Vamos al grano, porque esto no es una lista. Esto es una celebración. Una oda al vicio que hizo historia. Los videojuegos más premiados de la historia no son simplemente los más votados por críticos con ojeras o youtubers con peluca. No. Son rituales modernos, leyendas talladas en bits y lágrimas, obras que, cuando las juegas, te atrapan por dentro como un abrazo de tu yo de 12 años gritando “¡esto es lo mejor que he vivido jamás!”
Y en lo más alto del olimpo está… The Last of Us Part II.
Sí, polémico como una cena de Navidad entre fans de Joel y de Abby. Pero ¿sabías que arrasó con más de 300 premios a juego del año? Una cifra absurda. Escandalosa. Gótica. Este juego no ganó el GOTY, lo secuestró, lo encerró en su sótano emocional y no lo soltó jamás. Te puede gustar o no. Pero te destroza por dentro, te revuelca el alma y te deja tirado en la lluvia como un pixel mojado de tristeza.
Le sigue de cerca la bestia de los botones: The Witcher 3: Wild Hunt.
Más de 250 premios. Y una simple pregunta: ¿quién no ha tenido una fase de “me dejo barba, me visto de negro y me aprendo los nombres de las pociones”? Geralt no solo cazaba monstruos. Nos cazó a nosotros, con su mundo denso, hermoso, plagado de decisiones que duelen más que una mala nota en Selectividad.
Y, claro, Elden Ring, el último en subirse al trono de la gloria.
No tiene una historia contada, no señor. Tiene una historia escondida en los escombros, bajo el barro y la sangre de los jefes que te matan 37 veces seguidas sin mirarte a la cara. Y aun así lo amas. Porque no te lleva de la mano, te lanza al abismo y te dice “hazte fuerte o muere”. Como la vida misma. Ganó más de 300 premios y fue el GOTY de 2022. Lo que se dice una orgía de sufrimiento glorioso.
Pero ojo, que también están ahí los nombres de siempre.
Skyrim, que todavía hoy sigue saliendo en microondas.
Red Dead Redemption 2, donde disparar a un ciervo es casi tan emocionante como ver a Arthur toser en una puesta de sol.
Y Breath of the Wild, el Zelda que nos hizo trepar hasta el alma de Nintendo y decir: “Esto, amigos míos, es el mundo abierto de nuestros sueños”.
Todos estos juegos no solo ganaron premios. Ganaron nuestras horas, nuestra atención y, lo más importante, nuestra emoción. Porque al final, ¿qué importa un trofeo dorado si no te hizo llorar un final, temblar con una banda sonora o quedarte en silencio al apagar la consola?
Los videojuegos más premiados de la historia no son solo los mejores. Son los que nos tocaron algo tan profundo que ni siquiera sabíamos que lo teníamos.
Y si eso no merece un artículo escrito con alma, entonces yo no soy Mario Losada… aunque lo esté canalizando ahora mismo con más pasión que nunca.
La figura del vampiro, tan asentada en el imaginario colectivo en la actualidad, llegó a la novela en el siglo XIX conEl vampiro(1819) de John Polidori que, junto a la posterior Carmilla (1872) de Sheridan Le Fanu, servirían como antecedentes de la obra maestra literaria Drácula (1897) de Bram Stoker, aún vigente como una de las novelas de terror más trascendentes -o la que más- y la más importante en ámbito del vampirismo, que toma como inspiración para su personaje central Vlad el Empalador -o Vlad Drácula-, príncipe de la región rumana de Valaquia en el siglo XV recordado por ejecutar mediante el empalamiento a unas 100.000 personas durante su gobierno de tan solo siete años.
Las adaptaciones al cine del oscuro conde de Transilvania se cuentan por decenas, desde Drakula halála(1921) —versión húngara anterior a la de Murnau perdida en la actualidad— hasta la más reciente Nosferatu (2024) de Robert Eggers, pasando por toda clase países: Pakistán, México, España, Japón, etc.; y directores: Dario Argento, Robert Siodmak, Jesús Franco o Mel Brooks . Casi todos los años sigue versionándose de una u otra forma la novela original de Stoker, reafirmando una y otra vez al vampiro Drácula como uno de los personajes de ficción más importantes y conocidos de la Historia.
Para celebrar el estreno de Drácula(2025), la nueva versión a cargo del conocido realizador francés Luc Besson, voy a hacer un breve repaso de las seis adaptaciones cinematográficas más importantes —y seguramente mejores— que se han hecho de Drácula (1897) en un periodo de más de cien años.
1. Nosferatu (Nosferatu — Eine Symphonie des Grauens, 1922) de F.W. Murnau
Es de sobra conocida la historia de la considerada primera adaptación al cine de la novela de Bram Stoker y cumbre del expresionismo alemán. El cofundador de la productora Prana Film, Albin Grau, conocido además por su faceta ocultista, propuso al cineasta en boga Friedrich Wihelm Murnau filmar Nosferatu —con guion de Henrik Galeen— en la que sería su décima película. El resto es historia.
Por no poseer los derechos de la novela de Stoker sus artífices titularon la obra como Nosferatu —una palabra impactante que, aunque su origen en el folklore rumano parece incierto, viene a ser un sinónimo de vampiro—, en un truco que les costó caro pues la viuda del novelista les demandó y las copias de la cinta tuvieron que ser destruidas. La suerte quiso que algunas de ellas, distribuidas antes del veredicto fuera del país, fuesen guardadas bajo llave hasta la muerte de la mujer. Nosferatu estuvo a punto de perderse.
La leyenda de esta película no es ni de lejos equiparable por alguna de las que siguen en el artículo, pues además de la cuestión legal se llegó a pensar que el actor que daba vida al Conde Orlok, Max Schreck, era un vampiro real por su extraña forma de comportarse y no salir del personaje en ningún momento —la película La sombra del vampiro (2000, Merhige) relata estos hechos con John Malcovich como Murnau y Willem Dafoe como Schreck—. Pero eso es otra historia. Lo que importa es queNosferatu es considerada una imprescindible en la historia del cine y sigue manteniendo su valor después de más de un siglo. Es impresionante como la película sintetiza a la perfección la historia de la novela, y como Murnau consigue capturar algunas imágenes que aún hoy consiguen conmocionar por su fuerza, como ese contrapicado del antagonista en el barco, la procesión de ataudes que parece una pintura grotesca en sí o la sombra del mal, tan propia del expresionismo, que sublima la presencia angustiante del despiadado vampiro.
Menos de diez años después del estreno de Nosferatu llegaba a los cines Drácula, que adapta la obra de teatro homónima de 1924 de Hamilton Deane y John L. Balderston, a su vez basada en la novela de Stoker. Es la primera versión sonora de la historia del Conde y supuso un auténtico éxito en taquilla para su productora y distribuidora Universal Studios, tanto que decidió seguir adaptando relatos de terror cultivando así algunos de sus mayores éxitos: El doctor Frankenstein(1931), El hombre invisible(1933) o La novia de Frankenstein(1935).
El intérprete estadounidense Lon Chaney («El hombre de las mil caras»), que por aquel entonces había protagonizado hasta diez obras de Tod Browning (Garras humanas, Fuera de la ley), entre otros éxitos (El fantasma de la ópera), era el indicado para encarnar al malévolo conde Drácula, no obstante, apenas un mes antes de comenzar la producción, el actor falleció a causa de unas hemorragias bronquiales. El fatal destino quiso que Bela Lugosi terminase siendo el Drácula de Browning. Un actor austro-húngaro que había interpretado en muchas ocasiones al personaje en el teatro y conquistaba a su público con su peculiar acento europeo. En ese momento, Lugosi no sabía que pasaría a ser, probablemente, el vampiro más recordado del cine.
La película de Browning dista de la calidad de la anterior obra de Murnau, a pesar de haber pasado a la historia por construir ese paradigma del vampiro elegante y aristócrata en el cine, tan lejano realmente de la condición más vetusta y ajada que Stoker confirió a su personaje.Drácula transcurre casi al completo en interiores y sufre el mal del teatro filmado, tanto por su puesta en escena como por la histriónica interpretación de un Lugosi demasiado encorsetado en los modelos de representación teatrales. El director estadounidense odió la película cuando la vio terminada, el intervencionismo de la productora le jugó una mala pasada: Browning no tuvo absoluto control sobre la producción y hubo otras personas operando en las distintas facetas de la misma, que terminaron por trastocar la idea inicial de la obra. Hay quienes sostienen que la versión hispanohablante rodada en los mismos sets durante la noche —practica habitual entonces— dirigida por George Melford y protagonizada por el español Carlos Villarías es mejor que la estadounidense.
Aún así, Drácula no es una mala película, tiene algunas ideas de dirección interesantes, la presentación del conde es mítica y, a pesar de haber envejecido mal, sigue siendo una leyenda. Además, sin su existencia Ed Wood(1994, Tim Burton) no sería tan buena.
En los años 50, la modesta productora británica Hammer Films encontró un filón en el cine fantástico con su estreno de El experimento del Dr. Quatermass (1955), a la que siguió una nueva versión de la ya adaptada obra de Mary Shelley La maldición de Frankenstein(1957). En este punto, ya se empezaba a tener en mayor consideración a la empresa británica, al tiempo que un sector del público criticaba su excesiva violencia. En 1958, con un exiguo presupuesto de 81.000 libras, el estudio dio a luz a su propia película sobre el Conde Drácula que haría pasar a la historia la imagen del vampiro interpretado por Christopher Lee.
Existe un gran contraste entre el Drácula (1931) de Browning y el de Fisher, son como dos polos opuestos, pues si el primero es en un blanco y negro sepulcral, donde la violencia se intuye y Lugosi declama en constante teatralidad; el versionado en Reino Unido emana color haciendo de la fotografía a cargo de Jack Asher una de sus mayores virtudes, la violencia y sangre son vistosas y Lee guarda silencio casi toda la película para remarcar el salvajismo de un ser sin escrúpulos ni lenguaje al margen del mal. Si Browning era un maestro en las situaciones implícitas, Fisher planteará su estilo de manera sumamente explícita (Gómez, s.f.).
Asimismo, el reducido presupuesto de que disponían, supuso una necesidad de síntesis absoluta de la obra, por lo que el encargado del guion Jimmy Sangster escribió una historia mucho más condensada que la original con unas transformaciones argumentales muy positivas pero completamente novedosas. La película de Fisher se configura en un principio desde la venganza, pues es Jonathan Harker el que se adentra en el castillo del Conde como bibliotecario a sueldo con la intención premeditada de acabar con él. Una vez su empresa fracasa, el testigo protagónico recae en Van Helsing -un Peter Cushing en estado de gracia-, que buscará por todos los medios poner fin al mal.
Un estallido de colores vivos -el rojo predomina- inunda la pantalla sustituyendo la frialdad del Browning predecesor, y el truculento barroco doblega al goticismo asociado al Conde con anterioridad. La impecable realización de Terence Fisher armoniza todos los elementos existentes y consigue ocultar las carencias presupuestarias incluso volviéndolas una virtud para su planificación y composición, en un ejercicio de dirección que da sentido al término lenguaje cinematográfico. Drácula (1958) es posiblemente la mejor película a color -¡y qué color!- sobre el vampiro, que se sirve de algunos juegos de luces y sombras expresionistas, apuntala el drama con la maravillosa banda sonora de James Bernard y construye un villano de personalidad única y arrolladora que quedaría grabado en los anales de la historia del cine.
57 años después de Nosferatu (1922), el osado director alemán Werner Herzog (Aguirre, la cólera de Dios) se atrevió a homenajear la que para él era la mejor película de la historia de su país. Herzog sentía su obra como una especie de tributo a las generaciones alemanas de antes del Reich y a ese cine patrio expresionista que era su raíz artística.
En aquellos años setenta finales los derechos de la novela de Stoker habían expirado, por lo que, a pesar de titular la película en honor a Murnau, Herzog pudo utilizar en ella los nombres originales. De esta manera, Klaus Kinski, que ya había trabajado con su compatriota en dos ocasiones, encarnó a uno de los Dráculas con más presencia jamás hechos pese a su escasa aparición en pantalla. Bruno Gantz, que pese a ser su novena película había trabajado ya con Rohmer, Wenders, W. Petersen y F. J. Schaffner, daba vida al protagonista Jonathan Harker. Y, para cerrar el magnífico trío actoral, Isabelle Adjani, recordada sobre todo por la posterior La posesión(1981, Zulawski) aunque antes del 79 ya aparecía en películas de Truffaut y Polanski, encarnaba al personaje femenino Lucy Harker, en una especie de fusión entre las originales Lucy Westenra y Mina Harker.
Un ambiente funesto colma la película en todo su desarrollo, especialmente durante su tercer acto. Y es que, si algo es la cinta de Herzog, es tenebrosa, oscura y gótica a más no poder. Es posiblemente la más terrorífica y fatalista pues, mientras en el resto de adaptaciones se pone fin al mal, el alemán concluye con Jonathan vampirizado y un plano suyo a caballo por el desierto camino a tierras ignotas. El mal se extiende sin remedio.
Ratas, ataúdes, bailes desquiciados… Elementos que denotan una oscuridad que acecha la ciudad a partir de la segunda mitad de la película y que cristaliza a la perfección en un diálogo imposible de borrar de mi memoria en una de las últimas secuencias del filme, que corrobora la irrefrenabilidad del mal vampírico. Refiriéndose a Van Helsing, un hombre dice a otro: «Arrestad a este hombre». A lo que el otro contesta: «Yo no puedo». Dice el primero: «Que lo haga la policía». «No hay policía». Con indignación contesta el otro: «Pues llevadlo al calabozo». Para concluir: «No hay quién lo vigile». Una conversación escalofriante que basta para describir la inhumana situación en que se hallan.
El goticismo y escalofriante ambiente tan característicos de Nosferatu, vampiro de la noche, recuerdan en gran medida -y por trazar paralelismos referenciales que siempre vienen bien- al videojuego Bloodborne, cuya descripción de Wikipedia dice así: «El videojuego sigue las acciones del personaje del jugador, el Cazador, a través de Yharnam, una ciudad ficticia de estilo victoriano, cuyos habitantes han sido afectados con una enfermedad de transmisión sanguínea anormal». Me encanta pensar que Hidetaka Miyazaki ha visto la película de Herzog.
A pesar de ser un cineasta de alto nivel por sus galardonadas películas de El Padrinoo Apocalypse Now(1979), Francis Ford Coppola no tenía el respaldo absoluto de los estudios a principios de los años 90, después de las complicaciones económicas durante sus últimos rodajes –El Padrino. Parte III (1990) o Apocalypse Now-, por lo que la figura de la por aquel entonces estrella juvenil Winona Ryder fue fundamental para levantar la que sería su próxima película, una vez que Columbia vio su entusiasmo por el guion que había escrito James V. Hart para una nueva adaptación de la historia del Conde Drácula. También fue crucial la actriz para las elecciones de casting de Keanu Reeves como Jonathan Harker y, sobre todo, Gary Oldman como Drácula, papel que le haría un nombre en Hollywood y entre el público, ya que hasta aquel entonces no era demasiado conocido.
Para evitar problemas que no podía repetir y de los que había salido bastante escaldado en anteriores rodajes, Coppola puso todo su empeño en cumplir con los cuarenta millones de dólares de presupuesto establecido y rodó gran parte en estudio para tener mayor control. El resultado fue un apabullante éxito de taquilla -llegando a recaudar 215 millones, cerca de su película más taquillera El Padrino (1972) con 243- y tres premios Oscar de cuatro nominaciones, hitos que volvieron a impulsar la carrera y prestigio del cineasta estadounidense.
En cuanto a la película, ha sido muy comentada desde su estreno porque bajo la fidelidad con que se intentó vender desde su propio título, se esconde una absoluta transformación en el tono e intenciones de su desarrollo argumental. La heroicidad masculina y horror gótico, se ven opacados por un inusitado melodrama romántico entre el Conde y Mina Murray -«he cruzado océanos de tiempo para encontrarte»-, que puede recordar en parte por la tensión sexual y atracción a la relación de Ellen Hutter y el Conde Orlok en el Nosferatu (2024) de Robert Eggers que comentaré a continuación. Por eso, Drácula de Bram Stoker es más bien una película sobre desamor o amor reprimido, narrada de forma lineal con flashbacks y voz en off para enfatizar ese deseo irresoluto que atraviesa el tiempo tal y como la célebre frase del Conde apunta. Pues Drácula busca a una amada que perdió siglos atrás y ahora encuentra reencarnada en la apuesta Mina.
A un lado el conocido argumento, la cinta destaca por una maravillosa realización y fotografía y, sobre todo, un presupuesto que por primera vez permitía desarrollar la historia con la solidez y extensión que merecía la obra de Stoker. Por mucha critica que pudiese acarrear por cuestiones ya mentadas, sin duda esta versión es la más conocida a nivel popular y posiblemente la culpable de que la fiebre cinematográfica del vampiro rumano se haya disparado hasta el día de hoy. De hecho, este artículo está orientado al próximo estreno de la adaptación de Luc Besson, pero este año se esperan hasta otras tres películas sobre Drácula de distintas cinematografías: Abraham´s Boys: A Dracula Storyde Natasha Kermani, Dracula de Radu Jude y The Death of Dracula-remake de la cinta húngara desaparecida y mencionada en la introducción Drakula halála (1921)-.
Robert Eggers, una de las principales figuras del ambiguamente llamado «terror elevado» contemporáneo, era gran admirador de la novela de Stoker desde pequeño y ya en sus inicios cinematográficos quiso adaptarla a su manera. En 2015 llegó a sus manos la oportunidad de escribir y dirigir una nueva versión y, aunque trabajó mucho en ello, no se sentía preparado para llevar a cabo un proyecto de tal magnitud como segunda obra en su fimografía -tras La bruja (2015)-. Una vez consolidado en la industria y público tras tres enormes películas del género como son La bruja, El faro(2019) y El hombre del norte (2021) -quizá esta es la que más se sale de él, pero no pierde la incesante atmósfera y salvaje que caracteriza a Eggers-, obtuvo la luz verde para ello y se vio preparado por primera vez.
Rodada en Rumanía, República Checa y Alemania a principios de 2023, la última película del estadounidense se posiciona como la tercera narración directa de la historia de Nosferatu en el cine, y sorprende por su capacidad de innovar y hacer propia una obra tan trillada como la del Conde Drácula. Es imposible no quedarse boquiabierto ante la imponente estética fotográfica y composición que lleva a cabo Eggers, con una planificación milimétrica del detalle visual. La secuencia de la llegada al castillo de Thomas Hutter con la aparición del carro maldito en medio del bosque es para enmarcar. Stendhal absoluto. El tono y ambientación, tan opresivos como atrapantes, lo son aquí todo; sumergen al espectador en un estado de fascinación y pesadilla raramente alcanzable en lo cinematográfico. Robert Eggers siempre sabe lo que hace.
Entrando en comparaciones inevitables, uno de los cambios más notables y cuestionados, que sin embargo a mí me resulta atrevidísimo y eficaz, es la transformación del personaje del Conde respecto a las anteriores versiones. Es cierto que hay una clara diferencia entre Drácula y Orlok, uno caballeroso y elegante a primera vista, y el otro repulsivo y terrorífico; pero lo que el nuevo Nosferatu practica es algo inaudito hasta la película de Eggers desde su propia apariencia: un ser de gran estatura, con un bigote poblado -en homenaje al Vlad el Empalador- y ropas ajadas, que parece más sobrenatural que nunca. Siempre presente de una forma u otra, con una voz imponente que hace retumbar las vísceras de cualquiera, el Orlok de Bill Skarsgard es uno de los villanos de todas las adaptaciones de Stoker más tenebrosos y tremendamente perturbadores. Aún más voraz en sus deseos carnales por poseer a la joven Ellen, de una manera que puede recordar ligeramente al romántico tratamiento de Coppola, si este tendiese más hacia un erotismo insano.
Puede que el mayor mal de la película sea que, precisamente a causa de su mayor virtud estética y atmosférica, el aspecto humano quede algo insustancial. Los personajes no brillan por su profundidad ni carisma. No se produce efecto empático, ni siquiera en momentos como la teatral y exageradísima declamación de Lily-Rose Depp -Ellen Hutter-. Amén de este impedimento, el Nosferatu de Eggers no defraudó ni un pelo. Bueno, hubo a mucha gente que sí, pero a mí desde luego que no. Otra enorme película para su, de momento, escueta colección.
Existen otras muchas películas que adaptan la obra de Bram Stoker, pero creo que ninguna como estas seis que he repasado, aunque, claro está, siempre se puede diferir. Lo que está más claro aún es que el listón quedó excesivamente alto con la película de Robert Eggers el pasado 2024. ¡Habrá que ver si Besson da la talla!
Muchas gracias por leerme e ¡id al cine!
Sed felices.
Bibliografía:
De la Información de Literatura y Cine Es Codirector del Festival de Cine Cinexcusa Comunicador Social y Periodista de la Universidad Surcolombiana, L. M. R. L. y. C. E. W. (2022, 29 julio). «Nosferatu»: cien años de la película que abrió las puertas del terror en el cine con Drácula – WMagazín. WMagazín. https://wmagazin.com/relatos/nosferatu-cien-anos-de-la-pelicula-que-abrio-las-puertas-del-terror-en-el-cine-con-dracula/#aaanosferatu-de-murnau-y-el-nacimiento-del-cine-de-terror
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Torres, F. R., & Torres, F. R. (2024, 19 febrero). El mejor remake de la historia del cine de terror cumple 45 años: 5 razones para verlo. Cinemanía. https://www.20minutos.es/cinemania/noticias/nosferatu-remake-werner-herzog-analisis-5212436/
Gallego, P. (2022, 10 abril). Qué ver en Filmin: «Nosferatu, vampiro de la noche», Werner Herzog realiza una magistral. . . Espinof. https://www.espinof.com/criticas/que-ver-filmin-nosferatu-vampiro-noche-werner-herzog-realiza-magistral-reinterpretacion-clasico-vampirico
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Corral, J. M. (2003). Hammer: la casa del terror.
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Hay días en los que uno se sienta a jugar y siente que el cartón tiene sangre. No literal, claro. Aunque no me mires así, ya he visto dados más sangrientos que mi cuenta bancaria en enero. Me refiero a Bone Wars, la nueva joyita publicada por Maldito Games que, aviso desde ya, no va de montar dinosaurios para niños. Va de montar dramas. De los buenos. De los que harían sonrojar a Juego de Tronos. Y además, con fósiles.
Este juego no te lleva a la era de los dinosaurios. No. Te lleva al salvaje Oeste científico de finales del siglo XIX, donde dos señores con barba y sombrero, Othniel Charles Marsh y Edward Drinker Cope (sí, se llamaban así, parecen nombres de abogados victorianos), se dedicaban a ver quién tenía el fósil más grande… y el ego más tóxico. Y Bone Wars te deja en sus zapatos. O más bien, en sus trincheras. Porque esto, amigos míos, es una guerra de barro, huesos y reputaciones destruidas.
Cada turno es una partida de ajedrez con dinamita. Colocas trabajadores en yacimientos, buscas restos, publicas tus hallazgos en revistas científicas (¡revistas! Como si eso importara cuando puedes sabotear a tus rivales) y, sobre todo, te dedicas al noble arte de hacerle la vida imposible a los demás. Porque aquí lo de colaborar o compartir descubrimientos va con letra pequeña. Aquí se viene a ganar, a lo bruto, con una sonrisa sarcástica y un picahielo entre los dientes.
¿Y lo mejor? Que todo esto está envuelto en un arte que es para enmarcar. Tableros preciosos, cartas ilustradas con mimo y un diseño que parece sacado de un museo con presupuesto y mala leche. Cada componente te mete más en la historia, más en la rivalidad, más en el barro. Es como jugar un documental de La 2 narrado por un puñado de científicos ebrios de poder y café frío.
Y no, Bone Wars no es un juego para jugar con tu cuñado sensible. Aquí se viene a sufrir. A amar la ciencia mientras le pones una zancadilla. A vivir en carne propia cómo la historia de la paleontología se escribió a mordiscos. Es competitivo, es elegante, y sobre todo, es una delicia para los que aman los juegos con alma y mala uva.
Así que ya lo sabes: si alguna vez has querido ser un científico sin escrúpulos y con mucho carisma, olvídate de hacer un doctorado. Compra Bone Wars. Reúne a tres amigos (enemigos, mejor), ábrete una botella de vino barato, y prepárate para escarbar en el barro… de los sentimientos. Porque sí, esto es un juego de mesa. Pero uno de los que duelen. Y, por eso mismo, uno de los que valen la pena.
Aunque no se ha anunciado nada oficialmente, un nuevo rumor apunta a que Marvel Studios ha fijado la fecha de estreno en cines del tan esperado reboot de los X-Men.
Ha tardado mucho en llegar, pero por fin las cosas empiezan a avanzar para los mutantes desde que Disney comprara la Fox.
Michael Lesslie está trabajando en el guion (esperamos que otro guionista se una a él en algún momento) y el director de Thunderbolts*, Jake Schreier, ha confirmado recientemente que dirigirá el proyecto.
«No puedo decir nada al respecto, pero hemos empezado a trabajar en X-Men, y eso es obviamente muy, muy emocionante»
reveló Schreier durante una reciente entrevista con Empire.
«Hay tantas cosas que no sabía antes de empezar [Thunderbolts*]. Lo que más me ha costado aprender ha sido la proporción entre las escenas de acción y las más emotivas, centradas en los personajes, y cómo, a pesar de que son más días de rodaje de los que he tenido nunca, se consumen bastante rápido con las escenas de acción. Cuando llegamos al final, sentí que ahora entendíamos un poco mejor cómo hacerlo».
Se cree que el casting ya está en marcha (se rumorea que el estudio tiene en el punto de mira a numerosos actores) y es posible que ahora sepamos cuándo tiene previsto Marvel presentar al mundo esta nueva versión en imagen real de los mutantes, la franquicia de cómics más vendida desde los años 80.
Disney tiene actualmente tres fechas de estreno en 2028 para películas desconocidas de Marvel: el 18 de febrero, el 5 de mayo y el 10 de noviembre. Jeff Sneider está convencido de que X-Men llegará a los cines el 5 de mayo de 2028.
«Será el 20.º aniversario del UCM, que se estrenó en mayo de 2008 con Iron Man, de Jon Favreau»
«Si VENGADORES: Secret Wars (prevista para diciembre de 2027) está destinada a marcar el final de este capítulo del MCU, se supone que la película de X-Men representará un nuevo comienzo, y Disney tiene grandes esperanzas puestas en esta película de superhéroes, que presentará a la próxima generación de mutantes».
Sin duda, esto tendría sentido, pero obviamente tendremos que considerar esto como un rumor hasta que haya un anuncio oficial por parte del estudio.
Sabemos que varios actores de la franquicia X-Men de la Fox volverán a interpretar sus papeles en Vengadores: Doomsday, pero existe la posibilidad de que estas próximas películas de Los Vengadores también presenten al menos un par de nuevos personajes mutantes que influirán en el reinicio.
Queda por ver si estos villanos en particular aparecerán en la primera película de X-Men, pero un rumor reciente de Daniel Richtman afirmaba que Marvel tiene grandes planes para Mr. Siniestro y Apocalipsis en la próxima saga del UCM. El informante también cree que el estudio «tiene algunos nombres en mente», pero los papeles aún no se han asignado.
A falta de un solo episodio para concluir la tercera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon, analizamos el sexto y penúltimo que, titulado Contrabando, lleva a Daryl a Barcelona. Creada por David Zabel, la serie es emitida por AMC+.
Hola otra vez, caminantes y sobrevivientes. Ya nos queda un único capítulo para llegar al final de esta tercera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon, en la cual el icónico personaje de la franquicia interpretado por Norman Reedus continúa su viaje por tierras hispánicas y en este caso catalanas, ello mientras Carol permanece en Solaz del Mar, donde las cosas se complican en la medida en que la historia por ella contada no resulta creíble a los oídos de Federico.
El episodio que hoy analizamos es pues el sexto y les invitamos a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertirles que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden, si lo desean, echar ojo, a nuestros análisis previos, tanto de esta como de las demás series de la franquicia.
Habíamos dejado a Daryl camino a Barcelona y cuando ya le faltan poco más de cincuenta kilómetros para llegar, oye un vehículo acercarse por el camino y ello le obliga a aprontar su arma y ponerse en guardia. Al llegar el mismo, sin embargo, quien desciende de su interior es Paz, que ha decidido finalmente acompañarle con el argumento de que necesitará un guía turístico en Barcelona.
Una vez en la ciudad y a la vista de la abandonada y oxidada Giradabo, ella le comenta que conoce allí cerca, dentro del parque de atracciones, una colonia de refugiados que podrían ayudarles, pues de ellos forma parte una amiga suya llamada Nerea.
Daryl, siempre en plan de rescatar a Justina, dice que prefiere trabajar en soledad, pero la joven le replica que no podrán con los del Alcázar sin apoyo. En eso están cuando se les aparece de pronto una marea de caminantes (¿será posible que en todos lados salgan de la nada misma?), lo cual provoca que tengan que lidiar con ellos y se pone complicado porque son muchos…
Afortunadamente, se abren las puertas del refugio mencionado por Paz y sobrevivientes armados salen en ayuda, aunque por otra parte desconfían de ellos y no dejan de apuntarles. Paz reconoce en la líder a Laia (Raquel Ferri Moscardo), otra amiga suya del pasado, así que la tensión baja y los visitantes son recibidos muros adentro e incluso invitados a comer. Con alegría, la muchacha se encuentra allí con otro antiguo amigo llamado Farid pero, por otra parte y lamentablemente, recibe también la triste noticia de que Nerea ha fallecido hace ya dos años…
Mentiras y Video
En Solaz del Mar, mientras tanto, Antonio le enseña a Carol filmaciones de los días en que Roberto era niño, precisamente en Barcelona, donde él vivió cuatro años. A propósito del muchacho, su salud actual pareciera ir mejorando gracias a los cuidados de Marga.
Federico se acerca a preguntar por su estado y simula alegrarse por la noticia, pero por otra parte pregunta a Carol por Daryl, encontrando extraño que permanezca en el barco día y noche sin llegarse ni por un momento al pueblo.
Carol comenta simplemente que es “un gran trabajador” y Federico finge quedar conforme con la respuesta, pero instantes después y confirmando sus presunciones, su ayudante Sergio le informa que el americano no está en el barco desde hace días y no solo eso, sino que además, en una jaula atestada de caminantes, le muestra zombificados a los tres hombres del Alcázar que en su momento desaparecieran (qué bueno que sigan siendo amigos y estén los tres juntos).
Adiós a los Reyes
En Barcelona, Daryl y Paz tienen una charla sobre sus respectivos pasados. Él le cuenta que la vio con Elena en Solaz del Mar (momentos antes, en la mesa, ella había dicho ante el resto que no la había vuelto a ver) y la muchacha le cuenta acerca de cuando se conocieron en la escuela secundaria y cómo vivieron paradójicamente los días más felices de sus vidas al desencadenarse el apocalipsis y estar juntas, idilio que acabó cuando Elena fue seleccionada por el Alcázar.
Dice haber buscado la forma de llegar a ella hasta resignarse y por eso entiende a Roberto y le emociona el que no acepte perder a Justina. Al preguntarle a Daryl si perdió a alguien, este responde que a demasiada gente y Paz le replica sagazmente que algunas personas siempre dolerán más que otras.
Daryl, por otro lado, averigua que el convoy del Alcázar se detendrá en Barcelona para la próxima Ofrenda que, teniendo lugar en dos días más, constituirá una excelente oportunidad para perpetrar un ataque contra el mismo al cual quiere convencer a los refugiados de sumarse.
Laia no está de acuerdo: objeta que no están en condiciones de atacar y prefiere que sigan ocultos, situación que probablemente deje de ser tal si se dan a conocer de ese modo. Daryl la pone al tanto de que en el convoy viaja Guillermo Torres y ello les daría una oportunidad única de sacarse de una vez y para siempre al rey de encima y que no haya en adelante más reyes: el argumento parece convencerles…
El Fantasma de la Culpa
En la playa y mientras Antonio da algunos retoques al barco, Valentina pregunta atrevidamente a Carol si ya probó el vino español, a lo cual esta responde una vez más con evasivas. Vueltos a Solaz del Mar, descubre que la salud de Roberto está ahora empeorando y, por lo tanto, Carol y Antonio van a ver a Federico para solicitarle más medicamentos.
Este, sin embargo, objeta que ya le han dado todos los que se le pueden dar y que no hay que olvidar que el muchacho complicó con sus acciones la relación con el Alcázar, lo cual significa que, a los fines de que alcancen para todos, hay que racionar los medicamentos ante la perspectiva de que no reciban más por largo tiempo.
Carol tiene la mala idea de preguntarle qué pasaría si la población supiera lo que hace y él interpreta que la está amenazando. Dice que lo mejor sería que se marchara cuanto antes de Solaz del Mar y advierte a Antonio que no tolerará que ella ande con “chismorreos, secretillos y gilipolleces”…
Pero Roberto sigue empeorando y a Carol le llama la atención ver en la habitación muerto al gato de su padre. No aguantando más la situación, se introduce en el almacén en que tienen guardados los medicamentos y allí es sorprendida por Marga, que la apunta con una escopeta. Entre lágrimas, Carol le explica que su hijo está mintiendo y ella no le cree, pero la cosa cambia cuando le dice que el muchacho está siendo envenenado, así que le termina entregando lo que ha ido a buscar…
Gracias a ello, la salud de Roberto comienza a mejorar y mientras ello ocurre, Antonio le muestra a Carol una antigua filmación que tiene que ver con el origen del conflicto entre él y Federico, pues resulta que su madre era vasca y militante de ETA, del mismo modo que él, quien estaba filmando un documental sobre la agrupación en compañía de su esposa María, a quien, sin embargo, no le gustaba la idea de dar cámara y voz a terroristas. La cosa terminó en un atentado y con ella muriendo (sorprendente que esté todo filmado, incluso el momento en que él se postra devastado ante el cuerpo caído)…
Así queda explicado el dolor de él y el resentimiento de Federico, quien utilizó como extorsión la posibilidad de poner al tanto a Roberto, que nunca supo nada al respecto. Al menos hasta ahora, ya que se ha levantado de su cama e ingresa en ese mismo momento en la sala de proyección para caer pues en la triste cuenta de lo ocurrido y el ocultamiento llevado a cabo por su padre. Este intenta hablarle, pero el joven está absolutamente dolido y mortificado, por lo que se marcha sin querer saber nada con él…
Batalla en Barcelona
En el distrito de Ciutat Vella, finalmente, tiene lugar el ataque contra los del Alcázar, siendo el convoy interceptado por los refugiados con camiones que le salen al cruce. Interceptan al convoy con camiones. Se produce un intenso tiroteo y Laia está a punto de volar con una bazuca el vehículo en que viaja Guillermo Torres, pero Paz sabe que allí también viaja Elena y por tal razón le desvía el disparo, que no llega pues a destino. No conforme, Laia saca una pistola y va en busca de Torres, pero es ella quien termina recibiendo un disparo y sus días acaban.
Justina y Alba, en tanto, están encerradas en un camión jaula y Daryl intenta liberarlas. Nos vimos venir un momento MacGyver pero no, nada funciona, ni el clásico disparo abrepuertas que es absurdo cliché de tantas películas ni las llaves que extrae al caído guardia y prueba una a una sin resultado.
El lugar está ya atestado de zombies y el camión se vuelve a poner en marcha mientras Daryl y Paz ven tristemente alejarse a Justina y Alba. Reunidos luego los refugiados sobrevivientes, Paz les dice que al menos lo intentaron y les recomienda regresar a casa mientras ella continúa con Daryl en busca del próximo destino del convoy: tal como lo entiendo, Madrid…
Después del intento de envenenamiento, Carol intenta sacar a Roberto de Solaz del Mar llevándolo oculto en un vehículo. Federico y los suyos, sin embargo, le interceptan diciendo que deben inspeccionar y Carol está ya a punto de echar mano a su arma cuando se produce la oportuna intervención de Antonio echándole en cara a Federico su autoritarismo por no dejar a la gente salir libremente de Solaz del Mar.
A viva voz, entonces, pone en evidencia al líder acerca de lo que ha estado haciendo con Justina y ello despierta miradas de recelo entre los pobladores, advirtiéndose un cierto clima de rebelión. La cosa es entre él y Federico, por lo cual este deja ir a Carol sin saber que también con ella viaja Roberto.
Un flashback final nos lleva al día del atentado, cuando Antonio lloraba junto al cuerpo de su esposa y, en ese mismo momento y por las increíbles casualidades del destino, comenzó el apocalipsis zombie, comenzando a despertar los que acababan de morir la explosión y también la propia María…
Balance del Episodio
A falta de un único episodio, eran de esperar más definiciones en este penúltimo, pero a pesar de que hemos tenido una intensa batalla en Barcelona, no ha sido así. Básicamente la situación con la que acaba el capítulo, por lo menos para el arco de Daryl, es la misma con la que había acabado el anterior, pues Justina y Alba siguen cautivas del Alcázar, solo que ahora camino a Madrid. Ojo, no estuvo mal que Daryl no lograra abrir la jaula evitando así lugares comunes demasiado transitados, pero cabe la pregunta: ¿no podían apoderarse del camión con ayuda de los refugiados que participaron del ataque?
Pareciera ser todo parte de una excusa para continuar el tour hispánico y, aunque nos encanta reconocer los lugares (en mi caso con algo de desventaja al no ser español, pero me las apaño lo mejor que puedo), sería bueno que el mismo tuviera una fundamentación argumental más sólida.
Por lo pronto, todo indica que la cosa sigue en Madrid, como también que, tal como se viene anunciando, tendremos otra temporada más en España a la luz de que no alcanza un único capítulo para resolver los conflictos de los dos arcos principales.
Lo que ya se vuelve un recurso cansino es que en cada lugar por el que Daryl pase se encuentre con una comunidad de sobrevivientes a los que no conoceremos más de un capítulo porque no duran más que eso. Pudimos entenderlo con la colonia de leprosos porque ayudaron a alimentar el encantador tono de western spaghetti del episodio anterior, pero los refugiados del parque en Barcelona terminaron por ser del todo insípídos y la serie continúa cargándose a personajes que apenas nos han presentado, como Laia. Y lo peor es que ya ni siquiera esperamos que sea de otro modo.
Más aún: Paz nos habló de su amiga Nerea y me pregunto para qué, pues esa mención no cumplió función alguna en el guion y no tenemos forma de consustanciarnos con su dolor por la muerte de su amiga debido a una simple razón: no la conocimos. Imposible pues sentir empatía o entender lo que siente. Ya ni siquiera es que la serie se cargue a personajes que apenas nos presentó: ahora ni siquiera nos los presenta…
Es por otra parte contraproducente que Daryl y Carol estén separados, ya que es notoria la química que demuestran cuando están juntos, pero a la vez resulta argumentalmente necesario para que no perdamos de vista la trama de Solaz del Mar mientras seguimos la odisea hispánica de Daryl. La historia mutua entre Carol y Antonio, por cierto, se vuelve cada vez más fuerte, y el conflicto entre este y Federico se va entendiendo mejor, aunque se vio quizás algo forzado lo de la ETA.
Y ni hablar de las grandes casualidades que nos siguen acompañando. Había momentos para que Antonio decidiera mostrarle esa filmación a Carol, pero tuvo que hacerlo precisamente cuando Roberto se despertaba después de días de convalescencia. ¿Y por qué dejó Federico ir a Carol sin saber si no estaba sacando a nada ni nadie del pueblo? El que su conflicto sea con Antonio no alcanza como justificativo, pues perfectamente podía detener a todos.
En fin, ha sido un capítulo muy de medio pelo, que no ha hecho avanzar la trama todo lo que hubéramos de antemano supuesto al considerar que queda solo uno. Y por cómo viene la cosa, no da impresión de que el próximo pueda cerrar satisfactoriamente los distintos arcos, sino que la temporada pareciera encaminarse hacia un gran cliffhanger que solo haga de tráiler a la cuarta.
Veremos si es así cuando llegue. Les espero aquí para analizarlo. Hasta entonces y sean felices…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de octubre. Astiberrivuelve a demostrar su compromiso con la diversidad narrativa y la excelencia gráfica en su catálogo de octubre de 2025.
Desde reediciones esperadas hasta nuevas apuestas que combinan historia, fantasía y crítica social, el mes se presenta como una celebración del cómic como arte y testimonio.
Novedades de Astiberri Ediciones de octubre de 2025
Y como siempre que nos es posible, vamos a seleccionar un título de Astiberri. El que más nos llama la atención este mes. Y el título seleccionado es …
Enrique Montero, antiguo maestro republicano represaliado, sobrevive en la España de la posguerra dedicándose a la historieta. Pero los atentados que sacuden Madrid en 1945 lo arrastran de nuevo a un pasado que creía enterrado.
Viejos camaradas le piden ayuda para detener a un antiguo compañero que actúa por cuenta propia. Enrique, sin embargo, no quiere traicionar ni resistir: quiere olvidar.
La obra se convierte en un homenaje a los dibujantes de cómic de la posguerra, enmarcada en una atmósfera opresiva que revive una página oscura de la historia española.
Su narrativa se despliega en varios planos gráficos y textuales, jugando con estilos y niveles de lectura que dialogan entre sí.
Un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todas las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes. Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Norma Editorial, previstas para este otoño de 2025. La editorial barcelonesa presenta un catálogo extenso y de grandísima calidad.
Novedades Norma Editorial otoño 2025
Norma Editorial presenta un catálogo otoñal que equilibra la potencia narrativa del cómic europeo y americano con la frescura del manga contemporáneo.
Octubre y noviembre de 2025 llegan cargados de títulos que exploran el terror íntimo, el western filosófico, la contracultura urbana y las relaciones humanas desde ángulos insólitos.
Moribundo – Fran Mariscal
Un debut inquietante que mezcla el miedo a la muerte con la angustia de vivir. Mariscal construye una atmósfera opresiva donde el protagonista se enfrenta a su propia decadencia física y emocional.
La obra ha sido comparada con El arte de volar por su crudeza emocional y su trazo expresivo.
Huracán sobre Nuevo México – Víctor Barba
En un paisaje árido y simbólico, el autor nos presenta un western introspectivo donde el duelo entre pistoleros se convierte en una meditación sobre la violencia, el destino y la redención. Ideal para lectores de Blueberry y Undertaker.
El Diablo y Coral – Josep Homs
Una historia de pactos infernales, secretos familiares y persecuciones sobrenaturales. Coral, una joven marcada por el pasado, se enfrenta al mismísimo Diablo en una trama que mezcla mitología y noir con el estilo visual característico de Homs.
Estas han sido las estrellas elegidas del catálogo de Norma Editorial, previstas para este otoño. Un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con la Revista DESCUBRE NORMA de otoño de 2025.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Planeta Cómic presenta un catálogo otoñal que combina adaptaciones literarias, dramas cotidianos y clásicos del manga contemporáneo.
Octubre de 2025 llega con propuestas que apelan a la sensibilidad, la memoria y la imaginación, consolidando su apuesta por obras con alma narrativa y estética cuidada.
Novedades Manga Planeta Cómic de octubre de 2025
Soy más bien un lector clásico. Añejo. Y no soy muy aficionado a este género que por otra parte, nos ha ofrecido títulos muy adictivos, interesantes y también obras maestras del noveno arte.
Por este motivo, voy a seleccionar una sola obra del catálogo Manga de Planeta Cómic del mes de octubre de 2025.
Esta edición especial recopila en un estuche los dos volúmenes de la adaptación manga del clásico del horror cósmico de H. P. Lovecraft.
Gou Tanabe, reconocido por su maestría en trasladar la atmósfera lovecraftiana al manga seinen, ofrece una versión visualmente poderosa y fiel al espíritu del relato original.
La historia sigue a una expedición antártica que descubre vestigios de una civilización ancestral no humana, desatando una espiral de terror existencial.
Tanabe logra capturar la escala, el misterio y la desesperación que definen el Universo de Lovecraft, con un estilo gráfico detallado y envolvente.
Una vez os he dejado mi recomendación, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades manga de Planeta Cómic, previstas para este mes de octubre.
Echad un ojo, disfrutad terroríficamente y sobre todo …
Desde Eternia nos ha llegado un mensaje para los fans de los héroes más poderosos del universo. Un grito ha resonado desde el Castillo Grayskull hasta la Montaña Serpiente: la editorial Moztros ha tomado las riendas de la publicación de los cómics de ‘He-Man y los Masters del Universo’ en España, una licencia que se encontraba en manos de la extinta ECC Ediciones.
Teniendo en cuenta que esta joven editorial ya nos trae ‘Las Tortugas Ninja’, ‘GI-Joe’ y ‘Transformers’, entre otras licencias, creo que el príncipe Adam debe estar contento con el nuevo hogar de sus amigos y enemigos.
El relevo en la licencia de ‘Masters del Universo’ (MOTU) por parte de Moztros suma otra franquicia de nuestra infancia a las que ya he mencionado y más que espero que sigan trayendo. No solo por los que ya tenemos una edad y nos henos criado con este universo tan increíble, si no para los más jóvenes puedan describirlo
He-Man y los Masters del Universo llegan a Moztros Editorial
Nos la habíais pedido… ¡y aquí la tenéis! Una de las licencias más deseadas por nuestros lectores llega al catálogo de la editorial. Masters del Universo, la franquicia de Mattel que desde hace más de cuatro décadas fascina a lectores, espectadores y coleccionistas, está más de actualidad que nunca, con las series de animación de Netflix todavía recientes y el estreno de la nueva adaptación cinematográfica programado para 2026. ¿Qué mejor momento para sumergirse en los cómics de esta saga tan querida?
Nuestro plan editorial reflejará la variedad de versiones que He-Man y los Masters del Universo han tenido a lo largo de los años, abarcando desde los clásicos que hicieron historia, hasta las sagas más recientes que triunfan en Netflix, pasando por volúmenes autoconclusivos que reúnen a algunos de los mejores autores del medio.
LOS CLÁSICOS, EN TODO SU ESPLENDOR
– He-Man y los Masters del Universo: La colección de minicómics: los míticos minicomics originales que acompañaban a las figuras de los 80. Con aportaciones de autores de la talla de Alfredo Alcalá, Mark Texeira, Larry Houston, Bruce Timm,
– Masters del Universo: Las tiras de prensa: las legendarias tiras de prensa que expandieron Eternia más allá de la televisión.
LO NUEVO, DIRECTO DESDE NETFLIX
– Masters del Universo: La forja del destino: la precuela oficial de la serie de animación Masters del Universo: Revelación, firmada por Tim Seeley y Eddie Nunez.
– Masters del Universo: Revolución: Precuela de la serie de animación del mismo título, con Tim Sheridan y Daniel HDR como equipo creativo.
HISTORIAS AUTOCONCLUSIVAS, CON AUTORES DE PESO
– Masters del Universo:Masterverso: Un festín de realidades alternativas donde todo puede pasar. Con la participación de Victor Santos (Polar, Elixir) y David Rubín (Beowulf, Ether) y otros grandes talentos internacionales, como Sergio Aragonés o Kelley Jones.
– Masters of the Universe: The Sword of Flaws: Una miniseries autocontenida, integrada dentro de la continuidad clásica del personaje. Con guion de Tim Seeley (Nightwing, Grayson) y arte de Freddie E. Williams II (Batman/TMNT, Injustice vs Masters del Universo).
Masters del Universo: La forja del destino será la primera obra en publicarse el próximo 20 de Noviembre
Con esta línea editorial, traemos a los lectores tanto el corazón nostálgico de Masters del Universo como sus reinterpretaciones modernas. Un viaje que empieza en los minicomics originales y llega hasta las sagas actuales que mantienen viva la llama de Grayskull.
Star Wars, Indiana Jones, Regreso al Futuro y Harry Potter fueron algunas de las sagas que conocieron el talento y estilo de Drew Struzan, artista estadounidense que nos dejara más de doscientos carteles de títulos de Hollywood, algunos tan famosos e icónicos como las películas mismas.
Cuando se piensa en una película, suele pensarse en director, productor, actores y demás, pero rara vez (y más aún en esta era digital) es destacado el trabajo de los cartelistas que hicieron posible que la misma nos entrara por las retinas incluso sin haber visto un mísero tráiler. Quien diga que nunca se sintió atraído a entrar a un cine solo por el póster está mintiendo y artistas como el gran Drew Struzan, que nos dejó en el día de ayer, tienen ya un lugar ganado en la cultura popular aun cuando muchas veces no supiéramos el nombre de quien estaba detrás de tan increíbles y maravillosas imágenes.
Nacido en Oregon City en 1947, sus orígenes fueron por demás humildes, algo que suele conspirar contra quienes quieran dedicarse al arte por el incierto futuro que plantea vivir del mismo. Tanto fue así que hacía sus primeras ilustraciones en papel higiénico por no tener dónde. El descubrimiento de que el niño no podía leer bien por padecer de dislexia convenció seguramente a sus padres de que por allí podía haber para él un camino y ello hizo que vieran como posibilidad concreta el inscribirlo en una escuela de arte.
De hecho, Drew admitió que una de las razones que le llevaron a ilustrar específicamente carteles fue que podía vivir de ello, lo cual no estaba garantizado si se dedicaba por ejemplo a la pintura desde una perspectiva más lírica o vanguardista.
Y vaya que fue una gran decisión. Su gran manejo del aerógrafo y el acrílico fusionado con técnicas de óleo dieron a sus obras un tono hiperrealista que se volvió característico e inevitablemente atractivo para los productores de cine.
Por lo general, sus carteles ubicaban en su centro o en un primer plano al protagonista principal y creaban alrededor un particular collage de personajes secundarios y especialmente villanos, logrando así transmitir una cabal idea del contenido de la película, efecto potenciado por colores vivos e impactantes (aunque podían ser más oscuros y sombríos para filmes que lo ameritaban como Blade Runner) y un magistral uso de la iluminación, siendo habitual la inclusión de alguna fuente de luz hacia el centro de la imagen y un juego de contraste con las sombras.
“Tiene la habilidad y destreza necesarias para ampliar la experiencia que suponen las imágenes que intento imbuir en mis películas… Tiene el talento para captar a los personajes con total fidelidad, a la vez que los enriquece con un cierto elemento que los engrandece, los vuelve más gloriosos y más románticos de lo que jamás habrían podido parecer en una fotografía…” – decía de él George Lucas, en declaración que definía a la perfección su arte.
Además de las sagas de Star Wars (para la cual hizo los carteles de la trilogía original más sus precuelas), Indiana Jones, Regreso al Futuroy Harry Potter, Struzan volcó también su talento en algunos de los más icónicos pósteres de la historia del cine, como los de E.T., La Cosa (el cual se dice que hizo de un día para el otro), Condena Brutal, La Niebla, Los Goonies, LocaAcademia de Policía, Hook o la ya mencionada Blade Runner entre muchos otros, todas imágenes que quedaron instaladas a fuego en nuestra cultura visual y en la memoria colectiva.
A partir de los años noventa, el trabajo de los ilustradores comenzó a ser desplazado por las técnicas digitales, a pesar de lo cual se las apañó para seguir haciendo pósteres, aunque ya desde los 2000 anunció su retiro, no obstante lo cual volvería más adelante a lo que siempre amó, siendo el responsable, por ejemplo, de los carteles de las tres películas de Cómo entrenar a tu Dragón.
Desde marzo de este año, lamentablemente, se informó que el artista padecía de alzheimer y su salud estaba en claro deterioro, al punto que ya ni siquiera podía firmar autógrafos. Ayer, a los 78 años de edad y en su hogar de California, Drew Struzan nos dejó, pero eso es solo una forma de decir pues las imágenes que legó en más de doscientos carteles de cine forman parte indiscutible de nuestras vidas aun cuando quizás no hayamos hasta hoy sido conscientes de ello.
Junto aJohn Alvin, Saul Bass , Reynold Brown y unos pocos más, forma parte de ese círculo de ilustradores por los cuales, más de una vez, hemos terminado entrando a una sala cinematográfica. Y si alguien quiere decir que hacer carteles promocionales no es un arte en sí mismo, que eche un vistazo a los que dejó Toulouse-Lautrec para promocionar en su momento a clubes nocturnos de la noche parisina, especialmente el Moulin Rouge.
Llegó a su conclusión la primera temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre, por lo que analizamos lo que la misma nos ha dejado y, en particular, este décimo y último episodio cuyo título es Algo Prestado. Creada por Matthew Roberts y basada en los personajes creados por la escritora Diana Gabaldon para su saga Outlander, la serie de Starz puede ser vista en España por Movistar+ y en Latinoamérica por Disney+.
Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Llegamos al cierre de la primera temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre con un episodio más largo de la cuenta (ochenta minutos) y también después de una espera más larga, pues la franquicia Outlander se ha tomado la costumbre de posponer habitualmente, a último momento y sin previo aviso, el cierre de temporada de sus series para la siguiente semana…
Se trata de un recurso que, en la pretensión de aumentar más el suspenso, termina a mi juicio por ser anticlimático, pero sospecho que les debe dar buenos resultados en las mediciones de audiencia o no lo seguirían haciendo, aunque también es verdad que la sorpresa deja de ser sorpresa si se repite seguido…
¿Se han cerrado las historias de amor de Brian con Ellen y Henry con Julia? Evidentemente no y siempre supimos que sería así, pues de lo contrario perdería sentido la segunda temporada que, por cierto, estuvo confirmada desde un primer momento. Tenemos, eso sí, una doble fuga en pareja y, como no podía tampoco ser de otra manera, un final que apunta a separar nuevamente a los personajes después de tanto que hicieron por estar juntos. ¿O acaso una serie como esta podría funcionar con parejas felizmente reunidas?
Pero pasemos mejor a ver ya mismo qué nos ha dejado el cierre de temporada, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí los análisis previos de Outlander: Sangre de mi Sangre y aquí los de su serie madre Outlander.
Días del Futuro Pasado
Comenzamos con una serie de flashbacks o flashforwards, según como se los vea. El primero nos lleva al siglo XX y a los días en que Henry y Julia vivían felices celebrando el cumpleaños de la pequeña Claire y con el tío Quentin oficiando para esta de mentor o “maestro de la naturaleza”, como lo define Julia: anuncia, de hecho, que a la niña le espera una vida de aventuras y vaya si sabremos que será así… Esa línea temporal reaparece luego mostrándonos la invitación de Henry a Julia para acompañarle en su viaje a Escocia y la noticia de que esta espera un niño. Fuera de ello, no aporta a la trama demasiado que no supiéramos.
El segundo flashforward nos traslada a Leathers y al día de la esperada boda entre Malcolm y Ellen, a quien en ese momento creemos ver llegar al altar con el rostro cubierto, pero ya veremos más avanzado el capítulo que no es ella. La historia, mientras tanto, nos lleva un día antes…
Boda en Puerta
Retomamos entonces a Brian y Murtagh perseguidos en los bosques por el clan de asesinos. Murtagh atraviesa a uno en tanto que Brain degüella a otro y, tras desarmar a un tercero, lo ajusticia con su propio arco. Un cuarto, atado a un árbol e interrogado, confiesa que los contrató Colum Mackenzie. Brian siente que debe anoticiar a Ellen, pero antes se carga al cautivo ya que no puede dejarle vivo y así termina sus días el equipo de asesinos más torpe e ineficiente de la historia. Murtagh, a todo esto, está herido en una pierna, pero dice que se las arreglará: el clásico déjame y sigue tú…
En Leathers, todo se prepara para la boda con gran pompa, al punto que Fitzgibbons le dice a Ellen que la suya será una ceremonia propia de una reina. Sin embargo, esta reflexiona acerca de si es en verdad reina o prisionera y la criada responde que quizás las dos cosas.
Por otra parte, Ellen está en plan de pedir disculpas, sobre todo a aquellas que, como Jocasta, fueron en su momento casadas por compromiso y sin pedirles opinión: está claro que ahora siente en carne propia lo que quizás en su momento no le importó. Jocasta, sin embargo, se sorprende y no pareciera haber visto en ello nunca un problema, más allá de no formar con Cameron el mejor matrimonio del mundo.
Intercambiando luego bromas sobre hombres con ella y el resto de las muchachas, Ellen tiene la mala fortuna de hacer referencia a Malcolm como “esposo simple y tonto”, lo cual no gusta ni un poco a su hermana Maura Grant (Bobby Rainsbury) que, allí presente, recuerda a Ellen que Malcolm ha estado enamorado de ella desde los siete años y espera por lo tanto que actúe en consecuencia en lugar de arruinarle la vida, dicho lo cual se retira disgustada.
Fingiendo un Secuestro
En Leoch, Lovat no sale de su consternación tras haber sido puesto en ridículo por los Grant. Julia finge intentar consolarle y que olvide el incidente, pero él le echa en cara no saber nada sobre el honor y la dignidad, a lo que ella replica que tendrá a su favor ambos cuando su hijo sea confirmado como futuro soberano. Afecto como es a la jactancia y la vanagloria, el viejo pareciera quedar con ello conforme…
Pero Julia, por supuesto, está armando su movida para escapar con Henry y cuenta en ello con el apoyo de Davina Porter. Para no perjudicarla, de todas formas, la idea es fingir un secuestro, pero para ello hay que lograr engañar a Balloch, así que, llevando al bebé en brazos, se encuentra con Henry en el árbol junto al muro que habían pautado y, una vez allí, comienza a gritar pidiendo ayuda. Cuando Balloch llega a la escena, es golpeado en la cabeza por Henry con una roca y queda inconsciente.
Henry está a un paso de rematarlo, pero Julia, más cerebral, le detiene porque necesitan que el matón de Lovat dé testimonio avalando lo del secuestro: lo que hoy llamaríamos una coartada, bah. Reencontrados así y, en medio de la emoción del momento, ambos parten pues al galope.
Novia Fugitiva
Ataviado como un Grant, Brian logra una vez más infiltrarse en Leathers, pero se cruza con Jocasta. Dice llevar un recado para Ellen Mackenzie y necesita saber dónde están sus aposentos, pero ella no es tonta y le reconoce de inmediato por haberle visto en el Beltane luciendo tartán de los Fraser. Jaqueado pues in fraganti, se ve obligado a reconocer ante Jocasta quién es y, contándole acerca de lo ocurrido y especialmente del intento de asesinato perpetrado por Colum, le pide ayuda para llegar a Ellen.
Jocasta se siente tocada. Relaciona claramente con su propia historia y no quiere para su hermana un matrimonio sin amor como el de ella. El reencuentro entre Brian y Ellen se produce pues en las habitaciones de esta, quien no puede creer verle allí exponiendo su vida. Cuando él le anoticia de lo hecho por Dougal, va a hablar con él en privado y detecta en su evasiva forma de responder que le está mintiendo, pero nada dice y prefiere seguirle la farsa…
Habida cuenta, pues, de que él no ha cumplido su palabra, Ellen se siente en libertad de incumplir la suya y, por lo tanto, planea escapar tanto de la boda como del castillo junto a su verdadero amor. Para ello, requieren de la ayuda de Jocasta y Fitzgibbons, que les ocultan en espera del momento adecuado.
En el salón donde se está por llevar a cabo la ceremonia no hay noticias de Ellen y Malcolm comienza a ponerse nervioso, aunque no tanto como Colum, que no puede creer el desplante de su hermana. La situación es por demás delicada porque podría llevar a un enfrentamiento crucial entre clanes, tal es así que el tío Grant sentencia que los suyos solo se irán de allí con una boda o una cabeza.
Colum saca entonces un as de la manga que no vimos venir (ni tampoco había forma). Va a hablar en privado con Dougal y ello hace temer a Ned que le busque en su condición de señor de guerra, pero sus planes son otros…
Caemos así a la escena casi inicial en que viéramos a la novia llegando al altar con el rostro velado. La expresión de Malcolm, sin embargo, revela que no puede ser Ellen, pues se le ve dolido y traicionado. Y, en efecto, se trata de Maura, la hermana menor de los Grant, mientras que el impensado contrayente en matrimonio no es otro que Dougal, cumpliendo de ese modo con la boda requerida por el tío Grant. Algo prestado, como reza el título del episodio haciendo referencia al famoso mito acerca de qué hay que llevar puesto al momento de casarse…
Termina pues habiendo celebración de todas formas, pero el rostro de Malcolm está lejos de ser de festejo. En determinado momento, Dougal y Maura se marchan a la habitación y dan rienda suelta a sus apetitos sexuales al más rústico modo escocés. Pero Malcolm se ausenta de la fiesta por motivos distintos y, al hacerlo, se cruza con Ellen y Brian, que en ese momento están llevando a cabo su fuga.
Ella le recuerda que nunca le prometió nada y si estaba a punto de contraer matrimonio con él era por obligación, además de anoticiarle que ama profundamente a Brian. Lejos del Malcolm medido y moderado que vimos a lo largo de la temporada, luce ahora furioso y desencajado mientras les cierra el paso y echa en cara a su ex contrayente el estar escapando con un bastardo.
Brian le pide lo mejor que puede que les deje pasar, pero no solo no accede sino que además desenvaina su daga y le ataca. Esquivando la embestida a pesar de una herida en el brazo, Brian logra tomarle a Malcolm el suyo propio y este termina muriendo con la hoja de su arma ensartada en el vientre. Ellen ve la escena consternada, pero no hay tiempo de nada porque están en peligro si permanecen mucho allí, así que reemprenden la fuga.
Se encuentran con el herido Murtagh en una oculta cabaña de piedra en los bosques a la cual, según este, solo se puede llegar por el río o a vuelo de águila. Hay una reconciliación entre él y Brian, a quien manifiesta que será feliz si les sabe a ellos felices. También tiene una charla íntima con Ellen, en la cual esta le agradece y le dice que atesorará para siempre su amistad.
En plan de complicidad, Murtagh comunica a Brian que saldrá a cazar y no retornará hasta el día siguiente, lo cual es clara invitación a disponer de la cabaña a gusto para lo que quiera hacer con Ellen. En efecto, una vez que se retira, ambos amantes se entregan a otra larga y tediosa escena de sexo con fetiche de herida incluido y que quizás (no la cronometré) supere en duración a la que tuvieran en aquella iglesia derruida y abandonada.
Ya al otro día y mientras miran en lontananza, ella dice que estará siempre allí donde él esté… y donde él muera, morirá, lo cual da lugar a un recíproco juramento con sangre. Pero la ensoñación del momento es interrumpida cuando los tórtolos ven levantarse columnas de humo que indican hogueras a las cuales ambos reconocen como un llamado a la rebelión jacobita, que claramente ha comenzado. Ella le pregunta a él que hará y él dice que es su deber ir. No podía pensarse que duraran mucho tiempo en compañía uno del otro…
Solo Henry…
¿Qué pasa mientras tanto con la otra pareja fugitiva? Pues como era de prever, Lovat está furioso ante la noticia del supuesto secuestro por parte de “un admirador”, como le fuera en su momento presentado Henry, aunque seguramente lo que más le preocupa no es Julia sino su supuesto heredero.
Al castillo, mientras tanto, arriba una partida de jinetes al mando de Bug y Lovat se anoticia por ellos de que el “secuestrador” no es otro que el vocero de los Grant, del cual andan en busca. El viejo manifiesta querer acompañarles, pero Bug lo ningunea con que no responde a sus órdenes y sale con los suyos de inmediato al galope en procura de encontrar al fugitivo, del cual asegura que se encargarán…
Henry y Julia logran llegar con el niño a las piedras, pero cuando viene el momento de cruzar, ella siente súbito pánico de que el bebé no pueda hacerlo, lo cual vendría a significar que quedara allí tirado y abandonado.
La solución, pues, es que Henry intente cruzar primero con él para que, en caso de que el niño no pueda, Julia esté allí para asistirlo. Pero los jinetes de Bug están ya a la vista y los tiempos urgen. Julia sabe que Henry no sobrevivirá si lo capturan, por lo cual le ruega que cruce solo él, ya que nada le harán a ella si la ven como rescatada víctima de secuestro: otra vez el déjame y sigue tú. En efecto, tras un sentido beso de despedida y con todo el dolor del mundo, Henry ve su plan como lógico: se dirige hacia las piedras y ya no volvemos a saber de él…
Balance de Temporada
Y se nos ha ido la primera temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre con una entrega que, como hasta aquí la serie en general, ha sido muy entretenida y nos ha dejado un tremendo cliffhanger de frente a la segunda, más allá de que el camino para llegar a ello haya estado atravesado por incongruencias, lugares comunes y deus ex machina…
De estos últimos, justamente, el más relevante ha sido sin duda el de Dougal Mackenzie contrayendo matrimonio con Maura Grant. No deja de ser interesante que se haya evitado el harto repetido cliché telenovelesco de la boda interrumpida (pensé que íbamos indefectiblemente hacia ello), pero…, ¿de dónde demonios salió Maura?
No es que no haya habido referencias a ella en Outlander, pero todas indirectas o in absentia, pues Dougal ya estaba viudo cuando Claire le conoció, lo que hace prever para ella una muerte relativamente joven. Pero jamás la habíamos visto ni se hizo alusión alguna en esta serie, lo cual la convierte en un recurso fortuito al que se echó mano a último momento para forzar un giro en la trama.
Es una pena porque parece un personaje interesante y está bien actuado por Bobby Rainsbury, pero hubiera sido mucho mejor que nos contaran sobre ella desde algunos episodios atrás para que tuviéramos cómo, aunque fuera díficil, deducir que pudiera la joven ser la solución al entuerto creado con la fuga de Ellen. Cuando se introduce un giro de esas características, la idea es que el espectador sienta que tenía la respuesta en sus narices y no la veía, pero aquí no había nada que ver y, por lo tanto, termina siendo un recurso argumental algo tramposo.
Lo único que vimos de ella fue un ligero coqueteo con Dougal al cruzarse con él en el castillo y lo que sí sabemos es que defiende a muerte a su hermano Malcolm, lo que hace prever la peor de las furias cuando se entere que ha sido asesinado. La amenaza que, de hecho, le hizo a Ellen durante la reunión de muchachas es bastante sugerente y anuncia un papel destacado de Maura en la segunda temporada, pero no hubiera venido nada mal que, para valorar mejor eso cuando llegue, nos contaran más de ella en esta primera que acaba de finalizar.
La serie, por cierto, pareciera tener tendencia a desaprovechar a sus personajes más interesantes, ya sea por introducirlos demasiado tarde (como pasó con el tío Grant, a quien solo conocimos durante dos capítulos) o por borrarlos cuando más prometen, como Malcolm. De hecho, habíamos hablado en el análisis anterior de los matices que daban interés a este último, pero… ya se lo han cargado de modo simple y rápido…
Por cierto y no es un dato menor: Brian había dicho en su momento ante Lovat que mataría por Ellen y ya lo ha hecho. Más aún: si no conté mal, fueron cuatro las muertes que llevó a cabo por propia mano en este capítulo y, ya sea de manera directa o indirecta, todas han tenido que ver con ella. A propósito e insisto: los del clan de los asesinos eran un hato de inútiles y si era así cómo trabajaban habitualmente, cuesta entender de qué modo habían obtenido su “reputación”…
Y si hablamos de Murtagh, allí tenemos el otro gran deus ex machina del episodio de cierre. ¿En qué momento y por qué cambió su postura con respecto al amor de Brian por Ellen, pasando del odio visceral por su primo a una aceptación casi salomónica y luciendo su rostro una sonrisa beatífica en modo Buda?
Al menos en el caso de Jocasta, podemos entender que acabó ayudando a Ellen después de que el pedido de disculpa de esta le hiciera comprender lo injusto de tener que casarse con alguien a quien no se ama, pero de parte de Murtagh no tenemos la menor idea de cuál fue la chispa que le llevó a ver las cosas de otra manera ni, mucho menos, nos han contado su proceso de transformación. Todo salió de la nada…
Pero el centro del episodio ha sido sin dudas la doble fuga de las parejas de amantes. La de Ellen y Brian ha sido la que más minutos se ha llevado y no sé si tan justificados porque la larguísima escena de sexo quitó lugar a un mejor desarrollo de la trama o los personajes (podrían haber sido dedicados a Maura, por ejemplo).
Pero volvemos a lo mismo: el universo Outlander funciona con una o dos escenas de sexo por capítulo y la serie responde a una demanda de fanservice, aunque por momentos se pareciera menospreciar al público o tomarlo equivocadamente por idiota al creer que solo con eso se le va a mantener prendido.
En cuanto a la otra fuga, el escenario pinta más complicado para Henry y Julia que, a tan poco de reencontrarse, han debido sin embargo separarse nuevamente, esta vez a sabiendas.
La cosa no se ve bien especialmente para ella, pues si bien es cierto que la versión oficial que tienen en Leoch es la de un secuestro, también lo es que ahora Lovat sabe de la identidad de Henry y, si se pone a indagar, hay altas posibilidades de que descubra el verdadero vínculo que le une a Julia más allá de la historia del secuestro, a lo que se suman las probables contradicciones en que pudiera incurrir ella al relatar los hechos sin saber cuánto sabe el viejo.
Quedará pues en Henry el saber regresar al siglo XVIII para rescatarla y nos surgen preguntas: ¿qué hará en el siglo XX? ¿Pondrá a Quentin al tanto de la situación encomendándole la custodia de Claire en caso de que ya no pueda volver? Lo que preocupa un poco es que las decisiones de él suelen ser bastante torpes y, de hecho, ha sido la astucia de Julia lo que hasta aquí ha librado a la pareja de peores consecuencias. Con Henry decidiendo en soledad, las perspectivas no son las mejores…
Por último, el escenario histórico es algo que ha aparecido muy esporádicamente a lo largo de la temporada enriqueciendo la trama en cada oportunidad en que lo ha hecho pero, salvo por la escena de las fogatas casi en el cierre, ha estado por completo ausente de esta entrega final.
En parte era esperable porque se caía de maduro que el último capítulo estaría dedicado casi con exclusividad a la boda en Leathers y a los eventuales intentos de fuga de ambas parejas, pero ojalá ese contexto tenga en la próxima temporada la presencia que merece y, sobre todo, Rob Roy, personaje histórico cuyo nombre está teñido de leyenda y en el cual no se ha profundizado hasta aquí lo suficiente.
En definitiva, si algo caracteriza al universo Outlander es la habilidad para mantenernos atrapados con recursos que, no por ser de culebrón, dejan de ser efectivos y, en todo caso, ayudan a entender por qué las telenovelas gozan de tanto éxito por mucho que se las critique.
En esta primera temporada, Outlander: Sangre de mi Sangre se ha apropiado de algunas de las desmesuras e incongruencias habituales en la franquicia e, incluso, las ha exacerbado. Y si bien es una pena que desaproveche a sus mejores personajes, el escenario de la segunda temporada nos lleva inevitablemente a querer visitarlo. La buena noticia es que ya está rodándose en Escocia y ello nos da esperanzas de que no haya que aguardar dos años para visionarla.
Agradeciendo el haberme acompañado hasta aquí con estos análisis, les invito pues a seguirlo haciendo cuando la segunda temporada llegue o, quizás antes, con la octava y última de Outlander, cuyo estreno se prevé para los primeros meses de 2026.
El género de la fantasía siempre ha despertado interés entre los espectadores. Desde que The Witcher irrumpió con fuerza en Netflix con su mezcla de fantasía oscura, monstruos, magia y conflictos políticos, las adaptaciones literarias han tratado de captar los ricos y complejos mundos de los libros para trasladarlos a la pantalla… con mejor o peor fortuna. Los fans disfrutan con la creación de una rica mitología, habitados por héroes moralmente ambiguos y criaturas sobrenaturales.
Aunque Geralt de Rivia (más allá de la polémica creada cuando Henry Cavill dejó la serie) se ha convertido en uno de los iconos modernos del género, no está solo. Hay otras series que logran capturar ese mismo espíritu de aventura, dilemas personales y realidades alternativas donde la magia tiene un precio. Los espectadores ávidos de fantasía encontrarán en este artículo seis series parecidas a The Witcher. Series con una rica atmósfera mágica, una narrativa épica y una audaz exploración del conflicto imperecedero entre el bien y el mal que chocan en mundos extraordinarios.
Carnival Row (Prime Video)
Una serie que injustamente pasó algo desapercibida en Prime Video. Una fantasía oscura en un mundo victoriano con hadas, criaturas extrañas y conflictos sociales que sabe conjugar el drama con el misterio de manera coherente. Cuenta con un buen reparto, una excelsa fotografía, una pulcra ambientación y un diseño de vestuario elegante de la época victoriana. Aporta un cariz novedoso ya que su argumento gira en torno a la idea de un mundo en el que conviven humanos con criaturas de fantasía, refugiadas tras una terrible guerra que ha diezmado sus razas.
Esta tensión social le sirve para crear una trama con tintes de thriller policíaco atractivo que deriva en conspiraciones rebeldes, racismo y lucha de clases. Sin embargo, quizás debido a su cancelación temprana, falla en el desarrollo del worldbuilding ya que se centra solo en una ciudad y no conocemos nada del resto del mundo ni de los seres mitológicos que viven en él, excepto leves pinceladas. Algo que deriva en un final abrupto y urgente que desluce un poco las buenas intenciones por ofrecer algo diferente. Para una crítica de Carnival Row más profunda pincha el enlace.
Carnival Row logra captar una decadencia de la fantasía que logra ser interesante gracias a su estética sombría, su tono adulto y sus trágicas muertes desgarradoras. Una narrativa que, aun a pesar de sus fallos, logra ser convincente para contarnos una historia emocionante.
La Materia Oscura (HBO Max)
Salimos del tono oscuro para adentrarnos en la fuerza de la luz que puede ofrecer la fantasía. Una serie que tiene un tono filosófico, componentes mágicos y un inteligente y bien construido worldbuilding. HBO Max (quien está de enhorabuena por el recibimiento del nuevo Superman en su plataforma) nos ofrece una lujosa y ambiciosa adaptación de la trilogía literaria de Philip Pullman. Una admirable serie de fantasía que induce a la reflexión logrando tocar la fibra emocional del espectador. Siendo capaz de mantener un equilibrio tonal entre el drama, la comedia y la magia para mostrarnos una amplia gama de conflictos temáticos que hacen pensar y sentir al espectador.
Tiene un reparto extraordinario que logra trasmitir los conflictos de sus personajes, una trama robusta que es puro entretenimiento, secuencias con una factura impecable, efectos visuales espléndidos y, lo más importante, logra mantener la fidelidad al libro en el que se basa. Aquí puedes ver los análisis de los capítulos de la serie.
Hechizos, mundos paralelos, demonios familiares amenazantes con forma de animales y un colegio donde los secretos oscuros acechan a los magos. Con estos elementos, La Materia Oscura logra convertirse en una espiral de aventuras y sensaciones que hacen grandes las series de fantasía.
Las Crónicas de Shannara (Prime Video)
Basada en la serie de libros de «Shannara» de Terry Brooks (quien parte de muchos elementos creados en la famosa saga del Señor de los Anillos), está desarrollada por Alfred Gough y Miles Millar, creadores de otros éxitos notables como Smallville (que tiene una secuela proyectada) y Miércoles (aquí puedes leer la reseña de la temporada 2). Aunque fue cancelada, justo cuando la serie parecía haber encontrado su camino, sigue teniendo el encanto divertido de una propuesta que no busca la profundidad sino el mero placer del entretenimiento.
Una entretenida mezcla de fantasía épica y ambiente apocalíptico que logra crecer a medida que avanzan sus capítulos, gracias a su habilidad para tejer una trama atrayente que se divide en dos líneas argumentales. Cuenta con dos actores que ahora se han convertido en estrellas, lo que le da un plus de interés a la serie: Austin Butler (que sale en la apasionante Bikeriders y en Los Amos del Aire) e Ivana Baquero (recordada por El Laberinto del Fauno y con el éxito reciente en Netflix de Maje: la viuda negra)
Su historia ágil se mueve con rapidez para esquivar el aburrimiento y encontrar las aristas de un viaje aventurero que consigue convencer mientras crecen la tensión, la acción y el conflicto bélico del bien contra el mal.
Una princesa elfo, un medio elfo y una humana se embarcan en una aventura en la que tendrán que enfrentarse a un ejército de demonios para salvar la tierra en la que viven. Hay cierta tendencia al romance adolescente mezclado con la aventura juvenil, pero consigue combinar con acierto la magia y la mitología con un entorno postapocalíptico. Logra obtener la oscuridad necesaria y unas batallas estéticamente apreciables como para dejar satisfechos a los fans de las series de fantasía.
Érase una Vez (Disney+)
Érase una Vez es una serie que sabe crecer a medida que pasan sus temporadas, ofreciendo las recompensas suficientes con su trama para mantener enganchado al público. Una serie entretenida y que aporta un soplo de aire fresco gracias a su ingeniosa mezcla de imaginación, acción y romance. Una de sus virtudes es su trama más centrada en los villanos que en los héroes, relatando por qué terminan llevando a cabo actos malvados. Este punto de vista enriquece los matices con los que vemos a los personajes haciendo que cada de uno de ellos tenga sus motivaciones y logre ser interesante para el espectador.
Tiene un reparto de actores que logran dar credibilidad a sus personajes, algo que favorece la implicación emocional con las diferentes personalidades que pueblan la serie. Pero hay que destacar la labor de Robert Carlyle (legendario actor de Trainspotting), por el que merece verse la serie y que logra componer gracias a su magnífica gesticulación los dos personajes diferentes que interpreta: Rumplestinskin y Mr. Gold.
Sus escenas, efectos especiales y entretenidos capítulos tienen el engranaje necesario para disfrutar de varias tardes repletas de aventuras y fantasía. Aunque la temporada final se considera bastante floja, la serie logra darle un final digno y con un cierre satisfactorio para todos los fans. Una serie apta y atractiva para todos los amantes de fantasía bien diseñada y ejecutada inteligentemente.
Sombra y Hueso (Netflix)
Una serie que no termina de aprovechar los inmensos recursos que tiene para navegar por aguas cándidas y apacibles. Una pena, porque su diseño de producción, sus efectos especiales y su historia daban para crear una gran serie de fantasía. Aun cometiendo el pecado de no arriesgarse, es una serie que se disfruta y que tiene los elementos necesarios para construir una correcta y entretenida serie fantástica. Tiene buenas actuaciones, imágenes poderosas, en especial todo lo relacionado con el muro de sombra, y consigue ser divertida y distraída (aquí puedes leer la crítica de la serie).
Aunque su trama flojea, tiene la habilidad de captar la atención del espectador gracias al seductor grupo que forman los Cuervos. A nivel estético es resultona, tanto el vestuario como los efectos especiales son solventes y la historia tiene los mimbres necesarios para parecer interesante… pero acaba siendo una trama inconexa que deja demasiados cabos sueltos y cambios de personajes sin un desarrollo evolutivo previo. Demasiadas cosas suceden al azar y terminan por construir un argumento simplista en exceso, por culpa de un guion flojo que no logra guiar nunca el sentido de la historia. Si buscas una serie simple y entretenida, cumple su función sin duda, gracias a una buena factura técnica, una bonita ambientación y una escenografía bastante lograda.
Bonus track
Castlevania (Netflix)
Una joya de la animación para adultos que tiene la habilidad de evolucionar con cada temporada. Vampiros, monstruos, magia y un cazador que se acerca al legendario Geralt de Rivia. Una fantasía de tono melancólico con sus escenas de claroscuros y sus personajes dramáticos, que no escatiman en ofrecernos unas secuencias de acción repletas de una brutalidad sanguinolenta. (aquí puedes leer la reseña de Castlevania).
Aunque tardó en encontrar su identidad propia, Netflix acabó elaborando una serie de alto nivel, con un acabado visual fascinante y una animación dinámica y seductora gracias a unos efectos especiales fastuosos impregnados de sangre. Personajes delirantemente memorables con los que se disfruta de una buena historia y una trama que consigue encajar las piezas de su densa carga dramática. Logra respetar la esencia del clan Belmont y proponer juguetonamente un batiburrillo de influencias provenientes del famoso videojuego en que se basa.
Castlevania es una fascinante puesta al día del mito de los vampiros que logra tener su propia personalidad gracias a una trama madura y bien construida. Una excitante, divertida y nostálgica mezcla de horror, violencia y aventura que está entre lo más original y desvergonzado del amplio catálogo de la plataforma que, como los vampiros en sus colmillos, tienen una gran N teñida de sangre.
La fantasía no terminó con The Witcher. Aún quedan muchos mundos por explorar, criaturas por descubrir y héroes por conocer. Ya sea en las calles oscuras de Carnival Row, los mundos paralelos de La Materia Oscura o la brutal caza de vampiros en Castlevania, estas series mantienen viva la llama de la fantasía. Desde criaturas mágicas hasta conflictos de poder, te harán sentir como si siguieras en el Continente.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de octubre. Miradlo todo muy bien, porque hay cosas que no puedes dejar pasar.
Novedades Dolmen Editorial octubre 2025
Un mes más, Dolmen Editorial nos ha presentado su catálogo de novedades. Nosotros como siempre, os vamos a seleccionar los títulos que más nos llaman la atención para este mes.
La historia arranca con una profunda crisis de fe del propio Juez Dredd en el sistema que ha defendido toda su vida.
El regreso del cadete Kraken (un clon de Dredd que en el pasado intentó destruir Mega-City Uno) lo lleva a tomar una decisión drástica: emprender la Larga Marcha hacia la Tierra Maldita, dejando la ciudad vulnerable.
Lo tendremos disponible el próximo 30 de octubre en nuestra librería habitual. Estoy deseando tenerlo entre mis manos.
Rogue Trooper es el último superviviente de la infantería genética tras la masacre de Quartz.
Con sus compañeros convertidos en bio-chips (Helm, Gunnar y Bagman), emprende una misión implacable para vengarse del General Traido, responsable de aquella tragedia.
En la devastada Tierra Nu, Rogue Trooper se enfrenta a enemigos sin escrúpulos y condiciones extremas, guiado por lealtad, memoria y justicia.
Lo tendremos disponible el próximo 30 de octubre.
3.- Pack 1+2 El Imperio de Trigan.
A años luz de la Tierra, en un planeta donde las tribus primitivas conviven con tecnología avanzada, surge Trigo, un líder visionario que logra unificar a los pueblos enfrentados y funda El Imperio de Trigan.
Su historia es una mezcla de épica clásica y ciencia ficción, con conflictos políticos, guerras interplanetarias y dilemas morales que recuerdan tanto a la Roma antigua como a los relatos galácticos modernos.
El cómic, creado por Mike Butterworth y con el arte revolucionario de Don Lawrence, destaca por su estilo pictórico hiperrealista, que convirtió cada viñeta en una obra de arte.
Esta estética marcó un antes y un después en el cómic británico de los años 60 y 70. Una ocasión de oro para empezar a hacerte con esta maravilla del noveno arte.
Y hasta aquí las recomendaciones de Dolmen Editorial, previstas para este mes. Un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todas las novedades de la editorial mallorquina.
Los Cuentos de Dunk y Egg son unos cuentos (novelas cortas) de fantasía escritos por el mismismo George R. R. Martin. Bajo el título de El Caballero de los Siete Reinos se engloban todas ellas y narran las historias de Dunk y Egg, unos 100 años antes de los acontecimientos de Juego de Tronos. Evidentemente no haré spoilers de quienes serán estos dos personajes en el futuro y de los cuales conocemos sus aventuras por referencias en las novelas, e incluso en la serie de televisión. Pero por fin se hace justicia a nuevos acontecimientos ocurridos en este universo de Juego de Tronos y que además no son tan relevantes, pero si épicos. El tráiler de El Caballero de Los Siete Reinos parece tener una facturación impecable, pero quizás sobra el tono humorístico, pareciendo más una comedia que un drama.
Os dejo a continuación el tráiler en español de HBOMax.
