Ojo cuidado. Hoy vuelve Reacher. Hoy estamos de celebración.
Reacher es de lo mejor en series de Prime Video. Mucha culpa de ello lo tiene Alan Ritchson y el carisma que le imprime al personaje. También es cierto que tras dos grandísimas temporadas repletas de acción y unas historias que acompañaban bien, la tercera temporada fue, al menos para mí, un absoluto desastre, con una historia chapucera que lastró toda la temporada. No obstante tengo absoluta fe en la cuarta.
Pero si en agosto tenemos a Reacher, en septiembre llega su spin-off Neagley y ahora mismo, debido a lo que os comentaba antes, me apetece mucho más. Y es que el personaje de Neagley es chulísimo. Ella está siempre atenta a que a Reacher no le pase nada y es incluso más peligrosa en ocasiones.
Además, reparte estopa y se basta sola, no le hace falta un Reacher al lado. Neagley es un pedazo de personaje femenino y si la serie está a la altura del personaje estaremos ante un gran entretenimiento.
Apunten fechas: Cuarta temporada de Reacher el 12 de agosto y Neagley nos llegará apenas un mes después, el 16 de septiembre.
Continuamos analizando la cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds, esta vez con su cuarto episodio titulado Mejor Amigo Humano, que viene con tono de comedia y hasta un impensado homenaje a Resacón en Las Vegas. La serie puede ser vista por Skyshowtime para España y por Paramount+ para América Latina.
Hola otra vez trekkies y no tan trekkies. Ya estamos acostumbrados a que Star Trek: Strange New Worlds nos sorprenda seguido y este tercer episodio de la cuarta temporada lo confirma nuevamente, pues después de dos entregas oscuras y una de ellas muy terrorífica, nos encontramos con una ligera, a la vez que lisérgica comedia como para distender el clima.
Pero pasemos a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en esta web los análisis previos tanto de esta como de otras series y películas de la franquicia.
Tenemos de inicio bitácora doble, creo que por primera vez en la franquicia. Ortegas nos cuenta por un lado que están en camino hacia el sistema rodaxiano atravesando una ruta complicada, pero se jacta de que para ella no lo es. Scotty, por su parte, dice desconfiar precisamente de la piloto y por ello ha instalado alertas para los momentos en que hace maniobras demasiado temerarias. Hay tensión: él la llama arrogante y sabelotodo; ella grosero y controlador.
El motivo del viaje es que Pike mediará en conversaciones de paz entre dos bandos en guerra civil y resurge la cuestión de que el turno alfa necesita urgente un descanso. Muy apropiadamente, un alienígena llamado Dendru (Dave Foley) les tienta en un spot publicitario con Cesnar, planeta de recreación y placer sin tecnología compleja y cuya atmósfera tiene propiedades embriagantes que hacen vivir a cada visitante su propio viaje personal.
Restando aún dos semanas para el encuentro con los rodaxianos y teniendo, por lo tanto, tiempo de sobra para el merecido descanso, hacia allí se dirigen y, apenas abrir la compuerta de la lanzadera, se ven embriagados por las lisérgicas virtudes de la atmósfera y todo se les empieza a curvar…
Un Amigo Imaginario
Ortegas despierta en una revuelta habitación de hotel sin idea de cómo llegó ni por qué tiene una mano enyesada. Más extraño todavía es que ande por allí un tribble y se lleva tamaño susto al hallarse cara a cara ante un mugato que termina siendo Scotty disfrazado, de lo cual se entera después de haberle propinado varios golpes.
Alguien llama a la puerta y es Dendru con una carta en papel para Pike. Ortegas aprovecha para quejarse de los efectos colaterales de la atmósfera como la resaca y Dendru replica que a veces las emociones negativas no permiten disfrutar, además de aclararle que no hay ya reembolso posible. Un ferengi, casi…
No saben dónde se halla Pike, por lo que van a ver si está con Spock, pero encuentran a este solo y preocupado por estar experimentando alucinaciones en las que habla con James Kirk e incluso juega al ajedrez con él. Además, los ve a ellos como si fueran plantas…
Dice que lo último que supo de Pike es que iba a la fiesta de Uhura y, apenas ellos se marchan, se le presenta Kirk y el vulcano se pregunta por qué lo está viendo, llegando a la conclusión de que ha de ser por la necesidad de tener un “mejor amigo humano” al que exponer sus dudas, miedos y conflictos…
Es Verde…
Ortegas y Scotty encuentran a Uhura de pura parranda, pero ni noticias del capitán. Desalentados, se dirigen al bar y se encuentran, para su sorpresa, con un espectáculo de karaoke en el que Una interpreta muy decorosamente Total Eclipse of the Heart, de Bonnie Tyler, solo que… en klingon.
Siguen las sorpresas: el barman que prepara bebidas (o algo así) es M’Benga, vestido muy alegre y con colores festivos. Sirve a Scotty una bebida y cuando este pregunta qué es, le responde simplemente “es verde”: todo un guiño sobre el cual ya regresaremos.
Se enteran que Pike ha ido a un salón de tatuajes y allí lo encuentran riendo sin control mientras en el brazo le tatúan (obviamente) un caballo. Al leer la carta, se entera que el encuentro con los rodaxianos será en dos horas y no en dos semanas como estaba previsto, pues estos han decidido adelantarlo y van camino a la Enterprise. Ordena pues a Scotty y Ortegas que vayan por la lanzadera…
Pero cuando estos lo hacen, la misma ya no se halla donde la habían dejado. Scotty dice que nadie puede haberla movido sin el chip duotrónico, pero… tampoco es que él lo tenga. Ortegas le recrimina haber estado tan embriagado que ni recuerda lo que hizo y razón no le falta, pero ya sabremos que él no es el único…
Mis Pensamientos a tus Raíces…
Les queda ubicar la lanzadera por medio del tricorder, pero Scotty dejó precisamente el suyo precisamente a bordo de ella. Van nuevamente por Uhura para pedirle el suyo y se los presta a condición de que se pidan disculpas por sus constantes discusiones. A regañadientes lo hacen y ninguno suena sincero, pero ya tienen el tricorder. Poco les dura: a Scotty se le cae desde una planta alta y acaba hecho pedazos…
Les queda como última posibilidad hackear el ordenador del sistema de seguridad para ubicar la lanzadera, pero Scotty no se siente capaz y van nuevamente por Spock, que los sigue viendo como plantas. Sin embargo, en donde debiera estar el ordenador no hay ninguno y sí, precisamente…, una planta. Ante la azorada mirada de sus compañeros, el vulcano la identifica como tecnología fotosintética y establece conexión telepática, consiguiendo averiguar que la lanzadera se halla oculta tras un letrero en la azotea de un edificio.
No es tan fácil como parece. La zona es controlada por una pandilla violenta y ello les hace requerir los servicios de La’an, a quien encuentran enseñando un arte marcial llamada anbo-jutsu. Esta les acompaña y logra no solo vencer con suma facilidad al jefe de la pandilla sino que los demás la reconozcan como líder por haberlo hecho.
Al entrar a la lanzadera, Spock encuentra un chip de grabación y quienes allí aparecen son los propios Ortegas y Scotty, él con su traje de mugato. Alegres y borrachines, explican que han encontrado una anomalía en la lanzadera y decidieron esconderla antes de que fuera utilizada para malos fines. Y el chip duotrónico, revela en la grabación la propia Ortegas, fue escondido por ella misma en su falso yeso…
Ya en la lanzadera, comprueban que algo no anda bien, pero son golpeados por desconocidos y aparecen después con las cabezas cubiertas y atados a sendas sillas. Mientras forcejean por liberarse, se sinceran sobre sus respectivos pasados. Scotty dice que sus seis hermanos le echaban la culpa de todo a él y reconoce que… tenían razón. De modo análogo, Ortegas cuenta que ella culpaba a su hermano Beto de todo lo que ella hacía mal.
Pero de pronto se aparece otra vez Dendru y les pone al tanto de que, si bien la carta para Pike era real, fue suya la idea de hacérsela llegar por intermedio de ellos para que pudieran así tener su propio viaje personal. Y, con tono de consejo, dice a Ortegas que puede seguir enfadándose con todo o buscar entender por qué siente la necesidad de hacerlo.
Fuegos de Artificio
A pesar de la anomalía en la lanzadera, Scotty logra al menos ponerla en condiciones para llegar a la Enterprise, lo que permite a un tatuado Spike llegar a las conversaciones de paz. Pero entre los efectos de la atmósfera de Cesnar, que tardan una hora en irse, y el modo naif en que les habla de construir unidad a partir de las diferencias, su gestión es un fiasco y los rodaxianos se sienten agraviados de que no entienda su idiosincrasia.
Mientras tanto, Scotty y Ortegas trabajan con la lanzadera y siguen sincerándose. Ella dice que quiso ser ingeniero y no pudo, mientras él reconoce haber querido ser piloto y fracasado. Cada uno de ambos, pues, reacciona ante su propia frustración por no haber sido lo que quería y de allí que se traten mal…
Encuentran un artefacto que, una vez en manos de Scotty, reconoce este como una bomba reactiva que estallará apenas la suelte. Ortegas parte presurosa en busca de Pike, pero lo encuentra ocupado en sus infructuosas gestiones de paz.
Va pues por Spock y este comprueba que el explosivo responde a una combinación química terriblemente destructiva. Scotty se ofrece a sacrificarse saliendo en la lanzadera para hacerlo estallar lejos, pero Ortegas no está dispuesta a dejar que lo haga solo y quiere acompañarlo.
Spock plantea como solución que ambos salgan de la nave y los transportará a la Enterprise una fracción de segundo antes de la explosión. Así lo hacen y Kirk se le aparece nuevamente a Spock para ayudarle en la operación mientras este se pregunta por qué lo sigue viendo cuando los efectos de la atmósfera de Cesnar debieran haber ya pasado.
La lanzadera estalla a lo lejos mientras Scotty y Ortegas logran felizmente ser transportados a la Enterprise a tiempo, pero el efecto inesperado es que, al ver los rodaxianos la explosión y la involuntaria función de fuegos artificiales que le sigue, felicitan impensadamente a Pike por haber reproducido el ritual de paz de su cultura, lo que les hace olvidar diferencias y acordar los términos para alcanzar la misma.
Un Amigo Real
La bomba reactiva, se sabe luego, fue colocada por un fanático rodaxiano que quería evitar el fin de la guerra, pero lo importante en la Enterprise es que Scotty y Ortegas lograron zanjar definitivamente diferencias y entender que podían trabajar eficientemente juntos.
No solo eso: además, una bofetada de Kirk y el hecho de que los demás también lo vean pone a Spock al tanto de que no se trataba de una alucinación, sino que siempre estuvo realmente allí e incluso en Cesnar, donde se hallaba igualmente vacacionando. Preocupa al vulcano haberle contado todos sus secretos, pero Kirk prefiere rescatar el vínculo que han logrado y hay abrazo…
Los créditos finales muestran partes de la grabación de Scotty y Ortegas que no habíamos visto y volvemos a escuchar en klingon la canción que alguna vez, en el lejano siglo XX, hiciera famosa Bonnie Tyler…
Balance del Episodio
Como hemos dicho al principio, ha sido un episodio ligero y lisérgico, pero fundamentalmente divertido y termina por ser más sólido y funcionar mejor que los dos anteriores, aun cuando los mismos puedan haber tenido momentos visuales superiores.
El homenaje a Resacón en Las Vegas (película de 2009 conocida en Latinoamérica como ¿Qué pasó ayer?) fue de lo más impensado y buena muestra de cómo la serie no solo guiña el ojo a su propia franquicia, sino a toda la iconografía audiovisual instalada en la cultura popular desde que la misma naciera sesenta años atrás. El planeta Cesnar, con sus placeres y luminarias, es una especie de Las Vegas gigante y el que Ortegas y Scotty se vean obligados a reconstruir qué pasó por no recordar nada nos transporta sin duda a la película de Todd Phillips.
Pero no deja de ser Star Trek y el tributo, por lo tanto, no excluye la autorreferencia, siéndonos imposible no sonreír con ese tribble que, de manera inexplicable, da vueltas por la revuelta habitación de hotel como aquella gallina del filme, de la que tampoco sabíamos qué diablos hacía allí.
Ni hablar del impagablemente épico momento musical de Una, interpretando en klingon una canción tan icónica y que probablemente haya marcado la juventud de muchos, como Total Eclipse of the Heart. Imposible no reírse a la vez que emocionarse, aunque lo que seguramente los responsables de la serie nunca pensaron es que la escena fuera a terminar siendo un homenaje no calculado a Bonnie Tyler que, tristemente, nos dejó hace poco más de un mes, con la temporada ya claramente filmada, pero aún no estrenada. Si se hubiese querido hacerlo, no salía tan bien…
Dos pegas se le pueden señalar al capítulo y las dos tienen que ver con Scotty. Una es que, siendo la serie una precuela, no hay suspenso en verlo llevarse la bomba a riesgo de estallar con ella cuando sabemos que es uno de los personajes más importantes de la serie original y, por lo tanto, es imposible que muera. La otra es que la tensión entre él y Ortegas, que ha tenido aquí un lugar central, no nos había sido presentada como conflicto tan marcado en episodios anteriores; apenas algún comentario despectivo de ella hacia los ingenieros y de Scotty hacia los pilotos, pero no mucho más.
Sin embargo, hay que decir que el contrapunto estuvo muy bien manejado, llevándolo Melissa Naviay Martin Quinn con gran química y pudiendo este último mostrar las habilidades de comediante que le han caracterizado en producciones mayormente británicas como Los Amantes o Derry Girls. Y el arco sirvió para que los personajes fueran capaces de dejar atrás sus diferencias y valorar el trabajo en equipo, lo cual es inseparable del espíritu trekkie.
Además, Scotty fue también protagonista de un fabuloso guiño que, muy cada tanto, hace presencia en la franquicia. Cuando le pregunta a M´Benga qué es esa bebida alcohólica que le sirvió y este, con un encogimiento de hombros, solo atina a decir “es verde”, se está homenajeando al episodio Reliquias de Star Trek: La Próxima Generación (06×04), en el cual era Data quien daba esa respuesta a Scotty al servirle una bebida similar. Lo que a su vez era homenaje al episodio de la serie original titulado Por cualquier otro Nombre (02×22), en donde era Scotty quien respondía eso al preguntarle un alienígena qué bebía.
Pero volviendo sobre la cuestión de las duplas y amistades, no cabe duda de que el momento más fuerte del capítulo por lo que a futuro implica ha sido el nuevo encuentro entre Kirk y Spock, siendo muy emocionante que el vulcano, creyendo a Jim una ilusión, le revelara no solo sus más profundos secretos sino también su necesidad de tener un “mejor amigo humano”. Por algo es ese el título del episodio.
La amistad entre ambos, que había tenido su gran primer acercamiento de fusión mental en la temporada anterior, sigue dando sus pasos y es lógico que así sea, pues estamos viendo una precuela y la idea es que, cuando todo finalice con la quinta temporada, las cosas lleven naturalmente hacia los sucesos de la serie original.
Y aunque nos duele el sabido destino de Pike y el tener que despedirnos en algún momento de unos cuantos miembros de esta tripulación que hemos aprendido a querer, no puede haber nada mejor que el que las cosas terminen exactamente donde todo empezó…
Hasta la próxima y sean felices. Larga vida y prosperidad…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. George R. R. Martin, aclamado autor de Canción de hielo y fuego reaparece en su blog tras varios meses de silencio y reconoce que ha tenido que enfrentarse a la tristeza, la pérdida de amigos y el deterioro asociado a la edad.
George R. R. Martin habla por primera vez de su depresión:
“Han pasado tantas cosas que ha sido abrumador”
George R. R. Martin sufre depresión
George R. R. Martin ha decidido romper su silencio. El escritor estadounidense, creador del universo literario que dio origen a Juego de tronos, ha reconocido públicamente que padece depresión después de varios meses sin publicar en su blog personal.
En una entrada titulada «Más vale tarde que nunca«, el escritor explica que su última publicación se remontaba al 19 de febrero. Desde entonces, asegura, ha vivido un año especialmente complicado: “Han pasado tantas cosas que ha sido abrumador”.
El autor señala que ha experimentado momentos de felicidad y emoción, pero también etapas marcadas por la tristeza, la pérdida de personas cercanas y la depresión.
“Puede que lo peor esté por venir”, escribe el autor, que cumplirá 78 años el próximo 20 de septiembre. “Hacerse viejo no es divertido”, añade con una franqueza poco habitual en una figura pública acostumbrada a hablar de mundos imaginarios, batallas dinásticas y criaturas fantásticas, pero mucho menos de sus propias vulnerabilidades.
Entre la tristeza y la esperanza
La confesión del escritor conecta con algunos de los temas centrales de su obra. En las historias de George R.R. Martin, los sueños suelen cumplirse de manera imperfecta y casi siempre llevan aparejada una pérdida. Sin embargo, sus personajes también encuentran motivos para resistir en los escenarios más oscuros.
“También ha habido momentos maravillosos. Supongo que así es la vida”, apunta el autor en su blog. La reflexión resume una de las constantes de Canción de hielo y fuego: La convivencia entre la tragedia y la esperanza, entre la violencia de la historia y la necesidad de encontrar un sentido en medio del caos.
Martin ya había escrito meses atrás sobre la muerte de amigos íntimos y de figuras relevantes del mundo artístico y literario. En una entrada publicada en febrero lamentaba que hubiera habido “mucha muerte” a su alrededor y hablaba de la dificultad de afrontar la pérdida de personas queridas.
Un año de celebraciones
La situación personal del escritor contrasta con el buen momento que atraviesan sus creaciones en televisión. El caballero de los Siete Reinos, adaptación de sus relatos sobre Dunk y Egg, ha recibido nueve nominaciones a los Emmy, incluida la de mejor serie dramática.
George R.R. Martin, que participa como productor, ha expresado públicamente su orgullo por la adaptación y espera asistir a la ceremonia del próximo 14 de septiembre, aunque reconoce que su presencia dependerá de diversas circunstancias.
Además, este verano se ha estrenado la tercera temporada de La casa del dragón, serie basada en Fuego y sangre, mientras que en Londres se representa Juego de tronos: El rey loco, una obra teatral desarrollada con el asesoramiento del propio escritor.
Este contexto vuelve a situar a George R.R. Martin en el centro de la actualidad cultural, aunque sus lectores siguen pendientes de su gran asignatura literaria: Vientos de invierno, sexta entrega (en principio penúltima) de Canción de hielo y fuego. La novela lleva más de quince años de espera, desde la publicación de Danza de dragones en 2011.
¡Ojalá podamos leerlo pronto!
La presión de los lectores
En los últimos meses, el escritor también ha hablado de la presión que soporta por parte de algunos seguidores. En una entrevista concedida a The Hollywood Reporter, relató su malestar después de que le preguntaran si permitiría que otro escritor continuara su saga cuando él muriera. Más tarde, aseguró haber leído comentarios en internet que se burlaban de su edad y de su posible fallecimiento.
“Nadie necesita esa mierda”
La nueva publicación de George R.R. Martin no ofrece novedades concretas sobre Vientos de invierno, pero sí algo quizá más importante: El retrato de un autor que, pese a la expectación permanente que rodea su obra, atraviesa las mismas dificultades emocionales que cualquier otra persona.
Esperamos que este grandioso escritor se recupere y nos traiga al fin, las dos novelas que cerrarán una de las mejores sagas de fantasía de todos los tiempos.
X-Orcists ya está aquí. A ver, almas de cántaro y devoradores de grapas, ¿os pensabais que la Patrulla-X solo sabía repartir estopa a base de puñetazos y garras de adamantium? Pues va a ser que no. Acaba de saltar la liebre en los despachos de Marvel hace literalmente unas horas (noticia fresquísima de este mes de agosto de 2026) y la cosa viene con olor a azufre y magia negra de la buena.
La Casa de las Ideas acaba de anunciar oficialmente X-Orcists, una nueva miniserie de cinco números que llegará a las tiendas norteamericanas este próximo mes de noviembre de 2026. Y ojito, porque no es un invento cualquiera de relleno, sino el siguiente paso dentro de las historias de tinte místico que tanto nos están poniendo los pelos de punta últimamente.
¿Quiénes están detrás del aquelarre?
Para empezar, repite el equipo creativo que ya nos dejó fritos con sus anteriores incursiones en el lado oscuro, la guionista Ashley Allen y el dibujante Germán Peralta vuelven a unir fuerzas para encargarse de este desmadre. Si te moló lo que hicieron con las historias de Magik, prepárate, porque aquí la apuesta sube varios enteros.
La trama arranca cuando un demonio bastante chungo consigue escapar de las dimensiones del Limbo y empieza a sembrar el pánico tanto entre humanos como entre mutantes. Ante semejante percal, ¿quién acude al rescate? Pues la mismísima Magik (Illyana Rasputin), que de demonios y dimensiones infernales sabe un rato largo.
Un equipo de «exorcistas» muy poco ortodoxo
Lo divertido del percal, y lo que promete dar momentazos antológicos en los cómics, es la compañía que se busca Illyana para montar su particular agencia de control de plagas infernales:
Juggernaut, que se apunta a un bombardeo con tal de repartir mamporros a algo tangible.
Madelyne Pryor, la Reina del Limbo, que de aliada traicionera y magia peliaguda entiende un rato.
Y un ramillete de personajes vinculados al lado místico de Marvel que prometen completar un escuadrón de «exorcistas» mutantes de lo más pintoresco.
Además, los mentideros editoriales ya han soltado el cebo, ya que dicen que esta invasión demoníaca no es casualidad, sino la antesala del regreso de un importante supervillano clásico de los X-Men cuya vuelta podría poner en jaque la mismísima magia mutante. Casi nada.
¿Por qué deberíamos creer en esta miniserie?
Porque entre tanta pelea contra los Centinelas y tramas políticas de despachos o de Krakoa, de vez en cuando apetece que los mutantes se metan de lleno en el género de terror sobrenatural. Una miniserie de cinco números cerrada, escrita por gente que entiende al personaje y con un toque macabro, es justo el caramelo que necesitamos para noviembre.
¿Qué os parece la idea? ¿Tenéis ganas de ver a Magik, a Madelyne Pryor y Juggernaut haciendo de exorcistas improvisados o preferís las batallitas de toda la vida contra los Centinelas?
A ver, queridos frikis de trinchera. ¿Os pensabais que el cine de superhéroes iba a quedarse rascándose la tripa tras unos años de vacas flacas? Pues va a ser que no. Los foros norteamericanos echan humo estos días con los datos de taquilla y las mil y una especulaciones sobre hacia dónde coño nos quieren llevar los estudios con tanta marea de capas, multiversos y reinicios. Taquillas de infarto no sólo en Norteamérica, sino a nivel mundial.
Si nos fijamos en lo último que ha saltado a la palestra en la prensa al otro lado del charco, el debate está servido con el rendimiento de los últimos mastodontes de la gran pantalla. Parece que las grandes productoras han decidido pisar el acelerador a fondo este verano, y claro, los números que se manejan dan vértigo. Sin ir más lejos, las discusiones en foros yankis sobre cómo la última gran apuesta arácnida ha arrasado sin piedad en tiempo récord demuestran que, por mucho que los agoreros digan que el género está muerto y enterrado, la realidad dice todo lo contrario. Se estima que Spider-man Brand New Day va a pasar de los 2000 millones de recaudación en taquilla. Una barbaridad, entrando en el Top 10 (quien sabe si en el top 5) de las películas más taquilleras de todos los tiempos.
Entre el agotamiento y el reinicio de nuevas franquicias
Lo gracioso de todo esto es leer los sesudos análisis de los críticos yanquis, que si la fatiga de superhéroes por aquí, que si la fatiga de universos compartidos por allá… ¡Venga ya! Lo único que hay fatiga es de ver películas mediocres, películas malas como el demonio. Cuando te sueltan un producto con un mínimo de calidad, ritmo y gracia, la gente desfila a las salas como si no hubiera un mañana.
Eso sí, entre tanto estreno veraniego, uno ya no sabe si está viendo una película independiente o un capítulo previo de una serie de quince temporadas que se estrenará dentro de tres años en streaming. Te metes al cine a ver una aventura espacial o fantástica y sales con un máster en física cuántica multiversal.
En fin, que la maquinaria no para ni en agosto, y los despachos de Hollywood siguen exprimiendo la gallina de los huevos de oro hasta dejarla seca. Menos mal que siempre nos quedarán las viñetas de toda la vida para refugiarnos cuando el cine se pone muy tonto.
¿Os fiáis de estas cifras de taquilla que nos llegan desde Norteamérica, o ya os da igual ocho que ochenta con tal de que os den una buena ración de mamporros en la gran pantalla? Yo creo que si un universo está bien construido y si la película es interesante, seguirá atrayendo al cine a todo hijo de vecino. Pero claro, tienes que dar a conocer el producto y que el héroe tenga gancho. No es lo mismo llevar al cine a Spider-man o Lobezno o los Vengadores y contar una buena historia, que a otro superhéroe menos conocido y encima meter con calzador cualquier tipo de ideología que al espectador le aleje de llenar las salas.
A ver, queridos murciélagos de estantería y sufridores del cine de superhéroes, ¿cuántas veces nos hemos tragado ya la historia de «la película se retrasa pero va a ser una obra maestra»? Pierdo la cuenta. Entre los calendarios de Hollywood que parecen hechos por un borracho, y los mil y un rumores que circulan por los mentideros norteamericanos, seguirle la pista al Caballero Oscuro se ha convertido en un deporte de riesgo. ¿Qué sabemos de The Batman Parte II?
El último culebrón que nos llega desde los portales yankis tiene que ver con The Batman: Part II de Matt Reeves. Porque claro, cuando el río suena, agua lleva, y la última parrafada que ha soltado el mismísimo James Gunn en redes sociales ha desmentido los típicos bulos de pasillo. Que si iban a rodar la segunda y la tercera parte del tirón, que si se solapaban calendarios, y mil historias más creados por buleros profesionales. Pues va a ser que no. Gunn ha salido al paso para zanjar el asunto con un tajante «puedo desmentirlo».
Lo divertido del asunto es ver cómo Reeves maneja el cotarro a su ritmo, muy ajeno a las prisas del estudio. Entre las últimas pruebas de cámara que se han filtrado, el batmovil luciendo neumáticos de nieve y ese ambiente gélido que huele a invierno chungo en Gotham, lo único seguro es que la fecha de estreno se nos ha ido ya sin piedad hasta principios de 2028. Sí, amigos, paciencia de santo.
Los mentideros norteamericanos no paran de especular sobre si este toque invernal nos traerá a algún villano clásico congelado o si todo se quedará en un drama criminal de trinchera, pero lo cierto es que la maquinaria de producción ya está a pleno rendimiento en los estudios de Leavesden.
Personalmente, que se tomen su tiempo me parece bien si el resultado es la mitad de bueno que la primera entrega. Lo que da pereza es que nos anuncien fechas como churros para luego ir apartando el caramelo año tras año. Menos mal que el bueno de Robert Pattinson sigue enfundándose el traje con soltura mientras trabaja en otros encargos, como La Odisea.
¿Vosotros qué tal? Yo ya me doy por rendido. Ya no me creo expectativas, simplemente os voy informando de lo que se acontece en los foros americanos o en los canales oficiales.
A ver, almas de cántaro, que los rumores no cesan, y aquí estoy yo, para contaros chismes desde Estados Unidos. ¿Os pensabais que con fichar a Robert Downey Jr. para hacer de malo malísimo (Doctor Doom) Marvel ya había quemado todas sus naves de sorpresas multiversales? Pues no. La maquinaria del spoiler y los rumores funciona a un ritmo que da miedo. Luke Cage en Vengadores Doomsday es el último de todos.
El último grito que corre por los mentideros de Internet apunta directito al barrio de Harlem. Ya os lo he dicho en el título y no hay emoció, pero sí, es Luke Cage.
Entre filtraciones, nombres en clave y deseos del fandom
¿De dónde sale este rumor esta vez? Pues como casi siempre en el maravilloso mundo del UCM, la cosa viene de filtraciones de rodaje, listados de producción más raros que el demonio y pistas que los influencers norteamericanos van cazando al vuelo. En los artículos recientes que rondan por la red (de esos firmados por JoshWilding) se vuelve a agitar el avispero sobre la recuperación de los personajes de la etapa Netflix (los famosos «Defenders o Defensores«).
Ya sabemos cómo se las gastan los hermanos Russo y Kevin Feig, les encanta meter nombres en clave en las hojas de llamado de los rodajes para despistar a los paparazzi y a los insiders. Pero claro, cuando empieza a sonar con fuerza la posibilidad de que Luke Cage se deje caer por Vengadores Doomsday, a parte del fandom le da un GC (Grave Colapso) mental de campeonato. Jajajajaja. Es que somos muy frikis y somos muy felices.
¿Tiene sentido meter a todo Dios en Doomsday?
Es que entre los 4 Fantásticos, los mutantes de la era Fox que van a volver, los Vengadores supervivientes y ahora los herederos de Netflix, la película va a parecer el camarote de los Hermanos Marx. ¿Cabemos todos? Esa es la gran duda existencial.
Personalmente, a mí la idea de ver al bueno de Cage saliendo de las series de streaming para repartir estopa a lo grande contra las fuerzas del Doctor Doom me pone los dientes largos, no os voy a engañar. Pero también me da un poco de miedo. Verle cruzarse con pesos pesados de la gran pantalla tiene su gracia, aunque solo sea para que le rompa una mesa de caoba en la espalda a algún esbirro interdimensional. Eso sí, esperemos que no se queden en un simple cameo de dos segundos para salir en el tráiler y que luego te dejen con un palmo de narices en la butaca del cine.
De momento, prudencia. Todos estos rumores pueden ser cosas de Marvel jugando al despiste con nosotros como el gato con el ratón. Pero oye, les funciona. Ahora lo último es Luke Cage en Vengadores Doomsday, y mira, aqui lo estamos comentando.
¿Vosotros qué opináis? ¿Tenéis ganas de ver a los antiguos defensores urbanos liándose a puñetazos en medio de una invasión multiversal, o pensáis que se les va a ir el santo al cielo con tanto personaje?
A ver, amigos de las capas y los calzoncillos por fuera (bueno, o sin ellos, que ya sabemos cómo se gastan las modas modernas en el cine), tenemos noticias. ¿Os pensabais que con el estreno de la película de Superman de James Gunn nos íbamos a quedar tranquilos un par de años? ¡Qué ilusos! En cuanto un estudio suelta una chispa en Hollywood, la maquinaria de los rumores se pone a funcionar a velocidades que dejan en ridículo a la de la luz, y los mentideros de Internet ya están ardiendo con lo que podría ser la secuela o el siguiente gran paso del Hombre de Acero. Y ese gran paso es Man of Tomorrow y ese rumor es Brainiac.
Mirando lo que se cuece por ahí (y echándole un vistazo a las últimas cositas que ha movido gente como Josh Wilding en ComicBookMovie), parece que la maquinaria comiquera no descansa ni en verano. Entre fotos filtradas de rodaje, los modelitos de Lex Luthor y las típicas idas de olla del fandom, hay un nombre que ha vuelto a sonar con fuerza en las quinielas como el megavillano de la película: Brainiac.
¿De dónde vienen los rumores?
Suele pasar siempre. Nos despistan con un par de imágenes oficiales, vemos al amigo Nicholas Hoult enfundado en su armadura top de Lex, y el aficionado medio empieza a hilar fino. ¿Y si Lex es solo el telonero? ¿Y si detrás de todo este tinglado de la nueva era de DC se está preparando la llegada del coleccionista de mundos por excelencia?
Los tiros van por pistas y filtraciones de set que apuntan a que el lore que está montando Gunn va a ser más amplio que la lista de la compra de una familia numerosa. Aunque todavía es pronto para tirar cohetes y poner la mano en el fuego (ya sabemos cómo se las gastan las productoras vendiendo humo en los tráilers), la sombra de Brainiac es alargada. Y la verdad, ya iba siendo hora de que Hollywood le diera al calvito inteligente de la botella de Kandor el protagonismo cinematográfico que se merece de una vez por todas, en vez de reciclar siempre al bueno de Luthor (aunque con Hoult molar, molará).
Si los tiros van realmente por ahí, preparaos para ver destrucción masiva a troche y moche. Si algo caracteriza a Brainiac no es precisamente su sutileza, sino su afición por encoger ciudades enteras y guardarlas en formol digital o en una jarra de cristal.
De momento, prudencia. Esto entra dentro de la categoría de «especulación de Internet», de esas que nos gusta comentar con una cerveza en la mano mientras criticamos los efectos especiales. Pero oye, soñar es gratis y elucubrar con un Superman partiéndose la cara contra tecnología alienígena avanzada siempre pone los dientes largos.
¿Vosotros qué opináis? ¿Tenéis ganas de ver a Brainiac dando por saco en la gran pantalla o preferís que exploren a otros villanos menos trillados del universo DC?
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el enorme placer de estar en el Hotel Pax Atocha de Madrid con Norma Editorial y un invitado muy especial: El historietista y dibujante Jaime Martín, autor de obras tan importantes del cómic español contemporáneo como Jamás tendré 20 años, Las guerras silenciosas o Siempre tendremos 20 años. Sus obras han marcado a varias generaciones de lectores, de eso no cabe duda.
Esta entrevista se enmarca en la presentación de la nueva edición integral de Sangre de Barrio, recientemente publicada por Norma Editorial. Es una obra que relata con crudeza la rabia, la desheredación y la vida en los barrios periféricos de Barcelona.
Con vosotros, DAve Solís. Y quién sabe, quizás esta charla sea también el punto de partida para recuperar nuestro canal de YouTube con nuevas entrevistas y contenidos sobre cómic y cultura. Jaime, muchísimas gracias por estar con nosotros.
Jaime Martín: A vosotros por invitarme.
DAve Solís: En todas nuestras entrevistas siempre damos comienzo con la misma pregunta clásica: ¿Cuál es el primer cómic que leíste, que recuerdas haber leído o simplemente el que te marcó en tu vida como lector?
Jaime Martín: Dudaba entre dos, pero me ha venido claramente cuál fue el primero: Las aventuras del Príncipe Valiente. También rondaba por casa un álbum de Tintín, El cetro de Ottokar, pero fue El Príncipe Valiente, publicado en unos tomos en grapa retapados de Buru Lan Ediciones.
Recuerdo que fue el primero porque hay viñetas repasadas con bolígrafo rojo. Yo todavía no sabía leer, pero ya me gustaba dibujar y mis padres me contaban que me dedicaba a repasar apretando el boli sobre los dibujos que más me impresionaban, hasta que me dijeron que mejor dibujara en un papel en blanco para no estropear el libro. Aún lo conservo. No lo leía, lo hojeaba, pero en cuanto aprendí a leer volví a él y lo estuve releyendo durante mucho tiempo.
DS: No está nada mal: El cetro de Ottokar y El Príncipe Valiente, dos referentes del noveno arte. Para situar a quien conozca menos tu trayectoria, empezaste a publicar en los años 80 y tu nombre siempre ha aparecido vinculado a la revista El Víbora y al cómic adulto de aquella época ¿Cómo recuerdas esos primeros años en los que empezaste como profesional en España? ¿Qué ambiente había?
Jaime Martín: Había cómic por todas partes y muchas revistas que se encontraban en los quioscos, además de algunas librerías especializadas. Los álbumes eran algo más minoritario que ahora, aunque también los había.
Ocurría algo curioso que se ha perdido al no haber revistas mensuales: Los días de cobro nos encontrábamos en la editorial todos los dibujantes que colaborábamos en la revista. Íbamos a cobrar las páginas dibujadas y se producía un ambiente muy interesante de intercambio de conocimientos y solución de problemas.
Recuerdo a Martí en la redacción de El Víbora explicando cómo solucionar un problema de guion que le había planteado otro compañero. Era una dinámica similar a la que se da hoy en día a través de las redes sociales o canales donde coincidimos autores de toda España.
Antes esa reunión se producía en persona en las redacciones: Cobrábamos el cheque, charlábamos, bajábamos al bar a tomar una cerveza y luego cada uno volvía a su casa.
Jaime Martín. Hotel Pax Atocha de Madrid
DS: En tu obra se percibe una mirada muy pegada a la realidad: Barrios obreros, zonas periféricas, precariedad, violencia cotidiana y humor negro. ¿Qué querías contar de tu generación y de tu entorno cuando empezaste a dibujar estas historias?
Jaime Martín: Más que cosas concretas, estaba interesado en recrear un cierto ambiente y el sentimiento que tenían los personajes. En Sangre de Barrio, la idea era mostrar la sensación de abandono de los protagonistas, personas conscientes de vivir en un lugar hostil que no les ofrecía un futuro próspero, donde la realidad diaria era la aspereza del barrio y saber que en cualquier momento te podían atracar a punta de navaja. Quería transmitir ese sentimiento de un grupo de personas con las que yo me relacionaba.
DS: Te interrumpo un momento porque me he sentido muy identificado. Yo me vine a vivir a Madrid con 10 años a un barrio periférico residencial donde apenas circulaban coches. A la semana de comprarles mis padres las bicicletas a mis hermanos, a uno de ellos lo atracó un delincuente para quitarle la bici. Me he sentido muy reflejado en el ambiente que retratas en tu primera obra.
Jaime Martín: Es que la problemática de la heroína en los años 80 fue brutal. Recuerdo volver un fin de semana en metro al barrio desde el Barrio Chino de Barcelona y ver a gente pinchándose dentro del propio vagón en marcha. No era algo cotidiano para todo el mundo, pero tampoco resultaba extraño ver situaciones así.
Tengo una anécdota de puro humor negro que nunca he incluido en un cómic por temor a que resultara demasiado descabellada: Iba con mi pareja por una callejuela del Barrio Chino a las cuatro de la tarde y delante de nosotros caminaba un hombre ebrio cantando una ranchera. De repente escuchamos un grito y un golpe enorme justo delante de él. A un jonqui que estaba en una azotea se le fue el pie y cayó desplomado a escasos centímetros del borracho.
En esa época muchos subían a los terrados para que nadie les molestara, y aquel acabó cayendo a la calle en mitad de la canción.
DS: ¡Qué barbaridad! Tienes que incluirlo en la siguiente historia. Sangre de Barrio nació como una serie de historietas en El Víbora a finales de los 80 y principios de los 90. ¿Cómo surgió la idea de recopilarlas en un volumen integral?
Jaime Martín:La Cúpula llegó a recopilar la primera y la segunda parte en un álbum, pero no fue hasta llegar a Norma Editorial cuando se reunieron las tres partes en la Colección Nómadas.
Esta nueva edición las recopila por primera vez a un tamaño muy cercano al original. Para mí es la mejor edición que se ha hecho hasta la fecha, con una portada que rememora la primera edición en grapa y el edificio Vanguard, una antigua fábrica de electrodomésticos de mi barrio que actualmente se encuentra en remodelación.
DS:Sangre de Barrio te valió el Premio al Autor Revelación en el Salón del Cómic de Barcelona ¿Cómo viviste ese reconocimiento y qué impacto tuvo en tu carrera?
Jaime Martín: Fue un espaldarazo. Yo tenía unos 23 años, quería ser dibujante y había hecho todo lo posible por publicar. Que tu primer álbum tenga buena acogida y reciba un premio fue como si me abrieran la puerta de la profesión diciendo: «Lo has hecho bien, ahora demuestra qué más sabes hacer«. Fue un empujón de moral para confirmar que podía tener un futuro en esto.
DS:¿Has retocado alguna página para esta nueva edición?
Jaime Martín: No. El primer impulso al reeditar siempre es arreglar viñetas o pulir diálogos, pero mi editor en Norma Editorial, Álvaro Nofuentes, me aconsejó no hacerlo.
Tenía razón: Retocar cuatro detalles no cambia la totalidad del libro; habría que redibujarlo entero o dejarlo tal cual. Lo único que ha cambiado es la tipografía de las primeras partes, que originalmente estaba rotulada a mano y ahora cuenta con mi tipografía digital para dar coherencia al tomo. Hay que dejar las obras con la perspectiva de la época en que se crearon.
DS: Leyendo el libro hoy en día, muchos lectores se preguntan si lo que cuentas es el retrato de una época pasada o si sigue teniendo actualidad ¿Crees que existen barrios y situaciones parecidas en la actualidad?
Jaime Martín: Hay demasiados paralelismos. No estamos igual de mal que en los 80, las cosas han mejorado, pero la sociedad funciona de forma cíclica. Volvemos a vivir una atmósfera global de tensión similar a la Guerra Fría de aquellos años. Además, la falta de perspectivas entre los jóvenes en los barrios periféricos se sigue percibiendo.
Sigo viviendo en el mismo barrio de L’Hospitalet, Santa Eulalia, y veo los mismos grupos de jóvenes deambulando de madrugada, el incremento del uso de armas blancas en las periferias europeas o la conflictividad ligada al tráfico de drogas. Esa sensación de incertidumbre ante el futuro sigue presente.
DS:Si tuvieras que señalar una página o escena concreta que sea especial para ti, ¿cuál sería?
Jaime Martín: Hay una escena en la primera parte de Sangre de Barrio en la que los protagonistas van caminando a cometer un atraco y se ve un plano a ras de suelo de sus pies junto a las ruedas del coche de la policía secreta que los va siguiendo. Toda esa secuencia me gusta bastante.
Jaime Martín: Estoy dibujando un álbum vinculado a mis raíces y a mi barrio, Santa Eulalia, pero ambientado en los años 50, cuando mis padres eran niños. Era un barrio muy humilde repleto de barracas. Quiero reflejar cómo jugaban los niños y cómo percibían a unos adultos marcados por las secuelas de la Guerra Civil, la pobreza, la represión y la delación. Más que una trama convencional, busca ser un fresco histórico de cómo era la vida en aquel entorno.
DS:Jaime, muchísimas gracias por compartir este tiempo con nosotros y por acercarnos tu obra. Ha sido un placer tenerte en Las cosas que nos hacen felices. Recordamos a los lectores que la edición integral de Sangre de Barrio ya está disponible en librerías. Y como decimos siempre: ¡Sed felices!
El Halcón y la Flecha. Estamos ante una de las películas que supuso la esencia del cine de aventuras que marcó una época. Es por producciones como esta que los que crecimos en la década de los 70 y 80 del siglo pasado sabemos valorar el cine clásico como es debido. Sí, quizás para alguien de generaciones más actuales pueda parecer que ha envejecido mal, pero este tipo de cine no sabe de modas y se quedó anclado hace años en la historia del séptimo arte hace años para quienes crecimos viendo estas películas un sábado de tarde después del telediario.
Qué nos cuenta El Halcón y la Flecha
La historia sigue a Dardo Bartoli (Burt Lancaster), un arquero experto que vive en las montañas con su hijo Rudi. Su leit motiv es que «uno tiene que preocuparse de sí mismo y luego de los demás». Cuando el cruel conde Ulrich (Frank Allenby) secuestra a su hijo, su forma de pensar cambiará y ayudará a los lugareños del lugar a encabezar una rebelión que acabe con su tiranía.
Quién fue Jacques Tourneur
Jacques Tourneur fue un director francés nacionalizado estadounidense, considerado uno de los directores más elegantes de la etapa clásica de Hollywood. Era conocido (como muchos en esa época) por dominar diferentes géneros cinematográficos, pero si algo lo caracterizaba por encima de todo era la creación de atmósferas de misterio y tensión con pocos recursos. Uno de sus puntos fuertes era el uso expresivo de la luz y las sombras, ligado a una puesta en escena sobria y la capacidad de sugerir más que mostrar. Prefería dejar que el espectador imaginara lo que pasaba fuera de plano.
Ejemplos de películas que podemos destacar de Tourneur aparte de El Halcón y la Flecha, que es la que nos ocupa, tenemos varios, comenzando por La Mujer Pantera (Cat People, 1942), Yo anduve con un Zombie (I Walked with a Zombie, 1943) o Retorno al pasado (Out of the Past, 1947) una de las grandes obras maestras del cine negro. Como dijimos más arriba, dominaba varios géneros y, para muestra, La Noche del demonio (Night of the Demon, 1957) fue una de las películas de terror más influyentes en su época.
Con El Halcón y la Flecha, Tourneur se alejó del suspense para meterse en el género de aventuras. Aún así, mantuvo su estilo usando de ritmo muy cuidado, planificación exhaustiva de las escenas de acción (donde Lancaster brillaba gracias a su pasado circense) y un aprovechamiento de los espacios donde transcurre la historia, sean los bosques o el castillo del Conde. Y la acción iba unidas a momentos de humor, dando como resultado una de las películas de aventuras más entretenidas de la historia del género.
Aspectos que la hacen especial
Burt Lancaster. Sin lugar a dudas una de los motivos que hicieron triunfar a la película fue la aportación de su protagonista. Su carisma ante la cámara es evidente y su fisicidad ayuda enormemente a la credibilidad del personaje que interpreta. Su relación (que ya existía antes por su pasado en el circo) con Nick Cravat es otro elemento a destacar. Y el que Cravat tuviera un acento muy de Brooklyn, por otra parte, fue el detalle que hizo decidir a Tourneur que su personaje Piccolo fuera mudo, lo cual venía a ser lo mismo que ningún acento.
Las escenas de acción, en su mayoría interpretadas por el dúo Lancaster/Cravat, aportan la base de este tipo de cine de aventuras que gustaba tanto en la década de los 50.
El uso del color también es par mencionar, pues el trabajo de Ernest Haller es vital para el disfrute visual con una amalgama de colores vivos en cuanto a vestuario, del mismo modo que el verde de los bosques es tratado de tal forma que destaca de manera especial en muchas de las escenas. Y los tonos más apagados, como los grises en el castillo de Ulrich, generan sensación de contraste con el colorido de los rebeldes y su villa. En la escena donde el personaje de Dardo se enfrenta al Marqués Alessandro de Granazia (Robert Douglas), el uso de la luz y las sombras es sencillamente magnífico.
La música de Max Steiner es de esas que se te quedan en la mente para siempre. Cada vez que escucho el tema que aparece por primera vez cuando entra en escena el personaje de Dardo llegando a caballo al pueblo con su hijo, me produce una sensación difícil de olvidar. No tiene, por cierto, ningún título en específico y es usado por Steiner según su interés o según el momento en que aparezca el personaje. La partitura para la película combina leitmotivs más alegres con otros más dramáticos dependiendo de la escena para la cual estén pensados.
Steiner fue uno de los grandes compositores de música para películas en la historia del cine, y suyas son partituras de filmes como Lo que el viento se llevó (Gone with de Wind, 1939), Casablanca (1942) o Arsénico por Compasión (Arsenic and Old Lace, 1944) entre muchas otras.
El guion de Waldo Salt, lejos de quedarse solo en un mero ejemplo más de película de capa y espada, mezcla influencias de leyendas de Guillermo Tell o Robin Hood para contar una historia simple pero eficaz. Gracias a ese guion ágil, el ritmo nunca decae y las escenas que tienen a la acción como núcleo están muy bien planificadas, demostrando que se pueden mezclar sin problemas un gran espectáculo de entretenimiento con una realización técnica de alto nivel.
A quién le podemos recomendar El Halcón y la Flecha
Definitivamente a los amantes del cine clásico de aventuras (el binomio Lancaster/Cravat repetiría dos años más tarde en El Temible Burlón), así como a los seguidores de Burt Lancaster o Virginia Mayo (aquí en un papel un tanto secundario) y a quienes, aun cuando no hayan vivido aquella época, gusten de descubrir joyas del séptimo arte que dejaron su huella en el coranzoncito de los niños/as de antaño.
Os dejamos con la crítica de la segunda colaboración entre Burt Lancaster y Nick Cravat. El Temible Burlón. AQUÍ.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Las nuevas aventuras de Barbarroja. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
A ver, vamos a ponernos serios, o lo más parecido a la seriedad que permite un tipo que se pasa el día leyendo tebeos. Supongo que ya habréis visto el tocho que ha sacado Yermo Ediciones hace nada. Sí, hablo de Las nuevas aventuras de Barbarroja. Y antes de que alguien me salte a la yugular por decir «pero si esto es de toda la vida», dejadme explicarme, ya que esto no es la reedición nostálgica de las andanzas que nos marcaron en la infancia de la mano de Charlier y Hubinon. Esto es otra cosa.
¿Quiénes están detrás del timón de Las nuevas aventuras de Barbarroja?
Para los despistados que no miran la portada, aquí el mando lo llevan Jean-Charles Kraehn a los guiones y Stefano Carloni a los lápices. Y ojo, que no es un cambio cualquiera. Recuperar a un mito como Barbarroja es como intentar versionar una canción de los Beatles, o te sale un churro o haces magia. Pues aquí, estos dos, han decidido tirar por el camino de en medio, ya que mezclan ese clasicismo que nos hace salivar con un toque de frescura actual que le sienta de maravilla al «Diablo del Mar».
¿Qué nos trae este integral?
Lo primero es el peso. Literal. Son 312 páginas que te obligan a buscar una mesa resistente porque en el sofá te acabas dejando las muñecas. Este integral recoge los cinco álbumes que han sacado estos dos tipos, y la verdad es que se deja leer muy, muy bien.
La trama nos mete de lleno en movidas de piratas de las buenas como extorsiones en las costas de Carolina, ataques a barcos, forajidos con ganas de jaleo y esa sensación de aventura que parece haberse perdido en gran parte del cómic actual. Kraehn sabe perfectamente qué botones tocar para que te quedes enganchado, y Carloni… bueno, Carloni está a otro nivel. Tiene un trazo que te hace oler el salitre y la pólvora, y eso, amigos, es lo único que le pido yo a un cómic de piratas. No quiero discursos filosóficos, quiero abordajes y barcos saltando por los aires. Y de eso, aquí hay para repartir.
¿Merece la pena el desembolso?
Vay a ser claro. Estamos hablando de una edición de Yermo, lo que significa que el acabado es impecable con lomo plano, papel de buena calidad y un tamaño que permite disfrutar del detalle de las viñetas sin tener que usar una lupa. ¿Que cuesta sus 48 euritos? Pues sí. Pero a estas alturas, si eres fan del género o simplemente te gusta tener en la estantería obras que dan peso (y no solo en kilos), es una compra obligatoria. Ya hemos comentado aquí, muchas otras obras de Yermo, y Las nuevas aventuras de Barbarroja sigue los estándares.
Personalmente, me ha sorprendido para bien. Tenía miedo de que intentaran «modernizar» tanto al personaje que perdiera esa mala leche y esa esencia de pirata clásico, pero no. Sigue siendo Barbarroja, el mismo que recordamos, solo que con una mano de pintura (o mejor dicho, de tinta) que le hace justicia a los nuevos tiempos.
En definitiva, si tenéis un hueco libre en la estantería, echadle un ojo.
Un pirata llamado Espectro, junto con su banda de forajidos, extorsiona a los cultivadores de Carolina y ataca a los barcos que entran en la bahía. Los hombres del rey deciden encargar esta misión al sanguinario Barbarroja, ahora un corsario al servicio de la corona, ya que su turbio pasado lo convierte en la persona más capaz de salir airoso de la misión.
El héroe creado por Jean-Michel Charlier y Victor Hubinon cobra nueva vida de la mano de Jean-Charles Kraehn y Stefano Carloni, que, con un trazo mezcla de modernidad y clasicismo, nos hacen soñar de nuevo con surcar los siete mares y abordar barcos en busca de grandes tesoros.
Este volumen, que contiene los cinco álbumes realizados por este equipo, es una gran celebración del retorno al mundo del cómic del más temible Diablo del Mar Caribe.
Netflix acaba de estrenar la segunda temporada de Cien Años de Soledad, serie que, por primera vez, adapta a la pantalla la novela homónima de Gabriel García Márquez que es indiscutido referente fundamental de la literatura latinoamericana, pero con la particularidad de que veremos el episodio final, de casi dos horas, recién el 26 de agosto.
Hola otra vez. Algo más de un año ha pasado desde nuestro último encuentro en Macondo y aquí estamos nuevamente, de regreso al realismo mágico y al intrincado árbol genealógico de los Buendía. La espera por la segunda parte de Cien Años de Soledad fue quizás algo más larga de lo que en aquel momento se anunció, pero tampoco nos podemos quejar si comparamos con las demoras muchas veces mayores a que nos someten tantas series de menor producción que esta ambiciosa adaptación de la icónica novela de Gabriel García Márquez.
La particularidad es la agenda de estreno, pues de los ocho episodios que componen esta segunda temporada (misma cantidad que la primera), siete han sido estrenados de un tirón, pero el restante, un especial de casi dos horas de duración, llegará para concluir la historia el 26 de agosto.
Sí que es una decisión extraña y no recuerdo precedentes en Netflix ni en ninguna otra plataforma. Hemos tenido formatos semanales, temporadas fragmentadas o series que, después de bastante tiempo, como Peaky Blinders o The Last Kingdom, se cerraban con alguna película (pueden pinchar en los links para leer nuestros análisis, tanto de esas series como de los respectivos filmes). Pero esto es particularmente nuevo, quedando aún por verse qué tal resulta y si el episodio final lo justifica, algo que solo lo sabremos una vez que esté estrenado y podamos apreciar el cuadro completo.
En consecuencia, buena parte de lo que en el presente artículo podamos decir tiene carácter provisorio y queda sujeto a ese “grand finale” que, para bien o para mal, podría cambiar cualquier apreciación parcial. Y recordemos que Cien Años de Soledad es una novela muy difícil de adaptar (durante bastante tiempo considerada casi imposible), teniendo entre sus dificultades un manejo muy especial del tiempo, que en la serie es cronológico y lineal en lugar de tener tantas idas y venidas.
A ello hay que sumar la cantidad de nombres que se repiten o bien se combinan con variaciones mínimas (algo que se hace más fácil de seguir en la serie al tener rostro los personajes) y la particular prosa de García Márquez que, una vez más, viene de la mano de un relato en off que me resultó algo cargoso en la primera temporada y me sigue pareciendo así en esta, pero que a la vez es entendible como forma de que el autor no se pierda y, especialmente, algunas citas textuales que, aun en prosa, terminan por ser verdadera poesía y no merecen quedar afuera.
Laura Mora, una de las creadoras de la serie, dirige cuatro de estos siete episodios del mismo modo que lo hiciera con tres de la anterior y está también a cargo del cierre aún no estrenado que se anuncia como más fuertemente cinematográfico: una película, prácticamente. Carlos Moreno, en tanto, es quien dirige los tres restantes y todos duran una hora promedio, con excepción del quinto y sexto, que llegan a la hora y cuarto, además de, por supuesto, el del final, que tendrá casi dos.
El Pasado se fue…
Esta segunda temporada nos presenta la decadencia del coronel Aureliano Buendía (Claudio Cataño), cuyo mesianismo autocrático lo deja cada vez más solo y no únicamente ante el gobierno conservador que le ofrece un armisticio tras otro, sino también ante su propia gente e incluso su madre Úrsula (Marleyda Soto) que, aun en sus delirios agoreros de profeta mística, es el cable a tierra que busca mantener a los Buendía en este mundo y a Macondo funcionando.
Junto con ello, asistimos al desarrollo de una nueva generación con José Arcadio (Emmanuel Suaza) y Aureliano Segundo (Julián Román), gemelos y sobrinos nietos del coronel, cuyas vidas toman rumbos diferentes cuando el primero presencia de niño la ejecución del general Moncada y ello le lleva a buscar caminos alejados de la violencia, al principio en la Iglesia y después buscando revivir antiguos proyectos de su bisabuelo para guiar a Macondo por la senda de la modernización.
Entregado a las mujeres y el acordeón, Aureliano Segundo es bastante más parrandero y libertino, pero las diferencias entre los hermanos no les impiden compartir de manera alternada los favores de la joven Petra Cotes (Licinia Alzate), que no los distingue ni tan siquiera sabe que son dos. Y Aureliano seguirá incluso requiriéndolos tras contraer matrimonio con Fernanda del Carpio (Laura Taylor), muchacha de alta alcurnia que, ultra conservadora y católica, le niega sexo la mayor parte de las noches por el calendario de abstención venérea que le diera su madre superiora y que solo deja en el año cuarenta y dos días libres.
La presencia de Fernanda es sumamente importante en esta temporada ya que la “cachaca”, como el coronel la llama, viene a poner patas para arriba el mundo de los Buendía llenando la casa con iconografía religiosa e intentando incluso “encaminar” a su cuñada Remedios la Bella (Daniella Reyes) que, paseándose todo el tiempo sin ropas con cándido desenfado, representa exactamente lo contrario de Fernanda, pero sin ser en absoluto consciente de lo que genera en los demás.
La contraposición sexo-religión es remarcada con imágenes muy sagaces. Genial el momento en que Aureliano Segundo tiene relaciones con Fernanda bajo la escrutadora mirada de la Virgen y los santos mientras ella, entrecortada cada vez más su voz por la excitación, se encomienda al Señor para dejarle claro que no es “por vicio ni por fornicio”, sino para darle un hijo. Todo para que solo unos minutos después, y buscando lo que ella no le brinda, él termine revolcándose con Petra mientras los animales de granja les imitan alrededor.
El Futuro llegó…
La temporada también pone especial énfasis en la llegada del progreso y la modernización a Macondo: el fonógrafo, el cine o el “inocente tren” que, promovido por José Arcadio, ocupa desde lo simbólico un lugar fundamental y significa no solo el cierre de una etapa para Macondo, sino también el arribo del capitalismo que, merced a los “gringos” y a sus especiales intereses en la producción bananera, terminarán por implantar en la región una economía de monocultivo como tantas otras del Caribe neocolonial.
Paralelamente, se van acentuando la conflictividad social y lucha de clases en la medida en que la explotación de los trabajadores se vuelve cada vez más acuciante, virando el propio José Arcadio desde un discurso más pacífico, ingenuo y confiado hacia uno de corte declamatorio que le lleva a ponerse al frente del sindicato.
También vemos el crecimiento de su hija Renata (Juanita Molina) que, educada en la gran ciudad como concertista de clavicordio, entabla amistad con la hija del empresario bananero estadounidense, pero muy especialmente con Mauricio Babilonia (David Palacios), el mecánico mulato del taller de los “gringos” al cual, en una de las imágenes que más nos ha dejado en la memoria la obra original, acompañan siempre mariposas amarillas. Con él terminará teniendo una relación prohibida bajo la vigilante mirada de su madre, que ve su actitud como pecaminosa.
Y tenemos también a los diecisiete hijos extramatrimoniales del coronel, que se aparecen todos juntos en Macondo y son reconocidos por este como tales a través de un acto en que el sacerdote local los marca de por vida con una cruz de ceniza, que termina siendo indeleble y trayéndoles a la larga consecuencias en ese momento impensadas. De ellos, el único que decide quedarse junto a la familia es el que muy apropiadamente se llama Aureliano Triste, quien termina incluso reactivando la fábrica de hielo.
Los Pájaros de la Memoria
Además de la soledad, que es desde el título mismo uno de los ejes fundamentales tanto en la novela como en la serie, esta temporada acentúa de manera especial el papel central de la muerte, vista prácticamente por los personajes como una opción válida ante tanto padecimiento y escapando de ella una y otra vez el coronel Buendía sin que ello signifique un alivio, sino más bien el seguir viviendo la tortura del paso del tiempo.
De manera muy relacionada, se acentúan del mismo modo el melodrama y la denuncia. En el primer caso, por las historias de traiciones y amores cruzados o no correspondidos (aunque no se diga habitualmente, quizás por no sonar elegante o intelectual, soy de los que creen que el Gabo tuvo no poca influencia en los culebrones colombianos).
En el segundo, por el papel cada vez mayor del conflicto de clases que conduce a la matanza de la estación de tren, uno de los momentos más fuertes y desgarradores de la novela, en el que García Márquez toma inspiración de un hecho real, como lo fue la llamada Masacre de las Bananeras, perpetrada en 1928 por el ejército nacional colombiano en el municipio de Ciénaga, Magdalena.
Es en ese tramo de la serie, al igual que en la novela, cuando lo mágico y surrealista retroceden algo para dejar mayor lugar a la denuncia, apelando García Márquez al recurso de mezclar personajes ficticios con reales como el general Cortés Vargas, responsable principal de aquella masacre de la cual el número de víctimas sigue siendo objeto de debate al día de hoy.
Sin embargo, y con la limitación que me impone haber leído la novela hace ya cuarenta años, no recuerdo que el episodio tuviera en ella un tono tan marcadamente militante como el que asume aquí, con los bandos más claramente delineados y siendo designada la compañía frutera involucrada como United Fruit Company, nombre real que, si no me engaña la memoria, no solo no aparece en el libro sino que además la misma no tiene ninguno en particular más allá de que la referencia sea evidente: apelo a lectores más recientes o memoriosos para sacarme de mi error si es que lo hay…
La escenografía sigue siendo igual de deslumbrante en su recreación de Macondo (todo un pueblo, recordemos, construido especialmente para la serie) con una puesta que va mutando con el correr de los años complementada por el magnífico trabajo de vestuario.
La fotografía, una vez más, merece párrafo aparte, dotada de una belleza que puede ser absurda (como cuando Aureliano avanza a paso lento hacia la iglesia seguido de sus diecisiete hijos ilegítimos), estremecedora (como cuando la “reina de Madagascar” desfila entre el tendal de muertos que ha dejado el atentado de carnaval) o poética (como cuando Remedios entra a levitar y se eleva a las alturas entre vaporosas sábanas hasta “donde los pájaros de la memoria no llegan”).
Y nada de eso se sostendría, por supuesto, sin un elenco a la altura, pues las actuaciones son sobrias y parejas, más allá de que se destaquen de manera especial Emmanuel Suaza, Julián Román y Laura Taylor en sus respectivas interpretaciones de José Arcadio, Aureliano Segundo y Fernanda, justamente los tres personajes que cobran mayor lugar central en la temporada. Pero sigue lo de Marleyda Soto siendo igual de soberbio que en la anterior al encarnar a Úrsula y gran adición, por cierto, la de la la joven Juanita Molina para dar vida a un personaje sumamente difícil y no demasiado secundario como Renata (o Meme, si preferimos).
Balance Parcial de la Temporada
No tiene gran sentido medir la calidad de esta propuesta comparando con el material original cuando bien sabemos que la novela es inigualable, pero no se puede a esta altura negar que la serie continúa manteniendo el buen camino y saliendo airosa de una misión que, por el alto grado de audacia narrativa y visual que requería, parecía rozar lo imposible. Tanto sobre los realizadores como, más aún, sobre la propia Netflix pendía implacable la espada de quienes pudiesen acusarlos de cometer un sacrilegio imperdonable e irreparable, pues nadie volvería a intentar por décadas adaptar esta inmensa historia si la serie era un fiasco.
Por fortuna, nada de eso ocurrió y si algo tenemos que decir de esta segunda temporada es que no solo mantiene el nivel de la primera, sino que la mejora ya que, en el conjunto general, la serie luce menos enredada y más fácil de seguir, como también más sólida. Pero claro, el hecho de que falte el capítulo doble final deja una impresión inconclusa sin que podamos, de momento, emitir juicio definitivo por más subjetivo que sea.
Sin embargo, y a riesgo de equivocarme, déjenme ser optimista: nos han entregado (casi) dos temporadas más que dignas dando por tierra con todos nuestros prejuicios y se hace difícil pensar que vayan a arruinar todo en las dos horas que restan.
De momento, solo podemos decir que hasta aquí la prueba está más que superada. Y esperar con ansiedad al 26 de agosto para el prometido gran final y para que esos manuscritos de Melquíades cuyo contenido está vedado por cien años, cobren una importancia clave. Les espero para analizarlo. Hasta entonces y sean felices…
Ya está disponible en Prime Video la segunda temporada de Batman: Caped Crusader (Batman: El Cruzado Enmascarado), la serie animada de Bruce Timm que, redoblando la apuesta oscura y noir de la primera, la supera en excelencia y confirma a su autor como uno de los referentes indiscutidos en lo que al murciélago se refiere.
Casi dos años han pasado desde que la serie animada Batman: Caped Crusader fuera estrenada enPrime Video y nos deslumbrara con su formidable propuesta tanto visual como narrativa al llevar al legendario héroe deDC a una redefinida Gotham de los años cuarenta con las características estéticas del cine noir y el sello personal e inconfundible del gran Bruce Timm. Y ya está con nosotros la segunda temporada, que vuelve a tener a este como principal responsable y repite de igual modo a Matt Reeves y J.J. Abramscomo productores ejecutivos estrella.
Lejos de abandonar el tono de la primera temporada (aquí análisis de un servidor), esta segunda lo profundiza de manera audaz y toma un camino aun más oscuro y pesimista, además de ampliar la galería de villanos y presentarnos a un Batman cada vez más Batman y menos Bruce Wayne. De hecho, es muy poco el tiempo en que lo vemos como tal y cuando más lo hace, en el tercer episodio, está de incógnito fingiendo un personaje para obtener información de alguien que se encuentra en prisión.
La serie mantiene el tono autoconclusivo de la primera temporada e incluso lo acentúa, sin por ello dejar de lado la continuidad que, paradójica y particularmente, se hace presente en entregas que no son necesariamente continuadas, sino que la trama planteada en un episodio puede retomarse dos o tres capítulos más tarde. Excepción: los dos últimos, que juntos conforman uno doble y rompen con la estructura habitual.
Decir que la galería de villanos se amplía no significa que cada vez entren más a la historia ni que vayan formando una legión como la que comúnmente conocemos del mundo Batman. La serie tiene su propia impronta y no busca apelar a la mera nostalgia por la de los noventa ni, mucho menos, a ser calco de la misma. En consonancia, no estamos ante una “galería” en el estricto sentido, sino que cada villano tiene su momento sin que convivan juntos en la trama general.
Entre los grandes ausentes de la primera temporada (donde tuvo especial protagonismo Harvey Dent y, en menor medida, Selina Kyle) estaban, desde luego, el Acertijo y el Joker (del cual solo habíamos tenido algún guiño que anunciaba su irrupción). Ambos hacen finalmente presencia en la segunda y, mientras que al primero lo vemos prácticamente de entrada, el segundo se hace desear y recién los dos episodios finales lo tienen en su centro.
Pero, de modo fiel al estilo de la propuesta (más realista), ni el Acertijo lanza adivinanzas todo el tiempo (apenas una o dos) ni el Joker es un payaso histriónico de risa desquiciada: es más bien calmo, frío y circunspecto sin por ello perder lo sádico, además de remitir su aspecto a la primera versión del personaje en los cómics de Bob Kane y Bill Finger.
La temporada consigue un perfecto equilibrio entre aquellas historietas de la Edad de Oro y las más oscuras que redefinieron al personaje en los ochenta, pues no faltan los homenajes a Frank Miller y Alan Moore o, más específicamente, a El Regreso del Caballero Oscuro y La Broma Asesina. Parecen mundos imposibles de conciliar, pero Timm todo lo puede y, de modo probablemente impensado a priori, el contexto de época facilita la amalgama.
También tenemos al Espantapájaros, que no luce como uno, pero tiene un similar modus operandi, o referencias indirectas al Espectro y a Mr. Freeze, que no aparece como tal, pero le remite bastante el personaje llamado Mr. Zero.
Fuera de los villanos, siguen teniendo importante papel el comisionado Gordon y su hija Barbara (que sigue sin revelarse como Batgirl y probablemente tampoco lo haga), al igual que la detective Montoya y el inefable y señorial Alfred Pennyworth, cuya dinámica con Batman es en esta temporada particularmente notable.
Y el sexto episodio nos trae de vuelta a Carrie Kelley, la niña huérfana que viéramos brevemente en la temporada anterior y de la cual tanto su nombre como su condición de ayudante no solicitado remiten inevitablemente a aquel primer Robin femenino que fuera introducido por Miller en El Regreso del Caballero Oscuro.
Cuando decimos que la segunda temporada es más pesimista que la primera, ello se trasluce en el funcionamiento de las instituciones y lo imbricado del mundo criminal en las mismas, como lo demuestran el funcionamiento de la política, la justicia y la propia policía. El mal está tan extendido y desparramado que se hace difícil pensar que en algún momento sea realmente vencido pero, sin embargo y a pesar de los dilemas éticos que ello plantea, subyace la idea de que vale la pena defender los principios aun cuando todo alrededor esté podrido.
También hay una fuerte reflexión sobre el papel de la ciencia y su mala utilización en manos incorrectas, lo que lleva a preguntarse a Batman si habrá manos que sean verdaderamente correctas, lo cual estremece particularmente al exponerlo a la luz del mundo de hoy y no únicamente del de los cuarenta en que la serie se ubica. Y allí radica otro de los grandes méritos de la misma: el contexto de época no elimina la atemporalidad.
Repaso a continuación los diez episodios que componen la temporada con una breve síntesis de lo que cada uno trata…
. Episodio 1 – Fuerza Bruta
Presentación del Acertijo, pues nos muestra al mafioso Rupert Thorne y a su ayudante Eddie haciéndose cargo de los negocios de este en ausencia: ni el nombre ni el estilo histriónico del segundo dejan demasiadas dudas de quién es. Y el capítulo trata de que Batman busca proteger a un contador al cual cree que intentarán asesinar por ser testigo clave en la causa contra Thorne.
. Episodio 2 – El Resplandor Rojo del Cohete
Roxy Sutton es una ingeniera que, gracias a un revolucionario combustible llamado ultrium, ha desarrollado una especial tecnología de cohetes con vistas a la exploración espacial (maravilloso el diseño retro de los mismos), pero intereses ligados a armamentos y potencias extranjeras buscan hacerse de la misma para sus propios y funestos fines, lo que conduce a la misteriosa muerte de Sutton. O eso parece…
. Episodio 3 – Infiltración Profunda
Haciéndose pasar por recluso, Bruce Wayne se introduce en la prisión de Blackgate para acercarse a un detenido y obtener información sobre la banda de Thorne, a la par que vemos cómo el Acertijo va escalando en el mundo criminal y, poco a poco, tomando el lugar de este. Por primera vez, le oímos decir un par de adivinanzas que serán las únicas que pronuncie en toda la serie: una y media, bah…
. Episodio 4 – La Cuenta Pendiente del Diablo
Una serie de misteriosos asesinatos ocurren en el mundo marginal y la marca de un murciélago en sangre hace que todas las miradas apunten a Batman, excepto la de Gordon. Los mismos, sin embargo, son perpetrados por un culto que adora a un supuesto y malvado dios quiróptero que vive bajo Gotham y ciertas referencias hacen inevitable pensar en La Secta (aquí nuestro análisis), emblemática novela gráfica de Jim Starlin y Bernie Wrightson.
. Episodio 5 – La Mano Espectral
Un científico llamado James Peterson desarrolla y lanza el Proyecto Osiris para resucitar a personas recientemente fallecidas, poniéndolo a prueba con Jim Corrigan, un exdetective de policía caído en prisión que se ofrece como voluntario a cambio de una eventual reducción de su pena. El experimento parece fallar, pero en realidad no es así y el resucitado Corrigan (en obvia referencia al Espectro) sale a buscar venganza y resolver asuntos pendientes en un siniestro episodio navideño con algún guiño a Dickens.
. Episodio 6 – Miedo Repentino
Una serie de muertes de estudiantes universitarios, aparentemente suicidados en medio de intensos ataques de terror, conducen en principio al profesor Charles Burton por tratarse en todos los casos de alumnos de sus clases correspondientes a la materia que él llama química esotérica. El tipo de crimen es fácil de relacionar con el Espantapájaros y, por sus características, apropiado para la reaparición de Harley Quinn, que se convierte en aliada impensada de Batman.
. Episodio 7 – Su Oscuro Reflejo
Tercera aparición del Acertijo que, por primera vez, se identifica con un signo de interrogación en el lugar de sus fechorías. El asesinato de un expolicía devenido en vendedor de flores, a cuyo comercio Eddie cobraba impuestos en nombre de Thorne, lleva a la tímida y recatada hija del mismo a buscar venganza convertida en una irresistible femme fatale. “Bastó un mal día” dirá luego Batman para explicar su actitud, frase que remite inequívocamente a La Broma Asesina.
. Episodio 8 – Hora Cero
Súbitamente están desapareciendo maleantes de las calles y, entre ellos, Thorne. Detrás del asunto se hallan una fábrica de hielo y su particular propietario Mr. Zero, al cual es imposible dejar de relacionar con Mr. Freeze, aunque sus métodos y objetivos sean diferentes. Al estilo La Casa de Cera, está montando su museo privado de criminales congelados, pero no es exactamente un justiciero y Batman deduce correctamente que trabaja para alguien.
Paralelamente, y en homenaje a Frank Miller, vemos a Carrie Kelley brindando a Batman ayuda que no pidió, pero que será decisiva…
. Episodio 9 – Muerto antes del Amanecer
Primera aparición protagónica del Joker después de un par de guiños que lo venían anunciando y clarísimo homenaje a la presentación del personaje en los cómics de Batman allá por 1940.
Al igual que en los mismos, amenaza con asesinar a alguien a medianoche, en aquel caso el magnate Henry Claridge y en este el alcalde Jessop. Ello genera un operativo de seguridad destinado a proteger a este último, pero Batman teme que el Joker se las componga de todas formas para cumplir su amenaza.
. Episodio 10 – La Risa Mortal
Ya con el Joker como nuevo rey del mundo criminal, Batman consigue establecer que el modus operandi de este consiste en inyectar en las víctimas una toxina que, introducida en los cuerpos, se transforma luego en un gas que liberan los mismos al morir y que genera por toda la ciudad una epidemia de risa mortal comenzando con el propio Departamento de Policía.
El enfrentamiento entre Batman y el Joker es clave en la definición del capítulo y de la temporada, remitiendo nuevamente algunos diálogos a La Broma Asesina y dejando en claro el Joker que no persigue más objetivo que acabar con el orden y hacer arder todo, además de insistir en que Batman y él son lo mismo: dos monstruos para la sociedad. Y el final deja un interrogante de cara a la tercera temporada…
En conclusión, y aun con lo buena que la primera temporada de Batman: Caped Crusader había sido, esta segunda eleva el nivel y da un paso más de audacia en su tono oscuro y sombrío, acompañado ello con una mayor acción y una gran animación, además de introducir al villano que tal vez más queríamos ver en formato noir.
Más allá de la consabida y clásica destrucción de claraboyas y ventanas, Bruce Timm no se repite ni cae en la nostalgia por la serie que en los noventa él mismo creara, sino que, por el contrario, vuelve a demostrar su capacidad para reinventar una y mil veces al personaje en una verdadera lección de la que ojalá aprendiera mucho del errático cine superheroico de hoy en día. Porque al igual que al otro Bruce, a este tampoco pareciera entrarle una sola bala…
Que haya tercera temporada. Y cuarta. Hasta la próxima y sean felices.
Bienvenido un mes más a vuestra sección preferida. Como todos los meses, os dejamos dos cómics recomendados por crítico que salen a la venta este mes en España. Espero que os puedan sacar alguna duda y podamos guiarlos con alguna joya. También os recuerdo que es nuestra opinión personal y puede no coincidir con la vuestra. Allá vamos con La lista de la compra del mes de agosto de 2026.
Mario Losada
1. The Flash de Mark Waid. Panini /SD Ediciones. 54€. Cuando «murió» (ya sabéis que las muertes en los cómics nunca son eternas) el «primer» flash, Barry Allen (Qué tampoco fue el primero) en Crisis en Tierras Infinitas, su relevo lo cogió Wally West y empezaron las aventuras de este joven héroe creando su propio subuniverso. Pero todo cambió (a mejor) cuando las riendas de la colección las cogió el escritor Mark Waid a partir del 62 de la edición americana. Y en eso estamos, en este primer tomo con esos primeros números.
2. DC Must-Have. Superman Legado. Panini cómics. 32€. Oye pues mira, de todas las historias que redefinen al personaje, al hombre de acero, esta es una de las más interesantes. A los lápices está el correcto Leinil Francis Yu, que vale, que no está mal, pero a los guiones vuelve «el hombre», vuelve Mark Waid, al que ya he hecho referencia en el «The Flash de Mark Waid». Un tomo de gran calidad que recomiendo en todas las comitecas.
Carlos María Porras
El Castigador 1. Panini cómics. 6,50€. La peor pesadilla del crimen ha regresado con una nueva serie. Tan implacable e inflexible como siempre, Frank Castle tiene la memoria dañada y busca respuestas y criminales por igual. Se encontrará con mucho más de lo que esperaba después de que el infame y sanguinario Puzzle regrese… ¡con El Castigador en el punto de mira!
2. Capitán América 15. Marvel Saga TPB. Panini cómics. 17,50€. Lloro de pena. Último tomo. El fin de la memorable etapa de Ed Brubaker al frente del Capitán América. Un grupo de antiguos villanos pasan al programa de protección de testigos, a la par que se produce el regreso de un viejo enemigo, de un antiguo amor y del artista con el que empezó esta increíble época: Steve Epting.
DAve Solis
Dick Tracy 1951-1952. Dolmen Editorial. 32,90€. Este volumen continúa directamente el tomo anterior de la etapa clásica de Dick Tracy dentro de la Colección Sin Fronteras, centrándose en las tiras publicadas entre 1951 y 1952. La sinopsis remarca que, en los albores de los años cincuenta, las calles se vuelven más peligrosas que nunca, arrastrando a Dick Tracy a una espiral de violencia sin precedentes, donde cada caso es prácticamente una batalla a vida o muerte. El libro promete tiroteos, persecuciones, pistas falsas y hasta la aparición de un bebé dentro de la trama, subrayando ese tono de thriller policial continuo que caracteriza a la serie. En el plano gráfico, se insiste en que Chester Gould, ya consagrado y en plena cúspide creativa, depura un dibujo expresivo de fuertes contrastes que roza el film noir más descarnado, acercando el cómic a la atmósfera del cine negro clásico.
2. El archivo de Stamfordb Hawksmoor. Astiberri Ediciones. 27€. Es una novela gráfica policial y política ambientada en una ucronía victoriana ocupada por Francia, donde el detective Stamford Hawksmoor persigue una cadena de asesinatos que esconden una conspiración de gran alcance.
La historia transcurre en los últimos días de la ocupación francesa de Gran Bretaña, en una Londres alternativa de calles empedradas, farolas de gas y callejones sórdidos, con una atmósfera entre el noir clásico y la ciencia ficción retro.
En ese contexto opresivo, el detective Stamford Hawksmoor investiga una ola de crímenes aparentemente inconexos que va desde muertes aleatorias hasta atentados políticos selectivos.
A medida que Hawksmoor profundiza en el caso, descubre que detrás de los asesinatos hay antagonistas desconocidos y fuerzas políticas que operan en la sombra. La investigación le obliga a asumir riesgos cada vez mayores, moverse en el límite de la legalidad y enfrentarse al escrutinio de una temida brigada antiterrorista que vigila cada uno de sus pasos.
Durante años, el género de fantasía épica ha vivido marcado por la influencia de grandes sagas donde reyes, criaturas legendarias y guerras imposibles ocupan el centro de la historia. Servitud, escrita por Fabrice David y dibujada por Eric Bourgier, parte de esos elementos reconocibles para construir algo diferente: los humanos viven en una época en el que los antiguos poderes empiezan a desaparecer. Esta idea permite que la saga tenga una atmósfera más melancólica. No estamos ante el nacimiento de una leyenda, sino ante el final de un mundo legendario.
El gran atractivo visual de la obra reside en el trabajo de Eric Bourgier. Su dibujo transmite una constante sensación de grandeza, especialmente en la representación de escenarios, armaduras y criaturas, así como en aquellos momentos donde la historia alcanza su mayor espectacularidad. Cada página está cuidada al mínimo detalle, construyendo un universo visualmente impactante y lleno de personalidad.
La saga no utiliza su enorme mitología como una simple excusa para acumular criaturas y batallas, sino como una forma de hablar sobre temas más humanos: la ambición, la pérdida, la identidad y la necesidad de encontrar un propósito. Esa perspectiva hace que la historia tenga más profundidad, aunque también exige paciencia al lector. Servitud no es un cómic que entregue todas sus respuestas rápidamente; construye su mundo poco a poco y recompensa más a quienes disfrutan de las historias complejas.
La edición integral publicada por Norma Editorial permite descubrir la saga completa en un único volumen y recuperar una obra que siempre ha destacado más por su ambición que por su facilidad de lectura. Servitud es una de esas obras que recuerdan que la fantasía europea puede ofrecer propuestas ambiciosas y aventuras complejas, densas y disfrutonas. Una oportunidad única para tenerlo en tu librería ya que esta serie estaba descatalogada… no te pierdas la tuya.
Daniel Warren Johnson continúa demostrando que la fantasía no necesita grandes explicaciones para emocionar. La mezcla de aventura, imaginación y sentimientos funciona como un tiro al combinarlos con una historia donde los monstruos y los mundos imposibles sirven como reflejo de algo mucho más humano: el amor y la necesidad de proteger a quienes más queremos.
Esta conclusión mantiene una de las mayores virtudes de la serie: su capacidad para combinar una aventura espectacular con una historia cercana. Detrás de las criaturas, los combates y los escenarios fantásticos encontramos una historia sobre la familia, la pérdida y la fuerza necesaria para seguir adelante cuando todo parece perdido.
El gran atractivo visual vuelve a estar en el dibujo de Riley Rossmo y el color de Mike Spicer. Cada página transmite energía, movimiento e imaginación, creando un universo lleno de diseños sorprendentes y momentos que parecen sacados de un sueño. La espectacularidad nunca está vacía, ya que cada elemento visual ayuda a reforzar las emociones de los personajes. Una edición imprescindible para quienes buscan un cómic diferente, lleno de personalidad y con una enorme capacidad para emocionar. Una pequeña joya que mezcla acción, fantasía y sentimiento a partes iguales.
Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.
