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¿Salvará el streaming la taquilla de He-Man y los Masters del Universo?

Hay algo maravilloso en la historia de He-Man y los Masters del Universo. Un día alguien decidió que un muñeco con músculos imposibles y espada mágica necesitaba tener una mitología propia. Y funcionó. Pero en el cine no le está yendo bien, ¿pero le podrá ir mejor en streaming? La pregunta es ¿salvará el streaming la taquilla de He-Man y los Masters del Universo?

Pero empecemos por el principio porque He-Man no fue solo un juguete. Fue una de esas criaturas ochenteras que se colaron en la cultura popular a base de repetirse en patios de colegio, meriendas con bocadillos de Nocilla y tardes viendo dibujos mientras los adultos intentaban entender por qué un hombre vestido de cuero e hipermusculado gritaba ¡Por el poder de Grayskull!. Tenemos que entender que nuestros padres (o abuelos) no tenían la mentalidad actual.

Ahora Hollywood vuelve a Eternia con una nueva película y aparece la gran pregunta: ¿puede el streaming salvar la taquilla de He-Man?

La respuesta corta es que puede ayudar. Pero no puede hacer magia.

He-Man y los Masters del Universo (2026): El blockbuster cautivador y nostálgico que Eternia merecía

Un señor rubio con músculos imposibles, un calzón sospechoso, una espada mágica y un tigre verde gigante como mascota. Si alguien presentara esto hoy en una reunión de ejecutivos, probablemente acabaría despedido antes del café.

Y sin embargo aquí seguimos hablando de él casi cincuenta años después. Eso ya dice mucho.

Porque Masters del Universo no sobrevivió por casualidad. Sobrevivió porque en los años 80 entendieron algo muy sencillo, ya que a los niños les da igual que una historia sea ridícula si es capaz de hacerles imaginar.

Y He-Man imaginaba a lo grande.

Castillos, monstruos, magia, planetas imposibles y un villano con un cráneo humano.

El problema es que ahora las cosas han cambiado.

Antes una película podía relanzar un juguete. Ahora una película tiene que competir contra videojuegos, redes sociales y una cantidad de series tan enorme que uno necesita pedir vacaciones para ponerse al día.

¿Salvará el streaming la taquilla de He-Man y los Masters del Universo?

Aquí entra el streaming. Y la verdad es que ha demostrado ser una máquina bastante buena para resucitar cadáveres culturales.

Mira lo que pasó con Cobra Kai. Una saga que muchos daban por enterrada volvió con fuerza gracias a una serie que entendió correctamente la nostalgia.

Pero una película necesita ser un acontecimiento. No vale con que un señor de cuarenta o cincuenta años diga que él tenía ese muñeco. Eso ayuda, claro. Pero también hace falta que un chaval de doce años vea a He-Man y piense que él también quiere jugar a eso. Ahí está la clave.

La nueva película entiende que He-Man no es solamente músculos y frases gritadas al viento, pero  no ha funcionado, porque no ha llegado al niño de 12 años. Sin ser mala película parece que no ha calado en el cine y en streaming no pinta bien la cosa, aunque algo mejorará, eso seguro.

¿Salvará el streaming la taquilla de He-Man?

Probablemente no por sí solo. Pero puede hacer algo más importante, volver a poner en boca de todo el mundo la película de He-Man y los masters del Universo, aunque sea porque la hayan visto en streaming, porque al cine no ha ido casi nadie.

Y a veces eso es justo lo que necesita una franquicia, aunque como en este caso, sea demasiado tarde.

Un saludo y sed felices.

De la supervivencia al tedio. ¿Por qué Greenland 2 no logra repetir el impacto de la original?

Cuando en 2020 se estrenó la primera entrega de Greenland, muchos nos encontramos con una grata sorpresa. Lejos de ser la típica fantochada de acción inverosímil a la que nos tiene acostumbrados Gerard Butler, aquella película logró transmitir una tensión asfixiante y muy real sobre el fin del mundo, centrándose en el drama humano y en la desesperación de una familia por conseguir un billete hacia la salvación.

Con el listón relativamente alto y tras una larga espera, por fin ha llegado a Prime Video su secuela, Greenland: Migration (Greenland 2). Sin embargo, tras el subidón inicial de volver a este universo postapocalíptico, la cruda realidad es que esta continuación se desinfla a marchas forzadas, convirtiéndose en una experiencia bastante cuesta arriba y, para qué engañarnos, por momentos un poco rollera.

La trama arranca justo donde la lógica dictaba: la familia Garrity se ve obligada a abandonar la seguridad de su búnker para enfrentarse a una Europa completamente devastada, congelada y hostil. Su objetivo en esta ocasión es cruzar el continente en busca de un oasis de esperanza bautizado como ‘El Cráter’, una zona en Francia donde, según los rumores, la civilización ha conseguido mantener una preocupante pero funcional ‘normalidad‘.

Lo que prometía ser una odisea de ciencia ficción y reconstrucción termina convirtiéndose en un tortuoso viaje de supervivencia que se topa de frente con la peor faceta del ser humano. Nada nuevo en el horizonte.

A continuación, desgranamos los puntos clave de por qué esta secuela no termina de arrancar y aviso que el artículo tiene spoilers importantes.


Oasis (Netflix). Un espejismo de lujo, adolescentes caprichosos, y un misterio que no termina de arrancar


1. El cambio de escala: de la catástrofe global a la guerrilla europea

El principal problema de Greenland 2 es que pierde la escala global y la urgencia que hacía única a la primera parte. Al pasar de la espectacular e inminente caída de un meteorito a una especie de road movie postapocalíptica militarizada, la película se vuelve extrañamente genérica. La travesía de los Garrity por el Reino Unido y Francia los sumerge en un tablero de juego lleno de facciones insurgentes y conflictos armados locales.

Esta decisión estira el metraje de forma innecesaria, transformando una potente historia de catástrofes en un drama bélico de guerrillas que ya hemos visto mil veces y mejor contado en otras producciones del género. Greenland 2 se convierte en una repetición con un final que pretende darnos algo en lo que reflexionar, pero que suena tan a libro de autoayuda que lo paras tras la primera frase.

Greenland 2

2. La quimera del Cráter y el choque con la realidad

Todo el motor de la película es la búsqueda de ese místico enclave en tierras francesas. La idea de un refugio donde la vida sigue su curso normal actúa como el faro de esperanza para los protagonistas, pero el camino para llegar allí está plagado de baches narrativos. En lugar de explorar a fondo el misterio de este lugar o la ciencia detrás de su supervivencia, el guion prefiere enredarse en los constantes bloqueos, emboscadas y controles de carretera de los insurgentes.

El viaje se vuelve repetitivo: la familia avanza, es capturada o tiroteada, escapa por los pelos y vuelta a empezar, restando así frescura a la mitología que intentan construir. Un bucle tedioso que hace que Greenland 2 sea muy previsible. A esto se le une un final al que solo calificaré de desafortunado, pero que contribuye en gran medida a que la película vaya directa al cajón de las olvidables.

3. Un bajón de ritmo considerable

Si la primera entrega era un torbellino de ritmo donde no podías apartar los ojos de la pantalla por la inminencia del impacto, en Greenland 2 las cosas se toman un tempo excesivamente lento. La atmósfera opresiva y gris de una Europa en ruinas está bien lograda visualmente, pero las conversaciones se alargan más de la cuenta y las situaciones de peligro carecen de la garra y el suspense de antaño.

La sensación de peligro inminente se sustituye por un tedio constante; la película se estanca en su tramo central y avanza a trompicones, haciendo que el espectador mire el reloj más veces de las deseadas esperando que pase algo verdaderamente relevante.

Greenland 2

4. El factor dramático: Una enfermedad que apaga la pantalla

Para intentar mantener el ancla emocional, Greenland 2 introduce una subtrama médica de peso: el padre de la familia arrastra una grave enfermedad que va mermando sus fuerzas a lo largo del metraje. Aunque la intención es obviamente añadir una capa de vulnerabilidad y sacrificio mutuo mientras se asume que posiblemente no termine la película con vida, el resultado en pantalla acaba resultando bastante desmotivador y pesado, haciéndote sentir un bajón que no motiva para seguir viéndola.

En lugar de generar una tensión dramática que sume puntos a la épica de la supervivencia, la constante debilidad del protagonista arrastra el ritmo de la propia película, volviéndola aún más melancólica y gris de lo que ya de por sí es su ambientación. Es una película triste, donde la esperanza acaba diluida a cada paso que la familia avanza en su viaje y que curiosamente resurge en el momento más trágico de la historia.

Conclusión. Greenland 2 es una secuela que se queda a medio gas

En definitiva, Greenland 2 es el claro ejemplo de que, a veces, una buena película de supervivencia no necesita estirarse con una franquicia. Lo que en la cinta original era tensión pura y empatía directa hacia unos personajes al límite, aquí se diluye en un conflicto geopolítico de baja intensidad y un drama familiar que peca de monótono.

No es que sea una película desastrosa y seguramente los fans menos exigentes del género encontrarán algún incentivo en el diseño de producción postapocalíptico, pero se queda muy lejos de la frescura de su predecesora. Una opción pasable para poner de fondo una tarde de domingo si no tienes nada mejor en el catálogo, y que olvidarás al segundo.

Un saludo, y sed felices.

Las reacciones tras el pre-estreno de Supergirl van desde «una pasada» y «genial» hasta «aburrida» y «decepcionante»

Anoche, un grupo más amplio de críticos tuvo la oportunidad de ver Supergirl, lo que significa que ya tenemos una nueva ronda de reacciones. Sin embargo, en esta ocasión, las opiniones son más bien mixtas o negativas. Veamos lo que han dicho en el pre-estreno de Supergirl.

Las primeras reacciones fueron, en su mayoría, muy positivas, aunque también hubo más críticas de las que cabría esperar en esa primera oleada de veredictos entusiastas de la prensa acreditada en la rueda de prensa.

Desde entonces, han seguido recibiendo comentarios de miembros de la prensa que han visto la película en primicia, pero tras el estreno mundial de anoche se han sumado opiniones de un abanico más amplio de críticos. Es fundamental destacar que la gran mayoría de estas opiniones provienen de críticos acreditados en Rotten Tomatoes, lo que significa que probablemente contribuirán a esa puntuación porcentual tan importante cuando se levante el embargo de críticas el jueves.

pre-estreno de Supergirl

Algunas reacciones son muy positivas, pero la mayoría se sitúan entre mixtas y negativas. Aunque Milly Alcock sigue recibiendo elogios por su interpretación de Kara Zor-El, la historia y el guion siguen siendo objeto de críticas (lo cual resulta un poco preocupante, teniendo en cuenta que la guionista de Supergirl, Ana Nogueira, ha sido elegida para escribir Wonder Woman y Teen Titans).

También hay comparaciones poco halagüeñas con Guardianes de la Galaxia, y la mayor sorpresa es que la interpretación de Jason Momoa como Lobo se considera «vergonzosa». Al parecer, las secuencias de acción tampoco están a la altura.

En el lado positivo, Supergirl es aclamada como una fascinante historia paralela de Woman of Tomorrow y una ópera espacial al estilo western de ritmo trepidante. Así pues, a algunos les encanta, a otros les horroriza y muchos se sitúan en un término medio.

Tráiler final y ensalada de pósteres de Supergirl

Un saludo y sed felices.

Se estrena en Disney+: Hoppers, esperando la resurrección de Pixar

Con cada nuevo estreno de Pixar surge inevitablemente la misma pregunta: ¿volverá el estudio a alcanzar el nivel creativo que lo convirtió en un referente absoluto de la animación? Hoppers, dirigida por Daniel Chong, responde a esa pregunta con una mezcla de ideas prometedoras y una ejecución que, una vez más, se queda a medio camino. Aunque parte de una premisa original y encierra algunos temas interesantes, el resultado final evidencia a una compañía cada vez más cómoda con la repetición de fórmulas conocidas.

Una premisa con más potencial que desarrollo

La historia sigue a Mabel, una joven apasionada por los animales que utiliza una tecnología capaz de transferir su conciencia a un castor robótico para infiltrarse en el reino animal. Allí descubrirá una amenaza que pone en peligro el ecosistema y deberá colaborar con sus habitantes para detenerla. Sobre el papel, la combinación de ciencia ficción, aventura y discurso ambiental apunta a un terreno fértil. En pantalla, sin embargo, la película rara vez va más allá de la superficie (algo que sí lograba la divertida comedía romántica Elemental).

La película no consigue aprovechar todo el potencial de su premisa. El guion recurre constantemente a esquemas narrativos familiares y a personajes construidos a partir de arquetipos demasiado reconocibles. La protagonista responde al modelo de adolescente impulsiva en búsqueda de identidad que Pixar lleva años repitiendo. La historia insiste en recorrer caminos ya transitados, mientras el conflicto principal avanza con una previsibilidad que diluye cualquier atisbo de tensión dramática. Todo resulta funcional, correcto, reconocible… y precisamente por eso, inerte.

Incluso cuando la película acierta en la construcción de su mundo, termina por desaprovecharlo. La elección del castor como figura central —un auténtico “ingeniero de ecosistemas” capaz de transformar su entorno mediante presas que favorecen la biodiversidad— contiene una riqueza conceptual evidente. Es una idea que podría haber sostenido una obra mucho más ambiciosa, pero Hoppers se limita a enunciarla sin extraer consecuencias narrativas de peso. Sus posibilidades podrían haber dado lugar a una película mucho más audaz; sin embargo, la cinta se conforma con mencionarlas de pasada, sin extraer de ellas consecuencias verdaderamente originales.

Hoppers

Una historia atrapada en fórmulas conocidas

El guion apenas explora estas posibilidades. En lugar de aprovechar las particularidades de cada especie para enriquecer el mundo que presenta o desarrollar situaciones cómicas con personalidad propia, opta por uniformar a sus habitantes bajo comportamientos y diálogos demasiado similares. El resultado es un universo animal simplificado en exceso, apoyado además en un humor irregular y en referencias contemporáneas que probablemente envejezcan con rapidez.

El mensaje ecologista constituye otro de los pilares de la obra. La película defiende la protección del medio ambiente y critica los intereses económicos que amenazan los ecosistemas naturales. No obstante, la exposición de estas ideas resulta demasiado simplista, ya que articula el conflicto desde un esquema básico que termina por desactivar cualquier complejidad. Más que construir una reflexión profunda, Hoppers prefiere presentar una oposición mecánica entre buenos y malos, sin espacio para matices ni ambigüedad moral.

Tampoco la puesta en escena alcanza la excelencia visual asociada tradicionalmente al estudio. La animación mantiene un nivel técnico notable, pero la dirección artística carece del asombro y la personalidad de otras producciones de Pixar (aquí tienes un listado con sus mejores películas). Los escenarios naturales cumplen su función, aunque rara vez generan una verdadera sensación de descubrimiento o maravilla, esa que la historia parece perseguir. Aquí todo funciona, pero pocas cosas sorprenden.

Un ritmo irregular que lastra la aventura

El ritmo tampoco acompaña. La parte central se diluye en secuencias de transición sin peso narrativo, mientras que una planificación visual demasiado plana resta méritos a su atractivo visual. La sensación dominante es la de una película que rellena espacio en lugar de construir una progresión sólida, con números de baile innecesarios y un humor que rara vez encuentra el tono adecuado (como si conseguía la deliciosa fábula que era Luca).

Esta acumulación de desatinos narrativos termina por desinflar el interés del espectador, que decae irremediablemente a medida que avanza la trama. El ritmo poco fluido rompe el tono más íntimo de la historia para desembocar en un clímax ruidoso y exagerado.

Disney y pixar

El problema de repetir el mismo molde

En el terreno narrativo, Hoppers se apoya en un repertorio de fórmulas demasiado conocido: sus ideas resuenan como un refrito agotador de los tropos más utilizados por la compañía. La protagonista adolescente intensa e insegura que busca su lugar en el mundo, la abuela entrañable destinada a aportar el típico flashback lacrimógeno y un villano unidimensional carente de vida y matices forman un conjunto demasiado familiar.

Pixar parece instalada en una zona de confort narrativa, donde las historias se repiten con pequeñas variaciones sin verdadero riesgo creativo. Una estructura repetida hasta el agotamiento que ofrece tramas construidas a partir de ideas ya conocidas. Hoppers se apoya en un repertorio de fórmulas demasiado reconocible: ya no hay suficiente riesgo, sorpresa ni voluntad de desviarse del molde.

Aun con todas sus limitaciones, Hoppers no es una mala película. Conserva suficiente energía, humor y encanto para entretener al público familiar y ofrece algunas ideas interesantes que la distinguen de otros productos animados recientes. Sin embargo, también confirma la sensación de que Pixar (lejos de la aventura espacial Lightyear) atraviesa una etapa de conformismo creativo en la que la solvencia técnica ya no siempre viene acompañada de la ambición narrativa que definió sus mejores años.

Hoppers no fracasa ni sorprende. Simplemente avanza sin dejar huella. Y en el contexto de un estudio que construyó su legado sobre la emoción y la innovación, esa tibieza se convierte en su mayor problema.

pixar

Conclusión

En definitiva, Hoppers es una aventura agradable, bienintencionada y ocasionalmente inspirada, pero incapaz de alcanzar el nivel de emoción, originalidad y profundidad de sus mejores obras. A pesar de sus limitaciones, sigue siendo una propuesta entretenida para el público familiar y una muestra de que Pixar conserva parte de su talento, aunque cada vez más lejos de la excelencia que definió su edad de oro. Sigue siendo, en cualquier caso, una película animada recomendable para disfrutar en Disney+.

¿Quién mató al turista de la bañera? ‘Si es martes, es asesinato’ el puzle perfecto para tu fin de semana

A todos nos pasa. Abres tu plataforma de streaming favorita un domingo por la tarde, te pones a hacer scroll infinito y, de repente, te das cuenta de que llevas meses ignorando una de esas joyas que se estrenaron haciendo ruido pero que, con el ritmo frenético de la televisión actual, han quedado sepultadas por nuevos lanzamientos.

Eso es exactamente lo que le está pasando a muchos con Si es martes, es asesinato, la comedia negra de misterio de Disney+ que llegó hace unos meses para demostrar que el producto nacional no tiene nada que envidiarle a las grandes superproducciones norteamericanas del género whodunit.

La fórmula del misterio clásico con detectives aficionados se traslada a las decadentes y hermosas calles de Lisboa en una propuesta de siete episodios que te va a atrapar desde el primer minuto. ¿La premisa? Un grupo de turistas españoles viaja en un tour organizado a Portugal. Lo que prometía ser una semana de fotos en el tranvía y pasteles de Belém se tuerce drásticamente cuando, a la mañana siguiente de llegar, uno de los viajeros aparece muerto en la bañera de un hotel bastante cochambroso.

A partir de ahí, la policía local quiere dar carpetazo rápido, pero cuatro de los turistas deciden que es el momento de poner en práctica todo lo aprendido en sus lecturas. ¿El principal problema? Que todas las pistas apuntan a que el asesino viaja con ellos en el mismo autobús.


Las siete esferas de Agatha Christie (2026). Mucho ruido y pocas nueces.

Crítica de La pareja perfecta. Una adictiva serie de misterio en la que descubrir los secretos de los ricos


Si es martes, es asesinato: un homenaje inteligente al misterio clásico (sin oler a naftalina)

Detrás de este proyecto se encuentra la mente de Carlos Vila, a quien muchos recordaréis por ser el creador de Los misterios de Laura. Vila sabe perfectamente cómo funciona el engranaje de un buen misterio de ‘habitación cerrada’. Sin embargo, lo mejor de Si es martes, es asesinato es que huye del tono solemne y oscuro de los thrillers nórdicos actuales para abrazar el espíritu de Agatha Christie desde una perspectiva moderna, desenfadada y muy nuestra.

La serie juega constantemente con los tropos del género; los protagonistas no son profesionales, meten la pata, se meten en líos con las autoridades locales y sospechan de todo el mundo basándose en teorías delirantes sacadas de sus libros favoritos. Este enfoque hace que el espectador juegue a la vez que ellos, intentando encajar las piezas de un puzle que está deliciosamente bien diseñado.

Si es martes, es asesinato

Lo verdaderamente brillante de este homenaje es cómo la narrativa consigue desmitificar la figura del detective infalible. Aquí no hay mentes privilegiadas ni lupas analizando huellas dactilares con precisión científica; lo que hay es pura intuición caótica, discusiones absurdas a bordo de un autobús de línea y una obsesión enfermiza por aplicar la lógica de los libros de bolsillo a crímenes del mundo real.

La serie se ríe con mucho cariño de nosotros mismos, los devoradores de novela negra, atrapando al espectador en un juego de espejos donde el verdadero placer no es solo descubrir la identidad del culpable, sino ver cómo este grupo de aficionados estropea la investigación oficial una y otra vez con sus disparatadas deducciones.

El costumbrismo español como motor de la comedia

Hacer una buena comedia de misterio es jodido. Si te pasas con los chistes, rompes la tensión; si te pones demasiado dramático, aburres. La serie encuentra su equilibrio perfecto en el retrato de sus personajes. Cualquiera que haya viajado alguna vez en un circuito organizado reconocerá al instante la fauna que puebla este autocar: tensiones ocultas, falsas apariencias, matrimonios al borde del colapso y dinámicas incómodas entre desconocidos que se ven obligados a compartir mesa y mantel.

El guion aprovecha esta convivencia forzada para desplegar un humor negro brillante que no busca la carcajada fácil e histriónica, sino la sonrisa cómplice ante situaciones ridículas. Ver a este grupo intentar disimular sus secretos mutuos mientras visitan los monumentos más turísticos de Lisboa es una delicia.

Ese costumbrismo tan nuestro funciona como el verdadero pegamento de la historia porque humaniza el crimen. Las miserias cotidianas de los personajes, la envidia por el buffet del hotel, las quejas por las cuestas de la ciudad o las discusiones por el asiento del autobús, se entrelazan de forma magistral con la gravedad de tener a un asesino a menos de dos asientos de distancia.

Este choque constante entre lo extraordinario del asesinato y lo mundano de un viaje del IMSERSO, o un tour de bajo coste, genera una atmósfera única, donde la tensión se corta con un cuchillo pero siempre con espacio para el chascarrillo y la ironía castiza.

Un reparto coral que funciona como un reloj suizo

Una serie de estas características se cae con todo el equipo si el espectador no compra a los sospechosos. Por suerte, el casting es impecable. Contar con nombres de la talla de Inma Cuesta, Álex García o la inmensa Ana Wagener es jugar sobre seguro. Consiguen dotar a sus personajes de una tridimensionalidad fantástica: bajo la superficie de turistas corrientes se esconden capas de secretos, mentiras y pasados cruzados que se van desvelando con cuentagotas, haciendo que tus sospechas cambien de bando al final de cada episodio.

Si es martes es asesinato

Mención especial merece la química del grupo de ‘detectives improvisados’, que consiguen que te importen sus motivaciones personales tanto o más que el propio caso del asesinato. El acierto del elenco radica en que ninguno de ellos intenta eclipsar al resto, permitiendo que la trama funcione como una coreografía perfecta donde el sospechoso de hace diez minutos se convierte en la víctima o en el aliado más inesperado del siguiente bloque.

Los actores entienden a la perfección el tono de la serie, moviéndose con una soltura envidiable entre el patetismo cómico de verse atrapados en una investigación ilegal y el terror genuino de saber que cualquiera de sus compañeros de viaje podría silenciarlos para siempre. Es ese delicado equilibrio interpretativo el que eleva la producción y nos regala algunos de los mejores duelos dialécticos de la temporada televisiva.

¿Vale la pena el viaje?

Rotundamente sí. Si es martes, es asesinato destaca por méritos propios en el saturado catálogo actual. Es una serie fresca, muy bien dirigida por Salvador Calvo y Abigail Schaaff, que aprovecha visualmente la luz y los rincones de Lisboa para alejarse de los platós oscuros tradicionales. Con un ritmo ágil y unos giros de guion colocados con precisión quirúrgica, cumple de sobra con el objetivo principal de cualquier buen whodunit: mantenerte enganchado teorizando con quién es el culpable hasta el último maldito segundo. Si aún la tienes pendiente, hazte un favor, prepara las palomitas y dale una oportunidad el próximo fin de semana.

Darle una oportunidad a esta ficción es también premiar una forma de hacer televisión que no necesita de fuegos artificiales ni de presupuestos milmillonarios para ofrecer un entretenimiento de primerísima calidad. En una época donde los algoritmos nos bombardean con historias idénticas cortadas por el mismo patrón, se agradece una propuesta con sabor local que respete la inteligencia del público y ofrezca un misterio redondo, cerrado y sumamente gratificante.

Así que ya lo sabes: aparca los prejuicios, súbete a este autobús turístico maldito y déjate llevar por una de las intrigas más divertidas y adictivas del año.

Consejos para comprar el mejor mazo de cartas de pokemon

Adquirir un buen mazo de cartas Pokémon parece sencillo de primeras, pero la realidad no siempre es así. Y es que resulta necesario entender el mercado, conocer los tipos de productos disponibles y plantear bien el objetivo que se persigue. Comprar cartas para jugar de forma competitiva no tiene nada que ver con coleccionar o con considerarlas una inversión a largo plazo.

En un entorno donde se suceden las ediciones, reediciones y productos especiales, tomar una decisión informada resulta clave para evitar errores y sacar verdadero partido a cada compra. Y es que muchas personas tienden a cometer errores muy comunes a la hora de buscar un mazo.

En este texto se van a presentar una serie de consejos prácticos con el objetivo de elegir el mejor mazo posible. Son recomendaciones tanto para principiantes como para todas aquellas personas que tienen experiencia en el mundo del JCC Pokémon.

1. Define tu objetivo antes de comprar

El primer paso es definir para qué se quiere el mazo, ya que esto va a condicionar el resto de decisiones.

Si el objetivo es jugar, el grupo de cartas debe ser equilibrado, estar listo para usar y cumplir con las reglas actuales de competición. En cambio, si hablamos de formar una colección, el valor radica en la rareza, la edición y el estado de conservación del producto. En último caso, si se trata de una inversión, la estrategia cambia totalmente, ya que se priorizan ediciones limitadas, primeras tiradas o sets con posibilidad de revalorizarse.

Clarificar el propósito evita compras impulsivas y ayuda a filtrar opciones desde el principio.

2. Conoce los tipos de mazos disponibles

El universo de Pokémon JCC cuenta con diferentes formatos de compra y cada uno de ellos tiene sus propias ventajas.

Los mazos temáticos cuentan con la ventaja de que están preparados para aprender a jugar y suelen estar equilibrados. Los sobres de expansión presentan cartas aleatorias, algo que resulta más arriesgado pero que aporta bastante emoción. Por último, las Elite Trainer Box (ETB) ofrecen una experiencia más completa, ya que incluyen sobres, accesorios y cartas promocionales.

Los mazos preconstruidos de ediciones especiales son también una buena opción. Cuentan con el valor añadido de poder ser utilizados tanto para jugar como para coleccionar. Si se entienden esas diferencias, se puede elegir el producto adecuado en función del objetivo.

mazo de cartas de pokemon

3. Verifica la autenticidad y la edición

Uno de los errores más habituales, sobre todo entre principiantes, es no llevar a cabo una comprobación de la autenticidad del producto. El mercado de cartas Pokémon ha crecido tanto que, como es lógico, también han ganado terreno las falsificaciones.

Hay que destacar que resulta importante comprar en tiendas oficiales o vendedores con buena reputación. Por otra parte, revisar detalles como el acabado de las cartas, la calidad de la impresión o el sellado del producto puede evitar muchos problemas.

Otro aspecto clave es la edición. No todas las cartas tienen la misma relevancia ni el mismo valor. Algunas son de series limitadas o pertenecen a expansiones que ya no vuelven a ponerse en el mercado. Esto aumenta su interés con el paso del tiempo.

4. Estado de conservación: un factor decisivo

El estado físico de las cartas tiene una gran relevancia en su valor, especialmente si se observa desde el punto de vista de un coleccionista. Una carta en buen estado puede alcanzar un precio muy superior al de otra idéntica pero más desgastada.

Al comprar un mazo cerrado, es importante comprobar que el embalaje no esté manipulado ni dañado. En el caso de cartas sueltas, detalles como esquinas, bordes, centrado de la impresión y posibles arañazos son fundamentales.

Además, conviene almacenar las cartas correctamente desde el primer momento, utilizando fundas protectoras y evitando la exposición directa a la luz o la humedad.

5. Relación calidad-precio y canales de compra

Lo caro no siempre es lo mejor. Es necesario analizar la relación calidad-precio para poder llevar a cabo una compra inteligente. La comparación de precios entre tiendas físicas, vendedores online y comunidades de coleccionistas puede acabar marcando una gran diferencia. Los packs especiales, en ocasiones, ofrecen un valor de compra superior al de los sobres individuales.

Por otra parte, es muy aconsejable estar atento a los lanzamientos recientes. Esto se debe a que los precios iniciales suelen mantenerse más estables antes de que la demanda del mercado los modifique.

6. Evita errores comunes al comprar

Uno de los errores más comunes suele centrarse en dejarse llevar por la estética del mazo sin analizar su utilidad o valor real. Otro fallo habitual es comprar sin realizar una investigación previa, lo que puede llevar a pagar precios inflados.

También es importante no confiar en ofertas demasiado buenas para ser verdad, ya que pueden esconder productos falsificados o en mal estado. La paciencia y la información son claves para evitar decisiones precipitadas.

El ‘menú’ del pánico. Analizamos las recomendaciones de terror de Netflix

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Hay algo extrañamente adictivo en el cine de terror que nos hace volver a él una y otra vez, incluso cuando juramos que no volveremos a pasar por ese calvario. El problema es que el menú del suspense actual es tan inmenso que da más miedo perder cuarenta minutos eligiendo película que la propia historia en sí.

Por eso, hoy he decidido hacer un experimento y dejarme guiar a ciegas por el criterio del propio Netflix, que ha publicado recientemente un artículo donde nos recomienda pelis de terror y suspense. Por mi parte, he hecho una recopilación de estas recomendaciones que la plataforma destaca con más fuerza para desmenuzarlas una a una. No son las típicas películas que todo el mundo conoce, así que prepárate para descubrir lo que podría ser tu nueva obsesión.

¿Ha acertado Netflix con estas recomendaciones? ¿Nos regala pesadillas de calidad o nos está vendiendo lo de siempre con otro maquillaje? Ajústate el cinturón, porque nos adentramos en el rincón más oscuro del catálogo para separar el grano de la paja. ¡Que empiece el juego!


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Recomendaciones de terror de Netflix

La clásica historia de terror. El retorcido homenaje italiano que juega con tu mente

A primera vista, el título de esta película italiana ya te lo dice todo, pero cuidado: que sus tópicos familiares no te engañen ni te den una falsa sensación de seguridad, porque el viaje nos va a mantener en vilo hasta el mismísimo final. La premisa arranca con un clásico de manual: cinco desconocidos comparten un viaje en autocaravana por las carreteras italianas. La cosa se tuerce por completo cuando, tras esquivar un obstáculo en mitad de la noche, terminan chocando brutalmente contra un árbol.

El verdadero horror empieza cuando recuperan el conocimiento y salen del vehículo. Para su absoluto desconcierto, la carretera por la que circulaban ha desaparecido por completo; en su lugar, se encuentran atrapados en mitad de un bosque impenetrable y brumoso. Tras vagar sin rumbo buscando una salida, se topan con una solitaria y tétrica cabaña de madera.

recomendaciones de terror de Netflix

Al entrar, descubren un mural espeluznante dedicado a tres antiguas deidades locales que, según la leyenda, prometen riquezas inimaginables a cambio de un sacrificio humano ritual. Y por si la atmósfera no fuera ya lo suficientemente asfixiante, la pesadilla estalla definitivamente antes de que aparezcan los primeros e implacables intrusos enmascarados dispuestos a cazar al grupo.

Esta espeluznante, gore y muy retorcida propuesta está protagonizada por Matilda Lutz, Francesco Russo, y el veterano Peppino Mazzotta. Una recomendación de Netflix que promete jugar de lo lindo con las expectativas del espectador más escéptico.

Clown: El terrorífico debut de Jon Watts donde la nariz roja se pega a la piel

Si pensabas que los payasos ya daban bastante miedo de por sí, espera a ver esta locura. Antes de meterse de lleno en el universo de superhéroes y grandes producciones como Wolfs, el director Jon Watts debutó en el largometraje con esta perturbadora e ingeniosa historia de serie B que narra la odisea de un hombre de familia poseído, literalmente, por un disfraz de payaso maldito. Y sí, habéis leído bien: con su nariz roja, su peluca y todo el pack completo.

La trama nos presenta a Kent McCoy (Andy Powers), un agente inmobiliario y padre modélico que contrata a un animador infantil para la fiesta de cumpleaños de su hijo. Cuando el animador cancela a última hora, Kent decide salvar el día tomando cartas en el asunto: encuentra un disfraz de aspecto bastante dudoso en el sótano de una de las casas que está renovando y no duda en ponérselo.

La fiesta es todo un éxito, pero la auténtica pesadilla empieza cuando los invitados se van. Al intentar desmaquillarse y desvestirse, Kent se da cuenta con horror de que no puede quitárselo: el traje, la peluca y la nariz se han adherido a su piel como si formaran parte de su propio cuerpo.

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A partir de ahí, la transformación física va acompañada de una mutación psicológica brutal. Kent empieza a desarrollar un hambre insaciable y voraz, descubriendo que el maldito traje está conectado a una antigua leyenda nórdica: un demonio devorador de niños llamado el Clöyne. En una angustiosa carrera contrarreloj, el protagonista deberá buscar la forma de romper la maldición y liberarse de la influencia del demonio antes de perder por completo el control y que su propia familia pague el precio final.

Para terminar de redondear este proverbial circo de los horrores, el reparto cuenta con rostros tan solventes como Laura Allen, el mítico Peter Stormare, y el mismísimo rey del gore Eli Roth, quien además ejerce como productor de la película. Una bizarrada sangrienta que te hará mirar las fiestas infantiles con otros ojos.

Creep: El escalofriante metraje encontrado que te hará desconfiar de los desconocidos

Dentro del saturado mundo del terror psicológico, y el formato de metraje encontrado (found footage), hay una pequeña joya independiente que brilla con luz propia por su capacidad para incomodar al espectador con poquísimos recursos. Se trata de Creep, una retorcida e hipnótica bajada a los infiernos de la excentricidad humana que sigue los pasos de Aaron (Patrick Brice), un cámara autónomo que acepta un trabajo aparentemente sencillo tras encontrar un anuncio en internet.

Su encargo consiste en viajar a una remota cabaña en el bosque para filmar un día en la vida de Josef (Mark Duplass). Al llegar, Josef le explica que padece un tumor cerebral inoperable y que su único deseo es dejar un video diario grabado para que su hijo, Buddy (que está a punto de nacer), tenga algo con lo que recordarle cuando él ya no esté.

Suena tierno y conmovedor, ¿verdad? El problema es que, cuanto más tiempo pasa Aaron encerrado en la cabaña con su misterioso cliente, más empieza a dudar de la veracidad de su historia y, sobre todo, de su cordura. El comportamiento de Josef se vuelve cada vez más errático, asfixiante y siniestro. ¿Está diciendo la verdad o esconde algo mucho más oscuro? ¿Y qué demonios pinta esa perturbadora máscara de lobo guardada en el fondo del armario?

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Con una tensión psicológica que se mastica en el ambiente y un sentido del humor negrísimo, Creep juega constantemente con la incomodidad del espectador, demostrando que muchas veces da más miedo una sonrisa forzada en el momento equivocado que el monstruo más sangriento del cine. Y ojo, que si te quedas con ganas de más tras su impactante desenlace, estás de enhorabuena: Netflix nos lo pone en bandeja, porque su brillante secuela, Creep 2, también está disponible para ver en streaming en su catálogo. Una doble sesión obligatoria para las amantes del suspense más tenso, imprevisible y minimalista.

Crítica de Creep: grabando la vida de un extraño

El elixir: El sangriento festín de zombis indonesio que te dejará sin aliento

No sería una buena lista de recomendaciones de terror si nos olvidásemos de los muertos vivientes, pero te aseguro que esta propuesta no se parece en nada al típico drama de caminantes lentos al que estamos acostumbrados. Desde Indonesia, una de las industrias más potentes, salvajes y en forma del cine de género actual, llega El elixir, una trepidante cinta de terror donde los trapos sucios de una familia disfuncional se convierten en la peor de las masacres.

La historia nos mete de lleno en las disputas de un clan familiar que está a punto de saltar por los aires. Todo estalla definitivamente cuando el patriarca, Sadimin (Donny Damara), decide tomarse un elixir experimental con la esperanza de recuperar su juventud. El brebaje funciona de forma milagrosa y espectacular en los primeros minutos, pero el subidón dura poco: acto seguido, el hombre cae fulminado al suelo.

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Sin embargo, antes de que la familia pueda asimilar la tragedia o decidir qué hacer con el cadáver, el cuerpo de Sadimin se reanima de golpe, levantándose como un zombi ultra veloz, rabioso y de mirada completamente muerta. A partir de ahí, el caos se apodera de la pantalla; mientras el patriarca propaga su insaciable sed de carne por toda la ciudad, a esta caótica familia no le quedará más remedio que dejar a un lado sus odios mutuos y aprender a trabajar junta si quiere sobrevivir a la noche.

Detrás de las cámaras se encuentra Kimo Stamboel, lo que nos garantiza un ritmo frenético, coreografías brutales, y unos efectos especiales que os van a revolver el estómago. El reparto se completa con grandes estrellas del cine indonesio como Mikha Tambayong, Eva Celia Latjuba, y Marthino Lio. Si te apetece una buena dosis de adrenalina pura, casquería fina y tensión sin filtros, apunta esta sugerencia de Netflix, porque te va a volar la cabeza.

Casa ajena: El terror sobrenatural se funde con el drama de los refugiados en una obra maestra oculta

Si estáis buscando una película de terror que vaya muchísimo más allá del susto fácil, que os encoja el corazón y os deje la mente dándole vueltas durante días, detened vuestra búsqueda. El artículo de Netflix ha estado inmensamente sembrado al rescatar Casa ajena (His House), una de las propuestas más desgarradoras, inteligentes y aclamadas del género en los últimos años, que utiliza los códigos de las casas encantadas para lanzar una cruda metáfora sobre el trauma y la culpa.

La historia sigue los pasos de Bol (Sope Dirisu) y Rial (interpretada por la al Oscar, Wunmi Mosaku, y a la que recordaréis por Sinners), una pareja de refugiados que logra escapar del horror de la guerra en Sudán del Sur para buscar asilo en el Reino Unido. Tras un durísimo proceso, las autoridades les asignan una vivienda social en un barrio marginal de Londres.

Sin embargo, el choque cultural es brutal: la pareja no solo debe enfrentarse al racismo sistémico del entorno, incluido el trato condescendiente de su asistente social, Mark, encarnado por un brillante Matt Smith, sino que chocan constantemente entre ellos sobre cuánto de sus raíces deben conservar para encajar en su nueva vida. Todo esto mientras cargan a sus espaldas con el duelo insoportable por la muerte de su hija, Nyagak, que falleció en el trágico viaje en patera hacia Europa.

La auténtica pesadilla estalla cuando intentan instalarse en las cuatro paredes de esa casa ruinosa y destartalada. Pronto comienzan a experimentar sucesos sobrenaturales espeluznantes: visiones inquietantes, ruidos extraños y la terrible certeza de que hay algo físico y malévolo moviéndose detrás del papel pintado de las paredes.

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Mientras Bol intenta ignorarlo de forma obsesiva para no perder su estatus de ‘buen ciudadano’, Rial se convence de que un apeth (una temible ‘bruja nocturna’ de la mitología de su país) los ha seguido desde el Viejo Mundo, y que está interpretada por el actor español Javier Botet. Este ente demoníaco les exige el pago de una misteriosa y oscura deuda a cambio de cumplir su mayor deseo: devolverle la vida a la pequeña Nyagak.

Con una atmósfera asfixiante y giros de guion que te van a dejar completamente descolocado, Casa ajena demuestra que los monstruos reales a menudo se camuflan en los recuerdos de los que intentamos huir. Una película imprescindible, madura y sobrecogedora que es un buen referente para el cine de terror contemporáneo.

Maleficio: El aterrador found footage taiwanés que te obligará a romper la cuarta pared

Si pensabas que el formato de metraje encontrado (found footage) ya no podía sorprendernos, prepárate para una de las experiencias más perturbadoras, virales y asfixiantes que ha parido el cine asiático reciente. Inspirada en una escalofriante historia real que conmocionó a Taiwán, Maleficio (Incantation), dirigida por Kevin Ko, es una propuesta de terror folclórico puro que juega con una premisa tan fascinante como peligrosa: en este universo, las intenciones y los rezos tienen un poder real, y devastador.

La trama se divide en dos líneas temporales que se entrelazan de forma magistral. Por un lado, viajamos seis años al pasado para descubrir el pecado original: Li Ronan (Tsai Hsuan-yen), estando embarazada, grabó junto a unos amigos un canal de internet dedicado a desmontar mitos sobrenaturales.

En su imprudencia, el grupo violó un estricto e innombrable tabú religioso de un culto sectario, desatando una horrible maldición ancestral que se cobró la vida de su novio y maldijo su linaje. Totalmente traumatizada, tras dar a luz a su hija Dodo (Sin-Ting Huang), Ronan decidió darla en acogida y buscar ayuda psiquiátrica para intentar recuperar la cordura.

La historia en el presente arranca con la madre ya recuperada, luchando con uñas y dientes por traer a la pequeña Dodo de vuelta a casa para empezar de cero. El problema es que el pasado nunca se queda enterrado: en cuanto vuelven a estar juntas, la presencia maligna, oscura y deforme que arruinó su vida reaparece para acecharlas a ambas, cebándose especialmente con la inocente niña.

recomendaciones de terror de Netflix

Y ya no digo nada más, porque si te cuento más detalles de la investigación o de la naturaleza del culto, te destrozaría la experiencia que incluye un giro argumental de los que te dejan con la boca abierta. Y te cuento algo bastante curioso: esta película requiere, de forma literal, la participación activa del público a través de la pantalla. Suena interesante, ¿verdad?

Con una puesta en escena que difumina por completo la barrera entre la realidad y la ficción, Maleficio te va a pedir que memorices un símbolo, que cantes un mantra (‘Hou-ho-xiu-yi, si-sei-wu-ma’) y que mires fijamente a la pantalla para ayudar a salvar a la niña. Una auténtica genialidad psicológica que te dejará una sensación de incomodidad tremenda, haciéndote dudar de si, al terminar de ver la película, te has llevado la maldición contigo a la cama. Avisado quedas: esta sugerencia de Netflix no se ve, se padece.

El ritual: El terror folclórico sueco que convierte la culpa en tu peor pesadilla

Continuamos con esta lista de recomendaciones de Netflix, con el listón bien alto. Ahora nos adentramos en los gélidos y asfixiantes paisajes nórdicos con una de las mejores películas de supervivencia y criaturas de la última década. Basada en la aclamada novela homónima de Adam Nevill publicada en 2011, El ritual es una lección magistral de cómo el suspense psicológico y el terror mitológico pueden fusionarse para dar forma a una experiencia perturbadora y visualmente potentísima.

La historia arranca seis meses después de que un grupo de amigos sufra una tragedia terrible: la muerte de uno de ellos en un violento atraco. Para honrar su memoria y cumplir el último deseo del fallecido, los cuatro supervivientes, protagonizados por Rafe Spall, Robert James-Collier, Arsher Ali, y Sam Troughton, deciden emprender una ruta de senderismo por las remotas montañas de Suecia.

Sin embargo, el ambiente está cargado de reproches silenciosos y una culpa devoradora. La situación pasa de castaño oscuro cuando uno de ellos se lesiona la rodilla en lo profundo del bosque primario; desesperados por acortar camino, cometen el error de manual de abandonar el sendero marcado para adentrarse en la espesura de la arboleda.

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A partir de ahí, la naturaleza deja de ser idílica para volverse hostil y desquiciante. El grupo empieza a toparse con extraños símbolos crípticos grabados en los troncos y, poco después, con la macabra estampa de un alce destripado y colgado a gran altura entre las ramas. Sin posibilidad de dar marcha atrás y bajo una tormenta inclemente, encuentran una desvencijada cabaña abandonada para pasar la noche.

Lo que hallan en su interior te va a revolver el estómago: un grotesco torso humano hecho de paja y madera, con astas de ciervo en lugar de manos. La velada se convierte en una auténtica tortura psicológica colectiva, y al despertar, la cordura del grupo salta por los aires: uno de ellos aparece con extrañas heridas punzantes en el pecho y otro se encuentra en estado de shock, rezando de rodillas a algo invisible que solo él puede ver en las sombras.

Bajo la tensa dirección de David Bruckner, El ritual destaca por no recurrir al susto fácil para hacerte pasar miedo del de verdad. El director utiliza la inmensidad del bosque, el crujido de las ramas y la niebla para jugar con nuestra mente, haciéndonos dudar de si lo que acecha a los protagonistas es una bestia ancestral de la mitología escandinava o simplemente la manifestación física de sus propios demonios internos. Una propuesta madura, asfixiante y con un diseño de criatura absolutamente soberbio que te mantendrá pegado a la pantalla, aguantando la respiración.

Crítica de The Ritual. De vuelta al terror bien hecho con un planteamiento aparentemente típico

La matanza de Texas: Leatherface se pasa a la era de los influencers en una secuela sangrienta

Y ahora nos topamos con el regreso de una de las leyendas más grandes, despiadadas y conocidas de la historia del cine de terror. Este remake estrenado en 2022 funciona como una secuela directa de la mítica e insuperable obra original de 1974 (La masacre de Texas), rescatando al mismísimo Leatherface, y a su inseparable motosierra para trasladarlos, sin ningún tipo de miramiento, a la era de la cultura de los influencers y la gentrificación.

La trama nos pone en la piel de dos hermanas, Lila (Elsie Fisher) y Melody (Sarah Yarkin), que viajan junto a un grupo de amigos al remoto, polvoriento y prácticamente abandonado pueblo rural de Harlow, en Texas. El plan inicial del grupo, liderado por Dante (Jacob Latimore), un ambicioso promotor inmobiliario, es comprar la mayor parte de las propiedades del lugar para subastarlas, revitalizar la zona y crear un auténtico paraíso idílico para creadores de contenido y jóvenes modernos.

Sin embargo, su llegada despierta tensiones inmediatas con los pocos lugareños que quedan, provocando enfrentamientos directos, especialmente con el encargado de mantenimiento que han contratado para limpiar la zona. Lo que estos confiados urbanitas no se huelen es que, al intentar expropiar la última casa del pueblo, van a despertar al monstruo que llevaba décadas dormido en las sombras, desatando una espeluznante y salvaje carnicería que tiñe de rojo los campos de Texas.

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Aunque la premisa de mezclar redes sociales con el slasher más puro de los setenta ha dividido profundamente a la crítica, esta versión moderna de la franquicia esconde un as bajo la manga que entusiasmará a los fans más acérrimos del terror: el regreso de Sally Hardesty (esta vez interpretada por Olwen Fouéré).

La mítica e icónica única superviviente de la matanza original de 1974 rompe su silencio y regresa a Harlow armada hasta los dientes, decidida a cobrarse su venganza personal y poner fin, de una vez por todas, a la sangrienta ola de crímenes de Leatherface. Si te apetece un festival de gore explícito, muertes creativas a cascoporro y una buena dosis de nostalgia gamberra sin demasiadas pretensiones intelectuales, dale al play porque la motosierra viene con el tanque de gasolina lleno.

La matanza de Texas (2022) de Netflix: carne insustancial pero apetitosa

Verónica: El expediente real de Vallecas que devolvió el terror español a lo más alto

No podíamos cerrar esta lista de recomendaciones del artículo de Netflix, sin barrer para casa, y recordar uno de los mayores hitos del cine de terror español de la última década. Bajo la dirección de Plaza Paco (co-creador de la mítica saga [REC]), Verónica es una asfixiante e incómoda joya de 2017 que nos traslada directamente a la España castiza de los noventa para narrar una historia donde el drama familiar y las fuerzas demoníacas se dan la mano.

La trama se ambienta en el madrileño barrio de Vallecas, concretamente el día del famoso eclipse solar de 1991. Aprovechando que todo el colegio está en la azotea mirando al cielo, Verónica (Sandra Escacena), una adolescente de 15 años sobrecargada por la responsabilidad de cuidar a sus tres hermanos pequeños, baja al sótano de su instituto católico junto a sus amigas Rosa (Ángela Fabián) y Diana (Carla Campra).

¿Su objetivo? Realizar una sesión de espiritismo con una Ouija para intentar contactar con su difunto padre. La sesión se tuerce por completo en el momento cumbre del eclipse y las chicas, presas del pánico tras un violento fenómeno, olvidan un paso crucial y obligatorio para cerrar el tablero: despedirse del espíritu.

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A partir de ese fatídico instante, la vida de Verónica se convierte en un calvario; acosada por extraños sucesos, sombras que reptan por los pasillos y una fuerza maligna que amenaza con destruir a su familia, la joven tendrá que buscar la forma de enmendar su error antes de que la oscuridad se la trague por completo.

Lo que hace que Verónica te hiele la sangre de verdad es saber que está inspirada libremente en el famoso ‘Expediente Vallecas’, el único informe policial en la historia de España donde un inspector dejó constancia escrita de haber presenciado fenómenos paranormales reales en una vivienda.

Con una banda sonora magistral a cargo de Héroes del Silencio, una ambientación nostálgica de la España de barrio y una interpretación debutante de Sandra Escacena que te rompe el corazón, esta película demuestra que el horror más absoluto puede esconderse detrás de las puertas de un piso de protección oficial. Si aún no la has sufrido (o quieres revivir el pavor bajo la manta), hazle caso a Netflix, porque es una obra maestra indiscutible de nuestra filmografía.

Crítica de Verónica: la adolescencia da miedo

Conclusión: ¿Tiene buen criterio Netflix con estas recomendaciones de terror?

Como has visto, la selección de terror que el gigante del streaming nos pone en bandeja en su artículo es de todo menos aburrida. Hay que reconocerle a Netflix que no se ha limitado a tirar de los cuatro blockbusters de siempre. Ha sabido rebuscar en el baúl para ofrecernos desde joyitas independientes de culto como Creep, o la desgarradora Casa ajena, hasta experiencias interactivas que te vuelan la cabeza como Maleficio, pasando por el gamberrismo puro de Leatherface o nuestra versión libre paranormal con Verónica.

Hay un menú para cada tipo de terror, ya seas de los que buscan un suspense psicológico que te deje pensando tres días, o de los que solo quieren ver sangre, palomitas y una motosierra rugiendo a todo trapo.

Ahora la pelota está en tu tejado. ¿Te vas a atrever a romper la cuarta pared cantando el mantra taiwanés, prefieres adentrarte en los perturbadores bosques de Suecia o vas a dejar que un disfraz de payaso te arruine las fiestas infantiles para siempre? Prepara una buena manta (de las que tapan los ojos si la cosa se pone fea), apaga las luces y dale al play sin miedo… o con mucho.

Retro-Análisis: Cry-Baby (1990), el Waters más comercial sin perder su esencia

Del todo es sabido el estilo provocador que John Waters impuso en muchas de sus películas y, aunque Cry-Baby no esté incluida en la primera etapa más trash del director, en esta crítica expondremos a un Waters en versión más comercial, pero sin perder la esencia que le hizo famoso en la década de los setenta.

Quién es John Waters y cuales son las características principales de su cine

John Waters es un director, guionista, escritor, y artista estadounidense, nacido en Baltimore en 1946. Es considerado como uno de los realizadores más influyentes del cine de culto. Su fama le vino a través de su forma irreverente y provocadora en películas mayormente de bajo presupuesto, que estaban hechas para desafiar las normas sociales y el concepto tradicional de «buen gusto». Es conocido como el «Pope of Trash» (el Papa del Trash) debido a su gusto por lo exagerado, lo excéntrico y lo marginal. Ejemplos de ese tipo de cine fueron Pink Flamingos (1972), Cosas de Hembras  (1974) o Polyester (1981).

Sus características a la hora de acometer sus historias son varias, entre las que destacan su amor por la estética trash y camp. Convierte las cosas vulgares y lo que podríamos considerar como mal gusto en una forma de humor y arte. Personajes marginados. Sus protagonistas acostumbran a ser delincuentes, inadaptados o excéntricos, en general personas que viven fuera de las normas sociales. Humor negro y provocación. Waters utiliza lo grotesco, situaciones en muchas ocasiones de mal gusto o absurdas para hacer temblar las convenciones morales de la sociedad.

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Defensa de la diferencia. Aunque nos parezcan provocaciones, el director de Baltimore trata de dar visibilidad a elementos marginales que no encajan en la sociedad dominante. Su cine, cómo no, su cine acostumbra a ser una crítica a la «familia perfecta», al famoso sueño americano o a la hipocresía que rodea a las clases medias y altas de la sociedad en su obsesión por la apariencia.  Muchas de sus historias tienen incluso a su lugar de nacimiento, Baltimore, como fondo argumental. La aparición del personaje de Divine le sirvió a Waters para mostrar, a través de ella, todo su universo personal. Se convirtió en su musa.

Qué nos cuenta Cry-Baby

La historia sigue a Wade Walker (Johnny Depp) (más conocido como Cry-Baby), un joven rebelde y carismático que es líder de una banda de inadaptados llamados los «Drapes». Su fama viene del hecho de que cuando algo le afecta emocionalmente, solo derrama una única lágrima. Su vida da un vuelco cuando conoce a Allison Vernon-Williams (Amy Locane), una joven perteneciente a la clase conservadora (y se supone que rica), siendo el flechazo entre ambos instantáneo.  Aun con las dificultades que su relación tiene en cuanto a diferencias de clase y demás obstáculos, tratarán de permanecer juntos.

Puntos a destacar de Cry-Baby

La capacidad que tiene la película para ser a la vez homenaje y parodia es uno de sus salientes. El director toma como referencia películas juveniles de los años 50 (razón por la cual está ambientada en esa época) como las protagonizadas por Elvis Presley o James Dean, para luego exagerarlas en todos sus elementos característicos y así convertirlo en sátira.

Para criticar algunos convencionalismos sociales (moral, apariencia, pertenencia a un grupo) hace que sus personajes representen arquetipos muy reconocibles: el chico rebelde, la chica «buena» que quiere saltarse las normas o los adultos con prejuicios.  Y en lugar de darles una forma seria, los lleva al extremo para poner el foco en lo absurdos que pueden ser en sus planteos morales.

Visualmente, Cry-Baby tiene mucho colorido y es llamativa gracias al vestuario, peinados, y dirección artística. Algunos de estos aspectos están idealizados y mostrados de forma caricaturesca para recrear la época recreada.  Y cada uno de los personajes es presentado como una versión exagerada de los estereotipos de los cuales se sirve Waters para conseguir su comedia satírica. La historia no busca ser realista, por lo que tanto los números musicales como algunas improbables situaciones improbables presentadas ayudan al objetivo general.

Johhny Depp. Esta película representó una gran oportunidad para el actor a la hora de poder plasmar su capacidad de interpretar personajes excéntricos (la cual sería incluso llevada después a otro nivel por Tim Burton)y alejarse un poco de los papeles de ídolo juvenil que mayormente le habían caracterizado. Esa combinación entre humor, sensibilidad y actitud desafiante hace de Depp en esta película uno de sus elementos más fuertes .

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La música es otro apartado a destacar. Las canciones inspiradas en el rock and roll de los años cincuenta son aprovechadas de manera satisfactoria y mantienen un ritmo dinámico y festivo.  Aparte de entretener, los números musicales buscan desarrollar los conflictos de los personajes y las relaciones entre ellos. Como hemos comentado más arriba, la crítica social a través del humor satírico funciona muy bien y toca temas como la hipocresía moral, los prejuicios de clase o la tendencia de la sociedad a etiquetar a las personas según su aspecto exterior.

A quién le podemos recomendar Cry-Baby

Evidentemente a los/las fans del cine de humor absurdo mezclado con elementos trash, polémicos o directamente extremos como le gustan a Waters, así como también a los que no tengan miedo a descubrir cine que no conocen o que quizás les incomode, pues finalmente, y como decimos siempre, un amante del séptimo arte debe ser una especie de esponja que absorba todo tipo de cine. Luego de ver Cry-Baby, si os gusta el estilo de Waters, podríais explorar un tipo de cine más extremo como el de sus inicios en la dirección y del cual podemos mencionar, a modo de ejemplo, títulos como Polyester o Pink Flamingos, aclarando, eso sí, que esta última no es apta para estómagos finos. Avisados estáis.

Os dejamos un enlace a mi anterior retro crítica en la web. AQUÍ

 

 

El cómic de la semana: Un mago de Terramar

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Un mago de Terramar. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hay libros que llegan antes de tiempo.

Libros que aparecen cuando el mundo todavía no está preparado para ellos y luego, décadas después, alguien mira hacia atrás y piensa que ¿cómo demonios nadie se dio cuenta de lo importante que era esto?.

Algo así pasa con Ursula K. Le Guin.

Una autora que no necesitaba dragones cada veinte páginas, mapas gigantescos con nombres imposibles ni señores con armaduras gritando «por Gondor» para construir mundos inolvidables.

Le Guin cogía la fantasía y decía ¿que pasaría si además de espadas y hechizos hablamos de crecer, equivocarse, tener miedo y aprender a ser una persona decente?

Esta semana el cómic que toca en nuestra sección es Un mago de Terramar, la novela gráfica que adapta la mítica novela de Le Guin con guion y dibujo de Fred Fordham, publicada recientemente por Planeta Cómic. Una nueva forma de acercarse a uno de los grandes clásicos de la fantasía.

Y ojo, porque no estamos hablando de cualquier libro.

Estamos hablando de una historia que lleva desde 1968 demostrando que la magia más poderosa no siempre es la que hace más ruido.

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Antes de Hogwarts existía Terramar

Vamos a decirlo claro. Cuando mucha gente piensa en una escuela de magia, piensa en Harry Potter llegando con su carta, sus gafas redondas y sus problemas familiares.

Pero antes estuvo Ged. Gavilán. Un joven con muchísimo talento y, como suele pasar con los jóvenes con muchísimo talento, con un pequeño problema, creía que el talento era suficiente.

Spoiler: nunca lo es.

Ged aprende magia en Terramar, un mundo formado por islas donde los nombres tienen poder y las palabras no son simples sonidos. Allí descubrirá que jugar con fuerzas que no entiendes suele acabar mal.

La novela gráfica recoge la etapa de formación del personaje, el nacimiento de Ged, su orgullo, sus errores y la criatura oscura que libera y que deberá enfrentarse a lo largo de su viaje.

Fred Fordham tenía una misión complicada

Convertir una novela como Un mago de Terramar en cómic no es simplemente poner dibujos bonitos al lado del texto. Eso sería lo fácil.

Lo difícil es capturar la atmósfera. Los silencios. Los momentos donde no ocurre una explosión, sino algo mucho más importante, un personaje cambia.

Fordham ya había demostrado capacidad para adaptar obras literarias al cómic, y aquí se enfrenta a una de esas historias donde cada gesto importa. Porque Ged no es un héroe perfecto. Y gracias a los dioses de la narrativa, no lo es. Estamos cansados de personajes que nacen sabiendo hacerlo todo bien.

Danos un protagonista que se equivoque. Que meta la pata. Que tenga que aprender. Que sea humano.

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Terramar sigue siendo más moderno que muchas fantasías actuales

Lo curioso es que han pasado décadas y Un mago de Terramar sigue funcionando porque no depende de modas.

No necesita copiar el éxito de otras franquicias. No necesita que alguien diga que hará un universo cinematográfico de Terramar con 14 series y 23 películas. Aunque, seamos sinceros, si alguien lo hace bien, aquí estaremos viendo dragones un martes cualquiera.

La obra de Le Guin sigue hablando de cosas tan actuales como el miedo al diferente, la responsabilidad del poder o la necesidad de conocernos a nosotros mismos.

Veredicto

Un mago de Terramar en formato novela gráfica es una puerta perfecta para volver a un clásico.

Para los que ya conocen a Ged, es una nueva forma de visitar un lugar querido.

Para los que nunca han pisado Terramar, es una invitación a descubrir que la fantasía puede ser mucho más que espadas, reyes y gente corriendo hacia una batalla con música épica de fondo.

Porque a veces el monstruo más peligroso no está en una cueva. Está dentro de uno mismo. Y eso, amigos, da bastante más miedo que cualquier dragón.

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Un mago de Terramar, de Ursula K. Le Guin reimaginado por primera vez como novela gráfica con una ilustración rica y expansiva.

Ged fue el mayor hechicero de Terramar, pero en su juventud fue el temerario Gavilán. En su ansia de poder y conocimiento, hurgó en secretos largamente guardados y liberó una terrible sombra sobre el mundo. Esta es la historia de su prueba: de cómo dominó las poderosas palabras de poder, sometió a un antiguo dragón y cruzó el umbral de la muerte para restaurar el equilibrio.

La adaptación gráfica del mundo fantástico concebido por la gran Ursula K. Le Guin, que entrelaza su amplitud cinematográfica con un drama profundamente personal, manteniéndose muy fiel a la historia original.

Las ilustraciones de Fordham capturan el realismo y la crudeza del universo de Le Guin con su característica atención al detalle, aportando una nueva perspectiva a la obra clásica de Le Guin tanto para lectores que ya conocían la obra como para nuevos públicos.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Planeta Cómic y el enlace a la editorial pinchando aquí. Un mago de Terramar

Un saludo y sed felices.

Oasis (Netflix). Un espejismo de lujo, adolescentes caprichosos, y un misterio que no termina de arrancar

Netflix acaba de estrenar a nivel global Oasis, la nueva gran apuesta de la ficción española que aspira a convertirse en el placer culpable de la temporada. Dirigida por nombres que conocen al dedillo el lenguaje del suspense y el melodrama, la serie nos traslada esta vez a un escenario tan deslumbrante como opulento: un exclusivo hotel de súper lujo blindado para las familias con el poder adquisitivo más alto del planeta.

Un entorno idílico donde las élites se esconden del resto del mundo y donde los problemas parecen no existir… hasta que la realidad estalla en su burbuja de oro.

La trama arranca con la misteriosa desaparición de una joven en extrañas circunstancias dentro del propio complejo hotelero. A partir de ese momento, lo que debían ser unas vacaciones de ensueño se transforman en una pesadilla de puertas para adentro, donde cada huésped VIP tiene algo que ocultar, y donde los trapos sucios de los más poderosos empiezan a flotar en la piscina infinita.

A primera vista, la propuesta maneja una estética brillante y de lujo (algo bastante normal en Netflix últimamente), y un toque a thriller de alta sociedad de lo más intrigante. Sin embargo, tras asomarse a sus primeros episodios, la fachada empieza a agrietarse.

Nos encontramos ante una producción que, lamentablemente, se pierde en un universo de adolescentes sin preocupaciones reales, alienando por completo a ese espectador que busca un misterio con madurez, garra y verdadero poso narrativo.

El envoltorio de oro de un hotel de cinco estrellas gran lujo

Si algo destaca en la serie es la ostentosa puesta en escena de la serie. Oasis entra por los ojos y es un auténtico festival visual. La fotografía exprime la luz mediterránea, los lujos arquitectónicos del hotel y una atmósfera sofisticada que evoca de inmediato a las grandes producciones internacionales de intrigas palaciegas modernas.

El despliegue de producción está ahí, los vestuarios de alta costura lucen impecables y el ritmo visual es dinámico, diseñado para atrapar al espectador desde el primer plano.

Oasis

El problema viene cuando rascas esa imagen superficial, y ves lo que hay debajo… Los personajes que pueblan este exclusivo resort se sienten planos, cortados por el patrón del cliché de «niño rico y malcriado». La serie se empeña tanto en retratar la frivolidad, los excesos y las dinámicas de estos adolescentes millonarios que se olvida de dotarles de humanidad.

Al no tener preocupaciones reales en su día a día, sus supuestos dramas resultan superficiales y ajenos para el espectador, haciendo que la angustia por la desaparición de la joven pase a un segundo plano sepultada por fiestas privadas y berrinches de diseño.

Un suspense que se diluye entre caprichos y privilegios

El guion de Oasis intenta jugar al despiste constantemente, utilizando el propio hotel como un laberinto donde todos son sospechosos: desde los hijos de los magnates hasta el propio personal que les sirve. Los finales de capítulo buscan el impacto inmediato en redes sociales, soltando revelaciones a contrarreloj y giros de manual para mantenerte enganchado al botón de ‘siguiente episodio’.

Sin embargo, esta acumulación de secretos a cascoporro termina por saturar una intriga que carece de rigor policial o psicológico. Las pistas se resuelven con demasiada comodidad gracias al estatus de los protagonistas, y los sospechosos cambian de nombre simplemente para rellenar minutos de metraje. Confundir la complejidad de un buen misterio con el amontonamiento de clichés adolescentes es un error que la serie arrastra desde su arranque, convirtiendo lo que podría haber sido una ácida sátira social, o un thriller tenso, en un culebrón veraniego que se muerde la cola.

Y por si os quedan dudas, esto es lo que dijo el creador de la serie, Ramón Campos (El caso Asunta) a Netflix: ‘El misterio es solo un pretexto. Quería hacer una serie para mis hijas, que tienen 14 años. Una historia que hable de lo que están viviendo ahora mismo: la amistad, los secretos, las dudas y esas primeras decisiones que empiezan a definirte.’

El reparto joven frente al reto del vacío narrativo

El elenco de la serie, compuesto por una hornada de caras nuevas con muchísima proyección y frescura en el entorno streaming, cumple físicamente con los cánones de belleza y actitud que exige este tipo de ficciones aspiracionales. Se nota el esfuerzo por dotar a las interpretaciones de cierta intensidad, especialmente en los momentos en que la investigación aprieta las tuercas a las familias del hotel.

Pero el talento juvenil se topa muy pronto con la barrera de unos diálogos acartonados y unas situaciones que rozan el absurdo por culpa de su desapego de la realidad. Es una lástima que una premisa con tanto potencial para explorar los límites del privilegio y la impunidad de las clases altas se quede en una opción tan artificial y acomodada, diseñada exclusivamente para el consumo rápido de la audiencia más joven.

Tomy Aguilera es Dani, un joven huésped del hotel que se enamora de Celia (Victoria Kantch), una mera conserje en el complejo hotelero. Esta historia a lo Titanic se verá truncada al desaparecer la joven. Oasis también cuenta con apariciones especiales de Unax Ugalde, Alicia Borrachero, Mercedes Sampietro, Paco Tous y Verónica Sánchez.

El resto de jóvenes protagonistas son Manel Duarte, Berta Castañé, Ada Molina, Alex Mola, Jan Buxaderas, Laura Simón, Candela Méndez, Amanda Palomino y Blas Polidori. 

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Veredicto final: ¿Merece la pena reservar habitación en ‘Oasis’?

Solo si tienes entre 14 y 17 años, o si buscas un chicle visual ligero y sin pretensiones. Si lo que tu cuerpo te pide para el fin de semana es un drama juvenil repleto de lujo, traiciones superficiales y un misterio liviano que ver de fondo mientras haces otra cosa, Oasis cumple su función de entretenimiento evadido.

Pero si vas buscando un thriller policíaco con la madurez de un buen rompecabezas, personajes de carne y hueso y una intriga que te mantenga en vilo, este hotel te va a aburrir a las primeras de cambio. Un espejismo muy bonito por fuera, pero bastante vacío por dentro.

¿Y vosotros? ¿Os habéis registrado ya en este exclusivo hotel de Netflix? ¿Os ha atrapado el misterio de la joven desaparecida o, como a mí, os ha parecido una historia demasiado adolescente y superficial?

Saludos, y sed felices.

Spider-Man: Brand New Day consigue la mayor cifra de preventa de entradas en el primer día de los últimos cinco años

Las entradas para Spider-Man: Brand New Day ya han salido en preventa en Estados Unidos (y en gran parte del mundo) y la película ha logrado la mayor cifra de ventas en el primer día desde Spider-Man: No Way Home de 2021, que acabó recaudando 1,9 mil millones de dólares.

Y es que Fandango, la compañía de preventa en Estados Unidos ha anunciado que la película del trepamuros es por tanto la cinta con mayor volumen de preventa de entradas en su primer día en 2026, superando a La Odisea, The mandalorian and Grogu y Proyecto salvación para convertirse en el mayor estreno cinematográfico tradicional del año.

‘The Mandalorian y Grogu’ (2026) | Entretenimiento puro sin complicaciones

La película también ha hecho historia al situarse entre las 10 mejores ventas anticipadas de entradas del primer día de todos los tiempos en Fandango, lo que la sitúa junto a algunos de los mayores lanzamientos de venta anticipada de la historia de la empresa.

Según Deadline, tras la puesta a la venta de las entradas, la película ha logrado las mejores ventas anticipadas del primer día en cinco años. La última vez que una película vendió tantas entradas fue en 2021, y se trataba de Spider-Man: No Way Home.

Crítica Sin Spoilers de Spider-man: No Way Home (2021) | Madura, emotiva y asombrosa

Recordemos que Spider-Man: No Way Home logró el segundo mejor estreno de la historia en la taquilla norteamericana con 260,1 millones de dólares (Vengadores: Endgame sigue ostentando el récord con la friolera de 357,1 millones de dólares). La superproducción se estrenó a nivel mundial con 600,5 millones de dólares, por detrás de Vengadores: Infinity War (640,5 millones de dólares) y Vengadores: Endgame (1,22 mil millones de dólares), y acabó recaudando un total de 1,9 mil millones de dólares. Hablamos de cifras de escándalo.

Análisis psicológico de Vengadores: Endgame (2019). Heroísmo, pérdida y resiliencia.

Aunque es demasiado pronto para dar estimaciones sobre el fin de semana de estreno, sería una sorpresa que Spider-Man: Brand New Day debutara con menos de 200 millones de dólares en el mercado americano, lo cual es una auténtica barbaridad. En cualquier caso, con el estreno de Vengadores: Doomsday a final de año, pinta a que no será el mejor estreno del año. Mala suerte.

El handicap de Spider-Man: Brand New Day es que en el extranjero, fuera de Estados Unidos parece que el interés por las películas de superhéroes ha disminuido. Además, China ya no es una fuente fiable de ingresos de taquilla. Y esto se extrapola por las flojas recaudaciones de Superman o Los 4 fantásticos Primeros pasos fuera del país del Tío Sam.

10 preguntas que nos deja Vengadores: Infinity War y sus posibles respuestas.

Os dejo a continuación enlace directo al artículo de Rodolfo con el último tráiler en español y español latino de Spider-Man: Brand New Day.

Ya tenemos nuevo tráiler de Spider-Man: Brand New Day

Novedades y reediciones de Astiberri Ediciones de julio de 2026

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Astiberri Ediciones previstas para este mes de julio. Vamos a echarles un ojo …

La cantina de medianoche

10. Tokyo Stories
Con su trazo depurado y un estilo muy personal, Yaro Abe, que cita a Yoshiharu Tsuge entre sus principales influencias, desgrana divertidos y conmovedores retratos de tokiotas variopintos en una tasca que alegra tanto el estómago como el corazón. La cantina de medianoche es todo un éxito en Japón donde se han producido dos películas basadas en el manga, que también tiene serie televisiva en Netflix con el título Midnight Diner: Tokyo stories. El manga ha vendido más de 7 millones de ejemplares en Japón.

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Heartstopper

6. Txirikordaturik | Edición en euskera
Cerramos la puerta al universo de Nick y Charlie que Alice Oseman abrió por primera vez oficialmente en 2016. Ahora, diez años después, llegan a su fin la serie de cómics y la adaptación audiovisual que relatan las aventuras de Nick y Charlie, en los que se recogen casi dos años de la vida de los protagonistas, con todos los cambios que experimentan. En este tomo, Nick y Charlie son conocidos por todo el mundo en el instituto y todos saben que van a estar juntos para siempre. Forman una pareja perfecta, sólida y llena de pasión. Al menos… desde fuera. La realidad, sin embargo, es más compleja: Charlie está a tope con la campaña de delegados y con el grupo de música, y Nick, que se está preparando para ir a la universidad, se plantea una pregunta desconcertante: ¿quién es él sin Charlie?

Astiberri

Arcanos menores

2. La rueda de la fortuna
Theresa se prepara para la gran reapertura de la tienda esotérica mientras el resto de los vecinos de Limberlost continúan con sus vidas. Su madre vive su último nuevo amor, Kelly reactiva la búsqueda de su hermano, y la relación de Theresa con Melissa y su actual pareja parece entrar en una nueva fase. Una vez instalada en Limberlost, Theresa deberá buscar respuestas en el hotel Edgewater y enfrentarse a decisiones cruciales que determinarán su futuro con el amor de su vida al tiempo que encara su propio pasado y las volátiles relaciones de su familia.

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Bone. Los scouts y las mostrorratas

Mucho antes de que los primos Bone se perdieran en el bosque inexplorado del Valle, Big Johnson Bone, el descubridor del río Rolling Bone, fundó Boneville. Pero poco se sabe de las aventuras de este gran explorador antes de que creara su famoso puesto comercial. Así que, cuando Smiley Bone se sienta con un grupo de jóvenes scouts para volver a contar las legendarias historias de los orígenes de Boneville, lo que escuchan son locas travesuras repletas de mostrorratas, dragones y un pequeño mono sarcástico. Este volumen recupera a todo color La historia perdida de Big Johnson Bone, que publicadamos en blanco y negro como parte de Estúpidas, estúpidas mostrorratas.

Losscoutsylasmostrorratas

Reboot de X-Men. Kevin Feige quiere «arriesgarse a lo grande y empezar de cero» con los mutantes de Marvel

El reboot de X-Men de Marvel Studios sigue tomando forma, y el guionista Lee Sung Jin ha arrojado ahora algo de luz sobre cómo él y el director Jake Schreier están abordando esta película tan esperada.

En una entrevista con Deadline, Lee Sung Jin comparó su trabajo en X-Men con su experiencia escribiendo Thunderbolts, explicando que esta última tenía más restricciones porque debía encajar en tramas y personajes preexistentes.

Esa película no solo tenía que retomar los hilos argumentales de varias películas y series del UCM, sino que también debía enlazar con Vengadores: Doomsday. Según Lee, hay mucha más libertad con la película de los mutantes de Marvel.

«Diría que, en realidad, había más limitaciones en Thunderbolts porque se encajaba en un arco argumental y unos personajes ya existentes, mientras que con X-Men, Kevin [Feige] solo quiere arriesgarse a lo grande y empezar de cero, sin estar condicionado por ninguna de las películas anteriores»

«Y Jake Schreier tiene una visión muy clara en cuanto a querer volver a centrarse primero en los personajes y en lo emocionante de aquellos primeros cómics escritos por [Chris] Claremont, que giraban en torno a la dinámica del equipo».

«Esos cómics tenían muchos elementos propios de las telenovelas. Hemos estado juntos en la sala todos los días»

«Kevin y Louis [D’Esposito] están tan metidos en el proyecto y tienen un instinto tan increíble que ha sido divertido simplemente dejar volar la imaginación».

Parece que Feige y su equipo buscan crear algo totalmente nuevo, al tiempo que se inspiran en la querida serie de cómics de Chris Claremont.

Sydney Sweeney y los X-Men. Sigue el rumor mutante que hace mucho ruido

Lee Sung Jin también reveló lo surrealista que ha sido la experiencia para él, como fan de toda la vida de los mutantes de Marvel.

«Soy un gran fan de LA FRANQUICIA (X-MEN). Mi padre y yo solíamos ver la serie en televisión todos los sábados por la mañana, así que poder mirar a mi alrededor en esta sala de reuniones de Marvel y tener a todos los personajes de X-Men en la pizarra, y poder lanzar ideas y improvisar diciendo: “¿Y qué tal este personaje?”

“Vaya, esto no va a ser una película convencional. De hecho, va a ser una nueva visión realmente emocionante”.

La mención a «todos los personajes de X-Men en la pizarra» sugiere que Marvel Studios está explorando todas sus opciones mientras forma este nuevo equipo. Dado que el director Schreier da claramente prioridad a las relaciones entre los personajes y a los elementos de telenovela que definieron la era de Claremont, es posible que, en última instancia, el reinicio acabe pareciéndose más a los cómics que cualquier adaptación anterior con actores reales.

Reboot de los X-men

Cuando se le preguntó qué le sirve de guía a la hora de escribir la película, Lee explicó que intenta satisfacer al fan que él mismo fue en su día.

«Me pregunto: “¿Mi yo más joven querría correr al cine a ver esto? ¿Estamos haciendo justicia a todo el increíble trabajo que sentaron los cómics? ¿Estamos yendo a lo seguro? ¿Estamos yendo más allá?”. Se trata simplemente de mirar a mi yo infantil, que amaba tanto a estos personajes, y asegurarme de que estamos haciendo lo correcto por él y por todos los demás fans que aman a X-Men».

Esto sugiere que Marvel Studios es consciente de las expectativas que rodean a la franquicia. El estudio se ve sometido a una gran presión para ofrecer una película que, por un lado, rinda homenaje a décadas de historia del cómic y, por otro, ofrezca al público algo nuevo. Afortunadamente, todo apunta a que lo conseguirá.

Un saludo y sed felices.

Alien vs X-Men, el cómic que enfrentará a los mutantes contra la especie más letal de la galaxia

Alien vs X-Men, un crossover de cuatro números (cómics) a cargo de Kieron Gillen, Geraldo Borges y Chris Claremont entre otros, llegará en septiembre de 2026. Ya tenemos datos y adelanto de este gran evento.

Este septiembre, Marvel Comics y 20th Century Studios unen fuerzas para una saga crossover especial que lleva décadas gestándose: Alien vs. X-Men. Por esto en las portadas, en la esquina superior izquierda aparece el logo de 20th Century Studios.

Tras el éxito arrollador de Alien vs Avengers, la línea de cómics Alien de Marvel evoluciona, enfrentando a los Hijos del Átomo contra el organismo perfecto del universo. Combinando la narrativa de superhéroes con el terror cósmico, la saga estará escrita por el guionista de X-Men, Kieron Gillen e ilustrada por el dibujante Geraldo Borges.

Fede Álvarez ya está trabajando en el guion de la secuela de Alien: Romulus

La serie también incluirá una historia extra de cuatro partes a cargo del legendario creador de X-Men, Chris Claremont, quien enfrenta a los xenomorfos con su propia creación extraterrestre parásita, los Brood, conocida en España como El nido.

Los X-Men salieron en busca de un huevo de Fénix. Encontraron algo más. Los X-Men regresan a la Tierra con un cargamento mortal, y comienza una violenta batalla entre mutantes y alienígenas. ¿Conseguirá un aliado inesperado inclinar la balanza a favor de los X-Men? ¿Sobrevivirá alguien a la experiencia? ¡Comienza la próxima evolución de los mutantes más poderosos de Marvel!

El director Jake Schreier ha revelado en qué serie de Marvel se inspirará su reboot de X-Men

Al hablar de su pasión por la saga Alien, Gillen (el escritor) dijo:

«Alien fue la primera película para mayores de 18 años que vi en mi vida. Aliens es una de las cuatro películas fundamentales de mi adolescencia sobre las que construí mi comprensión de la estructura narrativa. Cuando era un adolescente lleno de hormonas, tenía un póster de Alien colgado sobre mi cama».

«Me encanta tanto Aliens, que le estoy explicando a Geraldo los giros argumentales de forma poco útil, haciendo referencia a secuencias de dos segundos en las que aparecen personajes secundarios, como si a él le importaran Ferro y Dietrich tanto como a mí»

«Así que sí, para mí esto es algo que ocupa un lugar destacado en mi lista de cosas que hacer antes de morir, y estoy disfrutando muchísimo llevando a los X-Men en un ascensor exprés al infierno».

En la historia de Claremont, una joven Kitty Pryde se enfrenta a su mayor pesadilla cuando es perseguida por dos de los mayores terrores de la galaxia: el Nido y los Xenomorfos.

Claremont ha dicho lo siguiente:

«Para mí, lo más genial de todo esto es volver a un universo en el que puedo enfrentar a mis depredadores alienígenas más letales contra sus homólogos cinematográficos, con Kitty atrapada en medio. Kitty aporta la perspectiva de una heroína a este desafío que encarna el corazón y el alma de los X-Men. Esta historia está repleta de aventuras, además de algunas sorpresas alocadas por el camino».

Te dejamos dos portadas del primer número obra de Ryan Stegman e Iván Shavrin. A disfutarlas.

Alien vs X-Men

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Un saludo y sed felices.