Os doy la bienvenida a esta nueva sección en la que voy a repasar las obras que para mí son fundamentales en mi biblioteca de cómics. Esos ‘Comikazos’ que no paro de recomendar habitualmente a quien me pregunta que leer.
Bienvenidos a mis COMIKAZOS HABITUALES
‘Gunnm’ (o Alita, como fue conocida en España) es uno de esos mangas que marcó mi adolescencia junto con otros clásicos como: ‘El Puño de la Estrella del Norte’, ‘Akira’, ‘Dragon Ball’, ‘Los Caballeros del Zodiaco’.
Las aventuras de Yoko, Gally o Alita (como desees llamar a nuestra protagonista) constan de tres series: ‘Alita, ángel de combate’, ‘Last Order’ y ‘Mars Chronicle’. Aquí solo hablaremos de la primera, que consta (en la versión de Planeta cómics de 2003 que poseo completa) de 12 tomos de lectura occidental.
La historia de este manga comienza cuando Ido encuentra, entre la chatarra que cae de Zalem, la cabeza de una cyborg, decide llevarla a casa y reconstruirla. Alita no recuerda nada de su vida anterior e Ido tratará de criarla como a una adolescente normal, aunque pronto descubrirá que esta cyborg es mucho más y está destinada algo a ser una guerrera de elite.
El universo que Yukito Kishiro crea es lo que realmente lo hace especial a esta obra y como contrapone la vida idílica de Zalem con la del vertedero que hay bajo esa utópica ciudad flotante y como nuestra heroína es más humana y tiene más corazón que muchos humanos que habitan este mundo.
Este universo cyberpunk con toques post-apocalípticos no es solo un telón de fondo para la historia de Alita, es un personaje más, un reflejo de una sociedad dividida y brutal en la que el grande se come al pequeño. Esa mezcla estética del ciberpunk que nos evoca un futuro sombrío y lleno de tecnología, mezclada con el estilo ‘Mad Max’ que es el caldo de cultivo perfecto para una historia de supervivencia, redención y muerte. Un lugar crudo y oscuro en que todavía vemos algún destello de humanidad e inocencia.
Es cierto que no nos vamos a cansar de ver combates y escenas de acción en ‘Gunnm’, pero eso no significa que la obra de Kishiro deje a un lado a los personajes, ya que se toma su tiempo para construirlos de forma que sean el eje central de las tramas. Y en el centro de todo está Alita. Es una protagonista inolvidable porque su viaje es una búsqueda constante de identidad. Desde que Ido la encuentra como un simple torso y le inculca esa inocencia, hasta que se convierte en una de las guerreras más formidables, su evolución es palpable.
Alita no es solo la heroína de este manga, es una muchacha que lucha por encontrar su lugar en un mundo que solo quiere destruirla a cada paso que da o transformarla en algo que ella no desea ser. Sus interacciones con personajes como Ido, el doctor que le da una nueva oportunidad, o con Yugo, el joven que sueña con Zalem, le otorgan una profundidad emocional que a menudo echo en falta en otras obras del género.
Las relaciones que forja y las decisiones que toma son lo que dan forma a su carácter, y es esa complejidad lo que hace que te encariñes con ella y sus compañeros. ‘Gunnm’ es un manga que sabe darle mucho corazón a lo que podría haber pecado de ser acción desenfrenada con una cyborg capaz de ser un arma. Quizas eso ha sido siempre lo que me ha hecho tenerle un cariño especial a esta obra.
Como dije antes, este manga no se olvida de la acción y gracias al Panzer Kunst (el estilo de lucha de Alita) tendremos secuencias de acción espectaculares y violentas, aunque es cierto que después de toda esa ‘pirotecnia’ lo que realmente resuena es el corazón de la historia. Kishiro no se limita a mostrar peleas de cyborgs que nos dejen embobados sin más. ‘Gunnm’ explora temas profundos como la identidad, la memoria, el alma humana y la búsqueda de un propósito.
Las preguntas de qué significa ser humano, o si una máquina puede ser humana, en un mundo lleno de máquinas es el leitmotiv de este manga. Es esta mezcla de acción trepidante con una narrativa introspectiva lo que hace que ‘Gunnm’ sea más que un simple manga de cyborgs dándose de toñas. Es una obra que me ha dejado una impresión duradera y que, sin duda, merece un lugar especial en el recuerdo de quienes la descubrimos en nuestra juventud.
Es verdad que el arte de ‘Gunnm’ ha envejecido increíblemente bien y es una de las razones principales por las que la obra sigue siendo tan relevante y poderosa. El arte de Kishiro no se siente anticuado; se siente atemporal. Su estilo de dibujo detallado y minucioso es fundamental para construir este mundo. Cada viñeta es una mirada a un futuro decadente, pero fascinante con cyborgs, edificios y personas con diseños espectaculares.
Conclusión
‘Gunnm’ (Alita: Ángel de Combate) fue ese manga que me llevó a un mundo atractivo, crudo y con corazón. Un manga con ese toque a cyberpunk sucio y más decadente que me conquistó gracias al dibujo de Kishiro y al carisma de Alita.
Una historia que te enamora gracias a una caterva de personajes con mucho carisma, tanto héroes como villanos, que hacen crecer aun más esta historia.
‘Gunnm’ (Alita: Ángel de Combate) es una clásico que he vuelto a leer con 47 años y me ha vuelto a llevar a esa adolescencia en la que descubrí el mundo del manga que tan buenos momentos me ha dado.
En nuestra sección de retro-análisis, hacemos hoy repaso de Marea Roja (Crimson Tide), drama náutico que, con dirección de Tony Scott y un impresionante duelo actoral entre dos pesos pesados como Denzel Washington y Gene Hackman, llegaba a los cines españoles el 18 de agosto de 1995, tres meses después de haber sido estrenada en Estados Unidos.
No hace mucho el productor Jerry Bruckheimer nos sorprendía con la noticia de que el aclamado thriller submarino Marea Roja (Crimson Tide, 1995) tendría una secuela (aquí artículo). No ha habido demasiadas precisiones al respecto, pero está claro que Tony Scott, director de la original, no podrá ya estar al frente por haber tristemente fallecido en 2012. Y aunque eso no fue obstáculo para hacer secuela de Top Gun, al menos tenían vivo y bien a Tom Cruise, mientras que Gene Hackman nos dejó este año (aquí artículo) y Denzel Washington ya está algo mayor.
Pero más allá de los interrogantes que la anunciada secuela plantee, nos pareció buena oportunidad para revisitar la original en coincidencia con los treinta años de su llegada a los cines y particularmente a España.
Tony Scott, quien durante los ochenta y primeros noventa había sido, a diferencia de su hermano Ridley, sindicado como un realizador exitoso de filmes entretenidos pero de tono ligero y fácilmente consumible (Top Gun, Días de Trueno, El Último Boy Scout) acababa de dar el gran salto hacia propuestas más audaces a partir de su asociación con Quentin Tarantino para Amor a Quemarropa (1993, también conocida según países como Escape Salvaje o La Fuga), en la cual este último ofició como guionista, a pesar de que el propio Scott terminó haciendo arreglos para contar la historia de modo algo más lineal.
Marea Roja, no obstante, nació a partir de una idea de Michael Schiffer, responsable unos años antes de la escritura de la tan elogiada como polémica Colors (Dennis Hopper,1988). Este concibió la historia en colaboración con el reconocido escritor de historias navales Richard P. Henrick y el guion generó de inmediato interés en los productores Jerry Bruckheimer y Don Simpson, quienes fueron en busca de Tony Scott para dirigirla, habida cuenta de que ya habían trabajado con él en Top Gun (1985) y Días de Trueno (1990), ambas películas de las que pueden leer nuestros retro-análisis pinchando en los respectivos links.
Hacer un thriller a bordo de un submarino nuclear no era tarea fácil, pues no era algo que se consiguiera en una feria de usados y requería la colaboración de la marina estadounidense, existiendo el antecedente del aporte que algunos años antes hicieran para el filme La Caza del Octubre Rojo (1990).
Ambas películas, de hecho, tenían algún punto de coincidencia al girar en torno al peligro de una tercera guerra mundial, pero la diferencia es que la de John McTiernan no ofendía en nada a los marinos norteamericanos y, en todo caso, le pasaba el problema a los soviéticos. En Marea Roja, en cambio, el foco estaba sobre los conflictos entre los propios oficiales de la armada estadounidense y los huecos o zonas de nadie que pudiesen generar los protocolos y sistemas de comunicaciones en caso de desencadenarse un conflicto de envergadura mundial.
Al principio, pues, el equipo de producción debió recurrir a engaño haciendo creer a la marina que la trama giraba en torno al fallo de un ordenador a cargo de un submarino nuclear. A nadie podía preocuparle, pues sabían que no tenían ordenadores en tal función y la historia terminaba entonces simplemente en inocentada o, a lo sumo, ciencia ficción.
Se permitió pues a la producción del filme y al propio Scott filmar a bordo del USS Florida para tomar registro del día a día y especialmente de los protocolos para el lanzamiento de misiles en situaciones de emergencia como potenciales incendios, que fueron recreados por medio de simulacros.
La cosa cambió cuando la marina leyó el guion completo y corregido, tomando así conocimiento de que la historia giraba más bien en torno a un conflicto interno con características de motín, lo cual, según la fuerza, jamás había ocurrido a bordo de un submarino estadounidense (de hecho, el guion tenía base real en un episodio que, durante la Crisis de los Misiles, había ocurrido en un submarino soviético y no estadounidense).
Retirada pues la colaboración, se recurrió a la armada francesa para las escenas de interiores en el submarino, como también a las que, sobre el principio y el final, incluyeron un portaaviones. El problema era, claro, el exterior de la nave, pero Scott se enteró de que un submarino de la armada estadounidense estaría por esos días en Pearl Harbour y envió un equipo a conseguir tomas del mismo cuando zarpase o se sumergiese. Así se hizo y, para gran casualidad, el submarino registrado fue precisamente el USS Alabama, en el cual la trama mayormente transcurre…
La Historia
Comenzamos con el cronista de la CNN Richard Valeriani haciendo de sí mismo e informando desde la cubierta del portaaviones francés Foch acerca del complicado cuadro de situación que se cierne sobre el mundo a raíz de recientes sucesos en Rusia derivados de la crisis de Chechenia tras la caída de la Unión Soviética.
De modo general, se puede resumir en que la ayuda de Estados Unidos y otras potencias occidentales a los separatistas chechenos ha puesto a la flamante Federación Rusa al borde de la guerra civil y grupos nacionalistas disconformes con la postura “blanda” de su gobierno se han sublevado y apoderado de bases en el Pacífico con acceso a submarinos nucleares.
De allí pasamos a conocer al capitán de corbeta Ron Hunter (Denzel Washington), en cuyo domicilio se celebra la fiesta de cumpleaños de uno de sus hijos y participa como invitado su camarada y amigo personal, el teniente Roy Zimmer (Viggo Mortensen). Los rostros se tiñen de preocupación ante las noticias que llegan del mundo y ambos reciben citación para embarcarse en el submarino nuclear USS Alabama, haciéndoles ello abrigar los peores temores, al punto de despedirse Hunter de su familia e incluso de su mascota como si fuera para siempre.
Una vez a bordo, traba conocimiento con el capitán Frank Ramsey (Gene Hackman), junto al cual debe desempeñarse como segundo a bordo. Al principio la convivencia es más o menos cordial aunque se advierten caracteres y metodologías diferentes…
Ramsey, quien se define como hombre sencillo y práctico que aplica a rajatabla los reglamentos, se sonríe al leer el legajo de Hunter y comprobar que estudió en Harvard, lo que a sus ojos le convierte en hombre de teoría sin experiencia en la acción directa, mientras que él, por oposición, ha estado en la Guerra del Golfo y en la invasión estadounidense a Panamá, entre otros conflictos.
Los problemas entre ambos comienzan a manifestarse cuando se produce un incendio en la cocina y Ramsey decide desatenderlo ante la aparición de un submarino ruso, terminando el asunto con un tripulante muerto por infarto. La situación de peligro les lleva a navegar a cuatrocientos cincuenta metros de profundidad y durante el descenso reciben un mensaje ordenando armar los misiles y luego un segundo que llega cortado, pero que se inicia hablando de un lanzamiento…
Para Ramsey no hay duda: se trata de la orden de disparar los misiles. Pero Hunter prefiere subir a profundidad de periscopio para poder recibir la parte restante y así confirmar la supuesta orden antes de provocar una masacre y quizás iniciar una tercera guerra mundial.
No contaré cómo se resuelve la historia, pero queda establecido a bordo del submarino un intenso duelo ético y dialéctico entre ambos mientras la cuestión ética divide lealtades también entre la tripulación y un suspenso atrapante nos mantiene absortos hasta el final.
Poniendo en Contexto
A la paranoia de la guerra fría le siguió la de la caída de la Unión Soviética y el cine de los noventa no podía quedar ajeno. La euforia inicial estadounidense por el derrumbe de su acérrimo rival devino pronto en incertidumbre al hacerse evidente que la nueva situación mundial era para la potencia del norte más un problema que una ventaja. Los armamentos de destrucción masiva quedaron diseminados entre un montón de estados nuevos y pequeños o fueron vendidos en el mercado negro. La pesadilla nuclear que nos había desvelado por décadas era más real y tangible que nunca.
De tener un único rival lo suficientemente racional como para sentir idéntico miedo que ellos y ser por ende capaz de sentarse a dialogar condiciones, los Estados Unidos pasaron a tener varios enemigos irracionales que podían lo mismo ser estados nacionales, movimientos ultranacionalistas u organizaciones terroristas. Y, como consecuencia, también ellos se volvieron más irracionales y si el mundo no había sido hasta allí un lugar seguro, ahora lo era mucho menos…
Perdón por esta introducción en la cual me salió de adentro el profesor de historia, pero Marea Roja no se entiende sin ese contexto. Es un filme hijo de esa mencionada paranoia y, como tal, lleno de miedo, angustia e incertidumbre, pero también de autocrítica y reflexión, pudiendo por ello a primera vista sorprender que viniera de Tony Scott, a quien los críticos habían tenido durante los ochenta simplemente como el “hermano menor de Ridley”, dicho esto en el sentido que se prefiera.
De hecho, su película más exitosa había sido Top Gun, que celebraba sin complejo de culpa el orgullo norteamericano (a pesar de ser Scott británico) y exaltaba tanto el culto armamentista propio de la década como los valores individuales ligados a la competencia y el triunfo de los “mejores”. Nada más distinto a Marea Roja…
“Que Dios nos ayude a todos…”
Es cierto que ya Tony Scott había mostrado un crecimiento propio dos años antes con Amor a Quemarropa y quizás la asociación con Tarantino le haya hecho bien, pues no en vano vuelve este a colaborar en el guion de la película que nos ocupa aunque no figure acreditado, siendo la razón de ello que su aporte consistió más que nada en pulir lo escrito por Schiffer en proporción no suficiente como para que el Sindicato de Guionistas reconociera un sustancial aporte de su parte.
Y sin embargo, cuando uno repasa la trama de la película, y muy especialmente los diálogos, su mano se advierte y está muy presente, como en las discusiones sobre si el Silver Surfer de Kirby es superior al deMoebius o en las referencias a Star Trek (puntualmente a Kirk y Scotty), franquicia de la cual Tarantino es declarado fan.
La escena en que todos se apuntan entre sí es también muy tarantinesca, muy semejante a las que, siempre como aquí hacia el final de la película, podemos encontrar en Reservoir Dogs o en Pulp Fiction (aquí retro-análisis): analogía perfecta de una sociedad americana sumida en el caos que transcurre en todos los casos en ambientes reducidos o claustrofóbicos como un depósito, un restaurante o un submarino, viéndose en este último caso aumentada la sensación de agobio y claustrofobia.
Es que, de hecho, Marea Roja es una película claustrofóbica como también minimalista. No estamos viendo una película de submarinos, sino en uno. Y, en contraposición con la mayoría de los filmes náuticos, es más lo que intuimos del océano que lo que lo vemos, pues las escenas más importantes transcurren en opresivos corredores y compartimentos que pasan a ser representación del mundo que está arriba y afuera, con su mismo caos, sus mismos conflictos y sus mismos dilemas morales.
Se pueden, por supuesto, reconocer elementos que remiten a la antes mencionada La Caza del Octubre Rojo, como también y muy especialmente a la alemana El Submarino (Wolfgang Petersen, 1981), pero aquí el submarino es el ámbito del conflicto y las vidas en peligro (prácticamente la humanidad toda) están tanto dentro como fuera del mismo: “Si está equivocado – le dice Ramsey a Hunter antes de que termine de entrar la última parte del mensaje –, que Dios lo ayude”. “Si estoy equivocado – responde Hunter en una de las más geniales líneas de la película –, estamos en guerra. Que Dios nos ayude a todos”.
Duelo de Titanes
Y ya que mencionamos ese diálogo, la película no podría funcionar si dos superlativos actores no entregaran trabajos que están entre los mejores de sus respectivas carreras, ambas tan prolíficas como rutilantes. Washington representa la teoría, la mesura y la reflexión, mientras que Hackman es el pragmatismo, el exceso y la aplicación estricta de las normas militares, único libro que acepta y valora. “Estamos para preservar la democracia, no para practicarla” dice, en la que seguramente es la frase más icónica del filme.
Solo dos actores de tanto carácter pueden sostener una trama que nos mantiene pegados de principio a fin durante los ciento cinco minutos del filme aun a pesar de apoyarse fundamentalmente sobre diálogos y primeros o primerísimos planos. Resulta increíble que la Academia de Hollywood no haya nominado a ninguno de los dos y solo haya otorgado a la película nominaciones técnicas (montaje, sonido y edición de sonido).
Cada uno de ambos logra que sintamos que lo que está en juego nos involucra a todos y si bien podemos tomar partido por alguno de ellos (probablemente por Hunter), también podemos entender la postura de Ramsey que, después de todo, no es que termine siendo el malo en todo esto y la escena final lo demuestra, una vez que el juicio determina que “ambos estaban equivocados y ambos tenían razón”.
La discusión sobre los caballos lipizzanos, por cierto, es genial como analogía, pues Ramsey sostiene que son portugueses y Hunter españoles (en realidad son eslovenos con componente híbrido andaluz), pero lo que da sustancia a esas líneas aparentemente tan pueriles es que, al resaltar sus virtudes, el primero dice que son blancos y el segundo replica que al nacer son negros (lo cual es sorprendentemente cierto y les invito a chequear).
Y si hablamos de racismo, queda para la anécdota el famoso cruce fuera de cámara entre Washington y Tarantino, recriminando el primero al segundo el uso en sus películas de la palabra despectiva “nigger” y poniéndose el asunto entre ambos realmente tenso a pesar de explicar Tarantino que se trataba de jerga de sectores urbanos mayormente marginales. Con el tiempo, el propio Washington admitió que el suyo había sido un juicio apresurado y pidió disculpas al realizador: si les interesa el chismorreo y quieren profundizar, les invito a leer nuestro artículo al respecto.
Para cerrar con los actores, destacar que si bien esta es básicamente una película de dos, no podemos obviar la gran labor de quienes los secundan, como un George Dzundza siempre eficaz o un Viggo Mortensen en ascenso que aún no había sido Aragorn. También ellos pasaron con solvencia la prueba de ser sometidos a primerísimos planos. Y sobre el final hay además una breve aparición del veterano Jason Robards interpretando a uno de los jueces del tribunal de guerra de la marina: todo un guiño, pues el actor fue en su juventud parte de la misma y estuvo en Pearl Harbour el día del bombardeo.
La Música
No quiero, por último, dejar de lado la banda sonora del filme (otra categoría en la cual fue ignorado por la Academia), mostrando Hans Zimmer elementos que le identificarán luego con algunas de las más icónicas que compondría, como las de Piratas del Caribe, Gladiator o Interstellar. Además, sienta bases para mucha de la música del cine náutico que vendría después al poner acento en las cuerdas, los bronces o la percusión, y hasta se permite jugar con cadencias musicales inequívocamente rusas, lo cual guarda desde luego relación con la historia y se aprecia de manera particular en los coros o en machacantes secciones de cuerdas remitentes a Prokófiev.
Sabiendo cuándo sonar dramática, cuando épica, cuándo intrigante y cuándo nostálgica, la banda sonora de Marea Roja es, a mi juicio y a pesar de no ser reconocida habitualmente como tal, una de las mejores compuestas que ha compuesto Zimmer y tiene la doble virtud de funcionar tanto dentro del filme como fuera del mismo. De hecho, la estoy oyendo mientras escribo estas líneas y tengo piel de gallina. Y genial guiño, por cierto, que el personaje interpretado por Mortensen en la película se llame Zimmer.
Valoración Final y Legado
Marea Roja es la muestra cabal de la madurez que, como director, alcanzó Tony Scott en los noventa, de quien diría incluso que sus películas de esa década superaron a las que en ese mismo tiempo hizo su hermano Ridley, una sombra para él demasiado pesada por el respeto que se había ganado de la crítica.
Scott reúne aquí todo lo que tiene que tener una película para ser perfecta: trama atrapante, guion inteligente, diálogos impagables, actores superlativos y una profunda reflexión acerca de la marcha de nuestro mundo que, por cierto, no es hoy muy diferente a lo que la película muestra y los últimos acontecimientos nos hacen sentir que no tenemos control sobre nuestras vidas y pendemos única y exclusivamente de quien tenga acceso a los protocolos de lanzamiento.
Es cierto que el filme se encarga, sobre el final, de aclarar que en Estados Unidos el protocolo fue cambiado para que solo el presidente decida y no un capitán de submarino. No sé si eso es garantía de algo, pero estremece saber que algunas de las últimas decisiones vinculadas a ataques aéreos fueron tomadas por inteligencias artificiales, con lo cual el planteo que, en forma de advertencia, nos hace Marea Roja está no solo vigente sino además fusionado peligrosamente con Terminator y tanta historia apocalíptica que ha dado vueltas por allí. Un cóctel que puede ser fatal… y para todos.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Bogavante Johnson Integral 2 Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Bogavante Johnson Integral 2, el universo de Hellboy sigue en plena forma
Bogavante Johnson Integral 2, el último bastión del justiciero de la pinza. Salido directo del corazón pulposo de Hellboy, este integral recopila historias trepidantes como El Fantasma del Pirata, Monstruos de Metal del Centro de la Ciudad, Una Cadena Forjada en Vida y El Prometeo de Hierro. Todas con guion de Mike Mignola y John Arcudi, y arte de un batallón de ases gráficos, todos capitaneados por Tonci Zonjic. Enorme, intenso y listo para pasar por encima del aburrimiento. Y además os recuerdo que el volumen de este Integral es en tapa dura. Para mi, viene perfecto para la comiteca
Este tomo lo puedes leer de forma independiente y sin problemas. Pero si te quieres meter en el Universo Hellboy he creado en Whakoom, un orden de lectura exclusivo para aquellos que disfrutáis de los integrales en España, que además iré ampliando según se vayan publicando nuevos tomos.
¿Lo mejor? Saber qué vas a encontrar
Este volumen es puro pulp con sabor a pólvora. Acción de la vieja escuela: mafiosos, inventos locos, científicos cadavéricos y mucho, mucho misterio en esa Nueva York Tenebrista que ya empieza a ser nuestra segunda ciudad. Me encanta Nueva York ¿se nota? Cada aventura es un pisotón diferente de estilo y ritmo, lo que hace que la lectura sea como ver episodios autoconclusivos de una serie noir sin tener que esperar a la siguiente temporada. Ningún compromiso, solo la adrenalina como compañera fija.
Arte que no se esconde
Aquí tenemos estilos diversos que juegan al “¿me matas o me enamoras?”. Tonci Zonjic pone prácticamente la firma visual, pero también están Troy Nixey, Kevin Nowlan, Peter Snejbjerg, Toni Fejzula… Y el color de Dave Stewart, que es como el buen vino: no brilla por sí mismo, pero sin él nada adorna. Esa paleta oscura con bloques de negro y un aire decimonónico es puro pulso visual que te da cachetadas con amor. Qué rayada, pero que felicidad al leer estos cómics.
¿Ideal para quién?
Si ya amas el universo Hellboy, esta edición integral es una corona para tu colección. Si nunca has entrado en este universo, es una buena puerta de entrada: sin historia previa, pero con una elegancia narrativa que se atraganta de buena. Si solo quieres acción sin tonterías y una pizca de horror pulp de fondo… ni te lo pienses. Es que lo tiene todo. Para nuevos lectores y para los lectores de toda la vida. Para mi un tomo que hay que tener si o si en tu comiteca. Soy muy pesado pero recomiendo todo lo que sale del Universo Hellboy.
Conclusión Losada-style
Bogavante Johnson Integral 2 es esa joyita que esperabas sin saberlo. Es violento, elegante, clásico, moderno, y con diez bocetos extra que solo hacen que quieras más (oisha esos extras, por ejemplo). Si buscas cómic con sabor, peso y piel crepitando, esta es tu palanca literaria de cabecera. Hazme caso, sal del mundo de los superhéroes y entra en este universo de Hellboy. No te dejará indiferente.
LLEGA EL SEGUNDO Y ÚLTIMO INTEGRAL DE LAS AVENTURAS DEL JUSTICIERO DE LA PINZA!
Salido de las páginas de Hellboy y A.I.D.P., Bogavante Johnson ha maravillado a propios y extraños con sus trepidantes aventuras pulp. Por fin recopiladas en formato integral, llegan las hazañas del justiciero favorito de Hellboy. Incluye historias publicadas anteriormente en: EL FANTASMA DEL PIRATA y LOS MONSTRUOS DE METAL DEL CENTRO DE LA CIUDAD UNA CADENA FORJADA EN VIDA EL PROMETEO DE HIERRO Con el arte de Troy Nixey, Kevin Nowlan, Peter Snejbjerg, Toni Fejzula, Stephen Green, Ben Stenbeck, Tonci Zonjic, Jason Armstrong, Matthew Dow Smith, Ryan Sook y el color de Dave Stewart.
Con sus dos primeros capítulos, Disney+ ha estrenado Alien: Planeta Tierra (Alien: Earth), serie de FX que es la primera en cuarenta y seis años de la franquicia Alien y cuenta como showrunner a Noah Hawley. Hacemos análisis…
Mucha era la expectativa en torno a esta serie, lo cual pueden comprobar con los artículos que en nuestra web le hemos venido dedicando a medida que se iban conociendo detalles o imágenes. Alien: Planeta Tierra funciona como precuela, ubicándose dos años antes de los sucesos de la primera película de la saga (aquí retro-análisis), aquella de Ridley Scott (productor ejecutivo de la serie) que allá por 1979 diera, sin proponérselo, inicio a la franquicia.
Noah Hawley, de ganado prestigio con las excelentes Fargo y Legion(de las cuales pueden leer nuestros análisis pinchando en los correspondientes links) es quien oficia como showrunner, además de ser también director y escritor de los episodios que aquí nos ocupan, los cuales, titulados respectivamente Nunca Jamás y Sr. Octubre, son los dos primeros de los ocho que componen la primera temporada.
¿Cumple con las expectativas? ¿Vale la pena? Previa reseña de lo ocurrido, pasamos a analizarlo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA.
Morrow
Comenzamos con una nave en pleno viaje por el espacio en cercanías de Saturno y sus tripulantes despertando del sueño criogénico cuando faltan cuatro meses para llegar a la Tierra y mientras regresan de una misión de recogida de especies alienígenas de las cuales traen especímenes vivos.
La nave hace recordar bastante a la Nostromo, pero se llama Maginot (difícil que algo pueda terminar bien con ese nombre) y pertenece a la corporación Weyland-Yutani (¿les suena?), una de las cuatro que manejan el planeta e incluso más allá, habiendo entre quienes viajan a bordo un cyborg que, como es moneda corriente en la franquicia, despierta recelos y temores entre los demás.
Razón no les falta: en nuestra siguiente visita a la nave, que ya está cercana a la Tierra, vemos justamente a este, cuyo nombre es Morrow (Babou Ceesay), aislado del resto y manipulando los ordenadores sin siquiera inmutarse cuando le piden ayuda mientras son, uno a uno, masacrados y devorados por un xenomorfo: apenas se limita a informar el estado de la tripulación como “muerta”.
Wendy
El año es 2120 y la humanidad está formada por tipos diferentes, algunos no del todo humanos, entre ellos los mencionados cyborgs, orgánicos pero con partes artificiales, y los sintéticos, artificiales por completo. Sin embargo, la corporación Prodigy, liderada por su excéntrico fundador Boy Kavalier (Samuel Blenkin), está lanzando un tercer tipo al que llaman híbridos y que son cuerpos sintéticos que reciben una conciencia humana.
Conocemos así a una niña de doce años llamada Marcy a la cual su enfermedad condena a muerte, pero se le ofrece la posibilidad de transferir su conciencia a un nuevo cuerpo y vivir para siempre en él: la corporación, de hecho, se jacta de haber vencido a la muerte.
Sin embargo, los niños pierden de allí en más toda conexión con sus familias e incluso se les da por muertos, lo cual sabemos que nunca puede presagiar nada bueno, y tal es también el caso de la niña que nos ocupa. Mientras se realiza la transferencia, imágenes de la película Peter Pan de 1953 son proyectadas por encima de ella y por tal razón elige ser llamada a partir de ahora Wendy.
Pero según le informa la Dama Sylvia (Essie Davis), quien tiene a su cargo la dirección científica del proyecto, el proceso no es perfecto, pues instala una conciencia infantil en un cuerpo adulto y trunca la posibilidad de seguir creciendo, lo cual significa que los individuos pasan a ser algo así como “niños eternos”, haciéndose así todavía más evidente la analogía con la historia de Peter Pan y los “niños perdidos” de Nunca Jamás, mismo nombre al que responde el proyecto.
Enfundada pues en un cuerpo de aspecto símil Amélie al que no entiende por completo, Wendy (Sydney Chandler) es asignada entonces a instruir y preparar a los nuevos niños que participan del proceso y de los cuales pronto hay un nuevo contingente que se convierten en sus amigos.
Al igual que ellos, ha tenido que cortar todo vínculo con su familia, lo cual no le impide seguir a través de monitores a su hermano Joe (Alex Lawther), posibilidad que le permitieron a los fines que se mantuviera tranquila, sosegada y sin provocar ninguna crisis.
Identificado como “Hermit” y creyendo que su hermana ha muerto, Joe se desempeña como médico de las fuerzas de seguridad, destino al cual quiere escapar yendo a estudiar a la universidad en Marte, pero la propia Wendy, sorprendiendo a sus mentores con su habilidad para manipular sistemas y hackear códigos, le cercena esa posibilidad al hacer que su solicitud sea rechazada pues, claro, quiere tenerle cerca y seguirle viendo.
Joe
La Maginot, a todo esto, se estrella en una isla que es propiedad de la corporación Prodigy cargándose un edificio completo. Ello genera el envío de uniformados a la zona (muy pocos, a decir verdad), quienes descubren que, en efecto, la nave pertenece a Yutani…
Desde la corporación rival, pues, llaman a Kavalier para decirle que tiene algo de ellos y solicitan permiso para enviar una misión a recuperarlo, pero él, una especie de niño grande (¿será el primer híbrido?), caprichoso y ávido de desafíos imposibles, replica que la nave se encuentra en su distrito y ha destruido por completo un edificio. A pesar de sus actitudes infantiles, es inteligente y sabe que desde Yutani no querrían recuperar el contenido de la nave si no fuera valioso, por lo que envía más gente a investigar, aunque no demasiada para evitar polvareda…
Mientras tanto, el primer puñado de hombres enviados al lugar ha llegado hasta la misma y entre ellos se encuentra Joe. Se dividen para investigar y dos de ellos son sorprendidos y maniatados por Morrow para terminar víctimas de una criatura miriápoda que se les trepa sin que nada puedan hacer.
Los del otro grupo, del cual forma parte Joe, descubren marcas como de “garras de oso” y constatan que no hay sobrevivientes entre la tripulación, presentando incluso uno de los cuerpos una horrenda abertura en el abdomen. Pronto sabrán que no hay oso, pues son atacados por un xenomorfo y Joe se salva de milagro en un ascensor (¿les suena?), desde donde intenta advertir de la situación a sus superiores pero no logra establecer comunicación: por lo visto, tener señal en ascensores seguirá siendo todavía un problema en el próximo siglo…
Señor Octubre
Resulta que el grupo que Kavalier quiere enviar a investigar la nave y apropiarse de lo que allí haya consiste nada menos que en Wendy y sus “niños perdidos”. Ello genera algún fugaz debate moral con Sylvia, quien arguye que no era ese el sentido original del proyecto, pero parece que no leyó la letra pequeña de Kavalier…
Al frente de ellos, de todos modos, se ubica a un sintético canoso modeloBilly Idol llamado Kirsh (Timothy Oliphant), sujeto de lo más simpático que, por el camino, recuerda a Wendy que en el pasado los humanos eran alimento y con el tiempo olvidaron que, en la cadena alimenticia, lo siguen siendo. También le dice fríamente que su hermano no vivirá para siempre como ella, sino que en algún momento morirá, a lo que Wendy objeta sonriente que eso no ocurrirá. ¿Lo pensará pasar en algún momento a híbrido?
Ya en el lugar, comprueban que Joe está encerrado en el ascensor y Wendy quiere ir a rescatarlo, lo cual Kirsh le autoriza a hacer en compañía de Slightly (Adarsh Gourav), uno de sus amigos híbridos. Van por lo tanto en su búsqueda y, ya escapado del ascensor, lo encuentran en los corredores con la obvia emoción que ello genera en Wendy que, de momento, calla…
Se les suma un grupo de soldados que se reencuentran con Joe y, buscando sobrevivientes en el edificio, dan con un apartamento en el cual un frívolo montón de personas de clase alta con aspecto bizarro y vestuario dieciochesco, celebran una fiesta sin enterarse prácticamente de nada de lo que está ocurriendo ni tan siquiera importarles al ser anoticiados: casi una versión futurista del príncipe Prospero y sus invitados enLa Máscara de la Muerte Roja.
El final que instantes después encuentran, de hecho, no es demasiado diferente al de los protagonistas del célebre cuento dePoe al ser el lugar asaltado por los xenomorfos y hacerse estos un festín. Fuerte y a la vez gracioso ver arrastrarse por el piso al anfitrión prinicipal reducido a medio cuerpo y luciendo aún su cabeza una peluca a lo Mozart…
Morrow, por su parte, envuelve a una de las criaturas con una sustancia que la inmoviliza para luego llevarla a la rastra hasta ser sorprendido por efectivos de la corporación que lo obligan a alzar las manos y mostrar qué lleva. De nada sirve que les advierta lo mal que hacen. Todos acaban víctimas del xenomorfo que le hace después sentir su babeante aliento en la nuca pero, por alguna razón y a pesar de que Morrow se prepara para lo peor haciendo surgir de su mano un arma blanca, acaba por desentenderse de él como si no quisiese o no pudiese atacarle…
Entretanto y en apartamento cercano, Joe encuentra una pelota de béisbol correspondiente al legendario Reggie Jackson, apodado “Señor Octubre”, tal como se llama el segundo capítulo de la serie. Recuerda haber visto con su padre la final de 1977 (interpreto que en filmaciones) y ello reactiva recuerdos familiares que llevan a Wendy a decirle quién es. De más está decir que él no le cree, pero las referencias a situaciones que solo ambos podrían conocer son tantas que sus defensas comienzan a flaquear y finalmente se confunden en un abrazo cuando ella cita una frase de La Edad de Hielo (Disney sigue facturando).
Pero las urgencias mandan y por muy emotivo que sea el especial reencuentro, están allí para resolver otras cosas, lo cual queda claro cuando encuentran en la nave siniestrada un depósito de huevos de xenomorfos a punto de eclosionar. Un ejemplar adulto se lanza en ese momento contra Joe y, como si fueran el Balrog y Gandalf, caen ambos hacia el abismo del edificio, por lo que Wendy encomienda a Slightly que se quede a cuidar el omelette (yo no sé si haría bromas en ese contexto) y sale nuevamente a la búsqueda de su hermano…
Balance de los dos Primeros Episodios
Una de las cosas que me entusiasmó al enterarme de la realización de Alien: Planeta Tierra fue la intención declarada de parte de Noah Hawley de borrar de un plumazo lo de que los xenomorfos habían sido creados como armas biológicas y hacerlos recuperar su carácter de alienígenas por derecho propio, ávidos de saciar su apetito y utilizar a los humanos como receptáculos de sus crías. Nadie los creó… o lo hizo Dios, si así lo prefieres…
Por contrapartida, me desalentaba que la historia transcurriese en la Tierra, lo cual implicaba que los xenomorfos ya nos habían visitado y el fatal encuentro a bordo de la Nostromo no había sido entonces el primer contacto. Y me sigue desalentando, pero trataré de ser lo más objetivo que pueda aun cuando no me guste la premisa…
Con respecto al primero de los puntos, ocurre en Alien: Planeta Tierra algo paradójico, pues si bien los aliens recuperan su lugar como parte de una voraz cadena alimenticia interestelar (el discurso de Kirsh, sin mencionarlos, lo deja claro), la realidad es que siguen siendo igualmente armas o, al menos, esa es la sensación que nos deja lo hecho por Morrow, personaje que responde en principio a Yutani, pero cuyas motivaciones no vemos aún del todo claras…
Mi primera sensación, de hecho, fue que estrelló la nave deliberadamente porque así se lo pidió su corporación, tal vez a los fines de diseminar a los xenomorfos y demás especímenes alienígenas por la isla de Prodigy para destruir a sus competidores. Pero el llamado de una ejecutiva de Yutani reclamando que se les permitiese rescatar el contenido de la nave me hace dudar…
¿Para quién trabaja Morrow entonces y qué persigue? ¿Con qué finalidad arrastra embolsada a una de las criaturas y por qué no lo atacan las mismas cuando es en parte orgánico? La escena en que extiende un cuchillo cual Wolverine deja entrever que él tampoco está seguro de que no lo ataquen, lo cual tiene sentido o, de lo contrario, no se habría aislado al dar vía libre al festín que los xenomorfos se dieron con sus compañeros de tripulación.
En cuanto a lo de ubicar la historia en la Tierra, sigue sin convencerme, pero es evidente que el guion procura restringir el escenario lo más posible para no hacerlo global. Los aliens, como ya hemos tantas veces visto, asustan más cuando hay aislamiento y qué mejor justamente para ello que una isla, potenciada la situación por la orden de Kavalier de que el asunto no se haga público.
No sé hasta qúe punto pueda eso lograrse cuando un edificio ha desaparecido por completo, pero ya estoy imaginando que todo acabará con el expediente alienígena bajo estricta llave, pues en caso contrario no se justificaría el resto de la franquicia o, por lo menos, no los filmes que empujan la cronología hacia adelante.
Hay, no obstante, guiños que demuestran conocimiento del universo Alien. La primera escena en la Maginot, de hecho, se ve casi retrofuturista, pues es la visión que del futuro se tenía a finales de los setenta cuando fue filmada la primera película. Y no son solo los diseños inspirados en H.R. Giger; son también los peinados, el bigote, el fumar en ámbito cerrado a la usanza de la época o los verdes caracteres en pantalla como los de los ordenadores de entonces. Todo el inicio luce encantadoramente retro…
Pero, por otra parte, y es lógico, se buscan acentuar más tanto las luchas entre corporaciones como los conflictos existenciales, en este caso personalizados en los híbridos. Alien: Planeta Tierra termina en ese sentido más cerca de Westworld, Battlestar Galactica (el reboot) o su precuela Caprica, que de los precedentes filmes de la franquicia. Y también se advierten elementos de Blade Runnero hasta de títulos ajenos al género, como Nikita.
La analogía con Peter Pan es muy poética, sobre todo por lo que esa inmortal historia es capaz de generar a nivel de simbolismos y métaforas. No solo el personaje principal se llama Wendy; también tenemos a Slightly a Smee, además de la ya mencionada idea de la “niñez eterna” que tanto (quizás demasiado) encandilaba a Michael Jackson.
Lo lamentable es que alguien tan talentoso como Hawley ceda a las burdas estrategias publicitarias de Disney al no solo incluir escenas de la clásica película animada basada en el personaje, sino también de La Era del Hielo, que no sé qué tiene que ver. Gran paradoja que ello ocurra con una historia que pareciera, justamente, cuestionar el rol de las grandes corporaciones en el mundo actual.
Las actuaciones están bien, pero hasta aquí ninguno destaca, salvo quizás Babou Ceesay como Morrow. En cuanto a Timothy Olyphant, su capacidad nos es bien conocida, pero su personaje no ha tenido todavía el suficiente ruedo para permitírsela demostrar.
También está bien la banda sonora a cargo de Jeff Russo, que de musicalizar ciencia ficción sabe bastante. Y conociendo su apego por el rock (lo mismo que el de Hawley) no sorprende que estos dos primeros episodios se cierren respectivamente con Black Sabbath (The Mob Rules) y Tool (Stinkfist), en ambos casos con letras que encajan perfecto en la historia. Imagino que tendremos un artista diferente cerrando cada futura entrega y ello, por lo menos en mi caso, agrega una intriga extra por saber quién será el próximo…
En definitiva, la primera serie de la franquicia Alien no está mal hasta aquí pero aún no deslumbra. Tiene una razonable factura técnica y una trama entretenida, aunque por momentos algo lenta y con reiteración en manidos recursos de la franquicia como los clásicos “cara a cara” a escasos centímetros de los dientes del xenomorfo. Hay algunos buenos momentos gore y los efectos van bien, pero son desparejos y a veces se ven algo cutres, incluso más que lo que pide la nostalgia.
Para dar un dictamen más acabado habrá que ver si los próximos episodios saben llevar la serie hacia algo nuevo sin perder los fundamentos de la franquicia o, por el contrario, termina la misma fagocitada y no por un xenomorfo sino por un ratón…
Hasta el próximo episodio y sean felices…
Llamamos sinergia a la acción de dos o más causas cuyo efecto es superior a la suma de los efectos individuales. Y sinergia pura es lo que podemos contemplar en La mano y los seis dedos, tremendo thriller futurista que se ha convertido en el mejor cómic que he leído en lo que llevamos de 2025.
Aunque ha sido publicada de forma integral por Norma Editorial (otro acierto más de esta editorial), el tomo realmente está compuesto de dos series con equipos creativos distintos que se han ido alternando hasta un número de 10 entregas. No me quiero ni imaginar como habría valorado la serie si, en lugar de leer este magistral noir del tirón, hubiera tenido que esperar semana tras semana a cada uno de estos giros. El impacto hubiera sido, si cabe, aún mayor.
La primera serie es La mano, centrada en el detective Ari Nassar en la ciudad de Neo Novena, situada en el siglo XXIX. A punto de jubilarse, le informan de que ha aparecido un cadáver con el mismo modus operandi que el asesino de la mano, un criminal al que Ari detuvo…dos veces. Al original y a un imitador, siendo las investigaciones en las que se ha basado una carrera llena de éxitos.
La mano viene firmada por Ram V, uno de los grandes nombres del momento en la escena norteamericana, responsable de grandes títulos como Las muchas muertes de Laila Starr, Blue in Green o Costas Salvajes, además de ser un habitual hoy en día en DC con trabajos como Detective Comics. El arte recaía sobre Laurence Campbell, un autor inglés habitual en 2000 AD y presente en títulos como Punisher Max.
Enmarcada dentro de un noir clásico, aunque ambientado en una ciudad futurista, recuerda a clásicos como Seven o Blade Runner. El dibujo de Campbell, oscuro y difuminado, casa a la perfección con este tipo de historia, con un protagonista crepuscular, con sus luces y sombras.
La segunda historia, Los seis dedos, se enfoca en Johannes Vale, un estudiante de Arqueología que presenta episodios disociativos en los que se descubre matando como el Asesino de la mano. El joven intentará averiguar qué está ocurriendo antes de que la policía le descubra.
Los seis dedos está escrita por Dan Watters, otro guionista en ciernes de la escena USA al que hemos disfrutado en trabajos como Home Sick Pilots, Coffin Bound o Batman: Dark Patterns. En el lado del lápiz tenemos a Sumit Kumar, maravilloso artista al que descubrimos gracias a Costas Salvajes.
Mientras que La mano es un noir de tintes más clásicos, Los seis dedos parte de una narrativa más psicológica con un dibujo totalmente opuesto, más colorido y que refleja a la perfección que el protagonista de esta serie es un joven con ansias de descubrir, al contrario que el viejo detective de La mano.
Lo que vemos a lo largo del tomo es una continua alternancia de estas historias. Así, las acciones de Ari Nassar y Johannes Vale trascurren en paralelo. Cuando terminamos el primer número de La mano, el equivalente de Los seis dedos inicia la acciones del otro protagonista y lo deja en el mismo momento que en La mano. Así, se establece un original juego del gato y el ratón que no os va a permitir apartar la vista del cómic.
Además, aunque comienza como un thriller de asesinos en serie al más puro estilo noventero, La mano y los seis dedos termina convirtiéndose en algo mucho más profundo y trascendental de lo que nos podríamos imaginar al iniciar la lectura del tomo.
Vamos, que no sé qué hacéis leyéndome a mí y no corriendo a por un ejemplar.
UN THRILLER QUE TE FASCINARÁ SI DISFRUTASTE DE SEVEN, BLADE RUNNER, GHOST IN THE SHELL O BLACK MIRROR
La mano y los seis dedos cuenta la historia de Ari Nasser, un curtido detective de homicidios en la ciudad de Neo Novena que está a punto de jubilarse con un expediente impecable, hasta que tiene lugar un brutal asesinato con todas las evidencias de haber sido cometido por el Asesino de la Mano… circunstancia que debería ser imposible, puesto que Ari ya había atrapado a dicho criminal y supuestamente sigue encarcelado.
Entretanto, el fracasado estudiante de arqueología Johannes Vale ha sido siempre un maniático del control de su vida. Pero cuando comete un aberrante asesinato siguiendo el modus operandi de un famoso asesino en serie, todo empieza a salirse de su control… y, por si fuera poco, Johannes no recuerda haber perpetrado ese crimen.
Lo que sigue es un juego letal del gato y el ratón, narrado a través de sus dos protagonistas en paralelo. Ambos hombres no se detendrán ante nada hasta descifrar los secretos y enigmas de este caso, pero cada revelación los acerca un paso más al oscuro corazón de esta metrópolis futurista.
De la mano de la nominada al Óscar Celine Song, que regresa como directora y guionista, llega a la gran pantalla Materialistas, una película con un reparto de lujo encabezado por Dakota Johnson, Pedro Pascal y Chris Evans, que pretende ser una crítica a las citas y al amor en la actualidad.
La película nos presenta a Lucy (Dakota Johnson), una casamentera en Nueva York que ayuda a la gente a encontrar a su pareja ideal. Lucy cuenta con un sistema mediante el cual compara requisitos para determinar la mejor opción para sus clientes. En la boda de una de ellas, conoce a Harry (Pedro Pascal), un empresario de éxito que se interesa por ella y en el que Lucy ve todo lo que busca en un hombre: es millonario, atento y la hace sentirse valorada. En esa misma fiesta se reencuentra con John(Chris Evans), su antigua pareja, que atraviesa una situación opuesta, pero cuyo regreso despierta en Lucy sentimientos que creía olvidados.
Sus diálogos
Celine Song es la directora de la nominada al Óscar Vidas pasadas, donde ya dejaba entrever su estilo a la hora de abordar una historia de amor. En su nueva cinta lo explota al máximo: cada personaje tiene su momento de interacción en el que se intercambian ideas, pensamientos y sentimientos. Cada conversación resulta única y transmite la sensación de que, de verdad, se forjan lazos a partir de ellas.
En la película se tratan distintas temáticas, y ninguna desentona. Todas están bien desarrolladas. Se abordan cuestiones como el materialismo, el amor a primera vista o la importancia del dinero en una relación. La cinta toma estos elementos y los aprovecha al máximo para ofrecer una propuesta con muchísimo corazón, en la que se exponen tantas ideas y sentimientos profundos que resulta imposible no cautivar al espectador. Cada escena transmite la impresión de que se están tratando asuntos muy relevantes, lo que a su vez provoca que el público reflexione mientras la ve.
Al mismo tiempo, la película coloca a sus personajes en situaciones complicadas. No se limita a diálogos bonitos sobre el amor, sino que hace que sus protagonistas evolucionen y aprendan a medida que avanza la trama. Este es uno de sus grandes aciertos, ya que no se queda en una historia romántica convencional, sino que logra ir más allá y convertirse en un complejo estudio sobre las relaciones actuales y sobre el amor en sí.
Su cast
El reparto de la cinta es de lo mejor, ya que ninguno desentona. Pedro Pascal ofrece una interpretación muy interesante, alejándose de sus papeles más convencionales. No se apoya únicamente en su carisma, sino que muestra una faceta más seria, con diálogos profundos y en situaciones cargadas de emoción que consigue transmitir con gran acierto, dotando a su personaje de un trasfondo sólido.
Chris Evans, por su parte, irradia carisma y se adueña de cada escena en la que aparece, ofreciendo una interpretación que, además, resulta conmovedora por las circunstancias que atraviesa su personaje. A pesar de ser el menos desarrollado de los tres protagonistas, Evans logra que resulte enormemente querido, llenando la pantalla con su presencia.
Pero quien, sin lugar a dudas, se adueña de la película es Dakota Johnson. Su actuación es sobresaliente: encarna a la perfección las dudas que surgen al llegar a la treintena y los cuestionamientos internos que generan las relaciones. Johnson sostiene la película sobre sus hombros, ya que su personaje es el que más sufre y atraviesa distintas crisis nada fáciles de interpretar. Sin embargo, las afronta con gran solvencia, logrando que el público empatice profundamente con ella.
El marketing de la cinta
Sin lugar a dudas, el marketing de la película le juega en contra, ya que se ha promocionado como una comedia romántica, cuando en realidad no lo es en absoluto. Si bien cuenta con algunos momentos de humor, estos son puntuales. La cinta tiene un tono mucho más serio y, en lugar de decantarse por la comedia, se presenta como un análisis incómodo y honesto de las relaciones actuales. Este enfoque promocional erróneo juega en su contra, ya que puede confundir al espectador que acude esperando ver una comedia romántica y, aunque se encuentre con una buena película, quizás no sea lo que buscaba.
Otro aspecto es que, en los tráilers, la cinta se presenta como un triángulo amoroso, algo que tampoco es del todo cierto. Si bien Lucy vive distintas situaciones con ambos hombres, no se trata de una competición entre Harry y John. Es más bien una serie de acontecimientos que la colocan en diferentes contextos junto a cada uno, sin necesidad de que compitan por su amor.
Materialistas es una gran película, pero su campaña de marketing puede resultar confusa y generar expectativas equivocadas.
Demasiado tibia?
En Vidas pasadas, Celine Song abordaba una faceta más compleja del amor: el amor imposible. En Materialistas, en cambio, se centra en cuestiones diferentes, como el materialismo, la importancia de lo económico en las relaciones y si realmente lo material puede hacer felices a las personas. Es un planteamiento excelente, aunque en ocasiones puede sentirse algo incompleto.
El desenlace de la película puede resultar divisivo, ya que no es del todo realista. Esto podría provocar que algunos espectadores terminen con un sabor de boca agridulce y se sientan poco identificados con la resolución de la trama. Personalmente, considero que la cinta mantiene la coherencia con la evolución de su historia, aunque parte de su desarrollo recurre a ciertos clichés. Esto no es necesariamente negativo, pero puede incomodar a quienes esperen que asuma mayores riesgos narrativos.
En conclusión, Materialistas es una película que no ha sabido venderse correctamente y que, en algunos tramos, puede resultar algo vaga en el desarrollo de su historia. Sin embargo, cuenta con diálogos y momentos de gran belleza que invitan al espectador a reflexionar o a sentirse identificado. Por todo ello —y por su capacidad para consolidar a Celine Song como una de las directoras más interesantes de la actualidad— merece la pena verla en la gran pantalla.
Starz ha estrenado finalmente la esperada Outlander: Sangre de mi Sangre, precuela de la exitosa serie de amor y viajes en el tiempo basada en la saga de novelas de Diana Gabaldon. Vistos los dos primeros episodios, cuyos títulos son Providencia y Sellado con un Beso, analizamos lo que ha sido el comienzo de esta propuesta que puede ser vista en España a través de Movistar+ y en Latinoamérica por Disney+. A ver qué ha ocurrido…
Todo fan de Outlander sabe que “Sangre de mi Sangre” (Blood of my Blood) es la expresión ya icónica con la cual Jamie Fraser resumió su amor eterno por Claire Beauchamp y que, de hecho, dio título al episodio 6 de la temporada 4 en que la dijo por primera vez. Poniéndonos más finos y a la vez mundanos, también todo fan sabe que los padres de Claire murieron en un accidente siendo ella pequeña o, al menos, eso es lo que nos dijo y nos dijeron…
Pues resulta que no: buena parte de la premisa argumental de Outlander: Sangre de mi Sangre se basa en que eso fue lo que Claire creyó o le contaron, pero la verdad fue que sus padres, tras el accidente, se convirtieron en viajeros del tiempo, lo cual nos lleva a preguntarnos cómo se habrá justificado en su momento la no aparición de los cuerpos o por qué Claire nunca hizo referencia a que no hubieran sido hallados.
Ok, tenemos entonces que comenzar aceptando que partimos de una premisa algo absurda, pero también sabemos que esto es Outlander y la serie principal ya nos acostumbró, sobre todo a partir de su tercera temporada, a naturalizar las incoherencias argumentales como parte del folklore mismo de su universo.
Outlander: Sangre de mi Sangre es una serie que, creada por Matthew Roberts y estrenada hace apenas días, funciona como spin-off y precuela de Outlander, cuyos análisis pueden leer aquí. Y aunque la propia Diana Gabaldon escriba los dos últimos episodios de la primera temporada, la historia que se cuenta no se basa específicamente en ninguno de sus libros sino en el universo y personajes por ella creados (fascinantes, por cierto, más allá de que se hayan ido poco a poco bastardeando).
Un universo que tiene muchos (y sobre todo muchas) fans, haciendo ello entendible la expectativa por esta precuela, al punto de haber sido ya la serie renovada para una segunda temporada antes de estrenarse la primera: no sé si habrá muchos casos. A ver qué nos ha dejado este comienzo y cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA.
Tensión en los Highlands
Los dos primeros episodios (la temporada se compone de diez) fueron subidos de un tirón y está bien que así sea porque claramente se complementan entre al contarnos una historia en dos líneas temporales principales más las secundarias (con flashbacks y flashforwards llego a contar cinco). Estas siguen, de manera separada pero tendiendo a confluir, a los respectivos padres de Jamie y Claire (de allí la diferencia temporal, pues median dos siglos entre los nacimientos de ambos): Brian Fraser (Jamie Roy) y Ellen Mackenzie (Harriet Slater) por un lado; Henry Beauchamp (Jeremy Irvine) y Julia Moritson (Hermione Corfield) por el otro.
De hecho, y antes de llegar al accidente de auto, que recién aparece hacia el final de un largo primer capítulo de una hora y veinte minutos, nuestra historia comienza en Escocia y qué bueno volver allí después de que esa entrañable y mística tierra fuera poco a poco desapareciendo de la serie principal en la medida en que la trama americana se la iba devorando. Impagable volver a las gaitas y los tartanes en neblinosos paisajes de colinas trashumadas por pastores con sus rebaños mientras los clanes mantienen entre sí una cierta convivencia pero también una tensa competencia.
El año es 1714 y en el castillo de Leoch, propiedad de los Mackenzie, tiene lugar el funeral de Jacob, el Rojo (Peter Mullan), quien fuera líder de dicho clan. A pesar de tener dos hijos y tres hijas, no ha dejado ningún testamento sucesorio y ello crea un clima incierto al cual asoman también sus cabezas los clanes vecinos interesados en sus tierras, particularmente los Fraser y los Grant, con los cuales se practica una forzada diplomacia, pero está claro que hay rivalidades, tensiones y celos, muy especialmente con los primeros.
Colum (Séamus McLean Ross) y Dougal (Sam Retford), los hijos varones del fallecido, nos son conocidos, aunque en versiones mayores. Y son el día y la noche: “uno no puede caminar y el otro no puede pensar” sintetiza su padre en uno de los flashbacks que lo muestran haciendo migas con su hija Ellen,con la que al parecer no solo tenía buena relación sino que veía en ella mejores dotes de liderazgo que en sus hijos pero, claro, era mujer, lo cual, en comentario que cuadra perfecto a un rudo escocés de la época, le llevaba a lamentar que no hubiera “nacido con un pene”.
Las características de ambos hermanos son parecidas a las que luego les veremos potenciadas. Dougal es impulsivo y terriblemente pendenciero, además de propenso al sexo fácil con quien sea, mientras que su cojo hermano Colum es, por el contrario, moderado, cerebral y diplomático, al punto de intentar, mayormente sin éxito, llamar a Dougal a la razón cada vez que este la pierde, lo cual le ocurre seguido. Pero que ni ello ni su discapacidad nos hagan verle como el bueno porque sabemos que tiene lo suyo y ya aquí lo demuestra.
Por detrás de ellos, mirando desde afuera y sabiendo que no compiten en el reparto, tenemos a las mujeres: por un lado la mencionada Ellen, independiente y con un algo anacrónico discurso feminista; por el otro, sus hermanas Janet (Ailsa Davison) y nuestra conocida Jocasta (Sadhbh Malin), ambas en versiones juveniles.
En cuanto a los Fraser, su resentimiento con los Mackenzie procede del hecho de considerar que estos les han robado tierras, las cuales ansían y esperan recuperar ahora que el viejo Jacob ha muerto y por tal razón asistirán a la reunión y asamblea que se celebrará en el castillo Leoch tras el funeral del mismo.
Al menos así lo ve el ambicioso e inescrupuloso Simon Fraser (Tony Curran), pero no tanto sus «hijos» (en realidad solo uno lo es biológicamente) Brian y Murtagh (Rory Alexander), quienes parecen más interesados en muchachas, lo que no quita que sean respetuosos y no anden por allí como aves de presa al acecho.
Llama la atención asimismo entre los Fraser la presencia de una “sassenach”, una muchacha inglesa que se desempeña como criada y que no parece estar allí desde hace mucho, ya que que el ama de llaves Savina Porter (Sara Vickers) le recomienda especialmente no quedarse nunca a solas con el señor Simon, algo que debería ya saber quien tenga de él un conocimiento más o menos extendido en el tiempo.
Encuentro en el Puente
La reunión en Leoch se celebra entre diplomacia y tensión, particularmente con Dougal, quien está convencido de que los Fraser han estado recientemente involucrados en robos de ganado contra su propiedad. Colum logra evitar una gresca mayor pero Brian, sin comerla ni beberla, debe apartarse para evitar más problemas. Y vemos que también los Grant tienen su propio sassenach, pero en este caso es hombre y parece pasarlo mejor, ya que es el vocero de la familia.
Cuando Ellen sale afuera hastiada de tanto libidinoso arrastrándole el ala, se cruza con Malcolm Grant, que se pone zalamero y cargoso. Sacándoselo finalmente de encima y camino a Inverness, llega al puente que atraviesa el río y al otro lado se halla Brian que, a diferencia de Malcolm, se comporta de modo amable y, como Ellen, no parece encajar mucho con los eventos sociales.
Se trata, y bien lo sabemos, del primer cruce entre los padres de Jamie y la atracción mutua se evidencia en que se van acercando hasta encontrarse en medio del puente e incluso tocarse, pero la química se corta abruptamente al enterarse ella que él es un Fraser y aparece en escena el síndrome Montesco-Capuleto, pues Ellen, y así se lo dice, es perfectamente consciente de que su familia jamás aprobaría siquiera que conversasen.
En el castillo, entretanto, extrañan su presencia y Dougal se pone nervioso. Al ser anoticiado de que su hermana fue vista por última vez con uno de los Grant y habiéndose estos ya retirado, sale tras ellos y acaba propinándole una dura golpiza a Malcolm. La posterior reaparición de Ellen pone las piezas en su lugar, pero deja mal parados a los Mackenzie, por lo que Colum, siempre negociador, propone en matrimonio a Ellen a los efectos de zanjar la disputa, y de paso, obtener con los Grant una alianza que podría serles beneficiosa contra los Fraser. Ellen, por supuesto, ni enterada…
El Amor y la Guerra
La otra historia narrada en estos dos capítulos y que ya se filtra desde el final del primero es la de Henry y Julia, es decir los padres de Claire, a los cuales, en un salto temporal, vemos como feliz matrimonio inglés de los locos años veinte. Según lo que cuentan, ella espera un niño (que no es Claire, quien al parecer ya existe y es pequeña pero está en ese momento con sus tíos) y viajan relajadamente en un Fort T por las colinas escocesas hasta que súbitamente se les cruza un ciervo rojo (muy de la zona) y, al tratar de esquivarlo, el auto da la vuelta completa y ellos van a parar al río…
Aquí es donde seguramente todos supusimos que morían, al menos de acuerdo a la versión que de parte de Claire siempre hemos conocido. Pero resulta que el río les arrastra y cuando logran, extenuados, llegar a la orilla, no tienen mucha idea de donde están. Cuando ella se sube a una colina para tratar de determinarlo, se encuentra con un círculo de piedras al que inmediatamente reconocemos como el de Craigh na Dun. Y de pronto, al igual que años después ocurrirá con su hija, Julia ya no está…
Un flashback nos lleva a los tiempos de la primera guerra mundial, cuando Henry servía destacado en el frente occidental de Bélgica mientras que Julia lo hacía como parte del servicio de comunicaciones británico. Una carta abiera de él (es decir no dirigida específicamente a nadie) en la cual se preguntaba sobre el sentido de la guerra y de tanta muerte, llegó a manos de ella y decidió responderle, naciendo una relación epistolar en la cual cada uno se consustanciaba con las palabras del otro hasta que finalmente se conocieron en Londres, naciendo así la relación que luego se plasmaría en matrimonio.
El Cuento de la Criada
¿Qué ha pasado con Julia y adónde ha ido a parar? Pues, como ya podemos suponer, sigue en los highlands, pero en el siglo XVIII, lo cual, desde luego, ella no sabe. No habiendo rastro de Henry y a los fines de dejarle alguna pista para que la encuentre, escribe en una roca la sigla SWAK, es decir “sellado con un beso” (sealed with a kiss), en clara referencia al modo en que ambos cerraban sus cartas cuando mantenían correspondencia.
Les pregunta a unos carreteros dónde está o si han visto a su esposo, pero estos le responden en gaélico y luego, de forma brutal, le terminan simplemente echando un saco a la cabeza y dejándola inconsciente de un golpe para llevarla como mercancía a los Fraser por una deuda que tienen con ellos.
Julia es, por lo tanto, la “sassenach” a la cual viéramos antes desempeñarse como servicio doméstico en una relación casi de esclavitud y sufriendo el acoso de Simon Fraser. Intenta escapar y se cruza con Brian, quien no la detiene, pero termina recapturada y él acaba por echarse la culpa de su fuga por habérsela supuestamente sugerido y, en escen a que ya hemos visto infinidad de veces en distintas formas, se somete a los veinte latigazos que debería ella recibir.
El masoquismo, ya sabemos, es un clásico del universo Outlander, tanto o más que las escenas de sexo a razón de una o dos por capítulo y esta serie no iba a ser la excepción. Hay que decir, eso sí, que aún no han caído en el morbo de mostrar la lacerada espalda de Brian como tantas veces se hiciera con la de Jamie, pero se me ocurre que es solo cuestión de tiempo…
Sellado con un Beso
¿Y qué pasó en el siglo XX con Henry? Pues él también ha llegado hasta el círculo de piedras y, después de leer la inscripción por ella dejada (y que lleva allí doscientos años) termina yendo a parar al pasado, pero no se encuentra con Julia debido a que ha sido capturada y está con los Fraser. Sin saber por dónde anda ni mucho menos cuándo, el destino le cruza con los Grant en una posada cercana donde pregunta infructuosamente por su esposa.
Su ojo de abogado le hace percibir que estos están siendo timados por otro clan con el cual están en tratativas, pero al hacerles un comentario al respecto, los Grant se irritan y casi acaba de cabeza en un foso de no ser por la oportuna intervención de Malcolm que, tras obligarle a repetir lo que dijo, le lleva ante su padre para que le ponga al tanto de sus observaciones y así es cómo, finalmente, Henry termina convirtiéndose en vocero de ellos en reemplazo del anterior, cuyo corrupto proceder le hace acabar con una cabeza en una pica.
Henry es entonces, por supuesto, el sassenach que viéramos antes con ellos en la reunión de Leoch, la cual ocurre tres meses después de su llegada. No se ha cruzado pues con Julia y ninguno de ambos tiene de hecho idea de dónde anda el otro, no obstante lo cual, y replicando la forma en que se conocieran, ambos escriben sendas cartas abiertas en las que expresan cuánto se extrañan y que terminan sellando con un beso. Habrá que ver de qué forma podrá cada una de las mismas ser leída respectivamente por el otro…
Balance de los dos Primeros Episodios
No se puede decir que no haya sido un comienzo entretenido y el regresar a Escocia nos trajo gran nostalgia de aquellas primeras temporadas de la serie principal, cuando todavía no había desbarrancado. Pero eso no quiere decir que el inicio no haya tenido puntos débiles…
No hablemos ya del accidente de los Beauchamp porque, como ya hemos dicho, los deus ex machina son moneda corriente de Outlander y estamos acostumbrados, no sé si para bien o para mal. Pero el arco de los padres de Claire, si bien es de los dos el que más ha avanzado, vuelve a pisar terreno ya demasiado transitado al contarnos prácticamente para Julia la misma historia que después tocará vivir a su hija. Y algo parecido ocurre con Brian y los latigazos que recibe por ella. La nostalgia deja de ser nostalgia cuando se utiliza para hacer otra vez lo mismo…
Ello sin hablar de la increíble casualidad de que toque a los padres de Claire vivir la misma historia que a ella, con lo cual, si no me fallan las cuentas, ya son cuatro las generaciones de viajeros del tiempo en esa familia: suena a mucho y es difícil creer que en el siglo XX no haya para esta altura más gente al tanto de lo que las piedras producen cuando parece ser tan fácil no solo encontrarlas sino también cruzarlas…
En cuanto a la trama de los clanes escoceses, se presenta interesante pero demasiado recargada de personajes para un episodio inicial, pues tenemos que familiarizarnos en menos de hora y media con los jefes, con sus hijos, con sus voceros y con sus empleados, más allá de que algunos nos sean ya conocidos. Y si hablamos de personajes, los cuatro principales se ven demasiado correctos, amables, perfectos y sin matiz alguno, más aún que los propios Jamie y Claire, lo cual es mucho decir…
Ninguno de los cuatro actores que los interpretan se destaca hasta aquí de manera especial aunque todos estén correctos (prácticamente lo mismo que puede decirse del resto del elenco) y, por supuesto, son atractivos o no estarían aquí.
Hay que reconocer, de todos modos, que Jamie Roy (parece un chiste que se llame Jamie) y Hermione Corfield, más allá del increíble parecido físico por el que seguramente han sido elegidos para los roles, cumplen con creces al reproducir a la perfección cada gesto, tono o acento que respectivamente caracterizarán después a Jamie y Claire, los hijos de sus personajes.
Eso sí: produce algo de extrañeza que Brian actúe como el Jamie educado, moderado y moldeado ya por Claire que conocimos después de la segunda temporada de Outlander en lugar del rudo montañés de los primeros episodios, lo cual hubiera sido mas lógico.
El terreno, por otra parte, está dado para jugar con el morbo, pues aquí puede haber atracción mutua entre Brian y Julia, sobre todo si ella sigue sin encontrarse con Henry que, a su vez, podría cruzarse con Ellen y dar también lugar a una de esas historias que tanto gustan al fanservice. Conociendo el estilo de los responsables de Outlander, no creo que se lo pierdan…
Otro punto interesante es que Julia esté embarazada. ¿Nacerá finalmente ese hijo? No lo sabemos, pero se abren varios interrogantes desde el momento en que posiblemente Claire tenga un hermano en el siglo XVIII y nunca se haya enterado. ¿Llegarán a conocerse en la serie principal? De ser así, les queda solo una temporada para hacerlo y sería una buena forma de promocionar esta precuela para que vaya tomando la posta, lo cual interpreto que es la intención.
Todo esto lleva a una pregunta que se impone como casi obligatoria: ¿puede esta serie ser vista sin problemas por alguien que no haya visto la principal? Pues quitando el hecho de que honestamente no creo que haya nadie en esa condición, ya que este es claramente un producto destinado a fans, digamos que, en caso de que así fuera, podría perfectamente seguir la historia, pero no reconocer los toques visuales o argumentales que generan compromiso emocional.
Entre los puntos a favor cabe destacar la ambientación de época, tanto para la Escocia del siglo XVIII como para la del siglo XX y con un enorme trabajo de peinadores y maquilladores, además de la formidable recreación del frente occidental que, tanto desde lo estético como desde lo conceptual, es claramente deudora de la película que en los últimos tiempos más ha influido en el cine bélico: 1917 (aquí nuestra crítica).
También se luce la fotografía que, asumiendo un sello propio, es bastante más monócroma que la de Outlander y con una maravillosa textura cinematográfica que remite a las mejores series británicas de la BBC (me recuerda mucho a la primera temporada de The Last Kingdom), como también la bella banda sonora a cargo de Bear McCreary, que aprovecha el marco que da Escocia para nutriste del folklore de los highlands y qué bueno que así sea.
En fin, Outlander: Sangre de mi Sangre, ha comenzado con luces y sombras, yendo mayormente sus fortalezas por el lado técnico y sus debilidades por el guion. Pero al igual que la serie principal, genera un extraño magnetismo que hace que, por muy disparatado que sea lo que nos cuenten, quedemos inevitablemente pendientes de saber qué pasará en el próximo episodio.
Les esperamos para analizarlo cuando llegue. Hasta entonces y sean felices…
La animación 3D, un pilar esencial de la industria
La animación 3D es uno de los elementos más importantes y diferenciadores en la creación de videojuegos modernos. Desde los movimientos fluidos de un personaje en un RPG hasta las cinemáticas espectaculares que acompañan a los títulos AAA, el proceso de dar vida a modelos tridimensionales combina creatividad, técnica y un dominio avanzado de las herramientas digitales. Lograr que un personaje respire, se mueva y transmita emociones requiere de un trabajo preciso en múltiples etapas, donde la coordinación entre artistas, programadores y diseñadores es clave.
Un grado único en Canarias y de referencia en España
En la Universidad del Atlántico Medio, ofrecemos el Grado en Creación Digital, Animación y Desarrollo de Videojuegos, el único en Canarias y uno de los pocos en toda España que está 100% enfocado en la animación, la creación digital y el desarrollo de videojuegos. Este carácter exclusivo nos posiciona como un referente formativo en el sector, atrayendo tanto a estudiantes locales como a talento nacional e internacional que busca una preparación universitaria completa, actualizada y orientada a la realidad de la industria.
En este grado en diseño y desarrollo de videojuegos, la animación 3D no es una materia aislada, sino un eje transversal que se integra en múltiples asignaturas y proyectos prácticos, permitiendo al alumnado desarrollar competencias artísticas y técnicas desde el primer curso.
En asignaturas como Modelado 3D, Animación 3D y Escultura Digital, los estudiantes aprenden a crear personajes y objetos desde cero, pasando por todas las fases de producción hasta su integración en motores gráficos avanzados como Unity y Unreal Engine. Este enfoque garantiza que el aprendizaje se produzca utilizando los mismos flujos de trabajo y tecnologías que emplea la industria.
El proceso para dar vida a un personaje animado
Concept Art: El proceso comienza con el diseño en 2D, donde se define la estética, la personalidad y las proporciones del personaje.
Modelado 3D: Con herramientas como Maya o ZBrush, se esculpe el modelo digital cuidando cada detalle anatómico y estilístico.
Rigging y Skinning: Se construye un esqueleto digital y se ajusta la malla para que los movimientos sean naturales y precisos.
Animación: Se aplican principios clásicos como squash & stretch, anticipación y timing para que cada gesto resulte creíble y expresivo.
Integración en el videojuego: Finalmente, el modelo animado se incorpora al motor gráfico, optimizando su rendimiento e interacción con el entorno y las mecánicas del juego.
Proyección profesional y oportunidades
La demanda de animadores 3D especializados sigue creciendo en videojuegos, cine, publicidad, simuladores y realidad virtual. Nuestros egresados salen con un portafolio profesional que demuestra su capacidad para afrontar proyectos completos, algo muy valorado por estudios y productoras.
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Continuamos analizando El Instituto y nos toca hoy el sexto episodio, cuyo título es Fuga. Basada en la novela homónima de Stephen King y creada por Benjamin Cavell, la serie es emitida por MGM+.
Bienvenidos una vez más a analizar otro episodio de El Instituto, serie que está cada vez mejor y es una pena que muchos se la estén quizás perdiendo por estar disponible en una plataforma que no es de las más conocidas.
Restan solo dos episodios para el final de la temporada y comenzamos ya a preguntarnos si habrá una segunda, pues si bien es cierto que no hay a la fecha una secuela escrita por Stephen King y probablemente tampoco la haya, eso nunca ha sido obstáculo para productores y showrunners. Habría que ver, claro, qué vuelta de tuerca se puede encontrar aquí para seguir profundizando la historia (¿una precuela tal vez?).
En fin, no nos adelantemos y concentrémonos de momento en un episodio que nos ha traído el encuentro que más esperábamos y dos muertes, de las cuales solo una es para lamentar. Sin más trámite, pasemos a ver qué nos ha dejado el mismo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
En Fuga
Habíamos dejado a Luke logrando salir al exterior del edificio tras haberle entregado Maureen una memoria USB que quiere que difunda al mundo más el número de una periodista que se ofreció a ayudarla. Logra llegar a la valla y escarbar debajo, tal como Avery había visto hacer al perro con su telepatía. De hecho, a duras penas alcanza a pasar antes de que justamente llegue uno de los guardias con su can y, siguiendo luego el derrotero que Maureen le trazara, corre a través de los bosques hasta el río para llegar a Red Steps, el lugar de la tragedia en el cual debería encontrarse con ella.
Tim, mientras tanto, está inspeccionando en cercanías a altas horas de la noche, lo cual hace que una preocupada Wendy le llame para recordarle que necesita el auto en una hora pues debe ir a trabajar. Le sugiere además que, sea lo que sea que esté investigando, lo mejor sería que lo comparta. Ya lo he dicho y espero equivocarme, pero no me gusta Wendy…
En el instituto, Sigsby descubre que el sistema eléctrico fue saboteado y fue ello lo que produjo el fallo en las cámaras de seguridad. Una tijera le hace sospechar de alguno de los empleados y tiene el pálpito de que alguien ha escapado. Stackhouse, con quien se sigue advirtiendo tirantez, busca calmarla con que todos los internos están en el instituto, lo cual confirman desde vigilancia. Es lógico, pues recordemos que Luke se valió de precisamente de esa tijera para librarse del rastreador de su oreja derecha.
Sigsby no se convence y quiere chequear personalmente, por lo que recorren una a una las habitaciones: Avery finge dormir en su cama, George lo hace pesadamente en la sala de estar y en el cuarto de Luke… no hay nadie, pero sí el pequeño rastreador que delata que se lo ha quitado.
Sigsby quiere hablar con Maureen y, temiendo esta lo peor, se pone en contacto con la antes mencionada periodista que alguna vez la había contactado y a quien pide que vaya a encontrarse con Luke en Red Steps debido a que ella no podrá hacerlo.
Pero cuando vemos quién está del otro lado de la línea, la reconocemos inmediatamente, pues es Kate, la agente encubierta del instituto que en los primeros episodios se hiciera pasar por novia de Michelle para después matarla y tuviera después un acercamiento con Tim en la barra del bar. De más está decir que ya hace rato que la queremos ver muerta. Paciencia: falta poco…
Asuntos Internos
En los bosques y ya con la luz del día, Luke se termina cruzando con Tim en uno de los momentos seguramente más esperados por quienes venimos siguiendo la serie. Al principio, desconfía de él y es lógico, pero poco a poco gana confianza y le cuenta acerca del lugar y de la muerte de sus padres.
Tim no parece tomarlo del todo en serio y especialmente lo de la telequinesis, pero su expresión cambia cuando le nombra a Stackhouse (a quien conoció en la seccional). Luke, entretanto y aun con su limitada telepatía, se da cuenta de que es sincero al quererle ayudar.
En el instituto, los altavoces siguen reclamando por los corredores la presencia de Maureen pero, al no presentarse, Sigsby y Stackhouse acaban yendo en su búsqueda y la encuentran colgando sin vida tras una puerta. Teniendo ya más o menos las piezas en su lugar, temen de que enterarse los superiores de la fuga, sus cabezas estén en riesgo aun cuando, según palabras de Stackhouse, no haya habido una en setenta años, lo cual nos da la pauta de que el instituto está allí desde hace mucho tiempo…
En lugar de dar aviso, por lo tanto, entienden que lo mejor es resolver el asunto internamente y por cuenta propia antes de que llegue a quien no debe y para ello necesitan encontrar urgentemente al joven escapado. Stackhouse quiere enviar un grupo en apoyo de Kate, pero Sigsby exige ser parte del mismo y no le deja lugar a opción. Está claro que no confía y, de hecho, le había recriminado momentos antes el tener celos de que ella hubiese sido designada en su lugar para estar al frente del instituto.
Stackhouse no objeta gran cosa, salvo que simplemente aceptó en aquel momento una orden superior como siempre lo hace, pero una vez que ella no está allí, va en busca del doctor Hendricks para llenarle la cabeza con que Sigsby pretende resolver el asunto salvándose a sí misma y enviándolos a ellos al cadalso. La interna del instituto está realmente caldeada y, al parecer, quedan en algo para el día siguiente…
Encuentro en Red Steps
Al llegar al vehículo, Tim tiene por fin señal en su teléfono móvil y puede comprobar con aprensión que la historia que Luke contó sobre sus padres es cierta, por lo que termina dándole un sentido abrazo. Quiere sacarlo de allí y hacerle atender su oreja, pero Luke no quiere irse sin Maureen por ser quien se expuso ayudándole en su fuga, así que terminan dirigiéndose a Red Steps para encontrarla.
Al llegar, sin embargo, ven a lo lejos una muchacha entre los árboles y, por las dudas, Tim pide a Luke que se mantenga oculto mientras él habla y que se dirija a Dennison si ve que las cosas se complican.
Acercándose pues Tim a la mujer y creyendo que es Maureen, la llama precisamente de ese modo, pero en cuanto se da la vuelta comprueba que no es otra que Kate, la muchacha del bar, por lo que, sorprendido, le pregunta qué hace allí cuando durante aquella conversación diera tan poco crédito a sus sospechas del instituto.
Fingiendo sincerarse, ella dice entonces ser en realidad periodista y haber sido contactada por Maureen para encontrarse allí con Luke. Sabiendo que eso último es cierto por haberlo oído de la propia Maureen, Luke sale entonces de su escondite y confirma su versión pero, al acercarse, todo cambia y su poder de telepatía le permite percibir que, si bien ha dicho parcialmente la verdad, no hay sinceridad de su parte cuando se ofrece a ayudarles.
Sabiéndose pues descubierta, Kate termina por quitarse el disfraz y apuntarlos con un arma. Tim le pide que se calme pero Luke, más práctico (y telequinético), logra que una rama se corte sobre su cabeza y al caer provoque tal distracción que permite a Tim echarse sobre ella que, tras golpear su cabeza contra una roca, cae el río y queda su cuerpo flotando sin vida mientras Tim y Luke miran desde lo alto. Les dije que había que tener paciencia…
En la Oficina del Sheriff
Al arribar Sigsby junto al grupo de apoyo, encuentra el teléfono móvil de Kate y se da cuenta que las cosas se siguen complicado. Tim, mientras tanto, lleva a Luke a la seccional a pesar de que este prefiere ir a una gran ciudad por no confiar ya en nadie a nivel local. Tim, como siempre ingenuo, busca tranquilizarlo con que conoce bien al sheriff Ashworth y es de fiar: no sé por qué, pues no es que haga tanto que lo conoce…
Una vez en la oficina, pide al mismo que escuche la historia que Luke tiene para contarle y este muestra al sheriff la memoria USB que Maureen le entregara, aunque admite no saber qué contiene. Tim insiste a Ashworth en recibirla y Luke se la entrega con algo de reluctancia. Sus sospechas, de hecho, acaban confirmadas cuando un tal Norbert, que sale presuroso de la oficina al llegar ellos, llama por móvil a alguien para justamente dar aviso de que el joven está allí…
Balance del Episodio
Otra muy buena entrega que confirma el rumbo que ha tomado la serie al ir unificando las subtramas sueltas. Con un ritmo trepidante que no nos ha dejado despegar nuestras retinas hasta el final, ha tenido a la vez una dinámica que, sin cortar jamás clima, nos ha permitido seguir tanto lo que ocurría dentro del instituto como fuera de forma integrada y complementaria en lugar de como historias diferentes.
Hemos tenido dos muertes notables: una para lamentar y otra para celebrar. Nos da mucha pena Maureen, desde ya, que ha terminado siendo la heroína en todo esto y su sacrificio final lo demuestra. Y eso que yo le desconfiaba e incluso Avery. Perdón, Maureen…
En cuanto a Kate, solo me viene a la cabeza un antiguo aforismo chino: “Quédate sentado junto al río y verás pasar el cadáver de tu enemigo”. Definitivamente, los chinos saben lo que dicen. Hasta nunca, Kate, y ojalá haya un infierno que te reciba. Ahora vamos por Tony y luego por Sigsby, no necesariamente porque ese sea el orden de preferencia sino porque queremos contar por algo más de tiempo con Mary-Louise Parker.
Sigue, desde luego, siendo llamativa la ingenuidad de Tim, como también su excesiva bondad, que en este capítulo ha sido buena muestra de la famosa fórmula cinematográfica que reza: “El bueno es tan bueno que no quiere matar al malo”. Tal cual: el golpe de la cabeza de Kate contra la roca fue accidental, al igual que su caída posterior al río. Para darle algo más de oscuridad al personaje de Tim, nos hubiera gustado que no fuera así (y hasta lo hubiéramos querido aún más).
Está claro que el vigilante nocturno es puro corazón y desinterés, pero sigue metiendo la pata, en este caso al terminar llevando a Luke adonde no quiere ni debe: debería dar más crédito a alguien capaz de cortar una rama con su mente, pero bueno…
Y ya que hablamos de los poderes de Luke, todavía no nos termina de quedar en claro qué tanta es su telepatía o cómo funciona, pues no cierra del todo que haya percibido la insinceridad de Kate, pero no la del sheriff o de Norbert. Y algo más sobre él, aunque nada que ver con sus poderes: podría haberle avisado a Tim que esa mujer no era ni por asomo Maureen, ¿verdad? No necesitaba telepatía sino vista y no creo que la silueta se le confundiera a la distancia…
Lo que está cada vez más álgido, más allá de que aún no conozcamos su real carácter, es la interna del instituto. Claramente todos temen a sus superiores, pero seguimos sin saber quiénes son estos exactamente y el dato vertido por Stackhouse acerca de que no hubo una fuga en setenta años nos deja preocupados. Es evidente, sí, que Sigsby les teme y él también, pues fue en busca del temeroso e indeciso Hendricks al intuir que ella podría llegar a entregarles en bandeja para salvar su propia cabeza. La cosa pinta oscura y seguramente hay inminentes revelaciones en puerta…
En resumen, pues, un capítulo con el cual la serie mantiene su nivel después de haber estallado tan abruptamente en el anterior y que, además, ha unido por fin las historias de Luke y Tim con un encuentro que esperábamos con ansias. El ritmo está cada vez más frenético y, considerando que solo quedan dos episodios para concluir la temporada, la sensación es que así será hasta el final, así que a pegar el trasero al sillón…
Les espero para analizar el próximo y sean felices…
¿Te creías muy listo con tu mazo azul de Magic? ¿Muy estratega con el Catán? Amigo, prepárate para comerte un kunai metafórico en todo el alma, porque Naruto Shippuden: Combate de Ninjas ha llegado para darte una paliza emocional y lúdica al mismo tiempo. Esto no es un simple juego de mesa. No, señor. Esto es una experiencia. Una batalla campal. Una tunda de chakra en la cara.
Aquí te vas a meter en la piel de Naruto, Sasuke, Sakura, Kakashi o un buen puñado de personajes del universo ninja más llorón, gritón y épico de la historia del manganime. El objetivo está claro: sobrevivir, completar misiones, enfrentarte a enemigos legendarios y, por supuesto, reventar a tus amigos mientras gritas “Dattebayo” como si estuvieras poseído por el espíritu de un zorro de nueve colas después de un botellón.
El tablero es una preciosidad: color, diseño, detalles que harían que Masashi Kishimoto se derritiera en su silla. Cada zona está inspirada en localizaciones míticas: la Aldea Oculta de la Hoja, el Valle del Fin, la guarida de Orochimaru… Y cada una tiene su mecánica propia que te obliga a pensar, planear y, a veces, suplicar.
Las mecánicas no son moco de zorro: hablamos de cartas de jutsu, puntos de chakra, misiones cooperativas con traiciones sorpresa, y batallas que combinan dados, estrategia y el clásico “¡me cago en todo, no me salió el combo!”. Puedes aliarte con otros ninjas… pero todos sabemos cómo acaba eso. Alguien siempre se va por el camino oscuro. Spoiler: suele ser el que tiene a Sasuke.
La tensión es tan palpable que puedes cortarla con un shuriken. Hay momentos de combate donde te sudan las manos, el corazón se te acelera, y sueltas frases como “no me mates ahora que estoy cargando el Rasengan” con la misma intensidad con la que Naruto pedía reconocimiento al principio de la serie. ¿Y sabes qué? Funciona. Funciona de maravilla.
Es un juego que te obliga a decidir si salvar a un compañero o ir a por la gloria tú solo, que te recompensa por cooperar, pero también por ser un traidor miserable. Porque al final, esto es Naruto: amistad, dolor, crecimiento… y puñetazos muy épicos con efectos especiales mentales.
¿Lo mejor? Cada partida se siente como un capítulo nuevo del anime, con su arco narrativo, sus momentos épicos, sus bajones emocionales y, por qué no, sus traiciones de último turno que hacen que alguien se levante y diga “me voy, esto ya no es divertido”. Spoiler: lo es. Solo que te ha dolido en lo más profundo, como cuando Itachi se despide con ese dedo en la frente.
Naruto Shippuden: Combate de Ninjas no es un juego más. Es una carta de amor y puñetazos al universo ninja más intenso que nos ha dado Japón. Y si no te gusta, bueno, ya sabes qué dijo Kakashi: “Aquellos que abandonan a sus amigos son peor que basura.” Pero los que no juegan a esto… esos no tienen alma.
‘Devuélvemela’ (Bring Her Back), es la nueva y escalofriante creación de los hermanos Philippou, una cinta que se ha encargado de abrir este mes de agosto. Una propuesta que no es para todos los públicos, pero que te atrapa desde la primera escena y no te suelta hasta el final. Hay que tener claro que tipo de filme se va a ver, no hay ‘jumpscares’ ni simples sustos, ‘Devuélvemela’ te sumerge en una tensión psicológica que te va a dejar mal cuerpo y que vas a sentir en tu estómago.
Los directores han perfeccionado de una forma exponencial la fórmula que los llevó al éxito con ‘Háblame’ y han conseguido una maestría asombrosa en la construcción de atmósferas opresivas y el manejo del miedo a lo cotidiano.
La película nos va a introducir a dos niños (Andy y Piper) que han perdido a su padre y llegan a un hogar de acogida donde vive la dulce y dicharachera Laura (Sally Hawkins) con su hijo Oliver (Jonah Wren Phillips). Lo que parece una casa feliz pronto va a acabar siendo un infierno en que pronto los personajes se quitarán las caretas y veremos la realidad que se esconde tras sus máscaras.
Desde el primer momento, el espectador es introducido en una casa que, a pesar de su aparente normalidad, se siente extraña, inestable que nos va a transmitir incomodidad. Los Philippou utilizan cada rincón de la casa, cada sonido y cada silencio, para generar esa esas sensaciones de forma palpable, utilizando la ceguera de Piper trambién a su favor.
Los hermanos Philippou han logrado un equilibrio perfecto entre el horror más puro y la emotividad de una tragedia familiar. La película te hace sentir la tensión y el agobio, pero también la empatía por sus personajes protagonistas, incluso por aquellos cuyas acciones y decisiones son moralmente muy cuestionables. Es una cinta que te confronta con la idea de que el verdadero monstruo no siempre se esconde en las sombras, sino en el dolor que nos causa la pérdida de un ser querido y lo que estaríamos dispuestos a hacer para aliviar ese dolor.
‘Devuélvemela’ es una cinta con cuatro protagonistas principales sobre los que gira toda la trama y si tengo que destacar uno de ellos (sin desmerecer al resto) es el personaje de Laura, magistralmente interpretado por la galardonada Sally Hawkins. La intérprete entrega una actuación desgarradora, visceral y absolutamente convincente, tanto en su vertiente más amable como en la que no lo es tanto. Su dolor es tan real y palpable que se convierte en el motor de toda la trama y la actriz lo defiende una manera soberbia. La película, a través de Laura pasa por las diferentes etapas del luto: la negación, la desesperación, la culpa y, finalmente, la aceptación.
El nivel de los protagonistas en general es altísimo, logrando que te sumerjas por completo en la historia, en sus miedos y desesperaciones, pero es la interpretación de Hawkins la que eleva la película a otro nivel, dotando a su personaje de una complejidad emocional desgarradora. Su actuación es carne de nominación al Òscar.
Soy alguien que se ha criado con cintas como ‘Mal Gusto’, ‘Braindead: Tu madre se ha comido a mi perro’ y disfruto con el terror como el que más, pero he de reconocer que ‘Devuélvemela’ me ha obligado a apartar la mirada de la pantalla en un par de ocasiones. Hay momentos de una intensidad tan brutal, tan real, que te hacen sentir una necesidad casi instintiva de protegerte, de cerrar los ojos o apartar la vista.
Ahí es donde el trabajo de los hermanos Phillipou brilla, ya que logran una atmósfera que te envuelve por completo, haciendo que la sala de cine se sienta más pequeña y claustrofóbica. Consiguen que estés removiéndote en el sillón en total tensión y con el estómago encogido.
Todo ese impacto no sería posible sin un trabajo de fotografía impecable de Aaron McLisky. Con su trabajo consigue dotar a lo cotidiano de una sobriedad amenazadora y con encuadres y planos que cuentan la historia por si solos y que ayudan al espectador a entrar en esta pesadilla tan real. La cámara se mueve con una elegancia que contrasta con la brutalidad de la historia y consigue intensificar la sensación de que algo terrible está a punto de suceder.
Conclusión
‘Devuélvemela’ es una película de terror excepcional y creo casi al 100% que va a estar en mi Top5 de este 2025. Es aterradora, intensa y, sorprendentemente, incomoda y con toque conmovedor. Te desafiará a mantener los ojos abiertos en algunas escenas y te hará pensar en lo que seriamos capaces de hacer por amor.
A24 es un estudio que está apostando fuerte por la calidad y esto es una excelente prueba de ello. Estamos ante una película que perdurará en la memoria y en la retina, no solo por forma de mantenernos en tensión, sino por como mezcla eso con la profundidad de su mensaje y de sus personajes.
Un punto a favor del guion es la forma tan orgánica con la que se van desvelando las capas que hay en la historia de cada personaje para que poco a poco vayamos descubriendo todo lo que han vivido.
‘Devuélvemela’ no va a dejar a nadie indiferente, eso está clarísimo, al igual que la interpretación de Sally Hawkins.
Aquí os dejo el tráiler de ‘Devuélvemela’ (Bring her back):
Zombies, gorn y klingon es el cóctel que nos ofrece este tercer episodio de la tercera temporada de Star Trek: Strange New Worlds, cuyo título es Lanzadera a Kenfori y retoma incluso una trama pendiente desde el octavo capítulo de la temporada anterior. Creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jennie Lumet, la serie es emitida para España porSkyshowtime y para Latinoamérica por Paramount+.
Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Nuevamente aquí para analizar un nuevo episodio de Star Trek: Strange New Worlds, en este caso el tercero de la tercera temporada que, prácticamente, sin anestesia, nos arroja nuevamente a la oscuridad del que había abierto la misma después del ligero descanso en tono de comedia que supusiera el segundo.
Un capítulo que rinde homenaje a las historias de zombies y que es casi un crossover con The Walking Dead, a la vez que retoma una historia de la temporada anterior que tiene que ver con M´Benga y aquel “carnicero de J´Gal” al que diera muerte en “defensa propia”.
Sin más trámite, pasemos a analizarlo no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí los análisis previos de la serie.
Tras una Quimera
La bitácora inicial corresponde esta vez a Pike, quien lamenta que Batel, una vez repuesta, será seguramente asignada a otra nave, lo cual nos termina de aclarar nuestras dudas acerca de si se iba a quedar o no: a la larga se irá. Pero su cuadro clínico ha empeorado y las crías gorn, en lugar de remitir como se esperaba, siguen activas. Según Spock, lo que podría retrasar el proceso para ganar tiempo y encontrar una cura es una flor llamada quimera, que tiene la propiedad de eliminar moléculas invasivas.
El problema es que crece en un planeta llamado Kenfori, donde funcionaba años atrás una estación científica de la Federación que experimentaba con la misma, pero que fue abandonada después de que, durante la guerra con los klingon, el planeta fuera invadido por estos para terminar siendo declarado zona neutral al final del conflicto. Cualquier acto de presencia allí podría ser visto como agresión e incluso reiniciar la guerra.
El plan, por lo tanto, es enviar una lanzadera de manera discreta y “extraoficial”, operación por fuera de las normas que debería involucrar a la menor cantidad de gente posible. Spock y M’Benga se ofrecen, pero Pike es Pike y está en peligro Batel, así que releva al vulcano tomando su lugar.
Ingresar en la franja neutral implica invisibilizarse manteniendo “silencio de radio”, (no lo llaman así, desde ya), pero Uhura crea de todos modos un canal de comunicación cifrado con la lanzadera para que Pike pueda reportarse cada hora mientras la Enterprise aguarda sobre el borde externo y en medio de un cinturón de polvo y escombros. A Ortegas, cada vez más insubordinada y agresiva, no le gusta la idea y quiere ir directo al choque, por lo cual es llamada al orden por Una, al mando en ausencia de Pike.
Prontos a llegar a Kenfori, Pike y M´Benga se topan con una antigua boya de comunicaciones klingon que parece cumplir función de advertencia: al parecer no es conveniente descender allí. Al tocar suelo, la sorpresa es que no detectan señales de vida animal por muy rico que el bioma luzca a nivel vegetal. En medio de la jungla encuentran las antiguas instalaciones y, cerca de las mismas, los restos de un klingon abierto por el tórax, presumiblemente por un animal que quizás ya no exista. Adentro hay más restos y también las flores que buscan, crecida una de ellas en una bota que aún conserva… un pie en su interior.
Pike muestra interés sobre cómo se acabará salvando a Batel, lo que lleva a M´Benga a admitir que será a través de la hibridación, es decir que, no pudiendo eliminar a las crías gorn, se buscará que conviva con ellas en su cuerpo. Suena asqueroso y es lógico, así que se vive un momento de tensión por parte de Pike, que estalla en furia y decepción al no haber sido informado de un plan que, menos él, conocían prácticamente todos, incluso la propia Batel. Se considera engañado, pero M´Benga se justifica en que, conociéndolo, nunca hubiera avalado el plan ni Batel tenido chance de sobrevivir…
La Palabra con “Z”
En la Enterprise detectan una señal que va en dirección a Kenfori y resulta ser un crucero de guerra klingon. Una vez más, Ortegas reclama rápida acción y dejar la invisiblidad para rescatar a tiempo a Pike y M´Benga antes de que los klingon den cuenta de ellos. Pero su postura no tiene aceptación y Una, no queriendo provocar un incidente diplomático, prefiere seguir el plan de Spock, consistente en viajar entre los escombros a baja velocidad para mimetizarse con ellos.
En la superficie de Kenfori, Pike y M´Benga ven momentos después descender una lanzadera klingon en cercaniás de la base y es evidente que están tras ellos o sería demasiada casualidad. Pronto están allí y hay intercambio de disparos, pero antes de madurar el combate abierto, irrumpen en escena decenas de criaturas horrendas desplazándose y atacando como “zombies” (la palabra con “z” que M´Benga no le quiere oír pronunciar a Pike)…
El médico cuenta que allí no solo experimentaban con la flor de la quimera, sino también con cierto musgo autóctono y perenne que se mantiene vivo devorando literalmente todo lo que haya a su alrededor. Lo más probable es que lo hayan fusionado con ADN humano dando lugar a esos terroríficos híbridos que, en cierto modo, les hacen un favor porque, a pura mordida, se lanzan sobre los klingon y acaban con todos menos una.
El impensado trío sobreviviente, pues, queda cercado pero logran aislarse de los zombies al activar un antiguo campo de energía que funciona como sustituto de la clásica cabaña de las películas, aunque no se sabe por cuánto…
Fusión Fallida
En la Enterprise, Batel está cada vez peor y Spock prueba aliviar su dolor a través de la fusión mental, pues dice que el mismo es producido por el ego y hay que neutralizarlo. Al principio pareciera funcionar, pero todo cambia brutalmente cuando el vulcano siente la presencia de una de las crías gorn e incluso ve con sus ojos. Comienza a gritar fuera de sí y es vuelto a la realidad por Chapel a las bofetadas. Dice haber absorbido el dolor de Batel, pero le inquieta y causa horror lo que ha visto dentro de ella…
Por otra parte, se debate la forma de rescatar a Pike y M´Benga sin que los klingon adviertan a la Enterprise, sobre todo teniendo en cuenta que el cinturón de polvo dificulta el transporte. La solución propuesta por Ortegas es utilizar la curvatura para saltar a la termosfera del planeta y transportarlos desde allí, lo cual suena riesgoso porque nunca se ha hecho o, al menos, ella admite que no.
Hay peligro de destrozar el casco de la nave, pero Scotty dice que se pueden calibrar los inductores de fase a la distorsión de la curvatura. Sigue sonando riesgoso pero no imposible. Ortegas, mientras tanto, sigue con sus insubordinaciones y La’an se pregunta si no habrá sido reincorporada demasiado pronto…
La Hija del Embajador
Como suele ocurrir en las historias de zombies, los mayores problemas no tienen que ver con los muertos vivos sino con los propios conflictos entre sobrevivientes y esta no es la excepción. Al quedar aislado de los muertos vivos el particular trío, la guerrera klingon hiere sorpresivamente a Pike en la pierna y se revela a sí misma como Bytha (Christine Horn), la hija de Dark’rah, aquel embajador al que M´Benga diera muerte en el capítulo Bajo el Velo de la Guerra (temporada 2, episodio 8), del cual, si no recuerdan bien, pueden leer aquí el análisis de un servidor.
Se confirma pues que no fue casualidad la presencia de los klingon allí, sino que ella andaba precisamente detrás de él gracias a un rastreador que le pusieran en un trago durante la fiesta del pasado episodio. Lo particular del caso (o no, si nos atenemos a los códigos klingon) es que no quiere vengar a su padre, al cual considera un traidor a su raza, sino el honor familiar que él precisamente mancilló con su traición. Para que ello ocurriera, debía matarlo su propia hija, pero M´Benga le quitó esa posibilidad al hacerlo por su cuenta. En buen klingon, tiene sentido…
El duelo que sigue, entonces, tiene según ella la finalidad de restaurar el honor familiar y consiste en que, munidos de sendas espadas, ambos se enfrenten entre sí unidos por una cinta manchada con sangre del embajador muerto. Pero Bytha no tiene en cuenta que M´Benga no es alguien que no tenga experiencia en la guerra y, mientras el campo de fuerza comienza a flaquear en derredor, este logra desarmarla de su espada y está a punto de rematarla, pero se abstiene a último momento.
Para Bytha, eso es todavía peor: prefiere la muerte antes que una derrota poco honorable. Una vez más, tiene sentido en la lógica de su cultura. Así que, al momento de ceder finalmente el campo de energía y venirse encima los zombies, opta por sacrificarse a los fines de salvar su honor y, paradójicamente, genera la distracción que ayuda a escapar a M´Benga y a un herido Pike.
Tiempo de Recriminaciones
La Enterprise, en tanto, ha sido vista por el crucero klingon y hay que apurar las cosas. Ortegas toma algunas decisiones por cuenta propia, como la de activar los escudos, cosa que disgusta a Una. Al entrar en contacto con la termosfera, la gravedad artificial cede y todos flotan en el puente de mando, pero Scotty se las arregla para que Pike y M´Benga puedan ser transportados y escapan con aceleración warp en el preciso momento en que los klingon les arrojan un torpedo que no llega a destino o, mejor dicho, no encuentra ya nada al alcanzarlo.
Ya de regreso y con una única flor de quimera, Pike habla en privado con M´Benga acerca del engaño que contra él se ha urdido, pero se compromete a no denunciarlo porque es un amigo: muy de Pike. Por otra parte, manifiesta intriga de que Bytha se haya entregado a un sacrificio del que nadie en su cultura se enteró, a lo que el médico replica que lo imporante es que lo saben ella y él, además de asegurarse la entrada a Sto-vo-kor, el “valhalla” de los klingon.
Una, en tanto, llama al orden a Ortegas por sus actos de insubordinación durante el acercamiento a Kenfori, habiendo notado particularmente que aceleró la nave contra las órdenes de mantener baja velocidad. Ortegas pide disculpas, pero no se termina de saber si está arrepentida o fastidiada por la reprimenda y, de todas formas, es suspendida por dos semanas.
Las recriminaciones no acaban. Pike va a ver a la convaleciente Batel y, profundamente dolido, le echa en cara el engaño a que ha sido sometido. Ella dice que lo hizo por él y confiesa que tiene miedo. Pike admite que también lo tiene y ambos se abrazan mientras el futuro se avizora incierto…
Balance del Episodio
Si a algo nos ha acostumbrado a esta serie es a no dar nada por muerto. Y no me refiero a los zombies de Kenfori ni a las crías gorn que anidan dentro de la pobre Batel sino a tramas que parecen olvidadas o incluso no del todo cerradas, pero inevitablemente reaparecen varios capítulos después o incluso, como es este el caso, en otra temporada.
A propósito de ello, este redactor se remite a lo que él mismo escribiera al analizar en su momento el episodio Bajo el Velo de la Guerra, hace casi dos años: “…no es de descartar que el tema no sea necesariamente retomado en el próximo episodio, sino que haya que esperar algo más: como quienes estuvieron en la guerra, la serie no olvida nada y todo reaparece…”
En efecto, y con el debido perdón por citarme a mí mismo, así ha sido. El asesinato del embajador no podía quedar así nomás ni quedar exento de secuelas y M´Benga se ha vuelto a reencontrar con el monstruo interior, permitiéndole ello una vez más a Babs Olusanmokun lucirse con una gran e intensa actuación a la altura de la que nos entregara en aquella oportunidad. Definitivamente es un gran actor al que los cineastas deberían echar más ojo.
Pero además fue brillante cómo todo se resolvió dentro de los códigos klingon, destacándose la particular forma que asumen el tipo de venganza buscada por Bytha y su redención final en un interesante giro que muestra la firma intención de los responsables de la serie de mantener coherencia con el canon, en este caso específico con los peculiares principios morales que rigen la conducta de los klingon desde que les conocimos.
Y lo más llamativo del asunto es que todo haya tenido lugar en el contexto de lo que fue prácticamente una película de zombies, con lo cual esta serie ya no solo ha homenajeado a la saga deAlien o a las historias de piratas, sino ahora también a los más entrañables filmes de George Romero y otros cineastas que han hecho salir a los muertos de sus tumbas. El homenaje fue tan delicioso como asquerosamente gore y el giro para justificar la presencia de los mismos en el universo trekkie ha sido original, interesante y coherente con el mismo.
Pero no solo zombies hemos tenido, sino también gorn y klingon, un cóctel terrorífico que hace que los terceros parezcan por esta vez bebés de pecho. Honestamente (allí me equivoqué) pensé que ya nos habíamos librado por completo de los gorn y no volveríamos a saber de ellos hasta la serie original, pero siguen causando problemas y queda ello evidenciado tanto en la afligente situación de Batel con pronóstico incierto y probable futuro de híbrido, como en una Ortegas cada vez más violenta e insubordinada que no es la misma después de haber sido casi deglutida.
Y no es de todos modos Ortegas la única que se ha saltado las normas en el capítulo. Lo han hecho el propio Pike al acometer una misión en territorio neutral, o Una al secundarle. Como también M´Benga, Spock y prácticamente todo el resto al ocultarle a Pike el verdadero diagnóstico de Batel y la naturaleza de su particular forma de curación: ella misma lo ha hecho.
Hemos visto pues un episodio magnífico, que vuelve a la oscuridad y a la intensidad después del relajamiento del anterior y que lo ha tenido todo: zombies, gorn, klingon, culpas, ajustes de cuentas y violación de normas. Qué gran serie estamos viendo y cómo la vamos a extrañar cuando ya no esté, aunque de acuerdo a mis cuentas llevamos vistos exactamente la misma cantidad de episodios que nos quedan por delante considerando que la cuarta temporada tendrá diez y la quinta y última, según se ha anunciado, seis. Apenas estamos pues a mitad de recorrido…
A ver qué nos trae el próximo, pues ya sabemos que SNW es una auténtica caja de sorpresas. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…
De todas las plataformas de streaming que pueblan esta vasto mundo, Apple TV es la que más me desconcierta. Primero, por su tremenda inversión en sus producciones sin tener en cuenta la audiencia (ahí tenemos See, una de las series más caras de la historia de la televisión). Segundo, por su nefasto acierto con (algunas) películas. Ahí tenemos Argylle, El abismo secreto o La fuente de la eterna juventud como ejemplo. Por suerte, la serie Smoke demuestra la buena forma de la plataforma en su buen hacer con las series.
A PARTIR DE AQUÍ, SPOILERS DEL OCTAVO EPISODIO DE SMOKE
Menuda sorpresa.
Hasta ahora, Smoke se adivinaba como una serie con enorme potencial que arriesgaba (y hasta cierto punto fallaba) en enfocarla a la medida de la personalidad de Dave Gudsen, su protagonista: simpática y liviana en su superficie, turbadora en su fondo.
Pues bien, con el suicidio de Freddy, parece que esa parte superficial ha desaparecido, regalándonos el mejor episodio de la serie hasta ahora.
Ahora que Dave ya sabe que todo su entorno está estrechando el cerco a su alrededor, enseña todas las cartas. Ya no hay rastro de patetismo ni simpatía. Solo determinación y frialdad. Es espectacular lo que Taron Egerton hace con su personaje en la serie.
Inicialmente, parece que pierde el control al provocar seis pequeños incendios por toda la ciudad. Y comienza a investigarlos con Michelle. Pero ya no hay rastro de ese intento de camaradería que ha hecho que se compare (erróneamente) a Smoke con True Detective. Algo así como comparar a Misión Imposible con El topo solo porque sean películas de espionaje.
Ahora Dave se dedica a incomodar a Michelle con sus preguntas a la testigo de uno de esos incendios, seguro de que nadie va a poder identificarle. Y, finalmente, la destroza psicológicamente al revelarle que sabe lo ocurrido con su madre, una drogadicta que prendió fuego a un motel con su hija dentro. Al igual que el jefe y amante de Michelle, ambos pierden los nervios ante un Dave siempre sonriente. Ya lo dijo el bueno de Esposito, al que nadie toma en serio: Ellos, y nosotros, hemos subestimado a Dave Gudsen todo el tiempo.
Además, nos enteramos de que el jefe de Dave no solo se mantiene cerca por su amistad con nuestro pirómano, sino porque conoce su secreto más oscuro: es un corrupto que se ha quedado con dinero público. Y lo sabe porque el mejor acceso a los secretos de una persona es la simpatía.
Finalmente, Dave se reúne con su ex, con la que, esta vez sí, tiene sexo como a ellos le gustan, no sin antes hablar sobre la fantasía más oscura de nuestro protagonista: el quemar a alguien, sobre todo si es mujer.
Mientras tanto, Michelle se reúne con su ex, al que considera su único amigo y confidente. Durante el transcurso de la serie, parece que se estaba acercando a ella arrepentido por lo ocurrido al principio de Smoke. Pero nada más lejos de la realidad.
Al acercarse a la casa de su jefe, este se imagina que Michelle quiere regresar con él y vuelve a las andadas. Y se enfada cuando ella vuelve a rechazarle. Se crea una situación terriblemente incómoda en la que él vuelve a hacer gala de su posición de poder para chantajear a Michelle.
La escena empeora hasta que, en un giro inesperado, Michelle lo mata accidentalmente de un golpe. Para ocultar su acción, intenta inculpar a Dave con su modo de hacer las cosas.
Ahora Michelle y Dave están en posiciones similares, pero ella cuenta con la ventaja ilegal de poder inculpar al segundo. Se avecina una confrontación que, sinceramente, no tengo ni idea de cómo va a terminar. Y eso es lo mejor que se puede decir de una serie como Smoke. Que no deja de sorprendernos.
Cuando el calor aprieta no hay nada mejor que un libro para zambullirte en una refrescante historia que nos ayude a desconectar del ritmo cotidiano. Es una época perfecta para entregarse a una buena lectura, ya sea en la playa, en la piscina, bajo la sombra de un árbol o en una hamaca improvisada en el salón de tu casa bajo el ventilador, un buen libro siempre nos ofrece un placentero viaje de ritmo trepidante y una calma placentera. Espero que esta selección sea capaz de proporcionarte un verano cultural con el que refrescar las neuronas y disfrutar de unas buenas horas de lectura.
Si eres de los que les gusta las grandes sagas de fantasía, estas de enhorabuena, se ha vuelto a editar la icónica trilogía del ‘Vatídico’. Robin Hobb es considerada como una de las voces más profundas de la literatura fantástica, una autora que tiene una sensibilidad especial para describir a los personajes y las situaciones en las que se ven envueltos, logrando humanizar sus acciones para que podamos empatizar con ellos.
El libro nos cuenta la vida de Traspié, un bastardo del príncipe heredero al trono de los Seis Ducados, del que casi todos desconfían señalándolo como un inútil. Posee un extraño vínculo mágico con los animales, conocido como la Maña, una antigua magia que le ayuda a sobrevivir entre las penurias del día a día. El rey decide que inicie su formación de asesino, una formación que incluye la Habilidad, una magia que sirve para comunicarse con la mente y manipular los pensamientos de los demás. Al comenzar sus estudios la vida de Traspié ya nunca volverá a ser la misma.
Intrigas palaciegas, manipulación, magia, suspense, todo lo que necesita una buena novela de fantasía contada desde la visión de una primera persona que acabará por sorprenderte, dándote una perspectiva nueva sobre lo que has leído, algo solo al alcance de los buenos libros. Aprendiz de Asesino logrará atraparte en su mundo rico de detalles, convirtiéndose en una de esas lecturas cautivadoras que te hacen el verano más agradable.
“Bienvenido a la mazmorra. La supervivencia es opcional, mantener a la audiencia enganchada no.” Así se presenta el nuevo éxito de la ciencia-ficción, una adictiva fantasía distópica que tiene cierto paralelismo con la genial novela ‘Ready Player One’. Una lectura que contiene abundantes y sorprendentes giros de guion, un humor cínico, diálogos mordaces y un ligero tono a anime Shonen. El libro es una gozada que se lee en un suspiro.
Su historia narra la vida de Carl, un veterano de la Guardia Costera que tiene que sobrevivir pasando de nivel en una prisión subterránea llena de trampas, una situación que imita a los clásicos videojuegos. Sin embargo, esta mazmorra, es en realidad el plató de un reality show con espectadores por toda la galaxia. Un espectáculo que ofrece Goblins explosivos, alocadas pociones, infinidad de trampas, magia de diferentes niveles… cualquier locura vale con tal de ganarse a la audiencia.
Con un tono gamberro que se disfruta por su violencia descarada e irreverente, gracias a una subversiva puesta en escena dentro de universo distópico repleto de peligros, secretos y violencia. Su trama posee un ritmo frenético que no da tregua, aunque su mayor virtud, es una imaginación desbordante que la convierten en una aventura original y apasionante.
Aprovechando que ha salido el tráiler de la película, que promete una buena puesta en escena, puede ser un buen momento para leer este interesante libro de ciencia-ficción (podéis tener más información sobre la película pinchando aquí). A continuación os dejo el tráiler:
Andy Weir tiene la maravillosa virtud de explicar los complicados mecanismos teóricos de la ciencia de una manera ligera y entretenida, algo que facilita la comprensión de los lectores, pero sobre todo, un excelente sentido del humor que logra que su lectura sea amena y agradable dentro de un mundo netamente científico.
Su trama nos narra cómo Ryland Grace se convierte en el único superviviente de una misión desesperada de la humanidad, porque si fracasa, la Tierra se convertirá en un recuerdo en el espacio profundo. El problema es que al despertarse de la cápsula donde estaba en coma inducido, no recuerda la naturaleza de su misión. A millones de kilómetros del hogar que conocía, mientras va recuperando fragmentos confusos de sus recuerdos, intentará buscar las respuestas en la inmensa soledad del espacio… o quizás no esté tan solo como pensaba.
Un libro que narra con elegancia temas tan fascinantes como los viajes espaciales, los astronautas y los extraterrestres. Con una prosa ágil que logra representar los conceptos y desafíos científicos complejos en algo que todos podemos entender y disfrutar. Las pinceladas de humor logran sacarte más de una sonrisa, logrando que la lectura sea conmovedora y divertida. En definitiva, una hermosa aventura con la que perderle el miedo al género de la ciencia ficción, ya que se disfruta de principio a fin. La novela perfecta para leer bajo las estrellas en estas noches de cielo despejado que ofrece el verano.
El Camino de las Sombras. Brent Weeks. Plaza&Janes
Es el primer libro de una trilogía de fantasía épica, denominada ‘El Ángel de la Noche’, que se devora con adicción, ya que es una montaña rusa emocional que consigue que te sumerjas en su lectura. Personajes interesantes con los que logras conectar, que tiene una narrativa ágil y dinámica en la que mezcla con encanto temas como la guerra, los asesinatos, las traiciones y la magia.
Nos cuenta la historia de Azoth, un joven que busca escapar de la miseria, la pobreza y el miedo, por eso convence a Blint de que lo acepte como aprendiz. Durzo Blint es un asesino respetado que considera que la muerte es un arte, un profesional que nuca falla en sus encargos siendo temido hasta por la poderosa Sa’kagé, una organización criminal que mueve los hilos en la ciudad de Cenaria.
Azoth descubrirá las dificultades de su elección al someterse a un duro adiestramiento, un camino que le llevará a cambiar de identidad, olvidar su pasado y todo aquello en lo que creía. Comienza así su aventura en un mundo violento, con olor a muerte, donde los nobles, los criminales y él mismo, son las piezas de una partida de ajedrez que se juega entre las sombras.
Uno de los puntos a favor de la novela son los combates, ya sean cuerpo a cuerpo o con magia, están bien diseñados y descritos con claridad, alejándose de movimientos extraños o confusos. Su ambientación medieval está bien elaborada, con descripciones detalladas de las ciudades y de las diferencias entre clases: pobres, ricos, nobles, plebeyos, hermandades, asesinos… están bien marcadas y se siente real al leer sus páginas. Aunque en su contra juega que tiene algunos clichés de fantasía y una trama que a veces resulta algo confusa, el libro tiene un ritmo ágil, una historia entretenida, personajes interesantes y un mundo de fantasía oscuro bien construido.
Un cóctel veraniego de armas, venenos, batallas, intrigas políticas, mezquindad, sarcasmo, secretos, artefactos mágicos, guerreros, asesinos, magos, sangre y espadas legendarias, un entretenido libro para disfrutar en las sobremesas del verano.
Qué decir de esta fantasía oscura, violenta y entretenida…pues que tienes que leerla. Nada mejor que la playa o la piscina, para disfrutar de una buena lectura en el que la sangre y las espadas alzan sus brazos para combatir el calor del verano. Puedes leer la reseña del libro pinchando el enlace.
