y, las más de las veces, sin dejarnos casi conocerlos: imposible de ese modo comprometernos emocionalmente con ellos o que sus muertes nos afecten. Volvió a ocurrir en este capítulo con Rodo y Daniel (ni siquiera perdí tiempo en buscar los nombres de los actores porque no tiene sentido) y en cuanto a Valentina, madre mía, qué personaje tan desaprovechado. Espero que se le dé más lugar en el futuro…

De los villanos mejor no hablar: Federico y Guillermo terriblemente caricaturizados y al rey del Alcázar prácticamente ni le conocimos. Pensar que yo me quejaba de Genet en la segunda temporada. Y no deja de ser una lástima porque Óscar Jaenada es un muy buen actor que estaría mejor aprovechado con un personaje más matizado. El verle atacar el barco sobre el final dio más risa que otra cosa: parecía Pierre Nodoyuna obsesionado con atrapar al palomo mensajero.

En definitiva, hemos visto una tercera temporada con altibajos y seguramente más bajos que altos. No vamos a decir que todo fue malo porque no sería cierto: hemos disfrutado de viajar por España y la fotografía ha ayudado a ello (muy impactante en este episodio la toma en que Daryl y Justina pasan en moto ante la silueta de uno de los toros de Osborne recortándose en la niebla).

España estuvo, de hecho, mejor mostrada que Francia, donde la acción se concentró en un par de localizaciones y hubo menos paisajística. Y por lo que se anuncia, el tour continuará en la cuarta temporada, que nos llevará aparentemente por Toledo, Bilbao y Segovia, habrá que ver con qué excusa. Sevilla quedó algo desaprovechada y me quedé con ganas de Madrid, donde pensé equivocadamente que los del Alcázar harían parada. Y saliendo de España, el efímero paso por Londres fue para el olvido.

El clima de homenaje al western spaghetti ha sido asimismo delicioso para quienes amamos el género, con marcadas referencias a la filmografía de Sergio Leone y otros directores. Cuando ese contexto estuvo presente, los detalles inverosímiles pasaban a cobrar sentido por ser parte de la propia premisa. Es saludable cuando la franquicia no se toma a sí misma en serio y deberían hacerlo más seguido…

Pero bueno, lamentablemente la tercera temporada se termina cerrando de modo tan poco satisfactorio como la segunda o incluso peor, lo cual nos hace concluir que la mejor ha sido hasta aquí fue sin dudas la primera.

No sé qué nos traerá la cuarta. Espero que showrunner y productores acusen recibo de lo que están haciendo mal y no sea tarde para corregir errores, más considerando que se viene otra temporada en España y queremos disfrutarla. Y ojalá entiendan que no es buena idea tener separados tanto tiempo a Daryl y Carol cuando está largamente demostrado que funcionan bien y muestran una gran química juntos.

Ya veremos, cuando llegue pues la cuarta temporada, si todavía se está a tiempo de reencaminar una serie que viene claramente de mayor a menor. Les espero aquí para analizarla o en alguna otra serie de la franquicia, probablemente Dead City.

Hasta entonces y sean felices…

 

Reseña de Unamuno. Entre los hunos y los hotros. Publicado por cARTEm Cómics.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros un cómic español. Os hablamos de Unamuno, entre los hunos y los hotros, publicado por cARTEm Cómics.

Unamuno.

Entre los hunos y los hotros.

Unamuno. Entre los hunos y los hotros es una biografía gráfica que se adentra en la figura compleja y contradictoria de Miguel de Unamuno, uno de los intelectuales más influyentes y polémicos de la España del siglo XX.

A través de un relato visual sobrio y reflexivo, el cómic reconstruye los momentos clave de su vida: desde su labor como rector de la Universidad de Salamanca hasta su enfrentamiento con los totalitarismos que marcaron el inicio de la Guerra Civil.

Unamuno

El guion de Rafa Jiménez no se limita a enumerar hechos históricos, sino que busca capturar el espíritu inquieto y provocador de Unamuno, su defensa de la libertad de pensamiento y su rechazo a los dogmas, vengan de donde vengan.

Carlos Aguilar, por su parte, ilustra con un estilo contenido pero expresivo, que refuerza el tono introspectivo de la obra. El uso de tonos sepia y composiciones sobrias evoca una España en tensión, donde la palabra se convierte en resistencia.

Más que una biografía, el cómic es una invitación a pensar. A recordar que Unamuno no fue ni héroe ni mártir, sino un pensador incómodo, que eligió la soledad intelectual antes que la comodidad ideológica.

Su célebre intervención del 12 de octubre de 1936 (“Venceréis, pero no convenceréis”) aparece aquí no como clímax, sino como síntesis de una vida marcada por el conflicto entre razón y poder.

La edición de cARTEm Cómics.

cARTEm cómics nos presenta un tomo en tapa dura y lomo curvo, que cuenta con 96 páginas en papel poroso de alto gramaje, con unas medidas de 29×21 cm.

Si bien el dibujo es en blanco y negro, el hecho que el papel cuente con un color sepia, hace que el lector se sumerja en tiempos pasados en los que podría haber tenido lugar la historia. Una experiencia lectora excepcional.

No debo olvidar que el volumen se encuentra disponible en nuestra librería habitual, desde el 18 de septiembre de 2025 y cuenta con un P.V.P. de 22€.

Pinchad AQUÍ para obtener más información desde la web de cARTEm Cómics.

Equipo creativo.

Rafael Jiménez Sánchez. Guionista. Nació en Carmona (Sevilla) en 1972. Se define, ante todo, como lector, aunque desde muy joven supo que quería convertirse en guionista de cómic.

Unamuno
Rafa

Influenciado por autores como Alan Moore, Chris Claremont, Frank Miller, Roger Stern o John Byrne; Rafa comenzó a escribir sus propias historias desde joven, compartiéndolas con ilustradores locales y publicándolas en revistas y periódicos.

Aunque se define con humor como “poseedor de dos manos izquierdas”, su talento narrativo pronto lo convirtió en referente dentro del cómic independiente andaluz.

Tras un paréntesis motivado por sus estudios de Psicología y la preparación de oposiciones, retomó con fuerza su vínculo con el medio al incorporarse como animador a la lectura en la Biblioteca Municipal de Carmona.

De esa etapa surgieron dos pilares fundamentales en su trayectoria: la asociación Carmona en Viñetas, dedicada a la promoción del cómic como herramienta educativa y cultural, y el sello 1Guiones, desde donde ha impulsado tanto su obra personal como proyectos colectivos de formación y divulgación.

Su trabajo en Unamuno. Entre los hunos y los hotros refleja esa vocación por el cómic como espacio de pensamiento y diálogo.

Lejos de la épica fácil, Rafa construye una narrativa que interpela, que incomoda, y que reivindica la figura del intelectual como conciencia crítica de su tiempo.

Carlos Aguilar Hebles. Dibujante, narrador gráfico y autor comprometido con la memoria crítica.

Unamuno
Carlos Aguilar Hebles

Historietista español que ha desarrollado una trayectoria marcada por la autoedición, la experimentación narrativa y el compromiso con temas sociales y culturales.

Su incursión en el mundo del cómic comenzó con colaboraciones en el fanzine Colorcarne, donde ya mostraba una sensibilidad especial para retratar lo cotidiano desde una óptica crítica y poética.

En 2019 publicó Tareros, una obra autoeditada que consolidó su estilo visual sobrio, directo y cargado de intención.

Su dibujo, lejos de buscar el virtuosismo técnico, se centra en la expresividad, la atmósfera y el ritmo narrativo, lo que le ha permitido abordar temas complejos con una estética accesible y emocionalmente potente.

Su trabajo más reciente, Unamuno. Entre los hunos y los hotros (Cartem Cómics / Universidad de Salamanca, 2025), lo sitúa como uno de los autores más interesantes del panorama gráfico español.

En esta obra, Carlos ilustra con trazo contenido y tonos sepia la vida del filósofo Miguel de Unamuno, capturando no solo los hechos históricos, sino también la tensión intelectual y el conflicto moral que definieron al personaje.

Su narrativa visual acompaña con respeto y profundidad el guion de Rafael Jiménez, logrando una biografía gráfica que interpela al lector desde la primera viñeta.

Unamuno

Valoración final de la obra.

Antes de comentar lo que me ha parecido, debo confesar que no soy imparcial. Me explico enseguida.

Rafael Jiménez Sánchez es un gran divulgador, gran guionista y gran amigo de sus amigos. Quiero destacar la labor que ha realizado tantos años en Carmona en Viñetas, ayudando a dar el salto a numerosos artistas españoles noveles.

Cualquier cómic que lleve en la portada a Rafa, es un «1» fijo en la quiniela para mí.

Por otra parte, también tengo una predisposición positiva en lo que concierne a las obras que publica cARTEm Cómics. Su calidad de edición es difícil de superar. Además, creo que Daniel Díez (editor de cARTEm), ha venido a rellenar el hueco que dejó Amiram Reuveni (Que Descanse En Paz) en el panorama editorial español.

Dicho lo anterior … Vamos a ver qué me ha parecido Unamuno. Entre los hunos y los hotros

Creo que la publicación de este tipo de cómics, es una iniciativa ideal para que algún lector joven (y no tan joven) conozca la historia de España sin recurrir a libros a los que en un principio no se acercaría.

La obra está dirigida tanto a lectores interesados en la historia y la filosofía como a quienes buscan en el cómic una herramienta para comprender el presente. Porque Unamuno, con sus contradicciones y su lucidez, sigue interpelando a quienes se resisten a pensar en blanco y negro.

Os invito a adentraros en esta gran obra. Echadla un ojo, disfrutadla y sobre todo …

¡Sed Felices!

Laurence Fishburne quiere interpretar al profesor Charles Xavier en X-Men

Laurence Fishburne ya ha interpretado anteriormente al Doctor Bill Foster, y puso la voz en las antiguas pelis de Los 4 fantásticos a Silver Surfer, pero ahora la estrella de Matrix tiene la mirada puesta en el profesor X. En una nueva entrevista, el actor habla más sobre su deseo: Laurence Fishburne quiere interpretar al profesor Charles Xavier.

Aunque el reparto original de X-Men volverá en Vengadores: Doomsday, que se estrenará en diciembre de 2026, Marvel Studios también tiene previsto renovar el equipo de mutantes para el eventual reinicio de la franquicia.


Marvel Studios podría anunciar en breve la fecha de estreno del reboot de los X-Men


El director de Thunderbolts*, Jake Schreier, estará al frente de ello y tendrá que elegir a los actores que interpretarán a estos personajes en el UCM durante la próxima década o más. No será una tarea fácil, sobre todo cuando ya hemos visto interpretaciones tan icónicas de personajes fundamentales de X-Men como Lobezno (Wolverine) o Tormenta, sobre todo.


¿Cómo se dice Wolverine (Logan) en los países de habla hispana? ¿Lobezno, Glotón, Guepardo, Carcayú?


En el caso del profesor X, Sir Patrick Stewart y James McAvoy han dejado su huella en el poderoso mutante que lidera a la Patrulla-X.

Laurence Fishburne quiere interpretar al profesor Charles Xavier en X-Men

Durante una reciente aparición en la New York Comic Con, la estrella Laurence Fishburne, reveló su interés en interpretar a Charles Xavier. No es ajeno al Universo Marvel, ya que prestó su voz a Silver Surfer y también interpretó a Bill Foster en Ant-Man and La Avispa y What If…?

En declaraciones a ComicBook.com, Fishburne explicó por qué eligió al profesor X como el personaje de cómic que más le gustaría interpretar.

«Soy un verdadero creyente en lo que respecta al universo Marvel»

«Ya sea en los cómics de Marvel o en el UCM. Empecé a leer cómics a los seis años en Nueva York, y esos escritores y artistas hablaban de cosas que sucedían en la ciudad en la que crecí. »

«Por supuesto, hay muchos personajes del Universo Marvel con los que me identifico y que me hubiera gustado interpretar cuando era más joven. Pero estoy muy, muy satisfecho con el reparto de las películas»

«Estoy muy, muy satisfecho con el resultado. Soy un gran fan de todas esas películas».

«Creo que, en este momento, el profesor X es el personaje más adecuado para mí, dada mi edad y el tipo de papeles por los que se me conoce. Siento que encajaría bien conmigo. Por eso».

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Cuando se le preguntó al ACTOR si tal vez podría recuperar las cejas de forma extraña del profesor X de los cómics, se rió y respondió:

«Bueno, hablaré con ellos si tengo la suerte de cumplir este sueño. Si tengo la suerte de hacer realidad ese sueño, sin duda les pediré lo de las cejas».

¿Qué posibilidades hay de que Fishburne interprete al profesor X? Es difícil de decir. Marvel Studios podría estar buscando a un actor más joven para el papel, especialmente si vamos a tener una versión adolescente del equipo. También es posible que quieran un Charles más acorde con el líder de los X-Men de la era de Krakoa (que, en lugar de estar confinado a una silla de ruedas, era un poco más proactivo).


Todos los cómics de X-Men Dinastía de X, la era de Krakoa


 

¿Crees que Fishburne sería una buena elección para interpretar al profesor X en el reboot de X-Men?

Un saludo y sed felices.

James Gunn parece abordar una posible salida de DC Studios tras el anuncio de la venta de Warner Bros

Tras años de especulaciones, se ha revelado que Warner Bros. Discovery (WBD) está oficialmente en venta. Ahora, el codirector ejecutivo de DC Studios, James Gunn parece abordar una posible salida de DC Studios

Desde que Warner Bros. se fusionó con Discovery, Inc., han circulado rumores sobre una posible venta de la histórica empresa de Hollywood. Los rumores comenzaron a cobrar fuerza cuando se reveló que Paramount Global había presentado una oferta para comprar Warner Bros. Discovery (una oferta que finalmente fue rechazada). Poco después, la junta directiva de WBD confirmó sus intenciones de venta.

James Gunn parece abordar una posible salida de DC Studios

Para algunos, las conversaciones sobre la venta pusieron en duda el futuro de DC Studios, concretamente el de los codirectores ejecutivos James Gunn y Peter Safran. La gente se preguntaba si la venta significaría que los ejecutivos se verían obligados a abandonar sus puestos o si se les permitiría quedarse y continuar con sus planes para la marca DC. Ahora, parece (énfasis en «parece») que James Gunn parece abordar una posible salida de DC Studios.

Durante una entrevista con el canal de YouTube BobaTalks, se le preguntó a Gunn si las tramas que se están desarrollando en proyectos como Peacemaker temporada 2 y Lanterns continuarían hasta el estreno de Man of Tomorrow en 2027, o si irían más allá, hasta proyectos futuros.

Gunn respondió:

«Si yo… Sí, definitivamente irán mucho más allá de Man of Tomorrow. Así que, ahora, si seré yo quien pueda cumplir esa promesa [risas] depende de muchas cosas en la vida, pero sí».

En el subreddit r/DC_Cinematic, la respuesta de Gunn desató especulaciones de que estaba tratando de decir «si me quedo», antes de detenerse. Sin embargo, eso no está confirmado.

Cabe mencionar que Gunn no necesariamente se refiere a la posible venta de WBD. Después de todo, podría estar simplemente comentando la naturaleza cambiante de la industria del entretenimiento. Es importante destacar esto. James Gunn no dijo en ningún momento que fuera a dejar DC Studios durante esta entrevista. Por lo que se puede interpretar de sus comentarios, simplemente aludió a la posibilidad de no seguir en la empresa, y eso podría deberse a cualquier número de razones que no tienen por qué estar relacionadas con la situación actual de WBD.

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Ahora bien, en el caso de que estuviera aludiendo a lo que está sucediendo en WBD, algunos podrían preguntarse por qué Gunn habría abordado un futuro incierto para sí mismo cuando nada está decidido. Para responder a esa posibilidad, es importante tener en cuenta la cultura dentro de una empresa cuando se avecinan cambios significativos. Como espectadores, lo vemos todo desde fuera y solo podemos basarnos en los pequeños fragmentos de información que a menudo divulgan estratégicamente las partes implicadas. Las personas que trabajan dentro de la empresa, por otro lado, suelen tener una idea clara (o al menos algo coherente) de lo que puede deparar el futuro cuando se avecinan grandes cambios. Esto es especialmente cierto en el caso de alguien con un puesto tan alto como Gunn. Por lo tanto, es lógico que sea consciente de los posibles riesgos para su puesto si WBD acaba siendo vendida.

Los fans pueden apresurarse a considerar la posibilidad de cambios en DC Studios como una postura negativa sobre el futuro de la DCU, pero se trata simplemente de una cuestión de realidad corporativa. Cuando se vende una empresa, sus nuevos propietarios suelen realizar cambios drásticos en su estructura, lo que a menudo significa introducir su propio equipo de personas y eliminar gradualmente a los del régimen anterior. Dejando a un lado el entusiasmo o las esperanzas sobre el futuro de la DCU, siendo realistas, la venta de Warner Bros. Discovery introduce la posibilidad de que James Gunn y Peter Safran abandonen sus puestos.

Un saludo y sed felices

Reseña de Spectregraph. Una gran historia de fantasmas y algo más

El terror es un género que no ha gozado de demasiado popularidad en el mundo del cómic. Los problemas con el Comic Code Authority, esa funesta organización que regulaba (más bien censuraba) el contenido de los cómics estadounidenses, fueron una pesada losa para los autores interesados en el terror. Hay que recordar que estaban prohibidas «las ilustraciones espeluznantes, desagradables y horribles». Los vampiros, hombres lobos, gules y zombis no podían ser dibujados. Además, los cómics no podrían utilizar las palabras «Horror» o «Terror» en sus títulos. Menos mal que esos tiempos quedaron atrás y el CCA ya no tiene apenas importancia y ahora mismo hay un renacimiento del género en el mundo de las viñetas.

Uno de los escritores que más ha hecho por este boom es James Tynion IV, autor de las muy interesantes Hay algo matando niños, The Nice House on the Lake o El depravado. Así que, si la editorial DSTLRY publica un nuevo comic de terror titulado Spectregraph, con guion del señor Tynion y además le acompaña de Christian Ward, uno de los mejores dibujantes de los últimos tiempos, habrá que echarle un ojo. Sobre todo, si los amigos de Norma lo publican en España en el formato que utilizan para todas las obras de dicha editorial y que tan bien luce en las estanterías.

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El resumen de la editorial es el siguiente: Durante años, la mansión ha permanecido de forma extraña intacta en la costa de California, no muy lejos de Los Ángeles. Los rumores dicen que su dueño es un magnate de la industria estadounidense con una perversa fascinación por el ocultismo y los fenómenos paranormales. Durante décadas, los hombres y las mujeres más ricos del país han intentado entre susurros descubrir qué estaba construyendo en esa mansión él solo. Y ahora, finalmente, con su muerte y sus posesiones en venta… quieren descubrirlo de una vez por todas.

En Spectregraph conoceremos a Janie, una agente inmobiliaria cuya vida es un desastre y que recibe el encargo de vender una vieja mansión a un grupo con mucho dinero. Todo perfecto. El problema es que esa mansión pertenecía a un miembro de una secta obsesionado con la vida después de la muerte y dedicó su vida a construir un edificio con peculiares características. Y el grupo interesado en hacer la compra es esa secta a la que perteneció y que ahora quiere saber lo que puede hacer la mansión, aunque para ello tenga que sacrificar algunos inocentes. Así que Janie y Vesper, la joven enviada por la secta para formalizar la comprar, tendrán que descubrir todos los secretos del peligroso edificio si quieren sobrevivir una vez que quedan atrapadas dentro.

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Spectregraph es una obra marcada por el estilo de su guionista. James Tynion IV ha demostrado ser un maestro a la hora de crear tensión y “miedo” gracias al uso de sus protagonistas como vehículos a través de los que generar a la vez empatía y aprensión. Lo mejor de esta historia es la interacción entre dos personajes tan distintas como Janie y Vesper, construidas ambas con un mimo increíble y de las que vamos conociendo más a lo largo de la historia, ya sea con unos diálogos afilados como cuchillos o con algunos flashback que permiten profundizar en su pasado. La narración va a ir cambiando de épocas también para conocer más sobre el pasado de la propia mansión y su creador, enriqueciendo el relato con cada nuevo dato que tiene su importancia en el presente.

Al final lo que estamos leyendo no es más que una historia de fantasmas en una casa encantada (a mí me ha recordado a la película 13 fantasmas). El misterio está en saber cual es el fin de la creación de tan retorcido edificio, que es lo que ha ido pasando a lo largo de los años y cuales son las intenciones de la secta. Y gracias a estos interrogantes se mantiene el interés del lector, que no puede dejar de pasar las páginas con cierta sensación de claustrofobia que el escritor ya uso con acierto en The nice house on the lake.

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Pero Spectregraph va más allá del terror y misterio. Como viene siendo habitual, Tynion nos presenta un relato con muchas capas, con un tono reivindicativo y un contenido LGTBI+ que en ningún caso es un obstáculo para la historia. Una historia que al fin y al cabo trata sobre el precio que las personas estamos dispuestos a pagar por conseguir nuestros objetivos, la manera en que tenemos de relacionarlos con los demás y si somos capaces de superar nuestras diferencias.

En cuanto al arte de Christian Ward creo que se puede decir que estamos ante uno de sus mejores trabajos. El uso del color para señalar cada época en la que trascurre la narración es brillante, así como el diseño de los espectros, a cada cual más perturbador. También es muy buena la manera en que hace respirar a la mansión con sus dibujos, haciendo que sea un personaje más de la historia. Es cierto que en ocasiones sus páginas pueden ser algo confusas, sobre todo en los momentos de acción, pero es un pequeño precio a pagar por un dibujo que eleva la historia que cuenta.

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En cuanto a la edición de Norma decir que me parece sencillamente perfecta. Estamos ante un libro de lujo de 216 páginas encuadernado en tapa dura que recoge los cuatro números de la miniserie original. Siempre es un placer poder leer este tipo de historias cerradas de una tacada y más con unas páginas de mayor tamaño (21,5 x 27,5) que hacen que el magnífico apartado visual se disfrute mucho más. Es cierto que eso repercute en el precio (36 euros), pero personalmente creo que merece muy mucho la pena.

En resumen, Spectregraph es un gran cómic de terror con una historia interesante, con varias capas de lectura, con un magnífico desarrollo de personajes y con un apartado visual espectacular. Y con el añadido de ser una historia cerrada. A sus autores les basta y les sobra las 216 páginas del libro para presentar la trama y los personajes y dar un cierre perfecto. Algo que a veces es de agradecer en estos tiempos de historias interminables.

Kowloon Generic Romance. De un manga inclasificable al anime más rompedor

A ver, que levante la mano quien se haya quedado prendado con Call Me by Your Name, se haya obsesionado con Blade Runner, y además haya leído Your Name tres veces. ¿Tú? Perfecto, porque lo que te traigo hoy es una joyita que lo mezcla todo con una sensibilidad japonesa maravillosa: Kowloon Generic Romance. Un manga que, en Japón, lleva años creciendo como una hiedra futurista y que ya es hora de que lo pongamos bajo el radar occidental. ¿Y por qué digo esto? Porque el anime ya ha salido en Japón, y está cosechando muy buenas críticas.

Jun Mayuzuki, a quien quizás recuerdes por el magnífico After the Rain, cambia totalmente de tercio aquí. Bueno, casi. Porque el alma romántica sigue, pero el escenario ahora es una fantasía distópica inspirada en la mítica y caótica ciudad de Kowloon (sí, esa de Hong Kong que parecía sacada de Ghost in the Shell). El manga no solo toma esa estética, sino que construye un mundo nuevo sobre sus ruinas emocionales.

Kowloon Generic Romance

La historia sigue a Reiko Kujirai y Hajime Kudou, dos empleados de una inmobiliaria en esta versión ficticia de Kowloon. Desde fuera, parece un slice of life con cierto aire de comedia romántica. Pero en cuanto empiezas a leer, te das cuenta de que hay algo más… mucho más. Hay una tensión constante en cada página, una sensación de que el mundo no es lo que parece y que, detrás de esa aparente rutina, hay un misterio gordísimo a punto de explotar.

El dibujo es para enmarcar. Jun Mayuzuki es una maestra de las miradas silenciosas, de las viñetas en las que no pasa “nada” pero sientes todo. Cada página está cargada de melancolía urbana, con esa sensación de tiempo detenido que solo los mangakas que entienden la poesía del espacio logran transmitir. Y, ojo, las calles de Kowloon no son solo fondo. Son parte del personaje. Como si la ciudad misma tuviera voz.

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Lo interesante es cómo el manga ha ido mutando. Lo que empezó como una historia casi romántica se ha ido transformando en una ciencia ficción emocional, una suerte de Kowloon Palm Springs con reminiscencias a Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Y no, no estoy exagerando. Hay clonación. Hay realidades distorsionadas. Hay identidades que se disuelven como niebla. Pero todo contado con una contención narrativa que da escalofríos.

En Japón ya lleva más de 11 tomos, y Kowloon Generic Romance ha estado nominado en premios importantes como los Manga Taisho. En España se está publicando bajo el sello de Norma editorial, y por tanto lo recomiendo a todo el mundo para poder leer en la lengua de Cervantes.

¿Conclusión? Kowloon Generic Romance es uno de esos mangas que se cuecen a fuego lento, pero que cuando explotan, lo hacen a lo grande. Una obra inclasificable, elegante, emocional y con una construcción narrativa digna de estudio. Si te gusta el manga que se atreve a hacer cosas diferentes, que no teme mezclar géneros ni jugar con tus expectativas, este es tu nuevo santo grial.

Un saludo y sed felices.

Evacuation. El juego de mesa donde la Tierra muere

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Hay juegos que te hacen reír, otros que te hacen gritar de rabia, y luego está Evacuation, el juego apocalíptico con el sello de Delicious Games. Y ojo, que esto no es un paseo por el campo. Esto es Eurogame puro con aroma a apocalipsis. Sí, el planeta Tierra se va a la mierda y nosotros (como es habitual en la ficción) tenemos que largarnos antes de que el sol se nos meriende vivos.

Vladimír Suchý, el diseñador checo que ya nos regaló maravillas como Underwater Cities o Praga Caput Regni, vuelve con un título que mezcla lo económico con lo estratégico y le echa un buen chorro de angustia climática. En Evacuation, los jugadores controlan megacorporaciones que deben llevar a cabo la migración de su población desde la Tierra a un planeta más joven y habitable. Porque, claro, aquí ya no crece ni el moho.

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La mecánica gira en torno a un concepto tan sencillo como brillante: al principio de la partida estás en un planeta que conoces, con infraestructuras y producción, pero cada turno te acercas al caos. Tu producción se reduce, tu gente se muere de hambre y tu tecnología queda obsoleta.  La solución: montar tu chiringuito en otro planeta, casi desde cero. Y hacerlo más rápido que el resto. Porque aquí, como en la vida, el primero que se espabila, sobrevive.

Y lo mejor es que Evacuation no es simplemente “otro juego de recursos”. Tiene motor de cartas, rutas comerciales, desarrollo tecnológico y un sistema de puntuación muy puñetero (en el buen sentido). Aquí cada decisión cuenta.  ¿Inviertes en logística para mover más colonos?  ¿O mejoras tu terraformación para producir antes?  Todo mientras el reloj avanza y la Tierra se convierte en un horno con wifi.

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A nivel visual, el juego no ganará concursos de belleza, pero es funcional y claro. Eso sí, prepara mesa grande. Y no me refiero a que invites a tu suegra a jugar (aunque si se anima, esto puede acabar en cena de Navidad prematura). Lo digo porque el despliegue ocupa lo suyo y vas a necesitar espacio para tus tableros individuales, el mapa del nuevo planeta, las cartas y las fichas de recursos que se acumulan como en un mercadillo galáctico.

Una de las cosas que más me ha gustado (además del sudor frío de ver cómo todo se desmorona) es cómo el juego te obliga a “desaprender”. Normalmente, los eurogamers estamos acostumbrados a escalar, a hacer crecer nuestras economías y a optimizarlas al máximo. Aquí, no. Aquí tienes que abandonar. Dejar atrás lo que funciona. Cambiar de mentalidad. Y eso es tan refrescante como agobiante.

En resumen: Evacuation es un gran juego. Un juego que te recompensa por pensar y que te castiga si te duermes. No es para todos los públicos, eso es verdad. Pero si te gusta sufrir un poco mientras salvas a la humanidad (o al menos a tus colonos), este es tu juego.

¿Y lo mejor? Que, a diferencia de la Tierra, puedes volver a jugar otra partida.

Un saludo y sed felices

‘Bloodshot Reborn’ (2015) | De Máquina de matar a hombre roto: La audaz reinvención de Jeff Lemire

Os doy la bienvenida a esta tercera entrega de esta sección en la que repaso las obras que son para mí fundamentales en mi biblioteca de comics. Esos ‘comikazos’ que no paro de recomendar habitualmente a quien me pregunta.

Bienvenidos a COMIKAZOS HABITUALES

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EN CF: TODOS LOS CÓMICS QUE PUEDES ENCONTRAR RESEÑADOS EN COMIKAZOS HABITUALES


AVISO: Las imágenes utilizadas son en Blanco y negro por no haber encontrado en color, como está realizado el cómic.

Vamos con Valiant y la serie ‘Bloodshot Reborn’, escrita por el aclamado Jeff Lemire e ilustrada por un equipo talentoso formado por Mico Suayan, Butch Guice y Lewis LaRosa, no es simplemente una continuación de las aventuras de un super-soldado con nanobots. Es una obra que sin reinventar la rueda, convierte al personaje de Bloodshot en el protagonista de una odisea psicológica, existencial y un descenso al infierno. Esta etapa de Valiant Comics (2015-2016) fue publicada en España en su día por Medusa y actualmente la podemos encontrar en Moztros Editorial dentro del tomo ‘The Valiant: Orígenes’.

No voy a descubrir la pólvora con Lemire, ya que es un reputado y reconocido guionista con incontables obras que avalan su buen hacer y por su habilidad para sacar lo peor y lo mejor de la psique humana. ‘Bloodshot Reborn’ despoja a Bloodshot de su armamento y sus nanobots  para convertirlo en un hombre de a pie.

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Al inicio de la serie, encontramos a un Ray Garrison desarmado. roto y atormentado, intentando vivir una vida normal, alejada de todo lo que lo hizo ser la máquina de matar llamada Bloodshot. Este enfoque inicial no es nada novedoso, ya que nos encontramos ante típica ‘la caída del héroe’, pero lo de que realmente destaca es como se escribe ese comienzo. Lemire se toma su tiempo para que veamos lo roto que está nuestro protagonista y como su pasado lo ha arrojado a un mundo de autodestrucción.

Al quitarle sus ‘poderes’ y su propósito, el guionista obliga al personaje (y al lector) a confrontar su verdadera naturaleza y a cuestionarse quien es en realidad. Los nanobots, lejos de ser algo positivo, se convierten en una maldición, una manifestación visible de sus traumas. Lo potente de arranque (y del cómic en general) es como asistimos a la constante lucha interna de Ray, donde la fantasía de una vida tranquila se mezcla con los fantasmas de su pasado violento. Y eso está maravillosamente plasmado en las páginas.

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Si tenemos que hablar de un tema central es la redención o el intento de alcanzarla. Ray Garrison no busca la paz con el mundo (creo que eso ya poco le importa), sino aprender a convivir consigo mismo y llegar a perdonarse. La serie aborda la pregunta fundamental: ¿Puede un hombre que ha cometido actos monstruosos encontrar la paz? La respuesta de Lemire es compleja, nada forzada y se nos muestra a través de su viaje para detener a otros ‘bloodshots’ renegados. Ray no solo se enfrenta a estos villanos con sus mismos poderes, sino que también lucha contra sus propios demonios internos. Cada enfrentamiento es una metáfora de su batalla por aceptar su pasado, y cada victoria, por pequeña que sea, es un paso hacia la sanación.

El aspecto artístico de la serie es simplemente excepcional. El trío de artistas, Mico Suayan, Butch Guice y Lewis LaRosa, no solo capturan la acción visceral que se espera de un título como el de Bloodshot, sino que también consiguen transmitir esa vulnerabilidad y el tormento de sufre el personaje protagonista.

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Conclusión

‘Bloodshot Reborn’, seas fan o no de este personaje o del universo Valiant es una obra monumental que nos entregó un arco argumental potente con un protagonista complejo y bien escrito. Jeff Lemire y compañía no se limitaron a contar una historia de superhéroes típica, sino que crearon un cómic de redención y de lucha interna al más propio estilo de ‘El Castigador’ de Marvel. Es una obra que explora la lucha por la sanación y la posibilidad de que incluso las personas más rotas puedan encontrar de nuevo un lugar al que pertenecer.

Estamos ante una audaz reinvención del personaje, una lectura esencial para cualquier fan del personaje y del universo de Valiant que busque algo más que simple acción.

Un saludo y sed felices.

Spacegom: el librojuego que te lanza al espacio… con una madre moribunda, una nave oxidada y una deuda galáctica

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Hay libros que se leen con una copa de vino, y hay libros que te hacen escupir ese vino porque te han reventado la nave con un torpedo de plasma. Bienvenidos a Spacegom, el librojuego más cafre, sucio y brillante que ha salido en los útimos años. Y sí, digo salido, como un alienígena baboso de los que te acechan en el sector Delta-9.

Spacegom, para quien no lo conozca, es el tipo de libro que tu madre jamás querría ver en tu estantería, no porque tenga contenido obsceno (aunque algo hay), sino porque se lo terminaría leyendo entero. Porque engancha. Porque es brutal. Porque es como si alguien hubiera cogido Firefly, Elite: Dangerous, y Elige tu propia aventura, los hubiera metido en una batidora galáctica… y los hubiera aderezado con cinismo, gasolina y humor negro.

La historia arranca con una premisa que ya te hace apretar los dientes: tu madre se muere (sí, así de duro), y en su último suspiro te obliga a hacerte cargo del negocio familiar… una mugrienta empresa de transporte espacial interestelar con más deudas que una peli de Nolan. Tú, que apenas sabes cómo pilotar una bici con ruedas, te ves de pronto con una nave que cruje, una tripulación que parece salida de un manicomio espacial y una galaxia llena de psicópatas armados.

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¿Y sabes qué? FUNCIONA. El sistema narrativo es de esos que no te sueltan. Cada página puede ser una trampa, un planeta perdido, una estación de servicio que te estafa o una civilización entera que te confunde con un dios (sí, eso pasa). Cada decisión cuenta. Aquí no hay red de seguridad. Fallas una tirada y se va todo al garete. Y lo amas.

El sistema de juego es más complejo que una relación en Mercurio, pero se deja querer. Se basa en cuatro libros que juntos forman una especie de Biblia galáctica del caos: campaña, mecánicas, eventos especiales e inventario. Y lo que te propone no es una aventura: es una maldita vida alternativa. El universo tiene tanta profundidad que puedes acabar gestionando comercio de minerales, escapando de piratas o montando una rebelión política en un asteroide. Y eso es solo un martes.

Además, el diseño es una maravilla. Ilustraciones que parecen sacadas de una película animada con LSD, mapas estelares que te piden a gritos un póster, y hasta una banda sonora que puedes escuchar mientras decides si vender oxígeno o salvar a tu tripulación. Un juego transmedia en toda regla, sin postureos.

¿Conclusión? Spacegom no es un librojuego. Es un estilo de vida. Te mete en la piel de un antihéroe con mala leche y buen corazón, te hace tomar decisiones imposibles y te lanza al infinito con el motor dañado y el alma en llamas. Y lo mejor: cada partida es única. Aquí no hay caminos marcados, solo caos y estrellas. Y tú, capitán de tu propio destino… y del librojuego más adictivo del año.

Si te gusta el espacio, los libros que no se portan bien y tener el control absoluto (o perderlo todo por una tirada de dados), este es tu billete. Abrocha el cinturón, apaga el miedo… y despega.

Puedes comprar Spacegom en Amazon, aquí mismo.

Un saludo y sed felices.

Decepcion en taquilla de Dwayne Johnson con La Maquina (The Smashing Machine)

El 3 de octubre llegó a las salas de cine la nueva película de la estrella del cine Dwayne Johnson, The Smashing Machine, en la cual se relata la vida del boxeador Mark Kerr, una de las figuras más grandes de la MMA en la historia. La cinta muestra cómo debe enfrentarse a su primera derrota y a las consecuencias mediáticas y psicológicas que esto tiene para su carrera.

Luego de protagonizar varias de las sagas más taquilleras del mundo, Dwayne Johnson se aventura en una producción más pequeña, realizada por A24 y dirigida en su debut en solitario por el director Benny Safdie. La cinta recibió varios elogios en festivales de cine, tanto por su dirección que ganó el León de Plata en Venecia— como por las actuaciones de todo su elenco.

Dwayne Johnson y Emily Bluntson los protagonistas de esta película. Ambos recibieron una ovación de pie en su estreno en el Festival de Venecia. Como consecuencia, dentro del público general existían grandes expectativas sobre la cinta, ya que representaba un cambio de rumbo en la carrera de Dwayne Johnson, al tratarse de un papel más serio e introspectivo.

Con su reciente estreno en cines, se esperaba que la película conectara con las audiencias, pero no cumplió con lo previsto, siendo considerada un fracaso en taquilla desde su primer fin de semana. Según datos oficiales de la productora A24, el presupuesto fue de 50 millones de dólares, una cifra mediana que, aun así, no logró recuperarse con su desempeño comercial.

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Durante su fin de semana de estreno, de acuerdo con cifras de IMDb, la cinta recaudó solamente 5 millones de dólares, lo que hace casi imposible que llegue a ser rentable para el estudio, convirtiéndose en uno de los fracasos más grandes del año debido a las altas expectativas que generaba.

The Smashing Machine representa una nueva etapa en la carrera de Dwayne Johnson, al ser una película más dramática y exigente a nivel actoral. Sin embargo, comenzó con el pie izquierdo al no conectar con el público y no conseguir una buena recaudación en taquilla.

Pueden encontrar nuestra critica de la cinta en Crítica de The smashing machine (2025), una película antideportiva.

♬No estaba muerto que estaba de parranda♬… Vuelve el quebrantahuesos Steven Seagal

Nadie lo ha pedido, pero vuelve Steven Seagal. El artista marcial regresa tras seis años sin hacer una ejem «película», si es que se puede llamar cine a lo que llevaba haciendo estos años atrás.

Con dirección de Vjekoslav Katusin, no tengo muy claro tras ver las primeras fotos si el regreso de la ex-estrella de acción es para un papel protagónico o una pequeña aparición ya que solo aparece en una de las fotos promocionales de la película titulada «Order of the dragon».

El director tiene los ánimos muy por las nubes a tenor de las siguientes declaraciones: «Creo firmemente que La Orden del Dragón tendrá un impacto significativo en la industria cinematográfica. Juntos, aspiramos a recuperar el estilo distintivo de los 80 y los 90, recuperando la acción y el encanto que definieron esos años memorables», (vía Instagram ).

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A Seagal lo acompañan Michel Qissi (Tong Po en Kickboxer ), Ron SmoorenburgTriple amenaza ) y David KurzhalBloodstorm, The Last Kumite ), conocido como Viking Samurai.

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Sin duda, yo disfruté muchísimo con las primeras películas de Steven «Quebrantahuesos» Seagal, pseudónimo del célebre periodista Boquerini. Vi en el cine Buscando justicia, Por encima de la ley, Difícil de matar, las películas de Alerta Máxima, Glimmer Man y el despropósito de En tierra peligrosa. Cada película era un chute de adrenalina, nadie podía con Seagal. También me gustaron otras que vi en casa como Señalado por la muerte, Decisión crítica, Herida abierta o Al filo de la muerte. Y también me encantó su papel en Machete.

En los últimos años su imagen se ha visto muy dañada por señalarse pro Putin, una de sus tantas excentricidades. Pero limitémonos a hablar de cine y celebremos el regreso de una vieja gloria del cine de acción.

Un saludo y sed felices.

Retro-Análisis: El Gatopardo (1963), obra esencial de Luchino Visconti con la que rendimos homenaje a Claudia Cardinale (1938-2025)

Hoy hacemos repaso de El Gatopardo (Il Gattopardo, 1963), lección de cine a cargo de Luchino Visconti e increíble retrato de un tiempo de cambios y una clase social en decadencia con un superlativo Burt Lancaster y unos jóvenes y ascendentes Alain Delon y Claudia Cardinale, diva inolvidable de la cinematografía italiana y mundial que nos dejó tristemente el mes pasado.

Bienvenidos a un nuevo retro-análisis, hoy para hablar de una obra capital del cine italiano y mundial, pero también rendir homenaje a Claudia Cardinale en forma de mea culpa por no haber publicado nada sobre su reciente fallecimiento el pasado 23 de septiembre, ya que en ese momento me hallaba colapsado por la cantidad de series episódicas que estaba cubriendo semanalmente. Podría haber sido Rufufú (1958), Cartouche (1961), Ocho y Medio (1963), La Pantera Rosa (1963) o Fitzcarraldo (1982), todos títulos emblemáticos que ya irán llegando, pero me he decidido por El Gatopardo

Hablar de Luchino Visconti es hablar de uno de los más insignes directores del cine italiano, quizás máximo exponente de la vertiente más social del neorrealismo y especialista en cine histórico, habiendo incluso ya visitado antes el Risorgimento italiano con el filme Senso (1954), como también dirigido a Claudia Cardinale y Alain Delon en Rocco y sus Hermanos (1960).

En algún punto hay una conexión entre esta última película y la que nos ocupa, pues ambas abordan una problemática social desde una perspectiva familiar, pero mientras que en Rocco y sus Hermanos se trataba de una familia campesina, El Gatopardo está en las antípodas al centrarse en una más bien aristocrática, calando hondo en el propio pasado familiar del director que, a pesar de su conocida ideología de izquierda, tenía ese origen.

Más aún: la película se basa en en la novela homónima de Giuseppe Tomassi di Lampedusa, escritor también de origen noble por ser hijo de príncipe y princesa, además de natural de Sicilia, que es donde transcurre la historia. La misma fue publicada en 1958 de manera póstuma, convirtiéndose de inmediato en un suceso editorial (el primer “superventas” italiano), del cual el autor no pudo disfrutar por haber fallecido el año anterior.

Apenas publicada, el productor Goffredo Lombardo se hizo con los derechos. Mario Soldati y Ettore Giannini fueron designados y luego descartados como directores para recaer finalmente la elección en Luchino Visconti y quedar el guion en manos de Suso Cecchi D’Amico, Pasquale Festa Campanile, Enrico Medioli, Massimo Franciosa y el propio Visconti.

Pero, al rodar, los costos comenzaron a dispararse a cifras astronómicas que excedían las posiblidades de la productora Titanus. Goffredo le pidió al director reducirlos, pero este respondió que solo así podía hacerse la película. La solución fue hacer partícipe a 20th Century Fox y la compañía americana mostró interés, pero puso como condición que hubiese un actor estadounidense al frente para poder vender mejor el producto al otro lado del Atlántico.

Ello hizo que quedaran descartados el soviético Nikolái Cherkásov y el británico Laurence Olivier, que eran las preferencias de Visconti, y caer finalmente al papel principal Burt Lancaster, elección que en principio parecía tener poco que ver y puso los pelos de punta al director por ser un actor al que el público vinculaba mayormente con el western. Sin embargo, logró obtener de él una interpretación inolvidable y se nos hace difícil hoy imaginar al personaje en la piel de otro.

Eso sí, Lancaster debió ser doblado y lo mismo ocurrió con el resto de las figuras del elenco, como Delon (cuya voz original se escucha únicamente en la versión estrenada para el mercado francófono) y Cardinale que, debido a su origen tunecino y a ser también el francés su lengua materna, había de hecho sido doblada en prácticamente todas las películas desde su debut actoral. Recién Federico Fellini, en Ocho y Medio (estrenada el mismo año) fue el primer director en recurrir a su voz original.

La fotografía corrió a cargo de Giuseppe Rotunno y la banda sonora de Nino Rota, que aún no tenía en su haber El Padrino (aquí retro-análisis), pero sí había ya musicalizado títulos icónicos de Federico Fellini como Los Inútiles (1953), La Strada (1954), Las Noches de Cabiria (1956) o La Dolce Vita (1959), e incluso trabajado para el propio Visconti en Noches Blancas (1957) o la ya mencionada Rocco y sus Hermanos (1960).

La producción demandó quince intensos meses en los cuales hubo que cubrir con toneladas de tierra las calles asfaltadas de la ciudad de Palermo y hasta eliminar farolas y cables para dar una creíble imagen de época. Incluso se restauró prácticamente completa la villa Boscogrande, ubicada en las cercanías, a los fines de que hiciera las veces del ya deteriorado e inutilizable palacio de Salina, y se erigieron fachadas completas de edificios en Ciminna, pequeño poblado que en la trama sirve de localización a la ficticia villa veraniega de Donnafugata.

El 27 de marzo de 1963 la película tuvo su estreno en el cine Barberini, de Roma, y se convirtió poco después en una de las más taquilleras de la historia del cine italiano.

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La Historia

Ambientada en Sicilia en 1860, la película sigue a Don Fabrizio Salina (Burt Lancaster), príncipe y aristócrata siciliano cuya apacible y cómoda vida familiar se ve amenazada por la noticia del desembarco de las fuerzas de Giuseppe Garibaldi en Marsala y la inminencia de la llegada de sus partidarios a Palermo con la consecuente marea de cambios en consonancia con el clima de unificación y transformación política y social que vivía la Italia del Risorgimento.

En vista de ello y para escapar del convulsivo clima que se viene, decide trasladarse con los suyos a la residencia veraniega que tienen en Donnafugata. Sin embargo, no es que los cambios no hayan allí llegado, pues Don Calogero Sédara (Paolo Stoppa), el nuevo alcalde, es un burgués que representa a la nueva clase social en ascenso. Y tampoco es que la familia deje de estar atravesada por el clima general, ya que Tancredi (Alain Delon), sobrino de Fabrizio, está enlistado con las tropas de Garibaldi.

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En medio de todo ello, se teje una trama en la cual Fabrizio debe entender, incluso a pesar suyo, que es necesario adaptarse a los tiempos si quieren sobrevivir como familia y preservar al menos algo de sus antiguos privilegios. Por tal razón, y aun en desmedro de su propia hija Concetta (Lucilla Morlacchi), promueve el matrimonio entre Tancredi y Angelica (Claudia Cardinale), hija de Calogero de la cual su sobrino se ha enamorado y cuyas nupcias podrían significar para los Salina una conveniente alianza tanto desde el punto de vista económico como del político.

El climax final de la película llega con una larga escena de baile en que una secuencia deliberadamente anárquica deja paradójicamente claros los nuevos roles y cambios de piezas: una clase en decadencia compartiendo velada con otra en ascenso y Fabrizio, a partir de ello, reflexionando sobre el pasado perdido y lo que ya no es (graficado por la momentánea atracción que siente por Angelica), así como sobre la muerte, ya sea en sentido literal o simbólico.

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             Una Obra Digna de un Enorme Realizador

Si queremos que todo siga igual, todo debe cambiar”. Esa frase, pronunciada en un momento de la película por Tancredi, define de manera inmejorable a la misma y sintetiza no solo el pensamiento de dicho personaje, sino también el proceder de Fabrizio que, obviamente más maduro y experimentado que su sobrino, sabe de todas formas que no podrán realmente salvar “todo” y que el cambio, al que indefectiblemente hay que amoldarse para evitar un mal mayor, le implicará a la familia más pérdidas que ganancias, especialmente para él que, a diferencia de los miembros más jóvenes, tiene un pasado ya hecho.

El filme trata sobre una revolución que en definitiva no cambia nada o al menos, no desde lo social, pues continúa reproduciendo las mismas relaciones de dominación instaladas, pero con las clases cambiadas. El cambio afecta pues más las vidas privadas de los personajes que el entorno social y eso es lo que Visconti privilegia en su abordaje.

Podría, debido a su conocida militancia, haber hecho un panfleto de izquierda pero, en lugar de salir simplemente a denunciar la explotación de clase, prefirió un toque sosegado y reflexivo que le valió incluso la condena de su propio partido, ya desde un principio hostil a la idea de que decidiera llevar a la pantalla una novela a la que consideraban manifiesto nostálgico de las élites reaccionarias.

El hecho de que Visconti haya preferido dar al filme un tono más introspectivo y sociológico que militante o de denuncia es lo que realza su grandeza y sería un error adjudicarlo a injerencias de la Fox, pues el director siempre tuvo en claro qué historia quería contar desde el primer momento en que asumió la dirección. Su enfoque, de hecho, es en ese punto distinto del de la novela al poner a Fabrizio y su sentir por encima de la historia de amor de Tancredi y Angelica, que en la misma ocupa lugar más central.

Y al hacerlo consigue crear un increíble retrato de un sector social en decadencia, así como un fresco de la conflictividad social de la época. El soldado que aparece muerto en los jardines apenas comenzar es una imagen increíblemente impactante que nos dice que algo ha cambiado de manera brutal y que lo que hasta hoy parecía paz e idilio ha dejado de serlo.

La capacidad de negociación se transforma en vehículo de supervivencia. Lo entiende Tancredi al enrolarse primero con los garibaldianos y luego con las fuerzas del rey Victor Manuel II una vez que los primeros son vencidos en Aspromonte. Y lo entiende Fabrizio al preferir casar a su sobrino con la burguesía en lugar de luchar en vano contra molinos de viento, pues por mucho que se haya de momento evitado la unificación republicana, el destino ya está de todas formas escrito. En ambos casos, la actitud es la misma, solo que Tancredi, por su juventud, no se lo cuestiona por no tener, como Fabrizio, un pasado con el que entrar en conflicto.

La actuación de Lancaster es no solo magistral sino también sorprendente desde el momento en que alguien habituado a componer personajes del medio oeste norteamericano debe súbitamente meterse en la piel de un decadente noble siciliano. Y la mayoría de las veces no necesita de las palabras para hacernos saber qué está sintiendo o pensando.

Su mundo está muriendo y lo sabe. Visconti lo visualiza de modo genial cuando nos presenta por primera vez a Tancredi, a quien vemos en el espejo mientras Fabrizio se afeita. Son el presente y el pasado, uno que mira hacia adelante y otro hacia atrás. Representan respectivamente los valores que se vienen y los que se están yendo, además de que Fabrizio ve su propia y perdida juventud en la imagen que de su sobrino le devuelve el espejo.

Algo parecido ocurre con Angelica, por la cual Fabrizio termina también sintiendo una atracción que no podrá consumar, salvo en el baile que comparten. Ella es para él lo perdido, la frescura, la espontaneidad de una juventud que ya no volverá y de la cual sabe que se tiene que despedir definitivamente.

En consonancia con ello, la muerte se apodera cada vez más de sus reflexiones, pues está viendo morir su mundo, su clase social, su juventud y, a la larga e inminentemente, también su vida, graficado ello a la perfección en la formidable escena en que contempla la pintura El Hijo Castigado, de Jean-Baptiste Greuze.

El Gatopardo las cosas felices.02

No es por cierto la única alegoría pictórica en el filme. En el momento en que Fabrizio y su familia se trasladan en carruaje desde Palermo hacia Donnafugata y hacen un alto en el camino, tienden un mantel en la hierba y realizan un picnic que rinde claro homenaje a Claude Monet y su pintura El Almuerzo sobre la Hierba: una referencia que dista de ser casual, ya que hay una fuerte atmósfera de calma impresionista impregnando todo el mundo de los Salina, ese al cual se aferran a la vez que ven morir.

El manejo de la imagen es, por cierto, magnífico en toda la película, con tomas increíbles como cuando desde el interior de la iglesia (símbolo del viejo mundo si los hay) vemos al fondo, y a alta velocidad, pasar por la calle los carruajes burgueses que traen las nuevas noticias.

Y el momento máximo llega con la escena del baile que, con sus cuarenta y cinco minutos, adquiere lugar central al representar el ámbito en el cual se encuentran dos mundos. Visconti narra la escena sin darle un eje principal a los diálogos y sin embargo logra que todo se vea y oiga perfectamente coherente, dando en el conjunto y en la aparente anarquía argumental la idea de una sociedad que está cambiando. Cada mínima línea, por aislada y desconectada que pueda parecer, está perfectamente puesta y cada palabra tiene sentido…

Y si hablamos del baile, no podemos evitar hablar de la música, pues no hay que olvidar que Visconti no fue solo un gran director de cine sino también de ópera y ello se ve no solo reflejado en el cuidado puesto en vestuarios y escenografía, sino también en la música misma, pues echa mano de un vals inédito en fa mayor para piano de Giuseppe Verdi con arreglo de Nino Rota, cuya banda sonora da en general a todo el filme el clima justo, ya sea en los momentos dramáticos o en los nostálgicos.

Valoración y Legado

Como hemos dicho, El Gatopardo fue un gran éxito de taquilla y de crítica tanto en Italia como en el resto de Europa y en otras latitudes, habiendo incluso ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes.  Pero no funcionó en Estados Unidos, donde no solo el público no respondió en las salas cinematográficas, sino que además los críticos le fueron también esquivos, ensañándose en particular con Burt Lancaster por su acento norteamericano (la versión en inglés tenía su voz original).

Bueno es aclarar también que allí la película se estrenó con cuarenta minutos menos y, de hecho, las duraciones fueron también diferentes para otros países, pudiendo ir desde dos horas con veinte minutos hasta casi tres horas y media. Con el tiempo, se fueron unificando hasta acabar en los ciento ochenta y cinco minutos con que hoy podemos encontrarla.

A lo que voy: cuarenta minutos menos no es poca cosa y más en una obra como la de Visconti, lo cual queda confirmado por el hecho de que muchos de los mismos críticos que habían denostado la película quedaron maravillados al ver la versión completa y oírla en italiano.

Martin Scorsese la incluye en el listado de las que son a su juicio las doce mejores películas de la historia del cine y, de hecho, fue uno de los que colaboró para la restauración del filme. Es que la influencia del mismo se puede reconocer tanto en directores italianos como estadounidenses o de otras partes del mundo.

Bernardo Bertolucci, sin ir más lejos, las muestra en Novecento (1976) al narrar la lucha de clases desde la relación entre dos amigos inseparables, o bien en El Último Emperador (1987) al contar la decadencia de la clase imperial china a partir de las vivencias de uno de sus integrantes. Y seguramente Ettore Scola habrá visto muchas veces esa escena de baile de cuarenta y cinco minutos antes de rodar la suya propia y extenderla a lo largo de cincuenta años en un único salón, como ocurre precisamente en El Baile (1983).

Tampoco los directores anglosajones han sido ajenos. Ridley Scott toma algo de esa influencia para mostrar la conflictividad social en Los Duelistas (1977), en tanto que David Lynch abre Terciopelo Azul (1986, aquí retro-análisis) con una escena magistral en la cual la aparente paz de un clásico poblado del medio oeste americano se ve interrumpida por el infarto que sufre un hombre mientras riega su jardín, casi un correlato del detalle rupturista que implica el soldado muerto al iniciarse el filme que nos ocupa.

En cuanto al título, hace referencia al felino que aparece en el escudo de armas de la familia Salina pero, a partir de la novela y de la película, dio lugar a la expresión “gatopardismo”, habitualmente usada para referirse a políticos que, para sobrevivir y seguir prendidos al poder, buscan adaptarse a los tiempos, las modas y el contexto imperante.

El Gatopardo es una obra imprescindible para quien ame el cine, pero también para quien guste de ejercerlo profesionalmente y diría de visión obligada para quien pretenda ser director. Una lección con mayúsculas a cargo de un grande como Luchino Visconti que, junto a Scola, Fellini, Bertolucci, De Sica, Monicelli y unos pocos más, integra esa increíble pléyade de realizadores surgidos de la Italia de la guerra y posguerra que dio a la cinematografía de ese país un sello único, personal e inconfundible.

Sin estridencias ni encendidos discursos, es una profunda declaración acerca del paso del tiempo, la pérdida de la juventud y la dificultad para adaptarse a los cambios. Y se sostiene sobre una increíble actuación de Lancaster, secundado muy bien por todo el elenco (impagables Serge Reggiani como Don Ciccio y Romolo Valli como el cura Perrone) y unos sólidos Delon y Cardinale en ascenso que, lamentablemente, nos han dejado entre el año pasado y este (aquí el artículo sobre Delon). Espero que esté compensado el imperdonable desplante para con Claudia. Y prometo que no será el único retro-análisis que la incluya…

Por último, es válido mencionar que la novela El Gatopardo tiene también desde hace poco una adaptación en miniserie que, con seis capítulos, ha sido estrenada el presente año por Netflix.  Quizás haya más adelante momento de hablar de ella…

Hasta pronto y sean felices.

El cómic de la semana: Blacksad Integral 4 El infierno, el silencio. El regreso del gato más noir del noveno arte

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semanaHoy destacamos Blacksad Integral 4. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hay cómics buenos, cómics geniales y luego está Blacksad, esa obra que parece dibujada con tinta, whisky y humo de cigarrillos a medio apagar. Norma Editorial publicó hace un mes el cuarto integral de la serie, El infierno, el silencio, y, amigos, esto no es solo otro tomo bonito para el estante. Esto es una experiencia sensorial, oyes jazz solo con abrir la portada (sale tocando el piano), hueles el crimen en cada viñeta y sientes la decadencia de América a través del pelaje impecable de un gato detective con más moral que el Congreso entero.blacksad 1 El regreso del felino más elegante del noir

John Blacksad vuelve a las calles con su abrigo largo, su voz interior y esa mirada de “he visto demasiadas cosas, pero aún no me rindo”. En El infierno, el silencio, el bueno de John investiga la desaparición de un músico de jazz, un tipo con más talento que sentido común, mientras el Nueva Orleans de los años 50 se desangra entre racismo, corrupción y humo de trompetas.

Es la historia más existencialista del detective, más sucia y más elegante al mismo tiempo. Guarnido y Díaz Canales, como siempre, no hacen un cómic: hacen cine en papel. Hay planos que parecen sacados de una película de Scorsese con animales antropomórficos. Si esto no es arte, que venga Dios y lo dibuje.

El infierno, el silencio y la belleza del caos

El título no engaña, El infierno, el silencio es un cómic sobre el ruido que llevamos dentro. Sobre los demonios personales que rugen cuando todo alrededor parece callar. Y, claro, sobre las trompetas de jazz que rompen el aire con un lamento tan humano que casi se te olvida que el protagonista es un gato que fuma como un condenado.

Guarnido vuelve a demostrar que no hay nadie en el planeta que dibuje así. Su dominio de la luz, del color y del gesto felino raya lo sobrenatural. Cada página es una postal viviente. Si esto fuera un museo, cobrarían entrada. Y Díaz Canales sigue siendo el Raymond Chandler español que no sabíamos que necesitábamos, su guion es poesía callejera, con diálogos tan afilados que podrían afeitarte el alma.

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Norma, gracias por tanto (pero danos más, por favor)

Norma Editorial lo ha vuelto a hacer, edición impecable, papel que huele a gloria (oled el papel, por favor) y extras que hacen sonreír a cualquier amante del proceso creativo. El integral recopila El infierno, el silencio junto a material adicional que muestra bocetos, comentarios y ese tipo de curiosidades que te hacen sentir como si estuvieras espiando a los autores mientras crean magia.

Y sí, la colección integral ya va por su cuarto volumen, y cada uno de ellos es un pedazo de historia del cómic europeo. No es exageración, Blacksad no se lee, se siente.

En resumen: el gato sigue rugiendo

Blacksad Integral 4 El infierno, el silencio es de esas lecturas que te reconcilian con el cómic como arte mayor. Una historia adulta, con alma y con ritmo. Un noir clásico, pero dibujado con la elegancia de un jazzman en su último concierto.

Si aún no has leído Blacksad, no sabes lo que te estás perdiendo. Y si ya lo conoces, sabes que cada integral nuevo es como reencontrarte con un viejo amigo en un bar de mala muerte, donde el whisky es barato y las conversaciones son oro puro.

Así que ya sabes, Blacksad está de vuelta, y el silencio ya no es tan silencioso.

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CUARTA ENTREGA DE LA EDICIÓN ESPECIAL DEL MEJOR NOIR DEL 9º ARTE

Hace 25 años Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido revolucionaron el mundo del cómic con la primera aventura de Blacksad. Conmemoramos este acontecimiento con una edición especial y limitada en gran formato de toda la serie. Cada álbum irá acompañado de una extensa entrevista a los autores, arte inédito y unas espectaculares cubiertas a cargo de Juanjo Guarnido, realizadas expresamente para la ocasión. Una edición coleccionista que ningún fan de la saga debería dejar escapar. Continuamos esta colección con el álbum con el que quizás sea el álbum más emotivo de la serie: El infierno, el silencio.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Norma Editorial y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Blacksad Integral 4

Un saludo y sed felices.